Zapamiętaj utwory muzyczne, które znasz w tym samym czasie. Najsłynniejsza muzyka klasyczna

Alfabet muzyczny lub kraj, w którym brzmią dźwięki: Major i Minor

Asya usiadła przy fortepianie i próbowała znaleźć na klawiaturze, gdzie ukryte są wszystkie tony i półtony. Nacisnęła klawisze i pomyślała: „Tyle dźwięków uzyskuje się, a jak tylko się je zapanuje, tak trudno jest ułożyć melodię z tych wszystkich dźwięków!” Pomyślała i natychmiast usłyszała głos Solminy.

Wiem, jak pomóc Ci znaleźć wszystkie tony i półtony oraz uporządkować swoje dźwięki. Tutaj posłuchaj opowieści o dwóch braciach, którzy pomogli Królowi Soundlandu i pomogą Ci...

Dawno temu w baśniowej krainie zwanej Soundland rządził król Ding-Dong Siódmy. Bardziej niż cokolwiek na świecie kochał spać i się nudzić. Siedział na swoim tronie i tęsknił...

Z nudów dynda nogami,
Z nudów zamówi ciasteczka do podania,
A żołnierze - śpiewać piosenkę.
Jego żołnierze byli niezwykli -
Wszyscy razem, śpiewacy są znakomici.
A tak przy okazji,
Został Deanem - Don, aby nazwać je Dźwiękami.
Dźwięki będą śpiewać królowi jedną piosenkę po drugiej.
Król zacznie chrapać, a Dźwięki również odejdą na bok.
Śpią do rana.
Rano wstaną, krzyczą: „Hurra!”
Król się obudzi
Obróć się z boku na bok
I wszystko zacznie się od nowa:
Nuda, ciasteczka, śpiew żołnierzy.
Od tego życia Dźwięki stały się tak leniwe,
Co śpiewać, jak należy, zupełnie zapomniałem jak.
Król był strasznie zdenerwowany.
Przestał się nawet nudzić.
Sprawia, że ​​śpiewają w ten i tamten sposób
A oni nie chcą.

Aż pewnego dnia dwaj bracia - Łada - przybyli do Soundland z dalekiego kraju Ladia. Dwóch braci, ale jacy się różnili. Jeden był wesołym tancerzem-śmiejącym się, drugi był smutny, zamyślony. Wesoły nazywał się Major, a smutny był Minor. Major i Minor dowiedzieli się o kłopotach króla. Wieści w Królestwie szybko się rozchodzą. Postanowili pomóc królowi...

Przybyli do pałacu
Król zgodnie z oczekiwaniami skłonił się.
„Cześć, Ding Dong”, mówią.
Chcemy usłyszeć od twoich żołnierzy.
„Cóż”, rozkazał król.
- Zaśpiewaj wszystko, jeśli chcesz! Jeden dwa! Jeden dwa!
Śpiewały dźwięki, niektóre w lesie, inne dla drewna opałowego.
Bracia nie mogli znieść tej muzyki,
Krzyczeli dwoma głosami: „Dosyć!”

Chodź - mówią - Ding-Don, pomożemy ci zrobić dobrą piosenkę z twoich dźwięków.

Lined Major Sounds z rzędu -
Okazało się, że DŹWIĘK.

Major rozkazał im: „Płać za ton-półton!” Brzmi szybko ustabilizowane:

Ton, ton, półton,
Ton, ton, ton, półton.

Śpiewaj, rozkazał major. Śpiewane dźwięki.

Wszyscy ustawiliśmy się razem.
Okazało się, że to ścieżka dźwiękowa.
Niełatwe - MAJOR
Radosny, żwawy.

Skończyłem śpiewać dźwięki — Minor wystąpił naprzód. Rozkazał: Oblicz dla tonu-półtonu! Z jakiegoś powodu dźwięki natychmiast stały się smutne, niechętnie się opłaciły.

Ton, półton,
Ton, ton, półton.
Ton, ton.

śpiewać razem! Drobny rozkazał. Śpiewane dźwięki:

Jesteśmy MNIEJSZĄ skalą,
Smutny brzmi zbyt długo.
Zaśpiewaj smutną piosenkę
A teraz ryczymy.

Od tego czasu w Soundland zapanował porządek...

Dean - Don zaczął żyć inaczej,
Przestałem spać przy nowej muzyce
Będzie smutny - pojawi się Minor,
Chce się zabawić - pojawi się Major.
Dźwięki zaczęły żyć OK.
A piosenki brzmiały dobrze.

Co za interesująca opowieść, powiedziała Asya, kiedy Solmina skończyła czytać.

Historia jest naprawdę ciekawa. Podobali ci się bracia z dalekiej krainy Ładii?

Oczywiście nam się to podobało. Dwaj bracia są trochę podobni, ale jednak tak różni - powiedziała z namysłem Asia.

Pytania i zadania:
1. Staraj się pamiętać: jak odróżnić braci?
2. Jakie były rymy dla każdego z braci?

Większy i mniejszy

Dawno, dawno temu był jeden dżentelmen,
Nazywał się Major.
Uśmiechnął się, roześmiał
Nigdy nie smuciłem się.

W pobliżu mieszkał inny sygnatariusz,
Nazywało się Minor
Często płakał, był smutny,
Nie śmiał się, nie żartował.

Mieszkało razem dwóch sąsiadów
Obaj podawali muzykę
Tylko wszyscy - najlepiej jak potrafił,
Obaj mają dużo do zrobienia.

Pytania i zadania:
Narysuj śmieszne portrety dwóch dżentelmenów.
Jakie instrumenty muzyczne kojarzą ci się najbardziej z mniejszym lub większym?
Co w życiu może być większe lub mniejsze? (Nastrój, dzień, pogoda, kolor.)
Czy jesteś bardziej w nastroju niepełnoletnim czy poważnym?
Dzieci dzielą się na pary. Jeden w parze - major, drugi - minor. W scenie dialogowej dzieci opowiadają sobie, jakie główne i drugorzędne rzeczy są najważniejsze.
Wymyśl bajkę o tym, jak pewnego dnia major i nieletni postanowili zrobić muzyczne prezenty dla ludzi.

Dźwięki muzyki

Robert Schumann był nie tylko wybitnym kompozytorem, ale także pianistą, dyrygentem i pedagogiem. Od 7 roku życia Robert Schumann uczył się gry na fortepianie, komponowania, studiował w gimnazjum, później na uniwersytecie. W wieku 20 lat usłyszał grę wielkiego, światowej sławy włoskiego skrzypka Niccolo Paganiniego. Gra N. Paganiniego wywarła na R. Schumannie tak żywe wrażenie, że postanowił poświęcić się muzyce na zawsze. Potrafił zobaczyć w życiu to, co cudowne, niezwykłe, ukryte przed oczami innych ludzi i wszystko, czego doświadczył, przełożyć na dźwięki. R. Schumann pisał bardzo różnorodną muzykę - symfonie, chóry, opery, romanse, utwory fortepianowe; zaskakująco podobnie tworzone portrety ludzi w muzyce, oddawały ich uczucia, nastroje.

Robert Schumann, marzyciel i wynalazca, bardzo lubił dzieci i dużo dla nich pisał. W swoim „Albumie dla młodzieży” odsłania świat dziecięcych radości, smutków, cudowny świat baśni.

Kompozytorzy rosyjscy wysoko cenili twórczość Roberta Schumanna. Szczególnie kochał go Piotr Iljicz Czajkowski. Pod wpływem swojego „Albumu dla młodzieży” Piotr Czajkowski napisał swój wspaniały „Album dla dzieci”.

Ponad 200 lat temu wielki kompozytor Ludwig van Beethoven urodził się w Niemczech w biednej, prawie zubożałej rodzinie. Jego ojciec był zdegenerowanym mężczyzną, pijakiem, niegrzecznym i okrutnym w traktowaniu swojej wyczerpanej żony i dzieci. Ciężkie i wyniszczające choroby prześladowały Beethovena przez całe życie, podkopując jego zdrowie. Nie miał jeszcze 30 lat, kiedy poczuł pierwsze oznaki zbliżającej się głuchoty, która następnie oddzieliła go od otaczającego świata nieprzeniknioną ścianą. Beethoven był nieszczęśliwy w miłości: marzył o dobrym, miłym przyjacielu, o wiernej ukochanej żonie, ale umarł samotnie. Urodzony w prostej, chłopskiej rodzinie Beethoven nienawidził bogatych i szlachetnych, bezdusznych, niezdolnych docenić prawdziwej sztuki arystokratów i rozumiał potrzeby prostych, małych ludzi, którzy ledwo dostają kawałek chleba.

W tym czasie bardzo często można było spotkać na ulicy kataryniarza. Organy beczkowe to instrument muzyczny. Na dziedziniec wchodził starzec z kolorowo pomalowanym pudełkiem na ramieniu, często z siedzącą na nim małpą lub innym zwierzęciem. To był kataryniarz. Nasz kataryniarz przyszedł ze świstakiem.

Pytania i zadania:
1. Posłuchaj sztuki R. Schumanna „Wesoły chłop wracający z pracy”. Jaki jest nastrój w muzyce? Czy odpowiada nastrojowi obrazu „Chłopski taniec”?
2. Jaka jest różnica między spektaklem „Wesoły chłop…” a „Świstak”?
3. Przypomnij sobie znane Ci utwory muzyczne, napisane w dur i moll.

Prezentacja

W zestawie:
1. Prezentacja: 15 slajdów, ppsx;
2. Dźwięki muzyki:
Beethovena. Świstak (w wykonaniu Chóru Wielkich Dzieci), mp3;
Beethovena. Świstak (instrumentalny) - 2 warianty, mp3;
Rachmaninow. włoska polka, mp3;
Schumanna. Wesoły chłop, mp3;
3. Artykuł do lekcji „Major and Minor”, ​​docx;
5. Major i minor. Wiersz, docx.

Koncerty na solistów i orkiestrę

Każdej części tej listy towarzyszy playlista ze wszystkimi wymienionymi w niej utworami

Jan Sebastian Bach

koncerty brandenburskie

Jednocześnie duży i zwarty cykl sześciu rozdziałów o długości od dziesięciu do dwudziestu minut. Sześć zupełnie różnych koncertów, które łączy czysto bachowska radość życia, z których każdy był pierwszym w swoim rodzaju: na przykład V koncert brandenburski to pierwszy w historii koncert na clavier i orkiestrę.

