Γραφίστες πορτρέτων. Γραφικά στη γκαλερί τέχνης JAG

"Γραφικές Πίνακες"

Τα γραφικά είναι ένα είδος καλών τεχνών που χρησιμοποιεί γραμμές, πινελιές, κηλίδες και τελείες ως κύριο οπτικό μέσο.
Εικόνες γραφικών. Το χρώμα μπορεί επίσης να χρησιμοποιηθεί στα γραφικά, αλλά, σε αντίθεση με τη ζωγραφική, εδώ παίζει έναν υποστηρικτικό ρόλο.

Εικόνες γραφικών. Όταν σχεδιάζουν γραφικά, συνήθως χρησιμοποιούν όχι περισσότερο από ένα χρώμα (εκτός από το κύριο μαύρο), σε σπάνιες περιπτώσεις - δύο). Εκτός από τη γραμμή περιγράμματος στη γραφική τέχνη, ένα κτύπημα και ένα σημείο χρησιμοποιούνται ευρέως, επίσης σε αντίθεση με τη λευκή (και σε άλλες περιπτώσεις επίσης έγχρωμη, μαύρη ή λιγότερο συχνά με υφή) επιφάνεια χαρτιού - την κύρια βάση για τα γραφικά έργα. Ένας συνδυασμός των ίδιων μέσων μπορεί να δημιουργήσει τονικές αποχρώσεις. Το πιο κοινό χαρακτηριστικό γνώρισμα των γραφικών είναι η ειδική σχέση του απεικονιζόμενου αντικειμένου με το διάστημα, ο ρόλος του οποίου διαδραματίζεται σε μεγάλο βαθμό από το φόντο του χαρτιού (σύμφωνα με τα λόγια του σοβιετικού δασκάλου γραφικών V. A. Favorsky, «ο αέρας ενός λευκού σεντόνι").

Εικόνες γραφικών. Το πιο αρχαίο και παραδοσιακό είδος γραφικής τέχνης είναι το σχέδιο, η προέλευση του οποίου φαίνεται στα πρωτόγονα βραχογραφήματα και στην αρχαία αγγειογραφία, όπου η βάση της εικόνας είναι η γραμμή και η σιλουέτα. Τα καθήκοντα του σχεδίου έχουν πολλά κοινά με τη ζωγραφική και τα όρια μεταξύ τους είναι κινητά και σε μεγάλο βαθμό υπό όρους: ακουαρέλα, γκουάς, παστέλ και τέμπερα μπορούν να χρησιμοποιηθούν τόσο για τη δημιουργία γραφικών έργων όσο και πίνακες ζωγραφικής σε στυλ και χαρακτήρα.

Εικόνες γραφικών. Η γραφική τέχνη περιλαμβάνει τόσο το ίδιο το σχέδιο όσο και τα έντυπα έργα τέχνης (χαρακτική, λιθογραφία κ.λπ.), βασισμένα στην τέχνη του σχεδίου, έχοντας όμως τα δικά τους εικαστικά μέσα και εκφραστικές δυνατότητες.
Εικόνες γραφικών. Στα γραφικά, μαζί με ολοκληρωμένες συνθέσεις, σκίτσα από τη φύση, σκίτσα για έργα ζωγραφικής, γλυπτικής, αρχιτεκτονικής (σχέδια Michelangelo, L. Bernini στην Ιταλία, O. Rodin στη Γαλλία, Rembrandt στην Ολλανδία, V. I. Bazhenov στη Ρωσία) έχουν ανεξάρτητη καλλιτεχνική αξία.. Ελλείψει τέτοιου όγκου πληρότητας δυνατοτήτων όπως η ζωγραφική, για τη δημιουργία μιας χωρικής ψευδαίσθησης του πραγματικού κόσμου, τα γραφικά με μεγάλη ελευθερία και ευελιξία ποικίλλουν τον βαθμό χωρικότητας και επιπεδότητας. για τα γραφικά, χαρακτηριστική μπορεί να είναι η πληρότητα της ογκομετρικής-χωρικής κατασκευής, η πληρότητα στην ανάπτυξη των καλύτερων στοιχείων υφής και η αποκάλυψη της δομής ενός αντικειμένου.

Η κληρονομιά της γραφικής τέχνης είναι ποικίλη. Χαρακτηρίζεται από τα έργα παγκοσμίου φήμης δασκάλων όπως ο Albrecht Dürer (1471-1528), ο Francisco Goya (1746-1828), ο Gustave Dore (1832-1883), οι Ιάπωνες καλλιτέχνες Kitagawa Utamaro (1753-1806), ο Hiroshige Ando (1797). -1858) και τον χαράκτη και σχεδιαστή Hokusai Katsushika (1760-1849), το έργο του οποίου είχε σημαντική επίδραση στην ευρωπαϊκή τέχνη στα τέλη του 19ου και στις αρχές του 20ού αιώνα.

Από τους σύγχρονους δεξιοτέχνες των γραφικών, ο πιο διάσημος είναι ο Ολλανδός καλλιτέχνης Maurice Escher, ο οποίος ήταν από τους πρώτους που απεικόνισε φράκταλ και έγινε διάσημος μετά τη δημοσίευση του βιβλίου «Grafiek en Tekeningen», στο οποίο ο ίδιος σχολίασε 76 από τα έργα του. καλύτερα έργα.
Έτσι, εξετάσαμε τις ιστορικές ρίζες της γραφικής τέχνης και των σύγχρονων γραφικών.
Οι εικόνες γραφικών μπορούν να είναι ένα ανεξάρτητο τμήμα των καλών τεχνών.
Εικόνες γραφικών, έδωσαν τη βάση και την ανάπτυξη σε τόσο όμορφα είδη καλών τεχνών καθώς και.

Εικόνες γραφικών. Γραφικό σχέδιο. Αυτό είναι πλήρης τέχνη. Τα γραφικά έχουν μακρά και πλούσια ιστορία. Η γραφική τέχνη είναι μια αρχαία μορφή τέχνης. Οι εικόνες γραφικών είναι ο νεωτερισμός μας. Οι πίνακες γραφικών είναι σεβαστοί και αγαπητοί.

Πολλοί άνθρωποι ασχολούνται με τα γραφικά. Συλλέξτε γραφικά. Τα γραφικά είναι ενδιαφέροντα και σαγηνευτικά.
Η σύγχρονη διακοσμητική τέχνη επίσης δεν μπορεί να φανταστεί χωρίς γραφικά και γραφικές εικόνες. Σκίτσα, σκίτσα, σχέδια επιτρέπουν στον καλλιτέχνη να σκεφτεί με ενδιαφέρον και πρωτότυπο τρόπο. Οι εικόνες γραφικών και σχεδίου αποτελούν τη βάση της δημιουργικότητας κάθε επαγγελματία πλοιάρχου.
Γραφικά, σχέδιο, γραφική εικόνα, γραφικό σχέδιο μπορούν να γίνουν με βάση διάφορα υλικά. Γραφικά σε χαρτί. Ξύλινα γραφικά. Μεταλλικά γραφικά. Γραφικά σε ύφασμα. Γραφικά σε γυαλί. Γραφικά άμμου.

Μια επιδέξια γραφική εικόνα αιχμαλωτίζει και αιχμαλωτίζει τον θεατή όχι χειρότερα από πολύχρωμους πίνακες ζωγραφισμένους με λάδι ή ακουαρέλα.
Εικόνες γραφικών. Τα γραφικά είναι υπέροχα από μόνα τους. Τα γραφικά είναι ενδιαφέροντα. Τα γραφικά είναι συναρπαστικά. Τα γραφικά σχέδια από δασκάλους όπως ο Michelangelo θεωρούνται ανεκτίμητα έργα της τέχνης του σχεδίου, της τέχνης των γραφικών.

Εικόνες γραφικών. Σύγχρονα γραφικά.
Τα σύγχρονα γραφικά έχουν τους δασκάλους τους. Πολλοί ειδικεύονται στην κατεύθυνση του γραφικού σχεδίου και ασχολούνται με γραφικά όλη τους τη ζωή.
Τα σύγχρονα γραφικά έχουν και τους θαυμαστές και τους γνώστες τους. Τα γραφικά σχέδια αποκτώνται εύκολα από πολλούς ερασιτέχνες και συλλέκτες. Τα γραφικά έργα μπορεί επίσης να είναι πολύ ακριβά. Οι πίνακες γραφικών δεν είναι φτηνοί και παρίες στην τέχνη. Οι γραφικές ζωγραφιές είναι ο δικός τους όμορφος κόσμος στις εικαστικές τέχνες.

Εικόνες γραφικών. Σύγχρονα γραφικά. Η γκαλερί μας παρουσιάζει μια τεράστια ποικιλία γραφικών έργων. Υπάρχουν γραφικά για κάθε γούστο. Ρίξτε μια πιο προσεκτική ματιά στα γραφικά μας έργα. Τα γραφικά είναι μια ευγενική μαγική νεράιδα της σύγχρονης τέχνης, αλλά τα γραφικά είναι όμορφα από μόνα τους. Ένα καλό γραφικό σχέδιο ή γραφική σύνθεση μπορεί να διακοσμήσει κάθε εσωτερικό χώρο με την υπέροχη αύρα του. Τα γραφικά είναι υπέροχα!
Τα γραφικά κατέκτησαν όχι μόνο τους καλλιτέχνες. Οι εικόνες γραφικών έγιναν μούσα για τους δασκάλους της σύγχρονης ποίησης.
Τα γραφικά ενός στίχου είναι ένας ιδιαίτερος τρόπος καταγραφής ενός ποιητικού κειμένου, σε αντίθεση με ένα πεζό.

«Άρχισε να τον φιλάει αλειμμένη με μαρμελάδα και στην ουρά και τη χαίτη
και στη βιτρίνα του μπακάλικου Eliseevsky και στον υπολογιστή Macintosh
Και της αντικατέστησε επίτηδες τη μία ή την άλλη (lanita) δισκέτα
χωρίς να ξεχάσω να τη φιλήσω σε κάθε μολύβι Kohinoor».

Στη σύγχρονη ποίηση, υπάρχουν πολλοί όροι από τη ρίζα της λέξης - "Γραφικές εικόνες". Για παράδειγμα: γραφικά ειδικών στίχων, γραφικά ειδικών στίχων, γραφικά ειδικών στίχων.
ΓΡΑΦΙΚΕΣ ΤΕΧΝΕΣ. Τα γραφικά διαπερνούν και διαπερνούν όλη μας τη ζωή. Αγαπούν τα γραφικά. Θαυμάστε τα γραφικά. Τους αρέσουν τα γραφικά. Μερικοί άνθρωποι υποφέρουν από γραφικά.
Το πιο δημοφιλές και γνωστό είδος γραφικών είναι το σχέδιο. Οποιοσδήποτε καλλιτέχνης ξεκινά με γραφικά και γραφικά έργα.
ΓΡΑΦΙΚΕΣ ΤΕΧΝΕΣ. Χαρτί. Μολύβι. Τι άλλο χρειάζεται. Φυσικά δημιουργικότητα. Σίγουρα έμπνευση.

"Παίρνω ένα μολύβι, γραφίτη με το γράμμα "Τ",
Αρχίζω να ζωγραφίζω συναισθήματα.
Και με ένα χέρι που τρέμει σε ένα λευκό σεντόνι
Παραβαίνοντας τους νόμους της τέχνης».

Εικόνες γραφικών. Τα γραφικά διαπερνούν και διαπερνούν όλη μας τη ζωή. Αγαπούν τα γραφικά. Θαυμάστε τα γραφικά. Τους αρέσουν τα γραφικά. Πολλοί άνθρωποι υποφέρουν από γραφικά.

«Σκίζω το χαρτί με τρύπες
Και τα εγκεφαλικά δεν πέφτουν σαν βροχή.
Ελιξίριο μεθυσμένο από την ψυχή από τον θάνατο
Επιστρέφει με ένα τρίξιμο κάτω από τα δόντια.

«Σκληρά γραφικά! Να τεμαχίσει - χαρτί!
Τα δάχτυλά μου έχουν ήδη αρχίσει να μουδιάζουν.
Ο μιγάς, που δεν πίστευε στην εγκατάλειψή του,
Από μελαγχολία ξαφνικά ικανός να πεθάνει.

Εικόνες γραφικών. Τα γραφικά των εικόνων διακοσμούν τη ζωή μας. Αγαπούν τα γραφικά. Θαυμάστε τα γραφικά. Τους αρέσουν τα γραφικά. Πολλοί άνθρωποι υποφέρουν από γραφικά.

«Πόνος, ενοχές, λύπη, αγανάκτηση, απελπισία,
Ελπίδα, θυμός, αμαρτία, λαχτάρα...
Και η αγάπη, που δεν δέχτηκε τη δοτικότητα της ελευθερίας,
Η ασυγχώρητη περιφέρεται στο ναό ... "

ΓΡΑΦΙΚΕΣ ΤΕΧΝΕΣ. Τα γραφικά των εικόνων διακοσμούν τη ζωή μας. Αγαπούν τα γραφικά. Θαυμάστε τα γραφικά. Τους αρέσουν τα γραφικά. Πολλοί στο πρόγραμμα βλέπουν την ευτυχία τους.

"Τι συνέβη? Δεν έχω τελειώσει ακόμα τη δουλειά.
Από τον εκλεκτικισμό των συναισθημάτων αποδείχθηκε ότι ήταν ένα ντύσιμο.
Θα έκαιγα αυτές τις γραμμές διαπλοκής,
Έχοντας αναζωογονήσει τον Φοίνικα από τη φωτιά ... "

ΓΡΑΦΙΚΕΣ ΤΕΧΝΕΣ. Σύγχρονα γραφικά.
Τα σύγχρονα γραφικά έχουν τους δασκάλους τους. Πολλοί καλλιτέχνες ειδικεύονται στην κατεύθυνση του γραφικού σχεδίου και ασχολούνται με γραφικά όλη τους τη ζωή.
Τα σύγχρονα γραφικά έχουν τους θαυμαστές και τους γνώστες τους. Τα γραφικά σχέδια αποκτώνται εύκολα από πολλούς ερασιτέχνες και συλλέκτες. Τα γραφικά έργα μπορεί επίσης να είναι πολύ ακριβά. Οι πίνακες γραφικών δεν είναι φτηνοί και παρίες στην τέχνη. Η γραφική τέχνη είναι ο δικός της όμορφος κόσμος στις καλές τέχνες!

Γραφικές εικόνες! Σύγχρονα γραφικά! Η γκαλερί μας παρουσιάζει μια τεράστια ποικιλία από γραφικά έργα καλλιτεχνών. Υπάρχουν γραφικά για κάθε γούστο. Ρίξτε μια πιο προσεκτική ματιά στα γραφικά μας έργα. Οι εικόνες γραφικών είναι μια ευγενική μαγική νεράιδα της σύγχρονης τέχνης, αλλά τα γραφικά είναι όμορφα από μόνα τους. Ένα καλό γραφικό σχέδιο ή γραφική σύνθεση μπορεί να διακοσμήσει κάθε εσωτερικό χώρο με την υπέροχη αύρα του!
Γραφικές εικόνες! Τα γραφικά είναι υπέροχα!

Σχεδιάζουμε να κάνουμε μια βαθμολογία για τα πιο ακριβά έργα σε χαρτί από καλλιτέχνες της τροχιάς της ρωσικής τέχνης εδώ και πολύ καιρό. Το καλύτερο κίνητρο για εμάς ήταν ένα νέο ρεκόρ ρωσικών γραφικών - 2,098 εκατομμύρια λίρες για ένα σχέδιο του Kazimir Malevich στις 2 Ιουνίου

Κατά τη δημοσίευση των αξιολογήσεών μας, μας αρέσει να βάζουμε κάθε είδους ρήτρες γύρω μας για να αποτρέψουμε πιθανές ερωτήσεις. Έτσι, η πρώτη αρχή: μόνο πρωτότυπα γραφικά. Δεύτερον: χρησιμοποιούμε τα αποτελέσματα των ανοιχτών δημοπρασιών για τα έργα καλλιτεχνών που περιλαμβάνονται στην τροχιά της ρωσικής τέχνης, σύμφωνα με τη βάση δεδομένων του ιστότοπου (ίσως οι πωλήσεις των γκαλερί ήταν σε υψηλότερες τιμές). Τρίτον, θα ήταν σίγουρα δελεαστικό να βάλουμε 3,7 εκατομμύρια δολάρια για το Housatonic του Arshile Gorky στην πρώτη θέση. Όπως γνωρίζετε, ο ίδιος προσπάθησε με κάθε δυνατό τρόπο να θεωρηθεί Ρώσος καλλιτέχνης, χωρίς να αποφεύγει τις φάρσες, πήρε ένα ψευδώνυμο προς τιμήν του Maxim Gorky κ.λπ. το 2009, τα έργα του Γκόρκα παρουσιάστηκαν από το Ρωσικό Μουσείο και τη Γκαλερί Tretyakov στην έκθεση "American Artists from the Russian Empire", τον συμπεριλάβαμε στη βάση δεδομένων των αποτελεσμάτων δημοπρασίας AI, αλλά η έναρξη της βαθμολογίας των ρωσικών γραφικών μαζί του είναι άδικη για τυπικούς λόγους. Τέταρτον: ένα φύλλο - ένα αποτέλεσμα. Σε αυτήν τη βαθμολογία, επιλέξαμε μόνο έργα που αποτελούνται από ένα φύλλο. μια επίσημη προσέγγιση θα μας ανάγκαζε να λάβουμε υπόψη τρία ακόμη αντικείμενα, καθένα από τα οποία πουλήθηκε σε μία παρτίδα: 122 πρωτότυπα σχέδια με μελάνι για το "Book of the Marquise" του Konstantin Somov, δύο φάκελοι με 58 σχέδια και γκουάς για το "The Brothers Karamazov " του F. M. Dostoevsky του Boris Grigoriev και μέρος της συλλογής του Yakov Peremen. Πέμπτον: ένας συγγραφέας - ένα έργο. Εάν παίρναμε επίσημα το top 10 ανά τιμή (εξαιρουμένων των αποτελεσμάτων του Gorka και των προκατασκευασμένων παρτίδων), τότε θα υπήρχαν πέντε φύλλα από τον Kandinsky, τρία από τον Chagall και από ένα από τους Malevich και Serebryakova. Βαρετό. Έκτον: αναλύουμε την περίοδο από το 2001 έως τις μέρες μας. Έβδομο: η βαθμολογία των τιμών καταρτίστηκε σε δολάρια, τα αποτελέσματα σε άλλα νομίσματα μετατράπηκαν σε δολάρια με τη συναλλαγματική ισοτιμία την ημέρα της διαπραγμάτευσης. Όγδοο: όλα τα αποτελέσματα δίνονται λαμβάνοντας υπόψη την προμήθεια του πωλητή.

Το σχέδιο του Kazimir Malevich "Head of a Peasant", το οποίο είναι ένα προπαρασκευαστικό σκίτσο για τον χαμένο πίνακα "Peasant Funeral" του 1911, αναμενόμενα έγινε η κορυφαία παρτίδα της δημοπρασίας του ρωσικού Sotheby's στις 2 Ιουνίου 2014 στο Λονδίνο. Τα έργα του Malevich είναι εξαιρετικά σπάνια στην αγορά τέχνης, το "Head of a Peasant" είναι το πρώτο έργο που βγήκε σε δημοπρασία μετά την πώληση της "Suprematist Composition" για 60 εκατομμύρια δολάρια στους Sotheby's το 2008 και ένα από τα τελευταία σημαντικά πράγματα του καλλιτέχνη. σε ιδιωτικές συλλογές. Αυτό το σκίτσο ήταν ένα από τα 70 έργα που εξέθεσε ο καλλιτέχνης στο Βερολίνο το 1927 και στη συνέχεια αφέθηκε στη Γερμανία για να τα σώσει από την απαγόρευση και την τεχνητή λήθη που θα τους περίμενε αναπόφευκτα στη Ρωσία. Στη δημοπρασία του Sotheby's, το έργο προήλθε από κάποια ισχυρή γερμανική ιδιωτική συλλογή της ρωσικής πρωτοπορίας. Σχεδόν όλες οι παρτίδες αυτής της συλλογής πουλήθηκαν με υπερβολικές εκτιμήσεις, αλλά το σχέδιο του Μάλεβιτς ήταν απλώς εκτός ανταγωνισμού. Για αυτόν, έδωσαν τρεις φορές περισσότερα από την εκτίμηση - 2,098 εκατομμύρια λίρες. Αυτό είναι μακράν το πιο ακριβό γραφικό έργο Ρώσου καλλιτέχνη.

Στη λίστα με τα πιο ακριβά γραφικά έργα του Wassily Kandinsky, υπάρχουν έως και 18 πρωτότυπα σχέδια αξίας άνω του ενός εκατομμυρίου δολαρίων. Οι ακουαρέλες του στο αφηρημένο μήνυμά τους δεν είναι σε καμία περίπτωση κατώτερες από τους πίνακες. Θυμηθείτε ότι είναι από το γραφικό έργο του Kandinsky - "The First Abstract Watercolor" του 1910 - που συνηθίζεται να μετράμε την ιστορία της σύγχρονης αφηρημένης τέχνης. Όπως λέει ο μύθος, κάποτε ο Καντίνσκι, καθισμένος στο μισοσκόταδο του εργαστηρίου του στο Μόναχο και κοιτούσε το εικονιστικό έργο του, δεν μπορούσε να διακρίνει τίποτα πάνω του εκτός από χρωματικές κηλίδες και σχήματα. Και τότε συνειδητοποίησε ότι πρέπει να εγκαταλείψει την αντικειμενικότητα και να προσπαθήσει να αποτυπώσει τις «κινήσεις της ψυχής» μέσω του χρώματος. Το αποτέλεσμα ήταν ένα έργο χωρίς καμία σχέση με τον έξω κόσμο - «Η πρώτη αφηρημένη ακουαρέλα» (Παρίσι, Κέντρο Ζωρζ Πομπιντού).

Οι καμβάδες του Kandinsky είναι σπάνιοι στην αγορά και είναι πολύ ακριβοί, αλλά τα γραφικά θα ταιριάζουν απόλυτα σε κάθε συλλογή και θα φαίνονται αντάξια σε αυτήν. Τα γραφικά κυκλοφορίας μπορούν να διατεθούν για αρκετές χιλιάδες δολάρια. Αλλά για ένα πρωτότυπο σχέδιο, το οποίο, για παράδειγμα, είναι ένα σκίτσο για έναν διάσημο πίνακα, θα πρέπει να πληρώσετε πολλαπλάσια. Η πιο ακριβή ακουαρέλα μέχρι σήμερα, το "Untitled" του 1922, πουλήθηκε κατά τη διάρκεια της καλλιτεχνικής άνθησης του 2008 για 2,9 εκατομμύρια δολάρια.

Ο Marc Chagall ήταν ένας ασυνήθιστα παραγωγικός καλλιτέχνης για την εποχή του. Είναι σήμερα που ο Damien Hirst και ο Jeff Koons βοηθούνται από μια στρατιά βοηθών και ο Mark Zakharovich δημιούργησε μόνος του χιλιάδες πρωτότυπα γραφικά στα 97 χρόνια της ζωής του, για να μην αναφέρουμε τα έργα κυκλοφορίας. Η βάση δεδομένων μας για τα αποτελέσματα δημοπρασίας Chagall περιλαμβάνει περισσότερα από 2.000 πρωτότυπα έργα σε χαρτί. Αυτός ο καλλιτέχνης αυξάνεται σταθερά στην τιμή και οι επενδυτικές προοπτικές για την αγορά των έργων του είναι προφανείς - το κυριότερο είναι να επιβεβαιωθεί η αυθεντικότητα του έργου από την Επιτροπή Chagall. Διαφορετικά, το έργο μπορεί σχεδόν να καεί (αυτό ακριβώς απειλεί η Επιτροπή Σαγκάλ τον ιδιοκτήτη, ο οποίος πρόσφατα έστειλε έναν πίνακα στο Παρίσι για εξέταση, ο οποίος αποδείχθηκε πλαστός). Επομένως, η επιλογή πρέπει να γίνει μόνο υπέρ των άνευ όρων γνήσιων γραφικών. Η τιμή του μπορεί να φτάσει τα 2,16 εκατομμύρια δολάρια - αυτό είναι το ποσό που πλήρωσαν τον Μάιο του 2013 για το σχέδιο «Ιππείς» (χαρτί σε χαρτόνι, γκουάς, παστέλ, χρωματιστά μολύβια).

Το παστέλ "Reclining Nude" δεν είναι μόνο το πιο ακριβό γραφικό έργο της Zinaida Serebryakova, αλλά και το πιο ακριβό έργο της γενικότερα. Το θέμα του γυμνού γυναικείου σώματος ήταν ένα από τα κύρια στη δουλειά του καλλιτέχνη. Τα γυμνά της Serebryakova εξελίχθηκαν από εικόνες λουόμενων και Ρωσίδων καλλονών σε ένα λουτρό στη ρωσική περίοδο δημιουργικότητας σε ξαπλωμένα γυμνά περισσότερο στο πνεύμα της ευρωπαϊκής τέχνης στην περίοδο του Παρισιού. Κοιτάζοντας τα όμορφα, αισθησιακά, εξιδανικευμένα γυμνά της Serebryakova, είναι δύσκολο να φανταστεί κανείς πόσο τραγική ήταν η μοίρα της καλλιτέχνιδας - ο σύζυγός της πέθανε από τύφο, αφήνοντάς την με τέσσερα παιδιά στην αγκαλιά της. Έπρεπε να ζήσω από στόμα σε στόμα και, στο τέλος, να μεταναστεύσω στο Παρίσι (όπως αποδείχτηκε αργότερα, για πάντα), αφήνοντας τα παιδιά στη Ρωσία (αργότερα κατάφεραν να μεταφέρουν μόνο δύο στη Γαλλία, έπρεπε να αποχωριστούν τα άλλα δύο για περισσότερα από 30 χρόνια).

Η Zinaida Serebryakova καλλιέργησε την τέλεια, αιώνια, κλασική ομορφιά στα έργα της. Κατά κάποιο τρόπο, το παστέλ μεταδίδει ακόμη καλύτερα την ελαφρότητα και την ευελιξία των γυναικείων εικόνων της, στις οποίες υπάρχει σχεδόν πάντα κάτι από την ίδια την καλλιτέχνη και τα παιδιά της (η κόρη της Katya ήταν ένα από τα αγαπημένα της μοντέλα).

Ένα αρκετά μεγάλο παστέλ "Reclining Nude" αγοράστηκε κατά τη διάρκεια της καλλιτεχνικής άνθησης τον Ιούνιο του 2008 για 1,07 εκατομμύρια λίρες (2,11 εκατομμύρια δολάρια). Καμία άλλη δουλειά από τότε δεν κατάφερε να σπάσει αυτό το ρεκόρ. Είναι ενδιαφέρον ότι στις 10 κορυφαίες δημοπρασίες της Zinaida Serebryakova, μόνο γυμνά και τρία έργα είναι απλώς παστέλ.

Στη δημοπρασία του Λονδίνου Sotheby's στις 27 Νοεμβρίου 2012, αφιερωμένη στη ζωγραφική και τα γραφικά από Ρώσους καλλιτέχνες, η κορυφαία παρτίδα δεν ήταν ένας πίνακας, αλλά ένα σχέδιο με μολύβι σε χαρτί - "Portrait of Vsevolod Meyerhold" του Yuri Annenkov. Οκτώ συμμετέχοντες μάλωναν για δουλειά στην αίθουσα και στα τηλέφωνα. Ως αποτέλεσμα, το σχέδιο, που υπολογίζεται σε 30-50 χιλιάδες λίρες, κόστισε στον νέο ιδιοκτήτη αρκετές δεκάδες φορές ακριβότερα από την εκτίμηση. Το αποτέλεσμα 1,05 εκατομμυρίων λιρών (1,68 εκατομμυρίων δολαρίων) σε μια νύχτα έκανε το «Πορτρέτο του Βσεβολόντ Μέγιερχολντ» τα πιο ακριβά γραφικά του συγγραφέα και κατέλαβε την τρίτη θέση στη λίστα με τις υψηλότερες τιμές δημοπρασίας για το έργο του Ανενκόφ γενικά.

Γιατί ήταν τόσο έντονο το ενδιαφέρον για το πορτρέτο; Ο Annenkov είναι ένας λαμπρός ζωγράφος πορτρέτων που άφησε εικόνες από τις καλύτερες μορφές της εποχής - ποιητές, συγγραφείς, σκηνοθέτες. Επιπλέον, ήταν πολύ ταλαντούχος στα γραφικά: ο τρόπος του συνδύαζε τις τεχνικές του κλασικού σχεδίου με avant-garde στοιχεία κυβισμού, φουτουρισμού, εξπρεσιονισμού.. Πέτυχε ως καλλιτέχνης του θεάτρου και του κινηματογράφου, ως εικονογράφος βιβλίων. Την προσοχή του κοινού τράβηξε, φυσικά, η προσωπικότητα του μοντέλου στο πορτρέτο - ο διάσημος σκηνοθέτης Vsevolod Meyerhold. Και ολοκληρώνοντας όλα, αυτό το σχέδιο προέρχεται από τη συλλογή του συνθέτη Boris Tyomkin, με καταγωγή από το Kremenchug, ο οποίος μετανάστευσε στις Ηνωμένες Πολιτείες και έγινε διάσημος Αμερικανός συνθέτης, τέσσερις φορές βραβευμένος με Όσκαρ για μουσικό έργο σε ταινίες.

Ένας από τους κύριους καλλιτέχνες του συνδέσμου World of Art, ο Lev (Leon) Bakst, φυσικά, θα έπρεπε να ήταν στη λίστα μας με τους πιο επιτυχημένους εμπορικά γραφίστες. Τα εκλεπτυσμένα θεατρικά του έργα - κοστούμια για τους καλύτερους χορευτές της εποχής, σκηνικά για παραγωγές - μας δίνουν σήμερα μια ιδέα για το τι πολυτελές θέαμα ήταν οι Ρωσικές Εποχές του Ντιάγκιλεφ.

Το πιο ακριβό γραφικό έργο του Μπακστ, Η Κίτρινη Σουλτάνα, δημιουργήθηκε τη χρονιά που το μπαλέτο του Ντιάγκιλεφ πήγε για πρώτη φορά σε περιοδεία στις Ηνωμένες Πολιτείες. Μέχρι εκείνη την εποχή, ο Bakst ήταν ήδη γνωστός καλλιτέχνης, το αναγνωρίσιμο στυλ της θεατρικής του δουλειάς έχει γίνει μάρκα, η επιρροή του είναι απτή στη μόδα, την εσωτερική διακόσμηση και τα κοσμήματα. Το αισθησιακό γυμνό "Yellow Sultana", που αναπτύχθηκε μέσα από τα θεατρικά του σκίτσα, προκάλεσε μια σφοδρή μάχη δύο τηλεφώνων στη δημοπρασία του Christie's στις 28 Μαΐου 2012. Ως αποτέλεσμα, έφτασαν τις 937.250 λίρες ( 1 467 810 δολάρια) λαμβάνοντας υπόψη την προμήθεια παρά το γεγονός ότι η εκτίμηση ήταν 350-450 χιλιάδες λίρες.

Ο κόσμος των ευγενών φωλιών που σβήνουν στη λήθη, τα ομιχλώδη πάρκα των κτημάτων και οι χαριτωμένες νεαρές κυρίες που περπατούν στα σοκάκια εμφανίζεται στα έργα του Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov. Κάποιοι αποκαλούν το στυλ του «ελεγεία στη ζωγραφική», τον χαρακτηρίζει η ονειροπόληση, η ήσυχη μελαγχολία, η θλίψη για μια περασμένη εποχή. Για τον Μπορίσοφ-Μουσάτοφ, τα ευγενή κτήματα ήταν ο κόσμος του παρόντος, αλλά υπάρχει κάτι απόκοσμο στις αντανακλάσεις του για αυτόν τον κόσμο, αυτά τα πάρκα, οι βεράντες και οι λιμνούλες φαίνεται να έχουν ονειρευτεί τον καλλιτέχνη. Έμοιαζε να έχει μια αίσθηση ότι σύντομα αυτός ο κόσμος δεν θα ήταν και ο ίδιος δεν θα ήταν (μια σοβαρή ασθένεια ισχυρίστηκε ο καλλιτέχνης σε ηλικία 35 ετών).

