Umelecké združenie svet umenia stručne. Maľovanie

Na formovaní avantgardy sa oproti vlastným ašpiráciám výrazne podieľalo združenie Svet umenia, ktoré stelesňovalo umelecké ideály symbolizmu a moderny. Napriek konfrontácii, ktorá existovala medzi Svetom umenia a avantgardnými umelcami (najmarkantnejším príkladom je spor v novinách medzi A.N. Benoisom a D.D. Burliukom), je zrejmý vzťah medzi týmito dvoma fenoménmi na historickej a umeleckej úrovni.

Zoznámenie Ruska s moderným západným umením sa uskutočnilo vďaka aktivitám Sveta umenia. Proces sa začal už v rokoch 1897-1898, keď S.P. Diaghilev organizoval výstavy anglických, nemeckých, škandinávskych a fínskych umelcov.

Ďalší krok „World of Art“ bol odvážnejší. V roku 1899 sa uskutočnila prvá medzinárodná výstava redaktorov časopisu, na ktorej sa objavili diela známych európskych umelcov. Aj keď organizátori výstavy vo vzťahu k súčasnému svetovému umeniu naďalej zastávali polovičatý postoj, celkové zloženie pozvaných zahraničných umelcov sa ukázalo byť značne pestré. Z francúzskych impresionistov padla voľba na Clauda Moneta, Augusta Renoira a Edgara Degasa; boli aj iní majstri, tak či onak blízki secesi, akademizmu a realizmu. Na výstave neboli žiadne diela Paula Cezanna, Vincenta van Gogha a Paula Gauguina. Anglickú skupinu zastupovali Frank Brangwyn a Američan James Whistler. Boli tam diela nemeckých (Franz von Lenbach a Max Liebermann), švajčiarskych (Arnold Böcklin) a talianskych (Giovanni Boldini) umelcov. Napriek všeobecne známej jednostrannosti výberu, diktovanej istou orientáciou „sveta umenia“, ktorého členovia – podľa vlastného priznania – „prehliadali“ impresionistov, Cézanna, Gauguina a ďalších najvýznamnejších majstrov neskorého obdobia V 19. storočí táto výstava znamenala rozhodujúci prelom na územie nového európskeho umenia.

Čo sa týka samotných majstrov Sveta umenia, tí si práve v tom istom čase začali vydobyť isté pozície na európskych výstavných miestach. V polovici 90. rokov 19. storočia dostal Benois od jedného z vodcov mníchovskej secesie návrh usporiadať na jednej z výstav špeciálnu ruskú sekciu. V priebehu 20. storočia došlo k procesu prenikania ruských umelcov na zahraničné výstavy. V Nemecku bol jedným z najpopulárnejších ruských umelcov K.A.Somov, ktorý vystavoval na viedenskej a berlínskej secesii v rokoch 1901–1902, jeho osobná výstava sa konala v Hamburgu v roku 1903 a prvá monografia o ňom vyšla v roku 1907 v Berlíne. Ďalší líder „sveta umenia“ L. S. Bakst sa od konca 90. rokov 19. storočia zúčastnil na mníchovskej secesi, v roku 1904 vystavoval v Paríži, kde predvádzal svoju tvorbu v Grand Palais; Úspech sa mu dostavil v 10. rokoch 20. storočia po účasti na Diaghilevovom podniku a samostatných výstavách v Paríži a Londýne.

Zároveň sa spolu so Svetom umenia začali na ich výstavách objavovať diela umelcov najnovších trendov. Vo februári až marci 1906, ešte pred oficiálnym vytvorením spoločnosti World of Art v roku 1910, usporiadal Diaghilev výstavu pod rovnakým názvom. Zúčastnili sa ho M.F. Larionov, bratia V.D. a N. D. Milioti, N. N. Sapunov, A. G. Yavlensky.

Začiatkom 10. rokov sa vo Svete umenia prejavuje určitá otvorenosť voči novému umeniu. Takže po úspechu Jack of Diamonds v roku 1910 sa niektorí z jeho predstaviteľov stali vystavovateľmi výstav Sveta umenia (P.P. Konchalovsky, A.V. Lentulov, I.I. Mashkov, A.A. Morgunov, V.V. Roždestvensky, R.R. Falk, bratia Burliuk) . V rokoch 1910-1911 sa N.S. Goncharova, Larionov, P.V. Kuznetsov, M.S. Saryan, G.B. Yakulov zúčastnili výstav World of Art. Tlač bola nad tým rozhorčená. „Po tom, čo sa vyhlásili za ľavičiarov a zdvihli diaghilevovský transparent „Sveta umenia“, účastníci reportážnej výstavy... pozvali... „anarchistov““ (Skoro ráno. 1911. č. 47. 27. február P. 5). „Neexistuje žiadny „Svet umenia“ a namiesto neho „Jack of Diamonds“ s malou svetlou vetvou „Svet umenia“. Hostia<...>usadili sa ako doma, s takou chýrnosťou, že pre majiteľov nezostalo takmer žiadne miesto “(S. Glagol. Svet umenia // Stolichnaya fáma. 1911. č. 217. 5. december. P.3).

Moskovskej výstavy Svet umenia (november – december 1912) sa zúčastnili len Gončarovová, Larionov a Jakulov (vystavené boli aj na výstave v Petrohrade v januári – februári 1913). Členovia Diamonds Mashkov a Lentulov sa na základe rozhodnutia valného zhromaždenia Jack of Diamonds odmietli zúčastniť. V moskovskej expozícii „Sveta umenia“ (december 1913 – január 1914) sa zišiel väčší počet ľavicových umelcov: ku Gončarovej, Larionovovi a Jakulovovi pribudli N. I. Altman a A. V. Ševčenko. VE Tatlin vystavoval „Picturesque Relief“ bez dohody s organizátormi.

Zloženie futuristov (ako to nazývali kritici ľavicových umelcov) na výstavách World of Art v rokoch 1915-1916 sa trochu zmenilo: v roku 1915 boli ľavičiari zastúpení menami L.A. Bruni, P.V. Miturich a N.A. Tyrsa a v r. 1916 - K. L. Boguslavskaja, Končalovskij, Maškov, V. M. Chodasevič a Jakulov.

V marci 1916 Konchalovsky a Mashkov opustili Jack of Diamonds a stali sa členmi spoločnosti World of Art. V tom istom roku vstúpila do spoločnosti Goncharova. Tieto skutočnosti svedčili o asimilácii kedysi protichodných umeleckých smerov. Proces pokračoval ďalšie dve výstavné sezóny (1917 – 1918): okrem Končalovského a Maškova diela S. I. Dymshits-Tolstého, L. M. Lissitzkého, S. A. Nagubnikova, A. F. Sofronovej.

V máji 1917 vstúpil „Svet umenia“ do centrálnej federácie Odborového zväzu moskovských maliarov. V roku 1918 spoločnosť doplnila svoje rady o bývalé tamburíny A.V.Kuprina, Lentulova, A.I.Milmana, Rožděstvenského, Falka a stala sa prakticky centrom moskovského cézanizmu. Za predsedu Sveta umenia bol v roku 1918 zvolený P. Kuznecov a do vedenia spoločnosti boli zaradení Maškov, Milman a Lentulov.

V lete 1921 sa Diamantovčania opäť zjednotili pod hlavičkou „Sveta umenia“ – výstava spolku bola otvorená do novembra a spájala umelcov rôznych smerov. Okrem tradičného jadra Bubnovalet boli vystavení Inhukovites A.A.Vesnin, A.D.Drevin a N.A.Udaltsova, ako aj V.V.Kandinsky a Shevchenko.

Pri tejto príležitosti napísal Falk Kuprinovi: „V našej spoločnosti [World of Art] sa veľa zmenilo. Vďaka úsiliu Iľju Ivanoviča [Maškova] a [P.V.] Kuznecova stratil svoj zamýšľaný vzhľad. Vstúpila masa nových členov, vedená nimi vo fuchoch, ako rôzni študenti Kuznecova, Bebutova atď. Mashkov chce vidieť svoju manželku ako člena a tak ďalej. Vo všeobecnosti sa atmosféra začína veľmi zhoršovať“ (RGALI, F. 3018, op. 1, položka 147, list 6).

Nasledujúca moskovská výstava (január 1922) svedčila o krízovom stave „sveta umenia“. Falk tomu istému adresátovi oznámil: „Výstava vo mne zanechala pochmúrny pocit. Zdá sa mi, že pátos je v umení nevyhnutný, ale nie je to tak. Všetky<...>sme nejaké sladkokyslé, nie horúce a nie studené. Revolúcia na nás veľmi tvrdo zareagovala, zdrvila nás na zem a urobila z nás každodennosť“ (RGALI. F.3018. Op.1. Bod 147. L. 10-11).

Na poslednej výstave spoločnosti, ktorá bola otvorená v Paríži v júni 1927, sa nezúčastnil žiadny z avantgardných umelcov.

Na konci 19. storočia bol umelecký život v Rusku veľmi živý. Spoločnosť prejavila zvýšený záujem o početné výstavy a aukcie umenia, o články a periodiká venované výtvarnému umeniu. Nielen Moskva a Petrohrad, ale aj mnohé provinčné noviny a časopisy mali zodpovedajúce trvalé nadpisy. Vznikali rôzne druhy umeleckých spolkov, ktoré si kládli rôzne úlohy, ale najmä výchovného charakteru, ktorý bol ovplyvnený tradíciami vandrovníkov.

Za týchto podmienok bola priaznivo prijatá Diaghilevova myšlienka zhromaždiť mladé umelecké sily Petrohradu a Moskvy, ktorých potreba bola dlho pociťovaná v ruskom umení.

V roku 1898 Diaghilev prvýkrát dosiahol spoločné vystúpenie na výstave ruských a fínskych umelcov. Zúčastnili sa ho Bakst, Benois, A. Vasnetsov, K. Korovin, Nesterov, Lansere, Levitan, Malyutin, E. Polenova, Rjabuškin, Serov, Somov a ďalší.

V tom istom roku 1898 sa Diaghilevovi podarilo presvedčiť známe osobnosti a milovníkov umenia S. I. Mamontova a M. K. Tenisheva, aby financovali mesačný umelecký časopis. Čoskoro vyšlo v Petrohrade dvojčíslo časopisu „World of Art“, ktoré redigoval Sergej Pavlovič Diaghilev.

