Školská encyklopédia. Pozrite sa, čo je to „Svet umenia (asociácia)“ v iných slovníkoch Svet umenia a umeleckej činnosti

Na konci 19. storočia bol umelecký život v Rusku veľmi živý. Spoločnosť prejavila zvýšený záujem o početné umelecké výstavy a aukcie, o články a správy periodickej tlače venované výtvarnému umeniu. Nielen Moskva a Petrohrad, ale aj mnohé provinčné noviny a časopisy mali zodpovedajúce trvalé nadpisy. Vznikali všelijaké umelecké spolky, ktoré si kládli rôzne úlohy, najmä však výchovného charakteru, v ktorých sa odzrkadlil vplyv tradícií potulného pohybu.

V týchto podmienkach bola priaznivo prijatá Diaghilevova myšlienka zhromaždiť mladé umelecké sily Petrohradu a Moskvy, ktorých potreba bola dlho pociťovaná v ruskom umení.

V roku 1898 Diaghilev prvýkrát dosiahol spoločné vystúpenie na výstave ruských a fínskych umelcov. Zúčastnili sa ho Bakst, Benois, A. Vasnetsov, K. Korovin, Nesterov, Lancere, Levitan, Maljutin, E. Polenova, Rjabuškin, Serov, Somov a ďalší.

V tom istom roku 1898 sa Diaghilevovi podarilo presvedčiť slávne osobnosti a milovníkov umenia S. I. Mamontova a M. K. Tenisheva, aby financovali mesačný umelecký časopis. Čoskoro vyšlo v Petrohrade dvojčíslo časopisu „World of Art“, ktorého redaktorom bol Sergej Pavlovič Diaghilev.

Bol to prvý umelecký časopis, ktorého charakter a smerovanie určovali samotní umelci. Redakcia informovala čitateľov, že časopis sa bude zaoberať dielami ruských a zahraničných majstrov „všetkých epoch dejín umenia, do akej miery sú spomínané diela zaujímavé a dôležité pre moderné umelecké povedomie“.

Nasledujúci rok, 1899, sa konala Prvá medzinárodná výstava časopisu Svet umenia. Predstavilo viac ako 350 diel a zúčastnilo sa ho 42 európskych umelcov vrátane P. de Chavannesa. D. Whistler, E. Degas, C. Monet, O. Renoir. Výstava

umožnila ruským umelcom a divákom zoznámiť sa s rôznymi oblasťami západného umenia.

Vďaka vystúpeniu časopisu „World of Art“ a výstavám v rokoch 1898-1899 vznikol okruh mladých umelcov, ktorí sympatizovali so smerovaním časopisu.

V roku 1900 sa Diaghilevovi podarilo mnohých z nich spojiť do tvorivej komunity „World of Art“. Tento „geniálny tím“ (výraz A. P. Ostroumovej-Lebedevovej) tvorili pozoruhodní umelci, ktorí prišli k umeniu v 90. rokoch 19. storočia, a to: Bakst, Alexander Benois, Bilibin, Braz, Vrubel, Golovin, Grabar, Dobužinskij. K. Korovin, Lancere, Malyutin, Malyavin, Ostroumova, Purvit, Roerich, Ruschits, Serov, Somov, Trubetskoy, Tsionglinsky, Yakunchikova a Yaremich.

Okrem toho sa Repin, V. a E. Polenov, A. Vasnetsov, Levitan, Nesterov, Ryabushkin zúčastnili niektorých výstav vtedajšieho Sveta umenia.

Od roku 1900 do roku 1903 sa konali tri výstavy „Sveta umenia“. Organizovaním týchto výstav sa Diaghilev zameral na mladých ruských umelcov. Boli to Petrohradčania – Bakst, Benoit. Somov, Lanceray a Moskovčania - Vrubel, Serov, K. Korovin, Levitan, Malyutin, Ryabushkin a ďalší. Najväčšie nádeje Diaghilev vkladal do Moskovčanov. Napísal: "... všetko naše súčasné umenie a všetko, od čoho môžeme očakávať budúcnosť, je v Moskve." Preto sa všemožne snažil prilákať moskovských umelcov na výstavy World of Art, čo sa mu nie vždy podarilo.

Výstavy Svet umenia dôkladne predstavili ruskej spoločnosti diela slávnych ruských majstrov a začínajúcich umelcov, ktorí ešte nedosiahli uznanie, ako sú Bilibin, Ostroumova, Dobuzhinskij, Lancere, Kustodiev, Yuon, Sapunov, Larionov, P. Kuznecov, Saryan .

Nie je potrebné tu podrobne rozoberať aktivity „Sveta umenia“, keďže v poslednom čase existujú publikácie, ktoré sa mu venujú. Malo by sa povedať o niektorých jeho všeobecných črtách, ktoré zdôrazňoval samotný svet umenia a mnohí súčasníci.

Združenie Svet umenia nebolo v ruskom umení javom náhodným, ale historicky podmieneným. Taký bol napríklad názor I. E. Grabara: „Keby nebolo Diaghileva<...>, umenie tohto rádu sa muselo objaviť “.

V súvislosti s otázkou kontinuity umeleckej kultúry Diaghilev v roku 1906 povedal: „Celá súčasnosť a budúcnosť ruského výtvarného umenia... sa bude nejakým spôsobom živiť tými istými predpismi, ktoré svet umenia dostal z pozorného štúdia veľkého ruského umenia. majstrami od čias Petra.“

A.N. Benoit napísal, že všetko, čo urobil Svet umelcov, „vôbec neznamenalo“, že sa „rozišli so všetkou minulosťou“. Práve naopak, tvrdil Benois, že samotné jadro Sveta umenia „stálo pri obnove mnohých, technických aj ideových tradícií ruského a medzinárodného umenia“. A ďalej: „...do značnej miery sme sa považovali za predstaviteľov tých istých hľadaní a tých istých tvorivých metód, aké sme si cenili u portrétistov 18. storočia, u Kiprenského, u Venetsianova, aj u Fedotov. ako u vynikajúcich majstrov priamo generácia, ktorá nás predchádzala - v Kramskoy, Repin, Surikov “.

V. E. Makovský, známy kočovník, v rozhovore s novinárom povedal: „Urobili sme svoju prácu<...>Neustále dostávame príklady Zväzu ruských umelcov a Sveta umenia, kde sa vraj teraz sústreďujú všetky najlepšie sily ruskej maľby. Ale kto sú oni, tieto najlepšie sily, ak nie naše deti?<...>Prečo nás opustili? Áno, pretože sa cítili stiesnene a rozhodli sa založiť svoju novú spoločnosť.

V dielach Sveta umenia sa táto kontinuita najlepších tradícií putovného hnutia prejavila počas revolúcie v roku 1905. Väčšina umelcov Sveta umenia sa zapojila do boja proti cárizmu a aktívne sa podieľala na vydávaní publikácií politickej satiry.

Svet umenia zohral v tvorivom osude mnohých umelcov výraznú a niekedy až rozhodujúcu úlohu. Napríklad I. E. Grabar až po stretnutí s členmi výboru výstav "World of Art", Diaghilev, Benois a Serov, "uveril v seba a začal pracovať." Dokonca aj sám Serov sa nie bezdôvodne vyjadril, že „aktívna sympatie kruhu Sveta umenia zázračne inšpirovala a posilnila jeho prácu“

KS Petrov-Vodkin v roku 1923 vo svojich memoároch o Svete umenia napísal: „V čom je čaro Diaghileva, Benoita, Somova, Baksta, Dobužinského? Takéto konštelácie ľudských skupín sa objavujú na hraniciach historických zlomov. Vedia veľa a tieto hodnoty minulosti si nesú so sebou. Vedia vytiahnuť veci z prachu histórie a oživiť ich, dať im moderný zvuk... „Svet umenia“ svoju historickú úlohu zohral bravúrne.“ A na inom mieste tých istých memoárov: „Keď si spomeniete, ako pred dvadsiatimi rokmi, medzi miazmami dekadencie, medzi historickým nevkusom, čiernou a brečkou maľby, Sergej Diaghilev a jeho druhovia vybavili svoju loď, ako sme my, mladí muži , vzal si krídla spolu s nimi, dusiac sa v tmárstve, ktoré nás obklopuje – toto všetko si zapamätáte, poviete si: áno, dobre, chlapci, na svojich pleciach ste nás priviedli do súčasnosti “.

NK Roerich vyhlásil, že to bol „Svet umenia“, ktorý „vztýčil zástavu nových výdobytkov umenia“.

AP Ostroumova-Lebedeva si na konci svojho života spomína na vzdialené roky 20. storočia: „Umelci z Miru si vyberali a pozývali mladých umelcov do svojej spoločnosti, keď v nich okrem talentu zaznamenali aj úprimný a seriózny vzťah k umeniu a k ich práca<...>Umelci vytrvalo presadzovali princíp „remesla v umení“, to znamená, že chceli, aby umelci maľovali s úplnou a podrobnou znalosťou materiálov, s ktorými pracovali, a aby techniku ​​priviedli k dokonalosti.<...>Okrem toho všetci hovorili o potrebe pozdvihnúť kultúru a vkus medzi umelcami a nikdy nepopierali témy v obrazoch, a preto nepripravili výtvarné umenie o jeho prirodzené vlastnosti agitácie a propagandy. Záver Ostroumovej-Lebedevovej bol veľmi jednoznačný: „Jednoducho nemôžete zničiť význam spoločnosti Svet umenia a poprieť ho, napríklad, ako to tu robia kritici umenia kvôli princípu „umenia pre umenie“.

K.F. Yuon poznamenal: „Svet umenia“ naznačoval nedotknuté panenské krajiny rôznych prostriedkov umeleckého vyjadrenia. Povzbudzoval všetko pôdne a národné ... “. V roku 1922 A. M. Gorkij definoval túto koncentráciu pozoruhodných talentov ako „celý trend, ktorý oživil ruské umenie“.