Albański Berg

„W pamięci anioła”

Jeśli opera Wozzeck jest jednym z najwyższych osiągnięć nowej szkoły wiedeńskiej w dziedzinie dramatu muzycznego, to Koncert skrzypcowy jest arcydziełem lirycznej ekspresji. Nie pozostawi Cię obojętnym, choć nie ma tu wpadających w ucho melodii; z kolei finał koncertu oparty jest na wplecionym organicznie w tkankę utworu cytatem Bacha.

Ludwig van Beethoven

Koncert na skrzypce i orkiestrę

Zapomnijcie o wszystkim, co słyszeliście o ciężkości symfonii Beethovena – ten koncert zdaje się przemawiać do Was osobiście i nie ma w nim ani grosza pompatyczności. Jeśli znudzisz się w środku, zostaniesz nagrodzony w finale: da Ci tak piękną i smutną melodię, że trudno powstrzymać się od łez wdzięczności. Jeden z największych koncertów skrzypcowych na świecie.

Johannes Brahms

Koncert na skrzypce, wiolonczelę i orkiestrę

Jeśli koncertów na wiolonczelę i orkiestrę jest mniej niż na skrzypce czy fortepian, to koncertów na skrzypce i wiolonczelę jest jeszcze mniej, a każdy z nich jest tym cenniejszy. Najjaśniejszym z nich jest Koncert podwójny Brahmsa, w którym wykorzystano najlepsze cechy jego kompozycji symfonicznych i kameralnych. Jest pełen najpiękniejszych melodii i, z całą zewnętrzną powściągliwością, jest niezwykle emocjonalny.

Antonio Vivaldi

"Pory roku"

Jeden z najpopularniejszych utworów muzyki klasycznej, absolutny przebój znany wszystkim. Cztery pory roku - cztery koncerty skrzypcowe, z których każdy jest lepszy od drugiego.

George Gershwin

Bluesowa rapsodia

Pierwsza udana próba skrzyżowania klasyki i jazzu, która dała początek niejednemu nowemu kierunkowi, a mimo to pozostała wyjątkowa.

Antonin Dvorak

Koncert na wiolonczelę i orkiestrę

Jedna z pierwszych wielkoformatowych kompozycji z wiolonczelą w roli głównej, gdzie harmonia i wyrafinowanie kompozycji łączą się z niesamowitą dostępnością melodii, które bez trudu wpadają w ucho.

Feliks Mendelssohn

Koncert skrzypcowy e-moll

Marsz weselny ze Snu nocy letniej znają wszyscy, choć nie jest to bynajmniej główne dzieło Mendelssohna. Posiada znakomite symfonie włoskie i szkockie, najpiękniejsze tria, kwartety i oratoria, a także Koncert skrzypcowy: nie mniej ważny niż Beethovena, ale o wiele bardziej zrozumiały.

Siergiej Rachmaninow

Koncert na fortepian i orkiestrę nr 3

Muzyka Rachmaninowa i Mahlera nie mają ze sobą wiele wspólnego, ale to Mahler dyrygował jednym z pierwszych wykonań koncertu. Choć III Koncert początkowo pozostawał w cieniu słynnego II, jest jednocześnie jednym z najwyższych osiągnięć gatunku i jednym z najpoważniejszych sprawdzianów dla uczestników konkursów pianistycznych. A jej głównym tematem jest jedna z najlepszych melodii w całej literaturze muzycznej.

Jean Sibelius

Koncert na skrzypce i orkiestrę

Pod koniec XIX wieku pojawiła się prymat tradycji austriacko-niemieckiej w muzyce: jedna po drugiej deklarowały się nowe szkoły narodowe – węgierska, czeska, polska. Założycielem kolejnego, fińskiego, dziś jednego z najbardziej zaawansowanych na świecie, był Sibelius, którego koncert jest niepodobny do żadnego innego, a jednak bije do serca.

Opera: od Monteverdiego po Bizeta i arcydzieła XX wieku

Georges Bizeta

„Carmen”

Aż trudno uwierzyć, że premiera „Carmen” nie była sukcesem: przeboje następują tu jedno po drugim z takim zagęszczeniem, jakim nie może się pochwalić żadna inna wielka opera. Uwertura, habanera, kuplety Toreadora, seguidilla, „Taniec cygański” to tylko kilka. Zazdrościć można tylko tym, którzy jeszcze ich nie słyszeli.

Ryszard Wagner

„Tannhäuser”

Musiałeś wzdrygnąć się jako dziecko na dźwięk „Ride of the Walkiries” i usłyszeć wiele nieprzyjemnych rzeczy o Wagnerze. Spróbuj wyrobić sobie własne zdanie na temat jego muzyki; jeśli opery Wagnera są dla ciebie za długie, na początek wystarczą fragmenty orkiestrowe. Niesamowicie piękna uwertura z opery „Tannhäuser” jest sama w sobie arcydziełem, które z pewnością przypadnie do gustu, niezależnie od sympatii dla poglądów społeczno-politycznych autora.

Giuseppe Verdi

Traviata

Don Giovanni, Carmen i Traviata to jedna z trzech najlepszych oper na świecie. Urokowi „La Traviata” nie sposób się oprzeć, nawet jeśli włoska opera jest obojętna: muzyka jest tak zachwycająca – jasna, a jednocześnie przesiąknięta przeczuciem kłopotów. Słynna historia miłosna, która rodzi się i umiera na naszych oczach.

Claudio Monteverdi

„Orfeusz”

Nie ma sensu umieszczać którejkolwiek z trzech oper Monteverdiego na żadnej liście najlepszych oper: ten włoski geniusz jest tak oryginalny, że właściwie stworzył operę jako gatunek. Zacznij od Orfeusza, zwłaszcza że otwierająca go toccata rozbrzmiewa zewsząd i pewnie wiesz: nie będziesz w stanie się oderwać.

Wolfgang Amadeusz Mozart

"Don Juan"

Opera oper, najważniejsza dla wszystkich czasów i narodów. Żadna inna wielka opera nie równoważy w takim stopniu tragizmu i komizmu, wzlotu z upadkiem, chęci życia i nieuchronności śmierci. Jak powiedział Światosław Richter, „Così fan tutte” jest bardziej mistyczne niż „Don Juan”. Tam statua jest winna wszystkiego, że ożyła... A tu winna jest kobieta, że ​​w ogóle urodziła się na świecie.

Wolfgang Amadeusz Mozart

„Tak właśnie robią wszystkie kobiety” („Così fan tutte”)

Cynik w średnim wieku Don Alfonso postanawia udowodnić dwóm młodym mężczyznom, że wierność ich narzeczonych jest pojęciem względnym. Chłopaki wydają się iść na wojnę, wracają pod postacią zakochanych cudzoziemców, a każdy opiekuje się narzeczoną drugiego. Dziewczyny nie bez przyjemności poddają się nowemu losowi i zamierzają wyjść za mąż, ale potem wracają prawdziwi zalotnicy. Postanawiają zagrać dwa wesela, choć nikt nie wygląda na szczęśliwego. Opera o kobietach bardziej tajemniczych i nieprzewidywalnych niż mężczyźni.

Leos Janaček

„Przygody przebiegłego lisa”

Według pisarza Milana Kundery Janáček dokonał wyczynu otwarcia świata prozy na operę. Rzeczywiście, melodie Janáčka opierają się na mowie ludzkiej we wszystkich jej psychologicznych niuansach. „Przygody przebiegłego lisa” to najbardziej liryczna opera czeskiego kompozytora, opowiadająca o współistnieniu dwóch światów – świata ludzi i świata zwierząt – i wzywająca do ich zbliżenia.

Albański Berg

„Wozzeck”

Muzyka jak nic, co słyszałeś wcześniej. Przy drugim czy trzecim podejściu przekonasz się, że język tej opery o szalonym żołnierzu nie jest taki dziwny: kompozytor po prostu nie komponuje melodii, ale osadza w muzyce naturalne intonacje ludzkiej mowy. Różnica z Janacka, zdaniem Kundery, jest oczywista: „Niemiecki ekspresjonizm wyróżnia się preferowaną postawą wobec nadmiernych stanów umysłu, delirium, szaleństwa. Ekspresjonizm Janacka to najbogatszy miłośnik emocji, ścisła opozycja czułości i grubiaństwa, wściekłości i spokoju.

Kurt Weill

„Opera za trzy grosze”

Kompozycja, która formalnie należy do klasyków XX wieku, została sprzedana w przeboje, dziesiątki razy okładane, poczynając od genialnego „Macky Knife” – jednego z melodycznych symboli stulecia. Chociaż Weill jest znaczącym innowatorem w dziedzinie muzyki akademickiej, żaden inny kompozytor jego pokolenia nie wzbudził takiej uwagi artystów popowych i rockowych.

Igor Strawiński

„Król Edyp”

Odmienne „Pietruszki” i „Święto wiosny” wciąż nie wydają się być utworami dwóch różnych autorów, podczas gdy w operze-oratorium „Król Edyp” z pewnością nie poznaje się twórcy „Pietruszki”. To nie przypadek, że Strawiński został nazwany kameleonem i człowiekiem 1001 stylów. W „Edypie” śpiewają po łacinie, a muzyka – chyba najpiękniejsza u Strawińskiego – sięga późnego baroku: żadnego rosyjskiego archaizmu, żadnych naleśników.

Dmitrij Szostakowicz

„Lady Makbet z obwodu mceńskiego”

Głównymi tematami jednej z kluczowych oper XX wieku były seks i przemoc; dlatego tuż po triumfalnej premierze w 1934 roku został oficjalnie zakazany przez samego Stalina w 1936 roku. Zwróć szczególną uwagę na taniec gości w trzecim akcie i śpiew skazanych w czwartym – raz usłyszany, już nie sposób zapomnieć.

Ryszard Strauss

„Elektra”

Opera oparta jest na historii śmierci króla Agamemnona, który został zabity przez żonę i jej kochanka. Córka króla nienawidzi swojej matki i żyje w nadziei na zemstę. Kierowana szlachetnymi pobudkami bohaterka czuje się jak instrument w ręku Boga, a ta obsesja zmienia ją w potwora. W pierwszym momencie tak ponurej historii orkiestra ściąga na słuchaczy taką beznadziejną muzykę, że włosy stają dęba. Opera, która trwa prawie dwie godziny bez przerwy, jest jak wspaniała symfonia, od której nie można się oderwać.

