Prima di considerare il genere dell'opera e il modo di lavorarci sopra in una lezione di musica, vorrei definire cosa sia un'opera.

"L'opera ed è solo l'opera che ti avvicina alle persone, rende la tua musica simile a un pubblico reale, ti rende proprietà non solo dei singoli circoli, ma a condizioni favorevoli - di tutto il popolo". Queste parole appartengono a Pyotr Ilyich Tchaikovsky, il grande compositore russo.

Si tratta di un'opera musicale e drammatica (spesso con l'inclusione di scene di balletto) destinata alla rappresentazione teatrale, il cui testo è cantato in tutto o in parte, solitamente accompagnato da un'orchestra. Un'opera è scritta in un testo letterario specifico. L'impatto del lavoro drammatico e della recitazione nell'opera è esaltato all'infinito dalla forza espressiva della musica. E viceversa: nell'opera la musica acquista una concretezza e un immaginario straordinari.

Il desiderio di esaltare l'impatto di un'opera teatrale con l'ausilio della musica nasce già in tempi molto lontani, agli albori dell'esistenza dell'arte drammatica. All'aperto, ai piedi della montagna, le cui pendici, lavorate a forma di gradini, fungevano da sedili per gli spettatori, nell'antica Grecia si svolgevano spettacoli festivi. Attori in maschera, in scarpe speciali che aumentavano la loro altezza, cantando, recitavano tragedie che glorificavano la forza dello spirito umano. Le tragedie di Eschilo, Sofocle, Euripide create in questi tempi lontani non hanno perso ancora oggi il loro significato artistico. Nel Medioevo erano conosciute anche opere teatrali con musica. Ma tutti questi "antenati" dell'opera moderna differivano da essa in quanto alternavano il canto al normale discorso colloquiale, mentre il segno distintivo dell'opera è che il testo è cantato in essa dall'inizio alla fine.

L'opera nel nostro senso moderno della parola è nata a cavallo tra il XVI e il XVIII secolo in Italia. I creatori di questo nuovo genere erano poeti e musicisti che adoravano l'arte antica e cercavano di far rivivere l'antica tragedia greca. Ma sebbene nei loro esperimenti musicali e teatrali abbiano usato scene dell'antica mitologia greca, non hanno fatto rivivere la tragedia, ma hanno creato un tipo di arte completamente nuovo: l'opera.

L'opera ha rapidamente guadagnato popolarità e si è diffusa in tutti i paesi. In ogni paese ha acquisito un carattere nazionale speciale - questo si rifletteva nella scelta dei soggetti (spesso dalla storia di un particolare paese, dai suoi racconti e leggende) e dalla natura della musica. L'opera conquistò rapidamente le maggiori città d'Italia (Roma, Parigi, Venezia, Firenze).

Opera e i suoi componenti

Quali mezzi ha la musica nell'opera per aumentare l'impatto artistico del dramma? Per rispondere a questa domanda, facciamo conoscenza con gli elementi principali che compongono l'opera.

Una delle parti principali dell'opera è l'aria. Il significato della parola è vicino a "canzone", "melodia". In effetti, le arie delle prime opere nella loro forma (la maggior parte erano versi), nella natura della melodia erano vicine alle canzoni, e nell'opera classica troveremo anche molte arie (la canzone di Vanya in Ivan Susanin, la canzone di Martha in Chovanshchina).

Ma di solito un'aria ha una forma più complessa di una canzone, e questo è dovuto al suo stesso scopo nell'opera. Aria, come un monologo in un dramma, serve come caratteristica di questo o quell'eroe. Questa caratteristica può essere generalizzante, una sorta di "ritratto musicale" dell'eroe, oppure può essere associata a determinate circostanze specifiche dell'azione dell'opera.

Ma l'azione di un'opera non può essere veicolata solo dall'alternanza di arie complete, così come l'azione di un dramma non può consistere di soli monologhi. In quei momenti dell'opera in cui i personaggi agiscono - in comunicazione viva tra loro, in conversazione, disputa, collisione - non è necessaria tale completezza di forma, che è abbastanza appropriata in un'aria. Ostacolerebbe lo sviluppo delle azioni. Tali momenti di solito non hanno una composizione musicale completa; singole frasi dei personaggi si alternano a esclamazioni del coro con episodi orchestrali.

Il recitativo è ampiamente usato, cioè il canto declamatorio.

