Artyści wczesnego odrodzenia. Wielcy artyści renesansu

Renesans – przetłumaczony z francuskiego oznacza „renesans”. Tak nazwali całą epokę, symbolizując intelektualny i artystyczny rozkwit kultury europejskiej. Renesans rozpoczął się we Włoszech na początku XIV wieku, zwiastując schyłek epoki upadku kultury i średniowiecza, opartego na barbarzyństwie i ignorancji, a rozwijając się, osiągnął swój szczyt w XVI wieku.

Po raz pierwszy o renesansie pisał historiograf pochodzenia włoskiego, malarz i autor prac o życiu znanych artystów, rzeźbiarzy i architektów na początku XVI wieku.

Początkowo termin „renesans” oznaczał pewien okres (początek XIV wieku) kształtowania się nowej fali sztuki. Ale po pewnym czasie pojęcie to zyskało szerszą interpretację i zaczęło oznaczać całą epokę rozwoju i formowania się kultury przeciwstawnej feudalizmowi.

Okres renesansu jest ściśle związany z pojawieniem się we Włoszech nowych stylów i technik malarskich. Istnieje zainteresowanie starożytnymi obrazami. Sekularyzm i antropocentryzm to integralne cechy, które wypełniają ówczesne rzeźby i malarstwo. Renesans zastępuje ascezę charakteryzującą epokę średniowiecza. Pojawia się zainteresowanie wszystkim, co przyziemne, bezgraniczne piękno natury i oczywiście człowieka. Artyści renesansowi podchodzą do wizji ludzkiego ciała z naukowego punktu widzenia, starając się dopracować wszystko w najdrobniejszych szczegółach. Obrazy stają się realistyczne. Malarstwo pełne jest niepowtarzalnego stylu. Ustanowiła podstawowe kanony smaku w sztuce. Szeroko rozpowszechniona jest nowa koncepcja światopoglądowa zwana „humanizmem”, zgodnie z którą osoba jest uważana za najwyższą wartość.

okres renesansu

Duch rozkwitu jest szeroko wyrażany w ówczesnych obrazach i nadaje obrazowi szczególną zmysłowość. Renesans łączy kulturę z nauką. Artyści zaczęli uważać sztukę za dziedzinę wiedzy, szczegółowo badając fizjologię człowieka i otaczającego go świata. Dokonano tego, aby bardziej realistycznie oddać prawdę o stworzeniu Boga i wydarzeniach rozgrywających się na ich płótnach. Dużo uwagi poświęcono przedstawieniu tematów religijnych, które dzięki umiejętnościom geniuszy takich jak Leonardo da Vinci nabrały ziemskiej treści.

Istnieje pięć etapów rozwoju włoskiej sztuki renesansowej.

Międzynarodowy (dworski) gotycki

Pochodzący z początku XIII wieku gotyk dworski (ducento) charakteryzuje się przesadnym blaskiem, przepychem i pretensjonalnością. Głównym typem malarstwa jest miniatura przedstawiająca sceny ołtarzowe. Artyści do tworzenia swoich obrazów używają farb temperowych. Renesans obfituje w znanych przedstawicieli tego okresu, takich jak włoscy malarze Vittore Carpaccio i Sandro Botticelli.

Okres przedrenesansowy (protorenesansowy)

Kolejny etap, uważany za antycypujący renesans, nazywany jest protorenesansem (trecento) i przypada na koniec XIII - początek XIV wieku. W związku z szybkim rozwojem humanistycznego światopoglądu malarstwo tego okresu historycznego ujawnia wewnętrzny świat człowieka, jego duszę, ma głębokie znaczenie psychologiczne, ale jednocześnie ma prostą i przejrzystą strukturę. Wątki religijne schodzą na dalszy plan, a wiodąca stają się wątki świeckie, a głównym bohaterem jest osoba ze swoimi uczuciami, mimiką i gestami. Pojawiają się pierwsze portrety włoskiego renesansu, zastępujące ikony. Znani artyści tego okresu to Giotto, Pietro Lorenzetti.

Wczesny renesans

Na początku rozpoczyna się etap wczesnego renesansu (quattrocento), symbolizującego rozkwit malarstwa przy braku tematów religijnych. Twarze na ikonach przybierają ludzką postać, a pejzaż jako gatunek w malarstwie zajmuje osobną niszę. Założycielem kultury artystycznej wczesnego renesansu jest Mosaccio, którego koncepcja opiera się na inteligencji. Jego obrazy są bardzo realistyczne. Wielcy mistrzowie zgłębiali perspektywę liniową i powietrzną, anatomię i wykorzystywali wiedzę w swoich kreacjach, co widać we właściwej trójwymiarowej przestrzeni. Przedstawicielami wczesnego renesansu są Sandro Botticelli, Piero della Francesca, Pollaiolo, Verrocchio.

Wysoki renesans lub „złoty wiek”

Od końca XV wieku rozpoczął się i nie trwał długo, aż do początku XVI wieku, etap wysokiego renesansu (cinquecento). Jego centrum stały się Wenecja i Rzym. Artyści poszerzają swoje ideowe horyzonty i interesują się przestrzenią. Człowiek pojawia się na obraz bohatera, doskonałego zarówno duchowo, jak i fizycznie. Postaciami tej epoki są Leonardo da Vinci, Raphael, Tycjan Vecellio, Michał Anioł Buonarroti i inni. Wielki artysta Leonardo da Vinci był „człowiekiem uniwersalnym” i nieustannie poszukiwał prawdy. Zajmując się rzeźbą, dramaturgią, różnymi eksperymentami naukowymi, znalazł czas na malowanie. Kreacja „Madonna in the Rocks” wyraźnie odzwierciedla wykreowany przez malarza styl światłocienia, gdzie połączenie światła i cienia tworzy efekt trójwymiarowości, a słynna „La Gioconda” wykonana jest techniką „smuffato”, która tworzy iluzję mgły.

Późny renesans

W okresie późnego renesansu, który przypada na początek XVI wieku, miasto Rzym zostało zdobyte i splądrowane przez wojska niemieckie. To wydarzenie zapoczątkowało erę zagłady. Rzymskie centrum kulturalne przestało być mecenasem najsłynniejszych postaci, które zostały zmuszone do rozejścia się do innych miast Europy. W wyniku narastającej pod koniec XV wieku niespójności poglądów między wiarą chrześcijańską a humanizmem, dominującym stylem charakteryzującym malarstwo staje się manieryzm. Renesans powoli dobiega końca, gdyż za podstawę tego stylu uważa się piękny manier, który przysłania wyobrażenia o harmonii świata, prawdzie i wszechmocy umysłu. Kreatywność staje się złożona i nabiera cech konfrontacji różnych kierunków. Wspaniałe dzieła należą do tak znanych artystów jak Paolo Veronese, Tinoretto, Jacopo Pontormo (Carrucci).

Włochy stały się kulturalnym centrum malarstwa i obdarzyły świat znakomitymi artystami tego okresu, których obrazy do dziś budzą emocjonalny zachwyt.

Oprócz Włoch rozwój sztuki i malarstwa zajmował ważne miejsce w innych krajach europejskich. Ten trend został nazwany.Na szczególną uwagę zasługuje malarstwo renesansowej Francji, które wyrosło na własnej ziemi. Koniec wojny stuletniej spowodował wzrost świadomości powszechnej i rozwój humanizmu. Jest w tym realizm, połączenie z wiedzą naukową, pociąg do obrazów starożytności. Wszystkie powyższe cechy zbliżają go do włoskiego, ale obecność tragicznej nuty na płótnach jest istotną różnicą. Znani artyści renesansu we Francji - Anguerrand Charonton, Nicolas Froment, Jean Fouquet, Jean Clouet Starszy.

Odrodzenie, czyli renesans – historyczny kamień milowy w kulturze europejskiej. To fatalny etap w rozwoju światowej cywilizacji, która zastąpiła gęstość i obskurantyzm średniowiecza i poprzedziła pojawienie się wartości kulturowych Nowego Czasu. Antropocentryzm tkwi w dziedzictwie renesansu – innymi słowy orientacja na człowieka, jego życie i twórczość. Odcinając się od kościelnych dogmatów i wątków, sztuka nabiera świeckiego charakteru, a nazwa epoki nawiązuje do odradzania się w sztuce motywów antycznych.

Renesans, którego korzenie sięgają Włoch, dzieli się zwykle na trzy etapy: wczesny („quattrocento”), wysoki i późniejszy. Rozważ cechy twórczości wielkich mistrzów, którzy pracowali w tych starożytnych, ale znaczących czasach.

Przede wszystkim należy zauważyć, że twórcy renesansu zajmowali się nie tylko „czystą” sztuką plastyczną, ale okazali się także utalentowanymi badaczami i pionierami. Na przykład architekt z Florencji Filippo Brunelleschi opisał zbiór zasad konstruowania perspektywy liniowej. Sformułowane przez niego prawa pozwoliły na dokładne odwzorowanie trójwymiarowego świata na płótnie. Wraz z ucieleśnieniem progresywnych idei w malarstwie zmieniła się także sama jego ideologiczna treść – bohaterowie obrazów stali się bardziej „ziemscy”, z wyraźnymi cechami osobistymi i charakterami. Dotyczyło to nawet prac na tematy związane z religią.

Wybitne nazwiska okresu Quattrocento (druga połowa XV w.) - Botticelli, Masaccio, Masolino, Gozzoli i inne - słusznie zapewniły sobie honorowe miejsce w skarbcu kultury światowej.

W okresie wysokiego renesansu (pierwsza połowa XVI w.) ujawnia się w pełni cały potencjał ideowy i twórczy artystów. Cechą charakterystyczną tego czasu jest nawiązanie sztuki do epoki starożytności. Artyści nie kopiują jednak na ślepo starożytnych tematów, lecz wykorzystują je do tworzenia i rozwijania własnych, niepowtarzalnych stylów. Dzięki temu sztuka piękna nabiera konsekwencji i rygoru, ulegając pewnej frywolności minionego okresu. Architektura, rzeźba i malarstwo tamtych czasów harmonijnie się uzupełniały. Budynki, freski, obrazy powstałe w szczytowym okresie renesansu to prawdziwe arcydzieła. Błyszczą nazwiska powszechnie uznanych geniuszy: Leonardo da Vinci, Rafael Santi, Michelangelo Buonarotti.

