Melódie a piesne ruského ľudu inšpirovali diela slávnych skladateľov druhej polovice 19. storočia. Medzi nimi boli P.I. Čajkovskij, M.P. Musorgskij, M.I. Glinka a A.P. Borodin. Na ich tradície nadviazala celá plejáda vynikajúcich hudobných osobností. Ruskí skladatelia 20. storočia sú stále populárni.

Alexander Nikolajevič Skrjabin

A.N. Skrjabin (1872 - 1915), ruský skladateľ a talentovaný klavirista, pedagóg, inovátor, nemôže nikoho nechať ľahostajným. V jeho originálnej a impulzívnej hudbe zaznejú miestami až mystické momenty. Skladateľa priťahuje a ťahá obraz ohňa. Aj v názvoch svojich diel Skrjabin často opakuje slová ako oheň a svetlo. Vo svojich dielach sa snažil nájsť možnosť spojenia zvuku a svetla.

Skladateľov otec, Nikolaj Aleksandrovič Skrjabin, bol známy ruský diplomat, skutočný štátny radca. Matka - Lyubov Petrovna Scriabin (rodená Shchetinina), bola známa ako veľmi talentovaná klaviristka. Konzervatórium v ​​Petrohrade ukončila s vyznamenaním. Jej profesionálna kariéra začala úspešne, no čoskoro po narodení syna zomrela na konzum. V roku 1878 Nikolaj Alexandrovič ukončil štúdium a bol pridelený na ruské veľvyslanectvo v Konštantínopole. Vo výchove budúceho skladateľa pokračovali jeho blízki príbuzní - babička Elizaveta Ivanovna, jej sestra Maria Ivanovna a sestra jej otca Lyubov Alexandrovna.

Napriek tomu, že vo veku piatich rokov ovládal Skrjabin hru na klavíri a o niečo neskôr začal študovať hudobné kompozície, podľa rodinnej tradície získal vojenské vzdelanie. Absolvoval 2. moskovský kadetný zbor. Paralelne absolvoval súkromné ​​hodiny klavíra a hudobnej teórie. Neskôr vstúpil na Moskovské konzervatórium a promoval s malou zlatou medailou.

Na začiatku svojej tvorivej činnosti Skrjabin zámerne nasledoval Chopina a vybral si rovnaké žánre. Už v tom čase sa však objavil jeho vlastný talent. Začiatkom 20. storočia napísal tri symfónie, potom Báseň extázy (1907) a Prometheus (1910). Zaujímavosťou je, že skladateľ do partitúry „Prometheus“ pridal aj časť svetelnej klaviatúry. Ako prvý použil svetlo a hudbu, ktorej účelom je odhaľovanie hudby metódou vizuálneho vnímania.

Náhodná smrť skladateľa prerušila jeho tvorbu. Nikdy nezrealizoval svoj plán vytvoriť "Mystery" - symfóniu zvukov, farieb, pohybov, vôní. V tomto diele chcel Skrjabin povedať celému ľudstvu svoje najvnútornejšie myšlienky a inšpirovať ho, aby vytvoril nový svet, poznačený spojením univerzálneho ducha a hmoty. Jeho najvýznamnejšie diela boli len predslovom k tomuto grandióznemu projektu.

Slávny ruský skladateľ, klavirista, dirigent S.V. Rachmaninov (1873 - 1943) sa narodil v bohatej šľachtickej rodine. Rachmaninov starý otec bol profesionálnym hudobníkom. Prvé hodiny klavíra mu dávala matka a neskôr ho pozval učiteľ hudby A.D. Ornatskaja. V roku 1885 ho rodičia pridelili do súkromnej internátnej školy k profesorovi Moskovského konzervatória N.S. Zverev. Poriadok a disciplína vo vzdelávacej inštitúcii mali významný vplyv na formovanie budúceho charakteru skladateľa. Neskôr absolvoval Moskovské konzervatórium so zlatou medailou. Ešte počas štúdia bol Rachmaninov veľmi obľúbený u moskovskej verejnosti. Zložil už svoj Prvý klavírny koncert, ako aj niekoľko ďalších romancí a skladieb. A jeho Prelude in C Sharp Minor sa stala veľmi populárnou skladbou. Veľký P.I. Čajkovskij upozornil na diplomovú prácu Sergeja Rachmaninova - operu „Oleko“, ktorú napísal pod dojmom básne A.S. Puškinovi "Cigáni". Piotr Iľjič ho uviedol na scénu vo Veľkom divadle, pokúsil sa pomôcť so zaradením tohto diela do repertoáru divadla, no nečakane zomrel.

Od dvadsiatich rokov Rachmaninov vyučoval na niekoľkých inštitútoch, dával súkromné ​​hodiny. Na pozvanie slávneho filantropa, divadelnej a hudobnej osobnosti Savvu Mamontova sa skladateľ vo veku 24 rokov stáva druhým dirigentom Moskovskej ruskej súkromnej opery. Tam sa spriatelil s F.I. Shalyapin.

Rachmaninova kariéra bola prerušená 15. marca 1897 kvôli odmietnutiu jeho inovatívnej Prvej symfónie petrohradskou verejnosťou. Recenzie na toto dielo boli skutočne zdrvujúce. Najväčší smútok však skladateľovi priniesla negatívna spätná väzba, ktorú zanechal N.A. Rimského-Korsakova, ktorého názor Rachmaninov veľmi ocenil. Potom upadol do dlhotrvajúcej depresie, z ktorej sa mu podarilo dostať s pomocou lekára-hypnotizéra N.V. Dahl.

V roku 1901 Rachmaninoff dokončil prácu na druhom klavírnom koncerte. A od tohto momentu začína jeho aktívna tvorivá činnosť ako skladateľa a klaviristu. Jedinečný Rachmaninovov štýl spájal ruské cirkevné spevy, romantizmus a impresionizmus. Melódiu považoval za hlavný vedúci princíp v hudbe. Tá našla svoj najväčší výraz v autorovom obľúbenom diele – básni „Zvony“, ktorú napísal pre orchester, zbor a sólistov.

Koncom roku 1917 Rachmaninov a jeho rodina opustili Rusko, pracovali v Európe a potom odišli do Ameriky. Skladateľ bol veľmi rozrušený rozchodom s vlasťou. Počas Veľkej vlasteneckej vojny organizoval charitatívne koncerty, z ktorých výťažok posielal Fondu Červenej armády.

Stravinského hudba sa vyznačuje štýlovou rôznorodosťou. Na samom začiatku jeho tvorivej činnosti vychádzala z ruských hudobných tradícií. A potom v dielach počuť vplyv neoklasicizmu, charakteristický pre hudbu Francúzska toho obdobia a dodekafóniu.

Igor Stravinskij sa narodil v Oranienbaume (dnes Lomonosov) v roku 1882. Otec budúceho skladateľa Fjodora Ignatieviča je známy operný spevák, jeden zo sólistov Mariinského divadla. Jeho matkou bola klaviristka a speváčka Anna Kirillovna Kholodovskaya. Od deviatich rokov mu učitelia viedli hodiny klavíra. Po skončení strednej školy nastupuje na žiadosť rodičov na právnickú fakultu univerzity. Dva roky, od roku 1904 do roku 1906, bral lekcie z N.A. Rimského-Korsakova, pod vedením ktorého napísal prvé diela – scherzo, klavírnu sonátu, suitu Faun a Pastierka. Sergej Diaghilev vysoko ocenil skladateľov talent a ponúkol mu spoluprácu. Spoločná práca vyústila do troch baletov (v inscenácii S. Diaghileva) - Vták Ohnivák, Petruška, Svätenie jari.

