1.Cleopatra

Potresti pensare di non sapere nulla di lei. Bene, facciamo finta che tu sia caduto dalla luna e dillo. Visse nel I secolo a.C. e. Sovrano d'Egitto. Signora di Cesare e Marco Antonio. Famosa per la sua bellezza, è un'amante dei bagni di latte e degli unguenti a base di perle disciolte. È morta a causa di problemi tecnici con il serpente. A proposito, le immagini sulle monete sono gli unici ritratti della regina provati al 100%. E sembrano tutti così.

2.Lina Cavalieri

Cantante di opera. Visse a cavallo tra il XIX e il XX secolo. Considerata una delle donne più belle dell'epoca. Le cartoline con le sue immagini furono vendute a milioni e qualsiasi sapone riteneva doveroso decorare le sue pubblicità con la famosa figura a "clessidra" di una formosa cantante, famosa per la sua capacità di stringere il corsetto in modo che la sua vita non superasse 30 centimetri.

3.Frine

L'etera ateniese, vissuta nel IV secolo a.C., è un modello preferito di molti scultori e artisti, tra cui Prassitele. È diventata famosa per la sua bellezza e i suoi enormi soldi: li ha richiesti a quei gentiluomini che non le piacevano.

4.Cleo de Merode

Ballerina francese nata alla fine dell'800, diventata una delle donne più famose al mondo per la sua bellezza. Ha ricevuto il titolo di "Regina della bellezza" dalla rivista francese "Illustration", che ha compilato la prima classifica mondiale delle bellezze mondiali nel 1896.

5.Ninon de Lanclos

Cortigiana e scrittrice francese del XVII secolo, una delle donne più libere di pensiero della sua epoca. Abbiamo scritto - XVII secolo? Occorre aggiungere: solo il 17° secolo. Ed è riuscita anche a catturare il limite del diciottesimo, diventando la campionessa assoluta tra i veterani del movimento cortigiano.

6.Praskov'ja Zhemchugova

In realtà, rare Cenerentola riescono a suonare dei principi, ma c'è almeno un caso nella storia in cui un conte, milionario e il più illustre dei nobili del suo tempo, sposò il proprio schiavo. Alla fine del XVIII secolo, Parasha Zhemchugova, l'attrice serva del conte Sheremetev, divenne la moglie del suo padrone, scandalizzando la società russa.

7.Diana di Poitiers

Il favorito di Enrico II, vissuto nel XVI secolo, per il bene del quale il re rovinò effettivamente i suoi sudditi. Il re era molto più giovane della sua amata, si innamorò di Diana infatti in tenera età e le rimase fedele per tutta la vita, se non fisicamente, almeno mentalmente. Come scrissero i contemporanei, "malgrado tutto l'odio del popolo per Diana, questo odio è ancora inferiore all'amore del re per lei".

8.Anna Bolein

Regina inglese a breve termine del XVI secolo, seconda moglie di Enrico VIII, a causa della quale gli inglesi divennero protestanti. Madre Elisabetta la Grande era nota per la sua bellezza e frivolezza e finì la sua vita sul patibolo, accusata dal marito di numerosi tradimenti nei suoi confronti e dell'Inghilterra.

9.Messalina

Visse all'inizio del I secolo d.C. e, era la moglie dell'imperatore Claudio e godeva della reputazione della donna più lussuriosa di Roma, secondo la testimonianza di Tacito, Svetonio e Giovenale.

10.Imperatrice Teodora

Nel VI secolo d.C. e. Teodora divenne la moglie dell'erede al trono imperiale, e poi l'imperatore di Bisanzio, Giustiniano. Ma prima di diventare una pia e venerabile regina, Teodora praticò per molti anni la pantomima e l'acrobazia nel circo, vendendosi allo stesso tempo un po' a conoscitori particolarmente ammirati dell'arte circense.

11.Barbara Radziwill

Una giovane vedova lituana, che nel XVI secolo divenne la moglie segreta del futuro re di Lituania e Polonia, Sigismondo II Agosto. Era considerata la donna più bella del regno.

12.Simonetta Vespucci

Se hai visto il dipinto "La nascita di Venere" di Botticelli, allora conosci bene questo famoso modello fiorentino del XV secolo. È più facile elencare quale degli artisti di quell'epoca non dipinse la Simonetta dai capelli rossi. E i duchi Medici (con alcuni di loro il modello aveva un rapporto di fiducia) furono ufficialmente obbligati ad indicarlo nei documenti come “Incomparabile Simonetta Vespucci”.

13.Agnese Sorel

La mademoiselle francese del XV secolo, favorita di lunga data di Carlo VII, che diede alla luce le figlie del re, influenzò beneficamente, secondo i contemporanei, la sua politica e nel tempo libero da questi studi posò per gli artisti - ad esempio , Fouquet, quando dipinse Madonne per chiese e clienti privati.

14.Nefertiti

La moglie principale del faraone Ekhanaton, che regnò in Egitto nel XIV secolo a.C. e. Sono stati conservati numerosi busti e statue della bella Nefertiti. Ma la mummia della regina non è stata ancora trovata, quindi non si sa quanto fosse simile ai suoi ritratti molto attraenti, che fecero letteralmente impazzire molti poeti e scrittori del primo Novecento che videro queste opere nei musei europei.

15.Marchesa de Maintenon

La giovane vedova del poeta Scarron fu invitata alla corte di Luigi XIV dalla favorita del re, Madame de Montespan, affinché il povero Scarron si occupasse dell'educazione dei reali bastardi. Il re era così felice dei suoi metodi di insegnamento che desiderava sperimentarli di persona. Con grande indignazione di tutta la corte, non solo fece una nuova amante la marchesa di Maintenon, ma poi la sposò segretamente.

16.Marchesa de Montespan

L'amante di Luigi XIV, vissuta nel XVII secolo, proveniva essa stessa da una nobile famiglia ducale, tanto che la corte francese tollerava volentieri un'amante di così alto rango vicino al re. Inoltre, la marchesa era carina (per gli standard dell'epoca, almeno) e abbastanza intelligente da non farsi coinvolgere troppo negli affari pubblici.

17.Zinaida Yusupova

La donna più ricca e più bella dell'impero russo del XIX secolo. Inoltre, essendo l'unica erede dell'intera famiglia dei principi Yusupov, per ordine speciale dello zar, oltre a una dote multimilionaria, portò a suo marito il titolo di principe Yusupov. Quanti fan pensi che avesse? Il vincitore di questa faticosa corsa fu il conte Sumarokov-Elston - un generale, un uomo coraggioso e con grandi baffi.

18.Wallis Simpson

Ognuno di noi a volte si chiede quanto vale in questa vita. L'americano Wallis Simpson, due volte divorziato, aveva la risposta a questa domanda. Vale un po' di più dell'Impero Britannico. Almeno lo decise il re d'Inghilterra, Edoardo VIII, che abdicò al trono nel 1936 per sposare Wallis: pur occupando il trono, non aveva il diritto di sposare una donna divorziata.

19.Madame Recamier

Il banchiere cinquantenne Jean Recamier, che nel 1793 sposò la sedicenne Julie, sapeva cosa stava facendo. Non andò dalla sua bellezza con il sesso volgare, ma invitò da lei i migliori insegnanti che si potevano trovare solo nella Francia rivoluzionaria. Un paio d'anni dopo, finanziò generosamente la sua casa, i suoi abiti e la sua vita sociale, incoraggiando la giovane moglie ad attirare folle di amici e ammiratori dell'allora élite. Grazie al famoso salotto politico, letterario e scientifico di Madame Récamier, il banchiere divenne una delle persone più influenti d'Europa.

20.yang guifei

La preziosa moglie dell'imperatore cinese Ming-huang, meglio conosciuto con il nome postumo di Xuanzong (governato nell'VIII secolo). Una mendicante di una famiglia di contadini, Yang, fece impazzire l'imperatore così tanto che in realtà diede tutto il potere dello stato nelle mani dei suoi numerosi parenti, e lui stesso si divertiva con Yang-guifei che mangiava arance fuse e altre sofisticatezze cinesi . Il risultato logico fu un colpo di stato e una guerra civile.

21.Veronica Franco

C'erano molti turisti a Venezia nel XVI secolo. Non erano tanto i canali veneziani ad attirare in questa città gentiluomini provenienti da terre lontane, quanto piuttosto “pii cortigiane”: questo era il nome ufficiale delle donne corrotte più chic della città, raffinate, colte, libere nella comunicazione e rovinato i loro gentiluomini nel modo più nobile. Una delle pii cortigiane più famose fu Veronica Franco.

22.aspasia

Etera ateniese, che divenne la moglie del sovrano di Atene, Pericle (V secolo aC). Etera nelle mogli del sovrano era di per sé una curiosità, ma un'altra caratteristica di Aspasia era che numerosi autori non dicono una parola sul fatto che fosse bella o sexy. No, tutti lodano la sua mente eccezionale all'unisono. È noto, ad esempio, che lo stesso Socrate amava molto visitare Aspasia e ascoltare i suoi ragionamenti filosofici.

