Resimde klasisizmin ana eğilimleri. Resimde Klasisizm

Bu makaleyi okuyarak klasisizm temsilcileri hakkında her şeyi öğreneceksiniz.

Klasisizm temsilcileri

klasisizm nedir?

klasisizm- Bu, Antik Çağ standartlarının taklidine dayanan sanatta bir üsluptur. Yönün en parlak dönemi XVII-XIX yüzyılları ifade eder. Bütünlük, basitlik, tutarlılık arzusunu yansıtır.

Rus klasisizminin temsilcileri

Rusya'da klasisizm, Peter I'in dönüşümleri ve Lomonosov tarafından "Üç Sakin" teorisinin ve Trediakovski'nin reformunun yayınlanması anından itibaren 18. yüzyılın başında ortaya çıktı. Bu eğilimin en belirgin temsilcileri şunlardır:

• Antakya Dmitrievich Kantemir,
• Alexander Petrovich Sumarokov
• İvan İvanoviç Khemnitser.

Rus mimarisi Rus barok ve Bizans kültürünü karıştırdı. Ana mimaride klasisizm temsilcileri - Eropkin, Kazakov, Zemtsov, Rossi, Korobov, Montferrand ve Stasov.

Resimde, formların düzgünlüğü vurgulanır, gölge ve çizgi, formun ana unsurlarıdır. Resimde klasisizm temsilcileri: I. Akimov, P. Sokolov, K. Lorrain ve N. Poussin. Lorrain, doğa ve insan arasındaki bağlantıyı, onların uyumunu ve etkileşimini betimleyen manzaralar yarattı. Ve Poussin, kahramanca işleri tarihsel bir tarzda tasvir eden şaheserler çizdi.

Rus edebiyatında klasisizm temsilcileri

Edebiyatta klasisizmin en parlak temsilcileri: Sumarokov, Trediakovsky, Kantemir, Lomonosov. Her biri hakkında biraz daha. Trediakovsky, klasisizmin özünü ortaya çıkaran bir adam olarak tarihe geçti. Ama Lomonosov sanat formunda harika bir iş çıkardı. Sumarokov, dramatik klasisizm sisteminin kurucusudur. Ünlü eseri "Dmitry the Pretender", çarlık rejimine muhalefeti ortaya koydu.

Klasisizmin sonraki tüm ünlü temsilcilerinin Lomonosov ile çalıştığını belirtmekte fayda var. Versiyon kurallarının tasarımına ve Rus dilinin dilbilgisinin işlenmesine sahiptir. Bu yazar, klasisizm ilkelerini Rus edebiyatına tanıttı. Tüm kelimeleri üç ana gruba (“üç stil”) ayırdı:

• İlk grup, ciddiyet ve majesteleri ile ayırt edilir. Rus eski kelime hazinesi hakimdir. Kasideler, trajediler, kahramanlık destanları buna uygundu.
• İkinci grup ağıtlar, dramalar, hicivleri içeriyordu.
• Üçüncü grup komediler ve masalları içeriyordu.

Klasisizmin seçkin temsilcileri, kahramanlarını olumlu (her zaman kazanan) ve olumsuz karakterlere ayırdı. Arsa, kural olarak, bir aşk üçgenine, erkeklerin bir kadına sahip olma mücadelesine dayanıyordu. Eserlerin eylemi zamanla sınırlıdır (en fazla 3 gün) ve tek bir yerde gerçekleşir.

Dünya edebiyatında klasisizm temsilcileri

Klasisizm uygulayıcıları öncelikle Fransız yazarlardı: şair Malherbe, oyun yazarları Corneille, Racine,

Klasisizm tanımı (lat. сlassicus - örnek niteliğinden), 17. - 19. yüzyıllarda Avrupa sanatında sanatsal bir stil ve yöndür. Temel amacı halkı modernizme benzeyen belirli bir ideal, model temelinde eğitmek olan rasyonalizm fikirlerine dayanmaktadır. Antik dünyanın kültürü böyle bir örnek olarak hizmet etti. Kurallar, klasisizm kanunları çok önemliydi; bu yön ve üslup çerçevesinde çalışan tüm sanatçılar tarafından gözlemlenmesi gerekiyordu.

Bir klasiğin tanımı

Klasisizm, bir stil olarak, yemyeşil ve görkemli dış cephenin yerini aldı. 17. yüzyılın sonunda, Avrupa toplumu, sanat kültürüne yansıyan aydınlanma fikirleriyle doluydu. Mimarların ve heykeltıraşların dikkatini, antik kültürün, özellikle de antik Yunan'ın titizliği, sadeliği, netliği ve özlülüğü çekti. , mimari taklit ve ödünç alma konusu oldu.

Bir yön olarak, klasisizm her türlü sanatı kucakladı: resim, müzik, edebiyat, mimari.

Klasik tarzın ortaya çıkış tarihi: antik çağlardan Rönesans'a

Temel amacı, halkı belli bir ideal temelinde eğitmek ve genel kabul görmüş tüm kanonlara uymak olan klasisizm, tüm kuralları reddeden ve herhangi bir yöndeki herhangi bir sanatsal geleneğe karşı bir isyan olan tamamen zıttır.

Rusya'da taşra klasisizmi

Bu yön sadece Rus mimarisi için karakteristiktir. St. Petersburg ve Moskova, Yaroslavl, Pskov'un tarihi binalarının çoğu il klasisizminde yapılmıştır. Kökeni Altın Çağ dönemini ifade eder. Klasisizm tarzında yapılmış mimari yapıların klasik temsilcileri: Kazan Katedrali, Nikolsky Kazak Katedrali, vb.

Dönemler: erken, orta, geç (yüksek)

Gelişiminde klasisizm, aşağıdaki gibi sıralanabilecek 3 dönemden geçmiştir:

1. Erken(1760'lar - 1780'lerin başı) - yönün en parlak dönemi, yeni bir stil kavramının benimsenmesi, nedenlerin tanımı ve stilin hangi özelliklerin özellikle klasisizme ait olacağı;
2. katı veya orta(1780'ler - 1790'lar) - stilin köklenmesi, birçok edebi ve görsel eserde açıklama, binaların inşası;
3. geç veya yüksek adını alan (XIX yüzyılın ilk 30 yılı).

Fotoğraf, Paris'teki Arc de Triomphe'yi gösteriyor - klasisizmin canlı bir örneği.

Dünya stilinin özellikleri ve özellikleri

Yaratıcılığın tüm alanlarında klasiklerin özellikleri:

• net geometrik şekiller
• yüksek kaliteli metaryeller,
• asil bitirir ve kısıtlama.

Görkem ve uyum, zarafet ve lüks - bunlar klasisizmin ana ayırt edici özellikleridir. Bu özellikler daha sonra iç mekanlarda şık bir şekilde sergilendi.

Modern bir iç mekanda klasisizmin karakteristik özellikleri

Temel stil özellikleri:

• yumuşak çiçek motifli düz duvarlar;
• antik dönem unsurları: saraylar ve sütunlar;
• sıva;
• zarif parke;
• duvarlarda kumaş duvar kağıdı;
• zarif, zarif mobilyalar.

Sakin dikdörtgen şekiller, ölçülü ve aynı zamanda çeşitli dekoratif tasarım, ayarlanmış oranlar, ağırbaşlı görünüm, uyum ve tat, Rus klasisist tarzının bir özelliği haline geldi.

Klasiklerin yönünün dış cephesi: binalar

Mimaride klasisizmin dış belirtileri telaffuz edilir, binaya ilk bakışta tanımlanabilirler.

1. Tasarımlar: sağlam, masif, dikdörtgen ve kemerli. Kompozisyonlar net bir şekilde planlanmış, katı simetri gözlemlenmiştir.
2. Formlar: net geometri, hacim ve anıtsallık; heykeller, sütunlar, nişler, rotunda, yarım küreler, alınlıklar, frizler.
3. çizgiler: sıkı; düzenli planlama sistemi; kısmalar, madalyonlar, akan desen.
4. Malzemeler: taş, tuğla, ahşap, sıva.
5. Çatı: karmaşık, karmaşık şekil.
6. Baskın renkler: doymuş beyaz, yeşil, pembe, mor, gök mavisi, altın.
7. Karakteristik unsurlar: gizli dekor, sütunlar, pilastrlar, antika süs eşyaları, mermer merdivenler, balkonlar.
8. Pencere: yarım daire biçimli, dikdörtgen, yukarı doğru uzatılmış, mütevazı bir şekilde dekore edilmiştir.
9. Kapılar: dikdörtgen, panelli, genellikle heykellerle süslenmiş (aslan, sfenks).
10. Dekor: oyma, yaldız, bronz, sedef, kakma.

İç mekan: klasisizm ve mimari türlerin işaretleri

Klasisizm çağının binalarının iç kısmında asalet, kısıtlama ve uyum vardır. Bununla birlikte, tüm iç öğeler müze parçaları gibi görünmüyor, yalnızca sahibinin hassas sanatsal zevkini ve saygınlığını vurguluyor.

Oda, asalet, konfor, sıcaklık, zarif lüks atmosferiyle dolu doğru şekle sahiptir; ayrıntılarla aşırı yüklenmez.

İç dekorasyondaki merkezi yer, başta değerli ahşaplar, mermer, taş, ipek olmak üzere doğal malzemelerle doludur.

• tavanlar: hafif yüksek, genellikle çok seviyeli, sıvalı, süslemeli.
• Duvarlar: kumaşlarla dekore edilmiş, hafif, ancak parlak olmayan, pilastrlar ve sütunlar, sıva veya boyama mümkündür.
• döşeme: değerli ağaç türlerinden (merbau, kamshi, tik, jatoba) veya mermerden yapılmış parke.
• Aydınlatma: kristal, taş veya pahalı camdan avizeler; mum şeklinde plafondlu yaldızlı avizeler.
• İç mekanın zorunlu özellikleri: aynalar, şömineler, rahat alçak sandalyeler, alçak çay masaları, hafif el yapımı halılar, antika sahneleri olan tablolar, kitaplar, antik stilize edilmiş devasa zemin vazoları, tripod çiçek standları.

Antika motifler genellikle odanın dekorunda kullanılır: menderesler, festoonlar, defne çelenkleri, inci dizileri. Dekorasyon için duvar halıları, tafta ve kadife gibi pahalı tekstiller kullanılır.

Mobilya

Klasisizm döneminin mobilyaları, başta değerli ahşap olmak üzere pahalı malzemelerden yapılmış kaliteli ve saygınlık ile ayırt edilir. Ahşabın dokusunun sadece bir malzeme olarak değil, aynı zamanda dekoratif bir unsur olarak da hareket etmesi dikkat çekicidir. Mobilya ürünleri el yapımı olup oyma, yaldız, kakma, değerli taşlar ve metallerle süslenmiştir. Ancak form basittir: katı çizgiler, net oranlar. Yemek odası masaları ve sandalyeleri zarif oymalı ayaklarla yapılmıştır. Yemekler - porselen, ince, neredeyse şeffaf, desenli, yaldız. Mobilyanın en önemli özelliklerinden biri, yüksek bacaklarda kübik gövdeli bir sekreter olarak kabul edildi.

Mimari: tiyatrolar, kiliseler ve diğer binalar

Klasisizm, sadece elementleri ve motifleri değil, aynı zamanda yapımdaki kalıpları da kullanarak antik mimarinin temellerine döndü. Mimari dilin temeli, katı simetrisi, oluşturulan kompozisyonun orantılılığı, yerleşim düzeninin düzenliliği ve üç boyutlu formun netliği ile düzendir.

Klasisizm, gösterişçiliği ve dekoratif aşırılıklarıyla tam tersidir.

Düzleştirilmiş sokakları, koni ve top şeklinde kesilmiş çimleri ile Fransız bahçesinin temeli haline gelen, tahkim edilmemiş saraylar, bahçe ve park toplulukları oluşturuldu. Klasisizmin tipik detayları, vurgulu merdivenler, klasik antika dekor, kamu binalarındaki kubbelerdir.

Geç klasisizm (İmparatorluk) askeri semboller edinir (Fransa'da "Arc de Triomphe"). Rusya'da St. Petersburg, klasisizmin mimari tarzının kanonu olarak adlandırılabilir, Avrupa'da Helsinki, Varşova, Dublin, Edinburgh'dur.

Heykel: fikirler ve geliştirme

Klasisizm çağında, devlet adamlarının askeri hünerlerini ve bilgeliğini somutlaştıran kamusal anıtlar yaygınlaştı. Dahası, heykeltıraşlar için ana çözüm, ünlü figürleri eski tanrılar (örneğin, Suvorov - Mars şeklinde) şeklinde tasvir etme modeliydi. İsimlerini yaşatmak için heykeltıraşlardan mezar taşları ısmarlamak özel kişiler arasında popüler hale geldi. Genel olarak, dönemin heykelleri, sakinlik, jestlerin kısıtlanması, tarafsız ifadeler ve çizgilerin saflığı ile karakterizedir.

Moda: Avrupa ve Rusya'nın kıyafetleri

Antik çağa giyime olan ilgi, XVIII.Yüzyılın 80'lerinde kendini göstermeye başladı. Bu özellikle kadın kostümünde belirgindi. Avrupa'da, doğal formları ve güzel kadınsı çizgileri yücelten yeni bir güzellik ideali ortaya çıktı.. Açık renklerin, özellikle beyazın en ince pürüzsüz kumaşları moda oldu.

Kadın elbiseleri çerçevelerini, dolgularını ve jüponlarını kaybederek, yanları kesilmiş ve göğüs altından bir kemerle kesilen uzun, dökümlü tunikler şeklini aldı. Ten rengi tayt giyerlerdi. Kurdeleli sandaletler ayakkabı görevi gördü. Saç modelleri antik çağlardan kopyalanmıştır. Yüzün, ellerin ve dekoltenin kaplandığı pudra hala modadır.