Krátko pred prvou svetovou vojnou odišiel skladateľ do Švajčiarska, potom do Francúzska. V jeho tvorbe sa začína nové obdobie. Študuje hudobné štýly 18. storočia, píše operu Kráľ Oidipus, hudbu k baletu Apollo Musaget. Jeho štýl sa v priebehu času niekoľkokrát zmenil. Skladateľ žil dlhé roky v USA. Jeho posledným slávnym dielom je „Requiem“. Za vlastnosť skladateľa Stravinského sa považuje schopnosť neustále meniť štýly, žánre a hudobné smery.

Skladateľ Prokofiev sa narodil v roku 1891 v malej dedinke v provincii Jekaterinoslav. Svet hudby mu otvorila matka, dobrá klaviristka, ktorá často uvádzala diela Chopina a Beethovena. Stala sa tiež skutočnou hudobnou mentorkou pre svojho syna a okrem toho ho naučila nemčinu a francúzštinu.

Začiatkom roku 1900 mohol mladý Prokofiev navštevovať balet Šípkovej Ruženky a počúvať opery Faust a Knieža Igor. Dojem z predstavení moskovských divadiel bol vyjadrený v jeho vlastnej tvorbe. Píše operu Obr a potom predohru k Deserted Shores. Rodičia si čoskoro uvedomia, že nemôžu pokračovať vo výučbe hudby svojho syna. Čoskoro, vo veku jedenástich rokov, bol ctižiadostivý skladateľ predstavený slávnemu ruskému skladateľovi a učiteľovi S.I. Taneev, ktorý osobne požiadal R.M. Gliera študovať hudobnú kompozíciu u Sergeja. S. Prokofiev ako 13-ročný zložil prijímacie skúšky na petrohradské konzervatórium. Na začiatku svojej kariéry skladateľ veľa koncertoval a koncertoval. Jeho práca však vyvolala medzi verejnosťou nepochopenie. Bolo to kvôli zvláštnostiam diel, ktoré boli vyjadrené takto:

• modernistický štýl;
• zničenie zavedených hudobných kánonov;
• extravagancia a dômyselnosť skladateľských techník

V roku 1918 S. Prokofiev odišiel a vrátil sa až v roku 1936. Už v ZSSR písal hudbu k filmom, operám, baletom. Ale potom, čo bol spolu s mnohými ďalšími skladateľmi obvinený z „formalizmu“, prakticky sa presťahoval do chaty, ale pokračoval v písaní hudobných diel. Jeho opera Vojna a mier, balety Rómeo a Júlia a Popoluška sa stali majetkom svetovej kultúry.

Ruskí skladatelia 20. storočia, ktorí žili na prelome storočí, nielen zachovali tradície predchádzajúcej generácie tvorivej inteligencie, ale vytvorili aj vlastné jedinečné umenie, pre ktoré diela P.I. Čajkovskij, M.I. Glinka, N.A. Rimskij-Korsakov.

Flegontová Anastasia

trieda 7špecializácia "Hudobná teória",MAOUDOD DSHI číslo 46, Kemerovo

Zaigraeva Valentina Afanasyevna

vedecký riaditeľ,učiteľ teoretických disciplín MAOU DOD "DSHI č. 46"

Úvod

Každé väčšie mesto má symfonický orchester. Je žiadaný v operných domoch aj vo filharmonických spoločnostiach. Ale samotný žáner symfónie – jeden z najúctyhodnejších žánrov akademickej hudby – dnes vytláča komorná a elektronická hudba. A môže sa stať, že príde hodina, keď sa tak skvelý žáner, akým je symfónia, vo všeobecnosti prestane hrať na koncertoch. Aspoň takmer prestali skladať symfónie. Relevantnosť výskumné témy: neutíchajúci záujem o problematiku budúcej existencie žánru „symfónia“, čo čaká symfóniu v 21. storočí: znovuzrodenie alebo zabudnutie? Výskumný objekt je symfónia ako žáner a ako vážny spôsob chápania sveta a ľudského sebavyjadrenia. Predmet štúdia: vývoj symfonického žánru od jeho počiatkov až po súčasnosť. Účel práce:študovať črty vývoja symfonického žánru. Ciele výskumu: analyzovať vedecký a teoretický materiál o probléme; popísať symfonické zákony, normy, modely a trendy vo vývoji žánru.

kapitolaja. História slova "symfónia".

Symfónia (z gr. symphonía - súzvuk, od sýn - spolu a telefón - zvuk), hudobná skladba v sonátovej cyklickej forme, určená na prednes symfonického orchestra; jeden z najdôležitejších žánrov symfonickej hudby. Na niektorých symfóniách sa podieľajú aj zboroví a sóloví speváci. Symfónia je jedným z najťažších hudobných žánrov. „Vytvoriť symfóniu pre mňa znamená vybudovať svet všetkými prostriedkami modernej hudobnej technológie,“ povedal rakúsky skladateľ Gustav Mahler.

Spočiatku v starovekom Grécku bola „symfónia“ eufónnym zvukom tónov, spoločným spevom v súzvuku. V starovekom Ríme takzvaný už súbor, orchester. V stredoveku bola svetská hudba vo všeobecnosti považovaná za „symfóniu“ (vo Francúzsku sa tento význam zachoval až do 18. storočia), takže niektoré hudobné nástroje (najmä kolesová lýra) mohli byť nazývané. V Nemecku bola symfónia do polovice 18. storočia všeobecným označením pre odrody čembala - spinety a virginely, vo Francúzsku takzvané sudové organy, čembalá, dvojhlavé bubny atď.

Na konci baroka niektorí skladatelia, ako Giuseppe Torelli (1658-1709), vytvorili skladby pre sláčikový orchester a basso continuo v troch častiach, s tempom „rýchlo – pomaly – rýchlo“. Hoci sa takéto skladby zvyčajne nazývali „koncerty“, nijako sa nelíšili od skladieb nazývaných „symfónia“; napríklad tanečné témy boli použité vo finále koncertov aj symfónií. Rozdiel sa týkal najmä štruktúry prvej časti cyklu: v symfóniách bola jednoduchšia - spravidla binárna dvojdielna forma barokovej predohry, sonáty a suity (AA BB). Až v šestnástom storočí. začala sa aplikovať na jednotlivé diela, spočiatku vokálno-inštrumentálne, od takých skladateľov ako Giovanni Gabrieli (Sacrae symphoniae, 1597, a Symphoniae sacrae 1615), Adriano Banchieri (Eclesiastiche Sinfonie, 1607), Lodovico Grossi da Viadana (Sinfonie musical, ) a Heinrich Schutz (Symphoniae sacrae, 1629). Talianski skladatelia 17. storočia často označovaný slovom „symfónia“ (sinfonia), inštrumentálne úvody do opery, oratória alebo kantáty a významom sa tento výraz približoval pojmom „predohra“ alebo „predohra“.

Za prototyp symfónie možno považovať taliansku predohru, ktorá sa formovala za Domenica Scarlattiho na konci 17. storočia. Táto forma sa už vtedy nazývala symfónia a pozostávala z troch kontrastných častí: allegro, andante a allegro, ktoré splývali v jeden celok, rysy sonátovej formy boli načrtnuté v prvej časti. Práve táto forma je často vnímaná ako priamy predchodca orchestrálnej symfónie. Na druhej strane predchodcom symfónie bola orchestrálna sonáta, ktorá pozostávala z niekoľkých častí v najjednoduchších formách a prevažne v rovnakej tónine. Výrazy „predohra“ a „symfónia“ sa počas veľkej časti 18. storočia používali zameniteľne.

