V XVII storočí. Holandsko sa stalo príkladnou kapitalistickou krajinou. Viedla rozsiahly koloniálny obchod, mala silnú flotilu a stavba lodí bola jedným z popredných odvetví. Dokonca aj anglickí majitelia lodí často zadávali objednávky holandským lodeniciam. Pracovitým farmárom sa Holanďanom podarilo na relatívne malých plochách pôdy vytvoriť takú mliečnu farmu, že sa preslávili na európskom trhu. Koncom 17. - začiatkom 18. storočia. vstupom Anglicka a Francúzska na medzinárodnú obchodnú scénu Holandsko stráca svoj hospodársky a politický význam, no počas celého 17. storočia bolo vedúcou hospodárskou veľmocou v Európe.

Zároveň bolo Holandsko v tomto období aj najvýznamnejším centrom európskej kultúry. Boj za národnú nezávislosť a víťazstvo mešťanov určil aj charakter holandskej kultúry v 17. storočí. Protestantizmus (kalvinizmus ako jeho najtvrdšia forma), ktorý úplne vytlačil vplyv katolíckej cirkvi, viedol k tomu, že duchovenstvo v Holandsku nemalo taký vplyv na umenie ako vo Flámsku a ešte viac v Španielsku či Taliansku. Univerzita v Leidene bola centrom slobodného myslenia. Duchovná atmosféra priala rozvoju filozofie, prírodných vied a matematiky. Absencia bohatého patricijského a katolíckeho kléru mala obrovské dôsledky pre rozvoj holandského umenia. Holandskí umelci mali ďalšieho zákazníka: mešťanov, holandského richtára, ktorý zdobil nie paláce a vily, ale skromné ​​príbytky či verejné budovy – preto obrazy v Holandsku tejto doby nemajú také rozmery ako plátna Rubensa či Jordaensa, a sú riešené hlavne stojanom, a nie monumentálnymi a dekoratívnymi úlohami. V Holandsku kostol nehral úlohu zákazníka umeleckých diel: chrámy neboli ozdobené oltárnymi obrazmi, pretože kalvinizmus odmietal každý náznak luxusu; Protestantské kostoly boli architektonicky jednoduché a zvnútra neboli nijako zdobené.

Hlavným úspechom holandského umenia v 18. storočí bola maľba na stojane. Človek a príroda boli predmetom pozorovania a zobrazovania holandských umelcov. Pracovitosť, usilovnosť, láska k poriadku a čistota sa odrážajú na obrazoch zobrazujúcich holandský spôsob života. Domáce maľovanie sa stáva jedným z popredných žánrov, ktorého tvorcovia v histórii dostali názov „malí Holanďania“, či už pre nenáročnosť námetov, alebo pre malé rozmery obrazov a možno pre oboje. Holanďania chceli vo svojich obrazoch vidieť celý rozmanitý svet. Odtiaľ pochádza široký záber maľby tohto storočia, „úzka špecializácia“ na určité typy námetov: portrét a krajina, zátišie a živočíšny žáner. V rámci žánru bola dokonca špecializácia: večerná a nočná krajina (Art van der Neer), „nočné ohne“ (Eckbert van der Poole), zimná krajina (Aver Camp), lode na dvore (J. Porcellis), rovina (F. Konink); zátišia – „raňajky“ (P. Claes a V. Heda) alebo obrazy kvetov a ovocia (B. van der Ast, J. van Heissum), interiéry kostolov (A. de Lorme) atď. Maľba o evanjeliu a Prezentované sú aj biblické námety, ale nie v takom rozsahu ako v iných krajinách, ako aj antická mytológia. Holandsko nikdy nemalo žiadne väzby s Talianskom a klasické umenie nehralo rovnakú úlohu ako vo Flámsku. Ovládnutie realistických tendencií, doplnenie určitého okruhu tém, diferenciácia žánrov ako jednotný proces, sú zavŕšené 20. rokmi 17. storočia. Ale v akomkoľvek žánri holandskí majstri pracujú, všade nájdu poetickú krásu v obyčajnosti, dokážu zduchovniť a povzniesť svet materiálnych vecí.

Dejiny holandského maliarstva 17. storočia. dokonale demonštruje vývoj tvorby jedného z najväčších portrétnych maliarov v Holandsku Fransa Halsa (asi 1580-1666). V 10. a 30. rokoch Huls intenzívne pracoval v žánri skupinových portrétov. Ide najmä o zobrazenie streleckých cechov – korporácií dôstojníkov na obranu a stráženie miest. Mešťania sa chceli nechať zvečniť na plátne, platili určitý poplatok za právo byť vyobrazení a umelec musel pamätať na rovnakú pozornosť pri každom modeli. Nie je to však podobnosť portrétov, čo nás na týchto Hulsových dielach uchvacuje. Vyjadrujú ideály mladej republiky, zmysel pre slobodu, rovnosť a kamarátstvo. Z plátien týchto rokov hľadia veselí, energickí, podnikaví ľudia, dôverčiví vo svoje schopnosti a budúcnosť ("Střelecký cech sv. Adriána", 1627 a 1633; "Střelecký cech sv. Juraja", 1627 ). Khale ich zvyčajne zobrazuje na priateľských hostinách, na veselých hostinách. Veľký rozmer kompozície, horizontálne pretiahnutý, široké sebavedomé písmo, intenzívne, sýte farby (žltá, červená, modrá atď.) vytvárajú monumentálny charakter obrazu. Umelec pôsobí ako historiograf celej éry.

Výskumníci niekedy nazývajú jednotlivé portréty Hulsovým žánrom kvôli špeciálnej špecifickosti obrazu, určitej metóde charakterizácie. V postoji Heitheisena kolísajúceho sa na stoličke je niečo nestabilné, zdá sa, že výraz jeho tváre sa čoskoro zmení. Portrét opitej starenky, „harlemskej čarodejnice“, strážkyne krčmy Malle Babbe (začiatok 30. rokov), so sovou na pleci a krígľom piva v ruke má črty žánrovej maľby. Hulsov útržkovitý spôsob, jeho odvážne písanie, keď ťah štetcom vyrezáva tvar aj objem a vyjadruje farbu; mazanica, ktorá je buď odvážna, pastovitá, husto pokrývajúca plátno, niekedy umožňuje sledovať tón podkladu, zvýraznenie jedného detailu a podhodnotenie iného, ​​vnútorná dynamika, schopnosť definovať celok jedným náznakom - to sú typické znaky Hulsovho rukopisu.

F. Hals. Strelecký cech sv. George. Fragment. Haarlem, Halsovo múzeum

F Hals Portrét Willema van Heitheisena. Brusel, Múzeum výtvarného umenia

G. Terborch. Koncert. Berlínske múzeum

V portrétoch Khalsy neskorého obdobia (50.-60. roky) mizne bezstarostná zručnosť, energia a tlak v charakteroch zobrazovaných osôb. V Hermitage portréte muža, napriek všetkej impozantnej postave, dokonca aj určitej arogancii, možno vysledovať únavu a smútok. Tieto črty ešte umocňuje brilantne namaľovaný portrét muža v klobúku so širokou krempou z múzea v Kasseli (60. roky). Khale v týchto rokoch prestáva byť populárny, pretože nikdy nelichotí a ukazuje sa, že je cudzí degenerovanému vkusu bohatých zákazníkov, ktorí stratili demokratického ducha. Ale bolo to v neskorom období kreativity, keď Hale dosiahol vrchol zručnosti a vytvoril najhlbšie diela. Farba jeho obrazov sa stáva takmer monochromatickou. Zvyčajne ide o tmavé, čierne oblečenie s bielym golierom a manžetami a tmavou olivovou farbou pozadia. Lakonická obrazová paleta je však postavená na tých najjemnejších gradáciách.

Dva roky pred smrťou, v roku 1664, sa Hale opäť vracia k skupinovému portrétu. Namaľoval dva portréty – regentov a regenta azylového domu pre seniorov, v jednom z nich na sklonku života našiel úkryt aj on sám. Na portréte vladárov nie je žiadne kamarátstvo s predchádzajúcimi skladbami, modelky sú nejednotné, bezmocné, majú zakalený pohľad, na tvárach je im napísaná devastácia. V pochmúrnom sfarbení (čierna, šedá a biela) prináša zvláštne napätie ružovo-červená škvrna látky na kolene jedného z regentov. Takže v deviatom desaťročí chorý, osamelý a chudobný umelec vytvára svoje najdramatickejšie a najskvelejšie umelecké diela.

V. Kheda. Raňajky s černicovým koláčom. Drážďanská galéria

Umenie Khalsa malo na svoju dobu veľký význam, ovplyvnilo vývoj nielen portrétu, ale aj žánru žánru, krajiny, zátišia.

Zvlášť zaujímavý je krajinný žáner Holandska 17. storočia. Toto nie je príroda vo všeobecnosti, akýsi všeobecný obraz vesmíru, ale národná, menovite holandská krajina, ktorú poznáme aj v modernom Holandsku: slávne veterné mlyny, púštne duny, kanály s loďami, ktoré sa po nich v lete kĺžu. korčuliari v zime. Vzduch je nasýtený vlhkosťou. V kompozíciách zaberá veľké miesto sivá obloha. Takto vykresľujú Holandsko Jan van Goyen (1596-1656) a Salomon van Ruisdael (1600 / 1603-1670).

Rozkvet krajinomaľby v holandskej škole sa datuje do polovice 17. storočia. Najväčším majstrom realistickej krajiny bol Jacob van Ruisdael (1628 / 29-1682), umelec nevyčerpateľnej fantázie. Jeho diela sú zvyčajne plné hlbokej drámy, či už zobrazuje húštiny („Lesný močiar“), krajinu s vodopádmi („Vodopád“) alebo romantickú krajinu s cintorínom („Židovský cintorín“). Ruisdaelova povaha sa objavuje v dynamike, vo večnej obnove. Aj tie najjednoduchšie motívy prírody nadobúdajú pod štetcom umelca monumentálny charakter. Pre Ruisdaela je typické, že kombinuje starostlivé písanie s veľkou životnou integritou a so syntetikou obrazu.

