Голландия подарила нам огромное количество самых известных, самых величайших художников за всю историю искусства. Голландия и Фландрия XV — XVII вв. была настоящей плодородной почвой для живописцев. Сейчас мы знаем их как великих голландских художников , великих нидерландских и фламандских художников. Их так много, что перечислять их сложно даже в письменном варианте. Каждый уважающий себя музей считает своим долгом приобретение для экспозиции полотна художников прошлого, выходцев из этих мест. Можно сказать, что они стали основоположниками многих жанров живописи, разработали особые техники изображения, пользуются которыми даже в наше время. Нидерландская школа живописи являлась одной из сильнейших в Европе. Вот лишь некоторые имена, которые известны на весь мир и которые знают даже те, кто вовсе не интересуется мировой живописью: , семейство Брейгелей, Ян Вермеер, Питер де Хох, Хуго ван дер Гус, Паулюс Поттер, Брауэр Адриан, Ян ван Эйк и многие-многие другие. Даже сложно себе представить, как бы выглядело искусство живописи, графики, если бы не было этого богатого художниками пласта в истории человечества.

Адриан ван Остаде. Торговка рыбой

Иероним Босх. Искушение святого Антония

Паулюс Поттер. Молодой бык

Питер де Хох. Дворик в Дельфте

Питер Клас. Натюрморт с крабом

Рембрандт. Ночной дозор

Франс Халс. Цыганка

Хуго ван дер Гус. Грехопадение

Ян Вермеер. Сводница

Питер Брейгель Старший. Охотники на снегу

Хотите пополнить коллекцию вашего фотоальбома профессиональными снимками? Для проведения семейных и детских фотосессий вас приглашает Family-studio . Профессионалы своего дела сделают такие фото, которые станут настоящим украшением для любого альбома.

История любой страны находит своё выражение в искусстве, и особенно показательна эта закономерность на примере живописи. В частности, на примере живописи Нидерландов, переживших революцию, которая сильно повлияла на дальнейшую судьбу некогда единого государства. В результате революции в XVII столетии Нидерланды поделились на две части : на Голландию и Фландрию (территория современной Бельгии), которая осталась под властью Испании.

Историческое развитие их пошло разными путями , равно как и культурное. А значит, стало возможным разделение некогда общего понятия нидерландской живописи на голландскую и фламандскую.

Голландская живопись

Культура Голландии XVII века — живое олицетворение торжества государства, получившего независимость. Художники, окрылённые вкусом свободы, наполнили это время пафосом социального, духовного обновления и впервые обратили пристальное внимание на окружающую их обстановку — природу, человеческий образ. Голландские жанристы вдохновляются обыденностью, мелкими будничными эпизодами, что и становится одной из характерных черт голландского реализма.

К тому же основными заказчиками искусства становились не только представители элитной верхушки, но и торговцы, крестьяне. Это отчасти и повлияло на развитие живописи как предмета интерьера, а также способствовало возрастанию общественного интереса к темам обыденной жизни.

Искусство Голландии XVII века славится разветвлённой жанровой системой живописи.

К примеру, среди пейзажистов были маринисты, художники, изображавшие виды равнинных мест или лесные чащи, также были мастера зимних пейзажей или картин с лунным светом; были жанристы, специализирующиеся на фигурах крестьян, бюргеров, на сценах домашнего быта; были мастера различных видов натюрмортов - «завтраков», «десертов» , «лавок».

Строгое сосредоточения живописца на одной подсистеме жанра способствовало детализации и совершенствованию всей голландской живописи в целом.

XVII век — это воистину золотая эпоха голландской живописи.

Художественные особенности

Свет и тонкое чувство цвета играют в картинах голландских художников главную роль.

К примеру, как в картинах Рембрандта — художника, ставшего олицетворением целой эпохи живописи Голландии. Рембрандт не боялся реалистичных деталей , противоречащих канонам изображения действительности, и оттого среди современников прослыл «живописцем уродства».

Рембрандт впервые придал особое значение игре света, что позволило ему изобрести отличную от остальных манеру письма. По словам Андре Фелибьена, «…часто он всего лишь наносил широкие мазки кистью и накладывал густыми слоями краски одну за другой, не давая себе труда сделать более плавными и мягкими переходы от одних тонов к другим».

«Возвращение блудного сына», 1666-1669

Ян Вермеер (Вермеер/Вермер Делфтский) – живописец гармонии и ясности видения мира. Известный силой своих образных решений и тенденцией к изображению опоэтизированной атмосферы обыденности, он уделял особое внимание красочному нюансу , что позволяло передать характер световоздушного пространства.

«Молодая женщина с кувшином воды», 1660-1662

Якоб ван Рёйсдал писал монументальные пейзажи в холодных тонах , которые воплотили его тонкое чувство драматичной и даже мрачной изменчивости мира .

«Еврейское кладбище», 1657

Альберт Кейп прославился необычным взглядом на композицию пейзажа – у него она дана, как правило, с низкой точки зрения, что позволяет передать обширность обозреваемого пространства.

«Коровы на берегу реки», 1650

Франс Халс (Гальс/Хальс ) известен выдающимися жанровыми и групповыми портретами , привлекающими своей характерностью.

«Цыганка», 1628-1630

Фламандская живопись

Во Фландрии культурный фон заметно отличался от Голландского. Феодальное дворянство и католическая церковь по-прежнему играли главную роль в жизни страны, являясь основными заказчиками искусства. Поэтому главными видами работ фламандской живописи оставались картины для замков, для городских домов богачей и величественные алтарные образа для католических церквей. Сцены античной мифологии и библейские сюжеты, огромные натюрморты, портреты именитых заказчиков, изображение пышных празднеств — основные жанры искусства Фландрии XVII в.