„Svet umenia“ prestal existovať v roku 1903, ale naďalej si zachovával obrovskú príťažlivú silu pre súčasníkov. V roku 1910 v Petrohrade opäť vznikol spolok Svet umenia, no Diaghilev sa už na jeho práci nepodieľal. Diaghilevova umelecká činnosť nabrala iný smer.

V roku 1905 usporiadal v paláci Tauride v Petrohrade veľkolepú Historickú a umeleckú výstavu ruských portrétov. Neobmedzujúc sa len na diela z palácov a múzeí hlavného mesta, Diaghilev cestoval po provincii a odhalil celkovo asi 4000 portrétov. Na výstave bolo veľa zaujímavých a nečakaných nálezov. Ruské portrétne umenie sa javilo ako nezvyčajne významné a bohaté. V. E. Borisov-Musatov v tých dňoch napísal V. A. Serovovi: „Za túto prácu [v. teda usporiadanie výstavy] Diaghilev je génius a jeho historické meno by sa stalo nesmrteľným. Jeho význam je akosi málo pochopený a je mi ho úprimne ľúto, že zostal akosi sám.“ Fotografie zhotovené na podnet Diaghileva z väčšiny exponátov (negatívy sú uložené v TG) teraz umožňujú zoznámiť sa s mnohými majstrovskými dielami ruského umenia, ktoré zahynuli alebo zmizli počas búrlivých udalostí revolúcie v roku 1905, občianskych a svetové vojny (napr. osud osemnástich diel D. G. Levického, ktoré boli okrem iných jeho diel vystavené na výstave v Tauride).

Na jar roku 1905 sa kultúrne osobnosti v Moskve rozhodli uctiť Diaghileva z vďaky za to, že redigoval časopis „World of Art“ a usporiadal Historickú a umeleckú výstavu. V odpovedi na pozdrav Diaghilev povedal: „... práve po týchto chamtivých potulkách [Diaghilev hovorí o cestách po Rusku, ktoré podnikal a zbieral diela pre Historickú a umeleckú výstavu], som bol obzvlášť presvedčený, že nastal čas výsledky. Pozoroval som to nielen na brilantných obrazoch predkov, nám tak jasne vzdialených, ale hlavne na potomkoch, ktorí prežívajú svoje dni. Koniec života je tu<...>Sme svedkami najväčšieho historického momentu vyústenia a konca v mene novej, neznámej kultúry, ktorá pri nás vznikne, ale aj nás zmetie. A preto bez strachu a nedôvery dvíham pohár k zničeným stenám krásnych palácov, ako aj k novým testamentom novej estetiky.

Ruská umelecká asociácia. Formoval sa koncom 90. rokov 19. storočia. (oficiálne v roku 1900) na základe krúžku mladých umelcov a milovníkov umenia na čele s A. N. Benoisom a S. P. Diaghilevom. Ako výstavný zväz pod záštitou časopisu Mir ... ... Encyklopédia umenia

Združenie (1898 1924) umelcov, vytvorené v Petrohrade A.N. Benois a S.P. Diaghilev. Predstavitelia Sveta umenia odmietali akademizmus aj tendenčnosť Putujúcich; spoliehajúc sa na poetiku symbolizmu často odchádzali do sveta minulosti ... Moderná encyklopédia

"svet umenia"- „WORLD OF ART“, združenie (1898 1924) umelcov, vytvorené v Petrohrade A.N. Benois a S.P. Diaghilev. Predstavitelia „sveta umenia“ odmietli akademizmus aj tendenčnosť Putujúcich; spoliehajúc sa na poetiku symbolizmu, často ... ... Ilustrovaný encyklopedický slovník

E. E. Lancere. Lode z čias Petra I. Tempera. 1911. Tretiakovská galéria. Moskva. "World of Art", ruská umelecká asociácia. Formoval sa koncom 90. rokov 19. storočia. (oficiálne v roku 1900) založený na kruhu mladých umelcov a milovníkov umenia ... Encyklopédia umenia

- (1898–1904; 1910–1924), spolok petrohradských umelcov a osobností kultúry (A. N. Benois, K. A. Somov, L. S. Bakst, M. V. Dobužinskij, E. E. Lansere, A. Ya. Golovin, I. Ya. Bilibin, ZE Serebryakova, BM Kustodiev, NK Roerich, ... ... Encyklopédia umenia

- "World of Art", ruské umelecké združenie. Formoval sa koncom 90. rokov 19. storočia. (oficiálne v roku 1900) v Petrohrade na základe krúžku mladých umelcov a milovníkov umenia na čele s A. N. Benoisom a S. P. Diaghilevom. Ako výstavný zväz pod ...... Veľká sovietska encyklopédia

"svet umenia"- "World of Art", umelecké združenie. Formoval sa koncom 90. rokov 19. storočia. (charta bola schválená v roku 1900) na základe okruhu mladých umelcov, umeleckých kritikov a milovníkov umenia ("spoločnosť sebavzdelávania") na čele s A. N. Benoisom a ... ... Encyklopedická príručka "St. Petersburg"

Združenie ruských umelcov, ktorí sa postavili proti tendenčnosti, straníckosti a antiestetizmu svojich súčasných „vodcov verejnej mienky“, diktátu akademizmu a putovania. Formovala sa v 90. rokoch 19. storočia v Petrohrade na základe kruhu ... ... ruskej histórie

1) umelecký spolok. Formoval sa koncom 90. rokov 19. storočia. (charta bola schválená v roku 1900) na základe okruhu mladých umelcov, kritikov umenia a milovníkov umenia („samovzdelávacia spoločnosť“) na čele s A. N. Benoisom a S. P. Diaghilevom. Ako… Petrohrad (encyklopédia)

"svet umenia"- umelec SVETOVÉHO UMENIA počas strieborného veku. Existovala od roku 1898 do roku 1927 s prerušeniami, pričom prevzala rôzne organizácie. formy: časopis, výstava, o umelcoch. 1. obdobie MI 1898 1904. Jadrom 1. oddielu MI bol okruh príbuzných Alexandra ... Ruský humanitárny encyklopedický slovník

knihy

• Svet umenia. 1898-1927, GB Romanov, Táto publikácia je venovaná 30-ročnému obdobiu v histórii združenia "World of Art". Publikácia obsahuje portréty, biografie a diela umelcov. Pri príprave tejto encyklopédie pre... Kategória: Dejiny ruského umenia Vydavateľ: Global View, Petrohradský orchester,
• Svet umenia. Umelecké združenie začiatku dvadsiateho storočia, Vsevolod Petrov, „World of Art“, ruské umelecké združenie. Formoval sa koncom 90. rokov 19. storočia. (oficiálne v roku 1900) v Petrohrade na základe krúžku mladých umelcov a milovníkov umenia na čele s A.N. Kategória: Dejiny a teória umenia Vydavateľ:

Umelecké združenie „World of Art“ sa ohlásilo vydaním rovnomenného časopisu na prelome XIX-XX storočia. Vydanie prvého čísla časopisu „World of Art“ v Petrohrade koncom roku 1898 bolo výsledkom desaťročnej komunikácie medzi skupinou maliarov a grafikov na čele s Alexandrom Nikolajevičom Benoisom (1870-1960).

Hlavná myšlienka zjednotenia bola vyjadrená v článku „Zložité otázky. Náš pomyselný úpadok." Za hlavný cieľ umeleckej tvorby bola vyhlásená krása, a to krása v subjektívnom chápaní každého majstra. Tento postoj k úlohám umenia dal umelcovi absolútnu slobodu pri výbere tém, obrazov a výrazových prostriedkov, čo bolo pre Rusko celkom nové a nezvyčajné.

Svet umenia otvoril ruskej verejnosti mnohé zaujímavé a dovtedy neznáme fenomény západnej kultúry, najmä fínske a škandinávske maliarstvo, anglických prerafaelských umelcov a grafika Aubreyho Beardsleyho. Pre majstrov zjednotených okolo Benoita a Diaghileva mala veľký význam spolupráca so symbolistickými spisovateľmi. V dvanástom čísle časopisu v roku 1902 básnik Andrej Bely uverejnil článok „Formy umenia“ a odvtedy sa na jeho stránkach pravidelne objavujú najväčší symbolistickí básnici. Umelci Sveta umenia sa však neobmedzili len na symboliku. Usilovali sa nielen o štýlovú jednotu, ale aj o formovanie jedinečnej, slobodnej tvorivej osobnosti.

Ako integrálny literárny a umelecký spolok nemal „Svet umenia“ dlhé trvanie. Nezhody medzi umelcami a spisovateľmi viedli v roku 1904 k tomu, že časopis bol zatvorený. Obnovenie činnosti skupiny v roku 1910 už nemohlo obnoviť jej bývalú úlohu. Ale v histórii ruskej kultúry toto združenie zanechalo hlbokú stopu. Práve to prenieslo pozornosť majstrov od otázok obsahu k problémom formy a obrazového jazyka.

Charakteristickým znakom umelcov Sveta umenia bola ich všestrannosť. Zaoberali sa maľbou a dizajnom divadelných predstavení a umeleckými remeslami. Dôležitú úlohu v ich dedičstve však zohráva grafika.

Najlepšie grafické diela Benoita; z nich sú obzvlášť zaujímavé ilustrácie k básni Alexandra Puškina „Bronzový jazdec“ (1903-1922). Petrohrad sa stal hlavným „hrdinom“ celého cyklu: jeho ulice, kanály, architektonické majstrovské diela sa objavujú buď v chladnej prísnosti tenkých línií, alebo v dramatickom kontraste svetlých a tmavých škvŕn. Na vyvrcholení tragédie, keď Eugene uteká od impozantného obra, pomníka Petra, cválajúceho za ním, majster vyfarbí mesto tmavými, ponurými farbami.

Benoitova tvorba má blízko k romantickej myšlienke postaviť sa proti osamelému trpiacemu hrdinovi a svetu, ktorý je k nemu ľahostajný, a tak ho zabiť.