Na szczególną uwagę zasługuje osobowość Leonarda da Vinci. Mówią o nim, że jest człowiekiem znacznie wyprzedzającym swój czas. Artysta, architekt, inżynier, wynalazca – to nie jest pełna lista wcieleń tej wieloaspektowej osobowości.

Leonardo da Vinci jest znany współczesnemu człowiekowi na ulicy przede wszystkim jako malarz. Jego najsłynniejszym dziełem jest Mona Lisa. Na jej przykładzie widz może docenić innowacyjność autorskiej techniki: dzięki wyjątkowej odwadze i luzie myślenia Leonardo opracował zupełnie nowe sposoby „ożywienia” obrazu.

Wykorzystując zjawisko rozpraszania światła, osiągnął zmniejszenie kontrastu drobnych detali, co podniosło realizm obrazu na nowy poziom. Mistrz zwrócił niezwykłą uwagę na anatomiczną dokładność ucieleśnienia ciała w malarstwie i grafice - proporcje „idealnej” postaci są ustalone w „Człowieku witruwiańskim”.

Druga połowa XVI i pierwsza połowa XVII wieku nazywana jest zwykle późnym renesansem. Okres ten charakteryzował się bardzo zróżnicowanymi nurtami kulturalnymi i twórczymi, dlatego trudno go jednoznacznie ocenić. Nurty religijne południowej Europy, ucieleśnione w kontrreformacji, prowadziły do ​​abstrahowania od gloryfikacji piękna człowieka i dawnych ideałów. Sprzeczność takich uczuć z ustaloną ideologią renesansu doprowadziła do pojawienia się manieryzmu florenckiego. Malowanie w tym stylu charakteryzuje się daleko idącą paletą kolorów i przerywanymi liniami. Weneccy mistrzowie tego czasu - Tycjan i Palladio - wypracowali własne kierunki rozwoju, które miały niewiele punktów styczności z przejawami kryzysu w sztuce.

Oprócz renesansu włoskiego na uwagę zasługuje renesans północny. Artyści żyjący na północ od Alp byli mniej pod wpływem sztuki starożytnej. W ich twórczości można prześledzić wpływy gotyku, który przetrwał do początku epoki baroku. Wielkimi postaciami północnego renesansu są Albrecht Dürer, Lucas Cranach Starszy, Pieter Brueghel Starszy.

Dziedzictwo kulturowe wielkich artystów renesansu jest bezcenne. Nazwa każdego z nich jest niezwykle i starannie zachowana w pamięci ludzkości, ponieważ ten, kto ją nosił, był wyjątkowym diamentem o wielu fasetach.

Renesans spowodował głębokie zmiany we wszystkich dziedzinach kultury - filozofii, nauce i sztuce. Jeden z nich jest. która coraz bardziej uniezależnia się od religii, przestaje być „sługą teologii”, choć do pełnej niezależności jest jeszcze daleka. Podobnie jak w innych dziedzinach kultury, w filozofii odżywają nauki starożytnych myślicieli, przede wszystkim Platona i Arystotelesa. Marsilio Ficino założył we Florencji Akademię Platońską, tłumacząc dzieła wielkiego Greka na łacinę. Idee Arystotelesa powróciły do ​​Europy jeszcze wcześniej, przed renesansem. W okresie renesansu, według Lutra, to on, a nie Chrystus, „rządzi na europejskich uniwersytetach”.

Wraz ze starożytnymi naukami filozofia naturalna czyli filozofia natury. Głoszą ją tacy filozofowie jak B. Telesio, T. Campanella, D. Bruno. W ich pracach rozwijają się myśli, że filozofia nie powinna studiować Boga nadprzyrodzonego, ale samą naturę, że natura przestrzega swoich wewnętrznych praw, że podstawą poznania jest doświadczenie i obserwacja, a nie objawienie Boże, że człowiek jest częścią natury.

Rozpowszechnianie naturalnych poglądów filozoficznych ułatwiło: naukowy odkrycia. Najważniejszym z nich był teoria heliocentryczna N. Kopernika, który dokonał prawdziwej rewolucji w wyobrażeniach o świecie.

Należy jednak zauważyć, że poglądy naukowe i filozoficzne tamtych czasów są nadal pod wyraźnym wpływem religii i teologii. Takie poglądy często przybierają formę panteizm w którym nie zaprzecza się istnieniu Boga, ale rozpływa się On w naturze, utożsamia się z nią. Do tego trzeba jeszcze dodać wpływy tzw. nauk okultystycznych – astrologii, alchemii, mistycyzmu, magii itp. Wszystko to dzieje się nawet u takiego filozofa jak D. Bruno.

Renesans przyniósł najistotniejsze zmiany w kultura artystyczna, sztuka. To na tym obszarze zerwanie ze średniowieczem okazało się najgłębsze i najbardziej radykalne.

W średniowieczu sztuka była w dużej mierze stosowana w przyrodzie, była wpleciona w samo życie i miała je ozdabiać. W renesansie sztuka po raz pierwszy nabiera samoistnej wartości, staje się samodzielnym obszarem piękna. Jednocześnie po raz pierwszy w postrzegającym widzu powstaje uczucie czysto artystyczne, estetyczne, po raz pierwszy budzi się miłość do sztuki dla niej samej, a nie dla celu, któremu służy.

Jeszcze nigdy sztuka nie cieszyła się tak wysokim zaszczytem i szacunkiem. Nawet w starożytnej Grecji twórczość artysty w swoim społecznym znaczeniu była zauważalnie gorsza od działalności polityka i obywatela. Jeszcze skromniejsze miejsce zajmował artysta w starożytnym Rzymie.

Ale już miejsce i rola artysty w społeczeństwie rosną niezmiernie. Po raz pierwszy jest uważany za niezależnego i szanowanego profesjonalistę, naukowca i myśliciela, wyjątkową indywidualność. W renesansie sztuka jest postrzegana jako jeden z najpotężniejszych środków poznania iw tym zakresie jest utożsamiana z nauką. Leonardo da Vinci uważa naukę i sztukę za dwa całkowicie równe sposoby studiowania przyrody. Pisze: „Malarstwo to nauka i prawowita córka natury”.

Jeszcze bardziej ceniona sztuka jako kreatywność. Pod względem zdolności twórczych renesansowy artysta utożsamiany jest z Bogiem Stwórcą. To wyjaśnia, dlaczego Raphael otrzymał do swojego imienia dodatek „Boski”. Z tych samych powodów Komedia Dantego była również nazywana „Boską”.

Sama sztuka przechodzi głębokie zmiany. Dokonuje decydującego zwrotu od średniowiecznego symbolu i znaku do realistycznego obrazu i wiarygodnego obrazu. Środki artystycznego wyrazu stają się nowe. Opierają się teraz na perspektywie liniowej i powietrznej, trójwymiarowości objętości i doktrynie proporcji. Sztuka we wszystkim dąży do bycia wiernym rzeczywistości, do osiągnięcia obiektywności, autentyczności i witalności.

Renesans był przede wszystkim włoski. Nic więc dziwnego, że to właśnie we Włoszech sztuka w tym okresie osiągnęła najwyższy wzrost i rozkwit. To tutaj są dziesiątki nazwisk tytanów, geniuszy, wielkich i po prostu utalentowanych artystów. Są też wielkie nazwiska w innych krajach, ale Włochy są poza konkurencją.

We włoskim renesansie zwykle wyróżnia się kilka etapów:

• Protorenesans: druga połowa XIII wieku. - XIV wiek.
• Wczesny renesans: prawie cały XV wiek.
• Wysoki renesans: koniec XV wieku - pierwsza tercja XVI wieku
• Późny renesans: ostatnie dwie trzecie XVI wieku.

Głównymi postaciami protorenesansu są poeta Dante Alighieri (1265-1321) i malarz Giotto (1266/67-1337).

Los poddał Dantemu wiele prób. Był prześladowany za udział w walce politycznej, tułał się, zginął na obcej ziemi, w Rawennie. Jego wkład w kulturę wykracza poza poezję. Pisał nie tylko teksty miłosne, ale także traktaty filozoficzne i polityczne. Dante jest twórcą włoskiego języka literackiego. Czasami nazywany jest ostatnim poetą średniowiecza i pierwszym poetą epoki nowożytnej. Te dwa początki - stary i nowy - są w jego twórczości bardzo ściśle splecione.

Pierwsze utwory Dantego – „Nowe życie” i „Uczta” – to liryczne poematy miłosne o treści poświęconej jego ukochanej Beatrycze, którą poznał kiedyś we Florencji i zmarła siedem lat po ich spotkaniu. Poeta zachował miłość na całe życie. Pod względem gatunkowym teksty Dantego są zgodne ze średniowieczną poezją dworską, gdzie przedmiotem śpiewów jest wizerunek „Pięknej Pani”. Jednak uczucia wyrażane przez poetę należą już do renesansu. Są spowodowane prawdziwymi spotkaniami i wydarzeniami, przepełnionymi szczerym ciepłem, naznaczonymi wyjątkową indywidualnością.

Zwieńczeniem pracy Dantego było: "Boska Komedia”, który zajął szczególne miejsce w historii kultury światowej. W swojej konstrukcji wiersz ten również wpisuje się w tradycje średniowieczne. Opowiada o przygodach człowieka, który trafił w zaświaty. Wiersz składa się z trzech części - Piekło, Czyściec i Raj, z których każda zawiera 33 pieśni napisane w trzywierszowych zwrotkach.

Powtarzana liczba „trzy” bezpośrednio nawiązuje do chrześcijańskiej doktryny o Trójcy. W toku narracji Dante ściśle przestrzega wielu wymagań chrześcijaństwa. W szczególności nie wpuszcza do raju swego towarzysza z dziewięciu kręgów piekielnych i czyśćcowych – rzymskiego poety Wergiliusza, bo poganina takiego prawa jest pozbawiona. Tutaj poecie towarzyszy jego zmarła ukochana Beatrice.