Aksesuarlar arasında ya tüylerle süslü kisei türbanları ya da Türk eşarpları ya da Keşmir şalları kullanılmıştır.

19. yüzyılın başlarından itibaren, tören elbiseleri trenler ve derin bir yaka ile dikilmeye başlandı. Ve günlük elbiselerde boyun çizgisi dantel bir fularla kaplandı. Yavaş yavaş, saç modeli değişir ve toz kullanım dışı kalır. Kısa kesilmiş saçlar, bukleler halinde bükülmüş, altın bir kurdele ile bağlanmış veya bir çiçek tacı ile süslenmiş modaya giriyor.

Erkek modası İngilizlerin etkisi altında gelişti. İngiliz kumaş palto, redingote (rop benzeri dış giyim), jabot ve manşetler popüler hale geliyor. Erkek bağlarının modaya girdiği klasisizm çağındaydı.

Sanat

Resim ve güzel sanatlar

Resimde klasisizm, kısıtlama ve titizlik ile de karakterize edilir. Formun ana unsurları çizgi ve chiaroscuro'dur. Yerel renk, nesnelerin ve figürlerin plastisitesini vurgular ve resmin uzamsal planını ayırır. XVII yüzyılın en büyük ustası. – “Mükemmel manzaraları” ile ünlü Lorrain Claude. Fransız ressam Jacques Louis David'in (XVIII yüzyıl) "dekoratif manzaralarında" bir araya gelen sivil pathos ve lirizm. Rus sanatçılar arasında, klasisizmi (19. yüzyıl) ile birleştiren Karl Bryullov'u ayırt etmek mümkündür.

Müzikte klasisizm, müzik sanatının daha da gelişmesini belirleyen Mozart, Beethoven ve Haydn gibi büyük isimlerle ilişkilidir.

Edebiyat: eserlerde kahramanlar ve kişilik

Klasisizm çağının edebiyatı, duyguları fetheden zihni teşvik etti. Görev ve tutku arasındaki çatışma, bir kişinin sürekli gergin olduğu ve hangi kararı vereceğini seçmesi gereken bir edebi eserin konusunun temelidir. Dil birçok ülkede reforme edildi ve şiir sanatının temelleri atıldı. Yönün önde gelen temsilcileri - Francois Malherbe, Corneille, Racine. Eserin ana kompozisyon ilkesi zaman, mekan ve eylem birliğidir.

Rusya'da klasisizm, ana fikirleri eşitlik ve adalet olan Aydınlanma'nın himayesinde gelişir. Rus klasisizm dönemi edebiyatının en parlak yazarı, şiirleştirmenin temellerini atan M. Lomonosov'dur. Ana tür komedi ve hicivdi. Fonvizin ve Kantemir bu doğrultuda çalıştı.

“Altın çağ”, çok dinamik bir şekilde gelişen ve gelişen tiyatro sanatı için klasisizm çağı olarak kabul edilir. Tiyatro oldukça profesyoneldi ve sahnedeki oyuncu sadece oynamakla kalmadı, yaşadı, yaşadı, yaşadı ve kendisi kaldı. Tiyatro stili, ezberden okuma sanatı olarak ilan edildi.

Klasik tarzda bir resim örneği:

Klasisistlerin ana temsilcileri: sanatçılar, mimarlar

Güzel sanatlar ve mimarinin en parlak kültürel figürleri-klasikleri arasında, şu isimler de ayırt edilebilir:

• Jacques-Ange Gabriel, Piranesi, Jacques-Germain Soufflot, Bazhenov, Carl Rossi, Andrey Voronikhin, (mimari);
• Antonio Canova, Thorvaldsen, Fedot Shubin, Boris Orlovsky, Mikhail Kozlovsky (heykel);
• Nicolas Poussin, Lebrun, Ingres (resim);
• Voltaire, Samuel Johnson, Derzhavin, Sumarokov, Chemnitzer (edebiyat).

Video: gelenekler ve kültür, ayırt edici özellikler, müzik

Çözüm

Klasisizm döneminin fikirleri modern tasarımda başarıyla kullanılmaktadır. Asaleti ve zarafeti, güzelliği ve ihtişamı korur. Başlıca özellikleri duvar boyama, perdelik, sıva, doğal ahşap mobilyalardır. Birkaç dekorasyon var, ancak hepsi lüks: aynalar, tablolar, devasa avizeler.

Klasisizm (lat. classicus'tan - örnek), edebiyat ve sanatta stil ve yön 17 - erken. Bir norm ve ideal bir model olarak antik mirasa dönen 19. yüzyıllar. Klasisizm 17. yüzyılda şekillendi. Fransa'da. Klasisizmin altında yatan rasyonalist felsefenin ilkeleri, klasisizm teorisyenlerinin ve uygulayıcılarının, duyusal olarak algılanan yaşamın kaosu ve akışkanlığı üzerinde zafer kazanan bir sanat eseri üzerine aklın ve mantığın bir meyvesi olarak görüşlerini belirledi. Makul bir başlangıca, kalıcı kalıplara yönelim, etik gerekliliklerin katı standardizasyonunu belirledi. Klasisizmin teorik doktrinlerinin pekiştirilmesi, Paris'te kurulan Kraliyet Akademilerinin - resim, heykel ve mimari - faaliyetleriyle kolaylaştırıldı. 18. yüzyılın klasisizmi - 19. yüzyılın başlarında. Pan-Avrupa tarzı haline gelen (yabancı sanat tarihinde genellikle neoklasizm olarak adlandırılır), Aydınlanma fikirlerinin güçlü etkisi altında esas olarak Fransız kültürünün bağrında şekillendi.

Klasisist resimde, form modellemenin ana unsurları çizgi ve chiaroscuro idi, yerel renk figürlerin ve nesnelerin plastisitesini açıkça ortaya koyuyor, resmin mekansal planlarını ayırıyor; felsefi ve etik içeriğin yüceliği ile işaretlenmiştir. Kahramanların davranışlarının katı şekilde düzenlenmesi. Bu duruş, jest, hareket, göz ifadesi, yüz ifadeleri standardı ile bağlantılı net bir tanım. Kovalanan kompozisyon ritmi, temel dürtüleri yumuşatan ve insan eylemlerine büyüklük kazandıran makul bir başlangıcın yansıması olarak algılanmalıdır. Üç planlı inşaat ve zorunlu rocker. Katı çizim gereksinimleri: merkezi perspektif; oval şekiller; paralel çizgileri ve aynı açıları hariç tutun. Çizginin boyaya göre önceliği net bir taslaktır. "Heykel" öğeler. Keskin renk kontrastlarının dışlanması ve rengin çizgiye ve forma tam olarak tabi kılınması.

Klasisizmin en büyük temsilcileri N. Poussin, C. Lorrain, J. L. David, J. O. D. Ingres'dir.

Klasisizmin kurucusu ve 17. yüzyılın en büyük klasisizm ustası - Poussin Nicholas. 1620'lerden bu yana, ressam Nicolas Poussin yüksek bir sivil sese sahip resimler ("Germanicus'un Ölümü" resmi), edebi ve mitolojik temalar üzerine şiirsel kompozisyonlar, yüce bir görüntü düzeni, yoğun, nazikçe uyumlu bir duygusallığın duygusallığı yarattı. renk. 1630'ların Nicolas Poussin'in eserlerinde hüküm süren net kompozisyon ritmi, bir kişinin asil eylemlerine büyüklük veren makul ilkenin bir yansıması olarak algılanır (“ Arkadyalı çobanlar”;"Musa'nın Bulunuşu"). 1650'lerden bu yana, Poussin'in çalışmalarında etik ve felsefi pathos yoğunlaşıyor. İdeal peyzaj ilkelerini geliştiren Nicolas Poussin, doğayı uygunluk ve mükemmelliğin somutlaşmış hali haline getirir (“Polyphemus ile Peyzaj”; bir dizi manzara “Mevsimler”, “Apollo ve Daphne”). Mitolojik karakterleri manzaraya sokmak, çeşitli unsurları kişileştirmek, İncil'deki masal bölümlerini kullanmak. Antik tema üzerine en iyi çalışmalardan birinde "Flora Krallığı"(sanatçı, ölümden sonra çiçeğe dönüşen Ovid'in destanının karakterlerini topladı (Nergis, Sümbül, vb.). Dans eden Flora merkezde ve figürlerin geri kalanı bir daire içinde düzenlenmiş, duruşları ve jestleri tek bir ritme tabidir - bu sayede, tüm kompozisyon dairesel bir hareketle nüfuz eder, rengi yumuşak ve ruh halinde yumuşak olan manzara, oldukça şartlı olarak yazılmıştır ve daha çok bir tiyatro sahnesine benziyor.

Claude Lorrain klasiğin en büyük ustalarından biri manzara. Sanatçının eserlerinin karakterleri esas olarak eski kahramanlar ve İncil masallarının kahramanlarıdır. Sanatçı, günün çeşitli saatlerinde güneş ışınlarının oyununu, sabahın tazeliğini, öğle sıcağını, temiz havanın şeffaflığını ve hafif bir sisle kapladığı mesafeyi büyük bir ustalıkla resmetmiştir. Resimde "Avrupa'nın Kaçırılması" doğanın tam ve zengin bir görüntüsünü yansıtıyordu. Sanatçının manzaranın arka planına karşı ortaya çıkardığı arsa, yalnızca bir deniz panoraması yazmak için temel teşkil etti.

Lorrain'in bir başka ünlü tablosu da Acis ve Galatea". Eser klasik bir tarzda yazılmıştır, katılık gerektirir, alanı bir dizi plana böler, resimdeki oranlar dikkatlice doğrulanır, ağaçların kompozisyonları resmi kulis veya çerçeve gibi her iki tarafta da çerçeveler.

Lorrain'in son çalışması -" Oskaniy'nin geyik vurduğu manzara»(Oxford Müzesi) sanatçının ölüm yılında tamamlandı ve gerçek bir başyapıt olarak kabul ediliyor.

"Yeni klasisizm" in en büyük temsilcisi Jacques-Louis David ; Tablo "Horatii'nin Yemini" vatandaşlık görevi istiyor. Çizimin kesin doğruluğu, açık ve özlü jest, kahramanca içerik, kostümlerin arkeolojik doğruluğu, açık ışık ve gölge modellemesi. David'in yeteneği en çok devrim yıllarında ortaya çıktı. son derece özlü ve dramatik sanatsal dili, idealleri desteklemek için eşit başarı ile hizmet etti. Fransız devrimi (« Marat'ın ölümü »1793) ve İlk İmparatorluk (« İmparator Napolyon I'in kutsanması » ). resim için " Marat'ın ölümü» sanatçı, tarihsel bir tema üzerine bir portre ve bir resmin özelliklerini bu eserde her zamankinden daha organik bir şekilde birleştirmeyi başardı. Marat'ın sağ eli hala kalemi tutuyor, hayat onu çoktan terk etmesine rağmen, sol elinde Charlotte Corday'den bir mektup var. Tuvalin alt kenarında, sanatçı cinayet silahını tasvir etti - kanla lekelenmiş bir bıçak. David, formlara gerçekten heykelsi bir anıtsallık kazandırdı. 1804'te "Napolyon'un ilk sanatçısı" olan David oldu.

Klasisizmin en büyük temsilcilerinden biri yavl. Jean Auguste Dominique Ingres. Tarihsel, edebi ve mitolojik kompozisyonların yazarı, akademik idealin dokunulmazlığının ikna edici bir koruyucusu olarak hareket etti. kısma, renk şeması çizime tabidir. Sanatçının en ünlü eserlerinden biri olan "Madonna sakramenti ile kadehin önünde". Tablo Ingres tarafından geleceğin Rus İmparatoru II. Alexander tarafından görevlendirildi.Donmuş hiyerarşik poz ve Madonna yankı Katolik ikonografisinin doğru Raphael özellikleri. görüntünün mükemmel hizalaması ve yapıcılığı ile etkileyicidir. Ressamın geç klasik geleneklerinin Fransız sanatının akademizminde büyük etkisi oldu.Ingres her zaman siyasetten uzaktı ve Fransa'da 1830 olaylarında yer almadı. Ancak şu anda, o zamanın siyasi basınının başının harika bir portresini çiziyor, popüler gazete Louis Francois Bertin the Elder'ın sahibi, akıllı, sakin bir görünüme sahip güçlü gri saçlı yaşlı bir adam "ustası". hayat ve şartlar."

Ingres'in yaşamının sonunda yazdığı en önemli eserlerden biri, "Kaynak". Suyun aktığı bir testi tutan genç bir kızın bu görüntüsü, sonsuz yaşam kaynağının alegorik bir sembolüdür.

Rusya'da Klasisizm 18. yüzyılda oluşmuş ve ulusal kültürün gelişmesinde önemli bir rol oynamıştır. Görsel sanatlarda, klasisizmin gelişimi, 1757'de kurulan St. Petersburg Sanat Akademisi ile yakından bağlantılıdır. Bir dereceye kadar idealleştirme, soyutlama ve alegorizm özelliklerini koruyan Rus tarihi klasisizm ustaları - A . P. Losenko, G. I. Ugryumov, A. I. Ivanov, A. E. Egorov, V. K. Shebuev, ilk eserlerde - K. P. Bryullov ve A. A. İvanov- hümanizm, vatansever kamu hizmetinin eğitim fikirlerini destekledi.

Rus klasisizminin akademik resim okulunun kurucusu olarak kabul edilir. A. Losenko. Ressamın en iyi resimlerinden biri Hector'un Andromache'ye Veda'sıdır. Antik destanın bireysel motiflerinden yararlanan sanatçı, tamamen klasisizm ilkelerine dayalı olarak esere farklı bir içerik katmıştır. Losenko'nun fikri, anavatana karşı görev ve vatan adına kahramanca fedakarlık fikrine dayanmaktadır.