Molti compositori russi, in particolare A.S. Dargomyzhsky e M.P. Musorgskij. Alla ricerca del realismo nella musica, per la massima veridicità delle caratteristiche musicali, hanno visto i mezzi principali per raggiungere questo obiettivo nell'implementazione musicale delle intonazioni del discorso che sono più caratteristiche di un determinato personaggio.

Anche gli ensemble lirici sono parte integrante. Gli ensemble possono essere molto diversi per numero: da due voci a dieci. In questo caso, le voci di estensione e timbro sono generalmente combinate in un insieme. Attraverso l'ensemble, trasmette una sensazione che abbraccia diversi eroi, nel qual caso le singole parti dell'ensemble non sono opposte, ma come se si completassero a vicenda e spesso hanno uno schema melodico simile. Ma spesso l'ensemble unisce le caratteristiche musicali dei personaggi, i cui sentimenti sono diversi e opposti.

L'orchestra sinfonica è parte integrante dello spettacolo dell'opera. Non solo accompagna parti vocali e corali, non solo "dipinge" ritratti musicali o paesaggi. Usando i propri mezzi espressivi, partecipa alla costruzione degli elementi di messa in scena "all'inizio" delle azioni, alle onde del suo sviluppo, culmine e epilogo. Denota anche le parti in un conflitto drammatico. Le possibilità dell'orchestra si concretizzano nella rappresentazione dell'opera esclusivamente attraverso la figura del direttore. Oltre a coordinare l'ensemble musicale e partecipare, insieme ai cantanti-attori, alla creazione dei personaggi, il direttore d'orchestra controlla l'intera azione scenica, poiché il tempo-ritmo dello spettacolo è nelle sue mani.

Pertanto, tutte le parti costitutive dell'opera sono combinate in una. Il direttore ci sta lavorando, i solisti del coro stanno imparando le loro parti, il regista sta eseguendo la produzione, gli artisti stanno dipingendo la scena. È solo come risultato del lavoro comune di tutte queste persone che appare uno spettacolo d'opera.

L'opera è un genere teatrale vocale di musica classica. Si differenzia dal teatro di prosa classico in quanto gli attori, che si esibiscono anche circondati da scene e costumi, non parlano, ma cantano lungo la strada. L'azione si basa su un testo chiamato libretto, creato sulla base di un'opera letteraria o specificamente per un'opera.

La culla del genere operistico è stata l'Italia. La prima rappresentazione fu organizzata nel 1600 dal sovrano di Firenze Medici in occasione del matrimonio di sua figlia con il re di Francia.

Esistono numerose varianti di questo genere. L'opera seria apparve nei secoli XVII e XVIII. La sua caratteristica era il richiamo alle storie della storia e della mitologia. Le trame di tali opere erano enfatizzate da intense emozioni e pathos, le arie erano lunghe e lo scenario era magnifico.

Nel 18° secolo, il pubblico iniziò a stancarsi di troppe bombe ed emerse un genere alternativo, l'opera comica più leggera. È caratterizzato da un minor numero di attori coinvolti e da tecniche "frivole" utilizzate nelle arie.

Alla fine dello stesso secolo nacque un personaggio misto tra il genere serio e quello comico, un'opera semiseria. Le opere scritte in questo modo hanno sempre un lieto fine, ma la loro stessa trama è tragica e seria.

A differenza delle precedenti varietà apparse in Italia, la cosiddetta grand opera nacque in Francia negli anni '30 dell'Ottocento. Le opere di questo genere erano principalmente dedicate a temi storici. Inoltre, era caratterizzato da una struttura di 5 atti, di cui uno ballabile e molte decorazioni.

Il balletto dell'opera apparve nello stesso paese a cavallo tra il XVII e il XVIII secolo alla corte reale francese. Le esibizioni di questo genere si distinguono per trame incoerenti e spettacoli colorati.

La culla dell'operetta è anche la Francia. Semplice nel significato, divertente nei contenuti, lavora con musica leggera e un piccolo cast di attori ha cominciato ad essere messo in scena nel 19° secolo.

L'opera romantica è nata in Germania nello stesso secolo. La caratteristica principale del genere sono le trame romantiche.

Le opere più apprezzate del nostro tempo sono La Traviata di Giuseppe Verdi, La Bohème di Giacomo Puccini, Carmen di Georges Bizet e, tra quelle domestiche, Eugene Onegin di P.I. Ciajkovskij.

opzione 2

L'opera è una forma d'arte che include una combinazione di musica cantata, performance, recitazione abile. Inoltre, nell'opera viene utilizzata la scenografia, che decora il palcoscenico per trasmettere allo spettatore l'atmosfera in cui si svolge questa azione.