23.Isadora Duncan

Star dell'inizio del XX secolo, una ballerina americana che ha introdotto la tradizione della danza "naturale" nonostante i balletti ufficiali delle punte e altri orrori classici. La naturalezza richiedeva anche un abbigliamento naturale, quindi Isadora di solito ballava a piedi nudi, avvolta casualmente in una varietà di lenzuola svolazzanti che non impedivano al pubblico di seguire i movimenti del suo corpo. Era la moglie del poeta russo Sergei Esenin.

24.Gattino Pescatore

La cortigiana più cara della Gran Bretagna nel 18° secolo: una notte con lei costava almeno cento ghinee (per questa cifra si potevano comprare dieci cavalli purosangue). Allo stesso tempo, Kitty prendeva dieci volte tanto dagli uomini che non le piacevano. Il suo grande amore per il denaro era accompagnato da un terribile spreco. Il simbolo di Kitty era l'immagine di un gattino che catturava un pesce rosso da un acquario: il suo nome, cognome e personaggio erano riprodotti contemporaneamente in esso.

25.Harriett Wilson

Nella prima metà del 19° secolo, la vita scandalosa di Londra esisteva principalmente a causa delle sei sorelle Wilson, che erano impegnate nella prostituzione dell'alta società. La più riuscita di loro fu Sophia, che riuscì a sposare Lord Berwick, e la più famosa fu Harriett. È difficile trovare un politico famoso di quell'epoca che sia riuscito a evitare di stare nel letto di Harriett. Il futuro re Giorgio IV, il Lord Cancelliere, il Primo Ministro, il Duca di Wellington - avevano tutti uno stretto rapporto con Harriett. Ufficialmente era considerata una scrittrice: pubblicò a proprie spese romanzi gotici mostruosamente impopolari e noiosi.

26.Mata Hari

La giovane donna olandese Margarita Gertrude Zelle ha preso lo pseudonimo di Mata Hari dopo che, avendo vissuto in un matrimonio senza successo con il suo primo marito in Indonesia, è scappata dal marito e ha iniziato a fare uno spogliarello. Ufficialmente, lo spogliarello eseguito da Mata era chiamato "una mistica danza orientale gradita a Shiva". Durante la prima guerra mondiale fu una spia, un doppiogiochista per Francia e Germania, dopo di che fu fucilata indecentemente frettolosamente dai francesi nel 1917. Finora, prevale la versione che in questo modo uno degli alti funzionari della Francia ha cercato di nascondere il suo legame con Mata e i propri crimini di guerra.

27.Tullia d'Aragona

Una cortigiana italiana del XVI secolo, che a sua volta scosse Roma, Firenze e Venezia. Oltre alle vittorie effettivamente sessuali sui talenti e sulle menti più importanti del Rinascimento italiano, Tullia era famosa come poetessa, scrittrice e filosofa. Ad esempio, i suoi "Dialoghi sull'infinito dell'amore" furono una delle opere più popolari del secolo.

28.Carolina Otero

Ballerina e cantante francese della fine del 19° secolo, fingendosi una zingara, anche se in realtà era una spagnola di razza (ma allora non era di moda). Ha avuto un grande successo con le persone incoronate. Almeno sette re e imperatori erano i suoi amanti segreti. In particolare, è noto che l'imperatore russo Nicola II era estremamente parziale nei confronti della Carolina.

29.Liane de Pugy

Ballerina e scrittrice francese a cavallo tra 19° e 20° secolo, che si barattava anche un po' per un compenso estremamente alto (a Liana stessa piacevano di più le ragazze, quindi aveva relazioni amorose per lo più con le sue bellissime colleghe). Marcel Proust ha cancellato una delle sue eroine, Odette de Crecy, da Liana. Mademoiselle de Pougy era amica di quasi tutti gli intellettuali della sua epoca. Dopo aver sposato un aristocratico rumeno, divenne una principessa e si ritirò.

30.Contessa di Castiglione

Nata nel 1837, l'italiana Virginia Oldoini divenne la prima top model al mondo. Sono sopravvissuti più di 400 dei suoi dagherrotipi. Nobildonna di antica famiglia, sposò all'età di 16 anni il conte Castiglione, ma preferì la sorte di una cortigiana e politica dell'alta società a una tranquilla vita familiare. Fu l'amante di Napoleone III.

31.Ono no Komachi

Poetessa giapponese e dama di corte del IX secolo, inclusa nell'elenco dei "36 più grandi poeti del Giappone". I geroglifici che denotano il suo nome sono diventati sinonimo della frase "bella donna". Allo stesso tempo, Ono no Komachi era un simbolo di freddezza e durezza di cuore. È noto, ad esempio, che ha costretto la sua amata a stare davanti alla sua porta in inverno in abiti leggeri per tutta la notte, dopo di che ha composto poesie tristi sulla loro morte prematura per il raffreddore.

32.Imperatrice Xi Shi

Nel VI secolo aC. e. il sovrano del regno cinese Wu, Fuchai, ricevette un regalo dai malvagi dei regni vicini: l'incredibile bellezza Xi Shi, accompagnata da un seguito di bellissime cameriere. Alla vista di Xi Shi, la mente di Fuchai andò oltre la ragione. Ordinò di creare un parco con un palazzo per lei e rimase in questo palazzo 24 ore su 24. Naturalmente, presto il suo regno fu conquistato da mascalzoni che escogitarono questo astuto piano.

Petr Fedorovich Sokolov (1791-1848)

Le vaste distese della Russia, la diversità della natura e la diversità dei popoli che la abitavano, hanno dato origine a tipi speciali e diversi di bellezza femminile. La Russia ha assorbito tutto, il sangue turco meridionale, la Germania occidentale e la Polonia settentrionale ... Quali bellezze non incontrerai nei suoi spazi aperti ...

"Ritratto di donna sconosciuta con berretto rosso"

Sokolov è il fondatore del genere del ritratto ad acquerello russo dalla natura, che è stato soppiantato negli anni 1820-40. miniatura del ritratto. I suoi ritratti ad acquerello sono finestre sul passato, attraverso le quali le bellezze secolari che hanno da tempo lasciato il mondo guardano al 21° secolo. La bellezza dei colori tenui, il fascino insito nelle immagini, ci fanno, anche adesso, dopo più di centocinquanta anni, apprezzare molto la sua arte.

"Ritratto di una ragazza con un vestito rosso"

Pyotr Fedorovich si diplomò all'Accademia delle arti nel 1809 nella classe di pittura storica. Per "Lamento di Andromaca sul corpo di Ettore" ha ricevuto una seconda (piccola) medaglia d'oro. All'inizio era in povertà, ma ben presto iniziò a dare lezioni di pittura e iniziò a studiare l'acquarello, cosa che ebbe un grande successo per la velocità di esecuzione, la capacità di scrivere senza stancarsi in posa. Avere la propria collezione di acquerelli prima del 1917 era considerato un segno di buon gusto e ricchezza. Ma, creando bellissimi ritratti, l'artista si è effettivamente ucciso con il pensiero che non stesse scrivendo grandi tele di trama che avrebbero dovuto immortalarlo...

"Ritratto di I.G. Poletika" Seconda metà degli anni '20 dell'Ottocento

Idalia Grigorievna Poletika (1807–1890), figlia illegittima del conte G.A. Stroganov. All'età di 19 anni sposò la guardia di cavalleria A.M. Poletika e nel corso degli anni è diventata una signora di spicco della società di San Pietroburgo. Ha personificato il tipo di una donna affascinante non tanto con il suo bel viso quanto con la svolta di una mente brillante, allegria e vivacità di carattere, che le hanno portato un successo costante e indubbio ovunque. Ha giocato un ruolo tragico nella storia pre-duello di AS Pushkin, era il suo peggior nemico.

"Ritratto di AS Glinka-Mavrina"

Alexandra Semyonovna Glinka-Mavrina (1825-1885) - moglie di Boris Grigorievich Glinka, cavaliere di Sant'Andrea, aiutante generale, nipote di V.K. Kuchelbecker. Nel 1830, Glinka servì da intermediario tra Pushkin e Kuchelbecker nel tentativo di pubblicare opere. Pushkin conosceva sua moglie.

"Ritratto di PN Ryumina" 1847

Praskovya Nikolaevna Ryumina (1821-1897). Il ritratto è stato commissionato per il matrimonio. V.A. Sollogub ha scritto che lo sposo “si obbliga alla stravaganza più ridicola ... Stanno arrivando doni indispensabili. Un ritratto dipinto da Sokolov, un braccialetto delicato, uno scialle turco…”

"Ritratto di SA Urusova" 1827

La principessa Sofya Alexandrovna Urusova (1804–1889) "... Le figlie del principe Urusov erano giustamente considerate un ornamento della società moscovita di quel tempo", scrisse lo storico francese Marc Runier. Nella primavera del 1827, Pushkin visitò spesso la casa degli Urusov, sui quali "la bellezza e la cortesia delle giovani casalinghe agivano in modo eccitante, ed era molto allegro, acuto, loquace"

"Ritratto della Granduchessa Alexandra Feodorovna" 1821

La granduchessa Alexandra Feodorovna (1798-1860) dal 1817 era la moglie del granduca Nikolai Pavlovich, il futuro imperatore Nicola I. Divenne l'idolo di un'intera generazione, molti poeti dell'era Pushkin le dedicarono le loro poesie.

