Maliari grafických portrétov. Grafika galérie JAG

"Obrázky grafiky"

Grafika je typ vizuálneho umenia, ktorý využíva čiary, ťahy, škvrny a bodky ako hlavné vizuálne prostriedky.
Obrázky grafiky. Farba sa dá využiť aj v grafike, no na rozdiel od maľby tu hrá len vedľajšiu úlohu.

Obrázky grafiky. Pri kreslení s grafikou sa zvyčajne nepoužíva viac ako jedna farba (okrem hlavnej čiernej), v zriedkavých prípadoch - dve). Okrem obrysovej čiary v grafike sa hojne používa ťah a škvrna, ktoré zároveň kontrastujú s bielym (a v iných prípadoch aj farebným, čiernym, alebo menej často - textúrovaným) povrchom papiera - hlavným podkladom pre grafické práce. Kombináciou rovnakých nástrojov je možné vytvárať tónové nuansy. Najčastejším poznávacím znakom grafiky je zvláštny postoj zobrazovaného objektu k priestoru, ktorého úlohu do značnej miery zohráva pozadie papiera (slovami sovietskeho grafika VA Favorského „vzduch bieleho listu “).

Obrázky grafiky. Najstaršou a najtradičnejšou formou grafiky je kresba, ktorej počiatky môžeme vidieť v primitívnych skalných maľbách a v antickej vázovej maľbe, kde základom obrazu je čiara a silueta. V úlohách kresby je veľa spoločného s maľbou a hranice medzi nimi sú pohyblivé a do značnej miery ľubovoľné: akvarely, gvaš, pastely a tempery sa dajú použiť na vytváranie diel, ktoré sú grafického aj obrazového štýlu a povahy. .

Obrázky grafiky. Grafika zahŕňa kresbu samotnú, ako aj tlačené umelecké diela (rytina, litografia atď.), vychádzajúce z umenia kresby, ale majúce svoje vizuálne prostriedky a vyjadrovacie schopnosti.
Obrázky grafiky. V grafike spolu s dokončenými kompozíciami majú samostatnú umeleckú hodnotu prírodné skice, skice k dielam maliarstva, sochárstva, architektúry (kresby Michelangelo, L. Bernini v Taliansku, O. Rodin vo Francúzsku, Rembrandt v Holandsku, VI Bazhenov v Rusku). .... Grafika, ktorá nemá taký objem úplnosti možností ako maľba, pri vytváraní priestorovej ilúzie skutočného sveta, s veľkou voľnosťou a flexibilitou mení stupeň priestorovosti a plochosti; pre grafické práce môže byť charakteristická dôkladnosť objemovo-priestorovej konštrukcie, dôkladnosť rozvinutia najjemnejších prvkov textúry a identifikácia štruktúry objektu.

Dedičstvo grafiky je rôznorodé. Je známy dielami svetoznámych umelcov ako Albrecht Durer (1471-1528), Francisco Goya (1746-1828), Gustave Dore (1832-1883), japonskí umelci Kitagawa Utamaro (1753-1806), Hiroshige Ando (1797). -1858) a rytec a kresliar Hokusai Katsushika (1760-1849), ktorých tvorba mala významný vplyv na európske umenie konca 19. - začiatku 20. storočia.

Najznámejším súčasným grafikom je holandský umelec Maurice Escher, ktorý ako jeden z prvých zobrazoval fraktály a preslávil sa po vydaní knihy „Grafiek en Tekeningen“, v ktorej sa sám vyjadril k 76 svojim najlepším dielam.
Pozreli sme sa teda na historické korene grafického umenia a modernej grafiky.
Grafika môže byť samostatnou sekciou výtvarného umenia.
Obrázky grafiky dali základ a vývoj takých nádherných druhov výtvarného umenia, ako sú.

Obrázky grafiky. Grafická kresba. Toto je hotové umenie. Grafika má dlhú a bohatú históriu. Maľovanie grafiky je starodávna forma umenia. Grafika je naša súčasnosť. Grafik je rešpektovaný a milovaný.

Mnohí sú závislí na grafike. Zbierajte grafické kresby. Maliarska grafika je zaujímavá a podmanivá.
Súčasné dekoratívne umenie si tiež nemožno predstaviť bez grafiky a grafických obrazov. Náčrty, náčrty, kresby umožňujú umelcovi myslieť zaujímavým a originálnym spôsobom. Obrázky, grafika a kresba sú základom kreativity každého profesionálneho majstra.
Grafika, kresba, grafický obrázok, grafická kresba sa môže vykonávať na základe rôznych materiálov. Grafika na papieri. Grafika na strome. Grafika na kove. Grafika na látke. Grafika na skle. Grafika v piesku.

Šikovný grafický obraz zaujme a zaujme diváka o nič horšie ako pestrofarebné maľby maľované olejmi alebo akvarelmi.
Obrázky grafiky. Grafika je krásna sama o sebe. Grafika je zaujímavá. Grafika je podmanivá. Grafické kresby takých majstrov ako Michelangelo sú považované za neoceniteľné diela kresliarskeho umenia, grafiky.

Obrázky grafiky. Moderná grafika.
Moderná grafika má svojich majstrov. Mnohí sa špecializujú na grafický dizajn a grafike sa venujú celý život.
Moderná grafika má svojich fanúšikov aj svojich znalcov. Grafické kresby si ľahko kúpia mnohí amatéri a zberatelia. Grafické práce môžu byť tiež veľmi drahé. Grafika nie je lacná a nie je v umení vyvrheľom. Grafické maľby sú ich vlastným úžasným svetom vo výtvarnom umení.

Obrázky grafiky. Moderná grafika. Naša galéria obsahuje obrovské množstvo grafických diel. Existujú grafické diela pre každý vkus. Pozrite sa bližšie na naše grafické práce. Grafika je dobrá kúzelnícka víla moderného umenia, ale grafika je krásna sama o sebe. Dobrá grafická kresba alebo grafická kompozícia môže ozdobiť každý interiér svojou nádhernou aurou. Maľovanie grafiky je skvelé!
Grafika si získala nielen umelcov. Grafika sa stala múzou pre majstrov modernej poézie.
Grafika verša je zvláštny spôsob písania básnického textu vo svojej odlišnosti od prozaického.

“Začala ho bozkávať celého natretého marmeládou a na chvost a hrivu
a do výkladu Eliseevského obchodu s potravinami a do počítača Macintosh
A schválne jej nahradil jednu alebo druhú (Lanitu) disketu
a nezabudol som ju pobozkať v každej ceruzke Kokhinor."

V modernej poézii existuje veľa pojmov z koreňového slova - "Obrázky grafiky". Napríklad: špeciálna básnická grafika, špeciálna básnická grafika, špecifická básnická grafika.
Grafika. Grafika preniká a preniká celým našim životom. Milujú grafiku. Obdivujú grafiku. Majú radi grafiku. Niektorí ľudia sú chorí s grafikou.
Najpopulárnejším a najznámejším druhom grafiky je kresba. Každý umelec začína grafikou a grafickými prácami.
Grafika. Papier. Ceruzka. Čo ešte treba. Kreativita, samozrejme. Inšpirácia, samozrejme.

"Vezmem ceruzku, grafit s písmenom" T "
Začínam kresliť pocity.
A s chvejúcou sa rukou na bielom liste
Ničím zákony umenia."

Obrázky grafiky. Grafika preniká a preniká celým našim životom. Milujú grafiku. Obdivujú grafiku. Majú radi grafiku. Mnohí sú chorí s grafikou.

„Ostrým hrotom trhám papier až po diery
A ťahy neprší.
Elixír vypitý z duše smrťou
Vracia sa so škrípaním pod zubami."

„Náročná grafika! Roztrhané na kusy - papier!
Už mi začínajú tŕpnuť prsty.
Neveriaci kríženec vo svojej opustenosti,
Zrazu schopný zomrieť na melanchóliu."

Obrázky grafiky. Grafika zdobí naše životy. Milujú grafiku. Obdivujú grafiku. Majú radi grafiku. Mnohí sú chorí s grafikou.

"Bolesť, vina, ľútosť, odpor, beznádej,
Nádej, hnev, hriešnosť, túžba...
A láska, ktorá nevzala dar slobody,
Neodpustenie, krúženie v chráme ... “

Grafika. Grafika zdobí naše životy. Milujú grafiku. Obdivujú grafiku. Majú radi grafiku. Veľa ľudí vidí svoje šťastie v rozvrhu.

"Čo sa stalo? Ešte nedokončené.
Z eklekticizmu pocitov sa ukázalo byť mazanicou.
Spálil by som tieto prelínajúce sa línie,
Oživenie Fénixa z ohňa ... “

Grafika. Moderná grafika.
Moderná grafika má svojich majstrov. Veľa umelcov sa venuje grafickému dizajnu a grafike sa venuje celý život.
Moderná grafika má svojich fanúšikov a fajnšmekrov. Grafické kresby si ľahko kúpia mnohí amatéri a zberatelia. Grafické práce môžu byť tiež veľmi drahé. Grafika nie je lacná a nie je v umení vyvrheľom. Grafika je svoj vlastný úžasný svet vo výtvarnom umení!

Grafika obrázkov! Moderná grafika! Naša galéria obsahuje obrovské množstvo grafických diel umelcov. Existujú grafické diela pre každý vkus. Pozrite sa bližšie na naše grafické práce. Grafika je akousi kúzelnou vílou moderného umenia, ale grafika je krásna sama o sebe. Dobrá grafická kresba alebo grafická kompozícia môže ozdobiť každý interiér svojou nádhernou aurou!
Grafika obrázkov! Maľovanie grafiky je skvelé!

Už dlho plánujeme urobiť hodnotenie najdrahších diel na papieri umelcov z orbity ruského umenia. Najlepším motívom sa nám ukázal nový rekord v ruskej grafike – 2,098 milióna libier za kresbu Kazimíra Maleviča 2. júna

Pri zverejňovaní našich hodnotení sa naozaj radi zdržiavame so všetkými druhmi výhrad, aby sme upozornili na možné otázky. Takže prvá zásada: iba originálna grafika. Po druhé: podľa databázy stránky používame výsledky predajov otvorených aukcií pre diela umelcov zaradených na obežnú dráhu ruského umenia (možno boli predaje v galériách za vyššie ceny). Po tretie: Samozrejme, bolo by lákavé dať 3,7 milióna dolárov na prvé miesto pre Husatonic Arshila Gorku. Ako viete, on sám sa všetkými možnými spôsobmi snažil byť považovaný za ruského umelca, nevyhýbal sa podvodom, vzal si pseudonym na počesť Maxima Gorkého atď.; v roku 2009 boli Gorkého diela vystavené Ruským múzeom a Treťjakovskou galériou na výstave „Americkí umelci z Ruskej ríše“, zaradili sme ich do databázy výsledkov aukcií AI, ale od nej je hodnotenie ruskej grafiky nespravodlivé z formálnych dôvodov. Po štvrté: jeden hárok - jeden výsledok. Do tohto hodnotenia sme vybrali len diela pozostávajúce z jedného listu; formálny prístup by nás prinútil vziať do úvahy ďalšie tri položky, z ktorých každá bola predaná ako jedna šarža: 122 originálnych kresieb tušom pre „Knihu markízy“ od Konstantina Somova, dva šanóny s 58 kresbami a gvaše pre „The Bratia Karamazovovci“ od FM Dostojevského od Borisa Grigorieva a časť zbierky Jakova Peremena. Po piate: jeden autor – jedno dielo. Ak by sme formálne zobrali prvých 10 podľa ceny (okrem výsledkov Gorky a prefabrikovaných sérií), potom by bolo päť listov Kandinského, tri Chagall a po jednom Malevič a Serebryakova. nuda. Po šieste: analyzujeme obdobie od roku 2001 po súčasnosť. Po siedme: cenový rating bol zostavený v dolároch, výsledky v iných menách boli prepočítané na doláre kurzom v deň obchodovania. Po ôsme: všetky výsledky sú uvedené s prihliadnutím na províziu predajcu.

Kresba Kazimíra Maleviča „Sedliacka hlava“, ktorá je prípravnou skicou k stratenému obrazu „Sedliacky pohreb“ v roku 1911, sa celkom očakávane stala top lotom ruskej aukcie Sotheby's 2. júna 2014 v Londýne. Malevichove diela sa na trhu s umením objavujú veľmi zriedkavo, „The Peasant's Head“ je prvým dielom daným do aukcie od predaja „Suprematist Composition“ za 60 miliónov dolárov v Sotheby's v roku 2008 a je jednou z posledných významných vecí umelca. v súkromných zbierkach. Tento náčrt bol jedným zo 70 diel, ktoré umelec vystavil v Berlíne v roku 1927, a potom ich nechal v Nemecku, aby ich zachránil pred zákazom a umelým zabudnutím, ktoré by ich v Rusku nevyhnutne čakalo. Dielo prišlo na aukciu v Sotheby’s z nejakej mocnej nemeckej súkromnej zbierky ruskej avantgardy. Takmer všetky časti tejto kolekcie boli preč s prebytkom odhadu, ale Malevichova kresba jednoducho nemala konkurenciu. Za neho dali trikrát vyšší odhad - 2,098 milióna libier. Ide o jednoznačne najdrahšie grafické dielo ruského umelca.

Zoznam najdrahších grafických diel Wassily Kandinsky zahŕňa až 18 originálnych kresieb v hodnote vyše milióna dolárov. Jeho akvarely vo svojom abstraktnom posolstve nie sú o nič horšie ako maľby. Pripomeňme, že práve z grafického diela Kandinského - "Prvý abstraktný akvarel" z roku 1910 - je zvykom počítať dejiny moderného abstraktného umenia. Ako hovorí legenda, raz Kandinskij, ktorý sedel v polotme svojej dielne v Mníchove a hľadel na svoju figurálnu tvorbu, na nej nerozoznal nič okrem farebných škvŕn a tvarov. A potom si uvedomil, že musí opustiť objektivitu a pokúsiť sa zachytiť cez farbu „pohyb duše“. Výsledkom bolo dielo zbavené akéhokoľvek spojenia s vonkajším svetom – „Prvý abstraktný akvarel“ (Paríž, Centrum Georgesa Pompidoua).

Kandinského plátna sú na trhu vzácne a veľmi drahé, no grafika dokonale zapadne do každej kolekcie a bude v nej pôsobiť dôstojne. Produkčnú grafiku si možno dovoliť za niekoľko tisíc dolárov. Ale za originálnu kresbu, ktorá je napríklad náčrtom slávneho obrazu, budete musieť zaplatiť niekoľkonásobne viac. Najdrahší akvarel Untitled (1922) bol predaný počas umeleckého boomu v roku 2008 za 2,9 milióna dolárov.

Marc Chagall bol na svoju dobu nezvyčajne produktívnym umelcom. Dnes Damienovi Hirstovi a Jeffovi Koonsovi pomáha armáda asistentov a Mark Zakharovich sám vytvoril tisíce originálnych grafických diel za 97 rokov svojho života, nehovoriac o dielach v obehu. Naša databáza výsledkov aukcie Chagall obsahuje viac ako 2000 originálnych diel na papieri. Cena tohto umelca neustále rastie a investičné vyhliadky na kúpu jeho diel sú zrejmé - hlavné je, že pravosť diela potvrdzuje Chagallov výbor. V opačnom prípade môže dielo takmer spáliť (presne tým sa Chagallov výbor vyhráža majiteľovi, ktorý nedávno poslal na expertízu do Paríža obraz, ktorý sa ukázal ako falošný). Voľba by sa teda mala robiť len v prospech bezpodmienečne autentickej grafiky. Jeho cena môže dosiahnuť 2,16 milióna dolárov - toľko sa zaplatilo v máji 2013 za kresbu „Horsemen“ (papier na kartóne, kvaš, pastel, farebné ceruzky).

Pastel Ležiaci akt je nielen najdrahším grafickým dielom Zinaidy Serebryakovej, ale aj jej najdrahším dielom vôbec. Téma nahého ženského tela bola jednou z hlavných tém umelcovej tvorby. Akty Serebryakovej sa vyvinuli z obrázkov kúpajúcich sa a ruských krások v kúpeľoch v období ruskej tvorivosti až po ležanie nahé, viac v duchu európskeho umenia v období Paríža. Pri pohľade na krásnu, zmyselnú, idealizovanú nahú Serebryakovú je ťažké si predstaviť, aký tragický bol osud umelkyne - jej manžel zomrel na týfus a nechal ju so štyrmi deťmi v náručí; Musel som žiť z ruky do úst a nakoniec emigrovať do Paríža (ako sa neskôr ukázalo, navždy) a nechať deti v Rusku (vtedy sa podarilo prepraviť do Francúzska len dve, ďalšie dve museli byť oddelené viac ako 30 rokov).

Zinaida Serebryakova vo svojich dielach pestovala dokonalú, večnú, klasickú krásu. Pastel nejakým spôsobom ešte lepšie sprostredkuje ľahkosť a vzdušnosť jej ženských obrazov, v ktorých je takmer vždy niečo zo samotnej umelkyne a jej detí (dcéra Katya bola jednou z jej obľúbených modeliek).

Pomerne veľký pastel Reclining Nude bol zakúpený počas umeleckého boomu v júni 2008 za 1,07 milióna libier (2,11 milióna dolárov). Žiadnemu inému dielu sa odvtedy nepodarilo prekonať tento rekord. Zaujímavé je, že v top 10 predajoch aukcií Zinaida Serebryakova je len nahá a tri diela sú len pastely.

Na londýnskej aukcii Sotheby’s, ktorá sa konala 27. novembra 2012, venovanej maľbe a grafike ruských umelcov, sa v žiadnom prípade nekonala maľba, ale kresba ceruzkou na papieri – „Portrét Vsevoloda Meyerholda“ od Jurija Annenkova. O prácu v sále a na telefónoch sa dohadovalo osem účastníkov. Výsledkom je, že kresba odhadovaná na 30-50-tisíc libier vyšla nového majiteľa niekoľko desiatokkrát drahšie, ako bol odhad. Výsledok 1,05 milióna libier (1,68 milióna dolárov) zo dňa na deň urobil z „Portrétu Vsevoloda Meyerholda“ najdrahšiu grafiku autora a obsadil tretie miesto v rebríčku najvyšších aukčných cien za Annenkovove diela vôbec.

Prečo bol o portrét taký veľký záujem? Annenkov je geniálny maliar portrétov, ktorý zanechal obrazy najlepších postáv éry - básnikov, spisovateľov, režisérov. Okrem toho bol veľmi talentovaný na grafiku: jeho spôsoby spájali techniky klasickej kresby s avantgardnými prvkami kubizmu, futurizmu, expresionizmu.. Uspel ako divadelný a filmový výtvarník, ako ilustrátor kníh. Pozornosť verejnosti určite upútala aj osobnosť modelky na portréte – slávneho režiséra Vsevoloda Meyerholda. A aby toho nebolo málo, táto kresba pochádza zo zbierky skladateľa Borisa Temkina, rodáka z Kremenčugu, ktorý emigroval do USA a stal sa slávnym americkým skladateľom, štvornásobným držiteľom Oscara za hudobné pôsobenie v kinematografii.

Jeden z hlavných umelcov združenia World of Art, Lev (Leon) Bakst, samozrejme, mal byť na našom zozname komerčne najúspešnejších grafikov. Jeho nádherné divadelné diela - náčrty kostýmov pre najlepších tanečníkov tej doby, kulisy pre predstavenia - nám dnes dávajú predstavu o tom, aké nádherné divadlo boli Diaghilevove ruské ročné obdobia.

Bakstovo najdrahšie grafické dielo, Žltá sultána, vzniklo v roku, keď Diaghilevov balet prvýkrát absolvoval turné po Spojených štátoch. V tom čase bol Bakst už známym umelcom, rozpoznateľný štýl jeho divadelných diel sa stal značkou, jeho vplyv je viditeľný v móde, interiérovom dizajne a šperkoch. Zmyselný akt „The Yellow Sultana“, ktorý vyrástol z jeho divadelných skečov, spôsobil tvrdý boj medzi týmito dvoma telefónmi na aukcii Christie's 28. mája 2012. Výsledkom bolo číslo 937 250 libier ( 1 467 810 dolárov) s prihliadnutím na províziu, napriek tomu, že odhad bol 350-450 tisíc libier.

Svet ušľachtilých hniezd, hmlových zámockých parkov a pôvabných slečien, prechádzajúcich sa uličkami, ktoré miznú do zabudnutia, sa objavuje v dielach Viktora Elpidiforoviča Borisova-Musatova. Niektorí jeho štýl nazývajú „elégia v maľbe“, vyznačuje sa zasnenosťou, tichou melanchóliou, smútkom za minulou dobou. Pre Borisova-Musatova boli šľachtické majetky súčasným svetom, ale v jeho znázorneniach tohto sveta je niečo nadpozemské, tieto parky, verandy a rybníky akoby umelec sníval. Zdalo sa, že tuší, že tento svet už čoskoro nebude a on sám už nebude (umelca mu vo veku 35 rokov vzala vážna choroba).