Dizajn divadelných predstavení je najsvetlejšou stránkou diela Leva Samuiloviča Baksta (vlastným menom Rosenberg; 1866-1924). Jeho najzaujímavejšie diela sú spojené s opernými a baletnými inscenáciami Ruských sezón v Paríži 1907-1914. - druh festivalu ruského umenia, ktorý organizuje Diaghilev. Bakst vytvoril náčrty kulís a kostýmov pre operu „Salome“ od R. Straussa, suitu „Šeherezáda“ od N. A. Rimského-Korsakova, balet „Faunovo popoludnie“ na hudbu C. Debussyho a ďalšie predstavenia. Pozoruhodné sú najmä náčrty kostýmov, ktoré sa stali samostatnými grafickými dielami. Umelec modeloval kostým, zameriaval sa na pohybový systém tanečníka, prostredníctvom línií a farieb sa snažil odhaliť vzor tanca a povahu hudby. V jeho náčrtoch je nápadná ostrosť videnia obrazu, hlboké pochopenie povahy baletných pohybov a úžasná milosť.

Jednou z hlavných tém pre mnohých majstrov „Sveta umenia“ bolo odvolávanie sa do minulosti, túžba po stratenom ideálnom svete. Obľúbeným obdobím bolo 18. storočie a predovšetkým obdobie rokoka. Umelci sa nielen pokúsili oživiť túto dobu vo svojej tvorbe - upozornili verejnosť na skutočné umenie 18. storočia, v skutočnosti znovuobjavili tvorbu francúzskych maliarov Antoina Watteaua a Honore Fragonarda a ich krajanov - Fjodora Rokotova a Dmitrija Levického. .

Benoisove diela sú spojené s obrazmi „galantského veku“, v ktorých sú versaillské paláce a parky prezentované ako krásny a harmonický svet, ale opustený ľuďmi. Evgeny Evgenievich Lanceray (1875-1946) najradšej maľoval obrazy ruského života v 18. storočí.

Rokokové motívy sa s osobitnou expresivitou prejavili v dielach Konstantina Andrejeviča Somova (1869-1939). Čoskoro sa zapísal do dejín umenia (otec

umelec bol kurátorom zbierok Ermitáž). Po absolvovaní Akadémie umení sa z mladého majstra stal vynikajúci znalec starého maliarstva. Somov vo svojich obrazoch bravúrne napodobňoval jej techniku. Nosným žánrom jeho tvorby by sa dali nazvať variácie na tému „galantská scéna“. Na umelcových plátnach sa skutočne zdá, že Watteauove postavy opäť ožívajú – dámy v bujných šatách a parochniach, herci komediálnych masiek. Flirtujú, flirtujú, spievajú serenády v uličkách parku, obklopení hladiacou žiarou svetla západu slnka.

Všetky prostriedky Somovovej maľby však smerujú k zobrazeniu „galantnej scény“ ako fantastickej vízie, ktorá sa na chvíľu mihla a vzápätí zmizla. Ostala po ňom len bolestivá spomienka. Nie náhodou sa uprostred galantnej hry svetla objavuje obraz smrti, ako v akvarele „Harlekýn a smrť“ (1907). Kompozícia je prehľadne rozdelená do dvoch rovín. V diaľke tradičná "súbor známok" rokoka: hviezdna obloha, zaľúbené páry atď. A v popredí sú aj tradičné maskové postavy: Harlekýn vo farebnom obleku a Smrť - kostlivec v čiernom plášti. Siluety oboch postáv sú ohraničené ostrými, prerušovanými čiarami. V svetlej palete, v určitom zámernom snažení sa o šablónu cítiť pochmúrnu grotesku. Vycibrená milosť a hrôza smrti sa ukázali ako dve strany tej istej mince a maliar sa zdá, že sa k obom snaží pristupovať rovnako ľahko.

Nostalgický obdiv k minulosti sa Somovovi podarilo prejaviť obzvlášť jemným spôsobom prostredníctvom ženských obrazov. Slávne dielo "Dáma v modrom" (1897-1900) je portrétom súčasníka majstra umelkyne E. Martynovej. Je oblečená v starom štýle a je zobrazená na pozadí poetického krajinného parku. Obraz brilantne napodobňuje štýl biedermeiera. No očividná morbídnosť hrdinkinho výzoru (Martynová čoskoro zomrela na tuberkulózu) vyvoláva pocit akútnej melanchólie a idylická mäkkosť krajiny pôsobí neskutočne, existujú len v umelcovej fantázii.

Mstislav Valerianovič Dobužinskij (1875-1957) zameral svoju pozornosť najmä na mestskú krajinu. Jeho Petrohrad, na rozdiel od Benoisovho, postráda romantickú auru. Umelec si vyberá tie najnepríťažlivejšie, „sivé“ pohľady, ukazuje mesto ako obrovský mechanizmus, ktorý zabíja dušu človeka.

Kompozícia obrazu „Muž s okuliarmi“ („Portrét K. A. Sunnerberga“, 1905-1906) je založená na opozícii hrdinu a mesta, ktorá je viditeľná cez široké okno. Pestrý rad domov a postava muža s tvárou ponorenou do tieňa sa na prvý pohľad zdajú byť od seba izolované. Ale medzi týmito dvoma rovinami je hlboké vnútorné spojenie. Za jasom farieb stojí „mechanická“ fádnosť mestských domov. Hrdina je odpútaný, ponorený do seba, v jeho tvári nie je nič iné ako únava a prázdnota.

Svet umenia je tvorivé združenie umelcov, ktoré existuje od konca 90. rokov 19. storočia. do roku 1924 (prerušovane). K hlavnému jadru spolku patrili A. N. Benois, L. S. Bakst, K. A. Somov, M. V. Dobužinskij, E. E. Lansere, I. Ya. Bilibin. Do Sveta umenia vstúpili K. A. Korovin, A. Ya. Golovin, B. M. Kustodiev, N. K. Roerich, S. Yu. Sudeikin, B. I. Anisfeld a ďalší.

Program Svet umenia bol kontroverzný. „World of Art“ na rozdiel od svojich aktivít Putujúcich a Akadémie umení bol zástancom „čistého umenia“. Umelci spolku sa zároveň nepretrhli s realizmom, mnohí z nich reagovali na revolúciu v roku 1905 a v 10. rokoch 20. storočia. „Svet umenia“ sa postavil proti dekadencii a formalizmu. V tvorbe umelcov „Sveta umenia“ bola silná retrospektívna tendencia, fascinácia kultúrou 17-18 storočia.

Najsilnejšou stránkou aktivít Sveta umenia je knižná grafika a divadelné kulisy. Obhajovaním obsahu a celistvosti predstavenia, aktívnej úlohy umelca v ňom pokračoval „World of Art“ v reforme divadelného a dekoratívneho umenia, ktorú začali dekoratéri opery S. I. Mamontov.

Dekoratívne diela umelcov Sveta umenia sa vyznačujú vysokou kultúrou, obohatením divadla o výdobytky modernej maľby, umeleckou celistvosťou riešení, jemným vkusom a hĺbkou interpretácie javiskových diel, vrátane baletných.

Veľkú úlohu zohrali umelci „World of Art“ v dizajne predstavení

Umelecké združenie
"svet umenia"

Direct-Media, Moskva, 2016

ARTOTEKA, č. 36

Umelecké združenie „World of Art“ vyrástlo z telocvične a potom zo študentského krúžku, ktorý sa koncom 80. – začiatkom 90. rokov 19. storočia združil okolo najmladšieho syna slávneho petrohradského architekta N. Benoisa – Alexandra, v budúcnosti umelca. , ilustrátor kníh, scénograf, historik umenia, kritik umenia.

Vytvorenie únie

Umelecké združenie „World of Art“ vyrástlo z telocvične a potom zo študentského krúžku, ktorý sa koncom 80. – začiatkom 90. rokov 19. storočia združil okolo najmladšieho syna slávneho petrohradského architekta N. Benoisa – Alexandra, v budúcnosti umelca. , ilustrátor kníh, scénograf, historik umenia, kritik umenia. Spočiatku to bol priateľský kruh, ktorý samotní účastníci nazývali „spoločnosť sebavzdelávania“. Už vtedy sa prejavila vlastnosť typická pre „Svet umenia“ v budúcnosti – túžba po syntetickom pokrytí fenoménov umenia, kultúry ako celku. Záujmy mládeže boli rozsiahle: maliarstvo, literatúra, hudba, história, nadchýnalo ich najmä divadlo.

V krúžku boli mnohí budúci pracovníci časopisu „World of Art“: V. Nouvel, D. Filosofov, L. Rosenberg (neskôr známy ako L. Bakst). Vydaniu tejto publikácie predchádzalo množstvo prípravných prác spojených predovšetkým s organizovaním výstav zahraničného umenia v Rusku. S. Ďaghilev (1872-1929), ktorý sa neskôr stal významnou umeleckou osobnosťou a kritikom, začal v určitom období zohrávať významnú úlohu v priateľskom združení. Bol to on, kto si dal za cieľ zhromaždiť vynikajúcich ruských umelcov a zviditeľniť ich tvorbu na Západe.

Vo februári 1897 bola z iniciatívy Diaghileva v Petrohrade otvorená výstava akvarelov z Anglicka a Francúzska. Vystavovala diela významných majstrov z týchto dvoch krajín, najmä Menzelove akvarely, ktoré ovplyvnili komorné riešenie historických námetov A. Benoisa a ďalších umelcov Sveta umenia.