- En önemli özelliklerinden biri, ideal bir estetik ve etik standart olarak antik sanat biçimlerine hitap eden 17. yüzyılın başlarında Avrupa sanatında sanatsal bir stil. Barok ile keskin bir polemik etkileşimi içinde gelişen klasisizm, 17. yüzyılın Fransız sanat kültüründe bütünleyici bir üslup sistemi haline geldi. Klasisizmin altında yatan rasyonalist felsefenin ilkeleri, klasik üslup teorisyenlerinin ve uygulayıcılarının, duyusal olarak algılanan yaşamın kaosu ve akışkanlığı üzerinde zafer kazanan, akıl ve mantığın bir meyvesi olarak bir sanat eseri hakkındaki görüşlerini belirledi.

Klasisizmin altında yatan rasyonalist felsefenin ilkeleri, klasisizm teorisyenlerinin ve uygulayıcılarının, duyusal olarak algılanan yaşamın kaosu ve akışkanlığı üzerinde zafer kazanan bir sanat eseri üzerine aklın ve mantığın bir meyvesi olarak görüşlerini belirledi. Makul bir başlangıca yönelim, kalıcı kalıplara yönelim, etik gereksinimlerin katı normatifliğini (kişisel olanın genele tabi olması, tutkular - akla, görev, evrenin yasalarına) ve klasisizmin estetik taleplerini, sanatsal kuralların düzenlenmesini belirledi. ; Klasisizmin teorik doktrinlerinin pekiştirilmesi, Paris'te kurulan Kraliyet Akademilerinin - resim ve heykel (1648) ve mimari (1671) faaliyetleriyle kolaylaştırıldı. Klasisizmde resim, çizgi ve chiaroscuro, form modellemenin ana unsurları haline geldi, yerel renk, figürlerin ve nesnelerin plastisitesini açıkça ortaya koyuyor, resmin mekansal planlarını ayırıyor (felsefi ve etik içeriğin yüceliği, genel uyumu ile işaretlenmiş) Klasisizmin kurucusu ve 17. yüzyılın en büyük klasisizm ustası N. Poussin'in eseri; K. Lorrain'in "ideal manzaraları"). 18. yüzyılın klasisizmi - 19. yüzyılın başlarında. Pan-Avrupa tarzı haline gelen (yabancı sanat tarihinde genellikle neoklasizm olarak adlandırılır), Aydınlanma fikirlerinin güçlü etkisi altında esas olarak Fransız kültürünün bağrında şekillendi. Mimaride, zarif bir malikanenin, bir ön kamu binasının, bir açık şehir meydanının (J.A. Gabriel, J.J. Souflot) yeni tipleri, yeni, düzensiz mimari biçimleri arayışı belirlendi. K.N.'nin çalışmalarında ciddi basitlik için çabalamak. Ledoux, klasisizmin son aşamasının mimarisini öngördü - İmparatorluk. J.B.'nin plastisitesinde birleştirilen sivil pathos ve lirizm. Pigalya ve Zh.A. Houdon, dekoratif manzaralar, J. Robert. Tarihsel ve portre görüntülerinin cesur draması, Fransız klasisizminin başı ressam J.L.'nin eserlerinin doğasında var. David.

David'den Delacroix'ya kadar olan resim, klasisizmin egemenlik dönemini temsil ediyor. David'in ilk resimleri henüz çağdaş sanatına esasen devrimci bir şey katmamıştı, ancak 1784'te ortaya çıkan “Horatii'nin Yemini” sadece sanat dünyasında değil, tüm toplumda duyulmamış bir izlenim bıraktı. bu çalışmanın tam olarak karşılık geldiği ruh hali. Tasarımın kesin doğruluğu, gündelik küçük ilgiden çok farklı olan kahramanca içerik ve nihayet kostümlerin, mimarinin ve tüm çevrenin arkeolojik aslına uygunluğu, izleyicileri zaten çekici hale gelen antik dünyaya taşıdı. onlara. Bu resmi "Kendi emriyle idam edilen oğullarının cesetlerini getiren Brutus ve lictorlar" izledi; bundan sonra, David (1787) "Sokrates'in Ölümü"nü yazdı (bir köle ona bir kase zehir verir, arkasını döner ve ağlar). Bütün bunlar o kadar yeniydi ve Rokoko üslubuna aykırıydı, o kadar yüce görünüyordu ki, toplumun David hakkında bir sanatçı ve vatandaş olarak coşkuyla konuşması için bir fırsat olarak hizmet etti; sivil erdemler nedeniyle, eserlerinin sanatsal kusurları bile fark edilmedi. Sanatçının aklında ne olduğunu göz önünde bulundurursak, resimlerinde böyle bir büyülenme, zamanımız için bile anlaşılabilir, ki onun düşündüğü gibi, eski sanat görüşlerini bu kadar kararlı bir şekilde özümsemiştir. David, yaşamın en yüce anlarına tekabül eden güçlü dürtülerle yönlendirilen, karakter olarak günlük yaşamın sıradan anlarından son derece uzak, temel olarak kabul edilen bir kişiyi tasvir etme görevini üstlendi. David'e göre, böyle bir ruh yükselişine sahip bir kişi, ancak günlük olarak karşılaşılan formlardan uzak, ancak karşılık gelen bir plastik form mükemmelliği ile tasvir edilebilir. Sadece eski sanat bize mükemmel form örnekleri bıraktı ve bu nedenle David, kahramanlarına heykellerde, vazolarda ve kısmalarda çalıştığı eski formu vermeyi gerekli buldu. David'in, daha önce bahsedilen resimlerde ve Sabines (1799) ve diğer eserlerinde ifade ettiği sanatsal anlayışı buydu. Toplum, David'in "Horaces" ve "Brutus" adlı eserlerinde, akrabalık ve aile bağlarını anavatanlarına karşı görev duygusunun altına koyan ideal vatandaşlar olarak sivil fikirler buldu. "Sokrates" de, zorbaların adaletsizliğinden ölen yüksek gerçeklerin vaizini gördüler. David'in kendisi bu tür inançlarla doluydu ve terör sırasında sanatçılardan biri, David'e yakın bir kişi, Robespierre'den dilekçe sahibinin kız kardeşini giyotinden kurtarması için aracılık etmesini istediğinde, David soğuk bir şekilde cevap verdi: “Brutus'u yazdım, buluyorum. hükümetin adil olduğunu ve Robespierre'den istemeyeceğim." Sonuç olarak, David'in resimleri bir dereceye kadar yanlı, ancak ortaya çıktıkları zamanda ve toplumda başarılı olabilirdi. O dönemde genç kuşak ona tepki gösterdi ve resimlerinin toplumsal önemi muazzamdı: resimlerden cumhuriyetçi ruh esiyordu. Aynı ölçüde, o dönem için sanatsal önemleri de büyüktü: modern resmin kadınsılığı, oyunculuğu ve şehvetliliği, o zaman kimsenin kınayamayacağı yüce ve asil duyguların tasvirine direnemedi. Üstelik David, sanatı sadece antik güzellikle değil, aynı zamanda doğayla da kesinlikle uyum içinde olmayı öğrettiği için doğru tasarıma geri döndürdü. David'in sanatsal öğretisi aslında Vienne'in öğretilerinin bir devamıdır, ancak David daha kararlı davranarak Rokoko stiliyle tüm bağları kopardı; güçlü bir iradeye sahip olarak ve zamanın ruhundan yararlanarak, keyfi olarak başkalarını kendisinin gösterdiği yolu izlemeye zorladı. David, "şimdiye kadar sanatın yalnızca boyunlarına kadar altınla oturan Sybarites'in hırs ve kaprislerine hizmet ettiğini" ilan etti. "Toplumun belirli kesimlerinin despotizmi," dedi, "saf ahlak ve felsefe fikirlerini ifade etmek isteyen herkesi gözden çıkardı. Bu arada kahramanlık ve yurttaşlık erdemleri örneklerinin halkta heyecan uyandırması ve onlarda anavatanlarını yüceltme ve refahını artırma sevgisini uyandırması gerekir. Bir cumhuriyetçi olan vatandaş ve sanatçı David, sadece kelimelerle değil, bildiğiniz gibi eylemlerle de yaklaşık olarak böyle konuştu. Ressam Bouquier, 18. yüzyıl sanatını daha da şiddetle kınadı ve yaklaşık olarak şunları söyledi: “Bu utanç verici eserler (önceki sanatçılar) yerine galerilere cumhuriyet halkının gözlerini perçinleyebilecek, iyiliği onurlandırabilecek başkalarını yerleştirmenin zamanı geldi. ahlak ve erdem. Ulusal galerilerde, Boucher ve takipçilerinin erotik ve terbiyeli resimleri ya da Vanloo'nun dişil fırçasıyla yaptığı resimler yerine, hürriyet oğullarının kahramanlıklarını karakterize edecek eril üslupta eserler yerleştirilmelidir. Böyle bir insanın enerjisini ifade etmek için güçlü bir stil, cesur bir fırça ve ateşli bir deha gerekir. David yeni bir yönün başı oldu ve eski, şimdiye kadar var olan her şeyi yok eden ve yenisiyle değiştiren toplumun devrimci akımı tarafından zaten kınandı. Eski yönün sanatçıları yeni akıma katılmaya çalıştılar ve yeteneklerinin ve alışkanlıklarının doğası gereği başarılı olamadılar, ya faaliyetlerini tamamen durdurdular ya da tanınmayacak kadar değiştiler. Düşler ve Fragonard birdenbire önemini yitirmiş, toplumun maddi ve manevi desteğini kaybetmiş ve herkes tarafından unutularak ölmüştür. Fragonard, David'in sanatın yeni sosyal sistemdeki uygun yerini sağlamlaştırma çabalarına katılmaya bile mecbur kaldı ve sanatın toplumun adetlerini soylulaştırması ve öğretmesi gerekiyordu. Heykeltıraşlar, oymacılar ve hatta zanaatkarlar, sanatçılar, kuyumcular, oymacılar - hepsi David'e itaat etti. David'in resimlerinin ("Horaces", "Brutus") cumhuriyetçi temalarının onaylanması veya atanması ve resimlerin, kamuoyuna böyle bir tavizle genel olarak katılıyor gibi görünen Louis XVI tarafından satın alınması dikkat çekicidir. fikirlerin hareketi, çünkü bu eserlerin toplumsal önemi herkes için açıktı. Kralın tahttan indirilmesinden ve onu ölüme mahkûm ettikten sonra, David'in de oylarıyla katıldığı ve Robespierre'in düşüşüne ve idamına kadar tüm terör süresi boyunca, David'in sanatsal etkinliği iki resimde ifade edildi - "Suikast Pelletier" ve daha sonra - vatansever amaçlarla yazılan "Marat Suikastı". Bununla birlikte, sanatçı, temasını K.'yi düşünmeden işledi ve ikinci resim, şimdi bile sanatsal önemini kaybetmeyecek şekilde ortaya çıktı. Robespierre'in idamından sonra, suç ortaklarından biri olan David, ölümcül tehlikeden zar zor kurtuldu ve ardından Sabine Kadınları'nı yazdı. Napolyon döneminde, kendisini yüceltmek için birkaç resmi resim yaptı, bu türde en az başarıya sahip olan ve restorasyon sırasında Fransa'dan bir recide olarak kovulan, Brüksel'de tekrar eski konulara teslim oldu ve fikrini değiştirmedi. ölümüne kadar yön. David'in sanatsal ve kısmen sivil özlemleri, ikincisi resimde ifade edildiğinden, ilk olarak Belisarius'ta (1781) ortaya çıktı - daha sonra hükümdarların nankörlüğünü hatırlattığı için favori haline gelen bir tema. Şimdi, resimlerini sadece sanatsal yönden değerlendirmek mümkün olduğunda, kompozisyonda teatral ve iddialı görünüyorlar. Horace'larda bile, sanatçının asıl amacı, olayı Corneille'in trajedisinin son perdesinde, 1782'de sahnede tasvir edildiği gibi temsil etmekti; David, yalnızca arkadaşlarının tavsiyesi üzerine, Corneille'in oyununa doğrudan karşılık gelen, ancak içinde olmayan, resme daha uygun bir anı tasvir etti. David'in çizimi katıydı, çizgiler kasıtlıydı, asildi. Okulunda sadece antikalar değil, aynı zamanda antik heykel sanatına yaklaşmak için mümkün olduğunca değişmesini önerdiği doğa da incelendi. Genel olarak, resimlerinde olduğu gibi talimatlarında da heykeltıraşlık görevlerini resim yapma görevleri ile karıştırmıştır. "Horaces" ile ilgili olarak, resimde boyanmış figürlerin değişmeden bir kısma için hizmet edebileceği ve ancak formların teatral pathos'unun hala bir dezavantaj olmaya devam edeceği konusunda doğru bir eleştirel yorum yapıldı. Renkle ilgili olarak, resimleri tamamen yetersiz görünüyor, çünkü kahramanları yaşayan insanlara benzemiyor, soluk boyanmış heykeller gibi görünüyor. Resim tekniği çok düzgün ve süreklidir ve nesnelerin optik karakterizasyonu için belirli bir dereceye kadar gerekli olan cesaret ve güvenden son derece uzaktır; ayrıca mobilya, mimari ve diğer ufak tefek şeyler de karakterlerin vücutlarıyla aynı titizlikle kaleme alınmış. Portrelerinde, örneğin Madame Recamier'in portresinde olduğu gibi, bazen eski pozları takip etmesine rağmen, resimlerinde David portrelerinin veya portre figürlerinin eski kahramanlarından çok daha hayati olduğu belirtilmelidir. Antika sevgisi, David'e Diderot'nun talep ettiği gibi doğaya doğru bakmayı öğretmedi. Özgür düşünen bir cumhuriyetçi olan David, ne siyasi muhaliflerinde ne de sanatçılarda aynı özgürlüğe izin vermedi; eski okulun akademisyenlerine zulmederek birçok düşman edindi. O sırada olaylar o kadar hızlı bir şekilde peş peşe geldi ki, David'in onları bir fırçayla ifade etmeye zamanı yoktu. Böylece, Jedepaume'deki komplocuları (1789 olayı) gösteren başlattığı büyük resim bitmemiş kaldı. Temmuz 1794'te, ulusal kongrede David'in kendisine karşı, diğer şeylerin yanı sıra, bir sanat tiranı olarak teşhir edilen suçlayıcı bir konuşma yapıldı. Gerçekten de, istisnai bir başkasını yaratmak için bir akademik sistemi bastırdı. Onun zamanında, sisteminin eksiklikleri bariz değildi ve faydaları sadece Fransızları değil, aynı zamanda yabancı ressamları, oymacıları ve heykeltıraşları daha sonra David'in öğretilerini Avrupa'ya yayacak olan David okuluna çekti. Nispeten kısa bir süre içinde 400'den fazla müridi oldu ve etkisi onlarca yıl devam etti, ancak sürekli değişikliklerle; Bununla birlikte, başlangıçta, kelimenin dar anlamıyla akademik ve sözde-klasikti, çünkü eski yaşamı soğuk ve duygusuz gibi temsil ediyordu ve ayrıca eski K.'yi onun için alışılmadık olan modern toprağa aktardı (modern yaşamın resimlerine). ), duruşların, hareketlerin, formların ve ifadelerin karakteristik bireyselliğini duyarsızlaştırmaya ve onlara yapı sanatının kuralları gibi öğrenilebilecek kanonik kuralları karşılayan tipler vermeye çalışmak. David çok yetenekli değildi; muhtemelen tutkuların ifadesine gerçek biçimini veremeyecektir, resimlerine hayal gücünden ve duygudan çok daha fazla yansıma getirdi, ancak başarısı yukarıda açıklanan nedenlerden kaynaklanıyordu. Toplum, antikanın bu kadar sadık bir temsili tarafından büyülendi; saçların pudralanması ve rokoko kostümün süslü aksesuarları terk edildi, Yunan tuniklerine benzer kadın kıyafetleri moda oldu. David'in bazı müritleri (les Primitives) Paris ve Agamemnon gibi giyinmeye başladılar. Rehber zamanında, halkın temsilcilerine, mümkünse eski olana yaklaşan bir giysi kesimi bile verildi. David, "Sabine Kadınları" resmini çizdiğinde, antikaya olan hayranlığı, en iyi sosyeteden üç hanımın sanatçıya modeller için poz vermesine neden oldu. Resmin sonunda, David resmi ayrı olarak sergiledi, halka resmin kahramanlarının neden çıplak tasvir edildiğini açıklayan ayrıntılı bir açıklama; yazar, Yunanlıların ve Romalıların resmini geleneklerine uygun bulacağından emindi. 5 yıl boyunca ziyaret edilen sergi, sanatçıya 65.000 franktan fazla ve genel övgüyle teslim edildi. Ancak resimden anlamayan, ancak savaşı ve askeri bilen Napolyon, Davut'un Romalılarının çok kayıtsız savaştığını oldukça doğru bir şekilde kaydetti. Napolyon'un saltanatının sonunda, David, uzun zamandır düşünülen ve "Leonidas at Thermopylae" resmine başladı (1814) - yaşam ve gerçek olmadan akademik bir çalışma; David'in istediği ve Leonidas'ın figüründe ve yüzünde ifade edilmesi gereken, duygularını ifade etmede her zaman yüzeysel olan sanatçının araçlarını çok aştı. Ancak, Leonid'in başının ifadesinden kendisi memnun kaldı ve ifade ettiklerini başka kimsenin ifade edemeyeceğinden emindi.

