Спектакль о достоевском для школы. Ф.М

«Независимая газета»
16.11.2015

Кто видел, запомнил на всю жизнь спектакли «по Достоевскому», автору, который режиссера не отпускает. «Записки из подполья» играли на основной площадке Московского ТЮЗа, «Играем «Преступление…» – во флигеле, «К.И. из «Преступления…», премьеру которого сыграли ровно 21 год назад в ноябре 1994 года, можно увидеть и сегодня в пространстве, названном «Игры в Белой комнате». Сегодня, спустя много лет, театр заново открыл сцену «Игры во флигеле», снова – спектаклем «по Достоевскому», еще точнее – снова по «Преступлению и наказанию». Первый спектакль сыграли в день рождения писателя.

Гинкас – из тех режиссеров, которого почему-то принято «формулировать»: стало уже общим местом, к примеру, говорить, что его спектакли – о смерти, что именно эту тему или круг тем, связанных так или иначе со смертью, он последовательно разрабатывает, как богатую породу. Режиссер однажды даже в спор вступил с одним из таких мнений – мол, не о смерти, а наоборот, о жизни его спектакли. Очень хочется уйти от штампов – так, как не повторяется, обращаясь вроде бы к одному и тому же «Преступлению и наказанию» . Почему «вроде бы»? Потому что каждый раз Гинкас из этого не очень многонаселенного текста выводит на сцену новую пару героев. Сперва диалог вели Раскольников (Маркус Грот) и Порфирий Петрович (Виктор Гвоздицкий), и все, кто видел, до сих пор содрогаются от сцены, которая была сдвинута к финалу, в которой Раскольников рубил капусту, а зрители видели – убивал старуху-процентщицу и ее сестру, во втором спектакле героиней стала Катерина Ивановна Мармеладова (), а адресатом ее полубезумных монологов стала публика, в новом спектакле, который сыграли впервые в конце минувшей недели, главные собеседники – Свидригайлов () и Раскольников (). В белом пространстве площадки – точно такою же белой она была и тогда, много лет назад, когда здесь играли Виктор Гвоздицкий и Маркус Грот, – очень важны любые цветные вкрапления, за цвет в новом спектакле отвечают двое артистов погорелого театра – так они названы в программке, Достоевский, впрочем, не протестует, напротив, дал режиссеру необходимые основания для таких цветных снов. Дело в том, что подзаголовок нового спектакля «По дороге в…» – «русские сны по Ф. Достоевскому». Этих артистов – двух странных персонажей женского полу с топорами, застрявшими в головах, играют и Анна Колобаева. Цирковые герои, они своими появлениями и проходами вроде бы должны разбивать тяжелые разговоры Раскольникова со Свидригайловым, но, как обычно это случалось у Гинкаса, расширение амплитуды чувств и эмоций лишь усиливает, обнажает драматический нерв, вообще драматизм. Если бы не было такого вот страшновато-смешного, трагедия была бы не такой страшной, не такой тяжелой.

«Пол-то помыли», – первая реплика Раскольникова произносится почти неразборчиво, заставляя напрячь слух. Гинкас сводит на сцене молодого актера – ровесника Раскольникова! – с Гординым, на которого в последние годы строит свой репертуар. Гордин, надо сказать, от спектакля к спектаклю только набирает, в роли Свидригайлова в каких-то сценах просто завораживая отвратительным очарованием своего героя – то качество, которое так манило, кажется, самого писателя в разнообразных мерзавцах, так обильно населяющих его романы. Трогательная незащищенность здешнего Раскольникова, его расшатанные нервы, которым не по силам пришлись, назовем их так, сильные впечатления, в новом спектакле сходится с опытностью второго актера и его героя Свидригайлова: как ни крути, а тут смерть, убийство, совершенное Раскольниковым, там – два шага до самоубийства Свидригайлова. Ну и разговоры о запретах и свободе, вопросах, мучивших и того, и другого в замкнутом пространстве небольшой комнаты, где и игровая площадка, и зрительный зал на несколько десятков зрителей, – в излюбленной Достоевским тесноте русской жизни и широте предлагаемых русским умом идей. Сцена «Игры во флигеле» для таких спектаклей – в самый раз. Вроде бы и немаленькая «квартира», а, бродя по комнатам перед спектаклем, неизменно натыкаешься на одних и тех же зрителей. Чехов ценил, как известно, когда словам тесно, а мыслям просторно, а вот героям Достоевского тесно и в том, и в другом, из-за этой тесноты – неизбежные столкновения противоположностей, какими здесь и предстают Свидригайлов и Раскольников. Обоим – очень трудно жить.

