Empresyonizmin seyri. Fransız izlenimciliği: genel özellikler, ana ustalar

“İzlenimciler çizdiğinde yeni bir dünya doğdu”

Henri Kahnweiler

XIX yüzyıl. Fransa. Resimde düşünülemez olan oldu. Bir grup genç sanatçı, 500 yıllık geleneği sarsmaya karar verdi. Net bir çizim yerine geniş bir "özensiz" fırça darbesi kullandılar.

Ve herkesi arka arkaya tasvir eden olağan görüntüleri tamamen terk ettiler. Ve kolay erdemli bayanlar ve şüpheli bir üne sahip beyler.

Halk, Empresyonist resim için hazır değildi. Alay edildiler ve azarlandılar. Ve en önemlisi, onlardan hiçbir şey satın almadılar.

Ama direniş kırıldı. Ve bazı İzlenimciler zaferlerini görmek için yaşadılar. Doğru, zaten 40'ın üzerindeydiler. Claude Monet veya Auguste Renoir gibi. Diğerleri, Camille Pissarro gibi, ancak hayatlarının sonunda tanınmayı beklediler. Alfred Sisley gibi biri buna ayak uyduramadı.

Her biri hangi devrimciyi yaptı? Neden halk onları bu kadar uzun süre kabul etmedi? İşte dünyanın en ünlü Fransız İzlenimcilerinden 7'si.

1. Edouard Manet (1832-1883)

Edward Mane. Paletli kendi kendine portre. 1878 Özel koleksiyon

Manet, Empresyonistlerin çoğundan daha yaşlıydı. O onların ana ilham kaynağıydı.

Manet'in kendisi devrimcilerin lideri olduğunu iddia etmedi. O bir dünya adamıydı. Resmi ödüllerin hayalini kurdu.

Ama tanınmak için çok uzun bir süre bekledi. Halk, yemek odasında güzel görünmeleri için Yunan tanrıçalarını veya en kötü ihtimalle natürmortları görmek istedi. Manet çağdaş yaşamı resmetmek istiyordu. Örneğin, cariyeler.

Sonuç "Çimenlerde Kahvaltı" oldu. İki züppe, kolay erdemli hanımların eşliğinde rahatlıyor. İçlerinden biri, hiçbir şey olmamış gibi giyinmiş adamların yanına oturur.

Edward Mane. Çimlerin üzerinde kahvaltı. 1863, Paris

"Çimenlerde Kahvaltı" ile Thomas Couture'un "Düşüşteki Romalılar"ı karşılaştırın. Couture'un resmi büyük ses getirdi. Sanatçı bir anda ünlü oldu.

"Çimenlerde Kahvaltı" kabalıkla suçlandı. Hamile kadınların ona bakmaları kesinlikle önerilmezdi.

Thomas Couture. Romalılar düşüşte. 1847 Orsay Müzesi, Paris. artchive.ru

Couture'un resminde, akademizmin (16.-19. yüzyılların geleneksel resmi) tüm özelliklerini görüyoruz. Sütunlar ve heykeller. Apollon halkı. Geleneksel sessiz renkler. Duruşların ve jestlerin tavırları. Tamamen farklı bir insanın uzak bir yaşamından bir arsa.

Manet'nin “Çimenlerde Kahvaltı”sı farklı bir format. Ondan önce kimse fahişeleri bu kadar kolay tasvir edemezdi. Saygın vatandaşlara yakın. O zamanın birçok erkeği boş zamanlarını bu şekilde geçirmesine rağmen. Gerçek insanların gerçek hayatıydı.

Bir zamanlar saygın bir bayanı canlandırdı. Çirkin. Onu bir fırçayla pohpohlayamazdı. Bayan hayal kırıklığına uğradı. Onu gözyaşları içinde bıraktı.

Edward Mane. Angelina. 1860 Musée d'Orsay, Paris. wikimedia.commons.org

Bu yüzden denemeye devam etti. Örneğin, renk ile. Sözde doğal rengi canlandırmaya çalışmadı. Gri-kahverengi suyu parlak mavi olarak gördüyse, onu parlak mavi olarak tasvir etti.

Bu tabii ki halkı rahatsız etti. "Sonuçta, Akdeniz bile Manet'teki su kadar maviyle övünemez," diye alay ettiler.

Edward Mane. Arjantin. 1874 Güzel Sanatlar Müzesi, Tournai, Belçika. wikipedia.org

Ama gerçek devam ediyor. Manet, resmin amacını temelden değiştirdi. Resim, istediği gibi yazan sanatçının bireyselliğinin somutlaşmış hali oldu. Kalıpları ve gelenekleri unutun.

Yenilikler onu uzun süre affetmedi. Tanıma sadece yaşamın sonunda bekledi. Ama artık buna ihtiyacı yoktu. Çaresiz bir hastalıktan acı içinde ölüyordu.

2. Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet. Bereli otoportre. 1886 Özel koleksiyon

Claude Monet, ders kitabı izlenimcisi olarak adlandırılabilir. Çünkü o, ömrü boyunca bu istikamete sadık kalmıştır.

Nesneleri ve insanları değil, vurguların ve noktaların tek bir renk yapısını boyadı. Ayrı vuruşlar. Hava titriyor.

Claude Monet. Çocuk havuzu. 1869 Metropolitan Sanat Müzesi, New York. Metmuseum.org

Monet sadece doğayı boyamadı. Ayrıca şehir manzaralarında da iyiydi. En ünlülerden biri - .

Bu resimde çok fazla fotoğraf var. Örneğin, hareket bulanık bir görüntü kullanılarak iletilir.

Dikkat edin: uzaktaki ağaçlar ve figürler puslu görünüyor.

Claude Monet. Paris'te Boulevard des Capucines. 1873 (19.-20. Yüzyıl Avrupa ve Amerikan Sanatı Galerisi), Moskova

Önümüzde Paris'in hareketli hayatının durmuş bir anı var. Sahne yok. Kimse poz vermiyor. İnsanlar bir vuruş koleksiyonu olarak tasvir edilir. Bu tür bir plansızlık ve “dondurma çerçevesi” etkisi, izlenimciliğin ana özelliğidir.

1980'lerin ortalarında, sanatçılar İzlenimcilikle hayal kırıklığına uğradılar. Estetik elbette iyidir. Ama birçok ezilenin plansızlığı.

Sadece Monet, izlenimciliği abartarak ısrar etmeye devam etti. Bu bir dizi resim haline geldi.

Aynı manzarayı onlarca kez resmetti. Günün farklı saatlerinde. Yılın farklı zamanlarında. Aynı görüşü ne kadar sıcaklık ve ışığın tanınmayacak kadar değiştirebileceğini göstermek için.

Yani sayısız saman yığını vardı.

Claude Monet'in Boston Güzel Sanatlar Müzesi'ndeki resimleri. Solda: Giverny'de günbatımında saman yığınları, 1891 Sağ: Samanlık (kar etkisi), 1891

Lütfen bu resimlerdeki gölgelerin renkli olduğunu unutmayın. Ve İzlenimcilerden önce olduğu gibi gri veya siyah değil. Bu onların buluşlarından bir diğeri.

Monet, başarının ve maddi refahın tadını çıkarmayı başardı. 40 yaşından sonra yoksulluğu çoktan unutmuştu. Bir evi ve güzel bir bahçesi var. Ve bunu uzun yıllar kendi zevki için yaptı.

Makalede ustanın en ikonik tablosunu okuyun

3. Auguste Renoir (1841-1919)

Pierre-Auguste Renoir. Otoportre. 1875 Sterling ve Francine Clark Sanat Enstitüsü, Massachusetts, ABD. Pinterest

İzlenimcilik en olumlu resimdir. İzlenimciler arasında en olumlu olanı Renoir'di.

Onun resimlerinde dram bulamazsınız. Siyah boya bile kullanmadı. Sadece olmanın sevinci. En banal Renoir bile güzel görünüyor.

Monet'in aksine, Renoir insanları daha sık boyadı. Onun için manzaralar daha az önemliydi. Resimlerde arkadaşları ve tanıdıkları rahatlıyor ve hayattan zevk alıyor.

Pierre-Auguste Renoir. Kürek kahvaltısı. 1880-1881 Phillips Koleksiyonu, Washington, ABD. wikimedia.commons.org

Renoir ve düşünceliliği bulamazsınız. Konuları tamamen reddeden İzlenimcilere katılmaktan çok memnundu.

Kendisinin de dediği gibi, sonunda çiçekleri boyama ve onlara basitçe “Çiçekler” deme fırsatı buldu. Ve onlar hakkında hikayeler uydurmayın.