Jednak w jego myślach i osądach, w jego stosunku do portretowanych postaci i ich grzechów. Dante często i bardzo znacząco nie zgadza się z nauką chrześcijańską. Więc. zamiast chrześcijańskiego potępienia miłości zmysłowej jako grzechu, mówi o „prawie miłości”, zgodnie z którym miłość zmysłowa jest włączona w samą naturę życia. Dante traktuje miłość Franceski i Paolo ze zrozumieniem i sympatią. chociaż ich miłość jest związana ze zdradą męża przez Francescę. Duch renesansu triumfuje w Dantem także przy innych okazjach.

Wśród wybitnych poetów włoskich jest także Francesco Petrarka. W kulturze światowej znany jest przede wszystkim ze swojego sonety. Był jednocześnie myślicielem, filozofem i historykiem o szerokim zasięgu. Jest słusznie uważany za twórcę całej kultury renesansowej.

Dzieło Petrarki częściowo wpisuje się również w ramy średniowiecznych liryki dworskiej. Podobnie jak Dante, miał kochankę Laurę, której zadedykował swoją „Księgę Pieśni”. Jednocześnie Petrarka bardziej zdecydowanie zrywa więzy z kulturą średniowieczną. W jego pracach wyrażane uczucia - miłość, ból, rozpacz, tęsknota - wydają się znacznie ostrzejsze i bardziej nagie. Mają silniejszy osobisty charakter.

Innym wybitnym przedstawicielem literatury był: Giovanni Boccaccio(1313-1375). światowej sławy autor Dekameron". Boccaccio zapożycza zasadę konstruowania swojego zbioru opowiadań i zarys fabuły ze średniowiecza. Wszystko inne jest przesiąknięte duchem renesansu.

Głównymi bohaterami powieści są zwykli i zwykli ludzie. Są napisane zaskakująco jasnym, żywym, potocznym językiem. Nie zawierają nudnego moralizatorstwa, wręcz przeciwnie, wiele opowiadań dosłownie mieni się miłością do życia i zabawy. Fabuły niektórych z nich mają charakter miłosny i erotyczny. Oprócz Dekameronu Boccaccio napisał także opowiadanie Fiametta, które jest uważane za pierwszą powieść psychologiczną w literaturze zachodniej.

Giotto di Bondone jest najwybitniejszym przedstawicielem włoskiego protorenesansu w sztukach wizualnych. Jego głównym gatunkiem były freski. Wszystkie są napisane na tematy biblijne i mitologiczne, przedstawiają sceny z życia Świętej Rodziny, ewangelistów, świętych. Jednak w interpretacji tych wątków wyraźnie dominuje początek renesansu. W swojej pracy Giotto porzuca średniowieczne konwencje i zwraca się ku realizmowi i wiarygodności. To dla niego doceniana jest zasługa odrodzenia malarstwa jako wartości artystycznej samej w sobie.

W jego pracach krajobraz naturalny jest dość realistycznie przedstawiony, na którym wyraźnie widoczne są drzewa, skały i świątynie. Wszystkie postacie uczestniczące, w tym sami święci, jawią się jako ludzie żyjący, obdarzeni fizycznym ciałem, ludzkimi uczuciami i namiętnościami. Ich ubrania podkreślają naturalne kształty ich ciał. Prace Giotta charakteryzują się jasną kolorystyką i malowniczością, delikatną plastycznością.

Głównym dziełem Giotta jest obraz Chapel del Arena w Padwie, który opowiada o wydarzeniach z życia Świętej Rodziny. Najmocniejsze wrażenie robi cykl ścienny, na który składają się sceny „Ucieczka do Egiptu”, „Pocałunek Judasza”, „Lamentacja Chrystusa”.

Wszystkie postacie przedstawione na obrazach wyglądają naturalnie i autentycznie. Pozycja ich ciał, gesty, stan emocjonalny, poglądy, twarze - wszystko to ukazane jest z rzadką psychologiczną perswazją. Jednocześnie zachowanie każdego ściśle odpowiada przypisanej mu roli. Każda scena ma niepowtarzalny klimat.

Tak więc w scenie „Ucieczka do Egiptu” dominuje powściągliwy i ogólnie spokojny ton emocjonalny. „Pocałunek Judasza” wypełniony jest burzliwym dynamizmem, ostrymi i zdecydowanymi akcjami bohaterów, którzy dosłownie zmagali się ze sobą. I tylko dwaj główni uczestnicy – ​​Judasz i Chrystus – zamarli bez ruchu i walczyli oczami.

Szczególnym dramatem odznacza się scena „Lamentacja Chrystusa”. Przepełnia go tragiczna rozpacz, nieznośny ból i cierpienie, niepocieszony żal i smutek.

Ostatecznie zatwierdzono wczesny renesans nowe estetyczne i artystyczne zasady sztuki. Jednocześnie opowieści biblijne są nadal bardzo popularne. Jednak ich interpretacja staje się zupełnie inna, niewiele zostało w niej ze średniowiecza.

ojczyzna Wczesny renesans został Florencją, a „ojcami renesansu” są architekt Philippe Brunelleschi(1377-1446), rzeźbiarz Donatello(1386-1466). malarz Masaccio (1401 -1428).

Brunelleschi wniósł ogromny wkład w rozwój architektury. Położył podwaliny pod architekturę renesansu, odkrył nowe formy, które istniały przez wieki. Zrobił wiele, aby rozwinąć prawa perspektywy.

Najważniejszym dziełem Brunelleschiego było wzniesienie kopuły nad ukończoną budowlą katedry Santa Maria del Fiore we Florencji. Stało przed nim wyjątkowo trudne zadanie, gdyż wymagana kopuła musiała być ogromnych rozmiarów – około 50 m średnicy. Przy pomocy oryginalnego projektu znakomicie wychodzi z trudnej sytuacji. Dzięki znalezionemu rozwiązaniu nie tylko sama kopuła okazała się zaskakująco lekka i niejako unosząca się nad miastem, ale cała budowla katedry nabrała harmonii i majestatu.

Nie mniej pięknym dziełem Brunelleschiego była słynna Kaplica Pazzi, wzniesiona na dziedzińcu kościoła Santa Croce we Florencji. Jest to niewielki, prostokątny budynek, przykryty pośrodku kopułą. Wewnątrz wyłożony jest białym marmurem. Podobnie jak inne budowle Brunelleschiego, kaplica wyróżnia się prostotą i przejrzystością, elegancją i wdziękiem.

Twórczość Brunelleschiego wyróżnia się tym, że wykracza poza miejsca kultu i tworzy wspaniałe budowle architektury świeckiej. Doskonałym przykładem takiej architektury jest sierociniec zbudowany na planie litery „P”, z zadaszoną galerią-loggią.

Rzeźbiarz florencki Donatello jest jednym z najwybitniejszych twórców wczesnego renesansu. Pracował w różnych gatunkach, wszędzie wykazując autentyczną innowacyjność. W swojej pracy Donatello wykorzystuje starożytne dziedzictwo, opierając się na dogłębnym studium natury, odważnie aktualizując środki artystycznego wyrazu.

Uczestniczy w rozwoju teorii perspektywy linearnej, ożywia portret rzeźbiarski i wizerunek nagiego ciała, odlewa pierwszy pomnik z brązu. Tworzone przez niego obrazy są ucieleśnieniem humanistycznego ideału harmonijnie rozwiniętej osobowości. Swoją pracą Donatello wywarł wielki wpływ na dalszy rozwój rzeźby europejskiej.

Dążenie Donatello do idealizowania przedstawionej osoby było wyraźnie widoczne w: pomnik młodego Dawida. W tej pracy David pojawia się jako młodzi, piękni, pełni sił psychicznych i fizycznych młodzieńcy. Piękno jego nagiego ciała podkreśla wdzięcznie wygięty tors. Młoda twarz wyraża zamyślenie i smutek. Po tym posągu pojawiła się cała seria nagich postaci w renesansowej rzeźbie.

Bohaterska zasada jest silna i wyraźna w figura św. Jerzy, który stał się jednym ze szczytów twórczości Donatella. Tutaj udało mu się w pełni urzeczywistnić ideę silnej osobowości. Przed nami wysoki, smukły, odważny, spokojny i pewny siebie wojownik. W tej pracy mistrz twórczo rozwija najlepsze tradycje rzeźby antycznej.

Klasycznym dziełem Donatello jest brązowa statua komtura Gattamelatty – pierwszy zabytek konny w sztuce renesansu. Tutaj wielki rzeźbiarz osiąga najwyższy poziom artystycznego i filozoficznego uogólnienia, co zbliża tę pracę do starożytności.

W tym samym czasie Donatello stworzył portret specyficznej i niepowtarzalnej osobowości. Dowódca jawi się jako prawdziwy renesansowy bohater, osoba odważna, spokojna, pewna siebie. Posąg wyróżnia lakoniczne formy, wyraźna i precyzyjna plastyczność, naturalna postawa jeźdźca i konia. Dzięki temu pomnik stał się prawdziwym arcydziełem rzeźby monumentalnej.

W ostatnim okresie twórczości Donatello tworzy brązową grupę „Judith and Holofernes”. Dzieło to jest pełne dynamiki i dramatyzmu: Judith ukazana jest w momencie, gdy unosi miecz nad już rannym Holofernesem. żeby go wykończyć.

Masaccio słusznie uważany za jedną z głównych postaci wczesnego renesansu. Kontynuuje i rozwija trendy płynące z Giotta. Masaccio żył zaledwie 27 lat i niewiele zdziałał. Jednak stworzone przez niego freski stały się prawdziwą szkołą malarstwa dla kolejnych włoskich artystów. Według Vasariego, współczesnego renesansu i autorytatywnego krytyka, „żaden mistrz nie był tak blisko współczesnych mistrzów jak Masaccio”.

Głównym dziełem Masaccio są freski w kaplicy Brancaccich kościoła Santa Maria del Carmine we Florencji, opowiadające o epizodach z legend o św. Piotrze, a także przedstawiające dwie sceny biblijne – „Upadek” i „Wygnanie z Raj".