18. yüzyıl sanatının kendisinin en uç noktalarından düşmek için çabaladığını anlayan sadece Vienne değildi. Vienne ve Pierre Perron (1744-1815) ile neredeyse aynı anda, sanatı antikalar ve doğa çalışmalarına geri döndürmeye çalıştı. David ile aynı yıl, Sokrates'in Ölümü'nü de sergiledi, ancak bu çalışmada hem kompozisyon hem de formların ve perdelerin yorumlanması açısından eskilerin çoğuyla birlikte kaldı. Bir Vienne öğrencisi olan Jean Joseph Tagliason, trajedilerinde Racine ve Corneille gibi antik dünyayı anlamış ve tasvir etmiştir. Roma'daki Fransız Akademisi'nin on yıllık yöneticisi Guillaume Guillon Lethierre (1760-1832), Brutus'u (1801) David gibi ama farklı bir zamanda yazdı; çıplak bedenler ve perdeler, Davut reformunun ruhuyla Roma heykellerinden sonra yapılmıştır. Başka bir resim - 1795'te tasarlanan "Virginia'nın Ölümü", yalnızca K.'nin eğilimlerinin eski haline geldiği 1831'de tamamlandı. Guillaume Menajo (1744-1816), aynı zamanda Roma'daki akademinin uzun süredir yöneticisi, tereddütle eski ve yeni arasında durdu. David'in gölgesinde kaybolmayan tek sanatçılar Jean Baptiste Regnault (1754-1829) ve François-André Vincent (1746-1816) idi. Bunlardan ilki, hayatı boyunca 18. yüzyılın zarafetlerine ve perilerine olan tutkusunu sürdürmesine rağmen, erken yaşlardan itibaren Roma'ya geldiğinden, antikliğe yönelik genel eğilimde yer aldı. The Education of Achilles (1783) adlı eseri ona bir isim verdi. Genel olarak, ilk başta renk açısından bile geride bıraktığı David ile rekabet edeceğine söz verdi. Antik dünyanın diğer resimlerinden "Kleopatra'nın Ölümü", "Alkibiades ve Sokrates", "Pygmalion", "Venüs Tuvaleti", "Herkül ve Alceste"; Regnault ayrıca David'in görüşlerine bağlı kalarak modern tarihi tablolar da yaptı. David gibi Vienne'in bir müridi olan Vincent, David ana eserleriyle ortaya çıkmadan önce kendisine bir isim yaptı. Vincent, Vienne yönetiminde, çizimin geliştirilmesine ve formların çalışmasına da katkıda bulundu, ancak pozların teatralliği ve rengin cansızlığı ile ilgili olarak yeni yönün eksikliklerini paylaştı. En sevdiği konular ulusal tarihten alınmıştır, bu tür sonraki sanatçıların ve bu arada Horace Vernet'in öncüsü ve başkanıydı. Vincent'ın resimlerinden şöyle adlandıracağız: “Belisarius yalvarıyor”, “Zevskis modelini Croton kızları arasında seçiyor”, “Henry IV ve Sully”, “Piramitlerin altında savaş”. Klasik yönün daha da kararlı bir savunucusu, Regnault okulundan çıkan Pierre Guerin (1774-1833) idi. "Mark Sextus Sürgünden Dönüyor" (1799) adlı tablosu, birkaç yıl önce toplum üzerinde "Horaces" ile neredeyse aynı güçlü izlenimi bıraktı, çünkü ortaya çıkışı Fransız göçmenlerin anavatana dönüş dönemine denk geldi. Bu resmin önce ailesine dönen kör Belisarius'u tasvir etmesi, ardından ana figürün gözlerinin açılması ve onun Sextus'a yeniden dönüştürülmesi dikkat çekicidir. 1802'de Hippolytus, Phaedra ve Theseus resmi, ardından Andromache (1808), Aeneas ve Dido (1817) sergilendi. Guerin'in yapıtlarının ana karakteri, o dönemin teatral üslubunun heykel ile birleşimidir ve bu türde sanatçı çok yaratıcıydı; yaptığı resim soğuktu. Ana karakterler olarak o zamanki tiyatro ünlülerini, aktör Talma ve aktris Duchenois'i model aldığı bu resimlerden ikincisi hala diğerlerinden daha iyi.

David'in okulundan, öğretmenin büyük umutlar beslediği Drouet (1763-1788) geldi; "Mary at Manturn" adlı resmi bir başarıydı, ama şimdi ruhsuz ve aynı zamanda koşullu tiyatro figürleriyle görünüyor. Yürütmede - David'inki gibi bir tablo. David - Girodet de Triozon'un (1767-1824) bir başka öğrencisi, ilk başta Yunan mitolojisine Roma tarihinden daha çok düşkündü. Ay ışığının bir miktar renk verdiği "Uyuyan Endymion" halk tarafından iyi karşılandı, ancak okul eksikliği şekilde görülüyor. Hipokrat'ında hareketlerin teatralliği görülür. 1806'da, kurtuluş arayan bir grup insanın ölmekte olan felaketlerini betimleyen Tufan'dan bir sahne sergiledi; Bu eser için sanatçı, 1810'da son on yılın en iyi eseri olarak atanan Napolyon Ödülü'nü aldı. Modern eleştiri, sanatçıda Michelangelo ve Raphael'in bir kombinasyonunu gördü ve şimdi resmi akademik ve yapay bir kompozisyon gibi görünüyor, ancak bir miktar tutkuyla; şimdi onun "Atala ve Shaktas"ını daha çok seviyorum. Gerard (1770-1830) - aynı zamanda David'in bir öğrencisi - ilk ününü, klasik yönün en iyi eserlerinden biri olan "Belisarius (o zamanın en sevdiği arsa), yoldaşını taşıyan" (1791) resmiyle aldı; bu büyük bir başarıydı, ancak Psyche'si daha az sevildi. Gerard bir portre ressamı olarak ünlendi ve gerçekten de çalışmalarının portrelerinin 18. yüzyıl portreleriyle karşılaştırılması, örneğin Hyacinthe Rigaud (1659-1743), Rigaud modelini modellediği için sadelik ve doğallığa doğru büyük bir adım gösteriyor. Bazen yapay ve şirin, bazen ciddi olan portreler, çoğu zaman mitolojik tanrıların niteliklerini bile taşıyordu. Greuze ve Louise Vigée-Lebrun'un portreleri bile, tasvir edilen yüzdeki karakteristik bireyselliğin eksikliği ve heterojen tiplerin bazı genellemeleri nedeniyle Gerard'ın portrelerini ortaya koydu. Gerard'ın çağdaşları, gerçeği takip etmekten çok modellerini memnun etmeye çalışan moda portre ressamları Robert Lefebvre ve Keansom, şimdi unutuldular, Gerard'ın portrelerinin canlılığı, Gerard'ın eserlerindeki kadar derin olmaktan uzak olsa da, hala önemli. büyük ustalar.. David okulundan portre ressamı Isaba, ona iyi bir çizim borçludur, ancak resimlerinin büyük bir değeri yoktur. David'in atölyesinden çıkan en önemli sanatçı Gros'tur (1771-1835), ancak ünü hocasının tavsiyelerine uymadığı eserlere dayanmaktadır. "Sappho'nun kendini denize atması", "Ariadne ve Bacchus", "Herkül'ün atını Diomedes'e fırlatması" (1835) gibi klasik motifleri onun bu cinse karşı acizliğini gösterirken, "Abukir Savaşı", "Yafa'da Veba" Bir zamanlar gerçekliği anlamaya yönelik büyük bir hareketi temsil eden bu bitkiler, doğada görülenleri temsil etme konusunda büyük bir yetenek, gözlem ve güç gösterirler. Gro'nun yeteneğinin doğasını anlamaması ve öğretmeninin görüşlerine tamamen uyarak, onunla birlikte modern yaşamın resimlerinin içeriğini tesadüfi bir şey olarak kabul etmesi ve sanata olan ilgilerinin geçici olması şaşırtıcı. David defalarca "Plutarkhos'u okuyun" dedi ve ona yazdı, "orada fırçanıza layık örnekler bulacaksınız." Gro, yurttaşları tarafından büyük saygı gördü, bazı eleştirmenler onu abartılı bir şekilde Rubens ve Veronese'nin bir kombinasyonunu gördüler, okulu 400'e kadar sanatçıdan oluşuyordu. Ancak Gro en iyi eserlerinden vazgeçip her şeyde David'i takip etmeyi öğrettiğinde ve kendisi ilk fırsatta klasik konulara geri döndüğünde, ancak bununla çok başarısız bir şekilde başa çıktı, çağdaşları için tüm önemini kaybetti. David'in yetenekli öğrencilerinden bir diğeri, klasik tarzda yazan Francois-Xavier Fabre (1766-1837): "Sütundaki Oidipus", "Nergis'in Ölümü", "Neoptolem ve Ulysses", vb., umutları haklı çıkarmadı. onun öğretmenlerinden. Okul derslerinin anısına sürekli olarak boyanmış tarihi resimlerde de yükselmedi ve faaliyetinin son yıllarında kendini manzara ve portrelerle sınırladı. Hayatının çoğunu İtalya'da geçiren "Orestes ve Pylades" ve "Electra", "Virgil Aeneid'i Augustus'a okur" yazan Jean-Baptiste Vicard (1762-1834), doğrudan bir etkiye sahip değildi. eserleri ile Fransız sanatı üzerinedir, ancak etkinliği başka bir açıdan belirtilmiştir (bkz. Vikar). K.'nin diğer takipçilerinden Louis Duci (1773-1847) mitolojiden motifler üzerine yazılar yazmıştır; Philippe-August Hennequin (1763-1833), Claude Gauthereau (1765-1825), Charles Thévenin (1760-1838), Jean-Baptiste Debray (1763-1845), Charles Meunier (1768-1832) ve diğerleri antik ve alegorik yazılar yazdılar. , kısmen tarihi resimler, kısmen portreler. Akademik K. formları açısından ideal dünyaya bağlı kalan bu sanatçıların neredeyse tamamı, onlara gerçek hayatı solumak için yeterli yeteneğe sahip değildi. Bazıları kilise ve manastırların ve Louvre plafondlarının resmi ressamlarıydı. Bazıları ve bir başka grup, anıtsal oranlarda savaşlar, askeri sahneler ve geçit törenleri, hayatlarının çeşitli dönemlerinde hüküm süren kişiler ve faaliyetlerle tasvir edilmiştir. Aynı şey Regno ve Vincent'ın öğrencileri için de söylenebilir, ancak hepsinde çoğunlukla David ve Gros'un modelleri vardı, bunlar David'in 1815'te Fransa'dan kovulmasından sonra Fransız resminin resmi temsilcisi oldu; kimsenin özel bir yeteneği yoktu ve nadir ve zayıf istisnalar dışında hiç kimse orijinal olmaya cesaret edemedi.