P. de Hach. Nádvorie. Londýn, Národná galéria

Len prímorskou krajinou (marínou) sa zaoberal Jan Porcellis (okolo 1584-1632). Spolu s realistickou, čisto holandskou krajinou existoval v tom čase aj ďalší smer: krajiny talianskeho charakteru, animované mytologickými postavami, figurínami ľudí a zvierat.

Animalistický žáner úzko súvisí s holandskou krajinou. Obľúbeným motívom Alberta Capea sú kravy pri napájadle („Západ slnka na rieke“, „Kravy na brehu potoka“). Okrem všeobecných plánov Paul Potter rád zobrazuje jedno alebo viac zvierat zblízka na pozadí krajiny („Pes na reťazi“).

Zátišie dosahuje brilantný vývoj. Holandské zátišie je na rozdiel od Flámska obrazmi intímneho charakteru, skromnými rozmermi i motívmi. Peter Claesz (okolo 1597-1661), Billm Head (1594-1680 / 82) najčastejšie zobrazoval takzvané raňajky: jedlá so šunkou alebo koláčom na relatívne skromne servírovanom stole. V šikovnom usporiadaní sú predmety zobrazené tak, že sa človek cíti ako vnútorný život vecí (nie nadarmo Holanďania nazvali zátišie „stilliven“ - „tichý život“, a nie „nature morte“ - „mŕtva príroda.“ Pravda, ako správne poznamenal IV Linnik, „tichý život“ je neskorší poetický preklad. V jazyku 17. storočia to znamenalo „pevný model“, čo viac zodpovedá praktickému zmyslu a obchodnému prístupu Holanďanov v čas). Farba je zdržanlivá a rafinovaná (Kheda. „Raňajky s homárom“, 1648; Klas. „Zátišie so sviečkou“, 1627).

Vermeer Delft. Dievčenská hlava. Fragment. Haag, Mauritshuis

So zmenou života holandskej spoločnosti v druhej polovici 17. storočia, s postupným nárastom túžby buržoázie po aristokratizácii a so stratou bývalej demokracie sa zmenil aj charakter zátiší. Khedove „raňajky“ sú nahradené Kalfovými honosnými „dezertmi“. Jednoduchý riad nahrádzajú mramorové stoly, kobercové obrusy, strieborné poháre, nádoby z perleťových mušlí, krištáľové poháre. Calf dosahuje úžasnú virtuozitu pri prenášaní textúry broskýň, hrozna, krištáľových povrchov. Jednotný tón zátiší predchádzajúceho obdobia je nahradený bohatou gradáciou tých najkrajších farebných odtieňov.

Holandské zátišie je jednou z umeleckých realizácií najdôležitejšej témy holandského umenia – témy súkromného života obyčajného človeka. Táto téma je plne stelesnená v žánrovej maľbe. V 20.-30. rokoch XVII. Holanďania vytvorili zvláštny druh drobnej maloformovej maľby. 40. - 60. roky - rozkvet maliarstva, oslavujúci pokojný meštiansky život v Holandsku, meral každodennú existenciu. Ale aj v okruhu Fransa Halsa, kde sa formoval aj flámsky maliar Adrian Brouwer, sa formoval výrazný záujem o námety z roľníckeho života. Adrian van Ostade (1610-1685) zobrazuje najprv tienisté stránky života roľníkov ("Boj"). Od 40. rokov v jeho tvorbe satirické poznámky čoraz častejšie nahrádzajú humorné ("V dedinskej krčme", 1660). Niekedy sú tieto malé obrázky kolorované s veľkým lyrickým citom. Právom sa Ostadeho majstrovské dielo maľby považuje za jeho „Maliar v ateliéri“ (1663), v ktorom umelec oslavuje tvorivú prácu bez toho, aby sa uchýlil k deklarácii alebo pátosu.

No hlavnou témou „malých Holanďanov“ stále nie je sedliacky, ale meštiansky spôsob života. Zvyčajne ide o obrázky bez fascinujúceho príbehu. Zdá sa, že na obrázkoch tohto žánru sa nič nedeje. Žena list číta, pán a dáma pustia hudbu. Alebo sa práve stretli a zrodí sa medzi nimi prvý cit, no ten je len načrtnutý, divák dostáva právo sám špekulovať.

Najzábavnejším rozprávačom tohto druhu obrazov bol Jan Stan (1626-1679) (Revelers, The Game of Trick Truck). Pomalý životný rytmus, úprava denného režimu, istú monotónnosť existencie dokonale sprostredkuje Gabriel Metsu (1629-1667, „Raňajky“, „Pacient a doktor“),

V tomto dosiahol Gerard Terborch (1617-1681) ešte väčšiu zručnosť. Začínal s najdemokratickejšími poddanými („The Grinder“), no keď sa vkus holandských mešťanov menil, prešiel na aristokratickejšie modely a mal tu veľký úspech.

Interiér nadobúda u „malých Holanďanov“ osobitú poéziu. Väčšinu holandského života strávili v dome, pričom skutočným spevákom tejto témy sa stal Peter de Hooch (1629-1689). Jeho miestnosti s pootvoreným oknom, s nechcene vyhodenými topánkami alebo s ponechanou metlou sú často vyobrazené bez ľudskej postavy, ale človek je tu neviditeľne prítomný, vždy existuje spojenie medzi interiérom a ľuďmi. Keď zobrazuje ľudí, zámerne zdôrazňuje určitý mrazivý rytmus, zobrazuje život akoby zmrazený, nehybný ako veci samotné („Pani a sluha“, „Nádvorie“).

Rembrandt. Anatómia doktora Tulpa. Haag, Mauritshuis

Nová etapa žánrovej maľby sa začína v 50. rokoch a je spojená s takzvanou delftskou školou, s menami takých umelcov ako Karel Fabricius, Emmanuel de Witte a Jan Wermer, známy v dejinách umenia ako Wermeer Delft (1632-1675) . Vermeer bol jedným z tých umelcov, ktorí predurčili mnohé z koloristických úloh 19. storočia, v mnohých ohľadoch vydláždili cestu impresionistom, aj keď Vermeerove obrazy zrejme nie sú nijako originálne. Sú to tie isté obrazy zo života zamrznutého mešťana: čítanie listu, rozprávanie sa pána a dámy, služobníctvo v jednoduchých domácnostiach, pohľady na Amsterdam či Delft. Vermeerov raný obraz „U pasáka“ (1656) je nezvyčajne (pre „malých Holanďanov“) veľký, monumentálny tvar, zvučný vo farbe veľkých miestnych škvŕn: červené šaty džentlmena, žlté šaty a biely šál dievčaťa.

Neskôr sa Vermeer vzdal veľkých rozmerov a namaľoval rovnaké malé plátna, aké boli v tej dobe akceptované v žánrovej maľbe. Ale tieto obrazy, jednoduché v akcii: „Dievča číta list“, „Kavalier a dáma pri Spinete“, „Dôstojník a smejúce sa dievča“ atď., sú plné duchovnej jasnosti, ticha a pokoja. Hlavné výhody Vermeera ako výtvarníka sú v prenose svetla a vzduchu. Kombinuje široký štetec s jemným ťahom štetca na koordináciu svetla a farby. Rozpustenie predmetov v prostredí ľahkého vzduchu, schopnosť vytvoriť túto ilúziu predovšetkým určila uznanie a slávu Vermeera presne v 19. storočí. Neskôr sa Vermerov list stal viac zrasteným, hladším, postaveným na jemných kombináciách modrej, žltej, modrej, zjednotenej úžasnou perleťou, až perleťovo-šedou („Dievča hlava“).

Wermeer robil to, čo nikto v 17. storočí: maľoval krajinky z prírody ("Malá ulica", "Pohľad na Delft"). Možno ich nazvať prvými príkladmi plenérovej maľby. Zrelé, klasické vo svojej jednoduchosti umenie Vermeera malo veľký význam pre budúce éry.

Vrcholom holandského realizmu, výsledkom obrazových výdobytkov holandskej kultúry v 17. storočí, je dielo Rembrandta. Ale význam Rembrandta, ako každého geniálneho umelca, presahuje hranice iba holandského umenia a holandskej školy.

Harmenszoon van Rijn Rembrandt (1606-1669) sa narodil v Leidene v rodine pomerne bohatého majiteľa mlyna a po latinskej škole krátko študoval na Leidenskej univerzite, ale nechal ho študovať maľbu najprv u málo známeho. miestny majster a potom s amsterdamským umelcom Petrom Lastmanom ...

Tréningové obdobie bolo krátke a Rembrandt čoskoro odišiel do svojho rodného mesta študovať maľbu sám vo vlastnej dielni. Preto sa roky 1625-1632 zvyčajne nazývajú leidenským obdobím jeho tvorby. Toto bola doba umelcovho formovania, jeho najväčšej vášne pre Caravaggia, majstrovské spôsoby v tomto období boli stále suché a interpretácia tém bola často melodramatická. Toto je obdobie, kedy sa prvýkrát obráti na lept.

V roku 1632 odišiel Rembrandt do Amsterdamu, centra holandskej umeleckej kultúry, čo mladého umelca prirodzene prilákalo. 30. roky – čas najvyššej slávy, cestu ku ktorej maliarovi otvoril veľký objednaný obraz v roku 1632 – skupinový portrét, známy aj ako „Anatómia doktora Tulpa“ alebo „Lekcia anatómie“. Na Rembrandtovom plátne sú ľudia zjednotení akciou, všetci sú prezentovaní v prirodzených pózach, ich pozornosť púta hlavný hrdina doktor Tulp, ktorý predvádza svalovú štruktúru „rozsekanej“ mŕtvoly. Ako správny Holanďan sa Rembrandt nebojí realistických detailov, ako veľký umelec sa vie vyhnúť naturalizmu. V roku 1634 sa Rembrandt ožení s dievčaťom z bohatej rodiny - Saskiou van Eilenborch - a odvtedy spadá do patricijských kruhov. Začína sa najšťastnejšie obdobie jeho života. Stáva sa slávnym a módnym umelcom. Jeho dom láka najlepších predstaviteľov aristokracie ducha a bohatých zákazníkov, má veľkú dielňu, kde úspešne pracujú jeho mnohí študenti. Saskiin značný odkaz a jeho vlastná tvorba dávajú materiálnu slobodu.