V XVIII storočí. symfónia sa oddelila od opery a stala sa samostatným koncertným žánrom, zvyčajne v troch častiach („rýchlo – pomaly – rýchlo“). S využitím čŕt barokovej tanečnej suity, opery a koncertu množstvo skladateľov a predovšetkým J.B. Sammartini, vytvoril model klasickej symfónie – trojhlas pre sláčikový orchester, kde rýchle party mali zvyčajne podobu jednoduchého ronda alebo ranej sonátovej formy. Postupne sa k sláčikom pridávali aj ďalšie nástroje: hoboje (alebo flauty), lesné rohy, trúbky a tympány. Pre poslucháčov XVIII storočia. symfóniu definovali klasické normy: homofónna textúra, diatonická harmónia, melodické kontrasty, daný sled dynamických a tematických zmien. Centrami, kde sa pestovala klasická symfónia, boli nemecké mesto Mannheim (tu Jan Stamitz a ďalší autori rozšírili symfonický cyklus na štyri časti, pričom uviedli dva tance z barokovej suity - menuet a trio) a Viedeň, kde pôsobili Haydn, Mozart. , Beethoven (rovnako ako ich predchodcovia, medzi ktorými vynikajú Georg Monn a Georg Wagenzeil, pozdvihli žáner symfónie na novú úroveň. Tiež Johann Sebastian Bach (1685-1750, Nemecko).

kapitolaII... Symfónie zahraničných skladateľov

1. Viedenská klasika

1.1. Franz Joseph Haydn

V dielach Franza Josepha Haydna (1732-1809) sa napokon sformoval symfonický cyklus. Jeho rané symfónie sa dodnes zásadne nelíšia od komornej hudby a takmer neprekračujú rámec zábavy a každodenných žánrov, obvyklých v tej dobe. Až v 70. rokoch sa objavili diela vyjadrujúce hlbší svet obrazov („Pohrebná symfónia“, „Rozlúčková symfónia“ atď.). Postupne sú jeho symfónie nasýtené hlbším dramatickým obsahom. Najvyšším počinom Haydnovej symfónie je dvanásť „londýnskych“ symfónií.

Sonátová štruktúraallegro. Každá zo symfónií (s výnimkou c mol) sa začína krátkym, pomalým úvodom slávnostne dôstojného, ​​premyslene sústredeného, ​​lyricky zádumčivého alebo pokojne kontemplatívneho charakteru (zvyčajne v tempe Larga alebo Adagia). Pomalé intro ostro kontrastuje s následným Allegrom (čo je prvá časť symfónie) a zároveň ju pripravuje. Medzi témami hlavných a vedľajších strán neexistuje jasný obrazný kontrast. Tie aj iné majú väčšinou ľudový piesňový a tanečný charakter. Existuje len tónový kontrast: hlavná tonalita hlavných častí je v kontraste s dominantnou tonalitou vedľajších častí. Výrazne sa rozvinul vývoj v Haydnových symfóniách, ktoré sú budované pomocou motivačnej izolácie. Krátky, ale najaktívnejší segment je oddelený od témy hlavnej alebo vedľajšej časti a prechádza pomerne dlhým samostatným vývojom (nepretržité modulácie v rôznych tóninách, hra s rôznymi nástrojmi a v rôznych registroch). To dáva rozvoju dynamický a ambiciózny charakter.

Druhá (pomalá) časť majú iný charakter: niekedy zádumčivo lyrické, niekedy skandujúce, v niektorých prípadoch pochodové. Líšia sa aj formou. Najčastejšie ide o zložité trojdielne a variačné formy.

Menuety. Tretie časti „londýnskych“ symfónií sa vždy nazývajú Menuetto. Mnohé Haydnove menuety majú charakter country tancov s trochu ťažkým nášľapom, rozmáchlou melódiou, nečakanými akcentmi a rytmickými posunmi, ktoré často pôsobia vtipne. Trojdobá veľkosť tradičného menuetu zostáva, ale stráca aristokratickú sofistikovanosť a stáva sa demokratickým, sedliackym tancom.

finále.Žánrové obrázky vo finále Haydnových symfónií upozorňujú aj na ľudovú tanečnú hudbu. Formou je najčastejšie sonáta alebo rondosonáta. V niektorých finále „londýnskych“ symfónií sú široko používané metódy variačného a polyfónneho (imitačného) vývoja, ktoré ešte viac zdôrazňujú rýchly pohyb hudby a dynamizujú celú hudobnú štruktúru. [ 4, str. 76-78]

orchester. V Haydnovej tvorbe sa ustálilo aj zloženie orchestra. Je založený na štyroch skupinách nástrojov. Vedúcu skupinu orchestra tvoria husle, violy, violončelá a kontrabasy. Drevenú skupinu tvoria flauty, hoboje, klarinety (nepoužívajú sa vo všetkých symfóniách), fagoty. Haydnovu skupinu dychových nástrojov tvoria lesné rohy a trúbky. Z bicích nástrojov použil Haydn v orchestri iba tympány. Výnimkou je dvanásta „Londýnska symfónia“, G dur („Vojenské“). Okrem tympánov do nej Haydn zaviedol triangl, činely a veľký bubon. Celkovo dielo Franza Josepha Haydna zahŕňa viac ako 100 symfónií.

1.2. Wolfgang Amadeus Mozart

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) stál spolu s Haydnom pri zrode európskej symfónie, pričom najlepšie Mozartove symfónie sa objavili ešte pred Haydnovými Londýnskymi symfóniami. Bez duplikovania Haydna vyriešil Mozart problém symfonického cyklu po svojom. Celkový počet jeho symfónií presahuje 50, hoci podľa priebežného číslovania prijatého v ruskej hudobnej vede sa posledná symfónia - "Jupiter" - považuje za 41. Väčšina Mozartových symfónií sa objavila v prvých rokoch jeho tvorby. Počas viedenského obdobia vzniklo len posledných 6 symfónií, medzi nimi: „Linz“ (1783), „Pražská“ (1786) a tri symfónie z roku 1788.

Prvé Mozartove symfónie boli silne ovplyvnené tvorbou I.S. Bach. Prejavilo sa to ako v interpretácii cyklu (3 malé časti, žiadny menuet, malá orchestrálna skladba), tak aj v rôznych výrazových detailoch (melodickosť tém, výrazové kontrasty dur a mol, hlavná úloha huslí).

Návšteva hlavných centier európskej symfónie (Viedeň, Miláno, Paríž, Mannheim) prispela k rozvoju Mozartovho symfonického myslenia: obsah symfónií je obohatený, emocionálne kontrasty sa rozjasňujú, tematický vývoj je aktívnejší, miera častí je zväčšená, orchestrálna textúra sa stáva rozvinutejšou. Na rozdiel od Haydnových Londýnskych symfónií, ktoré vo všeobecnosti rozvíjajú jeden typ symfónie, najlepšie Mozartove symfónie (č. 39-41) vzdorujú typizácii, sú absolútne jedinečné. Každý z nich stelesňuje zásadne novú umeleckú myšlienku. Dve z posledných štyroch Mozartových symfónií majú pomalé intrá, ostatné dve nie. Symfónia č. 38 (Praha, D dur) má tri časti („symfónia bez menuetu“), zvyšok štyri.