David, hem sanatsal hem de sosyal açıdan etkisinin zirvesindeyken, çok az sanatçı yalnızlığını korudu. Pierre-Paul Prudhon (1758-1823), konuları mitolojiden (“Graces”, “Afrodit”, “Psyche”, “Zephyrs”, “Adonis”) almasına rağmen, bu malzemeyi duygusuyla canlandırmış ve rengine sahip olmuştur. hayat. David'in okuluna karşı tutumu, David'in en yetenekli öğrencilerinden biri olan Drouet'yi incelemesinden bellidir. “Resimlerde ve tiyatroda, temsil ettikleri nesnenin doğasında bulunan karakteri ifade etmeden, bir komedi oynuyormuş gibi görünen ve sadece olması gereken şeyin parodisini yapan tutkuları tasvir eden insanlar görülebilir.” David, Prudhon'un yeteneğini fark ederek ona haksız yere modern Boucher adını verdi; Prudhon, genellikle doğa olmadan karmaşık resimler yapan, ancak bir kolunu veya bacağını zarafetle bükebildiği gerçeğiyle övünen Boucher'ın bilmediği doğal biçimler ve hareketler hakkında bir anlayışa sahipti. Prudhon'un resimlerinden biri ("Adalet ve İntikam Tarafından Takip Edilen Suç"), tutku ve ifade gücü ve renk açısından, ancak on beş yıl sonra keşfedilen yeni bir yönün habercisi olarak kabul edilir. Aynı yıl (1808) halkın Girodet'nin, o dönemde herkesin yaptığı gibi tarihten veya antik dünyadan değil, Chateaubriand'dan alınan arsa "Atala ve Shaktas" resmiyle tanışması dikkat çekicidir. , - David okulunun sıradan eserlerinden rengi farklı olan bir resim. Ancak Prudhon'un o zaman için tüm uzun, istisnai orijinal faaliyetleri Davut okulunu en ufak bir sarsmadı.

1. Giriş.Sanatsal bir yöntem olarak klasisizm...................................2

2. Klasisizm estetiği.

2.1. Klasisizmin temel ilkeleri ..................................………….….....5

2.2. Dünyanın resmi, klasisizm sanatında kişilik kavramı......................5

2.3. Klasisizmin estetik doğası .................................................. ................ ........dokuz

2.4. Resimde Klasisizm ................................................................ ........ .................................onbeş

2.5. Heykelde Klasisizm ................................................................ ................................ ................................on altı

2.6. Mimaride Klasisizm ................................................................ ................................................on sekiz

2.7. Edebiyatta Klasisizm ................................................................ ................................................................20

2.8. Müzikte Klasisizm ................................................................ ................................................................22

2.9. Tiyatroda Klasisizm ................................................................ ................................................................22

2.10. Rus klasisizminin özgünlüğü .................................................. ................. ....22

3. Sonuç……………………………………...…………………………...26

bibliyografya..............................…….………………………………….28

Uygulamalar ........................................................................................................29

1. Sanatsal bir yöntem olarak klasisizm

Klasisizm, sanat tarihinde gerçekten var olan sanatsal yöntemlerden biridir. Bazen "yön" ve "stil" terimleriyle belirtilir. Klasisizm (fr. klasisizm, enlemden. klasik- örnek) - 17.-19. yüzyıl Avrupa sanatında sanatsal bir stil ve estetik eğilim.

Klasisizm, Descartes felsefesinde aynı fikirlerle eşzamanlı olarak oluşan rasyonalizm fikirlerine dayanmaktadır. Klasisizm açısından bir sanat eseri, katı kanunlar temelinde inşa edilmeli, böylece evrenin uyumunu ve mantığını ortaya çıkarmalıdır. Klasisizmin ilgi alanı sadece ebedi, değişmezdir - her fenomende, rastgele bireysel özellikleri atarak yalnızca temel, tipolojik özellikleri tanımaya çalışır. Klasisizm estetiği, sanatın sosyal ve eğitici işlevine büyük önem verir. Klasisizm, antik sanattan (Aristoteles, Horace) birçok kural ve kanon alır.

Klasisizm, yüksek (ode, trajedi, epik) ve düşük (komedi, hiciv, masal) olarak ayrılan katı bir tür hiyerarşisi kurar. Her türün, karıştırılmasına izin verilmeyen kesin olarak tanımlanmış özellikleri vardır.

Yaratıcı bir yöntem olarak klasisizm kavramı, tarihsel olarak koşullandırılmış bir estetik algı ve gerçekliğin sanatsal görüntülerde modellenmesi yolunu ima eder: belirli bir tarihsel dönemin kitle estetik bilinci için en yaygın olan dünyanın resmi ve kişilik kavramı, sözlü sanatın özü, gerçeklikle ilişkisi, kendi iç yasaları hakkında fikirlerde somutlaşmıştır.

Klasisizm, belirli tarihsel ve kültürel koşullarda ortaya çıkar ve oluşur. En yaygın araştırma inancı, klasisizmi, oluşumunda mutlak monarşinin merkezi bir rol oynadığı feodal parçalanmadan tek bir ulusal-bölgesel devletliğe geçişin tarihsel koşullarıyla ilişkilendirir.

Klasisizm, merkezi bir devletin genel bir sosyal modelinin oluşumunun ulusal varyantının bireyselliği nedeniyle, farklı ulusal kültürlerin klasik aşamadan farklı zamanlarda geçmesine rağmen, herhangi bir ulusal kültürün gelişiminde organik bir aşamadır.

Farklı Avrupa kültürlerinde klasisizmin varlığının kronolojik çerçevesi, 17. yüzyılın ikinci yarısı - 18. yüzyılın ilk otuz yılı, Rönesans'ın sonunda erken klasisizm eğilimlerinin aşikar olmasına rağmen, dönüşte tanımlanmaktadır. 16-17 yüzyıllara ait. Bu kronolojik sınırlar içinde, Fransız klasisizmi, yöntemin standart düzenlemesi olarak kabul edilir. 17. yüzyılın ikinci yarısında Fransız mutlakiyetçiliğinin gelişmesiyle yakından ilişkili olarak, Avrupa kültürüne sadece büyük yazarlara - Corneille, Racine, Molière, Lafontaine, Voltaire - değil, aynı zamanda klasik sanatın büyük teorisyeni Nicolas Boileau-Depreau'ya da kazandırdı. . Kendisi yaşamı boyunca hicivleriyle ün kazanan pratik bir yazar olan Boileau, esas olarak klasisizmin estetik kodunu yaratmasıyla ünlüydü - içinde tutarlı bir teorik edebi yaratıcılık kavramı verdiği didaktik şiir "Şiirsel Sanat" (1674), çağdaşlarının edebi pratiğinden türetilmiştir. Böylece, Fransa'daki klasisizm, yöntemin en bilinçli uygulaması haline geldi. Dolayısıyla referans değeri.

Klasisizmin ortaya çıkmasının tarihsel önkoşulları, yöntemin estetik sorunlarını, otokratik bir devlet olma sürecinde birey ve toplum arasındaki ilişkinin ağırlaştığı dönemle ilişkilendirir; hukuk ve kamusal ve özel hayat alanlarını ve birey ile devlet arasındaki ilişkiyi açıkça ayırt eder. Bu, sanatın içerik yönünü tanımlar. Ana ilkeleri, dönemin felsefi görüş sistemi tarafından motive edilir. Dünyanın bir resmini ve kişilik kavramını oluştururlar ve bu kategoriler zaten edebi yaratıcılığın sanatsal tekniklerinin bütününde somutlaşır.

17. yüzyılın ikinci yarısının tüm felsefi akımlarında bulunan en genel felsefi kavramlar - 18. yüzyılın sonları. ve klasisizmin estetiği ve şiirselliği ile doğrudan ilgili - bunlar, bu zamanın hem idealist hem de materyalist felsefi öğretileriyle ilgili "rasyonalizm" ve "metafizik" kavramlarıdır. Rasyonalizm felsefi doktrininin kurucusu Fransız matematikçi ve filozof Rene Descartes'tir (1596-1650). Doktrininin temel tezi: "Düşünüyorum, öyleyse varım" - o zamanın birçok felsefi akımında, "Kartezyenizm" ortak adıyla birleştirildi (Descartes - Cartesius adının Latince versiyonundan). bu idealist bir tezdir, çünkü maddi varoluşu bir fikirden türetir. Bununla birlikte, bir kişinin birincil ve en yüksek manevi yeteneği olarak aklın bir yorumu olarak rasyonalizm, çağın materyalist felsefi akımlarının - örneğin, İngiliz Bacon-Locke felsefi okulunun metafizik materyalizmi gibi - eşit derecede karakteristiktir. deneyimi bir bilgi kaynağı olarak kabul eden, ancak onu zihnin genelleştirici ve analitik etkinliğinin altına koyan, deneyimle elde edilen çok sayıda olgudan en yüksek fikri, kozmosu - en yüksek gerçekliği - kaostan modellemenin bir aracını çıkaran. bireysel maddi nesneler.

"Metafizik" kavramı, rasyonalizmin her iki çeşidine de - idealist ve materyalist - eşit derecede uygulanabilir. Genetik olarak Aristoteles'e kadar uzanır ve onun felsefi öğretisinde, duyuların erişemeyeceği şeyleri araştıran ve var olan her şeyin en yüksek ve değişmeyen ilkeleri tarafından yalnızca rasyonel olarak spekülatif olarak kavranan bir bilgi dalını ifade eder. Hem Descartes hem de Bacon, terimi Aristotelesçi anlamda kullandılar. Modern zamanlarda, "metafizik" kavramı ek bir anlam kazanmış ve fenomenleri ve nesneleri birbirleriyle bağlantıları ve gelişmeleri olmadan algılayan diyalektik karşıtı bir düşünme biçimini ifade etmeye başlamıştır. Tarihsel olarak, bu, 17.-18. yüzyılların analitik çağının, bilimsel bilgi ve sanatın farklılaşma döneminin, senkretik kompleksten öne çıkan her bilim dalının kendi ayrı konusunu edindiği, düşünmenin özelliklerini çok doğru bir şekilde karakterize eder. fakat aynı zamanda diğer bilgi dallarıyla olan bağlantısını da kaybetmiştir.

2. Klasisizm estetiği

2.1. Klasisizmin temel ilkeleri

1. Akıl kültü 2. Vatandaşlık görevi kültü 3. Ortaçağ konularına hitap 4. Gündelik hayatın imgesinden, tarihsel ulusal kimlikten soyutlama 5. Antik örneklerin taklidi 6. Kompozisyonel uyum, simetri, eser bütünlüğü 7. Kahramanlar, geliştirme dışında verilen bir ana özelliğin taşıyıcılarıdır 8. Bir sanat eseri yaratmanın ana tekniği olarak antitez

2.2. Dünya görüşü, kişilik kavramı

klasisizm sanatında

Akılcı bilinç tipi tarafından üretilen dünya resmi, gerçekliği açıkça iki düzeye ayırır: ampirik ve ideolojik. Dış, görünür ve somut maddi-ampirik dünya, birbiriyle hiçbir şekilde bağlantılı olmayan birçok ayrı maddi nesne ve fenomenden oluşur - bu, bireysel özel varlıkların bir kaosudur. Bununla birlikte, bu kaotik bireysel nesnelerin çokluğunun üzerinde, ideal hipostazları vardır - uyumlu ve uyumlu bir bütün, herhangi bir maddi nesnenin ideal görüntüsünü en yüksek, tikellerden arındırılmış, ebedi ve değişmez olan evrensel evren fikri form: Yaradan'ın orijinal niyetine göre olması gerektiği şekilde. Bu genel fikir, ancak bir nesneyi veya fenomeni belirli biçimlerinden ve görünümünden yavaş yavaş arındırarak ve ideal özüne ve amacına nüfuz ederek rasyonel-analitik bir şekilde kavranabilir.

Ve fikir yaratılıştan önce geldiği ve varoluşun vazgeçilmez koşulu ve kaynağı düşünmek olduğu için, bu ideal gerçeklik en yüksek birincil karaktere sahiptir. Böyle iki seviyeli bir gerçeklik resminin ana kalıplarının, feodal parçalanmadan otokratik devletliğe geçiş döneminin ana sosyolojik sorununa - birey ve devlet arasındaki ilişki sorununa - çok kolay yansıtıldığını görmek kolaydır. . İnsanların dünyası, bireysel özel insanların dünyasıdır, kaotik ve düzensizdir, devlet, kaostan uyumlu ve uyumlu bir ideal dünya düzeni yaratan kapsamlı uyumlu bir fikirdir. XVII-XVIII yüzyılların dünyasının bu felsefi resmidir. Herhangi bir Avrupa edebiyatında klasisizm için evrensel olarak karakteristik (gerekli tarihsel ve kültürel varyasyonlarla) kişilik kavramı ve çatışma tipolojisi gibi klasisizm estetiğinin bu tür önemli yönlerini belirledi.

