Kultura muzyczna w skrócie. Kultura muzyczna w rozwoju osobowości nauczyciela

pojęcie kultura przeszedł trudną ścieżkę historycznego rozwoju. Filozofowie i kulturolodzy liczą do dwustu definicji.

W teorii kultury wyróżnia się jej warstwę duchową i materialną, pojęcia kultura osobowości oraz kultura społeczeństwa. Pod tym względem interesujące jest wypowiedź słynnego niemieckiego myśliciela i muzykologa XIX-XX wieku. A. Schweitzer: „Kultura jest wynikiem wszystkich osiągnięć jednostek i całej ludzkości we wszystkich dziedzinach i we wszystkich aspektach, w takim stopniu, w jakim osiągnięcia te przyczyniają się do duchowego rozwoju jednostki i ogólnego postępu”.

Kultura artystyczna jest uważana w nowoczesnej estetyce za niezależną, specyficzną warstwę kultury ogólnej. Obejmuje pewną część kultury materialnej i duchowej społeczeństwa.

Bezpośredni udział w działalności artystycznej, percepcja dzieł sztuki rozwija człowieka duchowo, wzbogaca jego uczucia, intelekt.

Działania ludzi na polu kultury obejmują tworzenie wartości artystycznych, ich przechowywanie i dystrybucję, krytyczną refleksję i badania naukowe, edukację artystyczną i wychowanie.

Można wyróżnić pewne obszary kultury artystycznej, odpowiadające rodzajom sztuki, a wśród nich kulturę muzyczną. Pojęcie to obejmuje różne rodzaje działalności muzycznej i jej rezultat – utwory muzyczne, ich percepcję, wykonanie, a także wykształconą w procesie tej działalności świadomość muzyczną i estetyczną ludzi (zainteresowania, potrzeby, postawy, emocje, przeżycia, uczucia, oceny estetyczne, gusta, ideały)., poglądy, teorie). Ponadto w strukturę kultury muzycznej wpisuje się działalność różnych instytucji związanych z przechowywaniem i dystrybucją utworów muzycznych, edukacją i wychowaniem muzycznym oraz badaniami muzykologicznymi.

Zatrzymajmy się nad charakterystyką pojęcia kultury muzycznej dzieci w wieku przedszkolnym i przeanalizujmy jego strukturę.

Kulturę muzyczną dzieci można uznać za specyficzną subkulturę określonej grupy społecznej (dzieci w wieku przedszkolnym). Można w nim wyróżnić dwa składniki: 1) indywidualną kulturę muzyczną dziecka, w tym jego świadomość muzyczną i estetyczną, wiedzę muzyczną, umiejętności i zdolności, które wykształciły się w wyniku praktycznej działalności muzycznej; 2) kulturę muzyczną przedszkolaków, na którą składają się utwory ludowej i zawodowej sztuki muzycznej wykorzystywane w pracy z dziećmi, świadomość muzyczną i estetyczną dzieci oraz różne instytucje regulujące działalność muzyczną dzieci i zaspokajające potrzeby ich edukacji muzycznej.

Wielkość kultury muzycznej społeczeństwa odpowiadająca wiekowi przedszkolnemu dziecko przyjmuje w rodzinie, przedszkolu, za pośrednictwem mediów, instytucji muzycznych i kulturalnych.

Wpływ rodziny na kształtowanie się początków kultury muzycznej dziecka determinują jej tradycje, stosunek członków rodziny do sztuki muzycznej, ogólna kultura, a nawet pule genów. Rola przedszkola przejawia się poprzez osobiste i zawodowe cechy nauczyciela-muzyka, jego talent i umiejętności, ogólny poziom kulturowy wychowawców i całej kadry pedagogicznej, poprzez stworzone przez nich warunki.

Instytucje publiczne (środki masowego przekazu, twórcze związki muzyczne, instytucje muzyczno-kulturalne itp.) organizują różnorodne zajęcia muzyczne dla dzieci, tworzenie, reprodukcję i przechowywanie utworów muzycznych oraz badania naukowe.

Opierając się na zapisach psychologii o roli aktywności w rozwoju osobowości, w strukturze kultury muzycznej dziecka można wyróżnić kilka składowych (Schemat 1).

Elementy świadomości muzycznej i estetycznej, przejawiające się w wieku przedszkolnym, mają nadal charakter indykatywny i nie odpowiadają treścią całkowicie analogicznym elementom świadomości, tak jak ideały, poglądy, teorie są niedostępne dla dzieci w wieku przedszkolnym.

Świadomość muzyczna i estetyczna na różnych etapach życia dziecka przejawia się i rozwija nierównomiernie. Jego elementy są ściśle ze sobą połączone połączeniami zewnętrznymi i wewnętrznymi i tworzą jeden system.

Za podstawę indywidualnej kultury muzycznej dziecka można uznać jego świadomość muzyczną i estetyczną, która kształtuje się w procesie aktywności muzycznej.

KULTURA MUZYCZNA DZIECKA

DZIAŁANIA MUZYCZNE

Percepcja muzyki

Wykonywanie działań twórczych

Wiedza, umiejętności i zdolności

Oczywiście pojęcie „kultury muzycznej” wpisuje się w główny nurt pojęć bardziej ogólnych: „kultura”, „kultura artystyczna” i „kultura artystyczna jednostki”.

Współczesna koncepcja „kultury artystycznej” obejmuje „zestaw procesów i zjawisk czynności duchowych i praktycznych służących do tworzenia, dystrybucji, rozwoju dzieł sztuki lub przedmiotów materialnych o wartości estetycznej”. [Kultura artystyczna: pojęcie terminu. / Wyd. L N. Dorogova. - M., 1978 - s. 67].

Kultura artystyczna jest więc zbiorem wartości artystycznych, a także pewnym systemem ich reprodukcji i funkcjonowania w społeczeństwie. Zauważ, że pojęcie „sztuka” jest czasem używane jako synonim kultury artystycznej.

Skoro definicje te stały się synonimami, podstawowymi dla dziesiątek innych i ich pochodnych, należy wskazać, że kluczową cechą tego podejścia jest identyfikacja dwóch aspektów kultury artystycznej, a mianowicie kultury artystycznej społeczeństwa i przez ten pryzmat , kultura artystyczna jednostki.

Pojęcie „kultury artystycznej jednostki” można wyróżnić na tej podstawie, że definicje kultury artystycznej często podkreślają takie jej aspekty, jak „zdolność rozumienia sztuki i cieszenia się nią” Rapatskaya L.A. Kształtowanie kultury artystycznej nauczyciela muzyki. - M., 1991 - s. 41.; aktywna aktywność twórcza ludzi; proces tworzenia, postrzegania i przyswajania wartości artystycznych. To właśnie daje naukowcom powód do oddzielenia koncepcji „kultury artystycznej” i „kultury artystycznej jednostki”.

Pierwszym impulsem do takiego podziału było stwierdzenie o przemianie samej osobowości pod wpływem sztuki. Określając kulturę jako rodzaj duchowego wyposażenia jednostki, naukowcy rozumieją przez to rodzaj „rzutu” obrazów na odbiorcę, wcześniej opanowanej wiedzy, nazywając ją kulturą indywidualną.

Oczywiście ten punkt widzenia nie może być w pełni podzielany, ponieważ odzwierciedla tylko jeden z wielu aspektów pojęcia „kultury indywidualnej”. Kultura osobowości nie jest „magazynem” gotowych pomysłów, ale realnym narzędziem rozumienia i przekształcania świata i samej osobowości. Mimo oczywistej jednostronności sam pomysł przekształcenia samej osobowości wydał nam się bardzo owocny i godny dalszego rozważenia.

Yu.B. Alieva, Ts.G. Arzakanyan S.B. Bayramova, G.M. Breslava, A.V. Gordeev, LV Goryunow, Ł.N. Dorogow, Yu.A. Lukina, L.P. Peczko, A.V. Piradova, LA Rapacka, W.B. Churbanova i wielu innych. Przy wszystkich różnicach kierunków badawczych powyższych autorów łączy je jedno - analiza zmian funkcjonalnych zachodzących w człowieku pod wpływem artystycznym (estetycznym, duchowym).

Integralną częścią edukacji estetycznej jest edukacja muzyczna jako czynnik determinujący kształtowanie się kultury muzycznej człowieka. W pedagogice edukacja muzyczna i wychowanie interpretowane są jako proces zorganizowanego przyswajania podstawowych elementów doświadczenia społecznego, przekształcanych w różne formy kultury muzycznej. W badaniu G.V. Shostak rozumie kulturę muzyczną jako złożoną edukację integracyjną, która obejmuje umiejętność poruszania się w różnych gatunkach muzycznych, stylach i nurtach, wiedzę o charakterze muzyczno-teoretycznym i estetycznym, wysoki gust muzyczny, umiejętność emocjonalnego reagowania na treść określonego utworu muzycznego twórczość, a także kreatywne umiejętności wykonawcze – śpiew, gra na instrumentach muzycznych itp.

Zgodnie z aktywnym podejściem do kultury M.S. Kagana, kultura, jest projekcją działalności człowieka (której przedmiotem może być jednostka, grupa lub klan) i obejmuje trzy tryby: kulturę ludzkości, kulturę grupy społecznej i kulturę jednostki. Kulturę muzyczną człowieka można uznać za specyficzną subkulturę określonej grupy społecznej. Składa się z dwóch elementów:

• indywidualna kultura muzyczna, w tym świadomość muzyczna i estetyczna, wiedza muzyczna, umiejętności i zdolności, które wykształciły się w wyniku praktycznej działalności muzycznej;
• · kultura muzyczna określonej grupy wiekowej społecznej, w skład której wchodzą utwory ludowej i profesjonalnej sztuki muzycznej wykorzystywane w pracy z dziećmi oraz różne instytucje regulujące działalność muzyczną dzieci.

Pojęcie subkultury muzycznej epoki można przedstawić jako oryginalny zestaw wartości muzycznych, za którymi podążają przedstawiciele tej grupy wiekowej. Badacze wskazują na jej składowe, takie jak: wewnętrzna akceptacja lub odrzucenie pewnych gatunków i rodzajów sztuki muzycznej; orientacja zainteresowań i gustów muzycznych; folklor muzyczny i literacki dla dzieci itp.

Za podstawę indywidualnej kultury muzycznej dziecka można uznać jego świadomość muzyczną i estetyczną, która kształtuje się w procesie aktywności muzycznej. Świadomość muzyczna i estetyczna jest składnikiem kultury muzycznej, która jest działalnością muzyczną realizowaną na wewnętrznej płaszczyźnie idealnej.

Niektóre aspekty świadomości estetycznej były badane w aspekcie pedagogicznym i psychologicznym przez S.N. Belyaeva-Instance, N.A. Vetlugina, I.L.

Elementy świadomości muzycznej i estetycznej zidentyfikowane przez O.P. Radynowa:

• Potrzeba muzyki jest punktem wyjścia do kształtowania estetycznego stosunku dziecka do muzyki; powstaje wcześnie wraz z potrzebą komunikowania się z osobą dorosłą w ​​środowisku muzycznym przesyconym pozytywnymi emocjami; rozwija się wraz z nabywaniem doświadczenia muzycznego i do 6 roku życia może ukształtować się stałe zainteresowanie muzyką;
• emocje, przeżycia estetyczne – podstawa percepcji estetycznej; łączy emocjonalne i intelektualne podejście do muzyki. Teplov napisał: „Aby zrozumieć utwór muzyczny, ważne jest, aby przeżyć go emocjonalnie i na tej podstawie zastanowić się nad nim”. Rozwinięte emocje estetyczne są wskaźnikiem rozwoju indywidualnej kultury muzycznej;
• gust muzyczny – umiejętność cieszenia się wartościową artystycznie muzyką; nie jest wrodzony, powstaje w działalności muzycznej;
• · Ocena muzyki - świadome podejście do swoich potrzeb muzycznych, przeżyć, postaw, gustu, rozumowania.