Фламандское искусство барокко (жизнерадостное, материально-чувственное, пышное в изобилии форм) сложилось из черт итальянского и испанского Возрождения в преломлении своего национального колорита, особенно проявившего себя в живописи.

Фламандская живость отличается монументальностью форм, динамичным ритмом и торжеством декоративного стиля. Особенно ярко это проявлялось в творчестве Питера Пауля Рубенса, ставшего центральной фигурой фламандской живописи.

Его стиль характеризуется пышным, ярким изображением крупных тяжёлых фигур в стремительном движении. Рубенсу свойственны тёплые богатые краски, резкие контрасты света и тени, общий дух победоносного праздника. Эжен Делакруа говорил:

«Его главное качество, если предпочесть его многим другим, — это пронзительный дух, то есть пронзительная жизнь ; без этого ни один художник не может быть великим… Тициан и Паоло Веронезе кажутся рядом с ним ужасно смирными».

Всё присущее его кисти и стало общими чертами целой школы.

«Союз Земли и Воды», 1618

Искусство Якоба Йорданса привлекает жизнерадостностью, монументальностью , но при этом и искренней непосредственностью – любовь Йорданса к изображению богатых пиршеств (неоднократное повторение сюжета «Бобового короля» тому подтверждение. Кстати, бобовым королем на пирах избирали любого нашедшего в своем куске пирога запечённый боб) и героев христианских легенд как пышущих здоровьем фламандцев воплощает дух культуры Фландрии XVII века.

«Праздник бобового короля», 1655

Антонис Ван Дейк – портретист, создавший тип аристократического портрета, исполненного тончайшим психологизмом, выраженным во внимании к динамике силуэта и общей экспрессивности типажей.

«Портрет Карла I на охоте», 1635

Франс Снейдерс известен изображением чувственной природы вещей, представленной красочностью и монументальностью декоративных натюрмортов, анималистических полотен.

«Фруктовая лавка», 1620

Ян Брейгель Младший – внук художника Питера Брейгеля Старшего, запомнившийся умелым смешением пейзажа и бытовой живописи, пейзажа и аллегоричных мифологических сюжетов, а также талантливой передачей эффекта панорамы из-за высокого расположения горизонта.

«Флора на фоне пейзажа», 1600-1610

Основные различия голландской и фламандской живописи

1. В Голландии главным заказчиком искусства становится рабочий слой населения, во Фландрии — королевский двор и знать.
2. Сюжеты. Разные заказчики просят разного. Простой народ заинтересован в картинах, изображающих окружающую обыденность, среди знати ожидаемо востребованы античные и библейские сюжеты, демонстрация роскоши .
3. Манера письма. Характерной чертой голландской живописи становится тонкое чувство светотени. Отныне это главный инструмент, позволяющий облагородить изображение неприглядной реальности. Во фламандской живописи центральное положение занимают характерные для барокко средства художественной выразительности — пышность форм, блестящий колорит, изобилие и роскошь .

Конец эпохи голландской и фламандской живописи можно назвать схожим — под воздействием влияния французских вкусов и воззрений и голландское, и фламандское национальное сознание постепенно слабеет, а оттого понятие фламандской и голландской живописи становится историческим прошлым.

События XVII века в Голландии и Фландрии подарили миру выдающихся авторов и свежий взгляд на общее развитие тенденций мировой живописи.

Источники:

1. Малая история искусств. Западноевропейское искусство XVII.

2. Фламандское и голландское искусство XVII в. Как два полюса мироощущения суток // banauka.ru/6067.html.

3. Эпоха искусства Возрождения в Нидерландах // http://m.smallbay.ru/article/later_renaiss_niderland.html.

Голландская живопись до конца XVI века нераздельно связана с фламандской и имеет общее название «нидерландской школы». Обе они, являясь ответвлением немецкой живописи считают своими родоначальниками братьев ван-Эйков и долго идут по одному направлению, развивают одну и ту же технику, так что художники Голландии ничем не отличаются от своих фландрских и брабантских собратий.

Когда голландский народ избавился от угнетения Испании, голландская живопись приобретает национальный характер. Голландских художников отличает воспроизведение природы с особой любовью во всей ее простоте и правде и тонкое чувство колорита.

Голландцы первые постигли, что даже в неодушевленной природе все дышит жизнью, все привлекательно, все способно вызывать мысль и возбуждать движение сердца.

Среди пейзажистов, истолковывающих свою отечественную природу, особенно уважаются Ян ван Гойен (1595-1656), который, вместе с Эзаиасом ван де Вельде (ок. 1590-1630) и Питером Молейном Старшим (1595-1661), считается основателем голландского ландшафта.

Но художников Голландии нельзя распределить на школы. Выражение «голландская школа живописи» весьма условно. В Голландии имели место организованные общества художников, представлявшие собой свободные корпорации, защищавшие права их членов и не влиявшие на творческую деятельность.

Особенно ярко сияет в истории имя Рембрандта (1606-1669), в личности которого сосредоточились все лучшие качества голландской живописи и его влияние отразилось во всех ее родах - в портрете, исторических картинах, бытовых сценах и пейзаже.

В XVII веке успешно развивалась бытовая живопись, первые опыты которой отмечаются еще в старой нидерландской школе. В этом жанре наиболее известны стали имена Корнелиса Бега (1620-64), Рихарта Бракенбюрга (1650-1702), Корнелиса Дюзарта (1660-1704) Генрика Рокеса, прозванного Зоргом (1621-82),

К разряду жанристов можно причислить художников, писавших сцены военного быта. Главный представитель этой отрасли живописи - знаменитый и необычайно плодовитый Филипс Воуверман (1619-68)

В особый разряд можно выделить мастеров, которые в своих картинах соединяли пейзаж с изображением животных, Знаменитейший в ряду таких живописцев сельской идиллии - Паулюс Поттер (1625-54); Альберт Кейп (1620-91).

