Epos muzyczny: „Heroic Symphony” Borodina. Epos muzyczny: „Heroiczna symfonia” Borodina Tonalność heroicznej symfonii

Zasługi Borodina jako symfonisty są ogromne: jest on twórcą epickiej symfonii w muzyce rosyjskiej i wraz z Czajkowskim jest twórcą rosyjskiej symfonii klasycznej. Sam kompozytor zauważył, że „pociągały go formy symfoniczne”. Ponadto członkowie „Potężnej garści” na czele ze Stasowem promowali fabułę obrazkową, programową muzykę symfoniczną typu Berlioza lub Glinka; klasyczny czterogłosowy typ sonatowo-symfoniczny został uznany za „ożywiony”.

Borodin oddał hołd tej pozycji w swoich krytycznych artykułach oraz w symfonicznym obrazie „W Azji Środkowej” – jedynym programowym dziele symfonicznym. Bardziej skłaniał się jednak ku „czystemu” cyklowi symfonicznemu, o czym świadczą jego trzy symfonie (ostatnia nie jest jeszcze ukończona). Stasow żałował tego: „Borodin nie chciał stanąć po stronie radykalnych innowatorów”. Borodin podał jednak tak osobliwą interpretację tradycyjnej symfonii, że okazał się jeszcze większym innowatorem w tym gatunku niż inni „pokonywacze”.

Dojrzałość twórczą symfonisty Borodina zaznaczyła II symfonia. Lata jej powstania (1869-1876) zbiegają się z czasem pracy nad „Księciem Igorem”. Te dwie prace są bliskie; łączy je krąg idei i obrazów: gloryfikacji patriotyzmu, potęgi narodu rosyjskiego, jego duchowej wielkości, jego wizerunku w walce i pokojowym życiu, a także obrazów Wschodu i obrazów natury.

Symfonia „heroiczna”

Nazwę „Bohaterskiej” symfonii nadał W. Stasow, który stwierdził: „Sam Borodin powiedział mi, że w adagio chciał narysować postać Bajana, w pierwszej części – spotkanie rosyjskich bohaterów, w finale – scena heroicznej uczty przy dźwiękach gusli, z radością wielkiego tłumu ludowego”. Opublikowany po śmierci Borodina program nie może być jednak uważany za autorski.

Bogatyrskaya stała się klasycznym przykładem epickiej symfonii. Każda z jego czterech części reprezentuje pewną perspektywę rzeczywistości, tworząc całościowy obraz świata. W pierwszej części świat przedstawiony jest jako heroiczny, w scherzo - świat jako gra, w wolnej - świat jako tekst i dramat, w finale - świat jako ogólna idea.

Pierwsza część

Bohaterska zasada jest najpełniej ucieleśniona w: i część napisana w formie sonatowego Allegro ( h - mol Jej szybkie tempo obala jeden z utrwalonych mitów związanych z epopeją muzyczną (o dominacji slow motion). W potężnym unisono początkowych taktów, z ich opadającymi „ciężkimi” tercjami i ćwiartkami, wyłania się obraz heroicznej siły. Charakterystyczne dla epickiej opowieści uporczywe powtórzenia, nacisk na tonik, energiczne „kołysanie” nadają muzyczno-monolitycznej stabilności. Temat rodzi różnorodne aluzje - od ostrych epickich melodii i burłakowej piosenki "Hej, uhnem" po zupełnie nieoczekiwaną paralelę na początku koncertu Es-dur Liszta. Pod względem modalności jest to niezwykle interesujące: wyczuwa się zarówno zmienność tercji tonicznej, jak i barwę progu frygijskiego z niskim IV etap.

Drugi element główny temat (Animato assai ) to taneczne melodie instrumentów dętych drewnianych. Zasada budowy dialogicznej, charakterystyczna dla klasycznych tematów sonatowych, odczytywana jest z epickiej perspektywy: oba elementy są dość rozbudowane.

Krótka część łącząca prowadzi do temat poboczny( D - czas trwania , wiolonczela, potem instrumenty dęte drewniane), których uduchowiona liryczna melodia jest intonacyjnie bliska rosyjskim pieśniom tanecznym. Jego związek z głównym tematem jest kontrastem dopełniającym. Podobny kontrast heroicznych i lirycznych obrazów w operze „Książę Igor” uosabia w główni bohaterowie (Igor i Jarosławna). Ostatnia partia (ponownie Animato asai ) opiera się na materiale głównego tematu w tonacji D - dur.

Rozwójpodporządkowany epickiej zasadzie - przemiana obrazów-obrazów. Stasow opisał jej treść jako heroiczną bitwę. Rozwój muzyczny przebiega w trzech falach, wypełniając wewnętrzną energią i mocą. Dramatyczne napięcie wspierają sekwencje, strets, D punkty organowe, wzrost poziomu dynamiki, energetyczny rytm ostinatowy kotłów, tworzący ideę szybkiego skoku konnego.

