Καλλιτεχνικός σύλλογος κόσμος της τέχνης εν συντομία. Ζωγραφική

Ο σύλλογος World of Art, που ενσάρκωσε τα καλλιτεχνικά ιδανικά του συμβολισμού και του νεωτερισμού, έπαιξε σημαντικό ρόλο στη διαμόρφωση της πρωτοπορίας, αντίθετα με τις δικές του φιλοδοξίες. Παρά την αντιπαράθεση που υπήρχε μεταξύ του Κόσμου της Τέχνης και των καλλιτεχνών της avant-garde (το πιο εντυπωσιακό παράδειγμα είναι η διαμάχη για τις εφημερίδες μεταξύ A.N. Benois και D.D. Burliuk), η σχέση των δύο φαινομένων σε ιστορικό και καλλιτεχνικό επίπεδο είναι εμφανής.

Η γνωριμία της Ρωσίας με τη σύγχρονη δυτική τέχνη πραγματοποιήθηκε χάρη στις δραστηριότητες του Κόσμου της Τέχνης. Η διαδικασία ξεκίνησε ήδη από το 1897-1898, όταν ο S.P. Diaghilev οργάνωσε εκθέσεις Άγγλων, Γερμανών, Σκανδιναβών και Φινλανδών καλλιτεχνών.

Το επόμενο βήμα του «Κόσμου της Τέχνης» ήταν πιο τολμηρό. Το 1899 πραγματοποιήθηκε η πρώτη διεθνής έκθεση των συντακτών του περιοδικού, στην οποία εμφανίστηκαν έργα διάσημων Ευρωπαίων καλλιτεχνών. Αν και οι διοργανωτές της έκθεσης συνέχισαν να παίρνουν μισόλογη θέση σε σχέση με τη σύγχρονη παγκόσμια τέχνη, η γενική σύνθεση των προσκεκλημένων ξένων καλλιτεχνών αποδείχθηκε αρκετά διαφορετική. Από τους Γάλλους ιμπρεσιονιστές, η επιλογή έπεσε στους Claude Monet, Auguste Renoir και Edgar Degas. Υπήρχαν και άλλοι δάσκαλοι, με τον ένα ή τον άλλο τρόπο κοντά στην Art Nouveau, τον ακαδημαϊσμό και τον ρεαλισμό. Στην έκθεση δεν υπήρχαν έργα των Paul Cezanne, Vincent van Gogh και Paul Gauguin. Το αγγλικό γκρουπ εκπροσωπήθηκε από τον Frank Brangwyn και τον Αμερικανό James Whistler. Υπήρχαν έργα Γερμανών (Franz von Lenbach και Max Liebermann), Ελβετών (Arnold Böcklin) και Ιταλών (Giovanni Boldini) καλλιτεχνών. Παρά τη γνωστή μονομερότητα της επιλογής, που υπαγορεύεται από έναν συγκεκριμένο προσανατολισμό του «Κόσμου της Τέχνης», τα μέλη του οποίου -κατά τη δική τους παραδοχή- «παραβλέπουν» τους ιμπρεσιονιστές, τον Σεζάν, τον Γκωγκέν και άλλους σημαντικότερους δασκάλους του αείμνηστου Τον 19ο αιώνα, αυτή η έκθεση σηματοδότησε μια αποφασιστική ανακάλυψη στο έδαφος της νέας ευρωπαϊκής τέχνης.

Όσο για τους ίδιους τους δασκάλους του Κόσμου της Τέχνης, άρχισαν ταυτόχρονα να κερδίζουν ορισμένες θέσεις σε ευρωπαϊκούς εκθεσιακούς χώρους. Στα μέσα της δεκαετίας του 1890, ο Μπενουά έλαβε πρόταση από έναν από τους ηγέτες της Απόσχισης του Μονάχου να οργανώσει ένα ειδικό ρωσικό τμήμα σε μια από τις εκθέσεις. Κατά τη δεκαετία του 1900, υπήρξε μια διαδικασία διείσδυσης Ρώσων καλλιτεχνών σε ξένες εκθέσεις. Στη Γερμανία, ένας από τους πιο δημοφιλείς Ρώσους καλλιτέχνες ήταν ο K.A. Somov, ο οποίος εξέθεσε στις Αποχωρήσεις της Βιέννης και του Βερολίνου το 1901-1902, η προσωπική του έκθεση πραγματοποιήθηκε στο Αμβούργο το 1903 και η πρώτη μονογραφία για αυτόν δημοσιεύτηκε το 1907 στο Βερολίνο. Ένας άλλος ηγέτης του «Κόσμου της Τέχνης», ο L. S. Bakst, έλαβε μέρος στην Απόσχιση του Μονάχου από τα τέλη της δεκαετίας του 1890, το 1904 εξέθεσε στο Παρίσι, επιδεικνύοντας το έργο του στο Grand Palais. Η επιτυχία του ήρθε τη δεκαετία του 1910, αφού συμμετείχε στην επιχείρηση Diaghilev και σε ατομικές εκθέσεις στο Παρίσι και το Λονδίνο.

Παράλληλα, μαζί με τον Κόσμο της Τέχνης, άρχισαν να εμφανίζονται στις εκθέσεις τους έργα καλλιτεχνών των τελευταίων τάσεων. Τον Φεβρουάριο-Μάρτιο του 1906, ακόμη και πριν από την επίσημη δημιουργία της εταιρείας World of Art το 1910, ο Diaghilev οργάνωσε μια έκθεση με το ίδιο όνομα. Σε αυτήν συμμετείχαν ο M.F. Larionov, οι αδελφοί V.D. και Ν.Δ.Μηλιώτη, Ν.Ν.Σαπούνοφ, Α.Γ.Γιαβλένσκι.

Στις αρχές της δεκαετίας του 1910, ο Κόσμος της Τέχνης δείχνει ένα ορισμένο άνοιγμα στη νέα τέχνη. Έτσι, μετά την επιτυχία του Jack of Diamonds το 1910, ορισμένοι από τους εκπροσώπους του αποδείχθηκαν εκθέτες των εκθέσεων World of Art (P.P. Konchalovsky, A.V. Lentulov, I.I. Mashkov, A.A. Morgunov, V.V. Rozhdestvensky , R.R. Falk, Burliuk brothers) . Το 1910-1911, οι N.S. Goncharova, Larionov, P.V. Kuznetsov, M.S. Saryan, G.B. Yakulov συμμετείχαν στις εκθέσεις World of Art. Ο Τύπος ήταν αγανακτισμένος για αυτό. «Έχοντας δηλώσει τους εαυτούς τους αριστερούς και υψώνοντας το λάβαρο Diaghilev του «Κόσμου της Τέχνης», οι συμμετέχοντες της έκθεσης έκθεσης ... προσκάλεσαν ... «αναρχικούς»» (Νωρίς το πρωί. 1911. Νο. 47. 27 Φεβρουαρίου. Π. 5). «Δεν υπάρχει «Κόσμος της Τέχνης» και αντί γι’ αυτό – «Τζακ των Διαμαντιών» με ένα μικροσκοπικό χλωμό κλαδί «Κόσμος της Τέχνης». Καλεσμένοι<...>εγκαταστάθηκε σαν στο σπίτι, με τέτοια φασαρία που δεν έμενε σχεδόν κανένας χώρος για τους ιδιοκτήτες "(S. Glagol. World of Art // Stolichnaya φήμη. 1911. No. 217. 5 Δεκεμβρίου. P.3).

Μόνο οι Goncharova, Larionov και Yakulov συμμετείχαν στην έκθεση της Μόσχας του Κόσμου της Τέχνης (Νοέμβριος-Δεκέμβριος 1912) (εκτέθηκαν επίσης στην έκθεση της Αγίας Πετρούπολης τον Ιανουάριο-Φεβρουάριο 1913). Τα μέλη των Diamonds Mashkov και Lentulov αρνήθηκαν να συμμετάσχουν με απόφαση της γενικής συνέλευσης του Jack of Diamonds. Η έκθεση της Μόσχας του «Κόσμου της Τέχνης» (Δεκέμβριος 1913 - Ιανουάριος 1914) συγκέντρωσε μεγαλύτερο αριθμό αριστερών καλλιτεχνών: οι N. I. Altman και A. V. Shevchenko προστέθηκαν στους Goncharova, Larionov και Yakulov. Ο VE Tatlin παρουσίασε το "Picturesque Relief" χωρίς συμφωνία με τους διοργανωτές.

Η σύνθεση των φουτουριστών (όπως την αποκαλούσαν οι κριτικοί των αριστερών καλλιτεχνών) στις εκθέσεις του World of Art το 1915-1916 άλλαξε κάπως: το 1915, οι αριστεροί αντιπροσωπεύονταν με τα ονόματα L.A. Bruni, P.V. Miturich και N.A. Tyrsa, και στο 1916 - K.L. Boguslavskaya, Konchalovsky, Mashkov, V.M. Khodasevich και Yakulov.

Τον Μάρτιο του 1916, ο Konchalovsky και ο Mashkov άφησαν το Jack of Diamonds και έγιναν μέλη της εταιρείας World of Art. Την ίδια χρονιά, η Goncharova εντάχθηκε στην κοινωνία. Αυτά τα στοιχεία μαρτυρούσαν την αφομοίωση των άλλοτε αντίθετων καλλιτεχνικών τάσεων. Η διαδικασία συνεχίστηκε για τις επόμενες δύο εκθεσιακές σεζόν (1917–1918): εκτός από τους Konchalovsky και Mashkov, έργα των S.I. Dymshits-Tolstoy, L.M. Lissitzky, S.A. Nagubnikov, A. F. Sofronova.

Τον Μάιο του 1917, ο «Κόσμος της Τέχνης» μπήκε στην κεντρική ομοσπονδία του Συνδικάτου Ζωγράφων της Μόσχας. Το 1918, η κοινωνία αναπλήρωσε τις τάξεις της με τα πρώην ντέφι A.V. Kuprin, Lentulov, A.I. Milman, Rozhdestvensky, Falk και ουσιαστικά έγινε το κέντρο του Σεζαννισμού της Μόσχας. Ο Π. Κουζνέτσοφ εξελέγη πρόεδρος του Κόσμου της Τέχνης το 1918 και οι Μάσκοφ, Μίλμαν και Λεντούλοφ συμπεριλήφθηκαν στην ηγεσία της κοινωνίας.

Το καλοκαίρι του 1921, οι άνθρωποι των διαμαντιών ενώθηκαν ξανά κάτω από το λάβαρο του «Κόσμου της Τέχνης» - η έκθεση της εταιρείας ήταν ανοιχτή μέχρι τον Νοέμβριο και συγκέντρωσε καλλιτέχνες διαφόρων κατευθύνσεων. Εκτός από τον παραδοσιακό πυρήνα Bubnovalet, εκτέθηκαν οι Inhukovites A.A. Vesnin, A.D. Drevin και N.A. Udaltsova, καθώς και οι V.V. Kandinsky και Shevchenko.

Με την ευκαιρία αυτή, ο Falk έγραψε στον Kuprin: «Πολλά έχουν αλλάξει στην κοινωνία μας [Κόσμος της Τέχνης]. Χάρη στις προσπάθειες των Ilya Ivanovich [Mashkov] και [P.V.] Kuznetsov, έχασε την προβλεπόμενη εμφάνισή του. Μπήκε μια μάζα νέων μελών, με επικεφαλής τους σε φούξ, όπως διάφοροι μαθητές του Kuznetsov, του Bebutov κ.λπ. Ο Mashkov θέλει να δει τη γυναίκα του ως μέλος, και ούτω καθεξής. Γενικά η ατμόσφαιρα αρχίζει να χαλάει άσχημα» (RGALI, F. 3018, Op. 1, λήμμα 147, φύλλο 6).

Η επόμενη έκθεση της Μόσχας (Ιανουάριος 1922) μαρτυρούσε την κατάσταση κρίσης του «Κόσμου της Τέχνης». Ο Φαλκ ανέφερε στον ίδιο αποδέκτη: «Η έκθεση μου άφησε ένα θλιβερό συναίσθημα. Μου φαίνεται ότι το πάθος είναι απαραίτητο στην τέχνη, αλλά δεν είναι έτσι. Ολα<...>είμαστε κάτι γλυκόξινο, όχι ζεστό και όχι κρύο. Η επανάσταση μας απάντησε πολύ σκληρά, μας συνέτριψε στο έδαφος και μας έκανε καθημερινούς» (RGALI. F.3018. Op.1. Item 147. L. 10-11).

Στην τελευταία έκθεση της κοινωνίας, που άνοιξε στο Παρίσι τον Ιούνιο του 1927, κανένας από τους καλλιτέχνες της avant-garde δεν συμμετείχε.

Στα τέλη του 19ου αιώνα, η καλλιτεχνική ζωή στη Ρωσία ήταν πολύ ζωηρή. Η κοινωνία έδειξε αυξημένο ενδιαφέρον για πολυάριθμες εκθέσεις τέχνης και δημοπρασίες, για άρθρα και περιοδικά αφιερωμένα στις καλές τέχνες. Όχι μόνο η Μόσχα και η Αγία Πετρούπολη, αλλά και πολλές επαρχιακές εφημερίδες και περιοδικά είχαν αντίστοιχους μόνιμους τίτλους. Προέκυψαν διάφορα είδη καλλιτεχνικών συλλόγων, που έθεσαν στον εαυτό τους διάφορα καθήκοντα, αλλά κυρίως εκπαιδευτικού χαρακτήρα, που επηρεάστηκε από τις παραδόσεις των Περιπλανώμενων.

Υπό αυτές τις συνθήκες, η ιδέα του Diaghilev να συσπειρώσει τις νεαρές καλλιτεχνικές δυνάμεις της Αγίας Πετρούπολης και της Μόσχας, η ανάγκη της οποίας ήταν από καιρό αισθητή στη ρωσική τέχνη, έγινε ευνοϊκή αποδεκτή.

Το 1898, ο Diaghilev πέτυχε για πρώτη φορά την κοινή τους παράσταση στην Έκθεση Ρώσων και Φινλανδών Καλλιτεχνών. Σε αυτό συμμετείχαν οι Bakst, Benois, A. Vasnetsov, K. Korovin, Nesterov, Lansere, Levitan, Malyutin, E. Polenova, Ryabushkin, Serov, Somov κ.α.

Το ίδιο 1898, ο Diaghilev κατάφερε να πείσει τις γνωστές προσωπικότητες και φιλότεχνους S. I. Mamontov και M. K. Tenisheva να χρηματοδοτήσουν ένα μηνιαίο περιοδικό τέχνης. Σύντομα κυκλοφόρησε στην Αγία Πετρούπολη ένα διπλό τεύχος του περιοδικού «World of Art», με επιμέλεια του Sergei Pavlovich Diaghilev.

Ήταν το πρώτο περιοδικό τέχνης του οποίου ο χαρακτήρας και η κατεύθυνση καθορίστηκαν από τους ίδιους τους καλλιτέχνες. Οι συντάκτες ενημέρωσαν τους αναγνώστες ότι το περιοδικό θα εξετάσει τα έργα Ρώσων και ξένων δασκάλων "όλων των εποχών της ιστορίας της τέχνης, εφόσον τα αναφερόμενα έργα παρουσιάζουν ενδιαφέρον και σημασία για τη σύγχρονη καλλιτεχνική συνείδηση".