Questo ritratto è uno dei capolavori indiscussi. L'arioso vestito di madreperla dell'augusto, magistralmente disegnato, contrasta con lo sguardo freddo dei suoi occhi, creando un'immagine molto ambigua.

"Ritratto di EK Vorontsova" circa 1823

Questo ritratto è uno dei capolavori di Sokolov. La famosa bellezza di San Pietroburgo è stata dipinta da molti artisti, ma nessuno l'ha ritratta come affascinante e femminile. L'artista utilizza la superficie della carta bianca nell'immagine, creando uno sfondo arioso con un leggero riempimento ad acquerello. Il ritratto di Vorontsova delizia con la perfezione della finitura in filigrana, la raffinatezza delle sottili combinazioni di colori.

"Ritratto di Yu.P. Sokolova" Intorno al 1827

Yulia Pavlovna Sokolova (1804–1877), dal 1820 moglie di PF Sokolov. “Viva, civettuola, quasi una bambina, non si è mai stufata di lui. Amava la vita secolare e suo marito, innamorato di lei fino all'adorazione, a quanto pare condivideva completamente i suoi gusti ", ha ricordato la loro nipote A.A. Isakova. Questo, uno dei ritratti più pieni di sentimento, è stato creato "in una sessione, in una mattina"

"Ritratto di A.O. Smirnova - Rosseti"

Alexandra Osipovna Smirnova (1809–1882), amica di Pushkin, Gogol, Zhukovsky, Vyazemsky, Aksakov... Quasi tutti i poeti dell'era Pushkin le dedicarono poesie. Gogol è stata la prima a leggerle i capitoli del 2° volume di Dead Souls. Ha lasciato i ricordi più interessanti della vita secolare, letteraria e spirituale del XIX secolo.

"Ritratto di EM Khitrovo"

Elizaveta Mikhailovna Khitrovo (1783–1839), figlia di MI Golenishchev-Kutuzov. Di formazione europea, Elizaveta Mikhailovna era allo stesso tempo una sincera patriota, una devota custode della gloria di suo padre, un'ardente ammiratrice della letteratura russa e un'entusiasta ammiratrice del genio di Pushkin. L'artista è riuscito a trasmettere nel ritratto la grande generosità spirituale, gentilezza e nobiltà della natura di questa donna eccezionale. Il ritratto è stato dipinto un anno prima della morte di Elizabeth Mikhailovna.

"Ritratto di MT Pashkova con sua figlia Alexandra"

"Ritratto di donna sconosciuta con mantello azzurro con ermellino" 1843

"Ritratto di donna" 1847

"Ritratto della contessa A.P. Mordvinova"

"Ritratto della contessa Shuvalova"

"Ritratto di Chertkova E.G."

Chertkova Elena Grigoryevna (1800-1832), nata contessa Stroganova. Sorella paterna di I.G. Poletiki.

"Ritratto di donna" 1830

Ritratto di Alessandra Grigoryevna Muravyova (1804-1832)

"Ritratto dell'imperatrice Alessandra Feodorovna"

"Principessa Golitsyna Alexandra Alexandrovna" 1840

"Ritratto di SF Tolstoj"

Sarra Feodorovna (1821-1838) - figlia del conte Fëdor Ivanovich Tolstoj. La ragazza era nota per il suo straordinario talento di poetessa.

"Ritratto della contessa Sologub NL."

Sologub Nadezhda Lvovna (1815-1903) contessa, damigella d'onore.

"Ritratto della contessa O.A. Orlova" 1829

La contessa Olga Alexandrovna Orlova (1807–1880) Nel 1826 sposò il conte AF Orlov. Nel 1847 le fu concesso lo status di dame

Musica: DiduLa "Mistero"

Pubblicato: 17 marzo 2011

Ritratto femminile alla fine del XIX secolo in Russia

La storia della ritrattistica russa è un fenomeno unico nella storia della cultura mondiale nel suo insieme, perché ha le sue radici nella pittura di icone ortodosse e si nutre del terreno fertile di una spiritualità profondamente religiosa. Se nell'Europa occidentale l'arte della ritrattistica risale agli antichi modelli greco-romani, cioè in epoca precristiana, allora in Russia furono i principi della pittura di icone a fungere inizialmente da modelli per la creazione di ritratti.

Qui si potrebbe, ovviamente, sostenere che, dopotutto, i ritrattisti russi conoscevano bene la cultura antica, copiavano numerosi "antiquariato" - studiavano il disegno, raffiguravano ritratti scultorei greci e romani e statue di divinità antiche. Ma, affinando la loro padronanza dei metodi tecnici della pittura secondo il modello occidentale, nel contenuto interno, gli artisti sono rimasti tutti i fili legati alla spiritualità ortodossa, e la corporalità delle immagini, così caratteristica dei capolavori della pittura europea, è svanita nel sfondo. I primi ritratti nella storia della pittura russa sono apparsi relativamente (in una prospettiva storica) di recente, nel XVII secolo. Hanno preso il nome - "parsuna". Uno dei primi "parsun" - "Ritratto dello zar Fyodor Ioannovich" dell'inizio del XVII secolo, dalla collezione del Museo storico statale di Mosca. Come puoi immaginare, il nome "parsuna" deriva dalla parola "persona". Poi è stata un'innovazione senza precedenti: sono state raffigurate persone reali e non immagini e scene bibliche iconiche.

In passato, era considerato egoismo inaccettabile ritrarre i contemporanei. Tuttavia, non è un caso che ci sia un'opinione tra gli artisti che qualsiasi dipinto sia un autoritratto. Per quanto l'artista voglia essere obiettivo, rinunciare al suo "io" in nome della purezza delle immagini, tuttavia, in ogni opera si esprime, spiritualizza tutto con la propria energia spirituale. Nell'arte della ritrattistica russa, il principio dell'autore si intreccia con la penetrazione dell'artista nelle profondità del mondo interiore e con il desiderio di esprimere quella scintilla di Dio che è originariamente insita in ogni persona. Questo è già evidente in quei "parsun" simili alle icone tradizionali, i cui nomi degli autori, purtroppo, sono caduti nell'oblio. E nei secoli successivi, quando i principi accademici dell'Europa occidentale iniziarono a prevalere nell'arte russa, e poi le tendenze del romanticismo e del realismo, la ritrattistica russa non perse la sua base ortodossa nelle profondità del contenuto interiore delle immagini. Ciò si è manifestato soprattutto nel desiderio di vedere la "luce di Dio" nelle tenebre dell'anima umana, in cui il terreno, il corpo e il mondano sono certamente illuminati dalla spiritualità viva. Le idee di ricerca della “scintilla di Dio” nel mondo terreno sono sempre state vicine alla cultura ortodossa, ma hanno raggiunto il loro culmine nella seconda metà del XIX secolo, quando sono diventate un aspetto chiave nella ricerca dell'intellighenzia creativa – ricordiamo le straordinarie opere di FM Dostoevskij e LN Tolstoj.

Luminose, originali, a volte colpiscono per la loro forza interiore, a volte toccano con la loro vulnerabilità, a volte sorprendendo per la stravaganza, le immagini di donne create dagli artisti di fine Ottocento si presentano davanti a noi. Forse, con tutta la varietà di personaggi, temperamenti, qualità esteriori rappresentati nei ritratti di donne, la proprietà principale che li unisce può essere chiamata la parola "Mari", cioè in ogni donna l'artista (consapevolmente o meno) esprime qualcosa che la rende imparentata con la biblica Maria ... Solo con quale - la Vergine Maria o Maria Maddalena, il lettore attento chiederà e avrà assolutamente ragione. Ma non c'è una risposta univoca a questo: dopotutto, nella natura femminile, le essenze di entrambi sono intrecciate. Sì, e poiché l'arte della fine del XIX secolo gravita verso il realismo, la proprietà di "Maria" è un riflesso di entrambi i principi, sia la purezza misteriosa, la castità e il peccato, la debolezza mondana, che viene redenta dal potere del perdono divino e misericordia. Il dilemma tra le immagini della Vergine Maria e di Maria Maddalena è latente anche nelle immagini femminili create dai maestri della parola, ad esempio il libro di testo Sonechka Marmeladova. Ricorda quanto peccato terreno c'è nella sua vita e quanta forza di abnegazione! O Nastasya Filippovna - a volte una donna demoniaca, a volte l'incarnazione di compassione, misericordia e sensibilità. Nella ritrattistica, soprattutto nelle immagini femminili realizzate alla fine dell'Ottocento, i principi realistici non si riducono a copiare la natura e a mostrare qualità psicologiche, ma sono strettamente legati all'intera complessità delle ricerche filosofiche, religiose e intellettuali che regnavano allora tra i intellighenzia creativa.