Chociaż freski opowiadają o cudach dokonanych przez św. Piotrze, nie ma w nich nic nadprzyrodzonego i mistycznego. Przedstawieni Chrystus, Piotr, apostołowie i inni uczestnicy wydarzeń wydają się być ludźmi całkiem ziemskimi. Są obdarzeni indywidualnymi cechami i zachowują się całkiem naturalnie i po ludzku. Szczególnie w scenie „Chrztu” zaskakująco autentycznie ukazany jest nagi młodzieniec, drżący z zimna. Masaccio buduje swoją kompozycję nie tylko z perspektywy linearnej, ale także powietrznej.

Z całego cyklu na szczególną uwagę zasługuje fresk „Wypędzenie z raju”. Jest prawdziwym arcydziełem malarstwa. Fresk jest niezwykle lakoniczny, nie ma w nim nic zbędnego. Na tle niewyraźnego krajobrazu wyraźnie widoczne są postaci Adama i Ewy, którzy opuścili bramy Raju, nad którymi unosi się anioł z mieczem. Cała uwaga skupia się na Mamie i Ewie.

Masaccio jako pierwszy w historii malarstwa potrafił tak przekonująco i rzetelnie namalować nagie ciało, oddać jego naturalne proporcje, nadać mu stabilność i ruch. Równie przekonująco i żywo wyraża się wewnętrzny stan bohaterów. Adam, który szedł szeroko, pochylił głowę ze wstydu i zakrył twarz dłońmi. Szlochając, Ewa odrzuciła w rozpaczy głowę z otwartymi ustami. Ten fresk otwiera nową erę w sztuce.

To, co zrobił Masaccio, kontynuowali tacy artyści jak: Andrea Mantegna(1431-1506) i Sandro Botticellego(1455-1510). Pierwsza zasłynęła przede wszystkim malowidłami ściennymi, wśród których szczególne miejsce zajmują freski opowiadające o ostatnich epizodach z życia św. Jakuba - procesja do egzekucji i sama egzekucja. Botticelli wolał malarstwo sztalugowe. Jego najsłynniejsze obrazy to Wiosna i Narodziny Wenus.

Od końca XV wieku, kiedy sztuka włoska osiągnęła swój najwyższy szczyt, Wysoki renesans. Dla Włoch ten okres był niezwykle trudny. Rozczłonkowany, a przez to bezbronny, został dosłownie zdewastowany, splądrowany i wykrwawiony przez najazdy z Francji, Hiszpanii, Niemiec i Turcji. Jednak sztuka w tym okresie, co dziwne, przeżywa bezprecedensowy rozkwit. To właśnie w tym czasie tworzyli tacy tytani jak Leonardo da Vinci. Rafał. Michał Anioł, Tycjan.

W architekturze początek wysokiego renesansu wiąże się z kreatywnością Donato Bramante(1444-1514). To on stworzył styl, który zdeterminował rozwój architektury tego okresu.

Jednym z jego wczesnych dzieł był kościół klasztoru Santa Maria della Grazie w Mediolanie, w którego refektarzu Leonardo da Vinci malował swój słynny fresk Ostatnia Wieczerza. Jego chwała zaczyna się od małej kaplicy zwanej Tempetto(1502), wybudowany w Rzymie i stał się rodzajem „manifestu” wysokiego renesansu. Kaplica ma kształt rotundy, wyróżnia ją prostota środków architektonicznych, harmonia części i rzadka wyrazistość. To naprawdę małe arcydzieło.

Zwieńczeniem pracy Bramantego jest odbudowa Watykanu i przekształcenie jego budynków w jeden zespół. Jest także właścicielem projektu Katedry św. Piotra, w którym Michał Anioł dokona zmian i zacznie wdrażać.

Zobacz też: Michał Anioł Buonarroti

W sztuce włoskiego renesansu szczególne miejsce zajmuje Wenecja. Szkoła, która się tu rozwinęła, różniła się znacznie od szkół florenckich, rzymskich, mediolańskich czy bolońskich. Ci drudzy skłaniali się ku stabilnym tradycjom i ciągłości, nie byli skłonni do radykalnej odnowy. To na tych szkołach oparł się klasycyzm XVII wieku. i neoklasycyzm wieków późniejszych.

Szkoła wenecka działała jako ich pierwotna przeciwwaga i antypoda. Panował tu duch innowacji i radykalnej, rewolucyjnej odnowy. Spośród przedstawicieli innych włoskich szkół Leonardo był najbliżej Wenecji. Być może właśnie tutaj jego pasja do badań i eksperymentów mogła znaleźć właściwe zrozumienie i uznanie. W słynnym sporze między „starymi i nowymi” artystami ci ostatni powoływali się na przykład Wenecji. Tu zaczęły się trendy, które doprowadziły do ​​baroku i romantyzmu. I chociaż romantycy czcili Rafaela, ich prawdziwymi bogami byli Tycjan i Veronese. W Wenecji El Greco otrzymał swoją twórczą opiekę, co pozwoliło mu zszokować hiszpańskie malarstwo. Velazquez przejechał przez Wenecję. To samo można powiedzieć o flamandzkich artystach Rubensie i Van Dycku.

Jako miasto portowe Wenecja znalazła się na skrzyżowaniu szlaków gospodarczych i handlowych. Doświadczyła wpływów północnych Niemiec, Bizancjum i Wschodu. Wenecja stała się miejscem pielgrzymek wielu artystów. A. Dürer był tu dwukrotnie - pod koniec XV wieku. i początek XVI wieku. Odwiedził ją Goethe (1790). Wagner słuchał tu śpiewu gondolierów (1857), pod inspiracją których napisał drugi akt Tristana i Izoldy. Nietzsche słuchał także śpiewu gondolierów, nazywając go śpiewem duszy.

Bliskość morza ewokowała płynne i ruchome formy, zamiast wyraźnych struktur geometrycznych. Wenecja pociągała nie tyle rozumowanie swoimi surowymi regułami, ile uczucia, z których narodziła się niesamowita poezja sztuki weneckiej. W centrum tej poezji była natura – jej widzialna i odczuwalna materialność, kobieta – fascynujące piękno jej ciała, muzyka – zrodzona z gry kolorów i światła oraz z urzekających dźwięków uduchowionej natury.

Artyści szkoły weneckiej woleli nie formę i wzór, ale kolor, grę światła i cienia. Przedstawiając naturę, starali się przekazać jej impulsy i ruch, zmienność i płynność. Piękno kobiecego ciała widzieli nie tyle w harmonii form i proporcji, ile w najbardziej żywym i czującym ciele.

Nie były wystarczająco realistyczne i wiarygodne. Starali się ukazać bogactwo tkwiące w samym malarstwie. To właśnie Wenecja zasługuje na odkrycie czystej zasady malowniczości, czyli malowniczości w jej najczystszej postaci. Artyści weneccy jako pierwsi wykazali możliwość oddzielenia malarstwa od przedmiotów i formy, możliwość rozwiązania problemów malarstwa za pomocą jednego koloru, środków czysto malarskich, możliwość potraktowania malarstwa jako celu samego w sobie. Całe późniejsze malarstwo, oparte na ekspresji i ekspresji, pójdą tą drogą. Według niektórych ekspertów można przejść od Tycjana do Rubensa i Rembrandta, potem do Delacroix, a od niego do Gauguina, Van Gogha, Cezanne'a itd.

Założycielem szkoły weneckiej jest Giorgione(1476-1510). W swojej pracy zachowywał się jak prawdziwy innowator. Ostatecznie wygrywa dla niego zasada świecka, a zamiast na tematy biblijne woli pisać na tematy mitologiczne i literackie. W jego twórczości dochodzi do ustanowienia obrazu sztalugowego, który nie przypomina już ikony czy obrazu ołtarzowego.

Giorgione otwiera nową erę w malarstwie, jako pierwszy zaczął malować od natury. Przedstawiając naturę, po raz pierwszy zwraca uwagę na mobilność, zmienność i płynność. Doskonałym tego przykładem jest jego obraz „Burza z piorunami”. To właśnie Giorgione zaczął szukać sekretu malarstwa w świetle i jego przejściach, w grze światła i cienia, działając jako prekursor Caravaggia i Caravaggizmu.

Giorgione stworzył dzieła o różnych gatunkach i tematach – „Koncert wiejski” i „Judith”. Jego najsłynniejszym dziełem było: „Śpiąca Wenus””. Ten obraz jest pozbawiony jakiejkolwiek fabuły. Śpiewa o pięknie i uroku nagiego kobiecego ciała, reprezentując „nagość dla samej nagości”.

Dyrektorem szkoły weneckiej jest tycjanowski(ok. 1489-1576). Jego twórczość – obok dzieł Leonarda, Rafaela i Michała Anioła – jest szczytem sztuki renesansowej. Większość jego długiego życia przypada na późny renesans.

W dziele Tycjana sztuka renesansu osiąga najwyższy wzrost i rozkwit. Jego prace łączą twórcze poszukiwania i innowacyjność Leonarda, piękno i doskonałość Rafaela, duchową głębię, dramat i tragedię Michała Anioła. Mają niezwykłą zmysłowość, dzięki czemu wywierają silny wpływ na widza. Twórczość Tycjana jest zaskakująco muzyczna i melodyjna.

Jak zauważa Rubens, wraz z Tycjanem malarstwo nabrało smaku, a według Delacroix i Van Gogha muzyka. Jego płótna malowane są otwartym pociągnięciem pędzla, który jest jednocześnie lekki, swobodny i przezroczysty. To w jego pracach kolor niejako rozpuszcza i wchłania formę, a zasada malarstwa po raz pierwszy nabiera autonomii, pojawia się w czystej postaci. Realizm w jego twórczości przeradza się w czarujący i subtelny liryzm.

W dziełach pierwszego okresu Tycjan wychwala beztroską radość życia, cieszenie się dobrami ziemskimi. Śpiewa o zmysłowej zasadzie, o ludzkim ciele kipiącym zdrowiem, o wiecznym pięknie ciała, o fizycznej doskonałości człowieka. To temat jego płócien, takich jak „Miłość na ziemi i niebie”, „Święto Wenus”, „Bachus i Ariadna”, „Danae”, „Wenus i Adonis”.

