Τι είναι οι εικόνες τραγουδιών; Η έννοια της μουσικής εικόνας

μουσική εικόνα

Το μουσικό περιεχόμενο εκδηλώνεται στις μουσικές εικόνες, στην ανάδυση, την ανάπτυξη και την αλληλεπίδρασή τους.Ανεξάρτητα από το πόσο ενοποιημένη είναι η διάθεση ενός μουσικού κομματιού, κάθε είδους αλλαγές, μετατοπίσεις και αντιθέσεις μαντεύονται πάντα σε αυτό. Η εμφάνιση μιας νέας μελωδίας, μια αλλαγή στο ρυθμικό ή υφικό μοτίβο, μια αλλαγή σε μια ενότητα σχεδόν πάντα σημαίνει την εμφάνιση μιας νέας εικόνας, άλλοτε στενού περιεχομένου, άλλοτε ακριβώς αντίθετης.Όπως στην εξέλιξη των γεγονότων της ζωής, των φυσικών φαινομένων ή των κινήσεων της ανθρώπινης ψυχής, σπάνια υπάρχει μόνο μία γραμμή, μία διάθεση, έτσι και στη μουσική η ανάπτυξη βασίζεται στον εικονιστικό πλούτο, στη συνένωση διαφόρων κινήτρων, καταστάσεων και εμπειριών.Κάθε τέτοιο κίνητρο, κάθε κατάσταση είτε εισάγει μια νέα εικόνα, είτε συμπληρώνει και γενικεύει την κύρια.

Γενικότερα, στη μουσική σπάνια υπάρχουν έργα που βασίζονται σε μία μόνο εικόνα. Μόνο ένα μικρό έργο ή ένα μικρό κομμάτι μπορεί να θεωρηθεί ως ενιαίο εικονιστικό περιεχόμενο. Για παράδειγμα, το Δωδέκατο Etude του Scriabin είναι μια πολύ αναπόσπαστη εικόνα, αν και με προσεκτική ακρόαση θα σημειώσουμε σίγουρα την εσωτερική του πολυπλοκότητα, τη συνένωση διαφόρων καταστάσεων και μέσων μουσικής ανάπτυξης σε αυτό. Με τον ίδιο τρόπο κατασκευάζονται και πολλά άλλα έργα μικρής κλίμακας. Κατά κανόνα, η διάρκεια ενός έργου συνδέεται στενά με την ιδιαιτερότητα της εικονιστικής του δομής: τα μικρά έργα είναι συνήθως κοντά σε μια ενιαία εικονιστική σφαίρα, ενώ τα μεγάλα απαιτούν μεγαλύτερη και πιο περίπλοκη εικονιστική ανάπτυξη. Και αυτό είναι φυσικό: όλα τα κύρια είδη σε διάφορα είδη τέχνης συνδέονται συνήθως με την ενσάρκωση ενός περίπλοκου περιεχομένου ζωής. χαρακτηρίζονται από μεγάλο αριθμό ηρώων και γεγονότων, ενώ οι μικροί συνήθως στρέφονται σε κάποιο ιδιαίτερο φαινόμενο ή εμπειρία. Αυτό, φυσικά, δεν σημαίνει ότι τα μεγάλα έργα διακρίνονται απαραίτητα από μεγαλύτερο βάθος και σημασία, συχνά συμβαίνει το αντίθετο: ένα μικρό έργο, ακόμη και το ατομικό του κίνητρο, μπορεί μερικές φορές να πει τόσα πολλά που η επίδρασή του στους ανθρώπους είναι ακόμη πιο δυνατή και βαθύτερη. .Υπάρχει μια βαθιά σύνδεση μεταξύ της διάρκειας ενός μουσικού έργου και της εικονιστικής του δομής, η οποία βρίσκεται ακόμη και στους τίτλους των έργων, για παράδειγμα, "Πόλεμος και Ειρήνη", "Σπάρτακος", "Αλέξανδρος Νιέφσκι" προτείνουν μια πολυμερή ενσάρκωση. σε μεγάλης κλίμακας μορφή (όπερα, μπαλέτο, καντάτα), ενώ ενώ τα «Κούκος», «Πεταλούδα», «Μοναχικά λουλούδια» είναι γραμμένα σε μορφή μινιατούρας.Γιατί μερικές φορές έργα που δεν έχουν πολύπλοκη εικονιστική δομή ενθουσιάζουν τόσο βαθιά έναν άνθρωπο;Ίσως η απάντηση να βρίσκεται στο γεγονός ότι, εστιάζοντας σε μια ενιαία εικονιστική κατάσταση, ο συνθέτης βάζει σε ένα μικρό έργο όλη του την ψυχή, όλη τη δημιουργική ενέργεια που του ξύπνησε η καλλιτεχνική του αντίληψη; Άλλωστε, δεν είναι τυχαίο ότι στη μουσική του 19ου αιώνα, στην εποχή του ρομαντισμού, που έλεγε τόσα πολλά για έναν άνθρωπο και τον εσώτερο κόσμο των συναισθημάτων του, ήταν η μουσική μινιατούρα που έφτασε στην υψηλότερη άνθηση.Πολλά έργα, μικρά σε κλίμακα, αλλά φωτεινά στην εικόνα, γράφτηκαν από Ρώσους συνθέτες. Ο Glinka, ο Mussorgsky, ο Lyadov, ο Rachmaninov, ο Scriabin, ο Prokofiev, ο Shostakovich και άλλοι εξαιρετικοί εγχώριοι συνθέτες δημιούργησαν μια ολόκληρη συλλογή από μουσικές εικόνες. Ένας τεράστιος εικονιστικός κόσμος, πραγματικός και φανταστικός, παραδεισένιος και υποβρύχιος, δάσος και στέπα, έχει ενσαρκωθεί στη ρωσική μουσική, στους υπέροχους τίτλους των προγραμματικών έργων της. Γνωρίζετε ήδη πολλές εικόνες που ενσωματώνονται στα έργα Ρώσων συνθετών - "Jota of Aragon", "Dwarf", "Baba Yaga", "Old Castle", "Magic Lake"

Λυρικές εικόνες

Σε πολλά έργα που μας είναι γνωστά ως πρελούδια, οι μαζούρκες, κρύβονται τα βαθύτερα εικονιστικά πλούτη, που μας αποκαλύπτονται μόνο με ζωντανό μουσικό ήχο.

Δραματικές εικόνες

Οι δραματικές εικόνες, όπως και οι λυρικές, αντιπροσωπεύονται πολύ ευρέως στη μουσική. Από τη μία πλευρά, προκύπτουν στη μουσική που βασίζεται σε δραματικά λογοτεχνικά έργα (όπως η όπερα, το μπαλέτο και άλλα σκηνικά είδη), αλλά πολύ πιο συχνά η έννοια του «δραματικού» συνδέεται στη μουσική με τις ιδιαιτερότητες του χαρακτήρα της, τη μουσική ερμηνεία των ηρώων, των εικόνων κ.λπ.

επικές εικόνες

Οι επικές εικόνες, από την άλλη πλευρά, απαιτούν μια μακρά και απρόσκοπτη ανάπτυξη· μπορούν να εκτεθούν για μεγάλο χρονικό διάστημα και να αναπτυχθούν αργά, εισάγοντας τον ακροατή σε μια ατμόσφαιρα ενός είδους επικού χρωματισμού.

μουσική εικόνα

Τα μαθήματα μουσικής στο πλαίσιο του νέου προγράμματος στοχεύουν στην ανάπτυξη της μουσικής κουλτούρας των μαθητών. Το πιο σημαντικό συστατικό της μουσικής κουλτούρας είναι η αντίληψη της μουσικής. Δεν υπάρχει μουσική έξω από την αντίληψη. είναι ο βασικός κρίκος και απαραίτητη προϋπόθεση για τη μελέτη και τη γνώση της μουσικής. Σε αυτήν βασίζονται η σύνθεση, η ερμηνεία, η ακρόαση, οι παιδαγωγικές και μουσικολογικές δραστηριότητες.

Η μουσική ως ζωντανή τέχνη γεννιέται και ζει ως αποτέλεσμα της ενότητας όλων των δραστηριοτήτων. Η επικοινωνία μεταξύ τους γίνεται μέσω μουσικών εικόνων, γιατί. η μουσική (ως μορφή τέχνης) δεν υπάρχει εκτός εικόνων. Στο μυαλό του συνθέτη, υπό την επίδραση των μουσικών εντυπώσεων και της δημιουργικής φαντασίας, γεννιέται μια μουσική εικόνα, η οποία στη συνέχεια ενσαρκώνεται σε ένα μουσικό κομμάτι.

Ακούγοντας μια μουσική εικόνα, δηλ. Το περιεχόμενο της ζωής, που ενσωματώνεται σε μουσικούς ήχους, καθορίζει όλες τις άλλες πτυχές της μουσικής αντίληψης.

Η αντίληψη είναι μια υποκειμενική εικόνα ενός αντικειμένου, φαινομένου ή διαδικασίας που επηρεάζει άμεσα τον αναλυτή ή το σύστημα των αναλυτών.

Μερικές φορές ο όρος αντίληψη υποδηλώνει επίσης ένα σύστημα ενεργειών που στοχεύουν στη γνωριμία με ένα αντικείμενο που επηρεάζει τις αισθήσεις, δηλ. αισθητηριακή-διερευνητική δραστηριότητα παρατήρησης. Ως εικόνα, η αντίληψη είναι μια άμεση αντανάκλαση ενός αντικειμένου στο σύνολο των ιδιοτήτων του, σε αντικειμενική ακεραιότητα. Αυτό διακρίνει την αντίληψη από την αίσθηση, η οποία είναι επίσης μια άμεση αισθητηριακή αντανάκλαση, αλλά μόνο μεμονωμένες ιδιότητες αντικειμένων και φαινομένων που επηρεάζουν τους αναλυτές.

Η εικόνα είναι ένα υποκειμενικό φαινόμενο που προκύπτει ως αποτέλεσμα υποκειμενικής-πρακτικής, αισθητηριακής-αντιληπτικής, νοητικής δραστηριότητας, η οποία είναι μια ολιστική αναπόσπαστη αντανάκλαση της πραγματικότητας, στην οποία οι κύριες κατηγορίες (χώρος, κίνηση, χρώμα, σχήμα, υφή κ. ) αντιπροσωπεύονται ταυτόχρονα. Όσον αφορά τις πληροφορίες, η εικόνα είναι μια ασυνήθιστα ευρύχωρη μορφή αναπαράστασης της περιβάλλουσας πραγματικότητας.

Η εικονιστική σκέψη είναι ένας από τους κύριους τύπους σκέψης, που διακρίνεται μαζί με την οπτική-αποτελεσματική και τη λεκτική-λογική σκέψη. Οι εικόνες-παραστάσεις λειτουργούν ως σημαντικό προϊόν της παραστατικής σκέψης και ως μία από τις λειτουργίες της.

Η εικονιστική σκέψη είναι τόσο ακούσια όσο και αυθαίρετη. Υποδοχή 1η είναι όνειρα, ονειροπολήσεις. «Το 2ο αντιπροσωπεύεται ευρέως στη δημιουργική δραστηριότητα του ανθρώπου.

Οι λειτουργίες της εικονιστικής σκέψης συνδέονται με την παρουσίαση καταστάσεων και αλλαγών σε αυτές που θέλει να προκαλέσει ένα άτομο ως αποτέλεσμα της δραστηριότητάς του, μεταμορφώνοντας την κατάσταση, με τον καθορισμό γενικών διατάξεων.

Με τη βοήθεια της εικονιστικής σκέψης, όλη η ποικιλία των διαφόρων πραγματικών χαρακτηριστικών ενός αντικειμένου αναδημιουργείται πληρέστερα. Στην εικόνα, μπορεί να διορθωθεί η ταυτόχρονη όραση ενός αντικειμένου από διάφορες οπτικές γωνίες. Ένα πολύ σημαντικό χαρακτηριστικό της εικονιστικής σκέψης είναι η καθιέρωση ασυνήθιστων, «απίστευτων» συνδυασμών αντικειμένων και των ιδιοτήτων τους.

Στην εικονιστική σκέψη χρησιμοποιούνται διάφορες τεχνικές. Αυτά περιλαμβάνουν: αύξηση ή μείωση σε ένα αντικείμενο ή μέρη του, συγκόλληση (δημιουργία νέων ιδεών με την προσθήκη τμημάτων ή ιδιοτήτων ενός αντικειμένου σε εικονιστικό σχέδιο, κ.λπ.), συμπερίληψη υπαρχουσών εικόνων σε μια νέα περίληψη, γενίκευση.

Η εικονιστική σκέψη δεν είναι μόνο ένα γενετικά πρώιμο στάδιο ανάπτυξης σε σχέση με τη λεκτική-λογική σκέψη, αλλά αποτελεί επίσης έναν ανεξάρτητο τύπο σκέψης σε έναν ενήλικα, που λαμβάνει ιδιαίτερη ανάπτυξη στην τεχνική και καλλιτεχνική δημιουργικότητα.

Οι ατομικές διαφορές στην εικονιστική σκέψη συνδέονται με τον κυρίαρχο τύπο αναπαραστάσεων και τον βαθμό ανάπτυξης των μεθόδων αναπαράστασης καταστάσεων και των μετασχηματισμών τους.

Στην ψυχολογία, η ευφάνταστη σκέψη μερικές φορές περιγράφεται ως μια ειδική λειτουργία - φαντασία.

Η φαντασία είναι μια ψυχολογική διαδικασία που συνίσταται στη δημιουργία νέων εικόνων (παραστάσεων) μέσω της επεξεργασίας του υλικού των αντιλήψεων και των αναπαραστάσεων που αποκτήθηκαν σε προηγούμενη εμπειρία. Η φαντασία είναι μοναδική στον άνθρωπο. Η φαντασία είναι απαραίτητη σε κάθε είδους ανθρώπινη δραστηριότητα, ιδιαίτερα στην αντίληψη της μουσικής και της «μουσικής εικόνας».

Γίνεται διάκριση μεταξύ της εκούσιας (ενεργητικής) και της ακούσιας (παθητικής) φαντασίας, καθώς και της δημιουργικής και της δημιουργικής φαντασίας. Η αναδημιουργία της φαντασίας είναι η διαδικασία δημιουργίας μιας εικόνας ενός αντικειμένου σύμφωνα με την περιγραφή, το σχέδιο ή το σχέδιό του. Η δημιουργική φαντασία είναι η ανεξάρτητη δημιουργία νέων εικόνων. Απαιτεί την επιλογή των απαραίτητων υλικών για την κατασκευή μιας εικόνας σύμφωνα με το δικό του σχέδιο.

Μια ιδιαίτερη μορφή φαντασίας είναι ένα όνειρο. Αυτή είναι και η ανεξάρτητη δημιουργία εικόνων, αλλά όνειρο είναι η δημιουργία μιας εικόνας επιθυμητής και λίγο πολύ μακρινής, δηλ. δεν παρέχει άμεσο και άμεσο αντικειμενικό προϊόν.

Έτσι, η ενεργητική αντίληψη της μουσικής εικόνας υποδηλώνει την ενότητα δύο αρχών - αντικειμενικών και υποκειμενικών, δηλ. τι είναι εγγενές στο ίδιο το έργο τέχνης και εκείνες τις ερμηνείες, ιδέες, συνειρμούς που γεννιούνται στο μυαλό του ακροατή σε σχέση με αυτό. Προφανώς, όσο μεγαλύτερο είναι το φάσμα τέτοιων υποκειμενικών ιδεών, τόσο πιο πλούσια και πληρέστερη είναι η αντίληψη.

Στην πράξη, ειδικά μεταξύ των παιδιών που δεν έχουν επαρκή εμπειρία στην επικοινωνία με τη μουσική, οι υποκειμενικές ιδέες δεν είναι πάντα επαρκείς για την ίδια τη μουσική. Επομένως, είναι τόσο σημαντικό να διδάξουμε στους μαθητές να κατανοούν τι περιέχεται αντικειμενικά στη μουσική και τι εισάγεται από αυτούς. τι σε αυτό το «δικό του» εξαρτάται από το μουσικό έργο, και τι είναι αυθαίρετο, τραβηγμένο. Αν στο ξεθωριασμένο οργανικό συμπέρασμα του "Sunset" του E. Grieg, τα παιδιά όχι μόνο ακούν, αλλά βλέπουν και την εικόνα του ηλιοβασιλέματος, τότε μόνο η οπτική συσχέτιση πρέπει να είναι ευπρόσδεκτη, γιατί. προέρχεται από την ίδια τη μουσική. Αν όμως το Τρίτο Τραγούδι του Λελ από την όπερα «The Snow Maiden» του Ν.Α. Ο μαθητής του Rimsky-Korsakov παρατήρησε «σταγόνες βροχής», τότε σε αυτήν και σε παρόμοιες περιπτώσεις είναι σημαντικό όχι μόνο να πούμε ότι αυτή η απάντηση είναι λάθος, αδικαιολόγητα επινοημένη, αλλά επίσης, μαζί με όλη την τάξη, να καταλάβουμε γιατί είναι λάθος, γιατί παράλογο, επιβεβαιώνοντας τις σκέψεις σας στοιχεία που είναι διαθέσιμα στα παιδιά σε αυτό το στάδιο ανάπτυξης της αντίληψής τους.

Η φύση της φαντασίωσης στη μουσική, προφανώς, έχει τις ρίζες της στην αντίφαση μεταξύ της φυσικής επιθυμίας ενός ατόμου να ακούσει το ζωτικό της περιεχόμενο στη μουσική και της αδυναμίας να το κάνει αυτό. Επομένως, η ανάπτυξη της αντίληψης της μουσικής εικόνας θα πρέπει να βασίζεται σε μια ολοένα και πληρέστερη αποκάλυψη του ζωτικού περιεχομένου της μουσικής σε ενότητα με την ενεργοποίηση της συνειρμικής σκέψης των μαθητών. Όσο ευρύτερη, πιο πολύπλευρη αποκαλύπτεται στο μάθημα η σύνδεση μεταξύ μουσικής και ζωής, όσο πιο βαθιά θα διεισδύσουν οι μαθητές στην πρόθεση του συγγραφέα, τόσο πιο πιθανό είναι να έχουν νόμιμες προσωπικές σχέσεις ζωής. Ως αποτέλεσμα, η διαδικασία αλληλεπίδρασης μεταξύ της πρόθεσης του συγγραφέα και της αντίληψης του ακροατή θα είναι πιο ολόσωμη και αποτελεσματική.

Τι σημαίνει μουσική στη ζωή του ανθρώπου;

Από τους αρχαιότερους χρόνους, την αρχή της οποίας ούτε οι πιο σχολαστικές ανθρώπινες επιστήμες δεν μπορούν να εδραιώσουν, ο πρωτόγονος άνθρωπος προσπάθησε πρώτα καθαρά αισθησιακά να προσαρμοστεί, να προσαρμοστεί, να προσαρμοστεί στους ρυθμούς και τους τρόπους του ρυθμικά μεταβαλλόμενου, αναπτυσσόμενου και ηχητικού κόσμου. Αυτό καταγράφεται στα αρχαιότερα αντικείμενα, μύθους, θρύλους, ιστορίες. Το ίδιο μπορεί να παρατηρηθεί και σήμερα, αν παρατηρήσετε προσεκτικά πώς συμπεριφέρεται το παιδί, πώς νιώθει το παιδί κυριολεκτικά από τις πρώτες ώρες της ζωής του. Είναι ενδιαφέρον όταν ξαφνικά παρατηρούμε ότι ένα παιδί από κάποιους ήχους έρχεται σε μια ανήσυχη, ανώμαλη, ταραγμένη κατάσταση να ουρλιάζει και να κλαίει, ενώ άλλοι το φέρνουν σε μια κατάσταση γαλήνης, ηρεμίας και ικανοποίησης. Τώρα, η επιστήμη έχει αποδείξει ότι μια μουσικά ρυθμική, ήρεμη, μετρημένη, πνευματικά πλούσια και πολύπλευρη ζωή μιας μέλλουσας μητέρας κατά τη διάρκεια της εγκυμοσύνης έχει ευεργετική επίδραση στην ανάπτυξη του εμβρύου, στο αισθητικό μέλλον του.

Ένα άτομο που «μεγαλώνει» πολύ αργά και σταδιακά στον κόσμο των ήχων, των χρωμάτων, των κινήσεων, των πλαστικών, κατανοώντας ολόκληρο τον πολύπλευρο και απείρως ποικιλόμορφο κόσμο για να δημιουργήσει μια εικονιστική μορφή αντανάκλασης αυτού του κόσμου από τη συνείδησή του μέσω της τέχνης.

Η μουσική, από μόνη της, ως φαινόμενο είναι τόσο δυνατό που απλά δεν μπορεί να περάσει από έναν άνθρωπο απαρατήρητη. Ακόμα κι αν στην παιδική του ηλικία ήταν μια κλειστή πόρτα γι 'αυτόν, τότε στην εφηβεία εξακολουθεί να ανοίγει αυτήν την πόρτα και να ρίχνεται στη ροκ ή την ποπ κουλτούρα, όπου τρέφεται λαίμαργα από αυτό που του στερήθηκε: τη δυνατότητα του άγριου, βάρβαρου, αλλά αυθεντικού αυτοέκφραση. Αλλά τελικά, το σοκ που βιώνει την ίδια στιγμή ίσως να μην ήταν - στην περίπτωση ενός «ακμαίου μουσικού παρελθόντος».

Έτσι, η μουσική κρύβει από μόνη της τεράστιες δυνατότητες να επηρεάσει έναν άνθρωπο, και αυτή η επιρροή μπορεί να ελεγχθεί, κάτι που συνέβαινε όλους τους περασμένους αιώνες. Όταν ένα άτομο αντιμετώπιζε τη μουσική ως ένα θαύμα που δόθηκε για να επικοινωνήσει με τον ανώτερο πνευματικό κόσμο. Και μπορούσε να επικοινωνεί με αυτό το θαύμα όλη την ώρα. Η θεία λειτουργία συνόδευε τον άνθρωπο σε όλη του τη ζωή, τον έθρεψε πνευματικά και ταυτόχρονα τον μόρφωσε και τον μόρφωσε. Αλλά η λατρεία είναι βασικά λέξη και μουσική. Μια τεράστια κουλτούρα τραγουδιού και χορού συνδέεται με ημερολογιακές αγροτικές διακοπές. Η γαμήλια τελετή στην καλλιτεχνική ερμηνεία είναι μια ολόκληρη επιστήμη της ζωής. Οι λαϊκοί χοροί είναι η διδασκαλία της γεωμετρίας, η εκπαίδευση της χωρικής σκέψης, για να μην αναφέρουμε την κουλτούρα της γνωριμίας, της επικοινωνίας, της ερωτοτροπίας κ.λπ. Το έπος -και αυτό είναι ιστορία- παρουσιάστηκε μουσικά.

Ας δούμε τα μαθήματα στο σχολείο της Αρχαίας Ελλάδας: λογική, μουσική, μαθηματικά, γυμναστική, ρητορική. Ίσως αυτό ήταν αρκετό για να μεγαλώσει ένα αρμονικό άτομο. Τι μένει από αυτό σήμερα, όταν στα προγράμματά μας υπάρχουν παντού λόγια για μια αρμονική προσωπικότητα. Μόνο μαθηματικά. Κανείς δεν ξέρει τι είναι η λογική και η ρητορική στο σχολείο. Η φυσική αγωγή δεν θυμίζει σε τίποτα τη γυμναστική. Το τι να κάνουμε με τη μουσική επίσης δεν είναι ξεκάθαρο. Πλέον τα μαθήματα μουσικής μετά την 5η τάξη δεν είναι πλέον υποχρεωτικά· κατά την κρίση της διοίκησης του σχολείου, μπορούν να αντικατασταθούν με οποιοδήποτε μάθημα του σχεδίου «ιστορία της τέχνης». Τις περισσότερες φορές εξαρτάται από τη διαθεσιμότητα του κατάλληλου δασκάλου, και όπου διδάσκεται μουσική. Αλλά πολλά άλλα μαθήματα προστέθηκαν στο σχολικό πρόγραμμα, αλλά η αρμονία, η ψυχική και σωματική υγεία εξαφανίστηκαν.

Ωστόσο, τι θα μπορούσε να δώσει η μουσική ως φαινόμενο σε έναν άνθρωπο σε όλη του τη ζωή - ξεκινώντας από πολύ νωρίς.

