Просветительский реализм (проф. Гуляев Н.А.)

Выдающееся место в деятельности просветителей занимали литература и искусство. Всю свою литературную работу они расценивали в свете тех задач, которые стояли перед ними в борьбе против феодализма.

Поэтому передовой поэт, драматург, художник в ХVIII веке мыслил себя прежде всего проповедником, учителем, трибуном. Высокая идейность была важнейшей отличительной чертой литературы Просвещения. Создателям ее были бы непонятны и чужды теории «чистого искусства», «искусства для искусства», которые стали позднее модными в буржуазном обществе.

И поскольку просветители преувеличивали роль идей в общественном развитии, полагая, что мнения правят миром, они придавали литературе и искусству особо важное значение как факторам переустройства общества.

Литература XVIII века многими нитями связана с предыдущим этапом — реализмом эпохи. Возрождения и в то же время является значительным шагом вперед, отмечена новыми художественными открытиями.

Просветители в ряде случаев непосредственно опираются на традиции литературы Возрождения. Как и великие гуманисты XIV—XVI веков, они ведут борьбу против средневекового варварства, воодушевленные благородной мечтой о торжестве человеческой личности.

«Борьба просветителей XVIII века конкретнее борьбы старых гуманистов, но она невозможна без тех широких задач, которые поставил перед миром Ренессанс»,— отмечает советский ученый А. А. Смирнов.

Некоторые жанры литературы Возрождения получают развитие в XVIII веке. Например, плутовской роман XVI века оказал существенное влияние на формирование английского просветительского романа, в частности, Дефо и Смолетта. Фильдинг не раз ссылался на Сервантеса. И на титульном листе одного из своих лучших романов «История приключения Джозефа Эндруса и его друга Абраама Адамса» он не постеснялся добавить:

«Написано в подражание манере Сервантеса, автора «Дон-Кихота». Фантастика в романе Свифта и некоторых повестях Вольтера напоминает о фантастике литературы Возрождения (Рабле).

Любопытно, «что молодой Гете в своем поэтическом творчестве периода «бури и натиска» обращается к форме стиха XVI века (в частности, Ганса Сакса), а в зрелые годы создает произведение по мотивам народной книги о Рейнеке-Лисе. Наконец, величайшее творение Гете — трагедия «Фауст» — написано по мотивам легенды XVI века.

Эпоха Возрождения открыла людям средневековой Европы духовные сокровища античного мира, и просветители XVIII века унаследовали этот глубокий интерес к античности: античная тема, античные образы получили яркое отражение в литературе Просвещения. Важно при этом отметить, что хотя просветители и пользуются классицистическими формами XVII века (Аддисон и Поп — в Англии, Вольтер — во Франции), это не является главным в освоении ими античности. Не условные формы и догматические правила, которые со ссылками на древнегреческую драму выработали классицисты XVII века, но в первую очередь гуманистическое содержание и даже гражданский пафос античности — вот что привлекает мыслителей и художников XVIII века.

Вольтер пишет трагедию «Брут», к героям Плутарха апеллируют немецкие писатели «бури и натиска» Фр. Шиллер и Ф. X. Д. Шубарт.

В утверждении боевой гражданской темы писатели XVIII века идут дальше Возрождения, частично опираясь на некоторые образы литературы классицизма XVII века («Гораций» Корнеля), прокладывая дорогу революционному классицизму эпохи Великой Французской революции.

Однако, несмотря на общие задачи критики и осуждения феодального миропорядка, несмотря на известную преемственность культурно-исторических традиций, литература Просвещения представляет собой совершенно новое явление в сравнении с литературой Возрождения. Реализм в XVIII веке обретает новые качества, неизвестные ранее. Например, роман Фильдинга существенно отличается от романа Сервантеса, в сатирическом романе Свифта трудно различимы приемы Рабле. Так же мало общего между драматургией Шекспира и мещанской драмой XVIII века.

На дискуссии о реализме, состоявшейся в Москве в апреле 1957 г., подчеркивалось, что история реализма — сложный процесс и на каждом этапе развития литература создает свои неповторимые художественные ценности. При этом ход развития искусства и литературы отнюдь не похож, например, на историю развития научной и технической мысли, где каждый новый этап превосходит своими достижениями предыдущий.

История реализма в мировом искусстве и мировой литературе,— история все новых и новых завоеваний в художественном освоении мира. Но это не означает абсолютного превосходства каждого нового этапа над предыдущим. Приобретая новые качества, поднимаясь на новую ступень, реализм нередко утрачивает часть эстетических достижений своих предшественников, связанных с пройденным этапом в развитии человеческого общества. Так, например, неповторим гений Шекспира.

В XVIII веке и в последующие столетия мировая литература выдвинула многих замечательных драматургов, которые серьезно способствовали сближению театра с жизнью, помогли перенести на сцену реальную действительность в ее будничной повседневности и раскрыть во всем многообразии жизненные конфликты. Но ни у одного драматурга мы не встречаем таких титанических характеров, такой масштабности трагического конфликта, контрастного соединения высокого и низкого, героического и смешного, как у Шекспира.

Так же оригинален и неповторим вклад XVIII века в мировую литературу.

Во многих историко-литературных работах, особенно по русской литературе, полностью игнорируется понятие просветительного реализма, а термином «критический реализм» покрываются разные явления литературы прошлого. Иногда сопоставление с реализмом XVIII века делается только для того, чтобы подчеркнуть превосходство реализма XIX века. Например, указывается, что реализму XVIII века был недоступен историзм в понимании социальных явлений, что писатели XVIII века не умели так тонко разрабатывать человеческий характер, как Стендаль и Лев Толстой и т. д.

Несомненно, что реалисты XIX века сделали значительный шаг вперед в художественном освоении мира в сравнении с реализмом Просвещения. Но нельзя забывать и о другом: в реализме XIX века были утрачены некоторые завоевания искусства Возрождения и Просвещения, в частности пафос утверждения идеала. Легко заметить, что положительный герой (занимавший центральное место в литературе XVIII в.) отодвинут у Бальзака, Теккерея, Флобера на второй план.

Многие замечательные достижения писателей-просветителей принадлежат только XVIII веку, составляют его удивительное своеобразие и не встречаются в литературе последующих поколений. И в этом смысле неповторимы не только Сервантес и Шекспир, но и великие художники слова XVIII века.

Как сказано выше, Просвещение не является литературным направлением. Как сложное и в основе своей противоречивое идейное движение, охватывающее все многообразие интересов разных слоев третьего сословия, оно нашло выражение в различных литературных направлениях.

В литературах XVIII века мы, прежде всего, встречаемся с классицизмом. Правда, этим термином нередко обозначаются литературные явления весьма далекие друг от друга. Например, классицизм Вольтера имеет мало общего с так называемым «веймарским классицизмом» Гете и Шиллера.

Однако в основе разных вариантов классицизма лежат некоторые общие эстетические принципы, восходящие частично к теории французского классицизма XVII века. Общим является и преклонение перед античными художественными образцами.

Можно подумать, что речь идет о простом механическом заимствовании старых форм. Но дело в том, что для просветителей, постоянно выдвигающих идею разума, теория классицизма имела свою привлекательную сторону. Ведь и Буало, постоянно подчеркивал ведущую роль разума, хотя и вкладывая в это понятие несколько иной смысл:

Дружите же с разумом: всегда пусть будет стих обязан лишь ему ценой красот своих. (Пер. Д. Дмитриевского).

Красота подчинена здесь разумному, рациональному началу. При создании художественного образа классицисты стремились к такому обобщению, при котором не имели значения ни конкретные черты характера человека, ни национальные особенности, ни своеобразие эпохи. Этот рационализм классицистического искусства и был близок просветителям, которые сами были рационалистами, мыслили общечеловеческими категориями и охотно прибегали к таким обобщенным, приподнятым над будничной прозой образам для утверждения царства разума и обличения ужасающего неразумия окружающего мира.

Таков образ республиканца Брута в трагедии Вольтера «Брут». Такова героиня трагедии Гёте «Ифигения в Тавриде», написанной на сюжет античного мифа.

Вместе с тем XVIII век в искусстве и литературе Запада отмечен тягой к правдивому изображению повседневной жизни. Возвышенные герои классицизма не могли удовлетворить нового зрителя и читателя, В английской литературе еще в начале XVIII века приобрели большое влияние нравоучительные журналы Стиля и Аддисона, на страницах которых впервые нашли реалистическое отражение будни английского буржуазного быта. Журнальные очерки и бытовые зарисовки явились первыми художественными опытами, подготовившими дальнейшие успехи английского реалистического романа XVIII века.

Любопытно, что в деятельности Стиля и Аддисона интерес к новой тематике и поиски новых форм ее отражения сочетались с приверженностью к теориям классицизма. Аддисон даже написал трагедию на античный сюжет.

В других странах борьба против классицизма приняла более острые формы. Во Франции Дидро решительно выступил против эстетики классицизма. В Германии Лессинг, начиная в середине XVIII века борьбу за создание немецкой литературы, отвечающей задачам национального развития, резко обрушился на традицию французского классицизма. В пылу полемики Лессинг даже отказался признать за искусством Корнеля, Расина и Вольтера право называться великим, ибо, по его мнению, не может быть великим то, что неправдиво.

Дидро и Лессинг последовательнее других просветителей боролись за правду в искусстве. Дидро восхищался художником Грёзом: «Вот художник, художник ваш и мой, первый среди нас, осмелившийся ввести в искусство быт, запечатлеть на полотне ход событий, из которых можно составить роман...». Он «посылает свой талант повсюду — в шумные народные сборища, и в церкви, и на рынок, на гулянья, в дома, на улицы; он неустанно наблюдает поступки, страсти, характеры, лица».

Таким образом, Дидро прямо ставил перед художниками и писателями задачу реалистического изображения повседневной жизни.

Век Просвещения, как говорилось выше, связан с культом разума. И Дидро, и Лессинг, борясь за реализм в искусстве, за приближение литературы и театра к Лизни, остаются страстными поборниками разума.

Но вот почти в те же годы, в третьей четверти XVIII века, появляются мыслители и писатели, которые начинают выражать первые сомнения в приоритете разума. Стерн — в Англии, Руссо — во Франции, писатели эпохи «бури и натиска» - в Германии противопоставляют разуму чувство. Они убеждены, что именно в чувстве раскрываются подлинные достоинства человеческой личности. Формируется новое литературное направление - сентиментализм.

Таким образом, литература Просвещения представлена разными направлениями.

Наличие общих задач в той идеологической борьбе, которую вели просветители разных стран, определяет характер литературных влияний этой эпохи. Писатели XVIII века внимательно изучали опыт своих предшественников и современников из других стран. Англия раньше других стран вступила на путь капиталистического развития - Просвещение началось здесь еще в конце XVII века. Естественно, что идеи английских философов и писателей, в особенности Джона Локка, приобрели всеевропейское распространение. Яркое свидетельство тому книга Вольтера «Английские письма» (1734), в которой он пропагандировал во Франции философские идеи Локка, научные открытия Ньютона. Без учета этого английского влияния нельзя разобраться в процессе формирования взглядов Вольтера и других французских просветителей.

Проходит немного времени, и на международную арену уже выходят просветители Франции. Приобретает широкую известность Вольтер - вскоре трудно будет найти европейскую страну, в которой не было бы своих вольтерьянцев. В середине века ведущая роль переходит к энциклопедистам. Стремительно распространяется слава Руссо.

Это не означает, что английское влияние прекратилось. Но оно приобрело другой характер. Характерно, что в немецкой литературе периода «бури и натиска» перекрещиваются и французские (Руссо), и новые английские влияния («Оссиан» Макферсона).

Иноземные влияния нередко предстают в очень сложном сплаве. Датского просветителя Л. Гольберга называли «датским Мольером» и «северным Вольтером». С таким же правом его творчество можно связать с именами Аддисона и Свифта. Его драмы, очерки, сатира национально самобытны и вместе с тем несут на себе следы внимательного изучения западноевропейской литературы. Речь шла, конечно, не о пассивном восприятии чужих идей, а об освоении опыта соратников по борьбе.

Просветители при этом не просто обменивались идеями, они нередко спорили друг с другом, воздействие иностранного автора развязывало полемику. Так, «Орлеанская дева» Шиллера не просто продолжает тему Вольтера, но в известной мере и противопоставлена одноименной поэме французского писателя.

Связи и взаимодействия в литературе XVIII века носили самый различный характер. Чаще всего речь шла о влиянии идей, о распространении самой философской и общественной программы просветителей, независимо от того, в каких художественных формах она воплощалась. Так было, например, с Вольтером или французскими материалистами из круга «Энциклопедии». Воздействие демократических идей Руссо, наоборот, чаще всего было неотделимо от художественной манеры, связанной с утверждением чувства (сентиментализма).

Нередко в центре внимания оказывались эстетические принципы. В борьбе за утверждение просветительского реализма в немецкой литературе Лессинг отстаивал положения, близкие к тем, с которыми выступил Дидро. И, наоборот, традиция вольтеровской классицистической трагедии полностью отвергалась Лессингом, ибо в немецких условиях середины XVIII века классицизм являлся тормозом в развитии передовой литературы. Разумеется, этот эстетический принцип был неотделим от общих задач просветительской борьбы.

Наконец, можно отметить случаи, когда в первую очередь воздействовал именно художественный опыт писателя, а не его идейная позиция. Так, большое впечатление на французских писателей (Прево, Дидро) произвели эпистолярные ромлны С. Ричардсона. Особенно поразительно, с каким восторгом воспринимает художественную манеру Ричардсона великий энциклопедист Дидро. Форма письма открывала новые возможности для психологического анализа. Продолжая свои художественные поиски, Дидро углублял анализ человеческого характера, обнажая его диалектическую противоречивость. Открытие Ричардсона было важным толчком для этих исканий, хотя между позициями весьма робкого, пуритански ограниченного английского романиста, автора «Памелы» и «Грандисона» и мировоззрением смелого энциклопедиста, безбожника и революционера Дидро было очень мало общего.