Na zdjęciu dominuje zmysłowy początek „Magdalena pokutująca””, choć poświęcony jest dramatycznej sytuacji. Ale i tutaj skruszony grzesznik ma zmysłowe ciało, urzekające, promienne ciało, pełne i zmysłowe usta, rumiane policzki i złote włosy. Płótno „Chłopiec z psami” przesycone jest przenikliwym liryzmem.

W utworach drugiego okresu zasada zmysłowości zostaje zachowana, ale uzupełnia ją rosnący psychologizm i dramat. Ogólnie rzecz biorąc, Tycjan dokonuje stopniowego przejścia od fizycznego i zmysłowego do duchowego i dramatycznego. Zachodzące zmiany w twórczości Tycjana są wyraźnie widoczne we wcielaniu wątków i wątków, do których wielki artysta odnosił się dwukrotnie. Typowym przykładem w tym zakresie jest obraz „Święty Sebastian”. W pierwszej wersji los samotnego cierpiącego opuszczonego przez ludzi nie wydaje się zbyt smutny. Wręcz przeciwnie, przedstawiony święty jest obdarzony witalnością i fizycznym pięknem. W późniejszej wersji obrazu, znajdującej się w Ermitażu, ten sam obraz nabiera cech tragedii.

Jeszcze bardziej uderzającym przykładem są warianty obrazu „Ukoronowanie cierniem”, poświęcone epizodowi z życia Chrystusa. W pierwszym z nich przechowywany jest w Luwrze. Chrystus pojawia się jako fizycznie przystojny i silny atleta, zdolny odeprzeć swoich gwałcicieli. W wersji monachijskiej, powstałej dwadzieścia lat później, ten sam odcinek jest oddany znacznie głębiej, bardziej złożony i bardziej wymowny. Chrystus przedstawiony jest w białym płaszczu, ma zamknięte oczy, spokojnie znosi bicie i upokorzenia. Teraz najważniejsze nie jest koronowanie i bicie, nie zjawisko fizyczne, ale psychologiczne i duchowe. Obraz przepełniony jest głęboką tragedią, wyraża triumf ducha, duchowej szlachetności nad siłą fizyczną.

W późniejszych utworach Tycjana tragiczny dźwięk jest coraz bardziej nasilany. Świadczy o tym obraz „Lamentacja Chrystusa”.

Pierwsi prekursorzy sztuki renesansowej pojawili się we Włoszech w XIV wieku. Artyści tamtych czasów, Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) i (głównie) Giotto (1267-1337), tworząc płótna o tradycyjnych motywach religijnych, zaczęli stosować nowe techniki artystyczne: budowanie trójwymiarowej kompozycji, wykorzystując pejzaż w tle, co pozwoliło im uczynić obrazy bardziej realistycznymi i żywymi. To ostro odróżniało ich twórczość od dotychczasowej tradycji ikonograficznej, nasyconej konwencjami obrazu.
Termin ten jest używany w odniesieniu do ich pracy. Protorenesans (1300 – „Trecento”) .

Giotto di Bondone (ok. 1267-1337) - włoski malarz i architekt epoki protorenesansu. Jedna z kluczowych postaci w historii sztuki zachodniej. Pokonawszy bizantyjską tradycję malarstwa ikon, stał się prawdziwym twórcą włoskiej szkoły malarskiej, wypracował zupełnie nowe podejście do przedstawiania przestrzeni. Prace Giotta inspirowane były twórczością Leonarda da Vinci, Rafaela, Michała Anioła.


Wczesny renesans (XIV w. - „Quattrocento”).

Na początku XV wieku Filippo Brunelleschi (1377-1446), florencki uczony i architekt.
Brunelleschi chciał, aby percepcja rekonstruowanych przez niego terminów i teatrów była bardziej wizualna i starał się tworzyć z jego planów geometrycznie perspektywiczne obrazy z pewnego punktu widzenia. W tych poszukiwaniach bezpośrednia perspektywa.

Pozwoliło to artystom uzyskać doskonałe obrazy trójwymiarowej przestrzeni na płaskim płótnie obrazu.

_________

Kolejnym ważnym krokiem w kierunku renesansu było pojawienie się sztuki niereligijnej, świeckiej. Portret i pejzaż stały się niezależnymi gatunkami. Nawet tematy religijne zyskały inną interpretację - artyści renesansowi zaczęli uważać swoje postaci za bohaterów o wyraźnych cechach indywidualnych i ludzkiej motywacji do działania.

Najbardziej znani artyści tego okresu to Masaccio (1401-1428), Masolino (1383-1440), Benozzo Gozzoli (1420-1497), Piero Della Francesco (1420-1492), Andrea Mantegna (1431-1506), Giovanni Bellini (1430-1516), Antonello da Messina (1430-1479), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Sandro Botticellego (1447-1515).

Masaccio (1401-1428) - słynny włoski malarz, największy mistrz szkoły florenckiej, reformator malarstwa epoki Quattrocento.

Fresk. Cud ze staterem.

Obraz. ukrzyżowanie.

Piero Della Francesco (1420-1492). Prace mistrza odznaczają się majestatyczną powagą, szlachetnością i harmonią obrazów, uogólnieniem form, równowagą kompozycyjną, proporcjonalnością, dokładnością konstrukcji perspektywicznych, miękką, pełną światła gamma.

Fresk. Historia królowej Saby. Kościół San Francesco w Arezzo

Sandro Botticellego(1445-1510) - wybitny malarz włoski, przedstawiciel florenckiej szkoły malarstwa.

Wiosna.

Narodziny Wenus.

Wysoki renesans („Cinquecento”).
Nastał najwyższy rozkwit sztuki renesansowej dla pierwszej ćwierci XVI wieku.
Pracuje Sansowino (1486-1570), Leonardo da Vinci (1452-1519), Rafael Santi (1483-1520), Michał Anioł Buonarotti (1475-1564), Giorgione (1476-1510), tycjanowski (1477-1576), Antonio Correggio (1489-1534) stanowią złoty fundusz sztuki europejskiej.

Leonardo di Ser Piero da Vinci (Florencja) (1452-1519) - włoski artysta (malarz, rzeźbiarz, architekt) i naukowiec (anatom, przyrodnik), wynalazca, pisarz.

autoportret

Dama z gronostajem. 1490. Muzeum Czartoryskich, Kraków

Mona Lisa (1503-1505/1506)

Leonardo da Vinci osiągnął wielkie umiejętności w przekazywaniu mimiki twarzy i ciała człowieka, sposobach przenoszenia przestrzeni, budowaniu kompozycji. Jednocześnie jego prace tworzą harmonijny obraz człowieka spełniającego humanistyczne ideały.

Madonna Litta. 1490-1491. Pustelnia.

Madonna Benois (Madonna z kwiatkiem). 1478-1480

Madonna z goździkiem. 1478

W swoim życiu Leonardo da Vinci wykonał tysiące notatek i rysunków dotyczących anatomii, ale nie opublikował swojej pracy. Dokonując autopsji ciał ludzi i zwierząt, dokładnie oddał strukturę szkieletu i narządów wewnętrznych, w tym drobne szczegóły. Według profesora anatomii klinicznej Petera Abramsa, praca naukowa da Vinci wyprzedziła swoje czasy o 300 lat i pod wieloma względami przewyższyła słynną anatomię Greya.

Lista wynalazków, zarówno rzeczywistych, jak i przypisywanych mu:

spadochronzamek olescovo,rower, tAnkh, jalekkie mosty przenośne dla wojska, pprojektor, doatapulta, robot, dteleskop Vohlenza.

Później te innowacje zostały opracowane Rafael Santi (1483-1520) - wybitny malarz, grafik i architekt, przedstawiciel szkoły umbryjskiej.

Autoportret. 1483

Michał Anioł di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni(1475-1564) - włoski rzeźbiarz, malarz, architekt, poeta, myśliciel.

Obrazy i rzeźby Michała Anioła Buonarottiego pełne są heroicznego patosu i zarazem tragicznego odczucia kryzysu humanizmu. Jego obrazy gloryfikują siłę i potęgę człowieka, piękno jego ciała, podkreślając jednocześnie jego samotność w świecie.

Geniusz Michała Anioła odcisnął piętno nie tylko na sztuce renesansu, ale także na całej dalszej kulturze światowej. Jego działalność związana jest głównie z dwoma włoskimi miastami – Florencją i Rzymem.

Jednak artysta potrafił realizować swoje najwspanialsze plany właśnie w malarstwie, gdzie działał jako prawdziwy innowator koloru i formy.
Z polecenia papieża Juliusza II namalował sufit Kaplicy Sykstyńskiej (1508-1512), przedstawiający biblijną historię od stworzenia świata do potopu i zawierający ponad 300 figur. W latach 1534-1541 w tej samej Kaplicy Sykstyńskiej dla papieża Pawła III wykonał wspaniały, dramatyczny fresk Sąd Ostateczny.
Kaplica Sykstyńska 3D.

Twórczość Giorgione i Tycjana wyróżnia się zainteresowaniem krajobrazem, poetyzacją fabuły. Obaj artyści osiągnęli duże umiejętności w sztuce portretowania, za pomocą których przekazali charakter i bogaty wewnętrzny świat swoich postaci.

Giorgio Barbarelli da Castelfranco ( Giorgione) (1476/147-1510) – włoski artysta, przedstawiciel weneckiej szkoły malarskiej.

Śpiąca Wenus. 1510

Judyta. 1504

Tycjan Vecellio (1488/1490-1576) – malarz włoski, największy przedstawiciel szkoły weneckiej wysokiego i późnego renesansu.

Tycjan malował obrazy o tematyce biblijnej i mitologicznej, zasłynął jako portrecista. Zlecali go królowie i papieże, kardynałowie, książęta i książęta. Tycjan nie miał nawet trzydziestu lat, gdy został uznany za najlepszego malarza Wenecji.