Bol to prvý umelecký časopis, ktorého charakter a smerovanie určovali samotní umelci. Redakcia informovala čitateľov, že časopis sa bude zaoberať dielami ruských a zahraničných majstrov „všetkých epoch dejín umenia, pokiaľ sú uvedené diela zaujímavé a dôležité pre moderné umelecké povedomie“.

Nasledujúci rok, v roku 1899, sa konala Prvá medzinárodná výstava časopisu „World of Art“. Predstavilo viac ako 350 diel a predstavilo sa v ňom štyridsaťdva európskych umelcov vrátane P. de Chavannesa. D. Whistler, E. Degas, C. Monet, O. Renoir. Výstava

umožnila ruským umelcom a divákom zoznámiť sa s rôznymi oblasťami západného umenia.

Vďaka vystúpeniu časopisu „World of Art“ a výstavám v rokoch 1898-1899 vznikol okruh mladých umelcov, ktorí sympatizovali so smerovaním časopisu.

V roku 1900 sa Diaghilevovi podarilo mnohých z nich zjednotiť v tvorivej komunite „World of Art“. Tento „geniálny tím“ (výraz A.P. Ostroumovej-Lebedevovej) tvorili pozoruhodní umelci, ktorí prišli k umeniu v 90. rokoch 19. storočia, menovite: Bakst, Alexander Benois, Bilibin, Braz, Vrubel, Golovin, Grabar, Dobužinskij. K. Korovin, Lansere, Malyutin, Malyavin, Ostroumova, Purvit, Roerich, Ruschits, Serov, Somov, Trubetskoy, Zionglinsky, Yakunchikova a Yaremich.

Okrem toho sa Repin, V. a E. Polenov, A. Vasnetsov, Levitan, Nesterov, Ryabushkin zúčastnili niektorých vtedajších výstav Sveta umenia.

Od roku 1900 do roku 1903 sa konali tri výstavy „Sveta umenia“. Organizovaním týchto výstav sa Diaghilev zameral na mladých ruských umelcov. Boli to Petersburgovci – Bakst, Benois. Somov, Lansere a Moskovčania - Vrubel, Serov, K. Korovin, Levitan, Malyutin, Ryabushkin a ďalší. Boli to Moskovčania, do ktorých Diaghilev vkladal najväčšie nádeje. Napísal: "... všetko naše súčasné umenie a všetko, od čoho môžeme očakávať budúcnosť, je v Moskve." Preto sa všemožne snažil prilákať moskovských umelcov na výstavy Sveta umenia, čo sa mu nie vždy podarilo.

Výstavy Svet umenia dôkladne predstavili ruskej spoločnosti diela slávnych ruských majstrov a začínajúcich umelcov, ktorí ešte nedosiahli uznanie, ako sú Bilibin, Ostroumova, Dobužinskij, Lansere, Kustodiev, Yuon, Sapunov, Larionov, P. Kuznecov, Saryan.

Aktivity Sveta umenia tu nie je potrebné podrobne rozoberať, keďže nedávno vyšli publikácie, ktoré sa mu venujú. Treba povedať o niektorých jeho všeobecných črtách, ktoré zdôrazňoval samotný Svet umenia a mnohí súčasníci.

Združenie „World of Art“ nebolo v ruskom umení náhodným javom, ale historicky podmieneným. Taký bol napríklad názor I. E. Grabara: „Keby nebolo Diaghileva<...>, umenie tohto poriadku muselo vzniknúť.“

Čo sa týka otázky kontinuity umeleckej kultúry, Diaghilev v roku 1906 povedal: „Celá súčasnosť a budúcnosť ruského výtvarného umenia... sa tak či onak bude živiť tými istými predpismi, ktoré svet umenia prevzal z dôkladnej štúdie. veľkých ruských majstrov od čias Petra.“

A.N. Benois napísal, že všetko, čo urobil Svet umenia, „vôbec neznamenalo“, že sa „rozišli so všetkou minulosťou“. Naopak, Benois tvrdil, že samotné jadro „Sveta umenia“ „stálo za obnovou mnohých, technických aj ideologických tradícií ruského a medzinárodného umenia“. A ďalej: „...do značnej miery sme sa považovali za predstaviteľov tých istých rešerší a rovnakých tvorivých metód, aké sme si cenili u portrétistov 18. storočia, aj u Kiprenského, u Venetsianova, aj u Fedotov. ako u vynikajúcich majstrov priamo nás predchádzajúcej generácie - v Kramskoy, Repin, Surikov.

V. E. Makovský, známy tulák, v rozhovore s novinárom povedal: „Urobili sme svoju prácu<...>Ako príklad nás neustále uvádza Zväz ruských umelcov a svet umenia, kde sa vraj teraz sústreďujú všetky najlepšie sily ruskej maľby. Ale kto sú oni, tieto najlepšie sily, ak nie naše vlastné deti?<...>Prečo nás opustili? Áno, pretože sa cítili stiesnene a rozhodli sa založiť svoju novú spoločnosť.“

V tvorbe Sveta umenia sa táto kontinuita najlepších tradícií Tulákov prejavila počas revolúcie v roku 1905. Väčšina umelcov „sveta umenia“ sa zapojila do boja proti cárizmu a aktívne sa podieľala na vydávaní publikácií politickej satiry.

„World of Art“ zohral významnú a niekedy dokonca rozhodujúcu úlohu v tvorivom osude mnohých umelcov. Napríklad I. E. Grabar až po stretnutí s členmi výstavného výboru Sveta umenia Diaghilevom, Benoisom a Serovom „uveril v seba a začal pracovať“. Dokonca aj o samotnom Serovovi, nie bezdôvodne, povedali, že „aktívna sympatie kruhu Sveta umenia zázračne inšpirovala a posilnila jeho prácu“

K. S. Petrov-Vodkin v roku 1923 vo svojich memoároch o Svete umenia napísal: „V čom je čaro Diaghileva, Benoisa, Somova, Baksta, Dobužinského? Takéto konštelácie ľudských skupín vznikajú na hraniciach historických zlomov. Vedia veľa a nesú so sebou tieto hodnoty minulosti. Vedia vytiahnuť veci z prachu dejín a oživiť ich, dať im moderný zvuk... „Svet umenia“ svoju historickú úlohu zohral bravúrne.“ A na inom mieste tých istých memoárov: „Keď si spomeniete, ako pred dvadsiatimi rokmi, uprostred miazmy dekadencie, uprostred historického nevkusu, temnoty a kaše maľby, Sergej Diaghilev a jeho druhovia vybavili svoju loď, ako sme my, mladí muži, vzali si krídla spolu s nimi, dusiac sa v tmárstve, ktoré nás obklopuje - pamätajte na to všetko, povedzte: áno, dobre, chlapci, na svojich pleciach ste nás priviedli do súčasnosti.

N. K. Roerich uviedol, že to bol „Svet umenia“, ktorý „vztýčil zástavu nových výdobytkov umenia“.

A.P. Ostroumová-Lebedeva pri spomienke na vzdialené roky 20. storočia na sklonku svojho života napísala: „Študenti svetového umenia si vyberali a pozývali mladých umelcov do svojej spoločnosti, keď si v nich všimli okrem talentu aj úprimný a seriózny vzťah k umeniu a k ich práca<...>Svet umenia vytrvalo presadzoval princíp „remeslo v umení“, to znamená, že chcel, aby umelci robili obrazy s úplnou, detailnou znalosťou materiálov, s ktorými pracovali, a doviedli techniku ​​k dokonalosti.<...>Okrem toho všetci hovorili o potrebe zvýšiť kultúru a vkus medzi umelcami a nikdy nepopierali témy v obrazoch, a preto nepripravili výtvarné umenie o jeho prirodzené vlastnosti agitácie a propagandy. Záver Ostroumovej-Lebedevovej bol veľmi jednoznačný: „Je jednoducho nemožné zničiť význam spoločnosti „World of Art“ a poprieť ho, napríklad ako to robia historici umenia u nás, kvôli princípu „umenie pre umenie“. “.

K.F. Yuon poznamenal: „Svet umenia“ naznačoval nedotknutú panenskú krajinu s rôznymi prostriedkami umeleckého vyjadrenia. Povzbudzoval všetko pôdne a národné...“. V roku 1922 A. M. Gorkij definoval túto koncentráciu pozoruhodných talentov ako „celý trend, ktorý oživil ruské umenie“.

„Svet umenia“ prestal existovať v roku 1903, ale naďalej si zachovával obrovskú príťažlivosť pre súčasníkov. V roku 1910 sa v Petrohrade znovu objavil spolok Svet umenia, no Diaghilev sa už na jeho práci nepodieľal. Diaghilevova umelecká činnosť sa uberala iným smerom.

V roku 1905 usporiadal v paláci Tauride v Petrohrade veľkú historickú a umeleckú výstavu ruských portrétov. Diaghilev, ktorý sa neobmedzoval len na diela z palácov a múzeí hlavného mesta, cestoval po provinciách a odhalil celkovo asi 4000 portrétov. Na výstave bolo veľa zaujímavých a nečakaných nálezov. Ruské portrétne umenie sa javilo nezvyčajne významné a bohaté. V. E. Borisov-Musatov v tých dňoch napísal V. A. Serovovi: „Pre túto prácu [zv. e. usporiadanie výstavy] Diaghilev je génius a jeho historické meno by sa stalo nesmrteľným. Jeho význam je akosi málo pochopený a je mi ho úprimne ľúto, že zostal akosi sám. Fotografie zhotovené z iniciatívy Diaghileva z väčšiny exponátov (negatívy sú uložené v TG) teraz umožňujú zoznámiť sa s mnohými majstrovskými dielami ruského umenia, ktoré zomreli alebo zmizli počas búrlivých udalostí revolúcie v roku 1905, občianskej a svetovej vojny (napr. osud osemnástich diel D. G. Levického, ktoré boli okrem iných jeho diel vystavené na výstave v Tauride).