Την επόμενη χρονιά, το 1899, πραγματοποιήθηκε η Πρώτη Διεθνής Έκθεση του περιοδικού «World of Art». Παρουσίασε πάνω από 350 έργα και παρουσίασε σαράντα δύο Ευρωπαίους καλλιτέχνες, συμπεριλαμβανομένου του P. de Chavannes. D. Whistler, E. Degas, C. Monet, O. Renoir. Εκθεση

επέτρεψε σε Ρώσους καλλιτέχνες και θεατές να εξοικειωθούν με διάφορους τομείς της δυτικής τέχνης.

Χάρη στην εμφάνιση του περιοδικού «Κόσμος της Τέχνης» και τις εκθέσεις του 1898-1899, αναδύθηκε ένας κύκλος νέων καλλιτεχνών που συμπάσχουν με τη διεύθυνση του περιοδικού.

Το 1900, ο Diaghilev κατάφερε να ενώσει πολλούς από αυτούς στη δημιουργική κοινότητα "World of Art". Αυτή η «λαμπρή ομάδα» (έκφραση της A.P. Ostroumova-Lebedeva) αποτελούνταν από αξιόλογους καλλιτέχνες που ήρθαν στην τέχνη τη δεκαετία του 1890, και συγκεκριμένα: Bakst, Alexander Benois, Bilibin, Braz, Vrubel, Golovin, Grabar, Dobuzhinsky. K. Korovin, Lansere, Malyutin, Malyavin, Ostroumova, Purvit, Roerich, Ruschits, Serov, Somov, Trubetskoy, Zionglinsky, Yakunchikova και Yaremich.

Επιπλέον, οι Repin, V. and E. Polenov, A. Vasnetsov, Levitan, Nesterov, Ryabushkin συμμετείχαν σε κάποιες από τις τότε εκθέσεις του Κόσμου της Τέχνης.

Από το 1900 έως το 1903 πραγματοποιήθηκαν τρεις εκθέσεις του «Κόσμου της Τέχνης». Οργανώνοντας αυτές τις εκθέσεις, ο Diaghilev επικεντρώθηκε σε νέους Ρώσους καλλιτέχνες. Ήταν Petersburgers - Bakst, Benois. Somov, Lansere και Μοσχοβίτες - Vrubel, Serov, K. Korovin, Levitan, Malyutin, Ryabushkin και άλλοι. Ήταν οι Μοσχοβίτες στους οποίους ο Ντιαγκίλεφ άφησε τις μεγαλύτερες ελπίδες του. Έγραψε: «... όλη η παρούσα τέχνη μας και ό,τι μπορούμε να περιμένουμε το μέλλον, βρίσκεται στη Μόσχα». Ως εκ τούτου, προσπάθησε με κάθε δυνατό τρόπο να προσελκύσει καλλιτέχνες της Μόσχας στις εκθέσεις του Κόσμου της Τέχνης, τις οποίες δεν πέτυχε πάντα.

Οι εκθέσεις World of Art εισήγαγαν διεξοδικά τη ρωσική κοινωνία στα έργα διάσημων Ρώσων δασκάλων και ανερχόμενων καλλιτεχνών που δεν έχουν ακόμη αναγνωριστεί, όπως οι Bilibin, Ostroumova, Dobuzhinsky, Lansere, Kustodiev, Yuon, Sapunov, Larionov, P. Kuznetsov, Saryan.

Δεν χρειάζεται να καλύψουμε λεπτομερώς τις δραστηριότητες του Κόσμου της Τέχνης εδώ, αφού πρόσφατα εμφανίστηκαν εκδόσεις αφιερωμένες σε αυτόν. Θα πρέπει να ειπωθεί για ορισμένα από τα γενικά χαρακτηριστικά του, τα οποία τονίστηκαν από τον ίδιο τον κόσμο των τεχνών και πολλούς σύγχρονους.

Ο σύλλογος "World of Art" δεν ήταν ένα τυχαίο φαινόμενο στη ρωσική τέχνη, αλλά ιστορικά εξαρτημένο. Τέτοια, για παράδειγμα, ήταν η γνώμη του I. E. Grabar: «Αν δεν ήταν ο Diaghilev<...>, μια τέχνη αυτής της τάξης επρόκειτο να αναδυθεί».

Σχετικά με το ζήτημα της συνέχειας της καλλιτεχνικής κουλτούρας, ο Diaghilev είπε το 1906: «Όλο το παρόν και το μέλλον της ρωσικής πλαστικής τέχνης... θα τρέφονται με τον ένα ή τον άλλο τρόπο από τις ίδιες αρχές που έχει λάβει ο Κόσμος της Τέχνης από μια προσεκτική μελέτη των μεγάλων Ρώσων δασκάλων από την εποχή του Πέτρου».

ΕΝΑ. Ο Μπενουά έγραψε ότι ό,τι έκανε ο Κόσμος της Τέχνης «δεν σήμαινε καθόλου» ότι «έσπασε με όλο το παρελθόν». Αντίθετα, υποστήριξε ο Μπενουά, ο ίδιος ο πυρήνας του «Κόσμου της Τέχνης» «βρισκόταν πίσω από την ανανέωση πολλών, τόσο τεχνικών όσο και ιδεολογικών παραδόσεων της ρωσικής και διεθνούς τέχνης». Και περαιτέρω: «... θεωρούσαμε τους εαυτούς μας σε μεγάλο βαθμό εκπροσώπους των ίδιων αναζητήσεων και των ίδιων δημιουργικών μεθόδων που εκτιμούσαμε στους πορτραίτες του 18ου αιώνα, και στον Κιπρένσκι, και στον Βενετσιάνοφ, και στον Φεντότοφ, επίσης. όπως και στους εξαιρετικούς δασκάλους απευθείας η γενιά που προηγήθηκε - στο Kramskoy, Repin, Surikov.

Ο Β. Ε. Μακόφσκι, γνωστός περιπλανώμενος, σε συνέντευξή του σε δημοσιογράφο, είπε: «Κάναμε τη δουλειά μας<...>Μας αναφέρουν συνεχώς ως παράδειγμα η Ένωση Ρώσων Καλλιτεχνών και ο Κόσμος της Τέχνης, όπου υποτίθεται ότι συγκεντρώνονται τώρα όλες οι καλύτερες δυνάμεις της ρωσικής ζωγραφικής. Ποιοι είναι όμως αυτοί, αυτές οι καλύτερες δυνάμεις, αν όχι τα δικά μας παιδιά;<...>Γιατί μας άφησαν; Ναι, γιατί ένιωθαν στριμωγμένοι και αποφάσισαν να ιδρύσουν τη νέα τους κοινωνία».

Στο έργο του Κόσμου της Τέχνης, αυτή η συνέχεια των καλύτερων παραδόσεων των Περιπλανώμενων εκδηλώθηκε κατά την επανάσταση του 1905. Οι περισσότεροι καλλιτέχνες του «Κόσμου της Τέχνης» εντάχθηκαν στον αγώνα κατά του τσαρισμού, παίρνοντας ενεργό μέρος στην κυκλοφορία εκδόσεων πολιτικής σάτιρας.

Το "World of Art" έπαιξε σημαντικό, και μερικές φορές ακόμη και καθοριστικό ρόλο στη δημιουργική μοίρα πολλών καλλιτεχνών. Ο I. E. Grabar, για παράδειγμα, μόνο μετά από συνάντηση με μέλη της επιτροπής έκθεσης World of Art, Diaghilev, Benois και Serov, «πίστεψε στον εαυτό του και άρχισε να εργάζεται». Ακόμη και για τον ίδιο τον Σέροφ, όχι χωρίς λόγο, είπαν ότι «η ενεργή συμπάθεια του κύκλου του Κόσμου της Τέχνης ενέπνευσε και ενίσχυσε θαυματουργικά το έργο του»

Ο K. S. Petrov-Vodkin έγραψε το 1923 στα απομνημονεύματά του για τον Κόσμο της Τέχνης: «Ποια είναι η γοητεία των Diaghilev, Benois, Somov, Bakst, Dobuzhinsky; Τέτοιοι αστερισμοί ανθρώπινων ομάδων προκύπτουν στα όρια των ιστορικών καμπών. Ξέρουν πολλά και κουβαλούν μαζί τους αυτές τις αξίες του παρελθόντος. Ξέρουν να βγάζουν πράγματα από τη σκόνη της ιστορίας και, αναζωογονώντας τα, να τους δίνουν έναν σύγχρονο ήχο... Το “The World of Art” έπαιξε έξοχα τον ιστορικό του ρόλο.” Και σε άλλο σημείο των ίδιων απομνημονευμάτων: «Όταν θυμάσαι πώς πριν από είκοσι χρόνια, μέσα στο μίασμα της παρακμής, μέσα στην ιστορική κακογουστιά, τη μαυρίλα και τη λάσπη της ζωγραφικής, ο Σεργκέι Ντιαγκίλεφ και οι σύντροφοί του εξόπλισαν το πλοίο τους, πώς τότε εμείς οι νέοι άνδρες, πήραν φτερά μαζί τους, ασφυκτιώντας στον σκοταδισμό που μας περιβάλλει - θυμηθείτε όλα αυτά, πείτε: ναι, μπράβο παιδιά, μας φέρατε στο παρόν στους ώμους σας.

Ο N. K. Roerich δήλωσε ότι ήταν ο «Κόσμος της Τέχνης» που «ύψωσε το λάβαρο για νέες κατακτήσεις της τέχνης».

Ανακαλώντας τη μακρινή δεκαετία του 1900 στην πλαγιά της ζωής της, η A.P. Ostroumova-Lebedeva έγραψε: «Οι σπουδαστές της Παγκόσμιας Τέχνης επέλεξαν και προσκάλεσαν νέους καλλιτέχνες στην κοινωνία τους όταν παρατήρησαν σε αυτούς, εκτός από το ταλέντο, μια ειλικρινή και σοβαρή στάση απέναντι στην τέχνη και τους εργασία<...>Ο Κόσμος της Τέχνης υποστήριζε επίμονα την αρχή της «χειροτεχνίας στην τέχνη», δηλαδή ήθελε τους καλλιτέχνες να κάνουν πίνακες με πλήρη, λεπτομερή γνώση των υλικών με τα οποία εργάζονταν και να φέρνουν την τεχνική στην τελειότητα.<...>Επιπλέον, όλοι μίλησαν για την ανάγκη να αυξηθεί ο πολιτισμός και το γούστο μεταξύ των καλλιτεχνών και ποτέ δεν αρνήθηκαν τα θέματα στους πίνακες και, ως εκ τούτου, δεν στέρησαν τις καλές τέχνες από τις εγγενείς ιδιότητες της ταραχής και της προπαγάνδας. Το συμπέρασμα της Ostroumova-Lebedeva ήταν πολύ σαφές: «Είναι απλά αδύνατο να καταστρέψουμε τη σημασία της κοινωνίας του «Κόσμου της Τέχνης» και να την αρνηθούμε, για παράδειγμα, όπως κάνουν οι ιστορικοί τέχνης στη χώρα μας λόγω της αρχής «η τέχνη για την τέχνη ".

Ο Κ.Φ. Ο Yuon σημείωσε: «Ο Κόσμος της Τέχνης» υποδείκνυε την ανέγγιχτη παρθένα γη των διαφορετικών μέσων καλλιτεχνικής έκφρασης. Ενθάρρυνε κάθε τι χώμα και εθνικό...”. Το 1922, ο A. M. Gorky όρισε αυτή τη συγκέντρωση αξιοσημείωτων ταλέντων ως «μια ολόκληρη τάση που αναβίωσε τη ρωσική τέχνη».

Ο «κόσμος της τέχνης» έπαψε να υπάρχει το 1903, αλλά συνέχισε να διατηρεί μια τεράστια έλξη για τους σύγχρονους. Το 1910, η εταιρεία World of Art επανεμφανίστηκε στην Αγία Πετρούπολη, αλλά ο Diaghilev δεν συμμετείχε πλέον στο έργο της. Η καλλιτεχνική δραστηριότητα του Ντιαγκίλεφ πήρε διαφορετική κατεύθυνση.

Το 1905, στο παλάτι Tauride στην Αγία Πετρούπολη, οργάνωσε μια μεγάλη ιστορική και καλλιτεχνική έκθεση ρωσικών πορτρέτων. Χωρίς να περιορίζεται σε έργα από τα ανάκτορα και τα μουσεία της πρωτεύουσας, ο Ντιαγκίλεφ περιόδευσε τις επαρχίες, αποκαλύπτοντας συνολικά περίπου 4.000 πορτρέτα. Στην έκθεση υπήρχαν πολλά ενδιαφέροντα και απροσδόκητα ευρήματα. Η ρωσική τέχνη πορτρέτου εμφανίστηκε ασυνήθιστα σημαντική και πλούσια. Ο V. E. Borisov-Musatov έγραψε εκείνες τις μέρες στον V. A. Serov: «Για αυτό το έργο [τόμ. ε. διευθέτηση της έκθεσης] Ο Ντιαγκίλεφ είναι ιδιοφυΐα και το ιστορικό του όνομα θα γινόταν αθάνατο. Το νόημά του είναι λίγο κατανοητό, και τον λυπάμαι ειλικρινά που με κάποιο τρόπο έμεινε μόνος. Οι φωτογραφίες που τραβήχτηκαν με πρωτοβουλία του Diaghilev από τα περισσότερα εκθέματα (τα αρνητικά αποθηκεύονται στο TG) καθιστούν τώρα δυνατή τη γνωριμία με πολλά αριστουργήματα της ρωσικής τέχνης που πέθαναν ή εξαφανίστηκαν κατά τη διάρκεια των ταραγμένων γεγονότων της επανάστασης του 1905, του πολιτικού και του κόσμου πολέμους (για παράδειγμα, η μοίρα δεκαοκτώ έργων του D. G. Levitsky, που, μεταξύ των άλλων έργων του, εκτέθηκαν στην έκθεση Tauride).

Την άνοιξη του 1905, πολιτιστικές προσωπικότητες στη Μόσχα αποφάσισαν να τιμήσουν τον Diaghilev σε ένδειξη ευγνωμοσύνης για το γεγονός ότι επιμελήθηκε το περιοδικό "World of Art" και κανόνισε μια ιστορική και καλλιτεχνική έκθεση. Απαντώντας στους χαιρετισμούς, ο Ντιάγκιλεφ δήλωσε: «... ήταν ιδιαίτερα πεπεισμένος ότι είχε έρθει η ώρα για τα αποτελέσματα, μετά από αυτές τις άπληστες περιπλανήσεις [ο Ντιάγκιλεφ σημαίνει ταξίδια στη Ρωσία, συλλέγοντας έργα για την Έκθεση Ιστορίας και Τέχνης. Αυτό το παρατήρησα όχι μόνο στις λαμπρές εικόνες των προγόνων, τόσο προφανώς απομακρυσμένων από εμάς, αλλά κυρίως στους απογόνους που ζούσαν τη ζωή τους. Το τέλος της ζωής είναι εδώ<...>Είμαστε μάρτυρες της μεγαλύτερης ιστορικής στιγμής αποτελεσμάτων και τελειωμάτων στο όνομα μιας νέας, άγνωστης κουλτούρας που θα αναδυθεί για εμάς, αλλά και θα μας σαρώσει. Και επομένως, χωρίς φόβο και δυσπιστία, υψώνω ένα ποτήρι στους ερειπωμένους τοίχους των όμορφων παλατιών, καθώς και στις νέες διαθήκες μιας νέας αισθητικής».

