Cultura musicale in breve. La cultura musicale nello sviluppo della personalità dell'insegnante

Concetto la cultura superato un difficile percorso di sviluppo storico. Filosofi e culturologi hanno fino a duecento definizioni.

Nella teoria della cultura si distinguono i suoi strati spirituali e materiali, vengono introdotti concetti cultura della personalità e cultura della società. Interessante a questo proposito l'affermazione del famoso pensatore e musicologo tedesco dei secoli XIX-XX. A. Schweitzer: "La cultura è il risultato di tutte le conquiste degli individui e di tutta l'umanità in tutti i campi e in tutti gli aspetti, nella misura in cui queste conquiste contribuiscono al miglioramento spirituale dell'individuo e al progresso generale".

La cultura artistica è vista nell'estetica moderna come uno strato specifico e indipendente di cultura generale. Copre una certa parte della cultura materiale e spirituale della società.

La partecipazione diretta alle attività artistiche, la percezione delle opere d'arte sviluppa spiritualmente una persona, ne arricchisce i sentimenti e l'intelletto.

Le attività delle persone nel campo della cultura includono la creazione di valori artistici, la loro conservazione e distribuzione, la riflessione critica e lo studio scientifico, l'educazione artistica e l'educazione.

Si possono distinguere alcune aree della cultura artistica, corrispondenti ai tipi di arte, e tra queste la cultura musicale. Questo concetto include vari tipi di attività musicali e il loro risultato: opere musicali, la loro percezione, performance, nonché la coscienza musicale ed estetica delle persone che si è sviluppata nel processo di questa attività (interessi, bisogni, atteggiamenti, emozioni, esperienze, sentimenti, valutazioni estetiche, gusti, ideali, opinioni, teorie). Inoltre, la struttura della cultura musicale comprende le attività di varie istituzioni legate alla conservazione e distribuzione di opere musicali, all'educazione e all'educazione musicale, alla ricerca musicologica.

Soffermiamoci sulle caratteristiche del concetto di cultura musicale dei bambini in età prescolare e analizziamo la sua struttura.

La cultura musicale dei bambini può essere vista come una sottocultura specifica di un determinato gruppo sociale (bambini in età prescolare). Può essere suddiviso in due componenti: 1) la cultura musicale individuale del bambino, compresa la sua coscienza musicale ed estetica, le conoscenze musicali, le abilità e le abilità che si sono sviluppate a seguito dell'attività musicale pratica; 2) la cultura musicale dei bambini in età prescolare, che comprende opere di arte musicale popolare e professionale utilizzate nel lavoro con i bambini, la coscienza musicale ed estetica dei bambini e varie istituzioni che regolano l'attività musicale dei bambini e soddisfano i bisogni della loro educazione musicale .

Il bambino adotta il volume della cultura musicale della società corrispondente all'età prescolare nella famiglia, nella scuola materna, attraverso i media, le istituzioni musicali e culturali.

L'influenza di una famiglia sulla formazione degli inizi della cultura musicale di un bambino è determinata dalle sue tradizioni, dall'atteggiamento dei membri della famiglia nei confronti dell'arte musicale, dalla cultura generale, persino dai pool genetici. Il ruolo della scuola dell'infanzia si manifesta attraverso le qualità personali e professionali di un insegnante di musica, il suo talento e abilità, il livello culturale generale degli educatori e dell'intero corpo docente, attraverso le condizioni da loro create.

Le istituzioni pubbliche (mass media, unioni musicali creative, istituzioni musicali e culturali, ecc.) organizzano varie attività musicali dei bambini, la creazione, la riproduzione e la conservazione di opere musicali, la ricerca scientifica.

Sulla base delle disposizioni della psicologia sul ruolo dell'attività nello sviluppo della personalità, si possono distinguere diverse componenti nella struttura della cultura musicale del bambino (Schema 1).

Gli elementi di coscienza musicale-estetica, manifestati in età prescolare, sono ancora di natura indicativa e in termini di contenuto non corrispondono pienamente ad elementi di coscienza analoghi, in quanto ideali, visioni, teorie, sono inaccessibili ai bambini in età prescolare.