Глаза Свидригайлова–Гордина, кажется, в эти самые минуты заглядывающего, прошу прощения за высокопарность, за порог бытия, отпечатываются, их уже забыть невозможно. Сладкие его мысли пугают своей привлекательностью, тут Достоевский, а за ним Гинкас жестоко глумятся над простодушной публикой.

Как известно, дорога в Америку для него становится дорогой в… Так что жить хочется!

11 ноября исполняется 197 лет со дня рождения одного из величайших писателей Федора Михайловича Достоевского, чьи произведения давно стали не только литературной, но и театральной классикой. Сегодня мы расскажем вам о 5 ярких спектаклях по произведениям Достоевского, которые в ближайшее время можно посмотреть в Москве.

1. Рок-опера «Преступление и наказание» в Московском театре мюзикла
Идея экстравагантной интерпретации классического романа Достоевского, ставшего своего рода визитной карточкой писателя, пришла в голову режиссера, сценариста, народного артиста РСФСР Андрея Кончаловского. Он вместе с поэтом Юрием Ряшенцевым при участии Марка Розовского создал не просто новую редакцию рок-оперы «Преступление и наказание», написанной 35 лет назад композитором Эдуардом Артемьевым, а нечто совершенно новое и непохожее ни на что. В мюзикле задействовано 60 человек. Время происходящих событий размыто. Постановка богата разнообразными музыкальными стилями — можно услышать оперу, рок-оперу, а также нотки городского и народного романса. Декорации создавались в Лондоне по эскизам художника-постановщика Мэтта Диили. В качестве одного из хореографов выступил известный американский профессионал в этой области Куинн Уортон. Кастинг был очень масштабным. Например, на роль Сони Мармеладовой претендовало 1500 девушек, из которых было отобрано всего 5 артисток.
Когда: с 20 октября по 11 ноября
Где: Московский театр мюзикла
Цена от 500 до 10 000 руб

2. Спектакль «Идиот» в Театре наций
С легкой руки режиссера Максима Диденко, трижды номинированного на «Золотую маску», спектакль по одноименному роману Достоевского «Идиот», получил совершенно новое звучание и визуальное воплощение. В постановке на сцену выходят всего пять артистов: Ингеборга Дапкунайте, Евгений Ткачук, Артем Тульчинский, Роман Шаляпин и Александр Якин. Ингеборга исполняет роль Князя Мышкина. Режиссер спектакля пояснил, что для него главным в данной истории является любовный треугольник «Мышкин – Настасья Филипповна – Рогожин» и события, закрученные в этот сюжет. По словам, Диденко, «в нашем мире, среди всего прочего, утеряно две вещи: культура клоунады и восприятие Достоевского как живого ироничного человека». Именно поэтому было решено делать спектакль в жанре «черной» клоунады.
Когда: 23 ноября
Где: Театр наций
Цена : от 1 000 до 4 000 рублей