Solo. fortepian i skrzypce

Karol Ives

„Sonata” Concorde”

Więcej niż sonata, całe studium na ten temat: czy muzyka może wyrazić coś poza tym, jak brzmi? Jedna z najważniejszych kompozycji fortepianowych XX wieku pozostała niedokończona tylko dlatego, że tak postanowił sam autor: „Sonata wydaje mi się niedokończona za każdym razem, gdy ją gram. Być może nie odmówię sobie przyjemności nieukończenia tego w ogóle. Sonata jest przesiąknięta „tematem losu” Beethovena, albo przywracając porządek pośród chaosu, albo obracając historię o 180 stopni.

Jan Sebastian Bach

„Dobrze zahartowany Clavier” (HTK)

Prawdopodobnie najdoskonalsze dzieło w historii muzyki: dwa cykle 24 preludiów i fug we wszystkich istniejących tonacjach są jak dwie kolosalne gotyckie katedry, każda piękniejsza od drugiej. Praktycznie każdy może odebrać pierwsze preludium w C-dur na fortepianie; jednak stopniowo cykl staje się bardziej złożony. I wszystko jest ciekawsze.

Jan Sebastian Bach

Sonaty i partity na skrzypce solo

Czy nie jest nudno długo słuchać samotnych skrzypiec? Wcale nie – potrafi znacznie więcej, niż możemy sobie wyobrazić. Bach przynajmniej dąży do pełnego pokrycia swoich możliwości. Perłą cyklu jest słynna chaconne, czyli najbardziej przejmująca muzyka na świecie.

Ludwig van Beethoven

Sonata fortepianowa nr 14

Wśród 32 sonat fortepianowych Beethovena Moonlight może nie jest najlepszym, ale z pewnością najbardziej znanym; był cytowany przez wielu - od Szostakowicza po The Beatles. Niewiele dzieł na świecie tak bardzo przerosło swoje granice, stając się symbolem nieodwzajemnionej miłości.

Claude Debussy

Preludia

Zwięzła encyklopedia twórczości wielkiego kompozytora, dziwaczne połączenie romantyzmu i impresjonizmu, dawnych tradycji muzyki fortepianowej i paradoksów XX wieku. Nazwy poszczególnych preludium nie znajdują się na początku, ale na końcu nut, jakby zadając słuchaczom zagadki, sprawdzając, czy poprawnie oddał nastrój utworu, czy to „Żagle”, „Krok na śniegu” , „Mgły” lub „Fajerwerki”.

Olivier Messiaen

„Dwadzieścia spojrzeń na Dzieciątko Jezus”

Jeden z głównych opusów Messiaena, nawet w roku jego stulecia, był częściej grany we fragmentach niż w całości: ten cykl wymaga zbytniego poświęcenia. Największa kompozycja fortepianowa epoki, z którą można porównać tylko 24 preludia i fugi Szostakowicza, jest nietypowym tworem połowy XX wieku: gdzie ironia i refleksja, gdzie rygor i kalkulacja? Jest to wspaniała modlitwa, dwie i kwadrans głównie muzyki major z licznymi powtórzeniami.

Wolfgang Amadeusz Mozart

Sonata fortepianowa nr 11

Znane tureckie Rondo nie jest właściwie utworem samodzielnym, ale finałem jednej z sonat Mozarta, której pozostałe części są nie mniej zachwycające. Jak zresztą i inne sonaty fortepianowe Mozarta, nie mówiąc już o jego własnej „Fantazji”.

Modest Musorgski

„Obrazy z wystawy”

Cykl ten jest najbardziej znany z orkiestracji Maurice'a Ravela, która jest dziś postrzegana jako genialny, ale bardzo popowy hit. Posłuchaj oryginalnej wersji „Pictures”, oryginalnie napisanej na fortepian, a zdziwisz się, jak niezwykła i wcale nie jest to przebojowa muzyka.

Niccolo Paganini

24 kaprysy na skrzypce solo

Nowe słowo w odkrywaniu możliwości skrzypków i skrzypków, które już od III wieku jest sprawdzianem wirtuozerii. Ostatni, dwudziesty czwarty kaprys jest bardziej znany od innych - krótki, ale błyskotliwy temat, wariacje, na których pisało wielu wielkich kompozytorów.

Eric Satie

Gimnopedie i inne utwory na fortepian

Chociaż Satie jest kompozytorem XX wieku, wiele jego utworów pojawiło się w poprzednim stuleciu: w 1888 roku powstały hymnopedie antycypujące gatunek łatwego słuchania. Sati posiadała również ideę muzyki jako dyskretnego tła – dziś nie ma od czego odejść, ale sto lat temu była nowa.

Fryderyk Chopin

24 preludia na fortepian

Encyklopedia muzycznego romantyzmu i jednocześnie barwny kalejdoskop gatunków: elegia, mazur, marsz, pieśń bez słów i wiele innych. Głównym środkiem wyrazu, przykuwającym uwagę słuchacza, jest kontrast dur i moll w każdej sąsiedniej parze preludiów.

Roberta Schumanna

„Kreisleriana”

Cykl spektakli fantasy, którego nazwę nadał wymyślony przez Hoffmanna obraz Johannesa Kreislera, szalonego kapelmistrza, który swoim przywiązaniem do muzyki straszy otaczających go ludzi. Jedno z najlepszych dzieł Schumanna, najbardziej romantycznego kompozytora, jaki kiedykolwiek żył.

Arcydzieła muzyki wokalnej

Jan Sebastian Bach

Kantaty

Oprócz wspaniałej „Pasji” i Mszy h-moll Bach napisał ponad dwieście kantat. Jeszcze bardziej niż ta lista, zasługują na słowa „najlepsza muzyka na świecie”. Jeśli zdecydujesz się na stopniowe słuchanie ich wszystkich, zapełnisz listę odtwarzania z wielomiesięcznym wyprzedzeniem. Za niemożność wyróżnienia najlepszego spośród najlepszych zwracamy uwagę na trzy: „Niebo się raduje, ziemia się raduje” (BWV 31) ze wspaniałym solo na trąbce w finale, „Kto uwierzy i ochrzci się” (BWV 37) z wspaniała aria „Wiara tworzy skrzydła duszy” i chyba najsłynniejsza „Mam dość” (BWV 82).

Luciano Berio

Pieśni ludowe

Esej prawdziwie uniwersalny; Berio, najwybitniejszy artysta awangardowy drugiej połowy XX wieku, przetworzył szereg autentycznych pieśni z Europy i Azji, dodając do nich kilka własnych. Słuchacz, który jest daleki od awangardy, ucieszy się, że artyści awangardowi mają również utwory, które wydają się proste i zrozumiałe.

Benjamin Britten

Requiem wojenne

Niezwykła kompozycja: dwie orkiestry z dwoma dyrygentami, dwa chóry, trzech solistów i organy. Tenor, baryton i orkiestra kameralna odpowiadają za „wojskową” część requiem, opartą na wierszach poety, który zginął w I wojnie światowej. Orkiestra symfoniczna, chór i sopran wykonują tradycyjne partie requiem od „Requiem æternam” i „Dies irae” po „Agnus Dei” i „Libera me”. Zdumiewający wynik, w przeciwieństwie zarówno do mszy pogrzebowych z poprzednich epok, jak i nietradycyjnych requiem XX wieku.

Antonio Vivaldi

Arie z oper

Powinieneś przynajmniej wtedy posłuchać, żeby wiedzieć: Cztery pory roku to nie jedyne i może nawet nie najlepsze dzieło Vivaldiego. Przynajmniej zbiór jego arii w wykonaniu Magdaleny Kozheny sprawi, że na chwilę zapomnisz o wiecznie zielonym przeboju.

Valery Gavrilin

Rosyjski notatnik. Zeszyty niemieckie»

„Rosyjski Notatnik” odzwierciedla doświadczenie folklorysty Gavrilina, a ta głęboko narodowa praca jest analogią wielkich cykli Schuberta i Schumanna. Ale z czym porównać „Niemieckie zeszyty”, napisane na wersach Heinego – najbardziej, że nie jest to materiał Schumanna? Jak wytłumaczyć pojawienie się tak wspaniałego cyklu jak „Pierwszy Notatnik Niemiecki” u studentki drugiego roku, od której profesor pod groźbą dwójki żąda „czegoś wokalnego”? Chyba tylko cud.

Georg Friedrich Haendel

"Mesjasz"

W przeddzień świąt religijnych „Mesjasz” jest wykonywany na całym świecie; wiąże się z tym prawdziwa historia o orkiestrze. Na pytanie „Co ci się stało?” odpowiedział: „Miałem koszmar! Śniło mi się, że znowu gram w „Mesjasza”! Co więcej, kiedy się obudziłem, okazało się, że to prawda!” Najlepsze wykonania „Mesjasza” nie mają nic wspólnego z tą rzeczywistością, to prawdziwie boska muzyka. Po ukończeniu Mesjasza w trzy tygodnie Handel powiedział: „Myślałem, że niebo się otworzyło i widzę Stwórcę”.

Gustav Mahler

Piosenki o zmarłych dzieciach

Jedno z najstraszniejszych dzieł w historii muzyki: czy wierzymy w los, czy nie, jednak wkrótce po stworzeniu tego cyklu wokalnego Mahler stracił ukochaną córkę. Pięć niesamowicie pięknych i niewypowiedzianie smutnych piosenek.

Gustav Mahler

„Pieśń Ziemi”

Pierwsza symfonia, w której śpiewają od początku do końca, a duża orkiestra brzmi kameralnie – tak, że wszystkie instrumenty są słyszalne. Ostatnia część – „Pożegnanie” – autor uważał za samobójczy, ale chcę do niego wracać raz po raz.

Olivier Messiaen

Trzy małe liturgie Boskiej Obecności

Katolicyzm, nauka języka ptaków i dbałość o kultury pozaeuropejskie – te cechy tworzą dzieło Messiaena, odrębny kierunek w muzyce XX wieku. Chociaż język Messiaena jest inny niż ktokolwiek inny, jego muzyka jest niezwykle zaraźliwa: posłuchaj liturgii przynajmniej raz, a zauważysz, że nucisz je.

Alfreda Schnittkego

„Historia doktora Johanna Fausta”

Kantata Schnittkego nie ma nic wspólnego z Faustem Goethego: oparta jest na „Księdze Ludowej o Fauście” z XVI wieku. Genialnym znaleziskiem jest Mefistofeles, który występuje w dwóch postaciach: diabeł uwodzicielski (kontrtenor), diabeł szyderczy i karzący (kontralto). Chociaż planowany udział Ałły Pugaczowej w moskiewskiej premierze został odwołany, przy hali dyżurowała policja konna. Kulminacją upokorzenia bohatera jest rozkołysane tango z saksofonami, niespodziewanie wkraczające w surową muzykę.