Pierre-Auguste Renoir. Bahçede şemsiyesi olan kadın. 1875 Thyssen-Bormenis Müzesi, Madrid. arteuam.com

Renoir, kadınların yanında kendini en iyi hissetti. Hizmetçilerinden şarkı söylemelerini ve şaka yapmalarını istedi. Şarkı ne kadar aptal ve safsa onun için o kadar iyiydi. Bir adamın gevezeliği onu yormuştu. Renoir'in çıplak resimlerle tanınması şaşırtıcı değil.

“Güneş Işığında Çıplak” resmindeki model, renkli bir soyut arka plana karşı görünüyor. Çünkü Renoir için ikincil bir şey yoktur. Modelin gözü veya arka planın alanı eşdeğerdir.

Pierre-Auguste Renoir. Gün ışığında çıplak. 1876 ​​​​Orsay Müzesi, Paris. wikimedia.commons.org

Renoir uzun bir hayat yaşadı. Fırçayı ve paleti asla elinizden bırakmayın. Elleri romatizmaya tamamen zincirlenmişken bile fırçayı bir iple koluna bağladı. Ve boyadı.

Monet gibi o da 40 yıl sonra tanınmayı bekledi. Ve Louvre'da ünlü ustaların eserlerinin yanında resimlerimi gördüm.

Makalede Renoir'in en büyüleyici portrelerinden birini okuyun

4. Edgar Degas (1834-1917)

Edgar Degas. Otoportre. 1863 Calouste Gulbenkian Müzesi, Lizbon, Portekiz. kültürlü.com

Degas klasik bir izlenimci değildi. Açık havada (açık havada) çalışmayı sevmiyordu. Onunla kasıtlı olarak aydınlatılmış bir palet bulamazsınız.

Aksine, net bir çizgiyi severdi. Çok fazla siyahı var. Ve sadece stüdyoda çalıştı.

Ama yine de, diğer büyük izlenimcilerle her zaman eşit tutulur. Çünkü o bir jest izlenimcisiydi.

Beklenmeyen açılar. Nesnelerin düzenlenmesinde asimetri. Karakterler hazırlıksız yakalandı. İşte resimlerinin ana özellikleri.

Karakterlerin aklının başına gelmesine izin vermeyerek hayatın anlarını durdurdu. En azından “Opera Orkestrası”na bakın.

Edgar Degas. Opera Orkestrası. 1870 Musée d'Orsay, Paris. commons.wikimedia.org

Ön planda bir sandalyenin arkası var. Müzisyenin sırtı bize dönük. Ve arka planda sahnedeki balerinler “çerçeveye” sığmadı. Kafaları, resmin kenarında acımasızca “kesilir”.

Bu yüzden en sevdiği dansçılar her zaman güzel pozlarda tasvir edilmez. Bazen sadece uzanırlar.

Ancak böyle bir doğaçlama hayalidir. Tabii ki, Degas kompozisyonu dikkatlice düşündü. Bu sadece bir kare dondurma efekti, gerçek bir kare dondurma değil.

Edgar Degas. İki bale dansçısı. 1879 Shelbourne Müzesi, Wermouth, ABD

Edgar Degas kadınları resmetmeyi severdi. Ancak hastalık veya vücudun özellikleri, onlarla fiziksel temas kurmasına izin vermedi. Hiç evlenmedi. Kimse onu bir bayanla görmedi.

Kişisel yaşamında gerçek olayların olmaması, görüntülerine ince ve yoğun bir erotizm ekledi.

Edgar Degas. Bale yıldızı. 1876-1878 Musée d'Orsay, Paris. wikimedia.comons.org

Lütfen “Bale Yıldızı” resminde sadece balerin kendisinin çizildiğini unutmayın. Sahne arkası meslektaşları zorlukla ayırt edilebilir. Sadece birkaç bacak.

Bu, Degas'ın resmi bitirmediği anlamına gelmez. Resepsiyon böyle. Yalnızca en önemli şeyleri odakta tutun. Gerisini yok edin, okunaksız hale getirin.

Makalede ustanın diğer resimlerini okuyun.

5. Berthe Morisot (1841-1895)

Edward Mane. Berthe Morisot'un portresi. 1873 Marmottan Monet Müzesi, Paris.

Bertha Morisot, büyük İzlenimciler arasında nadiren ön plana çıkar. Eminim ki hak edilmemiştir. Sadece onun içinde izlenimciliğin tüm ana özelliklerini ve tekniklerini bulacaksınız. Ve eğer bu tarzı seviyorsanız, yaptığı işe tüm kalbinizle bayılacaksınız.

Morisot, izlenimini tuvale aktararak hızlı ve aceleci bir şekilde çalıştı. Rakamlar uzayda çözülmek üzere gibi görünüyor.

Berthe Morisot. Yaz. 1880 Fabre Müzesi, Montpellier, Fransa.

Degas gibi o da çoğu zaman bazı detayları yarım bıraktı. Ve hatta modelin vücut parçaları. “Yaz” resmindeki kızın ellerini ayırt edemiyoruz.

Morisot'un kendini ifade etme yolu zordu. Sadece “özensiz” resim yapmakla kalmadı. O hala bir kadındı. O günlerde bir bayanın evlilik hayali kurması gerekiyordu. Bundan sonra, herhangi bir hobi unutuldu.

Bu nedenle, Bertha uzun süre evliliği reddetti. Mesleğine saygılı davranan bir adam bulana kadar. Eugene Manet, ressam Edouard Manet'in kardeşiydi. Karısı için bir şövale ve boyalar taşıyordu.

Berthe Morisot. Eugene Manet kızıyla Bougival'de. 1881 Marmottan Monet Müzesi, Paris.

Ama hala 19. yüzyıldaydı. Hayır, Morisot pantolon giymedi. Ancak tam bir hareket özgürlüğü sağlayamadı.

Yanında biri olmadan tek başına çalışmak için parka gidemezdi. Bir kafede tek başıma oturamazdım. Bu nedenle resimleri aile çevresinden insanlardır. Koca, kız, akrabalar, dadılar.

Berthe Morisot. Bougival'de bir bahçede çocuğu olan bir kadın. 1881 Galler Ulusal Müzesi, Cardiff.

Morisot tanınmayı beklemedi. 54 yaşında zatürreden öldü ve hayatı boyunca neredeyse hiçbir eserini satmadı. Ölüm belgesinde "meslek" sütununda bir tire vardı. Bir kadının sanatçı olarak adlandırılması düşünülemezdi. Gerçekten öyle olsa bile.

Makalede ustanın resimleri hakkında bilgi edinin

6. Camille Pissarro (1830 - 1903)

Camille Pissarro. Otoportre. 1873 Orsay Müzesi, Paris. wikipedia.org

Camille Pissarro. Tartışmasız, makul. Birçoğu onu bir öğretmen olarak gördü. En huysuz meslektaşlar bile Pissarro hakkında kötü konuşmadılar.

İzlenimciliğin sadık bir takipçisiydi. Korkunç bir ihtiyaç içinde, bir karısı ve beş çocuğuyla, hala en sevdiği tarzda çok çalıştı. Ve daha popüler olmak için asla salon resmine geçmedim. Kendine tam olarak inanacak gücü nereden bulduğu bilinmiyor.

Açlıktan ölmemek için Pissarro, hevesle tükenen fanları boyadı. Ve asıl tanınma 60 yıl sonra ona geldi! Sonra sonunda ihtiyacı unutabildi.

Camille Pissarro. Louveciennes'de posta arabası. 1869 Orsay Müzesi, Paris

Pissarro'nun resimlerinde hava kalın ve yoğundur. Olağandışı renk ve hacim birleşimi.

Sanatçı, bir an için ortaya çıkan ve kaybolan doğanın en değişken fenomenlerini resmetmekten korkmadı. İlk kar, buz gibi güneş, uzun gölgeler.

Camille Pissarro. Don. 1873 Orsay Müzesi, Paris

En ünlü eserleri Paris manzaralarıdır. Geniş bulvarlar, boş rengarenk kalabalık. Geceleri, gündüzleri, farklı havalarda. Bazı açılardan, Claude Monet'nin resim serisini yansıtıyorlar.