L'immagine di un misterioso sconosciuto, cantata da Alexander Blok nel 1906, sembrava anticipare I. N. Kramskoy nel suo dipinto del 1883 con il suo dipinto. Non è lei - "lentamente, passando tra ubriachi, sempre senza compagni, sola, respirando spiriti e nebbie, si siede alla finestra". Come deja vu, i versi della poesia di A. Blok vengono ricordati guardando il famoso dipinto di I. N. Kramskoy.

La donna del ritratto guarda in modo alquanto arrogante lo spettatore, dall'altezza della sua carrozza. Chi è e dove sta andando? Possiamo solo indovinare, costruire le nostre conclusioni e ipotesi. Forse è una signora del demi-monde, che si affretta al ballo, forse è la sposa o la moglie di qualche funzionario o mercante. In un modo o nell'altro, la sua posizione sociale non dovrebbe, secondo l'artista, interessare lo spettatore. Se nel 18° secolo l'esibizione dello status sociale in qualsiasi ritratto era considerata assolutamente necessaria, allora alla fine del 19° secolo la personalità era in primo piano, con tutta la complessità della vita spirituale interiore e con l'unicità dei tratti individuali di aspetto esteriore. E lo stesso I. N. Kramskoy, all'inizio della sua carriera, ha cercato di trasmettere la posizione sociale, ma tuttavia, nei suoi primi ritratti femminili, ha prevalso la riflessione spirituale sull'individualità e l'unicità della bellezza femminile.

Ogni volta il modello sembrava dettare un nuovo approccio all'artista e il maestro doveva cercare un linguaggio artistico adatto per l'incarnazione veritiera dell'immagine del ritratto e per raggiungere una profondità di penetrazione nel mondo spirituale del modello.

Quindi, nel ritratto di E. A. Vasilchikova (1867), l'artista trasmette il fascino della femminilità, la purezza della giovinezza, l'energia ispiratrice della bellezza e l'armonia spirituale interiore.

I toni tenui dello sfondo bordeaux e brunastro evocano le opere degli antichi maestri, ma la spontaneità e naturalezza della sua figura, la graziosa incuria del suo gesto, l'intuizione espressiva del suo sguardo - tutto questo parla delle tendenze realistiche nell'arte che erano nuovi per quel tempo.

Nel ritratto de "Lo straniero", i principi realistici sono in qualche modo dissolti e ispirati da echi di tendenze neoromantiche e mistero poetico. L'impegno di I. N. Kramskoy per la tendenza realistica della pittura (ed era un rappresentante di spicco della famosa Associazione delle mostre d'arte itineranti) si manifesta qui nell'assoluta precisione della composizione, in cui tutto è subordinato alla creazione di un'immagine sublimemente chiusa. La linea morbida della silhouette della sconosciuta, l'ovale corretto del suo viso concentrano l'attenzione dello spettatore e lo spazio ben definito, chiuso dal retro della carrozza, è inseparabile dalla modellazione plastico-volumetrica.

Anche se abbiamo davanti a noi un'immagine generalizzata di uno "straniero", ma quanto sono sorprendentemente individuali i lineamenti del suo viso. Ai suoi occhi, il disprezzo, la compassione, la tristezza o la freddezza sono un mistero. La colorazione dell'immagine è abilmente risolta, aiutandoci - no, non a risolvere questo enigma, ma ad ammirare all'infinito l'impossibilità di risolverlo. Il velluto blu scuro e la seta dei suoi vestiti - come un accenno di vicinato nella sua immagine di tenerezza vellutata e freddezza della seta - sottolineano il nobile pallore della pelle e la naturale bellezza del rossore. Il dorso dorato della carrozza aperta aggiunge calore al colore dell'immagine, ma i bagliori e i riflessi sembrano attutire le calde tonalità, sottolineando sia la freddezza del tempo che la strana freddezza interiore della modella, causata dalle influenze superficiali di moda secolare o qualche tipo di esperienza profondamente personale. La figura di una donna si staglia sullo sfondo di una città innevata e solo le piume bianche sul suo cappello la collegano visivamente allo spazio circostante. Nella sua immagine traspare il desiderio di solitudine, è un ideale a cui il mondo mortale è estraneo e, allo stesso tempo, è solo un'immagine del contemporaneo dell'artista con la coda dell'occhio. In questo lavoro, I. N. Kramskoy ci trasmette la sua tristezza, l'eterno desiderio dell'artista per l'ideale e la perfezione - come se ispirazione, perfezione, sottile, fugace. Un altro momento, e il cocchiere invisibile guiderà i cavalli, e la carrozza che trasporta lo straniero nell'ignoto si scioglierà e scomparirà in un velo di neve ... Sì, la bellezza scomparirà, ma il sogno rimarrà, catturato per secoli da la spazzola sensibile del maestro.

Tuttavia, non si deve pensare che nella seconda metà dell'Ottocento gli artisti si ispirassero solo all'immagine degli estranei, al mistero dell'anima femminile e al mistero interiore. Anche la tendenza opposta si è mostrata molto attivamente durante questo periodo: l'immagine di donne socialmente attive, attive, forti, persino coraggiose e alquanto scortesi. Dopo l'abolizione della servitù della gleba e una serie di riforme, il ruolo delle donne nella vita pubblica iniziò a crescere rapidamente. E gli artisti di questo periodo ci trasmettono magistralmente le immagini delle donne, piene di un senso di dignità, significato, orgoglio, forza e indipendenza.

Quindi, nella foto di K. E. Makovsky nel 1879, vediamo il proprietario dell'antica tenuta di Kachanovka, situata al confine tra le province di Poltava e Chernihiv. Sofya Vasilievna Tarnovskaya è la moglie di un filantropo e collezionista ucraino molto influente Vasily Tarnovsky, un appassionato amante dell'arte, appassionato di musica (possedeva persino la sua orchestra e teatro) e letteratura e, naturalmente, pittura. Ha invitato l'artista a rimanere nella sua tenuta e, allo stesso tempo, a dipingere per lui una serie di dipinti, tra cui un ritratto della sua amata moglie, che ha attivamente sostenuto le attività del marito e ha condiviso i suoi interessi. L'artista svela al pubblico i tratti caratteriali nascosti della modella.

K. E. Makovsky. Ritratto di S.V. Tarnovskaya. 1879

Il ritratto mostra una donna maestosa, non più giovane, ma volitiva. Nel suo sguardo, una certa arroganza si unisce alla morbidezza spirituale caratteristica delle donne di provincia, non indurita dal trambusto secolare evirato delle capitali. Il tessuto bordeaux scuro che funge da sfondo ricorda un backstage teatrale: è del tutto possibile che S. V. Tarnovskaya abbia posato per l'artista nei locali del teatro della tenuta. E l'artista, a sua volta, ricorda al pubblico quanto la nostra vita quotidiana sia simile a una performance teatrale. Il colore verde scuro del tessuto dell'abbigliamento in alcuni punti l'artista porta a un colore nero intenso, enfatizzando così la nitidezza dell'ombra che cade e ravvivando la modellazione generale di luci e ombre delle soluzioni volumetriche. In questo approccio, si può sentire l'ispirazione del maestro dai capolavori di Rembrandt. E nel suo sensibile psicologismo, K. E. Makovsky è vicino al famoso pittore olandese. Nella calma dei gesti e nella postura maestosa, si sente la fiducia interiore e una speciale nobiltà dell'anima naturale e non simulata. Un naso leggermente all'insù indica una manifestazione di capriccio, ma semplicità e tranquillità si leggono nella generale morbidezza dei lineamenti del viso.

Un vivido esempio di ritratto femminile realistico del periodo in esame è il "Ritratto di Olga Sergeevna Alexandrova-Gaines", creato da I. E. Repin nel 1890. L'artista è chiaramente interessato all'immagine di questa donna, come se incarnasse le nuove realtà sociali di quel tempo: abbiamo davanti a noi una donna attiva, volitiva, forte, anche in una certa misura dura, consapevole della sua importanza e senza dubbio orgoglioso di esso. I. E. Repin, un rappresentante dell'Associazione progressista delle mostre d'arte itineranti, ha gravitato verso il genere a partire dalle sue opere. Nei ritratti da lui creati, non c'è praticamente uno sfondo neutro: ritrae la modella in un ambiente tipico per lei, al fine di rivelare più profondamente il suo mondo interiore, per mostrare allo spettatore l'atmosfera, l'ambiente con cui la modella è indissolubilmente collegato. Qui lo sfondo è stato disegnato da I. E. Repin nel modo più dettagliato possibile.