Взаимодействие писателей разных стран облегчалось тем обстоятельством, что просветители сами мыслили свою деятельность как общечеловеческую, далеко выходящую за пределы национальных границ. Многие из них называли себя «гражданами мира» (космополитами), ибо разум, который они считали главным критерием в борьбе, мыслился ими как универсальный, а будущее царство разума как всемирное братство людей, не разделенных более пестрыми шлагбаумами княжеских и королевских владений. Космополитическая терминология отнюдь не имела тогда того реакционного смысла, который она приобрела в современной идеологической борьбе как орудие империалистической агрессии против народов, борющихся за свою национальную независимость.

Фр. Шиллер прославлял своего героя как «гражданина мира» не из пренебрежения к национальным интересам. Более того, его маркиз Поза (в драме «Дон-Карлос»), шествовавший, по словам автора, «по великому космополитическому пути», вместе с тем оказывал энергичную поддержку национально-освободительной борьбе в Нидерландах. Дело в том, что интересы всего человечества для него были выше и дороже интересов того или иного отдельного монархического государства. И сам Шиллер, как поэт и драматург, не мыслил себя подданным Штуттгарта или Веймара, где он жил. Средневековой ограниченности и убожеству любого немецкого герцогства он противопоставлял весь мир и видел свое призвание в том, чтобы работать именно для всего мира, а не для герцогской резиденции.

Этот всемирный размах, стремление мыслить масштабными образами, что особенно характерно для разных форм просветительского классицизма (Вольтер, Винкельман, позднее Гёте и Шиллер), не исключает национального своеобразия творчества писателей XVIII века. В каждой стране развитие Просвещения прежде всего обусловлено конкретными историческими условиями.

Английский просветительский роман Дефо, Ричардсона, Фильдинга, Смоллета мог расцвести только в стране, где уже победила буржуазная революция и новый общественный строй представал перед художником наглядно, конкретно, в живых образах.

Иным был пафос французского Просвещения. Здесь философы, драматурги и поэты «просвещали головы» для грядущей революции. В Германии и Италии до революционной ситуации было еще очень далеко. Предстояли десятилетия медленной расчистки почвы для буржуазных преобразований. Абсолютизм здесь еще не выполнил той исторической задачи, которая была решена во Франции или России, а именно не ликвидировал феодальную раздробленность. Поэтому передовых немецких писателей волновали такие вопросы, которые не существовали для Вольтера или Дефо. Понятно, например, какое важное значение приобретала в немецкой литературе тема национального единства.

Таким образом, обстановка в каждой стране вносила существенные коррективы в общую для всех стран антифеодальную просветительскую программу.

Но вопрос о национальном своеобразии литературы XVIII века имеет еще и другую сторону. Она связана с характером литературной традиции в стране, ибо естественно, что писатели любого нового исторического этапа не могут нигилистически отбрасывать те художественные ценности, которые накоплены их предшественниками. Нередко они даже выражают новые идеи, используя богатый арсенал художественных средств, созданный на предшествовавших этапах.

В разных национальных литературах XVIII века успех приобретают разные жанры. На развитии этих жанров неизбежно сказываются национальные традиции. Каждое из литературных направлений (классицизм, сентиментализм) в каждой стране приобретает свои особые формы.

Интересно, например, ставит вопрос о своеобразии мировоззрения и творчества Вольтера один из его советских исследователей А. А. Смирнов. Это своеобразие он видит в органическом слиянии национальной традиции и исторического момента; «Из всех представителей французского Просвещения Вольтер идеологически наиболее способствовал подготовке революции. И вместе с тем он является носителем французского ума в наиболее развитой и законченной форме. Именно соединение в Вольтере этих двух моментов делает его особенно типическим, подлинно национальным писателем Франции».

«Французский ум» не является чем-то асоциальным и внеисторическим. Он веками вырабатывался в определенных исторических условиях, в которых формировалась и развивалась французская нация. Глубоко национальным было творчество великих поэтов и прозаиков Франции - Вийона, Рабле, Ронсара, Корнеля, Расина, Мольера. Поэтому, когда мы говорим о национальных особенностях французского Просвещения, мы должны учитывать не только характер исторического развития страны в эту эпоху, но и наличие многовековой художественной традиции, без учета которой нельзя разобраться в творчестве того или иного писателя.

Так, даже при самом беглом обзоре литература XVIII века поражает своим богатством и многообразием, сложным комплексом разных художественных тенденций.

Встает вопрос: можно ли в этих условиях говорить об единстве художественного метода в XVIII веке, существует ли вообще просветительский метод как таковой?

В самом деле, что общего между методом Дефо и Вольтера, Свифта и Руссо, Лессинга и Гольдони, между методами молодого Шиллера и позднего Шиллера?

И тем не менее, литературе XVIII века свойственны общие черты, вытекающие из общих антифеодальных задач Просвещения. В каждой стране эти задачи приобретали свои конкретные очертания, они находили выражение в разных литературных направлениях, у каждой национальной литературы были свои традиции, по-разному перекрещивались иноземные влияния, и почти необозримо было богатство индивидуальных дарований — и все же в литературе XVIII века наличествовала одна генеральная линия. И французская классицистическая трагедия, и немецкая драма эпохи «бури и натиска», и сентиментальный роман - разными художественными средствами выражали просветительские задачи эпохи.

Литература XVIII века в целом предстает как новый закономерный этап развития реализма в мировой литературе.

Но оперируя понятием просветительского реализма как особого этапа в развитии мировой литературы, исследователи сталкиваются с серьезными затруднениями: каковы границы этого реализма? Относить ли к реализму только ту часть литературы XVIII века, которая воспроизводит черты, современного быта (английский семейно-бытовой роман, мещанская драма) и в теоретическом плане связана с именами Дидро и Лессинга, или же объединять понятием просветительского реализма и такие литературные направления, как классицизм и сентиментализм?

Исследователи не могут игнорировать того очевидного факта, что и Дидро и Лесеинг, утверждали реализм в полемике против классицизма, «Борьбой двух художественных стилей - классицизма и реализма заполняется все XVIII столетие», — подчеркивает исследователь Дидро Д. Гачев.

Аналогичная точка зрения представлена и в работах других советских литературоведов, в частности у С. С. Мокульского, который также отмечает: «В стилевом отношении французский театр представлял в XVIII веке арену борьбы двух художественных направлений — классицизма и реализма».

Можно отметить, что оба исследователя охотно пользуются терминами «стиль» и «направление», а не «метод».

При этом для С. С. Мокульского классицистическая трагедия Вольтера служит примером разрыва формы и содержания, ибо, по его мнению, здесь новое содержание облекалось в старую условную форму, а реалистические элементы трагедий находились в противоречии с их классицистическими условностями. «Попыткой преодолеть этот разрыв формы и содержания было создание нового стиля — просветительского реализма».

Спорна здесь уже сама мысль о разрыве формы и содержания. Легко убедиться, что просветительский классицизм отнюдь не был только старой формой. Иначе трудно было объяснить поразительную живучесть классицизма в литературе XVIII века. Ни Дидро, ни Лессинг, ниспровергавшие классицизм, не смогли его вырвать с корнем. Более того, и во Франции, и в Германии классицизм одерживает серьезные победы именно в конце века и, что особенно важно, во время Великой французской революции.

Нельзя, разумеется, игнорировать тот факт, что Дидро открыто провозглашал программу реализма, а классицист Вольтер этого не делал. Но и классицизм Вольтера был художественным выражением просветительской идеологии, и в самом методе Вольтера находят отражение характерные черты эстетики XVIII века.

Поэтому нам представляется возможным, рассматривая литературу Просвещения как один из этапов развития реализма в мировой литературе, обобщать в понятии просветительского метода разные литературные явления XVIII века, объединенные единой целью борьбы против феодальных порядков во имя предполагаемого царства разума и справедливости.

Речь идет об единстве метода разных писателей.

«Говоря о методе, мы подразумеваем, так сказать, стратегию литературного процесса», - определяет понятие метода советский литературовед Л. И. Тимофеев.

Именно в этом плане следует говорить и о реализме XVIII века: речь идет об единой стратегии в искусстве Просвещения. В другой работе Л. И. Тимофеев так расшифровывает понятие метода: «Художественным методом в искусстве следует назвать исторически обусловленное единство творческих принципов ряда художников, выражающееся в общей трактовке основных проблем, которые возникают перед искусством в данном историческом периоде,- то есть проблем идеала, героя, жизненного процесса и народа».

Общая трактовка главных жизненных проблем эпохи объединяет огромное большинство писателей ХVIII века. Речь идет не о простом сходстве идей, а о процессе преломления этих идей в творчестве, о подходе к изображению жизни, о художественных приемах, проявляющихся в раскрытии человеческого характера.

Интересные мысли в связи с этим высказаны в работе В. Бахмутского «Вольтер и буржуазная драма». Говоря о просветительском классицизме Вольтера, автор пишет: «Этот классицизм является закономерным выражением противоречий буржуазно-демократической идеологии Просвещения, и поэтому его противоположность реализму буржуазной драмы только относительна, а их единство — абсолютно: не только реализм XVIII века, но и классицизм вытекают из взгляда на человека как на изолированного индивида буржуазного общества. Именно такой взгляд заставляет Вольтера рассматривать человеческую сущность не как «совокупность общественных отношений», а как «нечто абстрактное, присущее отдельному индивиду». (К. Маркс). Классицизм вольтеровских трагедий в этом смысле — только оборотная сторона реализма буржуазной драмы в основе как того, так и другого художественного стиля лежит отрыв общего от частного, типичного от индивидуального».

Из этого следует, что проблема просветительского метода в литературе требует всесторонне диалектического подхода при ее решении.

В более узком и более точном смысле слова понятие реализма справедливо (как выше у Д. Гачева и С. С. Мокульского) связано с творчеством Дидро, и других писателей, открыто отстаивавших программ) правдивого и точного изображения жизненной прозы.

Но в истории мирового реализма, когда мы говорим об основных его этапах (Возрождение, XVIII век, XIX век), самое понятие этапа вбирает в себя более широкий художественный опыт.

«Этапными» в развитии реализма были ведь не только Дидро, но и Вольтер и Руссо, не только Лесоинг, но и Гёте и Шиллер. Вклад в развитие реализма был более широким и далеко выходил за пределы художественного опыта тех писателей, которые являлись реалистами в более узком и точном смысле слова.

Наша задача состоит в том, чтобы рассмотреть основные черты просветительского художественного метода в более широком смысле, вытекающие из самого характера идеологии XVIII века.

Определяющей чертой этого метода является сочетание в нем самой суровой, самой беспощадной критики неразумия и бесчувственности феодального мира с иллюзиями в отношении будущего царства справедливости, которое, по мнению просветителей, неизбежно должно было наступить и во имя которого они так мужественно и неустанно сражались.

В этом смысле просветительский метод заключает в себе единство отрицания и утверждения.

Перед литературой последней трети столетия встала историческая задача такого художественного исследования действительности, которое позволило бы понять и выразить идеал человека, рожденный в ходе развертывавшейся антифеодальной борьбы, раскрыть человека в его национальной и социальной обусловленности. Классицизм не оказался способным решить эту задачу.

Замечательные художественные открытия, как правило, были сделаны на пути отступлений от нормативной поэтики. В новых условиях этого было уже недостаточно, нужно было искусство, которое бы доверяло действительности и действительному человеку, не идеализировало, а объясняло жизнь, содержание которой под влиянием обострявшихся классовых противоречий непрерывно усложнялось.

Таким искусством оказывался просветительский реализм, рождавшийся как ответ на властное требование времени. В ходе борьбы с феодальным миром, всеми его учреждениями и его идеологией вырабатывался новый взгляд на общество, формировалась новая философия человека как свободной личности, достоинство которой определяется не ее сословной принадлежностью, не знатностью рода, но умом, личными дарованиями, создавалось учение о зависимости человека от общества.

Реализм, став европейским, а потом и мировым направлением, открывал возможности для искусства каждой нации быть самобытным, существовать в национально индивидуальном облике, как индивидуальна и неповторима историческая жизнь каждой нации, каждого человека.

На раннем этапе русского реализма — от Фонвизина до Пушкина — определились и обозначились некоторые важные принципы метода. Это понимание внесословной ценности человека, вера в его великую роль на земле, патриотическая, гражданская и общественная деятельность как главный путь самоутверждения личности, живущей в самодержавно-крепостническом обществе, объяснение человека его социальной средой и, наконец, первые шаги в художественном выявлении «тайны национальности», в возможности показать русский взгляд на вещи, русский ум.

Важнейшей особенностью метода реалистического показа действительности является раскрытие ее социальных противоречий, сатирическое и резко обличительное отношение к ней, позволявшее обнажать потрясающую правду крепостнической системы, гибельность рабства для всей нации (Новиков, Фонвизин, Радищев), увидеть в народе силу, способную уничтожить режим насилия, рабства бесправия, утвердить в обществе свободу и справедливость («Путешествие из Петербурга в Москву», ода «Вольность»).

Первые успехи новый метод одержал в драматургии: комедии Фонвизина «Бригадир» и особенно «Недоросль» закладывали фундамент русского реализма. Дальнейшее развитие он получит в прозе (Новиков, Фонвизин, Радищев, Крылов).

Появление дворянских просветителей на исторической арене свидетельствовало о конфликте между старой и новой Россией. Просветительский реализм сумел открыть и художественно запечатлеть этот общественный конфликт. Потому-то Фонвизин, а позже Радищев изображали не семейную драму, а драму идей.

Своего героя они выводили из сферы частной жизни, ставили перед ним острейшие проблемы русской действительности, определяли избрание такой деятельности, которая открывала бы путь к внеэгоистической самореализации его личности. Все это придавало просветительскому реализму особое качество, которое чаще всего характеризуется словом «публицистичность».

Эта публицистичность есть особая форма художественности в просветительском реализме. В ней с наибольшей полнотой представала перед читателем идейная жизнь человека, его связи с миром всеобщего, его неприятие частного, эгоистического существования и «одинокого счастья».

Публицистичность порождалась и стремлением писателя заботиться о благе всех, а не отдельной личности. Просветительская вера в разум порождала убеждение, что слово обладает могучей, действенной, почти императивной силой. Выраженная словом истина, казалось, должна была сразу же произвести желаемое действие — рассеять заблуждение.

Поэтому важнейшей задачей литературы было формулирование нравственного кодекса, просвещение развращенного сознания, прямое выражение идеала, носителем которого и выступал положительный герой. Психологизм как раскрытие противоречивости сознания человека был противопоказан просветительскому реализму. Рационализм сказался на построении образов у Новикова, Фонвизина и Радищева.