Autoportret. 1567

Wenus Urbinskaja. 1538

Portret Tommaso Mostiego. 1520

Późny renesans.
Po splądrowaniu Rzymu przez wojska cesarskie w 1527 r. renesans włoski wszedł w okres kryzysu. Już w twórczości nieżyjącego Rafaela zarysowuje się nowa linia artystyczna, zwana manieryzm.
Epokę tę charakteryzują przerysowane i łamane linie, wydłużone lub nawet zdeformowane postacie, często nagie, napięte i nienaturalne pozy, niezwykłe lub dziwaczne efekty związane z rozmiarem, oświetleniem lub perspektywą, stosowanie kaustycznej skali chromatycznej, przeładowana kompozycja itp. maniery pierwszych mistrzów Parmigianino , Pontormo , Bronzino- mieszkał i pracował na dworze książąt rodu Medici we Florencji. Później moda manierystyczna rozprzestrzeniła się we Włoszech i poza nią.

Girolamo Francesco Maria Mazzola (Parmigianino - „mieszkaniec Parmy”) (1503-1540,) włoski artysta i rytownik, przedstawiciel manieryzmu.

Autoportret. 1540

Portret kobiety. 1530.

Pontormo (1494-1557) - malarz włoski, przedstawiciel szkoły florenckiej, jeden z twórców manieryzmu.


Manieryzm został zastąpiony sztuką w latach 90. XX wieku barokowy (dane przejściowe - Tintoretto oraz El Greco ).

Jacopo Robusti, lepiej znany jako Tintoretto (1518 lub 1519-1594) - malarz szkoły weneckiej późnego renesansu.

Ostatnia Wieczerza. 1592-1594. Kościół San Giorgio Maggiore, Wenecja.

El Greco ("Grecki" Domenikos Theotokopoulos ) (1541-1614) - artysta hiszpański. Z pochodzenia - Grek, pochodzący z Krety.
El Greco nie miał współczesnych zwolenników, a jego geniusz został ponownie odkryty prawie 300 lat po jego śmierci.
El Greco uczył się w warsztacie Tycjana, jednak jego technika malarska różni się znacznie od jego nauczyciela. Prace El Greco cechuje szybkość i ekspresja wykonania, co zbliża je do współczesnego malarstwa.

Chrystus na krzyżu. OK. 1577. Kolekcja prywatna.

Trójca. 1579 Prado.

W trudnych dla Włoch czasach rozpoczyna się krótki „złoty wiek” włoskiego renesansu - tak zwany wysoki renesans, najwyższy punkt rozkwitu włoskiej sztuki. Wysoki renesans zbiegł się zatem z okresem zaciekłej walki miast włoskich o niepodległość. Sztuka tego czasu była przesiąknięta humanizmem, wiarą w twórcze moce człowieka, w nieskończoność jego możliwości, w racjonalny układ świata, w triumf postępu. W sztuce na pierwszy plan wysunęły się problemy obywatelskiego obowiązku, wysokich walorów moralnych, wyczynu, obrazu pięknego, harmonijnie rozwiniętego, silnego duchem i ciałem bohatera, któremu udało się wznieść ponad poziom codzienności. Poszukiwanie takiego ideału doprowadziło sztukę do syntezy, uogólnienia, do ujawnienia ogólnych wzorców zjawisk, do identyfikacji ich logicznego powiązania. Sztuka wysokiego renesansu wyrzeka się szczegółów, drobnych szczegółów w imię uogólnionego obrazu, w imię dążenia do harmonijnej syntezy pięknych aspektów życia. Jest to jedna z głównych różnic między renesansem wysokim a wczesnym.

Leonardo da Vinci (1452-1519) był pierwszym artystą, który wizualnie uosabiał tę różnicę. Pierwszym nauczycielem Leonarda był Andrea Verrocchio. Postać anioła na obrazie nauczyciela „Chrzest” już wyraźnie pokazuje różnicę w postrzeganiu świata przez artystę minionej epoki i nowej epoki: brak czołowej płaskości Verrocchio, najlepsze modelowanie światła i cienia wielkość i niezwykła duchowość obrazu. . Do czasu opuszczenia warsztatu Verrocchio badacze przypisują „Madonnę z kwiatem” („Madonna Benois”, jak ją wcześniej nazywano, imieniem właścicieli). W tym okresie Leonardo był niewątpliwie przez pewien czas pod wpływem Botticellego. Od lat 80-tych XV wieku. zachowały się dwie niedokończone kompozycje Leonarda: „Adoracja Trzech Króli” i „Św. Hieronim”. Prawdopodobnie w połowie lat 80. powstała również Madonna Litta w starej technice temperowej, w obrazie której znalazł wyraz typ kobiecej urody Leonarda: ciężkie na wpół opadające powieki i ledwo wyczuwalny uśmiech nadają twarzy Madonny szczególnej duchowości .

Łącząc zasady naukowe i twórcze, posiadając logiczne i artystyczne myślenie, Leonardo przez całe życie zajmował się badaniami naukowymi, a także sztukami pięknymi; rozkojarzony, wydawał się powolny i pozostawił kilka dzieł sztuki. Na dworze mediolańskim Leonardo pracował jako artysta, technik naukowiec, wynalazca, matematyk i anatom. Pierwszym ważnym dziełem, jakie wykonał w Mediolanie, była Madonna of the Rocks (lub Madonna in the Grotto). Jest to pierwszy monumentalny ołtarz z okresu wysokiego renesansu, który jest również interesujący, ponieważ w pełni oddawał cechy leonardowskiego stylu pisarskiego.

Największym dziełem Leonarda w Mediolanie, najwyższym osiągnięciem jego sztuki było namalowanie ściany refektarza klasztoru Santa Maria della Grazie na fabule Ostatniej Wieczerzy (1495-1498). Chrystus spotyka się po raz ostatni na obiedzie ze swoimi uczniami, aby ogłosić im zdradę jednego z nich. Dla Leonarda sztuka i nauka istniały nierozłącznie. Zajmując się sztuką, prowadził badania naukowe, eksperymenty, obserwacje, przechodził przez perspektywę w dziedzinie optyki i fizyki, przez problematykę proporcji - w anatomię i matematykę itp. Ostatnia Wieczerza zamyka cały etap w twórczości artysty. badania naukowe. To także nowy etap w sztuce.

Od studiowania anatomii, geometrii, fortyfikacji, melioracji, językoznawstwa, wersyfikacji, muzyki, Leonardo oderwał się od pracy nad „Koniem” – pomnikiem konnym Francesco Sforzy, dla którego przede wszystkim przyjechał do Mediolanu i który wystąpił w pełnym wymiarze na początku lat 90. w glinie. Pomnik nie miał być wykonany z brązu: w 1499 roku Francuzi najechali Mediolan, a gaskońscy kusznicy zestrzelili pomnik konny. Od 1499 roku rozpoczęły się lata wędrówek Leonarda: Mantua, Wenecja i wreszcie rodzinne miasto artysty – Florencja, gdzie namalował tekturę „Św. Anna z Maryją na kolanach”, według której tworzy obraz olejny w Mediolanie (dokąd wrócił w 1506)

We Florencji Leonardo rozpoczął kolejne dzieło malarskie: portret żony kupca del Giocondo Mona Lisa, który stał się jednym z najsłynniejszych obrazów na świecie.

Portret Mony Lisy Giocondy to decydujący krok w rozwoju sztuki renesansowej

Po raz pierwszy gatunek portretowy zrównał się z kompozycjami o tematyce religijnej i mitologicznej. Przy wszystkich niepodważalnych podobieństwach fizjonomicznych portrety Quattrocento wyróżniały, jeśli nie zewnętrzne, to wewnętrzne ograniczenia. Majestat Monet Lisy komunikuje już jedno porównanie jej mocno wysuniętej do krawędzi płótna, zaakcentowanej trójwymiarowej postaci z krajobrazem ze skałami i strumieniami widocznymi jakby z daleka, topniejącymi, ponętnymi, nieuchwytnymi, a przez to ze wszystkimi rzeczywistość motywu, fantastyczna.

Leonardo w 1515 roku na sugestię francuskiego króla Franciszka I wyjeżdża do Francji na zawsze.

Leonardo był największym artystą swoich czasów, geniuszem, który otwierał nowe horyzonty sztuki. Pozostawił po sobie kilka prac, ale każdy z nich był etapem w historii kultury. Leonardo jest również znany jako wszechstronny naukowiec. Jego odkrycia naukowe, na przykład badania w dziedzinie samolotów, są interesujące w naszej epoce astronautyki. Tysiące stron rękopisów Leonarda, obejmujących dosłownie wszystkie dziedziny wiedzy, świadczą o uniwersalności jego geniuszu.

Idee monumentalnej sztuki renesansu, w której połączyły się tradycje starożytności z duchem chrześcijaństwa, znalazły najżywszy wyraz w twórczości Rafaela (1483-1520). W jego sztuce dojrzałe rozwiązanie znalazły dwa główne zadania: plastyczna doskonałość ludzkiego ciała, wyrażająca wewnętrzną harmonię wszechstronnie rozwiniętej osobowości, w której Rafał podążał za antykiem, oraz złożona wielofigurowa kompozycja, która oddaje całą różnorodność świat. Rafael wzbogacił te możliwości, osiągając niesamowitą swobodę w obrazowaniu przestrzeni i poruszania się w niej postaci ludzkiej, nienaganną harmonię między środowiskiem a człowiekiem.

Żaden z mistrzów renesansu nie dostrzegł tak głęboko i naturalnie pogańskiej istoty starożytności jak Rafael; nie bez powodu uważany jest za artystę, który najpełniej połączył starożytne tradycje ze sztuką zachodnioeuropejską nowej epoki.