Inoltre, per la comprensione dello spettatore della scena recitata, l'attrice cantante funge da protagonista, è assistita da una banda di ottoni guidata da un direttore d'orchestra. Questo tipo di creatività è molto profondo e sfaccettato, apparso per la prima volta in Italia.

L'opera ha subito molti cambiamenti prima che arrivasse a noi in questa immagine, in alcune opere c'erano momenti in cui cantava, scriveva poesie, non poteva fare nulla senza un cantante che gli dettava le sue condizioni.

Poi è arrivato un momento in cui nessuno ha ascoltato affatto il testo, tutti gli spettatori hanno guardato solo l'attore cantante e i bellissimi abiti. E alla terza fase, abbiamo ottenuto il tipo di opera che siamo abituati a vedere e ascoltare nel mondo moderno.

E solo ora hanno individuato le priorità principali in questa azione, eppure prima viene la musica, poi l'aria dell'attore, e solo dopo il testo. Dopotutto, con l'aiuto di un'aria, viene raccontata la storia degli eroi della commedia. Di conseguenza, l'aria principale degli attori è la stessa del monologo nel dramma.

Ma durante l'aria, ascoltiamo anche la musica che corrisponde a questo monologo, ci permette di vivere più vividamente tutta l'azione che si svolge sul palco. Oltre a tali azioni, ci sono anche opere, che sono completamente costruite su dichiarazioni forti ed emotive, combinate con la musica. Un tale monologo si chiama recitativo.

Oltre all'aria e al recitativo, c'è un coro nell'opera, con l'aiuto del quale vengono trasmessi molti versi attivi. L'opera ha anche un'orchestra, senza di essa l'opera non sarebbe quella che è ora.

Infatti, grazie all'orchestra, la musica appropriata suona, che crea un'atmosfera aggiuntiva e aiuta a rivelare l'intero significato del gioco. Questa forma d'arte è emersa alla fine del XVI secolo. L'emergere dell'opera è stato in Italia, nella città di Firenze, è stato messo in scena per la prima volta un antico mito greco.

Fin dalla sua nascita, l'opera ha utilizzato principalmente soggetti mitologici; ora il repertorio è molto ampio e variegato. Nel XIX secolo, quest'arte iniziò ad essere insegnata in scuole speciali. Attraverso questa formazione, il mondo ha visto molti personaggi famosi.

L'opera è scritta sulla base di vari drammi, romanzi, racconti e commedie tratti dalla letteratura, di tutti i paesi del mondo. Dopo che il copione musicale è stato scritto, il direttore, l'orchestra e il coro lo imparano. E gli attori imparano il testo, poi preparano la scenografia, fanno le prove.

E dopo il lavoro di tutte queste persone, nasce uno spettacolo d'opera per la visione, che arriva molte persone.

• Vasily Zhukovsky - rapporto del messaggio

  Vasily Andreevich Zhukovsky, uno dei famosi poeti del XVIII secolo nelle direzioni del sentimentalismo e del romanticismo, molto popolare in quel momento.

  Attualmente, il problema di preservare l'ecologia del nostro pianeta è particolarmente acuto. Il progresso tecnologico, la crescita della popolazione mondiale, le continue guerre e la rivoluzione industriale, la trasformazione della natura e l'espansione dell'ecumene è inarrestabile