Na jar roku 1905 sa kultúrne osobnosti v Moskve rozhodli uctiť Diaghileva z vďaky za to, že redigoval časopis „World of Art“ a usporiadal historickú a umeleckú výstavu. V odpovedi na pozdrav Diaghilev vyhlásil: „... práve po týchto chamtivých potulkách [Diaghilev znamená cesty po Rusku, ktoré podnikal a zbieral diela pre Historickú a umeleckú výstavu] som bol obzvlášť presvedčený, že prišiel čas na výsledky. Pozoroval som to nielen na brilantných obrazoch predkov, nám zjavne vzdialených, ale hlavne na potomkoch prežívajúcich svoj život. Koniec života je tu<...>Sme svedkami najväčšieho historického momentu výsledkov a koncov v mene novej, neznámej kultúry, ktorá pre nás vznikne, ale aj zmetie. A preto bez strachu a nedôvery dvíham pohár k zničeným stenám krásnych palácov, ako aj k novým testamentom novej estetiky.“

Významnú úlohu v ruskej kultúre na prelome 19. – 20. storočia zohralo umelecké združenie „World of Art“, ktoré malo obrovský vplyv na rozvoj ruskej symboliky a moderny.

Vznik a etapy existencie združenia

História vzniku „sveta umenia“ sa začala v roku 1887 vytvorením skupiny študentov zo školy Karla Maya „Neva Pickwickians“, do ktorej patrili A. Benois, K. Somov, V. Nouvel, D. Philosophers. .

Náplňou krúžku je štúdium dejín výtvarného umenia a hudby. Neskôr sa k tomuto krúžku pridali S. Diaghilev a L. Bakst. Kruh pod vedením Diaghileva sa do roku 1898 rozrástol a zmenil sa na tvorivé združenie „Svet umenia“.

A. Benois, autoportrét

Prispeli k tomu dve udalosti:

1. Prvé číslo časopisu „World of Art“, ktorého vydavateľmi boli princezná M.K. Tenisheva a S.I. Mamuty;

2. Výstava ruských a fínskych umelcov, na ktorej sa okrem členov krúžku predstavil aj S.V. Malyutin, I.I. Levitan, A.M. Vasnetsov, V.A. Serov a ďalší.

V roku 1900 bol spolok formalizovaný, vypracovaná zakladacia listina a zvolený správny výbor.

V roku 1902 vyšiel článok „Formy umenia“ v dvadsiatom čísle časopisu „World of Art“, od tej chvíle na jeho stránkach uverejňovali svoje diela mnohí symbolistickí básnici.

V roku 1904 nastali nezhody medzi umelcami a básnikmi, prestal vychádzať časopis Svet umenia a spolok sa rozpadol. V roku 1906 usporiadal pod rovnakým názvom výstavu na rozlúčku pred emigráciou do Paríža. V Paríži v rokoch 1909-1914 organizuje aj ruské sezóny. Od roku 1910 sa spolok obnovil pod vedením Benoisa, pôsobí však ako výstavná organizácia, od roku 1917 sa niektorí členovia spolku venovali reštaurátorskej a múzejno-organizačnej činnosti. V 20. rokoch 20. storočia Svet umenia definitívne zanikol.

Miriskusniki - členovia umeleckého združenia

Hlavnými ideológmi tohto umeleckého združenia boli A. Benois a S. Diaghilev.

V rokoch 1904 až 1910 boli mnohí členovia združenia členmi Zväzu ruských umelcov. K hlavnému jadru „Sveta umenia“ patrili E. Lansere, K. Somov, L. Bakst, M. Dobužinskij. Následne sa k nim pridali členovia Abramavtsevovho krúžku V. Serov, M. Nesterov, bratia Vasnetsovci, M. Vrubel a ďalší.V roku 1906 vstúpili do združenia mladí umelci: M. Saryan, M. Larionov a N. Feofilaktov.

Diaghilev venoval veľkú pozornosť časopisu „World of Art“, publikoval tam kritické články, písal o problémoch medzinárodnej kultúrnej výmeny. Diaghilev sa tiež aktívne zapájal do organizačných aktivít, organizoval výstavy súčasných ruských umelcov, západoeurópskych maliarov atď.

Estetické pohľady na "Svet umenia"

Združenie Svet umenia sa snažilo o vznešené duchovné a umelecké hodnoty a stavalo sa proti súčasným umeleckým názorom putovania a akademizmu. Vo výtvarnom umení sa Svet umenia pestoval dokonca "kultúrny diletantizmus", keďže zosobňoval aj formu slobody tvorivosti, ktorá sa neviazala na žiadne kánony.

Ideál „čistého“ umenia sa vo Svete umenia spojil s myšlienkou, že umelecká kreativita je navrhnutá tak, aby esteticky menila okolitú realitu. Väčšina členov združenia čerpala inšpiráciu z umeleckých počinov minulosti. - dostali vo svojich dielach zvláštne stelesnenie. Rôzne epochy priťahovali umelcov nie svojimi historickými črtami alebo vývojovými zmenami, ale iba estetikou, štýlom a atmosférou. Umelci "Mir" na takýchto plátnach sa snažili o hru, fantáziu, teatrálnosť. Ďalšou dôležitou črtou Sveta umenia bola irónia a sebairónia.

Raný „World of Art“, zameraný na západoeurópske zoskupenia, spájal umelcov a spisovateľov založených na ideách moderny, novoromantizmu atď. Hlavným cieľom kreativity v chápaní účastníkov „Sveta umenia“ je krása v subjektívnom chápaní umelca. O niečo neskôr sa maliari začali viac orientovať na motívy národnej minulosti predpetrovského Ruska. V dôsledku toho sa spolok rozdelil na dve skupiny umelcov: Petrohrad (orientovaný na Západ) a Moskva (orientovaný na národnú minulosť). Ale napriek všetkým rozdielom ich toto umelecké združenie spojilo, aby sa postavilo proti oficiálnemu akademickému umeniu a neskoršiemu naturalizmu.

V druhej polovici 19. storočia tvorili umenie niekedy aj ochotníci, ktorí nemali odborné umelecké vzdelanie, snažili sa nastoliť nový smer v problémoch výtvarného umenia a v otázkach kultúry.

Činnosť a význam združenia "World of Art"

Výstavy organizované „World of Art“ sa konali s veľkým úspechom. V roku 1899 zorganizoval Diaghilev medzinárodnú výstavu, na ktorej boli vystavené diela Böcklina, Whistlera, Moneta, Degasa, Moreaua, Puvisa de Chavanta a i. V rokoch 1899 až 1903 sa uskutočnilo päť takýchto veľkých výstav.

Miriskusniki vydávali rovnomenný časopis, v ktorom publikovali mnohí filozofi, náboženskí myslitelia a básnici. Časopis krásne ilustrovali umelci tohto smeru.

Jedným z dôležitých aspektov činnosti účastníkov „Sveta umenia“ bolo vzbudenie záujmu o umeleckú tvorbu národnej minulosti, v súvislosti s tým vydávali zbierky „Umelecké poklady Ruska“ atď. komunita sa otvorila širokému spektru ruskej inteligencie celé obdobia dejín umenia - hnutia, umelci sochári XVIII-XIX storočia. Publikácie v časopise sa týkali aj súčasných umelcov, vychádzali články o veľkých postavách svetovej kultúry.

Kreativita účastníkov Miru bola mnohostranná, zaoberali sa maľbou, umeleckými remeslami, dizajnom divadelných inscenácií, no väčšinu ich dedičstva tvoria grafické práce.

Najvyšším rozkvetom divadelnej a kulisárskej činnosti bol dizajn predstavení „Ruské ročné obdobia“ v Paríži. V maľbe dominovala mestská krajina, portrét a historický žáner. V grafike bol zvláštnym úspechom vzhľad knižnej ilustrácie. Niektorí z účastníkov počas revolúcie v rokoch 1905-1907. pôsobili ako majstri politickej satiry.

Charakteristickým znakom diel mnohých umelcov World of Art bola dekoratívnosť, lineárnosť a kombinácia matných tónov.

Združenie "Mir Iskusstva" bolo úzko späté s "Večermi súčasnej hudby", ktorých náplňou bolo uvádzanie a propagácia západoeurópskej hudby 19.-20.

Členovia združenia „World of Art“ sa často zúčastňovali rôznych večerných salónov. Najznámejšie z nich v ruskej kultúre strieborného veku boli „ivanovské prostredia“, zbierky „Na veži“ od Vjačeslava Ivanova, „nedele“, salóny Sologub a

Zjednotenie zanechalo hlbokú stopu v dejinách ruského umenia predovšetkým tým, že ľudia z tohto okruhu novým spôsobom upozornili na problémy umeleckej formy a obrazového jazyka.

Prínos Sveta umenia pre históriu je neoceniteľný. Nejde len o maľbu, grafiku, poéziu a prózu, ale aj o vedecké práce o dejinách umenia a kultúry strieborného veku

„Svetové umenie. K 115. výročiu zjednotenia“. Maľba, Kazaň, Sandetsky Manor

Lobasheva Irina Faekovna - kandidátka dejín umenia, docentka pobočky Moskovského štátneho akademického umeleckého inštitútu pomenovaná po V. I. Surikov v Kazani

"Náš kruh nemal žiadny smer,
...namiesto smeru sme mali chuť“
A. N. Benois

"WORLD OF ARTS" (1898 - 1924) - združenie ruských umelcov, ktoré vzniklo koncom 19. storočia v Petrohrade, vyhlásilo sa za rovnomenný literárny a umelecký časopis (1899 - 1904) a výstavy (tzv. posledný sa konal v Paríži v roku 1927). Spoločnosť umelcov „World of Art“ vznikla a existovala v Petrohrade v rokoch 1898 až 1904 a v roku 1910 bola znovu obnovená.

Jeho zakladateľmi sú výtvarník, teoretik a historik umenia, múzejný špecialista A.N. Okrem hlavného jadra, ku ktorému patrili L. S. Bakst, M. V. Dobužinskij, E. E. Lansere, A. P. Ostroumova-Lebedeva, K. A. Somov, tvorili Svet umenia mnohí petrohradskí a moskovskí maliari a grafici (I. Ya. Bilibin, K. F. Bogaevsky , Ap. M. a V. M. Vasnetsovs, A. Ya. Golovin, I. E. Grabar, K. A. Korovin, B. M. Kustodiev, N. K. Roerich, V. A. Serov a ďalší). Na výstavách spolku sa zúčastnili M. A. Vrubel, I. I. Levitan, M. V. Nesterov, ako aj niektorí zahraniční umelci.