Victor Borisov-Musatov uprednostňoval pastely a akvarely pred olejomaľbou, dodávali mu potrebnú ľahkosť ťahu a oparu. Vystúpenie jeho pastelov „Posledný deň“ na ruskej aukcii Sotheby's v roku 2006 bolo udalosťou, pretože hlavné diela Borisova-Musatova sú v múzeách a len asi tucet diel sa dostal do otvorenej aukcie pre všetky čas. Pastel "Posledný deň" pochádza zo zbierky V. Nápravnika, syna ruského dirigenta a skladateľa Eduarda Nápravnika. Tento pastel bol zobrazený na „Portréte Márie Georgievny Napravnik“ od Zinaidy Serebryakovej, ktorý je teraz uložený v Chuvash Art Museum. V monografii „Borisov-Musatov“ (1916) NN Wrangel spomína „Posledný deň“ v zozname umelcových diel. Skutočná vec teda nepochybne dosiahla rekordnú cenu pre umelca 702 400 libier alebo 1 314 760 dolárov.

Alexander Deineka bol geniálny grafik, v počiatočných fázach kariéry ho grafika lákala ešte viac ako maľba, predovšetkým svojím propagandistickým potenciálom. Umelec veľa pracoval ako ilustrátor kníh a časopisov, tvoril plagáty. Neskôr ho táto „časopisecko-plagátová tvorba“ omrzela, začal sa čoraz viac venovať maľbe, monumentálnej tvorbe, no nadobudnuté zručnosti kresliča sa ukázali ako veľmi užitočné – napríklad pri tvorbe prípravných náčrtov k obrazom. "Dievča viažuce stuhu na hlave" - ​​náčrt k obrazu "Kúpač" (1951, zbierka Štátnej Treťjakovskej galérie). Ide o najdrahšie dielo Deineky, ktoré dnes patrí do neskorého obdobia tvorivosti, keď sa už umelcov štýl z avantgardných hľadísk 20. a 30. rokov výrazne rozvinul smerom k socialistickému realizmu. Ale Deineka bola v socialistickom realizme úprimná. Sila a krása zdravého ľudského tela je jednou z Deinekiných obľúbených tém. "Dievča viažuce stuhu" nás odkazuje na jeho nahú, podobne ako grécke bohyne - sovietske Venuše, ktoré nachádzajú šťastie v práci a športe. Ide o kresbu učebnice Deineka, a preto niet divu, že sa na aukcii Sovcom predala za rekordných 27 500 000 rubľov (1 012 450 dolárov).

Boris Dmitrievich Grigoriev emigroval z Ruska v roku 1919. V zahraničí sa stal jedným z najznámejších ruských umelcov, no zároveň sa vo svojej vlasti na dlhé desaťročia zabudlo a jeho prvé výstavy v ZSSR sa uskutočnili až koncom 80. rokov. Dnes je však jedným z najžiadanejších a vysoko oceňovaných autorov na ruskom umeleckom trhu, jeho diela, obrazové aj grafické, sa predávajú za státisíce a milióny dolárov. Umelec bol mimoriadne pracovitý, veril, že zvládne akúkoľvek tému, akúkoľvek zákazku.

Asi najznámejšie sú jeho cykly „Race“ a „Tváre Ruska“ – duchom veľmi blízke a líšia sa len tým, že prvý vznikol ešte pred emigráciou a druhý už bol v Paríži. V týchto cykloch vidíme galériu typov („tvárí“) ruského sedliactva – starci, ženy, deti zachmúrene hľadia na diváka, priťahujú pohľad a zároveň ho odsúvajú. Grigoriev sa v žiadnom prípade neprikláňal k idealizácii alebo prikrášľovaniu tých, ktorých napísal, naopak, obrazy niekedy privádza do grotesky. Jedna z „tvárí“, popravená gvašom a vodovými farbami na papieri, sa stala najdrahším grafickým dielom Borisa Grigorieva: v novembri 2009 za ňu na aukcii Sotheby's zaplatili 986 500 dolárov.

A nakoniec desiaty autor v našom zozname najdrahších diel ruskej grafiky - Konstantin Somov. Syn kurátora zbierok Ermitáž a hudobník, láska k umeniu a všetkému krásnemu bola vštepovaná od detstva, po štúdiu na Akadémii umení u Repina sa Somov čoskoro ocitol v spoločnosti Svet umenia, ktorá podporovala kult. krásy jemu blízkej. Najmä táto túžba po dekoratívnosti a „krásnosti“ sa prejavila v jeho početných kresbách založených na obrazoch galantskej éry, o ktoré sa zaujímal v tvorbe iných svetových umelcov (Lancer, Benois). „Somovskí“ markizáci a galantní páni na tajných rande, scény spoločenských recepcií a maškarád s harlekýnmi a dámami v parochniach odkazujú na estetiku baroka a rokoka.

Ceny Somovových diel na trhu s umením začali od roku 2006 rásť fenomenálnym a nie vždy pochopiteľným tempom, niektoré jeho obrazy prekonali odhady 5, ba až 13-krát. Jeho obraz stojí milióny libier. Pokiaľ ide o grafiku, tu je zatiaľ Somovov najlepší výsledok 620 727 dolárov - to je len jedna z kresieb "galantnej" série "Maškaráda".

22. apríla 2010 sa v Sotheby’s v New Yorku predalo 86 diel – malieb a kresieb – od takmer dvoch desiatok autorov ako jedna šarža číslo 349. Tento predaj mimochodom vnáša zmätok do aukčných štatistík tých umelcov, ktorých diela boli zaradené do tejto položky. Áno, zbierka je sama o sebe veľmi cenná, má za sebou dlhú, zložitú a tragickú históriu a na jednej strane je dobré, že sa zbierka dostala do rovnakých rúk. Ale na druhej strane, ak sa majiteľ jedného dňa rozhodne jednotlivé diela predať, tak pre väčšinu autorov žiadna cenová hladina jednoducho neexistuje. Po ohlušujúcej „delostreleckej príprave“, ktorá predchádzala predaju zbierky, sa mohla objaviť, ale nie a pri ďalšom predaji by fungovala v obrovskom mínuse.

) vo svojich expresívnych zametacích prácach dokázala zachovať priezračnosť hmly, ľahkosť plachty, hladké hojdanie lode na vlnách.

Jej obrazy sú nápadné svojou hĺbkou, objemom, sýtosťou a textúrou je taká, že z nich nemožno spustiť oči.

Teplá jednoduchosť Valentina Gubarev

Primitívny umelec z Minska Valentin Gubarev nehľadá slávu a robí len to, čo miluje. Jeho tvorba je v zahraničí šialene populárna, no pre jeho krajanov takmer neznáma. V polovici 90. rokov sa Francúzi zamilovali do jeho každodenných náčrtov a podpísali s umelcom zmluvu na 16 rokov. Snímky, ktoré, ako sa zdá, by mali byť zrozumiteľné len nám, nositeľom „skromného kúzla nerozvinutého socializmu“, sa páčili európskej verejnosti a začali sa výstavy vo Švajčiarsku, Nemecku, Veľkej Británii a ďalších krajinách.

Zmyselný realizmus Sergeja Marshennikova

Sergej Marshennikov má 41 rokov. Žije v Petrohrade a tvorí v najlepších tradíciách klasickej ruskej školy realistického portrétu. Hrdinkami jeho plátien sú jemné a bezbranné ženy vo svojej polonahote. Mnohé z najznámejších obrazov zobrazujú umelcovu múzu a manželku Natalyu.

Krátkozraký svet Philipa Barlowa

V modernej dobe obrazov s vysokým rozlíšením a rozkvetu hyperrealizmu dielo Philipa Barlowa okamžite upúta pozornosť. Od diváka sa však vyžaduje určité úsilie, aby sa prinútil pozrieť sa na rozmazané siluety a svetlé miesta na plátnach autora. Pravdepodobne takto ľudia s krátkozrakosťou vidia svet bez okuliarov a kontaktných šošoviek.

Slnečné zajačiky Laurenta Parselliera

Obraz Laurenta Parceliera je úžasný svet, v ktorom nie je ani smútok, ani skľúčenosť. Nenájdete u neho pochmúrne a upršané obrázky. Na jeho plátnach je veľa svetla, vzduchu a jasných farieb, ktoré umelec aplikuje charakteristickými rozpoznateľnými ťahmi. To vytvára pocit, že obrazy sú utkané z tisícky slnečných lúčov.

Dynamika mesta v dielach Jeremyho Manna

Americký umelec Jeremy Mann maľuje dynamické portréty modernej metropoly olejom na drevené dosky. „Abstraktné tvary, línie, kontrast svetlých a tmavých škvŕn – to všetko vytvára obraz, ktorý navodzuje pocit, ktorý človek zažíva v dave a ruchu veľkomesta, ale dokáže vyjadriť aj pokoj, ktorý človek nachádza pri rozjímaní nad tichou krásou,“ hovorí umelec.

Iluzívny svet Neila Simona

Na obrazoch britského umelca Neila Simonea nie je všetko také, ako sa na prvý pohľad zdá. „Svet okolo mňa je pre mňa sériou krehkých a neustále sa meniacich tvarov, tieňov a hraníc,“ hovorí Simon. A na jeho obrazoch je naozaj všetko iluzórne a prepojené. Hranice sú odplavené a pozemky sa vlievajú do seba.

Milostná dráma od Josepha Lorassa

Súčasný americký umelec Joseph Lorusso, rodený Talian, prináša na plátno výjavy, ktoré videl v každodennom živote obyčajných ľudí. Jeho emotívne obrazy napĺňajú objatia a bozky, vášnivé impulzy, chvíle nežností a túžob.

Život na dedine Dmitrija Lyovina

Dmitrij Levin je uznávaným majstrom ruskej krajiny, ktorý sa etabloval ako talentovaný predstaviteľ ruskej realistickej školy. Najdôležitejším zdrojom jeho umenia je jeho pripútanosť k prírode, ktorú vrúcne a vášnivo miluje a ktorej sa cíti byť súčasťou.

Svetlý východ Valeryho Blokhina

Na východe je všetko iné: rôzne farby, iný vzduch, iné životné hodnoty a realita sú báječnejšie ako fikcia - to je názor moderného umelca Valeryho Blokhina. V maľbe Valery zo všetkého najviac miluje farby. Jeho práca je vždy experimentom: nepochádza z figúry, ako väčšina umelcov, ale z farebnej škvrny. Blokhin má svoju vlastnú špeciálnu techniku: najprv aplikuje abstraktné škvrny na plátno a potom dokončí realitu.

Umenie grafiky je rôznorodé. Zahŕňa politické plagáty a kresby v novinách a časopisoch, knižné ilustrácie a karikatúry, priemyselnú úžitkovú grafiku a filmovú reklamu. Jeho veľkú časť tvorí stojanová grafika - kresby a rytiny, vyhotovené samostatne, mimo špeciálne praktické účely. Nazýva sa tak analogicky s maliarskym stojanom, ktorého diela umelec vytvára na špeciálnom stroji - stojane; slovo „grafika“ pochádza z gréckeho grapho (grafo) – píšem, kreslím. Samozrejme, stojanová grafika nie je úplne bez účelu. Pri riešení štetca, ceruzky alebo rezačky rytca má umelec vždy jasný cieľ. Snaží sa sprostredkovať ľuďom svoje myšlienky a pocity, svoje chápanie života, utvrdzovať v ňom hodných a trestať negatívne, ukázať úžasnú, skrytú krásu sveta, ktorú videl iba on. Zároveň však autor stojanovej kresby alebo rytiny nie vždy sleduje svojou tvorbou agitačný alebo obviňujúci cieľ, ako majster plagátov a karikatúr, nevykonáva reklamné alebo úžitkové úlohy, ako umelci plagátov a priemyselných grafika, jeho obrazy sa napokon nespájajú s literárnymi hrdinami a situáciami, ako v dielach ilustrátorov.

Rovnako tak majstri maliarskeho a sochárskeho stojana, na rozdiel od monumentálnych maliarov a dekoratérov, vytvárajú samostatné diela, ktoré nie sú spojené so žiadnym umeleckým súborom – budovou, miestnosťou, námestím, parkom atď.

Grafika na stojane má veľa spoločného s maľbou na stojane. Aj keď sú ich popredné umelecké prostriedky odlišné, oba tieto druhy umenia majú veľké a v mnohom podobné možnosti zobrazenia prírody, ľudí, všetkého bohatstva materiálneho sveta. Rôzne aspekty života človeka, ktorý bol vždy v centre pozornosti umenia, nabádali k tomu, aby sa do neho pridali jeho rôzne žánre - portrét, krajina, každodenná alebo bojová kompozícia, zátišie atď. Tieto žánre existujú tak v sovietskej maľbe, ako aj v v sovietskej grafike. Svet ľudskej duše je zobrazený s osobitnou hĺbkou v početných maliarskych, sochárskych a grafických dielach. Pre túto psychológiu, pre mnohostranný a veľký rozhovor s divákom o človeku si ceníme najmä stojanové umenie.

Majúc veľa spoločného s maľbou, stojanová grafika, zároveň sa spôsobom prevedenia - hlavne na papieri - technikami kresby a rytia blíži všetkým ostatným druhom grafiky. Rovnako ako celá rodina grafiky sa vyznačuje porovnateľnou rýchlosťou vykonávania vecí, ako aj dobrými príležitosťami na ich reprodukciu. Vďaka tomu má grafika po prvé veľké dáta, aby bola aktuálnym umením, rýchlo reagujúcim na dianie vo verejnom živote, umením žijúcim v rytme moderny. Tieto možnosti obsiahnuté v rozvrhu, ako uvidíme neskôr, jeho remeselníci dokonale využili viac ako raz. Po druhé, keďže grafický list je ako celok vyhotovený rýchlejšie ako maľba či socha (hoci od grafika sa vyžaduje nemenej duševná sila, talent a zručnosť), zachováva si zvláštnu bezprostrednosť komunikácie s prírodou, možnosť prežiť ju. fixácia. Ak k tomu pripočítame, že technika vykonávania grafických prác je veľmi rôznorodá, ideová a estetická bohatosť tohto druhu umenia je zrejmá.

Pozorného diváka grafických diel čaká množstvo zaujímavostí. Nie hneď, postupne sa mu odhaľuje originalita a krása každej grafickej techniky - striebristá čistota kresby grafitovou ceruzkou a zamatová čiernosť talianskej ceruzky, precízna plynulosť perových kresieb tušom alebo tušom, nežnosť pastelu. a sangvinik. Postupne sa učíme oceňovať bohatú škálu šedých a čiernych odtieňov, ktoré sú k dispozícii na kreslenie uhlíkom, omáčkou, čiernym akvarelom alebo tušom, priehľadnú ľahkosť farebných akvarelov a ťažší, materiálny jazyk gvaše. Fascinuje nás pestrý a flexibilný jazyk drevorytov, zovšeobecnené a lakonické formy linorytu, výrazný šerosvit a hĺbka farby v lepte, voľná litografická kresba ceruzkou bohatá na farebné odtiene, jemná modelácia.

Umelci často pracujú aj so zmiešanými médiami, pričom vo svojich dielach kombinujú napríklad drevené uhlie, kriedu a nejaký druh ceruzky alebo akvarel a pastel, akvarel a gvaš atď.

Tak v litografii, ako aj v technikách rytia divák vidí konečný výsledok umelcovej práce - tlač alebo odtlačok, inak povedané - tlač. Z jednej dosky alebo kameňa sa dá získať veľa takýchto výtlačkov a všetky sú rovnako originálnymi umeleckými dielami. Táto vlastnosť výtlačkov - ich pomerne veľký obeh pri zachovaní všetkých umeleckých zásluh - je pre nás obzvlášť cenná.

V súčasnosti sa do umenia zapájajú čoraz širšie kruhy sovietskeho ľudu. V grafike nachádzajú všetku plnosť myšlienok a estetických zážitkov, ktoré prináša skutočné veľké umenie, a zároveň grafika nie je vzdialeným muzeálnym kúskom, ktorý vidíme len občas, ale vecou, ​​s ktorou krása vstupuje do nášho domova, do každodenného života. .

Sovietska stojanová grafika je rozsiahlou oblasťou nášho umenia, ktorej história ešte nebola napísaná, ktorá zahŕňa nádherné stránky veľkých umeleckých rešerší a úspechov. Má svoje vlastné skvelé tradície v ruskom umení aj v mnohých iných národných umeleckých školách. Takmer všetci najväčší maliari minulosti boli aj veľkými majstrami kresby a akvarelu. Akvarely Alexandra Ivanova a K. Bryullova, početné kresby a akvarely Repina, grafiky V. Serova a Vrubela - to sú majstrovské diela nášho umenia plné večného šarmu. Litografia vznikla v Rusku na začiatku 19. storočia ako demokratické umenie, ktoré ľuďom prinášalo obrazy a myšlienky umelcov. Má rada Kiprenskyho, Orlovského, Venetsianova, neskôr Perova, Šiškina, Vl. Makovského, Levitana a ďalších umelcov. V štyridsiatych rokoch XIX storočia Shchedrovsky v albume „Tu sú naši“ ukazuje divákovi reklamu, remeselníkov, ľudové typy. Bola to prvá skúsenosť s vytváraním farebnej litografie v ruskom umení. Poprední umelci minulého storočia oceňujú umenie rytia pre jeho relatívne väčšiu ľudovú dostupnosť, pre to, že približuje ich tvorbu publiku ľudového publika. Klasik ukrajinskej poézie a umelec TG Ševčenko, ktorý pracoval v lepte, v roku 1857 napísal: "Zo všetkých výtvarných umení mám teraz najradšej rytie. A nie bezdôvodne. Byť dobrým rytcom znamená byť distribútorom krása a spoločnosť“. Shishkin bol tiež nadšencom leptu. I.E. Repin sa opakovane venoval rôznym technikám rytia. V litografii, lepte a kresbe minulého storočia sa rozvíja celá rôznorodosť žánrov - každodenný život, historické výjavy, portrét a krajina.

V grafike začiatku 20. storočia, tak ako v každom umení, dochádza k zložitému prelínaniu niekedy protichodných tendencií. Udalosti revolúcie z roku 1905 zachytávajú grafiku časopisov s osobitnou silou, ale nachádzajú ozvenu aj v stojanových predmetoch - leptach od S. Ivanova, v pasteloch od V. Serova, šokovaného svedka cárskeho zásahu proti robotníkom. V týchto dielach, ako aj v Kasatkinových obrazoch baníkov, robotníkov, študentov, v kresbách S. Korovina zobrazujúcich vojakov, na stránkach Sergeja Ivanova venovaných chudobným migrantom je charakteristický záujem o vyspelé ruské umenie u pracujúceho človeka a jeho súcitu. pre ťažký a často tragický osud. Ale v harmonograme týchto desaťročí je tiež tendencia vzďaľovať sa od zložitosti a rozporov sociálnej reality. V niektorých prípadoch táto tendencia vtláča dielam umelcov pečať akejsi pasívnej kontemplácie, inokedy umelcov privádza v ich tvorbe do vzdialených a pre široké publikum cudzích palácových sál a parkov. Krajina je takmer popredným žánrom v predrevolučnej grafike. Pôsobia v ňom takí veľkí majstri ako A. Ostroumova-Lebedeva, V. Falileev, K. Yuon, I. Nivinsky, I. Pavlov, E. Lansere a ďalší. Jemne vidia krásu mnohostrannej prírody, jej rôznych stavov, poéziu architektúry v jej vzťahu ku krajine. Tento obdiv ku kráse sveta je hlavnou večnou náplňou ich diel, ktorá nás vzrušuje dodnes. Ale niekedy je v ich plachtách cítiť nádych kontemplácie.

V predrevolučnej ryteckej, časopiseckej a knižnej ilustrácii sa viac ako v iných formách umenia prejavil vplyv spolku Svet umenia, možno aj preto, že mnohí jeho členovia boli grafici na vysokej profesionálnej úrovni. Z týchto umelcov do tejto spoločnosti patrili Ostroumova-Lebedeva a Lanceray. Všetko najlepšie z ich tvorby sa však formovalo aj napriek estetickým zásadám teoretikov Sveta umenia, ktorí presadzovali od života vzdialené „čisté umenie“. Maľby, akvarely a kresby hlavných postáv „Sveta umenia“ A. Benoisa, K. Somova a ďalších vzkriesili galantný a neživý svet dvorského života minulých epoch, boli sofistikovanou a poučenou hrou histórie. V predrevolučnom harmonograme tak vznikajú diela presýtené všetkou drámou spoločenských rozporov, objavuje sa masa komorných lyrických krajiniek a zároveň prekvitá retrospektivizmus, teda odklon od moderny, estetiky tzv. svet umenia.