Η ελαιογραφία Victor Borisov-Musatov προτιμούσε τα παστέλ και τις ακουαρέλες, του έδωσαν την απαραίτητη ελαφρότητα πινελιάς και ομίχλης. Η εμφάνιση στη δημοπρασία του ρωσικού Sotheby's το 2006 των παστέλ του "The Last Day" ήταν ένα γεγονός, επειδή τα κύρια έργα του Borisov-Musatov βρίσκονται σε μουσεία και μόνο περίπου δώδεκα έργα έχουν φτάσει στην ανοιχτή δημοπρασία για όλη την ώρα. Το παστέλ «The Last Day» προέρχεται από τη συλλογή του V. Napravnik, γιου του Ρώσου μαέστρου και συνθέτη Eduard Napravnik. Αυτό το παστέλ απεικονίστηκε στο «Πορτρέτο της Μαρίας Γκεοργκίεβνα Ναπράβνικ» της Ζιναΐντα Σερεμπριάκοβα, που τώρα φυλάσσεται στο Μουσείο Τέχνης του Τσουβάς. Στη μονογραφία «Borisov-Musatov» (1916), ο N. N. Wrangel αναφέρει «The Last Day» στον κατάλογο των έργων του καλλιτέχνη. Έτσι, το αναμφίβολα αυθεντικό πράγμα πολύ αναμενόμενο έφτασε σε τιμή ρεκόρ για τον καλλιτέχνη των 702.400 λιρών ή 1.314.760 δολαρίων.

Ο Alexander Deineka ήταν ένας λαμπρός γραφίστας· στα αρχικά στάδια της καριέρας του, τα γραφικά τον προσέλκυσαν περισσότερο από τη ζωγραφική, πρώτα απ 'όλα, με τις προπαγανδιστικές δυνατότητές τους. Ο καλλιτέχνης εργάστηκε πολύ ως εικονογράφος βιβλίων και περιοδικών, δημιούργησε αφίσες. Αργότερα, αυτή η "εργασία περιοδικού και αφίσας" τον κούρασε, άρχισε να εργάζεται όλο και περισσότερο στη ζωγραφική, στη μνημειακή τέχνη, αλλά οι δεξιότητες που αποκτήθηκαν ως σχεδιαστής αποδείχθηκαν πολύ χρήσιμες - για παράδειγμα, όταν δημιουργούσε προπαρασκευαστικά σκίτσα για πίνακες. "Κορίτσι που δένει μια κορδέλα στο κεφάλι της" - ένα σκίτσο για τον πίνακα "Λουτρός" (1951, συλλογή Κρατικής Πινακοθήκης Τρετιακόφ). Αυτό το πιο ακριβό έργο του Deineka μέχρι σήμερα ανήκει στην ύστερη περίοδο της δημιουργικότητας, όταν το στυλ του καλλιτέχνη από τις πρωτοποριακές αναζητήσεις των δεκαετιών του 1920 και του 1930 είχε ήδη εξελιχθεί έντονα προς τον κοινωνικό ρεαλισμό. Όμως ο Deineka ήταν ειλικρινής και στον σοσιαλιστικό ρεαλισμό. Η δύναμη και η ομορφιά ενός υγιούς ανθρώπινου σώματος είναι ένα από τα αγαπημένα θέματα στη δουλειά της Deineka. Το «Κορίτσι που δένει κορδέλα» μας παραπέμπει στο γυμνό του, παρόμοιο με ελληνικές θεές - Σοβιετικές Αφροδίτες, που βρίσκουν την ευτυχία στη δουλειά και στον αθλητισμό. Αυτό είναι ένα σχέδιο του σχολικού βιβλίου Deineka, και επομένως δεν προκαλεί έκπληξη το γεγονός ότι πουλήθηκε για ένα ρεκόρ 27.500.000 ρούβλια (1.012.450 $) στη δημοπρασία Sovkom.

Ο Μπόρις Ντμίτριεβιτς Γκριγκόριεφ μετανάστευσε από τη Ρωσία το 1919. Στο εξωτερικό, έγινε ένας από τους πιο διάσημους Ρώσους καλλιτέχνες, αλλά ταυτόχρονα ξεχάστηκε στο σπίτι του για πολλές δεκαετίες και οι πρώτες του εκθέσεις στην ΕΣΣΔ έγιναν μόλις στα τέλη της δεκαετίας του 1980. Σήμερα, όμως, είναι ένας από τους πιο περιζήτητους και ιδιαίτερα αναγνωρισμένους συγγραφείς στη ρωσική αγορά τέχνης, τα έργα του, τόσο εικαστικά όσο και γραφικά, πωλούνται για εκατοντάδες χιλιάδες και εκατομμύρια δολάρια. Ο καλλιτέχνης ήταν εξαιρετικά εργατικός, πίστευε ότι μπορούσε να κάνει οποιοδήποτε θέμα, οποιαδήποτε παραγγελία.

Πιθανώς οι πιο διάσημοι είναι οι κύκλοι του "Rasey" και "Faces of Russia" - πολύ κοντά στο πνεύμα και διαφέρουν μόνο στο ότι ο πρώτος δημιουργήθηκε πριν από τη μετανάστευση και ο δεύτερος ήδη στο Παρίσι. Σε αυτούς τους κύκλους, μας παρουσιάζεται μια συλλογή τύπων («πρόσωπων») της ρωσικής αγροτιάς - γέροι, γυναίκες, παιδιά κοιτάζουν μουτρωμένα τον θεατή, τραβούν το βλέμμα και ταυτόχρονα τον απωθούν. Ο Γκριγκόριεφ σε καμία περίπτωση δεν είχε την τάση να εξιδανικεύει ή να εξωραΐζει αυτούς που ζωγράφιζε, αντίθετα μερικές φορές φέρνει τις εικόνες στο γκροτέσκο. Ένα από τα «πρόσωπα», που εκτελέστηκε με γκουάς και ακουαρέλα σε χαρτί, έγινε το πιο ακριβό γραφικό έργο του Μπόρις Γκριγκόριεφ: τον Νοέμβριο του 2009, στον οίκο Sotheby's, πλήρωσαν 986.500 δολάρια γι 'αυτό.

Και τέλος, ο δέκατος συγγραφέας στη λίστα μας με τα πιο ακριβά έργα ρωσικών γραφικών είναι ο Konstantin Somov. Ο γιος του επιμελητή των συλλογών του Ερμιτάζ και ένας μουσικός, η αγάπη για την τέχνη και όλα τα όμορφα ενσταλάχθηκε από την παιδική ηλικία, αφού σπούδασε στην Ακαδημία Τεχνών με τον Ρέπιν, ο Σόμοβ σύντομα βρέθηκε στην κοινωνία του Κόσμου της Τέχνης, η οποία προώθησε τη λατρεία της ομορφιάς κοντά του. Ειδικά αυτή η λαχτάρα για διακοσμητικότητα και «ομορφιά» εκδηλώθηκε στα πολυάριθμα σχέδιά του βασισμένα στις εικόνες της γαλαντόμου εποχής, ενδιαφέρον για το οποίο παρατηρήθηκε για το έργο άλλων καλλιτεχνών του World of Art (Lanser, Benois). Τέντες «Somov» και γαλαντόμοι καβαλάρηδες σε μυστικά ραντεβού, σκηνές κοσμικών δεξιώσεων και μασκαράδων με αρλεκίνους και κυρίες με περούκες μας παραπέμπουν στην αισθητική του μπαρόκ και του ροκοκό.

Οι τιμές για τα έργα του Somov στην αγορά τέχνης άρχισαν να αυξάνονται με εκπληκτικό και όχι πάντα κατανοητό ρυθμό από το 2006, ορισμένοι από τους πίνακές του ξεπέρασαν την εκτίμηση κατά 5 ή και 13 φορές. Η ζωγραφιά του κοστίζει εκατομμύρια λίρες. Όσο για τα γραφικά, εδώ το καλύτερο αποτέλεσμα του Somov μέχρι στιγμής είναι 620.727 δολάρια - αυτό είναι μόνο ένα από τα σχέδια της σειράς "Galant" "Masquerade".

Στις 22 Απριλίου 2010 στον οίκο Sotheby's της Νέας Υόρκης σε μια παρτίδα με αριθμό 349 πουλήθηκαν 86 έργα - πίνακες και σχέδια - σχεδόν δύο δωδεκάδες συγγραφείς. Αυτή η πώληση, παρεμπιπτόντως, μπερδεύει τις στατιστικές δημοπρασιών εκείνων των καλλιτεχνών των οποίων τα έργα συμπεριλήφθηκαν σε αυτήν την παρτίδα. Ναι, η συλλογή είναι πολύτιμη από μόνη της, έχει μια μακρά, περίπλοκη και τραγική ιστορία, και, από τη μία, είναι καλό που η συλλογή έπεσε στα ίδια χέρια. Αλλά, από την άλλη πλευρά, εάν κάποια μέρα ο ιδιοκτήτης αποφασίσει να πουλήσει μεμονωμένα έργα, τότε για τους περισσότερους συγγραφείς δεν υπάρχει απλώς επίπεδο τιμής. Μετά την εκκωφαντική «προετοιμασία πυροβολικού» που προηγήθηκε της πώλησης της συλλογής, θα μπορούσε να εμφανιστεί, αλλά όχι και κατά την μεταπώλησή της θα βγει σε τεράστιο μείον.

) στα εκφραστικά σαρωτικά της έργα μπόρεσε να διατηρήσει τη διαφάνεια της ομίχλης, την ελαφρότητα του πανιού, το ομαλό λίκνισμα του πλοίου στα κύματα.

Οι πίνακές της εκπλήσσουν με το βάθος, τον όγκο, τον κορεσμό τους και η υφή τους είναι τέτοια που είναι αδύνατο να πάρεις τα μάτια σου από πάνω τους.

Ζεστή απλότητα Valentina Gubareva

Πρωτόγονος καλλιτέχνης από το Μινσκ Valentin Gubarevνα μην κυνηγά τη φήμη και απλώς να κάνει αυτό που αγαπά. Το έργο του είναι τρελά δημοφιλές στο εξωτερικό, αλλά σχεδόν άγνωστο στους συμπατριώτες του. Στα μέσα της δεκαετίας του '90, ο Γάλλος ερωτεύτηκε τα καθημερινά του σκίτσα και υπέγραψε συμβόλαιο με τον καλλιτέχνη για 16 χρόνια. Οι πίνακες, οι οποίοι, όπως φαίνεται, θα έπρεπε να είναι κατανοητοί μόνο σε εμάς, τους φορείς της «μέτριας γοητείας του μη αναπτυγμένου σοσιαλισμού», άρεσαν στο ευρωπαϊκό κοινό και ξεκίνησαν εκθέσεις στην Ελβετία, τη Γερμανία, τη Μεγάλη Βρετανία και άλλες χώρες.

Αισθησιακός ρεαλισμός του Σεργκέι Μαρσέννικοφ

Ο Σεργκέι Μαρσέννικοφ είναι 41 ετών. Ζει στην Αγία Πετρούπολη και δημιουργεί με τις καλύτερες παραδόσεις της κλασικής ρωσικής σχολής ρεαλιστικής προσωπογραφίας. Οι ηρωίδες των πινάκων του είναι τρυφερές και ανυπεράσπιστες μέσα στις ημίγυμνες γυναίκες τους. Πολλοί από τους πιο διάσημους πίνακες απεικονίζουν τη μούσα και σύζυγο του καλλιτέχνη, Ναταλία.

Ο Μυωπικός Κόσμος του Φίλιπ Μπάρλοου

Στη σύγχρονη εποχή των εικόνων υψηλής ανάλυσης και της άνοδος του υπερρεαλισμού, το έργο του Philip Barlow τραβά αμέσως την προσοχή. Απαιτείται όμως κάποια προσπάθεια από τον θεατή για να αναγκαστεί να κοιτάξει θολές σιλουέτες και φωτεινά σημεία στους καμβάδες του συγγραφέα. Μάλλον έτσι βλέπουν τον κόσμο χωρίς γυαλιά και φακούς επαφής οι άνθρωποι που πάσχουν από μυωπία.

Sunny Bunnies του Laurent Parcelier

Ο πίνακας του Laurent Parcelier είναι ένας καταπληκτικός κόσμος στον οποίο δεν υπάρχει ούτε θλίψη ούτε απόγνωση. Δεν θα βρείτε ζοφερές και βροχερές εικόνες σε αυτόν. Στους καμβάδες του υπάρχει πολύ φως, αέρας και έντονα χρώματα, τα οποία ο καλλιτέχνης εφαρμόζει με χαρακτηριστικές αναγνωρίσιμες πινελιές. Αυτό δημιουργεί την αίσθηση ότι οι πίνακες υφαίνονται από χιλιάδες ηλιαχτίδες.

Η Urban Dynamics στα έργα του Jeremy Mann

Πάνελ με λάδι σε ξύλο από τον Αμερικανό καλλιτέχνη Jeremy Mann ζωγραφίζει δυναμικά πορτρέτα μιας σύγχρονης μητρόπολης. «Αφηρημένες φόρμες, γραμμές, αντίθεση φωτεινών και σκοτεινών σημείων - όλα δημιουργούν μια εικόνα που προκαλεί την αίσθηση που βιώνει ένα άτομο μέσα στο πλήθος και την αναταραχή της πόλης, αλλά μπορεί επίσης να εκφράσει την ηρεμία που βρίσκει κανείς όταν αναλογίζεται την ήσυχη ομορφιά», λέει. ο καλλιτέχνης.

Ο Απατηλός Κόσμος του Νιλ Σάιμον

Στους πίνακες του Βρετανού καλλιτέχνη Neil Simone (Neil Simone) δεν είναι όλα όπως φαίνονται με την πρώτη ματιά. «Για μένα, ο κόσμος γύρω μου είναι μια σειρά από εύθραυστα και συνεχώς μεταβαλλόμενα σχήματα, σκιές και όρια», λέει ο Simon. Και στους πίνακές του όλα είναι πραγματικά απατηλά και αλληλένδετα. Τα σύνορα ξεπλένονται και οι ιστορίες ρέουν η μία μέσα στην άλλη.

Το ερωτικό δράμα του Joseph Lorasso

Ένας ιταλικής καταγωγής σύγχρονος Αμερικανός καλλιτέχνης, ο Joseph Lorusso, μεταφέρει σε καμβά σκηνές που έβλεπε στην καθημερινή ζωή των απλών ανθρώπων. Αγκαλιές και φιλιά, παθιασμένες παρορμήσεις, στιγμές τρυφερότητας και επιθυμίας γεμίζουν τις συναισθηματικές του εικόνες.

Η ζωή του Ντμίτρι Λέβιν στο χωριό

Ο Ντμίτρι Λέβιν είναι ένας αναγνωρισμένος δάσκαλος του ρωσικού τοπίου, ο οποίος έχει καθιερωθεί ως ταλαντούχος εκπρόσωπος της ρωσικής ρεαλιστικής σχολής. Η πιο σημαντική πηγή της τέχνης του είναι η προσήλωσή του στη φύση, την οποία αγαπά τρυφερά και με πάθος και νιώθει ότι είναι μέρος της.

Bright East Valery Blokhin

Στην Ανατολή, όλα είναι διαφορετικά: διαφορετικά χρώματα, διαφορετικός αέρας, διαφορετικές αξίες ζωής και η πραγματικότητα είναι πιο μυθική από τη φαντασία - έτσι σκέφτεται ο σύγχρονος καλλιτέχνης Valery Blokhin. Στη ζωγραφική, ο Valery αγαπά το χρώμα περισσότερο από όλα. Το έργο του είναι πάντα ένα πείραμα: δεν προέρχεται από μια φιγούρα, όπως οι περισσότεροι καλλιτέχνες, αλλά από ένα χρωματικό σημείο. Ο Blokhin έχει τη δική του ιδιαίτερη τεχνική: πρώτα βάζει αφηρημένα σημεία στον καμβά και μετά τελειώνει την πραγματικότητα.

Η τέχνη των γραφικών είναι ποικίλη. Περιλαμβάνει πολιτική αφίσα και σχέδιο εφημερίδων και περιοδικών, εικονογράφηση βιβλίων και καρικατούρα, βιομηχανικά εφαρμοσμένα γραφικά και διαφήμιση ταινιών. Ένα μεγάλο τμήμα του είναι γραφικά καβαλέτο - σχέδια και χαρακτικά, που εκτελούνται ανεξάρτητα, εκτός ειδικού πρακτικού σκοπού. Ονομάζεται έτσι κατ' αναλογία με τη ζωγραφική με καβαλέτο, τα έργα της οποίας δημιουργεί ο καλλιτέχνης σε μια ειδική μηχανή - ένα καβαλέτο. η λέξη "γραφικά" προέρχεται από το ελληνικό grapho (grafo) - γράφω, σχεδιάζω. Φυσικά, τα γραφικά του καβαλέτου δεν στερούνται εντελώς σκοπού. Παίρνοντας ένα πινέλο, μολύβι ή καλέμι χαράκτη, ο καλλιτέχνης έχει πάντα έναν συγκεκριμένο στόχο. Προσπαθεί να μεταφέρει στους ανθρώπους τις σκέψεις και τα συναισθήματά του, την κατανόησή του για τη ζωή, να επιβεβαιώσει τους άξιους σε αυτήν και να τιμωρήσει το αρνητικό, να δείξει την εκπληκτική, κρυμμένη ομορφιά του κόσμου που βλέπει μόνο αυτός. Αλλά ταυτόχρονα, ο συγγραφέας ενός καβαλέτου σχεδίου ή γκραβούρας δεν επιδιώκει πάντα έναν ταραχώδη ή καταγγελτικό στόχο με το έργο του, ως κύριος αφίσας και καρικατούρας, δεν εκτελεί διαφημιστικά ή χρηστικά καθήκοντα, ως καλλιτέχνες αφισών και βιομηχανικών γραφικά, οι εικόνες του, τέλος, δεν συνδέονται με λογοτεχνικούς ήρωες και καταστάσεις, όπως στα έργα των εικονογράφων.

Με τον ίδιο τρόπο, οι δεξιοτέχνες της ζωγραφικής και της γλυπτικής, σε αντίθεση με τους τοιχογράφους και τους διακοσμητές, δημιουργούν ανεξάρτητα έργα που δεν συνδέονται με κανένα καλλιτεχνικό σύνολο - ένα κτίριο, ένα δωμάτιο, μια πλατεία, ένα πάρκο κ.λπ.

Τα γραφικά του καβαλέτου έχουν πολλά κοινά με τη ζωγραφική με καβαλέτο. Αν και τα κορυφαία καλλιτεχνικά μέσα τους είναι διαφορετικά, και τα δύο αυτά είδη τέχνης έχουν μεγάλες και από πολλές απόψεις παρόμοιες δυνατότητες απεικόνισης της φύσης, των ανθρώπων και ολόκληρου του πλούτου του υλικού κόσμου. Διάφορες πτυχές της ανθρώπινης ζωής, που ήταν πάντα το επίκεντρο της τέχνης, πρότειναν την προσθήκη των διαφόρων ειδών της - πορτρέτο, τοπίο, σύνθεση καθημερινής ή μάχης, νεκρή φύση κ.λπ. Αυτά τα είδη υπάρχουν τόσο στη σοβιετική ζωγραφική όσο και στα σοβιετικά γραφικά . Ο κόσμος της ανθρώπινης ψυχής παρουσιάζεται με ιδιαίτερο βάθος σε πολυάριθμα έργα ζωγραφικής, γλυπτικής και γραφικών. Για αυτήν την ψυχολογία, για μια πολύπλευρη και μεγάλη συζήτηση με τον θεατή για έναν άνθρωπο, εκτιμούμε ιδιαίτερα την τέχνη του καβαλέτου.

Έχοντας πολλά κοινά με τη ζωγραφική, τα γραφικά καβαλέτου, ταυτόχρονα, σύμφωνα με τη μέθοδο εκτέλεσης - κυρίως στο χαρτί, πλησιάζουν σε όλα τα άλλα είδη γραφικών όσον αφορά τις τεχνικές σχεδίασης και χάραξης. Όπως και όλη η οικογένεια των γραφικών τεχνών, διακρίνεται από τη συγκριτική ταχύτητα εκτέλεσης των πραγμάτων, καθώς και από καλές ευκαιρίες αναπαραγωγής τους. Χάρη σε αυτό, πρώτον, τα γραφικά έχουν σπουδαία δεδομένα για να είναι μια επίκαιρη τέχνη, που αντιδρά γρήγορα στα γεγονότα της δημόσιας ζωής, μια τέχνη που ζει στους ρυθμούς της νεωτερικότητας. Αυτές οι δυνατότητες που είναι εγγενείς στα γραφικά, όπως θα δούμε παρακάτω, χρησιμοποιήθηκαν πολλές φορές τέλεια από τους κυρίους του. Δεύτερον, δεδομένου ότι ένα φύλλο γραφικών εκτελείται γενικά πιο γρήγορα από έναν πίνακα ή ένα γλυπτό (αν και δεν απαιτούνται λιγότερη πνευματική δύναμη, ταλέντο και δεξιότητες από έναν γραφίστα), διατηρεί μια ιδιαίτερη αμεσότητα επικοινωνίας με τη φύση, τη δυνατότητα ζωντανής καθήλωσης του το. Αν προσθέσουμε σε αυτό ότι η τεχνική της εκτέλεσης γραφικών έργων είναι πολύ ποικιλόμορφη, ο ιδεολογικός και αισθητικός πλούτος αυτής της μορφής τέχνης γίνεται εμφανής.

Πολλά ενδιαφέροντα πράγματα περιμένουν τον προσεκτικό θεατή των γραφικών έργων. Όχι αμέσως, αλλά σταδιακά, του αποκαλύπτεται η πρωτοτυπία και η ομορφιά κάθε γραφικής τεχνικής - η ασημί διαύγεια ενός σχεδίου με μολύβι γραφίτη και η βελούδινη μαυρίλα ενός ιταλικού μολυβιού, η ακριβής ευχέρεια των σχεδίων με στυλό με μελάνι ή μελάνι, η τρυφερότητα του παστέλ και σαγκουίνι. Σταδιακά μαθαίνουμε να εκτιμούμε την πλούσια γκάμα γκρι-μαύρων τόνων που διατίθενται για σχέδιο με κάρβουνο, σάλτσα, μαύρη ακουαρέλα ή μελάνι, τη διαφανή ελαφρότητα της έγχρωμης ακουαρέλας και τη βαρύτερη, υλική γλώσσα της γκουάς. Θαυμάζουμε την ποικιλόμορφη και ευέλικτη γλώσσα των ξυλογραφιών, τις γενικευμένες και λακωνικές μορφές λινογραφίας, την εκφραστικότητα του φωτός και της σκιάς και το βάθος χρώματος στη χάραξη, την ελεύθερη, πλούσια σε χρωματικές αποχρώσεις, την απαλότητα της μοντελοποίησης, το σχέδιο με λιθογραφία μολύβι.

Συχνά, οι καλλιτέχνες εργάζονται επίσης με μικτά μέσα, συνδυάζοντας στα έργα τους, για παράδειγμα, κάρβουνο, κιμωλία και κάποιο είδος μολυβιού ή ακουαρέλας και παστέλ, ακουαρέλας και γκουάς κ.λπ.

Τόσο στη λιθογραφία όσο και στις τεχνικές χαρακτικής, ο θεατής βλέπει το τελικό αποτέλεσμα της δουλειάς του καλλιτέχνη - τύπωμα ή αποτύπωμα, διαφορετικά - χαρακτικό. Πολλές τέτοιες εκτυπώσεις μπορούν να ληφθούν από μία σανίδα ή πέτρα και όλες είναι εξίσου πρωτότυπα έργα τέχνης. Αυτό το χαρακτηριστικό των εκτυπώσεων - η μάλλον μεγάλη κυκλοφορία τους διατηρώντας όλα τα καλλιτεχνικά πλεονεκτήματα - είναι ιδιαίτερα πολύτιμο για εμάς.

Όλο και περισσότεροι κύκλοι σοβιετικών ανθρώπων προσχωρούν τώρα στην τέχνη. Βρίσκουν στα έντυπα την πληρότητα των σκέψεων και των αισθητικών εμπειριών που προσφέρει η γνήσια μεγάλη τέχνη, και ταυτόχρονα, η εκτύπωση δεν είναι ένα μακρινό μουσείο μοναδικό που βλέπουμε μόνο περιστασιακά, αλλά ένα πράγμα με το οποίο η ομορφιά εισχωρεί στο σπίτι μας, στην καθημερινή ζωή.

Τα σοβιετικά γραφικά καβαλέτου είναι μια τεράστια περιοχή της τέχνης μας, η άγραφη ακόμη ιστορία της οποίας περιλαμβάνει υπέροχες σελίδες μεγάλων καλλιτεχνικών αναζητήσεων και επιτευγμάτων. Έχει τις δικές του λαμπρές παραδόσεις τόσο στη ρωσική τέχνη όσο και σε μια σειρά από άλλες εθνικές σχολές τέχνης. Σχεδόν όλοι οι μεγάλοι ζωγράφοι του παρελθόντος ήταν επίσης μεγάλοι δεξιοτέχνες του σχεδίου και της ακουαρέλας. Ακουαρέλες των Alexander Ivanov και K. Bryullov, πολυάριθμα σχέδια και ακουαρέλες του Repin, γραφικά των V. Serov και Vrubel είναι αριστουργήματα της τέχνης μας γεμάτα αιώνια γοητεία. Ως δημοκρατική τέχνη, που μεταφέρει τις εικόνες και τις σκέψεις των καλλιτεχνών στους ανθρώπους, η λιθογραφία εμφανίστηκε στη Ρωσία στις αρχές του 19ου αιώνα. Kiprensky, Orlovsky, Venetsianov, αργότερα Perov, Shishkin, Vl. Makovsky, Levitan και άλλοι καλλιτέχνες. Στη δεκαετία του σαράντα του 19ου αιώνα, ο Shchedrovsky στο άλμπουμ "Here are Ours" δείχνει στον θεατή εμπόριο, τεχνίτες, λαϊκούς τύπους. Αυτή ήταν η πρώτη εμπειρία δημιουργίας έγχρωμης λιθογραφίας στη ρωσική τέχνη. Οι κορυφαίοι καλλιτέχνες του περασμένου αιώνα εκτιμούν την τέχνη της χαρακτικής για τη σχετικά μεγαλύτερη προσβασιμότητα στον κόσμο, γιατί φέρνει τις δημιουργίες τους πιο κοντά στο κοινό του λαϊκού κοινού. Ο κλασικός της ουκρανικής ποίησης και καλλιτέχνης T. G. Shevchenko, ο οποίος εργάστηκε στη χαλκογραφία, έγραψε το 1857: "Από όλες τις καλές τέχνες, τώρα μου αρέσει περισσότερο η χαρακτική. Και όχι χωρίς λόγο. η κοινωνία". Ο Shishkin ήταν επίσης λάτρης της χαρακτικής. Ο I. E. Repin στράφηκε επανειλημμένα σε διάφορες τεχνικές χαρακτικής. Όλη η ποικιλία των ειδών - οικιακές, ιστορικές σκηνές, πορτραίτο και τοπίο - αναπτύσσεται στη λιθογραφία, τη χαρακτική και το σχέδιο του περασμένου αιώνα.

Στα γραφικά των αρχών του 20ου αιώνα, όπως και σε κάθε τέχνη, υπάρχει μια περίπλοκη συνένωση ενίοτε αντίθετων τάσεων. Τα γεγονότα της επανάστασης του 1905 αποτυπώνουν με ιδιαίτερη ισχύ τα γραφικά των περιοδικών, αλλά βρίσκουν απαντήσεις και σε καβαλέτα - χαρακτικά του S. Ivanov, σε παστέλ του V. Serov, ενός συγκλονισμένου μάρτυρα στα αντίποινα του τσαρισμού εναντίον των εργατών. Σε αυτά τα έργα, καθώς και στις εικόνες ανθρακωρύχων, εργαζομένων, μαθητών του Kasatkin, στα σχέδια του S. Korovin που απεικονίζουν στρατιώτες, στα φύλλα του Sergei Ivanov αφιερωμένα στους φτωχούς μετανάστες, υπάρχει ενδιαφέρον για τον εργαζόμενο χαρακτηριστικό της προηγμένης ρωσικής τέχνης και συμπάθειας για τη δύσκολη και συχνά τραγική μοίρα του. Όμως στα γραφικά αυτών των δεκαετιών υπάρχει και μια τάση απομάκρυνσης από τις πολυπλοκότητες και τις αντιφάσεις της κοινωνικής πραγματικότητας. Σε ορισμένες περιπτώσεις, αυτή η τάση επιβάλλει ένα είδος παθητικού στοχασμού στο έργο των καλλιτεχνών, σε άλλες οδηγεί τους καλλιτέχνες στη δουλειά τους σε αίθουσες παλατιών και πάρκα μακριά και ξένα σε ένα ευρύ κοινό. Σχεδόν το κορυφαίο είδος στα προεπαναστατικά γραφικά είναι το τοπίο. Απασχολεί σπουδαίους δασκάλους όπως οι A. Ostroumova-Lebedeva, V. Falileev, K. Yuon, I. Nivinsky, I. Pavlov, E. Lansere και άλλοι. Βλέπουν διακριτικά την ομορφιά της πολύπλευρης φύσης, τις διάφορες καταστάσεις της, την ποίηση της αρχιτεκτονικής στη σχέση της με το τοπίο. Αυτός ο θαυμασμός για την ομορφιά του κόσμου είναι το κύριο αιώνιο περιεχόμενο των έργων τους, που μας ενθουσιάζει μέχρι σήμερα. Αλλά μερικές φορές μια υπόνοια περισυλλογής γίνεται αισθητή στα σεντόνια τους.

Στην προεπαναστατική χαρακτική, εικονογράφηση περιοδικών και βιβλίων, περισσότερο από ό,τι σε άλλες μορφές τέχνης, η επιρροή της κοινωνίας του Κόσμου της Τέχνης ήταν αισθητή, ίσως επειδή πολλά από τα μέλη της ήταν γραφίστες υψηλού επαγγελματικού επιπέδου. Από αυτούς τους καλλιτέχνες, αυτή η κοινωνία περιελάμβανε την Ostroumova-Lebedeva και τον Lansere. Ωστόσο, όλες οι καλύτερες πτυχές της δουλειάς τους διαμορφώθηκαν σε αντίθεση με τις αισθητικές στάσεις των θεωρητικών του «Κόσμου της Τέχνης», που υποστήριζαν την «καθαρή τέχνη» μακριά από τη ζωή. Οι πίνακες, οι ακουαρέλες και τα σχέδια των κύριων μορφών του «Κόσμου της Τέχνης» των A. Benois, K. Somov και άλλων ανέστησαν τον γενναίο και άψυχο κόσμο της αυλικής ζωής των περασμένων εποχών, ήταν ένα εκλεπτυσμένο και μαθημένο παιχνίδι της ιστορίας. Έτσι, στα προεπαναστατικά γραφικά δημιουργούνται έργα κορεσμένα με όλο το δράμα των κοινωνικών αντιθέσεων, εμφανίζεται μια μάζα λυρικών τοπίων δωματίου και ταυτόχρονα ανθίζει ο αναδρομικός, δηλαδή μια απομάκρυνση από τη νεωτερικότητα, τον αισθητισμό του κόσμου της τέχνης. .

Τα πρώτα χρόνια μετά την επανάσταση, η εμφάνιση των γραφικών καβαλέτο άλλαξε ελάχιστα. Αυτά τα σκληρά χρόνια ήταν η εποχή της μαχητικής τέχνης με δυνατές φωνές της αφίσας, της ταραχώδους μνημειώδους γλυπτικής και της νέας τέχνης της διακόσμησης των μαζικών εορτών. Με φόντο την ταχεία ανάπτυξη αυτών των τύπων τέχνης, τα γραφικά καβαλέτο αρχικά φαίνονται ιδιαίτερα παραδοσιακά. Βασικά, οι ίδιοι δάσκαλοι εργάζονται εδώ όπως και στα προεπαναστατικά χρόνια και το έργο τους, το οποίο έχει ήδη καθοριστεί σε μεγάλο βαθμό, δεν υφίσταται αμέσως και γρήγορα περίπλοκες αλλαγές που σχετίζονται με τις επιρροές της νέας πραγματικότητας. Το τοπίο και το πορτρέτο έγιναν τα κορυφαία είδη γραφικών καβαλέτο. Οι καλλιτέχνες απεικονίζουν με αγάπη τις αρχαίες γωνιές των πόλεων, τα αξιόλογα αρχιτεκτονικά μνημεία, την αιώνια ομορφιά της φύσης, που δεν υπόκεινται σε κοινωνικές καταιγίδες. Υπάρχει πολλή μαγευτική δεξιοτεχνία στα έργα τους, ήρεμος θαυμασμός για την ομορφιά του κόσμου. Αλλά αυτός ο κλειστός μικρός κόσμος ενός αναδρομικού τοπίου που στρέφεται στο παρελθόν φαίνεται να προστατεύεται από έναν αόρατο τοίχο από τα γεγονότα που διαδραματίζονται στη χώρα.