Celé toto obdobie je plné romantiky. Maliar sa vo svojej tvorbe špecificky snaží vymaniť sa z nudného meštianskeho každodenného života a píše seba a Saskiu v luxusných šatách, vo fantastických šatách a pokrývkach hlavy, vytvára veľkolepé kompozície, v zložitých obratoch, pózach, pohyboch vyjadruje rôzne stavy. v ktorom prevláda generál - radosť bytie. Táto nálada je vyjadrená v jednom autoportréte zbierky Louvru v roku 1634 a na portréte Saskie z múzea v Kasseli (ten istý rok), ako aj v ermitážnom zobrazení Saskie ako Flory. Ale možno najjasnejšie zo všetkých Rembrandtovho vnímania sveta týchto rokov sprostredkúva slávny „Autoportrét so Saskiou na kolenách“ (asi 1636). Celé plátno je preniknuté úprimnou radosťou zo života, jasotom. Tieto pocity sprostredkúva nevinný výraz žiariacej tváre samotného umelca, ktorý, zdá sa, dosiahol všetky pozemské požehnania; všetok sprievod, od bohatých šiat až po slávnostne zdvihnutý krištáľový pohár v ruke; rytmus plastov, bohatosť farebných nuáns, strihová a tieňová modelácia, ktorá sa stane hlavným výrazovým prostriedkom Rembrandtovej maľby. Čarovný, rozprávkový svet ... Barokový jazyk má najbližšie k prejavom povznesených nálad. A Rembrandt bol v tomto období do značnej miery ovplyvnený talianskym barokom.

Postavy obrazu z roku 1635 „Obeť Abraháma“ sa objavujú v zložitých uhloch. Z tela Izáka, natiahnutého v popredí a vyjadrujúceho úplnú bezmocnosť obete, sa pohľad diváka obracia do hĺbky – k postave staršieho Abraháma a Božieho posla, anjela, vyrážajúceho z oblakov. Kompozícia je mimoriadne dynamická, postavená podľa všetkých pravidiel baroka. Ale na obrázku je to, čo ju presne odlišuje od Rembrandtovho charakteru tvorivosti: srdečné sledovanie stavu mysle Abraháma, ktorý nemal čas, keď sa anjel zrazu objavil, necítiť ani radosť z toho, že sa zbavil toho hrozného. obeť ani vďačnosť, ale kto prežíval len únavu a zmätok. Najbohatšie možnosti Rembrandta ako psychológa sa na tomto obrázku deklarujú celkom evidentne.

V tých istých 30-tych rokoch sa Rembrandt prvýkrát vážne začal venovať grafike, predovšetkým leptaniu. Odkaz Rembrandta ako grafika, ktorý zanechal rytiny aj unikátne kresby, je nemenej významný ako ten obrazový. Rembrandtove lepty sú predovšetkým biblické a evanjelické predmety, ale v kresbe sa ako pravý holandský umelec často odvoláva aj na žáner. Pravda, Rembrandtov talent je taký, že každé žánrové dielo začne pod jeho rukou znieť ako filozofické zovšeobecnenie.

Na prelome raného obdobia umelcovej tvorby a jeho tvorivej zrelosti sa pred nami objavuje jeden z jeho najznámejších obrazov, známy ako „Nočná hliadka“ (1642) – skupinový portrét streleckej roty kapitána Banninga Cocka.

Skupinový portrét je však iba formálnym názvom diela, ktoré vyplýva z prianí zákazníka. Rembrandt sa vzdialil od bežnej kompozície skupinového portrétu-obrazu hostiny, počas ktorej dochádza k „prezentácii“ každého z portrétovaných. Rozšíril rozsah žánru a poskytol skôr historický obraz: na poplachový signál sa Banning Cockov oddiel vydáva na kampaň. Niektorí sú pokojní, sebavedomí, iní sú nadšení v očakávaní toho, čo príde, ale vo všetkom je vyjadrenie spoločnej energie, vlasteneckého nadšenia a triumfu občianskeho ducha.

Obraz ľudí vychádzajúcich spod akéhosi oblúka do jasného slnečného svetla je plný ozveny hrdinskej éry holandskej revolúcie, doby triumfov republikánskeho Holandska. Skupinový portrét pod štetcom Rembrandta prerástol do hrdinského obrazu doby a spoločnosti.

No práve táto nálada bola meštianke z polovice storočia cudzia, nezodpovedala vkusu zákazníkov a maliarske techniky boli v rozpore so všeobecne uznávanými. Veľkolepá, nepochybne trochu divadelná, vysoko voľná kompozícia, ako už bolo spomenuté, nemala za cieľ reprezentovať každého zo zákazníkov. Mnohé tváre sú jednoducho zle „čitateľné“ v tomto drsnom šerosvite, v týchto kontrastoch hustých tieňov a jasného slnečného svetla, do ktorých vstupuje odlúčenie (v 19. storočí už obraz stmavol natoľko, že bol považovaný za zobrazenie noci). scéna, odtiaľ jej nesprávny názov.ležanie z postavy kapitána na svetlom oblečení poručíka dokazuje, že nie je noc, ale deň).

Divákovi pripadalo nepochopiteľné a absurdné, že sa v tejto scéne objavujú cudzí ľudia, najmä malé dievčatko v zlatožltých šatách, tlačiace sa v dave vojnových mužov. Všetko tu vyvolalo zmätok a podráždenie verejnosti a môžeme povedať, že konflikt medzi umelcom a spoločnosťou začína a prehlbuje sa od tohto obrazu. Smrťou Saskie v tom istom roku 1642 sa Rembrandt prirodzene rozchádza s patricijskými kruhmi, ktoré sú mu cudzie.

40-50 roky sú časom tvorivej zrelosti. Nezmenil sa len Rembrandtov vonkajší život, zmenil sa predovšetkým on sám. Toto je čas formovania jeho tvorivého systému, z ktorého veľa pôjde do minulosti a v ktorom sa získajú ďalšie, neoceniteľné vlastnosti. V tomto období sa často obracia na predchádzajúce diela, aby ich prerobil novým spôsobom. Tak to bolo napríklad v prípade „Danae“, ktoré napísal už v roku 1636. Už vtedy bolo v tomto obraze vyjadrené to hlavné: zmyselný princíp, pohanský, do istej miery „Titian“ bol len časťou bežného v nej vo vyjadrení komplexných emocionálnych zážitkov jediný emocionálny impulz. Klasický, krásny, ale aj abstraktný ideál krásy vystriedalo vyjadrenie životnej pravdy, žiarivá individualita fyzického líčenia. Toto škaredé telo bolo vykreslené mimoriadne realisticky. Ale Rembrandt nebol spokojný s vonkajšou pravdou. Pokiaľ ide o obraz v 40. rokoch, umelec zintenzívnil svoj emocionálny stav. Prepísal stredobod hrdiny a slúžky. Podaril Danae nové gesto zdvihnutej ruky, informoval ju o veľkom dojatí, vyjadrení radosti, nádeje, príťažlivosti. Zmenil sa aj spôsob písania. V nedotknutých častiach maľby v studených tónoch je forma starostlivo vypracovaná; v prepisovaných dominuje teplé, zlatohnedé, odvážne, voľné písanie. Svetlo hrá obrovskú úlohu: svetelný tok akoby zahaľoval postavu Danae, celá žiari láskou a šťastím, toto svetlo je vnímané ako vyjadrenie ľudských citov.

V 40. a 50. rokoch Rembrandtova zručnosť neustále rástla. Na interpretáciu si vyberá najlyrickejšie, poetické aspekty ľudskej existencie, tú ľudskú, ktorá je večná, všeľudská: materinskú lásku, súcit. Najväčší materiál mu dáva Sväté písmo a z neho výjavy zo života svätej rodiny, zápletky zo života Tobiáša. V dielach tohto obdobia nie sú žiadne vonkajšie vplyvy. Rembrandt zobrazuje jednoduchý život, obyčajných ľudí, ako na obraze Svätá rodina: len anjeli zostupujúci do súmraku chudobného príbytku nám pripomínajú, že nejde o obyčajnú rodinu. Gesto matkinej ruky, odhodenie baldachýnu na pohľad na spiace dieťa, sústredenie v postave Jozefa – všetko je hlboko premyslené. Jednoduchosť života a vzhľad ľudí túto tému neuzemňuje. Rembrandt vie vidieť v každodennom živote nie plytké a obyčajné, ale hlboké a trvalé. Z tohto plátna srší pokojné ticho pracovného života, posvätnosť materstva. Chiaroscuro hrá v Rembrandtových obrazoch obrovskú úlohu - základ jeho umeleckej štruktúry. Vo farebnej schéme dominujú tónové vzťahy, do ktorých Rembrandt rád vnáša výrazné miesta čistej farby. Vo Svätej rodine je takým zjednocujúcim bodom červená prikrývka na kolíske.

Krajina, obrazová i grafická (lept a kresba), zaujíma v Rembrandtovej tvorbe významné miesto. Pri zobrazení skutočných častí krajiny sa dokáže, rovnako ako na tematickom obrázku, povzniesť nad bežnosť („Krajina s mlynom“).

Posledných 16 rokov je najtragickejšími rokmi Rembrandtovho života; je na mizine, nemá príkazy, nemá vlastný domov, stratil všetkých svojich blízkych, blízkych, dokonca ho zrádzajú aj jeho učeníci. Ale tieto roky sú plné úžasne silnej tvorivej činnosti, v dôsledku ktorej vznikajú malebné obrazy, výnimočné svojou monumentálnosťou a duchovnosťou, hlboko filozofické a vysoko etické diela. V týchto obrazoch od Rembrandta je všetko očistené od pominuteľného, ​​náhodného. Detaily sú obmedzené na minimum, gestá, držanie tela, sklony hlavy sú starostlivo premyslené a pochopené. Postavy sú zväčšené, v blízkosti prednej roviny plátna. Aj drobné diela Rembrandta z týchto rokov vytvárajú dojem mimoriadnej vznešenosti a skutočnej monumentality. Hlavnými výrazovými prostriedkami nie sú línie a hmoty, ale svetlo a farba. Kompozícia je do značnej miery založená na vyváženosti farebných zvukov. Vo farebnej schéme dominujú odtiene červenej a hnedej horiacej zvnútra.