Wspólna intonacja głównych tematów stanowi podstawę ich stopniowej zbieżności. Już na samym początku opracowania powstaje nowy wariant tematyczny, będący wynikiem syntezy tematu głównego z pobocznym. Takie połączenie tematyzmu jest cechą typową dla symfonizmu epickiego w ogóle, a cechą charakterystyczną myślenia tematycznego Borodina w szczególności.

Pierwsza kulminacja rozwoju opiera się na drugim elemencie głównej części, brzmiącym z waleczną walecznością. Dalej, jako naturalną kontynuację, pojawia się temat poboczny w: Des - dur , który przełącza rozwój na spokojniejszy kanał, a po tym wytchnieniu następuje nowa fala wzrostu. Ogólnym zwieńczeniem przetworzenia i jednocześnie początkiem podsumowania jest potężna realizacja głównego tematu dla całej orkiestry w rytmicznym wzroście offf.

V potrącenie od dochodu początkowa esencja obrazów głównych intensyfikuje się i pogłębia: motyw główny staje się jeszcze silniejszy (poprzez dodanie nowych instrumentów, dodawanie akordów), motyw poboczny ( Es - dur ) - jeszcze bardziej miękki i delikatny. Energetyczny motyw finałowy obramowany jest epizodami przypominającymi rozwój - z pośpiechem do przodu i dynamicznym pompowaniem. Stymulują dalszy rozwój heroicznego wizerunku: jego nowa realizacja w kod brzmi jeszcze bardziej imponująco niż poprzednia (czterokrotny wzrost rytmiczny!).

Druga część

W drugiej części (Scherzo) dominują obrazy żywiołowego ruchu, heroicznych gier. W przenośni muzyka scherza jest bardzo zbliżona do świata połowieckiego opery „Książę Igor”. Odzwierciedla zarówno siłę żywiołu, jak i orientalną plastyczność, błogość, namiętność, które często były przeciwstawiane rosyjskiemu heroizmowi.

Typowa dla scherza w symfonii „heroicznej” trzyczęściowa forma wyróżnia się dużą skalą: podobnie jak w scherzo z IX Symfonii Beethovena, skrajne odcinki są tu zapisane w formie sonatowej (bez opracowania).

Główny tematwyróżnia się energią, zaakcentowaną ostrością stylu instrumentalnego, ruchem orkiestrowym typu staccato (nawet puls waltorni i pizzicato smyczki). Jest uruchamiany przez drugiego zaangażowanego w ruch szybki, motyw boczny- piękna melodia o cechach orientalnych, zmuszająca do przypomnienia sobie tematów tańców konczackich czy połowieckich (omdlenie, chromatyczność).

Jeszcze więcej Wschodu w muzyce trio, z typowym orientalnym stylem Borodino: punkt organowy, pikantna harmonia. Jednocześnie podobieństwo intonacyjne tematu tria z tematem wtórnym części pierwszej jest oczywiste.

W ten sposób powstają połączenia między różnymi częściami symfonii, przyczyniając się do jej jedności.

Trzecia część

Muzyka trzeciego, wolna część ( Andante, Des - dur ) jest najbliższy „programowi” Stasowa, który porównał go do poetyckiej pieśni guslara. Wyczuwalny jest w nim duch rosyjskiej starożytności. Asafiew o imieniu Andante „Stepowa przestrzeń liryczna”. Część ta jest również napisana w formie sonatowej, w której główne tematy uzupełniają się, prezentując dwie sfery figuratywne - tekst (temat główny) i dramat (wtórny).

główny temat(róg, potem klarnet) to „słowo gawędziarza”. Jej narracyjny charakter oddają środki muzyczne związane z epickim rodowodem: gładkość, opalizacja melodii trichordowych, nieperiodyczność strukturalna i rytmiczna, zmienność funkcji modalnych i harmonicznych ( Des - dur - b - moll ). Temat jest w przeważającej mierze zharmonizowany
diatoniczne akordy kroków bocznych za pomocą skrętów plagal. Badacze wskazują konkretny prototyp - epos „O Dobrynia” („To nie jest biała brzoza”). Akordy harfy odtwarzają szarpanie strun na harfie.

V temat poboczny ( poco animato ) epicka powolność ustępuje miejsca podnieceniu, jakby piosenkarka ze spokojnej narracji przeszła do opowieści o dramatycznych i groźnych wydarzeniach. Obraz tych wydarzeń wyłania się w końcowej części wystawy oraz w przetworzeniu, gdzie odczuwa się wiele dramatycznego napięcia. Oddzielne rozrzucone motywy od tematów ekspozycji nabierają groźnego charakteru, przywołując główny bohaterski temat pierwszej części.