«Революция в искусстве» захватила и поэзию, которая была скована правилами нормативной поэтики классицизма. Но этот процесс был более трудным, потому что традиции сильнее всего сказывались именно в поэзии. При этом реализм в поэзии проявлял себя иначе, чем в драматургии и прозе, — здесь складывались свои черты нового стиля, новой структуры.

Решающий вклад в развитие принципов реалистической лирики был сделан гениальным поэтом XVIII в. Державиным, что в свое время уже отмечал Гуковский: «В самой сущности своего поэтического метода Державин тяготеет к реализму». «Державин выдвинул новый принцип искусства, новый критерий отбора его средств, — принцип индивидуальной выразительности». «Поэтическая система классицизма оказалась радикально разрушенной Державиным».

История русской литературы: в 4 томах / Под редакцией Н.И. Пруцкова и других - Л., 1980-1983 гг.

Отправить свою хорошую работу в базу знаний просто. Используйте форму, расположенную ниже

Студенты, аспиранты, молодые ученые, использующие базу знаний в своей учебе и работе, будут вам очень благодарны.

Размещено на http://www.allbest.ru/

1. Просветительский реализм

ПРОСВЕТИТЕЛЬСКИЙ РЕАЛИЗМ - художественный метод в европейском искусстве и литературе XVIII в., в соответствии с которым все явления общественной жизни и поступки отдельных людей оценивались как разумные или неразумные. Создателями и теоретиками его стали Дидро во Франции и Лессинг в Германии. Отличительными особенностями просветительского реализма были дальнейшее расширение и демократизация тематики в таких формах художественной культуры, как литература, театр, живопись; появление нового героя -- представителя третьего сословия, объявленного в духе времени носителем Разума или Природы; отказ от нормативности, свойственной классицизму; требование жизненной правды, документально точного раскрытия характеров и «мнений»; назидательность повествования, связанная со стремлением донести до слушателя, зрителя, читателя общественные или нравственные идеи. При этом сторонники данного метода часто допускали условность в своих произведениях. Так, обстоятельства в романе и драме не обязательно были типичными. Они могли быть условными, как в эксперименте. Главным достижением просветительского реализма стало создание романа Нового времени -- могучего средства художественного познания действительности. Его основоположником считается Д. Дефо , зачинатель таких жанровых разновидностей романа, как биографический, приключенческий, психологический, уголовный, авантюрный, воспитательный и аллегорический. Д. Свифт стал создателем жанра сатирического философско-политического романа. В эпоху зрелого Просвещения появился семейно-бытовой (С. Ричардсон) и социально-бытовой (Г. Фильдинг) роман. Появление нового героя привело к возникновению «мещанской» драмы («Лондонский купец» Д. Лилло, «Коварство и любовь» Ф. Шиллера, «Побочный сын» Д. Дидро и др.), просветительской демократической (Р. Шеридан) и социально-политической (Г. Фильдинг) комедии. Сценический реализм был в полной мере воплощен в творчестве П. О. Бомарше.

Просветительские идеи оказали воздействие на становление реалистической живописи XVIII в. Художники реалисты У. Хогарт, Ж. Б. Шарден вступили в борьбу за искоренение пороков общества, обратились к обыденным ситуациям или к созданию картин «на современные нравственные темы -- области еще не испробованной ни в одной стране» (Сатирические циклы У. Хогарта). Ж. Б. Шарден превратил натюрморт в самостоятельный жанр живописи.

2. Творчество Ульяма Хогарта

К первой половине XVIII века относится рождение национальной школы живописи в Англии. Основателем отечественной художественной школы и одним из ярких ее мастеров был Уильям Хогарт. Своим смелым и оригинальным творчеством он положил начало нового расцвета английской живописи.

Произведения Хогарта явились правдивым отображением жизни различных слоев английского общества и были проникнуты правдивыми активными критическими тенденциями.

Картины и гравюры художника отличались высоким мастерством драматического повествования, новаторской самобытностью и оригинальностью художественного решения. Он активно боролся за утверждения реализма и идей гражданственности в искусстве. В своем теоретическом трактате «Анализ красоты» (1753 г.) художник выдвигал положения демократической эстетики реализма. Он резко осуждал лживую льстивость шаблонных светских портретов, отстаивал бытовую живопись, основанную на непосредственном наблюдении и раскрывающую сущность жизненных явлений.

Искусство Хогарта оказало значительное влияние на европейскую бытовую живопись XIX века, оно несло в себе многие наиболее существенные черты дальнейшего развития и явилось предвестником всего того, что стало характерным для европейского искусства XIX века, в частности критического реализма.

Важную часть творческого наследия Уильяма Хогарта составляют его работы на бытовые и нравоучительные темы. Каждый из его циклов - это развернутое драматическое повествование о человеческих судьбах, это своеобразный вызов обществу, где Хогарт метко и остро показывает социальную среду и типические обстоятельства английской жизни.

Художник считал, что основную задачу «полезного» искусства составляет суд над жизнью, а методом служит сатира. Подобно тому, как передовые писатели Просвещения создали новый тип художественного произведения - бытовой реалистический роман, Хогарт создал новый для своего времени жанр - серии сатирических бытовых картин. Эти серии читались как романы и благодаря ясности их художественного языка были доступны гораздо более широким кругам людей, чем любая книга.

Творчество Хогарта также в значительной своей части посвящено осмеянию пороков современного ему общества; но, раскрывая мрачные картины жестокости, продажности, аморальности, духовной бедности и материальной нищеты, художник никогда не изменяет своей вере в человека. Художник создает портреты. Его образы говорят о здоровье, душевной силе, внутренней красоте людей - чертах, которые умеет видеть художник и которые являются основой его искусства.

2. Первые шаги Хогарта в искусстве и формирование в его творчестве самостоятельной оценки по отношению к действительности

К 1730-м годам в Англии появляется самобытный и удивительный художник - Уильям Хогарт.

У. Хогарт (1697-1764) родился в семье перебравшегося в Лондон сельского учителя. Его отец сначала держал школу в своем селении, затем в Лондоне, а в дальнейшем работал корректором, занимался литературой и оставил несколько работ философического характера, которые не принесли ему материальной обеспеченности.

Из этих высказываний следует, что его метод сложился с самых молодых лет. Для него предметом искусства и единственным источником художественных образов была жизнь. Он считал, что следует изучать не правила предшественников и созданные ими образы, а окружающий мир. Бессмысленно копировать предметы и фигуры, необходимо развивать память и фиксировать наблюдения.

Для гравюры характерны простые приемы рисунка и четкий ритм композиции.

В 1726 году Хогарт сделал к «Гудибрасу» две серии иллюстраций: в первой, по требованию заказчиков - книготорговцев, он довольно близко придерживался приемов анонимных иллюстраций более раннего издания этой книги (1710), но внес существенные изменения. Вторую же серию можно считать самостоятельным произведением художника. Реалистические иллюстрации свидетельствуют о зрелости его рисунка, о богатстве творческой фантазии. Для них характерны цельность композиции, широкий своеобразный ритм и необычайная насыщенность деталями бытового характера.

В 1729 году Хогарт женился на дочери художника Торнхилла, обвенчавшись с нею тайком от ее родителей. Родители вскоре простили Хогарта и молодые супруги поселились вместе с Торнхиллами.

Художник занимался живописью уже с начала 1720-х годов, когда учился в Академии у Вандербэнка, участвуя в росписях загородного дома вместе со своим учителем Торнхиллом.

Хогарт довольно быстро исчерпал возможности жанра «разговорных» групповых портретов, который уводил его в сферу салонного искусства. Все больше и больше его увлекали темы общественного звучания, которые отвечали идеалам художника и особенностям его дарования. Но как сатирик и автор злободневных тем он развернулся в полной мере в 1730-х годах.

Таким образом, в первый период своей деятельности молодой Хогарт предстает перед нами как человек с рано сформировавшимся мировоззрением, как мастер большой творческой целеустремленности. Уже в ранние годы он делает первые шаги к достижению цели всей жизни - созданию полезных для общества произведений искусства. Юношеские работы показывают, что в листах на злободневные темы Хогарт в какой то мере нашел своих учителей, свой жанр и установил контакт с той публикой, к которой обращался. Он брал в качестве материала события из жизни и трактовал их сатирически, давал им оценку. Используя опыт предшественников, он продолжал вырабатывать и свой художественный язык. просветительский реализм изобразительный искусство

4. Серия «Модный брак»

В первой половине 40-х годов XVIII века Хогарт создает свою самую знаменитую серию «Модный брак» (шесть картин, галерея Тейт, Лондон). Цикл слагается из отдельных драматических сюжетов. Заглавия сцен раскрывают замысел серии. Хогарт неоднократно называл себя не живописцем, а «автором» серий, желая подчеркнуть этим значение литературного сюжета, положенного в их основу, недаром многие современники оценивают его именно как автора. Т. Готье говорит: «Хогарт - это Аристофан кисти, который рисует свои комедии вместо того, чтобы писать их».[ , - Кроль А.Е. Уильям Хогарт. Л.-М., 1965, с. 83-84.7] Теккерей, посвятивший художнику целый раздел в своих лекциях о комических писателях XVIII века подчеркивает профессиональную писательскую завершенность сюжетных циклов Хогарта.

Мысль автора становится знакомой зрителю, когда он узнает всю серию. Художник изображает людей в момент самого действия, его герои будто разговаривают между собой. Это удается Хогарту благодаря точной передаче мимики и жестов.

Серии картин Хогарта пользовались широкой популярностью в среде писателей, которые использовали их в драматических переделках. Чарль Лэмб в своей статье говорит: «… Другие картины мы рассматриваем - его гравюры мы читаем». Однако следует сказать, что созданные Хогартом сюжеты и характеры обрабатывались, как правило, малозначительными авторами и лишь отдельные эпизоды.

Трудно установить и точную датировку цикла «Модный брак». Существуют две близкие друг другу серии картин на эту тему. Одна, как уже говорилось ранее в галерее Тейт (Лондон), другая, отличающаяся от нее в деталях и которую считают эскизами Хогарта, законченные другой рукой - в собрании Г.Р. Виллета. Существует предположение, что известная серия была написана между 1742 и 1745 годами.

«Модный брак»

был третьей сатирической серией Хогарта. В картинах этой серии зритель видит острую социальную сатиру, выставляющую на посмеяние общественный слой. Изображая сцены из жизни высшего общества Хогарт показывает не менее уродливого и порочного, страшного и смешного, чем в сценах из жизни бродяг, воров и проституток. Персонажи также как и в предыдущих сериях приобретают портретность.

Сюжет Уильяма Хогарта - брак по расчету. Это повесть о женитьбе разорившегося сынка на дочери богатого торговца, явлении весьма обычном в Англии времен Хогарта, о кутежах мужа и о ничем, за исключением любовной интриги, не заполненной жизни жены. История эта заканчивается трагической развязкой - смертью графа, заколотого любовником графини, попадающим за это на виселицу, и самоубийством графини.

Выразителен уже первый эпизод - «Брачный контракт»

который заключается как коммерческая сделка. Собрались заинтересованные лица. Они образую две группы. Первая изображает старого лорда с породистым портфелем и величественной осанкой и сидящего напротив отца невесты с брачным контрактом в руках, который с ужасом смотрит на будущего родственника и подсчитывает, во что ему обойдется это родство. Другая группа - сидящие со скучным видом жених и невеста, олицетворяющие пассивное равнодушие. На первом плане изображены фигурки животных, связанные цепью, символизирующие такой же союз, который заключается в этой комнате.

Картину отличает выразительность, четка, продуманная композиция, волнистая «змеевидная» линия подчеркивает все очертания, умело сгруппированы персонажи.

Хогарт показал в этом сюжете распространенное явление из жизни английского общества. Жадные до денег и общественного положения отцы, хитрые и корыстолюбивые, ради собственной наживы заключают союз между своими детьми, которые являются для них товаром. Отец невесты покупает себе место в среде знати и не боится переплатить. Жадность, страх, угодливость воплощены в его лице и фигуре. Бегающий хитрый взгляд подчеркивает его натуру. Старый лорд - отец жениха, оглядывающий все вокруг с высоты величия, умеющий сохранить высокомерный вид перед покупателем, набивает себе цену. Каждый хочет урвать лакомый кусочек. Непрочность этой сделки видна сразу каждому зрителю.

Во второй сцене («Утренний завтрак. Вскоре после свадьбы»)

] участвуют все три персонажа. Эта композиция изображает утро в доме молодых. Опрокинутые стулья, которые лениво поднимает заспанный слуга, валяющиеся на полу игральные карты, музыкальные инструменты и тетрадь нот - все говорит о вчерашнем празднике, окончившемся изрядной вакханалией. Довольно миловидная графиня небрежно потягивается, вот-вот зевнет, и выражает полное безразличие к своему супругу, ввалившемуся в комнаты, не сняв шляпы и тяжело рухнувшемуся в кресло. Управляющий с пачкой счетов в руке удаляется, воздев руки к небу.

Все, что происходит в картине - взаимоотношения между действующими лицами, каждая физиономия, каждый жест - обрисовано чрезвычайно ясно и наглядно.

Третья сцена («У шарлатана») [Прил. рис. 20] повествует о дальнейших приключениях мужа. Он пришел со своей подругой к шарлатану - врачу. Врач принимает их в эффектно убранном кабинете, где каждый предмет говорит об «учености» хозяина. Молодой кутила разоблачает шарлатана, замахиваясь на него тростью. За врача вступается известная в Лондоне сводня Бэтти Кэрлесс. Художник объединил с помощью жестов, взглядов и общего действия, врача-шарлатана и сводню в одну группу, которая как бы отдаляет фигуру беззащитной, робкой фигуры юной жертвы.

В следующей картине - «Утренний прием»

художник раскрывает характер развлечений молодой графини. Мы видим ее за утренним туалетом. Возле хозяйки суетится парикмахер, знаменитый в Лондоне певец поет под аккомпанемент флейты, гости оживленно о чем то беседуют, а на кушетке развалился стряпчий, который ведет себя как дома. Он протягивает графине билеты на маскарад. Отношения между хозяйкой дома и стряпчим дают для окружающих богатую пищу для размышлений.