Medzi najcharakteristickejšie črty Mozartovej interpretácie žánru symfónie patria:

· Konfliktná dráma. Kontrast a konflikt sa v Mozartových symfóniách prejavuje na rôznych úrovniach častí cyklu, jednotlivých tém, rôznych tematických prvkov v rámci témy. Mnohé Mozartove symfonické témy sa spočiatku javia ako „komplexná postava“: sú postavené na viacerých kontrastných prvkoch (napr. hlavné témy vo finále 40., I. časť Jupiterskej symfónie). Tieto vnútorné kontrasty sú najdôležitejším stimulom pre následné dramatické nasadenie, najmä vo vývoji:

1. preferencia sonátovej formy. Mozart na ňu spravidla odkazuje vo všetkých častiach svojich symfónií, okrem menuetu. Práve sonátová forma so svojimi obrovskými možnosťami pretvárania východiskových tém dokáže najhlbšie odhaliť duchovný svet človeka. V Mozartovom sonátovom vývoji môže každá téma expozície nadobudnúť samostatný význam, vr. spájajúce a uzatvárajúce (napr. v symfónii „Jupiter“ vo vývoji prvej časti témy platu a sv.

2. obrovská úloha polyfónnej techniky. K dramatickosti do značnej miery prispievajú rôzne polyfónne zariadenia, najmä v neskorších dielach (najmarkantnejším príkladom je finále symfónie „Jupiter“);

3. odklon od otvoreného žánru v symfonických menuetoch a finále. Na ne, na rozdiel od Haydna, nemožno aplikovať definíciu „žánrovo-každodenného“. Naopak, Mozart vo svojich menuetoch často „neutralizuje“ tanečný princíp a napĺňa ich hudbu či už drámou (v Symfónii č. 40), alebo textom (v symfónii „Jupiter“);

4. konečné prekonanie suitovej logiky symfonického cyklu, ako striedanie častí rôznych postáv. Štyri časti Mozartovej symfónie predstavujú organickú jednotu (obzvlášť evidentné v Symfónii č. 40);

5. úzke prepojenie s vokálnymi žánrami. Klasická inštrumentálna hudba bola silne ovplyvnená operou. V Mozartovi je tento vplyv opernej expresivity cítiť veľmi silno. Prejavuje sa nielen používaním charakteristických operných intonácií (ako napr. v hlavnej téme 40. symfónie, ktorá je často porovnávaná s Cherubínovou témou „Neviem povedať, neviem vysvetliť...“). Mozartova symfonická hudba je presiaknutá kontrastnými juxtapozíciami tragického a bifľošského, vznešeného a všedného, ​​čo jasne pripomína jeho operné skladby.

1.3. Ludwig van Beethoven

Ludwig van Beethoven (1770-1827) ďalej obohatil žáner symfónie. V jeho symfóniách nadobudli veľký význam hrdinstvo, dráma a filozofické princípy. Časti symfónie sú tematicky užšie a cyklus dosahuje väčšiu jednotu. Princíp použitia príbuzného tematického materiálu vo všetkých štyroch častiach, uskutočnený v Beethovenovej Piatej symfónii, viedol k vzniku tzv. cyklická symfónia. Beethoven nahrádza pokojný menuet živším, často bujarým scherzom; pozdvihuje tematický vývoj na novú úroveň, svoje témy podrobuje všemožným zmenám, vrátane kontrapunktického vývoja, izoluje fragmenty tém, mení stupnicu (dur - mol), rytmické posuny.

Keď už hovoríme o Beethovenových symfóniách, treba zdôrazniť jeho orchestrálnu inováciu. Z inovácií:

1. skutočný vznik medeného pásu. Hoci sa na trúbky stále hrá a nahráva spolu s tympánom, funkčne sa s lesnými rohmi začína zaobchádzať ako s jednou skupinou. K nim sa pripájajú trombóny, ktoré v Symfonickom orchestri Haydna a Mozarta neboli. Trombóny sa hrajú vo finále 5. symfónie (3 trombóny), v scéne búrky v 6. (tu sú len 2), ako aj v niektorých častiach 9. (v scherze a v modlitbovej epizóde finále, ako aj v kóde);

2. zhutnenie "strednej vrstvy" umožňuje vybudovať vertikálu zhora a zdola. Zhora sa objavuje pikolová flauta (vo všetkých týchto prípadoch okrem modlitbovej epizódy v 9. finále) a kontrafagot zdola (vo finále 5. a 9. symfónie). Ale v každom prípade sú v Beethovenovom orchestri vždy dve flauty a fagoty;

3. Beethoven, ktorý nadväzuje na tradíciu Haydnových Londýnskych symfónií a neskorších Mozartových symfónií, umocňuje nezávislosť a virtuozitu partov takmer všetkých nástrojov vrátane trúbky (slávne zákulisné sólo v predohre Leonora č. 2 a č. 3) a tympánov. . Často má 5 častí sláčikov (kontrabasy sú oddelené od violončela), niekedy aj viac (hranie divisi). Všetky drevené dychy, vrátane fagotu a lesných rohov (zborovo, ako v triu symfónií Scherzo 3 alebo samostatne) môžu hrať sólo, pričom predvádzajú veľmi jasný materiál.

2. Romantizmus

Hlavným poznávacím znakom romantizmu bol rast formy, skladby orchestra a zvukovej hustoty, objavujú sa leitmotívy. Romantickí skladatelia zachovali tradičnú schému cyklu, no naplnili ho novým obsahom. Významné miesto medzi nimi má lyrická symfónia, ktorej jedným z najžiarivejších príkladov bola symfónia h mol od F. Schuberta. V tejto línii sa pokračovalo aj v symfóniách F. Mendelssohna-Bartholdyho, často malebného a krajinného charakteru. Symfónie tak nadobudli črty programového charakteru tak charakteristické pre romantických skladateľov. Programovú symfóniu ako prvý vytvoril vynikajúci francúzsky skladateľ Hector Berlioz, ktorý pre ňu napísal poetický program v podobe poviedky o umelcovom živote. Programové myšlienky v romantickej hudbe sa však často zhmotňovali v podobe jednodielnej symfonickej básne, fantázie a pod. Najvýraznejší autor symfónií konca 19. a začiatku 20. storočia. tam bol G. Mahler, miestami pútavý a vokálny začiatok. Významné symfónie na Západe vytvorili predstavitelia nových národných škôl: v 2. polovici 19. stor. - A. Dvořák v Českej republike, v XX. storočí. - K. Szymanowski v Poľsku, E. Elgar a R. Vaughan Williams v Anglicku, J. Sibelius vo Fínsku. Inovatívnymi črtami sa vyznačujú symfónie francúzskych skladateľov A. Honeggera, D. Millaua a iných.Ak koncom 19. a začiatkom 20. stor. prevládala veľká symfónia (často pre rozšírený orchester), neskôr začala čoraz väčšiu úlohu zohrávať komorná symfónia, rozsahom skromná a určená pre súbor sólistov.