V potrącenie od dochodu cała orkiestra śpiewa pieśń-opowieść - szeroko i treściwie (jako echa służą frazy z partii bocznej iz rozwinięcia). W tym samym kluczu ( Des - dur ) i na tym samym tle akompaniamentu ma miejsce drugi - kontrast zostaje usunięty, ustępując miejsca syntezie.

Czwarta część

Finał symfonii (również w formie sonatowej) następuje bez przerwy po części wolnej. Tu powstaje obraz wesołej, biesiadującej Rosji. W szybkim ruchu łączy się taniec ludowy i śpiew, a także brzęk gusli i dźwięk bałałajki. W tradycji Glinki „Kamarinskaya” wariacja głównych tematów stopniowo dochodzi do ich zbieżności.

Czwarta część zaczyna się od małego wiru wprowadzanie, w którym słychać zwroty tanecznych melodii D punkt narządów. Cierpkie akordy ćwierćsekundowe, puste kwint i gwizdek instrumentów dętych drewnianych wprowadzają w klimat rosyjskiego instrumentalizmu ludowego i bufonady.

główny temat- to jest skoczny taniec. Elastyczny, swobodny rytm, częste akcenty, jak tupanie, klepanie, nadają ruchowi pewną ociężałość. Trichord zwroty w melodii, akord kroków bocznych, elastyczny rytm asymetryczny, w szczególności pentagram (nietypowy dla tańca), zbliżają ten temat do tematów innych części symfonii (część boczna części I, część główna Andante).

Motyw bocznyzachowuje żywy ruch taneczny, ale staje się gładszy i bardziej melodyjny, zbliżając się do okrągłej piosenki tanecznej. Ta lekka, wiosenna radosna melodia wije się jak łańcuch dziewcząt w okrągłym tańcu.

W rozwoju i repryzie kontynuuje się wariacja tematów, zapoczątkowana w ekspozycji. Zmieniają się orkiestracja i harmonizacja, szczególnie duża jest rola barwnych porównań tonalnych. Pojawiają się nowe echa, nowe warianty tematyczne (które później otrzymują samodzielny rozwój) i wreszcie zupełnie nowe wątki. To wielki taneczny temat, który pojawia się w kulminacji rozwoju ( C - czas trwania ) - ucieleśnienie syntezy obu tematów allegra sonatowego. To taniec, w którym uczestniczy wiele osób, których łączy jeden nastrój. Pod koniec repryzy ruch nabiera tempa, wszystko pędzi w wirze tańca.

Dzięki powiązaniom z innymi częściami symfonii (w szczególności z pierwszymi)) zakończenie ma sens uogólnienia.

Powinowactwo tematów symfonii łączy jej cztery części w jedno majestatyczne płótno. Symfonia epicka, która tutaj otrzymała swoje pierwsze i kulminacyjne wcielenie, stanie się jedną z głównych tradycji muzyki rosyjskiej.

Charakterystyczne cechy epickiej symfonii Borodina

• brak konfliktu między tematami formy murarskiej;
• zamiast konfrontacji - ich kontrastowe porównanie;
• poleganie na wspólnych, zbiorowych, ugruntowanych intonacjach, powiązanie z rosyjskim folklorem pieśni jako tradycyjna cecha tematyzmu;
• przewaga ekspozycji nad rozwojem, techniki zmienności intonacji, polifonia sub-głosowa nad rozwojem motywacyjnym;
• stopniowe wzmacnianie pierwotnej istoty głównych obrazów, aprobowanie idei integralności i stałości, w których kończy się główny patos eposu;
• przeniesienie scherza na drugie miejsce w cyklu symfonicznym, co tłumaczy brak dramatyzmu w allegro pierwszej sonaty (w związku z tym nie ma potrzeby refleksji, wytchnienia);
• ostatecznym celem rozwoju jest synteza materiału kontrastowego.

Wiadomo, że część materiałów pierwotnie przeznaczonych do opery została później wykorzystana w symfonii, w szczególności początkowy temat został pierwotnie pomyślany jako temat chóru połowieckiego w Igorze.

znaleziony w muzyce orientalnej, Szostakowicz ma monogram. Co ciekawe, szczegóły progu głównego tematu to II niska, IV niska (dis ) - zarys ważnych kamieni milowych w dalszym rozwoju tonalnym partii: początek rozwoju - C-dur, drugorzędny w repryzie -Es-dur.

V Symfonia Głazunowa, V Symfonia Myaskowskiego i V Symfonia Prokofiewa powstały na wzór symfonii „heroicznej”.

