Rönesans. Rönesans müzik kültürü üzerine yazı Rönesans müzik kültürü konulu mesaj

Rönesans, veya Rönesans(fr. rönesans), - Avrupa halklarının kültür tarihinde bir dönüm noktası. İtalya'da, 13.-14. yüzyılların başında, diğer Avrupa ülkelerinde - 15.-16. yüzyıllarda yeni eğilimler ortaya çıktı. Rönesans figürleri bir kişiyi - onun iyiliği ve kişiliğin özgürce gelişme hakkı - en yüksek değer olarak kabul etti. Bu dünya görüşüne "hümanizm" (Latince humanus'tan - "insan", "insan") adı verildi. Hümanistler, antik çağda uyumlu bir insan idealini aradılar ve antik Yunan ve Roma sanatı, sanatsal yaratıcılıkları için bir model görevi gördü. Antik kültürü "canlandırma" arzusu, adını bütün bir döneme verdi - Rönesans, Orta Çağ ile Yeni Çağ arasındaki dönem (17. yüzyılın ortasından günümüze).

Rönesans'ın dünya görüşü, müzik de dahil olmak üzere sanatı en iyi şekilde yansıtır. Bu dönemde, Orta Çağ'da olduğu gibi, önde gelen yer vokal kilise müziğine aitti. Polifoninin gelişimi, polifoninin ortaya çıkmasına neden oldu (Yunanca "polis" - "sayısız" ve "arka plan" - "ses", "ses"). Bu tür polifoni ile eserdeki tüm sesler eşittir. Çokseslilik sadece işi karmaşıklaştırmakla kalmadı, aynı zamanda yazarın metni kişisel olarak anladığını ifade etmesine izin verdi, müziğe daha fazla duygusallık verdi. Çok sesli bir beste, bestecinin derin bilgisi ve virtüöz becerisi gerektiren katı ve karmaşık kurallara göre oluşturulmuştur. Çokseslilik çerçevesinde kilise ve seküler türler gelişti.

Hollandalı polifonik okul. Hollanda, modern Belçika, Hollanda, Lüksemburg ve Kuzeydoğu Fransa topraklarını içeren kuzeybatı Avrupa'da tarihi bir bölgedir. 15. yüzyıla kadar Hollanda yüksek bir ekonomik ve kültürel düzeye ulaşmış ve müreffeh bir Avrupa ülkesine dönüşmüştür.

Rönesans müziğinin en büyük fenomenlerinden biri olan Hollanda polifonik okulu burada kuruldu. 15. yüzyıl sanatının gelişimi için farklı ülkelerden müzisyenlerin iletişimi, yaratıcı okulların karşılıklı etkisi önemliydi. Hollanda okulu İtalya, Fransa, İngiltere ve Hollanda geleneklerini özümsedi.

Önde gelen temsilcileri: Guillaume Dufay (1400-1474) (Dufay) (yaklaşık 1400 - 11/27/1474, Cambrai), Fransız-Flaman besteci, Hollanda okulunun kurucularından biri. Hollanda müziğinde çok seslilik geleneğinin temelleri Guillaume Dufay (1400-1474 dolaylarında) tarafından atılmıştır. Flanders'ın (Hollanda'nın güneyinde bir eyalet) Cambrai şehrinde doğdu ve erken yaşlardan itibaren kilise korosunda şarkı söyledi. Buna paralel olarak, gelecekteki müzisyen kompozisyonda özel dersler aldı. Dufay, gençliğinde ilk bestelerini yazdığı İtalya'ya gitti - baladlar ve motifler. 1428-1437'de. Roma'daki papalık şapelinde şarkıcı olarak görev yaptı; bu yıllarda İtalya ve Fransa'ya gitti. 1437'de besteci kutsal emirler aldı. Savoy Dükü (1437-1439) mahkemesinde, ciddi törenler ve tatiller için müzik besteledi. Dufay asil insanlar tarafından çok saygı gördü - hayranları arasında örneğin Medici çifti (İtalyan Floransa şehrinin yöneticileri) vardı. [İtalya ve Fransa'da çalıştı. 1428-37'de Roma ve diğer İtalyan şehirlerinde papalık şapellerinin şarkıcısıydı, 1437-44'te Savoy Dükü ile görev yaptı. 1445'ten beri canon ve Cambrai'deki katedralin müzik faaliyetlerinin başı. Halk polifonisi ve Rönesans'ın hümanist kültürü ile ilişkili laik (3-, 4 sesli Fransız şansonları, İtalyan şarkıları, baladlar, rondo) türlerin yanı sıra manevi (3-, 4 sesli kitleler, motifler) ustası. Avrupa müzik sanatının başarılarını özümseyen D. sanatı, Avrupa polifonik müziğinin daha da gelişmesi üzerinde büyük bir etkiye sahipti. Aynı zamanda müzikal yazının reformcusuydu (D., beyaz başlı notaların tanıtımıyla tanınır). D.'nin tüm eserleri Roma'da yayınlandı (6 cilt, 1951-66).] Dufay, besteciler arasında Ayin'i bütünleyici bir müzik bestesi olarak bestelemeye başlayan ilk kişiydi. Kilise müziği yaratmak için olağanüstü bir yetenek gereklidir: soyut, soyut kavramları somut, maddi araçlarla ifade etme yeteneği. Zorluk, böyle bir kompozisyonun bir yandan dinleyiciyi kayıtsız bırakmaması ve diğer yandan ibadetten uzaklaşmaması, duaya daha derinden odaklanmaya yardımcı olmasıdır. Dufay'ın kitlelerinin çoğu ilhamlıdır, içsel yaşamla doludur; bir an için ilahi vahiy perdesini kaldırmaya yardımcı olurlar.

Çoğu zaman, bir kitle yaratırken, Dufay, kendisinin eklediği iyi bilinen bir melodi aldı. Bu tür borçlanmalar Rönesans'ın karakteristiğidir. Kitlenin, tapanların çok sesli bir eserde bile kolayca tanıyabilecekleri tanıdık bir ezgiye dayandırılması çok önemli görüldü. Gregoryen ilahinin bir parçası sıklıkla kullanıldı; laik işler dışlanmadı.

Kilise müziğine ek olarak, Dufay laik metinler üzerine motifler besteledi. Onlarda ayrıca karmaşık bir polifonik teknik kullandı.

Josquin Despres (1440-1521). 15. yüzyılın ikinci yarısının Hollanda polifonik okulunun temsilcisi. Josquin Despres (yaklaşık 1440-1521 veya 1524), gelecek neslin bestecilerinin eserleri üzerinde büyük etkisi oldu. Gençliğinde Cambrai'de kilise korosu olarak görev yaptı; Okegyom'dan müzik dersleri aldı. Yirmi yaşında, genç müzisyen İtalya'ya geldi, Milano'da Sforza Dükleri (daha sonra büyük İtalyan sanatçı Leonardo da Vinci burada görev yaptı) ve Roma'daki papalık şapelinde şarkı söyledi. İtalya'da Despres muhtemelen müzik bestelemeye başladı. XVI yüzyılın en başında. Paris'e taşındı. O zamana kadar, Despres zaten biliniyordu ve Fransız kralı Louis XII tarafından mahkeme müzisyeni görevine davet edildi. 1503'ten beri Despres tekrar İtalya'ya, Ferrara şehrine, Duke d "Este'nin mahkemesine yerleşti. Despres çok beste yaptı ve müziği en geniş çevrelerde hızla tanındı: hem asalet hem de halk tarafından sevildi. sıradan insanlar Besteci sadece kilise eserlerini değil, aynı zamanda laik olanları da yarattı.Özellikle, bir dans ritmi ile karakterize edilen İtalyan türkü - frottola (o. frottola, frotta'dan - "kalabalık") türüne döndü. ve hızlı tempo. Kilise müziğinde, Despres laik eserlerin özelliklerini getirdi: taze ", canlı tonlama katı ayrılmayı ihlal etti ve bir neşe ve doluluk hissi uyandırdı. Ancak orantı duygusu besteciye asla ihanet etmedi. Despres'in çok sesliliği teknik, karmaşıklık ile ayırt edilmez. Eserleri zarif bir şekilde basittir, ancak yazarın güçlü zekası içlerinde hissedilir. Bu, yaratımlarının popülaritesinin sırrıdır.

Johannes Okegem (1430-1495), Jacob Obrecht (1450-1505). Guillaume Dufay'ın genç çağdaşları Johannes (Jean) Okeghem (1425-1497 dolaylarında) ve Jacob Obrecht idi. Dufay gibi, Okegem de Flanders'lıydı. Hayatı boyunca çok çalıştı; müzik bestelemeye ek olarak, şapelin başı olarak görev yaptı. Besteci on beş kütle, on üç motif, yirmiden fazla şanson yarattı. Okegyom'un çalışmaları, katılık, konsantrasyon ve pürüzsüz melodik çizgilerin uzun bir açılımı ile karakterizedir. Çoksesli tekniğe büyük önem vermiş, kütlenin tüm parçalarının bir bütün olarak algılanması için uğraşmıştır. Bestecinin yaratıcı tarzı şarkılarında da görülebilir - neredeyse laik hafiflikten yoksundurlar, karakterleri daha çok motifleri ve bazen de kitle parçalarını andırır. Johannes Oegem hem yurtiçinde hem de yurtdışında saygı gördü (Fransa Kralı'na danışman olarak atandı). Jakob Obrecht, Hollanda'nın çeşitli şehirlerinin katedrallerinde koro şefiydi, şapelleri yönetti; birkaç yıl boyunca Duke d "Este in Ferrara (İtalya) mahkemesinde görev yaptı. Yirmi beş ayin, yirmi motet, otuz şansonun yazarıdır. Obrecht, seleflerinin başarılarını kullanarak birçok yeni şey getirdi. Çoksesli gelenek Besteci geleneksel kilise türlerine hitap etse bile müziği zıtlıklarla dolu, cesur.