La coscienza musicale ed estetica nelle diverse fasi della vita di un bambino si manifesta e si sviluppa in modo non uniforme. I suoi componenti sono strettamente interconnessi da connessioni esterne ed interne e costituiscono un unico sistema.

La base della cultura musicale individuale di un bambino può essere considerata la sua coscienza musicale ed estetica, che si forma nel processo dell'attività musicale.

CULTURA MUSICALE PER BAMBINI

ATTIVITÀ MUSICALI

Percezione musicale Musicale ed educativa

Svolgere attività di creatività

Conoscenze, abilità e abilità

È ovvio che il concetto di "cultura musicale" è compreso nel canale di concetti più generali: "cultura", "cultura artistica" e "cultura artistica dell'individuo".

Il moderno concetto di "cultura artistica" include "un insieme di processi e fenomeni di attività spirituali e pratiche per la creazione, distribuzione, sviluppo di opere d'arte o oggetti materiali di valore estetico". [Cultura artistica: il concetto del termine. / Ed. L N. Dorogovoy. - M., 1978 - pag. 67].

Pertanto, la cultura artistica è un insieme di valori artistici, nonché un certo sistema della loro riproduzione e funzionamento nella società. Si noti che il concetto di "arte" è talvolta usato come sinonimo di cultura artistica.

Poiché queste definizioni sono diventate sinonimi, basilari per decine di altre e loro derivati, è necessario sottolineare che la caratteristica fondamentale di questo approccio è di individuare due sfaccettature della cultura artistica, ovvero la cultura artistica della società, e attraverso questa prisma, la cultura artistica dell'individuo.

Il concetto di "cultura artistica di una personalità" può essere distinto sulla base del fatto che le definizioni di cultura artistica spesso enfatizzano aspetti di essa come "la capacità di comprendere l'arte e goderne" L.A. Rapatskaya. Formazione della cultura artistica del maestro di musica. - M., 1991 - pag. 41.; attività creativa attiva delle persone; il processo di creazione, percezione e assimilazione dei valori artistici. Questo è ciò che offre agli scienziati le basi per separare i concetti di "cultura artistica" e "cultura artistica dell'individuo".

Lo slancio iniziale per questa divisione fu l'affermazione circa la trasformazione della personalità stessa sotto l'influenza dell'art. Definindo la cultura come una sorta di equipaggiamento spirituale di una persona, gli scienziati intendono con essa una sorta di "proiezione" di immagini sul percettore, conoscenza precedentemente acquisita, definendola una cultura individuale.

Ovviamente, questo punto di vista non può essere pienamente condiviso, poiché riflette solo uno dei tanti aspetti del concetto di "cultura individuale". La cultura della personalità non è un “magazzino” di idee preconfezionate, ma un vero e proprio strumento per conoscere e trasformare il mondo e la personalità stessa. Nonostante l'evidente unilateralità, l'idea stessa di trasformare la personalità stessa ci è sembrata molto fruttuosa e degna di ulteriore considerazione.

Tra i ricercatori che difendono la posizione di differenziazione della cultura della società e della cultura dell'individuo, Yu.B. Aliyev, Ts.G. Arzakanyan, SB Bayramova, GM Breslavia, AV Gordeev, LV Goryunov, LN Dorogov, Yu.A. Lucana, LP Pechko, AV Piradova, LA Rapatskaya, V.B. Churbanov e molti altri. Con tutte le differenze nelle direzioni di ricerca degli autori di cui sopra, hanno una cosa in comune: l'analisi dei cambiamenti funzionali che si verificano nella personalità sotto l'influenza dell'artistico (estetico, spirituale).

Parte integrante dell'educazione estetica è l'educazione musicale come fattore determinante nella formazione della cultura musicale di una persona. In pedagogia, l'educazione musicale e l'educazione sono interpretate come un processo di assimilazione organizzata degli elementi di base dell'esperienza sociale, trasformati in varie forme di cultura musicale. Nello studio di G.V. La cultura musicale di Shostak è intesa come una complessa educazione integrativa, che include la capacità di navigare in vari generi, stili e tendenze musicali, la conoscenza di una natura teorica ed estetica musicale, un alto gusto musicale, la capacità di rispondere emotivamente al contenuto di determinati brani musicali opere, nonché capacità di esecuzione creativa - canto, suonare strumenti musicali, ecc.