Dzieła symfoniczne A.P. Borodina

A.P. Borodin stworzył tylko dwie symfonie (trzecia nie jest ukończona). II Symfonia, obok opery „Książę Igor”, jest najważniejszym dziełem kompozytora. Symfonia została wykonana po raz pierwszy w 1877 roku na jednym z koncertów Rosyjskiego Towarzystwa Muzycznego i nie została doceniona w swojej prawdziwej wartości. Premiera w Moskwie, która odbyła się w 1880 roku, stała się triumfem. Nazwę „Bohaterska” symfonia nadał V.V. Stasov, sformułował także program każdego ruchu: I - Kolekcja bohaterów

II - Igrzyska Bogatyrów

III - Pieśń akordeonu

IV - Święto Bohaterów

I. Dramat symfonii. Symfonia jest pierwszym przykładem rosyjskiej symfonii epickiej. Bieguny figuratywne symfonii można z grubsza przedstawić jako antytezę „las – step”, najdobitniej manifestują się one w tematyzmie, który obejmuje dwie sfery – rosyjską i wschodnią (pierwsza prezentowana jest w większej skali, druga jest często obecna jako „odwrotna strona” „motywów rosyjskich”).

1. Rosyjski tematyzm w symfonii jest reprezentowany przez różne gatunki:

Taniec - I element tematu głównego I części, temat II części, temat główny finału

Pieśń, poboczny temat długo-liryczny I części, poboczny temat finału (rozmiar 3\2)

Epicka pieśń - główny temat III części

Melodia instrumentalna - część II (temat główny), osobne tury tematu głównego części IV

2. Tematyka orientalna kojarzy się przede wszystkim z Azją (a nie z Kaukazem), co jest charakterystyczne dla całej twórczości Borodina. Tematy orientalne charakteryzują się wyraźnym basem, synkopowaną melodią, wykwintnymi przemiennymi harmoniami (II część Allegretto).

II. Kontrast tematyczny jest zgodny z zasadami dramatu epickiego. Tematy nie kolidują ze sobą, ale są ze sobą zestawione. Ich rozmieszczenie tworzy serię kolorowych kontrastujących obrazów. Zasada porównania jest realizowana na wszystkich poziomach formularza: na poziomie tematycznym (szczegółowe ekspozycje tematów we wszystkich częściach są porównywane, najwyraźniej - rozdz. I podpunkt I); na poziomie odcinków jednej części (przykład - I część); na poziomie pasujących części cyklu.

III. Podstawa progowa - ludowa, naturalny moll (część III część), progi siedmiostopniowe:

Szef t. Część I - Frygijska

sob. Część I - Miksolidyjska

Temat IV części - z kwartą lidyjską

IV. Rytm metra - zastosowanie zmiennych i złożonych rozmiarów, częste występowanie omdleń.

V. Lektura kompozycyjna części cyklu jest niezwykła. Kompozytor preferuje formę sonatową bez opracowania. W pierwszej części rozwój nadal spełnia motywacyjno-tematyczną zasadę rozwoju, chociaż konkuruje z nią zasada wariancji. W przyszłości Borodin unika rozwoju, co odpowiada bezkonfliktowemu typowi dramatu. Część IV jest formą sonatową rondo.

Vi. Funkcje orkiestracji oparte są na zasadzie stylizacji barwy (odwzorowane jest brzmienie instrumentów ludowych).

Skład orkiestry: 2 flety, 2 flety piccolo, 2 oboje, 2 klarnety, 2 fagoty, 4 waltornie, 2 trąbki, 3 puzony, tuba, kotły, trójkąt, harfa, smyczki.

Historia stworzenia

Druga Symfonia Borodina jest jednym ze szczytów jego twórczości. Należy do światowych symfonicznych arcydzieł, dzięki swojej jasności, oryginalności, monolitycznemu stylowi i pomysłowej realizacji obrazów rosyjskiej epopei ludowej. Kompozytor wymyślił ją na początku 1869 roku, ale pracował nad nią z bardzo długimi przerwami, spowodowanymi zarówno jego głównymi obowiązkami zawodowymi, jak i ucieleśnieniem innych pomysłów muzycznych. Pierwsza część została napisana w 1870 roku. Następnie pokazał go swoim towarzyszom - Bałakiriewowi, Kujowi, Rimskiemu-Korsakowowi i Musorgskiemu, którzy tworzyli tzw. koło Bałakiriewa lub Potężną garstkę (definicja ich starszego mentora i przywódcy ideologicznego krytyka sztuki W. Stasowa). Aleksander Porfiriewicz Borodin był entuzjastycznie nastawiony do tego, co pokazano wśród jego przyjaciół. Gorący i szybki w głośnych definicjach, Stasov natychmiast nazwał ją „lwicą”. Musorgski zaproponował jej nazwę słowiańskiego bohaterstwa. Jednak Stasow, który nie zastanawiał się już nad definicją emocjonalną, ale nad nazwą, pod jaką miała żyć muzyka, zaproponował: Bogatyrskaja. Autor nie sprzeciwił się takiej interpretacji jego planu, a symfonia pozostała z nim na zawsze.