3. Спектакль «Кроткая» в Театральном центре «На Страстном»
Одно из последних произведений Достоевского, повесть «Кроткая», стало поводом для моноспектакля режиссера Павла Сафонова и актера Евгения Стычкина. Мрачная история о скоротечности жизни, любовных ранах и душевных мытарствах героя призвана напомнить зрителям о необходимости риска, борьбы с чувством собственной важности и самопожертвовании ради сохранения любимых людей. Бедная молодая девушка без любви выходит замуж за ростовщика, который сразу после венчания начинает наказывать жену невыносимым молчанием. Рассказ ведется от лица ростовщика, который не объясняет, почему он так жесток к жене. В одной из заключительных сцен герой просит прощения у супруги и клянется, что любит лишь ее одну. Но эта исповедь не помогает ему спасти девушку, и она выбрасывается из окна.
Когда: 15, 4 ноября
Где: Театральный центр «На Страстном»
Цена: от 200 до 1000 рублей

4. Спектакль «Чужая жена и муж под кроватью» в Театре им. Вахтангова
На сцене Первой студии Тетра им. Вахтангова режиссер Екатерина Зонненштраль решила рассказать зрителям историю о вечных «достоевских» темах: любви, страсти и ревности, способной довести человека до сумасшествия. В спектакле нет декораций — ведь ничего не должно отвлекать публику от игры актеров. По словам режиссера, в своем раннем произведении Достоевский иронизировал над популярностью водевилей в те времена. Рассказ «Чужая жена и муж под кроватью», составленный автором из двух произведений «Чужая жена» и «Ревнивый муж», написан легким языком, присущим Достоевскому в ранний период его творчества.
Когда: 9 ноября
Где: Первая студия Театра им. Вахтангова
Цена: от 800 до 1 000 рублей

5. Спектакль «Брат Алеша» в Новом московском драматическом театре
Пьеса известного драматурга Виктора Розова «Брат Алеша» написана по мотивам романа Достоевского «Братья Карамазовы». Для сценической версии из этой истории Розов выделил лишь одного героя — младшего из братьев Карамазовых, пытающегося найти выход из тупика, в который зашли отношения между людьми. Розов ясно рисует картину, в которой показывает, что брат Алеша не сдается и верит в то, что через все испытания можно пройти лишь «рука в руку». Режиссером спектакля выступила Татьяна Розова.
Когда: 6 ноября
Где: Новый московский драматический театр
Цена: 500 рублей

Когда теперь говорят, что мода на Достоевского началась в кино с легкой руки Владимира Бортко, сделавшего превосходную экранизацию "Идиота", то как-то забывают, что еще в начале ХХ века на сцене Московского Художественного театра шли спектакли "Братья Карамазовы" и "Бесы", вызвавшие бурю разноречивых отзывов.

Категорическим противником театральных интерпретаций Достоевского выступил Максим Горький. В 1913 году он заявлял: "Неоспоримо и несомненно: Достоевский - гений, но это злой гений наш. Он изумительно глубоко почувствовал, понял и с наслаждением изобразил две болезни, воспитанные в русском человеке его уродливой историей, тяжкой и обидной жизнью: садическую жестокость во всем разочарованного нигилиста и - противоположность ее - мазохизм существа забитого, запуганного, способного наслаждаться своим страданием, не без злорадства, однако, рисуясь им пред всеми и пред самим собою. Был нещадно бит, чем и хвастается... Достоевский - сам великий мучитель и человек больной совести - любил писать именно эту темную, спутанную, противную душу... Пора подумать, как отразится это озеро яда на здоровье грядущих поколений. После "Братьев Карамазовых" Художественный театр инсценирует "Бесов" - произведение еще более садическое и болезненное... Я предлагаю всем духовно здоровым людям, всем, кому ясна необходимость оздоровления русской жизни, - протестовать против постановки произведений Достоевского на подмостках театров..."

Актеры Художественного театра ответили писателю коллективным письмом, в котором отвергли его претензии к постановке романа Достоевского. Спектакль "Бесы" после 107 репетиций был поставлен Владимиром Немировичем-Данченко и прошел 45 раз.