B. Kustodiev. "svet umenia"

Náčrt nerealizovaného obrazu. Zobrazené (zľava doprava): I.E. Grabar, N.K. Roerich, E.E. Lansere, I.Ya. Bilibin, A.N. Benois, G.I. Narbut, N.D. Milioti, K.A. Somov, M.V. Dobužinskij, K.S. Petrov-Vodkin, A.P. Ostroumová-Lebedeva, B.M. Kustodiev.
Rok vytvorenia -1916, Štátne ruské múzeum, Petrohrad.

"Svet umenia" v rôznych rokoch zahŕňal mnoho umelcov rôznych presvedčení a názorov, rôznych tvorivých metód a štýlov (do roku 1917 tvorilo členstvo spoločnosti maximálny počet umelcov - viac ako 50 riadnych členov). Všetkých spájal protest proti oficiálnemu akademickému umeniu, ktorý nivelizoval tvorivú individualitu, a odmietanie naturalizmu v umení v osobe zosnulých „Wanderers“. V dejinách ruského umenia sa fenomén ako „Svet umenia“ stal obratom k ideálom slobody tvorivosti, k stanoveniu estetických kritérií a priorít pre umeleckú individualitu osobnosti tvorcu. Nositelia vysokej intelektuálnej kultúry, umelci „sveta umenia“ sa vo svojej tvorbe obracali jednak do minulosti (idealizujúc si ju a vysmievajú sa z nej), ako aj do širokého spektra oblastí súčasného umenia (interiér, divadlo, grafika , knihy atď.).

Jedným z hlavných úspechov združenia bola vtedajšia slávna petrohradská grafická škola, ktorá vznikla ako dôsledok vytvorenia osobitého estetického prostredia Svetom umenia, kde bol najvyšší obdiv ku grafike ako umeleckej forme. kultivovaný. Táto priorita grafiky v mnohých ohľadoch ovplyvnila vývoj maľby typických predstaviteľov tohto združenia, nadobudla grafické črty, stala sa dôrazne lineárnou.

„SVET UMENIA“... Úvahy o slávnom najväčšom združení, ktoré vzniklo v Petrohrade na prelome 19. – 20. storočia, ako bizarné vitrážové okno dávajú vzniknúť objemnému, mnohorozmernému a zároveň mimoriadne aristokratický, efemérny obraz úžasného, ​​hlboko symbolického umeleckého sveta, ktorý vytvorili majstri týchto asociácií.

Alexandre Benois - „Kráľovská prechádzka“ 1906

Zložito, ornamentálne v duchu secesie sa prelínajú rôzne kreatívne nápady veľkej skupiny umelcov. Ich stelesnenie je prekvapujúce v rozmanitosti: časopisy „World of Art“, naplnené vycibrenou estetikou moderny, ktoré sa stali najcennejšou raritou medzi odborníkmi a zberateľmi, obrazy, v ktorých ide ruka v ruke štylizácia a retrospektíva, divadelné kulisy slávneho ruského sezóny s inovatívnymi plastovými a farebnými riešeniami, originálnymi baletnými a opernými kostýmami.

Prelom éry na prelome 19. - 20. storočia, doba veľkých spoločensko-politických prevratov, sa odzrkadlila vo všetkých sférach ruského života, vrátane vtedajšej ruskej kultúry, ktorá sa prejavila v celej svojej rozmanitosti a individualita. Počas týchto rokov sú ruskí umelci obzvlášť aktívni v cestovaní do zahraničia, oboznamujú sa s najnovšími trendmi v západnom umení, starostlivo študujú všetko nové, čo sa deklaruje v takých štýloch, ako je nemecký Jugendstil, francúzsky impresionizmus, postimpresionizmus. V diele najslávnejších majstrov tej doby: Serova, Vrubela, Baksta nie je možné vyčleniť jednu „čistú“ líniu smerovania raz a navždy, zložito a tesne sa prelínajú, demonštrujú intenzívne hľadanie. nová kreatívna metóda, ktorá spĺňa túžby doby. Ako napísal známy umelecký kritik G. Yu. Sternin, „čím väčší bol umelec, tým ťažšie bolo určiť jeho príslušnosť k jednému alebo druhému štýlu.“

Jednou z najväčších spoločností tohto obdobia bola skupina umelcov „World of Art“ (1898–1924), ktorí sa stavali proti akademizmu a putovaniu, presadzovali estetické myšlienky syntézy umení, ktoré sú základom secesného štýlu, a špeciálne druh retrospektivizmu založený na starostlivom štúdiu staroveku v črtách dedičstva „zlatého“ XVIII. Inšpiráciu čerpali z dejín Ruska v časoch Petra Veľkého či Francúzska z éry Ľudovíta XIV. (A. N. Benois, E. E. Lansere, K. A. Somov), prípadne sa dotkli ešte skorších východných, starovekých či domácich predkresťanských kultúr ( L. S. Bakst, V. A. Serov, N. K. Roerich). Majstri zároveň, bez toho, aby sa dotkli veľkých historických tém, zamerali svoju pozornosť na súkromné ​​stránky života cisárskych osôb, epizódy dvorského života 18. storočia či život pohanského Ruska, pričom podali svojrázny umelecký výklad tieto udalosti, ich vlastná štylizácia z uhla ich súčasného videnia, obdarovanie vytvorených obrazov určitým symbolickým divadelným riešením, hrou asociácií.

Na príklade obrazovej zbierky domáceho umenia Puškinovho múzea Republiky Tatarstan, demonštrovanej po prvý raz v rámci 115. výročia „Sveta umenia“ tak kompletne a nasadenej z uhla evolúcie tohto spoločnosť, celá zložitosť a všestrannosť jej vývoja sa prejaví. Zvláštnosťou múzejnej zbierky je, že väčšina majstrov a ich obrazov zahrnutých do tejto výstavy je v dejinách ruského umenia známejšia v spojení s inými umeleckými smermi a združeniami. Mnohí z nich, ktorí nie sú typickými predstaviteľmi sveta umenia, sa však v rôznej miere podieľali na jeho aktivitách, a preto je veľmi zaujímavé sledovať vývoj určitých štýlových trendov v tvorbe rôznych majstrov, objavovať ich explicitné a skryté vzťahy. V obrazovej expozícii výstavy je prezentovaných asi 50 diel, ktoré odhaľujú rôznorodosť a vzťahy vtedajších popredných trendov v histórii tohto združenia. Mnohé z nich sú buď vystavené prvýkrát, alebo sa už dlhší čas nezúčastňujú na múzejných výstavách, takže pre návštevníkov múzea bude zoznámenie sa s nimi akýmsi objavovaním nových tvorivých faziet konkrétneho maliara.

Hlavná skupina umelcov „Sveta umenia“ sa sformovala okolo rovnomenného časopisu v rokoch 1898 – 1903, kedy súbežne s vydaním tejto publikácie, ktorá pokrývala rôzne aspekty umenia, literatúry, filozofie tej doby a sa vyznačoval vynikajúcim grafickým dizajnom, S. P. Diaghilev a A. N. Benois organizovali veľké umelecké výstavy. V zbierke Puškinovho múzea Tatarskej republiky sú vedúci predstavitelia združenia - ideológ a teoretik skupiny A. N. Benois, jej členovia K. A. Somov, A. Ya. Ich diela, bez ohľadu na žáner, sú poznačené sklonom k ​​teatrálnosti, naplnené estetikou secesného štýlu, ktorý vznikol na platforme európskeho novoromantizmu a ako už bolo spomenuté, dal vznik rôznym typom štylizácie v ruštine. maľovanie.

A. Ya. Golovin "Žena v bielom" (druhé meno je "Marquise")

Vyrobené technikou pastelov „Oranienbaum“ (1901) od A. N. Benoisa, „Žena v bielom“ (druhé meno je „Marquise“) od A. Ya. Harmónia sveta minulých storočí, sveta XVIII. Samozrejme, takéto odvolávanie sa na minulosť demonštrovalo akési popieranie, odmietanie reálneho okolitého sveta a stalo sa hlavným motívom prác vtedajšieho združenia. Technika performance v mnohých ohľadoch prispela k vytvoreniu takýchto abstraktných, symbolických, rafinovaných obrazov. Pastel, ktorý si svet umenia veľmi obľúbil, jeho osobitá hranica medzi maľbou a grafikou dávala želaný efekt, keď maľba nadobudla tak jasnú grafickú kvalitu, ako aj tekutú, tekutú mäkkosť prezentácie charakteristickú pre modernu. Blízke k tomuto štýlu sú olejomaľby „Bosquet“ (1901) od K. A. Somova, ktoré umelec použil pri práci na svojom slávnom obraze „Posmievaný bozk“ (1908), uložený v Štátnej Treťjakovskej galérii, ako aj krajina P. I. Ľvov „Sivý deň“ .

P. I. Ľvov „Krajina. Šedý deň"

Hľadanie harmónie, ideálneho sveta bolo jadrom tvorby V. E. Borisova-Musatova. A hoci sa vo väčšine umelcových diel za všetkým podceňovaním, jazykom alegórií a prirovnaní číta rovnaká doba 18. – začiatok 19. storočia, on sám svoje diela neviazal na konkrétnu dobu, povedal, že „ toto je proste krásna éra." Takmer vždy je umelcov krásny svet miznúcim, „západným“ svetom. Priame stelesnenie toho nájdeme v obraze V. E. Borisova-Musatova „Harmónia“ (1897), skicovej verzii rovnomenného obrazu zo zbierky Treťjakovskej galérie. Umelec formálne nebol členom združenia – samotný Svet umenia ho najskôr „nevidel“, neskôr uznal originalitu majstrovej tvorivej estetiky. Vždy bol však blízko ich ašpiráciám.