Rafael Santi urodził się w 1483 r. w mieście Urbino, jednym z ośrodków kultury artystycznej we Włoszech, na dworze księcia Urbino, w rodzinie nadwornego malarza i poety, który był pierwszym nauczycielem przyszłego mistrza

Wczesny okres twórczości Rafaela doskonale charakteryzuje się małym obrazem w formie tondo „Madonna Conestabile”, z jego prostotą i zwięzłością ściśle dobranych detali (przy całej nieśmiałości kompozycji) oraz szczególnym, nieodłącznym dla wszystkich Rafaela dzieła, subtelny liryzm i poczucie spokoju. W 1500 roku Rafael wyjechał z Urbino do Perugii, aby studiować w pracowni słynnego umbryjskiego artysty Perugino, pod którego wpływem powstało Zaręczyny Maryi (1504). Poczucie rytmu, proporcjonalność mas plastycznych, odstępy przestrzenne, stosunek figur i tła, koordynacja tonów głównych (w „Zaręczynach” są to złote, czerwone i zielone w połączeniu z jasnoniebieskim tłem nieba ) i stworzyć harmonię, która pojawia się już we wczesnych pracach Rafaela i odróżnia go od artystów poprzedniego czasu.

Przez całe życie Rafael szuka tego obrazu w Madonnie, jego liczne prace, interpretujące wizerunek Madonny, przyniosły mu światową sławę. Zasługą artysty jest przede wszystkim to, że udało mu się ucieleśnić wszystkie najsubtelniejsze odcienie uczuć w idei macierzyństwa, połączyć liryzm i głęboką emocjonalność z monumentalną wielkością. Widać to we wszystkich jego Madonnach, poczynając od młodzieńczej nieśmiałej Madonny Conestabile: w Madonnie w Zieleni, Madonnie ze Szczygiełem, Madonnie na Krześle, a zwłaszcza u szczytu ducha i umiejętności Rafaela - w Madonna Sykstyńska.

„Madonna Sykstyńska” to jedno z najdoskonalszych językowo dzieł Rafaela: postać Maryi z Dzieciątkiem, stricte majacząca na tle nieba, łączy wspólny rytm ruchu z postaciami św. U dołu kompozycji znajdują się Barbarzyńcy i papież Sykstus II, którego gesty zwrócone są w stronę Madonny, a także widoki dwóch aniołów (bardziej przypominające charakterystyczne dla renesansu putta). Postacie łączy wspólny złoty kolor, jakby uosabiał Boski blask. Ale najważniejszy jest typ twarzy Madonny, który ucieleśnia syntezę starożytnego ideału piękna z duchowością ideału chrześcijańskiego, tak charakterystycznego dla światopoglądu wysokiego renesansu.

Madonna Sykstyńska to późniejsze dzieło Rafaela.

Na początku XVI wieku. Rzym staje się głównym ośrodkiem kulturalnym Włoch. Sztuka wysokiego renesansu osiąga swój szczyt w tym mieście, gdzie z woli protekcjonalnych papieży Juliusza II i Leona X pracują jednocześnie tacy artyści jak Bramante, Michał Anioł i Rafael.

Rafael maluje dwie pierwsze zwrotki. W Stanza della Senyatura (sala podpisów, pieczęci) namalował cztery freski-alegorie głównych dziedzin duchowej działalności człowieka: filozofii, poezji, teologii i prawoznawstwa („Szkoła Ateńska”, „Parnas”, „ Dyskusja”, „Miara, mądrość i siła”. W drugiej sali, zwanej „strofą Eliodora”, Rafael namalował freski o tematyce historycznej i legendarnej gloryfikujące papieży Rzymu: „Wypędzenie Eliodora”

W sztuce średniowiecza i wczesnego renesansu powszechne było przedstawianie nauk i sztuki w postaci pojedynczych alegorycznych postaci. Raphael rozwiązywał te wątki w postaci wielopostaciowych kompozycji, niekiedy reprezentujących prawdziwe portrety grupowe, interesujące zarówno ze względu na swoją indywidualizację, jak i typowość.

Uczniowie pomagali także Rafałowi w malowaniu loggii watykańskich przylegających do pokoi papieskich, malowanych według jego szkiców i pod jego nadzorem motywami antycznych ornamentów, czerpanych głównie z nowo odkrytych antycznych grot (stąd nazwa „groteski” ).

Rafael wykonywał utwory różnych gatunków. Jego talent dekoratorski, a także reżyserski, gawędziarz, zamanifestował się w pełni w serii ośmiu tekturowych gobelinów do Kaplicy Sykstyńskiej ze scenami z życia apostołów Piotra i Pawła („Cudowny połów ryb”, m.in. przykład). Te obrazy w XVI-XVIII wieku. był swego rodzaju standardem dla klasyków.

Rafał był także największym portrecistą swojej epoki. („Papież Juliusz II”, „Leo X”, przyjaciel artysty, pisarz Castiglione, piękna „Donna Velata” itp.). A w jego portretach z reguły dominuje wewnętrzna równowaga i harmonia.

Pod koniec życia Raphael był przeciążony rozmaitymi pracami i zamówieniami. Trudno sobie nawet wyobrazić, żeby to wszystko mogła zrobić jedna osoba. Był centralną postacią w życiu artystycznym Rzymu, po śmierci Bramantego (1514) został głównym architektem katedry św. Piotr był odpowiedzialny za wykopaliska archeologiczne w Rzymie i okolicach oraz ochronę starożytnych zabytków.

Rafał zmarł w 1520 r.; jego przedwczesna śmierć była nieoczekiwana dla współczesnych. Jego prochy są pochowane w Panteonie.

Trzeci co do wielkości mistrz wysokiego renesansu - Michał Anioł - znacznie przeżył Leonarda i Rafaela. Pierwsza połowa jego kariery przypada na okres rozkwitu sztuki wysokiego renesansu, a druga na czas kontrreformacji i początek kształtowania się sztuki barokowej. Z genialnej konstelacji artystów doby renesansu Michał Anioł przewyższał ich wszystkich bogactwem obrazów, obywatelskim patosem i wrażliwością na zmiany nastrojów społecznych. Stąd twórcze ucieleśnienie upadku idei renesansowych.

Michelangelo Buonarroti (1475-1564) W 1488 roku we Florencji zaczął uważnie studiować starożytny plastik. Jego płaskorzeźba „Bitwa centaurów” jest już wytworem wysokiego renesansu pod względem wewnętrznej harmonii. W 1496 roku młody artysta wyjeżdża do Rzymu, gdzie tworzy swoje pierwsze dzieła, które przyniosły mu sławę: „Bachus” i „Pieta”. Dosłownie uchwycone przez obrazy starożytności. "Pieta" - otwiera szereg prac mistrza na ten temat i stawia go wśród pierwszych rzeźbiarzy we Włoszech.

Wracając do Florencji w 1501 r. Michał Anioł w imieniu Signorii podjął się wyrzeźbienia postaci Dawida z marmurowego bloku zepsutego przed nim przez pechowego rzeźbiarza. W 1504 r. Michał Anioł ukończył słynny posąg, zwany przez Florentczyków „olbrzymem” i umieszczony przez nich przed Palazzo Vecchia, ratuszem. Otwarcie pomnika przekształciło się w uroczystość narodową. Wizerunek Dawida zainspirował wielu artystów Quattrocento. Ale nie jako chłopca, jak w Donatello i Verrocchio, Michał Anioł przedstawia go, ale jako młodzieńca w kwiecie wieku, a nie po bitwie, z głową olbrzyma u jego stóp, ale przed bitwą, na moment najwyższego napięcia. W pięknym wizerunku Dawida, w jego surowej twarzy, rzeźbiarz oddał tytaniczną moc namiętności, nieugiętą wolę, odwagę obywatelską i bezgraniczną moc wolnego człowieka.

W 1504 r. Michał Anioł (jak już wspomniano w związku z Leonardem) rozpoczyna prace nad obrazem „Sali Pięciuset” w Palazzo Signoria

W 1505 roku papież Juliusz II zaprosił Michała Anioła do Rzymu, aby zbudował dla siebie grobowiec, ale potem odmówił zamówienia i zamówił mniej okazałe malowanie sufitu Kaplicy Sykstyńskiej w Pałacu Watykańskim.

Michał Anioł pracował sam nad malowaniem sufitu Kaplicy Sykstyńskiej w latach 1508-1512, malując powierzchnię około 600 metrów kwadratowych. m (48x13 m) na wysokości 18 m.

Michał Anioł poświęcił środkową część sufitu scenom z historii świętej, począwszy od stworzenia świata. Kompozycje te otoczone są malowanym w ten sam sposób gzymsem, ale tworzącym iluzję architektury, i przedzielone, także malowniczymi, prętami. Malownicze prostokąty podkreślają i wzbogacają prawdziwą architekturę sufitu. Pod malowniczym gzymsem Michał Anioł namalował proroków i sybille (każda postać ma około trzech metrów), w lunetach (łuki nad oknami) przedstawił epizody z Biblii i przodków Chrystusa jako zwykłych ludzi zajętych codziennymi sprawami.

Dziewięć centralnych kompozycji przedstawia wydarzenia z pierwszych dni stworzenia, historię Adama i Ewy, globalny potop, a wszystkie te sceny są w istocie hymnem do człowieka, osadzonym w nim. Juliusz II zmarł wkrótce po zakończeniu prac w Sykstynie, a jego spadkobiercy powrócili do idei nagrobka. W latach 1513-1516. Michał Anioł wykonuje na tym nagrobku figurę Mojżesza i niewolników (więźniów). Wizerunek Mojżesza jest jednym z najsilniejszych w dziele dojrzałego mistrza. Zainwestował w niego marzenie mądrego, odważnego przywódcy, pełnego tytanicznej siły, ekspresji, cech woli, tak niezbędnych wówczas dla zjednoczenia ojczyzny. Postaci niewolników nie zostały uwzględnione w ostatecznej wersji grobowca.

Od 1520 do 1534 Michał Anioł pracuje nad jednym z najważniejszych i najtragiczniejszych dzieł rzeźbiarskich - nad grobem Medyceuszy (florencki kościół San Lorenzo), wyrażającym wszystkie doświadczenia, jakie w tym okresie przypadły na los mistrza siebie, jego rodzinne miasto i cały kraj jako całość. Od końca lat dwudziestych Włochy są dosłownie rozdzierane przez wrogów zarówno zewnętrznych, jak i wewnętrznych. W 1527 wynajęci żołnierze złupili Rzym, protestanci splądrowali katolickie kapliczki Wiecznego Miasta. Burżuazja florencka obala Medyceuszy, którzy rządzili ponownie od 1510 roku.