L'opera è il genere supremo non solo della famiglia drammatica, ma di tutti i tipi di musica interagenti. Combina un volume potenzialmente grande, versatilità di contenuti con un concetto che lo rende in qualche modo simile a una sinfonia nella musica pura e programmatica, o un oratorio nella famiglia della musica e delle parole. Ma in contrasto con loro, la percezione e l'esistenza a tutti gli effetti dell'opera presuppongono un'incarnazione scenica materiale-volumetrica dell'azione.
Questa circostanza - spettacolarità, così come la complessità direttamente correlata della sintesi artistica in uno spettacolo d'opera che combina musica, parola, recitazione e scenografia, a volte ci fanno vedere nell'opera un fenomeno artistico speciale che non appartiene solo alla musica e non rientrare nella gerarchia dei generi musicali. Secondo questa opinione, l'opera nasce e si sviluppa all'incrocio di diversi tipi di arte, ognuno dei quali richiede un'attenzione speciale e uguale8. La definizione dello statuto estetico dell'opera dipende, a nostro avviso, dal punto di vista: nell'ambito dell'intero mondo dell'arte, essa può essere considerata un particolare tipo sintetico, ma dal punto di vista musicale è proprio un genere musicale, approssimativamente uguale ai generi superiori di altri generi e famiglie.
Questa definizione tipologica nasconde l'aspetto fondamentale del problema. La visione dell'opera qui proposta ha in mente la musica come dominante dell'interazione artistica, da cui dipende il pregiudizio della sua considerazione in questo capitolo. “L'opera è prima di tutto un'opera
musicale "- queste parole significative del più grande classico dell'opera Rimsky-Korsakov sono confermate da un enorme patrimonio, pratica di diversi secoli, incluso il nostro secolo, che ha un fondo completo di opere artisticamente degne, veramente musicali: ricorda solo i nomi di Stravinsky, Prokofiev e Shostakovich, Berg o Puccini.
Viene confermato il ruolo dominante della musica nell'opera e le particolari forme moderne della sua esistenza: l'ascolto alla radio, nelle registrazioni su nastro o grammofono, così come le esibizioni concertistiche che recentemente sono diventate più frequenti. Non è un caso che l'espressione “ascolta l'opera” sia ancora diffusa nella vita di tutti i giorni e sia considerata corretta, anche quando si tratta di visitare il teatro.
L'originalità della sintesi artistica nell'opera sotto gli auspici della musica, secondo la giusta conclusione di V. Konen, "corrisponde ad alcune leggi fondamentali della psicologia umana". In questo genere, il bisogno di empatia intonazionale si manifesta "per il sottotesto di una trama drammatica, la sua atmosfera ideologica ed emotiva, accessibile alla massima espressione proprio e solo nella musica, e la realtà scenica incarna in una forma concreta-significativa una più ampia, idea generale incarnata in una partitura d'opera" 9. Il primato dell'espressività musicale costituisce la legge estetica dell'opera in tutta la sua storia. E sebbene in questa storia si siano incontrate e siano specialmente coltivate in questa storia molte varianti diverse [sintesi artistica con più o meno peso di parole e azioni, queste opere possono essere riconosciute come opera nel senso esatto solo quando il loro dramma trova un'incarnazione musicale integrale.
Quindi, l'opera è uno dei generi musicali a tutti gli effetti. Tuttavia, non c'è quasi un esempio di un genere così contraddittorio nell'intero mondo musicale. La stessa qualità sintetica, che conferisce all'opera completezza, versatilità e ampiezza di influenza, è irta di una contraddizione primordiale sulla quale crisi, scoppi di lotte polemiche, tentativi di riforma e altri eventi drammatici che hanno abbondantemente accompagnato la storia del teatro musicale dipendeva. Non per niente Asafiev era profondamente preoccupato per il paradosso dell'esistenza stessa dell'opera; "Come spiegare l'esistenza di questa forma, mostruosa nella sua irrazionalità, e l'attrazione sempre rinnovata nei suoi confronti da parte del pubblico più vario?"
La principale contraddizione dell'opera è radicata nella necessità della combinazione simultanea di azione drammatica e musica, che per loro natura richiedono tempi artistici fondamentalmente diversi. La flessibilità, la reattività artistica della materia musicale, la sua capacità di riflettere sia l'essenza interiore dei fenomeni che il lato plastico esterno di essi inducono un'incarnazione dettagliata nella musica dell'intero processo di azione. Ma allo stesso tempo, il vantaggio estetico insostituibile della musica è il potere speciale della generalizzazione simbolica, che è stato rafforzato nell'era della formazione dell'opera classica dal progressivo sviluppo del tematismo omofonico e del sinfonismo, fa distrarre da questo processo, esprimendo i suoi singoli momenti in forme diffuse e relativamente complete, perché solo in queste forme si può realizzare al massimo la più alta vocazione estetica della musica.
In musicologia, c'è un'opinione secondo cui l'aspetto simbolico-generale dell'opera, che è espresso più generosamente nella musica, costituisce "azione interiore", cioè una speciale rifrazione del dramma. Questa visione è legittima e coerente con la teoria generale del dramma. Tuttavia, basandosi sull'ampio concetto estetico della lirica come espressione di sé (nell'opera, in primis gli eroi, ma in parte anche l'autore), è preferibile interpretare come lirica l'aspetto musicale-generalizzante: ciò permette di comprendere più chiaramente il struttura dell'opera dal punto di vista del tempo artistico.
Quando un'aria, un insieme o qualche altro "numero" generalizzante appare nel corso dell'opera, è impossibile comprenderlo esteticamente se non un passaggio a un diverso piano temporale artistico, dove l'azione stessa è sospesa o temporaneamente interrotta. Per qualsiasi motivazione, anche la più realistica, per un episodio del genere, richiede una percezione psicologicamente diversa, un diverso grado di convenzione estetica, rispetto alle reali scene d'opera drammatiche.
Un altro aspetto dell'opera è legato al piano di generalizzazione musicale dell'opera: la partecipazione del coro come ambiente sociale per l'azione o la “voce del popolo” che la commenta (secondo Rimsky-Korsakov). Poiché nelle scene di massa la musica delinea l'immagine collettiva delle persone o la loro reazione agli eventi, peraltro spesso avvenuti al di fuori del palcoscenico, questo aspetto, che costituisce per così dire una descrizione musicale dell'azione, può essere giustamente considerato epico. Per la sua natura estetica, l'opera, potenzialmente associata a una grande mole di contenuti ea una pluralità di mezzi artistici, è indubbiamente predisposta ad essa.