Dmitrij Szostakowicz

Symfonia nr 14

Chociaż przedostatnia symfonia Szostakowicza dedykowana jest Brittenowi, to jednak jest bardziej związana z Mahlerem. W istocie jest to kontynuacja jego „Pieśni o ziemi”, symfoniczno-kantatowej z udziałem dwóch śpiewaków, całkowicie poświęconej śmierci. Nawet wśród ponurych symfonii Szostakowicza ta szczególnie pełna jest depresji i poczucia samotności. Dwa głosy łączą się tylko po to, by w finale zaśpiewać: „Śmierć jest wszechmocna. Jest na straży iw godzinie szczęścia.

Franz Schubert

„Zimowa droga”

Szczyt światowej muzyki wokalnej: 24 piosenki, które łączy wspólny gorzki nastrój i ponure obrazy natury. Finał „The Organ Grinder” to jedna z najbardziej beznadziejnych piosenek Schuberta (a ma ich około 600!): ponura melodia rozbrzmiewa na tle przytłumionych, monotonnych dźwięków katarynki.

Świetne symfonie

Hector Berlioz

Fantastyczna symfonia

Jeden z pierwszych - być może najbardziej uderzających - przykładów muzyki programowej, czyli takiej, która poprzedzona jest określonym scenariuszem. Opowieść o nieodwzajemnionej miłości Berlioza do irlandzkiej aktorki Harriet Smithson stała się podstawą arcydzieła, w której znajdują się „Sny”, „Bal”, „Scena na polach”, „Proces do egzekucji”, a nawet „ Sen w noc szabatu”.

Ludwig van Beethoven

Symfonia nr 7

Spośród trzech najsłynniejszych symfonii Beethovena lepiej zacząć nie od Piątej z jej „tematem losu”, ani od Dziewiątej z jej finałem „Przytul, miliony”. W Siódmej jest znacznie mniej patosu i więcej humoru, a pomysłowa część druga jest znana nawet słuchaczom dalekim od klasyki z przetworzenia grupy Deep Purple.

Johannes Brahms

Symfonia nr 3

Pierwszą symfonię Brahmsa nazwano X Symfonią Beethovena, nawiązując do ciągłości tradycji. Ale jeśli dziewięć symfonii Beethovena nie jest równych, to każda z czterech symfonii Brahmsa jest arcydziełem. Nadęty początek Trzeciej to tylko jasna przykrywka dla głęboko lirycznej wypowiedzi, osiągającej punkt kulminacyjny w niezapomnianym allegretto.

Anton Bruckner

Symfonia nr 7

Następcą Brucknera jest Mahler; na tle jego płócien przypominających kolejkę górską symfonie Brucknera mogą wydawać się nudne – zwłaszcza ich niekończące się adagio. Jednak po każdym adagio następuje ekscytujące scherzo, a VII Symfonia nie pozwoli się nudzić od pierwszej części, zamyślona i rozwlekła. Nie mniej dobry jest finał, scherzo i adagio poświęcone pamięci Wagnera.

Józef Haydn

Symfonia nr 45 „Pożegnanie”

Wydaje się, że nie da się pisać łatwiej niż Haydn, ale ta zwodnicza prostota zawiera w sobie główny sekret jego umiejętności. Spośród jego stu czterech symfonii tylko jedenaście zostało napisanych w wersji molowej, a najlepszą z nich jest „Pożegnanie”, w finale której muzycy pojedynczo schodzą ze sceny. To właśnie od Haydna grupa Nautilus Pompilius pożyczyła tę technikę, aby wykonać piosenkę „Goodbye America”.

Józef Haydn

Symfonia nr 90

Na tle żywiołowego Pożegnania późniejsze symfonie Haydna są znacznie bardziej wyważone i pozytywne. Są pełne szczególnego ciepła, bezpretensjonalnego piękna i harmonii. I oczywiście humor: ostatnią część symfonii wieńczy „fałszywy” finał, który nawet wyrafinowana publiczność bierze za prawdziwy i zaczyna klaskać, gdy orkiestra jeszcze gra.

Antonin Dvorak

Symfonia nr 9 „Z Nowego Świata”

Zbierając materiał do symfonii, Dvořák studiował narodową muzykę Ameryki, ale robił to bez cytowania, starając się przede wszystkim ucieleśnić jej ducha. Symfonia pod wieloma względami nawiązuje zarówno do Brahmsa, jak i Beethovena, ale pozbawiona jest pompatyczności tkwiącej w ich opusach.

Gustav Mahler

Symfonia nr 5

Dwie najlepsze symfonie Mahlera tylko na pierwszy rzut oka wydają się do siebie podobne. Zamieszanie pierwszych części Piątej prowadzi do pełnego rozleniwienia podręcznikowego adagietto, wielokrotnie wykorzystywanego w kinie i teatrze. A na złowrogą fanfarę wstępu odpowiada całkowicie tradycyjny, optymistyczny finał.

Gustav Mahler

Symfonia nr 6

Kto by pomyślał, że następna symfonia Mahlera będzie najmroczniejszą i najbardziej beznadziejną muzyką na świecie! Kompozytor zdaje się opłakiwać całą ludzkość: taki nastrój jest afirmowany od pierwszych dźwięków i pogarsza się dopiero w pozbawionym promyka nadziei finale. Nie dla słabego serca.

Gustav Mahler

Symfonia nr 7

Trylogia kończy się symfonią-zagadką. Powszechnie uważa się ją za niewygodną dla wykonania i percepcji, chociaż jest to prawdziwe święto muzyki: jeśli chcąc nie chcąc, nadal szuka się konfliktu w pozostałych symfoniach Mahlera, to prawie nie można go tutaj znaleźć. Można się tylko domyślać, dlaczego pomiędzy skrajnymi częściami VII znajduje się niejako kolejna wewnętrzna symfonia dwóch okturnów i centralnego scherza.

Wolfgang Amadeusz Mozart

Symfonia nr 25

Spośród ponad czterdziestu symfonii Mozarta tylko dwie są napisane w tonacji molowej, aw tej samej: g-moll łączy szereg jego kluczowych utworów. Dwudziesty piąty i czterdziesty dzieli piętnaście lat, w przypadku Mozarta prawie pół życia. Oba są równie smutne, ale jeśli czterdziesty rozgrywa się w zamyśleniu i powoli, dwudziesty piąty spada na ciebie z całą szybkością epoki „burzy i stresu”.

Wolfgang Amadeusz Mozart

Symfonia nr 40

Kolejny super hit, którego początek powoduje mimowolne podrażnienie. Spróbuj nastroić ucho tak, jakbyś słuchał czterdziestego czterdziestki po raz pierwszy (a nawet lepiej, jeśli jest): to pomoże ci przetrwać genialną, nawet pobitą pierwszą część i wiedzieć, że następuje po niej nie mniej cudowna druga, trzecia i czwarty.

Siergiej Prokofiew

Symfonia klasyczna

Prokofiew tak tłumaczył nazwę symfonii: „Z psoty, żeby drażnić gęsi i w skrytej nadziei, że… pokonam ją, jeśli z czasem symfonia okaże się tak klasyczna”. Po serii odważnych kompozycji, które podekscytowały publiczność, Prokofiew skomponował symfonię w duchu Haydna; niemal natychmiast stał się klasykiem, choć inne jego symfonie nie mają z nim nic wspólnego.

Piotr Czajkowski

Symfonia nr 5

V Symfonia Czajkowskiego nie jest tak popularna jak jego balety, choć jej potencjał melodyczny nie jest mniejszy; z dowolnych dwóch lub trzech minut może zrobić hit, na przykład Paul McCartney. Jeśli chcesz zrozumieć, czym jest symfonia, posłuchaj Piątej Czajkowskiego, jednego z najlepszych i najbardziej kompletnych przykładów tego gatunku.

Dmitrij Szostakowicz

Symfonia nr 5

W 1936 r. Szostakowicz został poddany zniesławieniu na szczeblu państwowym. W odpowiedzi, wzywając na pomoc cienie Bacha, Beethovena, Mahlera i Musorgskiego, kompozytor stworzył utwór, który już w momencie premiery stał się klasykiem. Według legendy Boris Pasternak mówił o symfonii i jej autorze: „Powiedział wszystko, co chciał – i nic za to nie dostał”.

Dmitrij Szostakowicz

Symfonia nr 7

Jeden z muzycznych symboli XX wieku i na pewno główny symbol muzyczny II wojny światowej. Insynuujący werbel rozpoczyna słynny „temat inwazji”, ilustrujący nie tylko faszyzm czy stalinizm, ale każdą epokę historyczną opartą na przemocy.

Franz Schubert.** Niedokończona symfonia

Ósma Symfonia nosi tytuł Niedokończona – zamiast czterech części są tylko dwie; są jednak tak nasycone i mocne, że odbierane są jako kompletna całość. Po przerwaniu pracy nad dziełem kompozytor już go nie tknął.

Beli Bartoka.

Koncert na orkiestrę

Bartók znany jest przede wszystkim jako autor niezliczonych utworów dla szkół muzycznych. O tym, że jest to dalekie od całości Bartoka świadczy jego koncert, gdzie surowość towarzyszy parodii, a wesołe ludowe melodie towarzyszą wyrafinowanej technice. W rzeczywistości symfonia pożegnalna Bartóka, a także Tańce symfoniczne Rachmaninowa.

Siergiej Rachmaninow

„Tańce symfoniczne”

Ostatnie dzieło Rachmaninowa to arcydzieło o bezprecedensowej sile. Początek zdaje się ostrzegać przed trzęsieniem ziemi - jest zarówno zwiastunem okropności wojny, jak i świadomością końca romantycznej epoki w muzyce. Rachmaninow nazwał „Tańce” swoim najlepszym i ulubionym dziełem.

Skarby muzyki kameralnej

Johannes Brahms

Sonata na skrzypce i fortepian nr 3

Zespół kameralny to jeden z najlepszych rodzajów muzykowania: sonata skrzypcowa, trio fortepianowe czy kwartet smyczkowy często potrafią wyrazić znacznie więcej niż balet czy symfonia. Synonimem kameralistyki jest nazwisko Brahmsa, którego każdy utwór kameralny jest arcydziełem. Łącznie z tą sonatą, której niezapomniany początek rodzi się z frazy, jakby przerwanej w połowie zdania.