С величайшим вниманием художники Голландии относились к морю.

В творчестве Виллема ван де Вельде Старшего (1611 или 1612-93), его знаменитого сына Виллема ван де Вельде Младшего (1633-1707), Людольфа Бакгейзена (1631-1708), живопись морских видов составила их специальность.

В области натюрморта приобрели наибольшую известность Ян-Давидс де Гэм (1606-83), его сын Корнелис (1631-95), Абрагам Миньон (1640-79), Мельхиор де Гондекутер (1636-95), Мария Остервейк (1630-93).

Блестящий период голландской живописи тянулся недолго - лишь одно столетие.

С началом XVIII в. наступает ее упадок, причиной тому вкусы и воззрения напыщенной эпохи Людовика XIV. Вместо прямого отношения к природе, любви к отечественному и искренности водворяется господство предвзятых теорий, условность, подражание корифеям французской школы. Главным распространителем этого прискорбного направления был поселившийся в Амстердаме фламандец Герард де Лересс (1641-1711),

Упадку школы способствовал также знаменитый Адриан ван де Верфф (1659-1722), тусклый колорит картин которого казался некогда верхом совершенства.

Чужеземное влияние тяготело над голландскою живописью до двадцатых годов XIX века.

Впоследствии голландские художники обратились к своей старине - к строгому наблюдению природы.

Особенно богата новейшая голландская живопись пейзажистами. К их числу принадлежат Андреас Схелфхаут (1787-1870), Барент Куккук (1803-62), Антон Мауве (1838-88), Якоб Марис (р. 1837), Иоганнес Вейссенбрух (1822-1880) и др.

Между новейшими маринистами Голландии пальма первенства принадлежит Иоханнесу Схотелю (1787-1838).

В живописи животных выказал большое искусство Воутерс Версхур (1812-74).

Купить репродукции картин голландских художников вы можете в нашем интернет-магазине.