Do końca było jeszcze bardzo daleko. Dużo rozprasza - nauczanie w Akademii Medyczno-Chirurgicznej, gdzie Borodin jest profesorem, nauczanie na lekcjach kobiecych kursów medycznych, liczne obowiązki publiczne, w tym redagowanie popularnonaukowego pisma „Wiedza”. Ten ostatni trwał tylko jeden sezon, gdyż niezadowolony z ateistycznej orientacji pisma rząd „zalecił” Borodinowi opuszczenie redakcji. W końcu uwagę kompozytora rozpraszało tworzenie innych utworów. W tych samych latach pojawiły się fragmenty opery „Książę Igor”, w których bardzo mocne były także nuty „heroiczne”. Symfonia została w pełni ukończona dopiero w 1876 roku. Jego prawykonanie odbyło się 2 lutego 1877 roku na jednym z koncertów Rosyjskiego Towarzystwa Muzycznego w Petersburgu pod dyrekcją E. F. Napravnika.

Symfonia, mimo braku zapowiedzianego programu, ma wyraźnie cechy programowe. Stasow pisał o tym: „Sam Borodin niejednokrotnie mówił mi, że w adagio chciał narysować postać Boyana, w pierwszej części - spotkanie rosyjskich bohaterów, w finale - scena heroicznej uczty z dźwiękiem gusli, z radością wielkiej rzeszy ludzi.” W rzeczywistości ta interpretacja dała Stasovowi powód dla nazwy Bogatyrskaya.

Muzyka

Pierwsza część opiera się na porównaniu dwóch obrazów. Pierwszy to potężny unisono temat wykonywany przez smyczki, jakby deptane, ciężkie i kipiące. Uzupełnia go, nieco łagodząc surowość, ożywiony motyw intonowany dętymi drewnianymi. Temat poboczny – szeroka melodia pieśni w wykonaniu wiolonczel – zdaje się przedstawiać luźny rosyjski step. Produkcja opiera się na przeplataniu się heroicznych, napiętych epizodów, które budzą skojarzenia z bitewnymi bitwami, epickimi wyczynami, z lirycznymi, bardziej osobistymi momentami, w których w wyniku rozwoju temat poboczny nabiera radosnego charakteru. Po skondensowanej repryzie temat pierwszy zostaje z ogromną siłą afirmowany w kodzie utworu.

Część druga to szybkie scherzo, którego temat pierwszy wybiega z głębi basu na tle powtarzanej przez waltornie oktawy, a następnie spływa w dół, jakby „bez zaczerpnięcia oddechu”. Drugi temat brzmi nieco łagodniej, choć zachowuje męski charakter. W jego osobliwym synkopowanym rytmie słychać odgłosy wściekłego galopu koni stepowych po bezkresnych przestrzeniach. Trio urzeka melodyjnym urokiem i jak to często bywa w przypadku Borodina, melodii podsyca orientalny błogość. Ale przeciętny epizod jest niewielki - i szybki bieg wznawia się, stopniowo zanikając, jakby został uniesiony w nieznane.

Część trzecia, zaprojektowana według samego Borodina, aby przekazać obraz Boyana, legendarnego śpiewaka staroruskiego, ma charakter narracyjny i przebiega płynnym, spokojnym ruchem. Akordy harfy naśladują szarpanie strun harfy. Po kilku taktach wstępu zaintonowanego przez klarnet waltornia śpiewa poetycką melodię, należącą do najlepszych stron muzyki kompozytora. Historia nie jest jednak spokojna na długo: nowe motywy niosą niejasne poczucie zagrożenia, zagęszczają, przyciemniają kolory. Początkowa klarowność jest stopniowo przywracana. Część kończy się wspaniałym epizodem lirycznym, w którym główna melodia brzmi w pełni uroku.

Powtórzenie taktów otwierających prowadzi wprost do rozpoczynającego się bez przerwy zakończenia. Jego muzyka urzeka rozmachem, błyskotliwością, pogodą ducha, a jednocześnie - wielkością. Główny obraz muzyczny - główny temat formy sonatowej - to rozległy, żywiołowo wesoły temat w ostrym synkopowanym rytmie, który ma pierwowzór w ludowej pieśni chóralnej „Pójdę do carskiego miasta”. Całość dopełnia krótki „rozbuntowany” motyw oboju. Temat poboczny jest bardziej liryczny i spokojny. Ma charakter gloryfikacji i brzmi najpierw na klarnecie solo, a potem na flecie i oboju na tle niejako „dźwięcznych przelewów gusli”. Te trzy tematy przechodzą urozmaicony i mistrzowski rozwój, którego początek wyznacza ostry i mocny, brzmiący epizod w zwolnionym tempie. Potem ruch staje się coraz bardziej ożywiony, symfonia kończy się muzyką pełną waleczności i niepohamowanej radości.