Dış dünya ile insan ilişkileri alanında, klasisizm iki tür bağlantı ve konum görür - dünyanın felsefi resmini oluşturan aynı iki seviye. İlk seviye, maddi dünyanın tüm nesneleri ile birlikte duran biyolojik bir varlık olan "doğal kişi" olarak adlandırılır. Bu, bencil tutkuların sahip olduğu, kişisel varlığını sağlama arzusunda düzensiz ve sınırsız özel bir varlıktır. Dünya ile insan bağlantılarının bu düzeyinde, bir kişinin manevi imajını belirleyen ana kategori tutkudur - bireysel iyiliği elde etme adına gerçekleştirme arzusunda kör ve sınırsız.

Kişilik kavramının ikinci seviyesi, iyiliğinin ortak iyinin ayrılmaz bir parçası olduğunun bilincinde, topluma uyumlu bir şekilde en yüksek, ideal imajına dahil edilen "sosyal kişi" olarak adlandırılır. Bir “kamu kişisi” dünya görüşünde ve eylemlerinde tutkularla değil, akılla yönlendirilir, çünkü bir insanın en yüksek manevi yeteneği olan akıldır ve ona bir insan topluluğu koşullarında olumlu kendi kaderini tayin etme fırsatı verir. tutarlı toplum yaşamının etik normlarına dayalıdır. Böylece, klasisizm ideolojisindeki insan kişiliği kavramının karmaşık ve çelişkili olduğu ortaya çıkıyor: doğal (tutkulu) ve sosyal (makul) bir kişi, iç çelişkiler tarafından parçalanmış ve bir seçim durumunda tek ve aynı karakterdir. .

Dolayısıyla - doğrudan böyle bir kişilik kavramından çıkan klasisizm sanatının tipolojik çatışması. Çatışma durumunun kaynağının tam olarak kişinin karakteri olduğu oldukça açıktır. Karakter, klasisizmin merkezi estetik kategorilerinden biridir ve yorumu, modern bilincin ve edebi eleştirinin "karakter" terimine yüklediği anlamdan önemli ölçüde farklıdır. Klasisizm estetiğinin anlaşılmasında, karakter tam olarak bir kişinin ideal hipostazıdır - yani, belirli bir insan kişiliğinin bireysel deposu değil, özünde zamansız olan insan doğası ve psikolojisinin belirli bir evrensel görüşü. Yalnızca bu ebedi, değişmez, evrensel insan niteliği biçiminde, karakter, en yüksek, ideal gerçeklik düzeyiyle açık bir şekilde ilişkili olan klasik sanatın bir nesnesi olabilir.

Karakterin ana bileşenleri tutkulardır: aşk, ikiyüzlülük, cesaret, cimrilik, görev duygusu, kıskançlık, vatanseverlik vb. Bir tutkunun baskınlığı ile karakter belirlenir: “aşık”, “cimri”, “kıskanç”, “vatansever”. Bütün bu tanımlar, klasik estetik bilincin anlayışında tam olarak "karakter"dir.

Ancak bu tutkular, XVII-XVIII yüzyılların felsefi kavramlarına göre olsa da, birbirine eşdeğer değildir. tüm tutkular eşittir, çünkü hepsi insan doğasındandır, hepsi doğaldır ve hangi tutkunun bir kişinin etik onuruna uygun olduğuna ve hangisinin olmadığına karar vermek mümkün değildir, tek başına tek bir tutku olamaz. Bu kararlar sadece akıl tarafından verilir. Tüm tutkular eşit derecede duygusal manevi yaşamın kategorileri olsa da, bunlardan bazıları (aşk, hırs, kıskançlık, ikiyüzlülük vb.) aklın buyruklarıyla anlaşmak gittikçe daha az zorlaşır ve bencil iyilik kavramıyla daha fazla bağlantılıdır. . Diğerleri (cesaret, görev duygusu, onur, vatanseverlik) daha rasyonel kontrole tabidir ve ortak iyi fikri, sosyal bağların etiği ile çelişmez.

Böylece mantıklı ve mantıksız tutkuların, özgecil ve egoist, kişisel ve kamusal tutkuların çatıştığı ortaya çıkıyor. Ve akıl, bir kişinin en yüksek manevi yeteneğidir, tutkuları kontrol etmenize ve iyiyi kötüden, gerçeği yanlıştan ayırmanıza izin veren mantıklı ve analitik bir araçtır. Klasik çatışmanın en yaygın türü, kişisel eğilim (aşk) ile topluma ve devlete karşı bir görev duygusu arasındaki, bir nedenden dolayı aşk tutkusunu gerçekleştirme olasılığını dışlayan bir çatışma durumudur. Bunun doğası gereği psikolojik bir çatışma olduğu oldukça açıktır, ancak uygulanması için gerekli bir koşul, bireyin ve toplumun çıkarlarının çatıştığı bir durumdur. Dönemin estetik düşüncesinin bu en önemli ideolojik yönleri, sanatsal yaratıcılığın yasaları hakkındaki fikir sisteminde ifadesini buldu.

2.3. Klasisizmin estetik doğası

Klasisizmin estetik ilkeleri, varlığı sırasında önemli değişikliklere uğramıştır. Bu eğilimin karakteristik bir özelliği, antik çağa ibadettir. Antik Yunan ve antik Roma sanatı, klasikçiler tarafından sanatsal yaratıcılığın ideal bir modeli olarak kabul edildi. Aristoteles'in "Şiir" ve Horace'ın "Şiir Sanatı", klasisizmin estetik ilkelerinin oluşumunda büyük bir etkiye sahipti. Burada, son derece kahramanca, ideal, rasyonel olarak açık ve plastik olarak tamamlanmış görüntüler yaratma eğilimi vardır. Kural olarak, klasisizm sanatında, modern politik, ahlaki ve estetik idealler, antik tarihin cephaneliğinden, mitolojiden veya doğrudan antik sanattan ödünç alınan karakterlerde, çatışmalarda, durumlarda somutlaşır.

Klasisizm odaklı şairler, sanatçılar, besteciler, açıklık, mantık, katı denge ve uyum ile ayırt edilen sanat eserlerinin yaratılmasına yöneliktir. Bütün bunlar, klasikçilere göre, antik sanat kültürüne tamamen yansıdı. Onlar için akıl ve antiklik eşanlamlıdır. Klasisizm estetiğinin rasyonalist doğası, görüntülerin soyut tipleştirilmesinde, türlerin ve biçimlerin katı bir şekilde düzenlenmesinde, eski sanatsal mirasın yorumlanmasında, sanatın duygulara değil, akla hitap etmesinde, arzuda kendini gösterdi. yaratıcı süreci sarsılmaz normlara, kurallara ve kanonlara tabi kılmak (norm - lat. norma - yol gösterici ilke, kural, kalıp; genel kabul görmüş kural, davranış veya eylem kalıbı).

Tıpkı İtalya'da Rönesans'ın estetik ilkelerinin en tipik ifadesini bulduğu gibi, 17. yüzyılda Fransa'da da öyle. - klasisizmin estetik ilkeleri. 17. yüzyıla kadar İtalya'nın sanat kültürü eski etkisini büyük ölçüde kaybetti. Ancak Fransız sanatının yenilikçi ruhu açıkça belirtildi. Şu anda, Fransa'da toplumu ve merkezi gücü birleştiren mutlakiyetçi bir devlet kuruldu.

Mutlakiyetçiliğin güçlendirilmesi, ekonomiden manevi hayata hayatın her alanında evrensel düzenleme ilkesinin zaferi anlamına geliyordu. Borç, insan davranışının ana düzenleyicisidir. Devlet bu görevi bünyesinde barındırır ve bireye yabancılaşmış bir tür varlık olarak hareket eder. Devlete boyun eğmek, kamu görevini yerine getirmek bireyin en yüksek erdemidir. Bir kişi artık Rönesans dünya görüşünün tipik olduğu gibi özgür olarak değil, kendisine yabancı normlara ve kurallara tabi, kontrolünün dışındaki güçlerle sınırlanmış olarak düşünülür. Düzenleyici ve sınırlayıcı güç, bireyin emirlerine ve talimatlarına uyarak itaat etmesi ve hareket etmesi gereken kişisel olmayan bir zihin şeklinde ortaya çıkar.

Üretimdeki yüksek artış, kesin bilimlerin gelişmesine katkıda bulundu: matematik, astronomi, fizik ve bu da rasyonalizmin zaferine yol açtı (Latince oran - zihinden) - zihni temel olarak tanıyan felsefi bir yön insan bilgisi ve davranışıdır.

Yaratıcılığın yasaları ve bir sanat eserinin yapısı hakkındaki fikirler, dünyanın resmi ve kişilik kavramı ile aynı çağ açan dünya görüşü türünden kaynaklanmaktadır. İnsanın en yüksek manevi yeteneği olan akıl, yalnızca bir bilgi aracı olarak değil, aynı zamanda bir yaratıcılık organı ve estetik zevk kaynağı olarak da düşünülür. Boileau'nun Poetic Art'ının en çarpıcı ana motiflerinden biri, estetik etkinliğin rasyonel doğasıdır:

Fransız klasisizmi, bir kişinin kişiliğini, varlığın en yüksek değeri olarak onayladı ve onu dini ve kilise etkisinden kurtardı.

Antik Yunanistan ve Roma sanatına olan ilgi, Orta Çağ'dan yüzyıllar sonra antik çağın biçimlerine, motiflerine ve çizimlerine dönüşen Rönesans kadar erken bir tarihte ortaya çıktı. Rönesans'ın en büyük teorisyeni, Leon Batista Alberti, 15. yüzyılda. Klasisizmin belirli ilkelerini ön plana çıkaran ve Raphael'in "Atina Okulu" (1511) freskinde tam olarak tezahür eden fikirleri dile getirdi.

Büyük Rönesans sanatçılarının, özellikle Raphael ve öğrencisi Giulio Romano tarafından yönetilen Floransalı sanatçıların başarılarının sistemleştirilmesi ve pekiştirilmesi, en karakteristik temsilcileri Carracci kardeşler olan 16. yüzyılın sonlarında Bologna okulunun programını oluşturdu. Etkili Sanat Akademisi'nde Bolognese, sanatın doruklarına giden yolun, Raphael ve Michelangelo'nun mirasının titiz bir çalışmasından, onların çizgi ve kompozisyon ustalıklarının taklit edilmesinden geçtiğini vaaz etti.

Aristoteles'in ardından, klasisizm sanatı doğanın bir taklidi olarak gördü:

Bununla birlikte, doğa hiçbir şekilde duyulara görünen fiziksel ve ahlaki dünyanın görsel bir resmi olarak değil, tam olarak dünyanın ve insanın en yüksek anlaşılabilir özü olarak anlaşılmadı: belirli bir karakter değil, onun fikri, gerçek değil. -tarihi veya modern arsa, ancak evrensel bir insan çatışma durumu, verilen manzara değil, ideal olarak güzel bir birlik içinde doğal gerçekliklerin uyumlu bir kombinasyonu fikri. Klasisizm, antik edebiyatta böylesine ideal bir şekilde güzel bir birlik buldu - klasisizm tarafından, tür modellerinde en yüksek ideal doğa, fiziksel ve sanatın taklit etmesi gereken ahlaki. Öyle oldu ki, doğanın taklidi hakkındaki tez, “klasisizm” teriminin kendisinden geldiği antik sanatı taklit etmek için bir reçeteye dönüştü (Latin classicus'tan - örnek, sınıfta okudu):

Bu nedenle, klasik sanatta doğa, yüksek bir modelden sonra modellenmiş - zihnin genelleştirici analitik etkinliği tarafından "süslenmiş" olarak çok fazla yeniden üretilmiş görünmüyor. Analojiyle, ağaçların geometrik şekiller şeklinde budandığı ve simetrik olarak oturduğu, doğru şekle sahip yolların çok renkli çakıllarla serpildiği “düzenli” (yani “doğru”) parkı hatırlayabilirsiniz. ve su, mermer havuzlar ve çeşmelerle çevrilidir. Bu peyzaj bahçe sanatı tarzı, tam olarak klasisizm çağında zirveye ulaştı. Doğayı "süslenmiş" olarak sunma arzusundan, klasisizm edebiyatında şiirin düzyazı üzerindeki mutlak üstünlüğü şu sonucu doğurur: Düzyazı basit maddi doğa ile özdeşse, o zaman şiir, edebi bir biçim olarak kesinlikle ideal bir "süslenmiş" doğadır. .

Sanatla ilgili tüm bu fikirlerde, yani rasyonel, düzenli, normalleştirilmiş, manevi bir etkinlik olarak, 17.-18. yüzyılların hiyerarşik düşünme ilkesi gerçekleşti. Kendi içinde, edebiyatın, her biri tematik ve üslup olarak tek bir -maddi veya ideal - gerçeklik düzeyiyle ilişkili olan düşük ve yüksek olmak üzere iki hiyerarşik sıraya bölündüğü ortaya çıktı. Hiciv, komedi, masal düşük türler olarak sınıflandırıldı; yüksek - kaside, trajedi, epik. Düşük türlerde, günlük maddi gerçeklik tasvir edilir ve sosyal bağlantılarda özel bir kişi ortaya çıkar (aynı zamanda, elbette, hem kişi hem de gerçeklik hala aynı ideal kavramsal kategorilerdir). Yüksek türlerde insan, varlığının varoluşsal boyutunda, tek başına ve varlık sorularının ebedi temelleri ile birlikte manevi ve sosyal bir varlık olarak sunulur. Bu nedenle, yüksek ve düşük türler için, sadece tematik değil, aynı zamanda karakterin bir veya başka bir sosyal tabakaya ait olması temelinde sınıf farklılaşmasının da alakalı olduğu ortaya çıktı. Düşük türlerin kahramanı orta sınıf bir insandır; yüksek kahraman - tarihsel bir kişi, mitolojik bir kahraman veya kurgusal yüksek rütbeli bir karakter - kural olarak, bir cetvel.