Farba nadobúda zvukovosť a intenzitu. O zosnulom Rembrandtovi by bolo presnejšie povedať, že jeho farba je „žiarivá“, pretože na jeho plátnach je svetlo a farba jedno, jeho farby akoby vyžarovali svetlo. Táto komplexná interakcia farby a svetla nie je samoúčelná, vytvára určité emocionálne prostredie a psychologické charakteristiky obrazu.

Portréty zosnulého Rembrandta sa veľmi líšia od portrétov 30. a dokonca 40. rokov. Tieto mimoriadne jednoduché (polovičné alebo generačné) obrazy ľudí blízkych umelcovi svojou vnútornou štruktúrou sú vždy obrazným vyjadrením mnohotvárnej ľudskej osobnosti, zarážajúce v majstrovskej schopnosti sprostredkovať nestále, neuchopiteľné duchovné pohyby.

Rembrandt vedel, ako vytvoriť portrétovú biografiu; zvýraznením iba tváre a rúk vyjadril celý životný príbeh („Portrét starého muža v červenom“, okolo 1654). Najväčšiu jemnosť charakteristík však Rembrandt dosiahol v autoportrétoch, ktorých sa k nám dostalo asi sto a na ktorých je dokonale vysledovaná nekonečná rozmanitosť psychologických aspektov, rozmanitosť Rembrandtových charakteristík. Po slávnostných portrétoch 30. rokov sa pred nami objavuje iná interpretácia obrazu; plný vysokej dôstojnosti a mimoriadnej jednoduchosti, muž v najlepších rokoch na portréte z viedenskej zbierky z roku 1652; tieto črty sa časom stanú dominantnými, rovnako ako prejav statočnosti a tvorivej sily (portrét z roku 1660).

Finále v histórii skupinového portrétu predstavovala Rembrandtova podobizeň starších súkenníckych dielní – tzv. „Syndikov“ (1662), kde Rembrandt s mizivými prostriedkami vytvoril živé a zároveň odlišné ľudské typy, ale čo je najdôležitejšie, dokázal sprostredkovať zmysel pre duchovnú jednotu, vzájomné porozumenie a prepojenie ľudí spájalo jednu vec a jednu úlohu, ktorú nezvládol ani Hals.

V rokoch zrelosti (hlavne v 50. rokoch) vytvoril Rembrandt svoje najlepšie lepty. Ako lepták nemá vo svetovom umení páru. Jeho technika leptania sa stáva neobvykle komplikovanou a obohacovanou. K leptu pridáva techniku ​​„suchej ihly“, nanáša atrament pri tlači rôznymi spôsobmi, občas robí zmeny na doske po prvých výtlačkoch, preto sú mnohé lepty známe vo viacerých štátoch. Ale vo všetkých majú obrazy hlboký filozofický význam; rozprávajú o tajomstvách bytia, o tragédii ľudského života. A ešte jedna vlastnosť Rembrandtových leptov tohto obdobia: vyjadrujú súcit s trpiacimi, znevýhodnenými, umelcov neodolateľný cit pre spravodlivosť a dobro.

Rembrandtova grafika naplno odhalila demokratizmus jeho svetonázoru („Slepý Tobit“, „Zostup z kríža“, „Pohreb“, „Klaňanie pastierov“, „Tri kríže“, 1653 a 1660).

Veľa kreslí. Rembrandt po sebe zanechal 2000 kresieb. Ide o náčrty z prírody, náčrty pre maľby a prípravu na lepty. Technicky brilantné, dokonalé kresby Rembrandta demonštrujú jeho obvyklý vývoj: od detailného prepracovania a kompozičnej zložitosti k nápadnému lakonizmu a klasicky jasnej majestátnej jednoduchosti.

Za epilóg Rembrandtovej tvorby možno považovať jeho slávny obraz Márnotratný syn (okolo 1668-1669), v ktorom sa najplnšie prejavila umelcova etická výška a obrazová zručnosť. Zápletka biblického podobenstva o rozpustilom synovi, ktorý sa po mnohých putovaniach vrátila do otcovho domu, zaujala Rembrandta ešte skôr, o čom svedčí jeden z jeho raných leptov a niekoľko kresieb. V tejto skupine - v postave dotrhaného mladíka, ktorý padol na kolená a položil ruky na oholenú hlavu starca - vrcholí napätie citov, emocionálny šok, šťastie z návratu a zisku, bezodná rodičovská láska, ale aj trpkosť sklamania, straty, poníženia, hanby a ľútosti. Táto Neľudskosť robí scénu zrozumiteľnou pre rôznych ľudí všetkých čias a dáva jej nesmrteľnosť. Jednota farieb je tu obzvlášť nápadná. Z oranžovo-červených tónov pozadia je to všetko jeden obrazový tok, vnímaný ako vyjadrenie jediného pocitu.

Rembrandt mal obrovský vplyv na umenie. V Holandsku nebol svojho času žiadny maliar, ktorý by nezažil vplyv veľkého umelca. Mal veľa študentov. Asimilovali systém Rembrandtovho šerosvitu, ale prirodzene nemohli asimilovať Rembrandtove chápanie ľudskej osoby. Niektorí z nich preto nezašli ďalej ako na vonkajšie napodobňovanie učiteľa a väčšina ho zradila, prešla na pozíciu akademizmu a napodobňovania vtedy módnych Flemingov a potom Francúzov.

V poslednej štvrtine 17. stor. začína úpadok holandskej maliarskej školy, strata národnej identity a od začiatku 18. storočia sa začína koniec veľkej éry holandského realizmu.

Holandsko. 17 storočie. Krajina zažíva nebývalý rozkvet. Takzvaný „zlatý vek“. Koncom 16. storočia dosiahli viaceré provincie krajiny nezávislosť od Španielska.

Teraz sa Prostane Holandsko vydalo vlastnou cestou. A katolícke Flámsko (dnešné Belgicko), pod krídlami Španielska, je svoje.

V nezávislom Holandsku takmer nikto nepotreboval náboženské maľovanie. Protestantská cirkev neschvaľovala luxus výzdoby. Ale táto okolnosť „hrala do karát“ svetskej maľbe.

Doslova každý obyvateľ novej krajiny sa prebudil k láske k tejto umeleckej forme. Holanďania chceli na obrazoch vidieť svoj vlastný život. A umelci im ochotne išli v ústrety.

Ešte nikdy toľko nezobrazovali okolitú realitu. Obyčajní ľudia, obyčajné izby a raňajky tých najobyčajnejších obyvateľov mesta.

Realizmus prekvital. Až do 20. storočia bude dôstojným konkurentom akademizmu s jeho nymfami a gréckymi bohyňami.

Títo umelci sa nazývajú „malí“ Holanďania. prečo? Obrazy boli malých rozmerov, pretože boli vytvorené pre malé domčeky. Takže takmer všetky obrazy Jana Vermeera nie sú vysoké viac ako pol metra.

Ale viac sa mi páči tá druhá verzia. V Holandsku v 17. storočí žil a pracoval veľký majster, „veľký“ Holanďan. A všetci ostatní boli v porovnaní s ním „malí“.

Hovoríme, samozrejme, o Rembrandtovi. Začnime ním.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandt. Autoportrét vo veku 63 rokov. Londýnska národná galéria z roku 1669

Rembrandt zažil počas svojho života širokú škálu emócií. Preto je v jeho raných dielach toľko zábavy a odvahy. A v tých neskorších je toľko ťažkých pocitov.

Tu je mladý a bezstarostný na obraze „Márnotratný syn v krčme“. Milovaná manželka Saskia je na kolenách. Je obľúbeným umelcom. Objednávky plynú ako rieka.

Rembrandt. Márnotratný syn v krčme. 1635 Galéria starých majstrov, Drážďany

Ale toto všetko za nejakých 10 rokov zmizne. Saskia zomrie na konzumáciu. Popularita sa rozplynie ako dym. Veľký dom s unikátnou zbierkou odvezú pre dlhy.

Ale objaví sa ten istý Rembrandt, ktorý zostane po stáročia. Holé pocity hrdinov. Ich najvnútornejšie myšlienky.

2. Frans Hals (1583-1666)

Frans Hals. Autoportrét. 1650 Metropolitné múzeum umenia, New York

Frans Hals je jedným z najväčších maliarov portrétov všetkých čias. Preto by som ho zaradil aj medzi „veľkých“ Holanďanov.

V Holandsku bolo v tom čase zvykom objednávať skupinové portréty. Takto sa objavilo mnoho podobných diel zobrazujúcich ľudí pracujúcich spoločne: strelcov z toho istého cechu, lekárov z toho istého mesta, spravujúcich opatrovateľský dom.

V tomto žánri vyčnieva Hals najviac. Koniec koncov, väčšina týchto portrétov vyzerala ako balíček kariet. Ľudia s rovnakým výrazom tváre sedia pri stole a len sa pozerajú. S Halsom to bolo iné.

Pozrite sa na jeho skupinový portrét sv. George ".

Frans Hals. Šípy cechu sv. George. 1627 Frans Hals Museum, Haarlem, Holandsko

Tu nenájdete ani jedno opakovanie držania tela ani výrazu tváre. Zároveň tu ani nie je chaos. Existuje mnoho postáv, ale nikto sa nezdá byť zbytočný. Vďaka úžasne správnemu umiestneniu figúrok.

A v jedinom portréte Khals prekonal mnohých umelcov. Jeho vzory sú prirodzené. Ľudia z vysokej spoločnosti na jeho obrazoch postrádajú vykonštruovanú veľkosť a modelky z nižších vrstiev nevyzerajú ponížene.

A tiež jeho postavy sú veľmi emotívne: usmievajú sa, smejú sa, gestikulujú. Napríklad, toto je „cigán“ so šibalským pohľadom.