Yaratıcılığın çok yönlülüğü ve derinliği Orlando Lasso. Hollanda Rönesans müziğinin tarihi, çağdaşları tarafından "Belçikalı Orpheus" ve "Müzik Prensi" olarak adlandırılan Orlando Lasso'nun (gerçek adı ve soyadı Roland de Lasso, yaklaşık 1532-1594) eseriyle tamamlanır. Kement Mons'ta (Flanders) doğdu. Çocukluğundan itibaren kilise korosunda şarkı söyledi ve cemaatçilere harika bir sesle vurdu. İtalyan şehri Mantua'nın Dükü Gonzaga, yanlışlıkla genç bir şarkıcıyı duydu ve onu kendi kilisesine davet etti. Mantua'dan sonra, Kement Napoli'de kısa bir süre çalıştı ve ardından Roma'ya taşındı - burada katedrallerden birinin şapelinin başkanlığını aldı. Yirmi beş yaşına geldiğinde, Lasso zaten bir besteci olarak biliniyordu ve besteleri müzik yayıncıları arasında talep görüyordu. 1555'te, motifler, madrigaller ve chanson içeren ilk eser koleksiyonu yayınlandı. Kement, selefleri (Hollandalı, Fransız, Alman ve İtalyan besteciler) tarafından yaratılan en iyi şeyleri inceledi ve deneyimlerini çalışmalarında kullandı. Olağanüstü bir kişilik olan Lasso, kilise müziğinin soyut doğasını aşmaya, ona bireysellik kazandırmaya çalıştı. Bu amaçla besteci bazen tür ve gündelik motifleri (türküler, dans temaları) kullanmış, böylece kilise ve seküler gelenekleri bir araya getirmiştir. Kement, çok sesli tekniğin karmaşıklığını büyük bir duygusallıkla birleştirdi. Özellikle madrigallerde başarılıydı, karakterlerin ruh halinin ortaya çıktığı metinlerde, örneğin, Aziz Petrus'un Gözyaşları "(1593) İtalyan şair Luigi Tranzillo'nun ayetlerine. Besteci genellikle bir için yazdı. çok sayıda ses (beş ila yedi), bu nedenle eserlerini gerçekleştirmek zordur.

1556'dan itibaren Orlando Lasso, şapeli yönettiği Münih'te (Almanya) yaşadı. Hayatının sonlarına doğru müzik ve sanat çevrelerinde otoritesi çok yüksekti ve ünü tüm Avrupa'ya yayıldı. Hollanda polifonik okulunun Avrupa müzik kültürünün gelişimi üzerinde büyük etkisi oldu. Hollandalı besteciler tarafından geliştirilen polifoni ilkeleri evrensel hale gelmiş ve 20. yüzyıl bestecileri eserlerinde birçok sanatsal teknik kullanmışlardır.

Fransa. Fransa için, XV-XVI yüzyıllar önemli bir değişim dönemi oldu: İngiltere ile Yüz Yıl Savaşı (1337-1453), XV yüzyılın sonunda sona erdi. devletin birleşmesi tamamlandı; 16. yüzyılda ülke Katolikler ve Protestanlar arasında din savaşları yaşadı. Mutlak monarşiye sahip güçlü bir devlette, mahkeme kutlamalarının ve halk festivallerinin rolü arttı. Bu, sanatın, özellikle de bu tür eylemlere eşlik eden müziğin gelişimine katkıda bulundu. Önemli sayıda icracıdan oluşan vokal ve enstrümantal toplulukların (şapeller ve eşler) sayısı arttı. İtalya'daki askeri kampanyalar sırasında Fransızlar, İtalyan kültürünün başarılarıyla tanıştı. İtalyan Rönesansının fikirlerini derinden hissettiler ve kabul ettiler - hümanizm, dış dünyayla uyum arzusu, hayattan zevk alma.

İtalya'da müzikal Rönesans öncelikle kitle ile ilişkilendirildiyse, o zaman Fransız besteciler kilise müziği ile birlikte laik polifonik şarkıya - chanson'a özel önem verdiler. Fransa'da buna ilgi, Clement Janequin'in (1485-1558 dolaylarında) bir müzikal oyun koleksiyonunun yayınlandığı 16. yüzyılın ilk yarısında ortaya çıktı. Türün yaratıcılarından biri olarak kabul edilen bu bestecidir.

Başlıca koro programı Clement Janequin (1475-1560) tarafından yapılmıştır. Çocukken, Janequin memleketi Châtellerault'da (Orta Fransa) bir kilise korosunda şarkı söyledi. Gelecekte, müzik tarihçilerinin önerdiği gibi, Hollandalı usta Josquin Despres ile veya maiyetinden bir besteci ile çalıştı. Rahipliği alan Janequin, naip (koro yönetmeni) ve orgcu olarak çalıştı; sonra Guise Dükü tarafından hizmet etmeye davet edildi. 1555'te müzisyen, Kraliyet Şapeli'nin şarkıcısı ve 1556-1557'de oldu. - kraliyet mahkemesi bestecisi. Clement Janequin iki yüz seksen şanson yarattı (1530 ile 1572 arasında yayınlandı); kilise müziği yazdı - kitleler, motifler, mezmurlar. Şarkıları genellikle doğada resimseldi. Dinleyicinin zihninin önünde savaş resimleri ("Marignano Savaşı", "Kira Savaşı", "Metz Savaşı"), av sahneleri ("Avlanma"), doğa görüntüleri ("Kuş Şarkısı", "Bülbül" vardır. ", "Lark" ), günlük sahneler ("Kadınların sohbeti"). Çarpıcı derecede parlak olan besteci, "Paris'in Çığlıkları" chanson'ında Paris'teki günlük yaşamın atmosferini aktarmayı başardı: satıcıların ünlemlerini metne ("Süt!" - "Börekler!" - "Enginar!" - " Balık!" - "Maçlar!" - "Güvercinler!" - "Eski ayakkabılar!" - "Şarap!"). Janequin, bireysel sesler ve karmaşık polifonik cihazlar için neredeyse uzun ve akıcı temalar kullanmamış, yoklamaları, tekrarları ve onomatopoeia'yı tercih etmiştir.

Fransız müziğinin bir başka yönü, Reform'un pan-Avrupa hareketi ile ilişkilidir.

Kilise ayinlerinde Fransız Protestanlar (Huguenotlar) Latince ve çok sesliliği terk ettiler. Kutsal müzik daha açık, demokratik bir karakter kazandı. Bu müzik geleneğinin en parlak temsilcilerinden biri, İncil metinlerine ve Protestan ilahilerine dayanan mezmurların yazarı Claude Goudimel'di (1514 ve 1520-1572 arasında).

Chanson. Fransız Rönesansının ana müzik türlerinden biri chanson'dur (fr. chanson - "şarkı"). Kökenleri halk sanatında (destansı masalların kafiyeli dizeleri müziğe ayarlanmıştır), ortaçağ ozanları ve trouveurs sanatındadır. İçerik ve ruh hali açısından, chanson çok çeşitli olabilir - aşk şarkıları, her gün, eğlenceli, hiciv vb. Vardı. Besteciler halk şiirlerini ve modern şiiri metin olarak aldı.

İtalya. İtalya'da Rönesans'ın başlamasıyla birlikte, çeşitli enstrümanlarda çalınan günlük müzik yayıldı; müzik severlerin çevreleri ortaya çıktı. Profesyonel alanda, en güçlü okullardan ikisi kuruldu: Roma ve Venedik.

Madrigal. Rönesans sırasında seküler türlerin rolü arttı. XIV yüzyılda. madrigal İtalyan müziğinde ortaya çıktı (geç Latin matrisinden - "ana dilde bir şarkı"). Halk (çoban) türküleri temelinde oluşturulmuştur. Madrigaller, genellikle enstrümantal eşliksiz, iki veya üç sesli şarkılardı. Modern İtalyan şairlerinin aşkı anlatan dizelerine yazılmışlar; gündelik ve mitolojik konularda şarkılar vardı.

15. yüzyılda besteciler neredeyse bu türe yönelmediler; ona olan ilgi ancak 16. yüzyılda yeniden canlandı. 16. yüzyılın madrigalinin karakteristik bir özelliği, müzik ve şiir arasındaki yakın bağlantıdır. Müzik, şiirsel kaynakta anlatılan olayları yansıtarak metni esnek bir şekilde takip etti. Zamanla, hassas iç çekişleri, gözyaşlarını vb. Gösteren tuhaf melodik semboller gelişti. Bazı bestecilerin eserlerinde sembolizm felsefiydi, örneğin Gesualdo di Venosa'nın madrigalinde "Ölüyorum, talihsiz" (1611).

Türün altın çağı, XVI-XVII yüzyılların başında düşer. Bazen, şarkının performansıyla aynı anda arsa çalındı. Madrigal, operanın görünümünü hazırlayan madrigal komedinin (bir komedi oyununun metnine dayanan bir koro kompozisyonu) temeli oldu.

Roma polifonik okul. Giovanni de Palestrina (1525-1594). Roma okulunun başı, Rönesans'ın en büyük bestecilerinden Giovanni Pierluigi da Palestrina'ydı. İtalya'nın Palestrina şehrinde doğdu, ardından soyadını aldı. Palestrina, çocukluğundan itibaren kilise korosunda şarkı söyledi ve yetişkinliğe ulaştığında, Roma'daki Aziz Petrus Bazilikası'nda orkestra şefi (koro lideri) görevine davet edildi; daha sonra Sistine Şapeli'nde (Papa'nın mahkeme şapeli) görev yaptı.