Έργα του εγχώριου είδους, από τα οποία ελάχιστα δημιουργήθηκαν, απεικονίζουν την ίδια ήσυχη και σεμνή ζωή, ανέγγιχτη από οποιεσδήποτε κοινωνικές ανατροπές, απλή οικιακή δουλειά.

Στα γραφικά αυτών των χρόνων κυριαρχούν τα χαρακτικά και οι λιθογραφίες. το σχέδιο και η ακουαρέλα είναι λίγα. Τοπία και πορτρέτα δημοσιεύονται συχνά σε άλμπουμ με χαρακτικά, και πρόκειται για εκδόσεις μικρής κυκλοφορίας και ακριβές για λίγους γνώστες.

Η οικειότητα διακρίνει τα πορτραίτα. Τα μοντέλα των προσωπογράφων είναι συνήθως καλλιτέχνες, συγγραφείς, καλλιτέχνες, δηλαδή ένας μάλλον στενός κύκλος ανθρώπων πνευματικά κοντά στον συγγραφέα. Ο εσωτερικός τους κόσμος αποκαλύπτεται διακριτικά και προσεκτικά, αλλά όχι ακόμη στο επίπεδο των μεγάλων γενικεύσεων που θα είναι διαθέσιμες στη σοβιετική τέχνη αργότερα.

Και μόνο στα πορτρέτα του N. A. Andreev, ιδιαίτερα στις εικόνες του V. I. Lenin, το είδος πορτρέτου στα γραφικά αποκτά αμέσως νέες ιδιότητες, γενικεύοντας δύναμη, κοινωνικό ήχο. Αυτά τα σχέδια συγκαταλέγονται δικαίως στα καλύτερα επιτεύγματα της σοβιετικής τέχνης, μας ενθουσιάζουν ακόμα και σήμερα και συμμετέχουν στη ζωή μας. Αλλά στα χρόνια της δημιουργίας τους, αυτά τα φύλλα ήταν, σαν να λέγαμε, μια λαμπρή εξαίρεση, επιβεβαιώνοντας μόνο τον κανόνα - δηλαδή τον γενικό χαρακτήρα δωματίου των περισσότερων έργων πορτρέτου. Από τα σχέδια του Andreev, σαν μπροστά από την εποχή τους, θα ξεκινήσουμε τη γνωριμία μας με τα σοβιετικά γραφικά καβαλέτο.

Για τον N. A. Andreev (1873 - 1932) - έναν διάσημο γλύπτη, συγγραφέα των μνημείων της Μόσχας στον Γκόγκολ, τον Οστρόφσκι, το Μνημείο της Ελευθερίας, το σχέδιο δεν ήταν μόνο ένα απαραίτητο προπαρασκευαστικό στάδιο της εργασίας, αλλά και ένας ανεξάρτητος τομέας δημιουργικότητας . Στις αρχές της δεκαετίας του 1920, έκανε μεγάλο αριθμό γραφικών πορτρέτων - Dzerzhinsky, Lunacharsky, Gorky, Stanislavsky, καλλιτέχνες του Θεάτρου Τέχνης και άλλοι.

Ένας άνθρωπος με όλη την ακεραιότητα του χαρακτήρα του - αυτό ενδιέφερε τον Andreev τον πορτραίτη. Στα φύλλα του, ο εσωτερικός κόσμος του μοντέλου σκιαγραφείται ξεκάθαρα, με σιγουριά, με λεπτομέρεια, αλλά χωρίς ημίτονο και πλούτο αποχρώσεων. Γνωρίζοντας τα πορτρέτα του Andreev, παίρνουμε το άθροισμα πολύ ακριβών, επαληθευμένων γνώσεων για τα άτομα που απεικονίζονται σε αυτά. Ακριβώς, η σαφήνεια αυτής της γνώσης είναι ένα είδος πάθους του έργου του Andreev, και ο τρόπος εκτέλεσης των πορτρέτων τον υπακούει επίσης.

Μεγάλο μέρος αυτού του τρόπου προέρχεται από τη γλυπτική οπτική του καλλιτέχνη για τη φόρμα. Αυτή είναι η τονισμένη πλαστικότητα του σχεδίου, η υποχρεωτική αναζήτηση μιας εκφραστικής γραμμής σιλουέτας, αλλά και η ακαμψία του χρώματος, η έλλειψη αίσθησης αέρα. Αλλά το κύριο πράγμα εδώ ήταν το θετικό που έδωσε στο γλυπτικό ταλέντο του Andreev - την ικανότητα να βλέπει το μοντέλο στο σύνολό του, το κύριο πράγμα στο περίγραμμα του κεφαλιού, να δει την ιδιαιτερότητα της εμφάνισης, καθαρισμένη από τυχαίες γραμμές και στροφές. Αυτή η ακεραιότητα της σιλουέτας, σε συνδυασμό με την πιο λεπτομερή ανάπτυξη του προσώπου, ιδιαίτερα των ματιών, συνιστούν το μοναδικό στυλ του καλλιτέχνη. Την σέρβιραν καλά στα χέρια του Αντρέεφ σαγκουίνι, παστέλ, χρωματιστά μολύβια, καθώς και κάρβουνο ή ιταλικό μολύβι, με το οποίο σκιαγράφησαν τους κύριους τόμους.

Με τον ίδιο τρόπο, ο Andreev εκτέλεσε πολλά πορτρέτα του V.I. Lenin, τα οποία αποτελούν μέρος της περίφημης Leniniana του - ένας μεγάλος κύκλος σκίτσων, σχεδίων, σκίτσων και γλυπτών, η δημιουργία των οποίων ήταν το κύριο έργο της ζωής του Andreev κατά τα χρόνια της σοβιετικής εξουσίας . Τα πορτρέτα του Λένιν του Andreev είναι για εμάς όχι μόνο το έργο ενός ταλαντούχου καλλιτέχνη, αλλά και η πολύτιμη αποκάλυψη ενός αυτόπτη μάρτυρα, ενός ατόμου που παρατηρούσε επανειλημμένα τον Λένιν σε συνέδρια και συνέδρια και στο γραφείο του στο Κρεμλίνο. Πολλά πρόχειρα σκίτσα έγιναν από τον Andreev στη διαδικασία αυτού του έργου, αλλά υπάρχουν μόνο τρία ολοκληρωμένα εικονογραφικά πορτρέτα. ο καλλιτέχνης κατανοούσε τέλεια την πολυπλοκότητα και τις ιδιαιτερότητες των εργασιών τους, με τη φαινομενικά πιθανή ταχύτητα εκτέλεσης.

Σε ένα από αυτά τα πορτρέτα, ένα ελαφρύ στραβισμό των ματιών του Λένιν, ένα μόλις αντιληπτό χαμόγελο έδωσε ζωή στην εικόνα, δημιουργώντας μια εικόνα γεμάτη ανθρώπινη ζεστασιά. Ταυτόχρονα, μια αίσθηση της κοινωνικής σημασίας της εικόνας του ηγέτη ζει στο πορτρέτο, και ως εκ τούτου αυτό το φύλλο είναι τόσο νέο σε περιεχόμενο για την τέχνη του γραφικού πορτρέτου εκείνων των χρόνων (ill. 1).

Το θέμα του Λένιν - του ηγέτη των μαζών με ακόμη μεγαλύτερη δύναμη και έκφραση αναπτύχθηκε από τον Andreev στο προφίλ του πορτρέτο του V. I. Lenin, που συχνά χρονολογείται στις αρχές της δεκαετίας του 1920. Η παρόρμηση και η ενέργεια αυτής της εμπνευσμένης εικόνας, ο υπέροχος ηρωισμός της κερδίζει καρδιές. Ταυτόχρονα, η κατανόηση του ιστορικού ρόλου του Β. Ι. Λένιν εδώ είναι τόσο ώριμη που αυτό το έργο του Αντρέεφ φαίνεται να είναι πολύ μπροστά από το εύρος της τέχνης των αρχών της δεκαετίας του 1920. Με όλο τον πλούτο και τα επιτεύγματα της τέχνης αυτών των χρόνων, δεν θα βρούμε σε αυτήν μια τέτοια αίσθηση της κλίμακας των πράξεων του Λένιν, το εύρος της σκέψης του Λένιν, μια τέτοια ιστορική κατανόηση της εικόνας του. Και φαίνεται δίκαιη η πρόσφατη υπόθεση της ερευνήτριας των «Λενινιάνα» Λ. Τριφόνοβα ότι το πορτρέτο, που έγινε γνωστό μόλις στη δεκαετία του 1930, δημιουργήθηκε όχι στις αρχές της δεκαετίας του 1920, αλλά αργότερα. Η λακωνική γλώσσα και το εσωτερικό περιεχόμενο δίνουν σε αυτό το φύλλο μια πραγματική μνημειακότητα. Δεν είναι καθόλου τυχαίο που αυτό το πορτρέτο είναι πλέον γνωστό σε ένα ευρύ κοινό όχι μόνο από πολλές αναπαραγωγές: είναι φτιαγμένο σε μωσαϊκό, είναι ζωγραφισμένο σε πάνελ H:t, όταν διακοσμεί τις διακοπές. Μεγεθυσμένο σε τεράστιο μέγεθος, το σχέδιο δεν χάνει τίποτα στη λακωνική του εκφραστικότητα,

Ο G. S. Vereisky (γεν. 1886) εργάστηκε επίσης στον τομέα της προσωπογραφίας από τα πρώτα χρόνια της διαμόρφωσης της σοβιετικής γραφικής παράστασης. Η στιγμή της αξιολόγησης της κοινωνικής σημασίας ενός ατόμου θα πάρει μια σημαντική θέση αργότερα στα πράγματά του, αλλά η πορεία του καλλιτέχνη προς αυτό και ειδικά η φύση των πρώτων του έργων ήταν διαφορετική από εκείνη του Andreev. Ο G. S. Vereisky έλαβε τις πρώτες του δεξιότητες στην τέχνη σε ένα ιδιωτικό στούντιο στο Χάρκοβο, σπουδάζοντας στο πανεπιστήμιο, συμμετέχοντας σε έναν επαναστατικό κύκλο φοιτητών και τα επαναστατικά γεγονότα του 1905, σε σχέση με αυτό, μια φυλακή και στη συνέχεια αρκετά χρόνια μετανάστευσης - αυτά είναι μερικές στιγμές από τη βιογραφία του καλλιτέχνη. Από το 1918, επί σειρά ετών, ο Βερέισκι εργάστηκε στο τμήμα χαρακτικής του Ερμιτάζ. Ήρθε εκεί έχοντας ήδη σημαντικές πληροφορίες από την ιστορία της παγκόσμιας τέχνης, ενώ η μακρόχρονη δουλειά του στο Ερμιτάζ τον πλούτισε ακόμη περισσότερο από αυτή την άποψη. Όχι ένα βιβλίο, αλλά μια ζωντανή γνώση των αριστουργημάτων της παγκόσμιας τέχνης άφησε το στίγμα της στη δημιουργική εικόνα του καλλιτέχνη. η μεγάλη κουλτούρα, η αρχοντιά, η απλότητα, πίσω από την οποία κρύβεται η ακρίβεια, ξεχωρίζουν τα πολυάριθμα έργα του. Ο Vereisky ξεκίνησε με λιθογραφικά πορτρέτα, και παρόλο που τον γνωρίζουμε πλέον ως εξαιρετικό σχεδιαστή και χαράκτη, έκανε περισσότερο από όλα στον τομέα της λιθογραφίας.

Από την αρχή της δουλειάς του, ο Vereisky χαρακτηριζόταν από πιστότητα στη φύση, παρατήρηση. Επομένως, ίσως, η μακρά διαδρομή αυτού του καλλιτέχνη στην τέχνη φαίνεται με την πρώτη ματιά ομαλή και ήρεμη. Μάλιστα χαρακτηρίζεται από συνεχείς αναζητήσεις, βελτίωση δεξιοτήτων,

Το πρώτο άλμπουμ του Bereisky "Russian Artists" κυκλοφόρησε το 1922. Βλέπουμε εδώ μια πλήρως εκπροσωπούμενη ομάδα καλλιτεχνών της κοινωνίας "World of Art" από τους ιδρυτές έως τη δεύτερη γενιά της. Ο Vereisky γνωρίζει τέλεια τα μοντέλα του και αποτυπώνει με ακρίβεια την πνευματική διάθεση, τον χαρακτήρα καθενός από τους καλλιτέχνες - τη ζοφερή σοβαρότητα και την άβολη μοναξιά του Benois, την άχαρη συγκέντρωση του Somov, την ακανθώδη έκφραση, την ένταση της εσωτερικής ζωής του Mitrokhin κ.λπ. φύλλα, καθώς και από τα πορτρέτα του Andreev, μπορούμε να μάθουμε πολλά για τους ανθρώπους που απεικονίζονται εδώ, αλλά στα πορτρέτα του Vereisky δεν υπάρχει στιγμή αξιολόγησης των ανθρώπων, ας πούμε, από απόσταση, ο χαρακτηρισμός δίνεται σε μια αίθουσα , οικείο-λυρικό επίπεδο, και το ζήτημα της κοινωνικής σημασίας των δραστηριοτήτων τους δεν έχει ακόμη τεθεί. Στα επόμενα άλμπουμ του 1927 - 1928, ο Vereisky βρίσκει ήδη με μεγαλύτερη ακρίβεια τη φυσική και χαλαρή στάση του μοντέλου, ζωγραφίζει με μεγαλύτερη αυτοπεποίθηση και ελευθερία. Επιτυχημένα πορτρέτα καλλιτεχνών Golovin, Zamirailr, αρχιτέκτονα Shchuko, κριτικός Yaremich, Notgaft. Ο Vereisky ήταν καλά σε θέση να μεταφέρει την εσωτερική κουλτούρα, τη ζωντάνια του μυαλού, τη γοητεία της μεγάλης εκπαίδευσης, που είναι εγγενής στους ανθρώπους που απεικονίζονται από αυτόν.

Στη δεκαετία του 1930, ο Vereisky εργάστηκε πολύ σε πορτρέτα πιλότων, θαυμάζοντας το θάρρος και το θάρρος τους, προσπαθώντας να τονίσει αυτές τις ιδιότητες στην περιγραφή τους. Και όταν, στην αρχή του Μεγάλου Πατριωτικού Πολέμου, δημιούργησε πορτρέτα των γενναίων συμμετεχόντων στις μάχες των Fisanovich, Meshchersky, Osipov και άλλων, έμοιαζαν με τη συνέχεια της ιστορίας του καλλιτέχνη για τους γενναίους σοβιετικούς στρατιώτες, που ξεκίνησε από τα έργα της δεκαετίας του 1930.

Αλλά το κύριο επίτευγμα του Βερέισκι κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου και μετά ήταν τα πορτρέτα πολιτιστικών προσώπων. Στα χρόνια του πολέμου, ο καλλιτέχνης ένιωθε με ιδιαίτερη σαφήνεια ότι το θέμα των πορτρέτων του ήταν η δημιουργικότητα, η ικανότητα, πολύτιμη και αναπαλλοτρίωτη από έναν άνθρωπο της τέχνης, να εργάζεται με δημιουργική διορατικότητα ακόμη και σε μια στιγμή σοβαρών δυσκολιών. Σε αυτά τα φύλλα, η μεγάλη τεχνική ικανότητα του Vereisky φαινόταν να φωτίζεται για πρώτη φορά από βαθύ συναισθηματικό ενθουσιασμό και τα πάντα σωστά και ακριβή πορτρέτα του απέκτησαν μια ζωηρή συναισθηματικότητα. Ο διευθυντής του Ερμιτάζ, ο ανατολίτης I. A. Orbeli και ο ποιητής N. Tikhonov, σχεδιάστηκαν από αυτόν κατά τις ημέρες της πολιορκίας του Λένινγκραντ. Οι κακουχίες της άφησαν το στίγμα τους στην εμφάνιση αυτών των ανθρώπων, αλλά παρά τις συνθήκες που εργάζονται και το δημιουργικό τους βάθος μεταφέρεται απτά και ξεκάθαρα. Η ίδια ποίηση εμπνευσμένων αναζητήσεων υπάρχει και στα πορτρέτα του καλλιτέχνη E. E. Lansere, του μαέστρου E. A. Mravinsky, του ζωγράφου T. N. Yablonskaya (ειλ. 2). Εδώ παρουσιάζονται για άλλη μια φορά πολιτιστικές προσωπικότητες διαφόρων επαγγελμάτων, αλλά πώς άλλαξε ο εσωτερικός τους κόσμος, η ένθερμη αφοσίωσή τους στην τέχνη φωτίστηκε με νέο νόημα. Η πρώην οικειότητα των έργων του Βερέισκι εξαφανίζεται και το ζήτημα του κοινωνικού ρόλου της τέχνης ακούγεται ολοταχώς στα πορτρέτα του 1940-1950. Οι μέθοδοι της ψυχολογικής του γραφής δεν έγιναν διαφορετικές, αλλά μόνο πιο ακριβείς, αλλά από τη συνήθη συνειδητή ειλικρίνεια των χαρακτηριστικών του, τα περιγράμματα της μεγάλης εσωτερικής εγγύτητας των ανθρώπων που απεικονίζονται από αυτόν, την εγγύτητα στο κύριο πράγμα - στην κατανόηση του νόημα του έργου του, σαν να υποδεικνύονταν από μόνα τους.

Λέγοντας το όνομα του G. S. Vereisky, συχνά θυμόμαστε αμέσως τα έργα του M. S. Rodionov (1885 - 1956) - ενός καλλιτέχνη του οποίου η τέχνη ήταν από πολλές απόψεις εσωτερικά κοντά στον G. S. Vereisky. Και οι κύριοι τομείς εργασίας - πορτραίτο και τοπίο (που έκανε επίσης πολύ ο Vereisky), και η αυστηρή ομορφιά του τρόπου και η στοχαστικότητα στη μελέτη της φύσης ήταν κοινά σε αυτούς τους καλλιτέχνες. Εκτελέστηκε από τον M. S. Rodionov το 1944 - 1946, επίσης στην τεχνική της λιθογραφίας, μια σειρά από πορτρέτα επιστημόνων και καλλιτεχνών - Abrikosov, Baranov, Vesnin και άλλοι - θέτει στα γραφικά μας την ίδια γραμμή σοβαρής, χωρίς εξωτερική εμφάνιση, ισχυρής εσωτερικής ειλικρίνεια της τέχνης πορτρέτου, η οποία σκιαγραφείται από τα έργα του G. S. Vereisky.

Τα έργα του Βερέισκι και του Ροντιόνοφ μας πήγαν πολύ μακριά από τα πρώτα μετεπαναστατικά χρόνια. Επιστρέφοντας σε αυτά, πρέπει να συμπληρώσουμε τον κύκλο των έργων πορτρέτου που είναι ήδη γνωστοί σε εμάς με τα έργα του B. M. Kustodiev (1878 - 1927). Ένας μεγάλος ζωγράφος, ο Kustodiev εργάστηκε πολύ στα γραφικά. Ένα ενδιαφέρον πορτρέτο του F. I. Chaliapin, που εκτελέστηκε από τον ίδιο το 1921 με ακουαρέλα και μολύβι. Αν στην πρώτη εκδοχή αυτού του πορτρέτου, η σφραγίδα της καθημερινής ζωής, λες, σβήνει το εσωτερικό φως στο πρόσωπο του Chaliapin, τότε ο καλλιτέχνης δημιουργεί μια περίπλοκη και ταυτόχρονα πειστική εικόνα. αισθάνεται κανείς μέσα του ταλέντο, πλάτος, κομψότητα και κάποια κρυφή σκέψη (αρλ. 3).

Το δεύτερο ευρέως διαδεδομένο είδος στα γραφικά της δεκαετίας του 1920 ήταν το τοπίο. Ένας από τους μεγαλύτερους δασκάλους του ήταν ο A.P. Ostroumova-Lebedeva (1871 - 1955). Το πρώιμο αφυπνισμένο ενδιαφέρον της για την τέχνη την οδήγησε στη Σχολή Τεχνικού Σχεδίου Stieglitz, όπου σπούδασε υπό την καθοδήγηση ενός εξαίρετου δασκάλου και χαράκτη V. V. Mate, ενός μεγάλου δεξιοτέχνη της χαρακτικής τονικών αναπαραγωγής. Το δημιουργικό προφίλ της Ostroumova δεν καθορίστηκε αμέσως. Έχοντας μετακομίσει στην Ακαδημία Τεχνών, σπούδασε εκεί με διάφορους δασκάλους και στη συνέχεια έγινε δεκτή ως μαθήτρια του I. E. Repin. Αυτό ήταν ένα γεγονός που άφησε το στίγμα του σε όλες τις περαιτέρω δραστηριότητες του καλλιτέχνη. «Στα βάθη, στην καρδιά της τέχνης μας, ο χαρούμενος, φρέσκος και αιώνια ζωντανός ρεαλισμός του Repinsky είναι ο ακρογωνιαίος λίθος όλων», έγραψε αργότερα η Ostroumova. Σταδιακά, το ενδιαφέρον του καλλιτέχνη για τη χαρακτική, και συγκεκριμένα για τις έγχρωμες ξυλογραφίες, γίνεται όλο και πιο καθοριστικό. Μελέτησε ωραία παραδείγματα αυτής της τέχνης σε διάφορες συλλογές κατά τη διάρκεια του ταξιδιού της στο Παρίσι. Από όλες τις τεχνικές χαρακτικής, οι ξυλογραφίες στη Ρωσία στις αρχές του 20ού αιώνα είχαν τη λιγότερο ανεξάρτητη καλλιτεχνική αξία και υπήρχαν κυρίως ως τρόπος αναπαραγωγής έργων ζωγραφικής. Οι έγχρωμες ξυλογραφίες ξεχάστηκαν εντελώς. Ως εκ τούτου, όταν η Ostroumova-Lebedeva υπέβαλε μια σειρά από χαρακτικά της στην Ακαδημία για τον διαγωνισμό, συμπεριλαμβανομένης μιας έγχρωμης ξυλογραφίας από τον πίνακα του Φλαμανδού καλλιτέχνη Rubens "Perseus and Andromeda", η κριτική επιτροπή αρχικά απέρριψε ακόμη και αυτό το φύλλο, παρεξηγώντας το ως ακουαρέλα. .

Σε όλη τη μακρόχρονη δημιουργική της ζωή, η Ostroumova-Lebedeva ανέλαβε τη δέσμευσή της στις ξυλογραφίες και τις ακουαρέλες. Για το πρώτο από αυτά, η ίδια η καλλιτέχνης γράφει με αγάπη και ποίηση:

"Εκτιμώ σε αυτήν την τέχνη την απίστευτη συνοπτικότητα και συντομία της παρουσίασης, τη λακωνικότητά της και, λόγω αυτού, την εξαιρετική οξύτητα και εκφραστικότητά της. Εκτιμώ την ανελέητη βεβαιότητα και τη σαφήνεια των γραμμών της στην ξυλογλυπτική... Η ίδια η τεχνική δεν επιτρέπει για τροπολογίες και επομένως δεν χωρούν αμφιβολίες και δισταγμοί στην ξυλογλυπτική...

Και πόσο όμορφο είναι το τρέξιμο του εργαλείου σε σκληρό ξύλο! Ο πίνακας είναι τόσο γυαλισμένος που μοιάζει με βελούδο, και πάνω σε αυτή τη γυαλιστερή χρυσή επιφάνεια τρέχει γρήγορα μια αιχμηρή σμίλη και όλη η δουλειά του καλλιτέχνη είναι να τον κρατήσει μέσα στα όρια της θέλησής του!

Μια υπέροχη στιγμή που, μετά από σκληρή και αργή δουλειά που σχετίζεται με αδιάκοπη έντονη προσοχή - μην κάνετε λάθος - τυλίγετε μπογιά με ρολό και όλες οι γραμμές που αφήσατε στον πίνακα αρχίζουν να λάμπουν με μαύρη μπογιά και ξαφνικά εμφανίζεται ένα σχέδιο στο κατάστρωμα, στον πίνακα.

Πάντα μετάνιωνα που μετά από μια τόσο λαμπρή ανθοφορία της χαρακτικής, που ήταν τον 16ο και 17ο αιώνα, αυτή η τέχνη άρχισε να μαραίνεται, έγινε υπηρεσία, χειροτεχνία! Και πάντα ονειρευόμουν να του δώσω ελευθερία!».

Ακόμη και στα προεπαναστατικά χρόνια, η Ostroumova δημιούργησε πολλά υπέροχα έργα - όψεις της Αγίας Πετρούπολης και των περιχώρων της, τοπία ζωγραφισμένα κατά τη διάρκεια ταξιδιών στην Ιταλία, την Ισπανία, τη Γαλλία,

Ολλανδία. Η αμετάβλητη ακρίβεια και η πιστότητα στη φύση συνδυάζονται ήδη σε αυτά με ένα μεγάλο χάρισμα γενίκευσης. Ο καλλιτέχνης της Αγίας Πετρούπολης σχεδιάζει ιδιαίτερα διεισδυτικά και ποιητικά. Η πόλη υψώνεται στα σεντόνια της μεγαλειώδης, γεμάτη αρμονία και ομορφιά. Η αρμονία της σύνθεσης, η γραμμική καθαρότητα, η καθαρότητα του χρώματος διακρίνουν τα έργα της.

Μετά την επανάσταση, η οποία προκάλεσε στην καλλιτέχνιδα, σύμφωνα με τα απομνημονεύματά της, ένα κύμα δημιουργικής ενέργειας και μια χαρούμενη έξαρση, η Ostroumova εξακολουθεί να εργάζεται περισσότερο από όλα στο είδος του αρχιτεκτονικού τοπίου. Στα σεντόνια της, όπως και πριν, η πόλη δεν είναι πολυσύχναστοι δρόμοι που βρίθουν από ένα δραστήριο πλήθος, αλλά πάνω από όλα το βασίλειο της όμορφης αρχιτεκτονικής, η διαρκής ομορφιά της.

Ταυτόχρονα, νέα χαρακτηριστικά αποκαλύπτονται στον καλλιτέχνη στην εμφάνιση της πόλης και η συγκρατημένη συναισθηματικότητα των έργων της αντικαθίσταται μερικές φορές από μια πιο θυελλώδη, ορμητική αίσθηση. Στο πλαίσιο ενός ενιαίου είδους τοπίου, η Ostroumova δημιουργεί πολύ διαφορετικά και πάντα εσωτερικά αναπόσπαστα πράγματα. Θυμηθείτε, για παράδειγμα, την ακουαρέλα της του 1918 "Petrograd. Field of Mars". Αυτό το σεντόνι με τη γρήγορη κίνηση των νεφών στον ψηλό ουρανό, την έκταση της πλατείας και τη λεπτή, στραμμένη προς το μέλλον φιγούρα του μνημείου του Σουβόροφ είναι γεμάτο κρυφή ένταση και πάθος. Η στάση της καλλιτέχνιδας εδώ είναι θαρραλέα, χαρούμενη, οι ρυθμοί της ζωής που ακούει είναι ξεκάθαροι, σαν πορεία και, σαν πορεία, μουσικοί. Η Ostroumova ζωγραφίζει με ελαφριές πινελιές, γενικευμένης μορφής, χρησιμοποιώντας λεπτομέρεια με σοφό μέτρο. Φαίνεται ότι αυτό το φύλλο σχεδιάζεται πολύ απλά, αλλά η δεξιοτεχνία και το υπέροχο καλλιτεχνικό γούστο κρύβονται πίσω από την απλότητά του. Εκδηλώνεται επίσης στην αρχοντιά της σεμνής και όμορφης παλέτας αυτού του πράγματος.

Η ξυλογραφία "Smolny" είναι διαποτισμένη με ασυνήθιστη για την Ostroumova θυελλώδη συναισθηματικότητα. Η πνοή της επανάστασης, σαν να λέγαμε, πνέει πάνω από αυτό το τοπίο, και το χτίσιμο των ήρεμων κλασικών μορφών μοιάζει να ξαναζεί, όπως στη βράση του Οκτώβρη του 1917. Η σύγκρουση του μαύρου και του λευκού φαίνεται να διπλασιάζει τη δύναμη καθενός από αυτά τα χρώματα. Οι στήλες των Προπυλαίων, που σηματοδοτούν την είσοδο στο Smolny, γίνονται απειλητικά μαύρες, η γη λάμπει με φωτεινή λευκότητα, πινελιές στροβιλίζονται με γρήγορη κίνηση, σκιαγραφώντας το δρόμο προς το κτίριο στα βάθη, ένα δέντρο λυγίζει κάτω από έναν θυελλώδη αέρα και λοξά γραμμές που πέφτουν σκιαγραφούν ελαφρά τον ουρανό πάνω από το Smolny. Δημιουργείται μια εικόνα γεμάτη παρόρμηση, κίνηση, ρομαντικό ενθουσιασμό. Επιπλέον, πόσο όμορφη και γραφική είναι αυτή η μαύρη ξυλογραφία, πόσο μεγάλα είναι τα καθαρά διακοσμητικά της πλεονεκτήματα.

Ο κύκλος των μικρών ξυλογραφιών που απεικονίζουν το Pavlovsk διακρίνεται επίσης από διακοσμητικό χαρακτήρα. Η διακοσμητικότητα φάνηκε από τον καλλιτέχνη στα περιγράμματα μιας δέσμης δέντρων, τη σιλουέτα ενός αγάλματος ή ενός πλέγματος, που παρατηρήθηκε στη ζωή και επομένως πειστική.

Κλασικό παράδειγμα της μεγάλης δεξιοτεχνίας της Ostroumova-Lebedeva είναι το τοπίο «Summer Garden in Hoarfrost» (1929· ill. 4).

Η ηρεμία ενός έρημου κήπου σε γεμίζει όταν κοιτάς αυτό το χαρακτικό. εσύ, σαν να λες, βρίσκεσαι στο δρομάκι του - έτσι αναπτύσσεται η σύνθεση του φύλλου από τον συγγραφέα. Η βελονιά των αποτυπωμάτων στο βαθύ χιόνι και ο ρυθμός της χιονισμένης μαύρης σχάρας σκιαγραφούν την κίνηση στα βάθη του φύλλου και στρογγυλεύεται απαλά εκεί από την ανάλαφρη σιλουέτα μιας γέφυρας. Η κίνηση και οι μακρινές φιγούρες ανθρώπων ζωντανεύουν όλο το σεντόνι, αλλά δεν σπάνε τη χιονισμένη γοητεία του. Είναι στον συνδυασμό της εκπληκτικής γαλήνης, της σιωπής με την αίσθηση της ζωής μιας μεγαλούπολης, που ρέει κάπου πολύ κοντά, που γεννιέται η ιδιαίτερη γοητεία αυτής της γκραβούρας. Η ποίηση του χειμώνα, τα μουντά χρώματά του, ο παγωμένος αέρας που φυσάει πάνω από τις κορώνες των δέντρων σε εύθραυστο ροζ παγετό, μεταφέρεται όμορφα από τον καλλιτέχνη εδώ.

Κατά τη διάρκεια του Μεγάλου Πατριωτικού Πολέμου, η Ostroumova-Lebedeva, η οποία ήταν ήδη πάνω από εβδομήντα ετών, δεν έφυγε από το Λένινγκραντ. Μοιράστηκε με όλους τους κατοίκους τις απίστευτες κακουχίες του μπλόκου και δεν σταμάτησε να εργάζεται στο μέγιστο των δυνατοτήτων της. Οι σελίδες των απομνημονευμάτων της που σχετίζονται με αυτά τα χρόνια δεν είναι μόνο ένα χρονικό κακουχιών και πνευματικών αγωνιών, αλλά και απόδειξη μιας αιώνιας δημιουργικής καύσης, μιας ακούραστης επιθυμίας για δουλειά. Αυτή η αγάπη για την τέχνη, η μεγάλη αφοσίωση σε αυτήν αποτελούν ακόμη παράδειγμα για τους νέους καλλιτέχνες και τα επιτεύγματα της Ostroumova-Lebedeva στη χαρακτική και, ειδικότερα, η αναβίωση των καλλιτεχνικών έγχρωμων ξυλογραφιών από τα λείψανά της, αποτελούν ακλόνητη συνεισφορά ενός μεγάλου δασκάλου στο τέχνη.