Το τέρας από το οποίο πρέπει να σωθεί το σύγχρονο παιδί είναι το «σταμπωτό» περιβάλλον της μαζικής κουλτούρας. Το πρότυπο της ομορφιάς - «Barbie», οι τυπικές «φρίκες», ο καθιερωμένος τρόπος ζωής... - τι μπορεί να αντιταχθεί σε αυτό η μουσική; Είναι παράλογο, απελπιστικό απλώς να «δίνεις» στον μαθητή ως εναλλακτική, δείγματα υψηλής ομορφιάς και πνευματικού τρόπου ζωής. Μη εκπαιδεύοντας μέσα του έναν ελεύθερο άνθρωπο ικανό να αντισταθεί στην πολιτισμική βία. Καμία πνευματική κάθαρση, βαθιά γνώση της μουσικής και των περίπλοκων, αντιφατικών εικόνων της δεν θα συμβεί εάν τα παιδιά απλώς διαβάσουν πληροφορίες για τη μουσική (που την καταλαβαίνει όπως την καταλαβαίνουν), για συνθέτες, «κρεμάσουν στα αυτιά τους» ένα σύνολο μουσικών έργων που προφανώς επηρεάζουν έντονα τα συναισθήματα των παιδιών, απομνημονεύουν κάτι από τη βιογραφία των μουσικών, τα ονόματα των δημοφιλών έργων κ.λπ. πάρτε έναν «υπολογιστή» για να λύσετε ερωτήσεις στο «πεδίο των θαυμάτων».

Έτσι, το μάθημα "μουσική" σε ένα σχολείο γενικής εκπαίδευσης (αν υπάρχει) διεξάγεται κατ' αναλογία με άλλα ανθρωπιστικά μαθήματα - για να παρέχει περισσότερες πληροφορίες, να ταξινομεί φαινόμενα, να δίνει ονόματα σε όλα ...

Πώς λοιπόν μπορείς να φτιάξεις υπέροχη κλασική μουσική, τα καλύτερα παραδείγματά της, να αγγίξεις τις βαθύτερες χορδές της ψυχής και της καρδιάς ενός ανθρώπου, να γίνεις προσιτός και κατανοητός, να βοηθήσεις, να είσαι αντανάκλαση της περιβάλλουσας πραγματικότητας, να καταλάβεις αυτή την πραγματικότητα και τον εαυτό σου σε πολύπλοκα σχέσεις ζωής.

Για να λύσει αυτό το πρόβλημα, ο δάσκαλος έχει, στην ουσία, μόνο δύο κανάλια για να απευθυνθεί στον μαθητή: οπτικό και ακουστικό. Βασιζόμενος στην όραση, μπορεί κανείς να εκπαιδεύσει ένα άτομο ελεύθερα και ανεξάρτητα, καθαρά και ξεκάθαρα σκεπτόμενο (για παράδειγμα, όταν αντιλαμβάνεται πίνακες καλλιτεχνών, γλυπτά, τραπέζια, οπτικά βοηθήματα κ.λπ.). Η ακοή, όμως, μας εμφανίζεται ως η κύρια πόρτα στον υποσυνείδητο κόσμο ενός ανθρώπου, στον κινούμενο κόσμο του – όπως η μουσική! - ψυχές. Είναι στην αναβίωση των ήχων, στη σύντομη ζωή τους, την πορεία της, τον θάνατο, τη γέννηση. Και δεν είναι μουσική να εκπαιδεύεις βαθιά και διακριτικά έναν άνθρωπο, που νιώθει ελεύθερα;

Η κοινή δημιουργία μουσικής - παίζοντας σε μια ορχήστρα, σε ένα σύνολο, τραγούδι σε μια χορωδία, μουσικές παραστάσεις - λύνει τέλεια πολλά ψυχολογικά προβλήματα επικοινωνίας: ένα ντροπαλό παιδί μπορεί, συμμετέχοντας σε μια τέτοια μουσική πράξη, να νιώσει τον εαυτό του στο κέντρο της ζωής. και ένα δημιουργικό παιδί θα δείξει τη φαντασία του στην πράξη. Τα παιδιά αισθάνονται την αξία όλων σε έναν κοινό σκοπό.

Η ορχήστρα είναι το καλλιτεχνικό πρότυπο της κοινωνίας. Διαφορετικά όργανα στην ορχήστρα είναι διαφορετικοί άνθρωποι που, με αμοιβαία κατανόηση, επιτυγχάνουν την ειρήνη και την αρμονία. Μέσα από την καλλιτεχνική εικόνα βρίσκεται ο δρόμος για την κατανόηση των κοινωνικών σχέσεων. Διαφορετικά όργανα σημαίνουν διαφορετικά έθνη στον κόσμο. Πρόκειται για διαφορετικές φωνές φυσικών φαινομένων, που συγχωνεύονται σε μια ολόκληρη ορχήστρα.

Το θεραπευτικό αποτέλεσμα της αναπαραγωγής μουσικής είναι εντυπωσιακό, τα μουσικά όργανα στα χέρια ενός ατόμου είναι ένας προσωπικός ψυχοθεραπευτής. Το παίξιμο οργάνων αντιμετωπίζει αναπνευστικές διαταραχές, μέχρι τώρα εκτεταμένο άσθμα, διαταραχές συντονισμού, προβλήματα ακοής, διδάσκει την ικανότητα συγκέντρωσης και χαλάρωσης, κάτι που είναι τόσο απαραίτητο στην εποχή μας.

Στα μαθήματα μουσικής λοιπόν, τα παιδιά θα πρέπει να βιώνουν συνεχώς χαρά, η οποία φυσικά αποτελεί αντικείμενο προσεκτικής φροντίδας του δασκάλου. Έπειτα έρχεται σταδιακά ένα αίσθημα ικανοποίησης από τον επιτυγχανόμενο στόχο, από ενδιαφέρουσα επικοινωνία με τη μουσική, χαρά από την ίδια τη διαδικασία του τοκετού. Και ως αποτέλεσμα της προσωπικής επιτυχίας, ανοίγει μια «διέξοδος στην κοινωνία»: η ευκαιρία να γίνεις δάσκαλος - να διδάξεις απλή μουσική σε γονείς, αδελφές, αδέρφια, ενώνοντας έτσι τις οικογενειακές σχέσεις μέσω κοινών δραστηριοτήτων. Η δύναμη των οικογενειακών σχέσεων στο παρελθόν βασιζόταν σε μεγάλο βαθμό σε κοινές δραστηριότητες, είτε ήταν εργασία είτε αναψυχή. το ίδιο συνέβαινε στις οικογένειες των αγροτών και των βιοτεχνών και των γαιοκτημόνων.

Υπάρχει τώρα κάποιο άλλο αντικείμενο που, στον ίδιο βαθμό με τη μουσική, θα μπορούσε να αναλάβει τη λύση των προβλημάτων της σύγχρονης κοινωνίας;

Και μάλλον όχι τυχαία, άλλωστε, ο παράδεισος απεικονίζεται πάντα μουσικά: χορωδίες αγγέλων, τρομπόνια και άρπες. Και μιλούν για την ιδανική κοινωνική δομή στη μουσική γλώσσα: αρμονία, αρμονία, δομή.

Η ιδανική κατάσταση είναι όταν όλες οι δυνατότητες της μουσικής θα απαιτηθούν και θα γίνουν αποδεκτές από την κοινωνία. Είναι σημαντικό οι άνθρωποι να συνειδητοποιήσουν ότι η μουσική είναι ένα ιδανικό για να κάνουν βήματα προς την κατεύθυνση του ιδανικού.

Πρέπει να ζεις με τη μουσική, όχι να τη μελετάς. Το ίδιο το ηχητικό, μουσικό περιβάλλον αρχίζει να εκπαιδεύει και να εκπαιδεύει. Και το άτομο στο τέλος δεν θα μπορεί να συμφωνήσει ότι είναι «μουσικό».

Κεφάλι Το Μουσικό Εργαστήριο του Ερευνητικού Ινστιτούτου Σχολείων της Περιφέρειας της Μόσχας Golovina πιστεύει ότι σε ένα μάθημα μουσικής γίνεται θεμελιωδώς σημαντικό: αν ο δάσκαλος συνειδητοποιεί τον κύριο στόχο της εκπαίδευσης - την ανακάλυψη της ζωής, την ανακάλυψη του εαυτού του σε αυτόν τον κόσμο. Είναι το μάθημα μουσικής απλώς η κατάκτηση ενός άλλου τύπου δραστηριότητας ή είναι ένα μάθημα που διαμορφώνει τον ηθικό πυρήνα της προσωπικότητας, ο οποίος βασίζεται στην επιθυμία για ομορφιά, καλοσύνη, αλήθεια - για αυτό που εξυψώνει έναν άνθρωπο. Ως εκ τούτου, μαθητής σε ένα μάθημα είναι ένα άτομο που συνεχώς αναζητά και αποκτά το νόημα της ζωής στη γη.

Η ποικιλία των μουσικών δραστηριοτήτων στην τάξη δεν αποτελεί σε καμία περίπτωση ένδειξη του βάθους της πνευματικής ζωής. Επιπλέον, η μουσική δραστηριότητα μπορεί να αποδειχθεί εντελώς άσχετη με την πνευματική δραστηριότητα με την έννοια ότι η τέχνη μπορεί να λειτουργήσει για τα παιδιά ως αντικείμενο, μόνο ως ένα είδος δημιουργικού αποτελέσματος που εξαπλώνεται προς τα έξω χωρίς να επιστρέφει στον εαυτό της. Επομένως, είναι απολύτως απαραίτητο η μουσική δραστηριότητα να μην γίνει αυτοσκοπός, αλλά το περιεχόμενο της τέχνης να γίνει το «περιεχόμενο» του παιδιού, η πνευματική εργασία να γίνει ανοιχτή δραστηριότητα των σκέψεων και των συναισθημάτων του. Μόνο στην περίπτωση αυτή ο δάσκαλος και το παιδί θα μπορέσουν να βρουν προσωπικό νόημα στην τέχνη και θα γίνει πραγματικά γόνιμο «χώμα» για την καλλιέργεια του πνευματικού κόσμου, για την εύρεση των καλύτερων τρόπων ηθικής αυτοέκφρασης. Από αυτό προκύπτει ότι η μουσική δεν είναι η εκπαίδευση ενός μουσικού, αλλά ενός ανθρώπου. Η μουσική είναι η πηγή και το θέμα της πνευματικής επικοινωνίας. Είναι απαραίτητο να επιδιώξουμε να διευρύνουμε και να εμβαθύνουμε την ολιστική μουσική αντίληψη των μαθητών, ως πνευματική κυριαρχία έργων τέχνης, ως επικοινωνία με πνευματικές αξίες. να σχηματίσουν ένα ενδιαφέρον για τη ζωή μέσα από το πάθος για τη μουσική. Η μουσική δεν πρέπει να είναι μάθημα τέχνης, αλλά μάθημα Τέχνης, μάθημα ανθρωπιστικών σπουδών.

Η καλλιτεχνική και παραστατική σκέψη στην τάξη πρέπει να αναπτυχθεί έτσι ώστε το παιδί να μπορεί να βλέπει με τον δικό του τρόπο τα φαινόμενα και τις διαδικασίες του κόσμου γύρω του συνολικά και μέσα από αυτό να αισθάνεται βαθιά τον πνευματικό του κόσμο. Η τέχνη είναι πρώτα απ' όλα μια τέτοια οργάνωση εκφραστικών μέσων που δρα άμεσα στα συναισθήματα και αλλάζει αυτά τα συναισθήματα. Το καλλιτεχνικό υλικό στο μάθημα παρέχει μια πραγματική διέξοδο από τη μουσική στις καλές τέχνες, τη λογοτεχνία, τη ζωή και όχι μόνο, μέσα από τον προβληματισμό για τον κόσμο και την επιστροφή του παιδιού στον εαυτό του, στην εσωτερική του αίσθηση των αξιών, των σχέσεων κ.λπ.

Η μουσική τέχνη, παρά τη μοναδική της ιδιαιτερότητα, δεν μπορεί να κατακτηθεί γόνιμα χωρίς υποστήριξη από άλλα είδη τέχνης, γιατί. μόνο στην οργανική τους ενότητα μπορεί κανείς να αναγνωρίσει την ακεραιότητα και την ενότητα του κόσμου, την καθολικότητα των νόμων της ανάπτυξής του σε όλο τον πλούτο των αισθητηριακών αισθήσεων, την ποικιλία των ήχων, των χρωμάτων, των κινήσεων.

Ακεραιότητα, εικονικότητα, συνειρμικότητα, επιτονισμός, αυτοσχεδιασμός - αυτά είναι τα θεμέλια πάνω στα οποία μπορεί να οικοδομηθεί η διαδικασία εισαγωγής των μαθητών στη μουσική.

Η οργάνωση της μουσικής εκπαίδευσης με βάση τις αρχές που περιγράφονται παραπάνω έχει ευεργετική επίδραση στην ανάπτυξη της βασικής ικανότητας ενός αναπτυσσόμενου ατόμου - την ανάπτυξη της καλλιτεχνικής και παραστατικής σκέψης. Αυτό είναι ιδιαίτερα σημαντικό για έναν μικρότερο μαθητή, ο οποίος έχει μεγάλη προδιάθεση να μάθει τον κόσμο μέσα από εικόνες.

Ποιες είναι οι τεχνικές ανάπτυξης της καλλιτεχνικής-παραστατικής σκέψης;

Πρώτα απ 'όλα, το σύστημα ερωτήσεων και εργασιών που βοηθούν να αποκαλυφθεί στα παιδιά το εικονιστικό περιεχόμενο της μουσικής τέχνης πρέπει να είναι ουσιαστικά ένας διάλογος και να δίνει στα παιδιά επιλογές για δημιουργικές αναγνώσεις μουσικών συνθέσεων. Η ερώτηση σε ένα μάθημα μουσικής υπάρχει όχι μόνο και όχι τόσο σε κάθετη (λεκτική) μορφή, αλλά σε χειρονομία, στη δική του παράσταση, στην αντίδραση του δασκάλου και των παιδιών στην ποιότητα της παράστασης, δημιουργικής δραστηριότητας. Το ερώτημα μπορεί επίσης να εκφραστεί μέσω σύγκρισης μουσικών έργων μεταξύ τους και μέσω σύγκρισης μουσικών έργων με έργα άλλων ειδών τέχνης. Η κατεύθυνση της ερώτησης είναι σημαντική: είναι απαραίτητο να επιστήσει την προσοχή του παιδιού στην απομόνωση μεμονωμένων μέσων έκφρασης (δυνατά, αθόρυβα, αργά, γρήγορα - φαίνεται ότι κάθε κανονικό παιδί το ακούει αυτό στη μουσική), αλλά θα γυρίσει στον εσωτερικό του κόσμο, επιπλέον, στα συνειδητά και ασυνείδητα συναισθήματα, σκέψεις, αντιδράσεις, εντυπώσεις, που τροφοδοτούνται στην ψυχή του υπό την επίδραση της μουσικής.

Από αυτή την άποψη, είναι δυνατοί οι ακόλουθοι τύποι ερωτήσεων:

Θυμάστε τις εντυπώσεις σας από αυτή τη μουσική στο τελευταίο μάθημα;

Τι είναι πιο σημαντικό σε ένα τραγούδι, η μουσική ή οι στίχοι;

Και σε έναν άνθρωπο, τι είναι πιο σημαντικό το μυαλό ή η καρδιά;

Πώς ένιωσες όταν παιζόταν αυτή η μουσική;

Πού θα μπορούσε να ακούγεται στη ζωή, με ποιον θα θέλατε να το ακούσετε;

Τι περνούσε ο συνθέτης όταν έγραφε αυτή τη μουσική; Τι συναισθήματα ήθελε να μεταδώσει;

Έχετε ακούσει παρόμοια μουσική στην ψυχή σας; Πότε?

Ποια γεγονότα στη ζωή σας θα μπορούσατε να συνδέσετε με αυτή τη μουσική;

Είναι σημαντικό όχι μόνο να κάνετε μια ερώτηση στα παιδιά, αλλά και να ακούσετε μια απάντηση, συχνά πρωτότυπη, μη στερεοτυπική, γιατί δεν υπάρχει τίποτα πιο πλούσιο από τις δηλώσεις ενός παιδιού.

Και ας υπάρχει μερικές φορές ασυνέπεια και υποτίμηση σε αυτό, αλλά από την άλλη πλευρά θα έχει ατομικότητα, προσωπικό χρωματισμό - αυτό πρέπει να ακούσει και να εκτιμήσει ο δάσκαλος.

Η επόμενη παιδαγωγική τεχνική συνδέεται με την οργάνωση της μουσικής δραστηριότητας των παιδιών στην τάξη, ως πολυφωνική διαδικασία. Η ουσία του είναι να δημιουργεί συνθήκες ώστε κάθε παιδί να διαβάζει την ίδια μουσική εικόνα ταυτόχρονα, με βάση την ατομική του όραση, ακοή, αίσθηση του ήχου της μουσικής. Σε ένα παιδί, προκαλεί μια κινητική απόκριση και εκφράζει την κατάστασή του στην πλαστικότητα του χεριού, του σώματος, σε κάποιο είδος χορευτικής κίνησης. ο άλλος εκφράζει την κατανόησή του για τις εικόνες της μουσικής στο σχέδιο, στο χρώμα, στη γραμμή. Ο τρίτος τραγουδάει, παίζει μαζί με ένα μουσικό όργανο, αυτοσχεδιάζει. και κάποιος άλλος «δεν κάνει τίποτα», αλλά απλώς ακούει προσεκτικά, προσεκτικά (και στην πραγματικότητα, αυτή μπορεί να είναι η πιο σοβαρή δημιουργική δραστηριότητα). Η όλη σοφία της παιδαγωγικής στρατηγικής σε αυτή την περίπτωση δεν συνίσταται στην αξιολόγηση του ποιος είναι καλύτερος ή χειρότερος, αλλά στην ικανότητα να διατηρηθεί αυτή η ποικιλομορφία δημιουργικών εκδηλώσεων, να ενθαρρύνεται αυτή η διαφορετικότητα. Βλέπουμε το αποτέλεσμα όχι στο γεγονός ότι όλα τα παιδιά αισθάνονται, ακούν και εκτελούν μουσική με τον ίδιο τρόπο, αλλά στο γεγονός ότι η αντίληψη της μουσικής από τα παιδιά στο μάθημα παίρνει τη μορφή μιας καλλιτεχνικής «παρτιτούρας», στην οποία το παιδί έχει τη δική του φωνή, ατομική, μοναδική, φέρνει τη δική του φωνή μέσα της.μοναδικό πρωτότυπο.

Χτίζουμε τη γνώση της μουσικής τέχνης μέσα από τη μοντελοποίηση της δημιουργικής διαδικασίας. Τα παιδιά τοποθετούνται σαν στη θέση του συγγραφέα (ποιητή, συνθέτη), προσπαθώντας να δημιουργήσουν έργα τέχνης για τον εαυτό τους και τους άλλους. Είναι σαφές ότι υπάρχουν πολλές παραλλαγές μιας τέτοιας οργάνωσης κατανόησης της μουσικής. Ο πιο βέλτιστος είναι ο μουσικοσημασιολογικός διάλογος, όταν, πηγαίνοντας από νόημα σε νόημα, ανιχνεύοντας την ανάπτυξη της παραστατικότητας του έργου, τα παιδιά, όπως ήταν, «βρίσκουν» τους απαραίτητους τόνους που μπορούν να εκφράσουν τη μουσική σκέψη πιο καθαρά. Με αυτήν την προσέγγιση, ένα μουσικό κομμάτι δεν δίνεται στο παιδί σε ολοκληρωμένη μορφή, όταν μένει απλώς να το θυμηθεί, να το ακούσει και να το επαναλάβει. Για την καλλιτεχνική και εικαστική ανάπτυξη ενός παιδιού, είναι πολύ πιο πολύτιμο να έρθει κάποιος σε ένα έργο ως αποτέλεσμα της δικής του δημιουργικότητας. Τότε όλο το εικονιστικό περιεχόμενο της μουσικής, όλη η οργάνωση και η αλληλουχία του μουσικού ιστού γίνονται «ζωντανά», επιλεγμένα από τα ίδια τα παιδιά.

Είναι απαραίτητο να επισημάνουμε ένα ακόμη σημείο: εκείνοι οι τονισμοί που βρίσκουν τα παιδιά στη διαδικασία της δημιουργικότητάς τους δεν πρέπει απαραίτητα να «προσαρμόζονται» όσο το δυνατόν πιο κοντά στο πρωτότυπο του συγγραφέα. Είναι σημαντικό να μπούμε στο κλίμα, στη συναισθηματική-εικονιστική σφαίρα του έργου. Στη συνέχεια, με φόντο αυτό που έζησαν τα παιδιά, που δημιούργησαν τα ίδια, το πρωτότυπο του συγγραφέα γίνεται μια από τις δυνατότητες ενσωμάτωσης του ενός ή του άλλου περιεχομένου ζωής που εκφράζεται σε αυτή τη μουσική εικόνα. Έτσι, οι μαθητές προσεγγίζουν την κατανόηση της φιλοσοφικής και αισθητικής θέσης σχετικά με τη δυνατότητα της τέχνης να παρέχει πνευματική επικοινωνία με ακριβώς τη μοναδική της ικανότητα, όταν, παρουσία ενός κοινού περιεχομένου ζωής, εκφράζεται σε μια πληθώρα ερμηνειών, παραστάσεων και αναγνώσεις ακρόασης.

Κάθε δάσκαλος γνωρίζει πόσο σημαντικό και ταυτόχρονα πόσο δύσκολο είναι να προετοιμάσει τα παιδιά για την αντίληψη της μουσικής. Η πρακτική δείχνει ότι τα καλύτερα αποτελέσματα επιτυγχάνονται όταν το προπαρασκευαστικό στάδιο για την αντίληψη της μουσικής ανταποκρίνεται στις πιο σημαντικές απαιτήσεις της ίδιας της αντίληψης, όταν περνάει εξίσου ζωντανά, μεταφορικά, δημιουργικά.

Τα μαθήματα μουσικής, όπως τα διδάσκει η τιμώμενη δασκάλα του σχολείου Margarita Fedorovna Golovina, είναι μαθήματα ζωής. Τα μαθήματά της διακρίνονται από την επιθυμία να προσεγγίσει όλους με κάθε κόστος. σε κάνει να σκεφτείς τις πολυπλοκότητες της ζωής, κοιτάξτε τον εαυτό σας. Η μουσική είναι μια ιδιαίτερη τέχνη - να βρίσκεις σε οποιοδήποτε θέμα του προγράμματος τον ηθικό πυρήνα που είναι ενσωματωμένο σε αυτό και να το κάνεις σε επίπεδο προσβάσιμο στους μαθητές, χωρίς να περιπλέκει το πρόβλημα, αλλά, το πιο σημαντικό, χωρίς να το απλοποιεί. Golovina M.F. προσπαθεί να διασφαλίσει ότι όλες οι απαραίτητες γνώσεις, δεξιότητες και ικανότητες εστιάζονται σε σχετικά ηθικά και αισθητικά ζητήματα, σύμφωνα με την ηλικία και τη μουσική εμπειρία των παιδιών, έτσι ώστε οι στοχασμοί για τη μουσική να είναι πραγματικά αντανακλάσεις (όπως στο L.A. Barenboim: ".. Στην αρχαία ελληνική γλώσσα, η λέξη αντανακλώ σημαίνει: φέρνω πάντα στην καρδιά...»).

Στα μαθήματα του Golovina, είστε πεπεισμένοι για τη συνάφεια της κύριας ιδέας του νέου προγράμματος - κάθε μορφή διδασκαλίας των παιδιών με μουσική πρέπει να στοχεύει στην ανάπτυξη της αντίληψης της μουσικής εικόνας και μέσω αυτής - στην αντίληψη των διαφορετικών πτυχών της ΖΩΗ. Ταυτόχρονα, είναι σημαντικό τα παιδιά όσο το δυνατόν νωρίτερα να εμποτιστούν με αίσθηση και επίγνωση των ιδιαιτεροτήτων της μουσικής τέχνης, ως τέχνη εκφραστικής φύσης. Ο Golovina δεν χρησιμοποιεί σχεδόν ποτέ την ερώτηση: "Τι αντιπροσωπεύει αυτή η μουσική;" Βρίσκει την ενοχλητική ερώτηση, "Τι αντιπροσωπεύει η μουσική;" - υποδηλώνει ότι η μουσική πρέπει απαραίτητα να απεικονίζει κάτι, τους συνηθίζει σε μια συγκεκριμένη σκέψη «πλοκής», φαντασιώνοντας τη συνοδεία μουσικής.