Ludmiła Walentinowna Szkolar, mówiąc o kulturze muzycznej jako części całej kultury duchowej, podkreśla, że ​​ukształtowanie dziecka, ucznia jako twórcy, jako artysty (a to jest rozwój kultury duchowej) jest niemożliwe bez rozwoju fundamentalnych umiejętności - sztuka słyszenia, sztuka widzenia, sztuka odczuwania, sztuka myślenia. Rozwój osobowości człowieka jest na ogół niemożliwy poza harmonią jego "indywidualnego kosmosu" - widzę, słyszę, czuję, myślę, działam.

Struktura pojęcia „kultura muzyczna” jest bardzo zróżnicowana, można w niej wyróżnić wiele składowych, parametrów rozwoju muzycznego: poziom rozwoju śpiewu, umiejętności odbioru muzyki współczesnej, poziom aktywności twórczej itp. Jednak rozwój, awans dzieci w różnych aspektach rozumienia muzyki wciąż nie stanowi całej kultury muzycznej. Składniki powinny być uogólnione, sensownie wyrażać to, co w nim najistotniejsze, stać się ogólne w stosunku do konkretu. Taką podstawą mogą i powinny być te nowe formacje w świecie duchowym dziecka, które rozwijają się w wyniku załamania się w jego myślach i uczuciach treści moralnej i estetycznej muzyki i które pozwalają dowiedzieć się, na ile kultura muzyczna jednostka związana jest z całą rozległą kulturą materialną i duchową ludzkości. Yu.B. Aliyev uważa, że ​​główne kryteria determinujące rozwój kultury muzycznej uczniów to:

• Poziom rozwoju preferencji artystycznych;
• udział dzieci w wieku szkolnym w dowolnej dziedzinie twórczości artystycznej;
• · Świadomość w zakresie kultury artystycznej społeczeństwa.

Podobne komponenty wyróżnia L.V. Uczeń:

• doświadczenie muzyczne studentów;
• umiejętności muzyczne;
• rozwój muzyczny i twórczy uczniów.

Kryteria dostępności musical doświadczenie może wykonywać:

• poziom ogólnej świadomości muzycznej;
• obecność zainteresowania, pewne upodobania i preferencje;
• · motywacja odwoływania się dziecka do tej czy innej muzyki – czego dziecko w niej szuka, czego od niej oczekuje.

Metodologia ukierunkowana na identyfikację formacji duchowych ma trzy możliwości: 1) spotkania z muzyką w klasie; 2) muzyka do domowej biblioteki muzycznej; 3) muzyka dla przyjaciół. Proponuje się opracowanie programu na ostatnie lekcje kwartału, wybór płyt do słuchania w domu z rodziną, program imprezowy dla przyjaciół.

Dodatkowo możesz przeprowadzić rozmowę:

• 1. Co myślisz o muzyce?
• 2. Do czego służy muzyka w życiu?
• 3. Jakie utwory muzyczne znasz, które są twoimi ulubionymi?
• 4. Co śpiewasz w klasie, jakie znasz piosenki?
• 5. Gdzie słuchasz muzyki (telewizja, radio, koncerty)?
• 6. Czy spotykasz się z muzyką w szkole, poza lekcją? Gdzie?
• 7. Czy lubisz śpiewać w domu? Co będziesz jadł?
• 8. Czy twoi rodzice śpiewają w domu, na imprezie? Co oni śpiewają?
• 9. Jakiej muzyki słuchałeś ostatnio z rodzicami? Gdzie?
• 10. Jakie programy muzyczne lubiłeś ostatnio? Czemu?

Możliwy jest również kwestionariusz dla rodziców i identyfikacja pewnych umiejętności wykonawstwa muzycznego.

Kwestionariusz dla rodziców:

• 1. Jakie, Twoim zdaniem, dziecko powinno być uważane za kulturowe w dziedzinie muzyki?
• 2. Co jest potrzebne Twojemu dziecku do osiągnięcia określonego poziomu kultury muzycznej?
• 3. Jak widzisz, że rodzina pomaga rozwiązać ten problem?

Drugim składnikiem jest musical alfabetyzacja rozumiane jako:

• umiejętność postrzegania muzyki jako żywej, figuratywnej sztuki, zrodzonej z życia i nierozerwalnie z nią związanej;
• specjalny „zmysł muzyki”, który pozwala odbierać ją emocjonalnie, odróżniać w niej dobro od zła;
• umiejętność słuchu określania natury muzyki i wyczuwania wewnętrznego związku między naturą muzyki a charakterem jej wykonywania;
• Umiejętność rozpoznawania ze słuchu autora nieznanej muzyki, jeśli jest to cecha charakterystyczna tego autora.

Do identyfikacji umiejętności muzycznych stosuje się kilka metod „Skojarzenia muzyczne i życiowe”, „Wybierz muzykę” (definicja muzyki związanej z treścią); „Odkryj siebie poprzez muzykę”.

Metoda „Stowarzyszeń muzyczno-życiowych” polega na odpowiadaniu na pytania dotyczące nieznanego utworu:

• 1. Jakie wspomnienia wywołała w Tobie ta muzyka, z jakimi wydarzeniami w Twoim życiu mogła się wiązać?
• 2. Gdzie w życiu mogłaby brzmieć ta muzyka i jak może wpływać na ludzi?
• 3. Co w muzyce pozwoliło dojść do takich wniosków (tj. o czym i jak opowiada, jakie są jej środki wyrazowe w poszczególnych utworach)?

Technika „Otwórz się poprzez muzykę”. Dzieciom proponuje się utwór muzyczny i wiążą się z nim trzy zadania:

• · dzieci zostają postawione w pozycji „rozmówcy muzyki”: ona im coś mówi, a następnie muszą opowiedzieć o swoich uczuciach, o tym, co się w nich zrodziło podczas dialogu;
• Drugie zadanie polega na ujawnieniu przez dziecko treści muzycznych w plastiku, w ruchu;
• · trzecie zadanie wiąże się z ucieleśnieniem „siebie” w rysunku, samooceną, a muzyka działa tu jako źródło, znacząca okazja.

Kreatywność (kreatywność) jest uważana za szczególną cechę osobowości, charakteryzującą się zdolnością do samorozwoju. W szerokim tego słowa znaczeniu jest to świadoma celowa aktywność człowieka w zakresie poznania i przekształcania rzeczywistości. W muzyce twórczość wyróżnia się wyraźną treścią osobistą i przejawia się jako szczególna umiejętność odtwarzania, interpretowania i doświadczania muzyki. Parametry oceny posiadania przez dzieci umiejętności i zdolności twórczych to:

• emocjonalność;
• Stopień świadomości intencji;
• · pomysłowość, oryginalność, indywidualność w doborze środków ucieleśnienia;
• Artystyczne ucieleśnienie pomysłu;
• · atrakcyjność istniejącego doświadczenia muzycznego.

Poziom rozwoju muzycznego i twórczego sprawdzamy przede wszystkim obserwując dzieci w procesie ich komunikacji z muzyką (jaką rolę dziecko wybiera: kompozytor, wykonawca, słuchacz).

Inna technika „Komponuję muzykę” jest wykonywana indywidualnie i pomaga określić stopień rozwoju przedstawień figuratywnych, fantazji, wyobraźni, myślenia w ramach zadań artystycznych, słuchu figuratywnego, wzroku itp. Podane jest początkowe zadanie twórcze, sytuacja: „Wiosenne głosy”, „Letni dzień”, „Dźwięki wielkiego miasta” itp. Po wybraniu sytuacji uczeń wraz z nauczycielem zastanawia się nad logiką i oryginalnością rozwoju treści figuratywnej przyszłego dzieła sztuki. Możesz wcielić swój pomysł na pianinie, inne instrumenty, głos, plastykę.

Trzecia technika to „Dziecko i muzyka”. Muzyka jest żywą istotą. Uczeń jest proszony o narysowanie go tak, jak czuje, rozumie muzykę, kiedy występuje lub słucha. Nie zapomnij narysować siebie na tym rysunku.

Blok obiektów cyklu estetycznego w szkole podstawowej ma na celu zbadanie podstawowych praw relacji między człowiekiem a otaczającym go światem, zrozumienie znaczeń semantycznych procesu refleksji osoby otaczającego go świata w sztuce i formy symboliczne, ma pomóc dziecku w opanowaniu otaczającego go świata, bytu, przestrzeni, społeczeństwa, rozwijania orientacji wartości poprzez poszerzanie możliwości autoekspresji. Ten etap ma na celu celowe przygotowanie uczniów do świadomego odbioru informacji kulturowej w przyszłości.

Główne umiejętności i zdolności na tym etapie to:

• Rozumienie języka sztuki jako środka komunikacji między ludźmi;
• dekodowanie i przekazywanie informacji za pomocą dostępnych środków wyrazu różnych rodzajów sztuki (w szczególności muzyki);
• · przełożenie informacji zawartych w obrazie artystycznym w dziele jednego rodzaju sztuki na wyrażenie poprzez inny rodzaj sztuki;
• · estetyczne postrzeganie fenomenu otaczającego świata i przekazywanie własnego postrzegania świata poprzez obraz artystyczny.

Cechą konstruowania treści średniopoziomowych obiektów estetycznych powinno być równoległe badanie historycznego rozwoju światowej i narodowej kultury artystycznej, co przyczyni się do zrozumienia roli i miejsca kultury narodowej w kontekście globalnym. Taka konstrukcja nauczanego materiału, zapewniająca jedność kształcenia teoretycznego i praktycznego uczniów, odpowiada nie tylko psychologicznej charakterystyce procesów percepcji u dzieci w tym wieku, ale także odpowiada specyfice wiedzy humanitarnej.

Umiejętności i zdolności, które uczniowie powinni zademonstrować w wyniku nauki, można zredukować do czegoś takiego:

ü świadomie postrzegać i charakteryzować obraz artystyczny w dziełach badanej formy sztuki;

- scharakteryzować środki wyrazu, kryteria gatunkowe, cechy stylowe poszczególnych utworów muzycznych;

rozumiem i identyfikuję związki pomiędzy tworzeniem danego dzieła sztuki a kulturą danego społeczeństwa;

rozumieć i wykorzystywać w swojej twórczości środki wyrazu charakterystyczne dla ludowej kultury muzycznej.

Kultura muzyczna jest częścią kultury artystycznej. Kształtowanie się indywidualnej kultury muzycznej, a za jej pośrednictwem - wpływu na kształtowanie się osobowości jako całości, jest rdzeniem pedagogicznej koncepcji D.V. Kabalewski.

Nauczyciele Yu.B. Alijew, DB Kabalewski OP. Rigan – próbował ujawnić treść pojęcia „kultury muzycznej”. Uczeń – zdiagnozowano obecność kultu muzycznego

wycieczki u małych dzieci i szczegółowo opisała wyniki swojej pracy eksperymentalnej.

Badanie literatury wykazało, że nie ma jednoznacznej opinii na temat definicji pojęcia kultury muzycznej. Każdy nauczyciel ma swój subiektywny punkt widzenia.