Ludwig van Beethoven

Kwartet smyczkowy nr 11 „Serioso”

Późne kwartety Beethovena są jednym ze szczytów muzyki kameralnej. Wcześniej kompozytor nie pisał ich przez prawie piętnaście lat, zatrzymując się po pomysłowym kwartecie f-moll o podtytule „Serioso” – „Poważny”. Mimo swojej zwięzłości jest niezwykle bogaty w pomysły i wahania nastrojów, zwłaszcza w części szybkiej, której intonacja pędzi bez przerwy między pytającym a twierdzącym.

Johannesa Brahmsa.

Kwartet na fortepian, skrzypce, altówkę i wiolonczelę nr 1

Kolejna perełka, w której każdy z rozdziałów jest pełen niespodzianek, zwłaszcza dwa ostatnie: czyż ten radosny marsz w środku części lirycznej nie jest niesamowity? Czy ostatnie „Rondo w stylu węgierskim” nie pozostawia daleko w tyle za żadnym z „tańców węgierskich”? Kwartet został stworzony przez Brahmsa na długo przed I Symfonią, ale cztery instrumenty otrzymały tak bogactwo melodii i harmonii, że wystarczyłoby na całą orkiestrę.

Antonin Dvorak

Kwintet na fortepian, dwoje skrzypiec, altówkę i wiolonczelę nr 2

Drugi kwintet Dvoraka powstał w 1887 roku, ćwierć wieku po kwartecie Brahmsa. Kolejna późnoromantyczna kompozycja, jeszcze bardziej skontrastowana i jeszcze gęściej doprawiona motywami wschodnioeuropejskimi - jest tu miejsce zarówno dla myśli ukraińskiej, jak i tańców czeskich. Występują tu trzy główne postacie: wiolonczela i altówka, których solówki otwierają część pierwszą i drugą, oraz fortepian, który łączy tkankę kwintetu niewidzialnymi nićmi.

Wolfgang Amadeusz Mozart

Sonata na skrzypce i fortepian nr 21

Najsmutniejsza muzyka na świecie.

Cesar Frank

Sonata na skrzypce i fortepian

Jedna z najlepszych sonat skrzypcowych, jakie kiedykolwiek napisano, jest kompozycją całkowicie romantyczną, dążącą z całych sił do wyjścia poza romantyzm. Bez wątpienia za pierwszym razem zapamiętasz niesamowicie piękną pierwszą frazę i nie tylko.

Piotr Czajkowski

„Pamięci wielkiego artysty”

Dla wielu Czajkowski – „Dziadek do orzechów”, „Śpiąca królewna”, I Koncert fortepianowy. Trio "Pamięci wielkiego artysty" nie ma z tymi pracami nic wspólnego - wypowiedź tragiczna, głęboko intymna, pozbawiona jakiegokolwiek ciężaru i pompatyczności. Takiego Czajkowskiego nigdy nie słyszałeś.

Dmitrij Szostakowicz

Kwartet smyczkowy nr 8

Nazwa „Pamięci ofiar faszyzmu i wojny” jest tylko przykrywką dla prawdziwego nazwiska, jakie Szostakowicz miał na myśli: „Pamięci autora tego kwartetu”. Bynajmniej nie ostatnie dzieło kompozytora, stało się jednak jego pomnikiem samego siebie: żałobnym epitafium, podszytym cytatami z najlepszych dzieł Szostakowicza.

Franz Schubert

Trio fortepianowe nr 2

Kompozycje kameralne Schuberta są nie mniej ekspresyjne i przenikliwe niż jego wokalne. Przykładem jest trio na fortepian, skrzypce i wiolonczelę: główny temat jego drugiej części jest pamiętany od pierwszego razu i na całe życie, sprawdź to.

Klasyka XX wieku

Karol Ives

„Pytanie bez odpowiedzi”

Małe arcydzieło jest kluczem do całej muzyki XX wieku: smyczki grają jedną rzecz, flety drugą, trąbka trzecią. Nie ma wpadającej w ucho melodii, ale brzmi pięknie i urzekająco.

Arnolda Schönberga

Serenada

Kolejny, obok Wozzecka, przykład „dodekafonii z ludzką twarzą”. Choć mało prawdopodobne jest, aby ktokolwiek był w stanie zaśpiewać kilka taktów serenady, jest ona pełna popędu i humoru: wśród instrumentów znalazła się gitara i mandolina, które nadają chłodnemu brzmieniu zespołu nieco nieformalności, a nawet folku.

Arnolda Schönberga

„Księżycowy Pierrot”

Jeśli serenada jest przykładem surowego, ustalonego stylu, to Lunar Pierrot jest tylko jej poszukiwaniem: Schoenberg nie odkrył jeszcze dodekafonii, ale już porzucił tonację, durową i molową. Przy akompaniamencie niewielkiego zespołu partia wokalna brzmi jak śpiew mowy - pomiędzy śpiewem a podekscytowaną mową ludzką. Jedno z najbardziej rewolucyjnych pism XX wieku.

Pierre Boulez

„Młot bez mistrza”

Muzyk, który stworzył wzorcowe nagrania kompozycji Schoenberga, odpowiedział na jego śmierć artykułem o wyzywającym tytule „Schoenberg nie żyje”. A trzy lata później na głos i zespół pojawił się „Młot bez mistrza”, rodzaj „Księżycowego Pierrota” drugiej połowy XX wieku. Strawiński, który zidentyfikował Księżycowy Pierrot jako splot słoneczny nowej muzyki, później bez wahania nazwał Młot bez mistrza najlepszą współczesną kompozycją, brzmiącą „jakby kostki lodu zderzyły się w szklance”.

Claude Debussy

„Popołudnie Fauna”

Dzień premiery kompozycji - 22 grudnia 1894 - stał się dniem urodzin muzycznego impresjonizmu. "Faun" rozpoczyna niezapomniane solo na flecie, które otwiera nowe horyzonty w muzyce świata.

Zoltan Kodai

„Taniec z Galanty”

Efektowny utwór oparty na autentycznych ludowych melodiach, gdzie wolne tempa zastępują tak szybkie, że zapiera dech w piersiach. Ta zmiana tempa jest charakterystyczną cechą verbbunkos, węgierskiego tańca wykonywanego na stanowiskach werbunkowych i przy odprawie do wojska. Piętnaście minut czystej radości.

Dariusz Millau

„Tworzenie świata”

Kompozytorzy francuscy z grupy „Six” zaproponowali europejską wersję tego, co udało się Gershwinowi: połączyć tradycję klasyczną z jazzem i dźwiękami wielkiego miasta, zwracając się w stronę prostych form i chwytliwych melodii. Milhaud odniósł szczególny sukces ze swoimi baletami Byk na dachu i Stworzenie świata. „Podoba mi się, a to też jest klasyka!?” - ty pytasz. Z pewnością tak.

Artur Honegger

„Pacyfik 231”

Kolejny muzyczny symbol XX wieku w ogóle, a postępu technologicznego w szczególności. Po ukończeniu energicznego utworu orkiestrowego autor dla zabawy nadał mu miano najpotężniejszego parowozu na świecie. Publiczność potraktowała ten żart poważnie, gdy w Pacifica usłyszeli dźwiękowy portret parowozu przyśpieszającego, buczącego, a potem zwalniającego; świetna muzyka, która daje wiele możliwości wyobraźni.

Krzysztof Penderecki

„Lament nad ofiarami Hiroszimy”

Spektakl, podobnie jak Pacific 231, został uwielbiony przede wszystkim tytułem. Napisana w najbardziej zaawansowanym języku dla połowy XX wieku, partytura nie odniosła sukcesu pod oryginalną nazwą „8.37”, ale pod nową stała się bardzo popularna, choć ani jednej nuty nie uległa zmianie. Choć Pacific jest pozytywny, Lament jest równie przygnębiający, chociaż zdecydowanie powinieneś go poznać.

Siergiej Prokofiew

"Romeo i Julia"

Najlepsze z muzycznych wcieleń tragedii Szekspira, liczące kilka przebojów - przede wszystkim znany temat „Taniec Rycerzy” (popularny pod nazwą „Montagues and Capulets”). Co zaskakujące, Teatr Bolszoj, który zamówił balet, początkowo go odrzucił, uważając, że muzyka nie jest inscenizowana i nie do pomyślenia dla teatru.

Maurice Ravel

"Bolero"

Werble, flet grają zwodniczo prosty temat, który stopniowo podchwytują inne instrumenty orkiestry. Wydaje się to prostym schematem, ale słuchacz nadal pozostanie z otwartymi ustami, nawet jeśli zna Bolera na pamięć.

Maurice Ravel

Walc

Z niewyraźnego dudnienia wyłania się stopniowo typowy walc wiedeński. Tancerze wirują coraz szybciej, aż w końcu pęka wiosna tej rozwścieczonej pozytywki. Niesamowity i doskonały obraz końca pięknej epoki, którą zastąpiło stulecie wojen światowych.

Arvo Part

Bracia

Pärt jest najczęściej wykonywanym współczesnym kompozytorem, jego kompozycje słychać na całym świecie setki razy w roku. W połowie lat 70. Pärt przeszedł od awangardy do muzyki cichej, wolnej, która okazała się niezwykle poszukiwana: wielu fanów Pärta jest dalekich od klasyki i postrzega jego dzieła jako rodzaj muzycznego środka uspokajającego. Kompozycją odniesienia jest „Fratres”, która w każdym z licznych wydań brzmi inaczej, ale nie traci intonacji smutnego znaku zapytania.

Steve Reich

„Różne pociągi”

Kolejny żyjący klasyk, kiedyś znany jako awangarda. „Inne pociągi” to pomnik ofiar Holokaustu: Reich zestawia ze sobą pociągi swojego dzieciństwa, którymi niejednokrotnie przejeżdżał Amerykę, przez inne, które wysyłały jego europejskich rówieśników do obozów koncentracyjnych. Kompozycja została napisana na kwartet smyczkowy i fonogram, na który składają się odgłosy kół, gwizdki lokomotyw, historie ocalonych z Holokaustu. Utrwalone notatkami fragmenty mowy ludzkiej stały się podstawą partii instrumentalnych. Idealny na pierwsze spotkanie z Reichem.

Igor Strawiński

"Pietruszka"

Jeden z najdoskonalszych wyrazów rosyjskiego ducha w muzyce: zapusty, lira korbowa, harmonijka ustna, Cyganie, wytresowany niedźwiedź, „Nad Piterską”, „O mój baldachim, baldachim”, karnawał, zabawa, naleśniki.