2.1. Franz Schubert (1797-1828)

Romantický symfonizmus vytvorený Schubertom bol definovaný najmä v posledných dvoch symfóniách – 8. h mol, ktorá dostala názov „Nedokončená“ a 9. C-dur. Sú úplne odlišné, oproti sebe. Epos 9. je presiaknutý zmyslom pre všetko premáhajúcu radosť z bytia. „Nedokončené“ stelesňovali tému núdze, tragickej beznádeje. Takéto nálady, ktoré odrážali osudy celej generácie ľudí, nenašli pred Schubertom ešte symfonickú formu vyjadrenia. „Nedokončená“, ktorá vznikla o dva roky skôr ako Beethovenova 9. symfónia (v roku 1822), znamenala vznik nového symfonického žánru – lyrickej a psychologickej.

Jednou z hlavných čŕt symfónie h mol sa týka jej cyklu, ktorý pozostáva len z dvoch častí. Mnohí bádatelia sa pokúšali preniknúť do „hádanky“ tohto diela: naozaj zostala brilantná symfónia nedokončená? Na jednej strane niet pochýb o tom, že symfónia bola koncipovaná ako 4-dielny cyklus: jej pôvodný klavírny náčrt obsahoval veľký fragment 3 častí – scherzo. Nedostatočná tonálna vyváženosť medzi časťami (h-mol v 1. a E-dur v 2.) je tiež silným argumentom v prospech toho, že symfónia nebola vopred premyslená ako 2-časť. Na druhej strane, Schubert mal dosť času, ak chcel dopísať symfóniu: po „Nedokončenej“ vytvoril veľké množstvo diel, vrátane 4-dielnej 9. symfónie. Sú tu aj iné pre a proti. Medzitým sa „Unfinished“ stala jednou z najrepertoárových symfónií, ktorá absolútne nevyvoláva dojem podceňovania. Jej plán v dvoch častiach sa ukázal byť plne realizovaný.

Hrdina „Nedokončeného“ je schopný živých výbuchov protestu, ale tento protest nevedie k víťazstvu život potvrdzujúceho princípu. Intenzitou konfliktu táto symfónia nie je nižšia ako dramatické diela Beethovena, ale tento konflikt je iného plánu, preniesol sa do lyrickej a psychologickej sféry. Toto je dráma zážitku, nie akcia. Jeho základom nie je boj dvoch protikladných princípov, ale boj vo vnútri osobnosti samotnej. Toto je najdôležitejšia črta romantickej symfónie, ktorej prvým príkladom bola Schubertova symfónia.

kapitolaIII... Symfónia v Rusku

Symfonické dedičstvo ruských skladateľov - P.I. Čajkovskij, A.P. Borodin, A.G. Glazunová, Skrjabin, S.V. Rachmaninov. Od druhej polovice 19. storočia sa strohé formy symfónie začali rúcať. Štvordielna sa stala voliteľnou: sú tu obe jednočasťové symfónie (Mjaskovskij, Kančeli, Boris Čajkovskij), jedenásťdielne (Šostakovič) a dokonca dvadsaťštyridielne (Hovaness). Objavili sa pomalé finále, v klasickom symfonizme nemožné (Čajkovského šiesta symfónia, Mahlerova tretia a deviata symfónia). Po Beethovenovej 9. symfónii začali skladatelia častejšie zavádzať vokálne party do symfónií.

Druhá symfónia Alexandra Porfireviča Borodina (1833-1887) je jedným z vrcholov jeho tvorby. Vďaka jasu, originalite, monolitickému štýlu a dômyselnej realizácii obrazov ruského ľudového eposu patrí k svetovým symfonickým dielam. Celkovo napísal tri symfónie (tretia nie je dokončená).

Alexander Konstantinovič Glazunov (1865-1936) - jeden z najväčších ruských symfonikov. V jeho štýle boli jedinečne rozbité kreatívne tradície Glinky a Borodina, Balakireva a Rimského-Korsakova, Čajkovského a Taneeva. Bol spojovacím článkom medzi predoktóbrovou ruskou klasikou a mladým sovietskym hudobným umením.

3.1. Piotr Iľjič Čajkovskij (1840-1893)

Symfónia v Rusku je predovšetkým Čajkovskij. Prvá symfónia „Zimné sny“ bola jeho prvým veľkým dielom po absolvovaní petrohradského konzervatória. Táto udalosť, ktorá sa dnes zdá taká prirodzená, bola v roku 1866 celkom výnimočná. Ruská symfónia – viacdielny orchestrálny cyklus – bola na samom začiatku svojej cesty. V tom čase existovali iba prvé symfónie Antona Grigorieviča Rubinsteina a prvá verzia Prvej symfónie Nikolaja Andrejeviča Rimského-Korsakova, ktoré si nezískali popularitu. Čajkovskij vnímal svet dramaticky a jeho symfónia – na rozdiel od Borodinovej epickej symfónie – nesie lyricko-dramatický, prudko protichodný charakter.

Šesť symfónií od Čajkovského a programová symfónia „Manfred“ sú umelecké svety, ktoré sa navzájom nelíšia, sú to budovy, každá postavená podľa individuálneho projektu. Hoci „zákony“ žánru, ktorý vznikol a rozvíjal sa na západoeurópskej pôde, boli dodržané a interpretované s mimoriadnou zručnosťou, obsah a jazyk symfónií sú skutočne národné. Preto ľudové piesne znejú v Čajkovského symfóniách tak organicky.

3.2. Alexander Nikolajevič Skriabin (1872-1915)

Skrjabinova symfónia vznikla na základe tvorivého lomu rôznych tradícií symfonických klasikov 19. storočia. Ide predovšetkým o tradíciu dramatickej symfónie Čajkovského a čiastočne aj Beethovena. Spolu s tým skladateľ zhmotnil aj niektoré črty Lisztovej programovej romantickej symfónie. Niektoré črty orchestrálneho štýlu Skrjabinových symfónií ho čiastočne spájajú s Wagnerom. Všetky tieto rôzne zdroje však hlboko spracoval nezávisle. Všetky tri symfónie spolu úzko súvisia spoločným ideovým konceptom. Jeho podstatu možno definovať ako boj ľudskej osobnosti s nepriateľskými silami, ktoré jej stoja v ceste k presadeniu slobody. Tento boj vždy končí víťazstvom hrdinu a triumfom svetla.

3.3. Dmitrij Dmitrijevič Šostakovič (1906-1975)

Šostakovič je skladateľ-symfonik. Ak je pre Prokofieva so všetkou rozmanitosťou jeho tvorivých záujmov najdôležitejšie hudobné divadlo, pre Šostakoviča je naopak hlavným žánrom symfónia. Práve tu nachádzajú hlavné myšlienky jeho tvorby hlboké a všetko zahŕňajúce stelesnenie. Svet Šostakovičových symfónií je obrovský. V nich pred nami prechádza celý život ľudstva 20. storočia so všetkými jeho ťažkosťami, rozpormi, s vojnami a sociálnymi konfliktmi.

Siedma („Leningradská“) symfónia je jedným z najvýznamnejších diel skladateľa. Je štvornásobný. Jej rozsah je obrovský: symfónia má vyše 70 minút, z čoho prvá časť zaberá takmer polovicu. „Čo do čerta dokáže poraziť ľudí schopných robiť hudbu ako je táto,“ napísali v roku 1942 americké noviny. Šostakovičovu Siedmu symfóniu možno právom nazvať hrdinskou symfóniou 20. storočia.