Несмотря на то, что Достоевский с большой долей скептицизма относился к попытке переделок, его произведений для сцены, театр Достоевского существует и у нас, и за рубежом. В России с 1992 года проводится Международный фестиваль камерных спектаклей по произведениям Ф. М. Достоевского с целью обмена опытом сценического воплощения и осмысления литературного наследия великого русского писателя.

Организаторами фестиваля являются Федеральное агентство по культуре и кинематографии Российской Федерации, Комитет культуры и туризма Новгородской области, Новгородский академический театр драмы им. Ф. М. Достоевского. Среди участников фестиваля в разные годы были известные коллективы из Москвы, Санкт-Петербурга, Омска, Архангельска, Твери, Смоленска, Рязани, Великого Новгорода, Японии, Финляндии, Сербии, Украины, Беларуси. На фестивале были показаны премьерные и легендарные спектакли, композиции, представляющие в полном объеме академическое литературное наследие Ф. М. Достоевского, а также спектакли, основанные на фактах биографии писателя. В 1996 году фестиваль получил статус Международного, а с 2001 года в Старой Руссе он проводится ежегодно. [См.: 24].

Марина Брусникина, режиссер театра МХТ им. Чехова, так объясняет свой интерес к произведениям Достоевского: «Все, что связано с Достоевским, мне бесконечно интересно. Я открыла для себя этого писателя довольно поздно. И надо сказать, когда это произошло, я поняла, что нужно просто насильно заставлять всех людей читать этого автора, причем полное собрание сочинений. Потому что происходит поразительный эффект от накопления. Ты начинаешь проникаться состраданием к людям, к проблемам, к бедам человеческим. Особенно в наше время, когда мы живем совершенно иначе: не хотим думать, слышать о проблемах, о плохом. Мы все стремимся быть счастливыми людьми. А Достоевский делает что-то невероятное с душой. Мне кажется, если молодые люди будут читать Достоевского в большом количестве, то им будет трудно вырасти плохими людьми» .

Ставят по Достоевскому очень много, назвать все постановки, вспомнить всех режиссеров в рамках одной работы невозможно. Поэтому стоит обратить внимание не только и не столько на классические постановки произведений Достоевского, которые строго следуют за сюжетом. Нас интересует необычный взгляд на Достоевского, режиссерское видение его произведений.

Как заметил Немирович-Данченко, Достоевский всегда «писал, как романист, а чувствовал, как драматург». Писатель не написал ни одной пьесы, но современный театр невозможно представить без Достоевского. Его ставили лучшие режиссеры - Борис Ливанов, Юрий Любимов, Георгий Товстоногов, Анатолий Эфрос. Ставят Достоевского и поныне.

Сейчас только в московских театрах идет десяток пьес по Достоевскому. И все больше среди них необычных трактовок, порой доходящих до эпатажа. Одной из самых громких премьер стала «Нелепая поэмка», в которой на сцену выходит Великий Инквизитор из Братьев Карамазовых. Режиссер спектакля Кама Гинкас перенес действие из средневековой Испании в наши дни, на дно современного мира - с его бомжами и телеманией. Читая отзывы об этом спектакле, можно сделать следуюший вывод: в спектакле театр превращается в зрелище - но, по мнению театрального обозревателя Марины Гайкович, « это только обертка, куда режиссер попытался спрятать вечные вопросы Достоевского. В центре спектакля Камы Гинкаса - Иван Карамазов. Он придумал, как он сам ее называет, нелепую поэмку про Великого Инквизитора, он задает самые трагичные и самые проклятые вопросы, а брат Алеша молчит. И создается впечатление, что выхода нет, что человек обречен, что Бога нет, и все позволено. Спектакль закачивается неожиданно, когда главное слово романа Достоевского еще не сказано. Оно звучит в другом спектакле - «Мальчики», первой постановке нового театра «Студия театрального искусства». Это совсем иной взгляд на Достоевского. Режиссер Сергей Женовач взял за основу другую сюжетную линию «Братьев Карамазовых». Главная мысль спектакля - преображение души человеческой. Гимназисты, в первой сцене травившие Илюшу Снегирева, оказываются способными на сострадание и любовь» .