Quindi, nell'opera, c'è un'interazione contraddittoria, ma naturale e fruttuosa di tutte e tre le categorie estetiche generiche: dramma, testi ed epica. A questo proposito va chiarita la diffusa interpretazione dell'opera come “dramma scritto dalla musica” (B. Pokrovsky). Infatti, il dramma è il perno centrale di questo genere, poiché in ogni opera c'è un conflitto, lo sviluppo delle relazioni tra i personaggi, le loro azioni, che determinano le varie fasi dell'azione. Allo stesso tempo, l'opera non è solo un dramma. I suoi componenti integrali sono anche lirici e, in molti casi, epici. È proprio questa la differenza fondamentale tra opera e dramma, dove la linea dell'"azione interiore" non è isolata, e le scene di massa, pur importanti, ma alla scala dell'intero genere, sono comunque elementi particolari del dramma. L'opera, d'altra parte, non può vivere senza una generalizzazione lirico-epica, provata “per contraddizione” dagli esempi più innovativi di dramma musicale degli ultimi due secoli.
La complessità estetica del genere è in parte legata alla sua origine: i creatori dell'opera erano guidati dalla tragedia antica, che, grazie al coro e ai lunghi monologhi, non era solo un dramma.
L'importanza dell'inizio lirico-epico per l'opera è evidentemente rivelata nella composizione del libretto dell'opera. Qui si sono sviluppate tradizioni forti. Quando viene elaborato in un libretto, la fonte originale, di regola, è ridotta: il numero degli attori è ridotto, le linee laterali sono spente, l'azione è focalizzata sul conflitto centrale e sul suo sviluppo. E viceversa, tutti i momenti che offrono agli eroi l'opportunità di esprimersi sono generosamente utilizzati, così come quelli che consentono di enfatizzare l'atteggiamento delle persone nei confronti degli eventi ("È possibile fare in modo che ... la gente era lì?" - La famosa richiesta di Ciajkovskij a Shpazhinsky sul risultato "Streghe"). Per motivi di completezza dei testi, gli autori delle opere ricorrono spesso a modifiche più significative della fonte originale. Un esempio eloquente è La dama di picche con il suo ardente, doloroso sentimento di amore e sofferenza, che, nonostante Pushkin, funge da stimolo iniziale per le azioni di Herman, portando a un tragico epilogo.
Il complesso intreccio di dramma, lirica ed epica forma una sintesi specificamente operistica, in cui questi aspetti estetici sono in grado di trasformarsi l'uno nell'altro. Ad esempio, la battaglia decisiva per la trama è presentata sotto forma di un'immagine sinfonica ("The Slaughter at Kerzhenets" nel "Racconto") di Rimsky-Korsakov: il dramma si trasforma in un'epopea. O il momento più importante dell'azione - l'inizio, il culmine, l'epilogo - è incarnato musicalmente nell'ensemble, dove i personaggi esprimono i loro sentimenti causati da questo momento (il quintetto "Ho paura" in "La dama di picche" ", il canone "Che momento meraviglioso" in "Ruslan", quartetto nell'ultima foto "Rigoletto", ecc.). In situazioni come questa, il dramma si trasforma in testo.
L'inevitabile gravitazione del dramma nell'opera verso il piano lirico-epico permette naturalmente di porre l'accento su uno di questi aspetti del dramma. Pertanto, il teatro musicale, in misura molto maggiore del drammatico, è caratterizzato da corrispondenti pregiudizi nell'interpretazione del genere operistico. Non è un caso che l'opera lirica del XIX secolo. in Francia, o l'opera epica russa, furono fenomeni storici importanti, abbastanza persistenti e che influenzarono altre scuole nazionali.
Il rapporto tra i piani drammatici e lirico-epici propri e la qualità del tempo artistico associato a questo rende possibile differenziare il genere dell'opera in due varietà principali: opera classica e dramma musicale. Nonostante la relatività di questa distinzione e l'abbondanza di opzioni intermedie (di cui parleremo più avanti), rimane esteticamente importante. L'opera classica ha una struttura su due fronti. Il suo piano drammatico, che si dispiega in recitativi e scene tagliate, è un riflesso musicale diretto dell'azione, dove la musica svolge una funzione suggestiva e obbedisce al principio di risonanza. Il secondo piano, lirico-epico, è costituito da numeri interi che svolgono una funzione generalizzatrice e attuano il principio dell'autonomia musicale. Naturalmente ciò non esclude la loro connessione con il principio di risonanza (poiché in esse è conservata almeno una connessione indiretta con l'azione) e il loro svolgimento della funzione suggestiva che è universale per la musica. Anche la funzione specificamente teatrale-riproduttiva è inclusa nel piano di generalizzazione musicale e, quindi, risulta essere funzionalmente la più completa, il che la rende la più importante per l'opera classica. Nel passaggio da un piano drammatico all'altro si verifica un profondo, sempre percepibile dall'ascoltatore, cambio di tempo artistico.
La drammatica biplanarità dell'opera è supportata da una speciale proprietà della parola artistica nel teatro, che la distingue dalla letteratura. La parola in scena ha sempre un doppio focus: sia sul partner che sullo spettatore. Nell'opera, questo duplice orientamento porta a una divisione specifica: nel piano effettivo del dramma è diretta la parola intonata vocale; principalmente su un partner, in un piano musicale e generalizzante, principalmente su uno spettatore.
Il dramma musicale si basa su uno stretto intreccio, idealmente una fusione di entrambi i piani del dramma operistico. È un riflesso continuo dell'azione nella musica, con tutti i suoi elementi, e il contrasto del tempo artistico in esso è deliberatamente superato: quando si devia sul lato lirico-epico, il passaggio nel tempo avviene nel modo più fluido e impercettibile possibile.
Dal confronto sopra esposto delle due varietà principali, risulta chiaro che la struttura numerata, tradizionalmente utilizzata come segno dell'opera classica, non è altro che una conseguenza della differenziazione dei suoi due piani, uno dei quali richiede la completezza estetica del suo legami, mentre la composizione continua di un dramma musicale è il risultato della sua solidità drammatica, riflesso continuo dell'azione in musica. La giustapposizione suggerisce anche che questi tipi operistici devono differire tra loro e i loro generi costitutivi. Come mostrerà un'ulteriore esposizione, questa differenza di genere tra i due tipi di opera è infatti significativa e strettamente interconnessa con la loro intera struttura.
O.V. Sokolov.