Σημαντικό ρόλο στη ρωσική κουλτούρα στο γύρισμα του 19ου-20ου αιώνα έπαιξε η καλλιτεχνική ένωση "World of Art", η οποία είχε τεράστιο αντίκτυπο στην ανάπτυξη του ρωσικού συμβολισμού και του νεωτερισμού.

Η εμφάνιση και τα στάδια της ύπαρξης του συλλόγου

Η ιστορία της εμφάνισης του «Κόσμου της Τέχνης» ξεκίνησε το 1887 με τη συγκρότηση μιας ομάδας μαθητών από τη σχολή Karl May «Neva Pickwickians», η οποία περιλάμβανε τους A. Benois, K. Somov, V. Nouvel, D. Philosophers. .

Σκοπός του κύκλου είναι να μελετήσει την ιστορία των καλών τεχνών και της μουσικής. Αργότερα, οι S. Diaghilev και L. Bakst εντάχθηκαν σε αυτόν τον κύκλο. Ο κύκλος υπό την ηγεσία του Diaghilev μέχρι το 1898 είχε μεγαλώσει και μετατράπηκε στον δημιουργικό σύλλογο "World of Art".

Α. Μπενουά, αυτοπροσωπογραφία

Δύο εκδηλώσεις συνέβαλαν σε αυτό:

1. Το πρώτο τεύχος του περιοδικού «World of Art», εκδότες του οποίου ήταν η Πριγκίπισσα Μ.Κ. Tenisheva και S.I. Μαμούθ;

2. Έκθεση Ρώσων και Φινλανδών καλλιτεχνών, στην οποία, εκτός από μέλη του κύκλου, ο S.V. Malyutin, Ι.Ι. Levitan, Α.Μ. Vasnetsov, V.A. Serov και άλλοι.

Το 1900 επισημοποιήθηκε ο σύλλογος, συντάχθηκε καταστατικό και εκλέχθηκε διοικητική επιτροπή.

Το 1902 δημοσιεύτηκε το άρθρο «Μορφές Τέχνης» στο εικοστό τεύχος του περιοδικού «World of Art», από εκείνη τη στιγμή πολλοί συμβολιστές ποιητές δημοσίευσαν τα έργα τους στις σελίδες του.

Το 1904, προέκυψαν διαφωνίες μεταξύ καλλιτεχνών και ποιητών, το περιοδικό World of Art έπαψε να εκδίδεται και ο σύλλογος διαλύθηκε. Το 1906 κανόνισε μια αποχαιρετιστήρια έκθεση πριν μεταναστεύσει στο Παρίσι με τον ίδιο τίτλο. Στο Παρίσι, από το 1909-1914, διοργανώνει και τις Ρωσικές Εποχές. Από το 1910, ο σύλλογος αναβίωσε υπό την ηγεσία του Μπενουά, αλλά λειτουργεί ως εκθεσιακός οργανισμός· από το 1917, ορισμένα μέλη του συλλόγου στράφηκαν σε αναστηλωτικές και μουσειο-οργανωτικές δραστηριότητες. Στη δεκαετία του 1920, ο Κόσμος της Τέχνης έπαψε τελικά να υπάρχει.

Miriskusniki - μέλη του καλλιτεχνικού συλλόγου

Οι κύριοι ιδεολόγοι αυτού του καλλιτεχνικού συλλόγου ήταν οι A. Benois και S. Diaghilev.

Από το 1904 έως το 1910, πολλά μέλη του συλλόγου ήταν μέλη της Ένωσης Ρώσων Καλλιτεχνών. Ο κύριος πυρήνας του «Κόσμου της Τέχνης» περιελάμβανε τους E. Lansere, K. Somov, L. Bakst, M. Dobuzhinsky. Στη συνέχεια προσχώρησαν μέλη του κύκλου Abramavtsev V. Serov, M. Nesterov, οι αδελφοί Vasnetsov, M. Vrubel και άλλοι. Το 1906, νέοι καλλιτέχνες εντάχθηκαν στον σύλλογο: M. Saryan, M. Larionov και N. Feofilaktov.

Ο Diaghilev έδωσε μεγάλη προσοχή στο περιοδικό "World of Art", δημοσίευσε κριτικά άρθρα εκεί, έγραψε για τα προβλήματα της διεθνούς πολιτιστικής ανταλλαγής. Επίσης, ο Diaghilev συμμετείχε ενεργά σε οργανωτικές δραστηριότητες, διοργάνωσε εκθέσεις σύγχρονων Ρώσων καλλιτεχνών, δυτικοευρωπαίων ζωγράφων κ.λπ.

Αισθητικές απόψεις του «Κόσμου της Τέχνης»

Ο σύλλογος «World of Art» αγωνίστηκε για υψηλές πνευματικές και καλλιτεχνικές αξίες και αντιτάχθηκε στις σύγχρονες καλλιτεχνικές απόψεις της περιπλάνησης και του ακαδημαϊσμού. Στις καλές τέχνες, ο Κόσμος των Τεχνών καλλιεργήθηκε ακόμη «πολιτισμικός ντιλετανισμός», αφού προσωποποίησε επίσης μια μορφή ελευθερίας δημιουργικότητας, που δεν δεσμεύεται από κανένα κανόνα.

Το ιδανικό της «καθαρής» τέχνης συνδυάστηκε μεταξύ του Κόσμου των Τεχνών με την ιδέα ότι η καλλιτεχνική δημιουργικότητα έχει σχεδιαστεί για να αλλάξει αισθητικά τη γύρω πραγματικότητα. Τα περισσότερα μέλη του συλλόγου άντλησαν έμπνευση από τα καλλιτεχνικά επιτεύγματα του παρελθόντος. - έλαβαν μια περίεργη ενσάρκωση στα έργα τους. Διαφορετικές εποχές προσέλκυσαν τους καλλιτέχνες όχι από τα ιστορικά χαρακτηριστικά ή τις στροφές ανάπτυξής τους, αλλά μόνο από την αισθητική, το στυλ και την ατμόσφαιρα. Οι καλλιτέχνες του "Mir" σε τέτοιους καμβάδες προσπάθησαν για το παιχνίδι, τη φαντασία, τη θεατροποίηση. Ένα άλλο σημαντικό χαρακτηριστικό του Κόσμου της Τέχνης ήταν η ειρωνεία και η αυτοειρωνεία.

Ο πρώιμος «Κόσμος της Τέχνης», με επίκεντρο τις δυτικοευρωπαϊκές ομάδες, ένωσε καλλιτέχνες και συγγραφείς με βάση τις ιδέες του νεωτερισμού, του νεορομαντισμού κ.λπ. Ο κύριος στόχος της δημιουργικότητας στην κατανόηση των συμμετεχόντων στον «Κόσμο της Τέχνης» είναι η ομορφιά στην υποκειμενική κατανόηση του καλλιτέχνη. Λίγο αργότερα, οι ζωγράφοι άρχισαν να επικεντρώνονται περισσότερο στα κίνητρα του εθνικού παρελθόντος της προ-Petrine Ρωσίας. Ως αποτέλεσμα, η ένωση χωρίστηκε σε δύο ομάδες καλλιτεχνών: την Αγία Πετρούπολη (με προσανατολισμό στη Δύση) και τη Μόσχα (προσανατολισμένη στο εθνικό παρελθόν). Όμως, παρ' όλες τις διαφορές, αυτός ο καλλιτεχνικός σύλλογος τους συνέδεσε όλους για να αντιταχθεί στην επίσημη ακαδημαϊκή τέχνη και αργότερα στον νατουραλισμό.

Στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα, η τέχνη δημιουργήθηκε μερικές φορές από ερασιτέχνες που δεν είχαν επαγγελματική καλλιτεχνική παιδεία· προσπάθησαν να δημιουργήσουν μια νέα κατεύθυνση στα προβλήματα των καλών τεχνών και σε θέματα πολιτισμού.

Οι δραστηριότητες και η σημασία του συλλόγου "World of Art"

Με μεγάλη επιτυχία πραγματοποιήθηκαν οι εκθέσεις που διοργάνωσε ο «Κόσμος της Τέχνης». Το 1899, ο Diaghilev οργάνωσε μια διεθνή έκθεση, η οποία εξέθεσε τα έργα των Böcklin, Whistler, Monet, Degas, Moreau, Puvis de Chavant και άλλων. Μεταξύ 1899 και 1903 πραγματοποιήθηκαν πέντε τέτοιες μεγάλες εκθέσεις.

Ο Miriskusniki εξέδωσε ένα ομώνυμο περιοδικό, στο οποίο δημοσιεύονταν πολλοί φιλόσοφοι, θρησκευτικοί στοχαστές και ποιητές. Το περιοδικό ήταν όμορφα εικονογραφημένο από καλλιτέχνες αυτής της κατεύθυνσης.

Μία από τις σημαντικές πτυχές των δραστηριοτήτων των συμμετεχόντων στον "Κόσμο της Τέχνης" ήταν να προκαλέσουν ενδιαφέρον για τις καλλιτεχνικές δημιουργίες του εθνικού παρελθόντος, σε σχέση με αυτό δημοσίευσαν τις συλλογές "Καλλιτεχνικοί θησαυροί της Ρωσίας" κ.λπ. η κοινότητα άνοιξε σε ένα ευρύ φάσμα της ρωσικής διανόησης ολόκληρες περιόδους στην ιστορία της τέχνης - κινήματα, καλλιτέχνες γλύπτες XVIII-XIX αιώνες. Δημοσιεύσεις στο περιοδικό αφορούσαν και σύγχρονους καλλιτέχνες, δημοσιεύτηκαν άρθρα για τις μεγάλες μορφές του παγκόσμιου πολιτισμού.

Η δημιουργικότητα των συμμετεχόντων του Mir ήταν πολύπλευρη, ασχολήθηκαν με τη ζωγραφική, τις τέχνες και τη χειροτεχνία, το σχεδιασμό θεατρικών παραγωγών, αλλά το μεγαλύτερο μέρος της κληρονομιάς τους είναι γραφικά έργα.

Η υψηλότερη άνθηση της θεατρικής και σκηνικής δραστηριότητας ήταν ο σχεδιασμός των παραστάσεων των «Ρωσικών Εποχών» στο Παρίσι. Στη ζωγραφική κυριάρχησε το αστικό τοπίο, το πορτρέτο και το ιστορικό είδος. Στα γραφικά, ένα ιδιαίτερο επίτευγμα ήταν η εμφάνιση της εικονογράφησης βιβλίων. Μερικοί από τους συμμετέχοντες κατά την επανάσταση του 1905-1907. έδρασαν ως κύριοι της πολιτικής σάτιρας.

Χαρακτηριστικό γνώρισμα των έργων πολλών καλλιτεχνών του World of Art ήταν ο διακοσμητισμός, η γραμμικότητα και ο συνδυασμός ματ τόνων.

Ο σύλλογος «Mir Iskusstva» συνδέθηκε στενά με τις «Βράδια Σύγχρονης Μουσικής», σκοπός των οποίων ήταν η απόδοση και η προβολή της δυτικοευρωπαϊκής μουσικής του 19ου-20ου αιώνα.

Μέλη του συλλόγου «World of Art» έπαιρναν συχνά μέρος σε διάφορα βραδινά σαλόνια. Τα πιο διάσημα από αυτά στη ρωσική κουλτούρα της Ασημένιας Εποχής ήταν τα "Ivanovo περιβάλλοντα", οι συλλογές "On the tower" του Vyacheslav Ivanov, "Sundays", τα σαλόνια του Sologub και

Η ενοποίηση άφησε ένα βαθύ σημάδι στην ιστορία της ρωσικής τέχνης, κυρίως από το γεγονός ότι οι άνθρωποι αυτού του κύκλου επέστησαν την προσοχή με νέο τρόπο στα προβλήματα της καλλιτεχνικής μορφής και της εικαστικής γλώσσας.

Η συμβολή του Κόσμου της Τέχνης στην ιστορία είναι ανεκτίμητη. Δεν πρόκειται μόνο για ζωγραφική, γραφικά, ποίηση και πεζογραφία, αλλά επιστημονικά έργα για την ιστορία της τέχνης και του πολιτισμού της Ασημένιας Εποχής

«Κόσμος της Τέχνης. Στην 115η επέτειο της ενοποίησης». Ζωγραφική, Καζάν, Manor Sandetsky

Lobasheva Irina Faekovna - Υποψήφια Ιστορίας της Τέχνης, Αναπληρώτρια Καθηγήτρια του κλάδου του Κρατικού Ακαδημαϊκού Ινστιτούτου Τέχνης της Μόσχας με το όνομα V. I. Surikov στο Καζάν

«Ο κύκλος μας δεν είχε κατεύθυνση,
… αντί για σκηνοθεσία, είχαμε γούστο»
Α. Ν. Μπενόης

"WORLD OF ART" (1898 - 1924) - ένας σύλλογος Ρώσων καλλιτεχνών, που δημιουργήθηκε στην Αγία Πετρούπολη στα τέλη του 19ου αιώνα, ο οποίος δήλωσε ότι είναι ομώνυμο λογοτεχνικό και καλλιτεχνικό περιοδικό (1899 -1904) και εκθέσεις ( η τελευταία έγινε στο Παρίσι το 1927). Η Εταιρεία Καλλιτεχνών «Κόσμος της Τέχνης» προέκυψε και υπήρξε στην Αγία Πετρούπολη από το 1898 έως το 1904, και αναβίωσε ξανά το 1910.

Ιδρυτές του είναι ο καλλιτέχνης, θεωρητικός και ιστορικός τέχνης, μουσειακός ειδικός Α.Ν. Εκτός από τον κύριο πυρήνα, που περιλάμβανε τους L. S. Bakst, M. V. Dobuzhinsky, E. E. Lansere, A. P. Ostroumova-Lebedeva, K. A. Somov, ο Κόσμος της Τέχνης περιελάμβανε πολλούς ζωγράφους και γραφίστες της Αγίας Πετρούπολης και της Μόσχας (I. Ya. Bilibin, K. F. Bogaevsky , Ap. M. and V. M. Vasnetsovs, A. Ya. Golovin, I. E. Grabar, K. A. Korovin, B. M. Kustodiev, N. K. Roerich, V. A. Serov και άλλοι). Στις εκθέσεις της κοινωνίας συμμετείχαν οι M. A. Vrubel, I. I. Levitan, M. V. Nesterov, καθώς και κάποιοι ξένοι καλλιτέχνες.

B. Kustodiev. "Κόσμος της Τέχνης"

Σκίτσο ενός απραγματοποίητου πίνακα. Απεικονίζεται (από αριστερά προς τα δεξιά): I.E. Grabar, N.K. Roerich, E.E. Lansere, I.Ya. Bilibin, Α.Ν. Μπενουά, Γ.Ι. Narbut, Ν.Δ. Μηλιώτη, Κ.Α. Somov, M.V. Dobuzhinsky, K.S. Petrov-Vodkin, A.P. Ostroumova-Lebedeva, B.M. Κουστόντιεφ.
Έτος δημιουργίας -1916, Κρατικό Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη.