İzlenimcilik (izlenimcilik), 19. yüzyılın sonlarında Fransa'da ortaya çıkan ve daha sonra tüm dünyaya yayılan bir resim tarzıdır. İzlenimcilik fikri, adında yatar: izlenim - izlenim. Kendilerine göre dünyanın tüm güzelliğini ve canlılığını aktarmayan geleneksel resim akademisi tekniklerinden bıkan sanatçılar, en erişilebilir şekilde ifade etmesi gereken tamamen yeni teknik ve tasvir yöntemlerini kullanmaya başladılar. “fotoğrafik” bir görünüm değil, gördüklerinizden bir izlenim oluşturur. Empresyonist sanatçı, resminde vuruşların doğasını ve renk paletini kullanarak atmosferi, sıcağı veya soğuğu, kuvvetli rüzgarı veya huzurlu sessizliği, sisli yağmurlu sabahı veya parlak güneşli öğleden sonrayı ve yaşadıklarından kişisel deneyimlerini aktarmaya çalışır. testere.

İzlenimcilik, duygular, duygular ve geçici izlenimler dünyasıdır. Burada değer verilen dış gerçekçilik veya doğallık değil, ifade edilen duyumların gerçekçiliği, resmin iç durumu, atmosferi, derinliğidir. Başlangıçta, bu tarz ağır eleştirildi. İlk İzlenimci resimler, resmi Paris Sanat Salonu tarafından reddedilen sanatçıların eserlerinin sergilendiği Paris'teki Salon des Les Misérables'da sergilendi. İlk kez "Empresyonizm" terimi, "Le Charivari" dergisinde sanatçıların sergileri hakkında aşağılayıcı bir eleştiri yazan eleştirmen Louis Leroy tarafından kullanıldı. Terimin temeli olarak, Claude Monet'in “İzlenim” resmini aldı. Doğan güneş". Kabaca "izlenimciler" olarak çevrilebilecek tüm sanatçıları izlenimci olarak adlandırdı. İlk başta, resimler gerçekten eleştirildi, ancak kısa süre sonra sanatta yeni yönün hayranları salona gelmeye başladı ve türün kendisi bir dışlanmadan tanınmış bir şeye dönüştü.

19. yüzyılın sonlarında Fransa'daki sanatçıların birdenbire yeni bir tarz ortaya koymadıklarını belirtmekte fayda var. Rönesans sanatçıları da dahil olmak üzere geçmişin ressamlarının tekniklerini temel aldılar. El Greco, Velazquez, Goya, Rubens, Turner ve diğerleri gibi ressamlar, izlenimciliğin ortaya çıkmasından çok önce, resmin ruh halini, doğanın canlılığını, havanın özel ifadesini çeşitli ara tonların yardımıyla aktarmaya çalıştılar. , parlak veya tam tersi soyut şeyler gibi görünen donuk vuruşlar. Resimlerinde bunu oldukça dikkatli kullandılar, bu nedenle olağandışı teknik izleyiciye açık değildi. İzlenimciler ise eserlerinde bu tasvir yöntemlerini temel almaya karar vermişlerdir.

İzlenimcilerin çalışmalarının bir başka özelliği de, inanılmaz derinlik içeren bir tür yüzeysel gündelikliktir. Derin felsefi temaları, mitolojik veya dini görevleri, tarihi ve önemli olayları ifade etmeye çalışmazlar. Bu yöndeki sanatçıların resimleri doğal olarak basit ve gündeliktir - manzaralar, natürmortlar, sokakta yürüyen veya olağan şeyler yapan insanlar vb. Bir insanı, gördüklerinden duygu ve duyguların dikkatini dağıtan aşırı tematikliğin olmadığı tam da böyle anlardır. Ayrıca, İzlenimciler, en azından varlıklarının başlangıcında, "ağır" konuları - yoksulluk, savaşlar, trajediler, acı çekme vb. Empresyonist resimler, çoğu zaman, çok fazla ışık, parlak renk, düzleştirilmiş chiaroscuro, pürüzsüz kontrastların olduğu en olumlu ve neşeli eserlerdir. İzlenimcilik hoş bir izlenim, yaşam sevinci, her anın güzelliği, zevk, saflık, samimiyettir.

En ünlü izlenimciler Claude Monet, Edgar Degas, Alfred Sisley, Camille Pissarro ve diğerleri gibi büyük sanatçılardı.

Gerçek bir yahudi arpını nereden alacağınızı bilmiyor musunuz? En geniş seçimi khomus.ru sitesinde bulabilirsiniz. Moskova'da çok çeşitli etnik müzik aletleri.

Alfred Sisley - İlkbaharda Çimenler

Camille Pissarro - Montmartre Bulvarı. Öğleden sonra, güneşli.

19. yüzyılın sonlarında Avrupa sanatı, modernist sanatın ortaya çıkmasıyla zenginleşmiş, daha sonra etkisi müzik ve edebiyata kadar uzanmıştır. Sanatçının en ince izlenimlerine, imgelerine ve ruh hallerine dayandığı için "izlenimcilik" olarak adlandırıldı.

Kökenleri ve oluşum tarihi

19. yüzyılın ikinci yarısında birkaç genç sanatçı bir grup oluşturdu. Ortak bir amaçları ve çakışan çıkarları vardı. Bu şirket için asıl şey, atölye duvarları ve çeşitli kısıtlayıcı faktörler olmadan doğada çalışmaktı. Resimlerinde, tüm duygusallığı, ışık ve gölge oyununun izlenimini aktarmaya çalıştılar. Manzaralar ve portreler, ruhun evrenle, çevreleyen dünyayla olan birliğini yansıtıyordu. Onların resimleri, renklerin gerçek şiiridir.

1874'te bu sanatçı grubunun bir sergisi vardı. Claude Monet'in Manzarası “İzlenim. Sunrise”, incelemesinde ilk kez bu yaratıcıları İzlenimciler (Fransızca izlenimden - “izlenim”) olarak adlandıran eleştirmenin dikkatini çekti.

Temsilcileri yakında inanılmaz bir başarı elde edecek olan izlenimcilik tarzının doğuşunun önkoşulları Rönesans'ın eserleriydi. İspanyollar Velazquez, El Greco, İngiliz Turner, Constable'ın çalışmaları, izlenimciliğin kurucuları olan Fransızları koşulsuz olarak etkiledi.

Pissarro, Manet, Degas, Sisley, Cezanne, Monet, Renoir ve diğerleri, üslubun Fransa'daki önde gelen temsilcileri oldular.

Resimde izlenimcilik felsefesi

Bu tarzda resim yapan sanatçılar, halkın dikkatini sıkıntılara çekme görevini üstlenmediler. Eserlerinde günün konusuyla ilgili arsalar bulunamıyor, ahlaki değerler alınamıyor veya insan çelişkileri fark edilmiyor.

İzlenimcilik tarzındaki resimler, gizemli bir doğanın renk şemalarını geliştirerek anlık bir ruh halini aktarmayı amaçlar. Eserlerde sadece olumlu bir başlangıç ​​için bir yer var, kasvet İzlenimcileri atladı.

Aslında, İzlenimciler arsa ve detayları düşünmekle uğraşmadılar. Ana faktör ne çizileceği değil, ruh halinizi nasıl betimleyeceğiniz ve aktaracağınızdı.

boyama tekniği

Akademik çizim tarzı ile İzlenimcilerin tekniği arasında muazzam bir fark var. Pek çok yöntemi basitçe terk ettiler, bazıları tanınmayacak şekilde değiştirildi. İşte yaptıkları yenilikler:

1. Terk edilmiş kontur. Darbelerle değiştirildi - küçük ve zıt.
2. Birbirini tamamlayan ve belirli bir etki elde etmek için birleştirme gerektirmeyen renkleri seçtik için paletleri kullanmayı bıraktık. Örneğin, sarı mordur.
3. Siyahla boyamayı bırak.
4. Atölyelerde tamamen terk edilmiş işler. Bir anı, bir görüntüyü, bir duyguyu yakalamak daha kolay olsun diye sadece doğa üzerine yazdılar.
5. Sadece iyi opaklığa sahip boyalar kullanıldı.
6. Bir sonraki katın kurumasını beklemeyin. Hemen taze smear uygulandı.
7. Işık ve gölgedeki değişiklikleri takip etmek için iş döngüleri oluşturdular. Örneğin, Claude Monet'in "Saman Yığınları".

Tabii ki, tüm sanatçılar tam olarak izlenimcilik tarzının özelliklerini gerçekleştirmedi. Örneğin, Edouard Manet'in resimleri hiçbir zaman ortak sergilere katılmadı ve kendisi de kendisini ayrı bir sanatçı olarak konumlandırdı. Edgar Degas sadece atölyelerde çalıştı, ancak bu, çalışmalarının kalitesine zarar vermedi.