С торжеством буржуазного строя и кальвинизма оплоты монументально-декоративного и церковного искусства в Голландии рушились. Задачи по росписи дворцов и замков, ставившиеся художниками барокко в монархических странах, в Голландии почти не имели места. Дворянство было слишком слабо, чтобы обеспечить существование большого декоративного искусства. Кальвинизм, с другой стороны, был против картин в своих храмах.
Спрос на произведения живописи был тем не менее чрезвычайно велик. Он шел по преимуществу от частных лиц, и притом в значительной мере от кругов, не обладавших крупным материальным достатком. Развивается и становится господствующим тип небольших станковых картин, рассчитанных на то, чтобы висеть в скромных по размерам помещениях. Наряду с заказами картины еще чаще исполнялись для художественного рынка, и торговля ими была широко распространенным явлением. Большой спрос на картины обусловил огромную продукцию, и из-за их перепроизводства очень многим художникам приходилось искать кроме занятия своей прямой профессией еще другие источники существования. Выдающиеся живописцы нередко оказываются то садоводами, то содержателями трактиров, то служащими (Гойен, Стен, Гоббема и др.).
В отношении тематики и изобразительных приемов в голландской живописи 17 века всецело господствует начало реализма. От художника требовалась прежде всего правдивая передача внешних форм окружающей жизни во всем многообразии ее явлений.
Возросшее в новом буржуазном обществе значение личности имело своим следствием чрезвычайное распространение портрета. Длительный период борьбы, где победитель почувствовал свои силы, способствовал этому процессу. Крупная роль, которую играли тогда различные организации и в первую очередь стрелковые общества, вызвала к жизни особый тип группового общественного портрета, который получает широкое развитие и становится одним из специфических явлений голландской живописи. Вслед за многочисленными групповыми портретами стрелков появляются аналогичного характера группы представителей тех или иных торговых цехов, корпораций медиков (так называемые «анатомии»), руководителей богаделен.
Напряженность сопротивления иноземным захватчикам обострила национальное чувство. От искусства стала требоваться не только правдивость - оно должно было изображать свое, народное людей и обстановку сегодняшнего дня, неприкрашенные картины родной природы, все, чем гордилось сознание и что привык видеть глаз: корабли, прекрасный скот, обилие снеди, цветы. Господствующими видами тематики наряду с портретом стали жанр, пейзаж, изображения животных и натюрморт. Отвергнутая протестантской церковью религиозная живопись не исключалась, но не играла сколько-нибудь крупной роли и приобрела совершенно другой характер, чем в странах властвующего католицизма. Мистическое начало было вытеснено в них реалистической трактовкой сюжетов, и картины этого круга облекались по преимуществу в формы бытовой живописи. Сцены из античной истории встречаются как исключение и используются для намеков на актуальные политические события. Как все аллегории, они имели успех в узких кругах, причастных к литературно-гуманитарным интересам.
Типичной особенностью голландской школы этого времени является постоянно наблюдаемая у ее представителей узкая специализация по отдельным видам тематики. Эта специализация приводит к дифференциации жанров: одни художники разрабатывают почти исключительно бытовые сцены из жизни средних и высших слоев буржуазии, все внимание других направлено на крестьянский быт; среди пейзажистов у многих с трудом можно найти что-либо иное, кроме равнин, каналов, селений и пастбищ; других влекут лесные мотивы, третьи специализируются на изображении моря. Голландские художники не только ставят себе задачей точную передачу изображаемых предметов и явлений, но стремятся дать впечатление пространства, равно как воздействие на формы окутывающих их атмосферы и света. Проблема передачи света и воздуха является общим и основным живописным исканием голландской школы 17 века. Тем самым живопись невольно приобретает начало эмоциональности, вызывая у зрителей определенные настроения.
Первая четверть 17 века является для живописи Голландии переходным периодом, когда только что отмеченные черты еще не получили своего полного развития. С тематической стороны основные виды голландской живописи - пейзаж и быт - пока сравнительно мало дифференцированы. И жанровые и пейзажные элементы в картинах этого времени часто равнозначны. В чисто видовых изображениях много условностей как в общем построении пейзажа, так и в колорите.
Наряду с продолжающими жить местными реалистическими традициями сильно влияние Италии, в частности как ее маньеристических течений, так и реалистического искусства Караваджо. Типичнейшим представителем последнего направления был Хонтхорст (1590-1656). Очень заметным оказывается также воздействие на голландцев работавшего в начале 17 века немецкого художника Адама Эльсхеймера (1578-1610). Романтизм трактовки тем, выбираемых из Библии или из античной литературы, а также известный ориентализм (влечение к Востоку), выразившийся в подборе типов, одеяний и прочих деталей, сочетаются в его творчестве с повышенным стремлением к декоративным эффектам. Как крупнейший художник этой группы выдвинулся Питер Ластман (1583-1633).
Франс Хальс. Первым по времени художником, с творчеством которого голландская школа вступает в период полного расцвета, является Франс Хальс (ок. 1580-1666). Его деятельность почти целиком прошла в Гарлеме. Здесь уже около 1616 года он выдвигается как передовой крупнейший портретист и сохраняет свою роль в этой области до конца жизни. С появлением Хальса строго реалистический и остро индивидуальный голландский портрет достигает зрелости. Все робкое, мелкое, натуралистическое, отличающее его предшественников, оказывается преодоленным.
Начальная фаза искусства Хальса не выяснена. Мы сразу видим мастера решающим труднейшую проблему группового портрета. Он пишет одну за другой картины, изображающие стрелков корпорации св. Адриана и св. Георгия (Гарлем, Музей Франса Хальса), где с неподражаемой легкостью переданы и оживленность многолюдного собрания и яркость типов каждого из присутствующих. Живописное мастерство и композиционная находчивость группировок идут в этих портретах рука об руку с необычайной остротой характеристик. Хальс не психолог: душевная жизнь его моделей обычно проходит для него мимо. Да и пишет он по большей части людей, вся жизнь которых протекает в условиях напряженной, активной деятельности, однако не слишком углубляющихся в вопросы психологического порядка. Зато Хальс, как никто, улавливает облик этих людей, умеет схватить самое мимолетное, но вместе с тем и самое характерное в выражении лица, в позе, в жестикуляции. Жизнерадостный по природе, он стремится запечатлеть каждый образ в миг оживления, радости, и никто с такой тонкостью и разнообразием, как он, не передает смеха. Портрет офицера (1624, Лондон, собрание Уоллес), покачивающийся на стуле «Гейтгейзен» (конец 1630-х гг., Брюссель, картинная галерея), «Цыганка» (конец 1620 гг., Лувр), или так называемая «Гарлемская ведьма», - «Малле Боббе» (Берлин) могут быть названы как характерные примеры его острого и часто задорного искусства. Мужчины, женщины, дети портретируются им с одинаковым ощущением живого образа («Портрет молодого человека с перчаткой», ок. 1650 г., Эрмитаж). Впечатлению живости способствует и сама техника Хальса, необычайно свободная и растущая с годами в своей широте. Декоративная красочность ранних работ впоследствии умеряется, колорит становится серебристым, свобода владения черными и белыми тонами говорит о мастерстве, могущем позволить себе смелейшие живописные дерзания. В некоторых работах намечаются импрессионистические приемы колористических решений. Хальс пишет бесчисленные индивидуальные портреты до последних лет жизни, но кончает снова групповыми портретами. Обобщенные по колориту, обнаруживающие старческую слабость руки в рисунке, они остаются тем не менее необычайно выразительными. Их персонажи представляют группы старейшин богадельни (1664, Гарлем, Музей Франса Хальса), где восьмидесятилетний художник нашел себе последний приют. Его искусство было слишком передовым по своему времени, чтобы обеспечить материальный успех в среде тогдашнего буржуазного общества.