composizione - uno spettacolo teatrale musicale basato sulla sintesi di parole, rappresentazione teatrale e musica. Nasce in Italia a cavallo tra il XVI e il XVII secolo.

Ottima definizione

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MUSICA LIRICA

ital. opera - composizione), un genere di arte teatrale, uno spettacolo musicale e drammatico basato sulla sintesi di parole, azione scenica e musica. Nella creazione di uno spettacolo d'opera sono coinvolti rappresentanti di molte professioni: compositore, regista, scrittore, composizione di dialoghi e commenti drammatici, nonché scrittura di un libretto (riassunto); un artista che decora la scena con scenografie e compone i costumi dei personaggi; miniatori e molti altri, ma il ruolo decisivo nell'opera è giocato dalla musica, che esprime i sentimenti dei personaggi.

Le "dichiarazioni" musicali dei personaggi nell'opera sono aria, arioso, cavatina, recitativo, cori, numeri orchestrali, ecc. La parte di ogni personaggio è scritta per una voce specifica - alta o bassa. La voce femminile più acuta è soprano, quella media è mezzosoprano, quella più grave è contralto. Per i cantanti maschi, questi sono, rispettivamente, tenore, baritono e basso. A volte gli spettacoli d'opera includono scene di balletto. Distinguere tra storico-leggendario, eroico-epico, folk-fatato, lirico-quotidiano e altre opere.