Привлекает к себе внимание и спектакль Валерия Фокина «Двойник» по повести Ф.М. Достоевского. Петербург захватил внимание режиссера Валерия Фокина. "Хоть я живу полтора года в городе на Неве, но уже ощутил его особенность. Понял, что у этого города есть свой внутренний шифр", - отмечает режиссер . И хоть повесть Достоевского "Двойник" давно волновала режиссера, однако осуществить постановку столь сложного произведения он решился только в северной столице. Одним из главных персонажей в повести, по мнению Валерия Фокина, является пространство Петербурга. Эта тема явственно просматривается и в постановке "Двойника". Он подчеркнул, что метафизический климат города Петра он попытался показать и в своих двух недавних спектаклях - "Шинели" и "Ревизоре" . Премьера спектакля Валерия Фокина состоялась в Александринском театре. Мнение театрального критика Екатерины Ефремовой: «После «Двойника» Валерия Фокина уже ничего не хочется: ни жить, ни любить, ни работать. Можно только впасть в уныние. Со сцены в зрительный зал обрушивается такая чудовищная лавина человеческой боли, душевного страдания и депрессивного сплина, что поневоле забываешь обо всем на свете: и о Петербурге, и о Достоевском, и о титулярном советнике Голядкине. Авторам этого первого переложения петербургской поэмы Достоевского на сценический язык хочется прямо в лицо процитировать Федора Михайловича: «Голядкин лишь выиграл от моего сплина».

Петербург художника Александра Боровского угрожающе-тревожен: зеркальные стены-двери, сквозь которые можно и войти, и выйти, отблески света люстр, обшарпанные стены домов, раскрытые окна подвалов и геометрически правильные решетки набережных, похожие на железнодорожное полотно. Что касается Достоевского, то, как известно он называл самого себя «настоящим Голядкиным». Петербургскую поэму во время первой читки Тургенев едва смог дослушать до половины, похвалил и уехал, видно очень куда-то торопился, Белинский же не скрывал своего восхищения, повторяя, что «только Достоевский мог доискаться до таких изумительных психологических подробностей».

Что до изумительных психологических подробностей, то в них Виктор Гвоздицкий вряд ли знает себе равных: в его интерпретации жизненная реальность Голядкина очень медленно и подробно трансформируется в болезненное подобие действительности, в которой и появляется двойник (Алексей Девотченко). Голядкин с ним живет, что называется, душа в душу: «Я смотрю на все совершенно так же, как вы» - и не такой уж он «человек-ветошка», как хочет казаться, и право, несомненно, в этом мире имеет (на достойные похороны). Честно говоря, в спектакле так до конца и остается не очень-то понятным, как трактовать двойника: то ли друг сердечный, то ли зеркальное отражение, то ли ангел-хранитель. Интерпретация, как известно, проблема интерпретатора.

С другой стороны, герой Виктора Гвоздицкого изначально чуть-чуть не в своем уме: происходящее кажется скорее плодом его больного воображения. Фокин придумал очень остроумную мизансцену: на сцене подобиями «полушарий» расположены две группы хора, каждая из которых пропевает по очереди некие музыкальные темы. «Да это же два полушария мозга разговаривают», - пошутила обитательница соседнего кресла, хорошо, что у нее на этом спектакле не отказало чувство юмора. Может быть, она и была права; никакого раздвоения личности, такого, знаете, по канонам учебника по психиатрии, в этом спектакле нет. Зато присутствует игровое ерническое начало: непростое сложносочиненное театральное предложение, достойное расшифровки на самых разных интеллектуальных уровнях.