Frans Hals. Cigánska. 1625-1630

Hals, podobne ako Rembrandt, skončil svoj život v chudobe. Z rovnakého dôvodu. Jeho realizmus bol proti vkusu zákazníkov. Ktorí chceli vyšperkovať svoj vzhľad. Khals nešiel do úplného lichotenia, a podpísal tak svoju vlastnú vetu - „Oblivion“.

3. Gerard Terborch (1617-1681)

Gerard Terborch. Autoportrét. 1668 Kráľovská galéria Mauritshuis, Haag, Holandsko

Terborch bol majstrom žánru. Bohatí a nie takí mešťania sa pokojne rozprávajú, dámy čítajú listy a pasák sleduje dvorenie. Dve alebo tri blízko seba umiestnené postavy.

Bol to tento majster, ktorý vyvinul kánony každodenného žánru. Ktoré si potom požičia Jan Vermeer, Peter de Hooch a mnohí ďalší „malí“ Holanďania.

Gerard Terborch. Pohár limonády. 60. roky 17. storočia. Štátna Ermitáž, Petrohrad

Pohár limonády je jedným z najznámejších diel Terborchu. Ukazuje to ďalšiu dôstojnosť umelca. Neuveriteľne realistický obraz látky šiat.

Terborch má tiež nezvyčajné diela. Čo hovorí o jeho túžbe ísť nad rámec požiadaviek zákazníkov.

Jeho Grinder ukazuje životy najchudobnejších ľudí v Holandsku. Na obrazoch „malých“ Holanďanov sme zvyknutí vidieť útulné dvory a čisté izby. Ale Terborch sa odvážil ukázať nevzhľadné Holandsko.

Gerard Terborch. Brúska. 1653-1655 Štátne múzeá v Berlíne

Ako si viete predstaviť, takéto diela neboli žiadané. A sú ojedinelým výskytom aj pri Terborchu.

4. Jan Vermeer (1632-1675)

Jan Vermeer. Umelcova dielňa. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum, Viedeň

Ako Jan Vermeer vyzeral, nie je isté. Je len zrejmé, že na obraze „Umelecká dielňa“ zobrazil seba. Pravda odzadu.

Preto je prekvapujúce, že nedávno sa stala známa nová skutočnosť zo života majstra. Je spojená s jeho majstrovským dielom „Delft Street“.

Jan Vermeer. Delft street. 1657 Rijksmuseum v Amsterdame

Ukázalo sa, že na tejto ulici prešlo Vermeerovo detstvo. Zobrazený dom patril jeho tete. Vychovávala v ňom svojich päť detí. Možno sedí na prahu a šije a jej dve deti sa hrajú na chodníku. V dome oproti býval sám Vermeer.

Častejšie však zobrazoval vnútorné prostredie týchto domov a ich obyvateľov. Zdalo by sa, že zápletky obrazov sú veľmi jednoduché. Tu je pekná dáma, bohatá obyvateľka mesta, ktorá kontroluje prácu svojich váh.

Ján Vermeer. Žena s váhami. 1662-1663 Národná galéria umenia, Washington

Ako sa Vermeer presadil medzi tisíckami iných „malých“ Holanďanov?

Bol dokonalým majstrom svetla. Na obraze „Žena s váhami“ svetlo jemne zahaľuje tvár, látky a steny hrdinky. Dáva obrázku neznámu spiritualitu.

A tiež kompozície Vermeerových obrazov sú starostlivo overené. Nenájdete jediný nadbytočný detail. Stačí odstrániť jeden z nich, obrázok sa „rozpadne“ a kúzlo zmizne.

To všetko nebolo pre Vermeera jednoduché. Takáto úžasná kvalita si vyžadovala starostlivú prácu. Len 2-3 obrazy ročne. V dôsledku toho nemožnosť uživiť rodinu. Vermeer tiež pracoval ako obchodník s umením a predával diela iných umelcov.

5. Peter de Hooch (1629-1684)

Peter de Hooch. Autoportrét. 1648-1649 Rijksmuseum, Amsterdam

Hoha je často porovnávaný s Vermeerom. Pracovali v rovnakom čase, dokonca bolo obdobie v tom istom meste. A to v jednom žánri – každý deň. Na Hochu vidíme aj jednu či dve postavy v útulných holandských dvoroch či izbách.

Otvorené dvere a okná robia priestor jeho obrazov viacvrstvovým a zábavným. A postavy sú do tohto priestoru vpísané veľmi harmonicky. Ako napríklad v jeho obraze „Slúžka s dievčaťom na nádvorí“.

Peter de Hooch. Slúžka s dievčaťom na dvore. 1658 Londýnska národná galéria

Až do 20. storočia bol Hoch veľmi cenený. Ale tých pár diel jeho konkurenta Vermeera si všimol málokto.

Ale v 20. storočí sa všetko zmenilo. Hoh sláva pohasla. Je však ťažké nespoznať jeho úspechy v maľbe. Len málokto dokázal tak kompetentne skĺbiť prostredie a ľudí.

Peter de Hooch. Hráči kariet v slnečnej miestnosti. 1658 Royal Art Collection, Londýn

Všimnite si, že v skromnom dome na plátne "Hráči kariet" visí obraz v drahom ráme.

To opäť ukazuje, aké obľúbené bolo maľovanie medzi bežnými Holanďanmi. Obrazy zdobili každý dom: dom bohatého mešťana, skromného mestského obyvateľa a dokonca aj sedliaka.

6. Ján Steen (1626-1679)

Ján Steen. Autoportrét s lutnou. 70. roky 17. storočia Múzeum Thyssen-Bornemisza, Madrid

Jan Steen je snáď najzábavnejší „malý“ Holanďan. Ale milovať morálku. Často zobrazoval krčmy alebo chudobné domy, v ktorých vládla neresť.

Jeho hlavnými postavami sú milovníci a dámy ľahkej cnosti. Chcel diváka pobaviť, no latentne ho varovať pred začarovaným životom.

Ján Steen. Neporiadok. 1663 Kunsthistorisches Museum, Viedeň

Sten má aj tichšie diela. Ako napríklad „Ranná toaleta“. Ale aj tu umelec prekvapuje diváka príliš úprimnými detailmi. V pančuchách sú stopy gumy a nie prázdny komôrka. A pes akosi leží priamo na vankúši.

Ján Steen. Ranná toaleta. 1661-1665 Rijksmuseum, Amsterdam

Ale napriek všetkej ľahkomyseľnosti sú Stenove farebné schémy veľmi profesionálne. V tomto predčil mnohých „malých Holanďanov“. Pozrite sa, ako sa červená pančucha hodí k modrej bunde a žiarivo béžovému kobercu.

7. Jacobs van Ruisdael (1629-1682)

Ruisdaelov portrét. Litografia z knihy z 19. storočia.

Buržoázne Holandsko, ktoré získalo víťazstvo v boji proti Španielsku za nezávislosť, sa stalo ekonomicky najrozvinutejším štátom západnej Európy. Hlavné holandské mesto Amsterdam bolo identifikované ako jedno z najväčších nákupných centier v Európe.

Holandské maliarstvo sa rozvíja spolu s ekonomikou. Na rozdiel od iných západoeurópskych krajín neboli barokové maľby palácov a zámkov v Holandsku populárne - slabosť šľachty slúžila ako prekážka rozvoja dekoratívneho umenia. Kalvínska cirkev v Holandsku sa tiež nesnažila zdobiť svoje chrámy obrazmi.

Napriek tomu maľba v Holandsku prekvitala: umelci dostávali početné objednávky od súkromných osôb. Dokonca aj holandskí roľníci si mohli doma zavesiť malý obrázok - tieto diela umelcov boli také lacné.

V XVII storočí. v malom Holandsku pracovalo viac ako dvetisíc výtvarníkov. Rozbehli výrobu obrazov, plátna vyrábali po celých sériách a odovzdávali ich predajcom. Takmer každý majster predviedol od dvoch do piatich skladieb týždenne.

Výroba obrazov často prevyšovala dopyt, a preto, aby sa umelci uživili, museli súčasne robiť inú prácu. Takí slávni majstri ako J. Steen, M. Gobbema, J. van Goyen a mnohí iní boli zároveň zamestnancami, záhradníkmi a hostinskými.

Maliari sa zvyčajne špecializujú na jednu konkrétnu tému. Napríklad H. Averkamp maľoval zimné pohľady, E. van der Poole stvárňoval nočné ohne, G. Terborch a G. Metsu - každodenné výjavy, P. Claes a V. K. Kheda - raňajkové zátišia.

Umelci veľmi často pracovali spoločne na jednom obrázku: jeden maľoval oblohu, druhý - trávu a stromy, tretí - ľudské postavy. Najúspešnejšie diela, ktoré mali úspech u verejnosti, boli kopírované a slúžili ako vzor pre vytváranie nespočetných variácií.

Napriek tomu, že umenie talentovaných maliarov bolo podriadené komerčným účelom, majstrom sa spravidla podarilo vyhnúť sa lži. Väčšina z týchto plátien sa vyznačuje realizmom, celistvosťou a čistotou kompozície, sviežosťou farieb a vynikajúcou technikou prevedenia.

Portrétny žáner sa rozšíril v holandskej maľbe. Veľkú úlohu v živote krajiny zohrali rôzne organizácie (strelecká spoločnosť, skupiny zástupcov lekárskej korporácie a obchodné dielne), ktoré prispeli k vzniku skupinového verejného portrétu.

Dlhodobý boj so španielskymi kolonialistami vyostril pocit národnej identity, preto v maľbe bolo okrem realizmu obzvlášť vítané zobrazenie charakteristických národných čŕt. Umelci maľovali more a lode, dobytok, kvety. Okrem portrétu sa vyvinuli také žánre ako krajina a zátišie. Bola tam aj náboženská maľba, ale nebol v nej prvok mystiky; boli prezentované biblické príbehy
umelcov skôr ako každodenné scény.

Frans Hals

Frans Hals sa narodil okolo roku 1581 v Antverpách do rodiny tkáča. Ako tínedžer prišiel do Haarlemu, kde žil takmer bez prestávky až do svojej smrti (v roku 1616 navštívil Antverpy av polovici 30. rokov 17. storočia - Amsterdam). O Halsovom živote sa vie len málo. V roku 1610 vstúpil do cechu svätého Lukáša a v roku 1616 do komory rétorov (amatérskych hercov).