Bohaterska symfonia Borodina idealnie pasuje do jej nazwy. Symfonia ta narodziła się wraz z dziełem życia Aleksandra Borodina, wraz z operą „Książę Igor”: oba te dzieła poświęcone są temu samemu tematowi - szlachetności i wielkości rosyjskiego bohatera, właściciela rosyjskiej ziemi i jej obrońca. Pierwszy temat symfonii mógł stać się mottem zarówno twórczości Borodina, jak i całej muzyki rosyjskiej. Jest ekstremalnie aforystyczny: krótki lift-swing i dwa tupiące „kroki”, które przywracają temat do pierwotnego tonu. To wypowiedź-temat, kolejność tematów, archaicznie niezręczna i niezwykle monolityczna. Takie wprowadzenie może otworzyć „Opowieść o minionych latach” lub inne „czyny minionych dni, legendy głębokiej starożytności”.

Cała pierwsza część Bogatyrskiej jest wariacją na temat głównego tematu, przy której wszystkie inne motywy wyglądają fragmentarycznie, fragmentarycznie, jak cieniowanie sideshows. A melodia "bufonów", która przelatywała w poprzek, i melodia "białych łabędzi", dziewczęca melodia - wszystko blednie przed motywem-mottem i jego wariantami. Słychać albo szorstki taniec człowieka, teraz niespokojne oczekiwanie - "zasadzka", potem ostre ciosy mieczy lub skok rycerzy w polu. Pierwsza część symfonii jest w pełni zgodna z tytułem „epic”, o którym często wspomina się przy wszystkich utworach Borodina. Ta nazwa wiele znaczy: i skłonność do malarstwa, i przewaga prezentacji nad rozwojem, i dominacja wariacji, i skłonność do porównań. I oczywiście wielkość, zakres, szerokość.

Trudno znaleźć w historii muzyki symfonicznej inny utwór, w którym główny temat tak bezwarunkowo królował nad wszystkimi innymi, jakby je tłumił i „przerażał”; trudno sobie wyobrazić, że jedna myśl może wypełnić całą muzyczną przestrzeń. Oczywiście wymaga tego potężny głos i szczególna postać tego tematu. Jednak po wysłuchaniu „heroicznej” symfonii, być może pesymiści nazwą ją nie tyle heroiczną, co „autokratyczną”, tak wielka jest centralizacja i koncentracja „władzy” głównego tematu. Symfonia Borodina jest więc nawet nieco „antysymfoniczna”, statyczna: gatunek symfonii zakłada organiczne połączenie różnych materiałów i jego dynamiczny rozwój. Optymiści zapewne podkreślą jednak wyraźnie wyczytany w muzyce wizerunek Ilji Muromca, który od trzydziestu lat siedzi w Sydney i wreszcie pokazał całą swoją siłę. Wtedy „Bogatyrska” jest tylko ziarnem przyszłości, symbolem nieujawnionej epickiej potęgi, szkiców i dotknięć do wspaniałego poematu o narodzie rosyjskim, muzycznym wprowadzeniem do jego chwalebnej historii, która dopiero się kończy.

Kompozycja orkiestrowa

• 2 flety
• 2 flety piccolo
• 2 oboje
• 2 klarnety
• 2 fagoty
• 4 waltornie
• 2 rury

• 3 puzony
• kotły
• trójkąt
• smyczki

Historia stworzenia

II Symfonia Borodina- jeden ze szczytów jego pracy. Należy do światowych symfonicznych arcydzieł, dzięki swojej jasności, oryginalności, monolitycznemu stylowi i pomysłowej realizacji obrazów rosyjskiej epopei ludowej. Kompozytor wymyślił ją na początku 1869 roku, ale pracował nad nią z bardzo długimi przerwami, spowodowanymi zarówno jego głównymi obowiązkami zawodowymi, jak i ucieleśnieniem innych pomysłów muzycznych. Pierwsza część została napisana w 1870 roku. Następnie pokazał go swoim towarzyszom - Bałakiriewowi, Kujowi, Rimskiemu-Korsakowowi i Musorgskiemu, którzy tworzyli tzw. koło Bałakiriewa lub Potężną garstkę (definicja ich starszego mentora i przywódcy ideologicznego krytyka sztuki W. Stasowa). Spektakl wzbudził wśród znajomych prawdziwy entuzjazm. Gorący i szybki w głośnych definicjach, Stasov natychmiast nazwał ją „lwicą”. Musorgski zaproponował jej nazwę słowiańskiego bohaterstwa. Jednak Stasov, zastanawiając się już nie nad emocjonalną definicją, ale nad nazwą, pod którą muzyka będzie żyła, zasugerował: Bogatyrskaja... Autor nie sprzeciwił się takiej interpretacji jego planu, a symfonia pozostała z nim na zawsze.