L'opera nasce in Italia a cavallo tra il XVI e il XVII secolo. La musica per le opere è stata scritta da WA Mozart, L. van Beethoven, G. Rossini, V. Bellini, G. Donizetti, G. Verdi, R. Wagner, C. Gounod, J. Bizet, B. Smetana, A. Dvorak, G. Puccini, C. Debussy, R. Strauss e molti altri importanti compositori. Le prime opere russe sono state create nella seconda metà. 18esimo secolo Nel 19 ° secolo. L'opera russa fiorì nelle opere di N. A. Rimsky-Korsakov, M. I. Glinka, M. P. Mussorgsky, P. I. Tchaikovsky, nel XX secolo. - S. S. Prokofiev, D. D. Shostakovich, T. N. Khrennikova, R. K. Shchedrin, A. P. Petrov e altri.

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Tannhäuser: Cari PC, non vi arrabbiate per l'eccessiva abbondanza di post in questi giorni... Presto avrete una splendida occasione per prendervi una pausa...) Per tre settimane... Oggi ho inserito questa pagina sull'opera nel mio diario. C'è testo, immagini ingrandite ... Resta da raccogliere alcuni video con frammenti di opere. Spero che ti piaccia tutto. Bene, la conversazione sull'opera, ovviamente, non finisce qui. Anche se il numero delle grandi opere è limitato...)

Questa è un'interessante performance teatrale con una trama specifica che si svolge con la musica. L'enorme lavoro svolto dal compositore che ha scritto l'opera non può essere sottovalutato. Ma non meno importante è l'abilità esecutiva, che aiuta a trasmettere l'idea principale del lavoro, ispirare il pubblico e portare la musica nel cuore delle persone.

Ci sono nomi che sono diventati parte integrante delle arti dello spettacolo nell'opera. L'enorme basso di Fyodor Chaliapin è sprofondato per sempre nell'anima dei fan del canto lirico. Una volta sognava di diventare un calciatore, Luciano Pavarotti è diventato una vera superstar dell'opera. Enrico Caruso fin dall'infanzia ha parlato del fatto che non aveva né udito né voce. Fino a quando il cantante è diventato famoso per il suo bel canto unico.

Trama dell'opera

Può essere basato sia su un fatto storico che sulla mitologia, su una fiaba o su un'opera drammatica. Per capire cosa ascolterai nell'opera, viene creato un testo su libretto. Tuttavia, per conoscere l'opera non basta un libretto: in fondo, il contenuto viene veicolato attraverso immagini artistiche attraverso mezzi espressivi musicali. Un ritmo speciale, una melodia brillante e originale, un'orchestrazione complessa e forme musicali scelte dal compositore per le singole scene: tutto ciò crea un enorme genere di arte operistica.

Le opere si distinguono per la loro struttura end-to-end e numerata. Se parliamo della struttura numerica, allora qui la completezza musicale è chiaramente espressa e i numeri solisti hanno nomi: arioso, aria, arietta, romance, cavatina e altri. I brani vocali completati aiutano a rivelare completamente il carattere dell'eroe. Annette Dasch, una cantante tedesca, ha interpretato parti come Antonia da "Tales of Hoffmann" di Offenbach, Rosalind da "The Bat" di Strauss, Pamin da "The Magic Flute" di Mozart. Il talento poliedrico del cantante potrebbe essere apprezzato dal pubblico del Metropolitan Opera, degli Champs Elysees e dell'Opera di Tokyo.

Insieme ai numeri vocali "arrotondati" nelle opere usano la declamazione musicale - recitativo. Questo è un ottimo collegamento tra vari soggetti vocali - arie, cori e ensemble. L'opera comica si distingue per l'assenza di recitativo, ma sostituisce il loro testo parlato.

Le scene da ballo nell'opera sono considerate elementi non di base, inseriti. Spesso possono essere rimossi indolore dall'azione generale, ma ci sono opere in cui non si può fare a meno del linguaggio della danza per completare il brano musicale.

spettacolo d'opera

L'opera combina voce, musica strumentale e danza. Il ruolo dell'accompagnamento orchestrale è significativo: dopotutto, non è solo un accompagnamento al canto, ma anche una sua aggiunta e arricchimento. Le parti orchestrali possono anche essere numeri indipendenti: intermezzi agli atti, introduzioni di arie, cori e ouverture. Mario Del Monaco è diventato famoso grazie all'interpretazione della parte di Radames dall'opera Aida di Giuseppe Verdi.

Parlando del collettivo d'opera, si dovrebbero nominare i solisti, il coro, l'orchestra e persino l'organo. Le voci degli artisti d'opera sono divise in maschili e femminili. Voci operistiche femminili - soprano, mezzosoprano, contralto. Maschio - controtenore, tenore, baritono e basso. Chi l'avrebbe detto che Benjamino Gigli, cresciuto in una famiglia povera, anni dopo, avrebbe cantato la parte del Faust di Mefistofele.