Fransız İzlenimciliğinin Temsilcileri

İzlenimci eserlerin ilk sergisi 1874 tarihlidir. 12 yıl sonra son sergileri gerçekleşti. Bu tarzdaki ilk eser E. Manet tarafından “Çimenlerde Kahvaltı” olarak adlandırılabilir. Bu resim Reddedilenlerin Salonunda sunuldu. Akademik kanonlardan çok farklı olduğu için düşmanlıkla karşılandı. Bu nedenle Manet, bu üslup yönünün takipçilerinin bir çemberinin etrafında toplandığı bir figür haline gelir.

Ne yazık ki, çağdaşlar izlenimcilik gibi bir tarzı takdir etmediler. Resimler ve sanatçılar resmi sanatla anlaşmazlık içindeydiler.

Yavaş yavaş, Claude Monet, daha sonra liderleri ve izlenimciliğin ana ideoloğu olan ressamlar ekibinde öne çıkıyor.

Claude Monet (1840-1926)

Bu sanatçının eseri, izlenimciliğe bir ilahi olarak tanımlanabilir. Gölgelerin ve gecenin bile başka tonları olduğunu savunarak resimlerinde siyah kullanmayı ilk reddeden oydu.

Monet'nin resimlerindeki dünya, gündüz ve gecenin renklerinin, mevsimlerin, ay altı dünyasının uyumunun tüm spektrumunu hissedebileceğiniz belirsiz ana hatlar, hacimli vuruşlardır. Monet'in anlayışında hayatın akışından koparılan sadece bir an izlenimciliktir. Resimlerinin hiçbir maddiliği yok gibi görünüyor, hepsi ışık ışınları ve hava akımlarıyla doygun.

Claude Monet harika eserler yarattı: "Station Saint-Lazare", "Rouen Katedrali", "Charing Cross Bridge" döngüsü ve diğerleri.

Auguste Renoir (1841-1919)

Renoir'in kreasyonları olağanüstü hafiflik, havadarlık, eteriklik izlenimi veriyor. Arsa sanki tesadüfen doğdu, ancak sanatçının eserinin tüm aşamalarını dikkatlice düşündüğü ve sabahtan akşama kadar çalıştığı biliniyor.

O. Renoir'in eserinin ayırt edici bir özelliği, yalnızca sanatçının eserlerinde İzlenimcilik yazarken mümkün olan cam kullanımıdır, her vuruşta kendini gösterir. Bir insanı doğanın bir parçacığı olarak algılar, bu yüzden nü ile bu kadar çok resim var.

Renoir'in en sevdiği eğlence, tüm çekici ve çekici güzelliğiyle bir kadın imajıydı. Portreler, sanatçının yaratıcı yaşamında özel bir yere sahiptir. “Şemsiyeler”, “Hayranlı Kız”, “Kürekçilerin Kahvaltısı”, Auguste Renoir'in muhteşem resim koleksiyonunun sadece küçük bir kısmı.

Georges Seurat (1859-1891)

Seurat, resim oluşturma sürecini renk teorisinin bilimsel olarak doğrulanmasıyla ilişkilendirdi. Açık hava ortamı, ana ve ek tonların bağımlılığı temelinde çizildi.

J. Seurat'ın İzlenimciliğin son aşamasının bir temsilcisi olmasına ve tekniği birçok açıdan kuruculardan farklı olmasına rağmen, aynı şekilde vuruşların yardımıyla nesnel formun yanıltıcı bir temsilini yaratır. sadece uzaktan görülebilir ve görülebilir.

Yaratıcılığın başyapıtlarına "Pazar", "Cancan", "Modeller" tablosu denilebilir.

Rus izlenimciliğinin temsilcileri

Rus izlenimciliği, birçok fenomeni ve yöntemi karıştırarak neredeyse kendiliğinden ortaya çıktı. Ancak, Fransızlar gibi temel, sürecin tam ölçekli bir vizyonuydu.

Rus izlenimciliğinde, Fransızların özellikleri korunmuş olsa da, ulusal doğa ve ruh halinin özellikleri önemli değişiklikler yaptı. Örneğin, kar veya kuzey manzaralarının vizyonu alışılmadık bir teknik kullanılarak ifade edildi.

Rusya'da, izlenimcilik tarzında çok az sanatçı çalıştı, resimleri bu güne dikkat çekiyor.

Valentin Serov'un çalışmalarında izlenimci dönem ayırt edilebilir. Onun "Şeftali Kız" Rusya'da bu tarzın en açık örneği ve standardıdır.

Resimler, tazeliği ve saf renklerin uyumu ile fethediyor. Bu sanatçının eserinin ana teması, doğadaki bir insanın görüntüsüdür. "Kuzey İdil", "Teknede", "Fyodor Chaliapin", K. Korovin'in faaliyetinde parlak kilometre taşlarıdır.

Modern zamanlarda izlenimcilik

Şu anda sanatta bu yön yeni bir hayat aldı. Bu tarzda, birkaç sanatçı resimlerini boyar. Modern izlenimcilik Rusya'da (André Cohn), Fransa'da (Laurent Parcelier), Amerika'da (Diana Leonard) var.

Andre Kohn, yeni izlenimciliğin en önemli temsilcisidir. Yağlı boya tabloları sadelikleriyle dikkat çekiyor. Sanatçı güzelliği sıradan şeylerde görür. Yaratıcı birçok nesneyi hareket prizması aracılığıyla yorumlar.

Laurent Parcelier'in suluboya çalışmaları tüm dünyada tanınmaktadır. "Garip Dünya" adlı eserleri kartpostal şeklinde yayınlandı. Muhteşem, canlı ve şehvetli, nefes kesici.

19. yüzyılda olduğu gibi, şu anda sanatçılar için plein air boyama kalıyor. Onun sayesinde izlenimcilik sonsuza kadar yaşayacak. sanatçılar ilham vermeye, etkilemeye ve ilham vermeye devam ediyor.

Bugün, empresyonist sanatçıların başyapıtları bizim tarafımızdan dünya sanatı bağlamında algılanıyor: bizim için çoktan klasik oldular. Ancak, bu hiçbir şekilde her zaman böyle değildi. Resimlerinin resmi sergilere girmesine izin verilmedi, basında eleştirildi, cüzi bir ücret karşılığında bile satın almak istemediler. Yıllarca umutsuzluk, ihtiyaç ve yoksunluk vardı. Ve dünyayı onların gördüğü gibi boyama fırsatı için savaşıyorlar. Çoğunluğun kavrayıp algılayabilmesi, kendilerini onların gözünden görebilmesi on yıllar aldı. İzlenimciliğin 1860'ların başında, dönüşümler bahşeden neşeli bir rüzgar gibi istila ettiği dünya nasıldı?

18. yüzyılın sonlarındaki toplumsal çalkantılar, Fransa ve Amerika'daki devrimler, hızla değişen bir toplumda sanatın rolünü etkilemekten başka bir şey yapamayan Batı kültürünün özünü dönüştürdü. İktidardaki hanedandan ya da kiliseden gelen toplumsal düzene alışmış olan sanatçılar, birdenbire müşterileri olmadan kaldıklarını fark ettiler. Sanatın ana müşterileri olan soylular ve din adamları ciddi zorluklar yaşadı. Yeni bir çağ başladı, kuralları ve öncelikleri tamamen değiştiren kapitalizm çağı.

Yavaş yavaş, gelişmekte olan cumhuriyetlerde ve demokratik güçlerde zengin bir orta sınıf büyüdü ve bunun sonucunda yeni bir sanat piyasası gelişmeye başladı. Ne yazık ki, girişimciler ve tüccarlar, bir kural olarak, aristokrasiyi uzun süredir büyüleyen çeşitli arsa alegorilerini veya yetenekli performans becerilerini doğru bir şekilde takdir etmenin imkansız olduğu kalıtsal kültür ve yetiştirmeden yoksundu.

Aristokrat bir yetiştirme ve eğitim ile ayırt edilmeyen, sanat tüketicisi haline gelen orta sınıfın temsilcileri, başlangıçta gazete eleştirmenlerinin ve resmi uzmanların düşüncelerine odaklanmak zorunda kaldılar. Klasik temellerin koruyucusu olan eski sanat akademileri, sanatsal ağırlık meselelerinde merkezi hakemler haline geldi. Uyumluluktan bıkmış bazı genç ve sorgulayıcı ressamların sanatta akademizmin biçimsel egemenliğine başkaldırması paradoksal değildir.