Dm. Kabalewski utożsamia kulturę muzyczną z umiejętnościami muzycznymi. W swoich pismach mówi: „Kultura muzyczna to umiejętność postrzegania muzyki jako żywej, figuratywnej sztuki, zrodzonej z życia i stale z nią związanej, jest to szczególny „zmysł muzyki”, który sprawia, że ​​odbierasz ją emocjonalnie, wyróżniając dobro od złego, to umiejętność słuchania określania charakteru muzyki i odczuwania wewnętrznego związku między naturą muzyki a charakterem jej wykonania, to umiejętność rozpoznawania ze słuchu autora nieznanej muzyki, jeśli tak jest charakterystyczne dla tego autora, jego prace, z którymi studenci są już zaznajomieni. Wprowadzenie studentów w tę delikatną sferę kultury muzycznej wymaga ostrożności, konsekwencji i dużej precyzji w doborze kompozytorów i ich dzieł. Według D.B. Kabalevsky słuchanie muzyki opiera się na emocjonalnym, aktywnym postrzeganiu muzyki. Pojęcie to nie ogranicza się jednak do żadnej z „działań studentów”. Podstawą edukacji muzycznej w ogóle, wszystkich jej ogniw jest aktywne postrzeganie muzyki. Muzyka może spełniać swoją rolę estetyczną, poznawczą i edukacyjną tylko wtedy, gdy dzieci nauczą się naprawdę o niej słyszeć i myśleć. „Ten, kto nie słyszy muzyki, nigdy nie nauczy się jej grać naprawdę dobrze”.

Prawdziwa, odczuwalna i przemyślana percepcja jest jedną z najaktywniejszych form oswajania z muzyką, ponieważ aktywuje wewnętrzny, duchowy świat uczniów, ich uczucia i myśli. Poza słuchem muzyka jako sztuka w ogóle nie istnieje. W konsekwencji sztuka muzyczna, która nie przenosi uczuć i myśli człowieka, pomysłów życiowych i obrazów, nie wpływa na świat duchowy dziecka. DB Kabalewski zwraca uwagę, że umiejętność słyszenia muzyki należy kształcić od samego początku szkoły. Sprzyja temu zaszczepienie zasad postępowania, które przyczyniają się do panowania w klasie atmosfery zbliżonej do atmosfery sali koncertowej i wykształcenia umiejętności uważnego słuchania. Znany nauczyciel, profesor, doktor nauk pedagogicznych, członek Akademii Nauk Pedagogicznych i Społecznych Yu.B. Alijew.

W ramach muzycznej kultury osobowości dziecka rozumie on „indywidualne, społeczne i artystyczne przeżycie osobowości, które warunkuje pojawienie się wysokich potrzeb muzycznych; jest to integracyjna właściwość osoby, której głównymi wskaźnikami są:

rozwój muzyczny (miłość do sztuki muzycznej, emocjonalny stosunek do niej, potrzeba różnych próbek muzyki artystycznej, obserwacja muzyczna);

edukacja muzyczna (uzbrojenie w metody działalności muzycznej, znajomość historii sztuki, stosunek emocjonalny i wartościowy do sztuki i życia, „otwartość” na nową muzykę, nowa wiedza o sztuce, kształtowanie ideałów muzycznych i estetycznych, gust artystyczny, postawa krytyczna, wybiórcza na różne zjawiska muzyczne).

Według Yu.B. Alieva, owocny program edukacji muzycznej można interpretować jako odzwierciedlenie początkowej relacji: kompozytor – wykonawca – słuchacz, a rozwój tej relacji można zakwalifikować jako proces praktycznej aktywności muzycznej dzieci w pozycji „kompozytor” (twórca improwizacji i kompozycji), „wykonawca” (interpretator tekstu muzycznego) i „słuchacz” (odbierający utwór muzyczny).

Jednocześnie, dla postępu w rozwoju osobistej kultury muzycznej, dziecku potrzebna jest także pozycja „krytyka”, oceniającego muzykę w oparciu o poziom własnych potrzeb, zgodnie z określonym etapem w rozwój smaku artystycznego.

Droga do stania się wykwalifikowanym „słuchaczem” muzyki (a jak wiadomo, to właśnie percepcja muzyczna leży u podstaw kształtowania się osobistej kultury muzycznej) jest dość długa. Jednak pod wieloma względami jego sukces zależy od tego, jak i czego uczy dziecko nauczyciel muzyki. „Jednym z głównych zadań kształtowania się poprzez rozwój osobistej kultury muzycznej - według Y. Aliyeva - - jest umieszczenie dziecka na tych pozycjach, bez których niemożliwa jest pełnoprawna działalność muzyczna, w pozycji „ słuchacz” i „wykonawca”.

Aktywność dziecka w pozycji „słuchacza”

Zadaniem czytelnika, zdaniem M. Bachtina, jest zrozumienie dzieła tak, jak zrozumiał sam autor. Przez analogię z czytaniem można argumentować, że „słuchacz” także „tworzy obraz”, a nie odbiera go gotowym za pomocą słuchu. W takiej czy innej interpretacji tekstu muzycznego słyszymy tylko to, co konkretny wykonawca wniósł do utworu pisanego. To punkt orientacyjny, który oferuje kompozytor i wykonawca. Przeznaczony jest dla słuchacza, który odtwarza obraz artystyczny utworu muzycznego, tworzy go, buduje adekwatny, ale nie identyczny wizerunek autorski. A zatem można przyjąć, że dziecko- „słuchacz” w procesie muzycznej percepcji w pewnym stopniu może być nawet uważane za „współautora” utworu muzycznego. W tym przypadku zmienia się idea aktywności muzycznej dzieci, jako reprodukcyjnej. A zadaniem jest nie tylko zapamiętywanie muzyki, ale wychowanie twórczego słuchacza, który tworzy własny „muzyczny obraz dźwiękowego świata”, zdolnego do samooceny dzieła.

Znane powiedzenie: „Książka rośnie razem z nami” jest bezpośrednio związane z procesem rozwoju kultury muzycznej. Od twórczości muzycznej w różnym wieku słuchacz może wziąć różne rzeczy na swój rozwój duchowy. Nie można jednak kwestionować faktu, że „głębokość odbioru utworu muzycznego zależy przede wszystkim od aktywności koncepcji twórczej młodego słuchacza muzyki, od perfekcji „interpretacji” przez jego słuchacza próbki sztuki muzycznej” i jest wskaźnik jego kultury muzycznej.

Aktywność dziecka w pozycji „krytyka”

Ważnym zadaniem edukacji muzycznej jest nauczenie dziecka rozwijania swojego punktu widzenia w procesie artystycznego i muzycznego „dialogu” z autorem, uzgadniania z nim lub wdawania się w spór, samodzielnego słuchania świata muzyki ucho wewnętrzne, aby ocenić jakość pracy. Dlatego praca słuchacza zdaje się łączyć z pracą „krytyka”.

Na lekcjach muzyki kształtuje się pewien rodzaj muzycznej aktywności słuchacza: słuchanie utworu, jego interpretacja werbalna, refleksje na temat zasłyszanej muzyki oraz wyrażanych na jej temat opinii i osądów. Działalność ta przyczynia się do rozwoju umiejętności analizy i oceny słuchaczy, które są ważne w kształtowaniu kultury muzycznej.

M. I. Naydorf

DO STUDIUM KONCEPCJI „KULTURA MUZYCZNA”.

DOŚWIADCZENIE W TYPOLOGII STRUKTURALNEJ

(Artykuł został opublikowany w zbiorze:Sztuka i kultura muzyczna. Biuletyn Naukowy Państwowego Konserwatorium w Odessie im. A.V. Nezhdanova.- Vip. !. - Odessa: Astroprintnt, 2000. - S. 46-51.Liczby w nawiasach kwadratowych oznaczają koniec odpowiedniej strony w księdze. Artykuły PDF - w załączniku na dole strony.

Pojęcie „kultury muzycznej” staje się ostatnio coraz bardziej powszechne, mniej metaforyczne i bardziej operacyjne. Zwykle jest o nim mowagdy badanie lub myśl dziennikarska, po zaspokojeniu tematunym studium tekstu muzycznego, nawiązuje do jego prawdziwych historycznych losów. Cel,dla którego powstaje tekst muzyczny, czyli pokolenie znaczących społecznieznaczeń, osiąga się w procesie manifestacji tego tekstu w środowisku publicznym. Tylkotu tekst nabiera historycznej rzeczywistości swojego istnienia.

Wiadomo jednak, że dla manifestacji tekstu muzycznego, społecznyśrodowisko musi być przygotowane technologicznie, np. poprzez stworzenie odpowiednichlokale, szkolenie wykonawców, kwalifikacja słuchaczy, produkcja muinstrumenty językowe, dostępność publikacji specjalnych i popularnych itp.Tak więc w rzeczywistości każdy brzmiący tekst muzyczny jest udostępniany publiczniebędąc poprzez bardzo kompleksowo zorganizowaną komunikację o i dla stworzenia,udźwiękowienie, percepcja tekstów do niej podobnych, prowokująca w toku tej działalności specyficzne w swej muzycznej genezie pokolenie znaczeń. Innymi słowy,muzyka jest prawdziwa, tj. znaczące, zostaną utworzone i będą istnieć tylko w określonej liczbie społeczności(grupy, społeczności), w których członkostwo implikuje określone kwalifikacje(umiejętności) i zasady interakcji.

Społeczności, o których mowa, pokazują się nie tylko jako mniej lub bardziej ograniczone w liczbie członków, ale także jako społeczności produktywne, tworzące znaczenie. I choć na pierwszy rzut oka znaczenia zrodzone w procesie społecznej manifestacjijęzyki, indywidualne i całkowicie arbitralne, w istocie zbiorowy charakterprocedury muzycznej manifestacji faktycznie mnożą się (wzmacniają, czynią społecznieznaczące) niektóre znaczenia i blokuje inne w granicach prywatnego doświadczenia. A w tymparagraf ujawnia podstawę interesu publicznego w tych zawartych w nimniesformalizowane (a więc nienazwane) wspólnoty muzyczne jako generatory stale powielanych znaczeń społecznie istotnych.

Zainteresowanie badawcze społecznościami zorganizowanymi muzycznie jest podyktowane:cele praktyczne, które można opisać za pomocą dwóch grup pytań. Po pierwszeskładają się na nie pytania związane ze strukturą utworów muzycznych, a dokładniej z tematamitypowe struktury, dzięki którym teksty muzyczne są adekwatne do warunków ich funkcjipozycjonowanie w odpowiedniej muzycznie zorganizowanej społeczności. Druga grupaPytania skierowane są do bardzo zdezorganizowanych muzycznie zorganizowanych społeczności z punktu widzenia znaczeń, które są generowane przez funkcjonowanie w nich.utwory muzyczne. Ostatecznie obie grupy pytań zawsze mogą być:kreowane przez pytanie o znaczenie generowane przez społeczne funkcjonowanie danegoutworu muzycznego - w warunkach jego czasu iw perspektywie historycznej.

Z punktu widzenia tego problemu (muzyki i znaczeń przez nią generowanych),Zbiorowości nieformalne zorganizowane muzycznie przybierają charakter zbiorowości semiotycznych, a opis (zrozumienie) tych zbiorowości jako szczególne zjawiska społeczneskupia się na ich cechach kulturowych. Tutaj pojawia się termin. „kultura muzyczna” w swoim dobrze zdefiniowanym znaczeniu: cecha jakościowa tiki społeczności muzycznych jako tego specyficznego środowiska społecznego, w którym panuje zamieszanie kaet o społecznym istnieniu tekstów muzycznych.

Pojęcie „kultury” (jego zakres jest szerszy niż zakres pojęcia „kultura muzyczna”) naprawia integralną cechę każdej samoorganizującej się społeczności, biorąc ponadto z treści głównych informacji ją konsolidujących . W przeciwnym razie możemy powiedzieć, że kultura jest informacyjną cechą społeczeństwa. W informacjachtutaj należy go rozumieć nie jako „ilościową miarę eliminacji niepewności”, jak to jestakceptowane w cybernetyce, a całość środków, jakimi dysponujemy,społeczności, i kierowanej przez nią do samoorganizacji, eliminowania własnego chaotycznegoności, aby ustanowić ład wewnętrzny specyficzny dla danego społeczeństwa. Za pomocąjasne jest, że oryginalność tych środków bezpośrednio wpływa na oryginalność organizacjispołeczeństwo. Dlatego kultura widziana z zewnątrz jest postrzegana jako strona frontowaspołeczeństwo, jego wygląd, jego indywidualne cechy.