V prvých rokoch po revolúcii sa vzhľad stojanovej grafiky zmenil len málo. Tieto drsné roky boli časom hlasitého bojového umenia plagátu, agitačnej monumentálnej plastiky, nového umenia výzdoby masových sviatkov. Na pozadí rýchleho rozvoja týchto druhov umenia vyzerá stojanová grafika na prvý pohľad obzvlášť tradične. Pôsobia tu v podstate rovnakí majstri ako v predrevolučných rokoch a ich tvorba, do značnej miery už determinovaná, neprechádza hneď a rýchlo zložitými zmenami spojenými s vplyvmi novej reality. Krajina a portrét sa stali vedúcimi žánrami stojanovej grafiky. Umelci s láskou zobrazujú starobylé zákutia miest, pozoruhodné architektonické pamiatky, večnú krásu prírody, ktorá nepodlieha spoločenským búrkam. V ich dielach je veľa podmanivej zručnosti, pokojného obdivu ku kráse sveta. Ale tento uzavretý svet retrospektívnej krajiny, obrátený do minulosti, sa zdá byť ohradený neviditeľnou stenou od udalostí odohrávajúcich sa v krajine.

Diela všedného žánru, ktorých vzniklo málo, zobrazujú ten istý tichý a skromný život, nedotknutý žiadnymi spoločenskými otrasmi, jednoduchú domácu prácu.

Grafike týchto rokov dominujú rytiny a litografie; kresba a vodové farby sú zriedkavé. Krajinky a portréty často vychádzajú v albumoch rytín, pričom ide o málonákladné a drahé edície pre pár fajnšmekrov.

Portrétne diela sa vyznačujú komornosťou. Modelmi portrétistov sú zvyčajne maliari, spisovatelia, herci, teda dosť úzky okruh ľudí duchovne blízkych autorovi. Ich vnútorný svet sa odhaľuje jemne a opatrne, ale ešte nie na úrovni veľkých zovšeobecnení, ktoré budú neskôr dostupné sovietskemu umeniu.

A iba v portrétoch N. Andreeva, najmä v jeho obrazoch V. I. Lenina, portrétny žáner v grafike okamžite nadobúda nové kvality, zovšeobecňujúcu silu, verejný zvuk. Tieto kresby sú právom zaradené medzi najlepšie úspechy sovietskeho umenia a dnes nás obdivujú a podieľajú sa na našom živote. No za roky svojho vzniku boli tieto listy akoby svetlou výnimkou, len potvrdzujúcou pravidlo – teda všeobecnú komornosť väčšiny portrétnych diel. Zoznámenie sa so sovietskou stojanovou grafikou začneme Andreevovými kresbami, akoby predbehli svoju dobu.

Pre N. Andreeva (1873 - 1932), slávneho sochára, autora moskovských pamätníkov Gogoľa, Ostrovského, pamätníka slobody, bola kresba nielen nevyhnutnou prípravnou etapou práce, ale aj samostatnou tvorivou oblasťou. Začiatkom 20. rokov 20. storočia predviedol veľké množstvo grafických portrétov - Dzeržinského, Lunacharského, Gorkého, Stanislavského, umelcov umeleckého divadla a ďalších.

Muž v celej celistvosti svojej postavy - to bolo to, čo zaujímalo Andreeva ako portrétistu. V jeho listoch je vnútorný svet modelu načrtnutý jasne, sebavedomo, podrobne, ale bez poltónov a bohatosti odtieňov. Keď sa zoznámime s portrétmi Andreeva, zdá sa, že získame súhrn veľmi presných, overených poznatkov o ľuďoch na nich zobrazených. Práve jasnosť tohto poznania je akýmsi pátosom Andreevovej tvorby a spôsob, akým sa portréty robia, sa mu podriaďuje.

Veľa týmto spôsobom pochádza zo sochárskej vízie formy od umelca. Ide o zdôraznenú plasticitu vzoru, obligátne hľadanie výraznej siluetovej línie, ale aj tuhosť farby, absenciu zmyslu pre vzdušné prostredie. Ale hlavná vec tu bola pozitívna, ktorá dala Andreevovmu sochárskemu talentu - schopnosť vidieť model ako celok, hlavnú vec v obryse hlavy, vidieť charakteristický vzhľad, očistený od náhodných línií a zákrut. Táto celistvosť siluety v kombinácii s najpodrobnejším prepracovaním tváre, najmä očí, tvorí umelcovu osobitú manieru. Dobre slúžila v rukách Andreeva sangvinika, pastelov, farebných ceruziek, ako aj uhlia alebo talianskej ceruzky, ktorá načrtla hlavné objemy.

Rovnakým spôsobom Andreev predviedol niekoľko VILeninových portrétov, ktoré sú súčasťou jeho slávnej Leniniana - veľkého cyklu náčrtov, kresieb, náčrtov a sôch, ktorých tvorba bola hlavnou činnosťou Andreevovho života počas rokov sovietskej moci. . Andrejevove portréty Lenina sú pre nás nielen vecami talentovaného umelca, ale aj vzácnym zjavením očitého svedka, človeka, ktorý Lenina opakovane pozoroval na kongresoch a kongresoch a v jeho kremeľskej kancelárii. V procese tejto práce urobil Andreev veľa zbežných náčrtov, ale existujú iba tri dokončené kresliace portréty; umelec si bol dobre vedomý zložitosti a špecifickosti ich úloh pri zdanlivo možnej rýchlosti vykonávania.

Na jednom z týchto portrétov mierne prižmúrenie Leninových očí, sotva badateľný úsmev vdýchli do obrazu život, vytvorili obraz plný ľudského tepla. Zároveň v portréte žije zmysel pre spoločenský význam obrazu vodcu, a preto je tento list obsahovo taký nový pre umenie grafického portrétu tých rokov (obr. 1).

Tému Lenina - vodcu más s ešte väčšou silou a výrazom - rozvinul Andreev v profilovom portréte V.I. Lenina, často datovanom na začiatok 20. rokov 20. storočia. Impulz a energia tohto inšpirovaného obrazu, jeho vznešené hrdinstvo si získavajú srdcia. Zároveň sa tu chápanie historickej úlohy V.I.Lenina vyznačuje takou zrelosťou, že sa zdá, že toto dielo Andreeva výrazne predbieha umenie začiatku 20. rokov 20. storočia. Pri všetkom bohatstve a výdobytkoch umenia týchto rokov v ňom nenájdeme také precítenie rozsahu Leninových činov, rozmach Leninovho myslenia, také historické chápanie jeho obrazu. A zdá sa byť pravdivý nedávny predpoklad bádateľky Leniniana L. Trifonovej, že portrét, ktorý sa stal známym až v 30. rokoch, nevznikol začiatkom 20. rokov, ale neskôr. Lakonický jazyk a vnútorná zmysluplnosť dodávajú tomuto listu skutočnú monumentalitu. Nie nadarmo je tento portrét dnes známy širokému publiku nielen z mnohých reprodukcií: je zhotovený v mozaike, kreslí sa do H:t panelu pri zdobení sviatkov. Zväčšená do obrovskej veľkosti nestráca kresba nič na svojej lakonickej výraznosti,

GS Vereisky (nar. 1886) pôsobil od prvých rokov formovania sovietskej grafiky aj v oblasti portrétnej tvorby. Moment posúdenia spoločenského významu človeka bude následne zaujímať dôležité miesto v jeho veciach, ale cesta umelca k tomuto a najmä povaha jeho prvých diel bola iná ako cesta Andreeva. GS Vereisky získal prvé umenie v súkromnom ateliéri v Charkove, študoval na univerzite, zúčastnil sa študentského revolučného kruhu a revolučných udalostí v roku 1905, v súvislosti s tým väzenie a potom niekoľko rokov emigrácie - to sú niektoré momenty životopisu umelca. Od roku 1918 Vereisky niekoľko rokov pracoval v oddelení rytín v Ermitáži. Prišiel tam už s významnými informáciami z dejín svetového umenia, pričom jeho dlhoročné pôsobenie v Ermitáži ho v tomto smere ešte viac obohatilo. Nie kniha, ale živá znalosť majstrovských diel svetového umenia zanechala svoju stopu na tvorivom obraze umelca; veľká kultúra, noblesa, jednoduchosť, za ktorou sa skrýva náročnosť, odlišujú jeho početné diela. Vereisky začínal s portrétmi vyrobenými litografiou, a hoci ho dnes poznáme ako vynikajúceho kresliara a leptača, najviac sa mu darilo v oblasti litografie.

Vereisky sa od začiatku svojej tvorby vyznačoval vernosťou k prírode, pozorovaním. Preto sa možno dlhá cesta tohto umelca v umení zdá na prvý pohľad vyrovnaná a pokojná. V skutočnosti sa vyznačuje neustálym hľadaním, zlepšovaním zručností,

Bereiskyho prvý album „Russian Artists“ bol vydaný v roku 1922. Vidíme tu plne zastúpenú skupinu umelcov Sveta umenia, od zakladateľov až po jeho druhú generáciu. Vereisky dokonale pozná svoje modely a presne vystihuje emocionálne rozpoloženie, charakter každého z umelcov – pochmúrna vážnosť a nepríjemná osamelosť Benoita, neradostné sústredenie Somova, pichľavý výraz, napätie Mitrokhinovho vnútorného života atď. veľa o ľuďoch tu zobrazených, ale v portrétoch Vereiského chýba moment hodnotenia ľudí takpovediac z diaľky, charakteristika je podaná v komornom, intímno-lyrickom pláne a otázka spoločenského významu. o ich činnosti ešte nebola spomenutá. V nasledujúcich albumoch z rokov 1927-1928 Vereisky už presnejšie nachádza prirodzenú a uvoľnenú pózu modelu, kreslí sebavedomejšie a slobodnejšie. Úspešné sú portréty umelcov Golovina, Zamiraillera, architekta Shchuka, kritika Yaremicha, Notgafta. Vereisky dokázal sprostredkovať vnútornú kultúru, živosť mysle, kúzlo veľkého vzdelania, ktoré je vlastné ľuďom, ktorých zobrazuje.

V tridsiatych rokoch 20. storočia Vereisky veľa pracoval na portrétoch pilotov, obdivoval ich odvahu a odvahu a snažil sa zdôrazniť práve tieto vlastnosti v ich charakterizácii. A keď na začiatku druhej svetovej vojny vytvoril portréty statočných účastníkov bitiek pri Fisanovičovi, Meščerskom, Osipovovi a ďalších, vyzerali ako pokračovanie umelcovho príbehu o statočných sovietskych vojakoch, ktorý sa začal dielami z 30. rokov 20. storočia. .

Ale hlavným úspechom Vereisky počas tohto obdobia a ďalej sa stali portréty kultúrnych osobností. Počas vojnových rokov umelec obzvlášť jasne pociťoval, že témou jeho portrétov je kreativita, vzácna a neodcudziteľná schopnosť umeleckého človeka pracovať s tvorivou inšpiráciou aj vo chvíli ťažkých ťažkostí. V týchto listoch sa zdalo, že Vereiského veľká technická zručnosť bola prvýkrát osvetlená hlbokým emocionálnym vzrušením a jeho vždy správne a presné portréty získali živú emocionalitu. Riaditeľ Ermitáže, orientalista IA Orbeli a básnik N, Tichonov boli ním namaľovaní počas obliehania Leningradu; Jeho útrapy sa podpísali na vzhľade týchto ľudí, no napriek podmienkam pracujú a ich tvorivá hĺbka sa prejavuje hmatateľne a jasne. Rovnakú poéziu inšpirovaných hľadaní nájdeme aj v portrétoch umelca EE Lansereho, dirigenta EA Mravinského, maliara T. N. Yablonskaja (obr. 2). Opäť sú tu zastúpené kultúrne osobnosti rôznych profesií, no ako sa zmenil ich vnútorný svet, ich zanietená oddanosť umeniu dostala nový význam. Niekdajšie uzavretie Vereiského diel sa vytráca a v jeho portrétoch z rokov 1940-1950 zaznieva v plnej sile otázka spoločenskej úlohy umenia. Metódy jeho psychologického písania sa nestali odlišnými, ale iba presnejšími, ale z bežnej svedomitej pravdivosti jeho vlastností, kontúr veľkej vnútornej blízkosti ľudí, ktorých zobrazoval, blízkosti v hlavnej veci - v pochopení významu jeho práca sa zdalo byť sama sebou.

Pri vyslovení mena G. S. Vereisky sa nám často okamžite vybavia diela M. S. Rodionova (1885 - 1956) - umelca, ktorého umenie bolo v mnohom vnútorne blízke G. S. Vereyskému. A hlavné oblasti práce - portrét a krajina (ktoré Vereisky tiež robil veľa) a prísna krása správania a ohľaduplnosť pri štúdiu prírody boli medzi týmito umelcami bežné. Séria portrétov vedcov a umelcov - Abrikosova, Baranova, Vesnina a ďalších - realizovaná MSRodionovom v rokoch 1944-1946, tiež v technike litografie, dláždi cestu v našej grafike serióznej, bez vonkajšej okázalosti, silnej vnútornej pravdivosť portrétneho umenia, ktorú načrtávajú aj diela G. S. Vereiského.

Diela Vereiského a Rodionova nás odviedli ďaleko od prvých porevolučných rokov. Keď sa k nim vrátime, musíme okruh nám už známych portrétnych diel doplniť o diela B.M.Kustodieva (1878 - 1927). Veľký maliar Kustodiev veľa pracoval v grafike. Zaujímavý je portrét F.I.Šaljapina, ktorý zrealizoval v roku 1921 vodovými farbami a ceruzkami. Ak sa v prvej verzii tohto portrétu zdá, že tlač každodenného života zhasína vnútorné svetlo v osobe Chaliapina, potom umelec vytvára komplexný a zároveň presvedčivý obraz; dá sa vycítiť talent, šírka, elegancia a nejaký druh tajnej meditácie (obr. 3).

Druhým rozšíreným žánrom v grafike 20. rokov bola krajina. Jedným z jeho najväčších majstrov bola A.P. Ostroumova-Lebedeva (1871 - 1955). Čoskoro prebudený záujem o umenie ju priviedol na Stieglitzovu školu technického kreslenia, kde študovala pod vedením vynikajúceho pedagóga a rytca V. V. Mateho, veľkého majstra reprodukcie tónovej rytiny. Kreatívny profil Ostroumovej nebol bezprostredne určený. Po presťahovaní sa na Akadémiu umení tam študovala u rôznych pedagógov a neskôr bola prijatá medzi študentov I.E.Repina. Bola to udalosť, ktorá zanechala stopu vo všetkých ďalších aktivitách umelca. „V hĺbke, v srdci nášho umenia, je každý základný kameň Repinov energický, svieži a večne živý realizmus,“ napísala neskôr Ostroumová. Postupne sa záujem umelca o rytie, a najmä o farebný drevorez, čoraz viac determinuje. Počas svojej cesty do Paríža študovala pekné príklady tohto umenia v rôznych zbierkach. Zo všetkých techník rytia mal drevorez v Rusku začiatkom 20. storočia najmenšiu samostatnú umeleckú hodnotu a existoval hlavne ako spôsob reprodukcie obrazov. Úplne sa zabudlo na farebný drevorez. Preto, keď Ostroumová-Lebedeva predložila Akadémii na súťaž niekoľko svojich rytín, vrátane farebného drevorezu od flámskeho umelca Rubensa Perseus a Andromeda, porota tento list pôvodne zamietla, pretože si ho pomýlila s akvarelom.

Ostroumová-Lebedeva počas svojho dlhého tvorivého života niesla oddanosť drevorytom a akvarelom. O prvom z nich samotná umelkyňa píše s láskou a poéziou:

"Na tomto umení oceňujem neskutočnú výstižnosť a stručnosť prednesu, jeho lakonickosť a vďaka tomu aj číru ostrosť a výraznosť. Na drevoryte oceňujem nemilosrdnú jednoznačnosť a jasnosť jeho línií... Samotná technika neumožňuje pre pozmeňujúce a doplňujúce návrhy a preto nie je priestor na pochybnosti a váhanie pri drevoryte. ...

A aký úžasný je chod nástroja na tvrdom dreve! Doska je tak vyleštená, že pôsobí zamatovo, a na tomto lesklom zlatistom povrchu sa ostré dláto rýchlo beží a celou prácou umelca je udržať ho v medziach svojej vôle!

Je nádherný moment, keď po ťažkej a pomalej práci spojenej s neustálou intenzívnou pozornosťou - aby ste sa nepomýlili - valčekom valčekom valčekom nanášate farbu a všetky čiary, ktoré ste na tabuli nechali, sa začnú lesknúť čiernou farbou a zrazu sa na tabuli objaví kresba.

Vždy ma mrzelo, že po takom oslnivom rozkvete rytia, ktorý bol v 16. a 17. storočí, toto umenie začalo chátrať, stalo sa z neho služba, remeslo! A vždy som sníval o tom, že mu dám slobodu!"

Už v predrevolučných rokoch vytvorila Ostroumová množstvo nádherných diel - pohľady na Petrohrad a jeho okolie, krajinky maľované počas ciest po Taliansku, Španielsku, Francúzsku,

Holandsko. Dôsledná presnosť a lojalita k prírode sa v nich už spája s veľkým darom zovšeobecňovania. Umelec Petersburg je obzvlášť poetický a prenikavý. Mesto pôsobí v jeho plachtách majestátne, plné harmónie a krásy. Štíhlosť kompozície, lineárna čistota, čistota farieb odlišuje jej diela.

Po revolúcii, ktorá v spomienkach umelkyne spôsobila nárast tvorivej energie a radostného nadšenia, Ostroumová stále pracuje predovšetkým v žánri architektonickej krajiny. V jej obliečkach, tak ako predtým, mesto nie je živým, vriacim rušným davom ulíc, ale predovšetkým kráľovstvom nádhernej architektúry, jej trvalej krásy.

Zároveň sa umelkyni odhaľujú nové črty vo vzhľade mesta a zdržanlivá emocionalita jej obliečok je niekedy nahradená násilnejším, impulzívnejším pocitom. V rámci jedného krajinného žánru Ostroumová vytvára veci veľmi rôznorodé a vždy vnútorne celistvé. Pripomeňme si napríklad jej akvarel z roku 1918 "Petrograd. Field of Mars". Táto plachta s rýchlym pohybom oblakov na vysokej oblohe, priestrannosťou námestia a štíhlou, dopredu hľadiacou postavou pamätníka Suvorova je plná skrytého napätia a pátosu. Umelkino vnímanie sveta je odvážne, energické, rytmy života, ktoré počúva, sú ružencové, pochodové a ako pochod hudobné. Ostroumová kreslí ľahkými, tvarovo zovšeobecnenými ťahmi, pričom detail používa s múdrou mierou. Zdalo by sa, že tento list je celkom jednoducho kreslený, no za jeho jednoduchosťou sa skrýva zručnosť a skvelý umelecký vkus. Prejavuje sa to aj v noblese skromnej a krásnej palety tohto kúsku.

Drevorez „Smolný“ je preniknutý búrlivou emotívnosťou, pre Ostroumovú neobvyklú. Dych revolúcie akoby sa niesol nad touto krajinou a zdá sa, že budovanie pokojných klasických foriem opäť žije, ako vo vare v októbri 1917. Stret čiernej a bielej zdvojnásobuje silu každej z týchto farieb. Stĺpy Propylaea, označujúce vstup do Smolného, ​​hrozivo černajú, zem žiari jasnou belobou, ťahy sa víria v rýchlom pohybe, v hĺbke obkresľujú cestu k budove, strom sa ohýba pod nárazovým vetrom a šikmo. padajúce čiary sotva ohraničujú oblohu nad Smolným. Vznikne obraz, ktorý je plný impulzu, pohybu, romantickej emócie. Navyše, aký krásny a malebný je tento čierny drevorez, aké veľké sú jeho čisto dekoratívne prednosti.

Cyklus drobných drevorezieb zobrazujúci Pavlovsk sa vyznačuje aj dekoratívnosťou. Umelec videl dekoratívnosť v obrysoch trsu stromov, siluetu sochy alebo mreže, bola pozorovaná v živote, a preto presvedčivá.

Klasickým príkladom veľkej zručnosti Ostroumovej-Lebedevy je krajina "Letná záhrada v mraze" (1929; ill. 4).

Pri pohľade na túto rytinu vás pohltí pokoj púštnej záhrady; zdá sa, že ste sa ocitli v jeho uličke - takto kompozíciu listu rozširuje autor. Šitie stôp v hlbokom snehu a rytmus zasneženej čiernej mriežky načrtávajú pohyb do hĺbky listu a jemne ho tam zaobľuje svetlá silueta mosta. Pohyb a vzdialené postavy ľudí celý list oživujú, no nenarúšajú jeho zasnežené čaro. Práve v spojení úžasného pokoja, ticha s pocitom života veľkomesta, plynúceho kamsi veľmi blízko, sa rodí zvláštne čaro tejto rytiny. Poéziu zimy, jej zahmlené farby, mrazivý vzduch fúkajúci nad korunami stromov v krehkom ružovom mraze tu umelec dokonale sprostredkuje.