No významnejšia bola výstava škandinávskych umelcov, ktorá bola otvorená na jeseň toho istého roku v sálach Akadémie umení, a výstava ruských a fínskych umelcov v Stieglitzovom múzeu v januári 1898. Vďaka svojmu organizačnému talentu Diaghilev dokázal prilákať nielen hlavných členov priateľského kruhu, ale aj najväčších ruských maliarov - M. Vrubela, I. Levitana, V. Serova, K. Korovina, M. Nesterova, A. Ryabushkina. Svoje diela predstavili aj fínski majstri na čele s A. Gallenom a A. Edelfeltom. Tieto výstavy boli v skutočnosti jednou z prvých výstav zahraničného umenia v Rusku a konali sa na pozadí prekonávania zaužívaných konzervatívnych názorov medzi samotnými umelcami, ako aj v spoločnosti ako celku. Diaghilev a jeho spolupracovníci pociťovali vášnivú túžbu aktívnejšie zapojiť ruské umenie do procesu boja proti stagnácii akademizmu, ktorý už zažili severské krajiny, a spoločné výstavy so zahraničnými majstrami považovali za jeden z najefektívnejších spôsobov obnovy. umenie. Samotný Svet umelcov neskôr považoval spoločnú výstavu ruských a fínskych umelcov za „prvé predstavenie Sveta umenia, ale ešte nie pod týmto názvom“. A. Benois povedal, že práve po nej sa s priateľmi spojil do jednej skupiny s názvom „Svet umenia“.

Ako už bolo uvedené, k vzniku časopisu „World of Art“ prispelo usporiadanie výstav zahraničného umenia. Jednou z jeho predností bolo, že sa ukázal ako slobodná platforma pre diskusie v oblasti maľby, v oblasti náboženstva, filozofie a literatúry. Stránky publikácie rozoberali najpálčivejšie problémy intelektuálneho života Ruska a Západu. Od samého začiatku zaujal časopis pevné miesto v umeleckom živote Ruska a získal si veľké množstvo obdivovateľov. Jeho redaktorom bol S. Diaghilev, ale aktívnu úlohu zohral aj A. Benois, ktorý definoval umeleckú politiku Sveta umenia a načrtol celý estetický program: po prvé, uznanie klasiky, po druhé popretie všetkého bolestného v r. umenie a dekadencia, do tretice orientácia na myšlienku umeleckého priemyslu od W. Morrisa s jeho princípom účelnosti. A. Benois navrhol nazvať časopis „Renesancia“ a vyzval „vyhlásiť prenasledovanie a smrť za dekadenciu<…>, čo ohrozuje zničenie celej kultúry."

V prvom čísle časopisu, vydanom v roku 1899, vyšiel článok S. Diaghileva „Ťažké otázky“, v ktorom bola formulovaná estetika združenia „World of Art“. Od samého začiatku si Diaghilev stanovil za cieľ „analyzovať všetky myšlienky v oblasti estetiky“. Podľa jeho názoru sa estetické koncepty a princípy v modernej maľbe rozchádzajú s umeleckou praxou: „Tento amalgámový príbeh umeleckého života storočia mal hlavný zdroj v hroznej neistote estetických konceptov a požiadaviek doby. Ani na chvíľu neboli pevne usadení, nevyvíjali sa logicky ani voľne. Umelecké problémy boli zamotané do všeobecného neporiadku sociálnych prevratov...“. Ďalej poznamenáva, že utilitárny postoj k umeniu bol dominantný počas celého 19. storočia, hoci existovali umelecké a estetické smery, ktoré sa stavali proti podriadeniu umenia akýmkoľvek vonkajším cieľom.

Diaghilev postavil do protikladu princíp utilitarizmu s princípom estetizmu ako uznania krásy ako najvyššej a nezávislej hodnoty; autor článku tvrdil, že umenie je hodnotné samo o sebe, že jeho cieľom je ono samo. A. Benois zdieľal presvedčenie súdruha, že krása by mala byť najvyšším kritériom v oblasti umeleckého hodnotenia.

Estetika je uznanie osobitných, výlučných práv estetiky, presadzovanie sebestačnej úlohy krásy, jej nezávislosti od morálky, náboženstva a politiky. Pojem estetizmus bol prvýkrát široko reflektovaný v tvorbe anglických prerafaelských umelcov. V časopise „World of Art“ boli neustále publikácie o anglickom umení a prerafaelitoch. Editori deklarovali svoju prvoradú úlohu vyvinúť nový koncept kultúry, v ktorom ústredné miesto dostali „nietzscheovské“ hodnoty: kreativita, krása, estetické cítenie. Časopis vychádzal v rokoch 1899 až 1904 pod redakciou S. Diaghileva a za účasti petrohradskej skupiny umelcov, od roku 1901 sa k nemu pripojil I. Grabar, ktorý sa čoskoro stal jedným z najvplyvnejších kritikov ruského umenia. Umelecké výstavy s názvom „Svet umenia“ sa organizovali každoročne a spájali ruských a západoeurópskych majstrov.

Aktivity petrohradského spolku tak znamenali začiatok novej éry v kultúrnom živote konca 19. storočia.

Hlavným jadrom výstav Sveta umenia boli diela majstrov skupiny Diaghilev (v skutočnosti Svet umelcov) - A. Benoisa, K. Somova a ich najbližších spolupracovníkov, ktorí sa spojili s moskovskými maliarmi - M. Vrubelom, I. Levitan, V. Serov, K. Korovin, M. Nesterov, A. Ryabushkin. Mirskí umelci zapájali do svojich aktivít významných ruských majstrov, ktorých tvorba sa vyvíjala nezávisle od ideologických postojov petrohradskej skupiny a vyznačovala sa obrazovým jazykom.

Preferovaný záujem o históriu a historické štýly, nostalgia po zašlých časoch, kult krásy, romantická irónia – to sú ideologické črty sveta umenia. Ovplyvnili afirmáciu vo svojej tvorbe obľúbeného okruhu zápletiek a motívov.

Tvorivé dedičstvo Alexandra Nikolajeviča Benoisa (1870-1960), zakladateľa a historiografa Sveta umenia, je bohaté a všestranné. Výsledkom Benoitovho nadšenia pre knihy rozprávajúce o živote a zvykoch dvora „kráľa slnka“, ako aj štúdia francúzskeho umenia, bola séria nádherných akvarelov. Zobrazujú palác, park, prechádzky kráľa a dvoranov, kúpajúceho sa markíza. Prvý takýto cyklus sa nazýva "Posledné prechádzky Ľudovíta XIV." a vznikol v rokoch 1897-1898, druhý - "Versaillská séria" 1905-1906. V dielach "Kráľova cesta" (1897, Štátne ruské múzeum, Petrohrad), "Kŕmenie rýb" (1897, Štátne ruské múzeum, Petrohrad), "Ceres Pool" (1897, Štátne ruské múzeum, St. Petersburg), „Kráľ chodí za každého počasia“ (1898, zbierka I. Zilbersteina), podobne ako v iných listoch zo série Versailles, aj keď ich spája jediná postava – Ľudovít XIV., spájajúcim článkom je obraz človeka- vytvoril povahu kráľovského sídla. Versaillským skicám dominuje téma „starého parku“, v ktorom ožíva minulosť. Všetky diela spája objekt obrazu a jednota nálady. Na obraze „Kráľovská cesta“ (1906, Štátna Treťjakovská galéria, Moskva) sa príroda mení na divadelnú scenériu, pôvabné zelené závesy otvárajú malú plochu javiska. S ľahkosťou a jasnosťou siluet postavy pripomínajú hračky vpísané do malebnej krajiny. Park vpúšťa do svojich priestorov divadelné predstavenie ako do jednej zo sál paláca.

Evgeny Evgenievich Lansere (1875-1946) sa vo svojej tvorbe obrátil k ére Petra Veľkého. Jeho obľúbenými témami bola výstavba Petrohradu a nová ruská flotila. Umelec „neobnovil“ historické prostredie, ale vytvoril obraz chladného a veterného duchovného dieťaťa Petra I. Jednou z prvých bola expresívna a dynamika plná maľba „Petersburg na začiatku 18. storočia. Budova dvanástich kolégií “(1902, Štátne ruské múzeum, Petrohrad), ktorá zobrazuje daždivý, veterný deň, keď vody nepokojnej Nevy bijú o mólo Vasilievského ostrova. K mólu kotví loď. Na schodisku je niekoľko ľudských postáv, medzi ktorými možno spoznať Petra I., ktorý si prišiel pozrieť novopostavenú budovu Dvanásť kolégií. Autor obnovuje atmosféru výstavby Petrohradu, architektúra a príroda sú dané v nerozlučnej jednote. Krajiny „Loď Petra I.“ (1906, Štátna Treťjakovská galéria, Moskva) a „Lode pod Petrom I.“ (1911, Štátna Treťjakovská galéria, Moskva) sú plné vetra, pocitu priestrannosti a plieskania vĺn. Lanceray sa obrátil aj na nasledujúce éry. Má teda kompozíciu „Cisárovná Elizaveta Petrovna v Carskom Sele“ (1905, Štátna galéria Treťjakov, Moskva), v ktorej sa akcia odohráva na pozadí parku Carskoje Selo a Veľkého paláca, zdobeného nádhernou sochou. Lanceray vtipne zobrazuje majestátny sprievod cisárovnej v sprievode dvornej dámy. Jednota architektúry a kostýmov vyzdvihuje a zdôrazňuje sofistikovanú eleganciu a koketnosť oboch týchto prvkov. Z vôle umelca sa pravidelný park stal živou postavou, svedkom prebiehajúcej akcie. Umelec dokázal sprostredkovať kombináciu ľahkomyseľnosti a obradnej formálnosti, zmyselnosti a racionalizmu, ktoré sú vlastné 18. storočiu.

Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911) bol jedným z hlavných predstaviteľov umeleckého združenia „World of Art“, nielen stálym účastníkom, ale aj organizátorom výstav „World of Art“ spolu s A. Benoisom a S. Diaghilevom. .