Ale informacja to proces. W systemach społecznych – stale płynąproces opierania się chaosowi. Jego znaczenie polega na ciągłym odtwarzaniu tych idei, relacji i znaczeń, które są uznawane za fundamentalnew tej społeczności. Stąd potrzeba ciągłej reprodukcjiten sam rodzaj informacji. W XX wieku stało się oczywiste, że mity mogą być tego samego typu,bajki, powieści, obrazy, formy architektoniczne, symfonie, teorie naukowe itp., w tym wiadomości telewizyjne, m.in. i wiadomości o pogodzie.

Kultura muzyczna jest częścią ogólnego systemu wsparcia informacyjnego dla ogółumienie, jeden ze sposobów porządkowania życia publicznego. Specyfika muzycznego kuluwycieczki w tym, że głównym środkiem porządkującym reprodukcję w nim przedstawień, relacji,Znaczenia uznawane za istotne dla danej społeczności to relacje dotyczące tworzenia, odtwarzania i odbioru muzyki. Z tego punktu widzenia brzmiący tekst muzyczny nie jest celem, ale środkiem interakcji społecznej, ogniwem pośredniczącym, pośrednikiem. Piłka jest więc mediatorem relacji wszystkich dwudziestu dwóch graczy na boisku, wszystkich widzów tego meczu, a także wszystkich, dla których ostateczny wynik będzie miał znaczenie.

Romans i symfonia również pośredniczą w różnych podobieństwach. Ale jaka jest zasadnicza różnica między tymi społecznościami (między kulturami tych społeczności, między ich „kulturami muzycznymi”), nie jest tak oczywista. W obu kulturach muzycznych łatwo rozróżnić pozycje autora, wykonawcy i słuchacza. I w tym są podobni. Różnice między kulturami muzycznymi tkwią w ich specyficznym uporządkowaniu, we wzajemnej organizacji stanowisk „kompozytora”, „wykonawcy”, „słuchacza”, tj. w cechach strukturalnych tych społeczności.

Tekst muzyczny, funkcjonujący w zorganizowanej muzycznie wspólnocie, która go zrodziła (którą można opisać kulturą muzyczną), nie tylko w nim przebywa, ale odtwarza (potwierdza, aktualizuje) strukturę tej wspólnoty poprzez sam sposób jej istnienie. „Prawidłowe” funkcjonowanie tekstu muzycznego odwzorowuje typ struktury tkwiący w tego typu kulturze. Oznacza to, że ta czy inna kultura muzyczna wciąż żyje, a teksty muzyczne tworzone i funkcjonujące zgodnie z jej zasadami faktycznie funkcjonują w społeczeństwie. W tej właściwości tekstu muzycznego – funkcjonującej, odtwarzającej strukturę „jego” kultury muzycznej – tkwi źródło jego zdolności znaczeniowej.

Oczywiście tekst muzyczny, jak każdy tekst artystyczny, jest potencjalnie niejednoznaczny. Ale w tym przypadku interesują nas tylko te znaczenia, które są generowane przez samą zgodność między strukturami tekstów muzycznych określonego typu z jednej strony a odpowiednią strukturalnością kultur muzycznych - jeśli odróżnimy je od rodzaj wzajemnego uporządkowania w nich głównych stanowisk funkcjonalnych oferowanych ich nosicielom: stanowiska „kompozytora”, „wykonawcy” i „słuchacza”. Innymi słowy, interesują nas znaczenia i doświadczenia jednostek i grup, które wyrastają z ich identyfikacji z jednym z tych stanowisk, a w efekcie ich doświadczenia relacji z innymi pozycjonerami, zgodnie z tym, jak to jest” przepisana” członkom tej społeczności przez jej kulturę muzyczną.

Interesujące nas znaczenia, choć generowane w środowisku muzycznym, mają znacznie szerszy charakter społeczno-kulturowy, gdyż wspomniane pozycje nawiązują relacje nie tylko w komunikacji muzycznej. Na przykład pozycję „autorstwa” w wielu kulturach można również przypisać idei losu lub biografii danej osoby. Jeśli w starożytności jednostka ma wyobrażenie o swojej drodze życiowej jako urzeczywistnianiu własnej twórczości, to w kulturze romantyzmu bohaterowie i ich autorzy dążą do urzeczywistnienia swojej biografii, w granicach, jako własnej wolnej kreacji. Należy zatem przyjąć, że w muzycznej kulturze romantyzmu autorstwo powinno być akcentowane, a nawet przerośnięte, podczas gdy w starożytności muzyczne „autorstwo” powinno pozostać nieodkryte.

Inną stroną różnic między kulturami muzycznymi powinny być różnice w strukturach, które pośredniczą w tych cechach wspólnych tekstów muzycznych. Innymi słowy, struktura romansu powinna odpowiadać strukturze typu muzycznej wspólnoty, w której romans jako rodzaj tekstu muzycznego pośredniczy i w której romans generuje pewne społecznie istotne znaczenia (i dla której przynajmniej nie jest obojętny ani egzotyczny). To samo można powiedzieć o symfonii. Jednocześnie definicje gatunkowe użyte tutaj dla przykładów (romans, symfonia) jedynie reprezentują, ale nie wyczerpują, typ (lub klasę) tekstów, które strukturalnie odpowiadają odpowiedniemu typowi (klasie) kultur muzycznych za pośrednictwem nich zapośredniczonych. W tym przypadku trafniej byłoby mówić o utworach „typu romańskiego” lub „symfonicznego”.

Przechodząc teraz do relacji między strukturami formalnymi tekstów muzycznych a odpowiadającymi im kulturami muzycznymi, nakreślmy główną opozycję: z jednej strony istnieją teksty muzyczne stabilne w swej kompletności, autentyczne dla siebie (nazywamy je „rzeczą ", "dzieło"), z drugiej strony - teksty muzyczne, które nie mają jednoznacznego oryginału, mniej lub bardziej zmieniane podczas każdego wykonania. W związku z tym struktury społeczności muzycznych (kultur muzycznych), w których takie teksty funkcjonują, okazują się odmienne: kompletne teksty muzyczne funkcjonują w kulturach muzycznych z wyraźnie ukształtowaną pozycją autora „kompozytora”, natomiast w kulturach muzycznych o zmiennych tekstach muzycznych autorstwo jest nie ujawniona, ale pełniąca funkcję. W pierwszym przybliżeniu można powiedzieć, że teksty pełne (są zapisane w notacji muzycznej) odpowiadają strukturze kultur muzycznych „autorskich”, natomiast teksty zmienne (nie zapisane) powstają w ramach kultur muzycznych „wykonujących”.

Dalsza analiza prowadzi nas formalnie do rozróżnienia między dwoma typami „autorskich” kultur muzycznych. Są to wspólnoty pełniące samodzielną funkcję wykonawczą (wykonawca na scenie koncertowej) oraz funkcję słuchacza (w sali). Nazwijmy go „koncertowym typem kultury muzycznej”. I społeczności, w których słuchacz i wykonawca łatwo zamieniają się miejscami, zajmując to samo miejsce (salon, pokój w domu). Niech będzie to rodzaj domowego, amatorskiego muzykowania, „amatorski typ kultury muzycznej”.

Analiza formalna „wykonujących” kultur muzycznych pozwala także wyróżnić w jednym przypadku wspólnoty muzyczne, w których, podczas gdy sam autor nie jest wyrażony, jego funkcję, obok własnej, przejmuje wykonawca-improwizator, który występuje przed zgromadzonymi słuchaczami (klub jazzowy, herbaciarnia na wschodzie) - "Improwizacyjny typ kultury muzycznej". Wreszcie w muzykowaniu ludowym (muzyczna strona obrzędów) żadna z funkcji nie jest sformalizowana - folklor nie zna specjalizacji autora, wykonawcy czy słuchacza ("Folklorystyczny typ kultury muzycznej").

Najprostsza analiza struktury formalnej komunikacji muzycznej w społeczeństwie pozwala więc wyróżnić cztery typy budowania relacji komunikacyjnych – od synkretycznego zespolenia wszystkich trzech funkcji (w folklorze, zbliżone do archaicznych pierwowzorów) do ich odrębnej specjalizacji (w społecznościach muzycznych). kultywujących klasyczną muzykę koncertową). Należy pamiętać, że jak ustaliliśmy powyżej, każdy z tych wariantów struktury społeczno-muzycznej jest „budowany” w taki sposób, aby generować w społeczeństwie znaczenia, które mają na nie organizujący (samoorganizujący się) wpływ.

Zorganizowane muzycznie zbiorowości istnieją więc po to, by i dla funkcjonowania w nich tekstów muzycznych i dla znaczeń generowanych przez proces tego funkcjonowania. . A te cechy wspólne istnieją tylko o tyle, o ile tekst muzyczny pośredniczy w tych relacjach. Osoba niepoinformowana ma prawo do zakupu biletu na koncert muzyki klasycznej, na festiwal jazzowy lub na koncert rockowy, ale sama obecność na sali nie czyni tej osoby członkiem odpowiedniej społeczności muzycznej aż do procesu manifestacji muzyka ma dla niego znaczenie. Ale dokładnie w ten sam sposób generowanie sensu zostanie naruszone, jeśli z jakiegoś powodu tekst muzyczny zostanie przeniesiony do obcej mu muzycznej zorganizowanej wspólnoty lub, co jest tym samym, do wspólnoty z obcym. kultura muzyczna.

Tekst generowany w muzycznej strukturze folkloru, kiedy zostaje „przeniesiony” na scenę koncertową, podlega nieuniknionym zniekształceniom, dostosowując go do wymogów innej kultury muzycznej („typu koncertowego”). Oczywiście modyfikacje będą różne, w zależności od metody „wprowadzenia”. Jeśli, powiedzmy, śpiewak operowy wykonuje w koncercie filharmonicznym „pieśń ludową”, to tekst zostaje przetworzony w kierunku wyraźnego układu strukturalnego i intonacyjnego, zbliżając się do romansu w sensie emocjonalnym i semantycznym. Jeśli ten sam fragment folkloru prezentują na scenie jego amatorzy, którzy zaczerpnęli tekst z jego naturalnych nośników, to nieuniknione są tu zniekształcenia, na przykład postrzeganie fragmentu jako samodzielnej integralnej jednostki tekstu. A przedstawienie spektaklu widzowi maskuje osobliwość naturalnie tkwiącą w folklorze - jego podporządkowanie wewnętrznej „cyrkularnej” komunikacji i odpowiednio skupienie się na „uniwersalnym” znaczeniu.

Romans, zrodzony do funkcjonowania w muzycznej kulturze „muzykania domowego”, ulega folklorze, ulega zrównaniu intonacyjnemu i rozluźnieniu formalnemu, a w sytuacji koncertowej zaczyna skłaniać się ku teatralizacji lub hiperbolizacji, zbliżając ją do typu arii ( widać to wyraźnie u kompozytorów, którzy starali się „wydobyć” na scenie romans gatunkowy, np. Musorgski, Czajkowski, Rachmaninow).

Najbardziej chłonny jest rodzaj „improwizacyjnej kultury muzycznej”, która potrafi posługiwać się nie tylko własnymi, ale i zapożyczonymi wzorcami. Preludium Chopina, temat Koncertu fortepianowego P.I. Czajkowskiego. "Hej, chodźmy" „Słowik” Alyabyeva – teksty muzyczne z różnych kręgów muzycznych i kulturowych – okazał się równie odpowiedni jako temat do improwizacji jazzowych, jak, powiedzmy, „rodzimy” jazzowy „Caravan” Duke'a Elingtona. Ale właśnie i tylko według tematów i mocy oraz na czas swojej popularności. Źródła tematów tracą własną strukturę formalną.