Počas Veľkej vlasteneckej vojny Ostroumova-Lebedeva, ktorá už mala viac ako sedemdesiat rokov, neopustila Leningrad. So všetkými obyvateľmi zdieľala neskutočné útrapy blokády a neprestala pracovať, ako najlepšie vedela. Stránky jej spomienok na tieto roky sú nielen kronikou útrap a duševných úzkostí, ale aj dôkazom večného tvorivého zapálenia, neutíchajúcej chuti pracovať. Takáto láska k umeniu, veľká oddanosť k nemu sú dodnes príkladom pre mladých umelcov a úspechy Ostroumovej-Lebedevovej v rytení, a najmä jej oživenie umeleckého farebného drevorezu, zostávajú neotrasiteľným prínosom veľkého majstra našej umenie.

Diela V.D. Falilejeva (1879 - 1948) sa svetonázorovo i štylisticky v mnohom približujú dielam Ostroumovej-Lebedevovej. Bol tiež majstrom čiernych a farebných drevorezov, k leptu a rytine do linolea sa priklonil v neustálom hľadaní nových technických možností svojej tvorby, najmä koloristickej. Falilejevove krajiny, zobrazujúce jeho rodnú krajinu aj cudzinu, nás priťahujú rovnakou plnosťou pocitov, schopnosťou vidieť krásu v obyčajných motívoch prírody, ako diela Ostroumovej-Lebedevovej, ale harmónia a klasická čistota línií sú menšie. bežné v jeho rytinách, spôsob jeho kresby je voľnejší a akosi nepokojnejší, farba je horkejšia a malebnejšia. Zároveň schopnosť zovšeobecňovať svoje dojmy, vytvárať veľký umelecký obraz s minimom finančných prostriedkov robí Falileeva podobným ako Ostroumova-Lebedeva. V tomto zmysle je charakteristický napríklad Falilejevov album farebných linorytov „Taliansko“, kde umelec, ktorý venoval iba jeden list jednému alebo druhému mestu, v mimoriadne lakonických kompozíciách, niekedy zobrazujúcich iba fragment budovy, ako by to bolo , sústreďuje to najcharakteristickejšie vo vzhľade talianskych miest.

Umelec sa zaujíma aj o búrlivú prírodu, vytvára sériu leptov „Rains“, v množstve listov variuje, študuje premenlivý vzhľad mora, obrysy rozbúrenej morskej vlny. V krajinách s motívmi búrok a dažďa vidia niektorí bádatelia zvláštnu reakciu grafiky na revolučnú búrku, no takéto zblíženie sa zdá byť predsa len príliš priamočiare. A s Falilejevom si nedovolíme nadviazať podobný vzťah medzi jeho zápletkami a spoločenskými udalosťami. Ale v úplnosti jeho diel, v konkrétnom napätí ich vnútornej štruktúry, je skutočne cítiť zložitosť sociálneho sveta a v jeho krajinných listoch je zreteľnejšia ako napríklad v linoryte „Tvoje“ , pretože Falilejev bol predovšetkým krajinárom.

I. N. Pavlov (1872 - 1951) bol predstaviteľom krajinného žánru aj v grafike. Moskva mala v jeho osobe básnika tak oddaného a neúnavného spievať na ňu chvály ako Leningrad v osobe Ostroumovej-Lebedevovej. Pavlov bol takmer v rovnakom veku ako Ostroumova, ale jeho cesta v umení začala v iných, ťažších životných podmienkach. Syn väzenského zdravotníka, neskôr strážca v Katedrále Krista Spasiteľa v Moskve, musel skoro „do ľudu“, keď sa zapísal ako učeň do ryteckého remesla. Prvými prácami, ktoré mu priniesli úspech, boli reprodukčné rytiny z obrazov V. Makovského. Následne Pavlov študoval na Stieglitzovej škole technického kreslenia a v dielni Mate, ako aj na škole Spoločnosti pre podporu umenia, ale kvôli potrebe pracovať nie dlho. V reprodukcii obrazov dosahuje umelec veľkú zručnosť a jeho výtlačky sú publikované v populárnych časopisoch tých rokov, ktoré oboznamujú čitateľov s dielami významných maliarov - od Repina po V. Makovského. Fotomechanika však tento spôsob reprodukcie ďalej nahrádza. V dielach Pavlova sa objavuje hlavná téma jeho tvorby - starobylé zákutia Moskvy a provinčných miest, krajina Ruska ustupujúca do minulosti.

Prechod k tvorbe originálnych rytín nebol pre umelca jednoduchý, no veľa urobila jeho pracovitosť a láska k téme. Od roku 1914 sa začali objavovať albumy krajinných rytín I. N. Pavlova. Jeho krajiny boli založené na dojmoch prírody v blízkosti Moskvy, z výletov po Volge a Oke. Intímne vnímanie prírody, hľadanie akejsi intimity v nej, odlišovalo tieto prvé diela. "Snažil som sa vybrať rohy a zamýšľal som vidieť svoje výtlačky ako skutočné krajiny nálady. Vo veľkom meradle na panoramatickom obrázku sa mi zdalo, že intimita a kompozičná jasnosť, ktorú som sa snažil dosiahnuť, môžu úplne zmiznúť," umelec neskôr pripomenul. Počnúc veľkou sériou moskovských krajiniek aj tu Pavlov hľadá predovšetkým komorné lyrické motívy, zachytávajúce antiku. „Hľadal som najvzácnejšie staré budovy, nádvoria, slepé uličky, storočné drevenice, kostoly starej architektúry, neignoroval som veľa vynikajúcich pamiatok staroveku... Niekedy sa staré striedalo s novým, aby sa zdôraznil typickosť zabratého kúska mesta“, – čítame v jeho memoároch.

Z roka na rok sa hromadili moskovské výtlačky I. N. Pavlova, ktoré tvorili jeho početné albumy. V Moskve sa za relatívne krátky čas veľa zmenilo, tiché zákutia maľované I. N. Pavlovom sa v obrovskom modernom meste zmenili na nepoznanie. A sme vďační umelcovi, ktorý nám zachoval skromnú útulnosť tichých uličiek, prívetivosť malých domčekov (obr. 5). A v ďalších ruských mestách - Kostroma, Uglich, Ryazan, Torzhok - Pavlov priťahuje starobylá architektúra. Veľmi dobre cítil jej výraznosť a originalitu. Vo všeobecnosti však Pavlovove diela obsahujú neporovnateľne menej umenia a plastickej krásy ako napríklad v krajinách Ostroumova-Lebedeva alebo Falileev. Dokumentárna presnosť jeho tvorby často prechádza do fotografie.

5. I. N. Pavlov. List z albumu "Stará Moskva". Na Varvarke. 1924

Cyklus modernej krajiny doplnil Pavlov v rokoch 1920 - 1930, keď sa po vstupe do Združenia umelcov revolučného Ruska vydal, rovnako ako mnohí majstri umenia, na kreatívne obchodné cesty do priemyselných centier krajiny. Farebný linoryt "Astrachaň" s tmavým kŕdľom lodí a svetlami veľkej budovy Ľudového komisára pre vodu na brehu, krajina "Na Volge" s ostrými čiernymi siluetami plachetníc a mierne chvejúcou sa vodou, "Baku", "Balakhna" a niektoré ďalšie listy vyrobené v týchto rokoch boli zahrnuté do počtu najlepších diel umelca. Obliečka "Zvenigorod. Predmestia", vytvorená v roku 1949 78-ročným majstrom, tiež dobýva radostnou, ľahkou náladou.

Nevhodná kritika Pavlovových diel koncom 40. a začiatkom 50. rokov zakrývala nedostatky jeho diel a paradoxne sťažovala zistenie ich skutočných predností. S úplným popretím jeho práce sa dnes často stretávame. Oceňujeme však skvelú prácu umelca a jeho bohaté skúsenosti, o ktoré sa veľkoryso podelil s mnohými majstrami sovietskej grafiky na začiatku ich kariéry.

Pavlovovou zásluhou – spolu s V.D.Falilejevom – je uvedenie do každodenného života sovietskych umelcov linorytu a vynález novej metódy tlače akvarelov – aquatipia.

Medzi žiakmi I. N. Pavlova plodne pôsobí ako výtvarník a pedagóg M. V. Matorin - majster farebného drevorezu, krajinár.

Vo svojom príhovore k architektonickej krajine, k pamiatkam staroveku nebol I. N. Pavlov v 20. rokoch 20. storočia sám. Vl. Yves. Sokolov, študent Levitana, ktorého ten istý I. N. Pavlov dokázal zaujímať o techniky rytia, vydal v rokoch 1917-1925 niekoľko albumov venovaných Sergievovi Posadovi, starej Moskve, Rostove. To všetko sú dobré príklady starej krajiny. V albumoch Yuonových a Kustodievových litografií z 20. rokov 20. storočia možno vidieť aj Sergieva Posada, ruské krajiny, obrazy nedotknutého starého provinčného života. Klasické budovy Petrohradu stoja v prenasledovaných líniách drevorezieb PA Shillingovského, ktorého album krajiny vydaný v roku 1923 sa síce nazýval "Petrohrad. Ruiny a renesancia", ale väčšinou obsahoval iba žalostné obrázky ruín - deštrukcie spôsobená Petrohradu vojenskou devastáciou. Po príchode do Arménska neskôr, Shillingov veto-tvár opäť vidí len črty staroveku a v roku 1927 vydal album leptov „Old Erivan“. Staroveká krajina v grafike prvého desaťročia teda nie je náhodným koníčkom jednotlivých majstrov, ale celým fenoménom.

Až okolo roku 1927 záujem o neho vyschne a ten istý Shillingovsky, veľký nadšenec architektonického staroveku, v nasledujúcom roku 1928 vytvára album „New Armenia“, akoby vo svojej tvorbe zaznamenal charakteristický zlom v grafike.

To nové, samozrejme, rastie v hĺbke starého a diela venované modernej krajine sa v grafike objavili takpovediac v jej hĺbke medzi nám už známymi vecami. Vytvorili ich umelci, ktorí včera venovali svoju kreativitu kontemplácii večných krás architektúry a prírody. Napríklad I. I. Nivinskij (1881-1933), najväčší majster sovietskeho leptu, v albume „Crimea“, vydanom v roku 1925, umelecky a ľahko, aj keď s nádychom kontemplácie, sprostredkúva každodennú veselosť nádhernej južanskej prírody. K 10. výročiu októbra, na príkaz Rady ľudových komisárov, Nivinsky vytvára niekoľko veľkých leptov „Zages“, kde zobrazujúci elektráreň v Gruzínsku nielen zavádza nový motív do svojej krajiny, ale tiež aktívne hľadá nové formy. vyjadrenia za to.

Vydarený je lept „Pamätník V. I. Lenina v Zages“ s precíznou kresbou a prirodzene dominujúcim v industriálnej krajine pamätník V. I. Lenina – výtvor sochára I. D. Shadra (obr. 6). Krása tejto pamiatky, jej majestátne efektná silueta, sa tu stáva hlavnou zložkou krajinného obrazu. Umelec dnes uvažuje o prírode nielen ako o objekte obdivného rozjímania, ale aj ako o poli veľkej ľudskej činnosti. V grafickej krajine po prvý raz zreteľne zazneli tóny aktívneho postoja k životu.

Nové motívy sa objavujú v druhej polovici 20. rokov v dielach umelca I. A. Sokolova (nar. 1890). Žiak a veľký obdivovateľ V.D. Falilejeva I. A. Sokolova od samého začiatku svojej tvorby zobrazuje výjavy práce pri rytení. Spočiatku je to ťažká a problematická domáca práca ženy v domácnosti, ručné práce sú stiesnený a obmedzený svet, zobrazený s vrúcnosťou a láskou. Obuvník zohnutý v práci, práčovňa, babička s vnúčatami v stiesnenej, neopísateľnej izbe večer, štíhla silueta čipkárky na pozadí svetlej látky so zložitým vzorom, zjavne ňou prepojená, - to sú prvé práce Sokolova (obr. 7).

Svojím charakterom majú veľmi blízko k dielam I. Pavlova, Vl. Sokolov a ďalší umelci, ktorí nám ukázali ležérne zákutia veľkých miest, ich nedotknutú antiku. „Tak sa zdá, že život, ktorý sa odráža v rytinách IA Sokolova, prúdil mimo múrov tých malých domčekov, ktoré som ja, N. Pavlov zobrazoval,“ píše životopisec IA Sokolova M. Z. Kholodovskaya.

Je zrejmé, že keďže mal umelec vždy blízko k obrazom práce, bol to práve on, kto ako jeden z prvých rozšíril úzky rámec svojej témy a začal zobrazovať nový svet priemyselnej práce - prácu vo veľkom hutníckom závode. Do roku 1925 patria jeho prvé listy, zobrazujúce moskovský závod „Kladivo a kosák“. V tom čase už umelec ovládal techniku ​​farebného viacdoskového linolea gravírovania a typy dielní, prepletanie mohutných oceľových nosníkov, zložité nasvietenie scén oslnivým rozžeraveným kovom reprodukoval presne a v detail. Neskôr, už ako zrelý majster, Sokolov opäť prišiel do známej továrne a v roku 1949 vytvoril sériu rytín venovaných jemu. Tentoraz do série uvádza aj portrétne listy; jeden z nich, zobrazujúci oceliara F.I.Sveshnikova, sa umelcovi obzvlášť vydaril. V maske Sveshnikova, ktorý pozorne pozoroval topenie, sa mu podarilo sprostredkovať skromnosť, jednoduchosť, šarm človeka s veľkými životnými a pracovnými skúsenosťami. Ale aj prvé „továrne“ listy Sokolova si pre nás zachovávajú svoj význam; v nich svedomitá presnosť prvých krokov po ceste nepoznanej samotným autorom i ďalšími umelcami.

I. Sokolov počas svojho života veľa pracoval v oblasti krajiny. Jeho krajinky z rokov 1920-1930 sa stali všeobecne známymi; chladná sviežosť skorej jari a ohnivé rúcho jesene sú v nich zachytené jasným, precíznym vzorom, jasnými, čistými farbami. Zdokonalením techniky farebného gravírovania linolea, dosiahnutím voľného prenosu bohatej škály farieb, umelec používa veľké množstvo dosiek a niekedy sa na doske valí nie jedna, ako obvykle, ale niekoľko farieb. Napríklad jeho slávna rytina „Kuzminki, Autumn“ podmanivá horúcimi malebnými farbami je vyhotovená na siedmich doskách v deviatich farbách.

Udalosti vojny odzrkadlil umelec vo veľkom seriáli „Moskva v roku 1942“ a „Čo zničil nepriateľ“. V prvej z nich, maľovaní tankov odchádzajúcich na front po moskovských uliciach, stád zahnaných do úzadia, zeleninových záhrad na dvoroch a pod., umelec nasýti svoje listy žánrovými motívmi, no napriek tomu zostáva predovšetkým krajinárom v r. riešenie kompozície ako celku. V druhej – krajinárskej – sérii je zámerne zvýraznená dokumentárna úloha, no smútok sfarbuje aj tieto listy, zobrazujúce bolestnú deštrukciu nádherných celkov predmestia Leningradu. Rovnaká dokumentárna úloha stojí pred umelcom v jeho sérii povojnových rokov, v ktorej usilovne a dôkladne reprodukoval pamätné miesta spojené so životom a dielom V. I. Lenina a A. M. Gorkého.

Prvých diel o novom živote, ako sú listy Nivinského alebo Sokolova, bolo málo. Ich počet sa však postupne zvyšuje. V rokoch prvej päťročnice sa organizovali služobné cesty maliarov a grafikov do najvýznamnejších novostavieb, priemyselných gigantov, do prvých JZD. Umelci boli týmito novými úlohami pre nich nadšení. A hoci medzi dielami, ktoré vznikli ako výsledok týchto ciest, bolo ešte málo vecí vysokej umeleckej hodnoty, týmto dielom prichádza do grafiky nový svieži prúd, dych veľkého života krajiny.

Zložitosť tohto diela spočívala jednak v nedostatočnej znalosti umelcov o každodennosti socialistického staviteľstva, ako aj v kontroverznosti mnohých otázok umeleckej formy charakteristickej pre tie roky. Mnohé umelecké skupiny často vystupovali s opačnými teoretickými platformami a v sporoch, ktoré v tom čase vznikali, bolo niekedy spochybňované samotné právo na existenciu stojanového umenia. Netreba zabúdať, že tieto roky boli obdobím rozporuplných hľadaní v oblasti výtvarnej výchovy. Neraz ich nesprávna príprava výtvarníkov na vysokých školách pripravila o pevné základy profesionálnej zručnosti a mladý grafik to musel neskôr veľa doháňať. Pravda, diela množstva vynikajúcich majstrov staršej generácie, ako aj rady, ktoré mladým ľuďom dávali, boli pre nich za oficiálnymi múrmi univerzity často veľmi poučné. Existovali aj také ateliéry, ako napríklad Kardovského ateliér, v ktorom umelci absolvovali plodnú školu realistickej kresby a kompozície. Pracovné podmienky pre umelcov však boli náročné. Zlepšili sa až likvidáciou umeleckých skupín na začiatku 30. rokov a zjednotením všetkých zdravých tvorivých síl na jednotnú realistickú platformu.

Pri kreslení k súčasným témam sa pomerne rýchlo vyvinulo niekoľko hlavných smerov tvorby umelcov. Jednou z nich, ako sme videli na rytinách I. Sokolova, bola presná, trochu popisná, takmer dokumentárna reprodukcia videného najmä industriálneho prostredia práce. V dielach tohto typu bolo veľa vynaliezavej a úprimnej túžby autorov povedať divákovi čo najpresnejšie a najúplnejšie o nových budovách a továrňach. Nie nadarmo sa umelci často neobmedzujú len na jeden list, ale v mnohých z nich zobrazujú pohľady na továreň, stavbu atď.

Druhým smerom možno nazvať umenie industriálnej krajiny, prehriate lyrickým cítením, lakonické, zachovávajúce živosť náčrtu, ale aj jeho rezervovanosť, ktorú vytvoril koncom 20. - začiatkom 30. rokov 20. storočia NNKupreyanov (1894 - 1933), študent takých rôznych umelcov Ako Kardovskij, Petrov-Vodkin, Ostroumova-Lebedeva, Kupreyanov prešli krátkou, ale náročnou cestou v umení, plnú neustáleho hľadania. Zaujímavo pracoval nielen v stojanovej grafike, ale aj v knižných ilustráciách. Jeden z prvých Kuprejanov zasvätil svoje veci revolúcii a jeho drevoryty „Ozbrojené auto“ (1918) a „Krížnik“ Aurora“ (1923), trochu zámerné v ich zvýraznenej hranatosti alebo rýchlom pohybe čiar, v sebe niesli časticu skutočného nadšenia. , živá odozva na októbrové udalosti. Čoskoro opúšťa drevoryt, Kuprejanov pracuje najmä na spôsob voľnej, plnej svetla a tajomných čiernobielych prechodov atramentu a akvarelu. Komorné krajiny a scény „Seliščenského série“ , v ktorom je vrúcnosť a úzka izolácia rodinného sveta, tvoria jednu zo stránok jeho tvorby. Ale umenie Kuprejanova sa čoskoro vynorí v rozľahlosti obrovskej krajiny. V seriáli „Železničné trate“ (1927 ), jeho rýchly štetec zapĺňa hárok po hárku dunivým pohybom vlakov a v uponáhľanom rytme je počuť ozvenu obchodného života krajiny.cykly „Baltika“, ktorý sa začal vytvárať v roku 1931, a „Rybolov Kaspický“, ktorý vznikol v dôsledku umelcových ciest tam - rovnaká ľahkosť je navonok nedbalá ach útržkovitý spôsob kreslenia. Je za tým cítiť hľadanie obrazov moderny, ktoré nie je ešte ani zďaleka dokončené, spájajúce výraz pominuteľného a objemného obsahu charakteristiky.

Uprostred umelcovej práce bola prerušená skorá smrť.

Tretí smer v tvorbe grafikov na súčasných témach sa vynoril s ranou tendenciou romanticky povýšeného stvárnenia zápletky. Industriálne motívy mení na majestátne, miestami očarujúce divadlo. Zdalo by sa, že takéto diela majú najkreatívnejší, najemotívnejší prístup k prírode. V skutočnosti sú medzi nimi často významné a veľmi krásne veci v prevedení. Ich romantické povznesenie je však najčastejšie trochu abstraktného a subjektívneho charakteru, je, podobne ako popisná presnosť iných diel, výsledkom len prvého kontaktu umelca s témou. Niet divu, že autori všetkých raných priemyselných diel, unesení všeobecnými typmi stavieb, dielňami tovární atď., v nich stále venujú ľuďom veľmi skromné ​​miesto. Príkladom diel romantického plánu je list NI Dormidontova „Dneprostroy“ (1931; ill. 8). Dormidontov (nar. 1898) je tiež jedným z prvých súčasných grafikov. Už v polovici 20. rokov 20. storočia sa objavili jeho pracovné listy venované práci – najprv obmedzujúco presné a suché, potom voľnejšie a nájdené podľa kompozície. V kresbe "Dneprostoy" je umelec unesený obrovským rozmerom stavby, očarujúcim obrazom nočnej práce, osvetlený ostrým svetlom mnohých lámp. V jeho kresbe sa dielo mení na úžasnú podívanú, tajomnú, grandióznu a mierne fantastickú.