V. E. Borisov-Musatov "Harmónia" (1897)

F. E. Rushchits "Stream"

Krajina „Oranienbaum“ (1901) od A. N. Benoisa, veľmi typická pre majstrovu tvorbu, ktorú napriek stojanovému riešeniu možno považovať za náčrt divadelnej scenérie, sa zúčastnila v roku 1902 na výstave „Svet umenia“. Na tej istej výstave bola prezentovaná krajina „Stream“ od baltského a poľského umelca F. E. Ruschitsa, ktorý inklinoval k modernistickým trendom, bol členom spoločnosti poľských umelcov modernistického zamerania „Shtuka“ („Umenie“). To nachádza výraz v uvažovanej krajine, napísanej, samozrejme, v realistickom tóne, no podávaný s najhlbším nostalgickým emotívnym zvukom, tak charakteristickým pre Svet umenia, z ktorého vzniká smutná melódia nenávratne odchádzajúcej minulosti. Podobnú kombináciu realistických tradícií a moderných techník možno nájsť na veľkom obrazovom vertikálnom portréte A. E. Wiesela-Straussa (začiatok 20. storočia) od umelca E. O. Wiesela.

Jednou z hlavných postáv umeleckého života Ruska na prelome 19. - 20. storočia bola osobnosť V. A. Serova, neprekonateľného majstra ruského portrétu, ktorý sa aktívne podieľal na aktivitách „Sveta umenia“ na javisku. formovania spoločnosti. V ranom období jeho tvorby vzniklo dielo na námet z antickej mytológie „Iphigenia in Taurida“, ktoré vzniklo začiatkom 90. rokov 19. storočia, dávno pred umelcovou slávnou cestou do Grécka s jeho priateľom L. S. Bakstom. Rovnako ako práve uvažované príklady môže plne ilustrovať problém „štýlovej situácie“ nastolenej vyššie, pretože kombinuje aj rôzne štýlové fenomény.

V.A. Serov "Iphigenia in Tauris" 1893

Je známe, že mnohí majstri „Zväzu ruských umelcov“ (1903 – 1923), jedného z najväčších spolu so „Svetom umenia“, umeleckých spolkov na prelome 19. – 20. storočia, ktorý vznikol s živú účasť tých druhých, boli zaradené aj do okruhu Sveta umenia. Prirodzene, že sa nevyhli vplyvu tvorivých princípov svojho staršieho kolegu v Petrohrade, najmä v začiatkoch činnosti Jednoty, keď boli umelci oboch skupín vystavovaní na obecných výstavách tohto novovzniknutého spolku. Proces takéhoto vzájomného ovplyvňovania možno jasne vysledovať v analýze obrazov takých významných predstaviteľov „Únie“, akými sú K. A. Korovin, B. M. Kustodiev, S. Yu. Žukovsky, I. I. Brodsky, S. V. Malyutin, I. E. Grabar, ktorí boli vo „svete umenia“ alebo sa zúčastňovali jeho výstav. Lídri Sveta umenia zasa napriek všetkým nezhodám s umelcami Únie absorbovali nové umelecké nápady, ktoré priniesli.

"K.A. Korovin "Ruže" (1916)

K. A. Korovin, úžasný kolorista, brilantný majster stojanu a divadelnej a dekoratívnej maľby, sa v expozícii prezentuje zátiším „Ruže“ (1916), maľovaným temperamentne a šťavnato, širokým pastovitým ťahom štetca. Jeden z hlavných členov „Zväzu ruských umelcov“ bol ústrednou postavou ruského impresionizmu. Nemožno si nevšimnúť zvýraznenú teatrálnosť v inscenácii múzejného zátišia, blízku štýlu zátiší od A. Ya.miriskusnikiho.

Nádherné plátno Dáma v žltom predstavuje ďalšieho významného umelca prelomu 19.-20. storočia Osipa Braza, tiež člena Sveta umenia a Zväzu ruských umelcov. Na portréte zaujme najmä použitie nezvyčajného uhla a veľkoleposť koloristickej gradácie žltej. Pocit prúdiaceho tepla, mäkké slnečné svetlo okolo postavy a v zrkadlovom odraze, umocnený kontrastom farebných kombinácií, prezrádzajú umelcovu jasnú záľubu v teplých farbách a tónoch.

Ďalší originálny ženský portrét na výstave je unikátnym príkladom ranej maľby B. M. Kustodieva, ktorý vstúpil do združenia Svet umenia v druhej etape jeho existencie. Portrét dámy v modrom. P. M. Sudkovskaya“ (1906) je v umeleckej tvorivej praxi nezvyčajná: v tejto práci majster vytvoril predovšetkým vynikajúci „portrét šiat“, pričom hlavným cieľom bolo plastickosť a sfarbenie malebného riešenia oblečenia. . Tento veľký celovečerný portrét nepochybne namaľoval Kustodiev pod dojmom slávneho diela K. A. Somova „Dáma v modrom“ - portrét súčasníka majstra E. M. Martynovej, v ktorom sa Somovovi podarilo obzvlášť jemne vyjadriť nostalgický obdiv k v minulosti tento obraz nadobudol skutočne symbolický význam.

B.M. Kustodiev "Lilac" (1906)

V zbierke Puškinovho múzea Republiky Tatarstan je niekoľko ďalších obrazov od Kustodieva a všetky sú štýlovo odlišné. Téma divadla bola jednou z popredných v tvorbe Sveta umenia. Malé plátno „V divadle“ (1907 (?)) od Kustodieva zaujme nezvyčajným uhlom pohľadu - pohľadom z hlbín lóže divadla za publikom stojacim v prísnych frakoch a cylindroch. Majster využíva originálny spôsob podsvietenia, ktorý na jednej strane dáva siluetu budovy, líniu svetelnej kontúry a na druhej strane napĺňa plátno zvláštnymi emóciami, známymi mnohým milovníkom divadla, vzrušenie diváka neskoro na predstavenie, ponáhľajúceho sa pripojiť sa k večnej veselej divadelnej slávnosti. Náčrt k rovnomennému obrazu „Orgál“ (1906) – ďalší pomerne často žiadaný námet (spomeňme si na slávnu „Šeřík“ od Vrubela) – dokazuje aj štýlové prelínanie v syntéze sémantického elegického vyznenia s voľným obrazovým podaním.

Zalevsky (?) "Portrét neznámeho"

Séria nádherných ženských obrazov na výstave prekvapuje svojou veľkoleposťou a rozmanitosťou. Mäkkosť, teplo, zvláštny intímny pocit sú zahalené v portréte jeho dcéry, ktorý pastelom namaľoval S. V. Malyutin. Dobre sa v ňom čítajú tie najlepšie štylistické kombinácie, estetický vkus umelca. Ďalší ženský portrét od poľského umelca Zalewského vznikol tiež v technike pastelu. Podobu dámy z vysokej spoločnosti vytvoril majster so zvláštnym taktným prízvukom, umožňujúcim nám v ňom vidieť istý dokonalý symbol, ženský ideál Strieborného veku. Pominuteľnosť, vycibrená intelektuálnosť, vznešená aristokracia – to sú vlastnosti, ktoré spolu dali prenikavý obraz plný hlbokej duchovnosti.

S. V. Malyutin - "Portrét dcéry" 1912

Spoločným ideologickým znakom „Zväzu ruských umelcov“ bolo presadzovanie ruskej národnej identity v krajine, historickej maľbe, grafike. Prácou v plenéri, z prírody, maliari tohto smeru vytvorili emocionálne bohaté diela, ktoré vychádzali z techník impresionizmu. Krajina a interiér boli prevládajúcimi žánrami majstrov tohto združenia, najmä moskovských maliarov, a pôsobili ako tvorivé laboratórium, kde hľadali najpokročilejšie obrazové prístupy, naberali nové riešenia.

Jedným z typických predstaviteľov „Unie“ bol umelec poľského pôvodu S. Yu.Zhukovsky. Apel na éru minulých storočí, prítomný v obraze „Interiér knižnice zemepánskeho domu“ (1916 (?)), približuje umelca k Svetu umenia, v jeho tvorbe možno všeobecne konštatovať prevahu retrospektívnych tém - typy starých usadlostí, terás, interiérov, v ktorých je vždy ľahká nostalgická nôta. Rovnaký motív je prítomný aj v „Zimnej krajine“ (1901(?)) od S. Yu. Žukovského, napísanej útržkovito. Prechodný stav doznievajúceho zimného večera je podaný s brilantnou plasticitou, masa premyslených tónových gradácií dokazuje, ako citlivo a starostlivo sa umelec snaží sprostredkovať jemnú krásu tak jednoduchej a nenáročnej krajiny.

S. Yu. Žukovsky. "Interiér knižnice domu majiteľa pôdy" (1916)

Láska k takejto „šedej“ ruskej krajine bola charakteristická pre umelcov rôznych „vierovyznaní“ v umení a každý z nich ju stelesnil po svojom. Dve jarné krajiny umelca S. F. Kolesnikova, ktorý sa zúčastnil aj na výstavách Svet umenia, sú preniknuté rovnakým zvláštnym jemným chápaním stavu prírody. Takéto náladové krajiny možno nazvať predzvesťou symbolizmu, v ktorých sa autori zamerali práve na vnútorný stav prírody. Rovnaký pozorný postoj k stavu prírody nachádzame v „Zimnej krajine“ A.F. Gaushu, ktorá priťahuje svojou absolútnou jemnosťou prezentácie, ten zvláštny zimný stav, keď „všetko naokolo je pokryté snehom“ a je živým príkladom majstrovského vášeň pre impresionistické riešenia.

I. E. Grabar "Ranný čaj" (1917)

I. E. Grabar sa na výstave prezentuje dvoma obrazmi z múzejnej zbierky „Ranný čaj“ (1917) a „Západ slnka“ (1907), ktoré jasne demonštrujú jeho záľuby v maľbe v oblasti impresionizmu a pointilizmu, ktoré boli v priamom protiklade k štylistickému esencia secesie. Medzitým, keďže bol tomuto štýlu umelecky cudzí, Grabarove vzdelávacie iniciatívy sa vždy prelínali s iniciatívami Sveta umenia. Preto bol spolu s Roerichom, Kustodievom, Bilibinom, Dobuzhinskym jedným z najaktívnejších účastníkov „Svetu umenia“ v druhom období, od roku 1910.