Мягкие созвучия красок, розовых и серебристо-серых, или оливковых, розоватых и коричнево-золотистых, передают внешнее благополучие и нарядность этого быта, а композиция картин, полных суматошного движения, отвечает внутренней пустоте и разладу в жизни героев «Модного брака».

Следующие картины из серии «Модный брак» близят зрителя к развязке. В пятой картине [Прил. рис. 22] показан переломный момент: падает, пораженный на смерть муж, молодая жена стоит на коленях перед лежащим мужем, а любовник - убийца скрывается в окне. Выразительность сцены определяется ее динамикой. Хогарт делает смелую попытку схватить неуловимый миг как в движениях так и в душевных переживаниях героев. Как и в других сценах действие опять происходит в конкретной обстановке с множеством реальных деталей. Лица и фигуры сцены показаны в тени.

Шестая сцена окрашена горечью и драматизмом. Графиня принимает яд. У ее ног лежит лист с последними словами казненного любовника. Через распахнутое окно мрачного старого жилища расстилается прекрасный вид на широкую Темзу и Лондонский мост - как символ жизни простирается невозмутимо текущая река, несмотря ни на какие жизненные трагедии.

В серии «Модный брак» Уильям Хогарт затронул важную социальную проблему, за что его считали моралистом - проповедником. Художник не наказывает зло. Не страдают жадный отец, пожертвовавший своею дочерью и старый лорд, выгодно женивший сына. Пострадали их дети, которые стали пассивными жертвами безжалостных общественных условий. Судьбу героев определяет в сюжетах Хогарта социальная обстановка. Положительные герои в его картинах очень редки, так как художник видит главное не в торжествующей добродетели и морали, а в утверждении неизбежности пороков и несчастий.

В середине 1740-х годов Хогарт делает попытку провозгласить положительные жизненные ценности. Он начинает серию «Счастливый брак» (1745). Но замысел художника не был доведен до конца, сохранилось лишь шесть эпизодов из этой начатой серии. В гравюрах сохранились первая, четвертая и пятая картины, в живописи - третья и шестая, и в виде живописного фрагмента - вторая.

Особое место в творчестве Уильяма Хогарта занимает серия гравюр «Прилежание и леность» (1747-1748 годы), в которой художник наиболее пространно развивает свою положительную программу.

Хогарт был сыном своего века, он безжалостно обличал пороки и в тоже время разделял те иллюзии, которые проповедали писатели Просвещения, например Дефо. К таким иллюзиям относилась мысль о том, что счастье и богатство - это награда человеку за добродетель и честный труд. Дефо в романе «Робинзон Крузо» изображает смелого, настойчивого, трудолюбивого героя, который своими руками построил счастье, несмотря на превратности судьбы. В дидактической серии «Прилежание и леность» Хогарт отдает дань этому идеалу времени.

Около 1750-1751 годов Хогарт создает еще несколько графических произведений поучительного характера: сюиту «Четыре степени жестокости» и два парных офорта «Улица Джина» и «Улица Пива» [Прил. рис. 30, 31]. В них он следует той же программе, какую проводил и в своей большой дидактической серии «Прилежание и леность» [Прил. рис. 32].

В гравюрах «Улица Джина» и «Улица Пива» художник обращается к народу. Хогарт пишет: «Поскольку темы этих гравюр рассчитаны на то, чтобы воздействовать на некоторые распространенные пороки, присущие низшим классам, то в надежнее на самое широкое распространение гравюр автор исполнил их в наиболее дешевой технике».[ , - Кроль А.Е. Уильям Хогарт. Л.-М., 1965, с. 115.15]

На этот раз Хогарт выступил как общественный деятель, борющийся с пьянством, которое было настоящим бичом Англии его времени. Это социальное зло усиливалось вместе с ростом нищеты и болезней в среде «низших» классов. Разумеется, не в одном пьянстве коренилась причина нищеты и смертности неимущего населения Лондона, но Хогарт, как и передовые умы того времени, не сознавал в чем источник зла. Поэтому художник вместе с другими английскими просветителями направлял всю силу своей критики не на основы социального строя, а лишь на одно из сопутствующих им явлений.

Гравюры «Улица Джина» и «Улица Пива» встретили немедленный отклик, и в 1751 году в парламенте прошел акт, запрещающий незаконную продажу джина.

Как пишет Уильям Хогарт, на листе «Улица Джина» показаны последствия потребления этого напитка - «… безделье, нищета, бедность и отчаяние, доводящее до безумия и смерти».

Художник делит лист на два плана по диагонали, идущей из правого верхнего угла в нижний левый угол. Справа он изображает несколько узловых эпизодов с немногочисленными персонажами. Слева изображены городские строения и улицы с толпой мелких человеческих фигур. Фоном центральных стен служит нищий Лондон с его переполненными кораблями и полуразрушенными домами.

Безвыходность тупика, в котором гибнут обитатели «Улицы Джина», подчеркнута распространенными у Хогарта символами: вывеской ссудной кассы с тремя тяжелыми шарами и вывеской кабатчика в виде огромного кувшина с надписью «Королевский джин».

«Улица Пива» представляет контраст «Улице Джина». Сцена полна веселого оживления. Художник изображает улицу с чистыми, отстроенными домами. По улице идут прохожие, живописец заканчивает вывеску, где изображает танцующих крестьян вокруг стога ячменя. За столами люди пьют пиво. Единственный заброшенный дом - ссудная касса, на ступенях которой стоит странствующий торговец пивом.

Если в предыдущем листе комическое служит, чтобы подчеркнуть трагическое, то «Улица Пива» вся проникнута жизнерадостным мягким юмором. Иронично изображены Хогартом любители пива с огромными животами, держащие полные кружки пива с пышной пеной. Вывеска ссудной кассы уже не кажется зловещей.

Еще одна серия нравоучительного характера была названа Хогартом «Четыре степени жестокости». Она изображает жизненный путь человека, который в детстве мучает кошек и собак, затем истязает лошадей и в итоге становится убийцей. Труп казненного преступника по закону отдается врачам, которые расчленяют его на части.

Хогарт писал: «Эти листы были награвированы в надежде в какой-то мере изменить к лучшему варварское обращение с животными, один вид истязаний которых делает нашей столицы (Лондона) столь прискорбными для каждой чувствительной души. Если они окажут это действие и воспрепятствуют жестокости, я буду больше гордиться тем, что являюсь их автором, чем если бы я написал картоны Рафаэля».( Кроль А.Е. Уильям Хогарт. Л.-М., 1965, с. 117.18)

«Четыре степени жестокости», как и серия «Прилежание и леность» как «Улица Джина» и «Улица Пива», пишет Кроль А.Е., раскрывают Хогарта как художника, который не проходит мило социальных бедствий и не пытается смешить зрителей картинами нищеты и невежества. Хогарт не остается при этом простым моралистом-проповедником, а шире и объективнее смотрит на мир, чем большинство его современников. Выбирая в качестве героя графа или бродягу, знатную даму или проститутку, он осуждает в их образах те темные черты, которые свойственны не только отдельным личностям, но и целым общественным группам. Хогарт обращал эти злободневные серии к народу и они пользовались популярностью, но публика, к которой он обращался, подчас восхищалась забавностью эпизода, комичностью лиц и на замечала глубокого смысла его произведений.

Таким образом, творчество Хогарта сыграло важную роль в развитии английского искусства. Его произведения явились реалистическим отражением современной жизни различных слоев английского общества и были проникнуты активными критическими мыслями в духе прогрессивных идей того времени. Картины и гравюры Хогарта отличались высоким мастерством драматического повествования, новаторской самобытностью и оригинальностью художественного решения Он активно боролся за утверждение реализма и идей гражданственности в искусстве, отстаивая ведущее место бытового жанра в живописи.

3 . Творчество Жана Батиста Симеона Шардена

Жан Бати м ст Симео м н Шарде м н (1699--1779) -- французский живописец, один из известнейших художников XVIII столетия и один из лучших колористов в истории живописи, прославившийся своими работами в области натюрморта и жанровой живописи.

В своём творчестве художник сознательно избегал торжественных и пасторально-мифологических сюжетов, свойственных искусству его времени. Основным предметом его натюрмортов и жанровых сцен, целиком основанных на натурных наблюдениях и являвшихся по сути скрытыми портретами, была повседневная домашняя жизнь людей из так называемого третьего сословия, переданная в спокойной, задушевной и правдивой манере. Шарден, чья деятельность как художника ознаменовала собой расцвет реализма в XVIII в., продолжил традиции голландских и фламандских мастеров натюрморта и бытового жанра XVII в., обогатив эту традицию и внеся в своё творчество оттенок изящества и естественности.

Ученик Пьера-Жака Каза и Ноэля Куапеля, Шарден родился и всю жизнь провёл в парижском квартале Сен-Жермен-де-Пре. Нет никаких свидетельств о том, что он вообще бывал за пределами французской столицы. Помогая Куапелю исполнять аксессуары в его картинах, приобрёл необычайное искусство изображать неодушевленные предметы всякого рода и решился посвятить себя исключительно их воспроизведению. В начале своей самостоятельной деятельности писал плоды, овощи, цветы, хозяйственные принадлежности, охотничьи атрибуты с таким мастерством, что любители искусства принимали его картины за работы знаменитых фламандских и голландских художников, и только с 1739 года расширил круг своих сюжетов сценами домашнего быта небогатых людей и портретами.

Он рано стал известен парижской публике как превосходный мастер натюрморта. Это произошло во многом благодаря парижской «выставке дебютантов», которая проходила на площади Дофина. Так, в 1728 году он представил там несколько полотен, среди которых был в том числе натюрморт «Скат». Картина так поразилаНикола де Ларжильера, почётного члена французской Академии живописи и скульптуры, что он предложил молодому художнику выставить свои произведения в стенах академии. Впоследствии живописец настоял на том, чтобы Шарден поборолся за место в Академии. Уже в сентябре его кандидатура была принята, и он был занесён в списки как «изобразитель цветов, плодов и жанровых сцен».

Бытовой жанр и натюрморт органически связаны в его искусстве как аспекты целостного и поэтически глубокого восприятия реальности. Вслед за голландцами французский жанрист умел выразить очарование интерьера и тех предметов домашнего обихода, которые окружают человека. Для своих композиций Шарден выбирал самые обычные предметы -- кухонный бак для воды, старые кастрюли, овощи, глиняный кувшин, и лишь изредка в его натюрмортах можно увидеть величественные атрибуты наук и искусств. Достоинство этих картин -- не в драгоценности вещей, которую так любили голландцы, а в их одухотворенной поэтической жизни, в уравновешенности построения, создающих образ гармонического бытия.

В совершенстве владея знанием цветовых отношений, Шарден тонко чувствовал взаимосвязь предметов и своеобразие их структуры. Дидро восхищался тем умением, с которым художник заставляет ощутить движение соков под кожицей плода. В цвете предмета Шарден видел множество оттенков и маленькими мазками передавал их. Из подобных оттенков соткан его белый цвет. Необычайно многочисленны серые и коричневые тона, которыми владел Шарден. Пронизывающие полотно лучи света придают предмету ясность и чёткость.

В 1730-х гг. Шарден обратился к жанровой живописи, к повседневным семейным и домашним сценам, полным любви и покоя, удивительной образной и колористической цельности («Молитва перед обедом», 1744). В жанровых сценах Шарден воссоздал спокойный, размеренный уклад повседневной жизни -- то в самые заурядные, но лирически возвышенные моменты, то в эпизодах, имеющих внутреннее нравственное значение.

Картины жанровой живописи, отличающиеся наивной простотой содержания, силой и гармоничностью красок, мягкостью и сочностью кисти, ещё более, чем прежние работы Шардена, выдвинули его из ряда современных ему художников и укрепили за ним одно из видных мест в истории французской живописи. В 1728 г. он был сопричислен к парижской академии художеств, в 1743 г. избран в её советники, в 1750 г. принял на себя должность её казначея; кроме того, с 1765 г. он состоял членом руанской академии наук, словесности и изящных искусств.

В произведениях разных лет и разных жанров, таких, как «Прачка» (1737), «Банка с оливками» (1760) или «Атрибуты искусств» (1766), Шарден всегда остается превосходным рисовальщиком и колористом, художником «тихой жизни», поэтом повседневности; его пристальный и нежный взгляд одухотворяет самые обыденные предметы. В последние годы жизни Шарден обратился к пастели и создал несколько великолепных портретов (автопортрет, 1775), в которых проявил присущую ему эмоциональную тонкость, но также способность к психологическому анализу.

Многое для распространения славы Шардена сделали энциклопедисты, которые противопоставляли его «буржуазное» искусство «оторвавшимся от народа» придворным художникам -- мастерам эротических и пасторальных виньеток в духе рококо. Дидро сравнивал его мастерство с колдовством: «О, Шарден, это не белая, красная и черная краски, которые ты растираешь на своей палитре, но сама сущность предметов; ты берешь воздух и свет на кончик своей кисти и накладываешь их на холст!»

4 . Творчество Жана Луи Давида

Жак-Луи м Дави м д (30 августа 1748, Париж -- 29 декабря 1825, Брюссель) -- французский живописец и педагог, крупный представитель французского неоклассицизма в живописи.

Жак-Луи Давид родился 30 августа 1748 года в семье оптового торговца железом Луи-Мориса Давида и его жены, Мари-Женевьев (урожд. Бюрон) и в тот же день был крещён в церкви Сен-Жермен-л"Осеруа. До 2 августа 1757 года -- дня смерти своего отца, возможно, погибшего на дуэли, жил в пансионе монастыря Пикпюс. Благодаря брату матери, Франсуа Бюрону, девятилетний Жак-Луи, позанимавшись с репетитором, поступил в Коллеж Четырёх Наций на курс риторики. После чего мать, оставив ребёнка в Париже на попечении брата, уехала в Эврё. Жак-Франсуа Демезон, были архитекторами, также семья была связана родством с художником Франсуа Буше. Заметив у ребёнка способности к рисованию, было решено, что он станет архитектором, как и оба его дяди.