O zamanların akademizminin temel kalelerinden biri, yetkililerin himayesinde olan çağdaş sanat sergileriydi. Bu tür sergilere, bir zamanlar saray sanatçılarının resimlerini sergiledikleri Louvre'daki salonun adına atıfta bulunan geleneğe göre Salonlar deniyordu.

Salona katılım, basının ve müşterilerin ilgisini çalışmalarına çekmek için tek şanstı. Auguste Renoir, Durand-Ruel'e yazdığı mektuplarından birinde, işlerin şu anki durumundan söz ediyor: "Paris'in tamamında, Salon'un yardımı olmadan sanatçıyı tanıyabilecek neredeyse on beş hayran ve onu tanıyacak seksen bin kişi var. sanatçı Salon'a kabul edilmezse, bir santimetre kare tuval bile alamaz.

Genç ressamların Salonlarda görünmekten başka seçenekleri yoktu: Sergide sadece jüri üyelerinin değil, aynı zamanda Eugene Delacroix, Gustave Courbet, Edouard Manet gibi son derece saygın ressamların da övgü dolu sözlerini duyabiliyorlardı. gençlerin favorileri, böylece gelecekteki yaratıcılık için ivme kazanıyor. Buna ek olarak, Salon, bir müşteri edinmek, fark edilmek, sanatta bir kariyer düzenlemek için eşsiz bir fırsattı. Salon ödülü, sanatçı için profesyonel bir tanınma vaadi oldu. Tersine, jüri gönderilen çalışmayı reddederse, bu estetik bir askıya alma ile eşdeğerdi.

Genellikle, değerlendirilmek üzere önerilen resim, Salon jürisinin reddettiği olağan kanonlara uymuyordu: sanatsal ortamda, bu bölüm bir skandal ve sansasyon yarattı.

Salon'a katılımı her zaman bir skandal yaratan ve akademisyenleri oldukça endişelendiren sanatçılardan biri de Edouard Manet'ti. Büyük bir skandala, alışılmadık derecede sert bir şekilde yaratılan ve Salon'a estetik bir yabancı içeren "Çimenlerde Kahvaltı" (1863) ve "Olympia" (1865) resimlerinin gösterileri eşlik etti. Ve 1864 Salonunda sunulan "Boğa Güreşi Olayı" adlı resimde, sanatçının Goya'nın çalışmasına olan tutkusu etkilendi. Ön planda Manet, bir boğa güreşçisinin secde figürünü çizdi. Resmin arka planında iç kısımlara uzanan arena ve sıra sıra cesareti kırılmış, şaşkına dönmüş seyirciler vardı. Böyle keskin ve meydan okuyan bir kompozisyon, birçok alaycı eleştiriyi ve gazete karikatürlerini kışkırttı. Eleştirilerden zarar gören Manet, resmini ikiye böldü.

Eleştirmenlerin ve karikatüristlerin, sanatçıyı daha acı verici bir şekilde rahatsız etmek, onu bir tür karşılıklı eylemlere zorlamak için kelime ve yöntemleri seçmekten utanmadıkları belirtilmelidir. "Salon Tarafından Reddedilen Sanatçı" ve daha sonra "Empresyonist", kamu skandallarından para kazanan gazetecilerin favori hedefleri haline geldi. Salon'un modası geçmiş akademizmin katı sınırlarından bıkmış diğer kavram ve çekim ressamlarıyla bitmek bilmeyen çekişmesi, 19. yüzyılın ikinci yarısının sanatında o zamana kadar olgunlaşan ciddi bir gerilemeye işaret ediyordu. 1863 Salon'unun muhafazakar jürisi o kadar çok tuvali reddetti ki, İmparator III. "Dışlanmışların Salonu" adını alan bu sergi son derece moda bir eğlence yeri haline geldi - insanlar buraya gülmek ve esprili olmak için gittiler.

Akademik jüriyi atlamak için, uygun ressamlar bağımsız kişisel sergiler de açabilirler. Bir sanatçının sergilenmesi fikri ilk olarak realist ressam Gustave Courbet tarafından açıklandı. Bir dizi eserini 1855 Paris Dünya Sergisine sundu. Seçim komitesi manzaralarını onayladı, ancak tematik program resimlerini reddetti. Daha sonra Courbet, geleneğin aksine, Dünya Sergisi'nin yakınına kişisel bir pavyon dikti. Yaşlı Delacroix, Courbet'nin geniş resim stilinden etkilenmiş olsa da, pavyonunda çok az seyirci vardı. 1867'deki Dünya Sergisi sırasında, Courbet bu deneyimine büyük bir zaferle devam etti - bu kez tüm eserlerini ayrı bir odaya astı. Édouard Manet, Courbet örneğini takip ederek, resimlerini geriye dönük olarak sergilemek için aynı sergi sırasında kendi galerisini açtı.

Kişisel galerilerin yaratılması ve katalogların özel olarak yayınlanması, somut bir kaynak harcaması anlamına geliyordu - çoğu zaman sanatçıların sahip olduklarından kıyaslanamayacak kadar fazla. Ancak Courbet ve Manet ile yaşanan olaylar, genç ressamları, resmi Salon tarafından kabul edilmeyen yeni akımların sanatçılarından oluşan bir grup sergisi planlamaya sevk etti.

Toplumsal değişimlere ek olarak, bilimsel araştırmalar da 19. yüzyıl sanatı üzerinde önemli bir etkiye sahipti. 1839'da Paris'te Louis Daguerre ve Londra'da Henry Fox Talbot bağımsız olarak inşa ettikleri fotoğraf cihazlarını sergilediler. Bu olaydan kısa bir süre sonra fotoğraf, sanatçıları ve grafik sanatçılarını sadece insanları, yerleri ve olayları anma zorunluluğundan kurtardı. Nesneyi kopyalama görevinden kurtulan birçok ressam, kendi öznel ifadelerini duyguların tuvaline aktarma alanına koştu.

Fotoğraf, Avrupa sanatında başka görüşlere yol açtı. İnsan gözünden farklı bir görüş açısına sahip olan lens, kompozisyonun parçalı bir temsilini oluşturdu. Çekim açısındaki değişim, sanatçıları Empresyonist estetiğin temeli haline gelen yeni kompozisyon vizyonlarına itti. Bu eğilimin ana ilkelerinden biri kendiliğindenlikti.

Aynı yıl 1839'da, kamera yaratıldığında, Paris'teki Gobelin fabrikasının laboratuvarından bir kimyager olan Michel Eugène Chevreul, ilk kez insan gözünün renk algısının mantıklı bir yorumunu yayınladı. Kumaşlar için boyalar yaratarak, üç ana renk olduğundan emin oldu - kırmızı, sarı ve mavi, karıştırıldığında diğer tüm renkler ortaya çıkıyor. Renk çarkının yardımıyla Chevreul, gölgelerin nasıl doğduğunu kanıtladı, bu sadece zor bir bilimsel fikri mükemmel bir şekilde göstermekle kalmadı, aynı zamanda sanatçılara renkleri karıştırma konusunda çalışan bir konsept sundu. Amerikalı fizikçi Ogden Rude ve Alman bilim adamı Hermann von Helmholly, bu buluşu optik alanındaki gelişmelerle desteklediler.

1841'de Amerikalı bilim adamı ve ressam John Rand, bozulabilir boyalar için teneke tüplerinin patentini aldı. Daha önce, açık havada yazmak için ayrılan sanatçı, önce atölyede ihtiyacı olan boyaları karıştırmak zorunda kaldı ve daha sonra bunları sık sık döven cam kaplara veya hızla sızan hayvanların içlerinden kabarcıklara döktü. Rand tüplerinin ortaya çıkmasıyla birlikte sanatçılar, tüm renk ve tonları açık havaya yanlarında götürme avantajına sahip oldular. Bu keşif, sanatçıların renk bolluğunu büyük ölçüde etkiledi ve ayrıca onları atölyelerinden doğaya gitmeye ikna etti. Kısa bir süre sonra, bir aklın belirttiği gibi, kırsal kesimde köylülerden çok manzara ressamları vardı.

Açık havada resim yapmanın öncüleri, adını, manzaraların çoğunu oluşturdukları Fontainebleau ormanının yakınındaki Barbizon köyünden alan Barbizon okulunun sanatçılarıydı.

Barbizon okulunun eski ressamları (T. Rousseau, J. Dupre) çalışmalarında hala kahramanlık manzarasının mirasına dayanıyorsa, genç neslin temsilcileri (Ch. Daubigny, C. Corot) bu türe sahipti. gerçekçilik özellikleri ile. Tuvalleri, akademik idealleştirmeye yabancı olan manzaraları tasvir ediyor.