La cornice dorata dell'immagine, le tovaglie e i tappeti ricamati con filo d'oro, le rilegature dorate dei libri sul tavolo: tutto ciò crea un'atmosfera di lusso, chic orientale, così vicino al gusto della figlia del mercante di Kazan S. E. Alexandrov. La bellezza della vita prospera del mercante è mostrata con grande attenzione dall'artista. Il suo sguardo curioso non perde di vista le cose portate da paesi lontani. La nostra attenzione è attirata, ad esempio, da una gigantesca conchiglia decorativa in madreperla appesa al muro, probabilmente del sud-est asiatico, o da un bellissimo tappeto iraniano, che ricorda la raffinatezza del colore delle miniature persiane. Essendo sposata con un ingegnere militare, il governatore generale di Kazan AK Gaines, Olga Sergeevna è stata attivamente coinvolta in opere di beneficenza e ha collezionato dipinti e incisioni di artisti russi e stranieri. Le opere di I. E. Repin si distinguono, come si può facilmente vedere dall'esempio qui considerato, per la capacità di vedere una persona in tutta la complessità del suo mondo interiore e l'originalità del suo aspetto esteriore.

Nella soluzione coloristica di questo ritratto, siamo particolarmente colpiti dall'abbondanza di varie sfumature dorate, a volte "urlanti", come se lampeggiassero nella luce, a volte leggermente scintillanti, a volte smorzate e appena distinguibili, trasformandosi dolcemente in altri toni. Il velluto nero dell'abito non solo nasconde abilmente la pienezza della figura della donna, ma rende anche chiaramente leggibile la sua silhouette nel contesto dello spazio artistico intricato dello sfondo. La dinamica della grafia pittorica emerge chiaramente nel trasferimento degli ornamenti - IE Repin non li trasmette in modo accurato, non assomiglia agli autori delle antiche miniature persiane, ma delinea le curve delle linee ornamentali con grandi tratti, trasmettendo allo spettatore non la grafica natura della loro immagine, ma una mobilità ed espressività speciale, musicalità e poesia, che è affine al ritmo squisito della poesia orientale.

Le linee ornate di ornamenti sulla tovaglia, sul tappeto, sulle rilegature dei libri creano un ritmo misurato in movimento, e la linea della silhouette sembra soggiogare questo ritmo, concentrando l'attenzione dello spettatore. Il costume dell'eroina sembra inappropriatamente severo su uno sfondo così luminoso e accuratamente progettato, affascinando i nostri occhi con una varietà di motivi e un lusso spettacolare. Tuttavia, la complessità dei motivi in ​​pizzo del colletto e delle maniche sembra riecheggiare le linee di ornamenti di cui lo sfondo è così ricco. Vale la pena prestare attenzione all'impostazione della figura. La posa esprime la fermezza interiore del carattere, la fiducia in se stessi, la calma e l'autocompiacimento. Davanti a noi c'è una natura volitiva, indipendente, un po' scortese, ma creativa. Sembra che fosse mancina - dopotutto, tiene un ventaglio nella mano sinistra. E questo è anche un segno di originalità, indipendenza e creatività. Con la mano destra, Olga Sergeevna sostiene la testa, come appesantita da molti pensieri, e la mano sinistra, la mano di una persona abituata a dare istruzioni, tiene un ventaglio piegato, abbassato. Olga Sergeevna sembrò pensare per alcuni minuti, si sedette per riposare, ma un altro momento - e agitava il suo ventaglio, ma non per girare intorno al viso con un gesto civettuolo con i modi di una signorina da salotto, ma per dare ordini nei suoi possedimenti, usandolo come indicatore e sottolineando il significato e l'espressività emotiva delle loro parole.

I lineamenti del viso a prima vista possono sembrare scortesi. Tuttavia, a un esame più attento, noteremo non solo un forte intelletto, prudenza mercantile, forza di volontà, ma anche una leggera tristezza e stanchezza nei suoi occhi. Orgoglio, arroganza e un po' di freddezza non oscurano la femminilità naturale, ma le conferiscono un gusto speciale. Questa femminilità sta nella pulizia dell'acconciatura, nello scintillio degli occhi, nelle curve leggermente rialzate delle sopracciglia, nel gonfiore delle labbra e nel lieve rossore delle guance. Dietro la fredda e prudente padrona di casa, I. E. Repin è stato in grado di discernere un'anima femminile sensibile, fondamentalmente, ovviamente, morbida e vulnerabile, ma abilmente mascherata da severità, inflessibilità e deliberata efficienza. Il ritratto di Olga Sergeevna, creato da un eccezionale pittore russo, si distingue per umanità, profondità espressiva poetica e allo stesso tempo realistica, abilità insuperabile e sorprendente potere del talento.

Il mondo lirico e misterioso dei sentimenti e delle esperienze di una donna è mostrato nel suo lavoro di VA Serov, che ha coraggiosamente scoperto nuove possibilità per l'espressività pittorica dei colori, combinando in molte delle sue opere la freschezza impressionistica e la facilità di tratti rapidi con un alto grado di generalizzazione realistica e chiarezza del trasferimento della natura, con una vita vera la credibilità delle immagini create. L'ambiente di luce e aria nei suoi ritratti crea uno spazio emotivamente saturo, in armonia con il mondo interiore della modella. Nei ritratti che stiamo prendendo in considerazione, possiamo facilmente notare la luce penetrante, chiara e argentea, che ammorbidisce la forma plastica e arricchisce la tavolozza con una varietà di sfumature. Come gli impressionisti francesi, V. A. Serov satura ogni tratto del suo pennello con un potere luminoso. Nel ritratto di Z. V. Moritz, dipinto nel 1892, V. A. Serov sembra “scaldare” con la luce in un colore generalmente freddo. Il colore viola nella gamma è considerato il più freddo, al contrario del rosso, il colore "più caldo", persino "caldo". Ma il freddo sfondo viola è saturo di molti riflessi, i cosiddetti "riflessi", che portano le note maggiori al minore malinconico generale, intriso di sottile tristezza lirica, suono di colore. I colori sono visti dall'artista nella loro variabilità, nell'illusione impressionistica. La sensazione di mobilità inquietante è intensificata dalle piume dello scialle scritte impetuosamente, come se svolazzassero nel vento freddo.

L'emotività dell'immagine di Z. V. Moritz è data sia dalla soluzione di luci e ombre, sia dall'impostazione speciale della figura, un leggero giro della testa e un mento leggermente sollevato. Appoggiandosi allo schienale della sedia, si rivolge allo spettatore. Questo momento di comunicazione con lo spettatore in generale è una caratteristica di molti ritratti di V. A. Serov. Il ritratto colpisce per l'accuratezza dell'immagine, la nitidezza dell'occhio dell'artista, la leggerezza dell'improvvisazione combinata con successo con l'elevata professionalità e la premurosità virtuosa del colore e delle soluzioni compositive. I giochi di luce sulla collana esaltano leggermente il candore aristocratico della pelle. I tratti del viso semplici e tipici vengono trasformati dall'artista: li spiritualizza con concentrazione interiore, poesia, in armonia con l'umore generale prevalente nell'immagine.

V. A. Serov, in ciascuna delle sue opere, utilizza i principi della pittura plein air, sottolineando così la naturalezza e la speciale leggerezza delle immagini, nonché la stretta connessione del modello con lo spazio circostante. Con il suo lavoro, afferma la propria comprensione dell'immagine di una donna e dei mezzi della sua incarnazione pittorica. La ragazza, spontanea e respirando la bellezza della giovinezza, appare nel dipinto “La ragazza illuminata dal sole”.

La modella non sembra in posa, ma come se vivesse in questo spazio pittoresco. La colorazione dell'immagine è costruita su una giustapposizione armoniosa di ravvicinati toni verde-oro, brunastri nella natura estiva, toni rosati sul viso e giallastri pallidi, oltre al blu nei vestiti. Il colore bianco della camicetta della ragazza è trasformato dal gioco di riflessi di luce, tutte le sfumature del riverbero del sole che si infrangono tra le chiome di un albero possente, come se fosse un arcobaleno, vi si riversa dentro. Il ritratto è espressivo anche in silhouette. Il volto è delineato da una linea morbida plasticamente espressiva, fluida, che si trasforma nella linea generale della silhouette della figura. Qui troviamo il temperamento della lettera, la sonorità della gamma colorata, la sensualità poetica.

Il ritratto è stato dipinto dal maestro come d'un fiato, sebbene l'artista ci abbia lavorato per un'intera estate, costringendo il suo paziente cugino a posare quasi ogni giorno. Visibile leggerezza artistica e naturalezza è stata raggiunta dall'artista con sensibilità e abilità, osservazione e capacità di vedere, sentire e incarnare sia le impressioni visive del mondo circostante che il mondo spirituale interiore del modello raffigurato.

Uno studio attento e una riflessione ponderata nell'opera di molti artisti e scrittori di quel tempo della vita delle persone, della vita e dei costumi, pongono il genere sociale in uno dei primi posti nell'ambiente artistico di quel tempo. Una tendenza notevole nella pittura di un ritratto femminile del periodo in esame è stata l'interesse degli artisti per le immagini delle donne della gente, e non solo per le "socialite", i ricchi clienti o i bellissimi sconosciuti. In effetti, queste immagini possono anche essere chiamate una sorta di "estranei": gli artisti non hanno lasciato i loro nomi per la storia, hanno cercato di creare un'immagine generalizzata dei loro contemporanei, rappresentanti di vari strati sociali. Tali "ritratti" non sono solo "ritratti" nel senso classico. Questi sono "ritratti - dipinti", vicini al genere quotidiano, che a quel tempo aveva raggiunto l'apice della sua popolarità. Creando tali opere, gli artisti sembrano in equilibrio sulla linea sottile tra generi diversi: ritrattistica e vita quotidiana.