Ο "Κόσμος της Τέχνης" σε διαφορετικά χρόνια περιελάμβανε πολλούς καλλιτέχνες διαφόρων πεποιθήσεων και απόψεων, διαφορετικών δημιουργικών μεθόδων και στυλ (μέχρι το 1917, τα μέλη της κοινωνίας αποτελούνταν από τον μέγιστο αριθμό καλλιτεχνών - περισσότερα από 50 πλήρη μέλη). Όλοι τους ένωσε η διαμαρτυρία ενάντια στην επίσημη ακαδημαϊκή τέχνη, που ισοπέδωσε τη δημιουργική ατομικότητα, και η απόρριψη του νατουραλισμού στην τέχνη στο πρόσωπο των αείμνηστων «Περιπλανητών». Στην ιστορία της ρωσικής τέχνης, ένα φαινόμενο όπως ο «Κόσμος της Τέχνης» έγινε στροφή προς τα ιδανικά της ελευθερίας της δημιουργικότητας, προς την καθιέρωση αισθητικών κριτηρίων και προτεραιοτήτων για την καλλιτεχνική ατομικότητα της προσωπικότητας του δημιουργού. Φορείς υψηλής πνευματικής κουλτούρας, οι καλλιτέχνες του «Κόσμου της Τέχνης» στο έργο τους στράφηκαν τόσο στο παρελθόν (εξιδανικεύοντάς το και κοροϊδεύοντάς το), όσο και σε ένα ευρύ φάσμα τομέων της σύγχρονης τέχνης (εσωτερικό, θέατρο, χαρακτική , βιβλία, κ.λπ.).

Ένα από τα κύρια επιτεύγματα του συλλόγου ήταν η περίφημη γραφική σχολή της Αγίας Πετρούπολης εκείνης της εποχής, η οποία προέκυψε ως αποτέλεσμα της δημιουργίας ενός ιδιαίτερου αισθητικού περιβάλλοντος από τον κόσμο της τέχνης, όπου ο υψηλότερος θαυμασμός για τα γραφικά ως μορφή τέχνης ήταν καλλιεργημένος. Αυτή η προτεραιότητα των γραφικών από πολλές απόψεις επηρέασε την ανάπτυξη της ζωγραφικής από τυπικούς εκπροσώπους αυτής της ένωσης, απέκτησε γραφικά χαρακτηριστικά, έγινε εμφατικά γραμμική.

"WORLD OF ART"... Οι στοχασμοί για τη διάσημη μεγαλύτερη ένωση που προέκυψε στην Αγία Πετρούπολη στις αρχές του 19ου-20ου αιώνα, σαν ένα παράξενο βιτρό, γεννούν ένα ογκώδες, πολυδιάστατο και ταυτόχρονα εξαιρετικά αριστοκρατική, εφήμερη εικόνα ενός καταπληκτικού, βαθιά συμβολικού κόσμου τέχνης, που δημιουργήθηκε από τους μάστορες αυτών των ενώσεων.

Alexandre Benois - "King's Walk" 1906

Είναι περίπλοκα, διακοσμητικά στο πνεύμα της Art Nouveau, μπλέκονται διάφορες δημιουργικές ιδέες μιας μεγάλης ομάδας καλλιτεχνών. Η ενσάρκωσή τους είναι εκπληκτική σε ποικιλία: τα περιοδικά "World of Art", γεμάτα με εκλεπτυσμένη αισθητική της νεωτερικότητας, που έχουν γίνει η πιο πολύτιμη σπανιότητα μεταξύ ειδικών και συλλεκτών, πίνακες όπου το στυλιζάρισμα και η αναδρομή πάνε χέρι-χέρι, θεατρικά σκηνικά του διάσημου Ρώσου εποχές με καινοτόμες πλαστικές και έγχρωμες λύσεις, πρωτότυπα κοστούμια μπαλέτου και όπερας.

Το σημείο καμπής της εποχής στο τέλος του 19ου - 20ου αιώνα, η εποχή των μεγάλων κοινωνικοπολιτικών αναταραχών, αντικατοπτρίστηκε σε όλους τους τομείς της ρωσικής ζωής, συμπεριλαμβανομένου του ρωσικού πολιτισμού εκείνης της εποχής, ο οποίος αποκαλύφθηκε σε όλη του την ποικιλομορφία και ατομικότητα. Κατά τη διάρκεια αυτών των χρόνων, οι Ρώσοι καλλιτέχνες είναι ιδιαίτερα ενεργοί στα ταξίδια στο εξωτερικό, γνωρίζοντας τις τελευταίες τάσεις της δυτικής τέχνης, μελετώντας προσεκτικά οτιδήποτε νέο δηλώνεται σε στυλ όπως η γερμανική αρτ νουβό, ο γαλλικός ιμπρεσιονισμός, ο μετα-ιμπρεσιονισμός. Στο έργο των πιο διάσημων δασκάλων εκείνης της εποχής: Σερόφ, Βρούμπελ, Μπακστ, είναι αδύνατο να ξεχωρίσει κανείς μια «καθαρή» γραμμή της σκηνοθεσίας που λήφθηκε μια για πάντα, διαπλέκοντας περίπλοκα και στενά, επιδεικνύουν μια έντονη αναζήτηση για μια νέα δημιουργική μέθοδος που ανταποκρίνεται στις φιλοδοξίες των καιρών. Όπως έγραψε ο γνωστός κριτικός τέχνης G. Yu. Sternin, «όσο μεγαλύτερος ήταν ο καλλιτέχνης, τόσο πιο δύσκολο ήταν να προσδιοριστεί ότι ανήκε σε ένα ή άλλο στυλ».

Μία από τις μεγαλύτερες κοινωνίες αυτής της περιόδου ήταν η ομάδα καλλιτεχνών «World of Art» (1898–1924), οι οποίοι αντιτάχθηκαν στον ακαδημαϊσμό και τον πλανόδιο, προωθώντας τις αισθητικές ιδέες της σύνθεσης των τεχνών που διέπουν το στυλ Art Nouveau και μια ιδιαίτερη είδος αναδρομικότητας που βασίζεται σε μια προσεκτική μελέτη της αρχαιότητας, σε χαρακτηριστικά της κληρονομιάς του «χρυσού» XVIII αιώνα. Αντλήθηκαν έμπνευση από την ιστορία της Ρωσίας την εποχή του Μεγάλου Πέτρου ή της Γαλλίας της εποχής του Λουδοβίκου 14ου (A. N. Benois, E. E. Lansere, K. A. Somov), ή έθιξαν ακόμη παλαιότερους ανατολικούς, αρχαίους ή εγχώριους προχριστιανικούς πολιτισμούς ( L. S. Bakst, V. A. Serov, N. K. Roerich). Ταυτόχρονα, χωρίς να αγγίζουν μεγάλα ιστορικά θέματα, οι δάσκαλοι εστίασαν την προσοχή τους στις ιδιωτικές πτυχές της ζωής των αυτοκρατορικών προσώπων, στα επεισόδια της αυλικής ζωής του 18ου αιώνα ή στη ζωή της παγανιστικής Ρωσίας, δίνοντας μια ιδιόμορφη καλλιτεχνική ερμηνεία του αυτά τα γεγονότα, τη δική τους στυλιζαρίσματα από τη γωνία της σύγχρονης οπτικής τους, προικίζοντας τις δημιουργημένες εικόνες με μια συγκεκριμένη συμβολική θεατρική λύση, παιχνίδι συνειρμών.

Στο παράδειγμα της εικαστικής συλλογής εγχώριας τέχνης του Μουσείου Πούσκιν της Δημοκρατίας του Ταταρστάν, που παρουσιάστηκε για πρώτη φορά στο πλαίσιο της 115ης επετείου του "Κόσμου της Τέχνης" τόσο ολοκληρωμένα και αναπτυγμένα από τη γωνία της εξέλιξης του Αυτή η κοινωνία, όλη η πολυπλοκότητα και η πολυχρηστικότητα της ανάπτυξής της γίνεται εμφανής. Η ιδιαιτερότητα της συλλογής του μουσείου είναι ότι οι περισσότεροι από τους δασκάλους και τους πίνακές τους που περιλαμβάνονται σε αυτή την έκθεση είναι πιο γνωστοί στην ιστορία της ρωσικής τέχνης σε σχέση με άλλα καλλιτεχνικά κινήματα και ενώσεις. Εν τω μεταξύ, πολλοί από αυτούς, που δεν είναι τυπικοί εκπρόσωποι του Κόσμου της Τέχνης, συμμετείχαν στις δραστηριότητές του σε διάφορους βαθμούς, και ως εκ τούτου είναι πολύ ενδιαφέρον να παρακολουθήσουμε την ανάπτυξη ορισμένων στιλιστικών τάσεων στο έργο διαφόρων δασκάλων, να ανακαλύψουμε τα ρητά και κρυφές σχέσεις. Περίπου 50 έργα παρουσιάζονται στην εικαστική έκθεση της έκθεσης, η οποία αποκαλύπτει τη διαφορετικότητα και τις σχέσεις των κορυφαίων τάσεων εκείνης της εποχής στην ιστορία αυτής της ένωσης. Πολλά από αυτά είτε παρουσιάζονται για πρώτη φορά είτε δεν έχουν συμμετάσχει σε μουσειακές εκθέσεις για μεγάλο χρονικό διάστημα, έτσι για τους επισκέπτες του μουσείου, η γνωριμία μαζί τους θα είναι ένα είδος ανακάλυψης νέων δημιουργικών πτυχών ενός συγκεκριμένου ζωγράφου.

Η κύρια ομάδα καλλιτεχνών του «Κόσμου της Τέχνης» σχηματίστηκε γύρω από το ομώνυμο περιοδικό το 1898-1903, όταν, παράλληλα με την κυκλοφορία αυτής της έκδοσης, η οποία κάλυψε διάφορες πτυχές της τέχνης, της λογοτεχνίας, της φιλοσοφίας εκείνης της εποχής και διακρίθηκε για την εξαίσια γραφιστική, ο S. P. Diaghilev και ο A. N. Benois οργάνωσαν μεγάλες εκθέσεις τέχνης. Η συλλογή του Μουσείου Πούσκιν της Δημοκρατίας του Ταταρστάν περιλαμβάνει τους ηγέτες της ένωσης - τον ιδεολόγο και θεωρητικό της ομάδας A. N. Benois, τα μέλη της K. A. Somov, A. Ya. Τα έργα τους, ανεξαρτήτως είδους, χαρακτηρίζονται από μια τάση για θεατροποίηση, γεμάτη με την αισθητική του στυλ Art Nouveau, που προέκυψε στην πλατφόρμα του ευρωπαϊκού νεορομαντισμού και, όπως προαναφέρθηκε, οδήγησε σε διάφορους τύπους στυλιζαρίσματος στα ρωσικά ζωγραφική.

A. Ya. Golovin "The Woman in White" (το δεύτερο όνομα είναι "Marquise")

Φτιαγμένο με την τεχνική των παστέλ "Oranienbaum" (1901) του A. N. Benois, "Woman in White" (το δεύτερο όνομα είναι "Marquise") από τον A. Ya. αρμονία στον κόσμο των περασμένων αιώνων, τον κόσμο του XVIII αιώνα. Φυσικά, μια τέτοια έκκληση στο παρελθόν κατέδειξε ένα είδος άρνησης, απόρριψης του πραγματικού περιβάλλοντος κόσμου και έγινε το κύριο κίνητρο για τα έργα του συλλόγου εκείνης της εποχής. Με πολλούς τρόπους, η τεχνική της παράστασης συνέβαλε στη δημιουργία τέτοιων αφηρημένων, συμβολικών, εκλεπτυσμένων εικόνων. Το παστέλ, που αγαπούσε πολύ τον κόσμο της τέχνης, το ειδικό όριο μεταξύ ζωγραφικής και γραφικών έδωσε το επιθυμητό αποτέλεσμα όταν ο πίνακας απέκτησε τόσο καθαρή γραφική ποιότητα όσο και ρευστή, ρευστή απαλότητα παρουσίασης χαρακτηριστική της νεωτερικότητας. Κοντά σε αυτό το στυλ βρίσκονται οι ελαιογραφίες «Bosquet» (1901) του K. A. Somov, που χρησιμοποίησε ο καλλιτέχνης όταν εργαζόταν στον περίφημο πίνακα του «The Mocked Kiss» (1908), που φυλάσσεται στην Κρατική Πινακοθήκη Tretyakov, καθώς και το τοπίο του P. I. Lvov "Gray Day" .

P. I. Lvov «Τοπίο. Γκρίζα μέρα"

Η αναζήτηση για την αρμονία, έναν ιδανικό κόσμο ήταν στο επίκεντρο των δημιουργιών του V. E. Borisov-Musatov. Και παρόλο που στα περισσότερα έργα του καλλιτέχνη, πίσω από όλη την υποτίμηση, τη γλώσσα των αλληγοριών και των συγκρίσεων, διαβάζεται η ίδια εποχή του 18ου - αρχές του 19ου αιώνα, ο ίδιος δεν έδεσε τα έργα του σε μια συγκεκριμένη εποχή, είπε ότι " αυτή είναι απλώς μια όμορφη εποχή». Σχεδόν πάντα ο όμορφος κόσμος του καλλιτέχνη είναι ένας κόσμος που ξεθωριάζει, «ηλιοβασίλεμα», που εξαφανίζεται. Βρίσκουμε μια άμεση ενσάρκωση αυτού στον πίνακα του V. E. Borisov-Musatov "Harmony" (1897), μια έκδοση σκίτσου του ομώνυμου πίνακα από τη συλλογή της Γκαλερί Tretyakov. Ο καλλιτέχνης δεν ήταν επίσημα μέλος της ένωσης - ο ίδιος ο κόσμος των τεχνών στην αρχή "δεν τον έβλεπε", αργότερα αναγνωρίζοντας την πρωτοτυπία της δημιουργικής αισθητικής του πλοιάρχου. Ωστόσο, ήταν πάντα κοντά στις φιλοδοξίες τους.

V. E. Borisov-Musatov "Harmony" (1897)

F. E. Rushchits "Stream"

Τοπίο «Oranienbaum» (1901) του A. N. Benois, πολύ χαρακτηριστικό για το έργο του μάστερ, το οποίο, παρά τη λύση του καβαλέτου, μπορεί κάλλιστα να θεωρηθεί ως σκίτσο θεατρικού σκηνικού, συμμετείχε στην έκθεση «World of Art» το 1902. Στην ίδια έκθεση παρουσιάστηκε το τοπίο «Ρεύμα» του Βαλτικού και Πολωνού καλλιτέχνη F. E. Ruschits, που έλκεται προς τις μοντερνιστικές τάσεις, ήταν μέλος της κοινωνίας Πολωνών καλλιτεχνών μοντερνιστικού προσανατολισμού «Shtuka» («Τέχνη»). Αυτό εκφράζεται στο εξεταζόμενο τοπίο, γραμμένο, φυσικά, με ρεαλιστικό τρόπο, αλλά παρουσιάζεται με τον βαθύτερο νοσταλγικό συναισθηματικό ήχο, τόσο χαρακτηριστικό του Κόσμου της Τέχνης, δίνοντας αφορμή για μια θλιβερή μελωδία του αμετάκλητου παρελθόντος. Παρόμοιος συνδυασμός ρεαλιστικών παραδόσεων και σύγχρονων τεχνικών συναντάμε στο μεγάλο εικαστικό κάθετο πορτρέτο του A. E. Wiesel-Strauss (αρχές του 1900) από τον καλλιτέχνη E. O. Wiesel.