Secondo l'approccio di attività alla cultura di M.S. Kagan, cultura, è una proiezione dell'attività umana (il cui soggetto può essere un individuo, un gruppo o un clan) e comprende tre modalità: la cultura dell'umanità, la cultura di un gruppo sociale e la cultura dell'individuo. La cultura musicale di un individuo può essere considerata come una sottocultura specifica di un determinato gruppo sociale. In esso si possono distinguere due componenti:

• · Cultura musicale individuale, compresa la coscienza musicale ed estetica, la conoscenza musicale, le abilità e le abilità sviluppate come risultato dell'attività musicale pratica;
• · Cultura musicale di una determinata fascia di età sociale, che comprende opere di arte musicale popolare e professionale utilizzate nel lavoro con i bambini e varie istituzioni che regolano l'attività musicale dei bambini.

Il concetto di sottocultura musicale legata all'età può essere presentato come un tipico insieme di valori musicali seguiti da rappresentanti di una determinata fascia d'età. I ricercatori indicano componenti quali: accettazione interna o rifiuto di determinati generi e tipi di arte musicale; orientamento di interessi e gusti musicali; folclore musicale e letterario per bambini, ecc.

La base della cultura musicale individuale di un bambino può essere considerata la sua coscienza musicale ed estetica, che si forma nel processo dell'attività musicale. La coscienza musicale ed estetica è una componente della cultura musicale, che è un'attività musicale svolta nel piano ideale interiore.

Alcuni aspetti della coscienza estetica sono stati studiati negli aspetti pedagogici e psicologici di S.N.Belyaeva-Exemlyarskaya, N.A. Vetlugina, I.L. Dzerzhinskaya, M.Nilsson, A.Katinene, O.P. Radynova, S.M. Sholomovich e dr.

Elementi di coscienza musicale ed estetica, evidenziati da O.P. Radinova:

• · Il bisogno di musica è il punto di partenza per la formazione dell'atteggiamento estetico del bambino nei confronti della musica; sorge presto insieme alla necessità di comunicare con un adulto in un ambiente musicale saturo di emozioni positive; si sviluppa con l'acquisizione dell'esperienza musicale e all'età di 6 anni si può formare un interesse stabile per la musica;
• · Emozioni estetiche, esperienze - la base della percezione estetica; unisce l'atteggiamento emotivo e intellettuale alla musica. Teplov ha scritto: "Per capire un brano musicale, è importante viverlo emotivamente e, su questa base, rifletterci sopra". Le emozioni estetiche sviluppate sono un indicatore dello sviluppo di una cultura musicale individuale;
• · Gusto musicale - la capacità di ascoltare musica artisticamente pregiata; non è congenito, si forma nell'attività musicale;
• · Valutazione della musica - un atteggiamento consapevole verso i propri bisogni musicali, esperienze, atteggiamenti, gusti, ragionamenti.

Lyudmila Valentinovna Shkolyar, parlando della cultura musicale come parte dell'intera cultura spirituale, sottolinea che la formazione di un bambino, uno scolaro come creatore, come artista (e questo è lo sviluppo della cultura spirituale) è impossibile senza lo sviluppo di abilità fondamentali - l'arte di sentire, l'arte di vedere, l'arte di sentire, l'arte di pensare. Lo sviluppo di una personalità umana è generalmente impossibile al di fuori dell'armonia del suo "spazio individuale" - vedo, ascolto, sento, penso, agisco.

La struttura del concetto di "cultura musicale" è molto varia, può essere suddivisa in molte componenti, parametri dello sviluppo musicale: il livello di sviluppo del canto, le capacità percettive della musica moderna, il livello di attività creativa, ecc. Ma lo sviluppo, l'avanzamento dei bambini nei diversi aspetti della comprensione della musica non si sommano ancora alla cultura musicale. Le componenti dovrebbero essere generalizzate, esprimere in essa significativamente il più essenziale, diventare generali in relazione al particolare. Tale base possono e devono essere quelle neoplasie nel mondo spirituale di un bambino che si sviluppano per la rifrazione nei suoi pensieri e sentimenti del contenuto morale ed estetico della musica e che permettono di scoprire quanto la cultura musicale del l'individuo è connesso con l'intera vasta cultura materiale e spirituale dell'umanità. YuB Aliev ritiene che i criteri principali per determinare lo sviluppo della cultura musicale degli scolari includano:

• · Il livello di sviluppo delle preferenze artistiche;
• · Partecipazione degli scolari in qualsiasi ambito della creazione artistica;
• · Consapevolezza nel campo della cultura artistica della società.