3.4. Alfred Garrievich Schnittke (1934-1998)

Schnittke je sovietsky a ruský skladateľ, hudobný teoretik a pedagóg (autor článkov o ruských a sovietskych skladateľoch), jedna z najvýznamnejších hudobných osobností druhej polovice 20. storočia, ctený umelecký pracovník RSFSR. Schnittke je jedným z lídrov hudobnej avantgardy. Napriek veľkej obľube hudby tohto vynikajúceho skladateľa partitúry mnohých jeho symfónií ešte neboli publikované a v Rusku sú nedostupné. Schnittke nastolil vo svojich dielach filozofické problémy, z ktorých hlavným je človek a životné prostredie. Prvá symfónia obsahovala celý kaleidoskop rôznych štýlov, žánrov a smerov hudby. Východiskom pre vznik Prvej symfónie bol pomer štýlov vážnej a ľahkej hudby. Druhá a štvrtá symfónia vo veľkej miere odrážajú formovanie skladateľovej náboženskej identity. Druhá symfónia má starodávnu omšu. Tretia symfónia bola výsledkom jeho vnútornej potreby vyjadriť svoj postoj k nemeckej kultúre, nemecké korene svojho pôvodu. V tretej symfónii v podobe krátkych úryvkov pred poslucháčom prechádza celá história nemeckej hudby. Alfred Schnittke sníval o vytvorení presne deviatich symfónií - a tým vyjadriť istý druh pocty Beethovenovi a Schubertovi, ktorí napísali rovnaký počet. Alfred Schnittke napísal svoju deviatu symfóniu (1995-97), keď už bol vážne chorý. Utrpel tri mozgové príhody a vôbec sa nehýbal. Skladateľovi sa napokon nepodarilo dokončiť partitúru. Prvýkrát jej kompletnú a orchestrálnu verziu uviedol Gennadij Roždestvensky, pod vedením ktorého sa prvé predstavenie uskutočnilo v Moskve 19. júna 1998. Novú redakčnú verziu symfónie uviedol Alexander Raskatov a zaznela v Drážďanoch 16. júna 2007.

V druhej polovici 20. storočia je najpopulárnejšie spojenie v jednom diele princípov rôznych žánrov – symfonického, zborového, komorného, ​​inštrumentálneho a vokálneho. Napríklad Šostakovičova štrnásta symfónia má syntézu symfónie, komornej vokálnej a inštrumentálnej hudby; Gavrilinove zborové vystúpenia spájajú prvky oratória, symfónie, vokálneho cyklu, baletu a dramatického predstavenia.

3.5. Michail Žuravlev

V 21. storočí je veľa talentovaných skladateľov, ktorí vzdávajú hold symfónii. Jedným z nich je Michail Zhuravlev. Hudobným a politickým manifestom sa skladateľ odvážne vyrovnal postavám hudobnej histórie ako L. Beethoven, P. Čajkovskij či D. Šostakovič. Dnešnú 10. symfóniu M. Žuravleva možno pokojne nazvať „Hrdinskou symfóniou 21. storočia“. Okrem všeobecných etických aspektov tejto symfónie si treba všímať aj tie čisto odborné. Autor sa nesnaží o inovácie pre inovácie. Niekedy je až dôrazne akademický, rezolútne vystupuje proti všetkým dekadentom a avantgardným umelcom z umenia. Podarilo sa mu však povedať niečo skutočne nové, jeho vlastné slovo v symfonickom žánri. Skladateľ M. Žuravlev prekvapivo zručne využíva princípy sonátovej formy, zakaždým demonštruje jej nekonečné možnosti. Kombinované 3 a 4 časti v skutočnosti predstavujú akúsi „supersonátu“, v ktorej možno celú 4 časť považovať za rozšírenú na samostatnú časť cody. Výskumníci v budúcnosti sa ešte musia vysporiadať s týmto mimoriadnym kompozičným rozhodnutím.

Záver

Symfóniami sa pôvodne nazývali tie diela, ktoré nezapadali do rámca tradičných skladieb - z hľadiska počtu častí, tempového pomeru, kombinácie rôznych skladov - polyfónne (ktoré sa v 17. storočí považovalo za dominantné) a vznikajúce homofónne (s hlasovým sprievodom). V 17. storočí sa všelijaké nezvyčajné hudobné skladby nazývali symfónie (čo znamenalo „súzvuk, harmónia, hľadanie nových zvukov“) a v 18. storočí sa rozšírili takzvané divertissement symfónie, ktoré vznikali na ozvučenie priestoru pri. plesy, všetky druhy spoločenských akcií. Symfónia sa stala žánrovým označením až v 18. storočí. Z hľadiska prevedenia je symfónia právom považovaná za veľmi zložitý žáner. Vyžaduje si to obrovské obsadenie, prítomnosť mnohých vzácnych hudobných nástrojov, zručnosť orchestrov a vokalistov (ak ide o symfóniu s textom), výbornú akustiku. Ako každý hudobný žáner, aj symfónia má svoje zákonitosti. Normou klasickej symfónie je teda štvorčasťový cyklus so sonátovou (najkomplexnejšou) formou na okrajoch, s pomalou a tanečnou časťou v strede skladby. Táto štruktúra nie je náhodná. Symfónia odzrkadľuje procesy vzťahu človeka k svetu: aktívne - v prvej časti sociálne - v štvrtej časti kontempláciu a hru - v centrálnych úsekoch cyklu. V prelomových obdobiach svojho vývoja zmenila symfonická hudba ustálené pravidlá. A tie javy v oblasti umenia, ktoré najprv spôsobili šok, potom sa stali zvykom. Napríklad symfónia s vokálom a poéziou sa stala nielen náhodou, ale aj jedným z trendov vo vývoji žánru.

Súčasní skladatelia dnes uprednostňujú komorné žánre pred symfonickými formami, ktoré si vyžadujú menšie obsadenie interpretov. Na takýchto koncertoch sa dokonca používajú fonogramy so záznamom hluku alebo nejakých elektronicko-akustických efektov. Hudobný jazyk, ktorý sa dnes pestuje v súčasnej hudbe, je veľmi experimentálny a objavný. Verí sa, že písanie hudby pre orchester dnes znamená položiť ju na stôl. Mnohí veria, že doba symfónie ako žánru, v ktorom pôsobia mladí skladatelia, sa definitívne skončila. Ale je to naozaj tak?Na túto otázku odpovie čas.

Bibliografia:

1. Averyanova O.I. Domáca hudobná literatúra XX storočia: učebnica. manuál pre detskú hudobnú školu: Chetv. ročník štúdia v odbore. - M .: Hudba, 2009 .-- 256 s.
2. Borodin. Druhá symfónia ("Bogatyrskaya") / Článok - [Elektronický zdroj] - Režim prístupu - URL: http://belcanto.ru/s_borodin_2.html
3. Heroická symfónia XXI storočia / Článok V. Filatova // Próza. ru - [Elektronický zdroj] - Režim prístupu - URL: http://www.proza.ru/2010/08/07/459
4. B.V. Levik Hudobná literatúra cudzích krajín: učebná pomôcka. Problém 2. - M .: Muzika, 1975 .-- 301 s.
5. Prokhorova I. Hudobná literatúra cudzích krajín: Pre 5. ročník. Detská hudobná škola: Učebnica M .: Hudba, 2000 .-- 112 s.
6. Ruská hudobná literatúra. Problém 4. Ed. M.K. Michajlova, E.L. Oslobodený. - Leningrad: "Hudba", 1986. - 264 s.
7. Symphony // Yandex. Slovníky ›TSB, 1969-1978 - [Elektronický zdroj] - Režim prístupu - URL: http://slovari.yandex.ru/~books/BSE/Symphony/
8. symfónia. // Wikipedia. Bezplatná encyklopédia - [Elektronický zdroj] - Režim prístupu - URL: http://ru.wikipedia.org/wiki/Symphony http://www.tchaikov.ru/symphony.html
9. Schubert, "Nedokončená" symfónia // Prednášky o hudobnej literatúre musike.ru - [Elektronický zdroj] - Režim prístupu - URL: http://musike.ru/index.php?id=54

1. "Symfónia č. 5", Ludwig van Beethoven

Podľa legendy Beethoven (1770-1827) dlho nevedel prísť na úvod k Symfónii č. úvod do tejto práce. Je zaujímavé, že prvé tóny symfónie zodpovedajú číslu 5 alebo V v Morseovej abecede.