Для пессимистов режиссер выстраивает по-балетному роскошную финальную сцену: женщины в черных траурных платьях-«клумбах» и с красными розами в руках (слева) и мужчины в белых фраках с зелеными венками, убранными белыми лентами, на шеях (справа); да еще и начальник отделения в парадном мундире с золотым шитьем (почему-то без орденов, видно, чтобы театральная реальность все же чем-то отличалась от жизненной) и с белой птицей в руках (несомненно, животных предпочитающий обществу обезумевших людей, которые не ведают, что творят). Голядкин появляется в белой смирительной рубашке, спрашивает: «А в этом нет ничего предосудительного?» - и прыгает в сценическую яму, женщины вослед ему бросают розы, мужчины - венки, то ли траурные, то ли праздничные: играется то ли история самоубийства, то ли выхода на театральную сцену, то ли чего-то еще, недоступного моему пониманию.

«Двойник» - на удивление постмодернистское произведение. Спектакль явно «распадается» по своей художественной речи на разные языки, кажется, что коллективная основа творчества, в нем декларируемая, в итоге не сплавляется единой режиссерской волей, а ее составляющие все же чересчур эклектичны. Возможно, спектакль с течением времени еще соберется в единое целое» .

Довольно необычную, в своем роде даже уникальную постановку привозил в Москву в 2005 году Пермский академический театр драмы - мюзикл, литературной основой для которого стало произведение Достоевского «Униженные и оскорбленные». Театральный обозреватель, журналист Александр Журбин рассказывает о своих впечатлениях от спектакля следующее: «Художественный руководитель Пермского академического театра драмы, Борис Мильграм, охотно рассказывает о мюзикле: "Владимирская площадь" - уникальный спектакль. Это истинный образец русского мюзикла. Когда серьезная литература переводится на язык поэзии и музыки, получается фантастическое музыкально-драматическое действо. Но Достоевского нельзя просто спеть. Написанную им историю надо рассказать так, чтобы она нашла отклик в душе нашего зрителя". Впервые «Владимирская площадь» увидела свет в начале февраля текущего года в Перми. Зрители действительно ответили создателям настоящей любовью: весной 2005 года спектакль, который позиционировали как "оперу для драматического театра", отправился на Х фестиваль русского театра в Марселе. Позже растроганный директор фестиваля, известный французский актер и режиссер Ришар Мартен, сказал, что "спектакль "Владимирская площадь" сумел схватить за сердце искушенную французскую публику". Мюзикл, в постановке питерского режиссера Владислава Пази, был построен на контрастах: лирические сцены сменялись сценами бурного веселья. Некоторые сцены поразили, и даже возмутили своей направленностью на успех у западной публики - этакие стереотипные русские примочки: цыгане, разудалые пьянки…. Все время ожидалось, когда же на сцене нарисуется бурый медведь, спокойно гуляющий по улице города… Но, вместе с тем, ясно одно, что при должной работе, «Владимирская площадь» может стать хитовым спектаклем» . По мнению Александра Журбина, если бы Федор Михайлович увидел спектакль, ему бы понравилось. Но журналист задается вопросом - для чего при производстве мюзикла, претендующего на массовый успех, его создатели «пытали» великое произведение русской классики?.

Анджей Вайда в 2004 году поставил спектакль «Николай Ставрогин». Театральный обозреватель «Вечерней Москвы» Петр Кузьменок, побывав на премьерном показе спектакля, на страницах газеты делился впечатлениями: «…Из серо-стальной мглы появляется Николай Ставрогин (Владислав Ветров) и начинает прямо в зал исповедь своей извращенной души. Сначала на его совести была гибель девочки Матреши, а дальше в своей страсти к погружению во зло он не знал ни удержу, ни душевных мук. Одержимый этим бесом, он подчиняет себе слабые души людей, охваченных гордыней, алчностью и мелкими страстями. Он - главный сеятель и куратор бесовщины…

Зря во всех своих телеинтервью перед премьерой Галина Борисовна Волчек предупреждала, что в спектакле Вайды зрителей ждет погружение в глубины человеческой психологии, опрометчиво настраивая публику на встречу с непроглядным занудством. Спектакль Вайды, по-моему, хорош именно тем, что все копания в закоулках психологии персонажей он оставляет за кадром. Мы видим уже результат - сложившиеся типы характеров. Поэтому следишь за их поступками, действиями, в итоге начинаешь даже интересоваться сюжетом.