Do końca było jeszcze bardzo daleko. Dużo rozprasza - nauczanie w Akademii Medyczno-Chirurgicznej, gdzie Borodin jest profesorem, nauczanie na Kobiecych Kursach Medycznych, liczne obowiązki publiczne, w tym redagowanie popularnonaukowego czasopisma „Wiedza”. Ten ostatni trwał tylko jeden sezon, gdyż niezadowolony z ateistycznej orientacji pisma rząd „zalecił” Borodinowi opuszczenie redakcji. W końcu uwagę kompozytora rozpraszało tworzenie innych utworów. W tych samych latach pojawiły się fragmenty opery „Książę Igor”, w których bardzo mocne były także nuty „heroiczne”. Symfonia została w pełni ukończona dopiero w 1876 roku. Jego prawykonanie odbyło się 2 lutego 1877 roku na jednym z koncertów Rosyjskiego Towarzystwa Muzycznego w Petersburgu pod dyrekcją E. F. Napravnika.

Symfonia, mimo braku zapowiedzianego programu, ma wyraźnie cechy programowe. Stasow pisał o tym: „Sam Borodin niejednokrotnie mówił mi, że w adagio chciał narysować postać Boyana, w pierwszej części - spotkanie rosyjskich bohaterów, w finale - scena heroicznej uczty z dźwiękiem gusli, z radością wielkiej rzeszy ludzi.” W rzeczywistości ta interpretacja dała Stasovowi powód dla nazwy Bogatyrskaya.

Muzyka

W „Heroicznej Symfonii” są 4 części:

Pierwsza część na podstawie porównania dwóch obrazów. Pierwszy to potężny unisono temat wykonywany przez smyczki, jakby deptane, ciężkie i kipiące. Uzupełnia go, nieco łagodząc surowość, ożywiony motyw intonowany dętymi drewnianymi. Temat poboczny – szeroka melodia pieśni w wykonaniu wiolonczel – zdaje się przedstawiać luźny rosyjski step. Produkcja opiera się na przeplataniu się heroicznych, napiętych epizodów, które budzą skojarzenia z bitewnymi bitwami, epickimi wyczynami, z lirycznymi, bardziej osobistymi momentami, w których w wyniku rozwoju temat poboczny nabiera radosnego charakteru. Po skondensowanej repryzie temat pierwszy zostaje z ogromną siłą afirmowany w kodzie utworu.

Druga część- szybkie scherzo, którego temat pierwszy gwałtownie wybija się z głębi basu na tle powtarzanej przez waltornie oktawy, a potem spływa w dół, jakby „bez zaczerpnięcia oddechu”. Drugi temat brzmi nieco łagodniej, choć zachowuje męski charakter. W jego osobliwym synkopowanym rytmie słychać odgłosy wściekłego galopu koni stepowych po bezkresnych przestrzeniach. Trio urzeka melodyjnym urokiem i jak to często bywa w przypadku Borodina, melodii podsyca orientalny błogość. Ale przeciętny epizod jest niewielki - i szybki bieg wznawia się, stopniowo zanikając, jakby został uniesiony w nieznane.

Trzecia część, wezwany według samego Borodina do oddania wizerunku Boyana, legendarnego staroruskiego śpiewaka, ma charakter narracyjny i rozwija się płynnym, spokojnym ruchem. Akordy harfy naśladują szarpanie strun harfy. Po kilku taktach wstępu zaintonowanego przez klarnet waltornia śpiewa poetycką melodię, należącą do najlepszych stron muzyki kompozytora. Historia nie jest jednak spokojna na długo: nowe motywy niosą niejasne poczucie zagrożenia, zagęszczają, przyciemniają kolory. Początkowa klarowność jest stopniowo przywracana. Część kończy się wspaniałym epizodem lirycznym, w którym główna melodia brzmi w pełni uroku.

Powtórzenie taktów otwierających prowadzi wprost do rozpoczynającego się bez przerwy zakończenia. Jego muzyka urzeka rozmachem, błyskotliwością, pogodą ducha, a jednocześnie - wielkością. Główny obraz muzyczny - główny temat formy sonatowej - to rozległy, żywiołowo wesoły temat w ostrym synkopowanym rytmie, który ma pierwowzór w ludowej pieśni chóralnej „Pójdę do carskiego miasta”. Całość dopełnia krótki „rozbuntowany” motyw oboju. Temat poboczny jest bardziej liryczny i spokojny. Ma charakter gloryfikacji i brzmi najpierw na klarnecie solo, a potem na flecie i oboju na tle niejako „dźwięcznych przelewów gusli”. Te trzy tematy przechodzą urozmaicony i mistrzowski rozwój, którego początek wyznacza ostry i mocny, brzmiący epizod w zwolnionym tempie. Potem ruch staje się coraz bardziej ożywiony, symfonia kończy się muzyką pełną waleczności i niepohamowanej radości.