Hals sa rýchlo stal jedným z najznámejších maliarov portrétov v Haarleme. V storočiach XV-XVI. v maľbe Holandska bola tradícia maľovať portréty iba predstaviteľov vládnucich kruhov, slávnych ľudí a umelcov. Halsovo umenie je hlboko demokratické: na jeho portrétoch môžeme vidieť aristokrata, bohatého obyvateľa mesta, remeselníka a dokonca aj osobu z úplného dna. Umelec sa nesnaží idealizovať zobrazované, hlavná je pre neho ich prirodzenosť a originalita. Jeho šľachtici sa správajú rovnako uvoľnene ako predstavitelia nižších vrstiev spoločnosti, ktorí sú na Khalsových obrazoch vykreslení ako veselí ľudia, ktorí nie sú zbavení sebaúcty.

Skupinový portrét zaujíma v maliarovej tvorbe dôležité miesto. Najlepšími dielami tohto žánru boli portréty dôstojníkov streleckej roty sv. Juraja (1627) a streleckej roty sv. Adriána (1633). Každá postava na obrazoch má svoju živú osobnosť a zároveň sa tieto diela vyznačujú celistvosťou.

Khals maľoval aj portréty na mieru, na ktorých sú bohatí mešťania a ich rodiny umiestnení v ležérnych pózach (Portrét Isaaca Massu, 1626; Portrét Hetheisena, 1637). Hulsove obrazy sú živé a dynamické, zdá sa, že ľudia na portrétoch sa rozprávajú s neviditeľným partnerom alebo oslovujú diváka.

Zástupcovia ľudového prostredia v portrétoch Khalsy sa vyznačujú živou expresivitou a spontánnosťou. Na obrázkoch pouličných chlapcov, rybárov, hudobníkov, návštevníkov krčmičiek je cítiť autorovu sympatiu a rešpekt. Jeho „Cigán“ je pozoruhodný. Usmievavá mladá žena pôsobí prekvapivo živo, jej šibalský pohľad smeruje na pre divákov neviditeľného partnera. Hals si svoju predlohu neidealizuje, no imidž veselej, strapatej cigánky nadchne jej energickým šarmom.

Hulsove portréty veľmi často obsahujú prvky žánrovej scény. Sú to obrazy detí, ktoré spievajú alebo hrajú na hudobné nástroje (The Singing Boys, 1624-1625). V rovnakom duchu sa nieslo aj slávne Malle Babbe (začiatok 30. rokov 17. storočia), ktoré predstavilo krčmára známeho v Haarleme, ktorého návštevníci za chrbtom nazývali harlemská čarodejnica. Umelec takmer groteskne zobrazil ženu s obrovským krígľom na pivo a sovou na ramene.

V 40. rokoch 16. storočia. v krajine sú náznaky bodu obratu. Od víťazstva revolúcie ubehlo len niekoľko desaťročí a buržoázia prestala byť pokrokovou triedou založenou na demokratických tradíciách. Pravdivosť Hulsovej maľby už neláka bohatých klientov, ktorí sa chcú na portrétoch vidieť lepšie, než v skutočnosti sú. Hulse sa však nevzdal realizmu a jeho popularita prudko klesla. V maľbe tohto obdobia sa objavujú tóny smútku a sklamania ("Portrét muža v širokom klobúku"). Jeho paleta sa stáva prísnejšou a pokojnejšou.

Vo veku 84 rokov Hals vytvoril dve zo svojich majstrovských diel: skupinové portréty regentov (správcov) a regenta azylového domu pre seniorov (1664). Tieto najnovšie diela holandského majstra sú pozoruhodné svojou emocionalitou a jasnou osobnosťou obrazov. Obrazy regentov – starčekov a starkýň – dýchajú smútkom a smrťou. Tento pocit zdôrazňuje aj farba, udržiavaná v čiernych, šedých a bielych tónoch.

Hals zomrel v roku 1666 v hlbokej chudobe. Jeho skutočné umenie, ktoré potvrdzuje život, výrazne ovplyvnilo mnohých holandských umelcov.

Rembrandt

V rokoch 1640-1660. Holandské maliarstvo prekvitalo. Najvýznamnejším umelcom tejto doby bol Rembrandt.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn sa narodil v roku 1606 v Leidene. Jeho otec bol bohatý mlynár. Rodičia snívali o dobrom vzdelaní pre svojho syna a zaradili ho do latinskej školy, po ktorej Rembrandt vstúpil na univerzitu v Leidene. Mladého muža však lákalo umenie. Opustil univerzitu a začal študovať u maliara Jacoba Svannenburkha. O tri roky neskôr odišiel mladý umelec do Amsterdamu, kde začal brať lekcie od Petra Lastmana.

V roku 1624 sa Rembrandt vrátil do Leidenu. Tu si spolu s maliarom Janom Lievensom prenajal ateliér. Umelec veľa pracuje zo života, maľuje nielen v ateliéri, ale aj na ulici a v mestskom bazáre.

Koncom 20. rokov 16. storočia. Rembrandt si získal obľubu medzi obyvateľmi Leidenu. Dostal veľa objednávok a jeho prvý žiak - Gerard Dow, ktorý sa neskôr stal pomerne slávnym maliarom.

Rané Rembrandtove maľby sa vyznačujú dôkladnosťou kompozície a svedomitosťou prevedenia. Zároveň sa vyznačujú určitým obmedzením ("Múka sv. Sebastiána", 1625).

V roku 1631 sa Rembrandt usadil v Amsterdame. Sláva o ňom sa veľmi rýchlo rozšírila po celom meste a na maliara padali zákazky. Úspešný bol aj Rembrandtov osobný život: v roku 1634 sa oženil so Saskiou van Eulenburgovou, dievčaťom zo známej buržoáznej rodiny. Manželstvo prinieslo umelcovi značné bohatstvo, ktoré mu poskytlo tvorivú nezávislosť a umožnilo mu venovať sa zbieraniu umeleckých diel a starožitností.

Rembrandt si užíval šťastie v spoločnosti svojej milovanej manželky, ktorú mnohokrát stvárnil. Saskia často slúžila ako model pre obrazy so širokou škálou námetov (Flora, 1634; Autoportrét so Saskiou na kolenách, okolo 1639).

Rembrandtova tvorba v tomto období je rozmanitá, píše historické, mytologické a náboženské kompozície, portréty, každodenné scény, krajiny, zátišia, obrazy s obrazmi zvierat. Hlavným predmetom jeho pozornosti je však človek. Nielen v portrétoch, ale aj vo svojich ďalších dielach sa umelec snaží sprostredkovať charakter a vnútorný svet svojich hrdinov.

Pozoruhodný majster portrétneho žánru len v 30. rokoch 17. storočia. Rembrandt predviedol viac ako šesťdesiat objednaných portrétov. Hlavná vec pre maliara nie je vonkajšia podobnosť s modelom, ale hĺbka vnútorného sveta, sila emocionálnych pohybov a skúseností. Skupinový portrét „Anatómia doktora Tulpu“ (1632) jeho súčasníci privítali s potešením. Umelec urobil zmeny v tradičnej kompozícii klasického skupinového portrétu, pričom postavy neumiestnil do radu, ako bolo zvykom, ale voľne. Táto konštrukcia dala obrazu živosť a prirodzenosť.

Koncom 30. rokov 16. storočia. Rembrandt sa stal najznámejším remeselníkom v Holandsku. Do tohto obdobia patrí jeho majstrovské dielo, slávna „Danae“ (1636), ktorej majstrovstvo prevyšuje všetko, čo vytvorili jeho súčasníci.
umelec. Dokonalosť jeho zloženia a bohatosť farieb, udržiavaná v zlatých odtieňoch, ohromuje. Zdá sa, že v tejto práci nie je nič nadbytočné, každý detail autor starostlivo premyslí. Pomocou voľného a živého ťahu štetca majster sprostredkuje ľahkosť prikrývky, záhyby ťažkých záclon a závesov. Ohybný plast mladej ženy ležiacej na posteli je nápadný, bledo zlaté odtiene tela prežiarené jemným svetlom. Hoci Danae nežiari dokonalou krásou, jej imidž nadchne diváka živým šarmom a sviežosťou.

V 30. rokoch 16. storočia. výtvarník veľa pracuje aj v lepte. Priťahujú ho každodenné motívy („Predavač jedu na potkany“, 1632). Prvky žánru sú vlastné aj dielam s biblickou tematikou (Návrat márnotratného syna, 1636). Jedným z najlepších leptov tohto obdobia je Smrť Márie (1639), emotívna a presiaknutá pocitom hlbokého smútku. Pozoruhodné dielo „Kristus uzdravuje chorých“ (takzvaný „List sto guldenov“ - tento názov hovorí o hodnote diela) sa vyznačuje aj zložitosťou kompozície a monumentálnou vznešenosťou obrazov.

V 40. rokoch 16. storočia. Rembrandt sa stáva najznámejším a najlepšie plateným maliarom v Amsterdame. Bol objednaný na portréty a kompozície pre holandský Stadtholder Palace v Haagu. Mnoho začínajúcich umelcov túži študovať v jeho dielni. Sláva Rembrandtovho umenia presahuje hranice Holandska. V paláci anglického kráľa Karola I. je uložených niekoľko obrazov slávneho majstra.

Rembrandtov talent sa prejavil v jeho realistických a expresívnych zátišiach („Zdochlina býka“) a krajinomalbe („Krajina s mlynom“, okolo 1650). Nenápadným holandským krajinám neodmysliteľne patrí jemná lyrika, ktorá na diváka pôsobí svojou takmer hmatateľnou realitou.

Smrť jeho milovanej manželky v roku 1642 odcudzila Rembrandta jej vznešeným príbuzným. Umelec prestal komunikovať so svojimi známymi zo šľachtickej spoločnosti. Zmeny v majstrovom živote sa odrazili v jeho maľbe, ktorá sa stáva hlbšou a sústredenejšou. Ak sa rané diela Rembrandta vyznačujú pokojnou a rovnomernou náladou, teraz v jeho obrazoch začínajú znieť tóny úzkosti a pochybností. Mení sa aj paleta, v ktorej dominuje červená a zlatá.