2. Ó Fortuna, Karl Orff

Skladateľ Karl Orff (1895-1982) je známy najmä touto kantátou s dramatickými vokálmi. Vychádza z básne z 13. storočia „Carmina Burana“. Je to jedna z najčastejšie uvádzaných klasických skladieb po celom svete.

3. Zbor Hallelujah, Georg Friedrich Handel

Georg Frideric Handel (1685-1759) napísal Mesiáša za 24 dní. Mnohé melódie, vrátane "Hallelujah", boli neskôr vypožičané z tohto diela a začali sa hrať ako nezávislé diela. Podľa legendy mal Händel v hlave hudbu, ktorú hrali anjeli. Text oratória vychádza z biblických príbehov, Händel odrážal život, smrť a zmŕtvychvstanie Krista.

4. „Flight of the Valkyries“ od Richarda Wagnera

Táto skladba je prevzatá z opery Valkýra, ktorá je súčasťou cyklu opier Der Ring des Nibelungen od Richarda Wagnera (1813-1883). Opera "Valkýra" je venovaná dcére boha Odina. Wagner komponovaním tejto opery strávil 26 rokov a toto je len druhá časť veľkolepého majstrovského diela štyroch opier.

5. „Toccata a fúga d mol“, Johann Sebastian Bach

Toto je pravdepodobne najznámejšie dielo Bacha (1685-1750) a často sa používa vo filmoch počas dramatických scén.

6. "Malá nočná serenáda", Wolfgang Amadeus Mozart

Publikácie hudobnej sekcie

Päť veľkých symfónií od ruských skladateľov

Vo svete hudby existujú jedinečné, ikonické diela, ktorých zvuky sa používajú na písanie kroniky hudobného života. Niektoré z týchto skladieb predstavujú revolučný prelom v umení, iné sa vyznačujú komplexným a hlbokým konceptom, iné sú nápadné neobyčajným príbehom stvorenia, štvrté sú akousi prezentáciou skladateľovho štýlu a piate ... sú tak krásne v hudbe, že je nemožné ich nespomenúť. Ku cti hudobného umenia patrí množstvo takýchto diel a ako príklad si povedzme päť vybraných ruských symfónií, ktorých jedinečnosť je ťažké preceňovať.

Druhá (hrdinská) symfónia Alexandra Borodina (B moll, 1869-1876)

V Rusku v druhej polovici 19. storočia dozrela myšlienka opravy v prostredí skladateľa: je čas vytvoriť si vlastnú, ruskú symfóniu. V tom čase v Európe oslavovala symfónia svoju storočnicu, pričom prešla všetkými štádiami evolučného reťazca: od opernej predohry, ktorá opustila javisko a hrala sa oddelene od opery, až po také kolosy, ako je Beethovenova Symfónia č. 9 (1824) alebo Berliozova Fantastická symfónia (1830). V Rusku sa móda tohto žánru neudomácnila: skúsili to raz, dvakrát (Dmitrij Bortňanskij - Koncertná symfónia, 1790; Alexander Alyabyev - symfónie E mol, Es dur) - a opustili tento podnik, aby sa vrátili o desaťročia neskôr v dielach Antona Rubinsteina, Milija Balakireva, Nikolaja Rimského-Korsakova, Alexandra Borodina a ďalších.

Spomínaní skladatelia uvažovali úplne správne, uvedomujúc si, že jediná vec, ktorou sa ruská symfónia môže pochváliť na pozadí európskej hojnosti, je jej národná chuť. A Borodin v tomto nemá páru. Jeho hudba dýcha rozľahlosťou nekonečných rovín, udatnosťou ruských rytierov, oduševnenosťou ľudových piesní s ich dojímavou, dojímavou notou. Hlavnou témou prvej časti sa stal emblém symfónie, po vypočutí skladateľovho priateľa a mentora, muzikológa Vladimíra Stašova, navrhol dve mená: najprv „Levice“ a potom – pre túto myšlienku vhodnejšie: „Hrdinská“.

Na rozdiel od symfonických plátien toho istého Beethovena alebo Berlioza, založených na ľudských vášňach a skúsenostiach, Heroic Symphony rozpráva o čase, histórii a ľuďoch. V hudbe nie je žiadna dráma, nie je tam žiadny výrazný konflikt: pripomína sériu plynulo sa meniacich obrazov. A to sa zásadne odráža aj v štruktúre symfónie, kde pomalá časť, zvyčajne na druhom mieste, a živé scherzo (tradične na ňu nadväzujúce) striedajú miesta a finále v zovšeobecnenej podobe opakuje myšlienky prvej časti. Borodinovi sa tak podarilo dosiahnuť maximálny kontrast v hudobnej ilustrácii národného eposu a štrukturálny model Bogatyrskej následne slúžil ako predloha pre epické symfónie Glazunova, Myaskovského a Prokofieva.

Šiesta (patetická) symfónia Piotra Čajkovského (B mol, 1893)

Dôkazov, interpretácií, pokusov o vysvetlenie jeho obsahu je toľko, že celá charakteristika tohto diela by mohla pozostávať z citácií. Tu je jeden z nich, z listu od Čajkovského jeho synovcovi Vladimirovi Davydovovi, ktorému je symfónia venovaná: „Počas cesty ma napadla ďalšia symfónia, tentoraz naprogramovaná, ale s programom, ktorý zostane pre všetkých záhadou. Tento program je najviac presiaknutý subjektivitou a často som počas putovania, mentálneho skladania, veľa plakal.“... čo je to za program? Čajkovskij sa spovedá svojej sesternici Anne Merklingovej, ktorá navrhla, že v tejto symfónii opísal svoj život. "Áno, uhádli ste", - potvrdil skladateľ.

Začiatkom 90. rokov 19. storočia myšlienka na písanie memoárov opakovane navštívila Čajkovského. Z tejto doby pochádzajú náčrty jeho nedokončenej symfónie s názvom „Život“. Súdiac podľa dochovaných návrhov, skladateľ plánoval zobraziť niektoré abstraktné etapy života: mladosť, smäd po aktivite, lásku, sklamanie, smrť. Čajkovskému však objektívny plán nestačil a práca bola prerušená, no v šiestej symfónii sa riadil výlučne osobnými zážitkami. Ako musela byť skladateľova duša chorá, aby sa zrodila hudba s takou neuveriteľnou, úžasnou silou vplyvu!