Давид берёт уроки рисунка в Академии Святого Луки, в 1764 году родственники представляют его Франсуа Буше в надежде, что тот возьмёт Жака-Луи себе в ученики. Однако из-за болезни художника этого не произошло -- тем не менее, он рекомендовал юноше начать заниматься у одного из ведущих мастеров исторической живописи раннего неоклассицизма Жозефа Вьена. Два года спустя, в 1766 году Давид поступает в Королевскую Академию живописи и скульптуры, где начинает заниматься в мастерской Вьена. Педагогическая система последнего, проведшего несколько лет в Италии и увлечённого античностью, была основана на изучении античного искусства, произведений Рафаэля, братьев Карраччи, Микеланджело, требовании достижения в живописи «правды» и «величия».

В 1775--1780 Давид обучался во Французской академии в Риме, где изучал античное искусство и творчество мастеровэпохи Возрождения.

В мае 1782 года женился на Шарлотте Пекуль. Она родила ему четверых детей .

В 1783 году был избран членом Академии живописи.

Активно участвовал в революционном движении. В 1792 году был избран депутатом Национального Конвента, где примкнул к монтаньярам во главе с Маратом и Робеспьером, голосовал за смерть короля Людовика XVI. Являлся членом Комитета общественной безопасности, в качестве которого подписывал приказы об аресте «врагов революции». Из-за политических разногласий в это время развелся с женой.

Стремясь увековечить события революции, Давид пишет ряд картин, посвящённых революционерам: «Клятва в зале для игры в мяч» (1791, не закончена), «Смерть Марата» (1793, Музей современного искусства, Брюссель). Также в это время организовывал массовые народные празднества и создал Национальный музей в Лувре.

В 1794 году после термидорианского переворота заключён в тюрьму за революционные взгляды.

В ноябре 1796 года повторно женился на Шарлотте.

В 1797 году стал свидетелем торжественного въезда в Париж Наполеона Бонапарта и с тех пор становится его пылким сторонником, а после прихода того к власти -- придворным «первым художником». Давид создаёт картины, посвящённые переходу Наполеона через Альпы, его коронации, а также ряд композиций и портретов приближённых к Наполеону лиц. После поражения Наполеона в битве при Ватерлоо в 1815 году бежал в Швейцарию, затем переехал в Брюссель, где прожил до конца жизни.

Был похоронен на кладбище квартала Леопольда в Сен-Жосс-тен-Ноде (в 1882 году перезахоронен на Брюссельском кладбище в Эвере), его сердце было перевезено в Париж и захоронено на кладбище Пер-Лашез.

5. Творчество Жана Антуана Гудона

Жан Антуан Гудон (1741- 1828) - известный скульптор классицизма. Им создана уникальная портретная энциклопедия выдающихся людей эпохи. Его главный герой - человек общественный, благородного и сильного характера, мужественный и бесстрашный, творческая личность. Гудона никогда не интересовали титулы и звания тех, кого он запечатлевал в мраморе и бронзе. В созданных им образах мастерски переданы не только внешнее, но и внутреннее сходство с оригиналом, особенности психологии героя. Портрет композитора Глюка, оратора Мирабо, комедиографа Мольера, общественных деятелей Д.Дидро и Ж.Ж.Руссо, американского президента Дж. Вашингтона - вот лучшие работы великого скульптора. Известно, что и Екатерина Великая заказывала ему свой портрет, но Гудон отказался ехать в Россию. Статую русской императрицы он блестяще исполнил по многочисленным портретам, так ни разу и не увидев оригинала.

Слава непревзойденного мастера скульптурного портрета, которую Гудон завоевал еще при жизни, неоспорима и по сей день. Отчасти это связано с личностями его моделей -- великих людей XVIII в.: Вольтера, Ж. Ж. Руссо, Д. Дидро, Б. Франклина, Дж. Вашингтона. Между тем, портреты этих знаменитостей создавали и другие скульпторы, но в нашем сознании они упорно продолжают существовать именно такими, какими изобразил их Гудон. И это не удивительно. Произведения мастера поражают исходящим от них ощущением жизни. Один из современников так отозвался о его скульптуре: «Она бы заговорила, если бы монашеский устав не предписывал ей молчание». Секрет в том, что в своей работе Гудон пользовался древним правилом: нужно задать вопрос, привлечь внимание и изображать человека именно в тот момент, когда все лицо оживает и ответ готов сорваться с губ. К тому же он разработал один простой, но создающий поразительный эффект прием. Моделируя глаза и веки в соответствии с формой натуры, он делал углубление на всю ширину радужной оболочки с таким расчетом, чтобы заполняющая его тень казалась частью объемной и выпуклой поверхности глаза, а зрачок -- совсем черным. Оставленная маленькая «подвеска» белого мрамора порождала иллюзию светового блика, доводя впечатление объемности до совершенства. В результате глаза выглядели живыми, прозрачными и чуть влажными. Такой точности в передаче выражения человеческого взгляда не удавалось еще достигнуть ни одному скульптору.

Притом, что признание таланта пришло к мастеру довольно быстро, он, судя по сохранившимся документам, оставался простым и даже малообразованным человеком. Вся его жизнь, небогатая на эффектные или драматические события, сводилась к упорному ежедневному труду в мастерской и будничным житейским заботам. Однако всему, что касалось его любимого дела, Гудон уделял самое пристальное внимание, будь то изучение строения человеческого тела или соперничество с другими скульпторами.

Жан Антуан родился в Версале 20 марта 1741 г. в семье, далекой от искусства. Его отец Жак Гудон был выходцем из крестьян Ко времени рождения сына он работал простым привратником версальской резиденции графа Деламотта, генерального инспектора королевских парков. Отец и братья матери, Анны Рабаш, были садовниками в этих парках, а из трех сыновей и четырех дочерей супругов Гудон лишь Жан Антуан. четвертый ребенок, завоевал славу художника. Похоже, свыше позаботились о том, чтобы предоставить возможность врожденному таланту мальчика развиться в истинное мастерство. Вслед за отцом, переведенным в парижский дом графа Деламотта, семья переезжает в столицу, а в 1749 г. этот дом сдается в аренду французской короне под «Школу для избранных учеников». То есть тех воспитанников Королевской академии живописи и ваяния, кто в числе лучших из лучших готовился к поездке в Рим для дальнейшего обучения за счет государства. Жаку Гудону разрешили остаться привратником в новой школе, и Жан Антуан с малых лет оказался среди людей искусства. Мальчик жадно впитывал саму атмосферу творчества, царящую в школе, приходил в мастерские и, выпросив глину, увлеченно лепил, подражая старшим. Сначала ученики, а затем и преподаватели обратили внимание на способного ребенка, помогали ему, давали советы и, наконец, содействовали тому, что в 1756 г. юный Гудон стал учеником академии. В том же году он получил серебряную медаль за успехи в выполнении этюдов, а пять лет спустя за барельеф «Царица Савская подносит дары Соломону» (1761 г.) удостоился первой премии -- золотой медали с правом обучения во Французской академии в Риме -- и вернулся в свою родную «Школу для избранных» теперь уже в качестве ученика. Его основным педагогом был М. А. Слодц, но немало полезных знаний он почерпнул и у других академиков -- Ж. Б. Лемуана и Ж. Б. Пигаля. Три следующих года Жан Антуан посвятил овладению искусством обработки мрамора, изучению истории и мифологии, параллельно посещал Анатомический театр, непосредственно знакомясь с внутренним строением человека, а также Лувр и другие коллекции, приобщаясь к произведениям искусства иных стран и великих мастеров прошлого.

В 1764 г. Гудон уезжает в Рим. Согласно распространенной по всей Европе академической системе обучения он обязан был делать копии скульптур на темы классической мифологии, и его первой работой в этом направлении была небольшая по размерам «Весталка» (1767-- 1768 гг.) -- довольно свободно трактованное повторение античной статуи. Причем скульптор несоизмеримо улучшил скучный эллинистический оригинал, придав ему нежность и женственность, характерную для стиля рококо, сохранив при этом специфически классический дух. В дальнейшем он часто возвращался к этому образу, как и ко многим другим, иногда просто копируя свое произведение в разных материалах -- гипсе, мраморе, терракоте, бронзе, -- а иногда создавая варианты, различающиеся в деталях. К римскому периоду творчества Гудона относятся такие работы, как «Святой Бруно», «Святой Иоанн Креститель» (обе в 1766--1767 гг.), «Жрец Луперкалии» (1768 г.) и другие, а также широко известная скульптура «Экорше» (1766--1767 гг.) -- человека с обнаженными мускулами, -- слепки и копии которой стали необходимым атрибутом художественных школ Европы и Америки вплоть до наших дней. Более того, ею при обучении пользовались даже медики.

Интересно, что эта выдающаяся и, пожалуй, самая любимая анатомическая модель в истории скульптуры поначалу была всего лишь гипсовым эскизом для «Иоанна Крестителя». Фигура, созданная на основе глубокого изучения анатомии на трупах в больнице Святого Людовика Французского, изображена в медленном движении с протянутой в благословении правой рукой и сама по себе является шедевром скульптурного мастерства. Эта поза была полностью перенесена в первый, несохранившийся вариант «Иоанна Крестителя», исполненного, как и «Святой Бруно», по более чем почетному для начинающего художника заказу настоятеля церкви Санта Мария дельи Анжели. Много позже Гудон создал другую, бронзовую фигуру «Экорше» (1792 г.), слегка изменив положение рук

В ноябре 1768 г. Жан Антуан вернулся в Париж. Закончился период ученичества, и теперь перед молодым скульптором стояла задача стать независимым мастером, добиться признания на родине, а заодно приобрести приличествующее его способностям материальное положение. В 1769 г. на основании исполненных в Италии работ Гудон без труда был причислен к академии, что давало ему право выставляться в двухгодичных академических Салонах, а значит, иметь возможность показать свои произведения публике и, что более важно, вероятным высоким покровителям. Начиная с этого времени скульптор учавовал почти во всех подобных выставках вплоть до 1814 г.

Первым значительным произведением Гудона по возвращении во Францию был портретный бюст философа Д Дидро (1771 г.), открывший целую галерею образов -- как современников, так и великих людей прошлого: Мольера (1778 г.), Ж. Ж. Руссо (вариации в 1778--1779 гг.), О. Г. Мирабо (1791 г.) и др. После этой работы художнику поступили заказы со стороны герцога Саксен-Готского. небольшое княжество которого в Германии он посетил накануне, и российской императрицы Екатерины II, ставшей первой царствующей покровительницей скульптора. В 1773 г. мастер исполнил мраморный бюст Екатерины Великой, в котором прекрасно передал сходство с оригиналом, причем не только внешнее, но и характерное. хотя в своей работе был вынужден опираться лишь а картины, рисунки или гравюры французских авторов. Портрет императрицы начисто опровергает устоявшееся чнение о том, что Гудон не мог эффективно работать, не чея перед собой живой модели. Действительно, мастер зачастую производил тщательные обмеры портретируемого, делал гипсовые слепки головы и отдельных частей фигуры, а иногда, как в случаях с Мирабо и Руссо, даже снимал посмертные маски. Но все эти действия лишь облегчали труд скульптора, но никак не являлись решающими. Доказательством тому могут служить и портреты давно ушедших из жизни Мольера и Ж. де Лафонтена (ок. 1781 г.), поражающие точной передачей характерных черт.

Следует отметить, что, несмотря на великолепное умение обрабатывать мрамор, Гудон был в первую очередь лепщиком, а не резчиком. Сначала он работал с глиной, а затем делал гипсовую форму, которая хранилась в мастерской и давала ему возможность повторять свои произведения в гипсе, терракоте, бронзе или мраморе до тех пор, пока на них существовал спрос. Причем, прекрасно владея литейной техникой, скульптор лично участвовал в отливке бронзовых статуй, делая окончательную доработку с помощью скребка и оставляя поверхность шероховатой, а не тщательно отполированной, как в более поздних, не авторских копиях.

Хотя Гудон и вошел в историю прежде всего как скульптор-портретист, его творческой натуре больше импонировали темы, почерпнутые из истории, религии или мифологии. Известно, что он постоянно искал заказы на крупномасштабные произведения, и на протяжении всей жизни, говоря о своих художественных достижениях, обычно выделял именно статуи, такие, как «Святой Бруно», «Экорше» или «Диана» (1776 г.). О последней следует сказать особо. Тема богини-охотницы восходит к античности и вполне традиционна для искусства начиная с эпохи Ренессанса. Однако гудоновская «Диана» имела две отличительные особенности -- быстрое движение и полную наготу. Мастер добился иллюзии бега, заставив богиню сохранять равновесие, стоя на пальцах одной ноги. Лишь в мраморном варианте 1780 г. был добавлен куст тростника для создания дополнительной опоры. Статуя, шокировавшая государственных чиновников, имела такой успех у публики, так была воспета поэтами и расхвалена критиками, как ни одно другое произведение Гудона. Однако скульптор все же предпочел не выставлять ее в Салоне, и желающие могли любоваться чистым классическим изяществом «Дианы» в мастерской художника.

В 1777 г. уменьшенный мраморный вариант «Морфея» -- гипсовой статуи в величину натуры (1771 г.) -- стал конкурсной работой Гудона на звание действительного члена Академии живописи и ваяния. В том же году в Салоне число его произведений равнялось половине всех вообще выставленных скульптур, и с этого времени определилась роль мастера как главы французской скульптурной школы.

Центральное место в творчестве Гудона занимает лучшее и наиболее значительное из его произведений -- статуя французского писателя и философа-просветителя Вольтера, над образом которого скульптор работал многие годы и создал целый ряд замечательных портретов. Среди них заслуженно выделяется изображение сидящего Вольтера (1781 г.). Художник облачил мудреца в античную тогу, скрыв его немощное, худое тело. Но он не поступился правдой и изобразил лицо старика с ввалившимися щеками, проваленным ртом. Однако в этом лице так напряженно живет неугасающий насмешливый ум великого философа, что в целом произведение превращается в гимн человеческому интеллекту, провозглашает победу бессмертного духа над слабым и бренным телом. Те, кто видел эту скульптуру, знают о ее удивительном свойстве -- при изменении угла обзора поразительно меняется выражение лица Вольтера. Он плачет, издевается, смотрит на мир трагически и задыхается от смеха. «Во взоре он разгадывал душу», -- сказал о Гудоне другой великий французский скульптор -- Роден.