Plátno "Dávid a Jonatán" (1642, Ermitáž, Petrohrad), vyhotovené v zlato-ružových a zlato-modrých tónoch, sa vyznačuje živou expresivitou.

Všetky tieto nové črty v Rembrandtovej maľbe sa u jeho súčasníkov nestretli s pochopením. Nespokojnosť spôsobila veľká monumentálna kompozícia „Nočná hliadka“ (1642). Obraz dostal toto meno v 19. storočí. V skutočnosti sa akcia odohráva nie v noci, ale cez deň, pri slnečnom svetle, čo potvrdzuje povahu tieňov.

Postupom času farby stmavli a až reštaurovanie uskutočnené v rokoch 1946-1947 ukázalo, že farebná schéma tohto diela bola kedysi oveľa svetlejšia.

Obraz zobrazuje šípy spoločnosti kapitána Banninga Cocka. Zákazník očakával, že uvidí tradičný slávnostný portrét (scéna hostiny alebo predstavenie divákovi veliteľom jeho podriadených). Rembrandt tiež vytvoril a
Roiko-historické plátno zobrazujúce výkon strelcov na rozkaz kapitána. Postavy sú rozrušené a dynamické; veliteľ dáva rozkazy, štandardný nosič dvíha zástavu, bubeník bije do bubna, šípy nabíjajú zbraň. Tu nie je jasné, kde sa to dievčatko s kohútom za pásom točí.

V týchto rokoch sa v Rembrandtovom živote objavuje Hendrickje Stoffels, najskôr sluha, a potom manželka, ktorá sa mu stane verným priateľom a pomocníkom. Umelec stále tvrdo pracuje. Vytvára svoju slávnu „Svätú rodinu“ (1645), v ktorej je náboženská téma spracovaná ako žánrová. Spolu s biblickými kompozíciami maliar predvádza realistické krajiny s obrazmi dediny („Zimný pohľad“, 1646). Jeho portréty z tohto obdobia sa vyznačujú túžbou ukázať jednotlivé črty modelov.

V 50. rokoch 16. storočia. počet objednávok je výrazne znížený. Rembrandt má veľké finančné ťažkosti. Hrozí mu úplný krach, pretože dlh spojený s kúpou domu za života Saskiinej prvej manželky ešte nie je splatený. V roku 1656 bol umelec vyhlásený za platobne neschopného a jeho zbierka umenia a všetok jeho majetok boli predané na aukcii. Rodina Rembrandtovcov sa musela presťahovať do chudobnej židovskej štvrte Amsterdamu.

Napriek všetkým ťažkostiam talent veľkého maliara nevyschne. Teraz je však kritérium jeho zručnosti úplne iné. V neskorších dielach Rembrandta sa na povrchu plátna ostro objavujú farebné ťahy. Teraz farby v jeho obrazoch slúžia nielen na sprostredkovanie vonkajšieho vzhľadu postáv a obrazu interiéru - je to farba, ktorá preberá sémantické zaťaženie diela. Pocit intenzívnej drámy v obraze „Assur, Aman a Esther“ (1660) je teda vytvorený pomocou komplexného tónového rozsahu a špeciálnych svetelných efektov.

Zbavený zákaziek, žijúci v hlbokej chudobe, Rembrandt neprestáva písať. Vytvára expresívne a duchovné portréty, ktorých modelmi sú príbuzní a priatelia („Portrét manželky výtvarníkovho brata“, 1654; „Portrét starého muža v červenom“, 1652-1654; „Portrét čítania Titovho syna“, 1657; "Portrét Hendrickje Stoffels pri oknách", asi 1659).

Syn Titus, ktorý sa konečne dočkal stavu svojej zosnulej matky, sa snaží otca ochrániť pred hmotnými ťažkosťami a vytvoriť mu podmienky na pokojnú prácu. Nešťastia však umelkyňu stále prenasledujú: v roku 1663 zomiera Hendrickje a o niekoľko rokov ju nasledoval Titus.

V tomto tragickom čase starý osamelý umelec vytvoril svoje majstrovské diela, vyznačujúce sa monumentálnou vznešenosťou a spiritualitou (Dávid a Uriáš, 1665-1666; Návrat márnotratného syna, okolo 1668-1669).

Rembrandt zomrel v roku 1669, všetci zabudnutí. Až v 18. storočí. jeho umenie bolo konečne pochopené a ocenené.

V rokoch 1640-1660. Žáner bol vedúcim žánrom v holandskej maľbe. Obrazy zobrazujúce najobyčajnejšie momenty reality sú prekvapivo poetické a lyrické. Hlavným predmetom pozornosti maliarov je človek a svet okolo neho. Väčšina žánrových skladieb sa vyznačuje pokojným rozprávaním a nedostatkom dramatickosti. Hovoria o domácich prácach hostiteľky domu (nákup jedla, starostlivosť o deti, ručné práce), o zábave holandského mešťana (hra v karty, prijímanie hostí, koncerty). Umelci zobrazujú všetko, čo sa deje v dome bohatého mestského obyvateľa, pričom ignorujú verejnú stránku života človeka.

Veľkej obľube sa tešili žánroví maliari: G. Dow, ktorého obrazy sa predávali za veľmi vysokú cenu, A. van Ostade, ktorý maľoval výjavy z roľníckeho života („Koncert na vidieku“), J. Sten, ktorého obľúbenými námetmi boli scény zábavy a prázdnin ("Veselá spoločnosť"), G. Terborch, ktorého pôvabná maľba predstavovala život bohatej meštianskej rodiny ("Pohár limonády"), G. Metsu svojím dômyselným rozprávaním ("Choré dieťa"), P. de Hooch, ktorý vytvoril kontemplatívne lyrické plátna („Pani a sluha“).

K. Fabritsius, ktorý žil krátky život (zomrel v Delfte pri výbuchu prachového skladu), sa snažil rozšíriť záber žánru. Jedným z jeho najlepších diel je Vzkriesenie Lazara (asi 1643), ktoré je pozoruhodné svojou dramatickosťou a takmer monumentálnym rozsahom. Pozoruhodné sú aj jeho portréty a autoportréty, vďaka ktorým sa umelec vyrovnal F. Halsovi a Rembrandtovi.

Osud E. de Fabriciusa, talentovaného majstra domácej scény a diel zobrazujúcich interiéry kostolov („Trh v prístave“, „Interiér so ženou pri čembale“), je tragický. Umelec sa nesnažil podriadiť vkusu buržoáznej verejnosti, takže jeho diela, ktoré nemali úspech u jeho súčasníkov, sa predávali za babku. Fabricius bol často nútený splatiť dlhy majiteľom domov. V zimnej noci v roku 1692 sa na zábradlí mosta obesil sedemdesiatpäťročný umelec, ktorého jeho majiteľ vyhodil z domu. Podobný osud bol charakteristický aj pre mnohých holandských maliarov, ktorí sa nechceli vzdať realistických tradícií, aby potešili verejnosť.

Jan Wermeer Delft

Výrazným predstaviteľom holandskej žánrovej maľby je Jan Wermer, prezývaný Delft podľa svojho rodiska a diela. Maliar sa narodil v roku 1623 v rodine obchodníka s obrazmi a hodvábom. O Vermeerovom živote sa vie len málo. Možno jeho učiteľom bol K. Fabricius. V roku 1653 sa umelec stal členom cechu svätého Lukáša a oženil sa s dcérou bohatého mestského obyvateľa Kateřinou Bolnes. V Delfte bol uznávaný a slávny, býval vo veľkom dome na námestí.

Vermeer pracoval na svojich obrazoch veľmi pomaly a dôkladne, starostlivo písal každý detail. Maľba nemohla poskytnúť rodine umelca pohodlnú existenciu, aj keď jeho plátna mali veľký úspech. To je pravdepodobne dôvod, prečo Vermeer začal obchodovať s obrazmi a pokračoval v práci svojho otca.

Už v prvých Vermeerových dielach sa objavuje kombinácia realizmu a určitej miery idealizácie obrazov, charakteristických pre jeho tvorbu („Diana s nymfami“, „Kristus s Martou a Máriou“ – obe do roku 1656). Ďalšie dielo - veľkoformátové plátno "U pasáka" (1656), napísané na pozemku, ktorý používali mnohí maliari, sa vyznačuje originalitou prevedenia. Umelcova bežná každodenná scéna nadobúda takmer monumentálny význam. Obraz vyniká medzi ostatnými dielami s podobnou tematikou výraznou farebnosťou, udržiavanou v čisto žltej, červenej, čiernobielej farbe a jasnou expresivitou obrazov.

Neskôr sa Vermeer obrátil ku komorným kompozíciám tradičným pre holandskú maľbu. Podobne ako iní holandskí majstri zobrazuje udalosti odohrávajúce sa v bohatých meštianskych domoch. Obľúbeným obrazom umelca je dievča, ktoré číta list alebo si skúša náhrdelník. Jeho plátna predstavujú nenáročné každodenné výjavy: slúžka dáva svojej pani list, pán prináša dáme pohár vína. Ale tieto obrazy, jednoduché v kompozícii, ohromujú svojou integritou, harmóniou a lyrikou, ich obrazy priťahujú svojou prirodzenosťou a pokojnou poéziou.

V druhej polovici 50. rokov 16. storočia. umelec vytvoril svoje najpozoruhodnejšie diela. Hlboko lyrické „Spiace dievča“, „Pohár vína“, „Dievča s listom“ sa vyznačovali hrejivým pocitom. Mnoho holandských maliarov tejto doby na svojich obrazoch zobrazovalo služobníctvo zaneprázdnených prácou, ale iba Vermeerov obraz ženy z ľudu má črty skutočnej krásy a vznešenosti („Slúžka s džbánom mlieka“).

Vermeer je skutočný virtuóz v sprostredkovaní podstaty sveta vecí pomocou obrazových prostriedkov. Zátišia na jeho obrazoch sú vyhotovené s veľkou zručnosťou. Jedlo s jablkami a slivkami, stojace na stole pokrytom vzorovaným obrusom v plátne „Dievča s listom“, vyzerá prekvapivo krásne a prirodzene.