Pointilistickí umelci (alebo, ako sa im hovorilo, neoimpresionisti), ktorí doviedli expresívnosť maliarskeho ťahu k bodovej čistote farby, sa určite čo najviac priblížili symbolickej expresívnosti svojich obrazov. Takéto sú rozprávkové zimné krajiny N. V. Meshcherina v zbierke múzea, z ktorých jeho „Mrazivá noc“ (1908) je obzvlášť v súlade s estetikou moderny. Túto nočnú zimnú fantáziu, kde je každý ťah premyslený, overený ako kúsky farebnej mozaiky, tvoria všetky odtiene modrej a modrej, výsledkom čoho je krehký krištáľový zvonivý obraz mrazivej zimnej rozprávky.

SYMBOLIZMUS bol mimoriadne blízky filozofii moderny, preto vzhľadom na diela Sveta umenia vždy analyzujeme prejavy symbolických prvkov v nich. Na druhej strane, reminiscencie na umenie staroveku, Orientu, renesancie, gotickej kultúry, dedičstva umenia starovekého Ruska a umenia 18. storočia, ktoré mali originálne stelesnenie v aktivitách Sveta umenia. sa svojrázne prejavil v tomto novom umeleckom smere začiatku 20. storočia, ktorý sa sformoval o niečo neskôr.

N. K. Roerich a K. F. Bogaevsky, študenti A. I. Kuindzhi, podľa zásad svojho inovatívneho učiteľa v oblasti obrazových efektov v žánri krajiny, vyjadrovali symbolické myšlienky svojským spôsobom v námetoch a zápletkách, ktoré našli, ich originálna interpretácia mala hlboký charakter , obsahoval vo svojom filozofickom základe staroveké prototypy. Títo umelci mali styčné body so „svetom umenia“ a zanechali hlbokú stopu v činnosti združenia. Známa je napríklad úloha Roericha pri obrode spoločnosti v druhej etape jej existencie, keď stál na čele novovzniknutého „Svetu umenia“, stal sa jeho predsedom a zohral významnú organizačnú úlohu v jeho ďalšom rozvoji. Vo všeobecnosti je v tomto štádiu činnosti spoločnosti ťažké vyčleniť nejaký vedúci štýlový smer, moderna stratila úlohu zjednocujúceho slohového systému, skutočných dedičov tohto systému bolo málo. Zloženie „sveta umenia“ začiatku 10. rokov 20. storočia zahŕňalo majstrov rôznych smerov, predovšetkým symbolického charakteru, vďaka čomu expozície spoločnosti nadobudli pestrosť a heterogenitu tej doby.

N.K. Roerich "Mekheski - mesační ľudia" (1915)

História a mytológia rôznych národov Zeme boli hlavným inšpirujúcim začiatkom tvorby N. K. Roericha. Obrazy Varjažské more (1909) a Mekheski - lunární ľudia (1915) sú originálnym konceptom a prevedením a sú venované životu starovekých civilizácií. V kompozíciách postavených na odvážnych kontrastných kombináciách zovšeobecnených veľkých farebných škvŕn, kde sú obrazy ľudí načrtnuté lakonicky, ale expresívne, umelec prináša svoju predstavu o vzťahu medzi pozemským a kozmickým do silného trojrozmerného symbolu. Múzejné plátna „Púštna krajina. Theodosius“ (1903) a „Hora sv. Juraja“ (1911) od umelca K.F. Bogaevského, ktorý bol členom slávnej cimmerskej maliarskej školy, sú tiež príkladmi symbolizmu. Venujú sa téme, ktorá sa stala pre umelca obľúbenou počas celej jeho tvorby. Zobrazujú rodné miesta majstra, maľované ako obrazy starej krajiny, kde sa fantastické nápady maliara prelínajú s dávnou predkultúrnou históriou Krymu, čím vznikajú originálne obrazy rozprávkovej krajiny Feodosia.

K.F. Bogaevsky "Púštna krajina. Feodosia" 1903

Príkladom diel symbolistického smeru sú diela z muzeálnej zbierky členov umeleckej skupiny Modrá ruža (1907), do ktorej patrili N. P. Krymov, P. V. Kuznecov, P. S. Utkin, N. N. Sapunov, M. S. Saryan, S. Yu. Sudeikin, N. D. Milioti. , prezentované v tejto expozícii. V obrazoch umelcov tejto skupiny sa harmonicky spájala konvenčnosť, alegorizmus, dekoratívnosť a plochosť. Snaha o štylizáciu, symboliku, niekedy o primitivizáciu obrazu v duchu lubok, detská tvorivosť je charakteristickým znakom skupinovej tvorivosti. Všeobecným trendom vo vývoji umelcov skupiny bol prechod od impresionizmu k postimpresionizmu. Susedil s nimi V. I. Denisov, veľmi blízko k ich tvorivým ašpiráciám mal výtvarník V. A. Galvich, ktorého diela sú na výstave tiež vystavené.

Je príznačné, že všetkých – Svet umenia aj symbolistov – divadlo uchvátilo: divadlo je prítomné v stojanových dielach, divadlo sa stáva stelesnením profesionálnych ambícií. Mnohé stojanové kompozície Goluborozovcov v zbierke múzea možno čítať ako kulisy alebo náčrty divadelných scén, obrazy predstavenia (diela N. P. Krymova, P. S. Utkina, N. N. Sapunova, S. Yu. Sudeikina, N. D. Miliotiho). V neskorom štádiu existencie združenia „Svet umenia“, v roku 1917 a neskôr, boli takmer všetci títo majstri jeho súčasťou alebo sa zúčastňovali na výstavách spolu s avantgardnými umelcami.

Na aktivitách Modrých medveďov sa spočiatku podieľali V. E. Borisov-Musatov a M. A. Vrubel, ktorých umenie, predtým aj potom, stálo mimo tejto skupiny, no rozvíjalo sa na rovnakej estetickej platforme symbolizmu. Ich umenie sa pre ruských symbolistov stalo východiskom pri vytváraní vlastnej vízie umeleckého procesu, a preto ho možno považovať za akýsi most medzi tradičnými estetickými postojmi sveta secesie a symbolizmom, ktorý sa rozvinul medzi modrých nositeľov.

M.A. Vrubel "Let Fausta a Mefistofela" (1896)

Monumentálny obraz M. A. Vrubela „Let Fausta a Mefistofela“ (1896) je pýchou múzejnej zbierky ruského umenia. Tento veľký štvormetrový dekoratívny panel je náčrtovou verziou slávneho rovnomenného panelu pre gotickú kanceláriu kaštieľa obchodníkov Vikulu Alekseeviča a Alexeja Vikuloviča Morozova vo Vvedenskom uličke v Moskve, postaveného v rokoch 1878-1879 podľa projektu. vynikajúcich architektov D. N. Chichagova a F. O. Shekhtela. Umelec pracoval s veľkými izolovanými farebnými škvrnami, ktoré mali akési lineárne lemovanie podobné technike farebného skla. Tento nájdený spôsob písania, zvláštny ornamentálny princíp udával rytmus pohybu škvŕn a čiar na ploche plátna, prirodzene spájal Vrubelove obrazy so secesiou a zároveň im dáva zvláštny podmienený a symbolický zvuk. Vrubel a svet umenia teda spájalo pochopenie podstaty umeleckej estetiky, nie náhodou sa majster ocitol medzi dôslednými členmi spoločnosti, zúčastňujúcimi sa na prvých výstavách spoločnosti.

V.G. Purvit "Stará veža" (do roku 1920)

V súlade so symbolikou prebiehala aj evolúcia tvorby umelcov Sveta umenia, veľmi odlišných v ich tvorivom prejave. Zreteľne to vidno na dielach budúceho kubistu a suprematistu N. I. Altmana prezentovaných na tejto výstave, predstaviteľa a organizátora výstav Sveta umenia K. V. Kondaurova, umelca školy K. S. Petrova-Vodkina M. M. Nakhmana. Okrem týchto diel sú v expozícii vystavené aj grafické diela známych umelcov World of Arts B.I. » (sivá lepenka, tempera)).
Medzitým bola dlhá a zložitá história Sveta umenia plná udalostí a zlomov. Najmä cez prizmu posledného desaťročia vo vývoji sveta umenia možno čiastočne uvažovať o umeleckých názvoch múzejnej zbierky, dobre známych pri formovaní iných trendov v ruskom umení, ktoré sa často vôbec nezhodujú a niekedy priamo oproti, tvorivej dominante združenia. Zaujímavým príkladom je účasť na expozíciách združenia niektorých avantgardných umelcov ešte pred sformovaním ich inovatívnych tvorivých ašpirácií. Napríklad známy primitivista, autor teórie rayonizmu, M. F. Larionov, na výstave Svet umenia v roku 1906, predstavil krajinnú záhradu na jar, čím jasne demonštroval umelcovu príťažlivosť k impresionizmu v ranom štádiu r. jeho práca. Neskôr, v predrevolučných a revolučných rokoch, títo majstri, väčšinou predstavitelia „Jack of Diamonds“, vystupovali na výstavách Sveta umenia so svojimi charakteristickými avantgardnými ukážkami kreativity.

I.I. Mashkov "Kvety vo váze", koniec 1900

Len v jednom z týchto diel, v ranom zátiší I. I. Maškova „Kvety vo váze“ z konca 20. storočia, sme prekvapení, že sme si všimli najvzácnejšiu kombináciu sofistikovaných arabeskových štylizácií moderny s inovatívnymi formotvornými rešeršmi.

Väčšina diel prezentovaných na výstave bola do Mestského múzea v Kazani prevezená v 20. - 30. rokoch 20. storočia z Fondu Štátnych múzeí a umeleckých múzeí hlavného mesta (Štátna Treťjakovská galéria, Štátne ruské múzeum), keď sekcie domáceho predrevolučného umenia a v múzeu sa intenzívne formovalo miestne umenie.okrajov. Jeden z najväčších príjmov za všetky roky existencie múzea nastal v roku 1920, keď Mestské múzeum v Kazani dovŕšilo dvadsaťpäť rokov, a na počesť tohto výročia poslal Fond Štátneho múzea do Kazane stotridsaťdva maľby umelcov rôznych smerov a štýlov na prelome 19. - 20. storočia. Zbierka múzea bola obohatená o diela Sveta umenia, Zväzu ruských umelcov, Modrej ruže a i.