И действительно, в портретах ученых, философов, людей искусства, в женских образах, созданных мастером, на первый план выступает острота и многогранность психологической характеристики модели. Замечательны с этой точки зрения и детские портреты. В них художник обнаружил поразительную способность передавать свежесть и чистоту детства без сентиментальности. Его дети -- это мыслящие личности с собственным внутренним миром.

Не последнюю, хотя и не основную роль в столь точной передаче человеческого характера играло для скульптора непосредственное наблюдение и изучение натуры. Поэтому, когда в 1785 г. Гудон получил заказ на исполнение мраморной статуи генерала Дж. Вашингтона, он отправился за океан, чтобы работать над портретным бюстом в непосредственной близости от модели. По возвращении в Париж этот бюст был использован скульптором как эскиз. Статуя в полный рост, изображающая генерала как полководца, возможно, лучший из существующих портретов Вашингтона.

Летом 1786 г. сорокапятилетний скульптор женился на двадцатилетней Марии-Анж-Сесили Ланглуа, дочери служащего королевских предприятий. В 1787--1790 гг. у них родилось три дочери. Госпожа Гудон и девочки послужили моделями для нескольких самых очаровательных портретов мастера.

В 1787 г. художник покупает дом, оборудует в нем мастерскую и устанавливает небольшие литейные печи. Теперь он имеет возможность отливать в бронзе почти каждую свою работу. В этом ему содействуют помощники и ученики, так как ему как академику полагалось иметь студентов. Однако из его мастерской не вышло ни одного хоть мало-мальски значительного скульптора. По всей видимости, Гудон был слишком занят, чтобы уделять внимание преподаванию. И только в последние годы жизни, особенно после назначения в 1805 г. профессором специальных Школ живописи, скульптуры и архитектуры при Французском институте, заменившем Королевскую академию, он по необходимости исполнял свои преподавательские обязанности и лишь в 1823 г. полностью отошел от дел.

Французская революция 1789--1794 гг. лишила Гудона не только основной массы заказчиков и устоявшегося положения ведущего скульптора, но и творческих сил. С середины 1790-х гг. его искусство резко пошло на спад. Однако он продолжает работать, хотя и в гораздо меньших объемах, исполняя портреты членов императорской семьи, маршалов и генералов. В 1804 г. им был получен заказ на изготовление гигантской бронзовой статуи Наполеона для установки на колонне в Булони -- она была завершена в 1812 г. и уничтожена после падения Империи. Последним произведением старого мастера был бюст императора Александра I, выставленный в Салоне 1814 г. После этого нет никаких сведений о его работах. В 1823 г. умерла госпожа Гудон, а 15 июля 1828 г. отошел в мир иной и сам скульптор.

Как нельзя лучше творчество мастера характеризуют его собственные слова: «Одним из прекраснейших качеств столь трудного искусства ваяния является возможность сохранить во всей подлинности черты и сделать почти нетленными образы людей, которые создали славу или благоденствие своей родины. Эта мысль постоянно преследовала и ободряла меня в моих долгих трудах».

Вольтер Гудона, несмотря на болезненную худобу и старческую слабость (скульптор впервые увидел писателя незадолго до его смерти), является воплощением силы духа, торжествующей над физической немощью. Это произведение -- не только высшее достижение самого скульптора, но и вершина европейского искусства 18 столетия. Статуя Вольтера вызвала множество восторженных откликов. Огюст Роден восклицал: «Какая удивительная вещь! Это воплощенная насмешка! Глаза несколько враскос, будто подстерегают противника. Острый нос напоминает лисицу: он весь извивается, пронюхивая всюду злоупотребления и повод к насмешке, он буквально трепещет». Жан Антуан Гудон. Вольтер. 1779-1781 гг. «Комеди Франсез», Париж.

Жан-Антуан Гудон - французский скульптор. Жан-Антуан Гудон родился 20 марта 1741 года в Версале (Франция). В 1756 году он был принят в школу Королевской Академии живописи и ваяния, получил третью премию по скульптуре, а в 1761 году, в возрасте двадцати лет, - первую премию за барельеф "Царица Савская подносит дары Соломону". Учителями Гудона были Мишель Слодтц, Жан-Батист Лемуан и Жан-Батист Пигаль. Восемь лет он проучился в школе и Академии и как один из лучших учеников в 1764 году был послан в Рим. В Италии скульптор оставался четыре года и за это время создал ряд произведений, которые сделали его имя известным. Это статуя "Весталки", "Экорше" - анатомическая штудия, скульптуры для украшения церквей "Св. Бруно" и "Св. Иоанн Креститель". В этих ранних скульптурах, которые мастер в дальнейшем неоднократно повторял в других материалах, он отдает предпочтение классической трактовке образа, ясной, спокойной, уравновешенной, связанной с изучением античного наследия. Необходимость заработка, поиски заказчиков и покровителей, вероятно, не позволили ему продлить итальянское пенсионерство, как это делали другие.
В 1768 году скульптор вернулся в Париж. Здесь он нашел своего первого покровителя немецкого герцога Саксен-Готского, который в течение многих лет был заказчиком художника. Начиная с 1769 года, когда Гудон дебютировал в Салоне, и вплоть до конца столетия ни один из открывающихся Салонов не обходился без вещей скульптора. В Салоне 1771 года появился один из самых знаменитых бюстов Гудона - портрет Дени Дидро. Сам философ, знаток и критик искусства, отметил необычайное сходство портрета. Дидро портретировали часто. Но среди портретов, созданных Ван Лоо, Анн Мари Колло, Ж.-Б. Пигалем и Л.-А.-Ж. Лекуантом, портрет Гудона выделяется яркостью и живостью характеристики. Бюст свободен от всяких аксессуаров и украшений. Все внимание сконцентрировано на лице. Гудон изобразил философа без парика, к которому тот питал нескрываемую ненависть. Слегка растрепанные волосы, Гудон трактует их легко и свободно, как во всех своих скульптурах. Бюст высоко срезан, голова повернута в три четверти, рот приоткрыт, широко раскрыты глаза, их взгляд живой и непосредственный, схвачено мимолетное выражение лица. Это произведение заставило говорить во Франции о молодом таланте. Через Дидро и его близкого друга Мельхиора Гримма Гудон вскоре приобрел самого могущественного покровителя - русскую императрицу Екатерину II, которая могла заказывать Гудону дорогостоящие бронзы и мраморы. В 1770-е годы скульптор становится известен как мастер надгробной скульптуры. Среди самых известных его работ - надгробия фельдмаршала Михаила Голицына и сенатора А. Д. Голицына (они находятся в некрополе Донского монастыря в Москве) и гробница графа д"Эннери. По композиции надгробия восходят к типу классических надгробных стел Древней Греции. Гудон выполняет скульптуры на мифологические темы. За мраморную статую "Морфей" в 1777 году он был избран академиком. Одной из самых известных скульптур 18 столетия стала его "Диана-охотница". У Гудона Диана изображена обнаженной, она сохраняет равновесие, стоя на пальцах одной ноги, что создает иллюзию бега. Откровенная чувственная трактовка образа не противоречит чисто классическому изяществу статуи. Те же черты присущи другой популярной статуе Гудона - "Зима", которая олицетворена в образе прекрасной полуобнаженной озябшей девушки. Многие произведения Гудона хорошо известны во всем мире еще и потому, что он их тиражировал, многократно повторяя в дешевом гипсе и в более дорогих мраморе и бронзе. Это был едва ли не единственный скульптор 18 столетия, овладевший техникой литья бронзы. Особенно он увлекался ею в 1780-90-е годы. Он писал: "Я могу выступать в двух ролях - скульптора и литейщика. В первой я - творец, во второй - я могу точно воспроизводить других..." Однако в историю скульптуры Гудон вошел прежде всего как мастер портрета. Ему свойственен аналитический подход к натуре, неустанный поиск жизненной правды, его образы отличает глубокий и острый психологизм. Число его портретных скульптур велико. Особую группу составляют портреты детей. Среди них превосходные бюсты Александра и Луизы Броньяр, портреты дочерей скульптора Сабины, Анны-Анж и Клодины и другие. 18 век как бы заново открывает мир ребенка. Гудон сумел передать ощущение свежести и чистоты детства без налета сентиментальности и игривости, свойственной рококо. В его произведениях дети - это мыслящие личности с собственным внутренним миром.
К числу блистательных портретов деятелей французского театра, созданных Гудоном, принадлежит посмертный бюст Мольера, исполненный по заказу "Комеди Франсез". Гудон добился в нем сходства с существующим живописным портретом Мольера, который он не сумел увидеть в процессе работы, но создал образ-олицетворение французского театра вообще. Голова Мольера, данная в обрамлении длинных, свободно ниспадающих волос, резко повернута, необыкновенно живая поза предполагает немедленное действие или движение. Взгляд пронзительный, рот слегка приоткрыт, как будто в разговоре. Вокруг шеи свободно повязан широкий шарф. Выставленный в здании Королевской библиотеки бюст вызвал восторг критиков, и Гримм писал по его поводу: "Его взгляд (господин Гудон, вероятно, единственный скульптор, умеющий передавать глаза) пронизывает душу". Гудон выполнил портреты многих известных людей своего времени: Неккера, Лафайета, Байи, Франклина и Джорджа Вашингтона и других. Для серии портретов великих людей, задуманных д"Анживийе, он создал портрет маршала де Турвиля. Гражданские добродетели, а также заслуги в науке и искусстве являлись критериями выбора лиц для этой портретной галереи. Но подлинным продолжением серии следует считать портреты уже упомянутого Дени Дидро, Ж.-А. Даламбера, Жана Жака Руссо (был выполнен с посмертной маски) и самый известный из них - портрет Вольтера. Гудон в очень короткий срок, работая по снятой им маске, выполнил статую Вольтера. Скульптор представил Вольтера сидящим в кресле, наподобие античного, окутал мантией, очень напоминающей домашний халат философа. Широкие складки мантии ложатся на плечи и колени, обрисовывая скрытую под ними фигуру и в то же время придавая ей внушительность. Повязка на лбу уподоблена античной. Аксессуары создают образ поэта-философа, принадлежащего миру современному и миру античному. Лицо портретируемого излучает огромную жизненную силу и высокую духовность. Все богатство внутренней жизни Гудон передает в мгновенно схваченном выражении, которое трудно поддается определенной интерпретации. Это тонкий, точный и величественный портрет, в котором век Просвещения нашел свое яркое воплощение. Умер Жан-Антуан Гудон 15 июля 1828 года в Париже.

Подобные документы

Непрерывное развитие, смешение и противодействие стилей и направлений в изобразительном искусстве. Анализ особенностей различных школ изображения форм в живописи и скульптуре. Классицизм как эстетическое направление в европейской литературе и искусстве.

реферат , добавлен 10.08.2016


Франция как гегемон духовной жизни Европы XVIII века. Хронологические и территориальные рамки эпохи Просвещения. Эволюция философских идей просветителей и их воплощение в изобразительном искусстве. Влияние Просвещения на развитие театрального искусства.

курсовая работа , добавлен 31.03.2013


Общая характеристика картин З. Серебряковой и Н. Ярошенко. Рассмотрение автопортрета "За туалетом". Знакомство с особенностями исследования образа русской женщины в изобразительном искусстве конца XIX-XX века. Анализ краткой истории русской живописи.

курсовая работа , добавлен 08.06.2014


Футуризм - художественные авангардистские движения 1910-1920 гг. в литературе и изобразительном искусстве, возникшие в Италии и России как культ будущего и дискриминация прошлого вместе с настоящим; провозглашение пафоса разрушения, взрыва, обновления.

презентация , добавлен 04.06.2012


Описание основных направлений в изобразительном искусстве ХХ века. Характеристика развития и типичные черты каждого из них, особенности техники письма и концепция передачи образов. Основные представители художественных течений и их выдающиеся картины.

презентация , добавлен 28.10.2013


Сущность и значение аллегорий, использование ее в литературе, режиссуре массовых празднеств, театрализации, изобразительном искусстве. Особенности компьютерного искусства, цифровая живопись и фотомонтаж, их недостатки. Образы и символика четырех стихий.

курсовая работа , добавлен 20.04.2011


Направление в искусстве XX века, характеризующееся разрывом с историческим опытом художественного творчества, стремлением утвердить новые нетрадиционные начала в искусстве, обновлением художественных форм. Условность схематизация и отвлеченность стиля.

презентация , добавлен 22.06.2012


Начало века классики в развитии европейской культуры с классической немецкой философии. "Золотой" век искусства. Популярность творчества Жорж Санд и Диккенса. Представители основных течений и направлений реализма в живописи, искусстве, литературе.

реферат , добавлен 28.06.2010


Реализм как исторически конкретная форма художественного сознания нового времени. Предпосылки создания и формирование реализма в искусстве Возрождения. Сандро Боттичелли, Леонардо да Винчи и Рафаэль Санти. Творчество Альбрехта Дюрера и Питера Брейгеля.

реферат , добавлен 12.04.2009


Выявление функций, эстетического своеобразия и роли постмодернизма в художественно-эстетических процессах современной культуры. Постмодернизм в изобразительном искусстве Соединенных Штатов Америки и Европы. Мультимедийное искусство и концептуализм.

35.Основные методы художественной литературы. Реализм. Многообразие подходов к проблеме реализма в литературоведении. Просветительский реализм.