Μία από τις κύριες μορφές στην καλλιτεχνική ζωή της Ρωσίας στις αρχές του 19ου - 20ου αιώνα ήταν η προσωπικότητα του V. A. Serov, ενός αξεπέραστου δεξιοτέχνη της ρωσικής προσωπογραφίας, ο οποίος συμμετείχε ενεργά στις δραστηριότητες του "Κόσμου της Τέχνης" στη σκηνή. της συγκρότησης της κοινωνίας. Στην πρώιμη περίοδο της δουλειάς του γράφτηκε ένα έργο με θέμα από την αρχαία μυθολογία «Ιφιγένεια στην Ταυρίδα», που δημιουργήθηκε στις αρχές της δεκαετίας του 1890, πολύ πριν από το διάσημο ταξίδι του καλλιτέχνη στην Ελλάδα με τον φίλο του L. S. Bakst. Όπως και τα παραδείγματα που μόλις εξετάστηκαν, μπορεί να επεξηγήσει πλήρως το πρόβλημα της «κατάστασης στυλ» που αναφέρθηκε παραπάνω, καθώς συνδυάζει επίσης διάφορα φαινόμενα στυλ.

V.A. Σερόφ «Ιφιγένεια εν Ταυρίδα» 1893

Είναι γνωστό ότι πολλοί δάσκαλοι της «Ένωσης Ρώσων Καλλιτεχνών» (1903-1923), ενός από τους μεγαλύτερους, μαζί με τον «Κόσμο της Τέχνης», συλλόγους τέχνης στις αρχές του 19ου-20ου αιώνα, που προέκυψαν με την ζωηρή συμμετοχή των τελευταίων, εντάχθηκαν και στον κύκλο του Κόσμου της Τέχνης. Φυσικά, δεν διέφυγαν την επιρροή των δημιουργικών αρχών του παλαιότερου ομολόγου τους στην Αγία Πετρούπολη, ιδιαίτερα στην αρχή της δράσης της Ένωσης, όταν οι καλλιτέχνες και των δύο ομάδων εκτέθηκαν σε γενικές εκθέσεις αυτού του νεοσύστατου συλλόγου. Η διαδικασία μιας τέτοιας αμοιβαίας επιρροής μπορεί να εντοπιστεί ξεκάθαρα στην ανάλυση των έργων ζωγραφικής τέτοιων σημαντικών εκπροσώπων της «Ένωσης» όπως οι K. A. Korovin, B. M. Kustodiev, S. Yu. Zhukovsky, I. I. Brodsky, S. V. Malyutin, I. E. Grabar, που βρέθηκαν στον «Κόσμο της Τέχνης» ή συμμετείχαν στις εκθέσεις του. Με τη σειρά τους, οι ηγέτες του Κόσμου της Τέχνης, παρ' όλες τις διαφωνίες με τους καλλιτέχνες της Ένωσης, απορρόφησαν τις νέες καλλιτεχνικές ιδέες που έφεραν.

"K.A. Korovin "Roses" (1916)

Ο K. A. Korovin, ένας υπέροχος χρωματιστής, ένας λαμπρός δεξιοτέχνης του καβαλέτου και της θεατρικής και διακοσμητικής ζωγραφικής, παρουσιάζεται στην έκθεση με μια νεκρή φύση «Τριαντάφυλλα» (1916), ζωγραφισμένα με ιδιοσυγκρασία και ζουμερά, με μια φαρδιά πινελιά από πάστα. Ένα από τα κύρια μέλη της «Ένωσης Ρώσων Καλλιτεχνών», ήταν το κεντρικό πρόσωπο του ρωσικού ιμπρεσιονισμού. Είναι αδύνατο να μην σημειωθεί η τονισμένη θεατρικότητα στη σκηνοθεσία της νεκρής φύσης του μουσείου, κοντά στο ύφος των πινάκων νεκρής φύσης του A. Ya. miriskusniki.

Ένας άλλος σημαντικός καλλιτέχνης της αλλαγής του 19ου-20ου αιώνα, ο Osip Braz, επίσης μέλος του Κόσμου της Τέχνης και της Ένωσης Ρώσων Καλλιτεχνών, αντιπροσωπεύεται από τον υπέροχο καμβά Lady in Yellow. Η χρήση μιας ασυνήθιστης γωνίας και η μεγαλοπρέπεια της χρωματικής διαβάθμισης του κίτρινου είναι ιδιαίτερα ελκυστική στο πορτρέτο. Η αίσθηση της ρέουσας ζεστασιάς, το απαλό φως του ήλιου γύρω από τη φιγούρα και η αντανάκλαση του καθρέφτη, που ενισχύεται από την αντίθεση των χρωματικών συνδυασμών, προδίδουν τη σαφή προτίμηση του καλλιτέχνη για ζεστά χρώματα και τόνους.

Ένα άλλο πρωτότυπο γυναικείο πορτρέτο στην έκθεση είναι ένα μοναδικό παράδειγμα της πρώιμης ζωγραφικής του B. M. Kustodiev, ο οποίος εντάχθηκε στον σύλλογο World of Art στο δεύτερο στάδιο της ύπαρξής του. Πορτρέτο μιας κυρίας σε μπλε. P. M. Sudkovskaya" (1906) είναι ασυνήθιστο στη δημιουργική πρακτική του καλλιτέχνη: σε αυτό το έργο, ο πλοίαρχος δημιούργησε, πρώτα απ 'όλα, ένα εξαιρετικό "πορτρέτο ενός φορέματος", θέτοντας τον κύριο στόχο της πλαστικότητας και του χρωματισμού της γραφικής λύσης της στολής . Αυτό το μεγάλο ολόσωμο πορτρέτο ζωγραφίστηκε αναμφίβολα από τον Kustodiev υπό την εντύπωση του διάσημου έργου του K. A. Somov "Lady in Blue" - ένα πορτρέτο ενός σύγχρονου του καλλιτέχνη E. M. Martynova, στο οποίο ο Somov κατάφερε να εκφράσει ιδιαίτερα διακριτικά τον νοσταλγικό θαυμασμό για στο παρελθόν, αυτή η εικόνα απέκτησε πραγματικά συμβολική.

Β.Μ. Kustodiev "Lilac" (1906)

Υπάρχουν αρκετοί ακόμη πίνακες του Kustodiev στη συλλογή του Μουσείου Πούσκιν της Δημοκρατίας του Ταταρστάν και όλοι τους είναι διαφορετικοί στυλιστικά. Το θέμα του θεάτρου ήταν ένα από τα κορυφαία στο έργο του Κόσμου των Τεχνών. Ο μικρός καμβάς «In the Theatre» (1907 (?)) του Kustodiev προσελκύει με την ασυνήθιστη γωνία του - μια ματιά από τα βάθη του κουτιού του θεάτρου πίσω από το κοινό που στέκεται με αυστηρά φράκα και καπέλα. Ο πλοίαρχος χρησιμοποιεί έναν πρωτότυπο τρόπο οπίσθιου φωτισμού, ο οποίος, αφενός, δίνει τη σιλουέτα του κτιρίου, τη γραμμή του περιγράμματος του φωτός, και αφετέρου, γεμίζει τον καμβά με ιδιαίτερα συναισθήματα, γνωστά σε πολλούς λάτρεις του θεάτρου. ενθουσιασμός ενός θεατή που καθυστερεί για μια παράσταση, που βιάζεται να συμμετάσχει στην παντοτινή λαμπερή θεατρική γιορτή. Μια μελέτη για τον ομώνυμο πίνακα "Lilac" (1906) - μια άλλη αρκετά συχνά απαιτούμενη πλοκή (θυμηθείτε το περίφημο "Lilac" του Vrubel) - καταδεικνύει επίσης υφολογική αλληλοδιείσδυση στη σύνθεση του σημασιολογικού ελεγειακού ήχου με ελεύθερη εικαστική παρουσίαση.

Zalevsky (;) "Πορτρέτο ενός άγνωστου"

Μια σειρά από υπέροχες γυναικείες εικόνες στην έκθεση εκπλήσσει με τη μεγαλοπρέπεια και την ποικιλομορφία της. Απαλότητα, ζεστασιά, μια ιδιαίτερη οικεία αίσθηση καλύπτονται σε ένα πορτρέτο της κόρης του, ζωγραφισμένο σε παστέλ από τον S. V. Malyutin. Οι ωραιότεροι στυλιστικοί συνδυασμοί, το αισθητικό γούστο του καλλιτέχνη είναι καλά διαβασμένα σε αυτό. Ένα άλλο γυναικείο πορτρέτο του Πολωνού καλλιτέχνη Zalewski έγινε επίσης με την τεχνική παστέλ. Η εικόνα μιας κυρίας της υψηλής κοινωνίας δημιουργήθηκε από τον πλοίαρχο με μια ιδιαίτερη διακριτική προφορά, επιτρέποντάς μας να δούμε σε αυτήν ένα συγκεκριμένο τέλειο σύμβολο, το γυναικείο ιδανικό της Ασημένιας Εποχής. Εφήμερο, εκλεπτυσμένη πνευματικότητα, ευγενής αριστοκρατία - αυτές είναι οι ιδιότητες που μαζί έδωσαν μια διεισδυτική εικόνα γεμάτη βαθιά πνευματικότητα.

S. V. Malyutin - "Πορτρέτο μιας κόρης" 1912

Το κοινό ιδεολογικό χαρακτηριστικό της «Ένωσης Ρώσων Καλλιτεχνών» ήταν η διεκδίκηση της ρωσικής εθνικής ταυτότητας στο τοπίο, η ιστορική ζωγραφική, η γραφική τέχνη. Δουλεύοντας στο ύπαιθρο, από τη φύση, οι ζωγράφοι αυτής της κατεύθυνσης δημιούργησαν έργα πλούσια συναισθηματικά που βασίστηκαν στις τεχνικές του ιμπρεσιονισμού. Το τοπίο και το εσωτερικό ήταν τα κυρίαρχα είδη των δασκάλων αυτής της ένωσης, ιδιαίτερα των ζωγράφων της Μόσχας, και λειτουργούσαν ως δημιουργικό εργαστήριο όπου έψαχναν για τις πιο προηγμένες εικονογραφικές προσεγγίσεις, αναζητούσαν νέες λύσεις.

Ένας από τους τυπικούς εκπροσώπους της «Ένωσης» ήταν ο πολωνικής καταγωγής καλλιτέχνης S. Yu. Zhukovsky. Η έκκληση στην εποχή των περασμένων αιώνων, που υπάρχει στον πίνακα "Το εσωτερικό της βιβλιοθήκης του σπιτιού του γαιοκτήμονα" (1916 (?)), φέρνει τον καλλιτέχνη πιο κοντά στον κόσμο της τέχνης, στο έργο του μπορεί κανείς να σημειώσει γενικά την κυριαρχία αναδρομικών θεμάτων - είδη παλαιών κτημάτων, βεράντες, εσωτερικοί χώροι, στα οποία υπάρχει πάντα μια ανάλαφρη νοσταλγική νότα. Το ίδιο μοτίβο υπάρχει και στο «Winter Landscape» (1901(;)) του S. Yu. Zhukovsky, γραμμένο με πρόχειρο τρόπο. Η μεταβατική κατάσταση του ξεθωριασμένου χειμωνιάτικου βραδιού μεταφέρεται με λαμπρή πλαστικότητα, η μάζα των καλά μελετημένων τονικών διαβαθμίσεων καταδεικνύει πόσο ευαίσθητα και προσεκτικά ο καλλιτέχνης επιδιώκει να μεταδώσει τη λεπτή ομορφιά ενός τόσο απλού και απέριττου τοπίου.

S. Yu. Zhukovsky. «Το εσωτερικό της βιβλιοθήκης του σπιτιού του γαιοκτήμονα» (1916)

Η αγάπη για ένα τόσο "γκρίζο" ρωσικό τοπίο ήταν χαρακτηριστική για καλλιτέχνες διαφορετικών "πιστεύσεων" στην τέχνη και ο καθένας τους την ενσάρκωσε με τον δικό του τρόπο. Δύο ανοιξιάτικα τοπία του καλλιτέχνη S. F. Kolesnikov, ο οποίος συμμετείχε επίσης στις εκθέσεις World of Art, είναι εμποτισμένα με την ίδια ιδιαίτερη λεπτή κατανόηση της κατάστασης της φύσης. Τέτοια τοπία διάθεσης μπορούν να ονομαστούν προάγγελοι συμβολισμού· σε αυτά, οι συγγραφείς εστίασαν ακριβώς στην εσωτερική κατάσταση της φύσης. Την ίδια προσεκτική στάση απέναντι στην κατάσταση της φύσης βρίσκουμε στο «Winter Landscape» του A.F. Gausha, το οποίο προσελκύει με την απόλυτη απαλότητα της παρουσίασής του, αυτή την ιδιαίτερη χειμερινή κατάσταση όταν «όλα γύρω είναι καλυμμένα με χιόνι» και είναι ένα ζωντανό παράδειγμα του πλοιάρχου πάθος για ιμπρεσιονιστικές λύσεις.

I. E. Grabar "Πρωινό τσάι" (1917)

Ο I. E. Grabar παρουσιάζεται στην έκθεση με δύο πίνακες από τη συλλογή του μουσείου «Morning Tea» (1917) και «Sunset» (1907), καταδεικνύοντας ξεκάθαρα τις προτιμήσεις του στη ζωγραφική στον τομέα του ιμπρεσιονισμού και του πουαντιλισμού, οι οποίες ήταν ακριβώς αντίθετες με τη στιλιστική. ουσία της Art Nouveau. Εν τω μεταξύ, όντας καλλιτεχνικά ξένες προς αυτό το στυλ, οι εκπαιδευτικές πρωτοβουλίες του Grabar διασταυρώνονταν πάντα με εκείνες του Κόσμου της Τέχνης. Γι' αυτό, μαζί με τους Roerich, Kustodiev, Bilibin, Dobuzhinsky, ήταν ένας από τους πιο ενεργούς συμμετέχοντες στον «Κόσμο της Τέχνης» τη δεύτερη περίοδο, από το 1910.