Katolikliğin merkezi olan Roma, birçok önde gelen müzisyeni kendine çekti. Farklı zamanlarda Hollandalı polifonik ustalar Guillaume Dufay ve Josquin Despres burada çalıştı. Gelişmiş besteleme teknikleri bazen hizmet metninin algılanmasına müdahale etti: zarif ses ağının arkasında kayboldu ve aslında kelimeler duyulmuyordu. Bu nedenle, kilise yetkilileri bu tür eserlere karşı temkinli davrandılar ve Gregoryen ilahilere dayalı monofoni geri dönüşünü savundular. Kilise müziğinde çok sesliliğin kabul edilebilirliği sorunu, Katolik Kilisesi Trent Konseyi'nde (1545-1563) bile tartışıldı. Papa'ya yakın olan Palestrina, Kilise liderlerini bestecinin tekniğinin metnin anlaşılmasına engel olmayacağı eserler yaratma olasılığına ikna etti. Kanıt olarak, karmaşık polifoniyi her kelimenin net ve etkileyici sesiyle birleştiren "Papa Marcello'nun Kütlesi" (1555)'ni besteledi. Böylece müzisyen, profesyonel polifonik müziği kilise yetkililerinin zulmünden "kurtardı". 1577'de besteci, Katolik Kilisesi'nin kutsal ilahilerinin bir koleksiyonu olan kademeli reformu tartışmaya davet edildi. 80'lerde. Palestrina kutsal emirler aldı ve 1584'te doğrudan Papa'ya bağlı bir müzisyenler derneği olan Müzik Ustaları Derneği'ne üye oldu.

Palestrina'nın çalışmaları parlak bir dünya görüşü ile doludur. Yarattığı eserler, çağdaşlarını hem en yüksek beceri hem de nicelik ile etkiledi (yüzden fazla kütle, üç yüz motif, yüz madrigal). Müziğin karmaşıklığı, onun algısına hiçbir zaman engel teşkil etmemiştir. Besteci, bestelerin karmaşıklığı ile dinleyiciye erişilebilirliği arasındaki altın ortalamayı nasıl bulacağını biliyordu. Palestrina, ana yaratıcı görevi ayrılmaz bir büyük çalışma geliştirmede gördü. İlahilerindeki her ses bağımsız olarak gelişir, ancak aynı zamanda geri kalanlarla tek bir bütün oluşturur ve genellikle sesler, güzelliği ile dikkat çeken akor kombinasyonları oluşturur. Çoğu zaman, üst sesin melodisi, çok sesliliğin "kubbesini" özetleyerek, diğerlerinin üzerinde yükselir; tüm sesler pürüzsüz ve gelişmiştir.

Giovanni da Palestrina'nın sanatı, gelecek neslin müzisyenleri tarafından örnek ve klasik olarak kabul edildi. 18. ve 18. yüzyılın birçok seçkin bestecisi onun besteleri üzerinde çalıştı.

Rönesans müziğinin bir başka yönü, kurucusu Adrian Villaart (1485-1562 dolaylarında) olan Venedik okulunun bestecilerinin eserleri ile ilişkilidir. Öğrencileri, orgcu ve besteci Andrea Gabrieli (1500 ile 1520 arasında - 1586'dan sonra), besteci Cyprian de Pope (1515 veya 1516-1565) ve diğer müzisyenlerdi. Palestrina'nın eserleri netlik ve katı kısıtlama ile karakterize edilirse, Willart ve takipçileri muhteşem bir koro tarzı geliştirdiler. Surround ses, tını çalma elde etmek için, tapınağın farklı yerlerinde bulunan kompozisyonlarda birkaç koro kullandılar. Korolar arasında yoklamaların kullanılması, kilise alanını benzeri görülmemiş etkilerle doldurmayı mümkün kıldı. Bu yaklaşım bir bütün olarak çağın hümanist ideallerini - neşesi, özgürlüğü ve Venedik sanat geleneğinin kendisiyle - parlak ve olağandışı her şeye olan arzusuyla yansıtıyordu. Venedikli ustaların çalışmalarında müzik dili de daha karmaşık hale geldi: cesur akor kombinasyonları, beklenmedik armonilerle doluydu.

Rönesans'ın çarpıcı bir figürü, laik madrigalin en büyük ustalarından biri olan Venosa şehrinin prensi Carlo Gesualdo di Venosa'ydı (1560-1613 dolaylarında). Hayırsever, ud sanatçısı ve besteci olarak ün kazandı. Prens Gesualdo, İtalyan şair Torquato Tasso ile arkadaştı; her iki sanatçının da edebiyat, müzik ve güzel sanatlar konularını tartıştığı en ilginç mektuplar kaldı. Gesualdo di Venosa, Tasso'nun birçok şiirini müziğe dönüştürdü - çok sayıda sanatsal madrigal bu şekilde ortaya çıktı. Geç Rönesans'ın bir temsilcisi olarak besteci, duyguların ilk sırada olduğu - fırtınalı ve öngörülemez olan yeni bir madrigal türü geliştirdi. Bu nedenle, eserleri ses seviyesindeki dalgalanmalar, iç çekişlere ve hatta hıçkırıklara benzer tonlamalar, keskin sesli akorlar ve zıt tempodaki değişikliklerle karakterizedir. Bu teknikler Gesualdo'nun müziğine etkileyici, biraz tuhaf bir karakter kazandırdı; çağdaşları etkiledi ve aynı zamanda çekti. Gesualdo di Venosa'nın mirası yedi çok sesli madrigal koleksiyonundan oluşur; manevi kompozisyonlar arasında - "Kutsal ilahiler". Bugün bile müziği dinleyiciyi kayıtsız bırakmıyor.

Enstrümantal müzik türlerinin ve biçimlerinin gelişimi. Enstrümantal müzik, yeni türlerin, özellikle de enstrümantal konçertoların ortaya çıkmasıyla da kendini gösterir. Keman, klavsen, org yavaş yavaş solo enstrümanlara dönüştü. Onlar için yazılan müzik, sadece besteci için değil, icracı için de yetenek göstermeyi mümkün kıldı. Her şeyden önce, birçok müzisyen için yavaş yavaş başlı başına bir amaç ve sanatsal değer haline gelen virtüöziteye (teknik zorluklarla başa çıkma yeteneği) değer verildi. 17-18. yüzyıl bestecileri genellikle sadece müzik bestelemekle kalmayıp aynı zamanda virtüöz de çalgı çalıyor ve pedagojik faaliyetlerde bulunuyorlardı. Sanatçının refahı büyük ölçüde belirli müşteriye bağlıydı. Kural olarak, her ciddi müzisyen ya bir hükümdarın ya da zengin bir aristokratın mahkemesinde (asilliğin birçok üyesinin kendi orkestraları veya opera evleri vardı) ya da bir tapınakta yer almaya çalıştı. Üstelik çoğu besteci, kilise müziği yapımını laik bir patronun hizmetiyle kolayca birleştirdi.

İngiltere. İngiltere'nin Rönesans dönemindeki kültürel yaşamı, Reform ile yakından bağlantılıydı. 16. yüzyılda Protestanlık tüm ülkeye yayıldı. Katolik Kilisesi baskın konumunu yitirdi, Anglikan Kilisesi, Katolikliğin bazı dogmalarını (temel hükümlerini) tanımayı reddeden devlet oldu; manastırların çoğu ortadan kalktı. Bu olayların müzik de dahil olmak üzere İngiliz kültürü üzerinde etkisi oldu. Oxford ve Cambridge üniversitelerinde müzik bölümleri açıldı. Soyluların salonlarında, klavyeli enstrümanlar geliyordu: virginal (bir tür klavsen), portatif (küçük) bir organ, vb. Evde müzik çalmaya yönelik küçük besteler popülerdi. O zamanın müzik kültürünün en önde gelen temsilcisi, müzik yayıncısı, orgcusu ve bestecisi William Byrd (1543 veya 1544-1623) idi. Bird, İngiliz madrigalinin atası oldu. Eserleri sadeliği (karmaşık polifonik cihazlardan kaçındı), metni takip eden formun özgünlüğü ve armonik özgürlüğü ile dikkat çekiyor. Tüm müzikal araçlar, ortaçağ titizliği ve kısıtlamasının aksine, yaşamın güzelliğini ve sevincini doğrulamaya çağrılır. Madrigal türünde bestecinin birçok takipçisi vardı.

Kuş ayrıca manevi eserler (kitleler, mezmurlar) ve enstrümantal müzik yarattı. Bakire için bestelerde türküler ve dansların motiflerini kullandı.

William Byrd, müzik koleksiyonlarından birinin önsözünde, besteci yazdığı müziğin gerçekten "en azından biraz hassasiyet, rahatlama ve eğlence taşımasını" istediğini yazdı.

Almanya. Alman müzik kültürünün Reform hareketi ile bağlantısı. 16. yüzyılda, Almanya'da ülkenin dini ve kültürel yaşamını önemli ölçüde değiştiren Reform başladı. Reformcular, ibadetin müzik içeriğinde değişiklik yapılması gerektiğine ikna oldular. Bu iki nedenden kaynaklanıyordu. XV yüzyılın ortalarında. kilise müziği türlerinde çalışan bestecilerin çoksesli becerileri olağanüstü bir karmaşıklığa ve inceliğe ulaştı. Bazen, seslerin melodik zenginliği ve uzun ilahiler nedeniyle cemaatçilerin çoğunluğu tarafından algılanamayan ve ruhsal olarak deneyimlenemeyen eserler yaratıldı. Buna ek olarak, hizmet Latince yapıldı, İtalyanlar tarafından anlaşılabilir, ancak Almanlara yabancı.

Reform hareketinin kurucusu Martin Luther (1483-1546), kilise müziğinde bir reformun gerekli olduğuna inanıyordu. Müzik, ilk olarak, cemaatçilerin ibadete daha aktif katılımına katkıda bulunmalıdır (bu, çok sesli besteler yapılırken imkansızdı) ve ikincisi, İncil'deki olaylara (hizmetin Latincede yürütülmesi tarafından engellenen) empatiye yol açmalıdır. Böylece, kilise şarkı söylemeye şu gereksinimler getirildi: melodinin sadeliği ve netliği, hatta ritim ve net bir ilahi biçimi. Bu temelde, Alman Rönesansının kilise müziğinin ana türü olan Protestan ilahisi ortaya çıktı. 1522'de Luther Yeni Ahit'i Almanca'ya çevirdi - bundan sonra ana dilde ibadet etmek mümkün oldu.

Luther'in kendisi ve arkadaşı Alman müzik teorisyeni Johann Walter (1490-1570), koraller için melodi seçiminde aktif rol aldı. Bu tür melodilerin ana kaynakları, yaygın olarak bilinen ve anlaşılması kolay halk manevi ve laik şarkılardı. Luther'in kendi bestelediği korallerden bazıları için melodiler. Bunlardan biri olan "Rab bizim kayamızdır", 16. yüzyıldaki din savaşları sırasında Reform'un sembolü olmuştur.