Рембрандт. Поколением позже, чем Хальс, на фоне утверждающегося голландского реализма вырастает гигантская фигура Рембрандта (1606-1669). Его творчество составляет величайшую гордость Голландии, но значение этого мастера не ограничивается рамками одной национальности. Рембрандт представляется одним из крупнейших художников-реалистов всех времен и вместе с тем одним из величайших мастеров живописи.
Рембрандт Харменс ван Рейн родился в 1606 году в Лейдене и был сыном зажиточного владельца мукомольной мельницы. Он рано обнаружил влечение к живописи и после недолгого пребывания в Лейденском университете всецело отдался искусству. По окончании обычного трехгодичного срока обучения у малозначительного местного художника Якова Сванненбурха Рембрандт отправился для усовершенствования в Амстердам, где сделался учеником Ластмана. Усвоив ряд приемов последнего, он воспринял и влияние реалистического направления караваджистов.
Вернувшись в Лейден, Рембрандт начал работать в качестве самостоятельного мастера, имел большой успех, и этот успех побудил его переселиться в Амстердам, где он и обосновался с 1631 года. Здесь Рембрандт очень скоро сделался модным художником, засыпаемым заказами и окруженным множеством учеников. Вместе с тем открылась и наиболее яркая пора в его личной жизни.
В 1634 году он женился на молодой, миловидной девушке Саскии Ван-Улен-борг, принадлежащей к видной буржуазной фамилии Амстердама и принесшей ему в приданое крупное состояние. Оно увеличило и без того возраставший достаток преуспевающего мастера, обеспечило ему материальную независимость и вместе с тем позволило отдаться страсти к коллекционированию произведений искусства и всевозможных антикварных вещей.
Уже за время пребывания Рембрандта в Лейдене и тем более после переселения в Амстердам основные черты его искусства сказываются со всей определенностью. Круг его изображений охватывает религиозные сюжеты, историю, мифологию, портрет, жанр, мир животных, пейзаж, натюрморт. В центре внимания Рембрандта все же стоит человек, психологически верная передача характеров и душевных движений. Этот интерес к психологическим проблемам проявляется в бесчисленных портретах, равно как и в излюбленных Рембрандтом библейских темах, дающих ему желанный повод для изображения человеческих отношений и характеров. Присущий мастеру изумительный дар повествования позволяет ему увлекать зрителей не только выразительностью образов, но и занимательностью подачи выбранного сюжета.
Образы Рембрандта выявляют его глубоко реалистическое понимание задач искусства. Он постоянно изучает натуру и зорко вглядывается во все формы окружающей действительности. Его внимание привлекает все, в чем ярко выражена характерность: экспрессия лиц, жесты, движения, костюмы. Свои наблюдения он фиксирует то в рисунках, то в живописных этюдах. Последние приходятся главным образом на его ранний период. Приобретенное знание формы и ее выразительности становится затем неотъемлемой частью всех композиционных работ Рембрандта и сообщает им необычайную правдивость.
Параллельно с обостренным вниманием к сущности явлений Рембрандт всецело поглощен чисто живописными проблемами и главным образом проблемой светотени. Своеобразие и мастерство ее решений принесли ему славу величайшего живописца. Изощренность рембрандтовского света в сочетании с колористическими эффектами представляет в картинах мастера высокую художественную ценность. Но это не только самодовлеющая декоративная ценность. У Рембрандта трактовка эффектов освещения является вместе с тем одним из главнейших средств выявления характера образов. Его композиция строится на соотношении освещенных и теневых планов. Их распределение, выделяющее одни формы и скрадывающее другие, привлекает внимание зрителя к тому, что является особо существенным для повествования или характеристики и тем самым усиливает выразительность. Живописная сторона органически связана с содержанием.
Художественная деятельность Рембрандта от начала до конца проникнута внутренним единством. Но его творческий путь позволяет тем не менее различать ряд явственно выраженных этапов, характеризуемых некоторыми специфическими чертами.
После лет ученичества и первых самостоятельных шагов таким новым этапом являются 1630-е годы. В этот период у Рембрандта сильны, с одной стороны, романтические элементы и фантастика, с другой - формальные черты искусства барокко. Впечатление фантастики вызывается при этом главным образом эффектом освещения, далеко не всегда зависящего от определенного источника, но порожденного как бы излучающей способностью самих предметов. Для барочных тенденций рембрандтовского искусства этого периода показательны возбужденность художественного языка, динамичность и пафос композиций, отчасти резкость колорита. На этой ступени у Рембрандта постоянна склонность к театрализации образов, побуждающая мастера писать самого себя и своих близких наряженными в пышные плащи, шлемы, тюрбаны, береты или изображать Саскию то в образе библейских героинь, то античной богиней.
К заказным портретам он подходит, конечно, иначе. Отличающие их живость характеристики, мастерство лепки форм, искания нарядности и в то же время известная строгость оправдывают его тогдашнюю славу как портретиста. Групповой портрет, известный под названием «Анатомия доктора Тюльпа» (1632, Гаага, Маурицхейс,) где к отмеченным чертам присоединилось умение объединить изображенных лиц общностью внимания к лекции, читаемой Тюльпом у анатомического стола, был первым особенно громким успехом Рембрандта.
При крайнем обилии портретных работ, падающих на рассматриваемое десятилетие, Рембрандт находил время и для увлекавшей его фигурной, повествовательной живописи. «Ангел, покидающий семейство Товия» (1637, Лувр) может служить примером отмеченных барочных черт этого периода. Заимствованный из Библии сюжет, где представлен момент, когда ангел, помогший сыну Товия исцелить отца, покидает облагодетельствованное им семейство, насыщен элементами жанра. Еще определеннее жанровый подход к теме улавливается в эрмитажной картине «Притча о виноградарях» (1637). В этом случае евангельская притча превращается в чисто реалистическую сцену расчета богатого хозяина с рабочими. Верность жестов и выражения лиц здесь не менее характерны для Рембрандта, чем живописная проблема передачи света, струящегося в небольшие окна и замирающего в глубине высокого полутемного помещения.
Живописное мастерство и характерный для Рембрандта в 1630-е годы зеленовато-золотистый колорит проявляются со всей полнотой в одной из знаменитейших его картин - эрмитажной «Данае» (1636). По ощущению жизни в передаче тела, в жесте, в экспрессивности лица она необычайно ярко выявляет реализм художественной концепции мастера в эту пору его творческого развития.
С началом 1640-х годов творчество Рембрандта вступает в новую фазу, длящуюся до середины следующего десятилетия. Самостоятельность понимания мастером задач искусства, его стремление к глубокой жизненной правде, интерес к психологическим проблемам, с годами сказывавшийся все более и более, выявили в Рембрандте крупнейшую творческую индивидуальность, далеко опередившую культуру окружавшего его буржуазного общества. Глубокое содержание рембрандтовского искусства последнему было недоступно. Оно хотело искусства реалистического, но более поверхностного. Своеобразие живописных приемов Рембрандта в свою очередь шло вразрез с общепринятой тщательной, несколько прилизанной манерой письма. По мере того как времена национальной героической борьбы за независимость отодвигались в прошлое, во вкусах господствующей среды росли тенденции к нарядности и известной идеализации образа. Неуступчивость взглядов Рембрандта, подкрепленная его материальной независимостью, привела его к полному расхождению с обществом. Этот разрыв с буржуазной средой сказался со всей определенностью в связи с заказом мастеру большого группового портрета гильдии амстердамских стрелков. Исполненная в результате этого заказа картина (1642, Амстердам) не удовлетворила заказчиков и осталась непонятой даже художественными кругами. Вместо более или менее обычной портретной группы Рембрандт дал картину выступления вооруженной дружины, устремяющейся под звуки барабана за своими вождями. Портретная характеристика изображенных отступила на второй план перед динамичностью сцены. Широко задуманная живописность контрастов светотени сообщила при этом картине романтический характер, породив и ее условное название - «Ночной дозор».