Από αυτές τις θέσεις, ο Golovina δίνει μεγάλη προσοχή στη λέξη για τη μουσική, θα πρέπει να είναι φωτεινή, εικονιστική, αλλά εξαιρετικά ακριβής και λεπτή, ώστε να μην επιβάλλει στο παιδί την ερμηνεία του έργου, να κατευθύνει επιδέξια την αντίληψή του, τη φαντασία του, δημιουργική φαντασία στη μουσική, και όχι από αυτήν: «Ομολογώ», λέει η T. Venderova, «περισσότερες από μία φορές κατά τη διάρκεια των μαθημάτων της Golovina σκέφτηκα - αξίζει να ξοδέψω τόσο πολύ χρόνο για να μάθω τι άκουσαν οι μαθητές στη μουσική. Δεν θα ήταν πιο εύκολο να πείτε μόνοι σας το πρόγραμμα της δουλειάς και να κατευθύνετε τα παιδιά στη μουσική σκέψη σε ένα αυστηρά καθορισμένο κανάλι; Ναι, - απάντησε ο Golovina, - χωρίς αμφιβολία, θα έκανα τη ζωή μου πολύ πιο εύκολη περιβάλλοντας την αντίληψη της μουσικής με όλες τις πλούσιες πληροφορίες που σχετίζονται με το περιεχόμενο και την ιστορία της δημιουργίας της μουσικής. Και, νομίζω, θα το έκανα φωτεινό, συναρπαστικό, για να ακούγονται τα παιδιά. Όλα αυτά, φυσικά, θα είναι απαραίτητα, αλλά όχι τώρα. Γιατί τώρα έχω ένα άλλο καθήκον μπροστά μου - να δω πόσο ικανοί είναι τα ίδια τα παιδιά χωρίς καμία εξήγηση στην ίδια τη μουσική να ακούσουν το κύριο περιεχόμενο. Χρειάζομαι να έρθουν σε αυτό μόνοι τους. Άκουσαν στην ίδια τη μουσική και δεν στρίμωξαν στην πλοκή όσα ήξεραν από την ιστορία, είδαν στην τηλεόραση, διάβασαν σε βιβλία.

Επίσης, από τα πρώτα βήματα πρέπει να διδάξει κανείς τραγούδι με νόημα, ψυχή. Παρακολουθώντας εκείνες τις στιγμές των μαθημάτων που το τραγούδι μάθαιναν ή δούλευαν, - γράφει η T. Venderovaa, - ανακαλεί κανείς άθελά του πιο τυπικά μαθήματα, όταν η ιδέα της εκφραστικότητας της μουσικής, της σύνδεσης της μουσικής με τη ζωή με το Η αρχή ενός συγκεκριμένου φωνητικού και χορωδιακού έργου εξατμίζεται κατά κάποιον τρόπο ανεπαίσθητα, φαίνεται να γίνεται περιττό, περιττό. Ο Golovina έχει την ποιότητα ενός πραγματικού μουσικού, πέτυχαν οργανική ενότητα, καλλιτεχνική και τεχνική στην απόδοση της μουσικής. Επιπλέον, οι μέθοδοι και οι τεχνικές ποικίλλουν ανάλογα με την εργασία, την ηλικία των παιδιών και το συγκεκριμένο θέμα. «Απομακρύνθηκα από τους συλλαβικούς προσδιορισμούς του ρυθμού πριν από πολύ καιρό», λέει ο Golovina, «νομίζω ότι είναι πιο μηχανικοί, γιατί σχεδιασμένο για να εκτελεί ρυθμικά μοτίβα, τα οποία είτε δεν περιέχουν καμία μουσική εικόνα, είτε το πιο στοιχειώδες, επειδή ολόκληρη η αρχική συγγένεια είναι χτισμένη πάνω στο στοιχειώδες.

Η Golovina προσπαθεί τα παιδιά να «περάσουν από τον εαυτό τους» οποιοδήποτε τραγούδι. Πρέπει να αναζητήσουμε τραγούδια που μας αποκαλύπτουν σύγχρονα προβλήματα, πρέπει να μάθουμε τα παιδιά και τους εφήβους να σκέφτονται και να στοχάζονται στο τραγούδι.

«Προσπαθώ», λέει η Margarita Fedorovna, «να αποκαλύψω στα παιδιά πώς είναι η ίδια η ζωή, ατελείωτα μεταβαλλόμενη, ικανή για μεταμόρφωση, μυστήριο. Αν αυτό είναι πραγματικό έργο τέχνης, είναι αδύνατο να το μάθεις μέχρι τέλους. Η Γκολοβίνα προσπαθεί να κάνει ό,τι περνά από το χέρι της: έναν άνθρωπο, μια δασκάλα μουσικής, για να κάνει τα παιδιά να ενωθούν με τα υψηλά ιδανικά, τα σοβαρά προβλήματα της ζωής, τα αριστουργήματα της τέχνης. Οι μαθητές της Margarita Fedorovna βλέπουν πώς αναζητά ένα βαθύ πνευματικό νόημα σε ένα έργο τέχνης οποιουδήποτε είδους. Μ.Φ. Η ίδια η Golovina απορροφά ζωηρά όλα όσα συμβαίνουν τριγύρω και δεν αφήνει τα παιδιά να απομονωθούν στο πλαίσιο του μαθήματος. Τους φέρνει σε συγκρίσεις, παραλληλισμούς, συγκρίσεις, χωρίς τις οποίες δεν μπορεί να υπάρξει κατανόηση του κόσμου γύρω και του εαυτού του σε αυτόν. Ξυπνά τη σκέψη, ξεσηκώνει την ψυχή. Η ίδια φαίνεται να προσωποποιεί εκείνα τα καταπληκτικά μαθήματα μουσικής και ζωής που δίνει στα παιδιά.

Ο L. Vinogradov πιστεύει ότι «ένας δάσκαλος μουσικής πρέπει να είναι μοναδικός ειδικός για να αποκαλύψει τη μουσική στο παιδί στο σύνολό της». Τι πρέπει να γίνει προκειμένου ένα παιδί να διαμορφώσει πραγματικά μια ολιστική άποψη για τη μουσική;

Η μουσική έχει γενικούς νόμους: κίνηση, ρυθμό, μελωδία, αρμονία, φόρμα, ενορχήστρωση και πολλά άλλα που σχετίζονται με μια κοινή αντίληψη του τι είναι μουσική. Κατακτώντας αυτούς τους νόμους, το παιδί περνά από το γενικό στο ειδικό, στα συγκεκριμένα έργα και τους δημιουργούς τους. Και ο αναγνώστης της μουσικής τον οδηγεί στο μονοπάτι ορόσημο. Άρα, είναι απαραίτητο να οικοδομήσουμε την εκπαιδευτική διαδικασία όχι από το ειδικό στο γενικό, αλλά το αντίστροφο. Και όχι να μιλάς για μουσική, αλλά να τη φτιάχνεις, να την χτίζεις, όχι για να μαθαίνεις, αλλά να δημιουργείς τη δική σου σε ένα ξεχωριστό στοιχείο. Εδώ είναι σκόπιμο να εκπληρώσουμε τη διαθήκη των μεγάλων μουσικών - πρώτα το παιδί πρέπει να γίνει μουσικός και μόνο τότε να πατήσετε το όργανο. Μπορεί όμως κάθε παιδί να γίνει μουσικός; Ναι, μπορεί και πρέπει. Ο Β. Ουγκώ μίλησε για τρεις «γλώσσες» πολιτισμού – για τη γλώσσα των γραμμάτων, των αριθμών και των νότων. Τώρα όλοι είναι πεπεισμένοι ότι όλοι μπορούν να διαβάσουν και να μετρήσουν. Ήρθε η ώρα, - λέει ο Lev Vyacheslavovich Vinogradov, - να βεβαιωθούμε ότι όλοι μπορούν να γίνουν μουσικοί. Διότι η μουσική, ως αισθητικό αντικείμενο, δεν διαμορφώθηκε για την ελίτ, αλλά για όλους· ωστόσο, για να γίνει κανείς πραγματικά μουσικός χρειάζεται κάτι ιδιαίτερο, που λέγεται μουσικό συναίσθημα.

Ο διάσημος Ρώσος πιανίστας A. Rubinshtein έπαιξε με μεγάλη επιτυχία σε όλες τις συναυλίες του, ακόμα και όταν βρέθηκαν κηλίδες στο παίξιμό του, και μάλιστα πολύ εμφανείς. Ένας άλλος πιανίστας έδωσε επίσης συναυλίες, αλλά όχι τόσο επιτυχημένα, αν και έπαιζε χωρίς λεκέδες. Η επιτυχία του A. Rubinshtein δεν του έδωσε ανάπαυση: «Ίσως να είναι όλα για τα λάθη του μεγάλου δασκάλου;». είπε ο πιανίστας. Και σε μια συναυλία αποφάσισα να παίξω με λάθη. Μπουκάρισε. Ο Ρουμπινστάιν είχε λάθη, αλλά υπήρχε και μουσική.

Ένα θετικό συναίσθημα είναι πολύ σημαντικό κατά την αντίληψη της μουσικής. Στο Kirov, στα εργαστήρια καπνιστών παιχνιδιών, δίνετε προσοχή στο γεγονός ότι όλες οι τεχνίτες έχουν ευχάριστα, φωτεινά πρόσωπα (αν και οι συνθήκες εργασίας τους είναι πολύ επιθυμητές). Απαντούν ότι, πλησιάζοντας ήδη τα εργαστήρια, προετοιμάζονται για θετικά συναισθήματα, γιατί δεν μπορείτε να εξαπατήσετε τον πηλό, αν τον συντρίψετε με κακή διάθεση - το παιχνίδι θα αποδειχθεί άσχημο, ελαττωματικό, κακό. Το ίδιο και με ένα παιδί. Ένα αυστηρό βλέμμα, μια δυσαρεστημένη φυσιογνωμία ενός ενήλικα δεν του φτιάχνει τη διάθεση.

Ένα παιδί, βασανισμένο από γονείς, παιδαγωγούς και άλλους ενήλικες, έρχεται στην τάξη με κακή διάθεση. Για να γίνει αυτό, χρειάζεται να "αφορτίσει". Και μόνο όταν αποφορτιστεί ηρεμήστε και κάντε το αληθινό. Όμως τα παιδιά έχουν διέξοδο από αυτή την κατάσταση. Και αυτή η έξοδος θα πρέπει να οργανωθεί από έναν ενήλικα. «Στην τάξη παίζω όλες αυτές τις καταστάσεις με τα παιδιά», γράφει ο L. Vinogradov. Για παράδειγμα, το φτύσιμο είναι απρεπές και το παιδί το ξέρει. Αλλά στο μάθημά μας, πρέπει να το κάνω αυτό ως άσκηση για την αναπνοή. (Φτύνουμε φυσικά «στεγνά»). Στο μάθημα, μπορεί να το αντέξει οικονομικά άφοβα. Μπορεί να φωνάζει, και να σφυρίζει όσο θέλει, και να μασάει, και να γαβγίζει, και να ουρλιάζει, και πολλά άλλα. Και ο L. Vinogradov τα χρησιμοποιεί όλα αυτά σκόπιμα, με όφελος για το μάθημα, για πλήρη επικοινωνία με τη μουσική, για την ολιστική της αντίληψη.

Ο L. Vinogradov θεωρεί επίσης πολύ σημαντική τη ρυθμική οργάνωση του ανθρώπινου σώματος. Η ρυθμική οργάνωση είναι επιδεξιότητα, συντονισμός, ευκολία. Υπό αυτές τις συνθήκες, είναι πιο εύκολο να μάθεις. Ο L. Vinogradov προσφέρει στα παιδιά, για παράδειγμα, επίσης καθήκοντα: να απεικονίσουν με το σώμα τους πώς πέφτουν τα φύλλα. «Ή», λέει ο Vinogradov, «το πάτωμά μου, παρακολουθώ τι συμβαίνει στο κουρέλι, πώς λυγίζει, πώς συμπιέζεται, πώς στάζει νερό από αυτό κ.λπ., και μετά απεικονίζουμε ... ένα πανί δαπέδου». Σε τάξεις με παιδιά, η παντομίμα χρησιμοποιείται ευρέως, δηλ. δίνεται στα παιδιά το καθήκον να απεικονίσουν κάποιο είδος κατάστασης ζωής (πάρτε μια κλωστή και μια βελόνα και ράψτε ένα κουμπί κ.λπ.). Πολλά παιδιά είναι πολύ καλά σε αυτό. Και αυτό θα το δείξει το παιδί που αποδείχθηκε ότι έχει πενιχρή εμπειρία ζωής, περιορισμένη σε αντικειμενικές πράξεις; Αν το σώμα του κινείται λίγο, τότε η σκέψη του είναι τεμπέλης. Η παντομίμα είναι ενδιαφέρουσα και χρήσιμη για παιδιά κάθε ηλικίας, ειδικά για εκείνα που έχουν κακή φαντασία. Το σύστημα διδασκαλίας του Vinogradov βοηθά τα παιδιά να διεισδύσουν βαθύτερα στις «κρυφές» της μουσικής.

Η προετοιμασία για την αντίληψη της μουσικής μπορεί να πραγματοποιηθεί με διάφορες μορφές. Ας σταθούμε αναλυτικότερα στην προετοιμασία της αντίληψης μιας μουσικής εικόνας ως εικόνας μιας άλλης τέχνης.

Η τάση της παραστατικής προετοιμασίας για την αντίληψη της μουσικής εκδηλώνεται πιο καθαρά όταν αυτή η προετοιμασία βασίζεται στην εικόνα μιας άλλης τέχνης. Τέτοιοι παραλληλισμοί όπως η ιστορία του K. Paustovsky "The Old Chef" και το δεύτερο μέρος της συμφωνίας "Jupiter" του W. Mozart, ο πίνακας του V. Vasnetsov "The Bogatyrs" και "The Bogatyr Symphony" του A. Borodin, ο πίνακας του Perov "Τρόικα" και το ειδύλλιο του Mussorgsky "The Orphan" .

Η προετοιμασία της αντίληψης μιας μουσικής εικόνας με την εικόνα μιας άλλης τέχνης έχει μια σειρά από αναμφισβήτητα πλεονεκτήματα: θέτει τα παιδιά σε μια ζωντανή, εικονιστική αντίληψη της μουσικής, σχηματίζει καλλιτεχνικούς συνειρμούς, κάτι που είναι πολύ σημαντικό στην αντίληψη κάθε τέχνης, συμπεριλαμβανομένης της ΜΟΥΣΙΚΗ. Η προετοιμασία της αντίληψης μιας μουσικής εικόνας από την εικόνα μιας άλλης τέχνης δεν πρέπει να έχει τη φύση ενός προγράμματος για τη μετέπειτα αντίληψη της μουσικής. Μια ιστορία που διαβάζεται πριν την ακρόαση μουσικής δεν την επαναλαμβάνει, όπως η μουσική που παίζεται μετά από μια ιστορία δεν ακολουθεί τις αναπαραστάσεις της ιστορίας. Μια εικόνα που εμφανίζεται πριν από την ακρόαση μουσικής δεν ζωγραφίζει μουσική, όπως η μουσική που παίζεται μετά την προβολή μιας εικόνας δεν απεικονίζει μια εικόνα. Θυμηθείτε το λαμπρό «Trinity» του A. Rublev. Τρεις άνθρωποι κάθονται στις τρεις πλευρές του θρόνου με ένα θυσιαστικό γεύμα. Η τέταρτη πλευρά του θρόνου είναι άδεια, είναι απέναντί ​​μας. «... Και θα μπω σε αυτόν που με έκανε, και θα δειπνήσω μαζί του, και αυτός μαζί μου». Το ίδιο πρέπει να είναι και η φύση της εισόδου του παιδιού στη μουσική σε ένα σχολείο γενικής εκπαίδευσης: από τον τονισμό της λέξης («Στην αρχή ήταν η λέξη») στη δομή τονισμού της μουσικής, στο κέντρο της, στην κύρια εικόνα της η εικόνα. Και εκεί, μέσα του, προσπάθησε να ανοίξεις την ψυχή σου. Όχι επαγγελματική, μουσικολογική μελέτη, όχι αποσύνθεση ενός μουσικού έργου σε όρους, γραμμές τίτλου, αλλά η ολιστική του αντίληψη. Κατανόηση της μουσικής και επίγνωση του πώς εσείς, ακριβώς εσείς, μπορείτε να λύσετε τα αιώνια προβλήματα της ανθρώπινης ύπαρξης: το καλό και το κακό, την αγάπη και την προδοσία. Γιατί στρέφεται σε σένα, και σου έχει μείνει θέση μέσα σε αυτό. «Και θα μπω σε αυτόν που με έφτιαξε».

Η εμπειρία δείχνει ότι ένα αρκετά σοβαρό πολιτισμικό κενό για τα παιδιά των τάξεων 5-7 είναι η έλλειψη των θεμελίων της μουσικοϊστορικής σκέψης. Οι μαθητές δεν έχουν πάντα μια αρκετά σαφή ιδέα για την ιστορική ακολουθία της γέννησης ορισμένων μουσικών αριστουργημάτων, συχνά δεν υπάρχει αίσθηση ιστορικισμού στη συλλογή σχετικών φαινομένων στη μουσική, τη λογοτεχνία, τη ζωγραφική, αν και το σύγχρονο πρόγραμμα επιτρέπει στον δάσκαλο να δημιουργήσει διεπιστημονικές συνδέσεις πιο βαθιά από ό,τι σε άλλους ανθρωπιστικούς κλάδους. , να δείξει την εσωτερική σχέση της μουσικής και άλλων τεχνών.

Από αυτή την άποψη, θα ήθελα να υπενθυμίσω ότι η μουσική ως μορφή τέχνης έχει ιστορικά εξελιχθεί μαζί με άλλα είδη καλλιτεχνικής δραστηριότητας, όπως ο χορός, το θέατρο, η λογοτεχνία και σήμερα ο κινηματογράφος κ.λπ. Όλες οι σχέσεις με άλλα είδη τέχνης είναι γενετικές και ο ρόλος στο καλλιτεχνικό σύστημα κουλτούρας - σύνθεση, όπως αποδεικνύεται από πολλά μουσικά είδη, πρώτα απ 'όλα - όπερα, ρομαντισμό, συμφωνικό πρόγραμμα, μιούζικαλ κ.λπ. Αυτά τα χαρακτηριστικά της μουσικής παρέχουν άφθονες ευκαιρίες για τη μελέτη της ανά εποχές, στυλ, διάφορες εθνικές σχολές στο πλαίσιο ολόκληρου του καλλιτεχνικού πολιτισμού, της ιστορικής του διαμόρφωσης.

Φαίνεται σημαντικό ότι μέσω της αντίληψης, της κατανόησης και της ανάλυσης των μουσικών εικόνων, οι μαθητές αναπτύσσουν συσχετίσεις με άλλα είδη τέχνης, στη βάση της ιστορικής εξέλιξης της καλλιτεχνικής κουλτούρας. Ο δρόμος προς αυτό, - θεωρεί ο L. Shevchuk, καθηγητής μουσικής στο σχολείο. Νο 622 gyu της Μόσχας, - σε ειδικά οργανωμένες εξωσχολικές δραστηριότητες.

Είναι απαραίτητο οι εξωσχολικές εργασίες να δομηθούν με τέτοιο τρόπο ώστε οι εικόνες της καλλιτεχνικής κουλτούρας του παρελθόντος να γίνονται αντιληπτές από τα παιδιά όχι «επίπεδα-φωτογραφικά», αλλά σε όγκο, στην εσωτερική τους λογική. Θα ήθελα τα παιδιά να νιώσουν τις ιδιαιτερότητες της καλλιτεχνικής σκέψης μιας συγκεκριμένης εποχής, στο πλαίσιο της οποίας δημιουργήθηκαν έργα μουσικής τέχνης, ποίησης, ζωγραφικής, θεάτρου.

Δύο ήταν οι βασικές μεθοδικές μέθοδοι τέτοιων «Ταξιδιών». Πρώτον, είναι απαραίτητο να «βυθιστείτε στην εποχή, στην ιστορία, στην πνευματική ατμόσφαιρα που ευνοεί τη γέννηση μεγάλων έργων τέχνης. Δεύτερον, είναι επίσης απαραίτητο να επιστρέψουμε στη νεωτερικότητα, στις μέρες μας, δηλ. μια γνωστή πραγματοποίηση του περιεχομένου των έργων περασμένων εποχών στον σύγχρονο, παγκόσμιο πολιτισμό.

Για παράδειγμα, μπορείτε να οργανώσετε ένα ταξίδι στο «Αρχαίο Κίεβο». Έπη, αναπαραγωγές αρχαίων εκκλησιών του Κιέβου, κωδωνοκρουσίες, ηχογραφήσεις θραυσμάτων μονοφωνικού τραγουδιού με πανό χρησίμευσαν ως καλλιτεχνικό υλικό. Το σενάριο του μαθήματος περιελάμβανε 3 μέρη: πρώτον, μια ιστορία για τον πρώιμο μεσαιωνικό ρωσικό πολιτισμό, για μια χριστιανική εκκλησία και τη μοναδική της αρχιτεκτονική, για την κωδωνοκρουσία και το χορωδιακό τραγούδι, για τη σημασία της πλατείας της πόλης, όπου παραμυθάδες - γουσλάρες έπαιζαν τα έπη τους. και λαϊκά παιχνίδια, που φέρουν το αποτύπωμα της ειδωλολατρικής λατρείας. Σε αυτό το μέρος του μαθήματος ακούγονται τα κάλαντα, τα οποία στη συνέχεια τα παιδιά τραγουδούν σε χορωδία. Το δεύτερο μέρος είναι αφιερωμένο στα έπη. Λέγεται ότι πρόκειται για τραγούδια για την αρχαιότητα (λαϊκά - αρχαιότητες), εμφανίστηκαν πολύ παλιά και περνούσαν από στόμα σε στόμα. Πολλοί αναπτύχθηκαν στη Ρωσία του Κιέβου. Τα παιδιά διάβασαν αποσπάσματα από τα αγαπημένα τους έπη και οι Svyatogora, Dobrynya, Ilya Muromets και άλλοι. Το τελευταίο κομμάτι του "Ταξιδιού" ονομάζεται "Η Αρχαία Ρωσία μέσα από τα μάτια των καλλιτεχνών άλλων εποχών". Εδώ μπορείτε να ακούσετε αποσπάσματα από τον Εσπερινό του S. Rakhmaninov, τους Chimes του A. Gavrilin, τις αναπαραγωγές του V. Vasnetsov και του N. Roerich.

Η τέχνη ξεκίνησε στην αυγή του πολιτισμού ως αντανάκλαση των ανθρώπινων συναισθημάτων και σκέψεων. Η ίδια η ζωή ήταν η πηγή της. Ο άνθρωπος περιβαλλόταν από έναν τεράστιο και ποικιλόμορφο κόσμο. Τα γεγονότα που διαδραματίστηκαν γύρω επηρέασαν τον χαρακτήρα και τον τρόπο ζωής του. Η τέχνη δεν υπήρξε ποτέ χωριστά από τη ζωή, ποτέ δεν ήταν κάτι απατηλό, συγχωνεύεται με τη γλώσσα, τα έθιμα, την ιδιοσυγκρασία των ανθρώπων.