Meistersingers ve sanatı. Rönesans'ın Alman müziğinin bir başka parlak sayfası, Meistersingers'ın (Almanca: Meistersinger - "usta şarkıcı") - zanaatkar ortamından şairler ve şarkıcılar ile ilişkilidir. Profesyonel müzisyenler değillerdi, ama her şeyden önce ustalardı - silah ustaları, terziler, camcılar, kunduracılar, fırıncılar, vb. Bu tür müzisyenlerin şehir birliği, çeşitli el sanatlarının temsilcilerini içeriyordu. 16. yüzyılda, birçok Alman şehrinde Meistersinger dernekleri vardı.

Meistersingers, şarkılarını katı kurallara göre besteledi, yaratıcı inisiyatif birçok kısıtlamayla kısıtlandı. Yeni başlayan birinin önce bu kurallara hakim olması, sonra şarkı söylemeyi öğrenmesi, ardından başkalarının melodilerine şarkı sözü bestelemesi ve ancak o zaman kendi şarkısını yaratması gerekiyordu. Ünlü Meistersingers ve Minnesingers ezgileri örnek ezgiler olarak kabul edilmiştir.

16. yüzyılın seçkin bir usta şarkıcısı. Hans Sachs (1494-1576) bir terzi ailesinden geldi, ancak gençliğinde ebeveyn evini terk etti ve Almanya'yı dolaşmaya gitti. Gezileri sırasında genç adam bir kunduracı zanaatını öğrendi, ama en önemlisi halk sanatı ile tanıştı. Sachs iyi eğitimliydi, antik ve ortaçağ edebiyatını çok iyi biliyordu ve İncil'i Almanca tercümesinden okudu. Reform fikirleriyle derinden doluydu, bu nedenle sadece laik şarkılar değil, aynı zamanda manevi şarkılar da yazdı (toplamda yaklaşık altı bin şarkı). Hans Sachs ayrıca bir oyun yazarı olarak ünlendi ("Rönesans'ın Tiyatro Sanatı" makalesine bakın).

Rönesans'ın müzik aletleri. Rönesans sırasında, müzik aletlerinin kompozisyonu önemli ölçüde genişledi, mevcut yaylı çalgılara ve üflemeli çalgılara yeni çeşitler eklendi. Bunların arasında, sesin güzelliği ve asaleti ile şaşırtan bir yaylı tel ailesi olan viyolalar tarafından özel bir yer işgal edilir. Form olarak, modern keman ailesinin enstrümanlarına (keman, viyola, çello) benziyorlar ve hatta öncülleri olarak kabul ediliyorlar (18. yüzyılın ortalarına kadar müzik pratiğinde bir arada bulundular). Ancak bir fark var ve önemli bir fark var. Viyolaların bir rezonans dizeleri sistemi vardır; kural olarak, ana olanlar kadar vardır (altı ila yedi). Rezonans eden tellerin titreşimleri viyola sesini yumuşak, kadifemsi yapar, ancak enstrümanı bir orkestrada kullanmak zordur, çünkü çok sayıda tel nedeniyle hızla akordu bozulur.

Uzun bir süre, viyola sesi müzikte bir gelişmişlik modeli olarak kabul edildi. Viyola ailesinde üç ana tip vardır. Viola da gamba, icracının dikey olarak yerleştirdiği ve yanlarından ayaklarıyla sıkıştırdığı büyük bir enstrümandır (İtalyanca gamba kelimesi "diz" anlamına gelir). Diğer iki çeşit - viola da braccio (ondan. braccio - "önkol") ve viol d "amour (fr. viole d" amour - "aşk viyola") yatay olarak yönlendirildi ve çalındığında omzuna bastırıldı. Viola da gamba ses aralığı açısından çelloya, viyola da braccio kemana, viol d "amour ise viyolaya yakındır.

Rönesans'ın koparılmış enstrümanları arasında, ud (Polonya lutnia, Arapça "alud" - "ağaç" dan) ana yeri kaplar. 14. yüzyılın sonlarında Orta Doğu'dan Avrupa'ya geldi ve 16. yüzyılın başlarında bu enstrüman için çok büyük bir repertuar vardı; Önce ud eşliğinde şarkılar söylendi. Ud kısa bir gövdeye sahiptir; üst kısım düzdür ve alt kısım bir yarım küreye benzer. Perdelerle bölünmüş geniş boyuna bir boyun takılır ve enstrümanın başı neredeyse dik açıyla geriye doğru bükülür. Dilerseniz ud şeklinde bir kaseye benzerliğini görebilirsiniz. On iki tel çiftler halinde gruplanır ve ses hem parmaklarla hem de özel bir plaka - bir mızrap ile çıkarılır.

XV-XVI yüzyıllarda çeşitli klavye türleri ortaya çıktı. Bu tür enstrümanların ana türleri - klavsen, klavikor, cembalo, virginal - Rönesans müziğinde aktif olarak kullanıldı, ancak gerçek altın günleri daha sonra geldi.

Rönesans estetiği, bu çağda kamusal yaşamın tüm alanlarında gerçekleşen görkemli devrimle bağlantılıdır: ekonomide, ideolojide, kültürde, bilimde ve felsefede. Bu zamana kadar, kentsel kültürün gelişmesi, insanın ufkunu son derece genişleten büyük coğrafi keşifler, zanaattan manüfaktüre geçiş.

Üretici güçlerin devrimci gelişimi, üretimi engelleyen feodal sınıf ve lonca ilişkilerinin çözülmesi, bireyin özgürleşmesine yol açar, özgür ve evrensel gelişiminin koşullarını yaratır. Kuşkusuz, tüm bunlar dünya görüşünün doğasını etkileyemezdi. Rönesans'ta, dünya hakkındaki ortaçağ görüş sisteminin radikal bir şekilde kırılması ve yeni, hümanist bir ideolojinin oluşumu süreci vardır. Bu süreç müzikal estetiğe de yansır. Zaten XIV yüzyıl, yeni bir estetik dünya görüşünün uyanışının belirtileriyle doluydu. Ars nova'nın sanatı ve estetiği, John de Groheo'nun ve Padua'lı Marchetto'nun incelemeleri, geleneksel ortaçağ müzik teorisi sistemini yavaş yavaş sarstı. Burada, duyularla algılanmayan bir tür ilahi müziğin tanınmasına dayalı olarak müziğin teolojik görüşü zayıflatıldı. Bununla birlikte, ortaçağ müzik teorisinin asırlık geleneği tamamen yok edilmedi. Müzik estetiğinin sonunda onu engelleyen geleneksel kalıplardan kurtulması bir yüzyıl daha aldı.

Müziğin amacı sorusunun yorumlanmasında Rönesans'ın müzik estetiği, müziğin kamusal yaşamdaki olağanüstü gelişimi ile karakterize edilen gerçek uygulamaya dayanmaktadır. Şu anda, İtalya, Fransa, Almanya şehirlerinde, coşkuyla beste yapmaya veya çeşitli müzik aletleri çalmaya başladıkları yüzlerce müzik çemberi oluşuyor. Müziğe sahip olma ve müzik bilgisi, laik kültürün ve laik eğitimin gerekli unsurları haline gelir. Ünlü İtalyan yazar Baldasare Castiglione, "On the Courtier" (1518) adlı incelemesinde, bir kişinin "müzisyen değilse, müziği gözle okuyamıyorsa ve farklı enstrümanlar hakkında hiçbir şey bilmiyorsa" saraylı olamayacağını yazıyor. 16. yüzyılın sivil yaşamında müziğin olağanüstü yaygınlığı, bu zamanın resmiyle kanıtlanmıştır. Soyluların özel hayatını tasvir eden sayısız resimde, sürekli olarak müzikle uğraşan yüzlerce insanla tanışıyoruz: şarkı söylemek, oynamak, dans etmek, doğaçlama yapmak vb.

Rönesans'ın ilk kültürü İtalya'da doğdu ve gelişti. Buradaki Rönesans yüzyılları, lauda, ​​​​frottola ve vilanella gibi türlerde en zengin şarkı yazma geleneklerinin ana rolü işgal ettiği halk şiiri ve müziğinin güçlü gelişimi ile işaretlenmiştir. Gündelik kentsel müzik yapımında eşit derecede popüler olan bir tür, genellikle metin ve müzikte ortak tonlamalar kullanarak - seyyar satıcılar ve satıcıların çığlıklarına kadar - sulu bir tür sahnesini betimleyen caccia idi. Kachchiya'ya genellikle yuvarlak bir dans eşlik ederdi. İtalyan baladı da solo koro performansıyla ilişkili yaygın bir şarkı ve dans sözleri türüdür (o zamanın Fransa'sında virelet türü benzer özelliklere sahipti). Halk şarkısı tonlamaları, melodik ilkenin belirli bir ağırlığı, doku ustalığı - laik gündelik müziğin bu nitelikleri, çok sesli kitlelere kadar kutsal müziğe de nüfuz eder.

Müziğin melodik ve melodik doğası, İtalya'da yaylı çalgılarla solo ve topluluk müziği çalma geleneklerinin oldukça hızlı gelişmesinden kaynaklanıyordu. Genel olarak enstrümantal müziğin yaygın olarak kullanılması, homofonik bir depo ve işlevsel bir uyumun oluşmasına katkı sağlamıştır.

Keman, İtalya'nın müzik çevrelerinde (16. yüzyılın son çeyreğinde) ortaya çıkmadan ve Cremonese ustaları Amati, Stradivari, Guarneri ve diğerleri tarafından keman üretimi gelişmeye başlamadan önce, lavta özellikle popülerdi (en ünlü ud besteci Francesco Milano idi), viyola, İspanyol gitarı, theorbo (büyük bas lavtası).