Componenti simili si distinguono per L.V. Studente della scuola:

• · Esperienza musicale degli scolari;
• · alfabetizzazione musicale;
• · Sviluppo musicale e creativo degli scolari.

Criteri di disponibilità musicale Esperienza Può agire:

• · Livello di consapevolezza generale della musica;
• · La presenza di interesse, determinate preferenze e preferenze;
• · La motivazione del bambino a passare all'una o all'altra musica: ciò che il bambino sta cercando in essa, cosa si aspetta da essa.

La metodologia volta ad individuare le formazioni spirituali prevede tre opzioni: 1) incontro con la musica in classe; 2) musica per la casa discografica; 3) musica per gli amici. Si propone di stilare un programma delle lezioni finali del trimestre, scegliere i dischi da ascoltare a casa con la famiglia, un programma di feste per gli amici.

Inoltre, puoi condurre una conversazione:

• 1. Cosa ne pensi della musica?
• 2. A cosa serve la musica nella vita?
• 3. Quali brani musicali conosci, quali sono i tuoi preferiti?
• 4. Cosa canti in classe, quali canzoni conosci?
• 5. Dove ascolti la musica (TV, radio, concerti)?
• 6. Incontri musica a scuola oltre alla lezione? Dove?
• 7. Ti piace cantare a casa? Cosa stai mangiando?
• 8. I tuoi genitori cantano a casa, a una festa? Cosa stanno cantando?
• 9. Che tipo di musica hai ascoltato l'ultima volta con i tuoi genitori? Dove?
• 10. Quali programmi musicali ti sono piaciuti ultimamente? Come mai?

Inoltre, è possibile un questionario per i genitori e l'identificazione di alcune capacità di esecuzione musicale.

Questionario genitori:

• 1. Cosa dovrebbe essere, secondo lei, un bambino da considerare culturale nel campo della musica?
• 2. Cosa è richiesto a tuo figlio per raggiungere un certo livello di cultura musicale?
• 3. In che modo vede l'aiuto della famiglia nel risolvere questo problema?

Il secondo componente è musicale alfabetizzazione inteso come:

• · La capacità di percepire la musica come un'arte viva, figurativa, nata dalla vita e indissolubilmente legata alla vita;
• · Uno speciale "senso della musica" che permette di percepirla emotivamente, di distinguere il bene dal male in essa;
• · La capacità di determinare il carattere della musica a orecchio e di sentire la connessione interiore tra il carattere della musica e il carattere della sua esecuzione;
• · La capacità di identificare l'autore di musica sconosciuta a orecchio, se è tipico di questo autore.

Diversi metodi sono utilizzati per identificare l'alfabetizzazione musicale "Associazioni di vita musicale", "Scegli musica" (definizione di musica correlata); "Apri te stesso attraverso la musica."

La metodologia "Associazioni di vita musicale" prevede di rispondere a domande su alcuni lavori non familiari:

• 1. Quali ricordi ha evocato in te questa musica, con quali eventi della tua vita potrebbe essere collegata?
• 2. Dove potrebbe suonare questa musica nella vita e come potrebbe influenzare le persone?
• 3. Cosa in musica ti ha permesso di arrivare a tali conclusioni (intendendo di cosa racconta la musica e come racconta, quali sono i suoi mezzi espressivi in ​​ogni singolo brano)?

Metodo "Apri te stesso attraverso la musica". Ai bambini viene offerto un brano musicale e ad esso sono associati tre compiti:

• · I bambini vengono messi nella posizione di "interlocutori della musica": racconta loro qualcosa e poi devono raccontare i loro sentimenti, ciò che è nato in loro durante il dialogo;
• · 2° compito prevede la divulgazione di contenuti musicali da parte del bambino in plastica, in movimento;
• · Il terzo compito è connesso con l'incarnazione di "sé" nel disegno, l'autostima e la musica agisce qui come una fonte, una ragione significativa.