Από το πρώτο μάθημα της Α΄ τάξης, σκεφτόμαστε τη θέση της μουσικής στις ζωές των ανθρώπων, την ικανότητά της να αντικατοπτρίζει τις πιο άπιαστες καταστάσεις της ανθρώπινης ψυχής. Κάθε χρόνο τα παιδιά αντιλαμβάνονται τον κόσμο της μουσικής πιο βαθιά, γεμάτος συναισθήματα και εικόνες. Και τι συναισθήματα βιώνει ένας άνθρωπος όταν ράβει ένα κοστούμι για τον εαυτό του, το διακοσμεί με κεντήματα, χτίζει μια κατοικία, συνθέτει ένα παραμύθι; Και μπορούν αυτά τα συναισθήματα χαράς ή βαθιάς λύπης και θλίψης να εκφραστούν σε προϊόντα δαντέλας, πηλού; Μπορεί η μουσική, ως αντανάκλαση της ζωής σε όλες τις εκφάνσεις της, να εκφράσει αυτά τα ίδια συναισθήματα και να μετατρέψει κάποιο ιστορικό γεγονός σε έπος, τραγούδι, όπερα, καντάτα;

Οι Ρώσοι πάντα αγαπούσαν την κατασκευή ξύλινων παιχνιδιών. Οι απαρχές οποιασδήποτε χειροτεχνίας ανάγονται στην αρχαιότητα και δεν γνωρίζουμε ποιος ήταν ο πρώτος που δημιούργησε ένα παιχνίδι που έδωσε ζωή στο σκάλισμα Bogorodskaya. Στη Ρωσία, όλα τα αγόρια κόβουν ξύλο, είναι τριγύρω - το ίδιο το χέρι τεντώνεται. Ίσως ο τεχνίτης υπηρέτησε στο στρατό για μεγάλο χρονικό διάστημα και, επιστρέφοντας ως ηλικιωμένος, άρχισε να φτιάχνει αστεία παιχνίδια προς τέρψη των γειτονικών παιδιών και, φυσικά, η ζωή αντικατοπτρίστηκε σε αυτά. Έτσι το τραγούδι "Στρατιώτες" με φαρδιές, σαρωτικές κινήσεις στη μελωδία, ένα λαμπερό δυνατό ρυθμό έχει κάτι κοινό με τον τραχύ, αιχμηρό τρόπο σκάλισμα ενός ξύλινου στρατιώτη. Αυτή η σύγκριση βοηθά στην καλύτερη κατανόηση της δύναμης, της ευρηματικότητας, της σταθερότητας του ρωσικού χαρακτήρα, της προέλευσης της μουσικής.

Ακριβή, φωτεινά, συνοπτικά χαρακτηριστικά στο μάθημα, ενδιαφέρον οπτικό υλικό θα βοηθήσει να δείξουν στα παιδιά ότι η ρωσική μουσική και η μουσική άλλων λαών είναι στενά συνδεδεμένη με τη ζωή. Η μουσική αντανακλά τη ζωή, τη φύση, τα έθιμα, τα ιστορικά γεγονότα, τα συναισθήματα και τις διαθέσεις.

Σύμφωνα με την παράδοση, κάθε μια από τις τέχνες δίνεται σε μαθητές χωριστά, συνδεδεμένοι ασθενώς με τις γενικές γνώσεις, τις ιδέες και τις δραστηριότητές τους. Η γενική θεωρία της καλλιτεχνικής εκπαίδευσης και η διαμόρφωση της προσωπικότητας ενός παιδιού υπό την επίδραση των τεχνών, συμπεριλαμβανομένης της διαδικασίας της αλληλεπίδρασής τους, είναι επίσης ελάχιστα ανεπτυγμένη.

Οι αναπτυγμένες μεθοδολογικές τεχνικές έχουν σχεδιαστεί περισσότερο για τον καλλιτεχνικό επαγγελματισμό παρά για την ανάπτυξη της παραστατικής σκέψης και της αισθητηριακής αντίληψης του περιβάλλοντος κόσμου. Αλλά η ερευνητική εμπειρία και η δική μου πρακτική, - γράφει ο Y.Antonov, δάσκαλος του σχολείου-εργαστηρίου της λιθουανικής δημιουργικής ένωσης παιδιών "Muse", - επιβεβαιώνουν ότι η εστίαση στον στενό επαγγελματισμό δεν συμβάλλει στην ανάπτυξη των δημιουργικών σκέψεων των παιδιών, ειδικά στην αρχή της εκπαίδευσης.

Από αυτή την άποψη, προέκυψε η ιδέα να δημιουργηθεί μια δομή όπου η τέχνη αλληλεπιδρά, με επικεφαλής τη μουσική και τις εικαστικές τέχνες. Τα μαθήματα γίνονταν με τέτοιο τρόπο ώστε ο πυρήνας όλων των εργασιών να είναι η μουσική, το περιεχόμενό της, ο συναισθηματικός χρωματισμός, το εύρος των εικόνων της. Ήταν η μουσική που έδωσε ώθηση στην ευρηματικότητα και την πλαστικότητα, μετέφερε την κατάσταση των χαρακτήρων. Τα μαθήματα περιελάμβαναν διάφορα είδη καλλιτεχνικής δημιουργικότητας, από γραφικά και ζωγραφική μέχρι χορογραφία και θεατροποίηση.

Όπως είπαν αργότερα τα ίδια τα παιδιά, - γράφει ο Y.Antonov, - η εστίαση στην έκφραση του περιεχομένου σε γραμμές και χρώμα τους κινητοποίησε για μια διαφορετική ακρόαση και αργότερα η ίδια μουσική σε κίνηση εκφράστηκε πιο εύκολα και ελεύθερα.

Ο L. Bural, καθηγητής μουσικής σχολής, σκέφτηκε την κοινότητα των τεχνών, γράφει: «Συνειδητοποίησα ότι είναι πολύ σημαντικό να σκεφτόμαστε την παρουσίαση του υλικού. Μερικές φορές είναι σκόπιμο να εισαγάγετε μια ποιητική λέξη αντί για μια συζήτηση ή ανάλυση, αλλά αυτή η λέξη πρέπει να είναι πολύ ακριβής, να ταιριάζει με το θέμα, να μην αποσπά την προσοχή ή να απομακρύνει από τη μουσική.

Ο K. Ushinsky υποστήριξε ότι ένας δάσκαλος που θέλει να αποτυπώσει σταθερά κάτι στο μυαλό των παιδιών θα πρέπει να φροντίσει ώστε όσο το δυνατόν περισσότερα συναισθήματα να συμμετέχουν στην πράξη της ανάμνησης.

Πολλοί δάσκαλοι χρησιμοποιούν φωτογραφίες, αναπαραγωγές έργων καλών τεχνών στο μάθημα της μουσικής στο σχολείο. Αλλά ταυτόχρονα, όλοι θυμούνται ότι η αντίληψη της εικόνας, η συναισθηματική ανταπόκριση στην ψυχή κάθε παιδιού εξαρτάται από το πώς ο δάσκαλος παρουσιάζει την αναπαραγωγή ή το πορτρέτο του συνθέτη, σε ποια μορφή, χρώμα και σε ποια αισθητική μορφή . Μια ακατάστατη, φθαρμένη αναπαραγωγή, με λυγισμένες, ξεφτισμένες άκρες, ημιδιαφανές κείμενο στην πίσω πλευρά, λιπαρά σημεία δεν θα προκαλέσει σωστή απόκριση.

Ο συνδυασμός μουσικής, ποίησης, εικαστικών τεχνών δίνει στον δάσκαλο ατελείωτες ευκαιρίες να κάνει το μάθημα συναρπαστικό και ενδιαφέρον για τους μαθητές.

Μπορείτε να χρησιμοποιήσετε, για παράδειγμα, όταν μελετάτε το έργο του A. Beethoven, τις γραμμές του ποιήματος Vs. Χριστούγεννα:

Από πού βρήκε αυτούς τους ζοφερούς ήχους

Μέσα από το πυκνό πέπλο της κώφωσης;

Συνδυασμός τρυφερότητας και βασανισμού,

Ξαπλωμένο σε μουσικά σεντούκια!

Αγγίζοντας τα σωστά κλειδιά με το πόδι ενός λιονταριού

Και κουνώντας τη χοντρή του χαίτη,

Έπαιξε χωρίς να ακούσει ούτε μια νότα

Μέσα στη νύχτα σε ένα άδειο δωμάτιο.

Οι ώρες κυλούσαν και τα κεριά κολύμπησαν,

Το θάρρος πήγε κόντρα στη μοίρα

Και είναι όλη η συνείδηση ​​του ανθρώπινου βασανισμού

Είπα μόνο στον εαυτό μου!

Και έπεισε τον εαυτό του και πίστεψε αυθόρμητα,

Όσο για όσους είναι μόνοι στον κόσμο,

Υπάρχει ένα ορισμένο φως, που δεν γεννιέται μάταια,

Η μουσική είναι αθανασία!

Η μεγάλη καρδιά θροΐζει και τρίζει

Συνεχίστε τη συνομιλία σας σε έναν μισό ύπνο,

Και ακούστηκε στο ανοιχτό παράθυρο φλαμουριές

Όλα αυτά που δεν άκουσε.

Το φεγγάρι ανατέλλει πάνω από την πόλη

Και δεν είναι αυτός που είναι κωφός, αλλά αυτός ο κόσμος γύρω,

Ποιος δεν ακούει τα πράγματα της μουσικής,

Γεννημένος στην ευτυχία και στο χωνευτήρι του βασάνου!

Ο S. V. Rakhmaninov είναι ιδιοκτήτης ενός αξιοσημείωτου ταλέντου ως συνθέτη και ενός ισχυρού ταλέντου ως καλλιτέχνη-ερμηνευτή: πιανίστας και μαέστρος.

Η δημιουργική εικόνα του Ραχμανίνοφ είναι πολύπλευρη. Η μουσική του έχει πλούσιο ζωτικό περιεχόμενο. Υπάρχουν εικόνες βαθιάς ψυχικής ηρεμίας, φωτισμένες από ένα ελαφρύ και στοργικό συναίσθημα, γεμάτη απαλό και κρυστάλλινο λυρισμό. Και την ίδια στιγμή, μια σειρά από έργα του Ραχμανίνοφ είναι κορεσμένα με έντονο δράμα. Εδώ ακούει κανείς μια κωφή, οδυνηρή λαχτάρα, νιώθει το αναπόφευκτο τραγικών και τρομερών γεγονότων.

Τέτοιες έντονες αντιθέσεις δεν είναι τυχαίες. Ο Ραχμανίνοφ ήταν εκπρόσωπος των ρομαντικών τάσεων, από πολλές απόψεις χαρακτηριστικές της ρωσικής τέχνης του τέλους του δέκατου ένατου και των αρχών του εικοστού αιώνα. Η τέχνη του Ραχμάνινοφ χαρακτηρίζεται από συναισθηματική αγαλλίαση, την οποία ο Μπλοκ όρισε ως «την άπληστη επιθυμία να ζήσεις μια δεκαπλάσια ζωή…» Τα χαρακτηριστικά του έργου του Ραχμάνινοφ έχουν τις ρίζες τους στην πολυπλοκότητα και την ένταση της ρωσικής δημόσιας ζωής, στις τεράστιες ανατροπές που γνώρισε η χώρα τα τελευταία 20 χρόνια πριν από την Οκτωβριανή Επανάσταση. Η στάση του συνθέτη καθορίστηκε από: αφενός, μια παθιασμένη δίψα για πνευματική ανανέωση, ελπίδα για μελλοντικές αλλαγές, ένα χαρούμενο προαίσθημα αυτών (που συνδέθηκε με την ισχυρή άνοδο όλων των δημοκρατικών δυνάμεων της κοινωνίας τις παραμονές των χρόνων της πρώτης ρωσικής επανάστασης), και από την άλλη πλευρά, - μια παρουσίαση του απειλητικού στοιχείου που πλησιάζει, του στοιχείου της προλεταριακής επανάστασης, στην ουσία και το ιστορικό του νόημα, ακατανόητο για την πλειοψηφία της ρωσικής διανόησης εκείνης της εποχής. Ήταν κατά την περίοδο μεταξύ 1905 και 1917 που οι διαθέσεις τραγικής καταστροφής άρχισαν να γίνονται πιο συχνές στα έργα του Ραχμανίνοφ... Νομίζω ότι στις καρδιές των ανθρώπων των πρόσφατων γενεών υπήρχε μια αδυσώπητη αίσθηση καταστροφής. Ο Μπλοκ έγραψε για αυτή τη φορά.

Μια εξαιρετικά σημαντική θέση στο έργο του Rachmaninov ανήκει στις εικόνες της Ρωσίας, της πατρίδας. Ο εθνικός χαρακτήρας της μουσικής εκδηλώνεται σε μια βαθιά σύνδεση με το ρωσικό λαϊκό τραγούδι, με τον αστικό ρομαντισμό - καθημερινή κουλτούρα του τέλους του 19ου και των αρχών του 20ου αιώνα, με το έργο του Τσαϊκόφσκι και των συνθετών του Mighty Handful. Η μουσική του Ραχμάνινοφ αντικατοπτρίζει την ποίηση των στίχων του λαϊκού τραγουδιού, τις εικόνες του λαϊκού έπους, το ανατολίτικο στοιχείο και τις εικόνες της ρωσικής φύσης. Ωστόσο, σχεδόν δεν χρησιμοποίησε γνήσια λαϊκά θέματα, αλλά μόνο εξαιρετικά ελεύθερα, τα ανέπτυξε δημιουργικά.

Το ταλέντο του Ραχμάνινοφ έχει λυρικό χαρακτήρα. Η λυρική αρχή βρίσκει έκφραση πρωτίστως στον κυρίαρχο ρόλο μιας πλατιάς, τραγανής στη φύση της μελωδίας. «Η μελωδία είναι η μουσική, το βασικό θεμέλιο κάθε μουσικής. Η μελωδική εφευρετικότητα, με την υψηλότερη έννοια της λέξης, είναι ο κύριος στόχος του συνθέτη, δήλωσε ο Ραχμανίνοφ.

Η τέχνη του Rachmaninov - του ερμηνευτή - είναι μια αληθινή δημιουργικότητα. Εισήγαγε αναπόφευκτα κάτι νέο, δικό του, του Ραχμανίνοφ στη μουσική άλλων συγγραφέων. Μελωδία, δύναμη και πληρότητα «τραγουδίσματος» - αυτές είναι οι πρώτες εντυπώσεις του πιανισμού του. Μια μελωδία βασιλεύει πάνω από όλα. Μας εντυπωσιάζει όχι η μνήμη του, ούτε τα δάχτυλά του, από τα οποία δεν λείπει ούτε μια λεπτομέρεια του συνόλου, αλλά από το σύνολο, από εκείνες τις εμπνευσμένες εικόνες που αποκαθιστά μπροστά μας. Η γιγάντια τεχνική του, η δεξιοτεχνία του χρησιμεύουν μόνο για να τελειοποιήσουν αυτές τις εικόνες», είπε ο φίλος του, συνθέτης Ν.Κ.

Τα έργα πιάνου και φωνητικών του συνθέτη αναγνωρίστηκαν και απέκτησαν φήμη πρώτα απ 'όλα, πολύ αργότερα - συμφωνικά έργα.

Τα ειδύλλια του Ραχμάνινοφ συναγωνίζονται σε δημοτικότητα τα έργα του για πιάνο. Ο Ραχμανίνοφ έγραψε περίπου 80 ειδύλλια σε κείμενα Ρώσων ποιητών - στιχουργών του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα και της αλλαγής του 20ου αιώνα, και μόνο λίγο περισσότερο από μια ντουζίνα στα λόγια των ποιητών του πρώτου μισού του 19ου αιώνα ( Πούσκιν, Κολτσόφ, Σεφτσένκο σε ρωσική μετάφραση).

Το «Lilac» (λόγια της Ε. Μπεκέτοβα) είναι ένα από τα πιο πολύτιμα μαργαριτάρια των στίχων του Ραχμάνινοφ. Η μουσική αυτού του ρομαντισμού χαρακτηρίζεται από εξαιρετική φυσικότητα και απλότητα, μια υπέροχη συγχώνευση λυρικών συναισθημάτων και εικόνων της φύσης, που εκφράζονται μέσα από λεπτεπίλεπτα μουσικά και ζωγραφικά στοιχεία. Όλος ο μουσικός ιστός του ρομαντισμού είναι μελωδικός, μελωδικός, οι φωνητικές φράσεις ρέουν φυσικά η μία μετά την άλλη.

Το «In the silence of the secret night» (λόγια του A.A. Fet) είναι μια πολύ χαρακτηριστική εικόνα ερωτικών στίχων. Ο κυρίαρχος αισθησιακά-παθιασμένος τόνος έχει ήδη καθοριστεί στην ορχηστρική εισαγωγή. Η μελωδία είναι μελωδική, δηλωτική και εκφραστική.

«Ερωτεύτηκα τη λύπη μου» (ποιήματα του T. Shevchenko, μετάφραση A.N. Pleshcheev). Το περιεχόμενο του τραγουδιού είναι ένα ειδύλλιο

συνδέεται με το θέμα της πρόσληψης, και σε στυλ και είδος - με θρήνους. Η μελωδία χαρακτηρίζεται από πένθιμες στροφές στις καταλήξεις μελωδικών φράσεων, δραματικές, κάπως υστερικές καντάδες στις κορυφώσεις. Αυτό ενισχύει την εγγύτητα του φωνητικού μέρους στο θρήνο - κλάμα. Οι συγχορδίες "Gusel" στην αρχή του τραγουδιού τονίζουν το λαϊκό του ύφος

Franz Liszt (1811 - 1866) - ένας λαμπρός Ούγγρος συνθέτης και πιανίστας, ο μεγαλύτερος καλλιτέχνης - μουσικός του ουγγρικού λαού. Ο προοδευτικός, δημοκρατικός προσανατολισμός της δημιουργικής δραστηριότητας του Λιστ συνδέεται σε μεγάλο βαθμό με τον απελευθερωτικό αγώνα του ουγγρικού λαού. Ο εθνικοαπελευθερωτικός αγώνας του λαού ενάντια στον ζυγό της αυστριακής μοναρχίας. Συγχωνεύτηκε με τον αγώνα ενάντια στο φεουδαρχικό - γαιοκτημιακό σύστημα στην ίδια την Ουγγαρία. Όμως η επανάσταση του 1848-1849 ηττήθηκε και η Ουγγαρία βρέθηκε ξανά κάτω από τον ζυγό της Αυστρίας.

Σε σημαντικό μέρος των έργων του Franz Liszt χρησιμοποιείται η ουγγρική μουσική λαογραφία, η οποία διακρίνεται για μεγάλο πλούτο και πρωτοτυπία. Χαρακτηριστικοί είναι οι ρυθμοί, οι τροπικές και μελωδικές στροφές, ακόμη και οι γνήσιες μελωδίες της ουγγρικής λαϊκής μουσικής (κυρίως αστικές, όπως το «verbunkos»), μεταφράστηκαν δημιουργικά και επεξεργάστηκαν στα πολυάριθμα έργα του Λιστ, στις μουσικές τους εικόνες. Στην ίδια την Ουγγαρία, ο Λιστ δεν χρειάστηκε να ζήσει πολύ. Οι δραστηριότητές του προχώρησαν κυρίως εκτός της πατρίδας του - στη Γαλλία, τη Γερμανία, την Ιταλία, όπου έπαιξε εξαιρετικό ρόλο στην ανάπτυξη μιας προηγμένης μουσικής κουλτούρας.

Η στενή σχέση του Λιστ με την Ουγγαρία αποδεικνύεται επίσης από το βιβλίο του για τη μουσική των Ούγγρων τσιγγάνων, καθώς και από το γεγονός ότι ο Λιστ διορίστηκε πρώτος πρόεδρος της εθνικής μουσικής ακαδημίας στη Βουδαπέστη.

Η ασυνέπεια του έργου του Λιστ αναπτύχθηκε στην επιθυμία για προγραμματική, συγκεκριμένη απεικόνιση της μουσικής, από τη μια πλευρά, και μερικές φορές στην αφηρημένη λύση αυτού του έργου, από την άλλη. Με άλλα λόγια, ο προγραμματισμός σε ορισμένα έργα του Λιστ ήταν αφηρημένος και φιλοσοφικός (συμφωνικό ποίημα «Ιδανικά»).

Η εντυπωσιακή ευελιξία χαρακτηρίζει τις δημιουργικές, μουσικές και κοινωνικές δραστηριότητες του Λιστ: ένας λαμπρός πιανίστας που ανήκε στους μεγαλύτερους ερμηνευτές του 19ου αιώνα. μεγάλος συνθέτης? κοινωνική και μουσική φιγούρα και διοργανωτής, που ηγήθηκε του προοδευτικού κινήματος στην τέχνη της μουσικής, πολέμησε για τη μουσική προγράμματος ενάντια στην άνευ αρχών τέχνη. δάσκαλος - παιδαγωγός ενός ολόκληρου γαλαξία από υπέροχους μουσικούς - πιανίστες. Ένας συγγραφέας, κριτικός μουσικής και δημοσιογράφος που μίλησε με τόλμη ενάντια στην ταπεινωτική θέση των καλλιτεχνών στην αστική κοινωνία. Ο μαέστρος είναι ο Λιστ, ένας άνθρωπος και ένας καλλιτέχνης του οποίου η δημιουργική εικόνα και η έντονη καλλιτεχνική δραστηριότητα αντιπροσωπεύουν ένα από τα πιο σημαντικά φαινόμενα της μουσικής τέχνης του 19ου αιώνα.

Ανάμεσα στον τεράστιο αριθμό έργων για πιάνο του Λιστ, μια από τις πιο σημαντικές θέσεις καταλαμβάνουν οι 19 ραψωδίες του, οι οποίες είναι βιρτουόζες διασκευές και φαντασιώσεις με θέματα ουγγρικών και τσιγγάνικων λαϊκών τραγουδιών και χορών. Οι Ουγγρικές Ραψωδίες του Λιστ ανταποκρίθηκαν αντικειμενικά στην ανάπτυξη της εθνικής αυτοσυνείδησης του ουγγρικού λαού κατά την περίοδο του αγώνα του για εθνική ανεξαρτησία. Αυτή είναι η δημοκρατία τους, αυτός είναι ο λόγος της δημοτικότητάς τους τόσο στην Ουγγαρία όσο και στο εξωτερικό.

Στις περισσότερες περιπτώσεις, κάθε ραψωδία του Λιστ περιέχει δύο αντικρουόμενα θέματα, που συχνά αναπτύσσονται σε παραλλαγές. Πολλές ραψωδίες χαρακτηρίζονται από μια σταδιακή αύξηση της δυναμικής και του ρυθμού: ένα ηπατικό-απαγγελτικό θέμα ενός σημαντικού χαρακτήρα μετατρέπεται σε χορό, που σταδιακά επιταχύνεται και καταλήγει σε έναν βίαιο, ορμητικό, φλογερό χορό. Πρόκειται, συγκεκριμένα, για τη 2η και 6η ραψωδία. Σε πολλές τεχνικές υφής πιάνου (πρόβες, άλματα, διάφορα είδη arpeggio και παραστάσεις), ο Liszt αναπαράγει τις χαρακτηριστικές ηχηρότητες των ουγγρικών λαϊκών οργάνων.

Η δεύτερη ραψωδία είναι ένα από τα πιο χαρακτηριστικά και καλύτερα έργα του είδους. Μια σύντομη απαγγελία-αυτοσχεδιαστική εισαγωγή εισάγει στον κόσμο φωτεινών, πολύχρωμων εικόνων της λαϊκής ζωής που συνθέτουν το περιεχόμενο της ραψωδίας. Χάριτος νότες, ήχοι χαρακτηριστικό της ουγγρικής λαϊκής μουσικής και θυμίζουν το τραγούδι τραγουδιστών - αφηγητών. Οι συνοδευτικές συγχορδίες με νότες χάρης αναπαράγουν το κροτάλισμα στις χορδές των λαϊκών οργάνων. Η εισαγωγή μετατρέπεται σε συκώτι με στοιχεία χορού, που στη συνέχεια μετατρέπεται σε ελαφρύ χορό με παραλλακτική ανάπτυξη.

Η έκτη ραψωδία αποτελείται από τέσσερις σαφώς οριοθετημένες ενότητες. Το πρώτο τμήμα είναι μια ουγγρική πορεία και έχει τον χαρακτήρα μιας πανηγυρικής πομπής. Το δεύτερο τμήμα της ραψωδίας είναι ένας χορός που πετάει γρήγορα, που ζωντανεύει από συγχρονισμούς σε κάθε τέταρτο μέτρο. Το τρίτο τμήμα - τραγούδι-απαγγελτικός αυτοσχεδιασμός, που αναπαράγει το τραγούδι τραγουδιστών - αφηγητών, εξοπλισμένο με νότες χάρης και πλούσια διακοσμημένο, διακρίνεται από ελεύθερο ρυθμό, πληθώρα φερμάτων και βιρτουόζων αποσπασμάτων. Η τέταρτη ενότητα είναι ένας γρήγορος χορός που δίνει μια εικόνα λαϊκής διασκέδασης.