W nastroju poważnego pesymizmu, w stanie narastającej głębokiej religijności, Michał Anioł pracuje nad grobem Medyceuszy. On sam buduje dobudówkę florenckiego kościoła San Lorenzo - małe, ale bardzo wysokie pomieszczenie, nakryte kopułą, i zdobi dwie ściany zakrystii (jej wnętrze) rzeźbiarskimi nagrobkami. Jedna ściana ozdobiona jest postacią Lorenza, przeciwną - Giuliano, a u dołu u ich stóp umieszczone są sarkofagi, ozdobione alegorią rzeźbiarską - symbolami ulotnego czasu: „Poranek” i „Wieczór” - w nagrobku św. Lorenzo, „Noce i dzień” - na nagrobku Giuliano.

Oba obrazy - Lorenzo i Giuliano - nie mają podobieństwa do portretu, tym samym różnią się od tradycyjnych decyzji z XV wieku.

Zaraz po wyborze Paweł III zaczął natarczywie domagać się od Michała Anioła realizacji tego planu, a w 1534, przerywając prace nad grobem, które ukończył dopiero w 1545, Michał Anioł wyjechał do Rzymu, gdzie rozpoczął swoje drugie dzieło w Sykstynie. Kaplica - do obrazu „Sąd Ostateczny” (1535-1541) - wspaniałe dzieło, które wyrażało tragedię rodzaju ludzkiego. Cechy nowego systemu artystycznego ujawniły się jeszcze wyraźniej w tym dziele Michała Anioła. W centrum kompozycji umieszczony jest sąd twórczy, karzący Chrystus, a wokół niego, w ruchu obrotowym okrężnym, ukazani są grzesznicy upadający do piekła, sprawiedliwi wstępujący do raju, umarli powstający z grobów na sąd Boży. Wszystko jest pełne grozy, rozpaczy, złości, zamieszania.

Malarz, rzeźbiarz, poeta Michał Anioł był także genialnym architektem. Wykonał schody florenckiej biblioteki Laurenziana, obramował plac Capitol w Rzymie, wzniósł bramy Piusa (Porta Pia), od 1546 roku pracuje nad katedrą św. Peter, rozpoczęty przez Bramante. Michał Anioł jest właścicielem rysunku i rysunku kopuły, który został wykonany po śmierci mistrza i nadal jest jedną z głównych dominant w panoramie miasta.

Michał Anioł zmarł w Rzymie w wieku 89 lat. Jego ciało wywieziono w nocy do Florencji i pochowano w najstarszym kościele w jego rodzinnym mieście Santa Croce. Trudno przecenić historyczne znaczenie sztuki Michała Anioła, jej wpływ na współczesność i kolejne epoki. Niektórzy zagraniczni badacze interpretują go jako pierwszego artystę i architekta baroku. Ale przede wszystkim jest interesujący jako nosiciel wielkich realistycznych tradycji renesansu.

George Barbarelli da Castelfranco, nazywany Giorgione (1477-1510), jest bezpośrednim naśladowcą swojego nauczyciela i typowym artystą renesansu. Jako pierwszy na ziemi weneckiej zwrócił się ku wątkom literackim, tematom mitologicznym. Krajobraz, przyroda i piękne nagie ludzkie ciało stały się dla niego przedmiotem sztuki i przedmiotem kultu.

Już w pierwszym znanym dziele „Madonna z Castelfranco” (ok. 1505) Giorgione pojawia się jako artysta o ugruntowanej pozycji; obraz Madonny jest pełen poezji, zamyślonego marzenia sennego, przesiąknięty tym nastrojem smutku, charakterystycznym dla wszystkich kobiecych wizerunków Giorgione. W ciągu ostatnich pięciu lat życia artysta stworzył swoje najlepsze prace, wykonane w technice olejnej, głównej wówczas w szkole weneckiej. . Na obrazie z 1506 roku „Burza” Giorgione przedstawia człowieka jako część natury. Kobiety karmiącej dziecko, młodzieńca z laską (który można pomylić z wojownikiem z halabardą) nie łączy żadne działanie, ale łączy w tym majestatycznym krajobrazie wspólny nastrój, wspólny stan umysłu. Duchowość i poezja przenikają obraz „Śpiącej Wenus” (ok. 1508-1510). Jej ciało pisze się łatwo, swobodnie, z wdziękiem i nie bez powodu badacze mówią o „muzykalności” rytmów Giorgione; nie jest pozbawiona zmysłowego uroku. "Koncert wiejski" (1508-1510)

Tycjan Vecellio (1477?-1576) - największy artysta weneckiego renesansu. Tworzył prace zarówno o tematyce mitologicznej, jak i chrześcijańskiej, pracował w gatunku portretowym, jego talent kolorystyczny jest wyjątkowy, inwencja kompozytorska niewyczerpana, a szczęśliwa długowieczność pozwoliła mu pozostawić po sobie bogate dziedzictwo twórcze, które wywarło ogromny wpływ na potomność.

Już w 1516 został pierwszym malarzem republiki, od lat 20. - najsłynniejszym artystą Wenecji

Około 1520 roku książę Ferrary zamówił u niego cykl obrazów, w których Tycjan pojawia się jako śpiewak starożytności, któremu udało się wyczuć, a co najważniejsze, ucieleśnić ducha pogaństwa (Bachanał, Święto Wenus, Bachus i Ariadna).

Zamożni weneccy patrycjusze zamawiają ołtarze Tycjan, a on tworzy ogromne ikony: „Wniebowstąpienie Maryi”, „Madonna Pesaro”

„Wprowadzenie Marii do świątyni” (ok. 1538), „Wenus” (ok. 1538)

(portret grupowy papieża Pawła III z bratankami Ottavio i Aleksandrem Farnesem, 1545-1546)

Nadal dużo pisze na tematy antyczne („Wenus i Adonis”, „Pasterz i nimfa”, „Diana i Akteon”, „Jowisz i Antyopa”), ale coraz częściej sięga po tematy chrześcijańskie, do scen męczeństwo, w którym pogańska radość, antyczna harmonia zostaje zastąpiona tragicznym światopoglądem („Biczowanie Chrystusa”, „Pokutująca Maria Magdalena”, „Św. Sebastian”, „Lamentacja”),

Ale pod koniec stulecia rysy zbliżającej się nowej ery w sztuce, nowego kierunku artystycznego, są już tutaj oczywiste. Widać to w twórczości dwóch głównych artystów drugiej połowy tego wieku – Paolo Veronese i Jacopo Tintoretto.

Paolo Cagliari, nazywany Veronese (pochodził z Werony, 1528-1588), miał zostać ostatnim śpiewakiem świątecznej, radosnej Wenecji XVI wieku.

: „Uczta w Domu Lewiego” „Małżeństwo w Kanie Galilejskiej” dla refektarza klasztoru San George Maggiore

Jacopo Robusti, znany w sztuce jako Tintoretto (1518-1594) („barwiarz „tintoretto”: ojciec artysty był farbiarzem jedwabiu). „Cud św. Marka” (1548)

(„Salvation of Arsinoe”, 1555), „Wejście do świątyni” (1555),

Andrea Palladio (1508-1580, Villa Cornaro w Piombino, Villa Rotonda w Vicenzy, ukończona po jego śmierci przez studentów według jego projektu, wiele budynków w Vicenzy). Efektem jego badań nad starożytnością była książka „Starożytności rzymskie” (1554), „Cztery księgi o architekturze” (1570-1581), ale starożytność była dla niego „żywym organizmem”, według rzetelnej obserwacji badacza.

Holenderski renesans w malarstwie zaczyna się od „Ołtarza Gandawskiego” braci Huberta (zm. 1426) i Jana (ok. 1390-1441) van Eycka, ukończonego przez Jana van Eycka w 1432 r. Van Eyckowie udoskonalili swoją technikę olejną: olej ją wykonał możliwe do oddania blasku, głębi, bogactwa obiektywnego świata, przykuwającego uwagę holenderskich artystów, jego barwnym brzmieniem.

Spośród licznych Madonn Jana van Eycka najsłynniejsza jest Madonna kanclerza Rollina (ok. 1435 r.)

(„Człowiek z goździkiem”; „Człowiek w turbanie”, 1433; portret żony artysty Marguerite van Eyck, 1439

W rozwiązywaniu takich problemów sztuka holenderska wiele zawdzięcza Rogierowi van der Weydenowi (1400?-1464). Zdjęcie z krzyża jest typowym dziełem Weydena.

W drugiej połowie XV wieku. stanowi dzieło mistrza o wyjątkowym talencie Hugo van der Goesa (ok. 1435-1482) „Śmierć Maryi”).

Hieronim Bosch (1450-1516), twórca ponurych wizji mistycznych, w których również nawiązuje do średniowiecznej alegorii „Ogród rozkoszy”

Szczytem holenderskiego renesansu było niewątpliwie dzieło Pietera Bruegla Starszego, zwanego Muzhitsky (1525/30-1569) („Kuchnia Chudego”, „Kuchnia Grubego”), „Pejzaż zimowy” z cyklu „ Pory roku” (inny tytuł – „Łowcy w śniegu”, 1565), „Bitwa karnawałowa i wielkopostna” (1559).

Albrechta Dürera (1471-1528).

"Święto Różańcowe" (inna nazwa to "Madonna z Różańcem", 1506), "Jeździec, Śmierć i Diabeł", 1513; „Św. Hieronim” i „Melancholia”,

Hans Holbein Młodszy (1497-1543), "Triumf śmierci" ("Taniec śmierci") portret Jane Seymour, 1536

Albrecht Altdorfer (1480-1538)

Renesansowy Lucas Cranach (1472-1553),

Jean Fouquet (ok. 1420-1481), Portret Karola VII

Jean Clouet (ok. 1485/88-1541), syn Francois Clouet (ok. 1516-1572) jest najważniejszym malarzem francuskim XVI wieku. portret Elżbiety Austriackiej, ok. 1571 (portret Henryka II, Marii Stuart itp.)