Οι Pointillist καλλιτέχνες (ή, όπως τους αποκαλούσαν επίσης, νεοϊμπρεσιονιστές), που έφεραν την εκφραστικότητα της ζωγραφικής πινελιάς στο σημείο καθαρότητας του χρώματος, έφτασαν σίγουρα όσο το δυνατόν πιο κοντά στη συμβολική εκφραστικότητα των εικόνων τους. Τέτοια είναι τα υπέροχα χειμερινά τοπία του N. V. Meshcherin στη συλλογή του μουσείου, από τα οποία η «Παγωμένη νύχτα» του (1908) είναι ιδιαίτερα σύμφωνη με την αισθητική της νεωτερικότητας. Αυτή η νυχτερινή χειμωνιάτικη φαντασίωση, όπου κάθε χτύπημα είναι μελετημένη, επαληθευμένη, σαν κομμάτια χρωματιστού μωσαϊκού smalt, δημιουργείται από όλες τις αποχρώσεις του μπλε και του μπλε, με αποτέλεσμα μια εύθραυστη κρυστάλλινη εικόνα ενός παγωμένου χειμωνιάτικου παραμυθιού.

Ο ΣΥΜΒΟΛΙΣΜΟΣ ήταν εξαιρετικά κοντά στη φιλοσοφία της νεωτερικότητας, επομένως, λαμβάνοντας υπόψη τα έργα του Κόσμου της Τέχνης, αναλύουμε πάντα τις εκδηλώσεις συμβολικών στοιχείων σε αυτά. Με τη σειρά τους, αναμνήσεις της τέχνης της αρχαιότητας, της Ανατολής, της Αναγέννησης, του γοτθικού πολιτισμού, της κληρονομιάς της τέχνης της Αρχαίας Ρωσίας και της τέχνης του 18ου αιώνα, που είχαν μια πρωτότυπη ενσάρκωση στις δραστηριότητες του Κόσμου της Τέχνης, ήταν εκδηλώνεται ιδιόμορφα σε αυτή τη νέα καλλιτεχνική κατεύθυνση των αρχών του 20ού αιώνα, που διαμορφώθηκε κάπως αργότερα.

Οι N. K. Roerich και K. F. Bogaevsky, μαθητές του A. I. Kuindzhi, ακολουθώντας τις αρχές του καινοτόμου δασκάλου τους στον τομέα των εικονογραφικών εφέ στο είδος του τοπίου, εξέφρασαν με τον δικό τους τρόπο συμβολικές ιδέες στα θέματα και τις πλοκές που βρήκαν, η αρχική τους ερμηνεία ήταν βαθύς χαρακτήρας , περιείχε αρχαία πρωτότυπα στη φιλοσοφική του βάση. Οι καλλιτέχνες αυτοί είχαν σημεία επαφής με τον «Κόσμο της Τέχνης» και άφησαν βαθύ αποτύπωμα στις δραστηριότητες του συλλόγου. Για παράδειγμα, ο ρόλος του Roerich στην αναβίωση της κοινωνίας στο δεύτερο στάδιο της ύπαρξής της είναι ευρέως γνωστός, όταν ηγήθηκε του νεοσύστατου "World of Art", έγινε ο πρόεδρος του και έπαιξε σημαντικό οργανωτικό ρόλο στην περαιτέρω ανάπτυξή του. Γενικά, σε αυτό το στάδιο της δραστηριότητας της κοινωνίας είναι δύσκολο να ξεχωρίσουμε οποιαδήποτε κορυφαία στιλιστική κατεύθυνση, το μοντέρνο έχει χάσει το ρόλο ενός ενοποιητικού συστήματος στυλ, υπήρχαν λίγοι αληθινοί κληρονόμοι αυτού του συστήματος. Η σύνθεση του «Κόσμου της Τέχνης» των αρχών της δεκαετίας του 1910 περιλάμβανε δεξιοτέχνες διαφόρων τάσεων, κυρίως συμβολικού χαρακτήρα, εξαιτίας των οποίων οι εκθέσεις της κοινωνίας απέκτησαν την ποικιλομορφία και την ετερογένεια που χαρακτηρίζει εκείνη την εποχή.

Ν.Κ. Roerich "Mekheski - οι άνθρωποι του φεγγαριού" (1915)

Η ιστορία και η μυθολογία διαφορετικών λαών της Γης ήταν η κύρια εμπνευσμένη αρχή του έργου του N. K. Roerich. Πρωτότυποι σε σύλληψη και εκτέλεση, οι πίνακες The Varangian Sea (1909) και Mekheski - the Lunar People (1915) είναι αφιερωμένοι στη ζωή των αρχαίων πολιτισμών. Σε συνθέσεις που βασίζονται σε έντονους αντιθετικούς συνδυασμούς γενικευμένων μεγάλων χρωματικών κηλίδων, όπου οι εικόνες των ανθρώπων σκιαγραφούνται λακωνικά, αλλά εκφραστικά, ο καλλιτέχνης φέρνει την ιδέα του για τη σχέση του γήινου με το κοσμικό σε ένα ισχυρό τρισδιάστατο σύμβολο. Καμβάδες μουσείων «Έρημος χώρα. Θεοδόσιος» (1903) και «Το Όρος του Αγίου Γεωργίου» (1911) του καλλιτέχνη K.F. Bogaevsky, που ήταν μέλος της περίφημης Κιμμέριας σχολής ζωγραφικής, αποτελούν επίσης δείγματα συμβολισμού. Είναι αφιερωμένα στο θέμα που έχει γίνει αγαπημένο για τον καλλιτέχνη σε όλη τη δουλειά του. Δείχνουν τις γηγενείς τοποθεσίες του δασκάλου, ζωγραφισμένες ως εικόνες της παλιάς γης, όπου οι φανταστικές ιδέες του ζωγράφου είναι συνυφασμένες με την αρχαία προπολιτισμική ιστορία της Κριμαίας, δίνοντας αφορμή για πρωτότυπες εικόνες της υπέροχης γης της Feodosia.

Ο Κ.Φ. Bogaevsky "Έρημος χώρα. Feodosia" 1903

Παραδείγματα έργων συμβολικής κατεύθυνσης είναι έργα από τη συλλογή μουσείων των μελών της ομάδας τέχνης Blue Rose (1907), στην οποία περιλαμβάνονταν οι N. P. Krymov, P. V. Kuznetsov, P. S. Utkin, N. N. Sapunov, M. S. Saryan, S. Yu. Sudeikin, N. D. Milioti , που παρουσιάζεται σε αυτή την έκθεση. Στους πίνακες των καλλιτεχνών αυτής της ομάδας, η συμβατικότητα, ο αλληγορισμός, η διακοσμητικότητα και η επιπεδότητα συνδυάζονταν αρμονικά. Η προσπάθεια για στυλιζαρισμό, συμβολισμό, μερικές φορές για πρωτογονοποίηση της εικόνας στο πνεύμα του λούμποκ, η δημιουργικότητα των παιδιών είναι χαρακτηριστικό γνώρισμα της δημιουργικότητας της ομάδας. Η γενική τάση στην ανάπτυξη των καλλιτεχνών της ομάδας ήταν η μετάβαση από τον ιμπρεσιονισμό στον μετα-ιμπρεσιονισμό. Ο V. I. Denisov ήταν δίπλα τους, ο καλλιτέχνης V. A. Galvich ήταν πολύ κοντά στις δημιουργικές τους φιλοδοξίες, τα έργα του οποίου παρουσιάζονται επίσης στην έκθεση.

Είναι σημαντικό ότι όλοι τους - τόσο ο Κόσμος των Τεχνών όσο και οι Συμβολιστές - γοητεύτηκαν από το θέατρο: το θέατρο είναι παρόν σε έργα καβαλέτο, το θέατρο γίνεται ένας χώρος για την ενσάρκωση των επαγγελματικών φιλοδοξιών. Πολλές συνθέσεις καβαλέτο των Γκολουμποροζοβιτών στη συλλογή του μουσείου μπορούν να διαβαστούν ως σκηνικά ή σκίτσα θεατρικών σκηνών, εικόνες της παράστασης (έργα των N. P. Krymov, P. S. Utkin, N. N. Sapunov, S. Yu. Sudeikin, N. D. Milioti ). Σε μεταγενέστερο στάδιο της ύπαρξης του συλλόγου «World of Art», το 1917 και αργότερα, σχεδόν όλοι αυτοί οι δάσκαλοι ήταν μέρος του ή έλαβαν μέρος σε εκθέσεις μαζί με καλλιτέχνες της avant-garde.

Αρχικά, ο V. E. Borisov-Musatov και ο M. A. Vrubel συμμετείχαν στις δραστηριότητες των Blue Bears, των οποίων η τέχνη, τόσο πριν όσο και μετά, ξεχώρισε από αυτήν την ομάδα, αλλά αναπτύχθηκε στην ίδια αισθητική πλατφόρμα συμβολισμού. Η τέχνη τους έγινε η αφετηρία για τους Ρώσους συμβολιστές στη δημιουργία του δικού τους οράματος για την καλλιτεχνική διαδικασία, και ως εκ τούτου μπορεί να θεωρηθεί ως ένα είδος γέφυρας μεταξύ των παραδοσιακών αισθητικών στάσεων του World of Art Nouveau και του συμβολισμού που αναπτύχθηκε μεταξύ οι Γαλάζιοι Φορείς.

Μ.Α. Vrubel "Flight of Faust and Mephistopheles" (1896)

Ο μνημειώδης πίνακας του M. A. Vrubel "The Flight of Faust and Mephistopheles" (1896) είναι το καμάρι της μουσειακής συλλογής ρωσικής τέχνης. Αυτό το μεγάλο διακοσμητικό πάνελ τεσσάρων μέτρων είναι μια έκδοση σκίτσου του διάσημου πίνακα με το ίδιο όνομα για το γοτθικό γραφείο της έπαυλης των εμπόρων Vikula Alekseevich και Alexei Vikulovich Morozov στη Vvedensky Lane στη Μόσχα, που χτίστηκε το 1878-1879 σύμφωνα με το έργο των εξαιρετικών αρχιτεκτόνων D. N. Chichagov και F. O. Shekhtel. Ο καλλιτέχνης εργάστηκε με μεγάλες απομονωμένες κηλίδες χρώματος, έχοντας ένα είδος γραμμικής μπορντούρας παρόμοια με την τεχνική του βιτρό. Αυτός ο βρεμένος τρόπος γραφής, μια ιδιαίτερη διακοσμητική αρχή έθεσε τον ρυθμό της κίνησης των κηλίδων και των γραμμών στην επιφάνεια του καμβά, συνδέοντας φυσικά τις εικόνες του Vrubel με την Art Nouveau και, ταυτόχρονα, δίνοντάς τους έναν ιδιαίτερο ήχο υπό όρους και συμβολικό. Έτσι, ο Vrubel και ο κόσμος της τέχνης ενώθηκαν με την κατανόηση της ουσίας της καλλιτεχνικής αισθητικής, δεν είναι τυχαίο ότι ο πλοίαρχος βρέθηκε ανάμεσα στα συνεπή μέλη της κοινωνίας, συμμετέχοντας στις πρώτες εκθέσεις της κοινωνίας.

V.G. Purvit "Old Tower" (μέχρι το 1920)

Σύμφωνα με το συμβολισμό, προχώρησε η εξέλιξη της δουλειάς των καλλιτεχνών του Κόσμου της Τέχνης, πολύ διαφορετικής στη δημιουργική τους έκφραση. Αυτό φαίνεται ξεκάθαρα στα έργα του μελλοντικού κυβιστή και σουπρεματιστή N. I. Altman που παρουσίασε σε αυτήν την έκθεση, ο εκπρόσωπος και διοργανωτής των εκθέσεων του World of Art K. V. Kondaurov, ο καλλιτέχνης της σχολής K. S. Petrov-Vodkin M. M. Nakhman. Δίπλα σε αυτά τα έργα, η έκθεση παρουσιάζει επίσης έργα γραφικών διάσημων καλλιτεχνών του Κόσμου των Τεχνών B.I. » (γκρι χαρτόνι, τέμπερα)).
Εν τω μεταξύ, η μακρά και πολύπλοκη ιστορία του Κόσμου της Τέχνης έχει γεμίσει με γεγονότα και σημεία καμπής. Ειδικότερα, μέσα από το πρίσμα της τελευταίας δεκαετίας στην εξέλιξη του Κόσμου της Τέχνης, μπορεί κανείς να εξετάσει εν μέρει τα καλλιτεχνικά ονόματα της συλλογής του μουσείου, πολύ γνωστά στη διαμόρφωση άλλων τάσεων στη ρωσική τέχνη, που συχνά δεν συμπίπτουν καθόλου, και μερικές φορές ακριβώς απέναντι, με τη δημιουργική κυρίαρχη του συλλόγου. Ένα ενδιαφέρον παράδειγμα αυτού είναι η συμμετοχή στις εκθέσεις του συλλόγου ορισμένων καλλιτεχνών της avant-garde ακόμη και πριν από τη διαμόρφωση των καινοτόμων δημιουργικών τους φιλοδοξιών. Για παράδειγμα, ο γνωστός πρωτογονιστής, ο συγγραφέας της θεωρίας του Ραγιονισμού, M.F. Larionov, στην έκθεση του Κόσμου της Τέχνης το 1906, παρουσίασε τον κήπο του τοπίου την Άνοιξη, δείχνοντας ξεκάθαρα την έλξη του καλλιτέχνη στον ιμπρεσιονισμό σε πρώιμο στάδιο η δουλειά του. Αργότερα, στα προεπαναστατικά και επαναστατικά χρόνια, αυτοί οι δάσκαλοι, ως επί το πλείστον εκπρόσωποι του "Jack of Diamonds", εμφανίστηκαν στις εκθέσεις του Κόσμου των Τεχνών με τα χαρακτηριστικά πρωτοποριακά παραδείγματα δημιουργικότητάς τους.

Ι.Ι. Mashkov "Λουλούδια σε ένα βάζο", τέλη του 1900

Μόνο σε ένα από αυτά τα έργα, στην πρώιμη νεκρή φύση του I. I. Mashkov «Flowers in a Vase» στα τέλη της δεκαετίας του 1900, με έκπληξη σημειώνουμε τον σπάνιο συνδυασμό εκλεπτυσμένων αραβουργικών σχηματοποιήσεων της νεωτερικότητας με καινοτόμες αναζητήσεις δημιουργίας φόρμας.

Τα περισσότερα από τα έργα που παρουσιάστηκαν στην έκθεση μεταφέρθηκαν στο Μουσείο της Πόλης του Καζάν τη δεκαετία του 1920 - 1930 από το Ταμείο Κρατικών Μουσείων και τα μουσεία τέχνης της πρωτεύουσας (Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ, Κρατικό Ρωσικό Μουσείο), όταν τμήματα της εγχώριας προεπαναστατικής τέχνης και η τοπική τέχνη διαμορφώθηκε εντατικά στο μουσείο.τις άκρες. Μία από τις μεγαλύτερες εισπράξεις για όλα τα χρόνια ύπαρξης του μουσείου έγινε το 1920, όταν το Μουσείο της Πόλης του Καζάν έγινε είκοσι πέντε ετών, και προς τιμήν αυτής της επετειακής ημερομηνίας, το Ταμείο του Κρατικού Μουσείου έστειλε στο Καζάν εκατόν τριάντα δύο Πίνακες ζωγραφικής καλλιτεχνών διαφορετικών τάσεων και στυλ στο γύρισμα του 19ου-20ου αιώνα. Η συλλογή του μουσείου εμπλουτίστηκε με έργα του Κόσμου της Τέχνης, της Ένωσης Ρώσων Καλλιτεχνών, του Μπλε Τριαντάφυλλου και άλλων.