Tipi e forme di opera

Certe forme di opera si sono sviluppate storicamente. La versione più classica può essere definita una grande opera: questo stile comprende opere del Guglielmo Tell di Rossini, dei Vespri Siciliani di Verdi, dei Troyens di Berlioz.

Inoltre, le opere sono comiche e semi-comiche. Tratti tipici di un'opera buffa compaiono nelle opere di Mozart Don Giovanni, Le nozze di Figaro e Il Ratto dal Serraglio. Le opere basate su una trama romantica sono chiamate romantiche: questa varietà include le opere di Wagner Lohengrin, Tannhäuser e The Wanderer Sailor.

Il timbro della voce dell'interprete d'opera è di particolare importanza. Sumi Yo è la proprietaria del timbro più raro - coloratura soprano , il cui debutto è avvenuto sul palcoscenico del Teatro Verdi: la cantante ha cantato la parte di Gilda dal Rigoletto, così come Joan Elston Sutherland, che per un quarto di secolo ha interpretato la parte di Lucia dall'opera di Donizetti Lucia di Lammermoor.

L'opera ballata è apparsa in Inghilterra e ricorda più l'alternanza di scene di conversazione con elementi folkloristici di canti e danze. Pepush con l'"Opera dei mendicanti" divenne lo scopritore dell'opera ballata.

Artisti d'opera: cantanti e cantanti lirici

Poiché il mondo della musica è piuttosto multiforme, si dovrebbe parlare dell'opera in un linguaggio speciale, comprensibile per i veri amanti dell'arte classica. Puoi scoprire i migliori interpreti dei luoghi del mondo sul nostro sito Web alla voce "Performers » .

Gli amanti della musica esperti saranno sicuramente felici di leggere dei migliori interpreti di opere classiche. Musicisti come Andrea Bocelli sono diventati un degno sostituto dei cantanti più talentuosi della formazione dell'arte operistica. , il cui idolo era Franco Corelli. Di conseguenza, Andrea ha trovato l'opportunità di incontrare il suo idolo ed è persino diventato un suo allievo!

Giuseppe Di Stefano miracolosamente non entrò nell'esercito, grazie al suo delizioso timbro di voce. Titto Gobbi stava per diventare avvocato e dedicò la sua vita all'opera. Puoi imparare molto su questi e altri artisti - cantanti d'opera nella sezione "Voci maschili".

Parlando di dive dell'opera, non si possono non ricordare grandi voci come Annick Massis, che ha debuttato sul palcoscenico dell'Opera di Tolosa con una parte dell'opera di Mozart "Il giardiniere immaginario".

Daniel De Niz è giustamente considerato uno dei cantanti più belli, che durante la sua carriera ha eseguito parti soliste nelle opere di Donizetti, Puccini, Delibes e Pergolesi.

Montserrat Caballe. Molto è stato detto su questa donna straordinaria: pochi artisti potrebbero guadagnarsi il titolo di "Diva del mondo". Nonostante il fatto che la cantante sia in età avanzata, continua a deliziare il pubblico con il suo magnifico canto.

Molti talentuosi interpreti d'opera hanno mosso i primi passi negli spazi aperti domestici: Victoria Ivanova, Ekaterina Shcherbachenko, Olga Borodina, Nadezhda Obukhova e altri.

Amalia Rodrigues è una cantante di fado portoghese e Patricia Ciofi, una diva dell'opera italiana, ha partecipato per la prima volta a un concorso musicale quando aveva tre anni! Questi e altri grandi nomi dei più bei rappresentanti del genere operistico - i cantanti lirici - si trovano nella sezione "Voci di donna".

Opera e teatro

Lo spirito dell'opera si infiltra letteralmente nel teatro, penetra nel palcoscenico e i palcoscenici su cui si sono esibiti i leggendari interpreti diventano cult e significativi. Come non ricordare le più grandi opere La Scala, Metropolitan Opera, Teatro Bolshoi, Teatro Mariinsky, Opera di Stato di Berlino e altri. Ad esempio, Covent Garden (Royal Opera House) è sopravvissuto a catastrofici incendi nel 1808 e nel 1857, ma la maggior parte degli elementi dell'attuale complesso è stata restaurata. Puoi leggere di queste e altre scene famose nella sezione "Luoghi".

Anticamente si credeva che la musica nascesse con il mondo. Inoltre, la musica rimuove le esperienze mentali e ha un effetto benefico sulla spiritualità dell'individuo. Soprattutto quando si tratta dell'arte dell'opera...