Na obraze „Slúžka s džbánom mlieka“ tešia chlieb a mlieko z džbánu hustým prúdom svojou sviežosťou.

Svetlo hrá vo Vermerových dielach dôležitú úlohu. Vypĺňa priestor plátien a vytvára dojem mimoriadnej vzdušnosti; modeluje tvary a preniká do farieb, vďaka čomu žiaria zvnútra. Vďaka tomuto množstvu svetla a vzduchu vzniká špeciálne emocionálne pozdvihnutie väčšiny Vermeerových diel.

Pozoruhodná maliarska zručnosť sa prejavila v krajinomaľbe. Malý kút mesta, zahalený vo vlhkej atmosfére zamračeného dňa, reprodukuje jasnú a jednoduchú kompozíciu „Street“ (okolo 1658). Dažďom umyté mesto pôsobí čisto a sviežo na obraze Pohľad na Delft (v rokoch 1658 až 1660). Slnečné lúče si prechádzajú jemnými striebristými mrakmi a na hladine vody vytvárajú veľa jasného oslnenia. Zvukové sfarbenie s jemnými farebnými prechodmi dodáva obrazu výraznosť a harmóniu.

V 60. rokoch 16. storočia. Vermeerov obraz sa stáva rafinovanejším a elegantnejším. Mení sa aj paleta, ktorej teraz dominujú studené farebné odtiene („Dievča s perlou“). Hlavnými postavami pláten sú bohaté dámy a páni obklopení luxusnými predmetmi („Milostný list“, asi 1670).

Jan Wermeer Delft. Slúžka s džbánom mlieka. V rokoch 1657 až 1660
Jan Wermeer Delft. Maliarska dielňa. OK. 1665 g.

V poslednom období Vermeerovho života sa jeho diela stávajú povrchnými a trochu pritaženými za vlasy („Alegória viery“) a paleta stráca na bohatosti a zvukovosti. Ale aj v týchto rokoch jednotlivé diela umelca udivujú svojou bývalou výrazovou silou. Taká je jeho „Maliarska dielňa“ (1665), v ktorej sa Vermeer zobrazil pri práci, a obrazy „Astronóm“ a „Geograf“, ktoré zobrazovali vedcov.

Osud Vermeera, podobne ako mnohých ďalších holandských majstrov, je tragický. Chorý umelec, ktorý prišiel o väčšinu bývalých zákazníkov, bol na sklonku života nútený presťahovať svoju početnú rodinu zo starého domu do lacnejšieho príbytku. Za posledných päť rokov nenamaľoval ani jeden obraz. Maliar zomrel v roku 1675. Na jeho umenie sa dlho zabúdalo, a to až v polovici 19. storočia. Wermeera ocenili a postavili ho na roveň holandským majstrom ako Rembrandt a F. Hals.

Sedemnáste storočie bolo v Európe „zlatým vekom maľby“. Významné umelecké školy vznikli v Taliansku, Holandsku, Flámsku, Španielsku a Francúzsku. Medzi nimi umenie Holandska zaujíma zvláštne miesto. Sedem severných holandských provincií, združených okolo najväčšej z nich, Holandska, porazilo Španielov. Historický osud týchto krajín bol určený po uzavretí Utrechtskej únie v roku 1579, ktorá dala zákonodarnú moc generálnym štátom, vyhlásila náboženskú toleranciu a poskytla špeciálne politické a ekonomické podmienky bohatým provinciám Holandska a Zélandu. Tým sa položili základy budúcej republiky, ktorá získala štátny štatút v roku 1609 po uzavretí prímeria so Španielskom.

Spojené provincie sa stali prvým buržoáznym štátom na svete, moc stadtholdera tu bola nominálna, predstavitelia Oranžského domu boli predovšetkým generáli. Ich nádvorie v Haagu nebolo obzvlášť nádherné a nemalo výrazný vplyv na rozvoj kultúry v krajine. V Holandsku je pravidlom mešťania – podnikaví, vypočítaví, praktickí. Investovala kapitál do obchodu a stavby lodí, vydláždila cestu do vzdialených krajín Ázie a Ameriky a zakladala tam kolónie. "Táto hŕstka ľudí," napísal šéf Kráľovskej rady Francúzska, kardinál Richelieu, "ktorí vlastní kus pôdy pozostávajúci z vôd a pastvín, zásobuje európske národy väčšinou tovaru, ktorý potrebujú."

Kalvinizmus sa stal dominantným náboženstvom v krajine, najradikálnejším trendom v reformačnom hnutí XVI-XVII storočí. Kalvínska cirkev mala „republikánsky“ charakter. Jeho hlavnými črtami boli doktrína absolútnej predurčenosti, ospravedlnenie za podnikavosť a profesionálny úspech, požiadavka svetského asketizmu – rozvážnej buržoáznej šetrnosti. Relatívna tolerancia v počiatočnom období života republiky vytvorila priaznivú atmosféru pre vedeckú a filozofickú tvorivosť. Krajina sa preslávila prírodovedcami, nominovanými známymi právnikmi a historikmi. Slávny filozof René Descartes sem emigroval z Francúzska, tu sa formovali materialistické názory Spinozu. Hollandov prínos do európskej literatúry bol skromnejší, neboli tu žiadni významní architekti a sochári. Hlavné úspechy pripadli maliarom z malej severskej krajiny. Vytvorila jasnú národnú maliarsku školu, ktorá svojou témou, maliarskym spôsobom, ideologickými ašpiráciami bola osobitnou kapitolou umenia 17. storočia a zanechala nezmazateľnú stopu vo svetovej výtvarnej kultúre.

Holandská cirkev vyhnala zo svojich chrámov bujný kult, ktorý nemal posvätné obrazy – katolíckych kostolov bolo málo. Umelecké diela boli určené najmä do verejných svetských budov a súkromných príbytkov, ich námety, hoci odrážali protestantskú morálku, boli svetského charakteru. Biblické a antické maľby boli vnímané ako historické. Stojanové maľovanie sa stalo skutočným povolaním holandských výtvarníkov. Umelcov bolo veľa. Málokedy maľovali na objednávku, väčšina obrazov sa predávala na trhoch. „Veľtrh v Rotterdame,“ napísal anglický cestovateľ zo 17. storočia, „bol presýtený obrazmi (najmä krajinkami a žánrovými scénami)... Všetky domy sú preplnené obrazmi a Holanďania ich predávajú s veľkým ziskom.“

V 20. rokoch 17. storočia bolo formovanie žánrov holandskej maľby v podstate ukončené. Pre Holandsko je charakteristická špecializácia umelcov na žánre. Začiatkom 17. storočia sa v Holandsku stal najobľúbenejším portrétny žáner, v holandskej krajine sa hojne ozývala národná téma, v 30. rokoch 17. storočia sa formoval aj roľnícky žáner. Jedným z najcharakteristickejších žánrov holandskej maľby bolo zátišie. V polovici 17. storočia prebral v holandskom maliarstve dominantné postavenie žáner každodenného života.

Formovanie holandského umenia prebiehalo v niekoľkých centrách, ktoré si navzájom konkurovali, v rôznych časoch buď ťahali dopredu, potom ustupovali, najprv to bol Harlem, od tridsiatych rokov, po presťahovaní Rembrandta tam začal Amsterdam získavať vedúce postavenie , potom nasledoval univerzitný Leiden a pokojne aristokratický Delft. Haag, kde sa nachádzal stadtholderský dvor, stál oddelene.

Zobraziť celý text

Zlatý vek holandskej maľby je jednou z najvýznamnejších epoch v histórii celého svetového maliarstva. Považuje sa za zlatý vek holandského maliarstva 17 storočie... Práve v tom čase tvorili svoje nesmrteľné diela najtalentovanejší umelci a maliari. Ich obrazy sú stále považované za neprekonateľné majstrovské diela, ktoré sú uchovávané v slávnych múzeách po celom svete a sú považované za neoceniteľné dedičstvo ľudstva.

Na začiatku 17 storočie v Holandsku stále prekvitalo dosť primitívne umenie, čo bolo odôvodnené prízemným vkusom a preferenciami bohatých a mocných ľudí. V dôsledku politických, geopolitických a náboženských zmien sa holandské umenie dramaticky zmenilo. Ak sa predtým umelci pokúšali podsúvať holandským mešťanom, vykresľovali ich život a každodennosť, zbavenú akéhokoľvek vysokého a poetického jazyka, a pracovali aj pre cirkev, ktorá objednávala umelcov skôr primitívneho žánru s dávno opotrebovanými námetmi, začiatok 17. storočia bol skutočným prelomom. V Holandsku zavládla dominancia protestantov, ktorí prakticky prestali objednávať u umelcov obrazy s náboženskou tematikou. Holandsko sa osamostatnilo od Španielska a presadilo sa na všeobecnom historickom pódiu. Umelci prešli od predtým známych tém k zobrazeniu každodenných scén, portrétov, krajiny, zátiší a podobne. Tu, na novom poli, umelci zlatého veku akoby nabrali nový dych a začali sa objavovať skutoční géniovia umenia.

Holandskí umelci 17. storočia vniesli do módy v maľbe realizmus. Obrazy ohromujúce svojimi komponentmi, realizmom, hĺbkou a nezvyčajnosťou sa začali tešiť obrovskému úspechu. Dopyt po maľovaní sa dramaticky zvýšil. V dôsledku toho sa začalo objavovať viac a viac umelcov, ktorí úžasne rýchlym tempom rozvíjali základy maľby, rozvíjali nové techniky, štýly a žánre. Niektorí z najznámejších umelcov Zlatého veku boli: Jan Vermeer, Cornelis Trost, Matthias Stom, Pieter Bruegel starší, Esayas van de Velde, Frans Hals, Andrian Brouwer, Cornelis de Man, Anthony van Dyck a mnohí ďalší.

Holandské maľby

Cornelis de Man – manufaktúra na spracovanie veľrybieho oleja

Cornelis Trost - Zábava v parku

Ludolph Bakhuisen – Východoindický dok kampane v Amsterdame

Pieter Bruegel starší - Katastrofa alchymistu