Keman işçiliği ilk olarak B. Donati, L. Viadan, G. Giacomelli'nin (uzun eğilme becerisi ve legato tekniği ile ünlüydü) eserlerinde şekillenmiştir. Keman performansının geliştirilmesinde yeni bir adım, pasaj tekniğini geliştiren, tremolo, pizzicato kullanan, dinamikleri pp ve ff kutupsal kontrastlarla zenginleştiren C. Monteverdi'nin çalışmasıyla ilişkilidir.

Org ve klavsen icrası alanında büyük bir canlanma gözlemlendi. 40'lı yıllardan. XVI yüzyılda, organ koleksiyonlarının sayısı keskin bir şekilde artar, seçkin organistlerin bütün bir galaksisi ortaya çıkar - Villaerte, Andrea ve Giovanni Gabrieli, Claudio Merulo, Cavazzoni. Bu ustalar, İtalyan org sanatının temellerini atıyor ve enstrümental müzik türleri yaratıyor -ricercar, canzone, toccata.

Klavsen performansı, günlük danslardan, popüler laik şarkıların aranjmanlarından geniş ölçüde yararlanır. Organ ve klavier üzerinde olağanüstü bir besteci-doğaçlamacı, çalışmalarında tüm klavsen müziği koleksiyonlarının ortaya çıktığı - dans döngüleri olan Girolamo Frescobaldi idi.

İtalyan beste okulu, profesyonel polifonik bestecilerin faaliyetleriyle de temsil edilmektedir - Adrian Villaerta ve öğrencileri Ciprian de Rore, Andrea ve Giovanni Gabrieli, Giovanni Pierluigi da Palestrina. Yaratıcı mirasları çeşitlidir ve esas olarak vokal polifonik eserlerden oluşur - esas olarak koro a capella tarafından gerçekleştirilen düzinelerce kitle, manevi ve laik madrigaller, motifler.

Hollanda'da çok sesliliğin güçlü gelişimi, halk çok sesliliğinin zenginliği ve zengin Hollanda şehirlerinin katedrallerinde özel okul-yatakhanelerin (metris) varlığı ile açıklanmaktadır.

Birkaç kuşak besteci Hollanda polifonik okuluna aitti. Faaliyetleri yalnızca o zamanlar modern Belçika, Lüksemburg, Hollanda'nın güney-batısı ve kuzey Fransa topraklarını kapsayan Hollanda'da değil (bu nedenle okulun diğer adı - Fransız-Flamanca). Hollanda okulunun önde gelen temsilcileri Roma'da (Dufay, Obrecht, Joskin) ve diğer şehirlerde (Villaert, Rore - Venedik'te, Isaac - Avusturya ve Almanya'da, Benchois - Dijon'da Burgonya mahkemesinde) verimli bir şekilde çalıştı.

Hollanda ekolü, tüm Avrupa ülkelerinde çok sesliliğin asırlık gelişimini özetledi. Her ne kadar kilise müziği bu ustaların çalışmalarında kesinlikle önde gelen bir yer tutsa da, yine de

Bununla birlikte, manevi eserlerle birlikte besteciler, Rönesans'ın özelliği olan zengin fikir ve duygu dünyasını yansıtan birçok laik polifonik şarkı yazdılar.

Hollandalı polifonistlerin eserlerindeki en anıtsal tür, katı stil polifoni ilkelerinin özünün gerçekleştiği kitle idi. Bununla birlikte, her ustanın etkinliği, yerleşik etkileyici kanonlardan bir çıkış yolu arayışıyla ilgili yenilikçi özellikleri ortaya çıkarır. Mevcut şarkı ve dans malzemesine güvenmek, manevi ve laik türlerin karşılıklı etkisi, melodik sesin polifonide kademeli olarak ayrılmasına, dikey ve işlevsel bir akor oluşumuna yol açar.

16. yüzyılda Hollanda polifonisinin en büyük başarısı Orlando Lasso'nun eseriydi. Çalışmalarında Rönesans'ın en geniş tür çıkarları yoğunlaştı: zamanının neredeyse tüm vokal biçimlerine - madrigal, kitle, motet, Fransız chanson ve hatta Alman polifonik şarkısına haraç ödedi. Bestecinin eserleri, hayatın gerçeğiyle dolu görüntülerle doludur, parlak bir melodiye, kabartmada çeşitli bir ritme, olağanüstü popülerliklerini sağlayan sürekli olarak geliştirilmiş bir harmonik plana sahiptir (diğer besteciler tarafından ud ve org düzenlemeleri için tekrar tekrar kullanıldı).

Rönesans eğilimlerinin gelişimi ve Fransız ulusal kültürünün oluşumu XIV.Yüzyılda zaten ana hatlarıyla belirtilmişti. Fransız müziğinde erken Rönesans sanatının önde gelen temsilcileri, virelay, le, rondo ballads türlerinde büyük bir miras bırakan Philippe de Vitry ve Guillaume de Machaux idi.

Fransız müzik sanatının en karakteristik özelliği olan chanson türü son derece canlı ve gerçekçiydi. Bu türde, yeni Rönesans özelliklerinin içeriği, arsa ve ifade araçlarının özelliklerinde en açık şekilde tezahür ettiği yerdi.

15.-16. yüzyılların Fransız şansonu, o zamanın Fransız yaşamının bir tür "ansiklopedisi" dir. İçeriği çeşitlidir ve anlatısal, lirik, samimi, hüzünlü, esprili, açıklayıcı, cesur olabilir. Ölçeklerinin çeşitliliği de karakteristiktir - çeşitli ölçülerden 42 sayfaya kadar.

İfade araçlarının basitliği ve dolaysızlığı, D ve T'de belirli sonlara sahip periyodik yapı, daha sonra tüm topluluk tarafından alınan şarkı söyleme tekniği, müziği bazen bir halk dansını andıran türün tipik özellikleridir. , lirik-destansı bir melodi veya neşeli bir sokak şehri şarkısı - geleceğin vodvilinin bir prototipi. Chanson müziği için, ritmik temelin vurgulanması karakteristiktir, bazen bir beyit deposu veya dairesel bir rondo benzeri ile karakterize edilir, buna eşlik etmek için halk enstrümanları kullanılabilir.

Fransız Rönesansının en seçkin bestecisi, çalışmaları ince aşk sözlerini (şair Ronsard'ın metinlerine dayanan şarkılarda) ve üzüntü ve keder ruh hallerinin ifadesini ve hayat dolu halk eğlencesi sahnelerini yansıtan Clement Janequin idi. hareket. Mirasında, koro yazımı alanında yaratıcılık ve esprili bulgularla dolu, programlı bir doğaya sahip büyük koro fantazi şarkılarına özel dikkat çekilir. Onlarda Zhanequin, zamanının yaşamını ve yaşam biçimini renkli bir şekilde sergiledi. En ünlüsü "Savaş", "Avcılık", "Kuş Şarkısı", "Paris'in sokak çığlıkları".

200'den fazla şarkıya ek olarak, Janequin hem motifler hem de kitleler yazdı. Ancak Katolik kültü için müzik alanında, cesurca halk melodilerini kullanır, manevi metinleri askeri müziğin tantana dönüşlerine tonlar ve dans ritimlerini sunar.

Halk şarkısı ve dans materyalinin bu şekilde ele alınması, eserlerinde manevi ve laik türlere olan ilgiyi birleştiren ve laik müziğin sanatsal bağımsızlık alanına nihai olarak ayrılmasına yol açan birçok Rönesans bestecisinin özelliğiydi. ve profesyonellik.

XIX yüzyılda tarihçi Jules Michelet, "Rönesans" kavramını ilk kullanan kişi oldu. Makalede tartışılacak olan müzisyenler ve besteciler, kilisenin ortaçağ hakimiyetinin yerini insana olan ilgisi ile seküler kültürün aldığı XIV.Yüzyılda başlayan döneme aittir.

Rönesans müziği

Avrupa ülkeleri farklı zamanlarda yeni bir döneme girdiler. Biraz önce, İtalya'da ortaya çıktılar, ancak Hollanda okulu müzik kültürüne egemen oldu, burada ilk kez katedrallerde gelecekteki bestecileri eğitmek için özel metrisler (sığınaklar) oluşturuldu. O zamanın ana türleri tabloda sunulmaktadır:

Hollanda'daki Rönesans'ın çoğu - bu Guillaume Dufay, Jacob Obrecht, Josquin Despres.

Büyük Hollandaca

Johannes Ökegem Notre Dame Metrisa'da (Anvers) eğitim gördü ve 15. yüzyılın 40'larında Duke Charles I (Fransa) mahkemesinde koro üyesi oldu. Daha sonra, kraliyet mahkemesinin şapeline yöneldi. Oldukça yaşlı bir yaşa kadar yaşamış, tüm türlerde büyük bir miras bırakmış ve kendisini seçkin bir polifonist olarak kurmuştur. Biri 8 ses için boyanmış olan Chigi kodeks adlı 13 kitlesinin el yazmaları bize kadar geldi. Sadece başkalarının değil, kendi melodilerini de kullandı.

Orlando Kement 1532'de modern Belçika (Mons) topraklarında doğdu. Müzik yeteneği erken çocukluk döneminde kendini gösterdi. Çocuk onu harika bir müzisyen yapmak için üç kez evden kaçırıldı. Tüm yetişkin yaşamını Bavyera'da geçirdi, burada Duke Albrecht V'in mahkemesinde tenor olarak sahne aldı ve ardından şapeli yönetti. Son derece profesyonel ekibi, Münih'in Rönesans'ın birçok ünlü bestecisinin ziyaret ettiği Avrupa'nın müzik merkezine dönüşmesine katkıda bulundu.

Johann Eckard, Leonard Lechner, İtalyan D. Gabrieli gibi yetenekler ona çalışmaya geldi. . Son dinlenme yerini 1594'te Münih kilisesinin topraklarında buldu ve görkemli bir miras bıraktı: 750'den fazla motif, 60 kitle ve aralarında en popüler olanı Susanne un jour olan yüzlerce şarkı. Motets ("Sibyllerin Kehanetleri") yenilikçiydi, ancak aynı zamanda çok fazla mizahın (vilanella O bella fusa) olduğu laik müziği ile de tanınır.

italyanca okul

İtalya'dan seçkin Rönesans bestecileri, geleneksel yönlere ek olarak, aktif olarak enstrümantal müzik (org, yaylı çalgılar, klavier) geliştirdi. Ud en yaygın enstrüman haline geldi ve 15. yüzyılın sonunda piyanonun öncüsü olan klavsen ortaya çıktı. Halk müziği unsurlarına dayanarak, en etkili iki besteci okulu gelişti: Roma (Giovanni Palestrina) ve Venedik (Andrea Gabrieli).