Igor Strawiński

„Święta wiosna”

Zupełne przeciwieństwo „Pietruszki”: pogaństwo, lęk przed śmiercią, powolne ponure tańce w kółko, poświęcenie w nadziei na przebłaganie żywiołów, całkowite rozwalenie harmonii – jedna z najbardziej rewolucyjnych i skandalicznych partytur w historii muzyki.

Alfreda Schnittkego

koncert Grosso №1

Znakiem rozpoznawczym głównego kompozytora radzieckiego po Szostakowiczu: elementy wzajemnie wykluczających się stylów łączą się tu w jedną całość. „W ramach Concerto grosso przedstawiłem żwawy dziecięcy chorał, nostalgiczno-atonalną serenadę – trio gwarantujące autentyczny Corelli (produkowany w ZSRR) i ulubione tango mojej babci, które jej prababka gra na klawesynie. "

Alfreda Schnittkego

„Opowieść rewizyjna”

Idealne wprowadzenie do muzyki Schnittkego dla tych, dla których jest ona zbyt skomplikowana. Połączenie klawesynu z popowymi instrumentami tworzy wieloaspektową przestrzeń, w której jest miejsce na „temat losu” Beethovena, parodie Haydna, którego intonacje sprowadzane są do słodyczy, a także cienie Mozarta i Czajkowskiego, tańczące tango i kankan .

Tylko arcydzieła

Jan Sebastian Bach

Suity na orkiestrę nr 2 i 3

W porównaniu do HTK, dwa apartamenty brzmią jak muzyka rozrywkowa, zwłaszcza że każdy zawiera co najmniej jeden super hit: odpowiednio „Żart” i „Aria”, które od dawna są sprzedawane w dzwonkach oraz wygaszaczach ekranu w telewizji i radiu. Może się to jednak zdarzyć w przypadku innych fragmentów tych suit, przepełnionych jasnymi melodiami.

Johannes Brahms

„Tańce węgierskie”

Jeśli orkiestra symfoniczna zagra bis, w jednym przypadku na trzy dyrygent wybierze Pierwszy Taniec Węgierski; w skrajnych przypadkach - piąty. Na podstawie oryginalnych melodii węgierskich powstało dwa tuziny miniatur na dwa fortepiany, później zaaranżowanych na orkiestrę; wynik - 21 wzorowych bis.

Edward Grieg

„Peer Gynt”

Dramat Ibsena „Peer Gynt” jest znany na całym świecie, a muzyka Griega napisana na jego premierę jest jeszcze bardziej popularna: „Solveig's Song” i „In the Hall of the Mountain King” na pewno wiecie. Nie odmawiaj sobie przyjemności słuchania „Peer Gynt” w całości.

Aleksander Skriabin

„Prometeusz”

W swoim ostatnim i być może najważniejszym dziele symfonicznym Skriabin starał się wyrazić ideę triumfu ducha, aby osiągnąć maksymalny blask. Dlatego też „Prometeusz” (aka „Poemat ognia”) został napisany nie tylko na orkiestrę, fortepian, organy i chór, ale także na lekką klawiaturę, zanurzając salę koncertową w blasku tego czy innego koloru. Jednak sama w sobie muzyka „Prometeusza” jest dosłownie przepełniona światłem słonecznym.

Bedrich Smetana

„Moja ojczyzna”

Cykl poematów symfonicznych to muzyczny portret Republiki Czeskiej, jej historii, przyrody i legend. Szczególnie popularna jest „Wełtawa”, w której słychać bieg rzeki i polowania w lesie nad jej brzegami oraz nocne tańce syren. Główny temat pochodzi z XVII-wiecznej włoskiej piosenki „La Mantovana”. Później ta sama melodia stała się podstawą hymnu Izraela.

Nikołaj Rimski-Korsakow

„Szeherezada”

Najpierw autor nadał częściom suity nazwy: „Morze i Statek Sindbada”, „Fantastyczna historia carewicza Kalendera”, „Książę i księżniczka”, „Święto Bagdadu. Morze. Statek rozbija się na skale z jeźdźcem z brązu. Wniosek”, ale później postanowił je usunąć. Są jednak dobrze znane, a słuchając muzyki mimowolnie kojarzymy skrzypce z głosem Szeherezady, okrzyki instrumentów dętych z burzą na morzu, solo fletu z okrętem Sindbada Żeglarza. Jeden z najlepszych przykładów muzyki programowej.

Ryszard Strauss

"Don Kichot"

Z dzieł Straussa najsłynniejszym wierszem jest „Tak mówił Zaratustra”, którego wprowadzenie służy jako wygaszacz ekranu do programu „Co? Gdzie? Kiedy?". Jednak Don Kichot, w którym wiolonczela śpiewa w imieniu słynnego rycerza, jest znacznie bogatszy w nieoczekiwane zwroty akcji i, jak mało która muzyka na świecie, przypomina ekscytujący film.

Tak więc w centrum naszej uwagi znajdują się dziś najsłynniejsze utwory muzyki klasycznej. Muzyka klasyczna od kilku stuleci ekscytuje słuchaczy, wywołując w nich burzę uczuć i emocji. Od dawna wpisuje się w historię i splata się z teraźniejszością cienkimi nitkami.

Niewątpliwie w odległej przyszłości muzyka klasyczna będzie nie mniej poszukiwana, ponieważ takie zjawisko w świecie muzycznym nie może stracić na aktualności i znaczeniu.

Wymień dowolne dzieło klasyczne - będzie godne pierwszego miejsca w każdej muzycznej paradzie przebojów. Ponieważ jednak najsłynniejszych dzieł muzyki klasycznej nie można porównać ze sobą, ze względu na ich artystyczną wyjątkowość, wymienione tu opusy prezentowane są jedynie jako utwory do zaznajomienia.

"Sonata księżycowa"

Ludwig van Beethoven

Latem 1801 roku genialne dzieło L.B. Beethoven, który miał stać się sławny na całym świecie. Nazwa tego dzieła „Moonlight Sonata” znana jest absolutnie każdemu, od starego do młodego.

Ale początkowo dzieło nosiło nazwę „Prawie fantazja”, którą autor zadedykował swojej młodej uczennicy, ukochanej Juliet Guicciardi. A nazwa, pod którą znana jest do dziś, została wymyślona przez krytyka muzycznego i poetę Ludwiga Relshtab po śmierci L.V. Beethovena. Dzieło to należy do jednego z najsłynniejszych dzieł muzycznych kompozytora.

Nawiasem mówiąc, doskonałą kolekcję muzyki klasycznej reprezentują wydania gazety Komsomolskaja Prawda - kompaktowe książki z płytami do słuchania muzyki. Możesz czytać i słuchać jego muzyki - bardzo wygodne! Zalecana zamów płyty z muzyką klasyczną bezpośrednio z naszej strony : naciśnij przycisk „kup” i od razu przejdź do sklepu.

"Marsz Turecki"

Wolfgang Amadeusz Mozart

Utwór ten jest trzecią częścią Sonaty nr 11, narodził się w 1783 roku. Początkowo nosiło nazwę „Tureckie Rondo” i było bardzo popularne wśród austriackich muzyków, którzy później zmienili jego nazwę. Utworowi nadano nazwę „Marsz turecki” także dlatego, że współbrzmi on z tureckimi orkiestrami Janczarów, dla których brzmienie perkusji jest bardzo charakterystyczne, co można prześledzić także w „Marszu tureckim” V.A. Mozarta.

"Ave Maria"

Franz Schubert

Sam kompozytor napisał to dzieło do wiersza „Pani Jeziora” W. Scotta, a raczej do jego fragmentu i nie zamierzał pisać tak głęboko religijnej kompozycji dla Kościoła. Jakiś czas po pojawieniu się utworu nieznany muzyk, zainspirowany modlitwą „Ave Maria”, ustawił swój tekst do muzyki genialnego F. Schuberta.

„Fantasy Impromptu”

Fryderyk Chopin

F. Chopin, geniusz epoki romantyzmu, zadedykował to dzieło swojemu przyjacielowi. I to on, Julian Fontana, nie posłuchał pouczeń autora i opublikował je w 1855 roku, sześć lat po śmierci kompozytora. F. Chopin uważał, że jego twórczość jest podobna do impromptu I. Moschelesa, ucznia Beethovena, słynnego kompozytora i pianisty, co było przyczyną odmowy wydania Fantazji-Impromptu. Jednak nikt nigdy nie uważał tego genialnego dzieła za plagiat, z wyjątkiem samego autora.

"Lot trzmiela"

Nikołaj Rimski-Korsakow

Kompozytor tego utworu był miłośnikiem rosyjskiego folkloru - interesowały go bajki. Doprowadziło to do powstania opery „Opowieść o carze Saltanie” opartej na fabule A.S. Puszkina. Częścią tej opery jest interludium „Lot trzmiela”. Po mistrzowsku, niesamowicie plastycznie i genialnie naśladowała w pracy odgłosy lotu tego owada N.A. Rimski-Korsakow.

„Kaprys nr 24”

Niccolo Paganini

Początkowo autor wszystkie swoje kaprysy komponował wyłącznie w celu doskonalenia i doskonalenia umiejętności gry na skrzypcach. Ostatecznie wnieśli do muzyki skrzypcowej wiele nowych i nieznanych wcześniej. A dwudziesty czwarty kaprys, ostatni ze skomponowanych kaprysów N. Paganiniego, niesie ze sobą szybką tarantellę z ludowymi intonacjami, a także uznawany jest za jedno z utworów, jakie kiedykolwiek powstały na skrzypce, które nie ma sobie równych pod względem złożoności.

„Wokaliza, opus 34, nr 14”

Siergiej Wasiljewicz Rachmaninow

Dzieło to kończy 34. opus kompozytora, które łączy czternaście pieśni napisanych na głos z towarzyszeniem fortepianu. Wokaliza, zgodnie z oczekiwaniami, nie zawiera słów, lecz jest wykonywana na jednej samogłosce. S.V. Rachmaninow zadedykował go śpiewaczce operowej Antoninie Nieżdanowej. Bardzo często utwór ten wykonywany jest na skrzypcach lub wiolonczeli przy akompaniamencie fortepianu.

"Światło księżyca"

Claude Debussy

Utwór ten kompozytor napisał pod wrażeniem linijek wiersza francuskiego poety Paula Verlaine'a. Nazwa bardzo wyraźnie oddaje miękkość i wzruszającą melodię, która oddziałuje na duszę słuchacza. To popularne dzieło genialnego kompozytora C. Debussy'ego wybrzmiewa w 120 filmach różnych pokoleń.