Názor V. Serova bol vysoko cenený, bol považovaný za nepopierateľnú autoritu. Bol to práve on, kto v kritickom období pre Svet umenia v roku 1902 požiadal cisára Mikuláša II. (v tom čase umelec maľoval jeho portrét) o finančnú dotáciu pre Svet umenia, vďaka čomu časopis existoval ešte dva roky. Serov, ktorý zostal majstrom-realistom, stelesnil umelecké princípy zjednotenia vo svojej práci a bol unesený ruským XVIII storočím. Príkladom toho sú obrazy „Peter II. a Carevna Alžbeta na poľovníckom psovi“ (1900, Štátne ruské múzeum, Petrohrad), „Katarína II. na sokoliarni“, „Peter I. na poľovníckom psovi“ (oba – 1902 , Štátne ruské múzeum, Petrohrad), "Peter I" (1907, Štátna Tretiakovská galéria, Moskva). V tom druhom je zjavná snaha o teatralizáciu akcie, vlastná dielam A. Benoisa. Konvenčnosť, ostrosť obrazu, rast dekoratívnosti, veľkolepá teatralizácia obrazu sú charakteristické pre diela majstra, vytvorené v roku 1910, - "Portrét Idy Rubinstein" (Štátne ruské múzeum, Petrohrad) a "Únos Európy“ (varianty v rôznych zbierkach).

Konstantin Andreevich Somov (1869-1939) bol jednou z ústredných postáv „sveta umenia“. Jeho tvorba s osobitnou jasnosťou vyjadrovala základné princípy sveta výtvarnej estetiky: majster sa obracal k historickej retrospekcii, inklinoval k ušľachtilému štýlu, sofistikovanej zmyselnosti, väčšina jeho diel je divadelná. Umelcove fantazijné krajiny sa objavovali súčasne s obdobiami tvorby z prírody. Retrospektívne vízie, ako sa jeho umenie rozvíjalo, nadobúdali stále nové a nové aspekty. Leitmotívom Somovovej tvorby boli milostné výjavy v interiéri a v lone prírody. Za hrdinov série Ohňostroj si Somov vybral postavy talianskej komédie masiek, ktoré milovalo umenie konca 19. - začiatku 20. storočia: šikovného a úspešného Harlekýna, bledého, slabomyslného lúzera Pierrota, ľahkomyseľného Columbine. . Ľúbostná komédia, ktorú hrajú, je náznakom nemennosti a opakovania ľudských vášní. Ohňostroj (1904, súkromná zbierka, Moskva) je dielom z tejto série, vyrobeným gvašom. Siluety dámy a pána v popredí svojimi šatami a pokrývkami hlavy pripomínajú 18. storočie. Väčšinu obrazu zaberá obloha s jasným zväzkom ohňostrojov, ktoré lietajú nahor a rozptyľujú zlaté svetlá. To, čo je zobrazené, je vnímané ako nádherná vízia.

Retrospektívne portréty Somova sa stali novým fenoménom ruského umenia. Slávny obraz "Lady in Blue" (1897-1900, Štátna galéria Treťjakov, Moskva) - obraz blízkeho priateľa umelca, spolužiačky na Akadémii umení E. Martynova. Toto dielo sa objavilo v roku 1900 na výstave „Svet umenia“ a stalo sa prvým získaným od majstra Treťjakovskej galérie. Model bol z vôle autora prenesený do minulosti, do starého parku zbaveného historickej konkrétnosti. Celá postava Martynovej je napísaná na dotyk a pravdivo. Pozadie je udržiavané v podmienenej mierke, krík je úplne dekoratívny, znaky na pozadí sú tiež podmienené. Zdá sa, že krajina je skôr spomienkou na harmonickú minulosť, než skutočné prostredie. Rozpor medzi hrdinkiným obrazom a pozadím je vnímaný ako tenká čiara medzi skutočným a ideálom, snami a realitou.

Maria Vasilievna Yakunchikova (1870-1902) sa viac ako raz stala účastníčkou výstav World of Art, zaoberala sa dizajnom časopisu s rovnakým názvom. Versaillský park, tak milovaný A. Benoisom, sa objavil v jej dielach v 90. rokoch 19. storočia. Jakunčiková však nevnímala Versailles ako zvyšok sveta umenia – cez prizmu historických spomienok či memoárov – ale snažila sa sprostredkovať priamy dojem motívu, ktorý zasiahol jej predstavivosť. Neklesá do minulosti. Konvenčnosť foriem a farieb, princíp dekoratívnosti sú v súlade s dielami majstrov sveta umenia, hoci Yakunchikova vo svojich obrazoch nepochybne využívala objavy francúzskych impresionistov. Vo versaillskej krajine (1891, múzeum-statok VD Polenov, región Tula) je obrovský zelený krík strihanej zelene, ktorý sa nachádza v popredí, osvetlený lúčmi zapadajúceho slnka. Odlesky a tiene slnka sprostredkúvajú pocit večera a pripomínajú diela impresionistov. Svetlo a tieň pre Yakunchikovú sú hovorcami polárnych psychologických stavov. V jej versaillských krajinách nechýba irónia a teatrálnosť A. Benoisa a K. Somova. Formálne techniky – zväčšovanie, zovšeobecňovanie objemov, fragmentácia – umocňujú elegickú náladu, divák sa stáva tichým svedkom minulosti v reálnom prírodnom prostredí.

Yakunchikova maľovala nielen krajiny. Rovnako ako ostatní členovia „World of Art“ venovala pozornosť starým interiérom. Mnoho takýchto obrazov bolo možné vidieť na výstavách svetového umenia.

Takéto diela niesli pečať doby a zobrazené miestnosti zašlých čias sa nestali ani tak „portrétmi“ starého spôsobu života, ako skôr ozvenou postoja ľudí, ktorí ich tvorili („portréty“), nostalgického za stratená krása. Kontrastovali svet za oknom a svet vo vnútri domu s tichým životom vecí a ich zapojením do ľudskej existencie. Možno pripomenúť aj výstavu „Súčasné umenie“ v roku 1903, na organizácii ktorej sa Svet umelcov priamo podieľal: boli autormi celkovej koncepcie interiérov, náčrtov detailov výzdoby, dekoratívnych malieb a svoju úlohu videli v r. vytváranie „demonštračných interiérov so všetkým vybavením, kde by umelci „sveta umenia“ mohli prejaviť vkus a zmysel pre štýl – všetko, čo sa v živote v Petrohrade úplne stratilo „5.

Jakunčiková sa snažila sprostredkovať divákovi krásu odchádzajúceho sveta panstva vo svojich dielach ako Kryty, Schodisko do starého domu (1899, zbierka A. Webera, Evian), Z okna starého domu. Vvedenskoye "(1897, Štátna Treťjakovská galéria, Moskva). Tieto motívy sa v ruskom umení rozšíria. Diela sú naplnené ďalšími významami, divák má pocit tragiky. V obraze „Schodisko do starého domu“ si autor vyberá uhol pohľadu, z ktorého by bol človek, ktorý ide po schodoch stúpať. Strihová kompozícia pripomína diela A. Benoisa. Umelec pozorne skúma schody, zamyslene hľadí od jedného detailu k druhému; s ľútosťou poznamenáva stopy skazy, ktoré zanechal čas.

Od polovice 90. rokov 19. storočia sa Lev Nikolajevič Bakst (1866-1924) začlenil do okruhu spisovateľov a umelcov združených okolo S. Diaghileva a A. Benoisa, ktorí sa neskôr stali jedným z iniciátorov vzniku „Sveta umenia“. Mal všestranné tvorivé záujmy: zaoberal sa portrétom, krajinou, knižnou grafikou, maľoval ozdobné panely. Majstrovým skutočným povolaním bola divadelná a dekoratívna maľba, v ktorej sa najvýraznejšie prejavil jeho talent. Vášeň pre starý Petrohrad, jeho spôsob života, kostýmy je zrejmá z ilustrácií Gogoľovho „Nosu“ (1904, Štátna Treťjakovská galéria, Moskva), akvarelov „Gostiny Dvor v 50. rokoch 19. storočia“ (1905, súkromná zbierka, Petrohrad), gvašov "Dávka" (1906, Štátne ruské múzeum, Petrohrad). V poslednom menovanom diele sú zreteľne vyjadrené typické znaky umeleckej praxe sveta umenia - ilustratívnosť, retrospektívna štylizácia, ironický postoj k minulosti.

Panel „Váza (Autoportrét)“ (1906, Štátne ruské múzeum, Petrohrad) nesie zreteľný odraz Benoitových Versaillských krajiniek a Somovových galantných výjavov. V tomto diele chýba odkaz na minulé epochy, typické pre umelcov Sveta umenia, rodí sa v ňom významová nejednoznačnosť ako výsledok majstrovej hry s plánmi obrazu a samostatná téma - záhrada. motív.

V Bakstovom dekoratívnom paneli „Staroveký horor“ (1908, Štátne ruské múzeum, Petrohrad) našla výraz symbolistická estetika, čiastočne charakteristická pre svet umenia. Prezentuje sa panoráma krajiny z vtáčej perspektívy osvetlená zábleskami obrovských bleskov. Nad starobylou skalnatou krajinou, zaplavenou prudkým vodným živlom, sa týči archaická socha bohyne Afrodity so zamrznutým úsmevom na perách. Bohyňa, ktorá sa odvracia od umierajúceho sveta, zostáva pokojná a nerušená. Akási vyššia múdrosť ju oddeľuje od okolitého šialeného chaosu. V ruke, pripnutej na hrudi, drží modrého vtáčika – symbol snov a šťastia. Staroveká civilizácia umiera, zostáva len krása, ktorá vládne svetu.

V roku 1902 časopis „World of Art“ uverejnil článok A. Benoisa „Picturesque Petersburg“ 6, doplnený mnohými fotografiami antických budov a kresbami od E. Lancere, A. Ostroumovej-Lebedevovej, L. Baksta. Nasledujúci rok , „Svet umenia“ usporiadal výstavu „Starý Petrohrad.“ Veľký význam mali aj jubilejná výstava Cárske Selo (1910), „Historická výstava architektúry“ (1911) a výstava „Lomonosov a alžbetínska doba“ (1912). v odhaľovaní podoby starého Petrohradu a pri presadzovaní jeho umeleckých hodnôt. Umenie “sa snažilo zobraziť mesto, oslobodené od každodenných scén, keď architektúra preberá hlavnú úlohu pri vytváraní jeho umeleckého obrazu: v Petrohrade sa prelína vzkriesená minulosť s rysmi modernosti.