Ο AD Shostakovich είναι ένας από τους μεγαλύτερους σύγχρονους συνθέτες.

Η μουσική του Σοστακόβιτς είναι αξιοσημείωτη για το βάθος και τον πλούτο του εικονιστικού περιεχομένου. Ο μεγάλος εσωτερικός κόσμος ενός ατόμου με τις σκέψεις και τις φιλοδοξίες του, τις αμφιβολίες του, ένα άτομο που παλεύει ενάντια στη βία και το κακό - αυτό είναι το κύριο θέμα του Σοστακόβιτς, που ενσωματώνεται με διάφορους τρόπους τόσο σε γενικευμένα λυρικά και φιλοσοφικά έργα, όσο και σε γραπτά ενός συγκεκριμένο ιστορικό περιεχόμενο.

Το εύρος ειδών της δουλειάς του Σοστακόβιτς είναι μεγάλο. Είναι συγγραφέας συμφωνικών και ορχηστρικών συνόλων, μεγάλων φωνητικών μορφών και μορφών δωματίου, μουσικών σκηνικών έργων, μουσικής για ταινίες και θεατρικές παραγωγές.

Ανεξάρτητα από το πόσο μεγάλη είναι η δεξιοτεχνία του Σοστακόβιτς στη φωνητική σφαίρα, η βάση του έργου του συνθέτη είναι η οργανική μουσική και πάνω από όλα η συμφωνία. Η τεράστια κλίμακα περιεχομένου, η γενίκευση της σκέψης, η σοβαρότητα των συγκρούσεων (κοινωνικών ή ψυχολογικών), ο δυναμισμός και η αυστηρή λογική της ανάπτυξης της μουσικής σκέψης - όλα αυτά καθορίζουν την εικόνα του Σοστακόβιτς ως συνθέτη-συμφωνιστή.

Ο Σοστακόβιτς χαρακτηρίζεται από εξαιρετική καλλιτεχνική πρωτοτυπία. Μεγάλο ρόλο στη σκέψη του παίζουν τα μέσα του πολυφωνικού ύφους. Εξίσου σημαντική όμως είναι για τον συνθέτη η εκφραστικότητα εποικοδομητικά καθαρών κατασκευών μιας ομοφωνικής-αρμονικής αποθήκης. Ο συμφωνισμός του Σοστακόβιτς, με το βαθύ φιλοσοφικό και ψυχολογικό του περιεχόμενο και το έντονο δράμα, συνεχίζει τη γραμμή του συμφωνισμού του Τσαϊκόφσκι. Τα φωνητικά είδη, με το σκηνικό τους ανάγλυφο, αναπτύσσουν τις αρχές του Mussorgsky.

Το ιδεολογικό εύρος της δημιουργικότητας, η δραστηριότητα της σκέψης του συγγραφέα, ανεξάρτητα από το θέμα που αγγίζει - σε όλα αυτά ο συνθέτης έμοιαζε με τις επιταγές των Ρώσων κλασικών.

Η μουσική του χαρακτηρίζεται από ανοιχτή δημοσιότητα, επίκαιρη θεματολογία. Ο Σοστακόβιτς βασίστηκε στις καλύτερες παραδόσεις του ρωσικού και ξένου πολιτισμού του παρελθόντος. Έτσι, οι εικόνες του ηρωικού αγώνα σε αυτόν πηγαίνουν πίσω στον Μπετόβεν, οι εικόνες του υπέροχου διαλογισμού, της ηθικής ομορφιάς και της αντοχής - J.-S. Bach, από τον Τσαϊκόφσκι ειλικρινείς, λυρικές εικόνες. Με τον Μουσόργκσκι έφερε κοντά τη μέθοδο δημιουργίας ρεαλιστικών λαϊκών χαρακτήρων και μαζικών σκηνών, τραγικής εμβέλειας.

Η Συμφωνία Νο. 5 (1937) κατέχει ιδιαίτερη θέση στο έργο του συνθέτη. Σηματοδότησε την αρχή μιας ώριμης περιόδου. Η συμφωνία διακρίνεται από το βάθος και την πληρότητα της φιλοσοφικής αντίληψης και την ώριμη δεξιοτεχνία. Στο κέντρο της συμφωνίας βρίσκεται ένας άντρας, με όλες του τις εμπειρίες. Η πολυπλοκότητα του εσωτερικού κόσμου του ήρωα προκάλεσε επίσης ένα τεράστιο εύρος περιεχομένου στη συμφωνία: από τον φιλοσοφικό προβληματισμό μέχρι τα σκίτσα του είδους, από το τραγικό πάθος στο γκροτέσκο. Συνολικά, η συμφωνία δείχνει την πορεία του ήρωα από μια τραγική κοσμοθεωρία μέσα από τον αγώνα στη χαρά της επιβεβαίωσης της ζωής μέσω της πάλης στη χαρά της επιβεβαίωσης της ζωής. Στα μέρη Ι και ΙΙΙ, λυρικές - ψυχολογικές εικόνες που αποκαλύπτουν το δράμα των εσωτερικών εμπειριών. Το Μέρος II αλλάζει σε μια άλλη σφαίρα - είναι ένα αστείο, ένα παιχνίδι. Το μέρος IV γίνεται αντιληπτό ως θρίαμβος φωτός και χαράς.

χωρίζω. Το κύριο μέρος μεταφέρει μια βαθιά, συμπυκνωμένη σκέψη. Το θέμα εκτελείται κανονικά, κάθε τόνος αποκτά ιδιαίτερη σημασία και εκφραστικότητα. Το πλαϊνό μέρος είναι το γαλήνιο περιεχόμενο και η έκφραση ενός ονείρου. Έτσι, δεν υπάρχει αντίθετη σύγκριση μεταξύ του κύριου και του πλευρικού τμήματος στην έκθεση. Η κύρια σύγκρουση του Μέρους Ι παρουσιάζεται για σύγκριση έκθεσης και ανάπτυξης, η οποία αντανακλά την εικόνα του αγώνα.

Μέρος II - παιχνιδιάρικο, παιχνιδιάρικο σκέρτσο. Ο ρόλος του δεύτερου μέρους έρχεται σε αντίθεση με το περίπλοκο δράμα του πρώτου μέρους. Βασίζεται σε καθημερινές εικόνες που ξεθωριάζουν γρήγορα και εκλαμβάνεται ως καρναβάλι μασκών.

Το τρίτο μέρος εκφράζει λυρικές και ψυχολογικές εικόνες. Δεν υπάρχει σύγκρουση μεταξύ ενός ατόμου και μιας εχθρικής δύναμης. Το κύριο μέρος εκφράζει συγκεντρωμένη έκταση - αυτή είναι η ενσάρκωση του θέματος της Πατρίδας στη μουσική, τραγουδά το ποιητικό όραμα της γηγενούς φύσης. Το πλαϊνό μέρος σχεδιάζει την ομορφιά της ζωής γύρω από ένα άτομο.

Ο τελικός. Εκλαμβάνεται ως η ανάπτυξη ολόκληρης της συμφωνίας, με αποτέλεσμα να επιτυγχάνεται ο θρίαμβος του φωτός και της χαράς. Το κύριο μέρος έχει χαρακτήρα που μοιάζει με πορεία και ακούγεται δυνατό και γρήγορο. Το πλαϊνό μέρος ακούγεται σαν ύμνος ευρείας αναπνοής. Το Koda είναι μια πανηγυρική μεγαλειώδης απάθεια.

«Εξερευνώντας τη διαδικασία της γνώσης της μουσικής ως παιδαγωγικού προβλήματος, καταλήξαμε στο συμπέρασμα», γράφει ο A.Pilichiaus, καθώς στο άρθρο του «Η γνώση της μουσικής ως παιδαγωγικό πρόβλημα», «ότι ο δηλωμένος στόχος - η εκπαίδευση ενός ατόμου - πρέπει να αντιστοιχεί σε ένα ειδικό είδος γνώσης ενός μουσικού έργου, το οποίο ονομάσαμε καλλιτεχνική γνώση».Τα χαρακτηριστικά του αναδεικνύονται πιο ξεκάθαρα σε σύγκριση με άλλα, πιο οικεία είδη επικοινωνίας με τη μουσική.

Παραδοσιακά, υπάρχουν πολλά είδη γνώσης της μουσικής. Οι υποστηρικτές μιας επιστημονικής, μουσικο-θεωρητικής προσέγγισης της μουσικής βλέπουν το κύριο καθήκον στη διαφώτιση ενός ατόμου με γνώσεις που σχετίζονται με τη δομική πλευρά του έργου, τη μουσική μορφή με την ευρεία έννοια της λέξης (κατασκευή, εκφραστικά μέσα) και την ανάπτυξη κατάλληλων δεξιότητες. Ταυτόχρονα, στην πράξη, το νόημα της μορφής είναι συχνά απόλυτο, γίνεται ουσιαστικά το κύριο αντικείμενο γνώσης, ένα αντικείμενο που είναι επίσης δύσκολο να γίνει αντιληπτό από το αυτί. Αυτή η προσέγγιση είναι χαρακτηριστική για τα επαγγελματικά εκπαιδευτικά ιδρύματα και τα παιδικά μουσικά σχολεία, αλλά ο «απόηχος» της γίνεται αισθητός και στις μεθοδολογικές συστάσεις για τα σχολεία γενικής εκπαίδευσης.

Ένα άλλο είδος γνώσης θεωρείται πιο κατάλληλο για μη επαγγελματίες - απλά ακούστε μουσική και απολαύστε την ομορφιά της. Πράγματι, αυτό ακριβώς συμβαίνει συχνά κατά την επικοινωνία με τη μουσική σε μια αίθουσα συναυλιών, εάν το «λεξικό επιτονισμού» του ακροατή αντιστοιχεί στην τονική δομή του έργου. Τις περισσότερες φορές, αυτό το είδος γνώσης είναι τυπικό για ένα κοινό που αγαπά ήδη τη σοβαρή μουσική (ένα συγκεκριμένο στυλ, εποχή ή περιοχή). Ας το ονομάσουμε υπό όρους παθητική ερασιτεχνική γνώση.

Στα μαθήματα μουσικής σε ένα σχολείο γενικής εκπαίδευσης, η ενεργή ερασιτεχνική γνώση ασκείται συχνότερα, όταν το κύριο καθήκον είναι να προσδιοριστεί η «διάθεση» της μουσικής, ο χαρακτήρας της, μαζί με μια μέτρια προσπάθεια κατανόησης των εκφραστικών μέσων. Όπως δείχνει η πρακτική, οι δηλώσεις στένσιλ σχετικά με τη «διάθεση» της μουσικής ενοχλούν σύντομα τους μαθητές και συχνά χρησιμοποιούν τυπικά χαρακτηριστικά χωρίς καν να ακούσουν το κομμάτι.

Το κυριότερο είναι ότι όλα αυτά τα είδη της γνώσης δεν είναι ικανά να επηρεάσουν άμεσα την προσωπικότητα του μαθητή, είτε με αισθητική είτε με ηθική έννοια. Στην πραγματικότητα, για τι είδους στοχευμένη εκπαιδευτική επίδραση της μουσικής μπορούμε να μιλήσουμε στην περίπτωση που η επίγνωση της μορφής ενός έργου ή ένας χαρακτηρισμός της διάθεσής του έρχεται στο προσκήνιο;

Στην καλλιτεχνική γνώση της μουσικής, το καθήκον του μαθητή (ακροατή ή ερμηνευτή) βρίσκεται αλλού: στη γνώση εκείνων των συναισθημάτων και των σκέψεων που τους συμπονούν, που αναδύονται μέσα του στη διαδικασία της επικοινωνίας με τη μουσική. Με άλλα λόγια, στη γνώση του προσωπικού νοήματος του έργου.

Μια τέτοια προσέγγιση στη μουσική ενεργοποιεί τη δραστηριότητα των μαθητών και ενισχύει το αξιακά σημαντικό κίνητρο αυτής της δραστηριότητας.

Η διαδικασία αντίληψης της μουσικής εικόνας διευκολύνεται όχι μόνο από τη σύνδεση με άλλα είδη τέχνης, αλλά και από τη ζωντανή ποιητική λέξη του δασκάλου.

«Η λέξη δεν μπορεί ποτέ να εξηγήσει πλήρως ολόκληρο το βάθος της μουσικής», έγραψε ο V.A. Sukhomlinsky, «αλλά χωρίς μια λέξη δεν μπορεί κανείς να προσεγγίσει αυτή την πιο λεπτή σφαίρα της γνώσης των συναισθημάτων».

Δεν βοηθάει κάθε λέξη τον ακροατή. Μία από τις πιο σημαντικές απαιτήσεις για μια εισαγωγική ομιλία μπορεί να διατυπωθεί ως εξής: μια καλλιτεχνική λέξη βοηθά - φωτεινή, συναισθηματική, μεταφορική.

Είναι πολύ σημαντικό για τον δάσκαλο να βρει τον σωστό τονισμό για κάθε συγκεκριμένη συνομιλία. Είναι αδύνατο να μιλήσουμε με τον ίδιο τονισμό για τον ηρωισμό του Λ. Μπετόβεν και τους στίχους του Π. Τσαϊκόφσκι, για το χορευτικό στοιχείο της μουσικής του Α. Χατσατουριάν και την εύθυμη πορεία του Ι. Ντουνάεφσκι. Στη δημιουργία μιας συγκεκριμένης διάθεσης έχουν εκφραστικές μιμήσεις, χειρονομίες, ακόμη και η στάση του δασκάλου.Έτσι, η εισαγωγική λέξη του δασκάλου θα πρέπει να είναι ακριβώς η εισαγωγική λέξη που οδηγεί στην κύρια αντίληψη της μουσικής.

Στο βιβλίο "Πώς να διδάξουμε στα παιδιά τη μουσική;" Ο D.B.Kabalevsky γράφει ότι πριν ακούσει κανείς δεν πρέπει να αγγίξει λεπτομερώς το έργο που θα παρουσιαστεί. Είναι πιο σημαντικό να συντονίσουμε τον ακροατή σε ένα συγκεκριμένο κύμα με μια ιστορία για την εποχή, για τον συνθέτη ή την ιστορία του έργου, για αυτό που ο Ντμίτρι Μπορίσοβιτς αποκαλεί "βιογραφία του έργου". Μια τέτοια συζήτηση δημιουργεί αμέσως διάθεση για την αντίληψη του συνόλου, και όχι μεμονωμένες στιγμές. Θα υπάρξουν προσδοκίες, υποθέσεις. Αυτές οι υποθέσεις θα καθοδηγήσουν την επακόλουθη αντίληψη. Μπορούν να επιβεβαιωθούν, να αλλάξουν εν μέρει, ακόμη και να απορριφθούν, αλλά σε οποιαδήποτε από αυτές τις περιπτώσεις, η αντίληψη θα είναι ολιστική, συναισθηματική και σημασιολογική.

Σε ένα από τα συνέδρια που ήταν αφιερωμένα στη γενίκευση της εμπειρίας στη μουσική, έγινε μια πρόταση: πριν ακούσετε νέα μουσική, εισαγάγετε τους μαθητές (μεσαίες και ανώτερες τάξεις) στο κύριο μουσικό υλικό και αναλύστε τα μέσα μουσικής έκφρασης.

Προτάθηκε επίσης να δοθούν στους μαθητές συγκεκριμένες εργασίες πριν ακούσουν: να παρακολουθήσουν την ανάπτυξη ενός συγκεκριμένου θέματος, να παρακολουθήσουν την ανάπτυξη ενός ξεχωριστού εκφραστικού μέσου. Αντέχουν οι αναφερόμενες τεχνικές κριτική από την άποψη της ανάπτυξης μιας δημιουργικής αντίληψης της μουσικής εικόνας;

Η εμφάνιση μεμονωμένων θεμάτων πριν από την αρχική αντίληψη, καθώς και συγκεκριμένων εργασιών που στοχεύουν στην απόσπαση μιας από τις πλευρές του έργου, στερεί από την επακόλουθη αντίληψη της ακεραιότητας, η οποία είτε μειώνει δραστικά είτε εξαλείφει εντελώς την αισθητική επίδραση της μουσικής.

Δείχνοντας μεμονωμένα θέματα πριν από την αρχική ολιστική αντίληψη, ο δάσκαλος δημιουργεί ένα είδος «πύργων» που βοηθούν τους μαθητές να προσανατολιστούν σε μια άγνωστη έκθεση. Ωστόσο, αυτή η μορφή βοήθειας προς τον μαθητή μόνο με την πρώτη ματιά φαίνεται δικαιολογημένη. Όταν χρησιμοποιείται συστηματικά, προκαλεί ένα είδος «ακουστικής εξάρτησης» στους μαθητές. Η προκαταρκτική εξήγηση της μουσικής πριν την ακρόαση φαίνεται να εξοπλίζει τον μαθητή όταν ακούει αυτό το έργο, αλλά δεν τον διδάσκει να κατανοεί ο ίδιος άγνωστη μουσική, δεν τον προετοιμάζει για την αντίληψη της μουσικής έξω από την τάξη. Επομένως, δεν τον προετοιμάζει για τη δημιουργική αντίληψη της μουσικής.

Στην περίπτωση που οι αναλυτικές οδηγίες του δασκάλου προβλέπουν μια ολιστική αντίληψη της μουσικής, ο κίνδυνος της ανάλυσης των μέσων μουσικής εκφραστικότητας ως τεχνολογικού μοντέλου γίνεται πραγματικός. Είναι απαραίτητο να προσπαθήσουμε να διασφαλίσουμε ότι όλα τα αναλυτικά προβλήματα που θίγονται στο μάθημα θα προκύψουν από το ζωτικό περιεχόμενο της μουσικής που αντιλαμβάνονται οι μαθητές. Η ανάλυση που θα κάνουν τα παιδιά στο μάθημα με τη βοήθεια ενός δασκάλου θα πρέπει να βασίζεται σε μια ολιστική αντίληψη, σε μια ολιστική κατανόηση της μιας ή της άλλης εργασίας.

Είναι καν σωστό να αρνηθεί κανείς την προκαταρκτική γνωριμία των μαθητών με το μουσικό υλικό του έργου; Βασιζόμενο στην αρχική αντίληψη του μουσικού υλικού που δείχνει ο δάσκαλος αμέσως πριν από την ακρόαση, το νέο πρόγραμμα αντιπαραβάλλει την εξάρτηση από τη συσσωρευμένη πολυετή εμπειρία μιας ολιστικής αντίληψης της μουσικής. Μια προκαταρκτική γνωριμία με το μουσικό υλικό γίνεται πάντα με τη μορφή περισσότερο ή λιγότερο ανεξάρτητων μουσικών εικόνων.

Η ακρόαση και η εκτέλεση πολλών τραγουδιών, αρκετά ολοκληρωμένων μελωδιών και πιο λεπτομερών κατασκευών προετοιμάζει τους μαθητές για την αντίληψη μεγάλων συνθέσεων ή μεμονωμένων μερών τους, όπου οι μουσικές εικόνες που ακούστηκαν νωρίτερα γίνονται μέρος μιας πιο πολύπλευρης μουσικής εικόνας, αρχίζουν να αλληλεπιδρούν με άλλες μουσικές εικόνες.

Ως προς τη νομιμότητα της αντίληψης της μουσικής με ειδικό καθήκον, αυτή η τεχνική επίσης δεν πρέπει να εγκαταλειφθεί, γιατί. Η ακρόαση μουσικής με μια ειδική εργασία μερικές φορές επιτρέπει στα παιδιά να ακούσουν κάτι που χωρίς μια τέτοια εργασία θα μπορούσε απλώς να περάσει από την προσοχή τους. Αλλά, όπως αναφέρεται στο πρόγραμμα, αυτή η τεχνική πρέπει να χρησιμοποιείται μόνο όταν είναι αδύνατο να γίνει χωρίς αυτήν: για μια βαθύτερη αποκάλυψη ορισμένων πτυχών του περιεχομένου ενός μουσικού έργου που αντιλαμβάνονται οι μαθητές. Η χρήση αυτής της τεχνικής μόνο στο όνομα της «άσκησης» της ακοής (τίποτα περισσότερο) αποκλείεται.

Άρα η αντίληψη της μουσικής εικόνας από τους μαθητές θα πρέπει να οργανωθεί παιδαγωγικά. Ταυτόχρονα, η πιο σημαντική κατευθυντήρια γραμμή για τον δάσκαλο είναι η συναισθηματική-εικονική σφαίρα της μουσικής, λαμβάνοντας υπόψη την πρωτοτυπία της οποίας πρέπει να οικοδομήσει έξω από τους δεσμούς της δουλειάς του για να αναπτύξει επαρκή, λεπτή και βαθιά αντίληψη της μουσικής στα παιδιά.

Ο δάσκαλος πρέπει να δώσει ιδιαίτερη προσοχή στην προετοιμασία των παιδιών για την αντίληψη μιας νέας μουσικής σύνθεσης. Η έκκληση σε μορφές τέχνης που σχετίζονται με τη μουσική, η ζωντανή ποιητική λέξη του δασκάλου για τη μουσική είναι τα μέσα που βοηθούν στην επίλυση του κεντρικού προβλήματος της μουσικής εκπαίδευσης στο σχολείο - τη διαμόρφωση μιας κουλτούρας μουσικής αντίληψης μεταξύ των μαθητών.

"Μέσα από τις σελίδες των έργων του S.V. Rachmaninov"

Για να κατανοήσουμε οποιοδήποτε έργο τέχνης ενός καλλιτέχνη ή μιας σχολής καλλιτεχνών, είναι απαραίτητο να αναπαραστήσουμε με ακρίβεια τη γενική κατάσταση της ψυχικής και ηθικής ανάπτυξης της εποχής στην οποία ανήκει. Εδώ βρίσκεται η πρωταρχική αιτία που καθόρισε όλα τα άλλα.

Ιππολύτης Ι.

(Το μάθημα χρησιμοποίησε την ιστορία του Yu. Nagibin "Rahmaninov", επειδή η ποιητική λέξη είναι σε θέση να προκαλέσει ένα ορισμένο οπτικό εύρος στη φαντασία των παιδιών, θα επιτρέψει στα παιδιά να ανακαλύψουν το μυστικό της μαγικής δύναμης του έργου του Rachmaninov, ως το κύριο αρχή της δημιουργικής του σκέψης.

Σχέδιο τάξης: πορτρέτο του Σ. Ραχμανίνοφ, βιβλία με λογοτεχνική κληρονομιά και γράμματα, σημειώσεις και ένα κλαδί λιλά.

Σήμερα περιμένουμε μια καταπληκτική συνάντηση με τη μουσική του Sergei Vasilyevich Rachmaninoff, ενός Ρώσου συνθέτη. Οι κοντινοί του άνθρωποι που τον γνώριζαν καλά θυμήθηκαν ότι δεν έλεγε σχεδόν τίποτα για τον εαυτό του και τα έργα του, πιστεύοντας ότι τα είπε όλα με τα έργα του. Και επομένως, για να κατανοήσει κανείς το έργο του συνθέτη, πρέπει να ακούσει τη μουσική του. (Ακούγεται σαν Peludia in G-dioz minor, op. 32, No. 12 σε απόδοση S. Richter).

Η πιο φωτεινή σελίδα της ρωσικής μουσικής θεωρήθηκε το έργο του Rachmaninov τόσο στη Ρωσία όσο και στη Δύση. Όμως το έτος 1917 αποδείχθηκε μοιραίο για τη μοίρα του συνθέτη.

Από το βιβλίο: «Αρχές φθινοπώρου 1917. Ο Ραχμάνινοφ οδηγούσε στην Ιβάνοβκα. Στις πλευρές του δρόμου - αθερισμένο ψωμί, χωράφια πατάτας με ξερά ζιζάνια, φαγόπυρο, κεχρί. Οι μοναχικοί στύλοι προεξέχουν στη θέση του τραβηγμένου καλυμμένου ρεύματος. Το αυτοκίνητο ανέβηκε στο κτήμα. Και εδώ είναι αισθητά τα ίχνη καταστροφής. Κάποιοι χωρικοί κουνούσαν τα χέρια τους κοντά στο σπίτι και άλλοι αγρότες κουβαλούσαν βάζα, πολυθρόνες, τυλιχτά χαλιά, διάφορα σκεύη. Αλλά δεν ήταν αυτό που συγκλόνισε τον Ραχμάνινοφ: τα φαρδιά παράθυρα στον δεύτερο όροφο άνοιξαν, κάτι μεγάλο, μαύρο, σπινθηροβόλο εμφανίστηκε εκεί, πέρασε πάνω από το περβάζι του παραθύρου, εξόγκωσε και ξαφνικά έπεσε κάτω. Και μόνο όταν χτύπησε στο έδαφος και ούρλιαζε με σκισμένες χορδές, αποκάλυψε την ουσία του ως πιάνο με ντουλάπι stenway.