Τα έργα του V. D. Falileev (1879 - 1948) είναι από πολλές απόψεις κοντά στα έργα της Ostroumova-Lebedeva από άποψη στάσης και στυλ. Ήταν επίσης δεξιοτέχνης της μαύρης και έγχρωμης ξυλογραφίας και στράφηκε στη χαρακτική και τη λινογραμμή σε μια συνεχή αναζήτηση νέων τεχνικών δυνατοτήτων της δουλειάς του, ιδιαίτερα του χρώματος. Τα τοπία του Falileev, τόσο που απεικονίζουν την πατρίδα του όσο και τις ξένες, μας προσελκύουν με την ίδια πληρότητα συναισθημάτων, την ικανότητα να βλέπουμε την ομορφιά στα συνηθισμένα μοτίβα της φύσης, όπως τα έργα της Ostroumova-Lebedeva, αλλά η αρμονία και η κλασική καθαρότητα των γραμμών είναι λιγότερο κοινός στα χαρακτικά του, ο τρόπος του σχεδίου του είναι πιο ελεύθερος και κάπως πιο ανήσυχος, ο χρωματισμός πιο καυτός και πιο γραφικός. Ταυτόχρονα, η ικανότητα να γενικεύει κανείς τις εντυπώσεις του, να δημιουργεί μια ευρύχωρη καλλιτεχνική εικόνα με ελάχιστα μέσα, κάνει τον Falileev να σχετίζεται με την Ostroumova-Lebedeva. Με αυτή την έννοια, για παράδειγμα, είναι χαρακτηριστικό το άλμπουμ με έγχρωμες λινοτομές του Falileev "Italy", όπου ο καλλιτέχνης, αφιερώνοντας μόνο ένα φύλλο σε μια ή την άλλη πόλη, σε εξαιρετικά λακωνικές συνθέσεις, μερικές φορές απεικονίζοντας μόνο ένα θραύσμα ενός κτιρίου, σαν να συγκεντρώνει τα πιο χαρακτηριστικά στην εμφάνιση των ιταλικών πόλεων.

Ο καλλιτέχνης ενδιαφέρεται επίσης για τη θυελλώδη φύση, δημιουργεί μια σειρά από χαρακτικά "Βροχές", σε διάφορα φύλλα που ποικίλλει, μελετώντας την μεταβλητή εμφάνιση της θάλασσας, τα περιγράμματα ενός θυελλώδους θαλάσσιου κύματος. Σε τοπία με μοτίβα καταιγίδων και βροχής, ορισμένοι ερευνητές βλέπουν ένα είδος γραφικής απάντησης σε μια επαναστατική καταιγίδα, αλλά μια τέτοια προσέγγιση εξακολουθεί να φαίνεται πολύ απλή. Και με τον Falileev, δεν θα τολμήσουμε να δημιουργήσουμε παρόμοια σχέση μεταξύ των πλοκών του και των κοινωνικών γεγονότων. Αλλά στο σύνολο των έργων του, στην ιδιαίτερη ένταση της εσωτερικής τους δομής, υπάρχει πραγματικά μια αίσθηση της πολυπλοκότητας του κοινωνικού κόσμου, και είναι πιο ευδιάκριτη στα φύλλα του τοπίου από ό,τι, για παράδειγμα, στη λινοτομή του The Troops , γιατί ο Falileev ήταν πρωτίστως τοπιογράφος.

Ο I. N. Pavlov (1872 - 1951) ήταν επίσης εκπρόσωπος του είδους του τοπίου στα γραφικά. Στο πρόσωπό του, η Μόσχα είχε έναν ποιητή τόσο αφοσιωμένο και δεν βαρέθηκε να το τραγουδά, όπως το Λένινγκραντ στο πρόσωπο της Οστρούμοβα-Λεμπέντεβα. Ο Pavlov ήταν σχεδόν στην ίδια ηλικία με την Ostroumova, αλλά η πορεία του στην τέχνη ξεκίνησε σε άλλες, πιο δύσκολες συνθήκες ζωής. Γιος ενός ασθενοφόρου των φυλακών, αργότερα φύλακας στον καθεδρικό ναό του Χριστού Σωτήρος στη Μόσχα, έπρεπε να «πάει στους ανθρώπους» νωρίς, γράφοντας ως μαθητευόμενος σε εργαστήριο χαρακτικής. Τα χαρακτικά αναπαραγωγής από πίνακες του Β. Μακόφσκι ήταν τα πρώτα έργα που του έφεραν επιτυχία. Στη συνέχεια, ο Pavlov σπούδασε στη Σχολή Τεχνικού Σχεδίου Stieglitz και στο εργαστήριο του Mate, καθώς και στη σχολή της Εταιρείας για την Ενθάρρυνση των Τεχνών, αλλά όχι για πολύ λόγω της ανάγκης να εργαστεί. Στην αναπαραγωγή πινάκων, ο καλλιτέχνης επιτυγχάνει μεγάλη δεξιότητα και τα χαρακτικά του δημοσιεύονται σε δημοφιλή περιοδικά εκείνων των χρόνων, γνωρίζοντας τους αναγνώστες με τα έργα μεγάλων ζωγράφων - από τον Ρέπιν έως τον Β. Μακόφσκι. Η φωτομηχανική, ωστόσο, υποκαθιστά περαιτέρω αυτόν τον τρόπο αναπαραγωγής. Στα έργα του Παβλόφ εμφανίζεται το κύριο θέμα του έργου του - οι αρχαίες γωνιές της Μόσχας και οι επαρχιακές πόλεις, το τοπίο της Ρωσίας που ξεθωριάζει στο παρελθόν.

Η μετάβαση στη δημιουργία πρωτότυπων χαρακτικών δεν ήταν εύκολη για τον καλλιτέχνη, αλλά η εργατικότητα και η αγάπη του για το θέμα του έκαναν πολλά. Από το 1914, άρχισαν να εμφανίζονται άλμπουμ με χαρακτικά τοπίων του I. N. Pavlov. Στο επίκεντρο των τοπίων του ήταν οι εντυπώσεις από τη φύση κοντά στη Μόσχα, από ταξίδια κατά μήκος του Βόλγα και της Οκά. Η επιμελητηριακή αντίληψη της φύσης, η αναζήτηση ενός είδους οικειότητας σε αυτήν διέκρινε αυτά τα πρώτα έργα. "Προσπάθησα για την επιλογή των γωνιών και περίμενα να δω τα χαρακτικά μου ως τοπία πραγματικής διάθεσης. Σε μεγάλη κλίμακα, στην πανοραμική εικόνα, μου φάνηκε ότι η οικειότητα και η συνθετική σαφήνεια που προσπάθησα να επιτύχω θα μπορούσαν να εξαφανιστούν εντελώς", η καλλιτέχνης θυμήθηκε αργότερα. Ξεκινώντας μια μεγάλη σειρά από τοπία της Μόσχας, ο Pavlov, και εδώ, αναζητά πρωτίστως λυρικά μοτίβα δωματίου, αποτυπώνοντας την αρχαιότητα. «Αναζήτησα τα πιο σπάνια παλιά κτίρια, αυλές, αδιέξοδα, ξύλινα σπίτια εκατοντάδων ετών, εκκλησίες παλιάς αρχιτεκτονικής· δεν αγνόησα πολλά εξαιρετικά μνημεία της αρχαιότητας... Μερικές φορές το παλιό εναλλάσσονταν με το νέο, για να τονίστε την τυπικότητα του τραβηγμένου κομματιού της πόλης», - διαβάζουμε στα απομνημονεύματά του.

Από χρόνο σε χρόνο, συσσωρεύτηκαν τα χαρακτικά της Μόσχας του I. N. Pavlov, τα οποία αποτέλεσαν τα πολυάριθμα άλμπουμ του. Πολλά έχουν αλλάξει σε σχετικά σύντομο χρονικό διάστημα στη Μόσχα, οι ήσυχες γωνιές που ζωγράφισε ο I. N. Pavlov στην τεράστια σύγχρονη πόλη έχουν γίνει αγνώριστες. Και είμαστε ευγνώμονες στον καλλιτέχνη, που έχει διατηρήσει για εμάς τη μέτρια άνεση των σιωπηλών λωρίδων, τη φιλικότητα των μικρών σπιτιών (ill. 5). Και σε άλλες ρωσικές πόλεις - Kostroma, Uglich, Ryazan, Torzhok - ο Pavlov προσελκύεται από την αρχαία αρχιτεκτονική. Ένιωθε πολύ καλά την εκφραστικότητα και την πρωτοτυπία της. Αλλά συνολικά, τα έργα του Pavlov είναι ασύγκριτα λιγότερη καλλιτεχνία και πλαστική ομορφιά από, για παράδειγμα, στα τοπία της Ostroumova-Lebedeva ή του Falileev. Η παραστατική ακρίβεια της δουλειάς του μετατρέπεται συχνά σε φωτογραφία.

5. Ι. Ν. Παβλόφ. Φύλλο από το άλμπουμ "Old Moscow". Επί Βαρβάρκα. 1924

Ο κύκλος των σύγχρονων τοπίων του Pavlov αναπληρώθηκε το 1920 - 1930, όταν, έχοντας ενταχθεί στην Ένωση Καλλιτεχνών της Επαναστατικής Ρωσίας, ο ίδιος, όπως πολλοί δάσκαλοι της τέχνης, πήγε σε δημιουργικά επαγγελματικά ταξίδια στα βιομηχανικά κέντρα της χώρας. Έγχρωμη λινογραφία "Astrakhan" με ένα σκοτεινό κοπάδι πλοίων και τα φώτα ενός μεγάλου κτιρίου του Λαϊκού Επιτροπείου για τις θαλάσσιες μεταφορές στην ακτή, το τοπίο "On the Volga" με αιχμηρές μαύρες σιλουέτες ιστιοπλοϊκών σκαφών και ελαφρώς τρέμουλο νερό, "Baku" , το «Balakhna» και κάποια άλλα φύλλα που εκτελέστηκαν αυτά τα χρόνια ήταν από τα καλύτερα έργα του καλλιτέχνη. Το σεντόνι "Zvenigorod. Outskirts", που δημιούργησε ο 78χρονος κύριος το 1949, κατακτά με μια χαρούμενη, λαμπερή διάθεση.

Ο ακατάλληλος έπαινος του έργου του Παβλόφ από τους κριτικούς στα τέλη της δεκαετίας του 1940 και στις αρχές της δεκαετίας του 1950 συσκότισε τις ελλείψεις των έργων του και, παραδόξως, δυσκόλεψε την εξακρίβωση της πραγματικής τους αξίας. Η πλήρης άρνηση του έργου του δεν είναι σπάνια σήμερα. Εκτιμούμε όμως το σπουδαίο έργο του καλλιτέχνη και την πλούσια εμπειρία του, την οποία μοιράστηκε γενναιόδωρα με πολλούς δεξιοτέχνες της σοβιετικής γραφικής στην αρχή της καριέρας τους.

Η αξία του Pavlov - μαζί με τον V. D. Falileev - είναι η εισαγωγή της λινογραφίας στην καθημερινή ζωή των σοβιετικών καλλιτεχνών και η εφεύρεση μιας νέας μεθόδου εκτύπωσης εκτυπώσεων με ακουαρέλες - aquatypes.

Από τους μαθητές του I. N. Pavlov, ο M. V. Matorin, δεξιοτέχνης της έγχρωμης ξυλογραφίας και τοπιογράφος, εργάζεται γόνιμα ως καλλιτέχνης και δάσκαλος.

Στην έκκλησή του στο αρχιτεκτονικό τοπίο, στα μνημεία της αρχαιότητας, ο IN Pavlov δεν ήταν μόνος τη δεκαετία του 1920. Vl. Iv. Ο Sokolov, μαθητής του Levitan, τον οποίο ο ίδιος I. N. Pavlov κατάφερε να ενδιαφέρεται για τις τεχνικές χαρακτικής, κυκλοφόρησε πολλά άλμπουμ το 1917 - 1925 αφιερωμένα στον Sergiev Posad, παλιά Μόσχα, Ροστόφ. Όλα αυτά είναι καλά παραδείγματα του παλιού τοπίου. Στα άλμπουμ λιθογραφιών των Yuon και Kustodiev στη δεκαετία του 1920, μπορεί κανείς να δει επίσης τον Sergiev Posad, ρωσικά τοπία, εικόνες της ανέγγιχτης παλιάς επαρχιακής ζωής. Τα κλασικά κτίρια της Αγίας Πετρούπολης στέκονται στις κυνηγημένες γραμμές των ξυλογραφιών του P. A. Schillingovsky, του οποίου το άλμπουμ με τοπία, που εκδόθηκε το 1923, αν και ονομάζεται "Petersburg. Ruins and Revival", περιείχε βασικά μόνο θλιβερές εικόνες των ερειπίων - την καταστροφή που προκλήθηκε στην Πετρούπολη από στρατιωτικές καταστροφές. Μόλις στην Αρμενία, το βέτο του Schilling βλέπει ξανά μόνο τα χαρακτηριστικά της αρχαιότητας, δημοσιεύοντας ένα άλμπουμ με χαρακτικά "Old Erivan" το 1927. Έτσι, το αρχαίο τοπίο στα γραφικά της πρώτης δεκαετίας δεν είναι ένα τυχαίο χόμπι μεμονωμένων δασκάλων, αλλά ένα ολόκληρο φαινόμενο.

Μόλις το 1927 περίπου το ενδιαφέρον γι 'αυτόν εξαφανίστηκε και ο ίδιος ο Schillingovsky, ένας μεγάλος ζηλωτής της αρχιτεκτονικής αρχαιότητας, τον επόμενο χρόνο, το 1928, δημιούργησε το άλμπουμ "New Armenia", σαν να σημειώνει στο έργο του μια χαρακτηριστική αλλαγή που συνέβη στο το πρόγραμμα.

Το νέο φυσικά φυτρώνει στα σπλάχνα του παλιού και έργα αφιερωμένα στο σύγχρονο τοπίο εμφανίστηκαν στα γραφικά, θα λέγαμε, στα βάθη του, ανάμεσα σε πράγματα ήδη γνωστά σε εμάς. Οι συγγραφείς τους ήταν καλλιτέχνες που μόλις χθες αφιέρωσαν τη δημιουργικότητά τους στον στοχασμό των αιώνιων ομορφιών της αρχιτεκτονικής και της φύσης. Έτσι, για παράδειγμα, ο I. I. Nivinsky (1881-1933), ο μεγαλύτερος δεξιοτέχνης της σοβιετικής χαλκογραφίας, στο άλμπουμ «Crimea», που κυκλοφόρησε το 1925, καλλιτεχνικά και εύκολα, αν και με μια νότα περισυλλογής, μεταφέρει την καθημερινή γιορτή της όμορφης. νότια φύση. Μέχρι τη 10η επέτειο του Οκτωβρίου, με εντολή του Συμβουλίου των Επιτρόπων του Λαού, ο Nivinsky δημιουργεί πολλά μεγάλα χαρακτικά "Zages", όπου, απεικονίζοντας ένα εργοστάσιο παραγωγής ενέργειας στη Γεωργία, όχι μόνο εισάγει μια νέα πλοκή στα τοπία του, αλλά και αναζητά ενεργά νέα μορφές έκφρασης για αυτό.

Πετυχημένο το χαρακτικό «Μνημείο του Β. Ι. Λένιν στα Ζάγκα» με το προσεγμένο του σχέδιο και το μνημείο του Β. Ι. Λένιν, φυσικά κυρίαρχο στο βιομηχανικό τοπίο - δημιουργία του γλύπτη I. D. Shadr (ειλ. 6). Η ομορφιά αυτού του μνημείου, η μεγαλοπρεπώς εντυπωσιακή σιλουέτα του γίνεται εδώ το κύριο συστατικό της εικόνας του τοπίου. Η φύση συλλαμβάνεται πλέον από τον καλλιτέχνη όχι μόνο ως αντικείμενο θαυμασμού περισυλλογής, αλλά και ως πεδίο μεγάλης ανθρώπινης δραστηριότητας. Οι νότες μιας ενεργούς στάσης ζωής για πρώτη φορά ηχούσαν ευδιάκριτα στο γραφικό τοπίο.

Νέα κίνητρα εμφανίζονται στο δεύτερο μισό της δεκαετίας του 1920 στο έργο του καλλιτέχνη I. A. Sokolov (γεν. 1890). Από την αρχή του έργου του, ο I. A. Sokolov, μαθητής και μεγάλος θαυμαστής του V. D. Falileev, απεικονίζει σκηνές εργασίας στη χαρακτική. Στην αρχή, αυτή είναι η σκληρή και ενοχλητική οικιακή εργασία μιας γυναίκας στο σπίτι, η χειροτεχνία - ένας στενός και περιορισμένος κόσμος, που παρουσιάζεται με ζεστασιά και αγάπη. Ένας τσαγκάρης σκύβει πάνω στο έργο του, μια πλύστρα, μια γιαγιά με τα εγγόνια της σε ένα βραδινό στενό δωμάτιο, μια λεπτή σιλουέτα ενός κατασκευαστή δαντέλας σε φόντο ελαφρύ ύφασμα με περίπλοκο σχέδιο, προφανώς συνδεδεμένο με αυτό - αυτά είναι τα πρώτα έργα του Sokolov (ill. 7).

Από τη φύση τους είναι πολύ κοντά στα έργα των I. Pavlov, Vl. Sokolov και άλλους καλλιτέχνες που μας έδειξαν τις ανεπίσημες γωνιές των μεγαλουπόλεων, την ανέγγιχτη αρχαιότητα τους. «Φαίνεται λοιπόν ότι η ζωή, που αντικατοπτρίζεται στα χαρακτικά του I. A. Sokolov, προχωρούσε πίσω από τους τοίχους εκείνων των μικρών σπιτιών που απεικόνισε ο I. N. Pavlov», γράφει σωστά ο βιογράφος της I. A. Sokolova M. Z. Kholodovskaya.

Προφανώς, επειδή οι εικόνες της εργασίας ήταν πάντα κοντά στον καλλιτέχνη, ήταν αυτός που ήταν από τους πρώτους που επέκτεινε το στενό πεδίο του θέματός του και άρχισε να απεικονίζει τον νέο κόσμο της βιομηχανικής εργασίας - δουλειά σε ένα μεγάλο μεταλλουργικό εργοστάσιο. Μέχρι το 1925, ανήκουν τα πρώτα του φύλλα που απεικονίζουν το φυτό της Μόσχας "Hammer and Sickle". Μέχρι εκείνη τη στιγμή, ο καλλιτέχνης είχε ήδη κατακτήσει την τεχνική της έγχρωμης πολυσανίδας λινοκοπής και οι τύποι εργαστηρίων, η συνένωση ισχυρών χαλύβδινων ζευκτών, ο περίπλοκος φωτισμός σκηνών με εκθαμβωτικό κόκκινο μέταλλο αναπαράγονται από αυτόν με ακρίβεια και διεξοδική απόδοση. Αργότερα, ήδη ώριμος δάσκαλος, ο Sokolov έρχεται ξανά σε ένα γνώριμο εργοστάσιο και το 1949 δημιουργεί μια σειρά από χαρακτικά αφιερωμένα σε αυτόν. Αυτή τη φορά εισάγει φύλλα πορτρέτου στη σειρά. ένα από αυτά, που απεικονίζει τον εργάτη χάλυβα F. I. Sveshnikov, ήταν ιδιαίτερα επιτυχημένο για τον καλλιτέχνη. Με το πρόσχημα του Σβέσνικοφ, που παρακολουθεί με προσήλωση το λιώσιμο, κατάφερε να μεταδώσει τη σεμνότητα, την απλότητα, τη γοητεία ενός ανθρώπου με μεγάλη εμπειρία ζωής και εργασίας. Αλλά ακόμη και τα πρώτα "εργοστασιακά" φύλλα του Sokolov διατηρούν τη σημασία τους για εμάς. περιέχουν τη συνειδητή ακρίβεια των πρώτων βημάτων σε μια διαδρομή άγνωστη από τον ίδιο τον συγγραφέα και άλλους καλλιτέχνες.

Σε όλη του τη ζωή ο Ι. Σοκόλοφ εργάστηκε πολύ και στον τομέα του τοπίου. Τα τοπία του της δεκαετίας του 1920 και του 1930 έγιναν ευρέως γνωστά. Η κρύα φρεσκάδα της πρώιμης άνοιξης και η φλογερή ενδυμασία του φθινοπώρου αποτυπώνονται πάντα μέσα τους με ένα καθαρό, ακριβές σχέδιο, καθαρά, καθαρά χρώματα. Βελτιώνοντας την τεχνική της έγχρωμης λινοκοπής, επιτυγχάνοντας μια ελεύθερη μεταφορά μιας πλούσιας γκάμα χρωμάτων, ο καλλιτέχνης χρησιμοποιεί μεγάλο αριθμό σανίδων και μερικές φορές κυλά πάνω στον πίνακα όχι ένα, ως συνήθως, αλλά πολλά χρώματα. Το γνωστό του χαρακτικό «Κουζμίνκι, Φθινόπωρο», που σαγηνεύει με καυτά γραφικά χρώματα, για παράδειγμα, εκτελέστηκε σε επτά σανίδες σε εννέα χρώματα.

Τα γεγονότα του πολέμου αντικατοπτρίστηκαν από τον καλλιτέχνη στις μεγάλες σειρές "Η Μόσχα το 1942" και "Τι κατέστρεψε ο εχθρός". Στο πρώτο από αυτά, ζωγραφίζοντας τανκς που φεύγουν για το μέτωπο στους δρόμους της Μόσχας, κοπάδια οδηγημένα προς τα πίσω, λαχανόκηπους στις αυλές κ.λπ., ο καλλιτέχνης διαποτίζει τα φύλλα του με μοτίβα του είδους, αλλά εξακολουθεί να παραμένει κυρίως τοπιογράφος στην επίλυση τη σύνθεση στο σύνολό της. Στη δεύτερη -τοπία- σειρά, το έργο του ντοκιμαντέρ έρχεται σκόπιμα στο προσκήνιο, αλλά η θλίψη χρωματίζει και αυτά τα σεντόνια, που απεικονίζουν την οδυνηρή καταστροφή των πανέμορφων συνόλων των προαστίων του Λένινγκραντ. Το ίδιο έργο ντοκιμαντέρ αντιμετωπίζει ο καλλιτέχνης στη σειρά των μεταπολεμικών χρόνων του, στα οποία αναπαρήγαγε με κόπο και σχολαστικότητα αξιομνημόνευτα μέρη που συνδέονται με τη ζωή και το έργο του Β. Ι. Λένιν και του Α. Μ. Γκόρκι.

Τα πρώτα έργα για τη νέα ζωή, όπως τα φύλλα του Nivinsky ή του Sokolov, δεν ήταν πολλά. Ωστόσο, ο αριθμός τους αυξάνεται σταδιακά. Στα χρόνια του πρώτου πενταετούς σχεδίου, οργανώθηκαν επαγγελματικά ταξίδια ζωγράφων και γραφιστών στα σημαντικότερα νέα κτίρια, βιομηχανικούς κολοσσούς και τα πρώτα συλλογικά αγροκτήματα. Οι καλλιτέχνες ήταν ενθουσιασμένοι με αυτά τα νέα καθήκοντα για αυτούς. Και παρόλο που ανάμεσα στα έργα που δημιουργήθηκαν ως αποτέλεσμα αυτών των ταξιδιών υπήρχαν ακόμη λίγα πράγματα υψηλής καλλιτεχνικής αξίας, με αυτό το έργο μια νέα φρέσκια ροή έρχεται στα γραφικά, η πνοή της μεγάλης ζωής της χώρας.

Η πολυπλοκότητα αυτού του έργου συνίστατο τόσο στην ανεπαρκή γνώση της καθημερινότητας της σοσιαλιστικής οικοδόμησης από τους καλλιτέχνες, όσο και στη συζήτηση πολλών θεμάτων της μορφής τέχνης που χαρακτηρίζουν εκείνα τα χρόνια. Πολλές ομάδες τέχνης έβγαιναν συχνά με αντίθετες θεωρητικές πλατφόρμες, και στις διαφωνίες που προέκυψαν εκείνη την εποχή, το ίδιο το δικαίωμα ύπαρξης της τέχνης του καβαλέτου αμφισβητήθηκε μερικές φορές. Δεν πρέπει να ξεχνάμε ότι αυτά τα χρόνια ήταν μια περίοδος αντικρουόμενων αναζητήσεων στο χώρο της καλλιτεχνικής παιδείας. Συχνά, η λανθασμένη εκπαίδευση των καλλιτεχνών στα πανεπιστήμια τους στέρησε τα γερά θεμέλια των επαγγελματικών δεξιοτήτων και ο νεαρός γραφίστας έπρεπε να φτιάξει πολλά αργότερα. Είναι αλήθεια ότι τα έργα αρκετών εξαιρετικών δασκάλων της παλαιότερης γενιάς, καθώς και οι συμβουλές που έδιναν στους νέους, συχνά έξω από τα επίσημα τείχη του πανεπιστημίου ήταν πολύ διδακτικά για αυτήν. Υπήρχαν επίσης τέτοια στούντιο όπως, για παράδειγμα, το στούντιο του Kardovsky, στο οποίο οι καλλιτέχνες πέρασαν από μια γόνιμη σχολή ρεαλιστικού σχεδίου και σύνθεσης. Κι όμως οι συνθήκες εργασίας των καλλιτεχνών ήταν δύσκολες. Βελτιώθηκαν μόνο με την εξάλειψη των καλλιτεχνικών ομαδοποιήσεων στις αρχές της δεκαετίας του 1930 και την ενοποίηση όλων των υγιών δημιουργικών δυνάμεων σε μια ενιαία ρεαλιστική πλατφόρμα.

Όταν σχεδιάζετε γραφικά σε σύγχρονα θέματα, αναπτύχθηκαν γρήγορα αρκετοί κύριοι τομείς εργασίας για τους καλλιτέχνες. Ένα από αυτά ήταν, όπως είδαμε στα χαρακτικά του I. Sokolov, μέσω μιας ακριβούς, κάπως περιγραφικής, σχεδόν τεκμηριωμένης αναπαραγωγής των προβλεπόμενων, κυρίως βιομηχανικών, συνθηκών εργασίας. Σε έργα αυτού του τύπου, υπήρχε πολλή έξυπνη και ειλικρινής επιθυμία των συγγραφέων να πουν στον θεατή όσο το δυνατόν ακριβέστερα και πληρέστερα για νέα κτίρια και εργοστάσια. Δεν είναι τυχαίο που οι καλλιτέχνες συχνά δεν περιορίζονται σε ένα φύλλο, αλλά σε μια ολόκληρη σειρά απαθανατίζουν όψεις ενός εργοστασίου, μιας κατασκευής κ.λπ.

Η δεύτερη κατεύθυνση μπορεί να ονομαστεί ότι θερμαίνεται από ένα λυρικό συναίσθημα, λακωνικό, διατηρώντας τη ζωντάνια του σκίτσου, αλλά και την επιφυλακτικότητα του, την τέχνη του βιομηχανικού τοπίου, που δημιουργήθηκε στα τέλη της δεκαετίας του 1920 και στις αρχές της δεκαετίας του 1930 από τον N. N. Kupreyanov (1894 - 1933), μαθητής τέτοιων διαφορετικών καλλιτεχνών, όπως οι Kardovsky, Petrov-Vodkin, Ostroumova-Lebedeva, Kupreyanov πέρασε από ένα σύντομο αλλά δύσκολο μονοπάτι στην τέχνη, γεμάτο συνεχείς αναζητήσεις. Με ενδιαφέρον εργάστηκε όχι μόνο στα γραφικά του καβαλέτου, αλλά και στην εικονογράφηση βιβλίων. Ένας από τους πρώτους Kupreyanov αφιέρωσε τα πράγματά του στην επανάσταση και οι ξυλογραφίες του "Armored car" (1918) και "Cruiser" Aurora "(1923), κάπως σκόπιμα στην τονισμένη γωνιότητα ή την ταχεία κίνηση των γραμμών τους, έφεραν ένα μόριο γνήσιου πνευματικού ανάταση, μια ζωηρή απάντηση στα γεγονότα του Οκτωβρίου. Αφήνοντας σύντομα ξυλογραφίες, ο Kupreyanov εργάζεται κυρίως με τον τρόπο των ελεύθερων, γεμάτες φως και μυστηριώδεις μεταβάσεις φωτός και σκιάς σε σχέδια με μελάνι και ακουαρέλα. αποτελούν μια από τις πλευρές του έργου του. Αλλά ο Kupreyanov Η τέχνη μπαίνει από νωρίς και στις εκτάσεις μιας τεράστιας χώρας.Στη σειρά "Σιδηροδρομικές γραμμές" (1927), η γρήγορη βούρτσα του γεμίζει φύλλο μετά την κίνηση των τρένων και στον βιαστικό ρυθμό του μπορεί κανείς να ακούσει τον απόηχο των επιχειρήσεων της χώρας. κύκλοι ζωής "Βαλτική", που άρχισε να δημιουργείται το 1931, και "Αλιεία της Κασπίας Θάλασσας", που προέκυψαν ως αποτέλεσμα των ταξιδιών του καλλιτέχνη εκεί - η ίδια ελαφρότητα είναι εξωτερικά απρόσεκτη ω ο σχηματικός τρόπος σχεδίασης. Πίσω του, μπορεί κανείς να νιώσει την κάθε άλλο παρά ολοκληρωμένη αναζήτηση εικόνων νεωτερικότητας, που συνδυάζει την έκφραση του φευγαλέα και το ευρύχωρο περιεχόμενο του χαρακτηριστικού.

Ένας πρόωρος θάνατος διέκοψε το έργο του καλλιτέχνη στη μέση.

Η τρίτη κατεύθυνση στη δουλειά των γραφιστών σε σύγχρονα θέματα προέκυψε με μια πρώιμη τάση ρομαντικής αισιόδοξης απόδοσης της πλοκής. Μετατρέπει τα βιομηχανικά μοτίβα σε ένα μεγαλειώδες, μερικές φορές μαγευτικό θέαμα. Φαίνεται ότι τέτοια έργα έχουν την πιο δημιουργική, συναισθηματική προσέγγιση στη φύση. Και πράγματι, ανάμεσά τους σημαντικά και πολύ όμορφα στην εκτέλεση πράγματα δεν είναι ασυνήθιστα. Αλλά η ρομαντική τους αγαλλίαση έχει τις περισσότερες φορές έναν κάπως αφηρημένο και υποκειμενικό χαρακτήρα, όπως και η περιγραφική ακρίβεια άλλων έργων, είναι αποτέλεσμα μόνο της πρώτης επαφής του καλλιτέχνη με το θέμα. Όχι χωρίς λόγο, παρασυρμένοι από τις γενικές απόψεις της κατασκευής, τα εργαστήρια εργοστασίων κ.λπ., οι συγγραφείς όλων των πρώιμων βιομηχανικών έργων εξακολουθούν να δίνουν μια πολύ μέτρια θέση στους ανθρώπους σε αυτά. Ένα παράδειγμα έργων ενός ρομαντικού σχεδίου μπορεί να είναι το φύλλο του N. I. Dormidontov "Dneprostroy" (1931; ill. 8). Ο Dormidontov (γεννημένος το 1898) είναι επίσης ένας από τους πρώτους καλλιτέχνες του μοντέρνου θέματος στα γραφικά. Ήδη από τα μέσα της δεκαετίας του 1920, εμφανίστηκαν τα φύλλα εργασίας του αφιερωμένα στην εργασία - στην αρχή, πολύ ακριβή και ξηρά, μετά πιο ελεύθερα και βρέθηκαν στη σύνθεση. Στο σχέδιο "Dneprostroy" ο καλλιτέχνης γοητεύεται από την τεράστια κλίμακα της δομής, τη μαγευτική εικόνα της νυχτερινής εργασίας, που φωτίζεται από το έντονο φως πολλών λαμπτήρων. Στο σχέδιό του, το έργο μετατρέπεται σε θέαμα που χτυπά τη φαντασία, μυστηριώδες, μεγαλειώδες και ελαφρώς φανταστικό.