La spontaneità enfatizzata e la grande energia vitale sono permeate dall'immagine di una commessa di fiori, raffigurata dal pennello di N.K. Pimonenko.

La combinazione di una tonalità blu brillante dei vestiti con foglie di gigli verde smeraldo e i loro fiori bianchi come la neve, l'effetto anche della luce solare sono mezzi che aiutano a rivelare l'immagine umana. Lo sfondo qui è il trambusto della strada inondata di luce solare, lo spazio artistico si dispiega in diagonale in profondità, sottolineato dalla linea del marciapiede e da una serie di case in fila, esaltando la sensazione di movimento delle figure che si affrettano per i loro affari o che camminano indolenti . Il viso rubicondo e segnato dalle intemperie di una giovane ragazza attira l'attenzione dello spettatore con la sua apertura e semplicità, il sorriso frizzante e naturale e l'espressività del suo sguardo. Vende elegantemente gigli bianchi, come a simboleggiare in questo contesto la fioritura e la purezza della giovinezza. L'impressione di freschezza, l'immediatezza della nascita dell'immagine incanta i nostri occhi e rimane per sempre nella nostra memoria visiva e mentale.

In tali opere si manifestano ideali umanistici, il vivo interesse dell'intellighenzia creativa per il destino delle persone del loro paese natale. Vicino all'iconografia e allo stesso tempo profondamente realistico e moderno, l'immagine femminile è incarnata da N. A. Yaroshenko nel ritratto di una sorella della misericordia. Una figura rigorosamente definita su uno sfondo scuro, tratti ascetici del viso della ragazza, una certa piattezza e isolamento interno dell'immagine: tutto ciò evoca immagini di icone ortodosse. I colori sono uniti in una pacata consonanza armoniosa. Con una colorazione raffinata, una gamma quasi monocromatica di toni grigio-brunastri e dorati pallidi, l'artista sottolinea la "pittura di icone" dell'immagine creata.

L'aspetto di una sorella della misericordia porta i tratti di un'immagine collettiva, tipica. Lo spazio buio è illuminato come da un improvviso raggio di luce. Qui, la luce funge da metafora espressiva e di facile lettura: come la luce del sole, le azioni di questa giovane ragazza fragile illuminano la vita di molte persone che aiuta. Nella gamma squisitamente sbiadita del ritratto, il tono marrone smorzato e grigiastro degli abiti, la croce rossa brillante e il giallo dei riflessi di luce sono sapientemente giustapposti. Le mani dell'artista sono magnificamente dipinte: laboriose e fragili, sono l'incarnazione di femminilità, calore, cura, tenerezza ... È come una santa su un'icona miracolosa - dopotutto, un miracolo, questo non è solo qualcosa di mistico , può essere eseguita da qualsiasi persona dotata di gentilezza d' animo e di desiderio di fare il bene . Ogni giorno della sua vita compie un miracolo: riscalda il mondo con il suo aiuto, la gentilezza della sua anima e il valore del suo lavoro.

Proprio alla fine del 19° secolo, alla svolta allarmante dei secoli tempestosi e drammatici per la storia russa, nel 1900, le tendenze simboliche si stanno intensificando sempre più nel ritratto femminile e il realismo svanisce in secondo piano, l'era sta cambiando e nuove le priorità appaiono nella pittura, il desiderio di svelare altre possibilità del linguaggio artistico. Questo è naturale: dopotutto, il percorso della ricerca creativa è inesauribile, mobile e senza fine. Il desiderio di espressività decorativa e simbolica del colore, di arte, di gioco con l'immaginazione dello spettatore diventa sempre più intenso. L'espressività figurativa non mira a trasmettere sensazioni e osservazioni viventi, ma si concentra sul raggiungimento di un sottile piacere emotivo e intellettuale, poesia e allegoricità, una certa convenzionalità e ritmo poetico, che rendono la pittura legata alla musica e alle parole.

Un'immagine raffinata e misteriosa di una bella donna, romanticizzata e piena di armonia poetica, è stata creata da K. A. Somov nella sua famosa opera "La signora in abito blu". Questo non è più lo sconosciuto Kramskoy che ci sembrava così naturale e vivo, come se apparisse davanti a noi per pochi istanti dall'ombra di secoli. Lo sconosciuto di K. A. Somov è, piuttosto, il ritratto di un'attrice che interpreta un ruolo, indossa una maschera e riflette su una poesia letta di recente. In effetti, questo è un ritratto dell'artista E. M. Martynova.

Il miglior gioco di mezzitoni crea un'atmosfera lirica. La sottigliezza del gusto coloristico si manifesta nella trama pittoresca: un colore opaco e sbiadito, una pennellata fluida che fa eco alla linea di contorno liscia. L'accuratezza del disegno e la flessibilità del tratto conferiscono una certa secchezza e decoro, sottolineando l'arte della donna raffigurata. Come sfondo, un paesaggio stilizzato condizionato è abilmente riprodotto, evocando ancora una volta associazioni non tanto con il paesaggio reale quanto con scene teatrali. Questo tipo di desiderio di ricreare un mondo immaginario - una partenza da una realtà spiritualmente impoverita e un'immersione completa nel mondo della creatività corrisponde pienamente alle nuove esigenze estetiche dell'epoca. Un tale paradigma si manifesta in molte opere dei maestri dell'associazione creativa "World of Art", a cui apparteneva K. A. Somov.

Forse il più incline alla teatralizzazione delle immagini, alla fantasmagoria e al misticismo era M. A. Vrubel: la sua pittura sembra essere una misteriosa rivelazione esoterica nei colori. Ha cercato di incarnare la bellezza e di vederne il segreto interiore, di sollevare il velo del mistero dell'essenza stessa della bellezza. L'idea di una tale ricerca è vicina alle nuove tendenze dell'epoca e riecheggia chiaramente ciò che possiamo osservare nella poesia di quel tempo, nella musica e nel teatro. Basti ricordare i versi di Ivan Bunin, scritti nel 1901:

Cerco combinazioni in questo mondo,

Bello e segreto, come un sogno...

Questo, ovviamente, non è un credo o un appello, ma una formulazione chiara e mirata del paradigma creativo dell'ambiente letterario e artistico di inizio secolo.

M. A. Vrubel sceglie uno stile di scrittura molto originale e unico. Scrive non con le forme, non con i volumi, ma con piccoli piani che si frammentano, come un mosaico che luccica nell'oscurità...

Ha spesso creato ritratti di sua moglie NI Zabela-Vrubel, che recita in produzioni teatrali, nelle immagini di vari personaggi - appare nell'immagine di Gretel, poi nell'immagine della Principessa dei cigni dall'opera di NA Rimsky-Korsakov con sede sul racconto dello zar Saltan.

Il dipinto-ritratto della Principessa del Cigno è stato realizzato all'inizio del secolo, in quei tempi travagliati che prefiguravano una serie di cambiamenti drammatici.

MA Vrubel. La principessa dei cigni. 1900

La sensazione di movimento tremolante è perfettamente espressa dalla combinazione di colori. Lilla e freddi riflessi blu scuro sembrano entrare in un drammatico confronto con i maggiori bagliori rosati e giallastri di riflessi di luce, intensificando la profondità della dissonanza sonora, che racconta a colori la contraddizione tra sogno e realtà, celeste e terrena, spirituale e mondana , sublime e mondano. La figura, emozionante per il suo mistero, è raffigurata in un movimento violento, come se sbattesse con tutte le sue forze le ali candide come la neve, cercando con tutte le sue forze di spiccare il volo proprio davanti agli spettatori sorpresi. Grandi gocce di lacrime sembravano congelarsi in enormi occhi sbarrati, brillando all'unisono con il bagliore delle fiamme del tramonto, unendo i colori del quadro in un'unità coloristica così complessa. Che cos'è: un simbolo irrisolto o un ruolo interpretato magistralmente, o forse un riflesso dei sottili movimenti interiori dell'anima dell'artista pieni di poesia esaltata? Forse ogni spettatore dovrebbe trovare la risposta da solo, o meglio, semplicemente non pensarci, ma godersi la bellezza scintillante che tocca le corde nascoste dell'anima umana, risvegliando una fiaba nel profondo del cuore.