MODERNÝ (fr. moderne, z latinského modernus - nový, moderný) - štýl v európskom a americkom umení konca XIX - začiatku XX storočia. (iné názvy sú Art Nouveau (Art Nouveau vo Francúzsku a Anglicku), Jugendstil (Jugendstil v Nemecku), Liberty (Liberty v Taliansku)).

A. N. Benois - "Oranienbaum" 1901

Ideovo-filozofickou pôdou, na ktorej vyrástlo „nové umenie“ moderny, bol novoromantizmus, ktorý v novom štádiu oživil romantické predstavy o konflikte medzi jednotlivcom a spoločnosťou. Pôvodná estetika secesie bola založená na myšlienke syntézy umenia, ktorá bola založená na architektúre, spájajúcej všetky druhy umenia - od maľby a divadla až po modely oblečenia. Jedným z kľúčových princípov modernej estetiky bol princíp pripodobňovania človekom vytvorenej formy k prirodzenej a naopak. Prejavilo sa to v architektonickej podobe, v detailoch stavieb, v ornamente, ktorý v modernosti dostal mimoriadny vývoj vo všetkých druhoch umenia a mal najrozmanitejší výtvarný prejav. Prototypom foriem a ornamentov v secesnom systéme boli prirodzené formy a črty štýlov minulosti, ktoré prešli radikálnym prehodnotením vďaka štylizácii (na základe špeciálnych referenčných materiálov).

A. N. Benois - Šetrič obrazovky časopisu "World of Art"

Umelci sveta umenia.

"World of Art" - organizácia, ktorá vznikla v Petrohrade v roku 1898 a zjednotila majstrov najvyššej umeleckej kultúry, umeleckú elitu Ruska tých rokov. Začiatok „Sveta umenia“ položili večery v dome A. Benoisa, venované umeniu, literatúre a hudbe. Ľudí, ktorí sa tam zišli, spájala láska ku kráse a viera, že ju možno nájsť len v umení, keďže realita je škaredá. Svet umenia, ktorý vznikol aj ako reakcia na malichernosť zosnulých Wandererov, jeho poučný a ilustračný charakter, sa čoskoro stal jedným z hlavných fenoménov ruskej umeleckej kultúry. V tomto združení sa zúčastnili takmer všetci známi umelci - Benois, Somov, Bakst, E.E. Lansere, Golovin, Dobužinskij, Vrubel, Serov, K. Korovin, Levitan, Nesterov, Ostroumova-Lebedeva, Bilibin, Sapunov, Sudeikin, Ryabushkin, Roerich, Kustodiev, Petrov-Vodkin, Malyavin, ako aj Larionov a Goncharova. Veľký význam pre vznik tohto združenia mala osobnosť Diaghilev, filantrop a organizátor výstav a neskôr – impresário ruských baletných a operných zájazdov do zahraničia („Ruské ročné obdobia“, ktoré predstavili Európe tvorbu Chaliapina, Pavlova, Karsavina, Fokina, Nižinského a iných a ukázali svetu príklad najvyššej kultúry foriem rôznych umení: hudba, tanec, maliarstvo, scénografia). V počiatočnom štádiu formovania Sveta umenia Diaghilev usporiadal výstavu anglických a nemeckých akvarelov v Petrohrade v roku 1897, potom výstavu ruských a fínskych umelcov v roku 1898. Pod jeho redakciou v rokoch 1899 až 1904 časopis vychádzala pod rovnakým názvom, pozostávala z dvoch oddelení: výtvarnej a literárnej. Úvodníky prvých čísel časopisu boli jednoznačne formuloval hlavné ustanovenia „Sveta umenia“» o autonómii umenia, že problémy modernej kultúry sú výlučne problémami umeleckej formy a že hlavnou úlohou umenia je vychovávať k estetickému vkusu ruskej spoločnosti predovšetkým prostredníctvom oboznamovania sa s dielami svetového umenia. Musíme im dať za pravdu: vďaka Svetu umenia sa anglické a nemecké umenie ocenilo naozaj novým spôsobom, a čo je najdôležitejšie, ruské maliarstvo 18. storočia a architektúra petrohradského klasicizmu sa pre mnohých stali objavom. „World of Art“ bojoval za „kritiku ako umenie“ a hlásal ideál kritika-umelca s vysokou profesionálnou kultúrou a erudíciou. Typ takéhoto kritika stelesnil jeden z tvorcov Sveta umenia A.N. Benoit.

„Miriskusniki“ organizovali výstavy. Prvý bol zároveň jediným medzinárodným, ktorý združoval okrem Rusov aj umelcov z Francúzska, Anglicka, Nemecka, Talianska, Belgicka, Nórska, Fínska atď. Zúčastnili sa na ňom petrohradskí aj moskovskí maliari a grafici. Trhlina medzi týmito dvoma školami – Petrohradom a Moskvou – sa však črtala takmer od prvého dňa. V marci 1903 sa skončila posledná, piata výstava Sveta umenia, v decembri 1904 vyšlo posledné číslo časopisu Svet umenia. Väčšina umelcov sa presťahovala do „Zväzu ruských umelcov“, organizovaného na základe moskovskej výstavy „36“. Diaghilev sa úplne venoval baletu a divadlu. 1906, potom vystavoval v Berlíne a Benátkach (1906-1907). sekcii moderného maliarstva, hlavné miesto zaujal „Svet umenia.“ Išlo o prvý akt celoeurópskeho uznania „Sveta umenia“, ako aj objavenie ruského maliarstva 18. – začiatku 20. storočia vo všeobecnosti za západnú kritiku a skutočný triumf ruského umenia

Popredným umelcom „Sveta umenia“ bol Konstantin Andrejevič Somov(1869–1939). Syn hlavného kurátora Ermitáže, ktorý vyštudoval Akadémiu umení a cestoval po Európe, získal Somov vynikajúce vzdelanie. Kreatívna zrelosť k nemu prišla skoro, ale ako správne poznamenal výskumník (V.N. Petrov), vždy mal určitú dualitu - boj medzi silným realistickým inštinktom a bolestne emocionálnym svetonázorom.

Somov, ako ho poznáme, sa objavil v portréte umelkyne Martynovej („Lady in Blue“, 1897–1900, Štátna Treťjakovská galéria), v portréte „Ozveny minulého času“ (1903, nar. na mape , aqua., gvaš, Štátna Tretiakovská galéria ), kde vytvára poetickú charakteristiku krehkej, anemickej ženskej krásy dekadentnej modelky, odmietajúcej sprostredkovať skutočné každodenné znaky moderny. Modelky oblieka do starodávnych kostýmov, dáva ich vzhľadu črty tajného utrpenia, smútku a zasnenosti, bolestivej zlomenosti.

Skôr ako ktokoľvek iný vo Svete umenia sa Somov obrátil k témam minulosti, k interpretácii 18. storočia. ("List", 1896; "Dôverné informácie", 1897), ktorý bol predchodcom Benoisových Versailles. Ako prvý vytvára surrealistický svet, utkaný z motívov šľachty, stavovskej a dvorskej kultúry a vlastných čisto subjektívnych umeleckých vnemov, presiaknutých iróniou. Historizmus „sveta umenia“ bol únikom z reality. Nie minulosť, ale jej inscenovanie, túžba po jej nenávratnosti – to je ich hlavný motív. Nie pravá zábava, ale zábavná hra s bozkami v uličkách - taký je Somov.

D Ďalšími Somovovými dielami sú pastoračné a galantné slávnosti („Smiešny bozk“, 1908, Ruské múzeum; „Marquise’s Walk“, 1909, Ruské múzeum), plné žierľavej irónie, duchovnej prázdnoty, ba až beznádeje. Ľúbostné scény z 18. – začiatku 19. storočia. vždy s nádychom erotiky Somov pracoval veľa ako grafik, navrhol monografiu S. Diaghileva o D. Levickom, esej A. Benoisa o Carskom Sele. Knihu ako jednotný organizmus so svojou rytmickou a štýlovou jednotou pozdvihol do mimoriadnej výšky. Somov nie je ilustrátor, „ilustruje nie text, ale éru, pričom používa literárne zariadenie ako odrazový mostík,“ napísal A.A. Sidorov, a to je veľká pravda.

Somov "Dáma v modrom" "Na klzisku" Benois. A. "Kráľsky chodník"

Ideovým vodcom „Sveta umenia“ bol Alexander Nikolajevič Benois(1870-1960) - nezvyčajne všestranný talent. Maliar, stojanový grafik a ilustrátor, divadelný výtvarník, režisér, autor baletných libriet, výtvarný teoretik a historik, hudobná osobnosť, bol podľa slov A. Belyho hlavný politik a diplomat „Sveta umenia“ . Pochádzal z najvyššej vrstvy petrohradskej umeleckej inteligencie (skladatelia a dirigenti, architekti a maliari), najskôr študoval na právnickej fakulte Petrohradskej univerzity.

Ako umelec je so Somovom príbuzný štylistickými sklonmi a závislosťou na minulosti („Som opojený Versailles, to je nejaká choroba, láska, kriminálna vášeň... Úplne som sa presťahoval do minulosti...“). . V krajine Versailles spojil Benois historickú rekonštrukciu zo 17. storočia. a súčasné dojmy umelca, jeho vnímanie francúzskeho klasicizmu, francúzske rytie. Preto jasná kompozícia, jasná priestorovosť, vznešenosť a chladná prísnosť rytmov, protiklad medzi grandióznosťou umeleckých pamiatok a malosťou ľudských postáv, ktoré sú medzi nimi len stafážou (1. versaillská séria z rokov 1896-1898 pod názvom „Posledné prechádzky Ľudovíta XIV.“). V druhej versaillskej sérii (1905-1906) je irónia, charakteristická aj pre prvé listy, podfarbená takmer tragickými tónmi („Kráľova cesta“). Benoisove myslenie je myslením divadelného umelca par excellence, ktorý divadlo veľmi dobre poznal a cítil.

Prírodu vníma Benois v asociatívnom spojení s históriou (pohľady na Pavlovsk, Peterhof, Carskoje Selo, ktoré vykonal technikou akvarelu).