Μια παρόμοια ερμηνεία της εργασίας μπορεί να δει κανείς σε μια σειρά από χαρακτικά του AI Kravchenko (1889 - 1940), αφιερωμένα επίσης στην κατασκευή του Dneproges (1931). Δημιουργήθηκε από τον καλλιτέχνη ήδη στην ώριμη εποχή της δημιουργικότητας και η θεαματική του δεξιοτεχνία φάνηκε ξεκάθαρα σε αυτό,

Στα χαρακτικά αυτού του κύκλου, τεράστιες κατασκευές του φράγματος στοιβάζονται, ανεβαίνουν, βέλη γερανών υψώνονται από κοντά, ο ψηλός ουρανός στροβιλίζεται με σύννεφα και ο ήλιος στέλνει τις εκθαμβωτικές ακτίνες του. Οι αντιθέσεις των ασπρόμαυρων χρωμάτων δημιουργούν ένα φωτεινό, ανήσυχο φάσμα χαρακτικών. Το θέαμα της κατασκευής κοντά στο Kravchenko είναι μεγαλειώδες και εντυπωσιακό. Και οι άνθρωποι που δημιουργούν έναν νέο βιομηχανικό γίγαντα κάτω από δύσκολες συνθήκες δίνονται μόνο ως ρυθμικά επαναλαμβανόμενες ομάδες πανομοιότυπων φιγούρων σιλουέτας, ως αφηρημένοι φορείς κίνησης. Ωστόσο, πολλοί καλλιτέχνες εκείνη την εποχή προσελκύονταν κυρίως από τη γενική πανοραμική εκφραστικότητα του εργοταξίου, του εργαστηρίου κ.λπ. Και στα χαρακτικά του Kravchenko, εκφράζεται μόνο με τον πιο ταλαντούχο.

Δημιουργικότητα Ο Kravchenko κάνει γενικά μια φωτεινή και πρωτότυπη σελίδα στην ιστορία των γραφικών μας. Δάσκαλος της ξυλογραφίας, της χαρακτικής και του σχεδίου, πολύ ευαίσθητος στα θέματα του αιχμηρού κοινωνικού χρωματισμού στα καβαλέτα, συγγραφέας επιστημονικής φαντασίας και μάγος στην εικονογράφηση, ο Kravchenko κέρδισε γρήγορα μεγάλη δημοτικότητα στο εσωτερικό και στο εξωτερικό. Προερχόμενος από αγροτική οικογένεια, σπούδασε στη Σχολή Ζωγραφικής, Γλυπτικής και Αρχιτεκτονικής της Μόσχας. Δάσκαλοί του ήταν οι διάσημοι Ρώσοι ζωγράφοι S. Ivanov, V. Serov, K. Korovin, A. Arkhipov. Ο Kravchenko ξεκίνησε την καριέρα του ως ζωγράφος, αλλά στον τομέα του σχεδίου και της χαρακτικής, στον οποίο στράφηκε στα χρόνια της σοβιετικής εξουσίας, η δουλειά του είναι ιδιαίτερα ενδιαφέρουσα. Πολυάριθμα ταξίδια στην Ινδία, τη Γαλλία, την Ιταλία, την Αμερική και τη Σοβιετική Ένωση ολοκλήρωσαν την καλλιτεχνική εκπαίδευση του Kravchenko και διεύρυναν τους ορίζοντές του. Ο Κραβτσένκο δούλεψε πολύ σκληρά. Δημιούργησε έναν παράξενο κόσμο εικόνων σε εικονογραφήσεις βιβλίων, συνδυάζοντας τη φαντασία και το γκροτέσκο, την τρέμουσα μαγεία των συναισθημάτων και την ενέργεια της εμμονής. Εργαζόταν συνεχώς στον τομέα του τοπίου, τα διάφορα σεντόνια του αποτυπώνουν την αρμονία, την ομορφιά και τη λιτή φύση της περιοχής της Μόσχας και των διάσημων πόλεων της Ευρώπης. Είναι ένας από τους πρώτους γραφίστες που δημιούργησαν σειρές ιστοριών, ανταποκρινόμενες σε δημόσια θέματα. Ο κύκλος των χαρακτικών αφιερωμένων στην κηδεία του Β. Ι. Λένιν, που έγινε την ίδια χρονιά, το 1924, ήταν μια θλιβερή αφήγηση από αυτόπτες μάρτυρες και τώρα έχει αποκτήσει τη σημασία ενός ιστορικού έργου. Στη συνέχεια, ο καλλιτέχνης επέστρεψε στο λενινιστικό θέμα για άλλη μια φορά, έχοντας εκτελέσει το 1933 ένα αυστηρό και επίσημο χαρακτικό «Μαυσωλείο». Έκανε επίσης έναν κύκλο χαρακτικών «Η ζωή μιας γυναίκας στο παρελθόν και το παρόν» για το σοβιετικό περίπτερο στη Διεθνή Έκθεση του Παρισιού. Σε αντιθέσεις ζωγραφικής, ο καλλιτέχνης αναπαρήγαγε τη μοίρα μιας γυναίκας-μητέρας στην τσαρική και σοβιετική Ρωσία. έδρασε εδώ ως αφηγητής, του οποίου ο λόγος είναι συναισθηματικός και ζωηρός, αλλά δεν υπήρχε μεγάλη εσωτερική και πλαστική εκφραστικότητα στις εικόνες του. Μετά τη σειρά "Dneprostroy" ο Kravchenko δεν εγκατέλειψε το βιομηχανικό θέμα και το 1938, με βάση τα υλικά ενός δημιουργικού ταξιδιού, δημιούργησε σχέδια και χαρακτικά αφιερωμένα στο εργοστάσιο Azovstal.

Στο χαρακτικό που απεικονίζει την έκχυση του χάλυβα (αρλ. 9), ο καλλιτέχνης εξακολουθεί να γοητεύεται από τη δύναμη των τεράστιων τεχνικών κατασκευών, το μεγαλείο της εικόνας της εργασίας. Συνθέτει ελεύθερα μια περίπλοκη σκηνή, τη φωτίζει αποτελεσματικά με ρεύματα φωτός και σπινθήρες. Επιπλέον, εμφανίζεται εδώ ένας πραγματικός εργατικός ρυθμός, και μαζί του η σκοπιμότητα όλων όσων συμβαίνουν, αντί του κάπως αφηρημένου πάθους του Ντνεπροετρόυ. Εκτός από την εντυπωσιακή ψυχαγωγία, το φύλλο αποκτά και εξαιρετικό περιεχόμενο.

Αυτή η μνημειώδης χαλκογραφία έγινε από τον Kravchenko για την Πανενωσιακή Έκθεση "Industry of Socialism". Αυτή η έκθεση στη σοβιετική τέχνη συνδέεται με τη μαζική απήχηση των καλλιτεχνών στο σήμερα. Έργα για αυτό δημιουργήθηκαν για αρκετά χρόνια, ξεκινώντας το 1936. Λίγο πριν την έναρξη αυτής της δουλειάς, 1.500 ντράμερ από ένα από τα μεγαλύτερα εργοστάσια έγραψαν στις σελίδες της Pravda, απευθυνόμενοι στους καλλιτέχνες:

"Περιμένουμε εξαιρετικούς πίνακες από εσάς. Θέλουμε να μην είναι απλώς απλές φωτογραφίες. Θέλουμε να επενδυθεί πάθος σε αυτές. Θέλουμε να ενθουσιάσουν εμάς και τα παιδιά μας. Θέλουμε να ενσταλάξουν μέσα μας τη χαρά του αγώνα και της δίψας για νέες νίκες Θέλουμε να δείξετε στους ανθρώπους της χώρας μας - τους ήρωες και τους απλούς συμμετέχοντες στην κατασκευή μας».

Αυτά τα ένθερμα λόγια όχι μόνο διατύπωσαν καλά τα καθήκοντα της τέχνης μας, αλλά αντικατόπτριζαν και την ατμόσφαιρα της απαιτητικής αγάπης του κόσμου για την τέχνη, εκείνο το υπέροχο ενδιαφέρον για αυτήν ενός εργαζόμενου ανθρώπου που βοηθούσε τους καλλιτέχνες στη δουλειά τους. Η έκθεση οργανώθηκε με πρωτοβουλία του Sergo Ordzhonikidze και εγκαινιάστηκε κατά τις ημέρες του 18ου Συνεδρίου του Κόμματος, η έκθεση κάλυψε ευρέως τη ζωή της Σοβιετικής Χώρας. Εδώ εκτέθηκαν πάνω από 1000 έργα, εκ των οποίων τα 340 περίπου ήταν στο γραφικό τμήμα (εκτός από τη σάτιρα). Λίγα από αυτά τα φύλλα ήταν έργα εξαιρετικής δεξιοτεχνίας, λίγα από αυτά έχουν διασωθεί μέχρι σήμερα. Όμως τα νέα θέματα που έφεραν, τα οποία έβλεπαν οι καλλιτέχνες στη ζωή - στις σκαλωσιές των νέων κτιρίων, στα εργαστήρια του εργοστασίου - ήταν μια μεγάλη κατάκτηση για την τέχνη των γραφικών. Dneprostroy και εργασία στα ορυχεία ποτάσας Solikamsk, η κατασκευή ενός μετρό και η ανάπτυξη της Αρκτικής, η εξόρυξη χρυσού στην τάιγκα και η εργασία ενός ανθρακωρύχου - πόσο διαφορετικά είναι αυτά τα θέματα από τον φαύλο κύκλο των φαινομένων ζωής στον οποίο ο κόσμος γραφικά καβαλέτο περιορίστηκε νωρίτερα, πόσο λίγη προσκόλληση στην αρχαιότητα, θεμελιώδης αναδρομική! Υπήρχαν ακόμη πολλά βιομηχανικά τοπία εδώ. Αλλά εκτός από αυτά, εμφανίζονται και σκηνές τοκετού. και ένας άνθρωπος που εργάζεται σε εργοστάσιο, σε χωράφι, σε εργαστήριο, σε ορυχείο γίνεται για πρώτη φορά ήρωας γραφικών έργων. Οι καλλιτέχνες δεν γνωρίζουν ακόμα καλά τον εσωτερικό του κόσμο, στην αρχή νιώθουν μόνο καλά και είναι σε θέση να μεταφέρουν τη σίγουρη συνήθεια του στη δουλειά, την πλαστικότητα των επαγγελματικών κινήσεων. Ως εκ τούτου, η χειρονομία εργασίας στα σχέδια είναι πιο πειστική από την έκφραση στο πρόσωπο και μερικά καλά έργα χαλάνε από την εξωτερική αγένεια των χαρακτήρων.

Ο καλλιτέχνης A. Samokhvalov (γ. 1894), για παράδειγμα, σε μια σειρά από ακουαρέλες έδειξε καλά το σφρίγος και την αισιοδοξία των «Μετροστρόι Κοριτσιών», αλλά τόνισε και την αγένειά τους. Μια τέτοια έμφαση, σαν να λέγαμε, βάζει ένα όριο στη γνώση μας για τις ηρωίδες του Samokhvalov και φτωχαίνει το έργο του, αν και στον ίδιο τον τόνο, στην ατμόσφαιρά του, υπάρχουν χαρακτηριστικά που φαίνονται σωστά στη ζωή. Ο άνθρωπος της εργασίας χαρακτηρίζεται πιο στοχαστικά στην ακουαρέλα του S. M. Shor (γενν. 1897) «The Goat Girl» από τη σειρά «Old and New Qualifications of the Donbass» (1936· ill. 10). Εδώ δημιουργείται η εικόνα μιας έξυπνης και ενεργητικής γυναίκας, η πνευματική της αποθήκη, η ηθική της δύναμη μαντεύονται με ευαισθησία. Δεν είναι καθόλου τυχαίο που η S. Shor γίνεται δεξιοτέχνης της γραφικής προσωπογραφίας, που τις περισσότερες φορές εκτελείται από αυτήν στην τεχνική της χαρακτικής.

Στα προπολεμικά χρόνια, εμφανίστηκαν φύλλα αφιερωμένα στους εργάτες από τον I. A. Lukomsky (γεν. 1906). Στο σχέδιό του με σέπια «Εργάτης» (1941· ill. 11), η έμφαση μεταφέρεται από το ατομικό-χαρακτηριστικό στο τυπικό, υπογραμμισμένο, σαν κοντινό πλάνο. Η εσωτερική ελευθερία, η υπερηφάνεια για τη δουλειά μπορεί να διαβαστεί στο πρόσωπο του εργάτη.

Στη δεκαετία του 1930, σημαντικό γεγονός για τα γραφικά ήταν η προετοιμασία μιας έκθεσης εικονογράφησης για την ιστορία του κόμματος. Επικέντρωσε το ενδιαφέρον πολλών καλλιτεχνών σε ιστορικά θέματα, τους έκανε να ξανασκεφτούν το μονοπάτι που διένυσε το κράτος μας. Το ιστορικό-επαναστατικό θέμα ξεκίνησε τη ζωή του στα γραφικά ήδη στις αρχές της δεκαετίας του 1920. Ωστόσο, εκείνη την εποχή επρόκειτο μόνο για ξεχωριστά έργα, κυρίως χαρακτικά, στα οποία συχνά η αφηρημένη διακοσμητικότητα και ο σχηματισμός εξακολουθούσαν να θεωρούνται ως αναπόσπαστο μέρος της τεχνικής της χαρακτικής. Αργότερα, το 1927, ως εντελώς αντίθετο με αυτά τα έργα, μια εικόνα του ήρωα των μαχών του Perekop με επαναστατικό πάθος εμφανίζεται κάτω από τη σμίλη του Ουκρανού καλλιτέχνη V.I. Kasiyan. V. I. Kasiyan (γεν. 1896) - γέννημα θρέμμα της Δυτικής Ουκρανίας, σπουδασμένος στην Ακαδημία Καλών Τεχνών της Πράγας - ένας καλλιτέχνης που αναζητά μια ψυχή, έναν λαμπερό ιδιοσυγκρασιακό τρόπο. Η λίστα του είναι λαμπερή, συναισθηματική, αλλά εξακολουθεί να παραμένει μόνος στο πρόγραμμα αυτών των χρόνων.

Τα περισσότερα από τα έργα που δημιουργήθηκαν για την προαναφερθείσα έκθεση απέκτησαν μάλλον καβαλέτο παρά εικονογραφικό χαρακτήρα. Άνοιξε το 1941, πριν από τον πόλεμο, ονομαζόταν «Έκθεση Νέων Έργων Σοβιετικών Γραφικών» και περιλάμβανε μια σειρά από καλά έργα. Πολλά από αυτά ανήκαν σε δεξιοτέχνες των γραφικών βιβλίων. Οι εικονογράφοι έφεραν στη σφαίρα του καβαλέτου την ψυχολογική φύση των εικόνων και την ακρίβεια της ιστορικής κατάστασης, που ήταν τότε πρόσφατα και εντυπωσιακά επιτεύγματα της τέχνης τους. Τέτοια ήταν τα φύλλα της κολεκτίβας καλλιτεχνών Kukryniksy - "Στα οδοφράγματα", "Chkalov στο νησί Udd", "Πολιτικοί ηγέτες", Kibrik - "Khalturin and Obnorsky", Shmarinov "Η κηδεία του Bauman" και άλλα.

Το ενδιαφέρον των γραφιστών για ιστορικά θέματα τις δεκαετίες του 1920 και του 1930 είχε μια άλλη πτυχή που σχετίζεται με τη λογοτεχνία.

Οι εμπνευσμένες εικόνες του Πούσκιν και του Λερμόντοφ προσέλκυσαν τη δημιουργική προσοχή των καλλιτεχνών για πολλά χρόνια. Ο N. P. Ulyanov (1875 - 1949) έβαλε πολλή δουλειά στη σειρά του Πούσκιν. Ένας από τους σημαντικότερους σοβιετικούς ζωγράφους της παλαιότερης γενιάς, στενός μαθητής του V. A. Serov, ο Ulyanov ήταν δεξιοτέχνης της ιστορικής ζωγραφικής και της προσωπογραφίας, καθώς και καλλιτέχνης του θεάτρου.

Τα σχέδια του Ουλιάνοφ λένε για διάφορες περιόδους της ζωής του μεγάλου ποιητή - από τις ημέρες του λυκείου έως τους τελευταίους τραγικούς μήνες. ολοκληρώνονται σε διάφορους βαθμούς - άλλα είναι μεγαλύτερα, άλλα μοιάζουν με σκίτσα, σαν σελίδες έντονων και ημιτελών αναζητήσεων, αλλά σε όλα το κύριο πράγμα για τον καλλιτέχνη είναι η φλογερή ζωή της ψυχής του Πούσκιν. Ένα από τα καλύτερα είναι ένα σχέδιο που έγινε σε σχέση με τον πίνακα "Ο Πούσκιν και η γυναίκα του μπροστά από έναν καθρέφτη σε μια μπάλα γηπέδου". Η περήφανη, όμορφη εικόνα του Πούσκιν εμφανίζεται εδώ στις λακωνικές γραμμές του εμπνευσμένου σχεδίου του Σερόφ.

Το θέμα του Πούσκιν λαμβάνει μια άλλη ερμηνεία στα γραφικά - στο τοπίο των αξιομνημόνευτων τόπων. Ο καλλιτέχνης L. S. Khizhinsky (γεν. 1896) παίζει σε αυτό το είδος. Στις ξυλογραφίες των κοσμημάτων του με μεγάλη δεξιοτεχνία, που απεικονίζουν μέρη του Πούσκιν και του Λέρμοντοφ, επιτυγχάνει έναν δύσκολο συνδυασμό παραστατικής ακρίβειας και συναισθηματικής ποιητικής αρχής. Χωρίς αυτόν τον συνδυασμό, είναι αδύνατη η επιτυχία του μνημειακού τοπίου, το οποίο είναι πάντα χτισμένο σε λεπτές υποκείμενα, ατομικούς συνειρμούς.

Στη δεκαετία του 1930, νέες στιγμές στην ανάπτυξη των γραφικών γίνονται αισθητές πολύ έντονα. Συνίστανται όχι μόνο σε νέες κατευθύνσεις στη δουλειά των καλλιτεχνών, οι οποίες, όπως είδαμε - με την υποστήριξη της εκθεσιακής δραστηριότητας! - αποκτούν μεγάλη κλίμακα, αλλά και στο νέο περιεχόμενο των παραδοσιακών ειδών του πορτρέτου και του τοπίου, και εμφάνιση σημαντικών έργων καλλιτεχνών των δημοκρατιών της Ένωσης. Έτσι, ο V. I. Kasiyan, που ήδη αναφέρθηκε παραπάνω, δημιουργεί αυτά τα χρόνια χαρακτικά αφιερωμένα στον Σεφτσένκο, γεμάτα σοβαρές σκέψεις. Ο καλλιτέχνης έβαλε επίσης πολλή πνευματική φωτιά στο μεταγενέστερο έργο του για το μεγάλο kobzar, απεικονίζοντας τον αδιάσπαστο θυμωμένο Σεφτσένκο με φόντο επεισόδια του αγώνα του λαού (αρ. 12).

Μεταξύ των σημαντικότερων έργων αυτών των χρόνων είναι τοπία και πορτρέτα του Αρμένιου δασκάλου M. Abegyan, λιθογραφίες αφιερωμένες στη Μολδαβία από τον Ουκρανό G. Pustovite, ένα μνημειακό χαρακτικό του Γεωργιανού καλλιτέχνη D. Kutateladze που απεικονίζει τους S. Ordzhonikidze και S. M. Kirov. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, ο γνωστός καλλιτέχνης από το Αζερμπαϊτζάν A. Azimzade - σκιτσογράφος, σχεδιαστής και καλλιτέχνης αφίσας - δημιούργησε τα πιο ενδιαφέροντα πράγματα στον τομέα των γραφικών καβαλέτο. Εικόνες του παρελθόντος αναπαράγονται στα φύλλα του με τον πρωτότυπο τρόπο λεπτομερούς, με μια πινελιά διακοσμητικού σχεδίου. Τι νέο υπάρχει στο πορτρέτο και το τοπίο της δεκαετίας του 1930; Η πρώην οικειότητα αυτών των ειδών εξαφανίζεται και οι δάσκαλοί τους στρέφονται όλο και πιο τολμηρά στη ζωή, γνωρίζοντας νέους ανθρώπους, διευρύνοντας το γεωγραφικό εύρος των έργων τοπίου. Το τελευταίο ισχύει όχι μόνο για τους κύριους του βιομηχανικού, αλλά και για το συνηθισμένο τοπίο. Αν νωρίτερα μόνο ο E. E. Lansere, που μελέτησε ακούραστα τη φύση και τη ζωή των λαών του Καυκάσου, και ο Schillingovsky, που ζωγράφισε την Αρμενία, αποχώρησαν από την καθιερωμένη παράδοση Μόσχας-Λένινγκραντ στο τοπίο, τώρα ένας ολόκληρος γαλαξίας δασκάλων δημιουργεί τα έργα του έξω από το στενά όρια. Οι καλλιτέχνες απεικονίζουν τη φύση της κεντρικής Ρωσίας, του Βορρά, της Κριμαίας, του Καυκάσου και της Κεντρικής Ασίας. Το τοπίο γίνεται χώρος λαμπρής εφαρμογής της τεχνικής της ακουαρέλας. Τα έργα των γραφιστών L. Bruni, A. Ostroumova-Lebedeva, των ζωγράφων S. Gerasimov, A. Deineka, P. Konchalovsky μαρτυρούν την πραγματική άνθηση του ακουαρέλας τοπίου. Η δραστηριότητα της κοσμοθεωρίας του συγγραφέα είναι ένα νέο χαρακτηριστικό αυτών των έργων. Ίσως, με ιδιαίτερη σαφήνεια, είναι ορατό στα τοπία εκείνων των καλλιτεχνών που έτυχε να επισκεφτούν το εξωτερικό αυτά τα χρόνια.

Ένα οξύ όραμα των αντιθέσεων της ξένης πραγματικότητας είναι εγγενές, για παράδειγμα, στα παριζιάνικα και ρωμαϊκά τοπία του A. A. Deineka (ειλ. 13). Ο καλλιτέχνης δεν μπορεί να παραδοθεί στην ήρεμη γοητεία της μεγαλειώδους αρχιτεκτονικής και των αγαλμάτων, όπως συνέβη πολλές φορές στις προεπαναστατικές ξένες σειρές γραφικών. σε αυτό το όμορφο φόντο, το μάτι του παρατηρεί τόσο τη μορφή ενός άνεργου όσο και τις δυσοίωνες φιγούρες με αυτοπεποίθηση των λειτουργών της εκκλησίας. Στον κύκλο τέτοιων έργων όπως τα σεντόνια του Deineka, γεννιέται το δημοσιογραφικό πάθος και η πολιτική αδιαλλαξία, χαρακτηριστική των σοβιετικών γραφικών.

Αυτές οι ιδιότητες εκδηλώθηκαν επίσης με μεγάλη δύναμη στην «Ισπανική σειρά» σχεδίων του Λένινγκραντερ Yu. N. Petrov (1904 - 1944). Η σειρά του Petrov ήταν μια συνεισφορά των γραφικών του καβαλέτου στον αγώνα κατά του φασισμού, τον οποίο εκείνα τα χρόνια διεξήχθη ήδη ενεργά τόσο από τους δημιουργούς της καρικατούρας όσο και από τους καλλιτέχνες της πολιτικής αφίσας. Η τέχνη του Yu. Petrov, σχεδιαστή και εικονογράφου, ήταν η τέχνη του μεγάλου πολιτισμού και των βαθιών συναισθημάτων. Ο Petrov συμμετείχε στον αγώνα κατά του φασισμού στην Ισπανία, γνώριζε και αγάπησε αυτή τη χώρα, τους ανθρώπους της, τους μεγάλους συγγραφείς και καλλιτέχνες του παρελθόντος, και αυτή η αγάπη και η ευλάβεια αντικατοπτρίστηκαν στα σχέδιά του. Η Ισπανία, τα ορεινά της τοπία, τα σπίτια κατεστραμμένα από τις βόμβες, οι συγκρατημένοι, περήφανοι και φλογεροί άνθρωποι - οι στρατιώτες του Λαϊκού Στρατού, γυναίκες και παιδιά που έχασαν τα σπίτια τους, αιχμαλωτίζονται σε λακωνικές, λίγο θλιβερές και θαρραλέες συνθέσεις. Μερικές σελίδες της σειράς του Petrov φαίνονται να είναι σκίτσα, αλλά το απαλό σχέδιο με απαλή μοντελοποίηση σκιαγραφεί την πλαστικότητα των μορφών και των σχεδίων τοπίων με τόση ακρίβεια, τέτοια τρέμουλο ζωή τα γεμίζει που η μεγάλη στοχαστικότητα κάθε φύλλου γίνεται απτή. Αυτή η σειρά παραμένει ακόμα ένα από τα πιο έμπειρα και ειλικρινή πράγματα στο πρόγραμμά μας. Ο συγγραφέας του πέθανε αργότερα σε στρατιωτική θέση κατά τη διάρκεια του Μεγάλου Πατριωτικού Πολέμου και η τέχνη του, που υποσχόταν πολλά, δεν πρόλαβε να φτάσει στο ζενίθ της.

Ο Μεγάλος Πατριωτικός Πόλεμος, που ξεκίνησε το 1941, άλλαξε δραματικά τη φύση και το ρυθμό ανάπτυξης όλων των ειδών τέχνης. Προκάλεσε επίσης μεγάλες αλλαγές στα γραφικά του καβαλέτου. Η αποτελεσματικότητα των γραφικών, η συγκριτική απλότητα των τεχνικών του έχουν γίνει πλέον ιδιαίτερα πολύτιμα προσόντα. Η διακαής ανάγκη να έχουν λόγο στην ώρα των εθνικών δοκιμών, για να ανταποκριθούν γρήγορα στην πίκρα και τον ηρωισμό της επόμενης μέρας, οδήγησαν πολλούς καλλιτέχνες στο σχέδιο, την ακουαρέλα και μερικές φορές τη χαρακτική. Στα γραφικά καβαλέτο, τώρα, μαζί με τους αναγνωρισμένους δασκάλους του, άρχισαν να εργάζονται μερικοί ζωγράφοι, καθώς και, με μεγάλη επιτυχία, εικονογράφοι.

Από τον πρώτο κιόλας χρόνο του πολέμου, μαζί με τις αφίσες και τις καρικατούρες, τα γραφικά καβαλέτο έγιναν μια από τις πιο ενεργές μορφές τέχνης, συγκινώντας βαθιά τις καρδιές των θεατών. Οι μάστορες του σχεδίου και της χαρακτικής δημιούργησαν πολλά όμορφα πράγματα, γεννημένα από θυμό και έμπνευση. Υπάρχουν ξεχωριστές κορυφές σε αυτή τη σειρά έργων, που διακρίνονται από μια ιδιαίτερη πλαστική δεξιοτεχνία. Αλλά το συνολικό επίπεδο των στρατιωτικών γραφικών είναι υψηλό. Οι καλλιτέχνες δημιούργησαν τα σχέδιά τους τόσο στις τάξεις του Κόκκινου Στρατού όσο και στο πολιορκημένο Λένινγκραντ, σε πόλεις από τις οποίες πέρασε ένα βαρύ κύμα υποχώρησης, στο πίσω μέρος, όπου όλα ήταν υποταγμένα στα καθήκοντα του μετώπου και στο εξωτερικό της χώρας μας στην τελευταία περίοδο της μάχης κατά του φασισμού. Τα γραφικά μας έδειξαν διαφορετικές πλευρές του πολέμου, διαφορετικές πτυχές της ζωής σε αυτήν την κρίσιμη περίοδο στην ιστορία της πατρίδας μας - από τη φευγαλέα στοχαστικότητα μιας κουρασμένης νοσοκόμας μέχρι το πανόραμα μιας τεράστιας μάχης. Παράλληλα, σαφώς επηρέασε και η διαφορά ταλέντων, η αποθήκη της παραστατικής σκέψης των καλλιτεχνών. Στα έργα του ενός, ο πόλεμος εμφανίζεται ως μακρύι στρατιωτικοί δρόμοι, συχνά δυσάρεστοι, και μερικές φορές τόσο ευχάριστοι στο μάτι με την απροσδόκητη ομορφιά του σωζόμενου δάσους. Στα σεντόνια μιας άλλης περνάει μια σειρά από απλές σκηνές στρατιωτικής ζωής, σκιαγραφημένες βιαστικά, αλλά με ακρίβεια. Στα σχέδια του τρίτου, είναι σε μια ιδιαίτερη έκφραση των ματιών ενός πολεμιστή ή παρτιζάνου που έχει συναντήσει το θάνατο περισσότερες από μία φορές. Το θάρρος και ο πατριωτισμός του σοβιετικού λαού, που εκδηλώθηκαν τόσο ξεκάθαρα κατά τα χρόνια του πολέμου, τραγουδήθηκαν από τους καλλιτέχνες σε αυτά τα έργα διαφορετικής φύσης. Τα γραφικά είναι γεμάτα από αυτή την ιδιαίτερη αίσθηση της ομορφιάς της σοβιετικής μας ζωής, που οξύνθηκε από τον πόλεμο, που σημάδεψε τα καλύτερα πράγματα σε όλες τις μορφές τέχνης.

Χαρακτηριστικό γνώρισμα των γραφικών ήταν η εμφάνιση μεγάλου αριθμού σκίτσων. Οι καλλιτέχνες μερικές φορές τα εκτελούσαν στην πιο δύσκολη κατάσταση μάχης, προσπαθώντας να πουν στους ανθρώπους για τον πόλεμο με μεγαλύτερη ακρίβεια και πληρέστερα, για να συλλέξουν υλικό για μελλοντικές συνθέσεις. Στον πρόλογο του άλμπουμ σχεδίων «Frontline diary» του γραφίστα της Μόσχας P. Ya. Kirpichev, ο ήρωας της Σοβιετικής Ένωσης S. Borzenko γράφει: «Περνούν ο ένας μετά τον άλλο οι πίνακες ζωγραφισμένοι στα φρέσκα ίχνη του πολέμου. όπως τα είδε ο καλλιτέχνης την ώρα των γεγονότων... Κανένας κίνδυνος και δυσκολία δεν τον σταμάτησε.Πήρε το δρόμο του προς τα επιλεγμένα αντικείμενα ανάμεσα στα ναρκοπέδια και δούλευε εκεί από το πρωί μέχρι το βράδυ, φοβούμενος να χάσει τη στιγμή, φοβούμενος ότι οι φωτιές θα έβγαιναν έξω και οι τροπαίες ομάδες θα έπαιρναν τα κατεστραμμένα όπλα και τα τανκς». Αυτή η περιγραφή της δουλειάς του καλλιτέχνη στο μέτωπο είναι πολύ χαρακτηριστική, γιατί ακριβώς όπως ο Kirpichev, πολλοί γραφίστες καβαλέτα εργάστηκαν κατά τη διάρκεια του πολέμου. Τα σκίτσα αποτελούν το πολύτιμο ταμείο της τέχνης μας, μακριά από το να εκδοθούν στο σύνολό τους. Οι συγγραφείς τους είναι οι N. A. Avvakums, O. G. Vereisky, M. G. Deregus, U. M. Dzhaparidze, N. N. Zhukov, P. Ya. E. K. Okas, U. Tansykbaev, S. S. Uranova και άλλοι δημιούργησαν ένα ολόκληρο χρονικό της δύσκολης στρατιωτικής καθημερινότητας, ένα ποίημα για έναν άνθρωπο. πόλεμο, υπερασπίζοντας την πατρίδα του από τον φασισμό.

Παρά την ευχέρεια που διακρίνει τα σκίτσα, υποδεικνύουν ήδη τα χαρακτηριστικά του ταλέντου κάθε καλλιτέχνη - και όχι μόνο ο αρχηγός του στο σχέδιο, αλλά και μια συγκεκριμένη σειρά φαινομένων που τον αγγίζουν περισσότερο από όλα.

Έτσι, ο A. V. Kokorin (γεννημένος το 1908), για παράδειγμα, δεν θα περάσει ποτέ από μια γραφική σκηνή που είδε ξαφνικά, θα σκιαγραφήσει στο γραφικό του ημερολόγιο και τις δύο σέλες κρεμασμένες σε ένα όπλο και ένα σπασμένο φορτηγό με προεξοχές από κάτω σε τρία πλευρίζει τις μπότες των στρατιωτών που το επισκευάζουν, και ένας μαχητής νηοπομπής που ράβει ήρεμα κάτι σε μια ραπτομηχανή ακριβώς στο χωράφι, και μια φιγούρα ιερέα με ένα μεγάλο σακίδιο που μιλάει σε έναν Σοβιετικό στρατιώτη. Το γενικό χαρακτηριστικό της εμφάνισης των ανθρώπων αποτυπώνεται με ακρίβεια από τον Kokorin και πίσω από τις απλές σκηνές του νιώθεις πάντα ένα ελαφρύ χαμόγελο, στοργή για τους ήρωές σου. Σε αυτά τα σκίτσα συσσωρεύτηκε η εμπειρία του Kokorin ως κύριος του αρχιτεκτονικού τοπίου, ικανή να σκιαγραφήσει την εμφάνιση της πόλης, τα κύρια περιγράμματα της αρχιτεκτονικής της και τη ζωή του δρόμου - ιδιότητες που αναπτύχθηκαν στη μετα- πολεμικά ινδικά σχέδια.