Jak zawsze, najlepsza muzyka jest w naszej grupie w kontakcie .

Muzyka ma niesamowitą moc oddziaływania na człowieka i dlatego jest jednym z najpiękniejszych i najpotężniejszych środków jego wewnętrznego rozwoju. Doświadcza muzyki tak, jak mógł przeżywać prawdziwe wydarzenia w swoim życiu, a poznawanie muzyki jest okazją do pozytywnych doświadczeń życiowych.

„Każda forma komunikacji z muzyką uczy słuchania muzyki, stale poprawiając umiejętność słuchania i myślenia o niej” – powiedział słynny nauczyciel D.B. Kabalewski. Ale najbardziej aktywną i dostępną formą komunikacji z muzyką, która budzi myśli i uczucia, są momenty, w których człowiek zachowuje się jak słuchacz. To w tych chwilach najbardziej potrzebuje uwagi, koncentracji i napięcia siły psychicznej. „Słuchanie” to główny rodzaj działalności muzycznej. Dlatego konieczne jest wykorzystanie każdej okazji do wyrobienia sobie gustu muzycznego, umiejętności porównywania, porównywania, odróżniania i rozpoznawania tego, co się usłyszało.

Rafał. Parnas. Apollo i muzy.

Co można usłyszeć w muzyce poza samą muzyką? Jeśli zapytasz: co widać na zdjęciu artysty? Co można przeczytać w książce? Co można zobaczyć w filmie? We wszystkich tych przypadkach odpowiedź będzie mniej lub bardziej konkretna, ponieważ treść tych dzieł jest dość pewna. Odzwierciedla jakąś stronę życia ludzi, stan otaczającej ich przyrody, można to opowiedzieć słowami.

Ale jeśli wyobrazisz sobie występ orkiestry lub wykonanie utworu instrumentalnego przez muzyka. Czy dobrze jest zapytać: o co oni grają? Pytanie niezwiązane z muzyką. Dlaczego więc po co i dla kogo brzmi muzyka? Oczywiście dla tych, którzy tego słuchają. Więc możesz usłyszeć coś w muzyce. To właśnie przyciąga do niej ludzi.

Jak każde inne dzieło sztuki, muzyka budzi w nas podekscytowanie, czasami doświadczając niezwykłych, silnych uczuć. Gdyby muzyka była pustą grą dźwięków, nie znalazłaby duchowej odpowiedzi, człowiek pozostawałby wobec niej obojętny, obojętny. Oznacza to, że muzyka zawiera w sobie coś ważnego, znaczącego dla człowieka, to znaczy ma znaczenie.

Czym jest ta treść i jak się manifestuje? przede wszystkim w tym. że muzyka jest w stanie przekazać taki lub inny stan umysłu osoby, wyrazić jej uczucia, doświadczenia. Czasami kompozytor wtajemnicza słuchaczy w swój pomysł. Następnie w taki czy inny sposób wyjaśnia treść pracy, np. nadaje jej odpowiedni tytuł. Jeśli treść utworów na instrumenty lub orkiestrę przekazywana jest głównie tylko środkami wyrazowymi samej muzyki, o czym postaram się omówić osobno, to w utworach wokalnych, teatralnych, to już dotyczy słowa, działania i taniec i dekoracja sceny.

A ile można wyrazić za pomocą samych dźwięków? Co dokładnie? Czy potrafią narysować dowolny obraz, przekazać ruch, opowiedzieć o życiu ludzi? Aby to zrobić, musisz zwrócić się do samej muzyki i spróbować „usłyszeć” treść, która jest w każdym dziele.

T.A. Czechowa w swojej pracy udziela następujących rad początkującym i niezbyt doświadczonym słuchaczom:

1. Na początku lepiej wybierać utwory krótkie, dopóki nie wykształci się umiejętność „śledzenia słuchowego” dźwięków.

2. Do odsłuchu należy wybrać kompozycje zarówno muzyki wokalnej (na głos), jak i instrumentalnej (na różne instrumenty muzyczne). Należy pamiętać, że tekst w utworach wokalnych pomaga w zrozumieniu treści, a utwory programowej muzyki instrumentalnej o określonej fabule, wyrażonej w tytule utworu, są łatwiej dostrzegalne i zaczynają lepiej zdobywać doświadczenie w słuchaniu muzyki od ich.

3. Podczas dźwięku należy uważnie obserwować to, co dzieje się w muzyce od samego początku do końca, obejmując uszami dźwięk po dźwięku, nie tracąc niczego z oczu.

4. Od czasu do czasu zdecydowanie warto wracać do słuchania znanych utworów, aby nauczyć się je łatwo i szybko rozpoznawać, wyobrażać sobie w myślach ich brzmienie („głos wewnętrzny”).

5. W niektórych przypadkach możesz wybrać ilustrację, która pasuje do Twojego nastroju do tego, co słyszysz, lub narysować swój własny „obraz muzyczny”. Rozbudzić fantazję i wyobraźnię pomogą także linie utworów literackich, zwłaszcza poetyckich, które można znaleźć u wielu różnych znanych pisarzy i poetów. Zastanowienie się, dlaczego te, a nie inne linie, są tak zestrojone z muzycznymi, również pomoże ci usłyszeć więcej.

6. Niektóre kompozycje muzyczne mają te same nazwy, ale w ich nastroju uczucia są zupełnie inne. Szczególnie należy wsłuchiwać się w brzmienie takich utworów, zapamiętywać je i zauważać tę odmienność dla siebie. (Spróbuj odróżnić postacie i obrazy).

P. Picassa. Trzech muzyków

Aby określić charakter dzieła, jego emocjonalno-figuratywne postrzeganie, można najpierw użyć słownika emocji estetycznych występujących w muzyce jako znaków charakteru dźwięku, który oferuje naukowiec, nauczyciel i psycholog V.G. Razhnikov.

RADOSNY: zabawny, świąteczny, głośny, musujący, wesoły, żywy, żwawy, jasny, promienny

Uroczyście: majestatyczny, zwycięski, zachęcający, entuzjastyczny, pełen wdzięku, afirmujący życie

DELIKATNIE: czule, serdecznie, wzruszająco, uprzejmie, ufnie, ładnie, bez złośliwości

CISZA: spokojnie, pogodnie, dobrodusznie, lekko, przejrzyście, życzliwie

Podekscytowany: niespokojny, niespokojny

CIĘŻKI: niezgrabny, kanciasty

STRASZNY: dynamiczny, tragiczny

POETYCZNY: rozmarzony, melodyjny, uduchowiony, pełen czci, serdeczny

Dobrym przykładem jest tu chociażby album „Seasons” P.I. Czajkowski. Gdzie każdy miesiąc ma swój charakter i nastrój. Dźwiękowe obrazy natury, tworzone przez utalentowanych kompozytorów, można porównać z pejzażami znanych artystów, z opisem piękna otaczającego świata w poezji. Zniewalająca księżycowa noc, pełna magicznego uroku, tajemnicza i enigmatyczna – tak obrazuje sztuka „Moonlight” C. Debussy'ego. Spokojne nadejście poranka prowadzi do wstępu do opery Musorgskiego Świt nad rzeką Moskwą.

Debussy – Światło księżyca

Muzyka ma dostęp zarówno do bajecznego, fantastycznego świata, jak i do świata rzeczywistego, w którym żyją ludzie, dzieją się codzienne wydarzenia i wykonywane są różne akcje. Jak jest reprezentowana w muzyce? W pierwszym przypadku bardzo odpowiednie będą dzieła rosyjskiego kompozytora, gawędziarza muzycznego Rimskiego-Korsakowa. Na przykład jego opery „Opowieść o carze Saltanie”, „Sadko”, „Śnieżna Panna”, „Złoty Kogucik”, suita „Szeherezada”. Wśród sztuk Musorgskiego jest wiele bajecznych obrazów, zjednoczonych pod ogólnym tytułem „Obrazy z wystawy”, Anatolij Lyadov - bajeczny obraz „Magiczne jezioro”.

I. Lewitana. Jezioro Leśne

Czy muzyka może oddać charakter osoby? Na początek można zapoznać się z postaciami z „Karnawału” niemieckiego kompozytora Schumanna. jeśli porównamy muzyczne portrety Florestana i Euzebiusza, staje się jasne, jak bardzo są one przeciwstawne: Florestan jest impulsywny, zawsze w ruchu. podczas gdy Euzebiusz jest spokojny, skłonny do marzeń. Na karnawale migoczą też znajome maski - kanciasty, nieco zabawny Pierrot i lekki Arlekin o skokowym chodzeniu.

Euzebiusz (z karnawału) - Euzebiusz

W literaturze muzycznej znany jest też inny karnawał... Francuski kompozytor Saint-Saens nazwał go "Karnawałem Zwierząt".

A w orkiestrowym dziele O. Messiaena „Przebudzenie ptaków” bardzo dokładnie oddane są rozmaite odgłosy letniego lasu wypełnione głosami ptaków, powstają portrety „leśnych śpiewaków”.

Anton Arensky ma apartament „Sylwetki”. W skład pakietu wchodzi pięć szkiców portretowych, napisanych w elegancko zrelaksowany sposób, przyciągających subtelnością i dowcipem dźwiękowych obrazów.

Czy muzyka może dać wyobrażenie o jakimkolwiek wydarzeniu? Z utworu muzycznego można dowiedzieć się o wydarzeniach z odległej przeszłości. Jeden z nich został uwieczniony w muzyce przez Rimskiego-Korsakowa. Jego „Bitwa pod Kerzhents” to żywy obraz zaciętej bitwy.

„Bitwa pod Kerzhentsem”

Słuchanie i słuchanie muzyki to dwie różne rzeczy. Treść muzyki jest równie bogata i różnorodna jak treść innych form sztuki. Dopiero to ujawnia się za pomocą wyrazistych środków charakterystycznych dla muzyki. W przeciwieństwie do dźwięków niemuzycznych, dźwięki muzyczne mają dokładną wysokość i określony czas trwania. Ponadto mogą mieć inny kolor, brzmieć głośno lub cicho, być wykonywane szybko lub wolno. Melodia i akompaniament, ton i harmonia, metrum i rytm, rejestr i barwa, dynamika i tempo – to wszystko jest wyrazistym środkiem sztuki muzycznej. Nauczyć się ich słyszeć i rozróżniać, rozumieć język muzyki, w którym kompozytor zwraca się do słuchacza, jest tak samo konieczne, jak rozumienie tekstu literackiego, środków malarskich. Wtedy treść dzieł sztuki muzycznej zostanie ujawniona w całym jej bogactwie.