ΜΟΝΤΕΡΝΟ (φρ. moderne, από το λατινικό modernus - νέο, μοντέρνο) - ένα στυλ στην ευρωπαϊκή και αμερικανική τέχνη του τέλους του XIX - των αρχών του ΧΧ αιώνα. (άλλα ονόματα είναι Art Nouveau (Art Nouveau στη Γαλλία και Αγγλία), Jugendstil (Jugendstil στη Γερμανία), Liberty (Liberty στην Ιταλία)).

A. N. Benois - "Oranienbaum" 1901

Το ιδεολογικό και φιλοσοφικό έδαφος πάνω στο οποίο αναπτύχθηκε η «νέα τέχνη» της νεωτερικότητας ήταν ο νεορομαντισμός, ο οποίος σε ένα νέο στάδιο αναβίωσε τις ρομαντικές ιδέες της σύγκρουσης μεταξύ ατόμου και κοινωνίας. Η αρχική αισθητική του Art Nouveau βασίστηκε στην ιδέα μιας σύνθεσης των τεχνών, η οποία βασίστηκε στην αρχιτεκτονική, ενώνοντας όλα τα είδη τέχνης - από τη ζωγραφική και το θέατρο μέχρι τα μοντέλα ρούχων. Μία από τις βασικές αρχές της σύγχρονης αισθητικής ήταν η αρχή της παρομοίωσης μιας ανθρωπογενούς μορφής με μια φυσική και το αντίστροφο. Αυτό αντικατοπτρίστηκε στην αρχιτεκτονική μορφή, στις λεπτομέρειες των κτιρίων, στο στολίδι, που γνώρισε εξαιρετική εξέλιξη στη νεωτερικότητα σε όλα τα είδη τέχνης και είχε την πιο ποικιλόμορφη καλλιτεχνική έκφραση. Το πρωτότυπο των μορφών και των διακοσμητικών στο σύστημα Art Nouveau ήταν τόσο φυσικές μορφές όσο και χαρακτηριστικά των στυλ του παρελθόντος, τα οποία αναθεωρήθηκαν ριζικά μέσω της στυλιζαρίσματος (με βάση ειδικά υλικά αναφοράς).

A. N. Benois - Screensaver του περιοδικού "World of Art"

Καλλιτέχνες του Κόσμου της Τέχνης.

"World of Art" - ένας οργανισμός που προέκυψε στην Αγία Πετρούπολη το 1898 και ένωσε τους δασκάλους της υψηλότερης καλλιτεχνικής κουλτούρας, την καλλιτεχνική ελίτ της Ρωσίας εκείνων των χρόνων. Την αρχή του «Κόσμου της Τέχνης» έδωσαν οι βραδιές στο σπίτι του Α. Μπενουά, αφιερωμένες στην τέχνη, τη λογοτεχνία και τη μουσική. Τον κόσμο που μαζεύτηκε εκεί ένωσε η αγάπη τους για την ομορφιά και η πεποίθηση ότι μόνο στην τέχνη μπορεί να βρεθεί, αφού η πραγματικότητα είναι άσχημη. Έχοντας προκύψει επίσης ως αντίδραση στη μικροπρέπεια των αείμνηστων Wanderers, τον εποικοδομητικό και παραστατικό χαρακτήρα του, ο Κόσμος της Τέχνης σύντομα μετατράπηκε σε ένα από τα σημαντικότερα φαινόμενα της ρωσικής καλλιτεχνικής κουλτούρας. Σχεδόν όλοι οι διάσημοι καλλιτέχνες συμμετείχαν σε αυτόν τον σύλλογο - Benois, Somov, Bakst, E.E. Lansere, Golovin, Dobuzhinsky, Vrubel, Serov, K. Korovin, Levitan, Nesterov, Ostroumova-Lebedeva, Bilibin, Sapunov, Sudeikin, Ryabushkin, Roerich, Kustodiev, Petrov-Vodkin, Malyavin, καθώς και Larionov και Goncharova. Μεγάλη σημασία για τη συγκρότηση αυτού του συλλόγου είχε η προσωπικότητα Ντιαγκίλεφ, φιλάνθρωπος και διοργανωτής εκθέσεων, και αργότερα - ο ιμπρεσάριος περιοδειών ρωσικού μπαλέτου και όπερας στο εξωτερικό ("Ρωσικές εποχές", που εισήγαγε την Ευρώπη στο έργο των Chaliapin, Pavlova, Karsavina, Fokine, Nijinsky και άλλων και έδειξε στον κόσμο ένα παράδειγμα της υψηλότερης κουλτούρας των μορφών των διαφόρων τεχνών: μουσική, χορός, ζωγραφική, σκηνογραφία). Στο αρχικό στάδιο του σχηματισμού του «Κόσμου της Τέχνης», ο Ντιάγκιλεφ διοργάνωσε μια έκθεση αγγλικών και γερμανικών υδατογραφιών στην Αγία Πετρούπολη το 1897 και στη συνέχεια μια έκθεση Ρώσων και Φινλανδών καλλιτεχνών το 1898. Υπό την επιμέλειά του από το 1899 έως το 1904 κυκλοφόρησε ένα περιοδικό με το ίδιο όνομα, αποτελούμενο από δύο τμήματα: καλλιτεχνικό και λογοτεχνικό. Τα editorial των πρώτων τευχών του περιοδικού ήταν ξεκάθαρα διατύπωσε τις κύριες διατάξεις του «Κόσμου της Τέχνης»» για την αυτονομία της τέχνης, ότι τα προβλήματα του σύγχρονου πολιτισμού είναι αποκλειστικά προβλήματα καλλιτεχνικής μορφής και ότι το κύριο καθήκον της τέχνης είναι να εκπαιδεύσει τα αισθητικά γούστα της ρωσικής κοινωνίας, κυρίως μέσω της γνωριμίας με έργα παγκόσμιας τέχνης.Πρέπει να τους δώσουμε την τιμητική τους: χάρη στον Κόσμο της Τέχνης, η αγγλική και η γερμανική τέχνη εκτιμήθηκαν πραγματικά με έναν νέο τρόπο, και το πιο σημαντικό, η ρωσική ζωγραφική του 18ου αιώνα και η αρχιτεκτονική του κλασικισμού της Αγίας Πετρούπολης έγιναν ανακάλυψη για πολλούς. Ο «World of Art» πάλεψε για την «κριτική ως τέχνη», διακηρύσσοντας το ιδανικό του κριτικού-καλλιτέχνη με υψηλή επαγγελματική κουλτούρα και πολυμάθεια. Τον τύπο ενός τέτοιου κριτικού ενσάρκωσε ένας από τους δημιουργούς του The World of Art, A.N. Ο Μπενουά.

Η «Miriskusniki» διοργάνωσε εκθέσεις. Η πρώτη ήταν και η μόνη διεθνής που συγκέντρωσε, εκτός από Ρώσους, καλλιτέχνες από τη Γαλλία, την Αγγλία, τη Γερμανία, την Ιταλία, το Βέλγιο, τη Νορβηγία, τη Φινλανδία κ.λπ. Αλλά η ρωγμή μεταξύ αυτών των δύο σχολείων - Αγίας Πετρούπολης και Μόσχας - σκιαγραφήθηκε σχεδόν από την πρώτη μέρα. Τον Μάρτιο του 1903 έκλεισε η τελευταία, πέμπτη έκθεση του Κόσμου της Τέχνης, τον Δεκέμβριο του 1904 κυκλοφόρησε το τελευταίο τεύχος του περιοδικού World of Art. Οι περισσότεροι από τους καλλιτέχνες μετακόμισαν στην «Ένωση Ρώσων Καλλιτεχνών», που οργανώθηκε με βάση την έκθεση της Μόσχας «36». Ο Ντιαγκίλεφ ασχολήθηκε πλήρως με το μπαλέτο και το θέατρο. 1906, στη συνέχεια εκτέθηκε στο Βερολίνο και τη Βενετία (1906-1907). τμήμα της μοντέρνας ζωγραφικής, την κύρια θέση κατέλαβε ο «Κόσμος της Τέχνης» Αυτή ήταν η πρώτη πράξη πανευρωπαϊκής αναγνώρισης του «Κόσμου της Τέχνης», καθώς και η ανακάλυψη της ρωσικής ζωγραφικής του 18ου – αρχές του 20ου αιώνες γενικά για τη δυτική κριτική και έναν πραγματικό θρίαμβο της ρωσικής τέχνης

Ο κορυφαίος καλλιτέχνης του «Κόσμου της Τέχνης» ήταν Konstantin Andreevich Somov(1869–1939). Ο γιος του επικεφαλής επιμελητή του Ερμιτάζ, ο οποίος αποφοίτησε από την Ακαδημία Τεχνών και ταξίδεψε σε όλη την Ευρώπη, ο Somov έλαβε εξαιρετική εκπαίδευση. Η δημιουργική ωριμότητα του ήρθε νωρίς, αλλά, όπως σωστά παρατήρησε ο ερευνητής (V.N. Petrov), είχε πάντα κάποια δυαδικότητα - την πάλη ανάμεσα σε ένα ισχυρό ρεαλιστικό ένστικτο και μια οδυνηρή συναισθηματική κοσμοθεωρία.

Ο Somov, όπως τον ξέρουμε, εμφανίστηκε στο πορτρέτο του καλλιτέχνη Martynova ("Lady in Blue", 1897-1900, State Tretyakov Gallery), στον πίνακα πορτρέτου "Echoes of the Past Time" (1903, π. στον χάρτη , aqua., gouache, State Tretyakov Gallery ), όπου δημιουργεί έναν ποιητικό χαρακτηρισμό της εύθραυστης, αναιμικής γυναικείας ομορφιάς του παρακμιακού μοντέλου, αρνούμενος να μεταφέρει τα πραγματικά καθημερινά σημάδια της νεωτερικότητας. Ντύνει τα μοντέλα με αρχαίες ενδυμασίες, δίνει στην εμφάνισή τους τα χαρακτηριστικά της μυστικής ταλαιπωρίας, της θλίψης και της ονειροπόλησης, της οδυνηρής θραύσης.

Πριν από οποιονδήποτε άλλον στον κόσμο της τέχνης, ο Somov στράφηκε στα θέματα του παρελθόντος, στην ερμηνεία του 18ου αιώνα. («Επιστολή», 1896· «Εμπιστευτικά», 1897), όντας ο πρόδρομος των βερσαλλικών τοπίων του Μπενουά. Είναι ο πρώτος που δημιούργησε έναν σουρεαλιστικό κόσμο, πλεγμένο από τα μοτίβα της αρχοντιάς, της περιουσίας και της αυλικής κουλτούρας και τις δικές του καθαρά υποκειμενικές καλλιτεχνικές αισθήσεις, διαποτισμένες από ειρωνεία. Ο ιστορικισμός του «Κόσμου της Τέχνης» ήταν μια απόδραση από την πραγματικότητα. Όχι το παρελθόν, αλλά η σκηνοποίησή του, λαχτάρα για το ανεπανόρθωτό του - αυτό είναι το κύριο κίνητρό τους. Όχι αληθινή διασκέδαση, αλλά ένα παιχνίδι διασκέδασης με φιλιά στα σοκάκια - τέτοιος είναι ο Somov.

ρε Τα άλλα έργα του Somov είναι ποιμενικές και γενναίες γιορτές («The Ridiculous Kiss», 1908, Russian Museum; «Marquise’s Walk», 1909, Russian Museum), γεμάτες καυστική ειρωνεία, πνευματικό κενό, ακόμη και απελπισία. Ερωτικές σκηνές από τον 18ο – αρχές του 19ου αιώνα. Πάντα δοσμένος με μια νότα ερωτικής πινελιάς, ο Somov εργάστηκε πολύ ως γραφίστας, σχεδίασε μια μονογραφία του S. Diaghilev για τον D. Levitsky, ένα δοκίμιο του A. Benois για το Tsarskoye Selo. Το βιβλίο, ως ενιαίος οργανισμός με τη ρυθμική και υφολογική του ενότητα, ανέβηκε από τον ίδιο σε ένα εξαιρετικό ύψος. Ο Somov δεν είναι εικονογράφος, "δεν εικονογραφεί ένα κείμενο, αλλά μια εποχή, χρησιμοποιώντας μια λογοτεχνική συσκευή ως εφαλτήριο", έγραψε ο A.A. Sidorov, και αυτό είναι πολύ αλήθεια.

Somov "Lady in Blue" "At the Skating Rink" Benois. Α. "King's Walk"

Ο ιδεολογικός ηγέτης του «Κόσμου της Τέχνης» ήταν Αλεξάντερ Νικολάεβιτς Μπενουά(1870-1960) - ένα ασυνήθιστα ευέλικτο ταλέντο. Ζωγράφος, γραφίστας και εικονογράφος καβαλέτου, θεατρολόγος, σκηνοθέτης, συγγραφέας λιμπρέτων μπαλέτου, θεωρητικός και ιστορικός τέχνης, μουσικό πρόσωπο, ήταν, κατά τα λόγια του A. Bely, ο κύριος πολιτικός και διπλωμάτης του «Κόσμου της Τέχνης». Προερχόμενος από το υψηλότερο στρώμα της καλλιτεχνικής διανόησης της Αγίας Πετρούπολης (συνθέτες και μαέστροι, αρχιτέκτονες και ζωγράφοι), σπούδασε αρχικά στη Νομική Σχολή του Πανεπιστημίου της Αγίας Πετρούπολης.

Ως καλλιτέχνης, σχετίζεται με τον Somov από στυλιστικές τάσεις και εθισμό στο παρελθόν ("Είμαι μεθυσμένος με τις Βερσαλλίες, αυτό είναι κάποιο είδος ασθένειας, αγάπης, εγκληματικού πάθους ... Μετακόμισα εντελώς στο παρελθόν ...") . Στα τοπία των Βερσαλλιών, ο Μπενουά ένωσε την ιστορική ανασυγκρότηση του 17ου αιώνα. και οι σύγχρονες εντυπώσεις του καλλιτέχνη, η αντίληψή του για τον γαλλικό κλασικισμό, η γαλλική χαρακτική. Εξ ου και η ξεκάθαρη σύνθεση, η καθαρή χωρικότητα, το μεγαλείο και η ψυχρή αυστηρότητα των ρυθμών, η αντίθεση μεταξύ της μεγαλοπρέπειας των μνημείων τέχνης και της μικρότητας των ανθρώπινων μορφών, που είναι μόνο προσωπικό ανάμεσά τους (η 1η σειρά Βερσαλλιών 1896-1898 υπό τον τίτλο «Οι τελευταίοι περίπατοι του Λουδοβίκου XIV»). Στη δεύτερη σειρά των Βερσαλλιών (1905-1906), η ειρωνεία, που είναι επίσης χαρακτηριστική των πρώτων φύλλων, χρωματίζεται με σχεδόν τραγικές νότες («The King's Walk»,). Η σκέψη του Μπενουά είναι η σκέψη ενός κατ’ εξοχήν θεατρικού καλλιτέχνη, που γνώριζε και ένιωθε πολύ καλά το θέατρο.