La creatività (creatività) è considerata un tratto speciale della personalità, caratterizzato dalla capacità di autosviluppo. Nel senso ampio della parola, è un'attività umana consapevole e propositiva nel campo della cognizione e della trasformazione della realtà. Nella musica, la creatività si distingue per un pronunciato contenuto personale e si manifesta come una speciale capacità di riprodurre, interpretare, vivere la musica. I parametri per valutare il possesso da parte dei bambini di abilità e abilità creative sono:

• • emotività;
• · Il grado di consapevolezza del piano;
• · Ingegno, originalità, individualità nella scelta dei mezzi di realizzazione;
• · Artisticità dell'incarnazione dell'idea;
• · Attrazione dell'esperienza musicale esistente.

Il livello di sviluppo musicale e creativo viene verificato, innanzitutto, osservando i bambini nel processo di comunicazione con la musica (quale ruolo sceglie il bambino: compositore, interprete, ascoltatore).

Un'altra metodologia "Comporre musica" viene eseguita individualmente e aiuta a rivelare il grado di sviluppo di rappresentazioni immaginative, fantasia, immaginazione, pensiero nell'ambito di compiti artistici, udito figurativo, visione, ecc. Viene assegnato un primo compito creativo, una situazione: "Voci di primavera", "Giornata estiva", "Suoni di una grande città", ecc. Dopo aver scelto una situazione, lo studente, insieme al docente, riflette sulla logica e l'originalità dello sviluppo del contenuto figurativo della futura opera d'arte. Puoi incarnare la tua idea sul pianoforte, altri strumenti, voce, plastica.

Il terzo metodo è "Bambino e musica". La musica è un essere vivente. Lo studente è invitato a disegnarlo come si sente, comprende la musica quando esegue o ascolta. Non dimenticare di ritrarti in questo disegno.

Il blocco delle materie del ciclo estetico nella scuola elementare è finalizzato allo studio delle leggi fondamentali del rapporto tra una persona e il mondo che lo circonda, comprendendo i significati semantici del processo di riflessione di una persona del mondo che lo circonda in ambito artistico e forme simboliche, è progettato per promuovere lo sviluppo del mondo che lo circonda, la vita, lo spazio, la società, lo sviluppo di orientamenti di valore attraverso l'empowering self-expression. Questa fase è finalizzata alla preparazione mirata degli studenti alla percezione consapevole dell'informazione culturale in futuro.

Le principali abilità e abilità per questa fase sono le seguenti:

• · Comprendere il linguaggio dell'arte come mezzo di comunicazione tra le persone;
• · Decodifica e trasmissione di informazioni attraverso i mezzi disponibili di espressività di vari tipi di arte (in particolare musicale);
• · Traduzione di informazioni inerenti a un'immagine artistica in un'opera di un tipo di arte in espressione attraverso un altro tipo di arte;
• · Percezione estetica del fenomeno del mondo circostante e trasmissione della propria percezione del mondo attraverso un'immagine artistica.

Una caratteristica della costruzione del contenuto degli oggetti estetici di livello medio dovrebbe essere uno studio parallelo dello sviluppo storico della cultura artistica mondiale e nazionale, che contribuirà a comprendere il ruolo e il posto della cultura nazionale nel contesto globale. Una tale struttura del materiale insegnato, garantendo l'unità della formazione teorica e pratica degli studenti, corrisponde non solo alle caratteristiche psicologiche dei processi di percezione nei bambini di una determinata età, ma corrisponde anche alle specificità della conoscenza umanitaria.

Le abilità e le abilità che gli studenti dovrebbero dimostrare come risultato dello studio possono essere ridotte a qualcosa di simile a quanto segue:

ь percepire e caratterizzare consapevolmente l'immagine artistica nelle opere del tipo d'arte studiato;

ь caratterizzare i mezzi espressivi, i criteri di genere, gli stilemi di specifiche opere musicali;

ь comprendere e identificare i legami tra la creazione di una specifica opera d'arte e la cultura della rispettiva società;

ь comprendere e utilizzare nella propria creatività i mezzi espressivi caratteristici della cultura musicale popolare.