Przeniesienie tekstów do innego kulturowego środowiska muzycznego należy zatem interpretować jako cytowanie, ale nie samego przeniesionego tekstu, ale kultury, którą cytowany tekst reprezentuje. Na przykład najbliższym znaczeniem cytatu Czajkowskiego z melodii ludowej „Na polu stała brzoza” w finale IV Symfonii było porównanie dwóch typów kultury muzycznej, reprezentowanych przez taniec i symfonię, „folklor” i „ koncert". Wprowadzenie romansu do partytury operowej i symfonicznej stwarza również sytuację porównania dwóch typów kultury muzycznej. Dokładnie tym samym cytatem jest „nucenie dla siebie” (folkloryzacja) melodii z koncertowego repertuaru.

Konflikt, który pojawia się za każdym razem, gdy cytowanie tekstów muzycznych w środowisku muzycznym innej kultury daje jasne wyobrażenie o znacznym stopniu zgodności, jaki istnieje między strukturą kultur muzycznych a strukturą tekstów muzycznych generowanych w ich środowisku. Zadaniem dalszych badań jest ukazanie, dlaczego iw jaki sposób proces funkcjonowania tekstu we „własnej” kulturze muzycznej okazuje się jednocześnie procesem generowania znaczeń.

©M. I. Najdorfa, 2000

MOSKWA PAŃSTWOWA UNIWERSYTET KULTURY I SZTUKI

Instytut Kulturoznawstwa i Muzealnictwa

WPŁYW WSPÓŁCZESNEJ KULTURY MUZYCZNEJ NA OSOBOWOŚĆ

(NA PRZYKŁADZIE ROCK AND ROLL)

Kurs pracy

Wypełnił: Volkova E.O.

Studentka I roku 126 grupa

Kierownik:

Leontief

Moskwa 2009

Wstęp…………………………………………………………………………………3

Rozdział I . Specyfika muzyki. Czym jest kultura muzyczna? ............................4

Rozdział II . Historia rock and rolla……………………………………………..……...........7

Rozdział III . Znani ludzie lat sześćdziesiątych………………………………………...12

Rozdział IV . Wpływ muzyki rockowej na organizm człowieka……………………………….16

Rozdział V . Negatywny wpływ rock and rolla……………………………………………….19

Rozdział VI . Pozytywne aspekty muzyki rockowej……………….................................. ...........21

Wniosek……………………………………………………………………………….23

Lista źródeł i literatury

Wstęp.

Celem tej pracy jest próba zbadania wpływu muzyki na osobowość. Duża część tej pracy poświęcona jest badaniu wpływu muzyki rockowej na młodzież lat 60-tych. Chciałbym szczegółowo zbadać rozwój muzyki rock and rollowej w różnych krajach. Również w tej pracy chciałabym dowiedzieć się, jaką rolę w życiu każdego z nas odgrywa muzyka, której słuchamy na co dzień i jak kultura muzyczna, którą podążamy, wpływa na nasz styl życia, nasz światopogląd, nasz światopogląd. Chciałbym doprecyzować to pytanie, biorąc pod uwagę lata 60. życia USA i Anglii, ponieważ to właśnie w tych krajach miała miejsce „rewolucja muzyczna”, przez którą rozumiem pojawienie się rock and rolla i tych grupy, które mogłyby pozostawić duży ślad w muzyce. Chciałbym rozwiązać postawiony przeze mnie problem analizując biografie znanych postaci muzycznych lat 60-tych.

Wiadomo, że w nastoletnim okresie rozwoju kultura muzyczna osiąga pewien poziom. Młodzi ludzie rozwijają własny gust muzyczny, pojawia się własny krąg zainteresowań i upodobań muzycznych, który stopniowo utrwala się. Obserwacje wielu pozwalają stwierdzić, że większość dzisiejszej młodzieży pasjonuje się muzyką rockową. Rock to społeczna rzeczywistość naszych czasów. Muzyka współczesna jest postrzegana jako odrębny obszar sztuki muzycznej, który istnieje autonomicznie.

Praca składa się ze wstępu, sześciu rozdziałów, zakończenia oraz spisu literatury. Rozdział pierwszy poświęcony jest określeniu roli i miejsca muzyki w życiu współczesnej młodzieży oraz identyfikacji pojęcia „kultury muzycznej”. Drugi rozdział dotyczy pochodzenia rock and rolla, jego rozwoju w różnych krajach i podaje jego cechy jako całość. W trzecim rozdziale zostaną przedstawione fakty z życia sławnych ludzi, którzy grali muzykę rockową, a także odegrali dużą rolę w życiu swojego kraju. W ostatnich trzech rozdziałach omówione zostaną negatywne i pozytywne aspekty rock and rolla jako kultury muzycznej.

Rozdział I

Specyfika muzyki. Czym jest kultura muzyczna?

We współczesnym społeczeństwie muzyka zajmuje szczególne, dalekie od ostatniego miejsca. Już starożytni filozofowie opisywali pozytywny wpływ muzyki na człowieka. Arystoteles przekonywał, że za pomocą muzyki można w pewien sposób wpływać na kształtowanie się ludzkiego charakteru. Awicenna nazwał muzykę nielekową terapią wraz z dietą. W Indiach w wielu szpitalach profilaktycznie wykonywane są pieśni narodowe. Muzyka ma znaczący wpływ na zachowanie, życie i zdrowie ludzi. Muzyka i jej rytm były szeroko wykorzystywane podczas rytuałów i innych czynności kultowych. Dość uderzającym tego przykładem jest praktyka szamańska znana wśród różnych narodów świata. Specjalnie dobrane rytmiczne uderzenia tamburynu szamana przyczyniły się do wejścia w szczególne stany świadomości zarówno samego szamana, jak i pozostałych uczestników.

Świat, w którym żyjemy, wypełniony jest różnymi dźwiękami naturalnymi i sztucznymi, ale dźwięki same w sobie nie są muzyką. Muzyka powstaje, gdy osoba zaczyna porządkować te dźwięki. Każda muzyka, której słuchamy na co dzień, może nie tylko bawić i zachwycać nasze uszy, ale również ta muzyka ma zdolność odczuwalnego wpływu (zarówno pozytywnego, jak i negatywnego) na stan psycho-emocjonalny i fizyczny człowieka. We współczesnym społeczeństwie muzykę określają pojęcia - „modna” lub „niemodna”. W dawnych czasach muzyka odgrywała kojącą, rozrywkową rolę, ale teraz jej znaczenie znacznie się zmieniło. Wraz z wynalezieniem nagrań dźwiękowych muzyka staje się towarem, który można kupić lub sprzedać. Ten produkt z kolei tworzy rynek, który pozwala osiągać ogromne zyski. Istnieje ogromna liczba stacji radiowych nadających tylko muzykę. W 1981 roku w Stanach Zjednoczonych pojawiła się telewizja muzyczna MTV, która nadawała 24 godziny na dobę. Muzyka jest więc integralną częścią ludzkiego życia. Obecnie istnieje ogromna liczba różnych gatunków, kierunków i stylów muzycznych. We współczesnym społeczeństwie nie ma wiodącego gatunku muzycznego. Różnice nie tkwią w samej muzyce, ale w jej słuchaczu. Gatunki muzyczne mają różne spektrum wartości, które determinują ich postrzeganie przez odbiorców jako zjawiska kojarzone nie tylko ze sztuką, ale także z życiem. Moim zdaniem każdy słuchacz jest indywidualny, każdy odbiera coś na swój sposób. Muzyka jest w stanie w przekonujący sposób przekazać stan emocjonalny ludzi.

Kultura muzyczna to zbiór wartości muzycznych, ich dystrybucja i przechowywanie. Moim zdaniem muzyka we współczesnym społeczeństwie to nie tylko rozrywka, to także sposób wyrażania siebie. Na gruncie muzyki ludzie, a najczęściej ludzie młodzi, jednoczą się w różnych subkulturach, znajdując swój własny rodzaj. Ale taką rolę odgrywa muzyka przeciwna masowemu gustowi.

Głównymi elementami i ekspresyjnymi środkami muzyki są melodia, rytm, metrum, tempo, dynamika, barwa, harmonia, instrumentacja i wiele innych.

Moim zdaniem muzyka jest najbardziej symboliczną sztuką ze wszystkich, ponieważ oddziałuje na człowieka i jego psychikę bez użycia słów i obrazów. Muzyka jest uważana za jeden z najwyższych sposobów myślenia symbolicznego. Według filozofa Attali „muzyka to wibracje i symbole społeczeństwa ubranego w dźwięki”. W mitologii greckiej słowo „muzyka” kojarzy się z Muzami – dziewięcioma córkami Zeusa i boginią pamięci Mnemosyne. Muzy, z wyjątkiem Uranii i Clio, kojarzą się ze śpiewem, tańcem i muzyką. Śpiewają o czynach bogów, znają przeszłość, teraźniejszość i przyszłość. Inna tradycja łączy Muzy z magicznym muzykiem Orfeuszem.

Większość z nas na co dzień słucha różnego rodzaju muzyki, nawet jeśli nie robimy tego celowo, to musimy ją słuchać np. w samochodzie, autobusie, supermarkecie, kinie, na ulicy, na dyskotece, w barze czy restauracja - gdziekolwiek jesteśmy, towarzyszy nam dźwięk muzyki. Jednocześnie mało kto może pomyśleć o tym, jak ogromny wpływ ma na nasz wewnętrzny świat i jego zewnętrzną ekspresję, czyli m.in. zachowanie. Swoim rytmem, melodią, harmonią, dynamiką, różnorodnością kombinacji dźwiękowych muzyka przekazuje nieskończony zestaw uczuć i nastrojów. Jego siła polega na tym, że ignorując ludzki umysł, wnika bezpośrednio w duszę, w podświadomość i tworzy nastrój człowieka. Zgodnie ze swoją treścią muzyka może wywoływać w człowieku różnorodne uczucia, pragnienia i pragnienia. Może relaksować, uspokajać, orzeźwiać, drażnić, ale to tylko te wpływy, które rozpoznaje nasz umysł. Jednocześnie regulujemy nasze zachowanie w zależności od jakości tego oddziaływania. Wszystko to dzieje się świadomie, przy udziale myślenia i woli. Ale są wpływy, które przechodzą dokładnie „przez” naszą świadomość, osadzając się w głębi naszego mózgu i stanowiąc znaczną część wszystkich naszych znaczeń i motywów. Oczywiście rola muzyki w budowie ludzkiego „ja” i jego zachowaniu jest nie do przecenienia: istnieje wiele czynników, zarówno zewnętrznych, jak i wewnętrznych, które wpływają na nasz wewnętrzny świat. Ale nie można zaprzeczyć faktowi udziału muzyki w kształtowaniu świadomości.

Wielu dzisiejszej młodzieży, biorąc pod uwagę całą różnorodność gatunków muzycznych, próbując pokazać swój bogaty wewnętrzny świat i swoją odmienność, preferuje takie gatunki, które niejako wykraczają poza przyjęte w społeczeństwie normy. Do tych gatunków należy rock, który ma wiele przejawów (hard rock, punk rock, art rock). Rock powstał na Zachodzie na początku lat 60. pod nazwą rock'n'roll.

Rozdział II

Historia rock and rolla

Rock and roll (Rock and roll) - dosłownie przetłumaczony z angielskiego jako „swing and spin”. Jest to jeden z gatunków muzyki popularnej, który powstał w Ameryce w latach 50. XX wieku i był wczesnym etapem rozwoju muzyki rockowej. To także taniec wykonywany do muzyki rock and rolla oraz kompozycja muzyczna w stylu rock and rolla. Rock and roll charakteryzuje się szybkim tempem, dużą ilością slangu (głównie murzyńskiego) i swobodą wykonawstwa muzycznego. Główne instrumenty to gitara elektryczna, bas, perkusja i fortepian.