Barbizonlar resimlerinde doğa durumlarının çeşitliliğini yeniden yaratmaya çalıştılar. Bu yüzden doğadan resim yaptılar, içlerinde algılarının dolaysızlığını yakalamaya çalıştılar. Bununla birlikte, resimde modası geçmiş akademik yöntemlerin ve araçların kullanılması, İzlenimcilerin daha sonra başarmayı başardıklarını elde etmelerine yardımcı olmadı. Buna rağmen, Barbizon okulunun sanatçılarının türün oluşumuna katkısı reddedilemez: atölyeleri açık havaya bırakarak manzara resmine yeni gelişme yolları sundular.

Doğada resmin destekçilerinden biri olan Eugene Boudin, genç öğrencisi Claude Monet'ye açık havada - ışık ve havanın ortasında - yapılması gerekenleri, düşündüğünüzü boyaması için talimat verdi. Bu kural, plein hava resminin temeli oldu. Monet kısa süre sonra arkadaşları Auguste Renoir, Alfred Sisley ve Frederic Basil'i yeni bir teoriyle tanıştırdı: sadece belirli bir mesafede ve belirli bir ışıkta gözlemlediğiniz şeyi resmetmek. Akşamları Paris kafelerinde genç ressamlar mutlu bir şekilde fikirlerini paylaştılar ve yeni keşiflerini tutkuyla tartıştılar.

İzlenimcilik böyle ortaya çıktı - 19. yüzyılın son üçte birinde - 20. yüzyılın başlarında sanatta devrimci bir eğilim. İzlenimcilik yoluna çıkan ressamlar, eserlerinde çevrelerindeki dünyayı ve gündelik gerçekliği sonsuz hareketlilikleri ve geçicilikleri içinde daha doğal ve doğru bir şekilde yakalamaya, geçici duyumlarını ifade etmeye çalıştılar.

İzlenimcilik, o yıllarda sanata egemen olan akademizmin durgunluğuna, resmi Salon sanatçılarının hatasına düştüğü bu umutsuz durumdan kurtarma arzusuna bir yanıttı. Çağdaş sanatın düşüşte olduğu gerçeği, birçok ilerici fikirli insan tarafından tekrarlandı: Eugene Delacroix, Gustave Courbet, Charles Baudelaire. İzlenimcilik, “acı çeken organizma” için bir tür şok tedavisiydi.

Genç tür ressamları Edouard Manet, Auguste Renoir, Edgar Degas'ın ortaya çıkmasıyla birlikte, değişim rüzgarı Fransız resmine patladı ve hayatın tefekkürünün dolaysızlığını, deyim yerindeyse, beklenmedik durumlar ve hareketler, yanıltıcı istikrarsızlık ve geçiciliğin sunumunu verdi. formların dengesizliği, parçalı kompozisyon, öngörülemeyen bakış açıları ve açılar. .

Akşamları ise yetersiz aydınlatma nedeniyle tuvallerini boyama fırsatı bulamayınca atölyelerinden ayrılarak Paris kafelerinde tutkulu tartışmaların ardına oturdular. Böylece Guerbois kafesi, Edouard Manet etrafında birleşen bir avuç sanatçının değişmez buluşma noktalarından biri haline geldi. Perşembe günleri düzenli toplantılar yapılırdı ve diğer günlerde orada canlı bir şekilde konuşan veya tartışan bir grup sanatçı yakalanabilirdi. Claude Monet, Café Gerbois'teki toplantıları şöyle anlattı: “Bu toplantılardan ve bitmek bilmeyen görüş ayrılıklarından daha heyecanlı bir şey olamaz. Zihnimizi keskinleştirdiler, asil ve içten arzularımızı harekete geçirdiler, fikir tamamen oluşana kadar bizi haftalarca ayakta tutan bir coşku artışı sağladılar. Bu toplantıları yüksek moralle, güçlü bir iradeyle, düşünceleri daha belirgin ve net olarak geride bıraktık.

1870'lerin arifesinde, Fransız manzarasında izlenimcilik de kuruldu: Claude Monet, Camille Pissarro, Alfred Sisley tutarlı bir plein hava sistemi geliştiren ilk kişilerdi. Tuvallerini eskiz ve eskiz olmadan açık havada tuval üzerine boyadılar, resimlerinde parlayan güneş ışığını, doğanın renklerinin muhteşem bolluğunu, ortamda temsil edilen nesnelerin çözünmesini, ışık ve havanın titreşimlerini somutlaştırdılar. , reflekslerin isyanı. Bu amaca ulaşmak için, doğal rengin güneş tayfının renklerine ayrıştırıldığı, tüm detaylarıyla incelenen renk sistemi büyük katkı sağlamıştır. Alışılmadık derecede parlak, hassas renkli bir doku oluşturmak için sanatçılar, insan gözünde optik karıştırma beklenirken tuvale ayrı vuruşlarda saf renk uyguladılar. Daha sonra dönüştürülen ve teorik olarak tartışılan bu teknik, bir başka olağanüstü sanatsal özlemin - "bölmecilik" (Fransız "bölücü" den - bölmek) olarak adlandırılan noktacılığın merkezi haline geldi.

İzlenimciler, nesne ve çevre arasındaki bağlantılara artan bir ilgi gösterdiler. Titiz yaratıcı analizlerinin konusu, değişen bir ortamda bir nesnenin renginin ve karakterinin dönüşümüydü. Bu fikre ulaşmak için aynı nesne tekrar tekrar tasvir edildi. Gölgelere ve yansımalara saf rengin eklenmesiyle siyah boya adeta paleti terk etti.

Eleştirmen Jules Laforgue, izlenimcilik fenomeninden şu şekilde söz eder: “Empresyonist, doğayı olduğu gibi, yani yalnızca büyüleyici titreşimlerle görür ve aktarır. Çizim, ışık, hacim, perspektif, chiaroscuro - tüm bunlar azalan bir sınıflandırmadır. Her şeyin renk titreşimleri tarafından belirlendiği ve tuvale renk titreşimleri tarafından basılması gerektiği ortaya çıktı.

27 Aralık 1873'te kafelerde yapılan açık hava etkinlikleri ve toplantılar sayesinde "Anonim, heykeltıraş, oymacı vb." - bu yüzden ilk başta kendilerine İzlenimciler dediler. Topluluğun ilk sergisi, bir yıl sonra ilkbaharda, aynı zamanda modern sanat satan deneysel bir fotoğrafçı olan Nadar Ticaret Galerisi'nde gerçekleşti.

İlk çıkış 15 Nisan 1874'te geldi. Serginin bir ay boyunca, ziyaret süresi ondan altıya kadar ve aynı zamanda bir yenilik olan akşam sekizden ona kadar yapılması planlandı. Giriş bileti bir franka mal oluyordu, kataloglar elli kuruşa satın alınabiliyordu. İlk başta, sergi ziyaretçilerle dolu görünüyordu, ancak kalabalık orada sadece alay konusu oldu. Bazıları, bu sanatçıların görevinin, farklı boya tüpleriyle bir tabanca yükleyerek, ardından tuvale ateş ederek ve bir imza ile bitirerek başarılabileceği konusunda şaka yaptı.

Görüşler bölündü: ya sergi hiç ciddiye alınmadı ya da dokuzlara eleştirildi. Genel algı, Louis Leroy imzalı, bir broşür şeklinde yayınlanan, alaycı özlemin "Empresyonist Sergisi" adlı aşağıdaki makalesinde ifade edilebilir. Yazarın, madalya alan akademisyen-peyzaj ressamı ile sergi salonlarından birlikte geçtikleri diyaloğu şöyle anlatılıyor:

“... İhtiyatsız sanatçı oraya geldi, kötü bir şey varsaymadan, orada her yerde bulunabilecek, gösterge niteliğinde ve işe yaramaz, gösterge niteliğinden daha yararsız, ancak bazı sanatsal standartlardan uzak olmayan, bir biçim ve saygı kültürü olan tuvaller görmeyi bekliyordu. eski ustalar için

Yazık, forma! Yazık, eski ustalar! Artık onları okumayacağız, zavallı dostum! Her şeyi değiştirdik!"