Конфликт с господствующей средой и резкое вследствие этого падение заказов не сказались на творческой энергии мастера. На ней не отразилось также и изменение семейных условий Рембрандта, потерявшего в год создания только что упомянутой картины свою любимую жену, бывшую постоянной вдохновительницей его женских образов. Через несколько лет ее место занимает другая. Появляющаяся сначала в скромной роли служанки, Гендрике Стоффельс становится затем верной подругой жизни мастера и обеспечивает ему мир и тишину семейного уюта.
Наступивший период был благоприятен для развития искусства Рембрандта. Задор юности исчезает из его творчества. Оно становится сосредоточенней, уравновешенней и еще глубже. Сложность композиций и пафос сменяются тяготением к простоте. Искренность чувства не нарушается исканием внешних эффектов. Проблема светотени по-прежнему владеет вниманием мастера. Колорит становится горячее. Золотисто-желтые и красные тона в нем доминируют. Религиозная по характеру тематики, но чисто жанровая по трактовке сюжета, эрмитажная картина «Святое семейство» (1645) чрезвычайно характерна для этого времени.
Наряду с библейски-жанровыми композициями этот период изобилует новым для Рембрандта видом изображения действительности - пейзажами. Отдавая в отдельных случаях дань своим романтическим влечениям, он создает наряду с этим захватывающие строгим реализмом подхода картины неприкрашенной голландской деревни. Маленький «Зимний вид» (1646, Кассель), изображающий в свете ясного морозного дня крестьянский двор и несколько фигур на глади замерзшего канала, по тонкости чувства и правдивости зрительного восприятия служит одним из совершеннейших образцов реалистического пейзажа голландцев.
В портретах Рембрандт оказывается теперь свободнее при выборе моделей и пишет по преимуществу лица с ярко выраженной индивидуальностью. Это главным образом пожилые женщины и старики-евреи. Но с той же остротой он оказывается в состоянии передавать очарование молодого женского лица или обаяние юношеского облика. Все мелочное уступает в этих портретах обобщенной, но вместе с тем необычайно острой подаче образа. Этому в значительной мере способствует возрастающая широта манеры технического выполнения.
Несмотря на обширность и художественную ценность созданного за этот период, финансовое положение Рембрандта к середине 1650-х годов оказалось чрезвычайно трудным. Из-за падения числа заказов, трудного сбыта картин и в особенности небрежности мастера в ведении своих дел Рембрандт испытывал большие материальные затруднения. Долг, связанный с приобретением еще при жизни Саскии дорого стоившего дома, грозил полным разорением. Попытки выпутаться из задолженности могли только отстрочить катастрофу, но она все же разразилась. Летом 1656 года Рембрандт был объявлен несостоятельным и все его имущество было продано с аукциона. Лишенный привычного крова, он вынужден был перебраться с семьей в бедный еврейский квартал торговой столицы, и здесь в остро ощущаемом недостатке протекали его последние дни.
Эти невзгоды, как и постигшие Рембрандта затем несчастия - смерть Гендрике, смерть единственного сына Титуса, - были бессильны остановить дальнейший рост его гения. Конец 1650-х и 1660-е годы - наиболее грандиозная фаза творчества Рембрандта. Она представляет как бы синтез всех его предшествующих психологических и живописных исканий. Исключительная сила образов, простота замысла, интенсивность горячего колорита и размах живописной фактуры составляют основные особенности этого периода. Эти качества одинаково проявляются как в портретах, так и в библейских композициях. Созданный в это время групповой портрет «Синдики» (старейшины суконного цеха, 1662, Амстердам) заслуженно считается одной из вершин творчества Рембрандта). Острая психологическая характеристика, простота построения, скрадывающая непогрешимость ритма линий и масс, равно как и скупой по количеству цветов, но интенсивный колорит суммируют в себе весь предшествующий путь Рембрандта-портретиста. В области библейской живописи та же роль принадлежит «Возвращению блудного сына», находящемуся в Эрмитаже. Сцена примирения раскаявшегося в своем беспутстве сына и всепрощающего отца по простоте, драматизму и тонкости передачи человеческих переживаний остается непревзойденной в мировом искусстве. Ей трудно найти что-либо равное и по насыщенности тона и широте письма.
«Блудный сын» - одна из самых последних картин мастера и, по-видимому, датируется 1669 годом - годом смерти Рембрандта. Смерть эта прошла совершенно незамеченной, и лишь много лет спустя, в 18 веке, стало расти понимание искусства этого великого художника.
Значение Рембрандта обусловлено наряду с живописью мастера его огромным наследием как графика. Все отмеченные выше свойства работ Рембрандта сказались в графических произведениях не менее ярко, чем в живописи, и притом как в оригинальных рисунках, так и в области печатной графики, гравюры. В последнем отношении Рембрандт является величайшим мастером офорта.
Для его характеристики офорты имеют не меньшее значение, чем картины. Отличающие Рембрандта глубина психологического анализа, выразительный реализм образов и совершенство владения художественной техникой сказались в длинном ряде замечательных листов, тематически еще более разнообразных, чем живопись мастера. К числу особенно знаменитых принадлежат «Христос, исцеляющий больных» (так называемый «Лист в сто флоринов», ок. 1649 г.), «Три креста» (1653), портреты Лутмы (1656), Харинга (1655), Сикса (1647), а также пейзажи, известные под названием «Три дерева (1643) и «Поместье весовщика золота» (1651).
Не менее значительное место в графическом наследии Рембрандта занимают рисунки. Острота и своеобразие рембрандтовского восприятия окружающего мира сказались в этих многочисленных и разнообразных листах с особой силой. Манера рисовать, как и живописная манера Рембрандта, заметно эволюционирует на всем протяжении творческого развития мастера. Если ранние рисунки Рембрандта проработаны в деталях и довольно сложны по композиции, то в более зрелый период он выполнял их широкой живописной манерой, необычайно лаконично и просто. Рембрандт обычно рисовал гусиным или тростниковым пером и умел достигать при помощи самых простых приемов исключительной силы выразительности. Его рисунки, даже тогда, когда они являются минутными зарисовками какого-нибудь обыденного мотива, представляют собой законченное целое, вполне передающее все многообразие натуры.
Искусство Рембрандта в целом осталось непонятым его современниками. В период успеха вокруг него создалась тем не менее чрезвычайно многочисленная школа учеников, из которых наибольшую известность приобрели Фердинанд Боль (1616-1680), Гербранд ван ден Экгоут (1621-1674) и Арт де Гельдер (1645-1727). Усвоив тематику, композиционные приемы и типы учителя, они не пошли все же в своей фигурной живописи дальше внешнего подражания рембрандтовским приемам. Живое влияние мастера, напротив того, определенно сказалось у многочисленных примыкающих к нему пейзажистов - Филипса Конинка (1619-1688), Доомера (1622-1700) и других. Независимо от этого его разработка проблемы света стала краеугольным основанием для развития всей последующей голландской живописи.
Полное признание творчество Рембрандта получает, однако, лишь в 19 веке. И с этого момента он не перестает быть одним из высочайших образцов реалистического и вместе с тем живописного воплощения образов.