Muzyka ma niesamowitą moc oddziaływania na człowieka i dlatego jest jednym z najpiękniejszych i najpotężniejszych środków jego wewnętrznego rozwoju. Doświadcza muzyki tak, jak mógł przeżywać prawdziwe wydarzenia w swoim życiu, a poznawanie muzyki jest okazją do pozytywnych doświadczeń życiowych.

„Każda forma komunikacji z muzyką uczy słuchania muzyki, stale poprawiając umiejętność słuchania i myślenia o niej” – powiedział słynny nauczyciel D.B. Kabalewski. Ale najbardziej aktywną i dostępną formą komunikacji z muzyką, która budzi myśli i uczucia, są momenty, w których człowiek zachowuje się jak słuchacz. To w tych chwilach najbardziej potrzebuje uwagi, koncentracji i napięcia siły psychicznej. „Słuchanie” to główny rodzaj działalności muzycznej. Dlatego konieczne jest wykorzystanie każdej okazji do wyrobienia sobie gustu muzycznego, umiejętności porównywania, porównywania, odróżniania i rozpoznawania tego, co się usłyszało.

Rafał. Parnas. Apollo i muzy.

Co można usłyszeć w muzyce poza samą muzyką? Jeśli zapytasz: co widać na zdjęciu artysty? Co można przeczytać w książce? Co można zobaczyć w filmie? We wszystkich tych przypadkach odpowiedź będzie mniej lub bardziej konkretna, ponieważ treść tych dzieł jest dość pewna. Odzwierciedla jakąś stronę życia ludzi, stan otaczającej ich przyrody, można to opowiedzieć słowami.

Ale jeśli wyobrazisz sobie występ orkiestry lub wykonanie utworu instrumentalnego przez muzyka. Czy dobrze jest zapytać: o co oni grają? Pytanie niezwiązane z muzyką. Dlaczego więc po co i dla kogo brzmi muzyka? Oczywiście dla tych, którzy tego słuchają. Więc możesz usłyszeć coś w muzyce. To właśnie przyciąga do niej ludzi.

Jak każde inne dzieło sztuki, muzyka budzi w nas podekscytowanie, czasami doświadczając niezwykłych, silnych uczuć. Gdyby muzyka była pustą grą dźwięków, nie znalazłaby duchowej odpowiedzi, człowiek pozostawałby wobec niej obojętny, obojętny. Oznacza to, że muzyka zawiera w sobie coś ważnego, znaczącego dla człowieka, to znaczy ma znaczenie.

Czym jest ta treść i jak się manifestuje? Przede wszystkim ta muzyka jest w stanie przekazać taki lub inny stan umysłu człowieka, wyrazić jego uczucia, doświadczenia. Czasami kompozytor wtajemnicza słuchaczy w swój pomysł. Następnie w taki czy inny sposób wyjaśnia treść pracy, np. nadaje jej odpowiedni tytuł. Jeśli treść utworów na instrumenty lub orkiestrę przekazywana jest głównie tylko środkami wyrazowymi samej muzyki, o czym postaram się omówić osobno, to w utworach wokalnych, teatralnych, to już dotyczy słowa, działania i taniec i dekoracja sceny.

A ile można wyrazić za pomocą samych dźwięków? Co dokładnie? Czy potrafią narysować dowolny obraz, przekazać ruch, opowiedzieć o życiu ludzi? Aby to zrobić, musisz zwrócić się do samej muzyki i spróbować „usłyszeć” treść, która jest w każdym dziele.

T.A. Czechowa w swojej pracy udziela następujących rad początkującym i niezbyt doświadczonym słuchaczom:

1. Na początku lepiej wybierać utwory krótkie, dopóki nie wykształci się umiejętność „śledzenia słuchowego” dźwięków.

2. Do odsłuchu należy wybrać kompozycje zarówno muzyki wokalnej (na głos), jak i instrumentalnej (na różne instrumenty muzyczne). Należy pamiętać, że tekst w utworach wokalnych pomaga w zrozumieniu treści, a utwory programowej muzyki instrumentalnej o określonej fabule, wyrażonej w tytule utworu, są łatwiej dostrzegalne i zaczynają lepiej zdobywać doświadczenie w słuchaniu muzyki od ich.

3. Podczas dźwięku należy uważnie obserwować to, co dzieje się w muzyce od samego początku do końca, obejmując uszami dźwięk po dźwięku, nie tracąc niczego z oczu.

4. Od czasu do czasu zdecydowanie warto wracać do słuchania znanych utworów, aby nauczyć się je łatwo i szybko rozpoznawać, wyobrażać sobie w myślach ich brzmienie („głos wewnętrzny”).

5. W niektórych przypadkach możesz wybrać ilustrację, która pasuje do Twojego nastroju do tego, co słyszysz, lub narysować swój własny „obraz muzyczny”. Rozbudzić fantazję i wyobraźnię pomogą także linie utworów literackich, zwłaszcza poetyckich, które można znaleźć u wielu różnych znanych pisarzy i poetów. Zastanowienie się, dlaczego te, a nie inne linie, są tak zestrojone z muzycznymi, również pomoże ci usłyszeć więcej.

6. Niektóre kompozycje muzyczne mają te same nazwy, ale w ich nastroju uczucia są zupełnie inne. Szczególnie należy wsłuchiwać się w brzmienie takich utworów, zapamiętywać je i zauważać tę odmienność dla siebie. (Spróbuj odróżnić postacie i obrazy).

P. Picassa. Trzech muzyków

Aby określić charakter dzieła, jego emocjonalno-figuratywne postrzeganie, można najpierw użyć słownika emocji estetycznych występujących w muzyce jako znaków charakteru dźwięku, który oferuje naukowiec, nauczyciel i psycholog V.G. Razhnikov.

RADOSNY: zabawny, świąteczny, głośny, musujący, wesoły, żywy, żwawy, jasny, promienny

Uroczyście: majestatyczny, zwycięski, zachęcający, entuzjastyczny, pełen wdzięku, afirmujący życie

DELIKATNIE: czule, serdecznie, wzruszająco, uprzejmie, ufnie, ładnie, bez złośliwości

CISZA: spokojnie, pogodnie, dobrodusznie, lekko, przejrzyście, życzliwie

Podekscytowany: niespokojny, niespokojny

CIĘŻKI: niezgrabny, kanciasty

STRASZNY: dynamiczny, tragiczny

POETYCZNY: rozmarzony, melodyjny, uduchowiony, pełen czci, serdeczny

Dobrym przykładem jest tu chociażby album „Seasons” P.I. Czajkowski. Gdzie każdy miesiąc ma swój charakter i nastrój. Dźwiękowe obrazy natury, tworzone przez utalentowanych kompozytorów, można porównać z pejzażami znanych artystów, z opisem piękna otaczającego świata w poezji. Zniewalająca księżycowa noc, pełna magicznego uroku, tajemnicza i enigmatyczna – tak obrazuje sztuka „Moonlight” C. Debussy'ego. Spokojne nadejście poranka prowadzi do wstępu do opery Musorgskiego Świt nad rzeką Moskwą.

Muzyka ma dostęp zarówno do bajecznego, fantastycznego świata, jak i do świata rzeczywistego, w którym żyją ludzie, dzieją się codzienne wydarzenia i wykonywane są różne akcje. Jak jest reprezentowana w muzyce? W pierwszym przypadku bardzo odpowiednie będą dzieła rosyjskiego kompozytora, gawędziarza muzycznego Rimskiego-Korsakowa. Na przykład jego opery „Opowieść o carze Saltanie”, „Sadko”, „Śnieżna Panna”, „Złoty Kogucik”, suita „Szeherezada”. Wśród sztuk Musorgskiego jest wiele bajecznych obrazów, zjednoczonych pod ogólnym tytułem „Obrazy z wystawy”, Anatolij Lyadov - bajeczny obraz „Magiczne jezioro”.

I. Lewitana. Jezioro Leśne

Czy muzyka może oddać charakter osoby? Na początek można zapoznać się z postaciami z „Karnawału” niemieckiego kompozytora Schumanna. Jeśli porównamy muzyczne portrety Florestana i Euzebiusza, staje się jasne, jak bardzo są one przeciwstawne: Florestan jest impulsywny, zawsze w ruchu, podczas gdy Euzebiusz jest spokojny, skłonny do marzeń. Na karnawale migoczą też znajome maski - kanciasty, nieco zabawny Pierrot i lekki Arlekin o skokowym chodzeniu.

Euzebiusz (z karnawału) - Euzebiusz

W literaturze muzycznej znany jest też inny karnawał... Francuski kompozytor Saint-Saens nazwał go "Karnawałem Zwierząt".

A w orkiestrowym dziele O. Messiaena „Przebudzenie ptaków” bardzo dokładnie oddane są rozmaite odgłosy letniego lasu wypełnione głosami ptaków, powstają portrety „leśnych śpiewaków”.

Anton Arensky ma apartament „Sylwetki”. W skład pakietu wchodzi pięć szkiców portretowych, napisanych w elegancko zrelaksowany sposób, przyciągających subtelnością i dowcipem dźwiękowych obrazów.

Czy muzyka może dać wyobrażenie o jakimkolwiek wydarzeniu? Z utworu muzycznego można dowiedzieć się o wydarzeniach z odległej przeszłości. Jeden z nich został uwieczniony w muzyce przez Rimskiego-Korsakowa. Jego „Bitwa pod Kerzhents” to żywy obraz zaciętej bitwy.

Słuchanie i słuchanie muzyki to dwie różne rzeczy. Treść muzyki jest równie bogata i różnorodna jak treść innych form sztuki. Dopiero to ujawnia się za pomocą wyrazistych środków charakterystycznych dla muzyki. W przeciwieństwie do dźwięków niemuzycznych, dźwięki muzyczne mają dokładną wysokość i określony czas trwania. Ponadto mogą mieć inny kolor, brzmieć głośno lub cicho, być wykonywane szybko lub wolno. Melodia i akompaniament, ton i harmonia, metrum i rytm, rejestr i barwa, dynamika i tempo – to wszystko jest wyrazistym środkiem sztuki muzycznej. Nauczyć się ich słyszeć i rozróżniać, rozumieć język muzyki, w którym kompozytor zwraca się do słuchacza, jest tak samo konieczne, jak rozumienie tekstu literackiego, środków malarskich. Wtedy treść dzieł sztuki muzycznej zostanie ujawniona w całym jej bogactwie.