Σέρνοντας τα πόδια του σαν ξεφτιλισμένος γέρος, ο Ραχμάνινοφ περιπλανήθηκε προς το σπίτι. Οι χωρικοί τον παρατήρησαν όταν ήταν δίπλα στο πτώμα του πιάνου και ήταν μουδιασμένοι. Δεν είχαν προσωπικό μίσος για τον Ραχμάνινοφ και αν ερήμην έγινε «κύριος», «γαιοκτήμονας», τότε η ζωηρή εικόνα του θύμιζε ότι δεν ήταν απλώς κύριος, καθόλου κύριος, αλλά κάτι άλλο, πολύ μακριά. από το να είναι τόσο εχθρικά μαζί τους.

Δεν πειράζει, συνέχισε», είπε ο Ραχμανίνοφ απουσία και σταμάτησε πάνω από τις μαύρες, γυαλιστερές σανίδες, των οποίων το θανάσιμο ουρλιαχτό εξακολουθούσε να ακούγεται στα αυτιά του.

Κοίταξε τις... χορδές που έτρεμαν ακόμα, τα πλήκτρα που ήταν σκορπισμένα τριγύρω... και κατάλαβε ότι δεν θα ξεχνούσε ποτέ αυτή τη στιγμή.

Για τι μιλάει αυτό το απόσπασμα;

Το γεγονός ότι η ανήσυχη και τεταμένη κατάσταση στη Ρωσία το 1917 οδήγησε στη σύγκρουση μεταξύ του Rakhmaninoav και των οργάνων της φτωχής αγροτιάς στον αγαπητό συνθέτη που ονομάστηκε Ivanovka.

Σωστά, και γενικά όλα όσα συμβαίνουν στη Ρωσία, και όχι μόνο στην Ιβάνοβκα, αντιλήφθηκαν από τον Ραχμανίνοφ αρνητικά, ως πανεθνική καταστροφή.

Ο Ραχμάνινοφ γράφει για το ταξίδι του στο Ταμπόφ: «... για σχεδόν εκατό μίλια έπρεπε να προσπεράσω καρότσια με κάποιο είδος βάναυσων, άγριων ρύγχους που συναντούσαν το πέρασμα του αυτοκινήτου με κραυγές, σφυρίγματα, πετώντας καπέλα στο αυτοκίνητο». Μη μπορώντας να καταλάβει τι συμβαίνει, ο Ραχμανίνοφ αποφασίζει να εγκαταλείψει προσωρινά τη Ρωσία. Και φεύγει με βαρύ συναίσθημα, μη γνωρίζοντας ακόμη ότι φεύγει για πάντα, και ότι θα μετανιώσει πολλές φορές που έκανε αυτό το βήμα. Μπροστά του περίμενε και ενθουσιασμένος από τη νοσταλγία. (Απόσπασμα από το Πρελούδιο σε G-sharp δευτερεύοντες ήχους).

Μετά την αποχώρησή του από τη Ρωσία, ο Ραχμάνινοφ φαίνεται ότι έχασε τις ρίζες του και δεν συνέθεσε τίποτα για πολύ καιρό, ασχολούμενος μόνο με συναυλιακές δραστηριότητες. Οι πόρτες των καλύτερων αιθουσών συναυλιών στη Νέα Υόρκη, τη Φιλαδέλφεια, την Αγία Πετρούπολη, το Ντιτρόιτ, το Κλίβελαντ και το Σικάγο άνοιξαν για αυτόν. Και μόνο ένα μέρος ήταν κλειστό για τον Rachmaninov - την πατρίδα του, όπου ζητήθηκε από τους καλύτερους μουσικούς να μποϊκοτάρουν τα έργα του. Η εφημερίδα Pravda έγραψε: «Ο Σεργκέι Ραχμανίνοφ, πρώην τραγουδιστής της ρωσικής τάξης εμπόρων και της αστικής τάξης, είναι καλογραμμένος συνθέτης, μιμητής και αντιδραστικός, πρώην γαιοκτήμονας - ορκισμένος και ενεργός εχθρός της κυβέρνησης». «Κάτω ο Ραχμάνινοφ! Κάτω η λατρεία του Ραχμανίνοφ!». - Φώναξε η Ιζβέστια.

(Από βιβλίο):

Η ελβετική βίλα μου θύμισε την παλιά Ivanovka με ένα μόνο πράγμα: έναν θάμνο πασχαλιά, που έφερε κάποτε από τη Ρωσία.

Για όνομα του Θεού, μην χαλάτε τις ρίζες! παρακάλεσε τον γέρο κηπουρό.

Μην ανησυχείτε, κύριε Ραχμάνινοφ.

Δεν έχω καμία αμφιβολία ότι όλα θα πάνε καλά. Αλλά η πασχαλιά είναι ένα τρυφερό και ανθεκτικό φυτό. Εάν καταστρέψετε τις ρίζες - όλα χάνονται.

Ο Ραχμάνινοφ αγαπούσε τη Ρωσία και η Ρωσία τον Ραχμάνινοφ. Και επομένως, αντίθετα με όλες τις απαγορεύσεις, η μουσική του Ραχμανίνοφ συνέχισε να ακούγεται, γιατί. ήταν αδύνατο να το απαγορεύσει. Στο μεταξύ, μια ανίατη ασθένεια σέρνονταν ήσυχα στον Ραχμανίνοφ - ο καρκίνος των πνευμόνων και του ήπατος.

(Από βιβλίο :)

Ως συνήθως, αυστηρός, έξυπνος. με ένα άψογο φράκο, εμφανίστηκε στη σκηνή, έκανε ένα κοντό φιόγκο, ίσιωσε τις ουρές του, κάθισε, δοκίμασε το πετάλι με το πόδι του - όλα, όπως πάντα, και μόνο οι πιο κοντινοί άνθρωποι ήξεραν ότι κάθε κίνηση του κοστίζει, πόσο δύσκολο είναι πέλμα είναι, και με όση απάνθρωπη προσπάθεια θέλησης κρύβει είναι από το κοινό το μαρτύριο του. (Προελούδιο σε C-sharp minor που ερμήνευσε ο S. Rachmaninov).

(Από το βιβλίο:) ... Ο Ραχμάνινοφ ολοκληρώνει το πρελούδιο με λαμπρότητα. Χειροκροτήματα της αίθουσας. Ο Ραχμάνινοφ προσπαθεί να σηκωθεί και δεν μπορεί. Σπρώχνει τα χέρια του μακριά από το κάθισμα του σκαμπό - μάταια. Η σπονδυλική του στήλη που στρίβει από αφόρητους πόνους δεν του επιτρέπει να ισιώσει.

Η κουρτίνα! Η κουρτίνα! - διανεμήθηκε στα παρασκήνια

Φορείο! απαίτησε ο γιατρός

Περίμενε! Πρέπει να ευχαριστήσω το κοινό... Και να πω αντίο.

Ο Ραχμανίνοφ ανέβηκε στη ράμπα και υποκλίθηκε... Πετώντας μέσα από τον λάκκο της ορχήστρας, ένα πολυτελές μπουκέτο από λευκές πασχαλιές έπεσε στα πόδια του. Η κουρτίνα κατέβηκε πριν πέσει στην πλατφόρμα.

Στα τέλη Μαρτίου 1943, λίγο μετά το τέλος της Μάχης του Στάλινγκραντ, την έκβαση της οποίας κατάφερε να χαρεί ο Σεργκέι Βασίλιεβιτς, ο οποίος αντιλήφθηκε τις κακουχίες και τα βάσανα του πολέμου στη Ρωσία κοντά του, 8 αρχικές συγχορδίες της εισαγωγής του το Δεύτερο Κοντσέρτο για Πιάνο (ερμηνεύεται στο πιάνο). Μετά από αυτό, ειπώθηκε ότι ο Σεργκέι Βασίλιεβιτς Ραχμανίνοφ πέθανε στις ΗΠΑ. (Απόσπασμα από το δεύτερο μέρος του κοντσέρτου Νο. 2 για ήχους πιάνου και ορχήστρας).

Ο Ραχμάνινοφ πέθανε και η μουσική του συνέχισε να ζεσταίνει τις ψυχές των συμπατριωτών που υπέφεραν από τον πόλεμο:

Και κάθε νότα ουρλιάζει: - Συγχώρεσέ με!

Και ο σταυρός πάνω από το τύμβο φωνάζει: - Συγχώρεσέ με!

Ήταν τόσο λυπημένος σε μια ξένη χώρα!

Έμεινε μόνο σε ξένη χώρα...

Ο συγγραφέας πρέπει

να είσαι σαν λαθρέμπορος

μεταφέρουν στον αναγνώστη

Ι. Τουργκένιεφ.

Στον πίνακα υπάρχει ένα σατιρικό σχέδιο.

U: Για να δημιουργήσεις ένα βαθύ σατιρικό έργο, πρέπει να δεις την κοινωνία σαν απ' έξω, τη ζωή της σε όλες τις πτυχές και μόνο οι μεγάλοι δημιουργοί μπορούν να το κάνουν αυτό. Αυτοί οι άνθρωποι, κατά κανόνα, διέθεταν το χάρισμα της πρόνοιας. Ποιον θα ονομάζατε ανάμεσα σε αυτούς τους ανθρώπους; (Απαντήσεις).

Αυτοί, όπως οι χρονικογράφοι, αντανακλούν το χρόνο, τον παλμό και τις μεταμορφώσεις του στο έργο τους. Τέτοιος ήταν ο Ντ. Σοστακόβιτς. Όλοι γνωρίζετε τον συνθέτη από τη Συμφωνία του Λένινγκραντ. Πρόκειται για έναν γίγαντα που αντανακλούσε την εποχή στο έργο του. Αν στην Έβδομη Συμφωνία ακούγεται δυνατά το καταστροφικό θέμα του φασισμού, το θέμα της πάλης εναντίον του, τότε η Όγδοη, που δημιουργήθηκε στη μεταπολεμική περίοδο, ξαφνικά τελειώνει όχι με αποθέωση, αλλά με βαθύ φιλοσοφικό προβληματισμό. Γι' αυτό η συμφωνία αυτή επικρίνεται και διώκεται από τον συγγραφέα της. Και η Ένατη Συμφωνία, φαίνεται, είναι λαμπερή, ξέγνοιαστη, χαρούμενη ... Αλλά αυτό είναι μόνο με την πρώτη ματιά. Ακούστε το πρώτο μέρος της συμφωνίας και προσπαθήστε να απαντήσετε:

Ο Σοστακόβιτς γράφει σε πρώτο πρόσωπο ή κοιτάζει τον κόσμο σαν από απόσταση; (Ακούγεται το 1ο μέρος της Ένατης Συμφωνίας)

Δ: Ο συνθέτης, λες, παρατηρεί τον κόσμο από το πλάι.

W: Πώς του φαίνεται;

Δ: Υπάρχουν, λες, δύο εικόνες εδώ: η μία είναι φωτεινή, χαρούμενη και η άλλη είναι ανόητη, παρόμοια με τα παιδικά πολεμικά παιχνίδια. Αυτές οι εικόνες δεν είναι αληθινές, αλλά παιχνιδιάρικες. (Μερικές φορές τα παιδιά συγκρίνουν αυτό το μέρος με τη σουίτα του I. Stravinsky, στην οποία οι χαρακτήρες «πηδούν» σαν μαριονέτες, αλλά σε αντίθεση με τη σουίτα, η συμφωνία δεν είναι καρικατούρα, αλλά κάποιου είδους παρατήρηση).

Δ: Η μουσική σταδιακά παραμορφώνεται, στην αρχή ο συνθέτης χαμογελάει και μετά φαίνεται να σκέφτεται. Στο τέλος, αυτές οι εικόνες δεν είναι πλέον τόσο κακομαθημένες, αλλά λίγο άσχημες.

W: Ας ακούσουμε το δεύτερο μέρος (ήχοι συνέχειας) τι επιτονισμοί ακούγονται εδώ;

Δ: Βαρύς αναστεναγμοί. Η μουσική είναι θλιβερή και ακόμη και οδυνηρή. Αυτά είναι τα βιώματα του ίδιου του συνθέτη.

W: Γιατί, μετά από ένα τόσο χαλαρό 1ο μέρος, υπάρχει τέτοια θλίψη, βαριά σκέψη; Πώς το εξηγείς;

Δ: Μου φαίνεται ότι ο συνθέτης, κοιτάζοντας αυτές τις φάρσες, θέτει στον εαυτό του το ερώτημα: είναι τόσο ακίνδυνα; Γιατί στο τέλος του παιχνιδιού τα στρατιωτικά σήματα γίνονται σαν αληθινά.

U: Έχουμε μια πολύ ενδιαφέρουσα παρατήρηση, ίσως ο συνθέτης κάνει στον εαυτό του την ερώτηση: "Το έχω δει ήδη κάπου, ήταν ήδη, ήταν ...;" Σας θυμίζουν αυτοί οι επιτονισμοί κάτι από άλλη μουσική;

Δ: Χρειάζομαι τον Prince Lemon από το Cipollino. Και παθαίνω μια μικρή εισβολή, μόνο σε κωμική μορφή.

U: Αλλά τέτοιες φάρσες μας αγγίζουν στην αρχή, αλλά μερικές φορές ξαναγεννιούνται στο αντίθετό τους. Δεν ήταν από τέτοιες φάρσες που γεννήθηκε η Χιτλερική Νεολαία; Θυμάμαι την ταινία Έλα να δεις. Μπροστά μας είναι πλάνα: θηριωδίες, έφηβοι από τη νεολαία του Χίτλερ και, τέλος, ένα παιδί στην αγκαλιά της μητέρας του. Και αυτό το παιδί είναι ο Χίτλερ. Ποιος ήξερε τι θα είχαν σαν αποτέλεσμα παιδικές φάρσες. (Μπορεί να συγκριθεί με τους στρατιώτες από το «Χοακίνα Μουριέτα», με στοιχεία από τη σύγχρονη ιστορία). Τι συμβαίνει μετά? (Ακούστε τα μέρη 3, 4, 5).

Το 3ο μέρος εμφανίζεται ως ένας νευρικός τεταμένος ρυθμός ζωής, αν και η εξωτερική του ταχύτητα προκαλεί αρχικά ένα αίσθημα διασκέδασης. Με προσεκτική ακρόαση, δεν είναι το λαμπρό παραδοσιακό σκέρτσο που έρχεται στο προσκήνιο, αλλά οδυνηρό, έντονο δράμα.

4ο και 5ο μέρος - ένα είδος συμπεράσματος: στην αρχή ο ήχος της τρομπέτας μοιάζει με τον τραγικό μονόλογο του ομιλητή - την κερκίδα, τον προάγγελο του προφήτη. Στην προφητεία του - απάρνηση και ένα κομμάτι πόνου. Ο χρόνος σταματά, σαν καρέ ταινίας, ακούγονται απόηχοι στρατιωτικών γεγονότων, η συνέχεια με τον επιτονισμό της έβδομης συμφωνίας («Το θέμα της εισβολής») γίνεται καθαρά αισθητή.

Το 5ο μέρος είναι συντονισμένο στους τόνους του 1ου μέρους, αλλά πώς έχουν αλλάξει! Σάρωσε σαν άψυχη δίνη στη δίνη των ημερών, χωρίς να μας προκαλέσει ούτε χαμόγελα ούτε συμπάθεια. Μόνο μία φορά εμφανίζονται σε αυτά τα χαρακτηριστικά της αρχικής εικόνας, σαν για σύγκριση, για μνήμη.

W: Έχει ιστορική σημασία αυτή η συμφωνία; Πώς νιώθετε για την προφητεία του Σοστακόβιτς;

Δ: Στο ότι είδε τη σκληρότητα εκείνης της εποχής νωρίτερα από άλλους και την αποτύπωσε στη μουσική του. Ήταν μια δύσκολη περίοδος στη ζωή της χώρας, όταν το κακό θριάμβευσε, και φαινόταν να προειδοποιεί στη μουσική.

Ε: Και πώς ένιωθε για αυτό που συνέβαινε;

Δ: Γερνάει, υποφέρει. Και εκφράζει τα συναισθήματά του στη μουσική.

Ξαναδιαβάζουμε το επίγραμμα του μαθήματος, το στοχαζόμαστε, συγκρίνουμε το έργο του Σοστακόβιτς με ένα σχέδιο - μια σάτιρα για μια κοινωνία ανθρώπων-γρανάζια που δεν στοχάζονται, υπακούουν τυφλά στη θέληση ενός.

Η 7η, 8η, 9η συμφωνία είναι ένα τρίπτυχο που συνδέεται με μια λογική, μια ενιαία δραματουργία και η 9η συμφωνία δεν είναι ένα βήμα πίσω, δεν είναι μια παρέκκλιση από ένα σοβαρό θέμα, αλλά μια κορύφωση, μια λογική κατάληξη του τρίπτυχου.

Στη συνέχεια ακούγεται το τραγούδι του B. Okudzhava, τα λόγια του οποίου «Ας ενώσουμε τα χέρια, φίλοι, για να μην εξαφανιστούμε μόνοι» θα ακούγονται σαν το σημασιολογικό τέλος του μαθήματος. (Το προτεινόμενο υλικό μπορεί να γίνει η βάση 2 μαθημάτων).

Βιβλιογραφία

Antonov Y. "Η τέχνη στο σχολείο" 1996 No. 3

Baranovskaya R. Σοβιετική μουσική λογοτεχνία - Μόσχα "Μουσική", 1981

Buraya L. "Η τέχνη στο σχολείο", 1991

Vendrova T. «Η μουσική στο σχολείο», 1988 Νο. 3

Vinogradov L. "Η τέχνη στο σχολείο" 1994 Νο. 2

Goryunova L. "Η τέχνη στο σχολείο" 1996

Zubachevskaya N. "Η τέχνη στο σχολείο" 1994

Klyashchenko N. "Η τέχνη στο σχολείο" 1991 No. 1

Krasilnikova T. Μεθοδολογικός οδηγός για δασκάλους - Vladimir, 1988

Levik B. "Musical Literature of Foreign Countries" - Moscow: State Musical Publishing House, 1958

Maslova L. "Η μουσική στο σχολείο" 1989 Νο. 3

Mikhailova M. "Ρωσική μουσική λογοτεχνία" - Λένινγκραντ: "Μουσική" 1985

Osenneva M. "Η τέχνη στο σχολείο" 1998 No. 2

Piliciauskas A. «Η τέχνη στο σχολείο» 1994, Νο 2

Ψυχολογικό Λεξικό - Μόσχα: Παιδαγωγική, 1983

Rokityanskaya T. "Η τέχνη στο σχολείο" 1996 No. 3

Shevchuk L. "Music at school" 1990 No. 1

Εγκυκλοπαιδικό Λεξικό ενός νέου μουσικού - Μόσχα: "Παιδαγωγική" 1985

Yakutina O. "Music at school" 1996 No 4

Τα μαθήματα μουσικής στο πλαίσιο του νέου προγράμματος στοχεύουν στην ανάπτυξη της μουσικής κουλτούρας των μαθητών. Το πιο σημαντικό συστατικό της μουσικής κουλτούρας είναι η αντίληψη της μουσικής. Δεν υπάρχει μουσική έξω από την αντίληψη. είναι ο βασικός κρίκος και απαραίτητη προϋπόθεση για τη μελέτη και τη γνώση της μουσικής. Σε αυτήν βασίζονται η σύνθεση, η ερμηνεία, η ακρόαση, οι παιδαγωγικές και μουσικολογικές δραστηριότητες.

Η μουσική ως ζωντανή τέχνη γεννιέται και ζει ως αποτέλεσμα της ενότητας όλων των δραστηριοτήτων. Η επικοινωνία μεταξύ τους γίνεται μέσω μουσικών εικόνων, γιατί. η μουσική (ως μορφή τέχνης) δεν υπάρχει εκτός εικόνων. Στο μυαλό του συνθέτη, υπό την επίδραση των μουσικών εντυπώσεων και της δημιουργικής φαντασίας, γεννιέται μια μουσική εικόνα, η οποία στη συνέχεια ενσαρκώνεται σε ένα μουσικό κομμάτι.

Ακούγοντας μια μουσική εικόνα, δηλ. Το περιεχόμενο της ζωής, που ενσωματώνεται σε μουσικούς ήχους, καθορίζει όλες τις άλλες πτυχές της μουσικής αντίληψης.

Η αντίληψη είναι μια υποκειμενική εικόνα ενός αντικειμένου, φαινομένου ή διαδικασίας που επηρεάζει άμεσα τον αναλυτή ή το σύστημα των αναλυτών.

Μερικές φορές ο όρος αντίληψη υποδηλώνει επίσης ένα σύστημα ενεργειών που στοχεύουν στη γνωριμία με ένα αντικείμενο που επηρεάζει τις αισθήσεις, δηλ. αισθητηριακή-διερευνητική δραστηριότητα παρατήρησης. Ως εικόνα, η αντίληψη είναι μια άμεση αντανάκλαση ενός αντικειμένου στο σύνολο των ιδιοτήτων του, σε αντικειμενική ακεραιότητα. Αυτό διακρίνει την αντίληψη από την αίσθηση, η οποία είναι επίσης μια άμεση αισθητηριακή αντανάκλαση, αλλά μόνο μεμονωμένες ιδιότητες αντικειμένων και φαινομένων που επηρεάζουν τους αναλυτές.

Η εικόνα είναι ένα υποκειμενικό φαινόμενο που προκύπτει ως αποτέλεσμα υποκειμενικής-πρακτικής, αισθητηριακής-αντιληπτικής, νοητικής δραστηριότητας, η οποία είναι μια ολιστική αναπόσπαστη αντανάκλαση της πραγματικότητας, στην οποία οι κύριες κατηγορίες (χώρος, κίνηση, χρώμα, σχήμα, υφή κ. ) αντιπροσωπεύονται ταυτόχρονα. Όσον αφορά τις πληροφορίες, η εικόνα είναι μια ασυνήθιστα ευρύχωρη μορφή αναπαράστασης της περιβάλλουσας πραγματικότητας.

Η εικονιστική σκέψη είναι ένας από τους κύριους τύπους σκέψης, που διακρίνεται μαζί με την οπτική-αποτελεσματική και τη λεκτική-λογική σκέψη. Οι εικόνες-παραστάσεις λειτουργούν ως σημαντικό προϊόν της παραστατικής σκέψης και ως μία από τις λειτουργίες της.

Η εικονιστική σκέψη είναι τόσο ακούσια όσο και αυθαίρετη. Υποδοχή 1η είναι όνειρα, ονειροπολήσεις. «Το 2ο αντιπροσωπεύεται ευρέως στη δημιουργική δραστηριότητα του ανθρώπου.

Οι λειτουργίες της εικονιστικής σκέψης συνδέονται με την παρουσίαση καταστάσεων και αλλαγών σε αυτές που θέλει να προκαλέσει ένα άτομο ως αποτέλεσμα της δραστηριότητάς του, μεταμορφώνοντας την κατάσταση, με τον καθορισμό γενικών διατάξεων.

Με τη βοήθεια της εικονιστικής σκέψης, όλη η ποικιλία των διαφόρων πραγματικών χαρακτηριστικών ενός αντικειμένου αναδημιουργείται πληρέστερα. Στην εικόνα, μπορεί να διορθωθεί η ταυτόχρονη όραση ενός αντικειμένου από διάφορες οπτικές γωνίες. Ένα πολύ σημαντικό χαρακτηριστικό της εικονιστικής σκέψης είναι η καθιέρωση ασυνήθιστων, «απίστευτων» συνδυασμών αντικειμένων και των ιδιοτήτων τους.

Στην εικονιστική σκέψη χρησιμοποιούνται διάφορες τεχνικές. Αυτά περιλαμβάνουν: αύξηση ή μείωση σε ένα αντικείμενο ή μέρη του, συγκόλληση (δημιουργία νέων ιδεών με την προσθήκη τμημάτων ή ιδιοτήτων ενός αντικειμένου σε εικονιστικό σχέδιο, κ.λπ.), συμπερίληψη υπαρχουσών εικόνων σε μια νέα περίληψη, γενίκευση.