Психологические типы даны в спектакле в сконцентрированном состоянии, эссенцией человеческой сути. Вайда оставляет актерам узкий коридор - сыграть правдиво и преувеличенно броско одновременно. Поэтому так неприятно обжигает нервная взвинченность Елены Яковлевой, играющей Лебядкину. Ей отпущено слишком мало сценического времени, чтобы сыграть и безумие, и мудрость, покорность судьбе и восстание духа. Порой ее игра настолько гротескна, что вот-вот станет карикатурной. Но она убеждает в подлинности, реальности своей героини. Сергей Гармаш в роли капитана Лебядкина великолепен - щедр по краскам, заразителен своей размашистостью, игрой в хитрость и острый ум. Кто-то уже сказал: ну, это беспроигрышное попадание в актера! Вот и прекрасно. Великолепны Игорь Кваша - Степан Трофимович Верховенский и Тамара Дегтярева - Прасковья Ивановна. На спектакле становится просто интересно следить, как виртуозно Кваша делает своего героя то смешным, то нелепым, по-детски беспомощным; как героиня Дегтяревой пытается быть рассудительной и строгой или вдруг впадает в кокетливую обиженность и старческую капризность.

Говорю об актерах, поскольку в них ярче отражена своеобразная эклектичность постановки. Вайда каждый эпизод большого литературного полотна, преобразованного для сцены, открывает своим стилистическим ключом. Сходка революционных либералов поставлена им как издевательский шарж, сцены с Лизой (Ольга Дроздова) подобны мелодраме индийского кино, есть бытовые зарисовки, есть элементы почти эпические. Этот режиссерский антистиль удачно вписан в оформление (сценография и костюмы Кристины Захватович, жены Анджея Вайды): серо-стальное небо с грозовыми облаками, всполохами зари и заката; серое, распаханное, без травинки и былинки с проблесками луж поле; ширмы которые выносят и расставляют «слуги сцены» - их лица скрыты капюшонами, а униформа напоминает кинофантастику об инопланетянах.

Сравнивать спектакль Вайды с тем, что у Достоевского или с тем, что, по нашему мнению, хотел сказать Федор Михайлович, смысла нет - они все равно лежат в разных временных и материально-художественных плоскостях. Надо считаться с тем, какими увидел «Бесов» великий режиссер. Достоевского он увидел без дорогого русскому сердцу надрыва и страдальчества. А его персонажей людьми одержимыми: кого собственными сверхидеями, кого своими несчастьями и своей добротой, а кого и взращиванием зла в себе и окружающих. Недобрыми он их увидел. Не такими, как большинству из нас хочется. А получилось убедительно» (Вечерняя Москва, 22 марта 2004 года) .