Голландия. 17 век. Страна переживает небывалый расцвет. Так называемый «Золотой Век». В конце 16 века несколько провинций страны добились независимости от Испании.

Теперь простестанские Нидерланды пошли своим путём. А католическая Фландрия (нынешняя Бельгия) под крылом Испании – своим.

В независимой Голландии религиозная живопись почти никому стала не нужна. Протестанская церковь не одобряла роскошь убранства. Но это обстоятельство «сыграло на руку» живописи светской.

Любовь к этому виду искусства проснулась буквально у каждого жителя новой страны. Голландцам хотелось видеть на картинах собственную жизнь. И художники охотно шли им навстречу.

Ещё никогда окружающую действительность столько не изображали. Обычных людей, обыкновенные комнаты и самый заурядный завтрак горожанина.

Реализм процветал. Вплоть до 20 века он будет достойным конкурентом академизму с его нимфами и греческими богинями.

Этих художников называют «малыми» голландцами. Почему? Картины были маленькие по размеру, ведь они создавались для небольших домов. Так, почти все картины Яна Вермеера в высоту не более полуметра.

Но мне больше нравится другая версия. В Нидерландах в 17 веке жил и творил великий мастер, «большой» голландец. А все остальные по сравнению с ним были «малыми».

Речь идёт, конечно, о Рембрандте. С него и начнём.

1. Рембрандт (1606-1669 гг.)

Рембрандт. Автопортрет в возрасте 63 лет. 1669 г. Национальная Лондонская галерея

Рембрандту довелось испытать широчайшую гамму эмоций в течение своей жизни. Поэтому в его ранних работах так много веселья и бравады. И так много сложных чувств – в поздних.

Вот он молод и беззаботен на картине «Блудный сын в таверне». На коленях – любимая жена Саския. Он – популярный художник. Заказы льются рекой.

Рембрандт. Блудный сын в таверне. 1635 г. Галерея старых мастеров, Дрезден

Но все это исчезнет через каких-то 10 лет. Саския умрет от чахотки. Популярность растворится, как дым. Большой дом с уникальной коллекцией заберут за долги.

Но появится тот самый Рембрандт, который останется на века. Оголенные чувства героев. Их самые сокровенные мысли.

2. Франс Хальс (1583-1666 гг.)

Франс Хальс. Автопортрет. 1650 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк

Франс Хальс – один из величайших портретистов всех времён. Поэтому я бы его тоже причислила к «большим» голландцам.

В Голландии в то время было принято заказывать групповые портреты. Так появилось множество подобных работ с изображением работающих вместе людей: стрелки одной гильдии, врачи одного городка, управляющие домом престарелых.

В этом жанре больше всех как раз выделяется Хальс. Ведь большинство таких портретов были похожи на колоду карт. Сидят себе за столом люди с одинаковым выражением лица и просто смотрят. У Халса же было по-другому.

Посмотрите на его групповой портрет «Стрелки гильдии св. Георгия”.

Франс Хальс. Стрелки гильдии св. Георгия. 1627 г. Музей Франса Хальса, Гарлем, Нидерланды

Здесь вы не найдёте ни одного повторения в позе или выражении лица. При этом и хаоса здесь нет. Персонажей много, но лишним никто не кажется. Благодаря удивительно верной расстановке фигур.

Да и в одиночном портрете Хальс превосходил многих художников. Его модели естественны. Люди из высшего общества на его картинах лишены надуманного величия, а модели из низов не выглядят униженными.

А ещё его герои очень эмоциональны: они улыбаются, смеются, жестикулируют. Как, например, это «Цыганка» с лукавым взглядом.

Франс Хальс. Цыганка. 1625-1630 гг.

Хальс, как и Рембрандт, закончил жизнь в нищете. По той же причине. Его реализм шел вразрез со вкусами заказчиков. Которым хотелось, чтобы их внешность приукрашивали. Хальс не шёл на откровенную лесть, и тем самым подписал себе приговор – «Забвение».