Lyricko-tragická prvá časť a finále sú nerozlučne späté s obrazom smrti (vo vývoji prvej časti sa uvádza téma duchovného spevu „Odpočívaj so svätými“), o čom svedčil aj samotný Čajkovskij, odvolávajúc sa na túto symfóniu ako odpoveď na návrh veľkovojvodu Konstantina Romanova napísať „Requiem“. Preto sú tak ostro vnímané ľahké lyrické intermezzo (päťdobý valčík v druhej časti) a slávnostne víťazné scherzo. O úlohe toho druhého v kompozícii sa vedú mnohé diskusie. Zdá sa, že Čajkovskij sa snažil ukázať márnosť pozemskej slávy a šťastia tvárou v tvár nevyhnutnej strate, čím potvrdil veľký Šalamúnov výrok: „Všetko prechádza. Tiež to prejde".

Symfónia III (Božská báseň) od Alexandra Skrjabina (c mol, 1904)

Ak v temný jesenný večer náhodou navštívite Dom-múzeum Alexandra Skrjabina v Moskve, určite pocítite tú desivo-tajomnú atmosféru, ktorá skladateľa obklopovala počas jeho života. Zvláštna konštrukcia farebných lámp na stole v obývačke, nadupané zväzky o filozofii a okultizme za fádnym sklom dvierok knižnice a napokon asketicky vyzerajúca spálňa, kde sa Skrjabin, ktorý sa bál smrti na otravu krvi celý život zomrel na sepsu. Ponuré a tajomné miesto, ktoré dokonale demonštruje skladateľov svetonázor.

Nemenej príznačná pre charakteristiku Skriabinovho myslenia je aj jeho Tretia symfónia, ktorá otvára takzvané stredné obdobie tvorivosti. V tejto dobe Skrjabin postupne formuluje svoje filozofické názory, ktorých podstatou je, že celý svet je výsledkom jeho vlastnej tvorivosti a vlastného myslenia (solipsizmus v extrémnom štádiu) a že stvorenie sveta a tvorba umenia sú v skutočnosti podobné procesy. Tieto procesy prebiehajú takto: z primárneho chaosu tvorivej túžby vznikajú dva princípy – aktívny a pasívny (mužský a ženský). Prvý nesie božskú energiu, druhý dáva vznik hmotnému svetu s jeho prírodnými krásami. Vzájomné pôsobenie týchto princípov vytvára kozmický eros, vedúci k extáze – slobodnému víťazstvu ducha.

Bez ohľadu na to, ako zvláštne môže všetko uvedené znieť, Skrjabin úprimne veril v tento model Bytia, podľa ktorého bola napísaná Tretia symfónia. Jeho prvá časť sa nazýva „Boj“ (zápas muža-otroka, poslušného Najvyššiemu vládcovi sveta a človeka-boha), druhá – „Potešenie“ (človek sa oddáva radostiam sveta). rozumný svet, rozplývajúci sa v prírode) a napokon tretí - „Božská hra“ (oslobodený duch“ tvoriaci vesmír silou svojej tvorivej vôle sám „pochopí“ vznešenú radosť zo slobodnej činnosti“). Ale filozofia je filozofia a hudba samotná je úžasná a odhaľuje všetky možnosti zafarbenia symfonického orchestra.

Prvá (klasická) symfónia Sergeja Prokofieva (D dur, 1916-1917)

Píše sa rok 1917, ťažké vojnové roky, revolúcia. Zdalo by sa, že umenie by sa malo pochmúrne mračiť a rozprávať o bolestivých veciach. Ale smutné myšlienky nie sú pre Prokofievovu hudbu - slnečnú, iskrivú, mladistvo očarujúcu. Toto je jeho prvá symfónia.

O tvorbu viedenských klasikov sa skladateľ zaujímal už v študentských rokoch. Teraz spod jeho pera vyšla esej a la Haydn. "Zdalo sa mi, že keby Haydn prežil dodnes, zachoval by si svoj štýl písania a zároveň by vnímal niečo nové.", - komentoval Prokofiev svoje duchovné dieťa.

Skladateľ zvolil skromné ​​zloženie orchestra opäť v duchu viedenského klasicizmu – bez ťažkej medi. Textúra a orchestrácia sú ľahké, transparentné, rozsah diela nie je veľký, kompozícia sa vyznačuje harmóniou a konzistenciou. Jedným slovom veľmi pripomína dielo klasicizmu, ktoré sa zrodilo omylom v dvadsiatom storočí. Nechýbajú však ani čisto prokofievovské emblémy, napríklad jeho obľúbený žáner gavota v tretej časti namiesto scherza (neskôr tento hudobný materiál skladateľ využíva v balete Rómeo a Júlia), ale aj ostrá „papriková“ harmónia. a priepasť hudobného humoru.

Siedma (Leningradská) symfónia od Dmitrija Šostakoviča (C dur, 1941)

2. júla 1942 sa dvadsaťročnému pilotovi poručíkovi Litvinovovi, ktorý zázračne prelomil nepriateľské obkľúčenie, podarilo priniesť lieky a štyri kypré hudobné knihy s partitúrou D.D. Šostakovič a na druhý deň sa v Leningradskej Pravde objavila krátka poznámka: Partitúra Siedmej symfónie od Dmitrija Šostakoviča bola doručená do Leningradu lietadlom. Jeho verejné vystúpenie sa uskutoční vo Veľkej filharmónii..

Udalosť, akú dejiny hudby ešte nevideli: v obliehanom meste strašne vyčerpaní hudobníci (zúčastnili sa všetci, čo prežili) pod taktovkou dirigenta Karla Eliasberga predviedli Šostakovičovu novú symfóniu. Tú, ktorú skladateľ skomponoval v prvých týždňoch blokády, kým nebol s rodinou evakuovaný do Kuibysheva (Samara). V deň premiéry Leningradu, 9. augusta 1942, sa Veľká sála Leningradskej filharmónie zaplnila do posledného miesta vyčerpanými obyvateľmi mesta s priesvitnými tvárami, no zároveň v elegantnom oblečení, a priamo dorazila aj armáda. z prednej línie. Prostredníctvom reproduktorov v rádiu sa symfónia vysielala do ulíc. V ten večer celý svet zamrzol a započúval sa do nevídaného počinu hudobníkov.

... Stojí za povšimnutie, ale slávnu tému v duchu Ravelovho „Bolera“, ktorá je dnes už zvykom personifikovať s bezduchým pohybom a ničením všetkého, čo jej stojí v ceste fašistická armáda, napísal Šostakovič ešte pred začiatkom r. vojna. Do prvej časti Leningradskej symfónie však vstúpila celkom prirodzene a nahradila takzvanú „epizódu invázie“. Život potvrdzujúce finále sa ukázalo byť aj vizionárske, predvídalo vytúžené Víťazstvo, od ktorého ho delilo také dlhé tri a pol roka...

Dlho som rozmýšľal, ako to nazvať. Prvá vec, ktorá ma napadla, bolo prirodzene „20 mojich obľúbených symfónií“. Ale po zhliadnutí výsledných dvadsiatich som si uvedomil, že nie všetky tieto symfónie momentálne milujem a sú symfónie, ktoré nie sú zahrnuté v tomto zozname, ktoré milujem viac. Ďalší názov bol „20 symfónií, ktoré ma najviac ovplyvnili“. Pomyslel som si a uvedomil som si, že to tiež nie je pravda, keďže niektoré z týchto symfónií vôbec neovplyvnili môj svetonázor, môj hudobný vkus alebo môj vlastný skladateľský štýl. A rozhodol som sa prebývať na inom mene, ktoré odrážalo, aké významné miesto v mojom živote zaujímala tá alebo tá symfónia ...

20 pre mňa najvýznamnejších symfónií.
(v chronologickom poradí, najprv zahraničné, potom ruské a moderné)