V roku 1902 sa Mstislav Valerianovič Dobuzhinsky (1875-1946) stal členom Sveta umenia. Pôsobivé sú najmä jeho listy zobrazujúce Petrohrad v dôrazne ležérnej forme, nezvyčajnej formou a intenzívnym vnútorným zvukom. Patria sem mestské krajiny - "St. Petersburg Corner" (1904, Štátna Treťjakovská galéria, Moskva), "Mesto" (1904, Kirov Regionálne múzeum umenia), "Starý dom" (1905, Štátna Treťjakovská galéria, Moskva). Mesto, ktoré videl, nemá romantický nádych. Dobuzhinsky zobrazuje početné bytové domy s úzkymi oknami a stiesnenými nádvoriami, prázdnymi stenami s vetracími mriežkami, podobnými väzenským. Dezercia jeho diel je zvláštnym umeleckým prostriedkom, ktorý umocňuje dojem osamelosti a beznádeje.

Úloha mestskej krajiny je významná v Dobužinského maliarskom stojane „Muž s okuliarmi“ (1905–1906, Štátna Treťjakovská galéria, Moskva). Ide o portrét K. Sunnerberga, básnika a kritika umenia blízkeho okruhu Svet umenia. Dobužinskij napísal priateľovi vo svojom byte, z ktorého okna sa otvárala panoráma mesta. Dominantným sa tu ukázal obraz okna. Umožňuje vám skombinovať portrét Sunnerbergu a mestskú krajinu, pozostávajúcu zo zeleninových záhrad s hromadami palivového dreva, monotónnych domov hromadiacich sa jeden na druhom a továrenských komínov pokrývajúcich horizont.

Meno Anny Petrovna Ostroumovej-Lebedevovej (1871-1955) je vždy spojené s majestátnymi obrazmi mestských súborov mesta na Neve. V ryte aj akvarele bola hlavnou témou umelcovej tvorby mestská krajina. Prekvapivo presne sa jej podarilo uhádnuť charakter mesta v jemnom rytme architektonických foriem, v určitej farebnosti, ktorá mu bola vlastná. Každý cyklus má jedinečnú farebnú schému. Práca v rytine nepochybne zanechala odtlačok štýlu a charakteru akvarelovej maľby Ostroumovej-Lebedevovej. Krátkosť výrazu, lakonická reč, jasnosť línií, charakteristická pre drevoryt, sa prejavili akvarelovým spôsobom.

V roku 1901 umelec vytvoril prvú sériu rytín venovaných Petrohradu pre časopis „World of Art“; jeden z najznámejších listov - „Petersburg. Nové Holandsko“. V tomto diele, ako v mnohých dielach, umelec zobrazil zimné mesto.

Tmavé roviny vytvárajú siluetu oblúka v neoklasicistickom štýle slávnej pamiatky, pocit zasneženej belosti sprostredkúva belosť samotného papiera. Monumentálnosť rytiny je dosiahnutá výberom a zovšeobecnením detailov. Nájdené techniky – pokojná precíznosť formy, rytmická vyváženosť kompozície – umelkyňa rozvinula vo svojich ďalších dielach. Raž Vasilievského ostrova, Rostrálne stĺpy, budova burzy, Admiralita sú jej obľúbené obrazové motívy.

Mladí umelci, ktorí sa pripojili k hlavnému jadru „Sveta umenia“, prepracovali kreatívny koncept zjednotenia, sa stali pokračovateľmi diela, ktoré začal Diaghilev.

Ako výstavná organizácia sa „Svetu umenia“ podarilo existovať v rokoch 1899 až 1903. Moskovskí maliari, ktorí sa zúčastnili výstav petrohradského spolku, vytvorili vlastnú skupinu s názvom „36 umelcov“. A vo februári 1903, počas piatej výstavy "Sveta umenia" v Petrohrade, bolo rozhodnuté o vytvorení novej spoločnosti - Zväzu ruských umelcov. Mnohí majstri štetca, ktorí boli súčasťou petrohradskej skupiny, sa stali členmi Zväzu ruských umelcov.

V roku 1904 zanikol aj časopis World of Art, na ktorého vydávanie už A. Benois a S. Diaghilev nemali dosť peňazí.

Ale S. Diaghilev pokračoval vo svojej organizačnej činnosti. V roku 1905 usporiadal výstavu ruských portrétov v Tauridskom paláci av roku 1906 výstavu súčasnej maľby pod bývalým názvom „Svet umenia“, ktorá zahŕňala diela M. Vrubela, K. Korovina, M. Larionova. , N. Sapunov, P. Kuznecov a už zosnulý Viktor Elpidiforovič Borisov-Musatov (1870−1905). Posledný menovaný mal najmä obrazmi a technikami tvorby blízky „Svetu umenia“, no za života ho nepozývali do expozícií spolku. Keď sa zmenil postoj k práci Borisova-Musatova, už zomrel. V roku 1902 bol verejnosti predstavený obraz „Tapisérie“ (1901, Štátna Treťjakovská galéria, Moskva) a potom Diaghilev vo svojej recenzii nazval jeho autora „zaujímavým umelcom“, „zvedavým a významným“. Ale až o štyri roky neskôr, v roku 1906, sa na poslednú výstavu petrohradského spolku dostalo viac ako päťdesiat diel Borisova Musatova.

Od druhej polovice 20. storočia „Svet umenia“ oficiálne neexistoval, ale Svet umelcov si zachoval skupinovú solidaritu a vstúpil do Únie ruských umelcov. Po jeho rozdelení v októbri 1910 to boli oni, kto oživil zväz. Od roku 1910 bol „Svet umenia“ aj výstavnou organizáciou, ktorú tvorili umelci rôznych smerov. Takí majstri ako N. Roerich, G. Narbut, S. Čechonin, D. Mitrochin, Z. Serebryakova, B. Kustodiev pokračovali v rozvíjaní umeleckých princípov staršieho sveta umenia. K. Petrov-Vodkin, M. Saryan, P. Kuznetsov, N. Altman, I. Mashkov sú umelci, ktorí sa ukázali byť vnímaví k novým fenoménom a zachovali si úplnú nezávislosť od kreatívnych konceptov, ktoré sa vyvinuli v počiatkoch „Svetu Umenie“.

Funkciu predsedu zastával Nicholas Roerich (1874-1947). Od roku 1903 bol pravidelným účastníkom výstav Svet umenia. Roerich sa obával slovanského pohanského staroveku, škandinávskeho eposu a náboženských legiend stredovekého Ruska.

Zaujímavé sú jeho „Idoly“ (Štátne ruské múzeum, Petrohrad) a „Hostia zo zámoria“ (1901, Štátna Treťjakovská galéria, Moskva), vytvorené v roku 1901, počas umelcovho pobytu vo Francúzsku. Rysy štylizácie, prevaha grafických techník nad maľbou, dekoratívne chápanie farby spája tieto diela s dielami zo sveta umenia. V „Idoloch“ tvoria základ výtvarného riešenia dekoratívne a grafické techniky charakteristické pre štýl secesie, rozhodujúcu úlohu zohráva kruhová kompozícia, obrysové línie a lokálne farebné škvrny. Je zobrazený staroveký pohanský chrám - miesto pre modlitby a obety bohom. V strede chrámu stojí najväčšia modla, okolo - menšie. Idoly sú zdobené jasnými ozdobami a rezbami. Chýbajú postavy ľudí, dominuje motív krajiny. V scéne divadelnej krajiny sa spája majestátny pokoj prírody a krása chrámu. Roericha priťahovala schopnosť ľudí dávnej minulosti rozpustiť sa v prírode a vložiť do nej svoje vlastné skúsenosti a pocity.

Záujem o slovanský starovek je evidentný v diele „Zámorskí hostia“. Po rieke sa plavia elegantné maľované člny s pestrými plachtami; luky končia hlavami drakov. Vzorované ozdoby varjažskej lode, farebné štíty, jasne červené plachty sú dokonale kombinované s tmavomodrou vodou a sviežou zeleňou kopcov. Rytmus diela udáva diagonálna kompozícia a použitie lineárnej a farebnej ornamentiky. Motívy vznášajúcich sa krídel vtákov, bežiace vlny tvorili základ rytmu „zámorských hostí“. Rovnaký vzor vznášajúcich sa krídel sa opakuje v obrysoch pobrežia a zdá sa, že zem „letí“ smerom k lodiam. Medzi „zámorskými hosťami“ a „Slovanmi na Dnepri“ (1905, Štátne ruské múzeum, Petrohrad) je veľa spoločného v kompozícii aj farbe. Expresivita obrazu je založená na jeho zjednodušení a zovšeobecnení; rytmický začiatok, svetlé farebné škvrny hrajú dôležitú úlohu v maľbách. Roerich si vyberá vysoký uhol pohľadu na krajinu, keď obrysy lesov, kľukaté, bizarné pobrežie, prerezané zálivmi, pôsobí obzvlášť dekoratívne a zároveň „rozprávkovo“ nezvyčajne (umelec pracoval aj v oblasti divadelnej a dekoratívnej tvorby maľovanie). Tematika diel, cudzia modernosti, demonštruje Roerichovu pozornosť k starodávnej ruskej umeleckej tradícii a zvýraznený záujem o obrazy a témy ruských dejín.

Roľnícky starovek, buržoázno-obchodnícke Rusko - hlavné témy v diele Borisa Michajloviča Kustodieva (1878-1927). Bol známy ako portrétista, no v žánrových dielach sa držal zásad sveta umenia. V obrazoch zobrazujúcich početné veľtrhy, Maslenitsa a slávnosti umelec spieval krásu ruskej prírody, ľudové zvyky a šírku ruského ľudu. Zimné krajiny, na pozadí ktorých sa konajú veselé fašiangové slávnosti, sú niekedy očarujúce v kombinácii zeleno-ružovej oblohy a oslnivo modrého snehu. Medzi touto farebnosťou prírody sú kostýmy a začervenané tváre obzvlášť slávnostne jasné. Kustodiev pripravuje mnohé zápletky, odhaľuje vzťah medzi postavami a zároveň ukazuje veľtrh ako veľkolepú podívanú, ktorú obdivuje spolu s publikom.