3. Герард Терборх (1617-1681 гг.)

Герард Терборх. Автопортрет. 1668 г. Королевская галерея Маурицхейс, Гаага, Нидерланды

Терборх был мастером бытового жанра. Богатые и не очень бюргеры неспешно разговаривают, дамы читают письма, а сводница наблюдает за ухаживанием. Две-три тесно расположенные фигуры.

Именно этот мастер выработал каноны бытового жанра. Которые потом позаимствует Ян Вермеер, Питер де Хох и многие другие «малые» голландцы.

Герард Терборх. Бокал лимонада. 1660-ые года. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

«Бокал лимонада» – одна из известных работ Терборха. На ней видно ещё одно достоинство художника. Невероятно реалистичное изображение ткани платья.

Есть у Терборха и необычные работы. Что говорит о его желании выйти за рамки требований заказчиков.

Его «Точильщик» показывает жизнь самых бедных жителей Голландии. Мы привыкли видеть на картинах «малых» голландцев уютные дворики и чистые комнаты. А вот Терборх осмелился показать неприглядную Голландию.

Герард Терборх. Точильщик. 1653-1655 гг. Государственные музеи Берлина

Как вы понимаете, такие работы не пользовались спросом. И они – редкое явление даже у Терборха.

4. Ян Вермеер (1632-1675 гг.)

Ян Вермеер. Мастерская художника. 1666-1667 гг. Музей истории искусств, Вена

Как выглядел Ян Вермеер, достоверно не известно. Лишь очевидно, что на картине «Мастерская художника» он изобразил себя. Правда со спины.

Поэтому удивительно, что недавно стал известен новый факт из жизни мастера. Связан он с его шедевром «Улочка Делфта».

Ян Вермеер. Улочка Делфта. 1657 г. Государственный музей в Амстердаме

Выяснилось, что на этой улице прошло детство Вермеера. Изображённый дом принадлежал его тётке. Она растила в нем своих пятерых детей. Возможно, это она сидит на пороге с шитьем, а двое ее детей играют на тротуаре. Сам Вермеер жил в доме напротив.

Но чаще он изображал внутреннюю обстановку этих домов и их обитателей. Казалось бы, сюжеты картин очень просты. Вот миловидная дама, обеспеченная горожанка, проверяет работу своих весов.

Ян Вермеер. Женщина с весами. 1662-1663 гг. Национальная галерея искусства, Вашингтон

Чем же Вермеер выделялся среди тысяч других «малых» голландцев?

Он был непревзойденным мастером света. На картине «Женщина с весами» свет мягко обволакивает лицо героини, ткани и стены. Придавая изображенному неведанную одухотворенность.

А ещё композиции картин Вермеера тщательно выверены. Вы не найдёте ни одной лишней детали. Достаточно убрать одну из них, картина «рассыпется», и волшебство уйдёт.

Все это давалось Вермееру нелегко. Такое потрясающее качество требовало кропотливой работы. Всего 2-3 картины в год. Как следствие, невозможность прокормить семью. Вермеер работал ещё арт-дилером, продавая работы других художников.

5. Питер де Хох (1629-1884 гг.)

Питер де Хох. Автопортрет. 1648-1649 гг. Рейксмусеум, Амстердам

Хоха часто сравнивают с Вермеером. Они работали в одно время, даже был период, что в одном городе. И в одном жанре – бытовом. У Хоха мы тоже видим одну-две фигуры в уютных голландских двориках или комнатах.

Открытые двери и окна делают пространство его картин многослойным и занимательным. А фигуры вписаны в это пространство очень гармонично. Как, например, на его картине «Служанка с девочкой во дворике».

Питер де Хох. Служанка с девочкой во дворике. 1658 г. Лондонская национальная галерея

До 20 века Хох ценился очень высоко. А вот малочисленные работы его конкурента Вермеера мало, кто замечал.

Но в 20 веке все изменилось. Слава Хоха померкла. Однако его достижения в живописи сложно не признать. Мало, кто мог так грамотно сочетать окружающую обстановку и людей.

Питер де Хох. Игроки в карты в солнечной комнате. 1658 г. Королевское художественное собрание, Лондон

Обратите внимание, что в скромном доме на полотне «Игроки в карты» висит картина в недешевой раме.

Это в очередной раз говорит о том, как среди обычных голландцев была популярна живопись. Картины украшали каждый дом: и дом богатого бюргера, и скромного горожанина, и даже крестьянина.

6. Ян Стен (1626-1679 гг.)

Ян Стен. Автопортрет с лютней. 1670-ые гг. Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид

Ян Стен, пожалуй, самый веселый «малый» голландец. Но любящий нравоучения. Он часто изображал таверны или бедные дома, в которых водился порок.

Его главные герои – гуляки и дамы легкого поведения. Он хотел развлекать зрителя, но подспудно предостерегать его от порочной жизни.

Ян Стен. Кавардак. 1663 г. Музей истории искусства, Вена

Есть у Стена и более спокойные работы. Как, например, “Утренний туалет”. Но и здесь художник удивляет зрителя слишком откровенными деталями. Тут и следы от резинки чулок, и не пустой ночной горшок. Да и как-то совсем не кстати собака лежит прямо на подушке.

Ян Стен. Утренний туалет. 1661-1665 гг. Рейксмусеум, Амстердам

Но несмотря на всю несерьёзность, цветовые решения Стена очень профессиональны. В этом он превосходил многих «малых голландцев». Посмотрите, насколько красный чулок прекрасно сочетается с голубой курткой и ярко-бежевым половиком.

7. Якобс Ван Рейсдал (1629-1882 гг.)

Портрет Рейсдала. Литография из книги 19 века.