Sergide ayrıca Claude Monet'in sisle kaplı bir koyda sabahın doğuşunu gösteren bir manzarası da yer aldı - ressam buna “İzlenim” adını verdi. Gündoğumu" (İzlenim). 19. yüzyıl sanatının en sansasyonel ve ünlü hareketine adını veren bu tuval üzerine Louis Leroy'un hicivli bir makalesindeki karakterlerden birinin yorumu:

“...- Burada ne çiziliyor? Kataloğa bakın. - "İzlenim. Gündoğumu". - İzlenim - beklediğim gibi. Kendi kendime düşünüyordum ki, izlenim altında olduğum için, o zaman içinde bir izlenim iletilmelidir ... ve ne tür bir gevşeklik, ne tür bir performans pürüzsüzlüğü! Orijinal işleme derecesindeki duvar kağıdı bu deniz manzarasından daha mükemmel ... ".

Kişisel olarak Monet, pratikte uyguladığı sanatsal teknik için böyle bir isme hiçbir şekilde karşı değildi. Çalışmasının ana özü, üzerinde çalıştığı ve sayısız resim serisine yol açan hayatın zor anlarını tam olarak yakalamak ve yakalamaktır: “Hack”, “Kavak”, “Rouen Katedrali”, “Saint-Lazare İstasyonu”. , “Giverny'deki Gölet” , “Londra. Parlamento Binası ve diğerleri. Salon'a katılmadığı için kendisine "bağımsız" demeyi seven Edgar Degas bir başka vaka. Toulouse-Lautrec'in özellikle seçkin olduğu birçok destekçiye örnek teşkil eden keskin, grotesk yazı stili, akademik jüri için kabul edilemezdi. Bu ressamların her ikisi de, hem Fransa'da hem de yurtdışında - İngiltere, Almanya ve ABD'de İzlenimcilerin sonraki sergilerinin en proaktif organizatörleri oldu.

Aksine, İzlenimcilerin ilk sergilerinde yer alan Auguste Renoir, her yıl sergilerine iki resim göndererek Salonu fethetme umudunu kaybetmedi. Yoldaşı ve patronu Durand-Ruel ile yazışmalarında eylemlerinin karakteristik ikiliğini şöyle açıklıyor: “... Bir eserin, gösterildiği yere bağlı olarak değerli veya değersiz olduğu konusunda acı verici görüşleri desteklemiyorum. Kısacası boş yere vakit kaybetmek ve Salon'a kızmak istemiyorum. Kızmış gibi yapmak bile istemiyorum. Sadece en kısa zamanda çizmen gerektiğini düşünüyorum, hepsi bu. Sanatımda vicdansız olmakla suçlansaydım ya da saçma bir hırsla görüşlerimden vazgeçseydim, bu tür suçlamaları kabul ederdim. Ama ona yakın bile bir şey olmadığı için beni suçlamana gerek yok.”

Kendisini resmi olarak İzlenimcilerin yönetimine dahil etmeyen Edouard Manet, kendisini gerçekçi bir ressam olarak gördü. Bununla birlikte, İzlenimciler ile sergilerini ziyaret eden sürekli yakın ilişki, ressamın tarzını fark edilmeden değiştirdi ve İzlenimciye yaklaştırdı. Hayatının son yıllarında, resimlerindeki renkler parlıyor, vuruş genişliyor, kompozisyon parça parça. Renoir gibi Manet de sanat alanındaki resmi uzmanların desteğini bekliyor ve Salon'un sergilerine katılmak için can atıyordu. Ancak iradesine karşı, taçsız kralları olan Parisli avangard sanatçıların idolü oldu. Her şeye rağmen inatla tuvalleriyle Salon'a saldırdı. Ancak ölümünden önce, Salon'un resmi yerini alacak kadar şanslıydı. Onu ve Auguste Renoir'ı buldum.

İzlenimciliğin kilit kişilerini tanımlarken, en azından parçalı olarak, yardımı ile art arda gözden düşen sanatsal hareketin 19. yüzyılın önemli bir sanatsal kazanımı haline geldiği ve tüm dünyayı fethettiği kişiyi hatırlamamak çirkin olurdu. Bu adamın adı, kendini defalarca iflasın eşiğinde bulan, ancak empresyonizmi henüz zirvesine ulaşmamış yeni bir sanat olarak yerleştirme girişimlerinden vazgeçmeyen bir koleksiyoncu, sanat tüccarı olan Paul Durand-Ruel'dir. Paris ve Londra'da İzlenimcilerin sergilerini düzenledi, galerisinde ressamların kişisel sergilerini düzenledi, müzayedeler düzenledi, sanatçılara sadece maddi yardımda bulundu: Birçoğunun boya ve tuval için parası olmadığı zamanlar oldu. Sanatçıların ateşli şükran ve saygısının kanıtı, Durand-Ruel'e gönderdikleri mektuplardır ve bunlardan geriye pek çok şey kalmıştır. Durand-Ruel'in kişiliği, akıllı bir koleksiyoncu ve hayırseverin bir örneğidir.

"İzlenimcilik" göreceli bir kavramdır. Bu eğilime inandığımız tüm ressamlar, ayrıntıların titiz bir şekilde işlenmesini ve pürüzsüz, parlak bir boyama yüzeyini içeren akademik eğitimden geçmiştir. Ancak, kısa süre sonra Salon tarafından öngörülen olağan temaları ve arsaları, gerçek gerçekliği, günlük yaşamı yansıtan gerçekçi bir yönde tablolar tercih ettiler. Daha sonra, her biri belirli bir süre izlenimcilik tarzında yazdı, resimlerinde nesneleri farklı aydınlatma koşullarında nesnel olarak aktarmaya çalıştı. Böyle bir izlenimci aşamadan sonra, bu avangard sanatçıların çoğu, "post-empresyonizm" kolektif adını alarak bağımsız araştırmalara yöneldiler; daha sonra çalışmaları 20. yüzyılın soyutlamacılığının oluşumuna katkıda bulundu.

XIX yüzyılın 70'lerinde Avrupa, Japon sanatına bağımlı hale geldi. Edmond de Goncourt notlarında şöyle diyor: “... Japon sanatına olan tutku ... resimden modaya kadar her şeyi kucakladı. İlk başta, kardeşim ve ben gibi eksantriklerin çılgınlığıydı, ... daha sonra izlenimci sanatçılar bize katıldı. Gerçekten de, o zamanın İzlenimcilerinin resimlerinde, Japon kültürünün nitelikleri sıklıkla ele geçirildi: hayranlar, kimonolar, ekranlar. Ayrıca Japon gravüründen üslup yöntemleri ve plastik çözümler öğrendiler. Birçok İzlenimci, Japon baskılarının keskin koleksiyoncularıydı. Örneğin, Edouard Manet, Claude Monet, Edgar Degas.

Genel olarak, 1874'ten 1886'ya kadar sözde izlenimciler, eşit olmayan zaman aralıklarıyla 8 sergi düzenlediler; Anonim Cemiyet'e ait olan 55 ressamın yarısı çeşitli sebeplerden dolayı sadece 1. sırada yer aldı. 8 serginin hepsinde istisnai bir katılımcı, sakin ve barışçıl duruşuyla öne çıkan Camille Pissarro'ydu.

1886'da İzlenimcilerin son sergisi gerçekleşti, ancak sanatsal bir yöntem olarak var olmaya devam etti. Ressamlar zor iş bırakmadı. Eski ortaklık olmasına rağmen, birlik, artık mevcut değildi. Her biri kendi yolunu çizdi. Tarihsel çatışmalar sona erdi, yeni görüşlerin zaferiyle sona erdi ve güçlerini birleştirmeye gerek yoktu. İzlenimci sanatçıların görkemli birliği bölündü ve bölünmeden edemedi: hepsi sadece mizaçta değil, aynı zamanda görüşlerde, sanatsal inançlarda acı verici bir şekilde farklıydı.

İzlenimcilik, zamanına uygun bir yön olarak, Fransa sınırlarını terk etmeyi başaramadı. Benzer sorular diğer ülkelerdeki ressamlar tarafından da sorulmuştur (İngiltere ve ABD'de James Whistler, Almanya'da Max Lieberman ve Lovis Corinth, Rusya'da Konstantin Korovin ve Igor Grabar). İzlenimciliğin anlık hareket, akışkan form ile büyüsü, heykeltıraşlar tarafından da benimsendi (Fransa'da Auguste Rodin, Rusya'da Paolo Trubetskoy ve Anna Golubkina).

Çağdaşların görüşlerinde bir devrim gerçekleştiren, dünya görüşünü genişleten İzlenimciler, böylece daha sonraki sanat oluşumunun ve yeni estetik özlemlerin ve fikirlerin ortaya çıkmasının, beklemesi uzun sürmeyen yeni formların yolunu açtı. İzlenimcilikten doğan neo-izlenimcilik, post-izlenimcilik, fovizm, daha sonra yeni estetik eğilimlerin ve eğilimlerin oluşumunu ve gelişimini de teşvik etti.