Giovanni Pierluigi adını aldı Filistin doğduğu ve ana kilisede koro şefi ve orgcu olarak görev yaptığı Roma yakınlarındaki kasabanın adından sonra. Doğum tarihi çok yaklaşıktır, ancak 1594'te öldü. Uzun yaşamı boyunca yaklaşık 100 ayin ve 200 motet yazdı. Onun "Papa Marcellus Kütlesi" Papa IV. Pius tarafından beğenildi ve Katolik kutsal müziğinin bir modeli oldu. Giovanni, müzik eşliğinde şarkı söylemenin en parlak temsilcisidir.

Andrea Gabrieli Giovanni, öğrencisi ve yeğeni ile birlikte St. Mark kilisesinde (XVI. Venedik okulu daha çok seküler müziğe yöneldi ve Andrea Gabrieli'nin sahnesinde Sophokles'in Oidipus'unun prodüksiyonu sırasında koro müziği yazıldı, koro polifonisi örneği ve opera sanatının geleceğinin habercisi.

Alman okulunun özellikleri

Alman toprakları öne çıktı Ludwig Senfl, 16. yüzyılın en iyi polifonisti, ancak Hollandalı ustaların seviyesine ulaşmadı. Esnaf (meistersingers) arasından şair-şarkı söyleyenlerin şarkıları da Rönesans'ın özel müziğidir. Alman besteciler şarkı söyleyen şirketleri temsil etti: kalaycılar, kunduracılar, dokumacılar. Bölgede birleştiler. Nürnberg şarkı söyleme okulunun seçkin bir temsilcisi, Hans Sachs(yaşam yılları: 1494-1576).

Bir terzi ailesinde doğdu, tüm hayatı boyunca kunduracı olarak çalıştı, bilgisi, müzikal ve edebi ilgi alanları ile dikkat çekti. İncil'i büyük reformcu Luther'in yorumunda okudu, eski şairleri biliyordu ve Boccaccio'yu takdir etti. Bir halk müzisyeni olan Sachs, polifoni formlarında ustalaşmadı, ancak bir şarkı deposunun melodilerini yarattı. Dansa yakındılar, hatırlamaları kolaydı ve belli bir ritmi vardı. En ünlü eseri "Silver Chant" idi.

Rönesans: Fransa'nın müzisyenleri ve bestecileri

Fransa'nın müzik kültürü, ancak ülkede sosyal zeminin hazırlandığı 16. yüzyılda gerçekten bir rönesans yaşadı.

En iyi temsilcilerinden biri Clement Janequin. Chatellerault'da (15. yüzyılın sonu) doğduğu ve şarkı söyleyen bir çocuktan kralın kişisel bestecisine geçtiği bilinmektedir. Yaratıcı mirasından yalnızca Attenyan tarafından yayınlanan laik şarkılar hayatta kaldı. 260 tane var, ancak zamanın testinden geçenler gerçek bir ün kazandı: “Kuş Şarkısı”, “Avcılık”, “Lark”, “Savaş”, “Paris Çığlıkları”. Sürekli olarak yeniden basıldılar ve diğer yazarlar tarafından revizyon için kullanıldılar.

Şarkıları çok sesliydi ve koro sahnelerini andırıyordu; onomatopoeia ve cantilena seslendirmeye ek olarak, çalışmanın dinamiklerinden sorumlu ünlemler vardı. Yeni imgeleme yöntemleri bulmak için cesur bir girişimdi.

Ünlü Fransız besteciler arasında Guillaume Cotelet, Jacques Maudui, Jean Baif, Claudin Lejeune, Claude Goudimel bulunmaktadır. , müziğe, müziğin genel halk tarafından asimilasyonuna katkıda bulunan uyumlu bir depo verdi.

Rönesans Besteciler: İngiltere

İngiltere'de 15. yüzyıl, İngilizlerin eserlerinden etkilenmiştir. John Dubsteil ve XVI - William Byrd. Her iki usta da kutsal müziğe yöneldi. Bird, Lincoln Katedrali'nde orgcu olarak başladı ve kariyerini Londra'daki Kraliyet Şapeli'nde sonlandırdı. İlk kez müzik ve girişimciliği birleştirmeyi başardı. 1575 yılında, besteci Tallis ile işbirliği içinde, kendisine herhangi bir kar getirmeyen müzik eserlerinin yayınlanmasında tekelci oldu. Ancak mahkemelerde mülkiyet haklarını savunmak çok zaman aldı. Ölümünden sonra (1623) şapelin resmi belgelerinde "müziğin kurucusu" olarak anılmıştır.

Rönesans geride ne bıraktı? Bird, yayınlanmış koleksiyonlara (Cantiones Sacrae, Gradualia) ek olarak, yalnızca evde ibadet için uygun olduğunu düşünerek birçok el yazması tuttu. Daha sonra yayınlanan madrigaller (Musica Transalpina) İtalyan yazarların büyük etkisini gösterdi, ancak kutsal müziğin altın fonuna birkaç kitle ve motet dahil edildi.

İspanya: Cristobal de Morales

İspanyol müzik okulunun en iyi temsilcileri Vatikan'ı dolaşarak papalık şapelinde sahne aldı. Hollandalı ve İtalyan yazarların etkisini hissettiler, bu yüzden sadece birkaçı ülkelerinin dışında ünlü olmayı başardı. İspanya'dan Rönesans bestecileri, koro eserleri yaratan polifonistlerdi. En parlak temsilci Cristobal de Morales(XVI yüzyıl), Toledo'da metrise başkanlık eden ve birden fazla öğrenci yetiştiren. Josquin Despres'in takipçisi olan Cristobal, homofonik denilen bir takım bestelere özel bir teknik getirdi.

Yazarın iki ağıtı (beş sesin sonuncusu) ve ayrıca "Silahlı Adam" Kitlesi en büyük ün kazandı. Ayrıca laik eserler de yazdı (1538'de bir barış anlaşmasının imzalanması onuruna bir kantat), ancak bu onun daha önceki eserlerine atıfta bulunuyor. Hayatının sonunda Malaga'da bir şapele yönelirken, kutsal müziğin yazarı olarak kaldı.

Sonuç yerine

Rönesans bestecileri ve eserleri, 17. yüzyılın enstrümantal müziğinin gelişmesini ve yeni bir türün ortaya çıkmasını hazırladı - birçok sesin karmaşıklığının yerini ana melodiye öncülük eden birinin önceliği aldığı opera. Müzik kültürünün gelişmesinde gerçek bir atılım yaptılar ve modern sanatın temellerini attılar.

En çarpıcı fenomen, o zamanlar yaygın olan, hümanist eğilimlerin ruhuyla dolu seküler vokal türleriydi. Müzik sanatının profesyonelleşmesi, gelişimlerinde özel bir rol oynadı: müzisyenlerin becerileri büyüdü, şarkı söyleme, org çalma ve müzik teorisinin erken yaşlardan itibaren öğretildiği şarkı söyleme okulları düzenlendi. Bütün bunlar, yüksek beceri, profesyonel beste ve icra teknikleri ustalığı gerektiren katı stil polifonisinin kurulmasına yol açtı. Bu stil çerçevesinde, seslerin maksimum bağımsızlığını korurken, ses yönlendirme ve ritmik düzenleme konusunda oldukça katı kurallar vardır. Kilise müziği, katı bir üsluptaki ustaların eserlerinde büyük bir yer tutsa da, manevi metinler üzerindeki eserlerle birlikte, bu besteciler birçok laik çok sesli şarkı yazdılar. Özellikle ilgi çekici olan, laik vokal türlerinin müzikal ve şiirsel görüntüleridir. Metinler canlı ve alakalı içeriklerdir. Aşk sözlerine ek olarak, mükemmel profesyonel polifonik yazma tekniği ile birleştirilen hicivli, anlamsız, dithyrambik metinler son derece popülerdi. İşte günlük şarkı sözlerinin bir örneği olan bazı Fransız chanson metinleri "Kalk, sevgili Colinette, bir içki içmeye gitme zamanı; kahkaha ve zevk - işte benim arzum bu. Bırakın herkes neşenin tadını çıkarsın. Bahar geldi . ..", "Zenginliğe lanet olsun, arkadaşımı aldım: Aşkını sahiplendim, diğeri - servet, aşk işlerinde samimi aşk az değer.

Rönesans kültürü önce İtalya'da, ardından diğer ülkelerde ortaya çıktı. Tarih, ünlü müzisyenlerin ülkeden ülkeye sık sık hareketleri, bir veya başka bir şapeldeki çalışmaları, farklı milletlerden temsilcilerin sık sık iletişimi vb. Hakkında bilgileri korumuştur. Bu nedenle, Rönesans dönemi müziğinde bir gözlemliyoruz. Bestecilerin farklı ulusal ekoller tarafından yarattıkları eserler arasında anlamlı bir ilişki vardır.

16. yüzyıla genellikle "dans çağı" denir. İtalyan Rönesansının hümanist ideallerinin etkisi altında, nihayet kilise yasaklarının barajı kırıldı ve "dünyevi", dünyevi sevinçlere duyulan özlem, eşi görülmemiş bir dans ve şarkı unsurları patlaması olarak kendini gösterdi. 16. yüzyılda şarkı ve dansın popülerleşmesinde güçlü bir faktör. oynanan müzik basma yöntemlerinin icadı: çok sayıda yayınlanan danslar bir ülkeden diğerine dolaşmaya başladı. Her ulus ortak tutkuya katkıda bulundu, böylece danslar kendi topraklarından koparak kıtayı dolaştı, görünüşlerini ve hatta bazen isimlerini değiştirdi. Onlar için moda hızla yayıldı ve hızla değişti.