Podobnú interpretáciu práce možno vidieť v sérii rytín A.I. Kravčenka (1889 - 1940), venovaných tiež výstavbe Dneproges (1931). Vytvoril ju umelec už v zrelom období tvorivosti a zreteľne sa v nej prejavila jeho efektívna zručnosť,

Na rytinách tohto cyklu sú nahromadené obrovské stavby priehrad, ktoré idú nahor, šípy žeriavov sa týčia tesne okolo nich, vysoká obloha sa krúti v oblakoch a slnko vysiela svoje oslnivé lúče nahor. Kontrast čiernej a bielej vedie k živej, nepokojnej škále rytín. Pohľad na stavbu neďaleko Kravčenka je grandiózny a pôsobivý. A ľudia, ktorí v ťažkých podmienkach vytvárajú nového priemyselného giganta, sú prezentovaní len ako rytmicky sa opakujúce skupiny identických siluetových postáv, ako abstraktní nositelia pohybu. Mnohých umelcov však v tom čase priťahovala predovšetkým všeobecná panoramatická expresivita staveniska, dielne atď. A na Kravčenkových rytinách je vyjadrená len najtalentovanejšie.

Vo všeobecnosti je Kravčenkovo ​​dielo jasnou a originálnou stránkou v histórii našej grafiky. Majster drevorezby, leptu a kresby, veľmi citlivý na témy akútneho sociálneho zafarbenia v stojanových veciach, spisovateľ sci-fi a kúzelník v ilustráciách, Kravchenko rýchlo získal širokú popularitu doma iv zahraničí. Pochádzal z roľníckej rodiny, vzdelanie získal na Moskovskej škole maľby, sochárstva a architektúry. Jeho učiteľmi boli slávni ruskí maliari S. Ivanov, V. Serov, K. Korovin, A. Arkhipov. Kravčenko začínal svoju kariéru ako maliar, no v oblasti kresby a rytiny, ku ktorej sa priklonil v rokoch sovietskej moci, je zaujímavá najmä jeho tvorba. Početné cesty do Indie, Francúzska, Talianska, Ameriky a Sovietskeho zväzu zavŕšili Kravčenkovo ​​umelecké vzdelanie a rozšírili jeho obzory. Kravčenko veľa pracoval. V knižnej ilustrácii vytvoril bizarný svet obrazov, ktoré spájajú fantáziu a grotesku, chvejúce sa kúzlo pocitov a energiu posadnutosti. Neustále pracoval v oblasti krajiny, jeho rôzne listy zachytávajú harmóniu, krásu a skromnosť moskovského regiónu a známych miest Európy. Je jedným z prvých grafikov, ktorí vytvorili príbehové série, reagujúce na témy verejného charakteru. Cyklus rytín venovaný pohrebu V. I. Lenina, popravený v tom istom roku 1924, bol smutným svedectvom očitého svedectva a teraz nadobudol význam historického diela. Umelec sa následne opäť vrátil k leninskej téme, keď v roku 1933 vykonal prísnu a slávnostnú rytinu „Mauzóleum“. Pre sovietsky pavilón na medzinárodnej výstave v Paríži zhotovil aj cyklus rytín „Život ženy v minulosti a súčasnosti“. V kontrastných obrazoch umelkyňa reprodukovala osud ženy-matky v cárskom a sovietskom Rusku; vystupoval tu ako rozprávač, ktorého reč je emotívna a živá, no v jeho obrazoch nebolo cítiť veľkú vnútornú a plastickú expresívnosť. Po sérii "Dneprostroy" Kravchenko neopustil priemyselnú tému av roku 1938 na základe materiálov tvorivého výletu vytvoril kresby a lepty venované závodu Azovstal.

V leptaní zobrazujúcom rozliatie ocele (obr. 9) je umelec stále fascinovaný silou obrovských technických stavieb, majestátnosťou obrazu práce. Voľne komponuje komplexnú scénu, efektne ju osvetľuje prúdmi svetla a iskier. Navyše sa tu namiesto trochu abstraktného pátosu Dneproetroja objavuje skutočný pracovný rytmus a s ním aj účelnosť všetkého, čo sa deje. Okrem veľkolepej zábavy získava list aj skvelý obsah.

Tento monumentálny lept vykonal Kravčenko pre celozväzovú výstavu „Priemysel socializmu“. Táto výstava v sovietskom umení je spojená s masívnym odvolaním sa umelcov na modernu. Diela pre ňu vznikali niekoľko rokov, počnúc rokom 1936. Krátko pred začiatkom týchto prác napísalo na stránky Pravdy 1500 šokujúcich pracovníkov jednej z najväčších fabrík na adresu umelcov:

"Očakávame od vás skvelé plátna. Chceme, aby to neboli len jednoduché fotografie. Chceme, aby v nich bola vložená vášeň. Chceme, aby vzrušovali nás a naše deti. Chceme, aby nám vštepovali radosť z boja a smäd po nových víťazstvách. Chceme, aby ste ľuďom v našej krajine ukázali hrdinov a obyčajných účastníkov nášho stavebného projektu."

Tieto horúce slová nielen dobre formulovali úlohy nášho umenia, ale odzrkadľovali aj atmosféru náročnej lásky ľudu k umeniu, vznešeného záujmu oň pracujúceho človeka, ktorý pomáhal umelcom v ich tvorbe. Výstava, zorganizovaná z iniciatívy Serga Ordzhonikidzeho a otvorená počas 18. zjazdu strany, široko pokrývala život Sovietskeho zväzu. Bolo tu vystavených vyše 1000 diel, z toho asi 340 v oddelení grafiky (okrem satirických). Len málo medzi týmito listami bolo dielom veľkej zručnosti, len málo z nich sa zachovalo dodnes. Ale nimi prinesené nové námety, videné umelcami v živote – v lesoch novostavieb, v dielňach závodu – boli veľkým výdobytkom grafiky. Dneprostroy a práca v potašových baniach Solikamsk, výstavba metra a rozvoj Arktídy, ťažba zlata v tajge a práca baníka – nakoľko sa tieto témy nepodobajú začarovanému kruhu životných javov, ktoré obmedzovali svet stojanová grafika skôr, ako málo sa pridržiava staroveku, zásadná retrospektíva! Stále tu bolo veľa priemyselných krajín. Ale okrem nich sa objavujú aj scény práce; a človek pracujúci v továrni, na poli, v laboratóriu, v bani sa prvýkrát stáva hrdinom grafických prác. Umelci stále dobre nepoznajú jeho vnútorný svet, najprv sa cítia dobre a dokážu sprostredkovať jeho sebavedomé návyky v práci, plasticitu profesionálnych pohybov. Pracovné gesto v kresbách je preto presvedčivejšie ako výraz tváre a niektoré dobré diela kazí vonkajšia drsnosť postáv.

Umelec A. Samokhvalov (nar. 1894) napríklad v sérii akvarelov dobre ukázal energiu a optimizmus Metrostroy Girls, ale zdôraznil aj ich drsnosť. Takýto dôraz akosi obmedzuje naše znalosti o Samochvalovových hrdinkách a ochudobňuje jeho dielo, hoci v jej tóne, v jej atmosfére, sú črty, ktoré sa v živote správne prejavujú. Premyslenejšia charakteristika robotníka v akvareloch S. M. Shor (nar. 1897) "Kozlovshchitsa" zo série "Stará a nová kvalifikácia Donbasu" (1936; chorý, 10). Tu sa vytvoril obraz inteligentnej a energickej ženy, citlivo sa odhaduje jej duchovné zloženie a morálna sila. Nie nadarmo sa S. Shor neskôr stala majstrom grafického portrétu, ktorý vykonávala najčastejšie v technike leptu.

V predvojnových rokoch sú pracovné listy venované I. A. Lukomskému (nar. 1906). V jeho sépiovej kresbe „Robotník“ (1941; ill. 11) sa dôraz z individuálnej charakteristiky prenáša na typickú, s dôrazom, akoby zblízka. Vnútorná sloboda, hrdosť na prácu sa číta v tvári robotníka.

Významnou udalosťou pre grafiku bola v 30. rokoch príprava výstavy ilustrácií k dejinám strany. Zamerala záujem mnohých umelcov na historické témy, prinútila ich prehodnotiť cestu, ktorou náš štát prešiel. Historická a revolučná téma začala svoj život v grafike začiatkom 20. rokov minulého storočia. Vtedy to však boli len samostatné práce, najmä rytiny, v ktorých sa abstraktná dekoratívnosť a schematizmus často považovali za neoddeliteľnú súčasť techniky rytia. Neskôr, v roku 1927, ako úplný opak týchto diel, sa pod dlátom ukrajinského umelca V.I.Kasiyana objavil obraz hrdinu perekopských bojov rozdúchaný revolučným pátosom. V. I. Kasiyan (nar. 1896) - rodák zo západnej Ukrajiny, vzdelanie na pražskej Akadémii výtvarných umení - umelec hľadajúci dušu, bystrý temperament. Jeho list je jasný, emocionálny, ale v rozvrhu týchto rokov zostáva osamelý.

Väčšina diel vytvorených pre spomínanú výstavu nadobudla skôr stojanový ako ilustračný charakter. Otvorili ju v roku 1941, pred vojnou, volala sa „Výstava nových diel sovietskej grafiky“ a obsahovala množstvo dobrých diel. Mnohí z nich patrili k majstrom knižnej grafiky. Ilustrátori priniesli do oblasti stojanovej kresby psychologickú povahu obrazov a presnosť historického prostredia, čo boli vtedy nedávne a pozoruhodné úspechy ich umenia. Takéto boli listy skupiny umelcov Kukryniksy - "Na barikádach", "Čkalov na ostrove Udd", "Politické vedenie", Kibrik - "Khalturin a Obnorsky", Shmarinov "Baumanov pohreb" a ďalšie.

V 20. a 30. rokoch 20. storočia sa grafici zaujímali o historické námety aj v inom aspekte súvisiacom s literatúrou.

Inšpiratívne obrazy Puškina a Lermontova dlhé roky priťahovali tvorivú pozornosť umelcov. N. P. Uljanov (1875 - 1949) dal veľa práce do svojej Puškinovej série. Jeden z najvýznamnejších sovietskych maliarov staršej generácie, blízky študent V.A. Serova, Uljanov bol majstrom historickej maľby a portrétu, ako aj divadelným umelcom.

Ulyanovove kresby rozprávajú o rôznych obdobiach života veľkého básnika - od lýceových dní až po posledné tragické mesiace; sú v rôznej miere dokončené – niektoré sú viac, iné vyzerajú ako náčrty, ako stránky intenzívnych a nedokončených rešerší, no vo všetkých je pre umelca hlavný ohnivý život Puškinovej duše. Jednou z najlepších je kresba, vykonaná v súvislosti s obrazom „Puškin s manželkou pred zrkadlom na dvornom plese“. Hrdý, krásny vzhľad Puškina sa tu objavuje v lakonických líniách kresby inšpirovanej Serovom.

Puškinova téma dostáva inú interpretáciu v grafike – v krajine pamätných miest. V tomto žánri účinkuje umelec L. S. Khizhinsky (nar. 1896). Vo svojich šperkoch s veľkou zručnosťou v drevorezoch, zobrazujúcich Puškinove a Lermontovove výjavy, dosahuje neľahkú kombináciu dokumentárnej precíznosti a emotívneho poetického začiatku. Bez tejto kombinácie je nemožný úspech spomienkovej krajiny, vždy postavenej na jemnom podtexte, jednotlivých asociáciách.

V 30. rokoch 20. storočia sú veľmi silno cítiť nové momenty vo vývoji grafiky. Pozostávajú nielen z nových smerov v tvorbe umelcov, ktoré, ako sme videli, – podporené výstavnou činnosťou! – naberajú na svojom rozsahu, ale aj v novom obsahu tradičných žánrov portrétu a krajiny a v tzv. vznik významných diel umelcov zväzových republík. Takže V.I.Kasiyan, už spomenutý vyššie, vytvoril v týchto rokoch rytiny plné serióznych myšlienok venovaných Ševčenkovi. Umelec vložil veľa duchovného ohňa aj do svojho neskoršieho diela o veľkom kobzarovi, zobrazujúceho nezlomeného rozhnevaného Ševčenka na pozadí epizód ľudového boja (obr. 12).

K najvýznamnejším dielam týchto rokov patria krajinky a portréty arménskeho majstra M. Abegyana, litografie venované Moldavsku, Ukrajincovi G. Pustoviytovi, monumentálny lept gruzínskeho umelca D. Kutateladzeho, zobrazujúci S. Ordžonikidzeho a S. M. Kirova. V tomto období vytvára to najzaujímavejšie z oblasti stojanovej grafiky slávny azerbajdžanský umelec A. Azimzade - karikaturista, kresliar a výtvarník plagátov. Obrazy minulosti sú v jeho listoch reprodukované originálnym spôsobom detailov, s nádychom ornamentálneho dizajnu. Čo je nové v portréte a krajine 30. rokov? Niekdajšia intimita týchto žánrov sa vytráca a ich páni čoraz odvážnejšie vychádzajú v ústrety životu, spoznávajú nových ľudí, rozširujú geografický záber krajinárskej tvorby. To posledné platí nielen pre majstrov industriálnej, ale aj bežnej krajiny. Ak sa predtým iba EE Lancere, ktorý neúnavne študoval prírodu a život národov Kaukazu, a Shillingovsky, ktorý maľoval Arménsko, odchýlili od zavedenej moskovsko-leningradskej tradície v krajine, teraz celá galaxia majstrov vytvára svoje diela mimo jej úzke hranice. Umelci zobrazujú prírodu stredného Ruska, severu, Krymu, Kaukazu, Strednej Ázie. Krajina sa stáva oblasťou brilantného využitia akvarelových techník. O skutočnom rozkvete akvarelovej krajiny svedčia diela grafikov L. Bruniho, A. Ostroumovej-Lebedevovej, maliarov S. Gerasimova, A. Deineku, P. Konchalovského. Novou črtou týchto diel je aktivita autorského vnímania sveta. Možno je to obzvlášť zreteľne viditeľné v krajinách tých umelcov, ktorí mali v týchto rokoch možnosť navštíviť zahraničie.

Ostré videnie kontrastov cudzej reality je vlastné napríklad parížskej a rímskej krajine A. A., Deineka (obr. 13). Umelec sa nevie poddať pokojnému kúzlu honosnej architektúry a sôch, ako tomu bolo neraz v predrevolučnej zahraničnej sérii grafík; na tomto krásnom pozadí si jeho oko všíma tak postavu nezamestnaných, ako aj zlovestné, sebavedomé postavy cirkevných ministrantov. V okruhu takých diel, akými sú Deinekove listy, sa rodí novinárska vášeň, politická neústupnosť vlastná sovietskej grafike.

Tieto vlastnosti sa s veľkou silou prejavili v „Španielskej sérii“ kresieb Leningradera Yu. N. Petrova (1904 - 1944). Séria Petrov bola príspevkom stojanovej grafiky do boja proti fašizmu, ktorému sa už v tých rokoch aktívne venovali majstri karikatúry aj umelci politického plagátu. Umenie Yu.Petrova, kresliča a ilustrátora, bolo umením veľkej kultúry a hlbokých citov. Petrov bol účastníkom boja proti fašizmu v Španielsku, poznal a miloval túto krajinu, jej ľudí, jej veľkých spisovateľov a umelcov minulosti a jeho kresby odrážali túto lásku a úctu. Španielsko, jeho hornatá krajina, domy zničené bombami, jeho zdržanliví, hrdí a horliví ľudia - vojaci ľudovej armády, ženy a deti, ktoré stratili svoje domovy, sú zachytené v lakonických, trochu smutných a odvážnych kompozíciách. Ostatné strany Petrovho seriálu sa zdajú byť náčrtmi, ale jemná kresba s mäkkou modeláciou tak presne načrtáva plasticitu foriem a krajinných plánov, že ich napĺňa taký chvejúci sa život, že z každého listu cítiť veľkú premyslenosť. Táto séria dodnes zostáva jednou z najskúsenejších a najúprimnejších vecí v našom rozvrhu. Jeho autor následne zomrel na bojovom poste počas Veľkej vlasteneckej vojny a jeho umenie, ktoré veľa sľubovalo, nestihlo dosiahnuť zenit.

Veľká vlastenecká vojna, ktorá sa začala v roku 1941, dramaticky zmenila povahu a tempo rozvoja všetkých druhov umenia. Veľké zmeny spôsobila aj v grafike stojanov. Efektívnosť grafiky, porovnateľná jednoduchosť jej techník sa teraz stali obzvlášť vzácnymi vlastnosťami. Horúca potreba vyjadriť sa v hodine národných procesov, rýchlejšie reagovať na horkosť a hrdinstvo dňa, ktorý prišiel, priviedla mnohých umelcov ku kresbe, akvarelu a niekedy aj rytiu. Popri jej uznávaných majstroch sa stojanovej grafike začali venovať aj niektorí maliari a veľmi úspešne aj ilustrátori.

Od prvého roku vojny sa stojanová grafika spolu s plagátmi a karikatúrami stala jednou z najaktívnejších foriem umenia, ktoré hlboko vzrušujú srdcia divákov. Majstri kreslenia a rytia predviedli veľa krásnych vecí, ktoré vznikli z hnevu a inšpirácie. V tomto reťazci diel sú jednotlivé vrcholy, ktoré sa vyznačujú osobitnou plastickou zručnosťou. Ale všeobecná úroveň vojenskej grafiky je tiež vysoká. Umelci tvorili svoje kresby tak v radoch Červenej armády, ako aj v obkľúčenom Leningrade, v mestách, ktorými prešla silná vlna ústupu, v tyle, kde bolo všetko podriadené úlohám frontu, aj mimo hraníc. našej krajiny v poslednom období boja proti fašizmu. Grafika nám ukázala rôzne stránky vojny, rôzne stránky života v tomto rozhodujúcom období v dejinách našej vlasti – od prchavej zádumčivosti unavenej sestry až po panorámu obrovskej bitky. Zároveň sa živo odzrkadlil aj rozdiel v talentoch, skladiská nápaditého myslenia umelcov. V dielach jedného sa vojna javí ako dlhé vojenské cesty, často nepohodlné a niekedy tak ostro lahodiace oku nečakanou krásou prežitého lesa. Na stránkach iného prechádza sériou jednoduchých scén vojenského života, načrtnutých narýchlo, ale presne. V kresbách tretieho je v osobitom výraze očí bojovníka či partizána, ktorý sa neraz stretol so smrťou. Odvaha a vlastenectvo sovietskeho ľudu, ktoré sa tak jasne prejavili vo vojnových rokoch, umelci ocenili v týchto dielach rôzneho charakteru. Grafické diela sú plné toho zvláštneho zmyslu pre krásu nášho sovietskeho života, umocneného vojnou, ktorým sa vyznačovali tie najlepšie veci vo všetkých druhoch umenia.

Charakteristickým znakom grafiky sa stal vzhľad veľkého množstva náčrtov. Umelci ich predvádzali občas a v najťažšej bojovej situácii, snažiac sa presnejšie a úplnejšie povedať ľuďom o vojne, zbierať materiál pre budúce kompozície. V predslove k albumu kresieb „Predný denník“ moskovského grafika P. Ya. Kirpičeva Hrdina Sovietskeho zväzu S. Borzenko píše: „Obrazy načrtnuté po vojne sa míňajú jeden za druhým. umelec ich uvidel v momente udalostí... Nezastavili ho žiadne nebezpečenstvá a ťažkosti. Prešiel k vybraným objektom medzi mínovými poliami a pracoval tam od rána do večera, bál sa, že premeškáte ten okamih, pretože sa bojí, že požiare zhasnú von a trofejné tímy si odnesú zničené zbrane a tanky." Tento opis frontovej tvorby umelca je veľmi príznačný, pretože podobne ako Kirpichev pracovalo počas vojny mnoho maliarov grafických stojanov. Náčrty tvoria vzácny fond nášho umenia, ktorý ani zďaleka nie je publikovaný v plnom rozsahu. Ich autormi sú N. A. Avvakums, O. G. Vereisky, M. G. Deregus, U. M. Dzhaparidze, N. N. Žukov, P. Ya. Kirpichev, A. V. Kokorii, D. K-Mochalsky, EK Okas, U. Tansykbaev, SS Uranova a ďalší vytvorili celú kroniku ťažká vojenská každodennosť, báseň o mužovi vo vojne, ktorý bráni svoju vlasť pred fašizmom.

Napriek plynulosti, ktorou sa skice vyznačujú, už naznačujú osobitosti talentu každého umelca – a nielen jeho majstra kresby, ale aj určitého okruhu javov, ktoré sa ho dotýkajú najviac.