Początkowo termin „rock and roll” ukuł Alan Fried z Cleveland (dyskodżokej jednej z amerykańskich stacji radiowych). Na początku lat 50. w USA była popularna piosenka utrzymana w stylu rhythm and bluesa, w której pojawiło się takie zdanie: „We” ll rock, we „ll roll”, co z grubsza oznacza „będziemy rock, będziemy kręcić ”. Tego wyrażenia użył Alan Freed, opisując nim nową muzykę, którą nadawał w radiu. Słowo „rock and roll” natychmiast weszło do użycia. Alan Fried nie tylko wymyślił termin „rock and roll”, ale także energicznie promował nowy styl muzyczny. Stając się celebrytą, zagrał w kilku filmach, najsłynniejszym z nich „Dance rock around the clock”, w którym wystąpił Bill Haley. Ostatecznie jednak Fried w 1960 roku został skazany na karę więzienia za czynne przekupstwo i zmarł na alkoholizm.

Rock and roll był wynikiem połączenia różnych stylów muzycznych, które były wtedy popularne w Ameryce. Niemal równocześnie, niezależnie od siebie, nieznani biało-czarni muzycy amerykańskiego Południa zaczęli mieszać rytm i blues, boogie-woogie i country, osiągając nieznane dotąd dźwięki. Bill Haley (pierwszy wykonawca „czystego” rock and rolla) używał czarnego slangu z mocą i głównym na początku lat pięćdziesiątych. w rytmicznych utworach zbudowanych na muzyce country z domieszką jazzu i boogie-woogie. Jego dwa single „Rock Around The Clock” (nagrane w kwietniu 1954) i „Shake Rattle And Roll” odegrały decydującą rolę w masowej popularności rock and rolla, który do tej pory był tylko muzycznym eksperymentem i znany był tylko słuchaczom lokalne stacje radiowe. Oczywiście bardzo trudno jest określić początek narodzin tego stylu muzyki, ale eksperci często przyznają prymat rock and rolla piosence „Rocket 88”, nagranej przez Ike'a Turnera w studiu Sam Phillips w 1951 roku. W rezultacie klasyczne brzmienie rock and rolla powstało w latach 1954-55, kiedy Bill Haley, Elvis Presley, Chuck Berry, Little Richard i Fats Domino nagrali piosenki, które położyły podwaliny pod ten kierunek. Presley odważnie eksperymentował z country i blues, Fats Domino w końcu udowodnił, że jego nowoorleańskie woogie na fortepianie to rock and roll; Burzliwe rytmy i szaleńcze krzyki pianisty Little Richarda są kwintesencją buntowniczej natury rocka, podczas gdy gitarowe akordy i dowcipne teksty Chucka Berry'ego są przykładami niezliczonych imitacji.

Kolejną osobą, która odcisnęła swoje piętno na tworzeniu rock and rolla, jest Little Richard, piosenkarz black rhythm and blues. W 1973 oświadczył, że był założycielem rock and rolla, tak jak Ford był założycielem Forda. Little Richard twierdził, że to on jako pierwszy przyspieszył tempo rytmu i bluesa i stał się znany jako rock and roll.

Jednak pomimo przyspieszonego tempa rozwoju rock and rolla do 1954 roku jego popularność nie wykroczyła poza kilka stanów. Prawdziwy sukces przyszedł po pojawieniu się na ekranach kinowych obrazu „Slate Jungle” o gangach nastoletnich uczniów. Akcji filmu towarzyszyła muzyka w wykonaniu Bill Haley Orchestra. Bill miał już ponad trzydzieści lat, a nastolatki zaliczały go do starszego pokolenia i chcieli zobaczyć na ekranie swoich rówieśników. A potem wychodzi Elvis. Elvis Presley idealnie wpisywał się w hollywoodzkie standardy, a ponadto był posiadaczem wybitnego głosu. Jego występ charakteryzował się wyjątkowym dynamizmem i temperamentem. Nadal jest uosobieniem rock and rolla. Choć nie można go uznać za pierwszego wykonawcę rock and rolla, historia nowego stylu liczona jest od momentu pojawienia się na scenie Elvisa Presleya. Od tego momentu rock and roll zaczął rozwijać się niejako we własnym rytmie – z roku na rok rosło zapotrzebowanie na płyty, a teksty stawały się coraz bardziej społeczne, problematyczne. Elvis Presley, nazywany „Królem Rock and Rolla”, wywarł ogromny muzyczny i stylistyczny wpływ na młodsze pokolenie nie tylko w Ameryce, ale na całym świecie.

Po bezprecedensowym komercyjnym sukcesie Presleya rock and roll natychmiast stał się obiektem zainteresowania kina, a także dużych wytwórni. W latach 1956-57. rock and roll został uzupełniony o nowe gwiazdy - Carl Parkins, Jerry Lee Lewis, Buddy Holly, Eddie Cochran - którzy zademonstrowali innowacyjne techniki gry i wywarli jeszcze większy wpływ na następne pokolenie muzyków. Szczególne miejsce w historii instrumentalnego rock and rolla zajął Link Ray, którego kompozycja „Rumble” miała ogromny wpływ na rozwój późniejszej muzyki gitarowej. Pod koniec lat 50. płyty rock and rollowe były jednymi z najpopularniejszych w Stanach Zjednoczonych.
Rozwój rock and rolla był szybki, ale też szybko znalazł się na skraju wyczerpania: Little Richard opuścił muzykę pop już w 1957 roku, dwa lata po swoim pierwszym sukcesie; Elvis Presley został powołany do wojska na dwa lata, a po powrocie w 1960 roku był bardziej zajęty karierą filmową; Buddy Holly, Ritchie Valens i Eddie Cochran zmarli w latach 1959-60; Chuck Berry został skazany na więzienie. Inni śpiewacy zaczęli opanowywać obce style (country, rhythm and blues itp.). Równolegle było wielu wykonawców, którzy odnieśli sukces komercyjny, ale niewiele zrobili, aby przyczynić się do rozwoju muzycznego.

Na początku lat sześćdziesiątych. Rock and roll był w ślepym zaułku rozwoju i można było tchnąć w niego życie dopiero dzięki „brytyjskiej inwazji” (The Beatles) w połowie lat sześćdziesiątych. Prawie wszystkie hity rock and rolla z lat 50-tych. (zwłaszcza Chuck Berry i Little Richard) zostały ponownie przerobione przez brytyjskie zespoły. W tej chwili pojawia się termin „rock”.

Na początku lat 60. brytyjska młodzież, która dorastała w amerykańskim bluesie, zaczęła wymyślać i komponować własny styl. Zespoły takie jak The Rolling Stones i The Who przyczyniły się do narodzin nowego brzmienia, nowych pomysłów i nowego ruchu w muzyce, czyli rocka. W każdym kreatywnym środowisku zawsze istnieje potrzeba rozwoju, poszukiwania czegoś nowego. Od 1966 roku kierunek art rock stał się dość popularny, co później zrobiło wrażenie na całym świecie. Wybitnymi przedstawicielami tego ruchu byli Andy Warhol i Welwit Underground, Pink Floyd i David Bowie.

Rok 1975 słusznie zajmuje szczególne miejsce w historii rock and rolla. To właśnie w tym czasie dwie uznane światowe stolice rocka - Nowy Jork i Londyn - tracą grunt pod nogami, a młodzi muzycy po obu stronach Atlantyku nabierają rozpędu, chcąc tchnąć nowe siły w rock. Chyba najdobitniej ten proces znalazł odzwierciedlenie w pracy takich zespołów jak Patti Smith, Ramones, The Sex Pistols czy The Clash. W wyniku tych śmiałych i bezkompromisowych eksperymentów świat był świadkiem narodzin trzeciego pokolenia rock and rolla – punk rocka.

W 1965 roku w przemysłowej stolicy Anglii - Birmingham doszło do wypadku, który na zawsze zmienił historię rocka. Młody gitarzysta Tony Iron odciął koniuszki palców prawej dłoni na obrabiarce. Potem facet nie stracił nadziei na grę: włożył na palce metalowe płytki, w wyniku czego dźwięk zaczął być głośniejszy, mocniejszy, mocniejszy i bardziej agresywny. Wywołało to niesłychany rezonans wśród muzyków, od tego momentu wszyscy starali się odtworzyć ten dźwięk. „Heavy metal” stał się światowym fenomenem w historii rocka. Kierunek rozwija się do dziś. Być może najwybitniejszymi przedstawicielami tego pokolenia są Deep Purple, Iron Maiden i Metallica.

Na początku lat 70. rock brzmi z taką mocą, że na stadionach jest okazja i potrzeba słuchania go. Led Zeppelin jako pierwszy podjął tak odważny krok. Wkrótce członkowie zespołu odkrywają, że ich muzyka jest nie tylko słuchana na całym świecie, ale także, że może dokonać w niej wielu zmian. Erę stadionowego rocka świętuje wielu artystów: Led Zeppelin, Kiss, The Police, Queen i Dire Straits.

Na początku lat 90. Seattle zamienia się w muzyczną stolicę świata, a jednocześnie pojawiają się nowi królowie alternatywnego rocka. Kurt Cobain, wokalista Nirvany, naprawdę staje się głosem pokolenia. Wkrótce kilka kolejnych zespołów dołącza do alternatywnego rocka. Dziedzictwo Kurta Cobaina i R.E.M., Black Flag, Pearl Jam, Sonic Youth do dziś ma wpływ na rock. Każdego dnia otaczają mnie ludzie, którzy wiele poświęciliby, aby na żywo usłyszeć członków tych zespołów.

Na początku lat 80. kierunek indie nadal był głęboką tajemnicą w brytyjskiej muzyce. Obejmuje wielu artystów, takich jak The Smiths i Oasis. Wykonawcy ci początkowo nie cieszyli się dużą popularnością, ale po kilku latach ich triumf staje się tak kompletny, że trudno jest pomieścić wszystkich fanów na koncertach. A nowa fala manchesterskich zespołów The Libertines, Franz Ferdinand, Blur, Kaiser Chiefs i Arctic Monkeys nie tylko umacnia pozycję „indie”, ale także wynosi ten kierunek na szczyt muzyki rockowej.

Teraz cały świat obchodzi Światowy Dzień Rock and Rolla 13 kwietnia. Właśnie tego dnia w 1962 roku Beatlesi wystąpili w Star Club w Hamburgu.

Z historii rock and rolla w ZSRR.

Rock and roll przybył do Związku Radzieckiego po Światowym Festiwalu Młodzieży i Studentów w 1957 roku. Józef Stalin zmarł na rok przed narodzinami rock and rolla. W tym czasie w Unii rozpoczął się okres odwilży, wszystko zaczęło się odradzać. Pierwszym krokiem było ożywienie radia, które w tamtym czasie pracowało jeszcze przewodowo. I po długiej przerwie przez te archaiczne druty zabrzmiała lekka muzyka. Do tego czasu na antenie rozbrzmiewały z reguły tylko zespoły rosyjskich instrumentów ludowych, muzyki klasycznej i chorałów gruzińskich. Stopniowo doszło do grania w radiu tanga, fokstrota, rumby – wszystkiego, co wcześniej uważano za niedopuszczalne. Kolekcjonerzy zafascynowali się zagranicznymi płytami boogie-woogie. Były drogie, dość trudno było je znaleźć, więc coraz częściej rozdawano je na domowych płytach.

Kiedy po 1959 roku pojawiły się w sprzedaży pierwsze płyty długogrające, w tym płyty Billa Haleya, ludzie muzyki wreszcie mogli zobaczyć twarz swojego idola, odciśniętą na okładkach płyt długogrających.

Po raz pierwszy „Rock Around the Clock” zabrzmiał w petersburskim radiu w 1957 roku podczas emisji studenckiego spektaklu Instytutu LETI „Wiosna w LETI”. A jednak rock and rolla można było przeoczyć w radiu tylko w formie parodii.