Η φύση γίνεται αντιληπτή από τον Μπενουά σε μια συνειρμική σύνδεση με την ιστορία (όψεις του Παβλόφσκ, του Πέτερχοφ, του Τσάρσκογιε Σέλο, που εκτελούνται από αυτόν με τεχνική ακουαρέλας).

Σε μια σειρά από πίνακες από το ρωσικό παρελθόν, με παραγγελία του εκδοτικού οίκου της Μόσχας Knebel (εικονογραφήσεις για τα «Βασιλικά Κυνήγια»), σε σκηνές της ευγενούς, γαιοκτήμονα ζωής του 18ου αιώνα. Ο Μπενουά δημιούργησε μια οικεία εικόνα αυτής της εποχής, αν και μια κάπως θεατρική Παρέλαση υπό τον Παύλο Ι. Ο Μπενουά ο εικονογράφος (Πούσκιν, Χόφμαν) είναι μια ολόκληρη σελίδα στην ιστορία του βιβλίου. Σε αντίθεση με τον Somov, ο Benois δημιουργεί μια αφηγηματική εικονογράφηση. Το επίπεδο της σελίδας δεν είναι αυτοσκοπός για εκείνον. Οι εικονογραφήσεις για το The Queen of Spades ήταν μάλλον ολοκληρωμένα ανεξάρτητα έργα, όχι τόσο η «τέχνη του βιβλίου», όπως ο A.A. Sidorov, πόσο «η τέχνη είναι στο βιβλίο». Ένα αριστούργημα εικονογράφησης βιβλίων ήταν η γραφιστική του Χάλκινου Καβαλάρη (1903,1905,1916,1921–1922, μελάνι και ακουαρέλα που μιμείται έγχρωμες ξυλογραφίες). Σε μια σειρά από εικονογραφήσεις για το μεγάλο ποίημα, ο κεντρικός ήρωας είναι το αρχιτεκτονικό τοπίο της Αγίας Πετρούπολης, τώρα πανηγυρικά αξιολύπητο, τώρα ειρηνικό, τώρα απαίσιο, απέναντι στο οποίο η φιγούρα του Ευγένιου φαίνεται ακόμη πιο ασήμαντη. Έτσι εκφράζει ο Μπενουά την τραγική σύγκρουση μεταξύ της μοίρας του ρωσικού κρατισμού και της προσωπικής μοίρας ενός μικρού ανθρώπου («Και όλη τη νύχτα ο φτωχός τρελός, / Όπου κι αν γύριζε τα πόδια του, / Ο Χάλκινος Καβαλάρης ήταν παντού μαζί του / Με ένα βαρύ στόμπο κάλπασε»).

«Χάλκινος Καβαλάρης»

«
Παρέλαση υπό τον Παύλο Α'»

Ως καλλιτέχνης του θεάτρου, ο Μπενουά σχεδίασε τις παραστάσεις των Ρωσικών Εποχών, από τις οποίες η πιο γνωστή ήταν το μπαλέτο Petrushka σε μουσική του Στραβίνσκι, εργάστηκε πολύ στο Θέατρο Τέχνης της Μόσχας και αργότερα σε όλες σχεδόν τις μεγάλες ευρωπαϊκές σκηνές.

Η δραστηριότητα του Μπενουά, ενός κριτικού τέχνης και ιστορικού τέχνης που, μαζί με τον Γκραμπάρ, ενημέρωσε τις μεθόδους, τις τεχνικές και τα θέματα της ρωσικής ιστορίας της τέχνης, είναι ένα ολόκληρο στάδιο στην ιστορία της κριτικής τέχνης (βλ. "Ιστορία της ζωγραφικής του 19ου αιώνα" από τον R. Muther - τόμος "Ρωσική Ζωγραφική", 1901-1902, "Ρωσική Σχολή Ζωγραφικής", έκδοση 1904, "Tsarskoe Selo κατά τη βασιλεία της αυτοκράτειρας Ελισάβετ Πετρόβνα", 1910, άρθρα στα περιοδικά "World of Art" και "Παλιά Χρόνια", "Καλλιτεχνικοί θησαυροί της Ρωσίας" κ.λπ.).

Τ το τρίτο στον πυρήνα του «Κόσμου της Τέχνης» ήταν Λεβ Σαμουήλοβιτς Μπακστ(1866-1924), που έγινε διάσημος ως καλλιτέχνης του θεάτρου και ήταν ο πρώτος μεταξύ των «Κόσμων της Τέχνης» που απέκτησε φήμη στην Ευρώπη. Ήρθε στον «Κόσμο της Τέχνης» από την Ακαδημία Τεχνών, στη συνέχεια δέχτηκε το στυλ Art Nouveau, εντάχθηκε στις αριστερές τάσεις της ευρωπαϊκής ζωγραφικής. Στις πρώτες εκθέσεις του Κόσμου της Τέχνης, εξέθεσε μια σειρά από εικαστικά και γραφικά πορτρέτα (Benoit, Bely, Somov, Rozanov, Gippius, Diaghilev), όπου η φύση, ερχόμενη σε ένα ρεύμα ζωντανών καταστάσεων, μεταμορφώθηκε σε ένα είδος ιδανική αναπαράσταση ενός σύγχρονου ανθρώπου. Ο Μπακστ δημιούργησε το εμπορικό σήμα του περιοδικού "World of Art", το οποίο έγινε το έμβλημα των "Ρωσικών Εποχών" του Ντιάγκιλεφ στο Παρίσι. Τα γραφικά του Μπακστ στερούνται μοτίβων του 18ου αιώνα. και θέματα περιουσίας. Ελκύεται προς την αρχαιότητα, επιπλέον, προς το ελληνικό αρχαϊκό, ερμηνευόμενο συμβολικά. Ιδιαίτερη επιτυχία με τους Συμβολιστές είχε ο πίνακας του «Ancient Horror» - «Terror antiquus» (τέμπερα, 1908, Ρωσικό Μουσείο). Ένας τρομερός θυελλώδης ουρανός, αστραπές που φωτίζουν την άβυσσο της θάλασσας και μια αρχαία πόλη - και πάνω από όλη αυτή την παγκόσμια καταστροφή κυριαρχεί ο αρχαϊκός φλοιός με ένα μυστηριώδες παγωμένο χαμόγελο. Σύντομα ο Μπακστ αφοσιώθηκε πλήρως στη θεατρική και σκηνική δουλειά και τα σκηνικά και τα κοστούμια του για τα μπαλέτα της επιχείρησης Diaghilev, που παίχτηκαν με εξαιρετική λαμπρότητα, βιρτουόζο, καλλιτεχνικά, του έφεραν παγκόσμια φήμη. Στο σχέδιό του υπήρχαν παραστάσεις με την Anna Pavlova, μπαλέτα του Fokine. Ο καλλιτέχνης έφτιαξε σκηνικά και κοστούμια για τη Scheherazade του Rimsky-Korsakov, το The Firebird του Stravinsky (και τα δύο 1910), το Daphnis and Chloe του Ravel και το The Afternoon of a Faun σε μουσική του Debussy (και τα δύο 1912).

«Αρχαίος τρόμος» Απόγευμα ενός φαύνου «Πορτρέτο του Gippius

Από την πρώτη γενιά του «World of Art» ο νεότερος ήταν Evgeny Evgenievich Lansere (1875–1946),στο έργο του, έθιξε όλα τα βασικά προβλήματα των γραφικών βιβλίων των αρχών του 20ού αιώνα. (Δείτε τις εικονογραφήσεις του για το βιβλίο «Legends of the ancient castles of Brittany», για τον Lermontov, το εξώφυλλο για το «Nevsky Prospekt» του Bozheryanov κ.λπ.). Ο Lansere δημιούργησε μια σειρά από ακουαρέλες και λιθογραφίες της Αγίας Πετρούπολης (Γέφυρα Καλίνκιν, Αγορά Νικόλσκι κ.λπ.). Η αρχιτεκτονική κατέχει τεράστια θέση στις ιστορικές του συνθέσεις («Αυτοκράτειρα Elizaveta Petrovna στο Tsarskoye Selo», 1905, Κρατική Πινακοθήκη Tretyakov). Μπορούμε να πούμε ότι στο έργο των Serov, Benois, Lansere δημιουργήθηκε ένας νέος τύπος ιστορικής ζωγραφικής - στερείται πλοκής, αλλά ταυτόχρονα αναδημιουργεί τέλεια την εμφάνιση της εποχής, προκαλεί πολλά ιστορικά, λογοτεχνικά και αισθητικά συλλόγους. Μία από τις καλύτερες δημιουργίες της Lansere - 70 σχέδια και ακουαρέλες για το L.N. Το «Hadji Murad» (1912-1915) του Τολστόι, το οποίο ο Μπενουά θεώρησε «ένα ανεξάρτητο τραγούδι που ταιριάζει απόλυτα στη δυνατή μουσική του Τολστόι».

ΣΤΟ
γραφικά του Mstislav Valerianovich Dobuzhinsky(1875–1957) αντιπροσωπεύει όχι τόσο την Πετρούπολη της εποχής Πούσκιν ή τον 18ο αιώνα όσο μια σύγχρονη πόλη, την οποία μπόρεσε να μεταφέρει με σχεδόν τραγική εκφραστικότητα («The Old House», 1905, ακουαρέλα, Κρατική Πινακοθήκη Tretyakov), όσο καθώς και ένα άτομο που ζει σε τέτοιες πόλεις (« Ένας άντρας με γυαλιά», 1905–1906, παστέλ, Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ: ένας μοναχικός, με φόντο θαμπών σπιτιών, ένας λυπημένος άνθρωπος, του οποίου το κεφάλι μοιάζει με κρανίο). Η αστικοποίηση του μέλλοντος ενέπνευσε τον Ντομπουζίνσκι με φόβο πανικού. Εργάστηκε επίσης εκτενώς στην εικονογράφηση, όπου η σειρά σχεδίων του με μελάνι για τις Λευκές Νύχτες του Ντοστογιέφσκι (1922) μπορεί να θεωρηθεί η πιο αξιόλογη. Ο Dobuzhinsky εργάστηκε επίσης στο θέατρο, σχεδιασμένο για τον Nemirovich-Danchenko "Nikolai Stavrogin" (στ.

Ξεχωριστή θέση στον «Κόσμο της Τέχνης» κατέχει Νίκολας Ρέριχ(1874–1947). Γνώστης της φιλοσοφίας και της εθνογραφίας της Ανατολής, αρχαιολόγος-επιστήμονας, ο Roerich έλαβε εξαιρετική εκπαίδευση, πρώτα στο σπίτι, μετά στη νομική και ιστορική-φιλολογική σχολή του Πανεπιστημίου της Αγίας Πετρούπολης, στη συνέχεια στην Ακαδημία Τεχνών, στο εργαστήριο του Kuindzhi, και στο Παρίσι στο στούντιο του F. Cormon. Νωρίς απέκτησε την εξουσία του επιστήμονα. Είχε σχέση με τον «Κόσμο της Τέχνης» με την ίδια αγάπη για την αναδρομή, μόνο όχι του 17ου-18ου αιώνα, αλλά της παγανιστικής σλαβικής και σκανδιναβικής αρχαιότητας, με την Αρχαία Ρωσία. στιλιστικές τάσεις, θεατρική διακοσμητικότητα («Αγγελιοφόρος», 1897, Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ· «Οι Πρεσβύτεροι Συγκλίνουν», 1898, Ρωσικό Μουσείο· «Σίνιστερ», 1901, Ρωσικό Μουσείο). Ο Roerich συνδέθηκε πιο στενά με τη φιλοσοφία και την αισθητική του ρωσικού συμβολισμού, αλλά η τέχνη του δεν ταίριαζε στο πλαίσιο των υφιστάμενων τάσεων, επειδή, σύμφωνα με την κοσμοθεωρία του καλλιτέχνη, στράφηκε, όπως ήταν, σε όλη την ανθρωπότητα με μια έκκληση για μια φιλική ένωση όλων των λαών. Εξ ου και η ιδιαίτερη επική φύση των έργων του.

«

Ουράνια μάχη"

"Εξωτερικοί επισκέπτες"

Μετά το 1905, η διάθεση του πανθεϊστικού μυστικισμού μεγάλωσε στο έργο του Roerich. Τα ιστορικά θέματα δίνουν τη θέση τους σε θρησκευτικούς θρύλους (The Heavenly Battle, 1912, Ρωσικό Μουσείο). Η ρωσική εικόνα είχε τεράστια επιρροή στον Roerich: το διακοσμητικό πάνελ του "The Battle of Kerzhents" (1911) εκτέθηκε κατά την παράσταση ενός ομότιτλου τμήματος από την όπερα του Rimsky-Korsakov "The Legend of the Invisible City of Kitezh and the Maiden Fevronia» στις παριζιάνικες «Russian Seasons».

ΣΤΟ για τη δεύτερη γενιά του «Κόσμου της Τέχνης» από έναν από τους πιο προικισμένους καλλιτέχνες ήταν ο Μπόρις Μιχαήλοβιτς Κουστόντιεφ(1878–1927), μαθητής του Ρέπιν, ο οποίος τον βοήθησε στο έργο του στο Συμβούλιο της Επικρατείας. Ο Kustodiev χαρακτηρίζεται επίσης από στυλιζάρισμα, αλλά αυτό είναι ένα στυλιζάρισμα της δημοφιλούς λαϊκής εκτύπωσης. Εξ ου και τα λαμπερά γιορτινά «Fairs», «Shrovetide», «Balagany», εξ ου και οι πίνακές του από τη μικροαστική και εμπορική ζωή, που μεταφέρονται με ελαφριά ειρωνεία, αλλά όχι χωρίς να θαυμάζουμε αυτές τις κοκκινομάγουλες, μισοκοιμισμένες ομορφιές πίσω από ένα σαμοβάρι και με πιατάκια σε παχουλά δάχτυλα («Merchant», 1915, Russian Museum· «The Merchant for Tea», 1918, Russian Museum).

A.Ya. Ο Golovin είναι ένας από τους μεγαλύτερους καλλιτέχνες του θεάτρου του πρώτου τετάρτου του 20ου αιώνα· I. Ya. Bilibin, A.P. Ostroumova-Lebedeva και άλλοι.

Ο «Κόσμος της Τέχνης» ήταν ένα σημαντικό αισθητικό κίνημα στις αρχές του αιώνα, που επανεκτίμησε ολόκληρη τη σύγχρονη καλλιτεχνική κουλτούρα, ενέκρινε νέα γούστα και προβλήματα, επέστρεψε στην τέχνη -στο υψηλότερο επαγγελματικό επίπεδο- τις χαμένες μορφές γραφικών βιβλίων και θεατρικών και η διακοσμητική ζωγραφική, που κέρδισαν πανευρωπαϊκή αναγνώριση με τις προσπάθειές τους, δημιούργησαν νέα καλλιτεχνική κριτική, η οποία προώθησε τη ρωσική τέχνη στο εξωτερικό, μάλιστα άνοιξε και κάποια από τα στάδια της, όπως ο ρωσικός 18ος αιώνας. Το «Miriskusniki» δημιούργησε ένα νέο είδος ιστορικής ζωγραφικής, πορτραίτου, τοπίου με τα δικά του στυλιστικά χαρακτηριστικά (ξεχωριστές στυλιστικές τάσεις, κυριαρχία γραφικών τεχνικών.