Еще одна, на мой взгляд, самая неожиданная постановка - Достоевский в кукольном театре: в Новокузнецком театре кукол в 2001 году состоялась премьера спектакля «Бобок» по одноименному рассказу Федора Достоевского. Эта постановка закрепила за театром славу «взрослого кукольного». Театральный обозреватель и критик из Новокузнецка Петр Кузнецов, рассказывая о постановке, говорит так: «Выбор этого экзотического для театра кукол произведения не случаен. Основание - тематические рамки фестиваля «Кузбасс театральный», посвященного как раз 180-летию Федора Михайловича. Рассказ «Бобок» известен немногим. Даже самые преданные поклонники Достоевского могут найти это произведение только в первых изданиях сочинений классика. Но сделать из рассказа даже традиционную (с живыми актерами) инсценировку до сих пор никто не решался. Зато для главного режиссера театра кукол Юрия Самойлова такая постановка была давней мечтой. «Мысль поставить «Бобка» на сцене театра кукол у меня созрела еще в годы учебы в театральном училище, лет 20 назад, - вспоминает Юрий. - В отличие от других, я не считаю этот рассказ бессюжетным. Здесь, на мой взгляд, нет свойственной Достоевскому философии. Все достаточно просто и понятно. Изюминкой пьесы является изысканный юмор писателя. Так шутить кроме Достоевского никто не может. Правда, не все зрители понимают этот юмор. Но это совсем не значит, что спектакль остался непонятым. Просто перед нами появилась задача наиболее ярко выразить некоторые эпизоды спектакля». Судя по всему, артистам это удалось. Минутная возня, традиционно «пристегнутая» к началу спектакля, сменилась стойкой, даже пугающей тишиной. Сюжет нельзя назвать захватывающим. Его канва строится на том, что непризнанный писатель, заполняющий душевную пустоту пьянством, попадает в чистилище, долину между раем и адом. Там его душа наблюдает за общением других обитателей, а сам он остается за кадром. Перед зрителем проходит один за другим несколько персонажей: генерал-майор, гувернантка, надворный советник, граф и другие. Все они рассказывают свои истории из уже прожитой жизни и одновременно исповедуются в своих грехах. Затем один за другим отправляются кто в рай, кто - в ад. Появление каждого персонажа сопровождается звуками «Б-Ба-Бо-Б» - это последнее, что произносит человек перед смертью. Отсюда и название - «Бобок». Другими словами, это тот, чья душа покидает тело и попадает в чистилище. Так, за вечным вопросом - есть ли жизнь после смерти - последовал один из двух возможных вариантов ответа: есть. По мнению одного из героев, только там можно обрести покой и познать, что такое истина. Ибо «жить на земле и не лгать - невозможно, потому что жизнь и ложь - синонимы». «Свести с ума там сведут, - сетует другой, - а умнее никого не сделают». Если говорить о смерти, то к Достоевскому, точнее к его творчеству, она не имеет никакого отношения. Иначе не сохранилась бы актуальность тезисов, пришедших к нам из 19 века: «образованные голодают, купцы жируют. Стало быть, ученость никому не нужна» или «всех умней тот, кто раз в неделю себя дураком назовет». Все это вполне соответствует и нашей эпохе...».

Многие режиссеры пробуют ставить Достоевского. Будь то художественный фильм, будь то спектакль - актеры и режиссеры преподносят нам своего Достоевского так, как они его понимают, как они видят его героев, объясняют психологию их поступков. Во что выливается это видение - в трагедию, комедию или фарс - зависит от задачи, которую ставит перед собой режиссер, от того, какую идею он хочет вывести на первый план. Но, как сказал Лев Аннинский, «с Достоевским всегда так: идёшь поразвлечься, а попадаешь на Страшный Суд».

Создатель «Карамазовых» и «Идиота» сегодня — самый главный театральный автор. Его произведения предстают на сцене в самых разных жанрах — от концерта до политического фарса. Мы выбрали самые громкие постановки.

«Идиот»

Главная интрига декабря, связанная с Достоевским, — премьера в Театре Наций. Режиссер Максим Диденко, автор спектаклей-хитов «Конармия» (Центр им. Вс. Мейерхольда) и «Хармс. Мыр» («Гоголь-центр») поставил «Идиота». Выбранная эстетика — черная клоунада, гротеск. На первом плане — любовный треугольник «Мышкин — Настасья Филипповна — Рогожин». Сам Диденко говорит, что «в нашем мире утеряно восприятие Достоевского как живого ироничного человека». Хотя сценическая версия романа включает 20 персонажей, в спектакле заняты всего четыре исполнителя — вместе с Ингеборгой Дапкунайте, которая сыграет князя Мышкина (!), на сцену выйдут Евгений Ткачук, Павел Чинарев, Роман Шаляпин и Александр Якин. Все события будут разворачиваться в пространстве, созданном художником Павлом Семченко из радикального театра АХЕ, а это значит нас ждут сложный видеомэппинг и фантастические костюмы.