(1) Реализм — это художественное направление, «имеющее целью возможно ближе передавать действительность, стремящееся к максимальному правдоподобию. Реалистическими мы объявляем те произведения, которые представляются нам близко передающими действительность» [Якобсон 1976: 66]. Это определение дал Р. О. Якобсон в статье «О художественном реализме» в качестве наиболее расхожего, вульгарно-социологического понимания.(2)Реализм — это художественное направление, изображающее личность, действия которой детерминированы окружающей ее социальной средой. Это определение профессора Г. А. Гуковского [Гуковский 1967]. (3) Реализм — это такое направление в искусстве, которое в отличие от предшествующих ему классицизма и романтизма, где точка зрения автора находилась соответственно внутри и вне текста, осуществляет в своих текстах системную множественность точек зрения автора на текст. Это определение Ю. М. Лотмана [Лотман 1966].
Сам Р. Якобсон стремился определить художественный реализм функционалистски, на стыке двух его прагматических пониманий:
1. [...] Под реалистическим произведением понимается произведение, задуманное данным автором как правдоподобное (значение А).
2. Реалистическим произведением называется такое произведение, которое я, имеющий о нем суждение, воспринимаю как правдоподобное» [Якобсон 1976: 67].
Далее Якобсон говорит, что в качестве реалистической может быть рассмотрена как тенденция к деформации художественных канонов, так и консервативная тенденция к сохранению канонов [Якобсон 1976: 70].
Реализм как литературное направление сформировался в 19 веке. Элементы реализма присутствовали у некоторых авторов и ранее, начиная с античных времен. Непосредственным предшественником реализма в европейской литературе являлся романтизм. Сделав предметом изображения необычное, создавая воображаемый мир особых обстоятельств и исключительных страстей, он (романтизм) одновременно показал личность более богатую в душевном, эмоциональном отношении, более сложную и противоречивую, чем это было доступно классицизму, сентиментализму и другим направлениям предшествующих эпох. Поэтому реализм развивался не как антагонист романтизма, но как его союзник в борьбе против идеализации общественных отношений, за национально-историческое своеобразие художественных образов (колорит места и времени). Между романтизмом и реализмом первой половины 19 века не всегда легко провести четкие границы, в творчестве многих писателей романтические и реалистические черты слились воедино — произведения Бальзака, Стендаля, Гюго, отчасти Диккенса. В русской литературе это особо отчетливо отобразилось в произведениях Пушкина и Лермонтова (южные поэмы Пушкина и «Герой нашего времени» Лермонтова). В России, где основы реализма были еще в 1820 — 30-х гг. заложены творчеством Пушкина («Евгений Онегин», «Борис Годунов «Капитанская дочка», поздняя лирика), а также некоторых других писателей («Горе от ума» Грибоедова, басни И. А. Крылова), этот этап связан с именами И. А. Гончарова, И. С. Тургенева, Н. А. Некрасова, А. Н. Островского и др. Реализм 19 века принято называть «критическим», так как определяющим началом в нем являлось именно социально-критическое. Обостренный социально-критический пафос — одна из основных отличительных черт русского реализма — «Ревизор», «Мертвые Души» Гоголя, деятельность писателей «натуральной школы». Реализм 2-ой половины 19 века достиг своих вершин именно в русской литературе, особенно в творчестве Л. Н. Толстого и Ф. М. Достоевского, ставших в конце 19 века Центральными фигурами мирового литературного процесса. Они обогатили мировую литературу новыми принципами построения социально-психологического романа, философской и моральной проблематикой, новыми способами раскрытия человеческой психики в ее глубинных пластах.

Признаки реализма:

1. Художник изображает жизнь в образах, соответствующих сути явлений самой жизни.

2. Литература в реализме является средством познания человеком себя и окружающего мира.

3. Познание действительности идет при помощи образов, создаваемых посредством типизации фактов действительности (типические характеры в типической обстановке). Типизация характеров в реализме осуществляется через «правдивость деталей» в «конкретностях» условий бытия персонажей.

4. Реалистическое искусство — искусство жизнеутверждающее, даже при трагическом разрешении конфликта. Философское основание этому — гностицизм, вера в познаваемость и адекватное отражение окружающего мира, в отличие, например, от романтизма.

5. Реалистическому искусству присуще стремление рассматривать действительность в развитии, способность обнаруживать и запечатлевать возникновение и развитие новых форм жизни и социальных отношений, новых психологических и общественных типов.

5. Просветительский реализм.

Чтение статьи учебника «Просветительский ре­ализм» и ответы на вопросы.

Творческий практикум «Анализ произведения в аспекте художественного метода».

План-конспект изучения лирического произведения.

Русская литература XIX века.

«Золотой век» русской литературы.

А. С. Пушкин. «Я памятник себе воздвиг нерукотворный...» (9 класс)

1. Слово учителя: «Золотой век» русской литера­туры». «Первый ряд» русских писателей: Пушкин, Лермонтов, Гоголь, Тургенев, Толстой, Достоевский, Чехов. Литература и живопись, литература и музы­ка. Традиции русского фольклора, древнерусской, духовной и зарубежной литературы в литературе XIX века.

2. Пушкин- «начало всех начал». Поэтическое завещание поэта - «Я памятник себе воздвиг нерукотворный...».

3. «Медленное чтение» стихотворения.

Прокомментируйте (объясните) эпитеты: «неру­котворный» (памятник), «непокорная» (глава), «заветная» (лира), «подлунный» (мир), «добрые» (чувст­ва), «жестокий» (век)...

Выделите главное, несущее идею слово (словосоче­тание) в каждом четверостишии («нерукотворный», «не умру», «Русь великая», «добрые», «веленье Божие»).

Какой смысл вкладывает Пушкин в слова «пад­шие» и «равнодушно»?

4. Сопоставление пушкинского стихотворения с одой Горация, произведением Ломоносова «Я знак бессмертия себе воздвигнул...», «Памятником» Державина.

Домашнее задание: чтение романа Пушкина «Ка­питанская дочка» (главы 1-5).

Конспекты методистов.

Литература в школе, № 3, 1995.

Н. Н. КОРОЛЬ, М. А. ХРИСТЕНКО Пророческое слово Андрея Платонова.

Постижение стиля. XI класс

Научить учащихся читать произве­дения А. Платонова - задача чрез­вычайно сложная. Каждая фраза писателя, каждое слово-«мыслеобраз» отражает изнутри тот насильст­венный революционный процесс преобразования жизни, который на­иболее адекватно и полно выразился в его слоге - этом удивительном сплаве «прекрасного косноязычия», «неправильной гибкости», «речи обыденной, газетной, лозунговой, плакатной, бюрократического канцелярита, агитационного штампа, той неорганизованной словесной сти­хии, которая ворвалась в язык вместе с ломкой прежних общественных отношений».

В XI классе, чтобы подобрать ключи к постижению «Котлована» или «Чевенгура», мы предлагаем взять для работы рассказ «Усомнив­шийся Макар», текст менее объемный, но содержащий в себе все особенности неповтори­мого платоновского стиля.

Стержневым моментом при первоначальном домашнем чтении учащимися рассказа стало задание - проследить движение сюжета, осно­ванное на раскрытии смысла метафорической антитезы «умная голова - пустые руки» (Лев Чумовой, «молочный начальник», «ученый пи­сец», «профсоюзный начальник», «научный че­ловек», рябой Петр и Макар) и «порожняя голова - умные руки» (Макар, а в финале - «прочие трудящиеся массы»). Несложным, но чрезвычайно эффектным поисковым моментом в работе с текстом представляется задание - обратить внимание на количество повторяю­щихся с различными оттенками слов «голова - руки» и сопутствующих им эпитетов. Это позво­лило учащимся на собственном опыте убедиться в насыщенности текста этими доминантными словами. Они отметили также их всевозрастаю­щую сатирическую выразительность от легкого юмора, колкой иронии до сарказма кульминаци­онного эпизода фантастического сна Макара и поистине страшного пророческого финала, в котором «умные руки» Макара и «пустая голова» Льва Чумового и «думающего за всех работаю­щих пролетариев» рябого Петра объединились в борьбе «за ленинское и общебедняцкое дело» и засели в учреждении рядом, чтобы «думать для государства», отчего трудящиеся перестали ходить в учреждение и «стали думать за себя на квартирах».

Так, уже на уровне сюжета школьники осмыс­лили глубину тревоги писателя, предупреждав­шего современников об опасности деления людей на думающих за всех и работающих, об угрозе утверждения государственной системы, где личность не будет ничего значить, где во имя «целостных масштабов» будут принесены в жертву «миллионы живых жизней».

Следующий этап - работа над стилем. На наш вопрос: «Какой фольклорный жанр по манере повествования напоминает рассказ?» - учащиеся без труда ответили: сказку. Аргументов достаточно: это и герой, ищущий правду и напоминающий сказочного Ивана-дурака, и по­стоянные многочисленные повторы, проигрыва­ния одной и той же ситуации, и лексика (трамвайная хозяйка, уличное помойное ведро, городской овраг, ущелья дома и пр.), и интона­ционный строй фразы («Досидел Макар на кирпичах до вечера и проследил поочередно, как солнце угасло, как огни зажглись, как воробьи исчезли с навоза на покой»).

Затем переходим к сопоставительному анали­зу рассказа «Усомнившийся Макар» и повести «Котлован». Начнем с задания: сравнить главных героев - Макара Ганушкина и Вощева. В результате работы с текстом учащиеся приходят к выводу, что оба героя выделяются «среди прочих трудящихся масс» тем, что это люди думающие, сомневающиеся, мучительно ищу­щие ответы на вопросы, которые в 30-е годы обсуждать и подвергать сомнению не полага­лось. Цитируем текст (эти примеры можно продолжить, текст перенасыщен подобными рассуждениями автора и героев): Лев Чумовой говорит Макару: «Ты не человек, ты - едино­личник! Я тебя сейчас кругом оштрафую, чтобы ты знал, как думать!» («Усомнившийся Макар»). «Администрация говорит, что ты стоял и думал среди производства,- сказали в завкоме». «В увольнительном документе ему написали, что он устраняется с производства вследствие роста слабосильности в нем и задумчивости среди общего роста темпа труда» («Котлован»).

«Макар лег на государственную койку и затих от сомнения, что всю жизнь занимался непролетарским делом»... Свое страдание и сомнение Макар обращает к научному человеку. «Что мне делать в жизни, чтоб я себе и другим был нужен?» («Усомнившийся Макар»).

«- О чем ты думал, товарищ Вощев?

О плане жизни.

Завод работает по готовому плану треста. А план личной жизни ты бы мог проработать в клубе или красном уголке» («Котлован»).

Если в рассказе читатель останавливается перед фантастической картиной новых планов, зреющих в голове думающего за всех трудящих­ся вождя, в мертвых глазах которого «отража­лись миллионы живых жизней», то в «Котлова­не» рассказывается о недельном пребывании героев в деревне, где они осуществляют эти планы.

Читаем отрывки из «Котлована», повествую­щие о происходящих в колхозе имени Генераль­ной Линии событиях, где пролетарии (Вощев, Чиклин, Козлов и другие) и активист «обще­ственных работ по выполнению государствен­ных постановлений и любых кампаний», накап­ливая «энтузиазм несокрушимого действия», мо­билизуют колхоз «на похоронное шествие, чтобы все почувствовали торжественность смерти во время развивающегося светлого момента обоб­ществления имущества», на сколачивание бревен в один блок с целью «точного исполнения мероприятия по сплошной коллективизации и ликвидации посредством сплава на плоту кулака как класса».

В результате этой деятельности - мертвая деревня, в пустых домах которой гуляет ветер, а в кузнице трудится медведь и рычит песню, «девушки же и подростки жили как чужие в деревне, словно томились любовью к чему-то дальнему».

Символом бессмысленного движения к свет­лому будущему, в которое людей отправляют целыми эшелонами, символом жестокости, кру­шения вековых устоев жизни является в финале повести гротескный образ «правильного проле­тарского старика» медведя-молотобойца, кото­рый «крушил железо как врага жизни, будто если нет кулаков, так медведь есть один на свете», о ком члены колхоза говорили: «Вот грех-то: все теперь лопнет! Все железо в скважинах будет! А тронуть его нельзя - скажут, бедняк, пролетариат, индустриализация!»

Мысли, идеи, которые высказывает автор и его герои, находятся в сложных отношениях между собой, в постоянном взаимодействии, движении, притяжении и отталкивании, зачастую они вступают в противоречия с делами, поступ­ками, разбиваются в прах при соприкосновении с действительностью. Безусловно, нет никакой возможности рассмотреть хотя бы часть этих микротекстов. Но попытаться проанализировать Иекоторые из них необходимо. Так, к примеру, можно проследить, как взаимодействует слово и дело одного из самых противоречивых героев повести - землекопа Чиклина, который по разным поводам как бы Мимоходом замечает «Мертвые, тоже люди»^ «Каждый человек мерт­вым бывает, если его замучивают»; «Мертвых тоже много, как и живых, им не скучно между собою»; «Все мертвые люди особенные». И многие действия этого «неученого человека» совпадают с тцким взглядом на мир. Это и его любовь к девочке Насте, забота о ней, внимание к окружающим,"; скорбь по умершим.] Но в то же время именно \ от Чиклина получает удар в голову, а затем в живот мужик с желтыми глазами. Это Чиклин старательно вяжет плот, «чтобы кулацкий сектор ехал по речке в море и далее». На пару с медведем-кузнецом он ходит по «прочным» избам раскулачивать крестьян. Когда же умерла девочка Настя, Чиклину «захотелось рыть землю». «В этих действиях он хотел забыть сейчас свой ум». «Теперь надо еще шире и глубже рыть котлован»,- говорит он Вощеву. «Колхоз шел вслед за ним и не переставал рыть землю; все бедные и средние мужики работали с таким усердием жизни, будто хотели спастись навеки в пропасти котлована». Таким безысход­но страшным символом завершается повество­вание. В последнем абзаце «Котлована» читаем: «Отдохнув, Чиклин взял Настю на руки и бережно понес ее класть в камень и закапы­вать». Здесь уместно процитировать слова само­го А. Платонова о «Котловане»: «Автор мог ошибиться, изобразив в виде смерти девочки гибель социалистического поколения, но эта ошибка произошла от излишней тревоги за нечто любимое, потеря чего равносильна разру­шению не только всего прошлого, но и будуще­го»!

Прежде чем перейти к работе над стилем повести «Котлован», предлагаем учащимся раз­ные точки зрения исследователей языка писате­ля. Примерное слово учителя:

О языке Андрея Платонова писали много: то как о своеобразном эстетском языке, то как о языке-маске, языке-юродстве, языке-кривлянье. Но чаще всего им восторгались, его красотой, гибкостью, выразительностью. Большинство пи­шущих отмечало сложность, загадочность фразы писателя. «...Слово Платонова до конца не будет разгадано никогда». Исследователи творчества А Платонова подчеркивают неповторимость, «особый язык», непохожесть его ни на какой другой. «У Платонова - свои слова, лишь ему присущая манера соединять их, своя неповтори­мая интонация». Пишут о «варварской гармонии фразы», о синтаксисе, подобном движению валу­нов по склону, о «недоговоренности и избыточ­ности речи», о «неправильной гибкости», «пре­красном косноязычии», «шероховатости» и т. п.