Η εικονιστική σκέψη δεν είναι μόνο ένα γενετικά πρώιμο στάδιο ανάπτυξης σε σχέση με τη λεκτική-λογική σκέψη, αλλά αποτελεί επίσης έναν ανεξάρτητο τύπο σκέψης σε έναν ενήλικα, που λαμβάνει ιδιαίτερη ανάπτυξη στην τεχνική και καλλιτεχνική δημιουργικότητα.

Οι ατομικές διαφορές στην εικονιστική σκέψη συνδέονται με τον κυρίαρχο τύπο αναπαραστάσεων και τον βαθμό ανάπτυξης των μεθόδων αναπαράστασης καταστάσεων και των μετασχηματισμών τους.

Στην ψυχολογία, η ευφάνταστη σκέψη μερικές φορές περιγράφεται ως μια ειδική λειτουργία - φαντασία.

Η φαντασία είναι μια ψυχολογική διαδικασία που συνίσταται στη δημιουργία νέων εικόνων (παραστάσεων) μέσω της επεξεργασίας του υλικού των αντιλήψεων και των αναπαραστάσεων που αποκτήθηκαν σε προηγούμενη εμπειρία. Η φαντασία είναι μοναδική στον άνθρωπο. Η φαντασία είναι απαραίτητη σε κάθε είδους ανθρώπινη δραστηριότητα, ιδιαίτερα στην αντίληψη της μουσικής και της «μουσικής εικόνας».

Γίνεται διάκριση μεταξύ της εκούσιας (ενεργητικής) και της ακούσιας (παθητικής) φαντασίας, καθώς και της δημιουργικής και της δημιουργικής φαντασίας. Η αναδημιουργία της φαντασίας είναι η διαδικασία δημιουργίας μιας εικόνας ενός αντικειμένου σύμφωνα με την περιγραφή, το σχέδιο ή το σχέδιό του. Η δημιουργική φαντασία είναι η ανεξάρτητη δημιουργία νέων εικόνων. Απαιτεί την επιλογή των απαραίτητων υλικών για την κατασκευή μιας εικόνας σύμφωνα με το δικό του σχέδιο.

Μια ιδιαίτερη μορφή φαντασίας είναι ένα όνειρο. Αυτή είναι και η ανεξάρτητη δημιουργία εικόνων, αλλά όνειρο είναι η δημιουργία μιας εικόνας επιθυμητής και λίγο πολύ μακρινής, δηλ. δεν παρέχει άμεσο και άμεσο αντικειμενικό προϊόν.

Έτσι, η ενεργητική αντίληψη της μουσικής εικόνας υποδηλώνει την ενότητα δύο αρχών - αντικειμενικών και υποκειμενικών, δηλ. τι είναι εγγενές στο ίδιο το έργο τέχνης και εκείνες τις ερμηνείες, ιδέες, συνειρμούς που γεννιούνται στο μυαλό του ακροατή σε σχέση με αυτό. Προφανώς, όσο μεγαλύτερο είναι το φάσμα τέτοιων υποκειμενικών ιδεών, τόσο πιο πλούσια και πληρέστερη είναι η αντίληψη.

Στην πράξη, ειδικά μεταξύ των παιδιών που δεν έχουν επαρκή εμπειρία στην επικοινωνία με τη μουσική, οι υποκειμενικές ιδέες δεν είναι πάντα επαρκείς για την ίδια τη μουσική. Επομένως, είναι τόσο σημαντικό να διδάξουμε στους μαθητές να κατανοούν τι περιέχεται αντικειμενικά στη μουσική και τι εισάγεται από αυτούς. τι σε αυτό το «δικό του» εξαρτάται από το μουσικό έργο, και τι είναι αυθαίρετο, τραβηγμένο. Αν στο ξεθωριασμένο οργανικό συμπέρασμα του "Sunset" του E. Grieg, τα παιδιά όχι μόνο ακούν, αλλά βλέπουν και την εικόνα του ηλιοβασιλέματος, τότε μόνο η οπτική συσχέτιση πρέπει να είναι ευπρόσδεκτη, γιατί. προέρχεται από την ίδια τη μουσική. Αν όμως το Τρίτο Τραγούδι του Λελ από την όπερα «The Snow Maiden» του Ν.Α. Ο μαθητής του Rimsky-Korsakov παρατήρησε «σταγόνες βροχής», τότε σε αυτήν και σε παρόμοιες περιπτώσεις είναι σημαντικό όχι μόνο να πούμε ότι αυτή η απάντηση είναι λάθος, αδικαιολόγητα επινοημένη, αλλά επίσης, μαζί με όλη την τάξη, να καταλάβουμε γιατί είναι λάθος, γιατί παράλογο, επιβεβαιώνοντας τις σκέψεις σας στοιχεία που είναι διαθέσιμα στα παιδιά σε αυτό το στάδιο ανάπτυξης της αντίληψής τους.

Η φύση της φαντασίωσης στη μουσική, προφανώς, έχει τις ρίζες της στην αντίφαση μεταξύ της φυσικής επιθυμίας ενός ατόμου να ακούσει το ζωτικό της περιεχόμενο στη μουσική και της αδυναμίας να το κάνει αυτό. Επομένως, η ανάπτυξη της αντίληψης της μουσικής εικόνας θα πρέπει να βασίζεται σε μια ολοένα και πληρέστερη αποκάλυψη του ζωτικού περιεχομένου της μουσικής σε ενότητα με την ενεργοποίηση της συνειρμικής σκέψης των μαθητών. Όσο ευρύτερη, πιο πολύπλευρη αποκαλύπτεται στο μάθημα η σύνδεση μεταξύ μουσικής και ζωής, όσο πιο βαθιά θα διεισδύσουν οι μαθητές στην πρόθεση του συγγραφέα, τόσο πιο πιθανό είναι να έχουν νόμιμες προσωπικές σχέσεις ζωής. Ως αποτέλεσμα, η διαδικασία αλληλεπίδρασης μεταξύ της πρόθεσης του συγγραφέα και της αντίληψης του ακροατή θα είναι πιο ολόσωμη και αποτελεσματική.

Τι σημαίνει μουσική στη ζωή του ανθρώπου;

Από τους αρχαιότερους χρόνους, την αρχή της οποίας ούτε οι πιο σχολαστικές ανθρώπινες επιστήμες δεν μπορούν να εδραιώσουν, ο πρωτόγονος άνθρωπος προσπάθησε πρώτα καθαρά αισθησιακά να προσαρμοστεί, να προσαρμοστεί, να προσαρμοστεί στους ρυθμούς και τους τρόπους του ρυθμικά μεταβαλλόμενου, αναπτυσσόμενου και ηχητικού κόσμου. Αυτό καταγράφεται στα αρχαιότερα αντικείμενα, μύθους, θρύλους, ιστορίες. Το ίδιο μπορεί να παρατηρηθεί και σήμερα, αν παρατηρήσετε προσεκτικά πώς συμπεριφέρεται το παιδί, πώς νιώθει το παιδί κυριολεκτικά από τις πρώτες ώρες της ζωής του. Είναι ενδιαφέρον όταν ξαφνικά παρατηρούμε ότι ένα παιδί από κάποιους ήχους έρχεται σε μια ανήσυχη, ανώμαλη, ταραγμένη κατάσταση να ουρλιάζει και να κλαίει, ενώ άλλοι το φέρνουν σε μια κατάσταση γαλήνης, ηρεμίας και ικανοποίησης. Τώρα, η επιστήμη έχει αποδείξει ότι μια μουσικά ρυθμική, ήρεμη, μετρημένη, πνευματικά πλούσια και πολύπλευρη ζωή μιας μέλλουσας μητέρας κατά τη διάρκεια της εγκυμοσύνης έχει ευεργετική επίδραση στην ανάπτυξη του εμβρύου, στο αισθητικό μέλλον του.

Ένα άτομο που «μεγαλώνει» πολύ αργά και σταδιακά στον κόσμο των ήχων, των χρωμάτων, των κινήσεων, των πλαστικών, κατανοώντας ολόκληρο τον πολύπλευρο και απείρως ποικιλόμορφο κόσμο για να δημιουργήσει μια εικονιστική μορφή αντανάκλασης αυτού του κόσμου από τη συνείδησή του μέσω της τέχνης.

Η μουσική, από μόνη της, ως φαινόμενο είναι τόσο δυνατό που απλά δεν μπορεί να περάσει από έναν άνθρωπο απαρατήρητη. Ακόμα κι αν στην παιδική του ηλικία ήταν μια κλειστή πόρτα γι 'αυτόν, τότε στην εφηβεία εξακολουθεί να ανοίγει αυτήν την πόρτα και να ρίχνεται στη ροκ ή την ποπ κουλτούρα, όπου τρέφεται λαίμαργα από αυτό που του στερήθηκε: τη δυνατότητα του άγριου, βάρβαρου, αλλά αυθεντικού αυτοέκφραση. Αλλά τελικά, το σοκ που βιώνει την ίδια στιγμή ίσως να μην ήταν - στην περίπτωση ενός «ακμαίου μουσικού παρελθόντος».

Έτσι, η μουσική κρύβει από μόνη της τεράστιες δυνατότητες να επηρεάσει έναν άνθρωπο, και αυτή η επιρροή μπορεί να ελεγχθεί, κάτι που συνέβαινε όλους τους περασμένους αιώνες. Όταν ένα άτομο αντιμετώπιζε τη μουσική ως ένα θαύμα που δόθηκε για να επικοινωνήσει με τον ανώτερο πνευματικό κόσμο. Και μπορούσε να επικοινωνεί με αυτό το θαύμα όλη την ώρα. Η θεία λειτουργία συνόδευε τον άνθρωπο σε όλη του τη ζωή, τον έθρεψε πνευματικά και ταυτόχρονα τον μόρφωσε και τον μόρφωσε. Αλλά η λατρεία είναι βασικά λέξη και μουσική. Μια τεράστια κουλτούρα τραγουδιού και χορού συνδέεται με ημερολογιακές αγροτικές διακοπές. Η γαμήλια τελετή στην καλλιτεχνική ερμηνεία είναι μια ολόκληρη επιστήμη της ζωής. Οι λαϊκοί χοροί είναι η διδασκαλία της γεωμετρίας, η εκπαίδευση της χωρικής σκέψης, για να μην αναφέρουμε την κουλτούρα της γνωριμίας, της επικοινωνίας, της ερωτοτροπίας κ.λπ. Το έπος -και αυτό είναι ιστορία- παρουσιάστηκε μουσικά.

Ας δούμε τα μαθήματα στο σχολείο της Αρχαίας Ελλάδας: λογική, μουσική, μαθηματικά, γυμναστική, ρητορική. Ίσως αυτό ήταν αρκετό για να μεγαλώσει ένα αρμονικό άτομο. Τι μένει από αυτό σήμερα, όταν στα προγράμματά μας υπάρχουν παντού λόγια για μια αρμονική προσωπικότητα. Μόνο μαθηματικά. Κανείς δεν ξέρει τι είναι η λογική και η ρητορική στο σχολείο. Η φυσική αγωγή δεν θυμίζει σε τίποτα τη γυμναστική. Το τι να κάνουμε με τη μουσική επίσης δεν είναι ξεκάθαρο. Πλέον τα μαθήματα μουσικής μετά την 5η τάξη δεν είναι πλέον υποχρεωτικά· κατά την κρίση της διοίκησης του σχολείου, μπορούν να αντικατασταθούν με οποιοδήποτε μάθημα του σχεδίου «ιστορία της τέχνης». Τις περισσότερες φορές εξαρτάται από τη διαθεσιμότητα του κατάλληλου δασκάλου, και όπου διδάσκεται μουσική. Αλλά πολλά άλλα μαθήματα προστέθηκαν στο σχολικό πρόγραμμα, αλλά η αρμονία, η ψυχική και σωματική υγεία εξαφανίστηκαν.

Αυτή είναι η ζωή που ενσωματώνεται στη μουσική, τα συναισθήματα, τις εμπειρίες, τις σκέψεις, τις σκέψεις, τη δράση ενός ή περισσότερων ανθρώπων. οποιαδήποτε εκδήλωση της φύσης, ένα γεγονός από τη ζωή ενός ανθρώπου, των ανθρώπων, της ανθρωπότητας. Αυτή είναι η ζωή που ενσωματώνεται στη μουσική, τα συναισθήματα, τις εμπειρίες, τις σκέψεις, τις σκέψεις, τη δράση ενός ή περισσότερων ανθρώπων. οποιαδήποτε εκδήλωση της φύσης, ένα γεγονός από τη ζωή ενός ανθρώπου, των ανθρώπων, της ανθρωπότητας.

Στη μουσική, σπάνια υπάρχουν έργα που βασίζονται σε μία μόνο εικόνα. Στη μουσική, σπάνια υπάρχουν έργα που βασίζονται σε μία μόνο εικόνα. Μόνο ένα μικρό έργο ή ένα μικρό κομμάτι μπορεί να θεωρηθεί ως ενιαίο εικονιστικό περιεχόμενο. Μόνο ένα μικρό έργο ή ένα μικρό κομμάτι μπορεί να θεωρηθεί ως ενιαίο εικονιστικό περιεχόμενο.

Ρυθμός - εναλλαγή σύντομων και μακρών ήχων Ρυθμός - εναλλαγή μικρών και μακρών ήχων Υφή - τρόπος παρουσίασης μουσικού υλικού Υφή - τρόπος παρουσίασης μουσικού υλικού Μελωδία - μονοφωνική ηγεσία της κύριας ιδέας ενός έργου

ΥΦΗ Η μουσική σκέψη μπορεί να εκφραστεί με διάφορους τρόπους. Μουσική Η μουσική σκέψη μπορεί να εκφραστεί με διάφορους τρόπους. Η μουσική, όπως και το ύφασμα, αποτελείται από διάφορα στοιχεία, όπως η μελωδία· όπως το ύφασμα, αποτελείται από διάφορα συστατικά, όπως η μελωδία, οι συνοδευτικές φωνές, οι σταθεροί ήχοι κ.λπ. Όλο αυτό το σύμπλεγμα μέσων ονομάζεται τιμολόγιο. συνοδευτικές φωνές, παρατεταμένοι ήχοι κ.λπ. Όλο αυτό το σύμπλεγμα μέσων ονομάζεται τιμολόγιο.

Τύποι μουσικών υφών Μονωδία (unison) (από το ελληνικό "mono" - one) είναι η παλαιότερη μονοφωνική Μονωδία (unison) (από το ελληνικό "mono" - one) είναι η παλαιότερη μονοφωνική υφή, η οποία είναι μονοφωνική μελωδία, ή μελωδία πολλές φωνές ομόφωνα. υφή, που είναι μια μονοφωνική μελωδία, ή κρατώντας μια μελωδία από πολλές φωνές σε ομοφωνία. Η ομοφωνική-αρμονική υφή αποτελείται από μελωδία και συνοδεία. Καθιερώθηκε στη μουσική των βιεννέζικων κλασικών (β' μισό του 18ου αιώνα) και είναι η πιο κοινή υφή μέχρι σήμερα. Υφή συγχορδίας - είναι μια παρουσίαση συγχορδίας χωρίς έντονη μελωδία. Παραδείγματα είναι οι εκκλησιαστικοί ύμνοι - χορικά (πολύ συχνά μια τέτοια υφή ονομάζεται χορωδιακή), η υποφωνητική πολυφωνία είναι χαρακτηριστική των ρωσικών λαϊκών τραγουδιών. Βασίζεται στον ελεύθερο αυτοσχεδιασμό στη διαδικασία εκτέλεσης μιας μελωδίας, όταν άλλες φωνές ενώνονται με την κύρια φωνή - φωνές υποστήριξης.

Sergei Vasilievich Rachmaninov Συνθέτης Συνθέτης Πιανίστας Πιανίστας Διευθυντής Μαέστρος Γεννήθηκε κοντά στο Νόβγκοροντ, στην πατρίδα του επικού ήρωα Σάντκο. Ακριβώς όπως ο Σάντκο, ο Ραχμανίνοφ αγαπούσε τη γη του και πάντα λαχταρούσε να αποχωριστεί από αυτήν. Πράγματι, το 1917, στην ακμή των δημιουργικών του δυνάμεων, έφυγε για πάντα από τη Ρωσία.

Πότε γεννήθηκε αυτή η παθιασμένη και δραματική πολωνέζα, στην οποία ο συνθέτης έδωσε το όνομα - Αντίο στην Πατρίδα; Τις μέρες ακριβώς που καταπνίγηκε η πολωνική εξέγερση του 1794, ο συνθέτης εγκατέλειψε τη χώρα. Φανταστείτε μια Πολωνέζα 213 ετών. Πότε γεννήθηκε αυτή η παθιασμένη και δραματική πολωνέζα, στην οποία ο συνθέτης έδωσε το όνομα - Αντίο στην Πατρίδα; Τις μέρες ακριβώς που καταπνίγηκε η πολωνική εξέγερση του 1794, ο συνθέτης εγκατέλειψε τη χώρα. Φανταστείτε μια Πολωνέζα 213 ετών. Η ανθεκτικότητα ενός έργου τέχνης εξαρτάται από τη φόρτιση της πνευματικής ενέργειας που έχει επενδύσει σε αυτό ο συγγραφέας· μια τέτοια δημιουργική λάμψη είναι ικανή να θρέψει τους ανθρώπους με την ενέργεια των συναισθημάτων για αιώνες. Η ανθεκτικότητα ενός έργου τέχνης εξαρτάται από τη φόρτιση της πνευματικής ενέργειας που έχει επενδύσει σε αυτό ο συγγραφέας· μια τέτοια δημιουργική λάμψη είναι ικανή να θρέψει τους ανθρώπους με την ενέργεια των συναισθημάτων για αιώνες. Και εδώ είναι - υπέροχες, εκπληκτικές, ατελείωτες και ποικίλες μεταμορφώσεις της πολωνέζας του Oginsky στις ψυχές των ανθρώπων. Και εδώ είναι - υπέροχες, εκπληκτικές, ατελείωτες και ποικίλες μεταμορφώσεις της πολωνέζας του Oginsky στις ψυχές των ανθρώπων. «ΠΟΛΩΝΕΙΣ ΤΟΥ ΟΓΚΙΝΣΚΙ ΑΠΟΧΑΙΡΕΤΙΣΜΟΣ ΣΤΗΝ ΠΑΤΡΙΔΑ»

Ένα τραγούδι βασισμένο στο κίνητρο της Polonaise του Oginsky, που ερμήνευσε η χορωδία του Turetsky. Τι ενδιαφέρον είχε η ερμηνεία τους; Τι ήταν ενδιαφέρον για την απόδοσή τους; Πώς ένιωσες όταν έφυγες έστω και για λίγο από το σπίτι; Πώς ένιωσες όταν έφυγες έστω και για λίγο από το σπίτι;

Εργασία για το σπίτι Εκφράστε τα συναισθήματά σας σχετικά με το ότι λείπετε από το σπίτι σε ένα δοκίμιο ή ένα σχέδιο. Εκφράστε τα συναισθήματά σας σχετικά με το ότι λείπετε από το σπίτι σε ένα δοκίμιο ή ένα σχέδιο. Βρείτε ή συνθέστε ποιήματα για τον αποχωρισμό από το σπίτι, τακτοποιήστε σε μια έκδοση υπολογιστή σε φύλλο Α4, απαγγείλετε από καρδιάς ή συνθέστε μουσική και εκτελέστε στην τάξη. Βρείτε ή συνθέστε ποιήματα για τον αποχωρισμό από το σπίτι, τακτοποιήστε σε μια έκδοση υπολογιστή σε φύλλο Α4, απαγγείλετε από καρδιάς ή συνθέστε μουσική και εκτελέστε στην τάξη.

Αυτοαξιολόγηση και αξιολόγηση εκπαιδευτικών δραστηριοτήτων των μαθητών από εκπαιδευτικό. αλγόριθμος αυτοαξιολόγησης. Θυμάστε όλα όσα ειπώθηκαν στο μάθημα; Ήσουν ενεργός στο μάθημα; Ήταν σωστές οι απαντήσεις σας; Ακολουθήσατε τους κανόνες στην τάξη; Έγραψες τα πάντα για το θέμα του μαθήματος στο τετράδιό σου; Έχετε ολοκληρώσει την εργασία σας;

ΘΕΜΑ: "Μουσική εικόνα"

ΣΚΟΠΟΣ: ανάπτυξη μιας ενεργητικής, εγκάρδιας και συνειδητής αντίληψης της μουσικής από τους μαθητές με βάση τον εντοπισμό μουσικών εικόνων σε αυτήν, τον προσδιορισμό της φύσης, του περιεχομένου και της κατασκευής τους.

• ο σχηματισμός της ικανότητας των μαθητών να προσδιορίζουν με το αυτί τον χαρακτήρα, τη διάθεση και τα ανθρώπινα συναισθήματα που μεταφέρει η μουσική·
• καλλιέργεια της ικανότητας της στοχαστικής ακρόασης ενός μουσικού κομματιού, της ικανότητας ανάλυσης του περιεχομένου και των εκφραστικών του μέσων.
• ανάπτυξη της ικανότητας αναγνώρισης των χαρακτηριστικών ύφους της μουσικής.
• ανάπτυξη της ανεξάρτητης σκέψης των μαθητών, εκδήλωση της δικής τους πρωτοβουλίας και δημιουργικότητας.
• ενίσχυση της ικανότητας του καθαρού τονισμού της μελωδίας, της σωστής αναπνοής και της ακριβούς άρθρωσης των λέξεων κατά το τραγούδι.

ΜΟΥΣΙΚΟ ΥΛΙΚΟ:

Κοντσέρτο Νο 2 για πιάνο και ορχήστρα, μέρος Ι

S.V. Rachmaninov;

Τραγούδι "Εγγενή μέρη",μουσική Y. Antonov.

ΣΕΙΡΑ ΟΡΑΜΑΤΟΣ:

“Wet Meadow” του F.A. Vasiliev;

«Βραδινά Κουδούνια», «Δέντρα της Άνοιξης», «Βράδυ. Golden Reach», «Eternal Peace», I.I. Levitan;

"Εντάξει", W. ΡΕ. Polenov;

U. Γεια σας παιδιά! Καθίστε αναπαυτικά, προσπαθήστε να νιώσετε σαν να βρίσκεστε σε αίθουσα συναυλιών. Παρεμπιπτόντως, ποιο είναι το πρόγραμμα της σημερινής συναυλίας; Κανείς δεν ξέρει? Το πρόβλημα είναι ότι βιαζόσασταν τόσο πολύ που κανείς σας δεν έδωσε σημασία στην αφίσα στην είσοδο της αίθουσας. Λοιπόν, εντάξει, μην στεναχωριέσαι! Νομίζω ότι η μουσική που θα ηχήσει σήμερα θα σε βοηθήσει να προσδιορίσεις όχι μόνο τον συνθέτη και το μουσικό της περιεχόμενο, αλλά και να νιώσεις, να συνειδητοποιήσεις το βάθος των συναισθημάτων που θα μεταφέρει.

Φανταστείτε, λοιπόν, ότι το φως στην αίθουσα άρχισε να χαμηλώνει, ακούγονταν βήματα, επικρατούσε απόλυτη ησυχία και πολλοί ακροατές πάγωσαν σαστισμένοι για να πιάσουν την εμφάνιση του μαέστρου στη σκηνή. Βγήκε έξω και με σταθερό βάδισμα πήγε στο πιάνο, κάθισε και σκέφτηκε για λίγες στιγμές. Το εκφραστικό του πρόσωπο ήταν στραμμένο προς το όργανο. Κοίταξε το πιάνο με τόσο βαθιά συγκέντρωση που κάποια απόκοσμη υπνωτική δύναμη ένιωθε μέσα του. Ο μουσικός άρχισε να παίζει και η μουσική άρχισε.

Η έκθεση του I μέρους του Δεύτερου Κοντσέρτου για Πιάνο του S.V. Ραχμάνινοφ.

U. Ποιος ασχολείται με την απόδοση ενός μουσικού κομματιού;

Δ. Πιάνο και συμφωνική ορχήστρα.

U. Λοιπόν μπορούμε να ορίσουμε το είδος της μουσικής;Είναι όπερα, μπαλέτο, συμφωνία;

U. Ποιος έχει τον πρωταγωνιστικό ρόλο;

Δ. Στη μουσική ακούμε εναλλάξ πιάνο και ορχήστρα.