Rock and roll wniósł ogromny rozmach do środowiska młodzieżowego tamtych lat, który trwa do dziś.

Rozdział III

Znani ludzie lat sześćdziesiątych.

Mówiąc o sławnych ludziach lat sześćdziesiątych mam na myśli tych muzyków grających rock and rolla, którzy nie tylko grali własną muzykę, ale przyczynili się do rozwoju kultury muzycznej i życia swojego kraju. To byli ludzie, w których młodzież (zarówno nowoczesna, jak i ówczesna) wierzyła iz dumą starała się być do nich podobni. Chciałbym porozmawiać o Chucku Berrym, Micku Jaggerze i Johnie Lennonie.

Chuck Berry.

Chuck Berry nazywany jest „czarnym królem” rock and rolla. Powszechnie przyjmuje się, że muzyk łączył czarną muzykę, bluesa z białą muzyką, muzyką country, w wyniku czego powstał rock and roll. Oto cytaty samego muzyka:
„Dla Boga, nie ma znaczenia, czy jesteś czarny, czy biały" - odparł muzyk. „Ale w muzyce liczy się tylko to, czy umiesz grać, czy nie. Byli dobrzy czarni muzycy i byli dobrzy białe.Jazz grali zarówno czarni, jak i biali. Jeśli chodzi o rock n-roll, to o wiele ważniejsze jest to, że przyniósł nowy pęd i brzmienie. Poszerzył możliwości autoekspresji. Muzyka sama w sobie jest w stanie jednoczyć ludzi. "
Dzięki hitom Berry'ego, takim jak „Rock and roll music”, „Roll over Beethoven” i „Johnny B Goode”, rock and roll w końcu zawładnął światem w latach 60-tych. Miał ogromny wpływ na twórczość „The Beatles” (z wokalistą Johnem Lennonem) i „The Rolling Stones” (którego frontem jest Mick Jagger).
Chuck Berry zaczął występować w latach 50. XX wieku i ku zaskoczeniu fanów nadal jest wesoły i regularnie koncertuje, choć muzyk ma już 80 lat. "Codziennie gram na gitarze i dużo ćwiczę. Uczę swoich muzyków grać. Nauczyłem grać moje dzieci. Mam dużo koncertów."

Tak więc na podstawie tych informacji można stwierdzić, że Chuck Berry był w stanie zredukować napięcia rasowe swoją muzyką, łącząc muzykę czarnych i białych.

Mick Jagger

Mick Jagger to legendarny angielski muzyk rockowy, aktor, producent, frontman zespołu Rolling Stones. Człowiek, który jest właścicielem słynnej na całym świecie frazy „Seks, narkotyki i rock and roll”. Wizerunek stworzony przez Jaggera na scenie jest wyjątkowy – jego głos, raz szorstki, raz kobiecy i miękki, grube usta, pożądliwy uśmiech, ewokujący seksualność w zachowaniu przed wielotysięcznym tłumem, agresję, energię, a jednocześnie , głupota i wybryki – to wszystko sprawiło, że Jagger jest jednym z najpopularniejszych frontmanów rocka. The Rolling Stones to zespół rockowy, który nieprzerwanie występuje i nagrywa od ponad 30 lat. Fenomenalna długowieczność. Jej wkład w światowy rock jest nie do przecenienia, Rolling Stones od dawna są postaciami kultowymi. Na fali głośnych sukcesów muzycy mieli problemy – narkotyki. Prawie cały rok 1967 upłynął pod znakiem spraw sądowych dotyczących przestępstw Micka Jaggera, Keitha Richarda, Briana Jonesa, związanych z używaniem narkotyków. Wyrok był wystarczająco surowy - trzy miesiące więzienia. W tej sprawie złożono jednak apelację, a wyrok zamieniono na warunkowe zwolnienie.

Wysoko doceniono zasługi Jaggera na polu muzycznym – z okazji 60-lecia królowa Elżbieta II nadała Jaggerowi tytuł szlachecki. W jednym z wywiadów Mick Jagger, porównując lata 1968 i 1998, powiedział, że wcześniej w trójcy „Seks, narkotyki i rock and roll” seks był na pierwszym miejscu, a teraz narkotyki są na jego miejscu. Jagger ogłosił teraz, że rzuca picie, palenie i branie narkotyków. Powodem tej decyzji była troska o własne zdrowie.

Mimo światowego uznania osobowość słynnego rockmana budzi nie tylko pozytywne emocje. Według sondażu przeprowadzonego przez magazyn Blender, Sir Mick Jagger zajmuje obecnie 13. miejsce na liście 50 najgorszych muzyków w historii muzyki współczesnej.

Muzyk taki jak Mick Jagger był w stanie wnieść ogromny wkład w rozwój muzyki rockowej. Jego muzyka pozostaje popularna do dziś. Wprowadził również negatywny znak muzyki rockowej - to są leki, które mogą zrujnować jego zdrowie i reputację.

Johna Lennona

Trudno przecenić wkład Johna Lennona w ramach The Beatles, a także w oderwaniu od legendarnej grupy, w kulturę światową. Wraz z McCartneyem i Harrisonem podniósł pracę swoich amerykańskich kolegów, wokalistów rockowych, na nowy poziom artystyczny. W USA tylko Elvis Presley, Ritchie Valens i kilka innych gwiazd rockabilly poważnie podchodziło do tworzenia i wykonywania partii wokalnych. The Beatles zawsze tak robili – więc ich covery amerykańskich artystów brzmią znacznie bardziej ekspresyjnie i technicznie niż te same piosenki w oryginale. Większość ówczesnych artystów rock and rolla śpiewała wyłącznie „o złamanej miłości i zdenerwowanych nerwach”. The Beatles jako jedni z pierwszych odeszli od popowych tematów, zamieniając piosenki w prawdziwą poezję i/lub stwarzając w nich poważne problemy społeczne, a nawet polityczne.

Ponadto twórczość The Beatles wyróżniała człowieczeństwo, świętowanie, pozytywność, której zawsze brakowało sztuce zachodniej. Lennon i inni muzycy z Liverpool Four byli pełni szczerej miłości do swoich słuchaczy – i czuli to. I prawdopodobnie właśnie to wyjaśnia ogromny sukces The Beatles. John Lennon był bardzo szczerym człowiekiem i nigdy nie ukrywał swoich poglądów. To była jego siła, ale właśnie z tego powodu najwyraźniej nie mógł żyć do dziś. Okres działalności politycznej Johna Lennona trwał od 1968 do 1972 roku. W tym czasie Lennon zajął już bardzo konkretne stanowisko – opowiadał się za pokojem na świecie, a nawet zwrócił królowi Order Imperium Brytyjskiego – w proteście przeciwko polityce zagranicznej kraju. W 1969 r. należą do pierwszych publicznych akcji politycznych Lennona wraz z Yoko Ono. 15 grudnia 1969 Lennonowie zorganizowali koncert antywojenny pod hasłem „Wojna się skończy, jeśli chcesz”. Natychmiast po przeprowadzce za granicę Lennon zaangażował się w życie polityczne Stanów Zjednoczonych. Opowiadał się za wzmocnieniem praw obywatelskich Indian, złagodzeniem warunków więziennych, za uwolnieniem Johna Sinclaira, jednego z przywódców amerykańskiej młodzieży, skazanego na 10 lat więzienia za posiadanie marihuany.

Wielki muzyk John Lennon swoimi piosenkami i występami udowodnił całemu światu, że ludzie powinni walczyć o pokój i wolność.

Rozdział IV

Wpływ muzyki rockowej na organizm człowieka

Jak wiadomo, nie każdy kierunek muzyczny ma pozytywny wpływ na organizm człowieka, więc przyjrzyjmy się bliżej wpływowi muzyki rockowej. Ten styl muzyczny ma swoje charakterystyczne cechy lub sposoby wpływania na psychikę:

1. Ciężki rytm

2. Monotonne powtórzenia

3. Głośność, super częstotliwości

4. Efekt świetlny

Rytm to jeden z silnych sposobów wpływania na organizm człowieka. Kult voodoo używał specjalnego rytmu, który wraz ze specjalną sekwencją rytmu muzycznego i zaklęć podczas pogańskich rytuałów mógł wprowadzić człowieka w stan transu lub ekstazy. Przemyślany system rytmów sterował ludzkim ciałem i psychiką niczym narzędzie w rękach kapłanów Voodoo. Amerykańscy czarni, którzy przyjęli te rytmy, używali ich jako muzyki tanecznej, stopniowo przechodząc od bluesa do cięższych rytmów.

Percepcja rytmu muzycznego jest związana z funkcjami aparatu słuchowego. Dominujący rytm najpierw wychwytuje ośrodek motoryczny mózgu, a następnie stymuluje niektóre funkcje hormonalne układu hormonalnego. Ale główny cios jest skierowany w te części mózgu, które są ściśle związane z funkcjami seksualnymi danej osoby. Bachantki wykorzystywały bębnienie do wpadania w szał, aw niektórych plemionach dokonywano egzekucji przy pomocy podobnych rytmów.

Amerykańska psycholog i muzykolog Janet Podell pisze: „Moc rocka zawsze opierała się na seksualnej energii jego rytmów. Te uczucia u dzieci przerażały ich rodziców, którzy widzieli w rocku zagrożenie dla ich dzieci i oczywiście mieli rację. Rock and roll i możesz poruszać się, tańczyć, aby zapomnieć o wszystkim na świecie.

Szczególną uwagę należy zwrócić na wpływ częstotliwości wykorzystywanych w muzyce rockowej, które mają szczególny wpływ na mózg. Rytm nabiera właściwości narkotycznych w połączeniu z ultra-niskimi (15-30 Hz) i ultra-wysokimi (80 000 Hz) częstotliwościami.

Nadmiar zarówno wysokich, jak i niskich częstotliwości poważnie uszkadza mózg. Na koncertach rockowych kontuzje, oparzenia, utrata słuchu i pamięci nie są rzadkością.

Nasze ucho jest dostrojone do odbierania normalnego dźwięku na poziomie 55-60 decybeli. Głośny dźwięk będzie miał 70 decybeli. Ale przekraczając wszystkie progi normalnej percepcji, dźwięk o dużej intensywności powoduje niesamowity stres słuchowy. Natężenie dźwięku w miejscu, gdzie zainstalowane są ściany z potężnymi głośnikami, używanymi podczas koncertów rockowych, dochodzi do 120 dB, a w środku do 140-160 dB. (120 dB odpowiada głośności ryku odrzutowca startującego w bezpośrednim sąsiedztwie, a średnie wartości dla gracza ze słuchawkami to 80-110 dB.). Podczas takiego silnego stresu z nerek (nadnerczy) uwalniany jest hormon stresu – adrenalina. Ten proces zachodzi w każdej stresującej sytuacji. Jednak wpływ bodźca nie ustaje i następuje nadprodukcja adrenaliny, która wymazuje część informacji zapisanych w mózgu. Człowiek po prostu zapomina, co mu się przydarzyło lub czego studiował, i degraduje się psychicznie. Nie tak dawno szwajcarscy lekarze udowodnili, że po koncercie rockowym człowiek orientuje się i reaguje na bodziec 3,5 razy gorzej niż zwykle.

Tak więc cały techniczny arsenał rocka ma na celu granie na ludzkim ciele, na jego psychice, jak na instrumencie muzycznym. Muzyka rockowa okazała się być w stanie całkowicie zmienić indywidualne cechy człowieka. Wpływa jednocześnie na ośrodek motoryczny, sferę emocjonalną, intelektualną i seksualną ludzkiej aktywności.

Jakie są konsekwencje wpływu muzyki rockowej na zachowanie słuchacza?

Jak zauważono powyżej, każdy dźwięk czy utwór ma swoją własną „ścieżkę słuchową” i od tego zależy reakcja na zmianę ludzkiego zachowania. Jeśli zaangażowane są komórki nerwowe związane z negatywnymi emocjami, jest to natychmiast odzwierciedlone w zachowaniu.