Wideo

Przyszłość należy do symfonizmu programowego typu Glinka czy Berlioz, klasyczny czteroczęściowy cykl jest beznadziejnie przestarzały - takie stanowisko zajmowali wszyscy kompozytorzy Potężnej garści, ale nie Aleksander Porfiriewicz Borodin. Pozwoliło to nawet Władimirowi Stasowowi wyrazić ubolewanie, że nie chce stanąć „po stronie rdzennych innowatorów”. Z całym szacunkiem dla Stasowa należy przyznać, że w tym przypadku się mylił – Borodin w dziedzinie symfonii był radykalnym innowatorem nie mniejszym niż lub. Zrobił to, czego nie zrobił – stworzył rosyjską symfonię klasyczną, i to bardzo osobliwą.

Za szczyt twórczości symfonicznej Aleksandra Porfiriewicza Borodina uważana jest II Symfonia, której pomysł zrodził się w 1869 roku, ale jak zawsze liczne obowiązki pozostawiały niewiele czasu na komponowanie i dopiero w 1870 roku kompozytor pokazał przyjaciołom część pierwszą. zaproponował nazwanie symfonii „słowiańską bohaterską”, ale przyjęto tytuł zaproponowany przez Władimira Stasowa – „Bogatyrskaya”.

Kompozytor pracował równolegle nad symfonią i operą „”, dlatego nie dziwi bliskość ich intonacji i figuratywna struktura. Co więcej, czasami materiał muzyczny stworzony do jednego utworu był następnie włączany do innego - na przykład temat, od którego rozpoczyna się symfonia, Borodin pierwotnie przeznaczony dla chóru połowieckiego w „”.

Część pierwsza - allegro sonatowe - uosabia obrazy bohaterskie. Część główna składa się z dwóch elementów – potężnego, „monolitycznego” unisono oraz żywej melodii. Przypomina to nieco dialog Igora z orszakiem w prologu do opery. Część boczna, prowadzona przez wiolonczele, jest zbliżona do rosyjskich, okrągłych pieśni tanecznych. Takie porównanie zasad heroicznych i lirycznych można porównać z obrazami Igora i Jarosławny. Powinowactwo intonacyjne obu tematów pozwala na ich połączenie w rozwoju. Punkty narządowe i sekwencyjny rozwój nadają mu dramatyczny efekt. W repryzie część główna - dzięki fakturze akordów - staje się jeszcze mocniejsza, część boczna - jeszcze bardziej miękka. W kodzie powiększony jest początkowy element partii głównej.

Część druga – „Heroic Games” – to szybkie scherzo w formie trzyczęściowej, którego skrajne odcinki mają formę sonatową bez rozwinięcia. Energetyczną, ostrą część główną wyznacza część boczna z jej chromatyzmami i synkopami. Te orientalne cechy jeszcze wyraźniej manifestują się w trio, zmuszając do przypomnienia scen połowieckich „”. Niemniej jednak orientalne rysy tematu tria nie kolidują z jego intonacyjną relacją z boczną częścią części pierwszej - tu manifestuje się zasada integralności i jedności charakterystyczna dla symfonizmu epickiego.

Część trzecia – powolna – również ma formę sonatową. Główna część ze swoją zmiennością modalną i melodiami trichordowymi przypomina epicką melodię. Obraz narratora uzupełnia harfa imitująca harfę. Gra poboczna jest bardziej wzburzona. Dramat nasila się w przetworzeniu, gdzie elementy tematów nabierają potężnego brzmienia, przypominającego teraz główną część z części pierwszej. W repryzie oba tematy utrzymane są w tej samej tonacji - kontrast znika, ustępując miejsca syntezie.

Finał – również w formie sonatowej – przebiega bez przerwy po części trzeciej. Zarówno wstęp, jak i część główna mają charakter melodii tanecznych. Są podobne cechy i strony, ale cantilence zbliża ją do okrągłych piosenek tanecznych. Zmienność tematów – tonalna, orkiestrowa, harmoniczna – zaczyna się w ekspozycji i rozwija się, a ostatecznie prowadzi do ich syntezy.

Aleksander Porfiriewicz Borodin przez kilka lat pracował nad II Symfonią. Ukończono go w 1876 roku, a rok później wykonano w Petersburgu pod dyrekcją Eduarda Napravnika.

Muzyczne sezony