Νομίζω ότι υπηρετούν τον ίδιο ρόλο.

W. Έτσι πώς λέμε αυτό το μουσικό κομμάτι;Έχουμε ήδη γνωρίσει μια δουλειά αυτού του είδους.

Δ. Αυτό είναι το Κοντσέρτο για πιάνο.

Σχετικά με τη λέξη «συναυλία» υπάρχει ένα μήνυμα αναφοράς που ετοιμάστηκε από έναν από τους μαθητές ως εργασία για το σπίτι.

U. Τι μας φτιάχνει η μουσική;

Δ. Για προβληματισμό. Ακούγοντάς το, θέλεις να σκεφτείς.

Νομίζεις ποιος συνθέτης θα μπορούσε να γράψει αυτό το μουσικό κομμάτι: Ρώσος ή ξένος; Γιατί;

Απαντήσεις παιδιών.

U. Είναι ένας σύγχρονος συνθέτης ή ένας συνθέτης που έζησε πολύ καιρό πριν;

Απαντήσεις μαθητών.

U. Πράγματι, αυτός είναι ένας Ρώσος συνθέτης - Σεργκέι Βασίλιεβιτς Ραχμάνινοφπου έζησε στο γύρισμα του 19ου και του 20ου αιώνα. Δεν ήταν μόνο ένας ταλαντούχος συνθέτης, αλλά και ένας υπέροχος μαέστρος και ένας λαμπρός πιανίστας.

Ακούστε πώς περιέγραψε τον εαυτό του ο ίδιος ο συνθέτης:

«Είμαι Ρώσος συνθέτης και η πατρίδα μου έχει αφήσει το στίγμα της στον χαρακτήρα και τις απόψεις μου. Η μουσική μου είναι ο καρπός του χαρακτήρα μου και επομένως είναι ρωσική μουσική».

Ο Ραχμάνινοφ ήταν ένας άνθρωπος με καταπληκτική μοίρα. Γεννημένος ποιητής και τραγουδιστής στη Ρωσία, γεννήθηκε κοντά στο Νόβγκοροντ και πέθανε στην Αμερική. Ο Σεργκέι Βασίλιεβιτς αγαπούσε την πατρίδα του και παρέμεινε πιστός σε αυτήν μέχρι το τέλος των ημερών του.

Η δημιουργική πορεία του συνθέτη δεν ήταν εύκολη. Γεγονός είναι ότι μετά την πρώτη εμπνευσμένη επιτυχία, σχεδόν κάθε ταλέντο έρχεται αντιμέτωπο με μια παρεξήγηση της τέχνης του, δημιουργικά σκαμπανεβάσματα συμβαίνουν στη ζωή του. Το έτος 1897 έγινε ένα τόσο δύσκολο, από πολλές απόψεις σημείο καμπής για τον Ραχμάνινοφ. Το πραγματικά πρώτο έργο του ενήλικου συνθέτη, η Συμφωνία Νο. 1, απέτυχε. Αυτή η αποτυχία ήταν μια τραγωδία για τον νεαρό συνθέτη. Του έφερε όχι μόνο πικρές απογοητεύσεις, αλλά και μια μακρά δημιουργική κρίση, που επιδεινώθηκε από μια σοβαρή νευρική ασθένεια. Για αρκετά χρόνια ο Ραχμάνινοφ δεν έγραψε τίποτα σημαντικό. Η ώρα πέρασε. Και μετά ήρθε το 1901.

ΤΙ ΕΓΙΝΕ ΜΕ ΤΟΝ ΣΥΝΘΕΤΗ ΤΑ ΧΡΟΝΙΑ;

Η μουσική, αυτά τα συναισθήματα, οι σκέψεις και η διάθεση με την οποία είναι γεμάτη θα μας βοηθήσουν να απαντήσουμε σε αυτό το ερώτημα. Είναι η μουσική που θα βοηθήσει να καταλάβουμε πώς ήταν αυτός που τη συνέθεσε, να καθορίσουμε την ψυχική του κατάσταση εκείνη την εποχή. Για να καταλάβουμε ευκολότερα την ηθική ουσία της μουσικής του Ραχμανίνοφ, ας προσομοιώσουμε μια κατάσταση αυτού του τύπου. Ας συμφωνήσουμε ότι το σόλο πιάνο θα μεταφέρει τη συμπεριφορά, τις σκέψεις, τα συναισθήματα και τις εμπειρίες του ήρωά μας και του κόσμου γύρω του (κοινωνία, φύση, άνθρωποι, πατρίδα) - μια συμφωνική ορχήστρα.

Ήχοι μουσικής.

W. Είπατε ότι στη μουσική ακούμε μήκος, μελωδικότητα, όμορφες μελωδίες, μεγάλο εύρος ήχου. Ακούγονται και οι μελωδικοί και τραβηγμένοι τόνοι στην αρχή του Κοντσέρτου;

Ο δάσκαλος παίζει τις εισαγωγικές συγχορδίες στο πιάνο.

Δ. Όχι. Οι συγχορδίες ακούγονται.

U. Πώς νιώθετε όταν ακούγονται αυτές οι συγχορδίες πιάνου; Τι σας θυμίζει αυτός ο ήχος;?

Δ. Θυμίζει το κουδούνι, σαν να χτυπούν τις καμπάνες, ο συναγερμός.

Και έχω την αίσθηση ότι κάποιος, ή κάτι, πλησιάζει.

U. Γιατί το αποφάσισες;

Δ. Γιατί υπάρχει μια μικρή δυναμική εξέλιξη στη μουσική.

W. Ναι, η σύντομη εισαγωγή βασίζεται σε μια ακολουθία συγχορδιών, οι οποίες απαντώνται στο μπάσο με έντονο «καμπάνα» beats. Και η αύξηση της ηχητικότητας από pianissimo σε ισχυρό fortissimo δημιουργεί την αίσθηση μιας σταδιακής προσέγγισης κάποιου είδους εικόνας. Αλλά τί? Το παρακάτω μουσικό κομμάτι θα μας βοηθήσει να το αναγνωρίσουμε.

Ακούγεται η έκθεση του πρώτου μέρους του Κοντσέρτου.

U. Πόσες μουσικές εικόνες υπάρχουν στο κομμάτι;

U. Μοιάζουν;

U. Με τι αντιπροσωπεύονται;

Δ. Μουσικά θέματα.

U. Τι είναι το θέμα 1; Τι συναισθήματα μεταφέρει; Τι είναι αυτή?

Ο δάσκαλος παίζει το 1ο θέμα στο πιάνο.

Δ. Σκληρός, θαρραλέος, αποφασιστικός.

U. Ποια είναι η φύση του 2ου θέματος;

Ο δάσκαλος ερμηνεύει το 2ο μουσικό θέμα στο πιάνο.

Δ. Λυρική, λαμπερή, ονειρική.

U. Ας το δούμε αυτό Ποια μουσικά εκφραστικά μέσα χρησιμοποίησε ο συνθέτης για να δείξει κάθε μουσική εικόνα;

Δ. Το θέμα που αντιπροσωπεύει η 1η εικόνα εκτελείται από συμφωνική ορχήστρα. Στη μουσική ακούμε

Τα παιδιά βουίζουν τη μελωδία του 1ου μουσικού θέματος.

U. Ποια εικόνα ή εικόνα αυτού που ενσάρκωσε ο συνθέτης με αυτό το μουσικό θέμα, χρησιμοποιώντας ευρέως φωτεινά μουσικά εκφραστικά μέσα;

Δ. Νομίζω ότι αυτή είναι μια ρωσική εικόνα. Εάν το θέμα διευθύνεται από μια συμφωνική ορχήστρα, τότε αυτή είναι η εικόνα όλων όσων περιβάλλουν ένα άτομο - η εικόνα της Ρωσίας, η εικόνα του ρωσικού λαού, η εικόνα της ρωσικής φύσης.

U. Αλλά ο Ρώσος καλλιτέχνης Ilya Efimovich Repin μοιράστηκε τις εντυπώσεις του από τη μουσική που άκουγε: «Αυτή είναι μια εικόνα ενός πανίσχυρου, ομαλά και βαθειά που αιωρείται αργά πάνω από το υδάτινο στοιχείο ενός επιβλητικού πουλιού».

Υπάρχει από μόνη της η φύση του Ραχμανίνοφ; Ή μήπως είναι αναπόσπαστο κομμάτι της ζωής ενός ανθρώπου, του ήρωά μας, που εκπροσωπείται από το κομμάτι του πιάνου;

Δ. Νομίζω ότι φύση και άνθρωπος είναι ένα.

Μου φαίνεται ότι στο φόντο της εικόνας της ρωσικής φύσης, ο συνθέτης μετέφερε διάφορες συναισθηματικές καταστάσεις ενός ατόμου.

U. Ποια συναισθήματα, σκέψεις, διάθεση γεμίζει η μουσική; Πώς μεταφέρει την κατάσταση του μυαλού του συνθέτη;

Ακούγεται το κύριο μέρος της έκθεσης του πρώτου μέρους του Κοντσέρτου.

Τα παιδιά εκφράζουν τη γνώμη τους, απαντούν σε ερωτήσεις.

U. Να τι είπε ο ίδιος ο συνθέτης: « Ήταν η πιο δύσκολη και κρίσιμη περίοδος της ζωής μου, όταν νόμιζα ότι όλα είχαν χαθεί και ο περαιτέρω αγώνας ήταν μάταιος…»

Στη ζωή του συνθέτη ήρθε μια μακρά δημιουργική κρίση, που επιδεινώθηκε από μια σοβαρή νευρική ασθένεια. Στη συνέχεια συγγενείς και φίλοι του Σ.Β. Ο Ραχμανίνοφ αποφάσισε να απευθυνθεί στον γιατρό Νικολάι Βλαντιμίροβιτς Νταλ. Τότε ο Νταλ έγινε ένας πολύ διάσημος ειδικός, που θα τον έλεγαν πλέον ψυχοθεραπευτή, γιατί. ασκούσε εκτενώς την ύπνωση. Η ουσία των θεραπευτικών συνεδριών του με τον Ραχμανίνοφ συνίστατο στο γεγονός ότι κάθισε τον Σεργκέι Βασίλιεβιτς σε μια άνετη καρέκλα και μίλησε ειρηνικά μαζί του. Οι συνομιλίες είχαν στόχο να ανεβάσουν τη γενική διάθεση του ασθενούς, να τον κάνουν να κοιμάται καλά τα βράδια και να του διεγείρουν την επιθυμία και την αυτοπεποίθηση να συνθέσει μουσική.

Πολύ σύντομα, οι γύρω παρατήρησαν σημάδια βελτίωσης στην κατάσταση του Σεργκέι Βασίλιεβιτς. Ο ίδιος ο συνθέτης ανησυχούσε περισσότερο για το κονσέρτο για πιάνο, στο οποίο άρχισε να εργάζεται. Ο Dahl το γνώριζε αυτό και κατέβαλε κάθε δυνατή προσπάθεια για να εμφυσήσει στον συνθέτη την αυτοπεποίθηση να ξεπεράσει τις ψυχολογικές δυσκολίες που του στέκονταν εμπόδιο.

Και έτσι ολοκληρώθηκε η δουλειά για το κονσέρτο για πιάνο. Για πρώτη φορά το Δεύτερο Κοντσέρτο για Πιάνο παίχτηκε το 1901 στη Μόσχα. Και το 1904, ο Rachmaninoff έλαβε το διάσημο βραβείο Glinka για αυτό το έργο.

Έτσι, ο συνθέτης πίστεψε τελικά στον εαυτό του, στη δημιουργική του σωτηρία. Και ποια ήταν η πραγματική αξία του γιατρού, που ενστάλαξε την πίστη στον αποκαρδιωμένο συνθέτη, φαίνεται καλύτερα στην αφιέρωση, η οποία γράφτηκε από τον συγγραφέα του Δεύτερου Κοντσέρτου για Πιάνο σε ένα δωρεά έντυπο αντίγραφο της παρτιτούρας: «Ένας ειλικρινά ευγνώμων ασθενής αφιερώνεται στον σεβαστό Nikolai Vladimirovich Dahl» .

U. Ήθελε ο συνθέτης να μεταφέρει μόνο τα προσωπικά του συναισθήματα, εμπειρίες με το 1ο μουσικό θέμα;

Δ. Νομίζω ότι ο Ραχμανίνοφ ήθελε να δείξει ή να μεταφέρει την ατμόσφαιρα της εποχής στην οποία έζησε, δημιούργησε τον εαυτό του και τους συγχρόνους του, τον χαρακτήρα και τα ιδανικά αυτής της εποχής.

U. Πράγματι, στη μουσική του ακούμε το άγχος και τον ενθουσιασμό που βασίλευε εκείνη την εποχή στη ρωσική κοινωνία.

«Το θέμα του πιο εμπνευσμένου Δεύτερου Κοντσέρτου του δεν είναι μόνο το θέμα της ζωής του, αλλά δίνει πάντα την εντύπωση ενός από τα πιο εντυπωσιακά θέματα της Ρωσίας… Κάθε φορά, από το πρώτο κιόλας χτύπημα της καμπάνας, νιώθεις πώς είναι η Ρωσία ανεβαίνει στο πλήρες ύψος του», έγραψε για αυτό το έργο ο Νικολάι Κάρλοβιτς Μέντνερ, διάσημος Ρώσος συνθέτης.

Η μουσική του Ραχμάνινοφ έχει βαθύ περιεχόμενο. Περιλαμβάνει διάφορες μουσικές εικόνες, μία από τις οποίες έχουμε αναλύσει. Ας πάμε τώρα στο 2ο θέμα.

Ακούγεται σαν πλαϊνό μέρος.

Τα παιδιά αναλύουν τη μουσική γλώσσα του 2ου θέματος.

Δ. Το πιάνο οδηγεί το θέμα. Είναι σόλο. Ακούμε τον απαλό ήχο μιας μελωδίας. Απαλή ματζόρε, ψηλές νότες? ομαλή κίνηση της μελωδίας, μέτριο τέμπο, ανάλαφρος, λυρικός τόνος, είδος τραγουδιού.

U. Τι μουσική εικόνα ήθελε να δείξει ο συνθέτης με το 2ο θέμα;

Δ. Αυτή είναι μια εικόνα της ρωσικής φύσης - ήσυχη και ήρεμη.

U. Τι άλλες σκέψεις θα υπάρξουν; Ίσως κάποιος να σκέφτεται διαφορετικά;

Δ. Το θέμα ερμηνεύεται από το πιάνο, το οποίο, όπως συμφωνήσαμε, μεταφέρει τις σκέψεις και τα συναισθήματα ενός ανθρώπου.

U. Είναι έντονες εμπειρίες αυτές; Τι μας φτιάχνει η μουσική;

Δ. Περί λυρικών αισθημάτων. Αυτές είναι αντανακλάσεις ενός ατόμου για τη μοίρα του, αυτή είναι μια λυρική ομολογία.

U. Γιατί αποφασίσατε ότι ένας άνθρωπος σκέφτεται, στοχάζεται;

Δ. Στη μουσική, ακούμε έναν ήσυχο ήχο, μια ομαλή και ήρεμη κίνηση της μελωδίας. Κάτω από τέτοια μουσική θέλει κανείς να σκέφτεται, να ονειρεύεται.

U. Τι σκέφτεται ο άνθρωπός μας;

Δ. Για την Πατρίδα, για τη Ρωσία, για τους ανθρώπους της, για την όμορφη φύση.

U. Προσδιορίστε τη στάση του χαρακτήρα μας σε αυτό που τον περιβάλλει.

Δ. Αγαπά τον λαό του, την Πατρίδα, τη φύση της. Ένα άτομο με τρόμο και τρυφερότητα αναφέρεται σε όλα αυτά.

U. Γιατί;

Δ. Γιατί η μουσική εκφράζει συναισθήματα όπως καλοσύνη, στοργή, τρυφερότητα, κάποιου είδους φωτεινά συναισθήματα.

U. Ποια μουσική εικόνα ήθελε να μεταφέρει ο συνθέτης;

Δ. Η εικόνα της αγάπης για την πατρίδα, τη φύση, τη Ρωσία.

Τα παιδιά με αγάπη και τρυφερότητα τραγουδούν τη μελωδία του πλαϊνού.

U. Οι εικόνες της ιθαγενούς φύσης πάντα ενθουσίαζαν τους συνθέτες. Ωστόσο, οι εικόνες της ενσωματώθηκαν όχι μόνο στη μουσική, αλλά και σε άλλα είδη ρωσικής τέχνης.

Ο δάσκαλος προσφέρει στους μαθητές αναπαραγωγές έργων ζωγραφικής Ρώσων καλλιτεχνών.

U. Στο γύρισμα του XIX-XX αιώνα. στον τομέα των καλών τεχνών, υπάρχει μια ευρεία ανάπτυξη των στίχων του τοπίου, οι Ρώσοι καλλιτέχνες Ι.Ι. Levitan, F.A. Βασίλιεφ, Β. ΡΕ. Polenov, Savrasov και άλλοι.

Τα παιδιά σε ομάδες εκτελούν μια δημιουργική εργασία. ΕΡΩΤΗΣΕΙΣ:

1. Η εικόνα του τι στους πίνακες συμβολίζει τη ρωσική εικόνα, την εικόνα της Ρωσίας;
2. Ποιες εικόνες είναι σύμφωνες με τη μουσική του 1ου θέματος και του 2ου;
3. Τι κοινό έχουν τα μουσικά και τα εικαστικά έργα;
4. Τι βλέπετε στην εικόνα που σας επιτρέπει να ανιχνεύσετε την παρουσία ενός ατόμου;
5. Τι κοινό έχει η κατάσταση της φύσης και τα συναισθήματα του ήρωά μας, που εκφράζονται στη μουσική;

Ακούγεται η μουσική του πρώτου μέρους του Κοντσέρτου. Τα παιδιά εργάζονται σε ομάδες, ανταλλάσσουν απόψεις, παίρνουν μια απόφαση. Συζήτηση.

U. Ένας εξαιρετικός Ρώσος καλλιτέχνης, κύριος του λυρικού τοπίου ήταν ο Isaac Ilyich

Λεβιτάν. Με βαθιά ποίηση, αποτύπωσε στους καμβάδες του εικόνες της ρωσικής γης και φύσης. Τα έργα του χαρακτηρίζονται από σαφήνεια και ειλικρίνεια, ομορφιά και αρμονία, απουσία έντονων χρωμάτων και έντονων γραμμών. Στους πίνακές του, ο καλλιτέχνης αντανακλούσε ποικίλα ανθρώπινα συναισθήματα και εμπειρίες. Ίσως γι' αυτό το Ι.Ι. Ο Levitan κάποτε ονομαζόταν ο δημιουργός ενός νέου τύπου τοπίου, το οποίο συνήθως ονομάζεται "ΤΟΠΙΟ ΔΙΑΘΕΣΗΣ". Έχετε παρατηρήσει πόσο εκπληκτικά σύμφωνες είναι η εικόνα και η μουσική! Τα σχετικά, πανομοιότυπα ανθρώπινα συναισθήματα, η διάθεση προκαλούν σε θεατή και ακροατή δύο διαφορετικά φαινομενικά έργα τέχνης.

Έτσι, στη μουσική του Μέρους Ι του Δεύτερου Κοντσέρτου για Πιάνο, εντοπίσαμε δύο μουσικές εικόνες: 1η - η εικόνα της Ρωσίας, της Πατρίδας, 2η - η εικόνα της αγάπης για την Πατρίδα. Πώς θα εξελιχθεί ο καθένας τους, θα αλληλεπιδράσει μεταξύ τους στο μέλλον, όσον αφορά τη μουσική δραματουργία, θα παρακολουθήσουμε και θα προσπαθήσουμε να το καταλάβουμε στο επόμενο μάθημα.

Και τώρα δώστε προσοχή σε αυτές τις ημερομηνίες: 11873. και 2008 Πόσο καιρό συνδέεται

Αυτές οι ημερομηνίες; Τα παιδιά απαντούν.

Το τρέχον 2008, ο S.V. Ο Ραχμανίνοφ θα γινόταν 135 ετών. Έχουν περάσει περισσότερα από εκατό χρόνια και σήμερα η μουσική του ακούγεται στην τάξη μας. Πώς πιστεύετε, είναι δυνατόν να πούμε ότι η μουσική αυτού του Ρώσου συνθέτη είναι μοντέρνα ακόμη και τώρα, που έχει περάσει από τον χρόνο; Γιατί τα έργα του είναι τόσο επιτυχημένα σήμερα;

Δ. Νομίζω ότι είναι δυνατό.

Music S.V. Ο Ραχμάνινοφ, ο οποίος έζησε στο γύρισμα του XIX-XX αιώνα, συνεχίζει να μας ενθουσιάζει, ζώντας στο γύρισμα του XX-XXI αιώνα, και τώρα, επειδή. μεταφέρει τέτοια ανθρώπινα συναισθήματα, ενσαρκώνει τέτοιες πτυχές της ζωής που είναι κατανοητές και κοντά σε κάθε Ρώσο.

Η. Και όχι μόνο ρωσικά. Η μουσική του Rachmaninov είναι πολύ δημοφιλής και γνωστή στους μουσικούς κύκλους σε όλο τον κόσμο. Πολύ συχνά, τα έργα του περιλαμβάνουν στο συναυλιακό τους ρεπερτόριο πολλούς διάσημους ερμηνευτές και φημισμένα συμφωνικά σχήματα στην Ευρώπη και τον κόσμο. Η μουσική του Ραχμάνινοφ έχει αντέξει την πιο αυστηρή και δίκαιη δυνατή δοκιμασία στην τέχνη - τη δοκιμασία του χρόνου.

Ποια είναι η έλξη της; Ποια χαρακτηριστικά γνωρίσματα της μουσικής αυτού του αξιόλογου Ρώσου συνθέτη μας επιτρέπουν να τη διακρίνουμε από την τεράστια ροή μουσικού υλικού;

Σκεφτείτε και προσπαθήστε να καταλάβετε τα κύρια χαρακτηριστικά της μουσικής του S.V. Ραχμάνινοφ.

• τραγούδι, μήκος και λαϊκές μελωδίες.
• αυστηρός ρυθμός?
• πληρότητα, πλάτος και ελευθερία υφής.
• εκτεταμένα, κυματιστά περάσματα.
• ενεργό, θαρραλέο μινόρε και λυρικό, μαλακό μείζον.
• σταθερές «παλλίρροιες» και «άμπωτη» δυναμική.
• η επικράτηση του ήχου των έγχορδων και ξύλινων οργάνων στην ορχήστρα.

Ο U. Rakhmaninov δημιούργησε έργα διαφόρων κατευθύνσεων. Αλλά ανεξάρτητα από το είδος που στρέφεται, η μουσική του είναι αναγνωρίσιμη - αυτή είναι η ρωσική μας μουσική: μελωδική, μελωδική, τεντωμένη και όμορφη. Τόσο όμορφη όσο η απέραντη πατρίδα μας - η Ρωσία με την πανίσχυρη ρωσική φύση, τους υπέροχους ανθρώπους, τον πολυεθνικό πολιτισμό, τα λαϊκά έθιμα, τα έθιμα και τις πνευματικές παραδόσεις, τους γηγενείς χώρους και τα μέρη που είναι τόσο αγαπητά σε κάθε Ρώσο.

Οι μαθητές τραγουδούν το τραγούδι “NATIV PLACES”, μουσική Y. Antonov.

Ο δάσκαλος εργάζεται στον καθαρό τονισμό της μελωδίας, τη σωστή αναπνοή, την ακριβή έκφραση και την άρθρωση.

U. Ολοκληρώνοντας τη συνάντησή μας, θέλω να ευχηθώ τόσο σε εσάς όσο και στον εαυτό μου να μην κουράζεται η καρδιά μας να πιστεύουμε στον εαυτό μας, στους αγαπημένους μας, στους φίλους μας, στη μεγάλη αξία της ζωής. Και ας βοηθήσει σε αυτό η μουσική του Rachmaninov, που είναι πολύ ελκυστική, μας πάει στην καρδιά, προέρχεται από τα βάθη της ψυχής.

ΒΙΒΛΙΟΓΡΑΦΙΑ:

1. «Ρωσική μουσική στο σχολείο», μεθοδικά δοκίμια, G.P. Sergeeva, T.S. Shmagina, MIROS, Μόσχα 1998;
2. "Rahmaninov και η εποχή του", Yu Keldysh, "Music", Μόσχα 1973.