Aynı zamanda, Rönesans, geniş dini hareketlerin (Çek Cumhuriyeti'nde Husitizm, Almanya'da Lutheranizm, Fransa'da Kalvinizm) dönemiydi. O zamanın dini hareketlerinin tüm bu çeşitli tezahürleri, genel Protestanlık kavramıyla birleştirilebilir. Çeşitli ulusal hareketlerde Protestanlık, halkların müzik kültürlerinin ortaklığının gelişmesinde ve güçlenmesinde, ayrıca özellikle halk müziği alanında büyük rol oynamıştır. Nispeten dar bir insan çevresini kucaklayan hümanizmin aksine, Protestanlık, halkın geniş kesimlerine yayılan daha kitlesel bir akımdı. Rönesans müzik sanatında en çarpıcı fenomenlerden biri Protestan korodur. Almanya'da Katolik ibadetinin gereçlerinin aksine Reform hareketinin etkisi altında ortaya çıktı, özel bir duygusal ve anlamsal içerikle ayırt edildi. Luther ve Protestanlığın diğer temsilcileri müziğe büyük önem verdiler: "Müzik insanı neşelendirir, öfkeyi unutturur. Kendine olan güveni ve diğer eksiklikleri giderir... Gençlik sürekli müziğe alışmalıdır, çünkü o her şeye hünerli, uygun insanlar yetiştirir. " Bu nedenle, Reform hareketinde müzik bir lüks değil, bir tür "günlük ekmek" olarak kabul edildi - Protestanlığın teşvik edilmesinde ve geniş kitlelerin manevi bilincinin oluşmasında büyük rol oynamaya çağrıldı.

TÜRLER:

vokal türleri

Bir bütün olarak tüm dönem, vokal türlerinin ve özellikle vokal türlerinin açık bir baskınlığı ile karakterize edilir. polifoni. Sıkı bir tarzda alışılmadık derecede karmaşık bir polifoni ustalığı, gerçek burs, virtüöz tekniği, parlak ve taze bir günlük dağıtım sanatı ile bir arada var oldu. Enstrümantal müzik biraz bağımsızlık kazanır, ancak vokal formlara ve günlük kaynaklara (dans, şarkı) doğrudan bağımlılığı ancak bir süre sonra aşılacaktır. Başlıca müzik türleri sözlü metinle ilişkili kalır. Rönesans hümanizminin özü, frottoll ve vilanelle tarzında koro şarkılarının kompozisyonuna yansıdı.
Dans türleri

Rönesans'ta günlük dans büyük önem kazanır. İtalya, Fransa, İngiltere, İspanya'da birçok yeni dans formu var. Toplumun farklı katmanlarının kendi dansları vardır, performans tarzlarını, balolarda, akşamlarda, şenliklerde davranış kurallarını geliştirirler. Rönesans dansları, geç Orta Çağ'ın gösterişsiz branilerinden daha karmaşıktır. Yuvarlak danslı ve lineer sıralı kompozisyonlu danslar, karmaşık hareketler ve figürler üzerine kurulu ikili (düet) danslarla değiştiriliyor.
Volta - İtalyan kökenli çift dansı. Adı, "dönmek" anlamına gelen İtalyanca voltare kelimesinden gelir. Boyut üçlü, hız orta derecede hızlı. Dansın ana kalıbı, beyefendinin kendisiyle dans eden bayanı havada hızlı ve keskin bir şekilde döndürmesidir. Bu kaldırma genellikle çok yüksek yapılır. Beyefendiden büyük bir güç ve el becerisi gerektirir, çünkü hareketlerin keskinliğine ve bazı aceleciliğine rağmen, yükseliş net ve güzel bir şekilde yapılmalıdır.
galliard - İtalya, İngiltere, Fransa, İspanya, Almanya'da yaygın olan İtalyan kökenli eski bir dans. Erken galliardların hızı orta derecede hızlıdır, boyut üçlüdür. Galliard genellikle, bazen tematik olarak bağlandığı pavandan sonra gerçekleştirildi. Galliards 16. yüzyıl üst seste bir melodi ile melodik-armonik bir dokuda sürdürülür. Galliard ezgileri Fransız toplumunun geniş kesimlerinde popülerdi. Serenatların performansı sırasında, Orleans öğrencileri lavta ve gitarlarda galliard melodileri çaldılar. Çanlar gibi, galliard da bir tür dans diyaloğu karakterine sahipti. Beyefendi hanımıyla birlikte koridorda dolaştı. Adam soloyu icra ettiğinde, bayan yerinde kaldı. Erkek solo, çeşitli karmaşık hareketlerden oluşuyordu. Ondan sonra tekrar bayana yaklaştı ve dansı sürdürdü.
pavana - 16.-17. yüzyılların saray dansı. Tempo orta derecede yavaş, zaman işareti 4/4 veya 2/4. Farklı kaynaklarda kökeni hakkında bir fikir birliği yoktur (İtalya, İspanya, Fransa). En popüler versiyon, güzel akan bir kuyrukla yürüyen bir tavus kuşunun hareketlerini taklit eden bir İspanyol dansıdır. Bas dansına yakındı. Pavanların müziğine çeşitli tören alayları yapıldı: yetkililer, soylu gelini kiliseye görerek şehre girdiler. Fransa ve İtalya'da pavane bir mahkeme dansı olarak kurulur. Pave'nin ciddi doğası, saray toplumunun görgü ve hareketlerinin zarafet ve zarafetiyle parlamasına izin verdi. Bu dansı halk ve burjuvazi yapmadı. Pavane, minuet gibi, kesinlikle rütbelere göre yapıldı. Kral ve kraliçe dansa başladı, sonra soylu bir hanımla dauphin girdi, sonra prensler vb. Cavaliers pavane'yi bir kılıçla ve pelerinlerle gerçekleştirdi. Hanımlar, hareketler sırasında yerden kaldırmadan ustaca kullanılması gereken ağır uzun trenlerle tören kıyafetleri içindeydiler. Trenin hareketi, hareketleri güzelleştirdi, pavane ihtişamını ve ciddiyetini verdi. Kraliçenin arkasında, yakın hanımlar bir tren taşıyordu. Dans başlamadan önce, salonun etrafında dolaşması gerekiyordu. Dansın sonunda, çiftler reveranslı ve fiyonklu çiftler tekrar salonu dolaştı. Ama beyefendi şapkayı takmadan önce sağ elini hanımın omzunun arkasına, sol elini (şapkayı tutan) beline koyup yanağından öpmek zorunda kaldı. Dans sırasında bayanın gözleri yere indirildi; sadece zaman zaman erkek arkadaşına baktı. Pavane, çok popüler olduğu İngiltere'de en uzun süre korunmuştur.
Allemande - 4 vuruşta Alman kökenli yavaş bir dans. "Düşük", zıplamayan danslara aittir. Sanatçılar birbiri ardına çift oldu. Çift sayısı sınırlı değildi. Beyefendi hanımefendiyi ellerinden tuttu. Kolon salonun etrafında hareket etti ve sonuna geldiğinde katılımcılar (ellerini ayırmadan) yerinde bir dönüş yaptı ve dansa ters yönde devam etti.
Courant italyan kökenli bir saray dansıdır. Zil basit ve karmaşıktı. İlki, ağırlıklı olarak ileriye doğru gerçekleştirilen basit, kayma adımlarından oluşuyordu. Karmaşık çan doğada pantomimiktir: üç bey, üç bayanı dansa katılmaya davet etti. Hanımlar salonun karşı köşesine götürülerek dans etmeleri istendi. Hanımlar reddetti. Beyler, bir ret aldıktan sonra ayrıldı, ancak tekrar geri döndü ve hanımların önünde diz çöktü. Ancak pandomim sahnesinden sonra dans başladı. İtalyan ve Fransız türlerinin çanları farklıdır. İtalyan çanları, melodik-armonik bir dokuda basit bir ritimle 3/4 veya 3/8 zamanlı canlı bir danstır. Fransızca - ciddi bir dans ("tarz dansı"), pürüzsüz bir gururlu alayı. 3/2 beden, orta tempolu, iyi gelişmiş polifonik doku.
sarabande - 16. - 17. yüzyılların popüler dansı. İspanyol kadın kastanyet dansından türetilmiştir. Başlangıçta şarkı eşlik etti. Ünlü koreograf ve öğretmen Carlo Blasis, eserlerinden birinde sarabandenin kısa bir tanımını veriyor: "Bu dansta herkes kayıtsız olmadığı bir bayan seçer. Müzik bir işaret verir ve iki sevgili bir dans yapar, asil, Ancak ölçüldüğünde, bu dansın önemi en ufak bir zevke müdahale etmez ve alçakgönüllülük ona daha fazla zarafet verir; herkesin gözü, hareketleriyle aşkın tüm aşamalarını ifade eden çeşitli figürler sergileyen dansçıları zevkle takip eder. Başlangıçta, sarabandenin temposu orta derecede hızlıydı, daha sonra (17. yüzyıldan beri) karakteristik ritmik bir desenle yavaş bir Fransız sarabandesi ortaya çıktı: ...... Anavatanında sarabande müstehcen danslar kategorisine girdi ve 1630. Kastilya Konseyi tarafından yasaklandı.
oyun - İngiliz kökenli bir dans, en hızlı, üç parçalı, üçüzlere dönüşüyor. Başlangıçta, giga bir çift dansıydı, denizciler arasında komik bir doğanın solo, çok hızlı bir dansı olarak yayıldı. Daha sonra enstrümantal müzikte eski bir dans takımının son parçası olarak görünür.

Rönesans veya Rönesans, Batı ve Orta Avrupa kültür tarihinde yaklaşık 14-16. yüzyılları kapsayan bir dönemdir. Bu dönem adını, modern zamanların kültürel figürleri için ideal hale gelen antik sanata olan ilginin yeniden canlanmasıyla bağlantılı olarak almıştır. Besteciler ve müzik teorisyenleri - J. Tinktoris, J. Tsarlino ve diğerleri - antik Yunan müzik incelemelerini incelediler; Çağdaşlara göre Michelangelo ile karşılaştırılan Josquin Despres'in eserlerinde "eski Yunanlıların müziğinin kayıp mükemmelliği yeniden canlandı": 16. yüzyılın sonlarında - 17. yüzyılın başlarında ortaya çıktı. opera antik drama yasaları tarafından yönlendirildi.