Düşük türlerde, insan karakterleri temel günlük tutkulardan (cimrilik, ikiyüzlülük, ikiyüzlülük, kıskançlık vb.) yüksek türlerde tutkular manevi bir karakter kazanır (aşk, hırs, intikam, görev duygusu, vatanseverlik vb.). Ve eğer günlük tutkular açık bir şekilde mantıksız ve kısırsa, varoluşsal tutkular makul - genel ve mantıksız - kişisel olarak ayrılır ve kahramanın etik statüsü seçimine bağlıdır. Rasyonel tutkuyu tercih ederse kesin olarak olumludur ve mantıksız olanı seçerse kesin olarak olumsuzdur. Klasisizm, etik değerlendirmede yarım tonlara izin vermedi - ve bu, aynı zamanda, yüksek ve düşük, trajik ve komik herhangi bir karışımı dışlayan yöntemin rasyonel doğasından da etkilendi.

Klasisizm tür teorisinde, eski edebiyatta en büyük gelişmeye ulaşan türler ana türler olarak meşrulaştırıldığından ve edebi yaratıcılık, yüksek standartların makul bir taklidi olarak düşünüldüğünden, klasisizmin estetik kodu normatif bir karakter kazandı. Bu, her türün modelinin, sapmanın kabul edilemez olduğu açık bir kurallar dizisi içinde bir kez ve herkes için kurulduğu ve her belirli metnin bu ideal tür modeline uygunluk derecesine göre estetik olarak değerlendirildiği anlamına gelir.

Eski örnekler kuralların kaynağı oldu: Homer ve Virgil destanı, Aeschylus, Sophocles, Euripides ve Seneca'nın trajedisi, Aristophanes, Menander, Terence ve Plautus'un komedisi, Pindar'ın kasidesi, Ezop ve Phaedrus'un masalı, Horace ve Juvenal'ın hicvi. Böyle bir tür düzenlemesinin en tipik ve açıklayıcı örneği, elbette, önde gelen klasik tür olan trajediler için hem eski trajedilerin metinlerinden hem de Aristoteles'in Poetika'sından alınan kurallardır.

Trajedi için şiirsel bir form (“İskenderiye ayeti” - bir çift kafiyeli altı metrelik bir iambik), zorunlu bir beş perdelik yapı, üç birlik - zamanlar, yerler ve eylemler, yüksek bir stil, tarihi veya mitolojik bir arsa ve makul ile mantıksız arasında zorunlu bir seçim yapma durumunu düşündüren bir çatışma, tutkuyla kutsallaştırıldı ve seçim sürecinin tam da trajedinin eylemini oluşturması gerekiyordu. Yöntemin rasyonalizmi, hiyerarşisi ve normatifliği, klasisizm estetiğinin dramatik bölümünde en büyük eksiksizlik ve açıklıkla ifade edildi:

Klasisizm estetiği ve Fransa'daki klasik edebiyatın poetikası hakkında yukarıda söylenen her şey, yöntemin hemen hemen tüm Avrupa türleri için geçerlidir, çünkü Fransız klasisizmi, tarihsel olarak yöntemin en erken ve estetik olarak en yetkili enkarnasyonuydu. Ancak Rus klasisizmi için, bu genel teorik hükümler, 18. yüzyılın yeni bir Rus kültürünün oluşumunun tarihsel ve ulusal özelliklerinden kaynaklandığı için, sanatsal pratikte bir tür kırılma buldu.

2.4. Resimde Klasisizm

17. yüzyılın başında genç yabancılar, antik çağ ve Rönesans mirasıyla tanışmak için Roma'ya akın etti. Aralarında en belirgin yer, resimlerinde, esas olarak antik antik çağ ve mitoloji temaları üzerine, geometrik olarak doğru kompozisyon ve renk gruplarının düşünceli korelasyonunun eşsiz örneklerini veren Fransız Nicolas Poussin tarafından işgal edildi. Başka bir Fransız, Claude Lorrain, "ebedi şehir"in çevresinin eskimiş manzaralarında, doğa resimlerini batan güneşin ışığıyla uyumlu hale getirerek ve kendine özgü mimari sahneler ekleyerek modernize etti.

Poussin'in soğukkanlı rasyonel normativizmi, Versailles mahkemesinin onayını uyandırdı ve klasik resimde "güneş kral"ın mutlakçı durumunu övmek için ideal bir sanatsal dil gören Lebrun gibi saray ressamları tarafından devam ettirildi. Özel müşteriler Barok ve Rokoko çeşitlerini tercih etseler de, Fransız monarşisi Güzel Sanatlar Okulu gibi akademik kurumları finanse ederek Klasisizmi ayakta tuttu. Roma Ödülü, en yetenekli öğrencilere, antik çağın büyük eserlerini doğrudan tanımak için Roma'yı ziyaret etme fırsatı verdi.

Pompeii kazılarında “hakiki” antik resmin bulunması, Alman sanat tarihçisi Winckelmann tarafından antik çağın tanrılaştırılması ve ikinci yüzyılda kendisine görüş açısından yakın olan sanatçı Mengs'in vaaz ettiği Raphael kültü. 18. yüzyılın yarısı klasisizme yeni bir soluk getirdi (Batı edebiyatında bu aşamaya neoklasizm denir). "Yeni klasisizm"in en büyük temsilcisi Jacques-Louis David'di; son derece özlü ve dramatik sanatsal dili, Fransız Devrimi ("Marat'ın Ölümü") ve Birinci İmparatorluğun ("İmparator Napolyon I'in Adanması") ideallerini desteklemeye eşit derecede hizmet etti.

19. yüzyılda klasisizm resmi bir kriz dönemine girer ve sadece Fransa'da değil, diğer ülkelerde de sanatın gelişimini engelleyen bir güç haline gelir. David'in sanatsal çizgisi Ingres tarafından başarıyla devam ettirilirken, eserlerinde klasisizm dilini korurken, genellikle oryantal tadı olan romantik konulara (“Türk hamamları”) yöneldi; portre çalışması, modelin ince bir idealleştirilmesiyle işaretlenir. Diğer ülkelerdeki sanatçılar da (örneğin, Karl Bryullov gibi) klasik biçimli eserlere romantizm ruhu aşıladılar; bu kombinasyona akademizm denir. Çok sayıda sanat akademisi üreme alanı olarak hizmet etti. 19. yüzyılın ortalarında, Fransa'da Courbet çevresi, Rusya'da Gezginler tarafından temsil edilen gerçekçiliğe yönelen genç nesil, akademik kurumun muhafazakarlığına karşı ayaklandı.

2.5. Heykelde klasisizm

18. yüzyılın ortalarında klasik heykelin gelişiminin itici gücü, Winckelmann'ın eserleri ve çağdaşların antik heykel hakkındaki bilgilerini genişleten antik kentlerin arkeolojik kazılarıydı. Barok ve klasisizmin eşiğinde, Pigalle ve Houdon gibi heykeltıraşlar Fransa'da dalgalandı. Klasisizm, plastik sanat alanındaki en yüksek düzenlemesine, esas olarak Helenistik dönemin (Praxiteles) heykellerinden ilham alan Antonio Canova'nın kahramanca ve pastoral eserlerinde ulaştı. Rusya'da Fedot Shubin, Mikhail Kozlovsky, Boris Orlovsky, Ivan Martos klasisizm estetiğine yöneldi.

Klasisizm çağında yaygınlaşan kamusal anıtlar, heykeltıraşlara devlet adamlarının askeri hünerlerini ve bilgeliğini idealize etme fırsatı verdi. Antik modele bağlılık, heykeltıraşların modelleri çıplak olarak tasvir etmelerini gerektirdi, bu da kabul edilen ahlaki standartlarla çelişiyordu. Bu çelişkiyi çözmek için, modernite figürleri başlangıçta klasisizm heykeltıraşları tarafından çıplak antik tanrılar şeklinde tasvir edildi: Suvorov - Mars şeklinde ve Polina Borghese - Venüs şeklinde. Napolyon'un altında, sorun, antik togalardaki çağdaş figürlerin görüntüsüne geçilerek çözüldü (Kazan Katedrali'nin önündeki Kutuzov ve Barclay de Tolly figürleri).

Klasisizm döneminin özel müşterileri, isimlerini mezar taşlarında sürdürmeyi tercih ettiler. Bu heykel formunun popülaritesi, Avrupa'nın ana şehirlerinde halka açık mezarlıkların düzenlenmesiyle kolaylaştırıldı. Klasik ideale uygun olarak, mezar taşlarındaki figürler, kural olarak, derin bir dinlenme halindedir. Klasisizm heykeli genellikle keskin hareketlere, öfke gibi duyguların dışsal tezahürlerine yabancıdır.

Öncelikle üretken Danimarkalı heykeltıraş Thorvaldsen tarafından temsil edilen Geç İmparatorluk klasisizmi, oldukça kuru bir duyguyla doludur. Çizgilerin saflığı, jestlerin kısıtlanması, ifadelerin ifadesizliği özellikle değerlidir. Rol modellerinin seçiminde vurgu Helenizm'den arkaik döneme kaymaktadır. Thorvaldsen'in yorumunda izleyici üzerinde biraz ürpertici bir izlenim bırakan dini görüntüler modaya giriyor. Geç klasisizmin mezar heykeli genellikle hafif bir duygusallık dokunuşu taşır.

2.6. mimaride klasisizm

Klasisizm mimarisinin ana özelliği, uyum, sadelik, titizlik, mantıksal netlik ve anıtsallık standardı olarak antik mimarinin biçimlerine hitap etmekti. Bir bütün olarak klasisizm mimarisi, planlamanın düzenliliği ve hacimsel formun netliği ile karakterizedir. Antik çağa yakın oranlarda ve formlarda düzen, klasisizmin mimari dilinin temeli oldu. Klasisizm, simetrik eksenli kompozisyonlar, dekoratif dekorasyonun kısıtlanması ve düzenli bir şehir planlama sistemi ile karakterizedir.

Klasisizmin mimari dili, Rönesans'ın sonunda büyük Venedik ustası Palladio ve takipçisi Scamozzi tarafından formüle edildi. Venedikliler antik tapınak mimarisinin ilkelerini o kadar mutlaklaştırdılar ki, Villa Capra gibi özel konakların yapımında bile uyguladılar. Inigo Jones, Palladyanlığı kuzeye İngiltere'ye getirdi; burada yerel Palladyan mimarlar, Palladio'nun ilkelerini 18. yüzyılın ortalarına kadar değişen derecelerde sadakatle izlediler.

O zamana kadar, geç Barok ve Rokoko'nun "çırpılmış kremasının" fazlalığı, kıta Avrupası entelektüelleri arasında birikmeye başladı. Roma mimarları Bernini ve Borromini tarafından doğan barok, iç dekorasyon ve sanat ve el sanatlarına vurgu yapan ağırlıklı olarak oda stili olan rokokoya inceltildi. Büyük kentsel sorunları çözmek için bu estetik pek işe yaramadı. Zaten Louis XV (1715-74) altında Paris'te Place de la Concorde (mimar Jacques-Ange Gabriel) ve Saint-Sulpice Kilisesi ve Louis XVI gibi “antik Roma” tarzında kentsel planlama toplulukları inşa ediliyordu. (1774-92) benzer bir “soylu özlülük” zaten ana mimari eğilim haline geliyor.

Klasisizm tarzındaki en önemli iç mekanlar, 1758'de Roma'dan anavatanına dönen İskoç Robert Adam tarafından tasarlandı. Hem İtalyan bilim adamlarının arkeolojik araştırmalarından hem de Piranesi'nin mimari fantezilerinden çok etkilendi. Adam'ın yorumunda, klasisizm, iç mekanın karmaşıklığı açısından rokokodan neredeyse hiç aşağı olmayan bir tarzdı ve bu da ona sadece demokratik düşünceli toplum çevreleri arasında değil, aynı zamanda aristokrasi arasında da popülerlik kazandırdı. Fransız meslektaşları gibi, Adam da yapıcı bir işlevden yoksun ayrıntıların tamamen reddedilmesini vaaz etti.

Fransız Jacques-Germain Soufflot, Paris'teki Saint-Genevieve kilisesinin inşası sırasında, klasisizmin geniş kentsel alanları organize etme yeteneğini gösterdi. Tasarımlarının muazzam ihtişamı, Napolyon İmparatorluğu'nun ve geç Klasisizm'in megalomanisinin habercisiydi. Rusya'da Bazhenov, Soufflet ile aynı yönde ilerliyordu. Fransız Claude-Nicolas Ledoux ve Etienne-Louis Boulet, formların soyut geometrikleştirilmesine vurgu yaparak radikal bir vizyoner üslup geliştirmeye doğru daha da ileri gitti. Devrimci Fransa'da, projelerinin çileci yurttaşlık duygusu pek işe yaramadı; Ledoux'nun yeniliği, yalnızca 20. yüzyılın modernistleri tarafından tam olarak takdir edildi.

Napolyon Fransa'sının mimarları, Septimius Severus'un zafer takı ve Trajan Sütunu gibi imparatorluk Roma'sının bıraktığı askeri ihtişamın görkemli görüntülerinden ilham aldı. Napolyon'un emriyle bu görüntüler, Carruzel'in zafer takı ve Vendôme sütunu şeklinde Paris'e aktarıldı. Napolyon savaşları döneminin askeri büyüklük anıtlarıyla ilgili olarak, "emperyal stil" - İmparatorluk stili terimi kullanılır. Rusya'da Karl Rossi, Andrey Voronikhin ve Andrey Zakharov, İmparatorluk tarzının seçkin ustaları olduklarını gösterdiler. Britanya'da, İmparatorluk sözde karşılık gelir. "Regency tarzı" (en büyük temsilci John Nash'tir).