V roku 1910 umelec začal pracovať na skupinovom portréte členov Svetovej umeleckej spoločnosti pre Tretiakovskú galériu, ale nikdy ho nedokončil. Majster urobil len náčrt (1916−1920, Štátne ruské múzeum, Petrohrad). Zobrazené (zľava doprava): I. Grabar, N. Roerich, E. Lancere, I. Bilibin, A. Benois, G. Narbut, N. Milioti, K. Somov, M. Dobužinskij, K. Petrov-Vodkin, A. Ostroumová-Lebedeva, B. Kustodiev.

Zachovalo sa aj niekoľko prípravných náčrtov.

V roku 1911 sa Sergej Jurjevič Sudeikin (1882-1946) stal členom združenia World of Art. Spájalo ho blízke priateľstvo s K. Somovom. Sudeikin v mnohých ohľadoch vychádzal zo somovských „markíz“ vo svojich dielach, ktoré reprodukovali aj pastoračné výjavy galantskej éry: ako sú „Chôdza“ (1906, Štátna Treťjakovská galéria, Moskva), „Harlekýnova záhrada“ (1915- 1916, Štátne múzeum umenia Saratov pomenované po A. . N. Radishcheva). Romantická zápletka od neho často dostávala naivný, primitívny ľudový výklad, obsahovala prvky paródie, grotesky, teatrality. Zátišia, ako napríklad Kvety a porcelán (začiatok 10. rokov, súkromná zbierka, Moskva), tiež pripomínajú divadelné predstavenie, javisko. Téma divadla sa v Sudeikinovej maľbe opakovane objavila: stvárnil balet a bábkové divadlo, taliansku komédiu a ruské slávnosti Maslenica. Divadelné a dekoratívne umenie sa stalo hlavnou činnosťou umelca. S. Mamontov ho ako prvého pritiahol k dizajnu operných predstavení v moskovskom divadle Ermitáž. V roku 1911 umelec pracoval na baletných predstaveniach Malého činoherného divadla v Petrohrade, v roku 1912 spolu s A. Tairovom v Petrohradskom ruskom činohernom divadle. V roku 1913 sa Sudeikin zúčastnil na Ruských sezónach v Paríži, kde dokončil výpravy a kostýmy pre balety Červená maska ​​od N. Čerepnina a Tragédia Salome od F. Schmidta.

Zinaida Evgenievna Serebryakova (1884-1967), ktorá vstúpila do združenia World of Art v roku 1911, si vybrala ľudové témy, jej obrazy sa vyznačujú harmóniou, silnou plasticitou a zovšeobecnením obrazových riešení. Umelec vlastní množstvo žánrových diel venovaných práci a životu roľníkov - "Harvest" (1915, Odessa State Art Museum), "Whitening Canvas" (1917, Štátna Treťjakovská galéria, Moskva). Obľúbenou technikou Serebryakovej je výber vysokého horizontu pre kompozíciu, vďaka čomu sú postavy obzvlášť monumentálne a majestátne.

V roku 1914 bol A. Benois poverený projektom kazaňskej železničnej stanice v Moskve (nedokončená) a Z. Serebryakova spolu s E. Lancerom, B. Kustodievom, M. Dobužinskim sa podieľali na prácach.

V tvorbe umelkyne sa rozvinul aj hlboko osobný, ženský princíp, ktorý sa prejavil najmä v tvorbe autoportrétov: naivnú koketériu dievčaťa v nich vystriedal výraz pocitu materskej radosti, potom nežná poetická smútok. Takými sú napríklad obrazy „Na záchode. Autoportrét "(1909, Štátna Treťjakovská galéria, Moskva) a" Autoportrét s dcérami "(1921, Štátne historicko-architektonické a umelecké múzeum-rezervácia Rybinsk).

Kuzma Sergejevič Petrov-Vodkin (1878-1939), ktorý sa stal členom združenia v roku 1911, sa v MUZHViZ stretol s budúcimi podobne zmýšľajúcimi ľuďmi - P. Kuznecovom, P. Utkinom, M. Saryanom. Petrov-Vodkin je príkladom umelca, ktorý hľadal syntézu moderného umeleckého jazyka s kultúrnym dedičstvom minulých období. V roku 1912 vytvoril obraz Kúpanie červeného koňa (Štátna Tretiakovská galéria, Moskva). Prvýkrát bolo plátno vystavené na výstave „World of Art“ v roku 1912. Dielo evidentne odkazuje na obrazy starovekého ruského umenia: červený kôň odkazuje na motív ruskej ikony – koňa sv. víťazný. Dizajnovo ústredný obrázok nie je jazdec, ale červeno horiace zviera. Kompozícia sa vyznačuje svojou povahou, statikou. Dekoratívnosť a monumentálny charakter plátna sú fascinujúce. Mocný, ohnivý kôň, plný zdržanlivej sily, vstupuje do vody, je na ňom krehký chlapec s tenkými rukami, oddelenou tvárou, drží sa zvieraťa, ale neobmedzuje ho - bolo v ňom niečo alarmujúce, prorocké toto zloženie. Obraz nie je len o mladosti, krásnej prírode či radosti zo života, ale možno aj o osude Ruska.

Pavel Varfolomeevič Kuznecov (1878-1968) je umelcom, pre ktorého mali mimoriadny význam malebné objavy Borisova-Musatova. Mäso viditeľného sveta sa topí v jeho plátnach, malebné vízie sú takmer neskutočné, utkané z tieňových obrazov, označujúcich jemné pohyby duše. Kuznecovovým obľúbeným motívom je fontána variujúca tému večného kolobehu života – „Modrá fontána“ (1905, Štátna Treťjakovská galéria, Moskva). Kuznecov uprednostňoval temperu, ale jej dekoratívne možnosti využíval veľmi svojráznym spôsobom, akoby s nadhľadom na techniky impresionizmu, bieliace odtiene farieb. Mnohé diela sú udržiavané v studených farbách - šedo-modrá, bledofialová, - obrysy predmetov sú nejasné, obraz priestoru má tendenciu k dekoratívnym konvenciám, napríklad "Mirage in the Steppe" (1912, Štátna Treťjakovská galéria, Moskva) , "Večer v stepi" (1912, Štátna Tretiakovská galéria, Moskva). Zvláštnou syntézou zátišia a krajiny je obraz „Ráno“ (1916, Štátna Treťjakovská galéria, Moskva). Umelec nemal ešte tridsať rokov, keď sa jeho diela dostali do expozície výstavy ruského umenia, ktorú v roku 1906 zorganizoval S. Diaghilev v Paríži.

Rané diela Nikolaja Nikolajeviča Sapunova (1880-1912), ktorý do združenia prišiel zo symbolistickej skupiny Modrá ruža, boli blízke estetickým princípom Sveta umenia. V duchu galantských slávností 18. storočia obraz „Nočné slávnosti. Maškaráda “(1907, Múzeum ruského umenia, zbierka A. Ya. Abrahamyan, Jerevan). Sapunovove diela sa od diel majstrov Sveta umenia odlišujú obrazovými kvalitami a témami, ktoré nesúvisia s konkrétnymi historickými udalosťami. Dôležité miesto v umelcovej tvorbe zaujímali obrazy kvetov, pri ich prenose dosiahol skutočnú virtuozitu, plne odhaľujúcu svoj koloristický talent. Príkladom toho je dielo „Modré hortenzie“ (1907, Štátna Treťjakovská galéria, Moskva), „Vázy, kvety a ovocie“ (1910, Štátna Treťjakovská galéria, Moskva). Obľúbenými motívmi N. Sapunova boli ľudové slávnosti a slávnosti s ich tradičnými atribútmi, ako na obrazoch „Kolotoč“ (1908, Štátne ruské múzeum, Petrohrad), „Jar“. Maškaráda “(1912, Štátne ruské múzeum, Petrohrad).

Alexander Yakovlevich Golovin (1863-1930) sa od roku 1899 zúčastňoval na výstavách "Sveta umenia", od roku 1902 - člen združenia, spolupracoval v časopise s rovnakým názvom. Koncom 90. rokov 19. storočia pracoval v hrnčiarskej dielni Abramceva spolu s M. Vrubelom, na návrh ktorého sa podieľal na návrhu fasády hotela Metropol. Navrhoval predstavenia Veľkého divadla v Moskve, v roku 1901 sa presťahoval do Petrohradu, od roku 1902 zastával post hlavného dekoratéra cisárskych divadiel a poradcu riaditeľstva pre umelecké otázky. Golovin spolupracoval s Alexandrinským a Mariinským divadlom, vytváral portréty umelcov, hercov v rolách, slávnostné portréty, krajiny. V portrétnej maľbe vycibril metódy teatralizácie obrazu. Umelec často prenášal svojich hrdinov do divadelného prostredia a osvetľoval ich svetlom reflektorov, napríklad v „Portréte umelca D. Smirnova ako Chevalier des Grieux v opere“ Manon „od J. Masseneta (1909, Štátne divadelné múzeum A. Bakhrushina, Moskva) alebo v „Portréte F. Chaliapina ako Borisa Godunova v opere“ Boris Godunov „od M. Musorgského (1912, Štátne ruské múzeum, Petrohrad). Pre majstrovské diela sú charakteristické dekoratívne, farebné, sofistikované grafické riešenia. Okrasné rastlinné motívy, ktoré sa podľa jeho náčrtov nachádzajú na keramike hojne, malebné panely, divadelné dekorácie a dokonca aj portréty, boli v Golovinovej tvorbe obľúbené.