Gli artisti di tutti i tempi sono stati ispirati dalle immagini delle donne: forti e volitive o fragili e vulnerabili, semplici e modeste o stravaganti e audaci, mature e piene del peso delle cure mondane o giovani e ingenue, naturali e terrene o sofisticate e maniere... In una serie di ritratti femminili realizzati dai più dotati maestri domestici alla fine dell'800, rifletteva una nuova concezione delle donne per quei tempi, più liberate, libere da pregiudizi secolari e, sembrerebbe , tradizioni talvolta sfidanti, ma allo stesso tempo strettamente connesse con la spiritualità ortodossa e la ricerca intellettuale filosofica dell'intellighenzia creativa di quel tempo. Dopo aver considerato solo alcuni esempi in questo articolo, abbiamo potuto vedere quanto siano attenti i maestri del pennello alle caratteristiche individuali dei modelli, con quanta sensibilità capiscono la natura dell'anima femminile e con quanta sincerità ammirano la bellezza femminile!

L'arte ci aiuta sempre a capire noi stessi più a fondo, a dare uno sguardo nuovo alla nostra vita e al mondo che ci circonda. E forse, guardando le belle creazioni degli artisti, le donne moderne, assorbite in una serie di clamore di tutti i giorni, ricorderanno che in esse vive un bellissimo misterioso sconosciuto...

Lukashevskaya Yana Naumovna, storico dell'arte, critico d'arte indipendente, curatore di mostre, 2011, sito web.

Da: Lukashevskaya Yana Naumovna,  35729 visualizzazioni

Pubblicazioni della sezione Musei

Tatyana prima e dopo Pushkin: ritratti di tre secoli

Si legge che il nome Tatyana è diventato popolare dopo la pubblicazione del romanzo "Eugene Onegin". Tuttavia, anche prima, questo nome non era raro tra la nobiltà. Ricordiamo i ritratti di Tatyana dal 18° al 20° secolo insieme a Sofia Bagdasarova.

A. Antropov. Ritratto della principessa Tatyana Alekseevna Trubetskoy. 1761. Galleria Tretyakov

A. Peng. Ritratto della principessa Tatyana Borisovna Kurakina. 1 ° piano XVIII secolo, GE

Artista sconosciuto. Ritratto di Anastasia Naryshkina con le sue figlie Tatyana e Alexandra. Primi anni 1710, Galleria Statale Tretyakov

Le ragazze della famiglia Romanov furono battezzate Tatyana nel XVII secolo: ad esempio, quello era il nome della sorella del primo zar Mikhail Fedorovich e della sua figlia più giovane. Quindi questo nome scomparve dalla dinastia reale e la successiva Tatyana apparve nella famiglia imperiale negli anni '90 dell'Ottocento. Tuttavia, nelle famiglie nobili del XVII e XVIII secolo, il nome rimase popolare. Una delle Tatyana più famose è Tatyana Shuvalova. Suo figlio, Ivan Shuvalov, il preferito dell'imperatrice Elisabetta, scelse l'onomastico di sua madre per firmare un decreto sulla fondazione dell'Università di Mosca. Così il giorno di Tatyana è diventato il giorno dello studente. Il ritratto di Tatyana Shuvalova non è stato conservato.

Il più antico ritratto russo con Tatyana, a quanto pare, era il ritratto della famiglia Naryshkin del 1710. Raffigura la figlia del primo comandante di San Pietroburgo, il governatore di Mosca Kirill Naryshkin con sua madre e sua sorella. Un artista sconosciuto non ha elaborato i volti in modo molto sottile, ma ha scritto con cura i motivi sul tessuto e la fontange di pizzo alla moda (copricapo) della madre.

Per dipingere un ritratto della figlia del principe Boris Kurakin - e della nipote dell'imperatrice Evdokia Lopukhina - hanno invitato il pittore di corte del re prussiano Antoine Pen. Il direttore dell'Accademia delle arti di Berlino, nella tradizione del classicismo, ha elaborato il chiaroscuro, le pieghe degli abiti e ha persino trasmesso i più sottili traboccamenti di tessuti costosi sulle spalle della principessa Tatyana Kurakina.

La principessa Tatyana Trubetskaya, sorella del poeta Fyodor Kozlovsky, sembra sorprendente in un ritratto del 1761: l'artista Alexei Antropov la ritrasse con un abito decorato con fiocchi e fiori rossi e verdi. La principessa con il trucco completo: in quegli anni era di moda non solo cipria, ma anche fard, disegnare le sopracciglia.

D. Levitsky. Ritratto di Tatyana Petrovna Raznatovskaya. 1781. Museo d'arte statale della Bielorussia

N. Argonov. Ritratto della ballerina Tatyana Vasilievna Shlykova-Granatova. 1789. Kuskovo

E. Vigée-Lebrun. Ritratto di Tatyana Vasilievna Engelhardt. 1797. Museo Fuji, Tokyo

Vent'anni dopo, Dmitry Levitsky scrisse Tatyana Raznatovskaya. Una giovane donna con una postura orgogliosa sembra nobile ed elegante. Il suo vestito azzurro e la mantella di seta bianca contrastano con lo sfondo scuro e profondo nella tradizione pittorica di quegli anni.

Una delle donne più ricche della Russia, la nipote del principe Potemkin, Tatyana Engelhardt, sposò uno degli Yusupov e portò alla loro famiglia una gigantesca fortuna e il nome ereditario Tatyana. Nel ritratto del ritrattista francese in visita Vigée-Lebrun, Tatiana Engelhardt intreccia una corona di rose ed è già vestita in una nuova moda: un abito a vita alta.

I ricercatori ritengono che tra i contadini il nome Tatiana nei secoli XVIII-XIX fosse tre volte più popolare che tra i nobili. Il pittore della gleba di Sheremetev Nikolai Argunov ha interpretato una contadina, Tatyana Shlykova, un'attrice in un teatro della gleba, in un elegante costume di scena. Successivamente, il conte raccolse cognomi "preziosi" per le sue belle attrici. Shlykova divenne Granatova e i suoi "colleghi" - Zhemchugova e Turquoise.

A. Bryullov. Ritratto di Tatyana Borisovna Potemkina. 1830 VMP

V. Tropinin. Ritratto di Tatyana Sergeevna Karpakova. 1818. Museo delle Belle Arti della Repubblica del Tatarstan

K. Reichel. Ritratto di Tatyana Vasilievna Golitsyna. 1816, RM

Tra gli immortalati sulle tele di Tatyana ci sono altre attrici. Nel 1818 Vasily Tropinin interpretò la giovane ballerina Karpakova. I suoi genitori suonavano nei Teatri Imperiali e lei stessa amava il balletto fin dall'infanzia. Tatyana Karpakova balla sul palco del Teatro Bolshoi dall'età di 12 anni, i suoi contemporanei ne ammiravano le espressioni facciali espressive, la facilità di danza e la tecnica impeccabile.

Nello stesso anno è stato creato un ritratto della principessa Tatyana Golitsyna. La nuora di Natalya Golitsyna, il prototipo della regina di picche di Pushkin, è raffigurata con indosso un berretto nero. Nel primo terzo del 19° secolo, questi copricapi erano tradizionalmente indossati dalle donne sposate. È vero, più spesso le donne alla moda preferivano i colori vivaci: lampone, verde, scarlatto.

“La larghezza del berretto si estende fino a dodici pollici; la parte superiore è uno, la parte inferiore è un altro colore. Anche i materiali con cui sono realizzati tali berretti sono diversi: raso e velluto. Questi berretti sono messi sulla testa in modo così storto che un bordo sfiora quasi la spalla.

Estratto da una rivista di moda del 19° secolo

Un acquerello del 1830 di Alexander Bryullov raffigura Tatyana Potemkina. Su di esso, la modella indossa un completo che copre non solo le spalle, ma anche il collo, le orecchie e i capelli della principessa: Potemkina era molto religiosa. Diventando la figlia spirituale di Sant'Ignazio (Bryanchaninov), si occupò della diffusione dell'Ortodossia, costruì chiese, diede molti soldi in beneficenza e, naturalmente, non si permise di indossare una scollatura.

V. Vasnetsov. Ritratto di Tatyana Anatolyevna Mamontova (1884, Galleria Statale Tretyakov)

I. Repin. Ritratto di Tatyana Lvovna Tolstaya (1893, Yasnaya Polyana)

F. Winterhalter. Ritratto di Tatyana Alexandrovna Yusupova (1858, GE)

Nel 1825–1837 Eugene Onegin di Alexander Pushkin fu pubblicato in parti. Tatyana Larina divenne la "prima Tatyana" della letteratura russa - prima gli scrittori preferivano altri nomi. Dopo l'uscita del romanzo, il nome è diventato molto più popolare: molti hanno chiamato le loro figlie in onore dell'eroina romantica e virtuosa di Pushkin.

Ma non sono stati conservati così tanti ritratti di Tatyana di questi anni. Tra questi c'è una tela su cui il ritrattista alla moda Franz Xaver Winterhalter ha ritratto Tatyana Yusupova. L'eroina del ritratto lo ereditò da sua nonna Tatyana Engelhardt e anche Yusupova nominò una delle sue figlie.