Η ζεστασιά και ο λυρισμός διακρίνουν τα σκίτσα και τα σχέδια του D. K. Mochalsky. Ακόμη και στην πιο ακατάλληλη κατάσταση για αυτό, στη φασαρία των δρόμων πρώτης γραμμής που οδηγούν απευθείας στο Βερολίνο στο τελευταίο στάδιο του πολέμου ή ήδη στο Βερολίνο - την ακρόπολη του φασισμού που μόλις κατέλαβαν τα στρατεύματά μας - η ζεστασιά του η ζωή, η χαρούμενη ακτίνα της, σε μια απαλή εμφάνιση σίγουρα θα αναβοσβήνει στα σεντόνια των ελεγκτών κυκλοφορίας των κοριτσιών Mochalsky, με το βλέμμα ενός μαχητή, καρφωμένο σε μια γυναίκα με καροτσάκι μωρού.

Ο N. N. Zhukov (γεν. 1908) εμφανίζεται σε στρατιωτικά σκίτσα ως φυσιογνωμιστής καλλιτέχνης που μπορεί να δει πολλά σε έναν άνθρωπο. Το συνεχές ενδιαφέρον για τον εσωτερικό κόσμο ενός ανθρώπου δίνει νόημα ακόμα και στα πιο φαινομενικά πρόχειρα σχέδιά του. Τοπία, σκίτσα στρατιωτών, σκηνές είδους εναλλάσσονται στα σεντόνια του. Ο τρόπος του σχεδίου με μολύβι του Ζούκοφ, χωρίς καμία απόχρωση εξωτερικής επιδεικτικότητας, αντανακλά, σαν να λέγαμε, την ενασχόληση αυτού του καλλιτέχνη με τη φύση, τη στοχαστικότητα της προσέγγισής του σε αυτήν. Τα έργα του Ζούκοφ απέκτησαν φήμη ακόμη και πριν από τον πόλεμο, όταν ολοκλήρωσε μια σειρά από εικονογραφήσεις για τη βιογραφία του Κ. Μαρξ. Στη συνέχεια, ο Zhukov δεν άφησε το έργο του σε αυτό το υπεύθυνο θέμα. Πολλή δουλειά επενδύθηκε από αυτόν στη δημιουργία μιας σειράς σχεδίων "V.I. Lenin". Τα πιο επιτυχημένα φύλλα της λύνονται με τη μορφή ενός ελαφρού σκίτσου, καθορίζοντας μια μικρή στιγμή στην αλυσίδα των άλλων, με τη μορφή ενός είδους μελέτης πορτρέτου. Αλλά ήταν κατά τη δημιουργία στρατιωτικών σκίτσων που ενισχύθηκε η παρατηρητικότητα του καλλιτέχνη και η ικανότητά του σε ένα γρήγορο σκίτσο, τα οποία του ήταν χρήσιμα αργότερα - τόσο σε μια εκτενή σειρά σχεδίων αφιερωμένων στα παιδιά, δημοφιλή στους θεατές, όσο και σε πορτρέτα. Κυρίως, η εμπειρία της δουλειάς στον πόλεμο αποτυπώθηκε στις εικονογραφήσεις για το «The Tale of a Real Man» του B. Polevoy, που δημιούργησε ο Zhukov λίγο μετά τον πόλεμο.

Πρέπει να πούμε ότι η εμπειρία της στρατιωτικής δουλειάς έπαιξε ρόλο στην εικονογραφική δουλειά άλλων καλλιτεχνών. Αυτή η εμπειρία βοήθησε τον O. G. Vereisky να δημιουργήσει σχέδια για το "Vasily Terkin" του A. Tvardovsky, έφερε για πολύ καιρό τον A. V. Kokorin, αργότερα τον εικονογράφο των "Sevastopol Tales" L. N. Tolstoy, στο στρατιωτικό θέμα. Λογική ήταν και η πορεία του A. P. Livanov από τη σειρά «Partisans», που δημιούργησε ο ίδιος λίγο μετά τον πόλεμο, στην εικονογράφηση του «Chapaev» του D. A. Furmanov.

Ένα άλλο χαρακτηριστικό γνώρισμα των γραφικών των χρόνων του πολέμου ήταν η έκκληση των καλλιτεχνών στη μορφή μιας σειράς, δηλαδή μιας σειράς φύλλων, που ενώνονται με μια ενιαία έννοια και τρόπο εκτέλεσης. Μπορούσαμε να δούμε ότι οι σειρές δημιουργήθηκαν από καλλιτέχνες στο παρελθόν, αλλά στα χρόνια του πολέμου έγιναν το κορυφαίο φαινόμενο στα γραφικά. Μια σειρά είναι καλή μόνο όταν ο θεατής μαθαίνει κάτι νέο με κάθε σελίδα της, όταν ο καλλιτέχνης κατευθύνει τις εντυπώσεις του, εναλλάσσοντας τα φύλλα με έναν συγκεκριμένο τρόπο, δίνοντας δηλαδή στη σειρά μια καθαρή σύνθεση. Πάντα συναντάμε την έννοια της «σύνθεσης» όταν αναλύουμε ένα ξεχωριστό έργο τέχνης. Στην πραγματικότητα όμως υπάρχει και σύνθεση ολόκληρης γραφικής σειράς ως εσωτερική κανονικότητα της εναλλαγής των φύλλων της, μεταξύ των οποίων υπάρχουν διάφορες συνδέσεις. Χτίζοντας ξεκάθαρα τη σύνθεση της σειράς, ο καλλιτέχνης βρίσκει σε αυτήν ένα νέο μέσο μεγάλης εκφραστικότητας. Ο συγγραφέας της σειράς ουσιαστικά ερμηνεύει ένα πολυσυλλαβικό, πολύπλευρο έργο, κάθε σελίδα του οποίου πρέπει να ακούγεται ολοκληρωμένη και δυνατή και ταυτόχρονα να αποτελεί αναπόσπαστο μέρος του συνόλου που δημιουργείται σαν από μια μόνο ανάσα. Φυσικά, αυτό το έργο δεν είναι εύκολο. Και συχνά το άθροισμα των φύλλων, που ο καλλιτέχνης ονομάζει σειρά, στην ουσία δεν είναι σειρά.

Η σύνθεση της σειράς είναι διαφορετική. Έτσι, μια σειρά μπορεί να χτιστεί σε μια αντίθεση αντιπαραθέσεων φύλλων ή, αντίθετα, στον ομοιόμορφο, ομοιόμορφο ήχο τους. Σε άλλη περίπτωση, ο συγγραφέας μπορεί να ξεκινήσει τη σίριαλ ιστορία του, αυξάνοντας σταδιακά τη συναισθηματική του ένταση, δημιουργώντας ένα είδος κορύφωσης δράσης και συναισθημάτων σε ένα ή περισσότερα φύλλα και κλείνοντάς το με ένα τέλος.

Έτσι οργανώθηκε, για παράδειγμα, ένας μεγάλος κύκλος λιθογραφιών του A.F. Pakhomov «Το Λένινγκραντ στις μέρες του αποκλεισμού και της απελευθέρωσης», που δημοσιεύτηκε με το κείμενο του ποιητή N.S. Tikhonov το 1946. Αυτός ο κύκλος ήταν η πρώτη μεγάλη παράσταση στα γραφικά του καβαλέτου από τον A. F. Pakhomov (γεννημένος το 1900), μάστερ των παιδικών βιβλίων, γνωστός για τις εικονογραφήσεις του για τα έργα των N. A. Nekrasov και I. S. Turgenev. Οι λιθογραφίες του Παχόμοφ είναι μαρτυρίες αυτοπτών μαρτύρων και μας αγγίζουν με την αλήθεια αυτού που βλέπουμε, με το φως της μεγάλης ανθρώπινης αλληλεγγύης και θάρρους.

Η σειρά ανοίγει με το φύλλο «Βλέποντας τη Λαϊκή Πολιτοφυλακή», Μας μεταφέρει αμέσως σε μια ατμόσφαιρα αγωνίας, σύγχυσης μιας διαταραγμένης ευτυχισμένης ζωής. Περαιτέρω, τα γεγονότα εξελίσσονται γρήγορα, η ζωή της πόλης αλλάζει, οι βομβαρδισμοί και οι βομβαρδισμοί γίνονται αναπόσπαστο μέρος της. Οι κάτοικοι του Λένινγκραντ κατασκευάζουν αποθήκες στους δρόμους, σε υπηρεσία κατά τη διάρκεια του συναγερμού στις στέγες, σώζοντας τραυματίες από κατεστραμμένα σπίτια. Όλα αυτά φαίνονται σε λιθογραφίες, αντικαθιστώντας γρήγορα η μία την άλλη, λεπτομερή, σαν ιστορία, αλλά γεμάτη εσωτερική ένταση. Σε αυτά, ο χρόνος συμπιέζεται και κορεσμένος, οι άνθρωποι ενεργούν χωρίς να χάνουν λεπτό, πολεμούν γενναία τον εχθρό.

Η επόμενη σελίδα του άλμπουμ - "On the Neva for Water" (ill. 14) μας βγάζει από τον γρήγορο ρυθμό αυτών των επεισοδίων. Εδώ ο χρόνος σέρνεται αργά - αυτό είναι το βαρύ βήμα των κρύων και πεινασμένων ημερών του αποκλεισμού του Λένινγκραντ. Ένα κορίτσι με έναν αφόρητα βαρύ κουβά ανεβαίνει αργά τις σκάλες. Αυτή η ηρωίδα Pakhomov είναι μια από τις πιο δυνατές εικόνες όχι μόνο της σειράς, αλλά και ολόκληρου του στρατιωτικού γραφικού. Το βλέμμα του θεατή σταματά πρώτα από όλα στο πρόσωπο του κοριτσιού - έτσι χτίζεται η σύνθεση της λιθογραφίας, έτσι υπαγορεύει η εξαιρετική εκφραστικότητα αυτού του προσώπου. Ο καλλιτέχνης ανέπτυξε τις εκφράσεις του προσώπου του με λεπτομέρεια - τα σκούρα μάτια που εκφράζουν βαθιά κούραση φαίνονται ιδιαίτερα μεγάλα σε ένα πιο αδύνατο πρόσωπο, τα συνοφρυωμένα φρύδια ενώνονται με μια απότομη κίνηση, τα αναίμακτα χείλη ενός μισάνοιχτου στόματος είναι τόσο χλωμά που σχεδόν δεν ξεχωρίζουν στο πρόσωπο και ο καλλιτέχνης σκιαγραφεί ελαφρώς το περίγραμμα με τη γραμμή τους. Φαίνεται ότι η εικόνα αυτού του κοριτσιού θα είναι η ενσάρκωση της κούρασης και της ταλαιπωρίας. Αλλά το πιο αξιοσημείωτο σε αυτόν είναι ο συνδυασμός αυτών των χαρακτηριστικών της σωματικής κόπωσης και εξάντλησης με την πνευματική σκληρότητα.

Η σταθερότητα, η ανυπακοή της ηρωίδας του Pakhomov είναι η πιο περίπλοκη συγχώνευση πολλών πτυχών της πνευματικής της ζωής, των εσωτερικών της ιδιοτήτων και ταυτόχρονα αυτή είναι η κύρια ιδιότητά της που υπερισχύει όλων των άλλων. Εδώ, μαζί με τη συνηθισμένη απλότητα και την έξυπνη καθαρότητα της εικόνας του Pakhomov, γεννιέται η ευελιξία και το βάθος της. Ο Pakhomov είναι πάντα ιδιαίτερα κοντά στις εικόνες των παιδιών. Και σε αυτή τη λιθογραφία, κατάφερε να πει πολλά, δείχνοντας πώς ένα κορίτσι ρίχνει νερό από ένα βραστήρα. για εκείνη, αυτό είναι ένα θέμα στο οποίο είναι πλήρως απορροφημένη - και αναγκαιότητα και ταυτόχρονα παιχνίδι. Σε αυτόν τον συνδυασμό υπάρχει πόνος που πονάει, σε αυτόν υπάρχει μια γνήσια ζωή αποκλεισμού με τις νότες της οξείας τραγωδίας στη μέση της καθημερινότητας. Η χιονισμένη έκταση του ποταμού, ο παγωμένος διαφανής αέρας του χειμώνα αποδίδονται καλά στις λιθογραφίες. Αυτό το φύλλο, καθώς και το επόμενο σχέδιο "Στο νοσοκομείο" - το πιο ισχυρό, γεμάτο συναίσθημα. Αποτελούν, λες, την κορύφωση της σειράς. Επιπλέον, η ιστορία του καλλιτέχνη διεξάγεται πιο ήρεμα και, σύμφωνα με τον ρυθμό των γεγονότων, τα φύλλα του γίνονται πιο φωτεινά και πιο χαρούμενα: "Krovelolitsy", "Πρωτοχρονιά" και άλλα. Η σειρά τελειώνει λογικά με μια εικόνα πυροτεχνημάτων στις 27 Ιανουαρίου 1944 προς τιμήν της διάρρηξης του αποκλεισμού της πόλης από τον Σοβιετικό Στρατό, ένα πυροτέχνημα που ενθουσιάζει τόσο βαθιά και χαρούμενα τους ανθρώπους, προκαλώντας μια ολόκληρη σειρά από αναμνήσεις και ελπίδες. Κάτω από τα πυροτεχνήματα, οι άνθρωποι χαίρονται με διαφορετικούς τρόπους: τόσο θορυβωδώς, παραδίνονται στο λαμπρό θρίαμβο αυτής της στιγμής μέχρι το τέλος, όσο και στοχαστικά, ελαφρώς απομακρυνόμενοι στις αναμνήσεις και βαθιά, με όλη τους την καρδιά, νιώθοντας την ασφάλεια των παιδιών τους. Ο ενθουσιασμός και η χαρά τους ενώνουν και η στενή σύνθεση του σεντονιού, σαν να λέγαμε, κάνει αυτή τη στιβαρότητα ορατή και με τα μάτια του καθενός.

Το Στρατιωτικό Λένινγκραντ είναι αφιερωμένο σε πολλά έργα άλλων καλλιτεχνών. Ας ονομάσουμε από αυτά μια σειρά λινογραμμάτων του S. B. Yudovin (1892 - 1954). Είδαμε πώς στη σειρά του Pakhomov η τεχνική της λιθογραφίας επέτρεπε στον καλλιτέχνη να παρουσιάσει κάθε εικόνα που είχε συλλάβει λεπτομερώς, εμβαθύνοντας στις λεπτομέρειες, συνδυάζοντας τη γραμμική τους λεπτότητα με τη γραφικότητα των λιωμένων εκτάσεων του χειμερινού τοπίου. Η σειρά του Yudovin είναι φτιαγμένη σε λινοκοπή. Ο Yudovin χαρακτηρίζεται από επιδείνωση των συναισθημάτων, οι τραγικές νότες ακούγονται αυθεντικά στα σεντόνια του. Και όλη η εικονιστική δομή των φύλλων του και ο τρόπος απόδοσης υπόκεινται σε αυτήν την αίσθηση της τραγικότητας αυτού που συμβαίνει. Το βαρύ μαύρο χρώμα και η ψυχρή λάμψη του χιονιού βασιλεύουν στα χαρακτικά του. Στην παγωμένη σιωπή της πόλης, οι άνθρωποι τρέχουν με δυσκολία, λυγίζοντας κάτω από το βάρος του βάρους, κάτω από το βάρος των προβλημάτων του αποκλεισμού. Οι φιγούρες τους, που συνήθως φαίνονται σαν από ψηλά, ξεχωρίζουν έντονα στους χιονισμένους δρόμους. Ένα γωνιακό σχέδιο, ένα ανελέητο φως, που αρπάζει τις σιέννες από το σκοτάδι. ζωή, που έγινε το πλαίσιο της τραγωδίας - αυτά είναι τα χαρακτικά του Yudovin. Είναι μάταιο να κατηγορούμε τον καλλιτέχνη για τη σκληρή ειλικρίνειά του, για την έλλειψη αισιοδοξίας. Η φύση του ταλέντου του Γιούντοβιν του επέτρεψε να εκφράσει με ιδιαίτερη ευαισθησία τις τραγικές πτυχές του αγώνα των κατοίκων του Λένινγκραντ με τον εχθρό.

Αλλά τα γραφικά στο σύνολό τους χαρακτηρίζονταν από μια πιο φωτεινή άποψη του κόσμου, ακόμη και όταν απεικόνιζαν τις δοκιμασίες που συνέβησαν στον σοβιετικό λαό. Θα μπορούσαμε να το δούμε αυτό ήδη στη σειρά του Pakhomov και θα βρούμε νέα επιβεβαίωση αυτού γνωρίζοντας μια σειρά από σχέδια του D. A. Shmarinov "Δεν θα ξεχάσουμε, δεν θα συγχωρήσουμε!" Ο Σμαρίνοφ (γεν. 1907) είναι ένας από εκείνους τους καλλιτέχνες των οποίων οι προσπάθειες έκαναν τη σοβιετική εικονογράφηση βιβλίων μεγάλη επιτυχία τη δεκαετία του 1930. Έλαβε καλή επαγγελματική κατάρτιση στα στούντιο τέχνης του Prakhov στο Κίεβο και του Kardovsky στη Μόσχα. Το ταλέντο του ψυχολόγου και η μεγάλη εσωτερική κουλτούρα διακρίνουν τα βιβλία του. Στα χρόνια του πολέμου, ο Shmarinov δημιούργησε αφίσες και σχέδια με καβαλέτο. Σειρά "Δεν θα ξεχάσουμε, δεν θα συγχωρήσουμε!" εκτελέστηκε από τον ίδιο το 1942 σε σύντομο χρονικό διάστημα, αλλά η ιδέα του διαμορφώθηκε σε όλο τον πρώτο χρόνο του πολέμου.

Η ιστορία του καλλιτέχνη ξεκινά όχι σταδιακά, από την αρχή - μας συγκλονίζει αμέσως με την υψηλή τραγωδία του σχεδίου "Εκτέλεση". Οι εικόνες από τις δοκιμασίες και τις δοκιμασίες του πολέμου διαδέχονται η μία την άλλη, αλλά το φωτεινό θέμα του θάρρους του σοβιετικού λαού, που προέκυψε από την πρώτη σελίδα της σειράς, κερδίζει ακόμη και στις πιο πικρές σελίδες της. Ένα από τα καλύτερα σχέδια αυτού του κύκλου είναι το φύλλο "Επιστροφή" (εικ. 15). Χιλιάδες σοβιετικοί συλλογικοί αγρότες στη ζωή ήταν εξοικειωμένοι με τη θέση στην οποία βρίσκεται η γυναίκα που απεικονίζει ο καλλιτέχνης. Ο Σμαρίνοφ τη ζωγράφισε τη στιγμή που το θέαμα ενός κατεστραμμένου, κατεστραμμένου σπιτιού άνοιξε για πρώτη φορά στα μάτια της, αναγκάζοντάς την να σταματήσει σε κάποιο είδος θλίψης θλιβερού και αγανακτισμένου προβληματισμού. Η βαθιά της ταραχή δεν εκδηλώνεται σχεδόν εξωτερικά με τίποτα. Αυτός είναι ο περιορισμός ενός δυνατού ανθρώπου που δεν επιτρέπει στον εαυτό του μια έκρηξη συναισθημάτων, στιγμές απόγνωσης. Και πόσα λέει το τοπίο στον θεατή εδώ! Η διαφανής καθαρότητα του αέρα, η φωτεινότητα των αντανακλάσεων του ήλιου και οι σκιές που γλιστρούν πάνω από την ξεπαγωμένη γη - αυτή η όμορφη εικόνα της πρώιμης άνοιξης φέρνει χαρά στο σύνθετο υποκείμενο της σκηνής. Το φύλλο αρχίζει να ακούγεται σαν μια λυρική ιστορία, και αυτό είναι πολύ χαρακτηριστικό για το ταλέντο του Shmarinov. Τα σχέδια του Shmarinov, που εκτελούνται με κάρβουνο και μαύρη ακουαρέλα, περνούν από πολλά στάδια στη διαδικασία της δουλειάς. Ευχαρίστως όμως αποφεύγουν την ξηρή εξωτερική πληρότητα, διατηρώντας την τρεμάμενο ζωντάνια των πινελιών, σαν να τα είχε μόλις στρώσει ο καλλιτέχνης.

Μόνο στα δύο τελευταία φύλλα της σειράς - "Επιστροφή" και "Συνάντηση" - δεν υπάρχει εικόνα των Ναζί, και παρόλο που η χαρά είναι ακόμα πολύ μακριά, η ατμόσφαιρα γίνεται πιο ανάλαφρη, οι ήρωες αναπνέουν ευκολότερα. Η σκληρή ζωή του πρώτου έτους του πολέμου, τα γεγονότα του οποίου συνόψισε ο καλλιτέχνης, του πρότεινε τη σύνθεση της σειράς - την αδυσώπητη τραγική ένταση των περισσότερων από τις σελίδες της και τις ελαφριές νότες των τελευταίων σχεδίων.

Στα χρόνια του πολέμου, ο V. A. Favorsky (γεν. 1886), ένας από τους παλαιότερους Σοβιετικούς καλλιτέχνες, μεγάλος δεξιοτέχνης της ξυλογλυτικής, στράφηκε επίσης στα γραφικά του καβαλέτου. Σε όλη τη διάρκεια της καριέρας του, η εικονογράφηση βιβλίων τράβηξε την προσοχή του στο μέγιστο βαθμό. Και τώρα οι σοβιετικοί και ξένοι θεατές θαυμάζουν, πρώτα απ' όλα, τον αρμονικό επικό κόσμο των χαρακτικών του για το "The Tale of Igor's Campaign", την τραγωδία και το βάθος της εικονογράφησης για τον "Boris Godunov", το πολυσύλλαβο, γεμάτο φιλοσοφικές γενικεύσεις και μερικές φορές σκληρές , μερικές φορές σαγηνευτικές αποχρώσεις της ζωής, μια σειρά από χαρακτικά για τις «Μικρές τραγωδίες» του Πούσκιν. Αλλά ήδη στα τέλη της δεκαετίας του 1920, ο Favorsky δημιούργησε επίσης ένα όμορφο πορτρέτο του F. M. Dostoevsky - ένα εντελώς ανεξάρτητο, αν και, φυσικά, στενά συνδεδεμένο με τα βιβλία του συγγραφέα. Το φως και η σκιά αντιτίθενται σε αυτό το ανησυχητικό φύλλο. τρεμάμενα, διαμορφώθηκε έντονα η εικόνα ενός ανθρώπου που κυριεύτηκε από έναν ανεμοστρόβιλο οδυνηρών σκέψεων. Ερχόμαστε εδώ σε επαφή με μια πνευματική ζωή εξαιρετικής έντασης, μαντεύουμε τον εσωτερικό κόσμο, γεμάτο αντιφάσεις και αγώνες. Στην ελεύθερη ποικιλία των πινελιών, στη σοφή χρήση του χρώματος, γίνεται αισθητή η μεγάλη δεξιοτεχνία.

Στη δεκαετία του 1940, ο Favorsky δημιούργησε φύλλα "Minin and Pozharsky", "Kutuzov". Ο καλλιτέχνης δεν ήταν μόνος στη δημιουργική του έκκληση στις ένδοξες σελίδες της ιστορίας της Πατρίδας μας. Τράβηξαν φυσικά την ιδιαίτερη προσοχή των ζωγράφων και των γραφιστών στα χρόνια του πολέμου. Στη σειρά Σαμαρκάνδης ρυθμικά λεπτών λινογραμμών που εκτελούνται ταυτόχρονα, η πορεία της καθημερινότητας απεικονίζεται με αβίαστη χάρη και λακωνισμό. Το λευκό φόντο, που παίζει σημαντικό ρόλο σε όλα της τα σεντόνια, τονίζει την κομψότητα των σιλουετών, τη μουσικότητα απλών αλλά στοχαστικών συνθέσεων.

Ο καλλιτέχνης και αργότερα περισσότερες από μία φορές αναφέρεται στα γραφικά του καβαλέτου (φύλλο «Flying Birds», 1959· βλ. προμετωπίδα κ.λπ.), αλλά η εικονογράφηση του βιβλίου τον απασχολεί σε αμέτρητα μεγαλύτερο βαθμό.

Εξέχουσα θέση στα γραφικά της εποχής του πολέμου έχουν τα έργα του Λ. Β. Σοϋφέρτη (γεν. 1911). Ο Σοϋφέρτης εργαζόταν στο παρελθόν στον χώρο των γραφικών σατιρικών περιοδικών και τώρα εμφανίζεται συχνά στις σελίδες του περιοδικού Krokodil. Στα χρόνια του πολέμου συμμετείχε στις μάχες στη Σεβαστούπολη, στο Νοβοροσίσκ, στην Οδησσό. Ο Σοϋφέρτης είχε την ευκαιρία να δει πολλά δύσκολα πράγματα στον πόλεμο, περισσότερες από μία φορές ο θάνατος ήταν δίπλα του, αλλά το φωτεινό και ανάλαφρο ταλέντο του βγήκε από αυτή όχι έξαλλες σκηνές μάχης, όχι τραγωδία και θάνατο, αλλά το χαμόγελο της ζωής, που παραμένει ακόμη και υπό βομβαρδισμό. Μια ιδιόμορφη ευκρίνεια, διασκεδαστικότητα διακρίνει τις θέσεις που απεικονίζει. Ένας ναύτης σπεύδει στην πρώτη γραμμή της πολιορκημένης Σεβαστούπολης και τα αγόρια -για ταχύτητα μαζί- γυαλίζουν επιμελώς τα παπούτσια του. "Once" είναι το όνομα αυτού του φύλλου. Γίνεται μια αεροπορική μάχη πάνω από την πόλη στον ηλιόλουστο ουρανό, οι γυναίκες την παρακολουθούν, και η ηλικιωμένη γυναίκα ράβει ήρεμα κάτι, καθισμένη ακριβώς εκεί σε μια καρέκλα στην πύλη. Οι ναύτες στο παράθυρο της εφημερίδας διαβάζουν τα τελευταία νέα, στέκονται σε μια στενή ομάδα, με ξιφολόγχες τουφέκια (ill. 16), ένας ναύτης και ένας φωτογράφος βρίσκονται στο χωνί από τη βόμβα - χρειάζεται μια φωτογραφία για το έγγραφο του πάρτι . Όλα αυτά, προφανώς, μπορούν να ονομαστούν καθημερινά επεισόδια, αλλά αυτή είναι μια ζωή που έχει καθιερωθεί σε απόσταση αναπνοής από την πρώτη γραμμή και οι πιο ανεπιτήδευτες, ακόμη και αστείες εκ πρώτης όψεως, οι σκηνές εδώ φουντώνουν με μια ανάσα μεγάλου θάρρους και ηρωϊσμός. Η γνήσια χάρη διακρίνει τα σχέδια του Σοϋφέρτη. Και αν στη «Σειρά Samarkand» του Favorsky οι κυνηγημένες γραμμές και οι σιλουέτες των λινοτομών ήταν χαριτωμένες, οι χαριτωμένοι και όμορφοι ανάλαφροι, εύθραυστοι, σαν απρόσεκτες γραμμές του περιγράμματος του Σοϋφέρτη και ένα ζωηρό, αναπνέον, ελαφρώς χρωματισμένο διάφανο γέμισμα ακουαρέλας.

Ο Σοϋφέρτης παραμένει ένας καλλιτέχνης με φευγαλέα χαμόγελο και μεγάλη συμπάθεια για τους ανθρώπους στα σχέδιά του της δεκαετίας του 1950. Η σειρά του "Metro" - μια σειρά από σκηνές του είδους, που παρατηρούνται στη φασαρία των υπόγειων παλατιών της Μόσχας, και σχέδια και χαρακτικά αφιερωμένα στα παιδιά, εξακολουθούν να προβάλλονται εκπληκτικά προσεκτικά, εξακολουθούν να φωτίζονται από ένα απαιτητικό ενδιαφέρον για ένα άτομο. Άλλοτε συγκινητικά και αστεία, άλλοτε κοροϊδευτικά και έστω ελαφρώς γκροτέσκα, αποκτώντας οξύτητα στις συγκρίσεις, αυτά τα σεντόνια μας αποκαλύπτουν πάντα κάποια νέα χαρακτηριστικά της ζωής, κάτι νέο στη συνηθισμένη ροή της καθημερινότητας.

Το μεγάλο υλικό που συσσωρεύτηκε στα χρόνια του πολέμου δεν χωρούσε εύκολα στα αρχεία των καλλιτεχνών. Πολλοί από αυτούς συνέχισαν να εργάζονται σε στρατιωτικά θέματα μετά το τέλος του πολέμου. Ιδιαίτερα πολλά σχέδια και χαρακτικά για τον πόλεμο παρουσιάστηκαν σε εκθέσεις των πρώτων ειρηνικών χρόνων. Ταυτόχρονα, η εργασία των γραφημάτων ακολούθησε φυσικά το μονοπάτι της γενίκευσης των γνώσεων και των οπτικών τους εντυπώσεων, κατά μήκος της διαδρομής από ένα σκίτσο και ένα σκίτσο σε ένα φύλλο καβαλέτο και μια ολόκληρη γραφική σειρά. Έτσι, αρκετές σειρές λιθογραφιών βασισμένες στα υλικά των στρατιωτικών του σκίτσων εκτελέστηκαν το 1946 - 1950 από τον καλλιτέχνη V.V. Bogatkin (γεν. 1922). Στα χρόνια του πολέμου, ο Bogatkin μόλις ξεκινούσε τη δημιουργική του δουλειά. Ζωγράφιζε πολύ. ένα από τα σχέδιά του, που απεικονίζει έναν νεαρό στρατιώτη στις όχθες του ποταμού Tisza (1945), κέρδισε μεγάλη φήμη. Αλλά ο κύριος τομέας της δουλειάς του ήταν το τοπίο. Η σιωπή των έρημων δρόμων του πολιορκημένου Λένινγκραντ, της σκοτεινής Μόσχας, του Βερολίνου στις μέρες της κατάρρευσης του φασισμού, των βουνών από χαλασμένο εξοπλισμό στους δρόμους του, των σοβιετικών τανκς στην Πύλη του Βρανδεμβούργου αποτυπώνονται από τον Μπογκάτκιν στις λιθογραφίες του. Με τα χρόνια, η ακρίβεια όσων είδαμε, που περιέχονται σε αυτά τα σεντόνια, που δημιουργήθηκαν στην καυτή καταδίωξη του πολέμου, εκτιμάται όλο και περισσότερο από εμάς.

Στα τέλη της δεκαετίας του 1940 και στις αρχές της δεκαετίας του 1950, η εικόνα της ανάπτυξης των γραφικών καβαλέτο ήταν περίπλοκη και από πολλές απόψεις αντιφατική. Οι καλλιτέχνες κατάφεραν να παρατηρήσουν και να μεταφέρουν μερικές πολύ σημαντικές πτυχές της ζωής μας και, κυρίως, να δείξουν σε έναν άνθρωπο που πέρασε τον πόλεμο, τη χαρά της επιστροφής του στη δουλειά, μια παθιασμένη δίψα για δημιουργία. Αυτό ήταν ιδιαίτερα εμφανές σε ορισμένα έργα αφιερωμένα στη συλλογική αγροτική εργασία. η ομορφιά των ειρηνικών χωραφιών της Πατρίδας μας έγινε αισθητή σε αυτά ως μια νεοαποκτηθείσα, κατακτημένη περιουσία. Ταυτόχρονα, στη ροή των σχεδίων που απεικονίζουν τους Σοβιετικούς ανθρώπους και το έργο τους, αντικατοπτρίζονται ξεκάθαρα τα χαρακτηριστικά της παραστατικότητας, η φτώχεια των σκέψεων και των συναισθημάτων. Το πεζογραφικό ντοκιμαντέρ εμπόδισε πολλούς καλλιτέχνες σε αυτά τα έργα να ανέβουν στο επίπεδο μιας ποιητικής γενίκευσης της ζωής μας. Εμφανίστηκαν πολλά σχέδια και χαρακτικά σε ιστορικά και επαναστατικά θέματα, οι καλλιτέχνες έδωσαν τη δύναμη και το ταλέντο τους στη δημιουργία τους, αλλά η επιρροή της λατρείας της προσωπικότητας ήταν ιδιαίτερα σκληρή πάνω τους. Εμπόδισε τους καλλιτέχνες να δημιουργήσουν έργα μεγάλου ιδεολογικού πλούτου, οδήγησε σε ορισμένα έργα σε εσφαλμένη κάλυψη του ρόλου του λαού ως δημιουργού της ιστορίας.