Итак, странное, загадочное, возвышающее, эстетское, юродствующее, косноязычное, избы­точное, слово-ребенок и слово-старик одновре­менно, какой-то необыкновенный сплав и т. д. ...Какое же оно - слово Андрея Платонова? Вслушиваясь и вникая в смысл платоновских метафор, образов, символов, вглядываясь в мир платоновских утопий, сатирических картин, чи­тая и перечитывая страницы его удивительных книг, глубже и полнее через диалог с его временем начинаем понимать время собственное. Как говорил М. Бахтин, «не во всякую эпоху возможно прямое авторское слово», ибо такое слово предполагает наличие «авторитетных и отстоявшихся идеологических оценок». И поэто­му литература этих эпох выражает авторские мысли и оценки, преломляя их в «чужом слове».

Безусловно, эпоха Андрея Платонова - это эпоха, которая отнюдь не способствовала выра­жению мыслей в прямом авторском слове, так как слово это не совпадало с официальной идеологией. У Платонова, как справедливо заме­тил Л. Шубин, мысли героя и мысли автора совпадают...

Обратимся к началу «Котлована» (вместе с учащимися убеждаемся в самобытности плато­новской речи - читаем и комментируем начало повести, один абзац, два предложения).

«В день тридцатилетия личной жизни Вощеву дали расчет с небольшого механического завода, где он добывал средства для своего существова­ния. В увольнительном документе ему написали, что он устраняется с производства вследствие роста слабосильности в нем и задумчивости среди общего темпа труда».

Обратимся к первой фразе: чем она вас поразила? (Учащиеся отметили, что фраза сразу же зацепила какой-то своей корявостью, неуклюжестью, которые в следующем предложении усиливаются.)

Нет ли лишних слов в этой фразе в плане смысловой точности? (Да, есть словосочетание «личной жизни» и придаточное предложение «где он добывал средства для своего существования».)

Попробуем убрать эти части фразы, как она будет выглядеть? («В день тридцатилетия Вощеву дали расчет с небольшого механического завода».)

Попробуйте сделать небольшую редакторскую правку, чтобы фраза звучала привычно для нашего слуха. («В день тридцатилетия Вощева уволили с небольшого механического завода».)

В результате проделанного нами эксперимента исчезла могучая сила, самобытность платоновской речи. Фраза угасла. Ведь ее магическая сила именно в том, что после слов «в день тридцатилетия личной жизни» Вощеву дали не премию за добросовестный труд, а расчет, что Вощев не работал, а «добывал средства» не на жизнь, а «для своего существования». В этой фразе уже содержится нечто такое, что в следующей буквально заставляет оцепенеть и ужаснуться, так как накапливающаяся энергия иронического смысла прорывается в словах: «...он устраняется с производства вследствие роста слабосильности в нем и задумчивости» - ее горько-иронический эффект погружает нас, читателей, в то время, которое рождало чудовищную бюрократическую систему, подавляющую личность, превращающую людей в безликую массу.

Этот процесс находит свое выражение и в выхолащивании языка народа. Платонов отра­зил тот переходный этап, когда канцеляритом, идеологическим штампом, бюрократической стерилизацией ломался живой язык народа.

Отсюда шершавость, корявость, соединение в одно целое несоединимых разностильных слов и выражений.

Слово А. Платонова - слово-предупреждение, слово-пророчество.

Сквозь призму рассматриваемой фразы про­глядывает тот обезличенный, разъеденный кор­розией язык, которым мы говорим сегодня, не замечая уродства таких выражений, как вместо дети - детское население, вместо человек - житель, вместо квартира - жилплощадь и пр. А из так называемого «делового стиля» с его бесчисленными приказами о зачислении, об увольнении, о вынесении строгих выговоров с занесением в личное дело просачивается в устную разговорную речь или тиражируется штамп миллионами одинаковых праздничных текстов-поздравлений, в которых трудящиеся желают друг другу успехов в труде и счастья в личной жизни.

Возвратимся к тексту «Котлована» еще раз.! От этих каких-то по-детски наивных и невинных слов «устраняется с производства вследствие роста слабосильности в нем и задумчивости среди общего темпа труда» пророчески отдает уже недалеким в будущем - не «устраняется», а «берется под следствие», «арестуется», не «вслед­ствие роста слабосильности... и задумчивости», а за «саботаж, вредительство», «вражескую пропа­ганду» и т. д.)

Итак, с первой же фразы повести А. Платоно­ва перед нами предстает образ человека, не утратившего своей личности, не растворившего­ся в массе, человека странного, «единичного», мучительно думающего и согласного в финале снова ничего не знать, не знать истины, лишь бы девочка была жива.! Это кульминация проте­ста против насилия, выраженного с гениально­стью, подобной Достоевскому: если людей «це­лыми эшелонами отправляют в социализм», а результат их каторжного труда - огромный котлован и куча гробов, хранящихся в одной из ниш котлована, если людей ссьиают на плотах в океан, а в их домах гуляет ветер, они пусты, а девочка Настя - символ веры, символ будуще­го - от усталости, бесприютности, одиночества умирает, то «нет!» такому пути и такому будуще­му.

Литература в школе № 6, 1995.

И. И. МОСКОВКИНА Урок осмысления жанра эссе

Современный подход к изучению литературы предполагает не только получение какой-то суммы знаний по предмету, но и выработку собст­венной позиции, собственного отно­шения к прочитанному: соразмышления, сопереживания, сопряжение своего и авторского «я». На это ориентируют и темы выпускных сочинений последних лет: «Мой Булгаков», «Любимые страницы прозы», «Мой любимый журнал» и т. п.

Эта отчетливо наметившаяся тенденция требу­ет овладения новыми жанрами сочинений, среди которых все чаще упоминается эссе. Предлагае­мый урок - это попытка дать учащимся представление об особенностях незнакомого им жанра.

2. Оформление класса и оборудование: книжная выставка «Мысли о вечном и прекрасном» (образцы философской, философско-религиоз­ной, искусствоведческой и публицистической эссеистики); видеомагнитофон; на доске (на подвижных частях) - материал для словарной работы:

Однокоренные слова:

эссе, эссеистика, эссеист, эссеизация

3. Раздаточный материал: Что такое эссе? (Оп­ределение жанра в различных справочных посо­биях); текст (отрывок из статьи В. В. Розанова «Возврат к Пушкину»); текст (отрывок из главы «Пушкин» из книги «Силуэты русских писате­лей» Ю. Айхенвальда); памятка для лаборатор­ной работы с элементами стилистического ана­лиза текста.

Эпиграф к уроку:

«Эссе - способ рассказать о мире через себя и о себе с помощью мира»

(А. Эльяшевич).

Ход урока

I. Прослушав предложенные отрывки, попытаться определить жанр каждого.

Чтение отрывка (Осоргин М. Земля //С того берега.- М., 1992.- Т. 2);

Проповедь (любое издание);

Чтение отрывка (Ильин И. Шмелев // Одинокий художник.- М., 1992).

В ходе обсуждения приходим к выводу, что первый отрывок - скорее рассказ, второй - проповедь, третий - литературно-критическая статья. Что сближает их? Попытка осмысления важнейших проблем жизни и творчества, ярко выраженное личностное начало роднит эти, казалось бы, разножанровые явления.

II. Обозначение темы урока. Слово учителя:

Среди жанров прозы есть жанр, который вби­рает в себя воспоминания, дневники, письма, ис­поведь, проповедь, даже своеобразный очерк, рассказ (как мы только что видели на примере произведения М. Осоргина «Земля»). Четкого определения у этого жанра нет. Одни склонны ви­деть в нем мемуары особого рода, другие применяют к нему название «записки», третьи осторож­но употребляют иностранное слово «эссе». А Наталья Иванова в своей книге «Точка зрения» окре­стила его «авторской прозой», прозой «прямого непосредственного действия», в которой автор выступает одновременно и рассказчиком, и геро­ем. «Стремление обнажить самого себя, понять себя и свое время, напряженный диалог с самим собой...» - вот основа прозы «авторской»,- ут­верждает один критик. Познание действительно­сти через самопознание - формула подобных произведений,- утверждает другой.

Обратимся к определениям этого жанра, дан­ным в различных литературоведческих справоч­никах.

III. Работа с раздаточным материалам.

Задание: прочтите определения, выделите ключевые слова в них.

Какие особенности жанра обозначены в дан­ных определениях?

Особенности жанра эссе (запись в тетради после обсуждения):

Обращение к значительным философским, историческим, искусствоведческим, литературным проблемам (внимание на книжную выставку, в ней - широкий диапазон проблем, поднятых в эссеистике).

Отсутствие заданной композиции, свободная форма изложения.

Сравнительно небольшой объем.

IV.Лекция учителя. (Задание: запишите дан­ный материал в форме тезисов.) История жанра.

Родоначальником жанра эссе был француз­ский писатель-гуманист М. Леонтель, написав­ший в 1580 году «Езяага», где изложил мысли о судьбе общества и человека. На русский язык название" произведения М. Леонтеля переведено как «Опыты». В 1697 году Ф. Бэкон создал свои «Еззайз», а затем к эссе обращались Д. Локк, Д. Аддисон, Г. Филдинг, О. Голдсмит. У них жанр трансформировался - его стали понимать как опыт автора в разработке определенной проблемы.

В нашем веке к эссе обращались такие крупные художники, как Б. Шоу, Дж. Голсуори, А. Франс, Р. Роллан и другие.

Термин «эссе» широко распространен на За­паде, особенно в Англии, Франции, Польше. В Германии употребляют термин «скитце» - набросок, зарисовка впечатлений, фрагментар­ный рассказ, возникший в результате переноса импрессионизма на почву литературы. (Учащие­ся знакомились с этим термином при изучении произведений А, Фета, И. Бунина и других писателей.) Русская эссеистика.

Как заметил критик А. Эльяшевич, «еще со времен «Путешествия из Петербурга в Москву» Радищева и «Путешествия в Арзрум» Пушкина складывается свой собственный вариант эссеистического мышления». Радищев был ближе к публицистическому высказыванию, Пушкин - к путевому очерку. Уникальным явлением в этом жанре стал роман А. И. Герцена «Былое и думы», который назван критиком А Эльяшевичем «эссеистическим романом, эпопеей, энцик­лопедией эссеизма», в котором воспоминания соседствуют с публицистикой, историческая хроника с очерком, исповедь с раздумьями социолога. К этому жанру можно отнести и «Выбранные места из переписки с друзьями» Н. В. Гоголя, и «Исповедь» Л. Н. Толстого.

В истории эссеистики последних десятилетий необходимо указать имена М. Кольцова, М. При­швина, В. Некрасова, Ю. Нагибина, В. Солоухина, А. Адамовича и такие прозведения, как «Гамбург­ский счет» В. Шкловского, «Ни дня без строчки» Ю. Олеши, «Золотая роза» К. Паустовского, «Пе­речитывая Чехова», «Уроки Стендаля» И. Эренбурга, «Трава забвения» и «Святой колодец» В. Катаева, путевые очерки Д. Гранина, В. Некра­сова, «Люди или нелюди» В. Тендрякова.

Единой модели, единого образца эссе не было и не будет жанр обновляется и развивается согласно велениям времени. Жанр эссе в последние годы. Бывают времена, когда открытый, «начистоту» разговор художника с читателем становится насущно необходимым. Может быть, поэтому последние годы отмечены яркой вспышкой заложенной в эссе духовной энергии. Интерес к этому жанру заметно вырос. В эпоху крутых общечеловеческих переломов «авторская» проза, как никакая другая, аккумулирует в себе острей­шее социальное содержание.

В наши дни повысился читательский интерес к личности писателя. Необычайно популярны, мемуары, воспоминания о писателях, переписка, | дневники. Огромную аудиторию собирают | встречи с писателями в телевизионной студии 1 «Останкино». Это свидетельство повышенного | спроса на личность, которую олицетворяет в глазах публики писатель, всегда бывший в России больше, чем просто поэтом.

Отсюда и новое явление в литературном процессе последнего времени - эссеизация жанров повести и романа. «Печальный детек­тив» В. Астафьева, «Все течет», «Жизнь и судьба» В. Гроссмана, «Пушкинский дом» А. Битова, «Все впереди» В. Белова, «Факультет ненужных вещей» Ю. Домбровского, «Белые одежды» В. Дудинцева, «Мужики и бабы» Б. Можаева, «Ягодные места» Е. Евтушенко... В них ткань художественного повествования пронизана тока­ми публицистики, а в хоре голосов персонажей отчетливо звучит - порой даже солирует - авторский голос.

Законом жанра является предельная откры­тость автора, его позиции, его мыслей. Это очень похоже на театр одного актера, где нет возможности уйти,в тень, на второй план, где луч прожектора направлен только на тебя, беспощадно высвечивая самую суть.

V. Работа с текстами В. Розанова и Ю. Айхенвальда (раздаточный материал).

Вопросы к классу: Есть ли что-то общее в оценках? Что дорого авторам в Пушкине? Подтвердите свои ответы текстом. Докажите принадлежность произведений В. Розанова и Ю. Айхенвальда к жанру эссе, выделяя особен­ности, отмеченные сегодня на уроке.

VI. Лабораторная работа с элементами лингвистического анализа текста.

Задание: используя памятку, найдите в данных отрывках характерные для жанра эссе особенно­сти стиля.

VII. Подготовка к творческой работе - эссе.

Как вы понимаете пушкинские слова о «тай­ной свободе»? Каковы последствия несвободы «тайной» и явной?

Домашнее задание: сочинение-эссе «Талант и свобода».

МАТЕРИАЛЫ К УРОКУ.

Что такое эссе?

Эссе - жанр критики, литературоведения, характеризующийся свободной трактовкой какой-либо проблемы. Автор эссе анализирует избранную проблему (литературную, эстетическую, философскую), не заботясь о систематичности изложения, аргументированности выводов, общепринятости вопроса (Словарь литературоведческих терминов.- М., 1984).

Эссе - разновидность очерка, в котором главную роль играет не воспроизведение факта, а изображение впечатлений, раздумий, ассоциаций (Краткий словарь литературоведческих терминов.- М., 1987).