V sérii obrazov z ruskej minulosti na objednávku moskovského vydavateľstva Knebel (ilustrácie pre „Kráľovské hony“) v scénach šľachtického, statkárskeho života 18. storočia. Benois vytvoril intímny obraz tejto éry, aj keď trochu divadelnú parádu za Pavla I. Ilustrátor Benois (Pushkin, Hoffman) je celá stránka v histórii knihy. Na rozdiel od Somova vytvára Benois naratívnu ilustráciu. Rovina stránky pre neho nie je samoúčelná. Ilustrácie k Pikovej dáme boli skôr úplnými nezávislými dielami, nie až tak „umením knihy“, ako A.A. Sidorov, koľko „umenia je v knihe“. Vrcholným dielom knižnej ilustrácie bola grafická úprava Bronzového jazdca (1903,1905,1916,1921–1922, tuš a akvarel imitujúci farebné drevoryty). V sérii ilustrácií k veľkej básni je hlavnou postavou architektonická krajina Petrohradu, teraz slávnostne patetická, teraz pokojná, teraz zlovestná, oproti ktorej postava Eugena pôsobí ešte bezvýznamnejšie. Takto Benois vyjadruje tragický konflikt medzi osudom ruskej štátnosti a osobným osudom malého človiečika („A celú noc ten úbohý blázon, / kamkoľvek sa obrátil, / všade bol s ním bronzový jazdec / s ťažký dupot cválal“).

"Bronzový jazdec"

«
Prehliadka za Pavla I.»

Benois ako divadelný umelec navrhoval predstavenia Ruských ročných období, z ktorých najznámejší bol balet Petruška na hudbu Stravinského, veľa pôsobil v Moskovskom umeleckom divadle a neskôr takmer na všetkých veľkých európskych scénach.

Činnosť Benoisa, kritika umenia a historika umenia, ktorý spolu s Grabarom aktualizoval metódy, techniky a témy ruských dejín umenia, je celou etapou v dejinách umeleckej kritiky (pozri „Dejiny maľby 19. od R. Muthera - zväzok „Ruská maľba“, 1901- 1902; „Ruská maliarska škola“, vydanie z roku 1904; „Carskoje Selo za vlády cisárovnej Alžbety Petrovny“, 1910; články v časopisoch „World of Art“ a "Staré roky", "Umelecké poklady Ruska" atď.).

T tretí v jadre „Sveta umenia“ bol Lev Samuilovič Bakst(1866-1924), ktorý sa preslávil ako divadelný umelec a ako prvý zo „sveta umenia“ získal slávu v Európe. Do „Sveta umenia“ prišiel z Akadémie umení, potom vyznával secesný štýl, pripojil sa k ľavicovým trendom v európskom maliarstve. Na prvých výstavách Sveta umenia vystavil množstvo obrazových a grafických portrétov (Benoit, Bely, Somov, Rozanov, Gippius, Diaghilev), kde sa príroda, prichádzajúca v prúde živých stavov, premieňala na akúsi ideálna reprezentácia súčasného človeka. Bakst vytvoril značku časopisu „World of Art“, ktorý sa stal emblémom Diaghilevových „Ruských sezón“ v Paríži. Bakstovej grafike chýbajú motívy 18. storočia. a stavovské témy. Tíhne k antike, navyše ku gréckej archaike, interpretovanej symbolicky. U symbolistov bol obzvlášť úspešný jeho obraz „Staroveký horor“ – „Terror antiquus“ (tempera, 1908, Ruské múzeum). Strašná búrlivá obloha, blesky osvetľujúce morskú priepasť a starobylé mesto – a nad celou touto univerzálnou katastrofou dominuje archaický kôra s tajomným zamrznutým úsmevom. Čoskoro sa Bakst úplne oddal divadelnej a kulisárskej práci a jeho kulisy a kostýmy pre balety Diaghilevovho podniku, predvedené s mimoriadnou brilantnosťou, virtuózne, umelecky, mu priniesli svetovú slávu. V jeho dizajne boli predstavenia s Annou Pavlovou, balety Fokine. Umelec vytvoril kulisy a kostýmy pre Šeherezádu Rimského-Korsakova, Stravinského Vtáka ohňa (obe 1910), Ravelovu Dafnis a Chloe a Faunovo popoludnie na hudbu Debussyho (obe 1912).

„Staroveký horor“ Faunovo popoludnie „Portrét Gippia

Z prvej generácie „World of Art“ bola mladšia Evgeny Evgenievich Lansere (1875-1946), vo svojej tvorbe sa dotkol všetkých hlavných problémov knižnej grafiky začiatku 20. storočia. (Pozri jeho ilustrácie ku knihe „Legendy o starobylých hradoch Bretónska“, k Lermontovovi, obálku „Nevského prospektu“ od Bozheryanova atď.). Lansere vytvoril množstvo akvarelov a litografií Petrohradu (Kalinkinov most, Nikolský trh atď.). Architektúra zaujíma obrovské miesto v jeho historických kompozíciách („cisárovná Elizaveta Petrovna v Tsarskoye Selo“, 1905, Štátna galéria Tretyakov). Dá sa povedať, že v diele Serova, Benoisa, Lansereho vznikol nový typ historickej maľby - nemá zápletku, ale zároveň dokonale obnovuje vzhľad doby, evokuje veľa historických, literárnych a estetických združenia. Jeden z najlepších Lansereho výtvorov - 70 kresieb a akvarelov pre L.N. Tolstého „Hadji Murad“ (1912-1915), ktorý Benois považoval za „nezávislú pieseň, ktorá dokonale zapadá do silnej Tolstého hudby“.

AT
grafika Mstislava Valerianoviča Dobužinského(1875 – 1957) nepredstavuje ani tak Petersburg Puškinovej éry či 18. storočia ako moderné mesto, čo dokázal sprostredkovať až s tragickou expresivitou („Starý dom“, 1905, akvarel, Štátna Treťjakovská galéria), ako napr. ako aj človek žijúci v takýchto mestách („Muž s okuliarmi“, 1905-1906, pastel, Štátna Treťjakovská galéria: osamelý, na pozadí nudných domov, smutný muž, ktorého hlava pripomína lebku). Urbanizmus budúcnosti inšpiroval Dobužinského panickým strachom. Značne sa venoval aj ilustrácii, kde za najpozoruhodnejšiu možno považovať jeho sériu kresieb tušom k Dostojevského Biele noci (1922). Dobužinskij pôsobil aj v divadle navrhnutom pre Nemiroviča-Dančenka Nikolaja Stavrogina (inscenácia Dostojevského Démoni), Turgenevove hry Mesiac na vidieku a Darmoň.

Zvláštne miesto vo "Svetu umenia" zaujíma Nicholas Roerich(1874–1947). Znalec filozofie a etnografie Východu, archeológ-vedec, Roerich získal vynikajúce vzdelanie najskôr doma, potom na právnickej a historicko-filologickej fakulte Petrohradskej univerzity, potom na Akadémii umení, v dielni. v Kuindzhi a v Paríži v ateliéri F. Cormona. Čoskoro získal autoritu vedca. So „Svetom umenia“ ho spájala rovnaká láska k retrospekcii, len nie 17. – 18. storočia, ale pohanského slovanského a škandinávskeho staroveku, k starovekému Rusku; štýlové tendencie, divadelná dekoratívnosť („Messenger“, 1897, Štátna Treťjakovská galéria; „The Elders Converge“, 1898, Ruské múzeum; „Sinister“, 1901, Ruské múzeum). Roerich bol najužšie spojený s filozofiou a estetikou ruského symbolizmu, ale jeho umenie nezapadalo do rámca existujúcich trendov, pretože v súlade s umelcovým svetonázorom sa obrátilo akosi na celé ľudstvo s príťažlivosťou. za priateľské spojenie všetkých národov. Odtiaľ pochádza zvláštny epický charakter jeho obrazov.

«

Nebeská bitka"

"Hostia zo zahraničia"

Po roku 1905 vzrástla v Roerichovej tvorbe nálada panteistického mysticizmu. Historické námety ustupujú náboženským legendám (Nebeská bitka, 1912, Ruské múzeum). Ruská ikona mala na Roericha obrovský vplyv: jeho dekoratívny panel „Bitka pri Kerzhents“ (1911) bol vystavený počas predstavenia fragmentu s rovnakým názvom z opery Rimského-Korsakova „Legenda o neviditeľnom meste Kitezh a Maiden Fevronia“ v parížskych „Ruských ročných obdobiach“.

AT o druhej generácii „Sveta umenia“ od jedného z najnadanejších umelcov bol Boris Michajlovič Kustodiev(1878–1927), študent Repina, ktorý mu pomáhal v práci v Štátnej rade. Kustodiev sa tiež vyznačuje štylizáciou, ale toto je štylizácia populárnej populárnej tlače. Odtiaľ tie žiarivé sviatočné „jarmoky“, „masopusty“, „balagany“, odtiaľ jeho maľby z malomeštiackeho a kupeckého života, podané s miernou iróniou, no nie bez obdivu k týmto červeným lícam, polospiacim kráskam za samovarom a s tanierikmi v bacuľatých prstoch („Obchodník“, 1915, Ruské múzeum; „Obchodník s čajom“, 1918, Ruské múzeum).

A.Ya Golovin je jedným z najväčších divadelných umelcov prvej štvrtiny 20. storočia; I. Ya. Bilibin, A.P. Ostroumová-Lebedeva a ďalší.

„Svet umenia“ bol významným estetickým hnutím na prelome storočí, ktoré prehodnotilo celú modernú umeleckú kultúru, schválilo nové vkusy a problémy, vrátilo do umenia – na najvyššej profesionálnej úrovni – stratené podoby knižnej grafiky a divadelnej tvorby. a dekoratívna maľba, ktorá si ich úsilím získala celoeurópske uznanie, vytvorila novú umeleckú kritiku, ktorá propagovala ruské umenie v zahraničí, ba dokonca otvorila niektoré jeho etapy, ako napríklad ruské 18. storočie. „Miriskusniki“ vytvorili nový typ historickej maľby, portrét, krajinu s vlastnými štýlovými črtami (výrazné štýlové trendy, prevaha grafických techník.