Tak napríklad AV Kokorin (nar. 1908) nikdy neprejde okolo malebnej scény, ktorú nečakane videl, do svojho grafického denníka si načrtne sedlá zavesené na zbrani aj rozbitý nákladiak, ktorý spod nej trčí. z troch strán čižmy vojakov, ktorí to opravujú, a vojaka konvoja, ktorý pokojne niečo šije na šijacom stroji priamo v poli, a postava kňaza s veľkým batohom, ktorý sa rozpráva so sovietskym vojakom. Celkový charakter vzhľadu ľudí presne vystihuje Kokorin a za jeho jednoduchými scénami vždy cítiť mierny úsmev, náklonnosť k jeho hrdinom. Práve v týchto náčrtoch sa nahromadili Kokorinove skúsenosti ako majstra architektonickej krajiny, ktorý dokázal načrtnúť vzhľad mesta, hlavné obrysy jeho architektúry a život ulice - vlastnosti, ktoré sa vyvinuli v post- vojnové indické kresby umelca.

Vrúcnosť a lyrika odlišujú náčrty a kresby D.K. Mochalského. Aj v tom najnevhodnejšom prostredí, v zhone frontových ciest vedúcich v poslednej fáze vojny priamo do Berlína, alebo už v Berlíne - citadele fašizmu práve zabratej našimi vojskami - teplo života , jeho radostný lúč sa v nežnom rúchu istotne mihne v Mochalského obliečkach dievčence-dopravníčky, v pohľade bojovníka, namiereného na ženu s kočíkom.

N. N. Žukov (nar. 1908) vystupuje vo vojenských náčrtoch ako umelec-fyziognóm, ktorý v človeku veľa vidí. Neustály záujem o vnútorný svet človeka robí jeho najplynulejšie kresby zmysluplnými. V jeho listoch sa striedajú krajiny, skice vojakov, žánrové výjavy. Spôsob Žukovovej kresby ceruzkou, bez akéhokoľvek vonkajšieho odtieňa, akoby odrážal toto zaujatie umelca prírodou, premyslenosť jeho prístupu k nej. Žukovove diela sa preslávili už pred vojnou, keď predviedol sériu ilustrácií k životopisu Karla Marxa. Následne Žukov neopustil svoju prácu na tejto zodpovednej téme. Veľa práce investoval aj do vytvorenia série kresieb „V. I. Lenin“. Najúspešnejšie z jej hárkov sú riešené formou svetelnej skice, ktorá zachytáva krátky moment v reťazci iných, formou akejsi portrétnej skice. Ale práve pri tvorbe vojenských náčrtov sa posilnil umelcov postreh a zručnosť rýchleho skicovania, ktoré sa mu neskôr hodili – ako v rozsiahlej sérii kresieb venovaných deťom, populárnych u divákov, tak aj v portrétoch. Predovšetkým sa skúsenosť z vojnovej tvorby odzrkadlila v ilustráciách k „Príbehu skutočného muža“ od B. Polevoya, ktoré Žukov vytvoril krátko po vojne.

Treba povedať, že skúsenosti z vojenskej práce zohrali úlohu aj v ilustračnej tvorbe iných umelcov. Táto skúsenosť pomohla O. G. Vereiskému pri tvorbe kresieb pre „Vasilia Terkina“ od A. Tvardovského, na dlhý čas približovala k vojenskej tematike A. V. Kokorina, neskoršieho ilustrátora „Sevastopolských príbehov“ L. N. Tolstého. Logická bola aj cesta A. P. Livanova zo série „Partizáni“, ktorú vytvoril krátko po vojne, k ilustrácii „Čapajev“ od D. A. Furmanova.

Ďalšou charakteristickou črtou grafiky vojnových rokov bola apelácia umelcov na formu série, teda radu listov spojených jednotným konceptom a spôsobom prevedenia. Mohli sme vidieť, že sériu tvorili umelci už skôr, no počas vojnových rokov sa stali popredným fenoménom v grafike. Séria je dobrá len vtedy, keď sa divák každou jej stránkou dozvie niečo nové, keď umelec svoje dojmy usmerňuje, určitým spôsobom strieda listy, čiže dáva sérii jasnú kompozíciu. S pojmom „kompozícia“ sa stretávame vždy pri rozbore samostatného umeleckého diela. Ale v skutočnosti existuje aj skladba celého grafického radu ako vnútorná zákonitosť striedania jeho listov, medzi ktorými vznikajú rôzne súvislosti. Jasným budovaním kompozície série v nej umelec nachádza nový prostriedok veľkej expresivity. Autor série v podstate predvádza viacslabičné, mnohostranné dielo, ktorého každá strana by mala vyznieť celistvo a silno a zároveň byť integrálnou súčasťou celku, ktorý vzniká akoby jedným nádychom. Samozrejme, nie je to ľahká úloha. A dosť často súčet listov, ktorý umelec nazýva séria, v podstate nie je.

Zloženie seriálu je iné. Takže séria môže byť postavená na kontrastnom porovnaní plechov, alebo naopak ich rovnomerného, ​​identického zvuku. V inom prípade môže autor začať svoj sériový príbeh, postupne zvyšovať jeho emocionálne napätie, vytvárať v jednom alebo viacerých listoch akési vyvrcholenie akcie a pocitov a uzatvárať ho koncom.

Takto vznikol napríklad veľký cyklus litografií AF Pakhomova „Leningrad v dňoch obliehania a oslobodenia“, vydaný s textom básnika NS Tichonova v roku 1946. Tento cyklus bol prvým veľkým predstavením v stojanovej grafike A. F. Pakhomova (nar. 1900), majstra kníh pre deti známeho svojimi ilustráciami k dielam N. A. Nekrasova a I. S. Turgeneva. Pakhomovove litografie sú výpovede očitých svedkov a dotýkajú sa nás pravdou toho, čo sme videli, svetlom veľkej ľudskej solidarity a odvahy.

Séria sa otvára listom „Vyhliadnutie ľudových milícií“, ktorý nás okamžite prenesie do atmosféry úzkosti, zmätku narušeného šťastného života. Ďalšie udalosti sa rýchlo rozvíjajú, život mesta sa mení, ostreľovanie a bombardovanie sa stáva jeho neoddeliteľnou súčasťou. Leningraderi stavajú bunkre na uliciach, majú službu počas poplachu na strechách a zachraňujú ranených zo zničených domov. To všetko je zobrazené v litografiách, ktoré sa rýchlo striedajú, sú detailné ako príbeh, no plné vnútorného napätia. V nich je čas zhustený a nasýtený, ľudia konajú bez straty minúty, statočne bojujú s nepriateľom.

Z rýchleho rytmu týchto epizód nás vytrháva ďalšia strana albumu – „Na Neve za vodou“ (obr. 14). Čas tu plynie pomaly - to je ťažký beh chladných a hladných dní Leningradskej blokády. Po schodoch sa pomaly posúva dievča s neznesiteľne ťažkým vedrom. Táto hrdinka Pakhomovej je jednou z najsilnejších postáv nielen v sérii, ale aj v celej vojenskej grafike. Oči diváka sa zastavia predovšetkým na tvári dievčaťa - tak je postavená kompozícia litografie, tak velí výnimočná výraznosť tejto tváre. Umelec do detailov rozvinul svoju mimiku – tmavé oči vyjadrujúce hlbokú únavu sa zdajú byť obzvlášť veľké na schudnutej tvári, zamračené obočie sa prudko stiahne, nekrvavé pery pootvorených úst sú také bledé, že na nich takmer nevystupujú. jeho tvár a umelec ich obrys mierne načrtne čiarou. Zdalo by sa, že obraz tohto dievčaťa bude stelesnením únavy a utrpenia. Najpozoruhodnejšia vec na ňom je však kombinácia týchto čŕt fyzickej únavy a vyčerpania s duševnou tvrdosťou.

Vytrvalosť, vzpurnosť hrdinky Pakhomov je najkomplexnejšou zmesou mnohých aspektov jej duchovného života, jej vnútorných vlastností a zároveň je to jej hlavná kvalita, ktorá prevláda nad všetkými ostatnými. Tu sa spolu s Pakhomovovou obvyklou jednoduchosťou a dômyselnou jasnosťou obrazu rodí jeho všestrannosť a hĺbka. Pakhomov má vždy obzvlášť blízko k obrazom detí. A v tejto litografii dokázal veľa povedať, ukazuje, ako dievča nalieva vodu z čajníka; pre ňu je to záležitosť, do ktorej je úplne pohltená – nevyhnutnosť a zároveň hra. V tejto kombinácii, bolestivej bolesti, je to skutočný život blokády s jej tónmi akútnej tragédie uprostred každodenného života. Zasnežená plocha rieky a mrazivý priezračný zimný vzduch sú dobre reprodukované v litografiách. Tento list, rovnako ako ďalšia kresba „Do nemocnice“, je najsilnejší, naplnený citom. Tvoria akoby vyvrcholenie série. Ďalej sa príbeh umelca vedie pokojnejšie a v súlade s tempom udalostí sú jeho plachty jasnejšie a radostnejšie: „Strechy“, „Silvester“ a ďalšie. Séria sa logicky končí obrázkom pozdravu 27. januára 1944 na počesť prelomenia blokády mesta Sovietskou armádou, pozdravu, ktorý tak hlboko a radostne vzrušuje ľudí, vyvoláva celý reťazec spomienok a nádejí. Pod ohňostrojom sa ľudia radujú rôznymi spôsobmi: hlučne, úplne sa odovzdajú jasnému triumfu tohto okamihu a zamyslene, mierne ustupujú do spomienok a hlboko, celým svojím srdcom, cítia bezpečnosť svojich detí. Spája ich vzrušenie a radosť a úzka kompozícia listu akoby túto pevnosť zviditeľňuje a osobne.

Mnoho diel iných umelcov bolo venovaných vojenskému Leningradu. Spomeňme aj sériu linorytov S. B. Yudovina (1892 - 1954). Videli sme, ako v Pakhomovovej sérii litografická technika umožnila umelcovi podrobne prezentovať každý obraz, ktorý koncipoval, ponoriť sa do detailov a spojiť ich lineárnu jemnosť s malebnosťou topiacich sa plôch zimnej krajiny. Yudovinova séria je vyhotovená linorytom. Yudovin sa vyznačuje zvýšenými pocitmi, tragické tóny znejú v jeho listoch panovačne. A tomuto pocitu tragiky toho, čo sa deje, je podriadená celá obrazová štruktúra jeho listov a spôsob prevedenia. V jeho výtlačkoch vládne ťažká čierna farba a studená žiara snehu. V chladnúcom tichu mesta ľudia s ťažkosťami blúdia, ohýbajú sa pod ťarchou bremena, pod ťarchou problémov s blokádou. Na pozadí zasnežených ulíc sa ostro vynímajú ich postavy, ktoré sa zvyčajne pozerajú akoby zhora. Hranatý vzor, ​​nemilosrdné svetlo, ktoré vytrháva siennu z tmy; každodenný život, ktorý sa stal rámom tragédie - také sú Yudovinove rytiny. Márne je umelcovi vyčítať ich drsnú pravdivosť, nedostatok optimizmu. Povaha Yudovinovho talentu mu umožnila mimoriadne citlivo vyjadriť tragické aspekty boja Leningradov s nepriateľom.

Ale grafika ako celok mala jasnejší pohľad na svet, aj keď zobrazovala skúšky, ktoré postihli sovietsky ľud. Mohli sme to vidieť už v Pakhomovovej sérii a nové potvrdenie toho nájdeme po zoznámení sa so sériou kresieb D. A. Šmarinova „Nezabudneme, neodpustíme!“ Šmarinov (nar. 1907) je jedným z tých umelcov, vďaka ktorým sovietska knižná ilustrácia dosiahla v 30. rokoch veľký úspech. Dobré odborné vzdelanie získal v umeleckých ateliéroch Prakhov v Kyjeve a Kardovskij v Moskve. Talent psychológa a veľká vnútorná kultúra odlišujú jeho knižné diela. Počas vojnových rokov Shmarinov vytvára plagáty a kresby na stojanoch. Séria "Nezabudneme, neodpustíme!" bol ním popravený v roku 1942 v krátkom čase, no jeho plán sa formoval počas celého prvého roku vojny.

Nie postupne, príbeh umelca začína úvodom – okamžite nás šokuje vysokou tragikou kresby „Strieľanie“. Obrazy skúšok a vojnových nešťastí nasledujú jeden za druhým, no jasná téma odvahy sovietskeho ľudu, ktorá vyšla z prvej strany seriálu, víťazí aj na tých najtrpkejších stránkach. Jednou z najlepších kresieb v tomto cykle je list „Návrat“ (obr. 15). Tisíce sovietskych kolektívnych farmárov v živote poznali pozíciu, v ktorej je žena zobrazená umelcom. Šmarinov ju namaľoval vo chvíli, keď jej pohľad na zdevastovaný, zničený domov prvýkrát otvoril oči a prinútil ju zastaviť sa v akejsi otupenosti smutnej a rozhorčenej meditácie. Jej hlboké vzrušenie navonok neukazuje takmer nič. Toto je zdržanlivosť silného človeka, ktorý si nedovolí výbuch pocitov, chvíle zúfalstva. A koľko tu k divákovi hovorí krajina! Priehľadná čistota vzduchu, jas slnečného žiarenia a tiene kĺzajúce po rozmrznutej zemi - tento očarujúci obraz skorej jari prináša radosť do zložitého podtextu scény. Liszt začína znieť ako lyrický príbeh a to je pre Šmarinovov talent veľmi príznačné. Shmarinovove kresby, vyhotovené dreveným uhlím a čiernym akvarelom, prechádzajú mnohými fázami procesu. Ale s radosťou sa vyhýbajú suchej vonkajšej úplnosti, zachovávajúc chvejúcu sa živosť ťahov, ako keby ich dal umelec.

Iba v posledných dvoch hárkoch série - "Návrat" a "Stretnutie" - nie je žiadny obraz nacistov, a hoci je radosť stále veľmi ďaleko, atmosféra sa stáva ľahšou, postavy dýchajú ľahšie. Drsný život prvého roka vojny, udalosti, ktoré umelec zhrnul, mu navrhol zloženie série - neutíchajúce tragické napätie na väčšine jej stránok a svetlé tóny posledných kresieb.

Vo vojnových rokoch sa ku stojanovej grafike venuje aj V. A. Favorskij (nar. 1886), jeden z najstarších sovietskych umelcov, veľký majster drevorytia. Počas jeho kariéry najviac pozornosti pútala knižná ilustrácia. A teraz sovietski a zahraniční diváci obdivujú predovšetkým harmonický epický svet jeho rytín pre „Lay of Igor's Campaign“, tragickú povahu a hĺbku ilustrácií „Boris Godunov“ k tragédiám „Puškina“. Ale už koncom 20. rokov Favorskij vytvoril aj nádherný portrét F.M.Dostojevského - vec úplne nezávislú, aj keď, samozrejme, úzko súvisiacu so spisovateľovými knihami. Svetlo a tieň súperia v tomto rušivom liste; úzkostlivo, silne stvárnený obraz človeka zavaleného vírom bolestivých myšlienok. Tu sa dostávame do kontaktu s duševným životom mimoriadnej intenzity, tušíme vnútorný svet plný rozporov a boja. Existuje veľká zručnosť vo voľnej rozmanitosti ťahov, v múdrom používaní farieb.

V štyridsiatych rokoch minulého storočia vytvoril Favorsky listy "Minin a Pozharsky", "Kutuzov". Umelec nebol sám vo svojej tvorivej príťažlivosti k slávnym stránkam histórie našej vlasti; prirodzene pútali počas vojnových rokov mimoriadnu pozornosť maliarov a grafikov. V samarkandskej sérii rytmicky tenkých linorytov realizovaných v rovnakom čase je beh každodenného života zachytený s neunáhlenou gráciou a lakonizmom. Biely podklad, ktorý hrá veľkú rolu na všetkých jeho listoch, zvýrazňuje ladnosť siluet, muzikálnosť jednoduchých, no premyslených kompozícií.

Neskôr sa umelec viackrát priklonil k stojanovej grafike (list "Flying Birds", 1959; pozri frontispis a i.), ale knižná ilustrácia ho zamestnáva v nezmerateľne väčšej miere.

Popredné miesto vo vojnovom harmonograme patrí dielam L. V. Soyfertisa (nar. 1911). Soifertis predtým pracoval v oblasti časopisovej satirickej grafiky a teraz sa často objavuje na stránkach časopisu „Krokodíl“. Počas vojnových rokov sa zúčastnil bojov v Sevastopole, Novorossijsku, Odese. Soifertis mal vo vojne veľa ťažkých časov, viac ako raz bola po jeho boku smrť, ale jeho ľahký a ľahký talent z toho nečerpali násilné scény bitky, nie tragédiu a smrť, ale úsmev života, ktorý zostáva sám sebou. a pod bombardovaním. Pozície, ktoré zobrazuje, odlišuje zvláštna bystrosť a zábava. Námorník sa ponáhľa na frontovú líniu v obkľúčenom Sevastopole a chlapci – pre rýchlosť spoločne – mu usilovne leštia topánky. "Kedysi" - to je názov tohto listu. Nad mestom na slnečnej oblohe prebieha letecká bitka, ženy ho sledujú a starenka pokojne niečo šije, sedí rovno tam na stoličke pri bráne. Námorníci pri výklade novín čítajú najnovšie správy, stoja v úzkej skupine, hemžia sa bajonetmi z pušiek (obr. 16), v kráteri po bombe sa nachádza námorník a fotograf – potrebujú fotku na stranícku listinu. Toto všetko, samozrejme, možno nazvať každodennými epizódami, ale toto je život, ktorý vznikol dva kroky od prvej línie a tie najnenáročnejšie, dokonca aj na prvý pohľad, scény sú tu rozdúchané s nádychom veľkej odvahy a hrdinstva. Soyfertisove kresby sú skutočne pôvabné. A ak vo Favorského „Samarkandskej sérii“ boli prenasledované línie a siluety linorytov pôvabné, Soyfertis má pôvabné a krásne svetlo, krehké, akoby nedbalé línie obrysovej kresby a živú, dýchajúcu, jemne tónovanú priehľadnú výplň vodovými farbami.

Soifertis zostáva vo svojich kresbách 50. rokov umelcom letmého úsmevu a veľkej sympatie k ľuďom. Jeho séria Metro je sériou žánrových scén zaznamenaných v zhone moskovských podzemných palácov a kresby a lepty venované deťom sú stále prekvapivo ostražité, stále osvetlené náročným záujmom o človeka. Dojímavé a vtipné, teraz posmešné a dokonca mierne groteskné, nadobúdajúce ostrosť v porovnaní, tieto listy nám vždy odhalia nejaké nové črty života, nové v bežnom prúde každodenného života.

Veľké množstvo materiálu nahromadeného počas vojnových rokov sa pokojne nezmestilo do archívov umelcov. Mnohí z nich pokračovali v práci na vojenských témach aj po skončení vojny. Najmä veľa kresieb a rytín o vojne bolo prezentovaných na výstavách prvých rokov mieru. Práca grafikov sa zároveň prirodzene uberala cestou zovšeobecňovania ich vedomostí a vizuálnych dojmov, cestou od skice a skice k stojanovému listu a celej grafickej sérii. V rokoch 1946-1950 tak vytvoril umelec V.V. Bogatkin (nar. 1922) niekoľko sérií litografií na základe materiálov jeho vojenských náčrtov. Počas vojnových rokov Bogatkin len začínal s tvorivou prácou. Veľa maľoval; značnú slávu získala jedna z jeho kresieb, zobrazujúca mladého vojaka na brehu Tisy (1945). Ale hlavnou oblasťou jeho práce bola krajina. Ticho opustených ulíc obliehaného Leningradu, potemnenú Moskvu, Berlín v dňoch kolapsu fašizmu, hory rozbitej techniky v jeho uliciach, sovietske tanky pri Brandenburskej bráne zachytáva Bogatkin vo svojich litografiách. V priebehu rokov stále viac a viac oceňujeme presnosť toho, čo sme videli, obsiahnuté v týchto listoch, vytvorených v horúčavách za vojnou.

Koncom 40. a začiatkom 50. rokov 20. storočia bol obraz vývoja stojanovej grafiky zložitý a v mnohých ohľadoch rozporuplný. Umelcom sa podarilo postrehnúť a sprostredkovať niektoré veľmi významné stránky nášho života a predovšetkým ukázať človeku, ktorý prešiel vojnou, radosť z návratu do práce, vášnivý smäd po tvorbe. Toto bolo obzvlášť výrazné v niektorých prácach venovaných kolektívnej farmárskej práci; krása pokojných polí našej vlasti bola v nich cítiť ako novonadobudnutý, dobytý majetok. Zároveň sa v prúde kresieb zobrazujúcich sovietskych ľudí a ich prácu jasne prejavili črty ilustratívnosti, chudoba myšlienok a pocitov. Prozaická dokumentárnosť zabránila mnohým umelcom v týchto dielach postúpiť na úroveň poetického zovšeobecňovania nášho života. Objavilo sa množstvo kresieb a rytín s historickými a revolučnými námetmi, umelci dávali do ich tvorby silu a talent, no obzvlášť tvrdo na nich pôsobil vplyv kultu osobnosti. Bránila umelcom vytvárať diela veľkej ideologickej saturácie, v niektorých dielach viedla k nesprávnemu pokrytiu úlohy ľudu ako tvorcu dejín.