Igor Emmanuilovič Grabar (1871−1960) od roku 1901 - člen spolku, od roku 1902 - účastník výstav Svet umenia. Bol jedným z tých, ktorí v roku 1910 opustili Zväz ruských umelcov a v tom istom roku sa podieľal na organizovaní výstavného združenia s názvom „Svet umenia“. Grabar ešte počas štúdia písal články a recenzie o umení pre slávne časopisy „Niva“, „Strekoza“, „World of Art“. Príroda stredného Ruska a moskovského regiónu bola jednou z hlavných tém jeho maľby. Všetky Grabarove diela sú plné harmónie, poézie a veselej nálady. Veľkolepá, svetlá, textúrovaná maľba je kombinovaná s nemennou krásou kompozície a farby. Grabar sa snažil zachytiť nepolapiteľnú premenlivosť „ročných období“. Obzvlášť miloval zimné krajiny: "February Azure" (1904, Štátna Treťjakovská galéria, Moskva), "March Snow" (1904, Štátna Treťjakovská galéria, Moskva). Pri hľadaní spôsobov, ako sprostredkovať svetelnú a farebnú silu prírody, využíval výdobytky francúzskych impresionistických maliarov, no nikdy nebol priamym nasledovníkom ich smerovania. Okrem krajinárskych diel vytvoril Igor Emmanuilovič mnoho zátiší. Napísal aj monografie o diele V. Serova a I. Repina, autobiografickú knihu „Môj život“, ktorá rozpráva o umeleckom živote Európy a Ruska na konci 19. - začiatku 20. storočia. Dvanásť rokov – od roku 1913 do roku 1925 – bol Grabar riaditeľom Treťjakovskej galérie. Za tie roky sa urobil obrovský kus práce na inventári galérie, doplnení jej fondov, výstavách, vydaní prvého vedeckého katalógu. Záujem o ruskú históriu, pamiatky minulosti, ikonopisec ho spájali s A. Benoisom, M. Dobužinským, E. Lanserem, B. Kustodievom, A. Ostroumovou-Lebedevovou a N. Roerichom. Grabar je autorom množstva monografií o ruských umelcoch. Dal si za úlohu obnoviť postupnosť vývoja ruskej národnej školy, prezentovať tvorbu najväčších ruských umelcov.

V roku 1924 sa konala posledná výstava združenia Svet umenia, kde boli v blízkosti vystavené diela Benoita, Somova, Dobuzhinského, Golovina, Ostroumovej-Lebedevovej, Kustodieva, Serebryakovej.

V Paríži v roku 1927 sa skupina ruských emigrantov pokúsila zhromaždiť krajanských umelcov na výstave s názvom „Svet umenia“, zúčastnili sa jej bývalí členovia spolku na čele s M. Dobužinským. Myšlienka opätovného vytvorenia združenia, ktorá vznikla vo Výbore ruskej emigrácie, nenašla podporu ani u A. Benoisa, ktorý účasť na tejto výstave odmietol. Začiatkom 30. rokov 20. storočia umelci všetkých generácií, ktorí emigrovali z Ruska, medzi sebou udržiavali priateľské vzťahy a spoločne vystupovali na výstavách ruského umenia v Paríži, Belehrade a Bruseli. Svet umenia však v súčasnom ruskom umeleckom živote, žiaľ, neexistoval.

Knižná grafika sveta umenia

Najkompletnejšie a najživšie stelesnenie tvorivých ašpirácií majstrov petrohradského spolku sa našlo vo výzdobe kníh a divadelných (operných a baletných) scén.

Úsilím umelcov Sveta umenia sa výtvarný návrh knihy dostal na vysokú úroveň, schválili nové chápanie jej krásy a umeleckosti. Časopis World of Art je veľkoformátová publikácia, ktorej všetky ozdobné prvky obálky a strán boli zladené v jednote štýlu. Elegantná kaligrafia názvov, pôvab vinet, matný žltkastý papier, farebná tlač z neho urobili luxusný tovar. V auguste 1898 začala M. Jakunčiková na žiadosť S. Diaghileva spolupracovať so „Svetom umenia“. Pre publikáciu vyrobila obálku: kombinácia vzorovanej krajinky a výrazu siluety labute zdôraznila plochosť obálky a dokonale ladila so štylizovaným písmom. A hoci prvé číslo vyšlo v návrhu K. Korovina, neskôr sa redakcia predsa len vrátila ku kresbe M. Jakunčikovej.

Všetky tlačené vydania, na výtvarnom spracovaní ktorých sa podieľal Svet umelcov, sa vyznačovali vycibreným vkusom.

Petrohrad, jeho história, jeho odraz v poézii, literatúre, architektúre sa stali hlavnou témou knižnej grafiky A. Benoisa. Vytvoril množstvo ilustrácií pre Puškinovho „Bronzového jazdca“ (1916, 1921–1922, Štátne ruské múzeum Petrohrad; Všeruské múzeum A. S. Puškina, Moskva; Štátne múzeum výtvarných umení pomenované po A. S. Puškinovi, Moskva; súkromné ​​zbierky v Moskve a Petrohrad) 7. Benoitova grafika vytvorila organickú jednotu s Puškinovým textom. Ilustrácie úvodu boli spojené s motívmi umenia Puškinovej éry, pretože vo veršoch sa znovu vytvoril obraz klasicky čistého mesta s architektonickou čistotou línií. V nasledujúcich ilustráciách kompozície nadobúdajú dynamiku, pôvabnú harmóniu, stráca sa stíhaná logika mestskej krajiny. Súboj Eugena s jazdcom sa končí dramatickým koncom: hrozivé vlny vznášajúce sa k nebu, šikmý dážď a víťazná silueta monumentu.

Obraz mesta sa stáva leitmotívom grafickej interpretácie básne. Žulové nábrežia, množstvo palácov, mierka námestí – na tom všetkom spočíva Benoisova láska k stvoreniu Petra. Ale obraz sa rodí nielen z krásneho hlavného mesta, ale aj z mesta tragickej beznádeje, impozantného a neľútostného.

M. Dobužinskij neraz hovoril o tom, aké starosti mu robili Dostojevského diela. V jeho ilustráciách pre „Biele noci“ (1923) sa v súlade s textom diela stáva hlavnou postavou Petrohrad. Malé postavy, takmer rozpustené v tme ulíc, zdôrazňovali všeobecnú lyrickú náladu, ktorá je tomuto dielu vlastná. Hoci sa čiernobiele obliečky vyznačovali prísnou grafickosťou, Dobužinskij sprostredkoval prízračnú atmosféru bielej noci. Vyhýbal sa ornamentom, ale belosť papiera kontrastovala s ťažkými škvrnami atramentu a vytváral tak dekoratívny efekt kresieb. Mesto pôsobí smrteľne prázdne, je svedkom duchovnej drámy človeka, zosobňuje duchovný svet hrdinov. Umelec odhaľoval emocionálnu štruktúru Dostojevského príbehu pomocou obrazov vlastnej tvorby – mestskej krajiny.

Ivan Jakovlevič Bilibin (1876–1942) je predstaviteľom sveta umenia, ktorý sa úplne obrátil na knižnú grafiku. Napriek tomu, že sa Bilibinova tvorba navonok stavia proti westernizačnej orientácii väčšiny umelcov „sveta umenia“, vplyv na jeho tvorbu anglickej grafiky, francúzskej secesie a japonskej rytiny je veľmi citeľný. Umelcove diela sa vyznačujú krásou vzorovanej kresby, vynikajúcou dekoratívnosťou farebných kombinácií, jemným vizuálnym stelesnením sveta, kombináciou žiarivej báječnosti so zmyslom pre ľudový humor. Zdôraznil rovinu knižnej stránky obrysovou líniou, nedostatok osvetlenia, koloristickú jednotu, podmienené členenie priestoru do plánov a kombinovanie rôznych uhlov pohľadu v kompozícii. Majster navrhol ruské ľudové rozprávky a eposy. Významné sú ilustrácie k Puškinovej „Rozprávke o cárovi Saltanovi“ (1905, Štátne ruské múzeum, Petrohrad), ktorá dala Bilibinovej fantázii bohatú potravu. S úžasnou zručnosťou a veľkými znalosťami umelec zobrazil starodávne kostýmy a náčinie na viacfarebných obrazoch starovekého ruského života. Treba poznamenať, že v rokoch 1902-1904 na základe pokynov etnografického oddelenia Ruského múzea Bilibin cestoval po provinciách Vologda, Archangelsk, Olonets a Tver, zbieral diela ľudového umenia a fotografoval pamiatky drevenej architektúry. Majster svojimi dielami uviedol do sféry svetských umeleckých záujmov pamiatky starého ruského umenia a roľníckeho umeleckého remesla.

V roku 1901 sa Georgij Ivanovič Narbut (1886–1920) presťahoval do Petrohradu a stretol sa s Bilibinom; vzal ho pod svoju ochranu a uviedol ho do kruhu sveta umenia. Narbut debutoval v roku 1907 ilustráciami detských kníh, ktoré mu okamžite priniesli slávu: „Tance, Matvey, nešetri svoje lýkové topánky“ (1910) a dve knihy s rovnakým názvom „Hračky“ (1911) boli skvelé. úspech; vo všetkých troch šikovne použil štylizované obrazy ruských ľudových hračiek. V týchto ilustráciách starostlivá obrysová kresba, jemne kolorovaná akvarelom, ešte niesla stopy Bilibinovho vplyvu. V dizajne rozprávok a bájok Narbut často používal kresbu siluety v kombinácii s farbou.

Dmitrij Isidorovič Mitrochin (1883–1973) ilustroval niekoľko kníh pre deti, medzi nimi „Múčka“ od V. Haufa (1912), „Roland panoš“ od V. Žukovského (1913). Každý z nich bol príkladný v bezchybnosti grafického štýlu a jednote kresieb, nápisov a ornamentov.

Umelci sveta umenia, ktorí obnovili svoje tradície, oživili ilustračnú kresbu a grafický dizajn v Rusku a vytvorili jednotný systém knižného dizajnu. Majstri svojou tvorbou prispeli k pozdvihnutiu kultúry knižného dizajnu a ovplyvnili vývoj ruskej grafiky v prvej štvrtine 20. storočia.