Τα γραφικά αυτών των χρόνων αναπτύχθηκαν μονόπλευρα σε τεχνικούς όρους. Πολλές γραφικές τεχνικές χρησιμοποιήθηκαν ελάχιστα, επικρατούσε το σχέδιο με μελάνι, το κάρβουνο και η μαύρη ακουαρέλα. Μόνο στη σφαίρα του τοπίου ήταν αρκετά διαδεδομένα η πραγματική ακουαρέλα και ορισμένα είδη χαρακτικής. Όμως η ποικιλία των τεχνικών συχνά συνυπήρχε στο τοπίο με την εσωτερική παθητικότητα των πραγμάτων.

Από την άλλη, έργα μεγάλης καλλιτεχνικής αξίας δημιουργήθηκαν και αυτά τα χρόνια. Έτσι, κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, διαμορφώθηκε το πρωτότυπο και ισχυρό ταλέντο του B. I. Prorokov, πλέον ενός από τους κορυφαίους δεξιοτέχνες των σοβιετικών γραφικών. Το έργο του Προρόκοφ συνδέεται ζωτικά με τα χρόνια του πολέμου, με όσα είδε και βίωσε ο καλλιτέχνης εκείνη την εποχή. Αλλά ο Προρόκοφ όχι μόνο επέστρεψε όλα αυτά τα χρόνια με την ανάμνηση της καρδιάς του στον πόλεμο, αλλά κατάφερε να πει με την τέχνη του τα πιο απαραίτητα λόγια για τον κόσμο.

Ο B. I. Prorokov γεννήθηκε το 1911 στο Ivanovo-Voznesensk. Η ικανότητά του στο σχέδιο εκδηλώθηκε νωρίς στο γυμνάσιο. Τα σχολικά του σχέδια, που στάλθηκαν στον διαγωνισμό της εφημερίδας Komsomolskaya Pravda, βραβεύτηκαν με το πρώτο βραβείο. Αυτό έδωσε στον συγγραφέα το δικαίωμα να λάβει ένα εισιτήριο για το Ανώτατο Καλλιτεχνικό και Τεχνικό Ινστιτούτο (Vkhutein). Ωστόσο, η μελέτη εκεί έδωσε λίγα στον Prorokov και κράτησε λιγότερο από δύο χρόνια. Μόνο οι συμβουλές του μεγαλύτερου δεξιοτέχνη της πολιτικής γραφικής, D. S. Moor, που δίδασκε λιθογραφία, ήταν πολύτιμες για τον Prorokov. Έχοντας λάβει ειδική εκπαίδευση, ο Prorokov πέρασε από ένα καλό σχολείο - πολιτικό και καλλιτεχνικό - στη δουλειά στην Komsomolskaya Pravda και αργότερα στο περιοδικό Krokodil. Σε αναθέσεις από την εφημερίδα, ταξίδεψε πολύ σε όλη τη χώρα, ως δημοσιογράφος, έμαθε να φτιάχνει μια μεγάλη προμήθεια σκίτσων για μελλοντική χρήση, προκειμένου να ολοκληρώσει γρήγορα οποιαδήποτε εργασία. Τα περισσότερα από τα προπολεμικά έργα του Prorokov είναι καρικατούρες για εγχώρια και διεθνή θέματα. Ξεχωριστές αφίσες, που εκτέλεσε επίσης ο ίδιος, και συγκεκριμένα ένα φύλλο που αποκάλυπτε την κτηνώδη αντιανθρωπιστική φύση του φασισμού, προμήνυαν ήδη τη δημοσιογραφική ένταση, το πάθος και την οξύτητα των μελλοντικών του έργων.

Από τους πρώτους μήνες του πολέμου, ο Προρόκοφ εργάστηκε στην εφημερίδα της φρουράς της χερσονήσου Χάνκο, η οποία αντιστάθηκε ηρωικά στην πολιορκία του εχθρού.

«Μερικές φορές ντρεπόμαστε να μιλάμε για το κατόρθωμα ενός ανθρώπου της τέχνης τόσο δυνατά όσο και για το κατόρθωμα ενός στρατιώτη ή διοικητή, έως ότου ένας συγγραφέας ή καλλιτέχνης τύχει να αντικαταστήσει τον σκοτωμένο διοικητή στη μάχη και να ηγηθεί της υπεράσπισης του ύψους», έγραψε. Hanko, ένας συμμετέχων στην άμυνα, ο οποίος είπε γι 'αυτό στην ιστορία "Ganguttsy" Vl. Rudny - Και δεν μπορώ να φανταστώ έναν ένθερμο αγώνα των ναυτών του Gangut * ( * Η χερσόνησος Gangut Hanko ονομαζόταν κατά την εποχή του Πέτρου Α) το σαράντα πρώτο έτος χωρίς προφητικό γέλιο και σάτιρα, χωρίς τα καθημερινά του εικαστικά φειγιέ, γκραβούρες, πορτρέτα, σκαλισμένα λόγω έλλειψης ψευδαργύρου για κλισέ σε λινέλαιο, σκισμένα από τα πατώματα σε σπίτια που έχουν λυθεί από τον πόλεμο. "Ο καλλιτέχνης άφησε τον Χάνκο με τα τελευταία αποσπάσματα των» ναυτικών. Η Κρονστάνδη και το Λένινγκραντ υπό αποκλεισμό, η Malaya Zemlya κοντά στο Novorossiysk, το Βερολίνο και το Port Arthur - αυτοί είναι οι σταθμοί της στρατιωτικής του πορείας. Και παντού, ακόμα και στις πιο δύσκολες συνθήκες και ακριβώς στην πρώτη γραμμή, ο καλλιτέχνης ζωγράφιζε πολύ.

Η πρώτη μεταπολεμική σειρά του Prorokov, «In Kuomintang China», δημιουργήθηκε από τον ίδιο με βάση όσα είχε δει στην Άπω Ανατολή αμέσως μετά την ήττα των Ιάπωνων μιλιταριστών. Μικρό σε όγκο, σκιαγραφεί μόνο μερικά από τα χαρακτηριστικά της ζωής του κινεζικού λαού, που εξακολουθεί να βιώνει την αποικιακή καταπίεση και να αγωνίζεται για την εθνική του απελευθέρωση. Αλλά το πάθος της στάσης ζωής του συγγραφέα αντικατοπτρίζεται ήδη πλήρως εδώ. Με συμπάθεια, ο καλλιτέχνης σχεδιάζει έναν Κινέζο παρτιζάνο - έναν απλό, σεμνό και θαρραλέο νεαρό, με μίσος και κοροϊδία - κομψούς Αμερικάνους που διοργάνωσαν απάνθρωπες κούρσες ρίκσο. μοιράζεται, μας φαίνεται, τόσο τη φρενίτιδα ενός ξέφρενου ρήτορα σε ένα ράλι, όσο και τη βαριά κούραση ενός ρίκσα που σκύβει κάτω από τον καυτό ήλιο από μια άμαξα. Στα επόμενα έργα του Προρόκοφ θα νιώσουμε, σαν να λέμε, τη φωνή του συγγραφέα του, την πάντα καυτή αγανάκτηση ή την αγάπη του, και ως εκ τούτου τα έργα του θα μας αιχμαλωτίσουν με ιδιαίτερη δύναμη.

Στους επόμενους κύκλους σχεδίων "Εδώ είναι, Αμερική!" και "Για την ειρήνη!" η φωνή του Προρόκοφ του δημοσιογράφου έγινε πιο δυνατή. Η ζωή στα σεντόνια του αποκτά την οργισμένη δύναμη της πολιτικής αποκάλυψης του ιμπεριαλισμού. Στο σχέδιο «Aggressor's Tanks to the Bottom», ο καλλιτέχνης σε μια συναρπαστική αξιολύπητη εικόνα δείχνει τη θέληση των εργαζομένων για ειρήνη, τη δύναμη της αλληλεγγύης τους. Μια ριπή αγανάκτησης απελευθέρωσε τις δυνάμεις, συγκέντρωσε μια μονολιθική ομάδα ανθρώπων που πέταξαν μια δεξαμενή στο νερό. Το φύλλο είναι λακωνικό στη σύνθεση, γεμάτο πάθος αγώνα. αντέχει εύκολα μια μεγάλη αύξηση και πολλές φορές οι υποστηρικτές της ειρήνης εκτός της χώρας μας το έφεραν ως αφίσα σε διαδηλώσεις. Σειρά "Εδώ είναι, Αμερική!" εκτελέστηκε από τον Prorokov ως εικονογράφηση για ένα βιβλίο με φυλλάδια και δοκίμια για την Αμερική. Αλλά ουσιαστικά έχει μετατραπεί σε κύκλο καβαλέτο - το περιεχόμενο των φύλλων του είναι τόσο ανεξάρτητο, κατανοητό και χωρίς κείμενο. Με τον ίδιο τρόπο, οι μεταγενέστερες εικονογραφήσεις του Prorokov για το βιβλίο "Mayakovsky on America" ​​απέκτησαν χαρακτηριστικά καβαλέτο. Η έκκληση στον Μαγιακόφσκι ήταν βαθιά λογική στα έργα του Προρόκοφ. Ο καλλιτέχνης είναι πολύ κοντά στην παθιασμένη πίεση των ποιημάτων του Μαγιακόφσκι και τη χαρακτηριστική εναλλαγή θυμού και σαρκασμού, τολμηρών αλληγορικών εικόνων και την υποχρεωτική πολιτική αξιολόγηση των φαινομένων.

Σε όλα του τα έργα, που ερμήνευσαν μετά τον πόλεμο, ο Προρόκοφ μάχεται για την ειρήνη, εκθέτει τον ιμπεριαλισμό, την απανθρωπιά της αποικιακής πολιτικής του, τα μιλιταριστικά του σχέδια. Όμως η πιο δυνατή ομιλία του καλλιτέχνη για τον κόσμο ήταν η σειρά του «Δεν πρέπει να ξανασυμβεί!», στην οποία, για πρώτη φορά μετά τις μάχες που είχαν σβήσει, άγγιξε στρατιωτικά οράματα που δεν είχαν φύγει από την καρδιά.

Δύο φύλλα αντίθετης διάθεσης τονίζονται στη σειρά του: στη μία - "Χιροσίμα" - ένα καταδικασμένο πρόσωπο, που μας κοιτάζει ακόμα από την κόλαση μιας ατομικής έκρηξης, από την άλλη - μια νεαρή μητέρα, με ένα όπλο στα χέρια της, που προστατεύει ένα παιδί, που υπερασπίζεται μια φωτεινή ζωή στη γη. Ανάμεσα σε αυτά τα δύο φύλλα, όπως σε ένα πλαίσιο, υπάρχει μια σειρά από εικόνες του πολέμου. Σε αυτά, οι άνθρωποι παλεύουν με το θάνατο που φέρνει ο φασισμός. και την ώρα του θανάτου περιφρονούν τον εχθρό, όπως μια νέα γυναίκα περιφρονεί τους δήμιους, στα μάτια των οποίων υπάρχει ένα ματωμένο όραμα του Μπάμπι Γιαρ (αρλ. 17). Καμία λεπτομέρεια που διαλύει μεγάλη ένταση, κάθε φύλλο είναι ένα συναίσθημα που λαμβάνεται στην υψηλότερη στιγμή του, είναι ένας πόνος που δεν είναι ακόμα προορισμένος να σταματήσει. Μια αιχμηρή σιλουέτα και ένα κοντινό πλάνο επιλέγονται εδώ ως υποχρεωτικές καλλιτεχνικές τεχνικές. Μόνο ένας καλλιτέχνης με μεγάλο θάρρος και ένθερμη πίστη στους ανθρώπους θα μπορούσε να μας επαναλάβει τη σκληρή αλήθεια για τον προηγούμενο πόλεμο με τόσο εκπληκτική δύναμη. Οι σελίδες του γεμάτες πόνο, θυμό και βάσανα δεν αφήνουν κανέναν αδιάφορο. Διαθήκη του Τσέχου κομμουνιστή J. Fuchik "Λαέ, να είστε σε εγρήγορση!" αντηχεί για εμάς σε αυτή τη σειρά ενός Σοβιετικού καλλιτέχνη.

Ανάμεσα στα έργα αφιερωμένα στον Β. Ι. Λένιν ξεχωρίζουν τα σχέδια του μεγαλύτερου δεξιοτέχνη της εικονογράφησης βιβλίων Ε. Α. Κίμπρικ (γεν. 1906). Σε ξεχωριστά φύλλα της σειράς, ο καλλιτέχνης, ο οποίος μελέτησε προσεκτικά τα υλικά που σχετίζονται με τις δραστηριότητες του Λένιν τη χρονιά της επανάστασης, όχι μόνο κατέκτησε την πρώτη αλήθεια της εξωτερικής ομοιότητας, αλλά και προχώρησε περαιτέρω, στα βάθη του εσωτερικού χαρακτηρισμού.

Το φύλλο «Β. Ι. Λένιν στο υπόγειο» (ill. 18) αναπαράγει τις μέρες του Ιουλίου του 1917, όταν ο Λένιν, ζώντας στην Πετρούπολη, αναγκάστηκε να κρυφτεί από τα κυνηγόσκυλα της Προσωρινής Κυβέρνησης. Πώς φαντάστηκε ο ίδιος ο καλλιτέχνης την πλοκή αυτού του σχεδίου; Σύμφωνα με τον ίδιο, εδώ ήθελε να δείξει στον Λένιν τον θεωρητικό, επιστήμονα, στοχαστή, που καθημερινά εμφανιζόταν εκείνες τις μέρες με άρθρα που όπλιζαν το κόμμα στον αγώνα του για τη δικτατορία του προλεταριάτου. τη συγκεκριμένη στιγμή που πρέπει να απεικονιστεί, ο καλλιτέχνης περιέγραψε ως εξής: «... Ο Λένιν, όπως ήταν η φύση του, περπάτησε στο δωμάτιο, στοχαζόμενος το τεράστιο υλικό που έφερνε η ζωή καθημερινά και στο οποίο έπρεπε να πιάσει τα πιο σημαντικά πράγμα, τι είναι απαραίτητο να στοχεύσει το πάρτι με ένα άλλο άρθρο στην Pravda. Αφού βρήκε αυτό το κύριο πράγμα, κάθισε γρήγορα στο τραπέζι, ξεχνώντας αμέσως τα πάντα στον κόσμο, βυθίστηκε στη δουλειά. Χαρακτηριστικά, ο Kibrik φαντάζεται μια εικόνα σε κίνηση και, τραβώντας μια μόνο στιγμή στην αλυσίδα των άλλων, λαμβάνει υπόψη και την προηγούμενη. Η σιωπή ενός μικρού μοναχικού δωματίου είναι γεμάτη από την ένταση της μεγάλης εργασίας. Ο καλλιτέχνης μπόρεσε να μεταφέρει την ενασχόληση και την ενασχόληση του Levin με το έργο του με τη συμπυκνωμένη έκφραση του προσώπου του, τη στάση του ατόμου που έγραφε γρήγορα.

Η εικόνα "V. I. Lenin in the Razliv" είναι διαφορετική σε διάθεση: έχει μια ταραχή, μια συγκρατημένη παρόρμηση. Το ρεύμα των σκέψεων του Λένιν απέχει πολύ από το περιβάλλον και οι εκτάσεις του παραλίμνιου τοπίου διευρύνουν επίσης, σαν να λέγαμε, το εύρος του φύλλου. Στο βιβλίο που αναφέρθηκε παραπάνω, ο Kibrik περιγράφει λεπτομερώς τη διαδικασία της δουλειάς του σε αυτές τις συνθέσεις και οποιοσδήποτε γνωρίζει τα σχέδιά του θα ενδιαφέρεται να διαβάσει αυτές τις σελίδες,

Στα μέσα της δεκαετίας του 1950, όμορφα πράγματα για τη σύγχρονη εποχή εμφανίζονται στα γραφικά. Ο καλλιτέχνης Yu. I. Pimenov, ζωγράφος, γραφίστας και διακοσμητής θεάτρου, μας άνοιξε έναν ολόκληρο μεγάλο κόσμο γεμάτο λαμπερή χαρά της ζωής με τη μεγάλη του σειρά "Moscow Region". Ο Πιμένοφ έχει ένα σπάνιο χάρισμα της ποιητικής καθημερινότητας, την ικανότητα να βλέπει την ομορφιά της καθημερινότητας. Και η ομορφιά, που παρατηρείται στα συνηθισμένα, βρίσκει πάντα τα ιδιαίτερα στενά μονοπάτια της στην καρδιά του θεατή. Ο θερμός αέρας μιας ζεστής μέρας στα προάστια και η φιγούρα ενός κοριτσιού σε έναν πεζόδρομο, οι ένθερμοι εργάτες στο εργοτάξιο νέων σπιτιών και η λάμψη της βροχής σε μια πλατεία στα περίχωρα της Μόσχας - αυτά είναι τα απλά σχέδια των σχεδίων και των υδατογραφιών του Πιμένοφ . «Για έναν ζωγράφο του είδους, μου φαίνεται», έγραψε, «τα πιο πολύτιμα ευρήματα είναι εκείνα τα αυθεντικά κομμάτια ζωής που βλέπει κανείς, όπου σε συνηθισμένες, ασύλληπτες, πραγματικές περιπτώσεις κάθε μέρας, αποκαλύπτεται η μεγάλη αλήθεια της χώρας». Ο ορμητικός εργασιακός ρυθμός της εποχής μας, η ιδιαίτερη, ενεργητική και επιχειρηματική ομορφιά του ζουν στα έργα του καλλιτέχνη (βλ. εξώφυλλο). Ίσως, η κύρια γοητεία των εικόνων του Pimenov, και ειδικότερα, οι σταθερές ηρωίδες του - γυναίκες που εργάζονται σε εργοτάξιο, απασχολημένες με την ανακαίνιση διαμερισμάτων, το ράψιμο, τις δουλειές του σπιτιού, βρίσκεται στη δραστηριότητα, τη δραστηριότητα. Το ανοιχτόχρωμο, ανοιχτό χρώμα των ακουαρέλες του δίνει γλέντι ακόμα και στις πιο φαινομενικά συνηθισμένες σκηνές και πράγματα. Ο καλλιτέχνης φέρνει επίσης μεγάλη γραφικότητα στην τεχνική της μαύρης ακουαρέλας και του κάρβουνου. Με διαβαθμίσεις μαύρου, είναι σε θέση να μεταφέρει το βάθος των σκιών που πέφτουν στο νερό από τα δέντρα, και το διάφανο κρύο της πρώιμης άνοιξης, και τη φρεσκάδα της βροχής στην πλατφόρμα του σταθμού και τη ρητινώδη άνεση του δασικού δρόμου . Ο Πιμένοφ είναι ένας πολύ ολοκληρωμένος καλλιτέχνης. Η άποψή του για τον κόσμο, ο κύκλος των αγαπημένων του θεμάτων παραμένει ο ίδιος σε μια σειρά από πίνακες του 1940 - 1950 - σκηνές είδους, νεκρές φύσεις, που τόσο απλά και ποιητικά λένε για έναν σύγχρονο, και στα γραφικά του, και ακόμη και στην πεζογραφία - σε ένα βιβλίο για την περιοχή της Μόσχας, γραμμένο από με ένθερμο ενθουσιασμό, γρήγορα, χαριτωμένα και εύκολα, με ένα καθαρά καλλιτεχνικό όραμα της ζωής με την πραγματικά όμορφη, πολύχρωμη μορφή της.

Η ζωή σε κίνηση, νέα και χαρούμενη, που γεννιέται καθημερινά, σπεύδει να συλλάβει τον Πιμένοφ στην μετέπειτα σειρά του «Νέα Τέταρτα».

Έχοντας ταξιδέψει στο εξωτερικό περισσότερες από μία φορές τη δεκαετία του 1950, ο Pimenov δημιούργησε μια ολόκληρη σειρά από μικρούς καμβάδες και σκίτσα με βάση τις εντυπώσεις αυτών των ταξιδιών ή απευθείας κατά τη διάρκεια των ταξιδιών του. Και εδώ το βλέμμα του παραμένει πάνω απ' όλα βλέμμα ερωτευμένου με την ομορφιά· η δημοσιογραφία δεν του είναι χαρακτηριστικό. Αλλά οι γεμάτοι θλίψη στίχοι ορισμένων ξένων έργων του ακούγονται ακούσια σαν αντίθεση με την ηχηρή ευτυχία των σεντονιών του αφιερωμένων σε συνηθισμένες μέρες και υποθέσεις της ζωής μας.

Τα ξένα έργα του Πιμένοφ δεν ήταν μόνα στο πρόγραμμά μας. Τη δεκαετία του 1950 και αργότερα, όταν οι διεθνείς πολιτιστικοί δεσμοί της χώρας μας διευρύνθηκαν και πολλοί καλλιτέχνες ταξίδεψαν σε διάφορες χώρες του κόσμου, μια ολόκληρη ομάδα σειρών εμφανίστηκε με βάση τις εντυπώσεις αυτών των ταξιδιών. Συνήθως περιείχαν σκηνές ζωής στο δρόμο, τοπία, μεμονωμένα φύλλα πορτρέτου. Οι καλλιτέχνες μίλησαν για αυτό που είδαν, δείχνοντας γραφικές γωνιές της φύσης, διάσημα μνημεία αρχιτεκτονικής και γλυπτικής, χαρακτηριστικά ζωής, ανθρώπους που συναντούσαν σε ταξίδια. Η αναγκαστική ευχέρεια χαρακτήριζε τα περισσότερα από αυτά τα έργα. Αλλά ως αποτέλεσμα ταξιδιών, δημιουργήθηκαν επίσης ολοκληρωμένες σειρές, στις οποίες το ρεπορτάζ, η σκιαγραφία αντικαταστάθηκαν από πραγματική καλλιτεχνική γενίκευση. Από τη γνωριμία με τέτοιους κύκλους, ο θεατής έλαβε όχι μόνο μια αλυσίδα ζωντανών τουριστικών εντυπώσεων, αλλά και νέα γνώση μιας συγκεκριμένης χώρας και αισθητική απόλαυση.

Ένα από αυτά ήταν η σειρά του N. A. Ponomarev (γενν. 1918) «Northern Vietnam», που δημιουργήθηκε το 1957. Η εμφάνιση αυτής της χώρας, που βλέπει ο καλλιτέχνης, είναι γεμάτη γοητεία: ένας γκρίζο-γαλάζιος ψηλός ουρανός, εκτάσεις με ήρεμα νερά, ορυζώνες και μια αλυσίδα λιλά βράχων στον ορίζοντα, τώρα καθαρά ορατοί, τώρα που λιώνουν σε μια μαργαριταρένια ομίχλη . Ήρεμη, ελαφρώς στοχαστική ποίηση της καθημερινότητας ζει σε αυτά τα φύλλα. Οι άνθρωποι απεικονίζονται με βαθιά συμπάθεια - ο σεμνός εργατικός λαός του Βιετνάμ - ψαράδες, ανθρακωρύχοι, γυναίκες που πηγαίνουν στην αγορά (άρρωστος 19), περιμένοντας τη διάβαση από τον κόλπο. Ο λεπτός και λεπτός χρωματισμός δίνει εκφραστικότητα στα σχέδια. Η βιετναμέζικη σειρά ήταν από πολλές απόψεις σημείο καμπής για τον συγγραφέα της. Ο καλλιτέχνης ξεκίνησε την καριέρα του με σχέδια με κάρβουνο και μαύρη γκουάς αφιερωμένα στους ανθρακωρύχους του Donbass (1949-1950). Είχαν πολλή ευσυνειδησία και δουλειά και λιγότερη δημιουργική έμπνευση. Σχεδιάζοντας το Βιετνάμ, ο καλλιτέχνης ανακάλυψε στο έργο του όχι μόνο νέες ποιητικές νότες, αλλά και την ικανότητα ενός χρωματιστή που μπορεί να δει την αρμονία και τη διακοσμητικότητα της μικτής τεχνικής γκουάς και παστέλ.

Από τις σειρές που βασίζονται σε ξένες εντυπώσεις ενδιαφέρον είχαν και τα έργα του O. G. Vereisky (γενν. 1915). Ο O. Vereisky, πλέον εξέχων εικονογράφος βιβλίων σοβιετικών συγγραφέων και γραφίστας καβαλέτο, οφείλει τις πρώτες του γνώσεις για την τέχνη στον πατέρα του G. S. Vereisky. Σπούδασε επίσης στην Ακαδημία Τεχνών του Λένινγκραντ. Με την ίδια ελευθερία, ο O. Vereisky κατακτά τόσο την απαλή γραφικότητα ενός τόνου σχεδίου με μαύρη ακουαρέλα ή μελάνι, όσο και τις φωτεινές αντιθέσεις μιας καθαρής, σαφούς τεχνικής σχεδίασης με στυλό. Πρόσφατα, ο καλλιτέχνης άρχισε να ενδιαφέρεται για ορισμένες τεχνικές χαρακτικής και επανέλαβε μερικά από τα σχέδιά του, που εκτελέστηκαν ως αποτέλεσμα ταξιδιών στην Αίγυπτο, τη Συρία και τον Λίβανο, σε τυπογραφίες. Ένα από τα καλύτερα ανάμεσά τους είναι ένα σεντόνι που ονομάζεται "Rest on the way. Syria" (ill. 20). Είναι όμορφος στο χρώμα και στη λακωνική σύνθεση, αλλά η κύρια γοητεία του βρίσκεται στην εικόνα μιας γυναίκας. Η εκλεπτυσμένη ομορφιά και η ελαφριά θλίψη του προσώπου, η συγκρατημένη τρυφερότητα της χειρονομίας και η φυσική χάρη της γυναίκας αναπαράγονται από τον καλλιτέχνη με πραγματική αισθητική απόλαυση. Τα φύλλα της «American Series» του O. Vereisky είναι επίσης γεμάτα ακριβείς παρατηρήσεις και είδε όχι μόνο τα τελετουργικά, αλλά και τα σκιερά, καθημερινά χαρακτηριστικά της αμερικανικής ζωής.

Οι γνώσεις μας για αυτήν τη χώρα συμπληρώνονται επίσης με σχέδια με στυλό, κομψά στη γραμμική τους σκιαγράφηση, από τον V. Goryaev, έναν καλλιτέχνη με αιχμηρό, κάπως σαρκαστικό τρόπο, εικονογράφο Mark Twain, μόνιμο συνεργάτη του περιοδικού Crocodile.

Τα μεταπολεμικά γραφικά χαρακτηρίζονται από μεγάλες επιτυχίες των καλλιτεχνών των δημοκρατιών της Ένωσης. Οι ισχυρότερες ομάδες γραφιστών έχουν πλέον σχηματιστεί στην Ουκρανία, την Εσθονία, τη Λιθουανία και τη Λετονία. Τόσο το σχέδιο όσο και η ακουαρέλα έχουν τους μεγάλους καλλιτέχνες τους σε αυτές τις δημοκρατίες και η τέχνη της χαρακτικής αναπτύχθηκε εδώ και μετά, όταν στα τέλη της δεκαετίας του 1940 και στις αρχές της δεκαετίας του 1950 ήταν σε παρακμή στη RSFSR.

Ως παράδειγμα ουκρανικών γραφικών καβαλέτο, μπορεί κανείς να αναφέρει τη σειρά "Ουκρανικές λαϊκές σκέψεις και τραγούδια" του M. Deregus. Με ευρεία σύλληψη, συμπεριλαμβανομένων φύλλων με διάφορες διαθέσεις και θέματα, αυτός ο κύκλος χαρακτηρίζει την ωριμότητα των ουκρανικών γραφικών, αν και στο έργο του ίδιου του Deregus - κατ' εξοχήν ζωγράφου και εικονογράφου τοπίου - ξεχωρίζει κάπως. Η θλίψη και η ελπίδα του φύλλου "The Thought of Marus Boguslavka" και η τραγωδία της μοναξιάς, η εξαπατημένη πίστη στους ανθρώπους στο φύλλο "The Thought of the Three Brothers of Azov" αντικαθίστανται από τη θαρραλέα ποίηση των ημερών μας στη σύνθεση " Η σκέψη των Παρτιζάνων» με κεντρική εικόνα τον Κόβπακ. Οι νέοι Ουκρανοί καλλιτέχνες V. Panfilov, που αφιέρωσε τα χαρακτικά του σε χαλυβουργούς, και ο I. Selivanov, που δημιούργησε φύλλα με ιστορικά και επαναστατικά θέματα, εργάζονται με επιτυχία στη χαρακτική. Ένα τυπικό είδος για τα ουκρανικά γραφικά είναι ένα βιομηχανικό τοπίο, που συνήθως εκτελείται με τεχνικές χαρακτικής. Δάσκαλοί του είναι οι V. Mironenko, A. Pashchenko, N. Rodzin και άλλοι.

Στις δημοκρατίες της Βαλτικής, τα γραφικά τοπίων είναι πολύ διαφορετικά. Υπάρχει ένα έντονο ρεύμα θαματικού λυρικού τοπίου, συναισθηματικό, με μεγάλη γοητεία. Δημιουργοί του είναι Εσθονοί καλλιτέχνες, δεξιοτέχνες χαρακτικής R. Kaljo, A. Keerend, L. Ennosaar, ακουαρέλα K. Burman (junior), γραφίστες της Λετονίας - A. Junker, Λιθουανός - N. Kuzminskis κ.ά. Στα έργα τους υπάρχουν λυρικοί στοχασμοί, και στενή επικοινωνία με τη φύση που εμπλουτίζει την ψυχή, και κάθε φορά η ομορφιά των γηγενών χωραφιών, του γραφικού αρχαίου Ταλίν κ.λπ. κατανοείται με έναν νέο τρόπο.

Στο έργο του παλαιότερου Εσθονού σχεδιαστή G. Reindorf, οι εικόνες τοπίων αποκτούν έναν πιο φιλοσοφικό χρωματισμό. Είναι δύσκολο για εμάς τώρα να φανταστούμε πλήρως τη μακρά δημιουργική διαδρομή αυτού του καλλιτέχνη, αφού σχεδόν όλα τα προπολεμικά έργα του χάθηκαν κατά τη διάρκεια του Μεγάλου Πατριωτικού Πολέμου. Αλλά και η μεταπολεμική περίοδος της δραστηριότητάς του ήταν γόνιμη. Ο Ράινντορφ γεννήθηκε το 1889 στην Αγία Πετρούπολη. Έχοντας αποφοιτήσει επιτυχώς από τη Σχολή Τεχνικού Σχεδίου Stieglitz, έλαβε το δικαίωμα για επαγγελματικό ταξίδι στο εξωτερικό και έφυγε για τη Γαλλία. Η σύντομη περίοδος των ξένων συνταξιούχων διακόπηκε από τον Πρώτο Παγκόσμιο Πόλεμο. Επιστρέφοντας στην πατρίδα του, ο Reindorf εργάζεται στον τομέα των εφαρμοσμένων γραφικών και γραφικών τοπίου και ασχολείται με δραστηριότητες διδασκαλίας. Τα κύρια δημιουργικά του ενδιαφέροντα τις δεκαετίες 1940 - 1950 απορροφήθηκαν από το τοπίο και, σε κάποιο βαθμό, από την εικονογράφηση βιβλίων. Εκτελεί τα πράγματά του αυτά τα χρόνια κυρίως με τη μορφή σχεδίων. νωρίτερα, ο καλλιτέχνης δημιούργησε επίσης εκφραστικά φύλλα χαρακτικής. Η προσπάθεια του Reindorf για αντικειμενική ακρίβεια της εικόνας μερικές φορές έρχεται σε βάρος του συναισθηματικού πλούτου των φύλλων του, αλλά στα καλύτερα έργα του αυτές οι δύο αρχές συνδυάζονται. Πιο χαρακτηριστικά από αυτή την άποψη είναι τα σεντόνια του «Στις καυτές μέρες του Αυγούστου» (1955). Ένα είδος αρμονίας ενώνει ό,τι ζει σε αυτό το αγροτικό τοπίο και η δεξιοτεχνική τεχνική σχεδίασης με μολύβι γραφίτη δίνει στα φύλλα έναν τονικό πλούτο και μια ιδιαίτερη φιλιγκράν εκτέλεση.

Υπάρχει επίσης μια γραμμή ρομαντικού τοπίου στα γραφικά των χωρών της Βαλτικής, κορεσμένη από το πάθος των θυελλωδών ανήσυχων ανθρώπινων συναισθημάτων. Στα χαρακτικά των Λετονών καλλιτεχνών P. Upitis, O. Abelite, σε ξεχωριστά φύλλα του M. Ozoliņš, οι εικόνες της φύσης είναι χρωματισμένες με οξύ συναισθηματισμό, γεμάτες εσωτερική ένταση.

Στα χαρακτικά του κατοίκου της Ρίγας Ε. Άντερσον, το τοπίο γίνεται το περιβάλλον όπου εκτυλίσσεται η μεγαλειώδης δράση της εργασίας.