I ritratti delle figlie di Leo Tolstoj e Anatoly Mamontov furono creati negli anni 1880 e 1890 da B. Kustodiev. Ritratto di Tatyana Nikolaevna Chizhova. 1924. Museo d'arte regionale di Ivanovo

M. Vrubel. Ritratto di Tatyana Spiridonovna Lyubatovich come Carmen. 1890 GTG

All'inizio del XX secolo, a Mosca e nella provincia di Mosca, il nome Tatiana divenne il quinto più popolare dopo Maria, Anna, Caterina e Alessandra.

Anche il ritratto di uno dei Tatyana appartiene al pennello di Mikhail Vrubel. La cantante lirica Tatyana Lubatovich è raffigurata come Carmen, un'immagine molto popolare tra artisti ed eroine dei loro dipinti all'inizio del XX secolo.

Nel 1908, l'artista Saratov Alexander Savinov dipinse la tela "L'arpista". La sua eroina era la moglie del famoso filosofo Semyon Frank, Tatyana Frank (nata Bartseva). Savinov ha creato un ritratto ornamentale con un tono strutturato e colori tenui nelle tradizioni del nuovo stile che sta guadagnando slancio: il modernismo.

In questo circolo artistico di Tatyana è degno di nota il "Ritratto dell'artista Tatyana Chizhova", dipinto da Boris Kustodiev nel 1924. Il titolo dell'immagine è un'inesattezza. Dopo la morte di Kustodiev, il ritratto fu trasferito al Museo Russo e l'abbreviazione nella firma "architetto". decifrato come "artista". In effetti, Tatyana Chizhova era un'archeologa. Nel ritratto è raffigurata nel suo vestito preferito e con l'anello della nonna al dito.

Il mese di marzo, considerato il mese della storia delle donne, sta volgendo al termine. E in onore di lui ecco una tale selezione. 10 delle tante artiste rivoluzionarie che hanno reso il mondo un posto più bello, e più uguale per metà dell'umanità, con la loro arte.

Si tratta di artiste che incarnavano l'idea dell'arte femminista molto prima che il termine fosse coniato. Che fossero nell'arte durante il Rinascimento italiano o nella New York del XIX secolo, il loro lavoro dimostra che le donne sono sempre in grado di dare un contributo significativo al mondo dell'arte.
Sulla prima riproduzione Ritratto di Alice Liddell di Cameron

1. Julia Margaret Cameron

Julia Margaret Cameron (Julia Margaret Cameron) aveva 48 anni quando ha ricevuto per la prima volta una macchina fotografica. Era il secolo prima dell'ultimo, nel 1868. Ma nei brevi 11 anni della sua carriera di fotografa, Julia ha ottenuto molto.

I suoi ritratti sognanti sembrano godere deliberatamente delle imperfezioni fotografiche, usando sfocature e nebbia per evocare agli spettatori una chiara essenza umana su una somiglianza mimetica (mimeti greci - imitatore). Penso che se qualcuno in questa lista apprezzerebbe Instagram, sarebbe Cameron.

2. Propercia de Rossi

Properzia de Rossi (1491-1530) nacque a Bologna e vi lavorò per tutta la vita.

Probabilmente lo eraPLa prima donna che ha distrutto gli stereotipi della società rinascimentale. Artista e scultore bolognese, che, a prescindere dal passato e dal presente, era impegnato in un'occupazione davvero maschile: l'intaglio della pietra, la lavorazione del marmo e l'incisione.

Da ragazza, ha iniziato il suo viaggio con l'intaglio dei noccioli di pesca, che sembrava essere un miracolo sorprendente in termini di sottigliezza del lavoro e modi eleganti.
Su un osso così minuscolo, Rossi è riuscito a trasmettere tutte le passioni di Cristo, realizzate con gli intagli più belli con innumerevoli personaggi.

3. Elisabetta Sirani

Nato nel 1638. Sebbene sia morta alla giovane età di 27 anni, Sirani ha creato oltre 200 dipinti durante la sua vita, combinando sfondi scuri drammatici con colori nitidi e vivaci e immagini di potenti eroine.

Figlia dell'artista della scuola bolognese Giovanni Andrea Sirani, uno dei più stretti allievi e collaboratori di Guido Reni.Iniziò a dipingere all'età di 12 anni sotto l'influenza del conoscitore e storico dell'arte Carlo Cesare Malvasia, che in seguito incluse la sua biografia - l'unica donna - nel suo famoso libro sugli artisti bolognesi (1678).

All'inizio, il padre era scettico su queste attività, ma un anno dopo ha accettato sua figlia nel laboratorio. All'età di 17 anni divenne una pittrice e incisore affermata, da quel momento tenne un taccuino in cui annotava tutte le sue opere.

I suoi modi sono vicini a Guido Reni, le loro opere furono più volte confuse: al Reni fu così a lungo attribuito il famoso presunto ritratto di Beatrice Cenci del Sirani.

4. Edmonia Lewis

Scultrice afro-indiana americana

Nato ad Albany nel 1844. Suo padre è afroamericano, sua madre è della tribù indiana Chippewa. Entrambi i genitori sono morti quando lei era una bambina. Edmonia, insieme al fratello maggiore, viveva in una famiglia di parenti di sua madre a Niagara Floss. Tre anni dopo, suo fratello le suggerì di smettere di lavorare a casa e di andare a scuola.

Ha studiato all'Oberlin Preparatory College in Ohio, una delle prime istituzioni educative negli Stati Uniti ad ammettere donne di varie razze. Fu lì che Edmonia si interessò alla scultura e iniziò la sua carriera nell'arte.

Tuttavia, ha subito discriminazioni durante la sua istruzione - in​​ inclusa, è stata picchiata e accusata di aver avvelenato un compagno di classev. Dopo la laurea, si è trasferita a Boston per continuare il suo lavoro di ricreazione di abolizionisti ed eroi della guerra civile.

Alla fine trascorse gran parte della sua carriera artistica a Roma, dove creò bellissime sculture in marmo nella tradizione neoclassica. Meglio conosciuto per la scultura in marmo, La morte di Cleopatra, e possiamo capire perché. La forma ha tutta la drammaticità di Michelangelo.

5. Judith Leyster

Nata nel 1609 ad Haarlem, nei Paesi Bassi, divenne la prima artista donna registrata presso la Gilda di San Luca di Haarlem.
È nota soprattutto per il suo "Autoritratto". Conosciuta per la sua fluidità giocosa, in un'epoca in cui la maggior parte dei ritratti femminili erano duri e seri.

6. Sofonisba Anguissola

Nato nel 1532.
Anguissola, la maggiore di sette figli, è di nobile nascita e suo padre le assicurò che avrebbe avuto la migliore educazione in qualunque campo avesse scelto.

Apparentemente era un uomo di parola e Michelangelo divenne il mentore non ufficiale di Anguissola. Le furono date grandi opportunità a causa della sua ricchezza e del suo status, ma le furono comunque negate molte opportunità come artista perché era una donna.
Ad esempio, perché era considerato inappropriato per una donna guardare le modelle nude.

Negli ultimi anni della sua vita, Anguissola dipinse non solo ritratti, ma anche tele su temi religiosi, come nei giorni della sua giovinezza. Tuttavia, molti dei suoi dipinti andarono successivamente perduti.
Il commercio di successo di suo marito e una generosa pensione di Filippo II le hanno permesso di dipingere liberamente e vivere comodamente. Fu una ritrattista di spicco a Genova fino a quando non si trasferì a Palermo negli ultimi anni. Nel 1620 realizzò il suo ultimo autoritratto.

7. Santa Caterina da Bologna

Nato nel 1413 Un'artista, una suora e, hai indovinato, una santa. È cresciuta ben addestrata nel disegno e educata come figlia di un aristocratico, ha servito come dama di compagnia prima di entrare in convento.
Ora è considerata la protettrice degli artisti.
Molti artisti sono venuti a trovarla per studiare e condividere le loro opinioni sulle direzioni nello sviluppo dell'arte.
Ha creato il suo stile, che molti artisti hanno cercato di emulare.
Il suo successo aprì la strada ad altre donne del Rinascimento come artiste, come Lavinia Fontana, Barbara Longhi, Fede Galizia e Artemisia Gentileschi.

8. Levina Teerlink

Nacque nel 1593.
Gentileschi, la figlia dell'artista, è cresciuta fin da piccola nella bottega del padre.
A 18 anni è stata violentata da un artista Agostino Tassi, in collaborazione con il padre, fu sottoposto a interrogatori, umiliazioni e persino torture, volendo assicurarsi la condanna del criminale.

Dopo un tortuoso processo di sette mesi per Artemisia, Tassi è stato dichiarato colpevole e condannato a un anno di carcere.

Dopo aver sposato l'artista Pierantonio Stiattesi (il padre organizzò il matrimonio), Artemisia si trasferì a Firenze nello stesso 1612.

L'opera femminista di Gentileschi è piena di donne eroiche. La sua estetica è ugualmente audace e forte, rifuggendo le nozioni tradizionali di debolezza femminile.
Spesso le sue tele combinano sessualità e violenza, ad esempio Giuditta uccide Oloferne.