Klasisizmin estetiği, büyük ölçekli kentsel gelişim projelerini destekledi ve kentsel gelişimin tüm şehirler ölçeğinde düzenlenmesine yol açtı. Rusya'da, hemen hemen tüm eyalet ve birçok ilçe kasabası, klasik rasyonalizm ilkelerine göre yeniden planlandı. St. Petersburg, Helsinki, Varşova, Dublin, Edinburgh ve diğerleri gibi şehirler gerçek klasisizm açık hava müzelerine dönüştü. Minusinsk'ten Philadelphia'ya kadar olan mekanda, Palladio'ya kadar uzanan tek bir mimari dil hakimdi. Olağan yapı, standart projelerin albümlerine uygun olarak yapılmıştır.

Napolyon Savaşlarını takip eden dönemde, klasisizm, özellikle Orta Çağ'a olan ilginin geri dönüşü ve mimari neo-Gotik modası ile romantik renkli eklektizmle iyi geçinmek zorunda kaldı. Champollion'un keşifleriyle bağlantılı olarak Mısır motifleri popülerlik kazanıyor. Antik Roma mimarisine olan ilginin yerini, özellikle Almanya ve Amerika Birleşik Devletleri'nde telaffuz edilen eski Yunanca ("Neo-Yunan") her şeye saygı duyuyor. Alman mimarlar Leo von Klenze ve Karl Friedrich Schinkel, Parthenon ruhuyla sırasıyla Münih ve Berlin'i görkemli müze ve diğer kamu binalarıyla inşa ediyor. Fransa'da, klasisizmin saflığı, Rönesans ve Barok'un mimari repertuarından ücretsiz ödünç almalarla seyreltilir (bkz. Beaus-Arts).

2.7. edebiyatta klasisizm

Fransız dilini ve şiirini yeniden biçimlendiren ve poetik kanonlar geliştiren Fransız şair François Malherbe (1555-1628), klasisizmin poetikasının kurucusu olarak kabul edilir. Dramaturjide klasisizmin önde gelen temsilcileri, yaratıcılığın ana konusu kamu görevi ve kişisel tutkular arasındaki çatışma olan trajediciler Corneille ve Racine (1639-1699) idi. "Düşük" türler de yüksek gelişmeye ulaştı - masal (J. La Fontaine), hiciv (Boileau), komedi (Molière 1622-1673).

Boileau, şiirsel "Şiirsel Sanat" adlı şiirsel incelemede görüşlerini dile getiren en büyük klasisizm teorisyeni olan "Parnassus'un yasa koyucusu" olarak Avrupa çapında ün kazandı. Büyük Britanya'daki etkisi altında, alexandrine'i İngiliz şiirinin ana biçimi yapan şairler John Dryden ve Alexander Pope vardı. Klasisizm çağının İngiliz düzyazısı (Addison, Swift) ayrıca Latince sözdizimi ile karakterizedir.

18. yüzyılın klasisizmi, Aydınlanma fikirlerinin etkisi altında gelişti. Voltaire'in (1694-1778) eseri dini fanatizme, mutlakiyetçi baskıya karşı, özgürlük acısı ile dolu. Yaratıcılığın amacı, dünyayı daha iyi hale getirmek, toplumu klasisizm yasalarına göre inşa etmektir. İngiliz Samuel Johnson, çevrelerinde deneme yazarı Boswell, tarihçi Gibbon ve aktör Garrick de dahil olmak üzere benzer düşünen insanlardan oluşan parlak bir çevrenin oluştuğu çağdaş edebiyatı klasisizm konumlarından araştırdı. Üç birlik dramatik eserlerin karakteristiğidir: zamanın birliği (eylem bir gün gerçekleşir), yerin birliği (tek bir yerde) ve eylemin birliği (tek hikaye).

Rusya'da klasisizm, Peter I'in dönüşümlerinden sonra 18. yüzyılda ortaya çıktı. Lomonosov, Rus şiirinde bir reform gerçekleştirdi, esasen Fransız klasik kurallarının Rus diline uyarlanması olan "üç sakinlik" teorisini geliştirdi. Klasisizmdeki görüntüler, bireysel özelliklerden yoksundur, çünkü öncelikle, herhangi bir sosyal veya manevi gücün somutlaşmışı olarak hareket eden, zamanla geçmeyen istikrarlı genel özellikleri yakalamayı amaçlar.

Rusya'da klasisizm, Aydınlanma'nın büyük etkisi altında gelişti - eşitlik ve adalet fikirleri her zaman Rus klasik yazarlarının ilgi odağı olmuştur. Bu nedenle, Rus klasisizminde, tarihsel gerçekliğin zorunlu bir yazar değerlendirmesini ima eden türler büyük bir gelişme göstermiştir: komedi (D. I. Fonvizin), hiciv (A.D. Kantemir), masal (A.P. Sumarokov, I. I. Khemnitser), ode (Lomonosov, G. R. Derzhavin).

Rousseau'nun doğaya ve doğallığa yakınlık çağrısıyla bağlantılı olarak, 18. yüzyılın sonlarının klasisizminde kriz fenomenleri büyüyor; hassas duygular kültü - duygusallık - aklın mutlaklaştırılmasının yerini alır. Klasisizmden romantizm-öncesine geçiş en açık şekilde Sturm und Drang dönemi Alman edebiyatına yansıdı ve Rousseau'yu takip eden J. W. Goethe (1749-1832) ve F. Schiller (1759-1805) isimleriyle temsil edildi. sanatta eğitim insanının ana gücünü gördü.

2.8. müzikte klasisizm

Müzikte klasisizm kavramı, Haydn, Mozart ve Beethoven'ın çalışmalarıyla sürekli olarak ilişkilidir. Viyana klasikleri ve müzik kompozisyonunun daha da gelişmesinin yönünü belirledi.

"Klasisizm müziği" kavramı, zamana direnen geçmişin müziği olarak daha genel bir anlama sahip olan "klasik müzik" kavramıyla karıştırılmamalıdır.

Klasisizm çağının müziği, bir kişinin eylemlerini ve eylemlerini, yaşadığı duygu ve hisleri, özenli ve bütünsel insan zihnini söyler.

2.10. Rus klasisizminin özgünlüğü

Rus klasisizmi benzer tarihsel koşullarda ortaya çıktı - ön koşulu, I. Peter döneminden bu yana Rusya'nın otokratik devletliğinin ve ulusal kendi kaderini tayin hakkının güçlendirilmesiydi. Büyük Peter'in reformlarının ideolojisinin Avrupalılığı, Rus kültürünü Avrupa kültürlerinin başarılarına hakim olmayı amaçladı. . Ancak aynı zamanda, Rus klasisizmi Fransızlardan neredeyse bir yüzyıl sonra ortaya çıktı: 18. yüzyılın ortalarında, Rus klasisizmi güçlenmeye başladığında, Fransa'da varlığının ikinci aşamasına ulaştı. Sözde "Aydınlanma klasisizmi" -klasik yaratıcı ilkelerin Aydınlanma'nın devrim öncesi ideolojisiyle birleşimi- Fransız edebiyatında Voltaire'in çalışmasında gelişti ve kilise karşıtı, toplumsal olarak eleştirel bir pathos kazandı: Fransız Devrimi'nden birkaç on yıl önce , mutlakiyetçilik için özür dileme zamanları zaten uzak bir tarihti. Rus klasisizmi, laik kültürel reformla güçlü bağlantısı nedeniyle, ilk olarak, okuyucularını eğitmeye ve hükümdarları kamu yararı yoluna koymaya çalışan eğitim görevlerini belirledi ve ikinci olarak, önde gelen bir eğilimin statüsünü kazandı. Peter I'in artık hayatta olmadığı ve kültürel reformlarının kaderinin 1720'lerin - 1730'ların ikinci yarısında tehlikeye girdiği zamana doğru Rus edebiyatı.

Bu nedenle, Rus klasisizmi “ilkbaharın meyvesi - bir kaside değil, sonbaharın meyvesi - hiciv ile” başlar ve en başından itibaren sosyal olarak eleştirel pathos doğasında vardır.

Rus klasisizmi, Batı Avrupa klasisizminden tamamen farklı bir çatışma türünü de yansıtıyordu. Fransız klasisizminde sosyo-politik ilke, yalnızca rasyonel ve mantıksız tutkuların psikolojik çatışmasının geliştiği ve dikteleri arasında özgür ve bilinçli seçim sürecinin gerçekleştirildiği zemin ise, o zaman geleneksel olarak anti-demokratik katolikliği ile Rusya'da ve toplumun birey üzerindeki mutlak gücü, durum tamamen tersiydi. Kişiselcilik ideolojisini yeni yeni kavramaya başlayan Rus zihniyeti için bireyi toplum önünde, bireyi otoriteler karşısında alçaltma ihtiyacı Batılı dünya görüşünde olduğu gibi bir trajedi değildi. Avrupa bilinci için bir şeyi tercih etme fırsatı olarak ilgili seçim, Rus koşullarında hayali olduğu ortaya çıktı, sonucu toplum lehine önceden belirlendi. Bu nedenle, Rus klasisizmindeki seçim durumu, çatışma oluşturma işlevini yitirdi ve yerini bir başkası aldı.

XVIII.Yüzyılda Rus yaşamının temel sorunu. bir iktidar sorunu ve onun halefi vardı: I. Peter'ın ölümünden sonra ve I. Paul'ün 1796'da tahta çıkmasından önce tek bir Rus imparatoru yasal olarak iktidara gelmedi. 18. yüzyıl - bu, yalnızca aydınlanmış bir hükümdarın idealine değil, aynı zamanda hükümdarın rolü hakkındaki fikirlere de karşılık gelmeyen insanların mutlak ve kontrolsüz gücüne çok sık yol açan entrikalar ve saray darbeleri çağıdır. belirtmek, bildirmek. Bu nedenle, Rus klasik edebiyatı hemen politik ve didaktik bir yön aldı ve tam olarak bu sorunu çağın ana trajik ikilemi olarak yansıttı - hükümdarın otokratın görevleriyle tutarsızlığı, iktidarı egoist bir kişisel tutku olarak deneyimleme çatışması. deneklerin yararına uygulanan güç fikri.

Böylece, dışsal bir arsa modeli olarak rasyonel ve mantıksız tutku arasında seçim yapma durumunu koruyan Rus klasisist çatışması, doğada sosyo-politik bir çatışma olarak tamamen gerçekleştirildi. Rus klasisizminin pozitif kahramanı, ortak yarar adına bireysel tutkusunu küçük düşürmez, kişiselliğini zorba saldırılara karşı savunarak doğal hakları konusunda ısrar eder. Ve en önemli şey, yöntemin bu ulusal özgüllüğünün yazarların kendileri tarafından iyi anlaşılmasıdır: Fransız klasisist trajedilerinin arsaları esas olarak eski mitoloji ve tarihten alınmışsa, Sumarokov trajedilerini Rus kroniklerinin arsalarına yazdı ve hatta çok uzak olmayan Rus tarihinin arazilerinde.

Son olarak, Rus klasisizminin bir başka özel özelliği de, herhangi bir başka ulusal Avrupa yöntemi türü kadar zengin ve sürekli bir ulusal edebiyat geleneğine dayanmamasıydı. Klasisizm teorisinin ortaya çıkması sırasında herhangi bir Avrupa edebiyatının sahip olduğu şey - yani, düzenli bir üslup sistemine sahip bir edebi dil, nazım ilkeleri, belirli bir edebi türler sistemi - tüm bunların Rusça olarak yaratılması gerekiyordu. Bu nedenle, Rus klasisizminde edebiyat teorisi, edebi pratiğin önündeydi. Rus klasisizminin normatif eylemleri - şiir reformu, üslup reformu ve tür sisteminin düzenlenmesi - 1730'ların ortaları ile 1740'ların sonu arasında gerçekleştirildi. - yani, temel olarak, Rusya'da klasik estetiğe uygun olarak ortaya çıkan tam teşekküllü bir edebi süreçten önce.

3. Sonuç

Klasisizmin ideolojik öncülleri için, burada bireyin özgürlük arzusunun, toplumun bu özgürlüğü yasalara bağlama ihtiyacı kadar meşru kabul edilmesi esastır.

Kişisel ilke, Rönesans'ın kendisine ilk bahşettiği o dolaysız toplumsal anlamı, bağımsız değeri korumaya devam eder. Ancak onun aksine, artık bu başlangıç, bir sosyal organizasyon olarak toplumun aldığı rolle birlikte bireye aittir. Bu da, bireyin topluma rağmen özgürlüğünü savunmaya yönelik herhangi bir girişiminin, onu yaşam bağlarının bütünlüğünü kaybetmekle ve özgürlüğün hiçbir destekten yoksun, harap olmuş bir öznelliğe dönüşmesiyle tehdit ettiğini ima eder.

Ölçü kategorisi, klasisizm poetikasında temel bir kategoridir. İçeriği alışılmadık derecede çok yönlüdür, hem manevi hem de plastik bir yapıya sahiptir, dokunur, ancak başka bir tipik klasisizm kavramıyla - norm kavramıyla - örtüşmez ve burada onaylanan idealin tüm yönleriyle yakından bağlantılıdır.

Doğadaki ve insan yaşamındaki dengenin kaynağı ve garantörü olan klasik akıl, her şeyin orijinal uyumuna, şeylerin doğal akışına olan güvene, her şeyi kapsayan bir yazışmanın varlığına olan güvenin şiirsel damgasını taşır. dünyanın hareketi ve toplumun oluşumu, bu bağlantıların hümanist, insan odaklı doğası.

Klasisizm dönemine, ilkelerine, şiirine, sanatına, genel olarak yaratıcılığa yakınım. Klasisizmin insanlar, toplum, dünya hakkında yaptığı sonuçlar bana tek doğru ve mantıklı görünüyor. Karşıtlar arasındaki orta çizgi olarak, kaos değil, şeylerin, sistemlerin düzenini ölçün; kırılma ve düşmanlığa, aşırı deha ve bencilliğe karşı bir kişinin toplumla güçlü bir ilişkisi; aşırılıklara karşı uyum - bunda temelleri klasisizm kanonlarına yansıyan ideal varlık ilkelerini görüyorum.

Kaynakların listesi