Grafika týchto rokov sa po technickej stránke vyvíjala jednostranne. Mnohé grafické techniky sa takmer nepoužívali, prevládala maľba tušom, uhľom a čiernym akvarelom. Len v oblasti krajiny bola skutočná akvarelová maľba a niektoré druhy rytín celkom bežné. Ale v krajine často koexistovali rôzne techniky s vnútornou pasivitou vecí.

Na druhej strane v týchto rokoch vznikali diela veľkých umeleckých zásluh. Tak sa v tomto období sformoval originálny a silný talent BI Prorokova, dnes jedného z popredných majstrov sovietskej grafiky. Proporokovo dielo je bytostne späté s vojnovými rokmi, s tým, čo vtedy umelec videl a zažil. Ale Proroci nielenže vrátili všetky tie roky so spomienkou na jeho srdce do vojny, on dokázal svojim umením povedať tie najpotrebnejšie slová o mieri.

BI Prorokov sa narodil v roku 1911 v Ivanove-Voznesensku. Jeho záľuba v kreslení sa prejavila skoro, na strednej škole. Jeho školské kresby zaslané do súťaže novín „Komsomolskaja Pravda“ boli ocenené prvou cenou. To dalo ich autorovi právo získať vstupenku do Vyššieho umeleckého a technického inštitútu (Vhutein). Štúdium tam však Prorokovi dalo málo a trvalo menej ako dva roky. Len rady najväčšieho majstra politickej grafiky D.S.Moora, ktorý vyučoval litografiu, boli pre Proporokova veľmi cenné. Bez špeciálneho vzdelania prešiel Proporokov dobrou školou - politickou a umeleckou - v práci v "Komsomolskaja Pravda" a následne v časopise "Crocodil". Pri úlohách novín veľa cestoval po krajine, ako novinár sa naučil robiť veľké zásoby náčrtov pre budúce použitie, aby rýchlo dokončil akúkoľvek úlohu. Väčšina prorokovských predvojnových diel sú karikatúry na domáce a medzinárodné témy. Už jednotlivé ním realizované plagáty a najmä hárok odhaľujúci beštiálny antihumanistický charakter fašizmu predznamenali novinársku intenzitu, vášeň a ostrosť jeho ďalšej tvorby.

Od prvých mesiacov vojny Proroci pracovali v novinách posádky polostrova Hanko, ktoré hrdinsky odolávali obliehaniu nepriateľa.

„Niekedy sa hanbíme hovoriť o výkone umeleckého muža rovnako nahlas ako o výkone vojaka alebo veliteľa, kým sa spisovateľovi alebo umelcovi nestane, že v boji nahradí zabitého veliteľa a bude viesť obranu výšiny. “ napísal účastník obhajoby Hanko, ktorý o tom rozprával v príbehu „Ganguttsy“ Vl. Rudny. – A ja si nepredstavujem vytrvalý boj námorníkov z Gangutu * ( * Gangut bol názov polostrova Hanko za čias Petra I) v roku 1941 bez prorockého smiechu a satiry, bez jeho každodenných obrazových fejtónov, grafík, portrétov, vyrezávaných pre nedostatok zinku na klišé na linoleum vytrhané z podláh vo vojnou zničených domoch.“ Umelec odišiel od Hanka s poslednými odlúčeniami. námorníkov. Kronštadt a Leningrad v blokáde, Malaya Zemlya pri Novorossijsku, Berlín a Port Arthur – to sú míľniky jeho vojenskej cesty. A všade, aj v tých najťažších podmienkach a priamo v prvej línii, umelec veľa maľoval.

Prvú povojnovú sériu Prorokova - "V Kuomintangu v Číne" vytvoril na základe toho, čo videl na Ďalekom východe bezprostredne po porážke japonských militaristov. Svojím malým objemom len načrtáva niektoré črty života čínskeho ľudu, ktorý stále zažíva koloniálny útlak a bojuje za svoje národné oslobodenie. Ale už tu sa naplno prejavuje vášeň autorkinho postoja k životu. Umelec so súcitom kreslí čínskeho partizána – jednoduchého, skromného a odvážneho mladého muža, s nenávisťou a výsmechom – elegantných Američanov, ktorí organizovali neľudské preteky rikší; Zdá sa nám, že zdieľa šialenstvo zúrivého rečníka na mítingu, ako aj ťažkú ​​únavu rikše, ktorá sa krčí pod páliacim slnkom vedľa koča. V ďalších Proporokovových dielach budeme akoby cítiť jeho autorský hlas, jeho vždy vrúcne rozhorčenie či lásku, a preto nás jeho diela pohltia zvláštnou silou.

V nasledujúcich cykloch kresieb "Tu to je, Amerika!" a "Za mier!" hlas proroka-publicistu zosilnel. Život na jeho stránkach nadobúda hnevlivú silu politického odhalenia imperializmu. V kresbe „Nádrže agresora ku dnu“ ukazuje umelec vo vzrušujúcom patetickom obraze vôľu robotníkov po mieri, silu ich solidarity. Závan rozhorčenia uvoľnil sily, zhromaždil monolitickú skupinu ľudí a zhodil do vody tank. List je lakonický v kompozícii, plný pátosu boja; voľne znáša veľký nárast a nie raz ho priaznivci mieru mimo našej krajiny nosili ako plagát na demonštráciách. Séria "Tu to je, Amerika!" bola vykonaná Prorokom ako ilustračná pre knihu brožúr a esejí o Amerike. V podstate sa však zmenila na stojanový cyklus - tak samostatný, zrozumiteľný a bez textu obsah jej listov. Podobne aj neskoršie ilustrácie Prorokova ku knihe „Majakovskij o Amerike“ ​​nadobudli rysy stojana. Výzva k Mayakovskému bola v diele Proporokova hlboko logická. Umelec má veľmi blízko k vášnivému tlaku Majakovského básní a ich charakteristickému striedaniu hnevu a sarkazmu, odvážnych alegorických obrazov a povinného politického hodnotenia javov.

Vo všetkých svojich dielach po vojne Proroci bojujú za mier, odhaľujú imperializmus, neľudskosť jeho koloniálnej politiky, jeho militaristické plány. Ale najsilnejším prejavom umelca za mier bol jeho seriál "Toto sa už nesmie opakovať!"

V jeho sérii sú zvýraznené dva listy opačné nálady: na jednom - "Hirošima" - tvár odsúdená na zánik, ktorá sa na nás stále pozerá z pekla atómového výbuchu, na druhom - mladá matka s rukami v rukách, ktorá chráni dieťa, brániace svetlý život na zemi. Medzi týmito dvoma listami, ako v ráme, je rad obrázkov vojny. Ľudia v nich bojujú so smrťou, ktorú fašizmus prináša; a v hodine smrti pohŕdajú nepriateľom, ako mladá žena pohŕda katmi, v ktorých očiach je krvavé videnie Babiho Jara (obr. 17). Neexistujú žiadne detaily, ktoré by rozptyľovali obrovské napätie, každý list je pocit zachytený v najvyššom momente, toto je bolesť, ktorej ešte nie je súdené skončiť. Ostrá silueta a detail sú tu zvolené ako povinné umelecké techniky. Len umelec s veľkou odvahou a zanietenou vierou v ľudí nám mohol zopakovať krutú pravdu o minulej vojne s takou obrovskou silou. Jeho plachty plné bolesti, hnevu a utrpenia nenechajú nikoho ľahostajným. Testament českého komunistu J. Fučíka "Lidé, bdejte!" opäť nám znie v tejto sérii sovietskeho umelca.

Medzi dielami venovanými V. I. Leninovi vynikajú kresby najväčšieho majstra knižnej ilustrácie E. A. Kibrika (nar. 1906). V samostatných hárkoch série si umelec, ktorý pozorne študoval materiály súvisiace s Leninovými aktivitami v roku revolúcie, nielen osvojil prvú pravdu o vonkajšej podobnosti, ale posunul sa aj ďalej, do hĺbky vnútorných charakteristík.

List „V. I. Lenin v podzemí“ (obr. 18) reprodukuje júlové dni 1917, keď bol Lenin, kým žil v Petrohrade, prinútený ukryť sa pred psami dočasnej vlády. Ako si samotný umelec predstavoval zápletku tejto kresby? Podľa neho tu chcel ukázať Leninovi teoretika, vedca, mysliteľa, ktorý sa v tých časoch denne objavoval s článkami, ktoré vyzbrojovali stranu v boji za diktatúru proletariátu; Konkrétny moment, ktorý je potrebné znázorniť, opísal umelec takto: „... Lenin, ako to bolo pre neho typické, chodil po miestnosti a premýšľal nad obrovským materiálom, ktorý každý deň prinášal život a v ktorom musel zachytiť to najdôležitejšie vec, na čo je potrebné zacieliť večierok s ďalším článkom v Pravde. Keď zistil túto dôležitú vec, rýchlo si sadol za stôl, hneď zabudol na všetko na svete a pustil sa do práce.“ Je charakteristické, že Kibrik si predstavuje obraz v pohybe a pri kreslení jediného momentu v reťazci ostatných berie do úvahy predchádzajúci. Ticho malej osamelej izby je plné napätia veľkej driny. Umelec dokázal Levinovu zaneprázdnenosť a zaujatosť prácou sprostredkovať sústredeným výrazom tváre, postojom rýchlo píšuceho človeka.

Kresba "V. I. Lenin v Razliv" má inú náladu: obsahuje vzrušenie, zdržanlivý impulz. Prúd Leninových myšlienok je ďaleko od okolia a rozľahlosť jazernej krajiny akoby rozširovala záber listu. Vo vyššie citovanej knihe Kibrik podrobne opisuje postup svojej práce na týchto kompozíciách a každý, kto pozná jeho kresby, bude mať záujem prečítať si tieto stránky.

V polovici 50. rokov minulého storočia sú v grafike úžasné veci o našej modernej dobe. Umelec Yu.I.Pimenov - maliar, grafik a divadelný dekoratér - nám svojou veľkou sériou "Moskovský kraj" otvoril celý veľký svet, plný žiarivej radosti zo života. Pimenov má vzácny dar poetického opisu každodenného života, schopnosť vidieť krásu každodenného života. A krása, pozorovaná v obyčajnosti, si vždy nájde svoje mimoriadne blízke cesty k srdcu diváka. Ohriaty vzduch horúceho dňa na predmestí a postava dievčaťa na promenáde, energickí robotníci pri stavbe nových domov a žiariaci dážď na moskovskom okraji námestia - to sú jednoduché zápletky Pimenovových kresieb a akvarely. „Pre žánrového maliara sa mi zdá,“ napísal, „najvzácnejšie nálezy tie skutočné kúsky života, ktoré videl, kde sa veľká pravda o krajine odhaľuje v obyčajných, nemysliteľných, skutočných prípadoch každého dňa. “ Rýchly pracovný rytmus našej doby, jeho zvláštna, energická a obchodná krása žije v umeleckých dielach (pozri obálku). Hlavné kúzlo Pimenovových obrazov, a najmä jeho stálych hrdiniek - žien pracujúcich na stavenisku, zaoberajúcich sa rekonštrukciou bytu, šitím a domácimi prácami, možno spočíva v aktivite, aktivite. Svetlá, svetlá farebnosť jeho akvarelov robí aj tie najobyčajnejšie výjavy a veci slávnostnými. Veľkú malebnosť vnáša umelec aj do techniky čiernych akvarelov a uhlia. S gradáciou čiernej farby vie, ako sprostredkovať hĺbku tieňov padajúcich na vodu zo stromov a priehľadný chlad skorej jari, sviežosť dažďa na nástupišti stanice a živicový komfort lesnej cesty. . Pimenov je veľmi solídny umelec. Jeho uhol pohľadu na svet, okruh jeho obľúbených námetov zostáva rovnaký v sérii malieb zo 40. – 50. rokov 20. storočia – žánrové výjavy, zátišia, tak jednoducho a poeticky vypovedajúce o súčasníkovi, a v jeho grafikách, ba aj v próza - v knihe o moskovskom regióne, napísaná s vrúcnym nadšením, rýchlo, pôvabne a ľahko, s čisto umeleckou víziou života v jeho skutočne krásnom, mnohofarebnom šate.

Život v pohybe, nový a radostný, narodený každý deň, sa ponáhľa zachytiť Pimenova v jeho neskoršom seriáli "Nové štvrte".

Pimenov, ktorý v päťdesiatych rokoch viac ako raz navštívil zahraničie, predviedol sériu malých plátien a náčrtov založených na dojmoch z týchto ciest alebo priamo počas svojich ciest. Aj tu zostáva jeho pohľad predovšetkým pohľadom muža zamilovaného do krásy, žurnalistika preňho nie je charakteristická. Ale žalostné texty niektorých jeho cudzích vecí mimovoľne vyznievajú ako kontrast k zvučnému šťastiu jeho listov, venovaných bežným dňom a záležitostiam nášho života.

Pimenovove cudzie veci neboli v našom rozvrhu samé. V 50. rokoch 20. storočia a neskôr, keď sa medzinárodné kultúrne väzby našej krajiny rozšírili a mnohí umelci cestovali do rôznych krajín sveta, sa objavila celá skupina sérií založených na dojmoch z týchto ciest. Zvyčajne obsahovali výjavy z pouličného života, krajiny, jednotlivé listy portrétov. Umelci rozprávali o tom, čo videli, ukazovali malebné zákutia prírody, známe pamiatky architektúry a sochárstva, každodenné črty, ľudia sa stretávali na výletoch. Väčšinu týchto diel charakterizovala nútená plynulosť. No v dôsledku ciest vznikli aj ucelené série, v ktorých reportáž a skicovitosť vystriedalo skutočné umelecké zovšeobecňovanie. Zo zoznámenia sa s takýmito cyklami získal divák nielen reťaz živých turistických dojmov, ale aj nové poznatky o konkrétnej krajine a estetické potešenie.

Jednou z týchto vecí bola séria N. A. Ponomareva (nar. 1918) „Severný Vietnam“, vytvorená v roku 1957. Vzhľad tejto krajiny, ktorý vidí umelec, je plný šarmu: sivomodrá vysoká obloha, rozlohy pokojných vôd, ryžové polia a reťaz fialových skál na obzore, teraz jasne viditeľné, teraz sa topia v perlovom opare. . Pokojná, mierne kontemplatívna poézia každodenného života žije v týchto listoch. S hlbokým súcitom sú zobrazovaní ľudia - skromní, pracovití ľudia z Vietnamu - rybári, baníci, ženy, ktorí idú na bazár (och. 19), čakajú na prechod pri zálive. Jemné a jemné sfarbenie dodáva kresbám výraznosť. Vietnamská séria bola pre jej autora v mnohom zlomová. Umelec začal svoju kariéru kresbami dreveným uhlím a čiernym gvašom, venovanými baníkom z Donbasu (1949-1950). Mali veľa svedomitosti a práce a menej tvorivej inšpirácie. Umelec pri maľbe Vietnamu objavil vo svojej tvorbe nielen nové poetické tóny, ale aj schopnosť kolorista, ktorý vie vidieť harmóniu a dekoratívnosť zmiešanej techniky gvaše a pastelu.

Zo série podľa zahraničných impresií zaujali aj diela O. G. Vereiského (nar. 1915). O. Vereisky - dnes významný ilustrátor kníh sovietskych spisovateľov a grafik-stojan - vďačí za prvé znalosti umenia svojmu otcovi G. S. Vereiskému. Študoval aj na Akadémii umení v Leningrade. S rovnakou voľnosťou má O. Vereisky aj jemnú, malebnú kresbu čiernymi vodovými farbami alebo tušom a jasné kontrasty jasnej, jasnej techniky kresby perom. V poslednej dobe sa umelec začal zaujímať o niektoré techniky rytia a časť jeho kresieb, vykonaných v dôsledku ciest do Egypta, Sýrie a Libanonu, sa opakovala v tlači. Jedným z najlepších z nich je list s názvom "Odpočívaj na ceste. Sýria" (obr. 20). Je krásny vo farbe a lakonickom zložení, ale jeho hlavné kúzlo je v obraze ženy. Rafinovaná krása a ľahký smútok tváre, zdržanlivá jemnosť gest a prirodzená pôvab ženy sú umelkyňou reprodukované so skutočným estetickým potešením. Listy „Americkej série“ od O. Vereiského, ktorý videl nielen obradné, ale aj tienisté, každodenné črty amerického života, sú tiež plné presných postrehov.

Naše vedomosti o tejto krajine dopĺňa aj pôvab v jej lineárnych skicovitých perokresbách V. Gorjajeva - umelca ostrého, trochu sarkastického spôsobu, ilustrátora Marka Twaina, stáleho zamestnanca časopisu Krokodil.

Povojnovú grafiku charakterizujú veľké úspechy umelcov zväzových republík. Najsilnejšie grafické kolektívy sú teraz na Ukrajine, v Estónsku, Litve a Lotyšsku. Kresba aj akvarel majú v týchto republikách svojich veľkých umelcov a umenie grafiky sa rozvíjalo práve tu a vtedy, keď koncom 40-tych a začiatkom 50-tych rokov bolo v RSFSR na ústupe.

Ako príklad ukrajinskej stojanovej grafiky možno uviesť sériu „Ukrajinské ľudové dumy a piesne“ od M. Deregusa. Široko koncipovaný, vrátane listov rôznych nálad a tém, tento cyklus charakterizuje vyspelosť ukrajinskej grafiky, aj keď v tvorbe samotného Deregusa – krajinára a ilustrátora par excellence – sa trochu vymyká. Smútok a nádej listu „Duma Marusa Boguslavku“ a tragédiu osamelosti, oklamanej viery v ľudí v liste „Duma troch bratov Azovcov“ vystrieda odvážna poézia našich dní v skladbe „The Duma partizánov“ s ústredným obrazom Kovpaka. V grafike sa úspešne pohybujú mladí ukrajinskí umelci V. Panfilov, ktorý svoje rytiny venoval oceliarom, a I. Selivanov, ktorý tvoril listy na historické a revolučné témy. Typickým žánrom pre ukrajinskú grafiku je industriálna krajina, zvyčajne vykonávaná technikou gravírovania. Jej majstrami sú V. Mironenko, A. Paščenko, N. Rodzin a ďalší.

V pobaltských republikách je krajinná grafika veľmi rôznorodá. Je tu silný prúd komornej lyrickej krajiny, emotívnej, disponujúcej veľkým šarmom. Jeho tvorcami sú estónski výtvarníci, tlačiari R. Kaljo, A. Kerend, L. Ennosaar, akvarelista K. Burman (junior), grafici Lotyšska - A. Juncker, Litva - N. Kuzminskis a ďalší. V ich dielach sú lyrické úvahy a úzka komunikácia s prírodou, ktorá obohacuje dušu, a zakaždým je krása ich rodných polí, malebného starobylého Tallinnu atď. pochopená novým spôsobom.

V diele najstaršieho estónskeho kresliara G. Reindorfa získavajú krajinomaľské obrazy filozofickejšie zafarbenie. Teraz je pre nás ťažké predstaviť si dlhú tvorivú cestu tohto umelca, pretože takmer všetky jeho predvojnové diela zanikli počas Veľkej vlasteneckej vojny. No plodné je aj povojnové obdobie jeho činnosti. Reindorf sa narodil v roku 1889 v Petrohrade. Po úspešnom absolvovaní Stieglitzovej školy technického kreslenia získal právo cestovať do zahraničia a odišiel do Francúzska. Krátke obdobie zámorského dôchodku prerušila prvá svetová vojna. Po návrate do vlasti, Reindorf pracuje v oblasti úžitkovej a krajinnej grafiky, venuje sa pedagogickej činnosti. Jeho hlavné tvorivé záujmy v rokoch 1940 - 1950 pohltila krajina a čiastočne knižná ilustrácia. V týchto rokoch predvádzal svoje diela najmä vo forme kresieb; skôr umelec vytvoril aj expresívne ryté listy. Reindorfova snaha o objektívnu presnosť obrazu ide niekedy na úkor emocionálnej bohatosti jeho listov, no v jeho najlepších dielach sa tieto dva princípy spájajú. Najcharakteristickejšie sú v tomto smere jeho listy „Na horúce dni augusta“ (1955). Zvláštna harmónia spája všetko živé v tejto vidieckej krajine a virtuózna technika kresby grafitovou ceruzkou dodáva obliečkam tónovú bohatosť a osobitý filigránsky prejav.

V grafikách Pobaltia je aj línia romantickej krajiny nasýtená pátosom búrlivých nepokojných ľudských citov. V rytinách lotyšských umelcov P. Upītisa, O. Abelīteho na samostatných listoch M. Ozoliša sú obrazy prírody podfarbené akútnou emocionalitou, plnou vnútorného napätia.

V leptoch obyvateľa Rigy E. Andersona sa krajina stáva prostredím, v ktorom sa odohráva majestátne pôsobenie práce.