Müzik teorisi dersleri. 16. yüzyıldan kalma bir gravürden.

J.P. Palestrina.

Rönesans kültürünün gelişimi, toplumun tüm yönlerinin yükselişi ile ilişkilidir. Yeni bir dünya görüşü doğdu - hümanizm (Latince humanus'tan - "insan"). Yaratıcı güçlerin özgürleşmesi bilimin, ticaretin, zanaatların hızlı gelişmesine yol açtı ve ekonomide yeni, kapitalist ilişkiler şekillendi. Matbaanın icadı eğitimin yayılmasına katkıda bulunmuştur. N. Copernicus'un büyük coğrafi keşifleri ve dünyanın güneş merkezli sistemi, Dünya ve Evren hakkındaki fikirleri değiştirdi.

Güzel sanatlar, mimari ve edebiyat eşi görülmemiş bir gelişmeye ulaştı. Yeni tavır müziğe yansıdı ve görünümünü değiştirdi. Yavaş yavaş ortaçağ kanonunun normlarından ayrılıyor, stil bireyselleşiyor, “besteci” kavramı ilk kez ortaya çıkıyor. Eserlerin dokusu değişir, ses sayısı dört, altı veya daha fazla artar (örneğin, Hollanda okulunun en büyük temsilcisi J. Okegem'e atfedilen 36 sesli bir kanon bilinmektedir). Ünsüz ünsüzler uyum içinde hakimdir, uyumsuzlukların kullanımı özel kurallarla kesinlikle sınırlıdır (bkz. Ünsüz ve uyumsuzluk). Daha sonraki müziğin karakteristiği olan majör ve minör gamlar ve ritimlerin saat sistemi oluşturulmuştur.

Tüm bu yeni araçlar, besteciler tarafından bir Rönesans insanının özel bir duygu sistemini iletmek için kullanıldı - yüce, uyumlu, sakin ve görkemli. Metin ve müzik arasındaki bağlantı daha da yakınlaşır, müzik ruh halini veya daha sonra dedikleri gibi metnin etkilerini, “yaşam”, “ölüm”, “aşk” vb. genellikle özel müzik araçlarıyla gösterilir.

Rönesans müziği iki yönde gelişti - dini ve laik. Kilise müziğinin ana türleri - kitle ve motet - koro için eşliksiz veya enstrümantal bir topluluk eşliğinde polifonik polifonik eserler (bkz. Koro müziği, Polifoni). Enstrümanlardan organ tercih edildi.

Amatör müzik yapımının büyümesi, laik müziğin gelişmesine katkıda bulundu. Müzik her yerde duyuldu: sokaklarda, vatandaşların evlerinde, asil soyluların saraylarında. İlk konser virtüözü sanatçıları, lavta, klavsen, organ, viyol, çeşitli uzunlamasına flüt türlerinde ortaya çıktı. Çok sesli şarkılarda (madrigal - İtalya'da, chanson - Fransa'da), besteciler aşktan, hayatta olan her şeyden bahsettiler. İşte bazı şarkıların isimleri: "Geyik Avı", "Echo", "Marignano Savaşı".

XV-XVI yüzyıllarda. dans sanatının önemi artar, koreografi üzerine çok sayıda inceleme ve pratik rehber ortaya çıkar, o zamanın popüler danslarını içeren dans müziği koleksiyonları - bas dansı, branle, pavane, galliard.

Rönesans döneminde ulusal müzik okulları kuruldu. Bunların en büyüğü Hollanda (Fransız-Flaman) çok sesli okuludur. Temsilcileri G. Dufay, K. Janequin, J. Okegem, J. Obrecht, Josquin Despres, O. Lasso'dur. Diğer ulusal okullar arasında İtalyanca (J.P. Palestrina), İspanyolca (T.L. de Victoria), İngilizce (W. Byrd), Almanca (L. Senfl) bulunmaktadır.

Rönesans, yeni müzik türlerinin ortaya çıkmasıyla sona erer: gerçek çiçeklenme gelecek yüzyılda gelen solo şarkı, oratoryo, opera (bkz. 17.-20. yüzyılın Batı Avrupa müziği).

Rönesans müziği

1.Müzik her yerde duyuldu: sokaklarda ve meydanlarda, vatandaşların evlerinde, asil soyluların ve kralların saraylarında. Müzik, gramer, retorik ve şiirle birlikte sözde "insan bilimleri"ne dahil edildi.

Lider pozisyon hala kilise hizmetleri sırasında çıkan kutsal müzik tarafından işgal edildi.

Yavaş yavaş, kilise bestecilerinin eserleri nüfuz etmeye başlar. seküler eğilimler. İçeriğinde hiç de dini olmayan türküler temaları, kilise ilahilerinin çok sesli dokusuna cesurca işlenir. Ama şimdi o dönemin genel ruhuna ve havasına ters düşmüyordu. Aksine, müzikte ilahi ve insan inanılmaz bir şekilde birleştirildi.

2. Kutsal müzik 15. yüzyılda zirveye ulaştı. Hollanda'da.

Burada müzik, diğer sanat türlerinden daha fazla saygı gördü. Hollandalı ve Flaman besteciler yeni kurallara öncülük etti polifonik (çok sesli) performans - klasik "katı stil".

Hollandalı ustaların en önemli kompozisyon tekniği, taklit - aynı melodinin farklı seslerde tekrarı. Baş ses oldu tenor, ana yinelenen melodi emanet edildi.

3. Rönesans başlangıçtı profesyonel besteci yaratıcılığı

Hollanda müziği Orlando Kement(1532-1594), doğaçlama ve kusursuz mantığı birleştirir.

En sevilen motet türünde birçok yenilikçi teknik tanıttı.

O ustalaşmak için bir girişime sahip Tür tutkular. Kement, dört İncil'in tümü için Tutkular yarattı. İçlerinde solo şarkı yoktu ve beş sesli bir koro, opera sanatı türünün yolunu açtı. Bestecinin müzikal başyapıtlarından biri şarkı "Eko.

4. Giovanni Pierluigi Palestrina(1525-1594)

Son büyük polifonist olarak adlandırılır. Roma'daki Aziz Petrus Katedrali'nde çalıştı ve resmi papalık bestecisiydi. Sanatı, şehvetli tutkulardan yoksun, uyum ve ihtişamla dolu.

Klasik müzik okulunun İtalya'daki en parlak temsilcisidir.

Mirası, birçok kutsal ve laik müzik eserini içerir: 93 ayin, 326 ilahi ve motif.

5. İçinde Almanya kutsal müzik eserleri kendi ana dillerinde geçerliydi. Martin Luther'in kendisi, tüm dini topluluk tarafından icra edilmesi amaçlanan koraller yazdı. Basit ezgileri halk arasında popülerlik kazanmış ve profesyonel besteciler daha sonra çok sesli aranjmanlarını yapmışlardır. (J.S.Bach)

ayrıca popülerdi polifonik minyatür türleri:

davranış, motet.

Metinleri ana dillerinde girebilirler.

Koro şarkıları en popüler müzik yapımıydı.

6. görünmeye başladı laik koro türleri:

balat a(dans şarkısı)

Chanson (çok sesli şarkı)

ve İtalyan madrigal.

7. Seküler müziğin en popüler türü madrigaller(İtalyan madrigale - ana dilde bir şarkı) - lirik bir aşk içeriği şiirinin metni üzerine yazılmış çok sesli koro kompozisyonları.

Çoğu zaman, ünlü ustaların şiirleri bu amaç için kullanıldı: Dante, Francesco Petrarch ve Torquato Tasso. Madrigaller profesyonel şarkıcılar tarafından değil, her bölümün bir şarkıcı tarafından yönetildiği bir amatörler topluluğu tarafından yapıldı. Madrigalin ana ruh hali hüzün, melankoli ve melankoli olmakla birlikte neşeli, hareketli besteler de vardı.

madrigal 1520-1620 yılları arasında yaşamıştır. Madrigal fikri Rönesans için devrim niteliğindeydi çünkü. şiirsel bir metni müziğe çevirme görevini belirler. Böyle madrigalşartlı olarak 16. yüzyılın romantizmi olarak adlandırılabilir.

8. Daha az popüler laik müzik türü değildi şarkı müzik aletleri eşliğinde. Kilisede çalınan müziğin aksine, şarkıların icrası oldukça basitti. Kafiyeli metinleri açıkça 4-6 satırlık kıtalara bölünmüştü. Şarkılarda, madrigallerde olduğu gibi metin büyük önem kazandı. İcra edildiğinde çok sesli şarkı söylemede şiirsel dizeler kaybolmamalıydı.

Özellikle ünlü olan Fransız besteci Clement Janequin'in (1485-1558) şarkıları, müzikte vahşi yaşamın seslerini yeniden üretme yeteneği ile ünlüydü.

9. 16. yüzyılın ikinci yarısında fırtınalı bir araçsallığın gelişimi. Yaylı ve nefesli çalgıların aileleri büyüyor, menzilleri genişliyor, laik ve ev müziği yayılıyor.

Belli olmak yeni enstrümantal türler:

giriş ( oyundan önce) - tanıtım parçası

pirinç arabası (enfes parça) - polifonik yazı,

kanzon (kelimesiz şarkı) - füg'ün öncüsü.

10 . Müziğin halka açık icrasına ihtiyaç vardır.

Konser şekilleniyor.

İlk olarak Londra'da - ücretli ve Venedik'te - şehir sulh yargıcı tarafından sübvanse edilir.

Rönesans, yeni müzik türlerinin ortaya çıkmasıyla sona erer: solo şarkı, oratoryo ve opera.

Daha önce tapınak müzik kültürünün merkezi olsaydı, o zamandan beri opera binasında müzik çalıyor.

Müziğin gelişimi katkıda bulundu. müzik baskısının icadı.