Oto możliwy wpływ muzyki rockowej na ludzki mózg:

1. Agresywność.

2. Wściekłość.

4. Depresja.

5. Obawy.

6. Działania wymuszone.

7. Stan transu o różnych głębokościach.

8. Tendencja samobójcza. U nastolatków tendencja ta zaczyna się ujawniać od 11-12 roku życia, ale słuchając muzyki rockowej, ta cecha psychiki nastolatków jest prowokowana lub znacznie nasilana w starszym wieku).

9. Nienaturalny, wymuszony seks.

10. Niezdolność do podejmowania jasnych decyzji.

11. Mimowolny ruch mięśni.

12. Muzyczna mania (pragnienie ciągłego brzmienia muzyki rockowej).

13. Rozwój skłonności mistycznych.

14. Alienacja społeczna.

Nie oznacza to oczywiście wcale, że osoba, która namiętnie kocha rock koniecznie posiada wszystkie te cechy, tylko że ma do nich znacznie większe predyspozycje, a przy odpowiednim zestawieniu innych czynników z pewnością będzie temu podlegała wpływ. Nawiasem mówiąc, muzyka rockowa może również zmieniać idee i wartości religijne (zwłaszcza w dzieciństwie, kiedy nie są jeszcze w pełni ukształtowane), a także pobudzać w człowieku pragnienie samorealizacji, samorealizacji, indywidualizmu i wykluczenia w społeczeństwie.

Wszystko to można oczywiście uznać za jeden z negatywnych aspektów tej kultury muzycznej. Resztę negatywnych skutków muzyki rockowej na osobowość chciałbym omówić w następnym rozdziale.

Rozdział V .

Negatywny wpływ rock and rolla na osobowość

W dzisiejszym społeczeństwie muzyka rockowa urosła do rangi ogólnoświatowego ruchu, który ma setki milionów zwolenników. Dla wielu młodych ludzi muzyka rockowa stała się stylem życia, który zachęca do rozpusty, narkomanii, szaleństwa i nihilizmu. Bez względu na to, jak człowiek zasadniczo odnosi się do muzyki rockowej, nie może zaprzeczyć, że taka muzyka ma dominujący wpływ na światopogląd i działania młodych ludzi.

Dowody pokazują, że muzyka rockowa stymuluje rozwiązłość seksualną. Według US News and World Report z 19 marca 1990 r. „Obecnie istnieje 13 zespołów rockowych nazwanych od męskich narządów płciowych, 6 od żeńskich narządów płciowych, 8 związanych z aborcją, jeden to choroba macicy, 10 grup nosi nazwy różnych aktów seksualnych, a 8 zawiera przekleństwa w ich imieniu”. Współczesna muzyka rockowa nasycona jest elementami pozamałżeńskiej kopulacji, cudzołóstwa, sadyzmu i masochizmu, homoseksualizmu, gwałtu i nekrofilii.

Destrukcyjny nastrój kompozycji rockowych może być skierowany przeciwko słuchaczowi muzyki. Niektórzy kompozytorzy rockowi głoszą samobójstwo - czasem we wskazówkach, czasem bezpośrednio. Na przykład kompozytor Ozzy Osbourne w piosence „Suicide Solution” mówi: „Samobójstwo to jedyna droga do wyzwolenia”.

Oprócz seksu i przemocy muzyka rockowa promuje narkomania. W 1969 r. magazyn Times (26 września). skomentował, że „kompozytorzy rockowi często i otwarcie używają narkotyków, ich utwory są przesycone aluzjami do narkotyków”.

Wiele z odnoszących największe sukcesy gwiazd rocka było zaangażowanych nie tylko w okultyzm, ale także w satanizm. Próbując opisać swoje własne „inspirowane” procesy, John Lennon wyjaśnił: „Ten stan jest jak opętanie, jak psychoza lub stan psychiczny”. Mały Ryszard przeżywał podobne stany i wskazywał na Szatana jako swoją inspirację: „Inna siła mnie prowadziła i kazała. Nadał nazwy duchom, które czasem opętały, i na ich cześć komponował poetyckie kompozycje.
Wszystkie wiersze Jima Morrisona, cała jego praca związana jest z narkotykami, które go zabiły.

Wymieniłem wszystkie negatywne aspekty tej kultury muzycznej, które moim zdaniem są najbardziej niebezpieczne. Ale ponieważ ta muzyka i jej wykonawcy są popularni od pół wieku, ma też wiele pozytywnych aspektów.

Rozdział VI .

Dobra strona muzyki rockowej

Rock and roll to nie tylko kierunek muzyczny, to kultura młodzieżowa, środek komunikacji dla młodych ludzi, zwierciadło społeczeństwa. Został pierwotnie stworzony jako sposób wyrażania siebie przez młodzież, buntu i protestu, zaprzeczania i rewizji moralnych i materialnych wartości świata.

Widzimy, że w całej swojej historii rock and roll ukazuje nierozwiązywalny odwieczny dylemat ojców i dzieci. Rock and roll w oczach starszego pokolenia, jako sposób na autoekspresję młodego pokolenia, wygląda tylko jak rozrywka dla dzieci, czasem niebezpieczna i szkodliwa. Choć rock istnieje od dawna, wyrosło na nim współczesne dorosłe pokolenie, ale i tak boryka się dzisiaj z tymi samymi problemami, co na początku swojej drogi: niezrozumieniem i odrzuceniem. Ta okoliczność dobrze pokazuje spiralną naturę rozwoju: bez względu na to, jak się rozwijamy, przechodzimy przez etapy, które już pozostały w historii.

Oczywiście rozwój rock and rolla jest ściśle związany z rozwojem technicznym, ekonomicznym, politycznym i społecznym. To rozwój techniczny daje impuls do rozwoju skały. Rozwój technologii doprowadził również do tego, że obecnie prawie każda rodzina posiada radio i magnetofon, co zwiększa wpływ muzyki na społeczeństwo. Rozwój gospodarczy podnosi poziom rozwoju obywateli, a co za tym idzie podnosi ich wykształcenie i mają więcej wolnego czasu na muzykę, poprawia także warunki pracy i miejsca pracy dla muzyków.

W rock and rollu manifestują się wszystkie prawa filozofii. W tym, że jest to protest młodości i pojawienie się nowej muzyki, poprzez negację starej manifestuje się prawo negacji, ukazujące rozwój muzyki rockowej. W wyłanianiu się nowego stylu przez łączenie innych stylów - prawo refleksji, które leży u podstaw rozwoju świadomości. W niekonsekwencji rocka (opozycja między pop rockiem a muzyką ciężką) manifestuje się prawo jedności i walki przeciwieństw.

Rock 'n' roll okazał się tym samym medium, które jednoczy czarno-białych nastolatków, niszcząc uprzedzenia rasowe i społeczne. Dwóch czarnych idoli młodzieży z lat 50. - Little Richard i Chuck Berry - każdym gestem scenicznym, każdym dźwiękiem swoich piosenek wyrażało odmowę posłuszeństwa rasistowskiemu ruchowi.

Na początku lat sześćdziesiątych dorosło kolejne pokolenie. Rodzice tych dzieci aktywnie walczyli o pokój, spokój i obfitość, mając nadzieję, że ich potomkowie nie tylko docenią ich wysiłki, ale także poszerzą horyzonty tego nowego świata. Jednak rodzice przynieśli ze sobą strach przed wojną nuklearną i grzech nienawiści rasowej, a ideały równości i sprawiedliwości zostały po prostu podeptane w pogoni za stabilnością i sukcesem. Nic dziwnego, że dzieci kwestionowały moralne i polityczne podstawy powojennego świata; te nowe nastroje znalazły odzwierciedlenie w ich gustach muzycznych.

Jednak z biegiem czasu popularność rock and rolla zaczęła słabnąć, ustępując miejsca nowym gatunkom, o których już wspomniano powyżej. Zaczęło pojawiać się coraz więcej oddziałów. Wraz ze stopniową demokratyzacją społeczeństwa zaczęły pojawiać się nowe ruchy młodzieżowe. Każdy ruch dał początek nowemu stylowi muzycznemu. Stopniowo odmiana przyćmiła oryginalny gatunek. A w naszych czasach uważa się, że rock and roll przestał być gatunkiem masowym i ogólnie przestał istnieć. Ale nawet teraz wśród melomanów są tacy, którzy pozostają wierni gatunkowi. Ta wieczna walka nie ustała nawet dzisiaj – w końcu rock and roll to w gruncie rzeczy muzyka dorastania. Rock'n'roll zawsze wie, jak zaskoczyć swoich fanów, przynajmniej na chwilę. A jednocześnie zawsze pozostaje tajemnicą dla ludzi w garniturach, jeżdżących limuzynami, patrzących na świat z wysokości drapaczy chmur, dla których najważniejsza jest stabilność i przewidywalność. W ciągu pięciu burzliwych dekad na amerykańskiej scenie rock'n'roll przeszedł przez fenomenalne wzloty i upadki i dał początek wielu wspaniałym muzykom.

Wniosek

Muzyka to jedna z najbardziej inspirujących form sztuki. Jego rytm, melodia, harmonia, dynamika, różnorodność kombinacji dźwiękowych, kolory i niuanse, muzyka przekazuje nieskończoną gamę uczuć i nastrojów. Jego siła polega na tym, że z pominięciem umysłu bezpośrednio przenika duszę, podświadomość i tworzy nastrój człowieka. Zgodnie ze swoją treścią muzyka może wywołać w człowieku najwznioślejsze i najszlachetniejsze uczucia i odwrotnie, najmroczniejsze i najbrudniejsze pragnienia. Wszystko zależy od muzyki, jaka to jest.
Współcześni kompozytorzy muzyki rockowej zgadzają się, że ich twórczość ma wielką moc. Ich muzyka kieruje życiem ludzi, których w ogóle nie znają. Słynne zdanie Micka Jaggera „Seks, narkotyki, rock and roll” mówi samo za siebie. To właśnie sprawia, że ​​potępiasz rock and rollowy styl życia. Narzucenie promiskuityzmu jest rzeczywiście ogromnym minusem. W końcu, kiedy muzycy rockowi śpiewają o wolności i o nią walczą, to czy odbierają ją jako przyzwolenie? Czy rozwiązły seks i narkotyki to pokój na świecie?

Ten problem pozostaje aktualny w naszych czasach. Człowiek może podążać za określoną kulturą muzyczną, ale zawsze musi być odpowiedzialny za swoje czyny. Możemy pokochać Jima Morrisona (głównego wokalistę The Doors), ale nie musisz być taki jak on, żeby to zrobić – nie musisz brać twardych narkotyków i umierać. Wystarczy usłyszeć jego głos w jego piosenkach i żałować, że tak wcześnie nas opuścił.

W swoich początkach rock and roll był powszechnie potępiany jako podkopujący moralne fundamenty młodości, ale wydaje się, że właśnie dlatego zyskał niesłabnącą popularność, pomimo pewnych okresów stagnacji, upadku i bezsensownej klęski. Protest to słowo klucz.

Każda kultura muzyczna ma swoje plusy i minusy, swoje plusy i minusy, swoich fanów i przeciwników. Podążając za każdą kulturą muzyczną, trzeba wydobyć z niej tylko to, co najlepsze.

Lista źródeł i literatury

· R. Neckland „Klucze muzyczne do kosmosu”. Sunday Times Abroad 1995 #46.

G.S. Knabbe „Zjawisko rocka i kontrkultury” Pytania filozofii 1990, nr 8.

· TAK. Leontiew, Yu.A. Volkov „Muzyka rockowa: funkcje społeczne i psychologiczne mechanizmy percepcji”. Problemy kultury informacyjnej cz. 4, 1997