İzlenimcilik- 19. yüzyılın son üçte biri - 20. yüzyılın başlarında, Fransa'da ortaya çıkan ve daha sonra dünyaya yayılan, temsilcileri gerçek dünyayı hareketliliği ve değişkenliği içinde en doğal ve tarafsız bir şekilde yakalamaya, kısacıklarını iletmek için arayan bir sanat akımı. izlenimler. Genellikle, "izlenimcilik" terimi resimde bir yön anlamına gelir, ancak fikirleri edebiyat ve müzikte de somutlaşmıştır.

Tablo.

İzlenimcilik, 19. yüzyılın ikinci yarısında Fransa'da ortaya çıktı. Genç sanatçılar klasik resmin ötesine geçmek istediler. O kadar kolay olmayan şey: ne eleştirmenler ne de halk, "antika" üsluptaki olağan akademik resimden çok farklı olan resimleri kabul etmek istemedi.

Yeni yönün sanatçılarının resimleri resim olarak bile kabul edilmedi, hızlı eskizlere çok benziyorlardı.

Ama bu yeni yönün özüydü - anı yakalamak, hayatı olduğu gibi göstermek. İzlenimciler arsa icat etmezler, onları günlük yaşamdan alırlar: sokağa çıkan herkesin görebildiği tek şey budur.

Sanatçılar tamamen yeni bir çizim tekniği kullanmaya başladılar. Şövale üzerindeki boyalar karıştırılmamış, tuval üzerine ayrı vuruşlarla bindirilmiştir. Bu nedenle, resmin bütünsel bir görünümünü elde etmek için, yakın değil, kısa bir mesafeden bakılmalıdır. Böyle bir algı ile, net ayrı vuruşlar sorunsuz bir şekilde birbirine geçer ve resim hakkında bir fikir oluşur.

Geçmiş yılların ustalarının aksine, İzlenimciler atölyelerde çalışmadılar, eskizlerini orada bitirdiler ve geliştirdiler. Bunlar arasında plein hava tekniği popüler hale geliyor - yani açık havada çalışmak. Sanatçılar banliyölere gittiler (Fontainebleau ormanı özellikle popülerdi), burada piknikler çizdiler veya Paris yaşamının sahnelerini tasvir ettiler: Monet ve Renoir genellikle Seine kıyılarındaki sahneleri ve Moulin de'den Renoir'in bir dizi tablosunu tasvir ettiler. la Gallette de bilinir.

Ancak İzlenimciler her zaman insanlarla veya doğayla ilgilenmediler. Örneğin havanın hareketini veya güneş ışığının düşüşünü iletmek çok daha ilginçti. Örneğin, Monet'nin "Gare Saint-Lazare" adlı resminde, görüntünün ana konusu istasyonun veya trenin kendisi bile değil, dumanı tüten bir bacadan kulüplerde yükselen dumandır.

Yeni akım, akademik resimden hem teknik hem de ideolojik olarak farklıydı. Her şeyden önce, İzlenimciler konturu terk ederek, küçük, ayrı ve zıt vuruşlarla değiştirdiler. Güneş ışını bileşenlerine ayrılır: menekşe, mavi, mavi, yeşil, sarı, turuncu, kırmızı, ancak mavi çeşitli maviler olduğu için sayıları altıya düşürülür. Yan yana yerleştirilmiş iki renk birbirini güçlendirir ve tam tersine karıştırıldıklarında yoğunluklarını kaybederler. Ek olarak, tüm renkler birincil veya birincil ve ikili veya türevlerine ayrılır ve her bir ikili boya birinciye ektir:

Mavi - Turuncu

kırmızı yeşil

Sarı - Mor

Genel olarak, birçok usta izlenimcilik tarzında çalıştı, ancak Edouard Manet, Claude Monet, Auguste Renoir, Degas hareketin temelini oluşturdu. Ancak Manet kendisini her zaman "bağımsız bir sanatçı" olarak nitelendirdi ve hiçbir zaman sergilere katılmadı ve Degas'ın katılmasına rağmen eserlerini hiçbir zaman açık havada boyamadı.

Ressamlar. (Çok fazla, ancak çalışmaları hakkında bilgi sahibi olmak için kısaca yeterli)

Empresyonistlerin sanatında gelenek ve yeniliğin organik olarak nasıl birleştiği, her şeyden önce 19. yüzyılın seçkin ressamının eseriyle kanıtlanmıştır. edouard manet. Bu arada, sanatçı, daha sonraki çalışmalarında olduğu gibi bu eserlerde de klasik sanat deneyimine güvenir. Çağdaş yaşamı estetik olarak kavrama çabası içinde Manet, Giorgione ve Titian'dan Velazquez ve Goya'ya kadar Rönesans ressamlarının görkemli kompozisyon şemalarını kullanır. 1860'ların resimleri, bir dizi portreleri ve diğer eserleri, henüz tamamen üstesinden gelinmemiş geleneksel bir resimsel tarzda yazılmıştır, ancak burada da açık renk ve doğal ışık arzusu hissedilebilir. Daha sonra Manet'nin paleti gözle görülür şekilde daha hafif hale gelir. Saf beyaz zemini, bazen parlak güneşli renklerin zengin vuruşlarıyla “yükleyen”, bazen de asil pembemsi ve gri-gri tonlarının en ince alt tonlarıyla kaplayan ilk kişilerden biriydi. Renklerin sonsuz zenginliğini ve nesnel dünyanın canlı titreyişini, özellikle natürmortta açıkça ortaya koyma yeteneğine sahipti - "Manet'in çağdaşlarının hiçbiri ondan daha iyi bir natürmort çizemezdi." Manet'nin yeniliği şuydu: onu çevreleyen gerçekliğe taze, tarafsız bir bakış atmayı ve güzel sanatların hitap ettiği fenomen yelpazesini genişletmeyi başardı. Gerçekten yüksek bir sanat nesnesi yapmaktan ve kendisinden önceki sanatçıların yüz çevirdiği ya da fark etmediği, yaşamın ve insan ilişkilerinin bu tür yönlerini mükemmel resimsel biçimlerde somutlaştırmaktan korkmuyordu.

Sanatın merkezinde Edgar Degas bir adam her zaman ayakta dururken, izlenimcilerin neredeyse önde gelen türü olan manzara, çalışmalarında önemli bir rol oynamadı. Ingres'in büyük bir hayranı, çizime olağanüstü önem verdi. İtalya'da Fransız sanatçılardan Mantegna'ya hayran kaldı, Poussin ile ilgilendi ve resimlerini kopyaladı. Degas, modern yaşamın sahnelerini tasvir etmek için Manet'nin etkisi altında hareket eder. Ana temaları bale ve at yarışı dünyasıdır, ancak nadir durumlarda bunların ötesine geçerek, şapkacıları, ütücüleri ve çamaşırcıları tasvir ederek Paris bohemyasının yaşamına atıfta bulunur. Degas'ın hareketi aktarmadaki yeniliği, kompozisyondaki ustalığıyla ayrılmaz bir şekilde bağlantılıdır. Onda, Manet'ten bile daha fazla, kasıtsızlık, şans, hayatın akışından ayrı bir bölümün kapılması hissedilir. Bunu, beklenmedik asimetri ve olağandışı bakış açılarıyla (genellikle yukarıdan veya yandan, bir açıyla), uzayın bir aynaya bakılmış gibi "pürüzlülüğü" ile, etkileyici çerçeveleme ve çerçevenin cesur kesimleriyle başarır. Bu doğallık ve tam özgürlük hissi, sıkı çalışma, hassas hesaplama ve kompozisyon yapısının hizalanması ile kazanıldı.

Degas sanatına resim yapmaktan daha büyük bir antitez hayal etmek zor. Auguste Renoir A.V. Lunacharsky'nin "mutluluğun ressamı" olarak adlandırdığı Fransa'nın en güneşli ve yaşamı onaylayan sanatçılarından biri. Renoir'in en yüksek başarıları, kadın ve çocukların imajıyla ilişkilidir. En sevdiği tip, sarkık dudaklı, kalkık burunlu ve büyüleyici düşüncesiz gözlü, kıvrımlı kadınlar. Onları giyinik ve çıplak olarak, yağmurda dışarıda, bahçede salıncakta, yüzerken ya da bronzlaşmış kayıkçılarla kahvaltıda boyuyor. Modelleri, korse bilmeyen ve çıplaklıklarından utanmayan, sağlıklı ve taze, halktan ve yoksul burjuvalardan oluşan kızlardır.