Πολλοί καλλιτέχνες της Βαλτικής ενεργούν τόσο ως τοπιογράφοι όσο και ως συγγραφείς θεματικών έργων, και αυτό απλώς εμπλουτίζει τα έργα τους. Στο πολυδύναμο έργο του Εσθονού καλλιτέχνη E. K. Okas (γενν. 1915), για παράδειγμα, μπορεί κανείς να βρει φύλλα τοπίων, πορτρέτα και θεματικά πράγματα. Ο Okas γεννήθηκε στο Ταλίν σε μια εργατική οικογένεια και σπούδασε εκεί - πρώτα στην Κρατική Καλλιτεχνική και Βιομηχανική Σχολή και στη συνέχεια στην Κρατική Ανώτερη Σχολή Καλών Τεχνών. Κατά τη διάρκεια του Μεγάλου Πατριωτικού Πολέμου, εργάστηκε ως καλλιτέχνης πρώτης γραμμής. Ο Okas είναι ταυτόχρονα ζωγράφος και δεξιοτέχνης στην εικονογράφηση βιβλίων. Αλλά αν οι εικόνες που δημιούργησε για τις σελίδες βιβλίων μερικές φορές χωρίζονται από εμάς κατά δεκαετίες και αιώνες, οι ήρωες των έργων του καβαλέτου ζουν πάντα στη νεωτερικότητα, αναπνέουν σε καμία περίπτωση τη γαλήνια ατμόσφαιρά της. Μια αίσθηση της πολυπλοκότητας του σύγχρονου κόσμου με τις έντονες κοινωνικές του αντιφάσεις γεμίζει, για παράδειγμα, τα φύλλα της ολλανδικής και ιταλικής σειράς ταξιδιωτικών σκίτσων του Okas, που εκτελούνται βασικά από τον ίδιο σε διάφορες τεχνικές χαρακτικής. Αιχμηρά και αυστηρά αληθινά, αυτά τα χαρακτικά ακούγονται σαν πραγματική δημοσιογραφία. Ο Λιθουανός καλλιτέχνης V. Yurkunas (γενν. 1910) εργάζεται επίσης στα γραφικά βιβλίων και καβαλέτο. Αποφοίτησε από τη Σχολή Καλών Τεχνών του Κάουνας το 1935 και ασχολείται συνεχώς με δραστηριότητες διδασκαλίας. Στα χαρακτικά του, οι άνθρωποι φαίνεται να συνδέονται ιδιαίτερα στενά με τη γενέτειρα φύση τους, την πατρίδα τους. Τέτοιοι είναι οι ήρωες του ποιήματος του Μαϊρώνη (1960· ill. 21), που αναπαρήγαγε ο ίδιος, τέτοιος είναι ο μικρός συλλογικός αγρότης που κέρδισε τη συμπάθεια πολλών θεατών - η εικόνα της νεολαίας που περπατά στην όμορφη γη, άτεχνα απλή και προκλητική, εκπληκτική με μια μοναδική ακεραιότητα συναισθημάτων («Θα γίνω γαλατάς», 1960). Η τεχνική της λινοκοπής σε φύλλα του V. Yurkunas έχει και συνοπτικότητα και ευελιξία, χρησιμεύει φυσικά στη δημιουργία των φωτεινών, αισιόδοξων εικόνων του.

Η κίνηση της Βαλτικής στον τομέα του πορτραίτου δουλεύει με ενθουσιασμό, Και αν ανάμεσα στα έργα των καλλιτεχνών της RSFSR έχουμε τώρα, εκτός από τις σταθερά επιτυχημένες, αλλά ήδη σπάνιες παραστάσεις του G. S. Vereisky, μόνο έντονα χαρακτηριστικά χαρακτικά πορτρέτα του M. Feigin , στη Βαλτική θα είμαστε ευχαριστημένοι με τη λεπτή και ποικίλη ικανότητα ορισμένων πορτραιτογράφων.

Ο Εσθονός καλλιτέχνης E. Einmann (γεν. 1913) πέτυχε πολλά σε αυτό το είδος. Σπούδασε στην Κρατική Σχολή Εφαρμοσμένων Τεχνών και στην Ανώτατη Σχολή Τέχνης στο Ταλίν.Η δημιουργική του πορεία ξεκίνησε κατά τη διάρκεια του Μεγάλου Πατριωτικού Πολέμου. Τώρα, σε μια μεγάλη σειρά έργων του, φαίνονται ξεκάθαρα τα χαρακτηριστικά του ταλέντου του. Στοχαστική και προσεκτική στάση του καλλιτέχνη στον εσωτερικό κόσμο των μοντέλων του. Ο σεβασμός σε έναν άνθρωπο είναι χαρακτηριστικό γνώρισμα της δουλειάς του. Πάντα εκδηλώνεται, είτε ο καλλιτέχνης ζωγραφίζει έναν γέρο ψαρά είτε έναν νεαρό μαθητή επαγγελματικής σχολής, μια νοσοκόμα ή μια ηθοποιό. Ταυτόχρονα, η άμεση εμπειρία του συγγραφέα, η αξιολόγηση του μοντέλου, παραμένει κάπου στην άκρη, το κύριο πράγμα είναι μια συγκρατημένη και αντικειμενική ιστορία γι 'αυτό. Τα πορτρέτα του Einmann σαγηνεύουν με τη λεπτότητα του γραφικού τρόπου, ξένα στα εξωτερικά εφέ. Αυτή η λεπτότητα διακρίνει τα φύλλα του, εκτελεσμένα με γραφίτη ή ιταλικό μολύβι, και ακουαρέλα και λιθογραφία.

Συναισθηματικό και λυρικό είναι το έργο πορτρέτου του Εσθονού καλλιτέχνη A. Bach-Liimand, ο οποίος είναι ιδιαίτερα καλός στην απεικόνιση γυναικών και παιδιών. Τα πορτρέτα και η αυτοπροσωπογραφία του Λιθουανού καλλιτέχνη A. Makunaite, που εργάζεται στη λινογραφία, είναι γεμάτα σοβαρές σκέψεις. Τα πορτρέτα από κάρβουνο που δημιούργησε η νεαρή Λετονή σχεδιάστρια F. Pauluk είναι εκφραστικά.

Τα γραφικά στην Ουκρανία και τις χώρες της Βαλτικής έχουν μακρά παράδοση, και ως εκ τούτου η επιτυχία τους είναι σε μεγάλο βαθμό φυσική. Αλλά ακόμη και σε δημοκρατίες όπως, για παράδειγμα, το Κιργιστάν ή το Καζακστάν, όπου η γραφική τέχνη είναι αρκετά νέα, έχει ήδη σημειώσει αξιοσημείωτη πρόοδο.

Ο κορυφαίος δάσκαλος της γραφικής στο Κιργιστάν είναι ο L. Ilyina (γεννήθηκε το 1915), μαθητής του Πολυγραφικού Ινστιτούτου της Μόσχας, ο οποίος εργάστηκε για πολλά χρόνια στην πόλη Frunze. Μνημειακότητα, μεγάλες φόρμες, λακωνισμός είναι τα χαρακτηριστικά γνωρίσματα των λινογραμμών της. Τα τελευταία χρόνια, η Ilyina, απομακρυνόμενη κάπως από την εικονογράφηση βιβλίων, ερμηνεύει πολλά έργα καβαλέτας, και συγκεκριμένα τη σειρά ξυλογραφιών "Native Land" (1957) και μια μεγάλη σειρά από έγχρωμες λινοτομές αφιερωμένες στη γυναίκα της δημοκρατίας της. Τα χαρακτηριστικά του νέου, που διακρίνουν τη ζωή μας, είναι ίσως ιδιαίτερα αισθητά στα γυναικεία πεπρωμένα που έδειξε ο Κιργιζίας καλλιτέχνης. Η δουλειά δεν λυγίζει τις γυναίκες τώρα, αλλά δίνει μόνο μεγαλείο και σημασία στη στάση του σώματος. Μια ελεύθερη, απεριόριστη στάση διακρίνει τόσο το κορίτσι-παραγωγό τεύτλων (1956) όσο και τους συνέδρους του μακρινού Tien Shan, που ακούνε προσεκτικά τον ομιλητή (1960). Οι λινοκοπές της L. Ilyina είναι πλαστικές, ο όγκος είναι ελεύθερα καλουπωμένος μέσα τους με ζωηρή, τραχιά πινελιά, μεγάλες χρωματικές κηλίδες. Ταυτόχρονα, διατηρείται πάντα το σιλουέτα διακοσμητικό αποτέλεσμα του φύλλου (ειλ. 22).

Στο Αζερμπαϊτζάν, ο καλλιτέχνης M. Rahman-zade (γενν. 1916), ο οποίος απεικονίζει υπεράκτια κοιτάσματα πετρελαίου στην Κασπία, εργάζεται με ενδιαφέρον στον τομέα της έγχρωμης λιθογραφίας. Ξέρει πώς να εισάγει στη σειρά της μια ποικιλία από μοτίβα που φαίνονται να μοιάζουν και, ταυτόχρονα, να αποκαλύπτουν κάθε φορά κάτι νέο στο βιομηχανικό τοπίο. Το φύλλο της αεροπλάτης από το έργο της του 1957 ξεχωρίζει μεταξύ άλλων για τη λεπτή σύνθεση, τον ηχητικό συνδυασμό λαμπερού κίτρινου νερού και μαύρων διάτρητων κατασκευών. Αυτά είναι μερικά από τα επιτεύγματα των Ρεπουμπλικανών χαράκτων και σχεδιαστών.

Τα σημερινά γραφικά είναι πολύ διαφορετικά από αυτά της πρώτης μεταπολεμικής δεκαετίας. Τι είναι νέο, έτσι σε αντίθεση με το προηγούμενο, εμφανίστηκε σε αυτό; Αν παλαιότερα η νεωτερικότητα αποτυπωνόταν με μια γνήσια ποιητική γενίκευση μόνο σε επιμέρους πράγματα, τώρα τα ζωντανά χαρακτηριστικά της είναι διάσπαρτα σε πολλά γραφικά έργα. Η μαζική στροφή των καλλιτεχνών στο σήμερα δίνει τα αποτελέσματά της. Η νεωτερικότητα αφομοιώνεται στα μη εξωτερικά, βαθιά ριζωμένα χαρακτηριστικά της· οι καλλιτέχνες ανακαλύπτουν, λες, ένα νέο πρόσωπο της χώρας μας, τον σοβιετικό άνθρωπο. Από πολλές απόψεις, τα γραφικά των τελευταίων ετών έχουν κάτι κοινό με τη ζωγραφική. Οι καλλιτέχνες αυτών των τεχνών βλέπουν το αυστηρό και ορμητικό πρόσωπο του χρόνου, μια ιδιαίτερη δραστηριότητα στάσης διαπερνά τα έργα τους. Και η λαχτάρα για νέες, μη δοκιμασμένες μορφές τέχνης αποδεικνύεται επίσης κοινή σε αυτούς. Στα γραφικά, όλα αυτά αναφέρονται κυρίως στη χαρακτική. Η άνοδός του ξεκίνησε στα μέσα της δεκαετίας του 1950 και τώρα μπορούμε να μιλήσουμε για την πραγματική του ακμή. Αυτή η περίοδος ακμής συνδέεται κυρίως με την εισροή νέων νέων δυνάμεων στην χαρακτική του καβαλέτου. Σε αυτό όμως συνέβαλαν και ήδη έμπειροι καλλιτέχνες. Στα τοπία του A. Vedernikov, για παράδειγμα, το Λένινγκραντ, επιβαρυμένο με πολλές παραδόσεις απεικόνισής του, εμφανίζεται ξαφνικά με μια τόσο νέα εμφάνιση, αστραφτερή με καθαρά χρώματα, που φαίνεται να φαίνεται για πρώτη φορά. Η τεχνική της έγχρωμης λιθογραφίας του Vedernikov δεν μιμείται ούτε ένα σχέδιο με χρωματιστό μολύβι ούτε έναν λεπτομερή πίνακα ακουαρέλας. Ο καλλιτέχνης λειτουργεί με γενικευμένες φόρμες, τολμηρούς συνδυασμούς αρκετών καθαρών τόνων. Η αναζήτησή του για διακοσμητικότητα στην έγχρωμη λιθογραφία είναι ένα από τα πολλά χαρακτηριστικά prints σήμερα.

Μεταξύ των επιτυχιών της χαρακτικής, μπορούμε επίσης να αποδώσουμε τις ξυλογραφίες του F. D. Konstantinov για την αγροτική εργασία, και ειδικά το φύλλο τοπίου του "Spring on the Collective Farm" (1957; ill. 23) και τα τοπία του Αρμένιου καλλιτέχνη M. M. Abeghyan - "Rocky Shore του Zanga», «Στα βουνά του Bjni» (1959) και πολλά άλλα έργα καλλιτεχνών της παλαιότερης και της μεσαίας γενιάς.

Όμως το νέο, που διακρίνει τη σύγχρονη χαρακτική, γίνεται ιδιαίτερα αισθητό στα πράγματα των νέων. I. Golitsyn, A. Ushin, G. Zakharov, Ya. Manukhin, I. Resets, L. Tukachev, K. Nazarov, V. Popkov, D. Nodia, I. Nekrasov, V. Volkov - ένας ολόκληρος γαλαξίας νέων που απέδωσε λαμπρά στα έντυπα. Βλέπουμε συνηθισμένα προαστιακά τοπία στη «Σουίτα στα σύρματα» του A. Ushin (γενν. 1927), απόφοιτο της Καλλιτεχνικής και Παιδαγωγικής Σχολής του Λένινγκραντ (ill. 24). Δεν συμβαίνουν γεγονότα στα φύλλα του, μόνο τα ηλεκτρικά τρένα ορμούν σιωπηλά, και την ίδια στιγμή, πολλά συμβαίνουν εδώ - ατσάλινα ζευκτά σηκώνονται για να στηρίξουν τα καλώδια, στάχυα φωτός από το παράθυρο του τρένου σκίζουν το πυκνό σκοτάδι της νύχτας, λευκές αστραπές βροχής το διασχίζει και σύννεφα συσσωρεύονται σε έναν εκθαμβωτικό σωρό στους μαύρους ουρανούς - η ζωή συνεχίζεται, μοναδική, ζωντανή, αισθητή πολύ έντονα, στην πιο ενεργή, τεταμένη κατάστασή της. Αυτή η οξεία, ενεργητική αντίληψη της ζωής στη συνεχή δυναμική της είναι που διακρίνει πολλά έργα των νέων. Ενώνει τα έργα τους. Αλλά, επιπλέον, οι νέοι είναι πολύ ατομικοί στη δουλειά τους. Καθένας από αυτούς τους καλλιτέχνες έχει ήδη το δικό του πρόσωπο στην τέχνη, τη δική του άποψη για τη ζωή, τη δική του κατανόηση της γλώσσας της χαρακτικής.

Τα ευρύχωρα τοπία και οι λυρικές σκηνές του G. Zakharov με τον τονισμένο ρυθμό των μεγάλων ασπρόμαυρων πινελιών και κηλίδων ακούγονται μοναδικά. Αναλυτικά τα στοχαστικά, ελαφρώς ειρωνικά μυθιστορήματα τοπίων του I. Golitsyn, όπου κάθε σπίτι είναι μια ολόκληρη ιστορία για τη ζωή μιας τεράστιας πόλης και μια διασταύρωση δρόμου ξετυλίγεται για εμάς σε ένα στιγμιαίο και κάπως απαισιόδοξο όραμα, έναν κύλινδρο της ανθρώπινης καθημερινότητας. Η τεχνική της ευέλικτης αργυροχάραξης του Golitsyn διαμορφώθηκε σε μεγάλο βαθμό υπό την επίδραση του Favorsky. Η λεπτότητα των ξυλογραφιών, ο τονικός της πλούτος, τόσο υποκείμενος στον Favorsky, σαν να διεύρυνε τους ορίζοντες του Golitsyn, του καλλιτέχνη μιας μεγαλύτερης, πιο θαρραλέας τεχνικής λινογραφίας (ειλ. 25),

Ελαφρώς σκληρή, σημαντική και στις πιο συνηθισμένες εκδηλώσεις της, η ζωή κυλάει 24. A. A. U Shin. Βροχή. 1960 μιας μεγάλης πόλης σε χαρακτικά του V. Volkov από το Λένινγκραντ. Ελεύθερο από τη φασαρία και τη φασαρία των μικροσκοπών, τα σεντόνια του μνημειοποιούν την πραγματικότητα, σαν να εκθέτουν τον θαρραλέο μεγαλειώδη ρυθμό της στο ρεύμα της καθημερινότητας. Και οι άνθρωποι παρουσιάζονται από τον καλλιτέχνη σε κάποια, αλλά σημαντική πτυχή - αυτοί είναι σκληροί, λακωνικοί άνθρωποι της εργασίας.

Ο Γεωργιανός καλλιτέχνης D. Nodia βλέπει ενεργά το βιομηχανικό τοπίο και τις σκηνές εργασίας σε δυναμική. Ο διάφανος κόσμος της νεότητας, μια υπέροχη συγχώνευση παιδικής διαύγειας ψυχής και ενήλικης λεπτότητας πνευματικών κινήσεων, αποκαλύπτεται από τον Y. Manukhin στην εύθραυστη εικόνα του δημοφιλούς του Grass of Grass.

Ο ίδιος καλλιτέχνης, σε ένα χαρακτικό αφιερωμένο στον αγώνα για την ειρήνη, επιτυγχάνει μια ιδιαίτερη έκφραση της εικόνας που ενσαρκώνει τον θυμό και τον πόνο της Χιροσίμα. Ταυτόχρονα, ο Manukhin έμαθε πολλά από την εγγύτητα του φύλλου του καβαλέτου του με την τέχνη της αφίσας (ειλ. 26).

Ο Β. Ποπκόφ (αρλ. 27) μιλάει αναλυτικά για το έργο των εργατών στις μεταφορές σε μια σειρά από χαρακτικά και γκουάς, ο οποίος έχει ενεργήσει με ενδιαφέρον τα τελευταία χρόνια και ως ζωγράφος. Σε όλα αυτά τα έργα, νέοι καλλιτέχνες μας αποκαλύπτουν διαφορετικές πτυχές της νεωτερικότητας μας, ιδωμένες με τον δικό τους τρόπο και πολύ φρέσκα.

Φυσικά, δεν είναι όλοι στη χαρακτική πλέον μόνο επιτυχημένοι. Υπάρχει και μικρή καθημερινή γραφή, παραστατικότητα. Συχνά τα συναντάμε σε σειρές αφιερωμένες στη δουλειά, καθώς και με βαρετό πρωτόκολλο στο βιομηχανικό τοπίο. Υπάρχουν και πράγματα, που όλο το νόημα τους εξαντλεί η εξωτερική τους διακοσμητικότητα. Από την άλλη, ό,τι νέο ήταν στη χαρακτική τα τελευταία χρόνια γεννήθηκε στο σχέδιο, αν και ένα τόσο ισχυρό απόσπασμα νέων δεν εμφανίστηκε εδώ. Ενδεικτική ως προς αυτό είναι η δημιουργική διαδρομή του Β. Ε. Τσιγκάλ (γεν. 1916). Ξεκίνησε τα πρώτα μεταπολεμικά χρόνια με μια σειρά από σχέδια με μελάνι και ακουαρέλα, στα οποία η ζωή και το έργο του σοβιετικού λαού εμφανιζόταν αυθεντικά, και συχνά λυρικά και ζεστά, αλλά χωρίς μεγάλες καλλιτεχνικές ανακαλύψεις. Ο Τσιγκάλ εμπόδιζε εν μέρει η υπερβολική του δραστηριότητα, η επιθυμία να καλύψει με την τέχνη του ένα πολύ ευρύ φάσμα φαινομένων της ζωής. Ο Τσιγκάλ δούλεψε γρήγορα, μεγάλες σειρές από φύλλα του εμφανίστηκαν σχεδόν σε όλες τις μεγάλες εκθέσεις. Αλλά η πραγματική δημιουργική συγκέντρωση του ήρθε μόνο όταν, έχοντας αρχίσει να ταξιδεύει και να μελετά τη ζωή των αγροτών στα ορεινά χωριά του Νταγκεστάν, για ένα σχετικά μεγάλο χρονικό διάστημα άρχισε να ενδιαφέρεται για αυτό το ένα θέμα, το οποίο, φυσικά, ήταν πολύ ευγνώμων για το καλλιτέχνης. Κάπως έτσι εμφανίστηκε η σειρά του «Dagestan» (1959 - 1961), που ήταν ένα μεγάλο βήμα μπροστά για τον Τσιγκάλ. Σε αυτόν τον κύκλο, υπάρχει επίσης η ανεξάντλητη γοητεία της καινοτομίας της ζωής των ορεινών, που αποκαλύφθηκε στον καλλιτέχνη, και μερικά πολύ μυστικά, καθημερινά χαρακτηριστικά που παρατηρήθηκαν από μια φιλική ματιά και μια ιδιόμορφη αίσθηση αρμονίας μεταξύ ανθρώπου και φύσης. . Τα φύλλα του είναι χτισμένα σε μια λεπτή αντιπαράθεση μοτίβων κοινών στο Νταγκεστάν, αλλά ξαφνικά μας αποκαλύπτουν τόσο τις ιδιαιτερότητες του τρόπου ζωής όσο και τις σχέσεις των ανθρώπων, αιώνιες και ταυτόχρονα διακριτικά σύγχρονες (αρλ. 28).

Στην τρέχουσα άνοδο των γραφικών καβαλέτο, η σύνθετη / λεπτή τέχνη της ακουαρέλας έχει βρει τη θέση της. Στην ακουαρέλα, ένα σίγουρο μάτι και ένα γρήγορο, ακριβές χέρι χρειάζονται ιδιαίτερα. Οι διορθώσεις είναι σχεδόν αδύνατες σε αυτό και η κίνηση του πινέλου με μπογιά και νερό είναι απατηλά εύκολη και απαιτεί αυστηρή πειθαρχία από τον καλλιτέχνη. Αλλά οι χρωματιστικές δυνατότητες των ακουαρέλας είναι πλούσιες και η ημιδιαφάνεια του χαρτιού κάτω από ένα διαφανές στρώμα χρώματος του δίνει μια μοναδική ελαφρότητα και χάρη. "Η ακουαρέλα είναι ζωγραφική που κρυφά θα ήθελε να γίνει γραφική παράσταση. Η ακουαρέλα είναι γραφικά που γίνονται ζωγραφική με ευγένεια και λεπτότητα, χτίζοντας τα επιτεύγματά της όχι στο σκοτωμένο χαρτί, αλλά στην περίεργη αποκάλυψη της ελαστικής και ασταθούς επιφάνειάς της", έγραψε κάποτε ένας από τους μεγαλύτερους γνώστες του Σοβιετικά γραφικά A. A. Sidorov. Ακόμα και τώρα, όπως και τη δεκαετία του 1930, οι τοπιογράφοι είναι οι μάστορες της ακουαρέλας στη χώρα μας. Τα έργα των S. Boym, N. Volkov, G. Khrapak, S. Semenov, V. Alfeevsky, D. Genin, A. Mogilevsky και πολλών άλλων δείχνουν τη ζωή μιας σύγχρονης πόλης, τη φύση στον πλούτο των χρωμάτων της, στο την υπέροχη ποικιλομορφία του. Και όλο και λιγότερο συχνά η παθητική περιγραφικότητα βρίσκει το καταφύγιό της στο τοπίο.

Αυτά είναι μερικά από τα χαρακτηριστικά των σύγχρονων σοβιετικών γραφικών. Ωστόσο, η εικόνα της είναι τόσο περίπλοκη και πλούσια που, φυσικά, αξίζει μια ξεχωριστή περιγραφή. Στόχος μας ήταν μόνο να γνωριστούμε με το έργο των πιο διάσημων δασκάλων των γραφικών καβαλέτο και μεμονωμένες στιγμές της ιστορίας του.

Ο καλλιτέχνης Yu. I. Pimenov, του οποίου τα σχέδια συζητήθηκαν παραπάνω, έγραψε: "Το μονοπάτι του καλλιτέχνη είναι το μονοπάτι της γοητείας με τη ζωή και το μονοπάτι της έκφρασής της γεμάτο απογοητεύσεις και αποτυχίες. Αλλά σε κάθε ειλικρινές πράγμα υπάρχει ένας κόκκος , ένα μικροσωματίδιο του επιθυμητού, μετά μια ηχώ, κάπου ένα κύμα αυτής της αίσθησης λαμβάνεται και ανθεί. Για χάρη αυτού του «κόκκου του επιθυμητού», για χάρη ενός αμφίδρομου κύματος συναισθήματος, που είναι απολύτως απαραίτητο για τον καλλιτέχνη, γίνεται όλη η σκληρή και χαρούμενη δουλειά του.

Παρακάτω θα παρουσιαστούν καλλιτέχνες που είναι διάσημοι σε όλο τον κόσμο λόγω της ικανότητάς τους να σχεδιάζουν με ένα συνηθισμένο μολύβι από σχιστόλιθο. Κάθε ένα από αυτά έχει το δικό του στυλ, προσωπικότητα, καθώς και αγαπημένα θέματα για δημιουργικότητα. Επιπλέον, το όνομα κάθε συγγραφέα είναι επίσης ένας σύνδεσμος για την προσωπική διαδικτυακή γκαλερί του καλλιτέχνη, όπου μπορείτε να μελετήσετε σχέδια με μολύβι και τη βιογραφία του καθενός από αυτά με περισσότερες λεπτομέρειες και λεπτομέρειες.
Κοιτάζοντας τις εικόνες, θα παρατηρήσετε μερικά ενδιαφέροντα χαρακτηριστικά σε κάθε πίνακα. Μερικά διακρίνονται από απαλές γραμμές, ομαλές μεταβάσεις φωτός-σκιάς και βελτιωμένα σχήματα. Άλλοι, αντίθετα, χρησιμοποιούν σκληρές γραμμές και καθαρές πινελιές στη δουλειά τους που δημιουργούν ένα δραματικό αποτέλεσμα.
Νωρίτερα, στον ιστότοπό μας, έχουμε ήδη δημοσιεύσει εικόνες ορισμένων δασκάλων. Ακολουθεί μια λίστα άρθρων όπου μπορείτε να δείτε εξίσου ελκυστικά σχέδια με μολύβι.

• Άλμπουμ με απίστευτες εικονογραφήσεις του Mattias Adolfsson.

JD Hillberry

Οι φυσικές ικανότητες και η έντονη επιθυμία να τραβήξει την προσοχή στη δουλειά του εμφανίστηκαν στον JD Hillberry ως παιδί. Η επιθυμία και το ταλέντο έκαναν τον πλοίαρχο έναν από τους καλύτερους καλλιτέχνες σχεδίασης μολυβιών στον κόσμο. Ενώ ακόμα σπούδαζε στο Wyoming, άρχισε να αναπτύσσει τη δική του τεχνική, αναμειγνύοντας κάρβουνο και γραφίτη για να επιτύχει ένα φωτορεαλιστικό αποτέλεσμα στα σχέδιά του. Ο JD χρησιμοποιεί μονοχρωματικό φως για να τραβήξει την προσοχή του θεατή στο παιχνίδι του chiaroscuro και της υφής. Σε όλη του την καριέρα προσπάθησε να ξεπεράσει τον ρεαλισμό και την έκφραση. Αφού μετακόμισε στο Κολοράντο το 1989, ο Hillberry άρχισε να πειραματίζεται με ψεύτικα σχέδια. Παραδοσιακά, αυτού του είδους η δουλειά γίνεται με λάδια, αλλά μετέφερε με επιτυχία τον ρεαλισμό της πλοκής με τη βοήθεια ενός μολυβιού. Ο θεατής, βλέποντας τέτοιες εικόνες, παραπλανάται και πιστεύει ότι το αντικείμενο βρίσκεται σε ένα πλαίσιο, ή σε ένα παράθυρο, αν και στην πραγματικότητα όλα αυτά τα στοιχεία είναι σχεδιασμένα. Δουλεύοντας από το στούντιο του στο Westminster του Κολοράντο, ο JD Hillberry συνεχίζει να επεκτείνει την αντίληψη του κοινού με τα σχέδιά του.

Μπράιαν Ντούι

Ο Brian είναι ένας από τους πιο εκπληκτικούς καλλιτέχνες σχεδίασης μολυβιού που αλληλεπιδρά όμορφα με το μολύβι για να δημιουργήσει εμπνευσμένα έργα τέχνης. Δείτε τι λέει για τη δουλειά του και για τον εαυτό του:
"Το όνομά μου είναι Brian Duey. Γεννήθηκα και μεγάλωσα στο Grand Rapids του Michigan. Σπούδασα σε ένα δημόσιο σχολείο σε ένα μικρό χωριό που ονομάζεται Granville, όπου μυήθηκα για πρώτη φορά στην τέχνη. Δεν σκέφτηκα ποτέ τη σοβαρότητα του χόμπι μου, αλλά ανακάλυψα μια ισχυρή έλξη για το μολύβι ζωγραφικής στα 20. Καθόμουν μόνος στο σπίτι μου και από βαρεμάρα αποφάσισα να πάρω ένα μολύβι και να αρχίσω να ζωγραφίζω. Αμέσως ερωτεύτηκα το σχέδιο και ήθελα να το κάνω συνέχεια .Με κάθε σχέδιο, γινόμουν όλο και καλύτερος.Ανάπτυξα τη δική μου τεχνική και πρωτότυπα κόλπα καθώς εργάζομαι.Προσπαθώ να δημιουργήσω ρεαλιστικά σχέδια και να προσθέσω τις δικές μου εννοιολογικές ιδέες.Με ρωτούν συχνά τι με εμπνέει και πού έμαθα να σχεδιάζω. Μπορώ να δηλώσω ανοιχτά ότι είμαι αυτοδίδακτος.
Οι εικονογραφήσεις μου έχουν δημοσιευτεί σε βιβλία και ευχετήριες κάρτες, σε εξώφυλλα CD και σε διάφορα περιοδικά. Κάνω εμπορική δουλειά από το 2005 και αυτό το διάστημα απέκτησα πελάτες σε όλο τον κόσμο. Οι περισσότερες από τις παραγγελίες μου προέρχονται από τις Ηνωμένες Πολιτείες, το Ηνωμένο Βασίλειο και τον Καναδά, αλλά συνεργάζομαι και με πελάτες στην Ιρλανδία. Οι πίνακές μου έχουν παρουσιαστεί σε γκαλερί στις Ηνωμένες Πολιτείες. Το 2007, μου ζήτησαν να ζωγραφίσω ένα πορτρέτο της Britney Spears που συμπεριλήφθηκε σε μια γκαλερί τέχνης στο Χόλιγουντ της Καλιφόρνια. Αυτή η εκδήλωση καλύφθηκε από το MTV και έγινα παγκοσμίως γνωστή. Δεν πρόκειται να σταματήσω εκεί και να συνεχίσω να δουλεύω. Έχω νέες ιδέες και σχέδια. Ένας από τους στόχους μου για το μέλλον είναι η έκδοση ενός εκπαιδευτικού βιβλίου ζωγραφικής.

T. S. Abe

Αν και δεν βρήκαμε πολλά έργα του Abe, οι εικονογραφήσεις της δείχνουν ότι πρόκειται για έναν μάστορα υψηλής ποιότητας. Η καλλιτέχνης έχει εξαιρετικές δεξιότητες με το μολύβι και απεικονίζει επιδέξια σύνθετες ιδέες χρησιμοποιώντας τις δικές της μεθόδους. Οι πίνακες του Άμπε είναι αρμονικοί και ισορροπημένοι, περίπλοκοι και ταυτόχρονα εύκολοι στην κατανόηση. Είναι μια από τις πιο ταλαντούχες καλλιτέχνες με μολύβι της εποχής μας.

Caesar Del Valle

Ο καλλιτέχνης στα έργα του χρησιμοποιεί μια ιδιαίτερη μοναδική τεχνική σχεδίασης με μολύβι. Οι εικονογραφήσεις του Καίσαρα δεν δείχνουν μόνο το ταλέντο του, αλλά αντικατοπτρίζουν και τη λεπτή αντίληψη του συγγραφέα για το περιβάλλον.

Ο Χένρικ

Το έργο του Henrik παρουσιάζεται στην Deviant Art Gallery. Τα σχέδιά του είναι ένα ενδιαφέρον παράδειγμα τέχνης με μολύβι. Ο πλοίαρχος χρησιμοποιεί ως εκ θαύματος ασπρόμαυρους τόνους για να μεταφέρει πρωτότυπες εικόνες και ασυνήθιστες ιδέες.