Mnohí pobaltskí umelci pôsobia ako krajinári aj ako autori tematických vecí a to ich diela len obohacuje. Vo všestrannej tvorbe estónskeho umelca EK Okasa (nar. 1915) možno nájsť napríklad krajinárske listy, portréty a tematické predmety. Okas sa narodil v Tallinne v robotníckej rodine a študoval tam - najprv na Štátnej umeleckej škole a potom na Štátnej vyššej umeleckej škole. Počas Veľkej vlasteneckej vojny pôsobil ako frontový umelec. Okas je maliar a zároveň majster knižnej ilustrácie. No ak obrazy, ktoré vytvoril pre stránky kníh, sú od nás niekedy oddelené na desaťročia a stáročia, hrdinovia jeho stojanových diel vždy žijú moderne a dýchajú v žiadnom prípade pokojnou atmosférou. Pocit zložitosti moderného sveta s jeho akútnymi sociálnymi rozpormi napĺňajú napríklad listy holandskej a talianskej série cestopisných náčrtov Okasa, zásadne ním realizovaných rôznymi technikami rytia. Bystrozraké a prísne pravdivé, tieto výtlačky znejú ako skutočná žurnalistika. Litovský umelec V. Jurkunas (nar. 1910) sa venuje aj knižnej a stojanovej grafike. V roku 1935 absolvoval umeleckú školu v Kaunase a neustále sa venuje pedagogickej činnosti. V jeho rytinách sa zdá, že ľudia sú obzvlášť úzko spätí s rodnou prírodou, rodnou krajinou. Takí sú hrdinovia ním reprodukovanej Maironisovej básne (1960; chor. 21), taká je kolchozníčka, ktorá si získala sympatie mnohých divákov – obraz mládeže kráčajúcej po krásnej krajine, geniálne jednoduchý a energický, ohromujúci s jedinečnou integritou pocitov („Budem dojičkou“, 1960). Technika rytia linolea v obliečkach V. Yurkunasa má lakonizmus aj flexibilitu, prirodzene slúži na vytváranie jeho ľahkých, optimistických obrazov.

Traffic of the Baltics pracuje v oblasti portrétu s nadšením, a ak medzi dielami umelcov RSFSR máme dnes okrem vždy úspešných, no už vzácnych predstavení GS Vereiského, len ostro charakteristické leptané portréty M. Feigin, v Pobaltí nás poteší jemnou a pestrou zručnosťou množstvo portrétistov.

Estónsky umelec E. Einmann (nar. 1913) dosiahol v tomto žánri veľa. Vzdelanie získal na Štátnej škole úžitkového umenia a Vyššej umeleckej škole v Talline, jeho tvorivá cesta sa začala počas Veľkej vlasteneckej vojny. Teraz, v dlhej sérii jeho diel, sú črty jeho talentu jasne viditeľné. Premyslený a opatrný postoj umelca k vnútornému svetu jeho modelov. Charakteristickým znakom jeho práce je úcta k človeku. Vždy sa to prejaví, či už umelec maľuje starého rybára alebo mladú študentku učilišťa, zdravotnú sestru alebo herečku. Priamy zážitok autora, posudzovanie predlohy, zároveň zostáva niekde bokom, hlavný je o nej zdržanlivý a objektívny príbeh. Einmannove portréty uchvacujú jemnosťou grafického spôsobu, ktorý je cudzí vonkajším efektom. Táto jemnosť odlišuje jeho listy, vyhotovené grafitovou alebo talianskou ceruzkou, akvarelmi a litografiou.

Emocionálne a lyrické je portrétne dielo estónskeho umelca A. Bach-Liimanda, ktorému sa darí najmä v ženských a detských obrazoch. Portréty a autoportrét litovskej výtvarníčky A. Makunaite, pracujúcej v linoryte, sú plné vážnych myšlienok. Uhľové portréty, ktoré vytvoril mladý lotyšský kresliar F. Pauluk, sú expresívne.

Grafika na Ukrajine a v Pobaltí má dlhoročnú tradíciu a preto je jej úspech v mnohých ohľadoch prirodzený. Ale aj v takých republikách, ako je napríklad Kirgizsko alebo Kazachstan, kde je grafika veľmi mladá, už zaznamenala výrazné úspechy.

Popredným grafikom v Kirgizsku je študent Moskovského polygrafického inštitútu, ktorý dlhé roky pôsobí vo Frunze, L. Ilyina (nar. 1915). Monumentalita, veľké formy, lakonická reč sú charakteristické črty jej linorytov. V posledných rokoch Iljina, ktorá sa trochu vzďaľuje od knižnej ilustrácie, predvádza množstvo stojanových diel, najmä krajinársku sériu drevorezieb „Native Lands“ (1957) a veľkú sériu kolorovaného linorytu, venovanú žene z jej republiky. Rysy nového, ktoré odlišujú náš život, sú možno obzvlášť viditeľné v ženských osudoch, ktoré ukazuje kirgizská umelkyňa. Práca teraz ženy neohýba, ale dáva len majestátnosť a význam držaniu tela. Voľná, nenútená pozícia je charakteristická tak pre pestovateľku repy (1956), ako aj pre delegátov vzdialeného Tien Shan, ktorí pozorne počúvajú rečníka (1960). Linoryt L. Ilyina sú plastické, objem je v nich voľne tvarovaný so živým, hrubým ťahom, veľkými farebnými škvrnami. Zároveň je vždy zachovaná siluetová dekoratívnosť listu (obr. 22).

V Azerbajdžane zaujímavo v oblasti farebnej litografie pracuje umelec M. Rahman-zade (nar. 1916), ktorý zobrazuje pobrežné ropné polia v Kaspickom mori. Do svojich sérií vie pridať rôzne motívy, zdanlivo podobné a zároveň v industriálnej krajine objavovať zakaždým niečo nové. List „Trestle“ z jej diel z roku 1957 vyniká okrem iného harmóniou kompozície, zvučnou kombináciou žiarivo žltého tónu vody a čiernej prelamovanej štruktúry. Toto sú niektoré z úspechov republikových rytcov a kresliarov.

Dnešná grafika je veľmi odlišná od grafiky prvej povojnovej dekády. Čo nové sa v ňom teda na rozdiel od predošlého objavilo? Ak sa skôr, len v ojedinelých veciach, modernosť zachytávala s nefalšovanou poetickou generalizáciou, teraz sú jej živé črty roztrúsené v mnohých grafických dielach. Masívny obrat umelcov smerom k modernite prináša výsledky. Modernosť je asimilovaná vo svojich nie vonkajších, hlbokých črtách, umelcom sa odhaľuje nová tvár našej krajiny, sovietskeho človeka. V mnohom má grafika posledných rokov niečo spoločné s maľbou. Tvrdú a impulzívnu tvár doby vidia umelci týchto umení, ich dielami preniká osobitá aktivita vnímania sveta. A túžba po nových, ešte nevyskúšaných umeleckých formách sa pre nich ukazuje ako bežná. V grafike sa toto všetko týka predovšetkým tlače. Jeho vzostup začal v polovici 50. rokov 20. storočia a teraz môžeme hovoriť o jeho skutočnom rozkvete. Tento rozkvet súvisí predovšetkým s prílevom nových mladých síl do stojanového gravírovania. No prispeli k tomu aj už skúsení umelci. Napríklad v krajinách A. Vedernikova sa Leningrad, zaťažený mnohými tradíciami svojho zobrazovania, nečakane objavuje v takom novom vzhľade, žiariacom čistými farbami, že sa zdá byť videný prvýkrát. Vedernikovova technika farebnej litografie nenapodobňuje ani kresbu farebnou ceruzkou, ani detailnú akvarelovú maľbu. Umelec pracuje so zovšeobecnenými formami, odvážnymi kombináciami niekoľkých čistých tónov. Jeho hľadanie dekoratívnosti vo farebnej litografii je jednou z mnohých charakteristických čŕt dnešnej grafiky.

Medzi úspechy grafík zaraďujeme aj drevorezby FD Konstantinova o vidieckej robote, najmä jeho krajinársky list „Jar na kolchoze“ (1957; il. 23) a krajinky arménskeho umelca MM Abegyana –“ Skalnaté pobrežie Zangi, „V horách Bjni“ (1959) a mnohé ďalšie diela umelcov staršej a strednej generácie.

Ale nová, charakteristická moderná grafika, je obzvlášť zreteľne cítiť vo veciach mladých. I. Golitsyn, A. Ushin, G. Zacharov, Ya.Manukhin, I. Sbrosov, L. Tukačev, K. Nazarov, V. Popkov, D. Nodia, I. Nekrasov, V. Volkov - celá galaxia mladých ľudí ktorý hovoril jasnou tlačou. Obyčajné predmestské krajiny vidíme v „Suite o drôtoch“ od A. Ushina (nar. 1927), žiaka Leningradskej umelecko-pedagogickej školy (24. obr.). V jeho plachtách sa nedejú žiadne udalosti, len elektrické vlaky sa v tichosti rútia a zároveň sa tu veľa deje - oceľové nosníky, ktoré podopierajú drôty, stúpajú, zväzky svetla z okna vlaku trhajú hustú nočnú tmu, biely bleskový dážď prekročí ju a na čiernej oblohe sa na oslnivej hromade hromadia oblaky - život ide ďalej, jedinečný, živý, veľmi ostro cítiť, vo svojom najaktívnejšom, napätom stave. Práve toto akútne, aktívne vnímanie života v jeho neustálej dynamike odlišuje mnohé diela mladých ľudí. Spája ich diela. Okrem toho sú mladí ľudia vo svojej práci veľmi individuálni. Každý z menovaných umelcov má už v umení svoju tvár, svoj úsudok o živote, svoje chápanie ryteckého jazyka.

Jedinečne vyznievajú priestranné krajiny a lyrické výjavy G. Zacharova so zdôrazneným rytmom veľkých čiernobielych ťahov a škvŕn. Premyslené, mierne ironické krajiny-poviedky I. Golitsyna sú detailne prepracované, kde každý dom je celým príbehom o živote obrovského mesta a na križovatke ulíc sa nám v okamžitej a trochu pesimistickej vízii odvíja zvitok ľudskej každodennosti. . Golitsynovu flexibilnú techniku ​​rytia do striebra do značnej miery ovplyvnil Favorskij. Jemnosť drevorezieb, jej tónová bohatosť, taká podriadená Favorskému, akoby rozširovala obzory Golitsyna, umelca väčšej, odvážnejšej techniky rytiny na linoleum (obr. 25),

Trochu drsný, významný a vo svojich najobyčajnejších prejavoch život plynie 24. A. A. U shin. Dážď. 1960 veľkého mesta v leptoch Leningradera V. Volkova. Jeho plachty, oslobodené od zhonu maličkostí, monumentalizujú realitu, akoby v prúde každodennosti odhaľovali jej odvážny majestátny rytmus. A ľudí ukazuje umelec v jednom, ale podstatnom aspekte - sú to prísni, lakonickí robotníci.

Priemyselnú krajinu a scény práce aktívne a dynamicky vníma gruzínsky umelec D. Nodia. Priehľadný svet mladosti, nádherné spojenie detskej jasnosti duše a dospeláckej jemnosti emocionálnych pohybov odhaľuje Ya.Manukhin v krehkom obraze svojej populárnej „trávy“.

Ten istý umelec na rytine venovanej boju za mier dosahuje zvláštne vyjadrenie obrazu, ktorý stelesňuje hnev a bolesť Hirošimy. Zároveň sa Manukhin veľa naučil z blízkosti jeho stojana k umeniu plagátu (obr. 26).

O práci dopravných robotníkov v sérii rytín a gvašov podrobne s nadšením rozpráva V. Popkov (obr. 27), ktorý sa v posledných rokoch zaujímavým spôsobom prejavil ako maliar. Vo všetkých týchto dielach nám mladí umelci odhaľujú rôzne stránky našej moderny, videné po svojom a veľmi sviežo.

Samozrejme, nie všetko sa v polygrafii darí až teraz. Nechýba ani malý opis každodenného života, názornosť. Často sa s nimi stretávame v seriáloch venovaných práci, ako aj nudnému protokolu v industriálnej krajine. Sú aj veci, ktorých celý význam je vyčerpaný ich vonkajšou dekoratívnosťou. Na druhej strane, v kresbe sa zrodilo aj niečo nové, čo sa v posledných rokoch objavilo v grafickej tvorbe, hoci taký silný odstup mladých sa tu neobjavil. V tomto smere je príznačná tvorivá cesta V. Ye.Tsigala (nar. 1916). Začalo to v prvých povojnových rokoch sériou kresieb tušom a akvarelom, v ktorých sa autenticky, často lyricky a vrúcne, no stále bez veľkých umeleckých objavov, ukázal život a dielo sovietskeho ľudu. Tsigalovi zároveň čiastočne prekážala jeho prílišná aktivita, túžba obsiahnuť svojím umením príliš široké spektrum životných javov. Tsigal pracoval rýchlo, veľké série jeho listov sa objavovali takmer na všetkých veľkých výstavách. Skutočné tvorivé sústredenie sa k nemu však dostalo až vtedy, keď začal cestovať a študovať život roľníkov v horských dedinách Dagestanu a pomerne dlho ho táto téma unášala, samozrejme, za umelca dosť vďačná. . Takto sa objavila jeho séria "Dagestan" (1959 - 1961), ktorá bola pre Tsigala veľkým krokom vpred. V tomto cykle je tak nenarušené čaro novosti života horalov, ktoré sa umelkyni odkrylo, aj niektoré veľmi intímne, jej každodenné črty postrehnuté priateľským pohľadom a zvláštny pocit harmónie medzi človekom a prírodou. Jej obliečky sú postavené na subtílnom porovnaní motívov bežných pre Dagestan, no zrazu nám jasne odhaľujúce špecifiká spôsobu života i vzťahu ľudí, večného a zároveň tak trochu neuchopiteľne moderného (obr. 28).

V súčasnom vzostupe stojanovej grafiky našlo svoje miesto komplexné / jemné umenie akvarelu. Pri akvareloch je potrebný najmä verný vzhľad a rýchla presná ruka. Opravy sú v ňom takmer nemožné a pohyb štetca s farbou a vodou je klamlivo ľahký a vyžaduje od umelca prísnu disciplínu. Ale koloristické možnosti akvarelu sú bohaté a priesvitnosť papiera pod priehľadnou vrstvou farby mu dodáva jedinečnú ľahkosť a pôvab. "Akvarel je maľba, z ktorej by som sa tajne chcel stať grafikou. Akvarel je grafika, ktorá sa stáva maľbou zdvorilo a jemne, pričom svoje úspechy stavia nie na zabíjajúcom papieri, ale na nezvyčajnom odhalení jeho pružného a nestabilného povrchu," napísal raz jeden z AA. Sidorov, najväčší odborníci na sovietsku grafiku. Krajinári sú dnes, ako aj v 30. rokoch 20. storočia najvýznamnejšími majstrami akvarelu u nás. Diela S. Boima, N. Volkova, G. Khrapaka, S. Semenova, V. Alfeevského, D. Genina, A. Mogilevského a mnohých ďalších ukazujú život moderného mesta, prírody v bohatosti jej farieb, v r. jeho krásna rozmanitosť. A čoraz menej pasívna popisnosť nachádza svoj úkryt v krajine.

To sú niektoré z vlastností modernej sovietskej grafiky. Jej obraz je však taký zložitý a bohatý, že si určite zaslúži samostatný popis. Naším cieľom bolo iba zoznámiť sa s tvorbou najznámejších majstrov stojanovej grafiky a jednotlivými momentmi jej histórie.

Umelec Yu. I. Pimenov, o ktorého kresbách sa hovorilo vyššie, napísal: „Cesta umelca je cestou očarujúceho života a cestou jeho vyjadrenia, plnou sklamaní a neúspechov. Potom sa ozve ozvena, niekde zaznie vlna tohto pocitu. a kvitne." Kvôli tomuto „zrnku želania“, kvôli vlne odozvy, ktorá je pre umelca absolútne nevyhnutná, sa robí všetka jeho ťažká a radostná práca.

Nižšie budú predstavení umelci, ktorí sú známi po celom svete vďaka svojej schopnosti kresliť obyčajnou bridlicovou ceruzkou. Každý z nich má svoj vlastný štýl, osobnosť, ako aj obľúbené témy pre kreativitu. Okrem toho je meno každého autora aj odkazom na autorovu osobnú online galériu, kde si môžete podrobnejšie a detailnejšie preštudovať kresby ceruzou a životopis každého z nich.
Keď si prezeráte obrázky, na každom z obrazov si všimnete niekoľko zaujímavých prvkov. Niektoré sa vyznačujú jemnými líniami, hladkými prechodmi svetla a tieňov a efektívnymi tvarmi. Iní, naopak, používajú vo svojom umení tvrdé čiary a jasné ťahy, ktoré vytvárajú dramatický efekt.
Na našej stránke sme už zverejnili obrázky niektorých majstrov. Tu je zoznam článkov, kde môžete vidieť niektoré rovnako atraktívne kresby ceruzkou.

• Album neuveriteľných ilustrácií Matthiasa Adolfssona;

Jd Hillberry

Prirodzené schopnosti a silná túžba upozorniť na svoju prácu sa u JD Hillberryho objavili už v detstve. Vášeň a talent urobili z umelca jedného z najlepších umelcov kreslenia ceruzkou na svete. Ešte počas štúdia vo Wyomingu začal rozvíjať svoju vlastnú techniku, miešaním dreveného uhlia a grafitu, aby vo svojich kresbách dosiahol fotorealistický efekt. JD používa monochromatické svetlo, aby upriamil pozornosť diváka na hru svetla, tieňa a textúry. Počas svojej kariéry sa snažil ísť za hranice realizmu a výrazu. Po presťahovaní do Colorada v roku 1989 začal Hillberry experimentovať s trikovými kresbami. Tradične sa tento typ práce vykonáva v oleji, ale úspešne sprostredkoval realizmus deja pomocou ceruzky. Divák pri pohľade na takéto obrázky je oklamaný, aby si myslel, že objekt je v ráme alebo v okne, hoci v skutočnosti sú všetky tieto prvky nakreslené. J.D. Hillberry, ktorý pracuje vo svojom ateliéri vo Westminsteri v Colorade, svojimi kresbami naďalej rozširuje vnímanie verejnosti.

Brian Duey

Brian je jedným z najúžasnejších umelcov kreslenia ceruzkou, ktorý krásne spolupracuje s ceruzkou a vytvára inšpiratívne umelecké diela. Tu je to, čo on sám hovorí o svojej práci a o sebe:
"Volám sa Brian Duey. Narodil som sa a vyrastal som v Grand Rapids v štáte Michigan. Navštevoval som verejnú školu v malej dedine Granville, kde som sa prvýkrát zoznámil s umením. Nikdy som nepremýšľal o vážnosti svojej vášne, ale zistil som silná túžba kresliť ceruzkou v 20. Sedela som sama vo svojom dome a z nudy som sa rozhodla, že zoberiem ceruzku a začnem kresliť. Kreslenie som si okamžite zamilovala a chcela som to robiť stále. S každým kreslenie som bol stále lepší.vlastná technika a originálne triky pri práci.Snažím sa vytvárať realistické kresby a pridávať vlastné konceptuálne nápady.Často sa ma pýtajú,čo ma inšpiruje a kde som sa naučil kresliť.Môžem otvorene vyhlásiť,že som samouk.
Moje ilustrácie boli publikované v knihách a prianiach, na obaloch CD a v rôznych časopisoch. Komerčnej práci sa venujem od roku 2005 a za ten čas som získal klientov po celom svete. Väčšina mojich objednávok pochádza zo Spojených štátov, Veľkej Británie a Kanady, ale spolupracujem aj so zákazníkmi v Írsku. Moje obrazy boli vystavené v galériách v Spojených štátoch. V roku 2007 som bol požiadaný, aby som namaľoval portrét Britney Spears, ktorý bol súčasťou galérie umenia v Hollywoode v Kalifornii. Udalosť bola pokrytá na MTV a získal som celosvetovú slávu. Neuspokojím sa s tým, čo sa už podarilo, a budem pokračovať v práci. Mám nové nápady a plány. Jedným z mojich cieľov do budúcna je vydať náučnú knihu kreslenia.

T. S. Abe

Hoci sme Abeho diel nenašli veľa, z jej ilustrácií je jasné, že ide o majstra vysokej triedy. Umelkyňa má vynikajúce zručnosti s ceruzkou a je zbehlá v zobrazovaní zložitých nápadov pomocou vlastných techník. Abeho obrazy sú harmonické a vyvážené, komplexné a zároveň ľahko vnímateľné. Je jednou z najtalentovanejších umelkýň, ktoré kreslia ceruzkou súčasnosti.

Cesar Del Valle

Umelec vo svojich dielach používa špeciálnu unikátnu techniku ​​kresby ceruzkou. Caesarove ilustrácie ukazujú nielen jeho talent, ale odrážajú aj autorovo jemné vnímanie prostredia.

Henrik

Henrikovo dielo je prezentované v Deviant Art Gallery. Jeho kresby sú zaujímavým príkladom umenia ceruzkou. Majster zázračne používa čierne a biele tóny na sprostredkovanie originálnych obrázkov a nezvyčajných nápadov.