La cultura musicale fa parte della cultura artistica. La formazione di una cultura musicale individuale e, attraverso di essa, l'impatto sulla formazione della personalità nel suo insieme è il fulcro di D.V. Kabalevsky.

Insegnanti Yu.B. Aliev, D.B. Kabalevsky, O.P. Riga - ha cercato di svelare il contenuto del concetto di "cultura musicale". Studente della scuola - diagnosticata la presenza di una cultura musicale

visite guidate nei bambini piccoli e ha descritto in dettaglio i risultati del suo lavoro sperimentale.

Lo studio della letteratura ha mostrato che non esiste un'opinione univoca sulla definizione del concetto di cultura musicale. Ogni insegnante ha il suo punto di vista soggettivo.

Dm. Kabalevsky identifica la cultura musicale con l'alfabetizzazione musicale. Nei suoi scritti afferma: “La cultura musicale è la capacità di percepire la musica come un'arte viva, figurativa, nata dalla vita e continuamente connessa dalla vita, questo è un particolare “senso della musica” che te lo fa percepire emotivamente, distinguendolo bene da cattivo in esso, questa è la capacità di sentire determinare la natura della musica e sentire la connessione interiore tra la natura della musica e la natura della sua esecuzione, questa è la capacità di identificare ad orecchio l'autore di musica sconosciuta, se è caratteristica dell'autore dato, le sue opere con cui gli studenti hanno già familiarità. Far conoscere agli studenti questa sottile area della cultura musicale richiede cautela, coerenza e grande precisione nella selezione dei compositori e delle loro opere". Secondo D.B. Kabalevsky, l'ascolto della musica si basa su una percezione emotiva e attiva della musica. Tuttavia, questo concetto non è limitato a nessuna delle "attività studentesche". Una percezione attiva della musica è alla base dell'educazione musicale in generale, di tutti i suoi legami. La musica può svolgere il suo ruolo estetico, cognitivo ed educativo solo quando i bambini imparano a ascoltarla e pensarci davvero. "Chi non riesce a sentire la musica non imparerà mai a suonarla davvero bene."

La percezione reale, profondamente sentita e ponderata è una delle forme più attive di familiarizzazione con la musica, perché questa attiva il mondo interiore e spirituale degli studenti, i loro sentimenti dei loro pensieri. Al di fuori dell'udito, la musica come arte non esiste affatto. Di conseguenza, l'arte musicale, che non porta i sentimenti e i pensieri di una persona, le idee e le immagini della vita, non influenza il mondo spirituale del bambino. DB Kabalevsky sottolinea che la capacità di ascoltare la musica deve iniziare a crescere fin dall'inizio della scuola. Ciò è facilitato dall'instillare regole di condotta che promuovano l'instaurarsi di un'atmosfera in classe, vicina all'atmosfera di una sala da concerto e dall'emergere della capacità di ascolto attento. Un noto insegnante, professore, dottore in scienze pedagogiche, membro dell'Accademia di scienze pedagogiche e sociali Yu.B. Aliev.

Per cultura musicale della personalità del bambino si intende “l'esperienza individuale, sociale e artistica della personalità, che determina l'emergere di elevati bisogni musicali; è un tratto di personalità integrativo, i cui principali indicatori sono:

· Sviluppo musicale (amore per l'arte della musica, atteggiamento emotivo nei suoi confronti, necessità di vari campioni di musica artistica, osservazione musicale);

· Educazione musicale (armarsi delle modalità dell'attività musicale, della conoscenza della storia dell'arte, dell'attitudine al valore emotivo dell'arte e della vita, "apertura" alla nuova musica, nuove conoscenze sull'arte, sviluppo di ideali musicali ed estetici, gusto artistico, critico, selettivo atteggiamento verso vari fenomeni musicali).

Secondo Yu.B. Aliyev, un proficuo programma di educazione musicale può essere interpretato come un riflesso della relazione iniziale: il compositore - l'esecutore - l'ascoltatore e lo sviluppo di questa relazione può essere qualificato come un processo di attività musicale pratica dei bambini nella posizione di "compositore" (creatore di improvvisazione e composizione), "interprete" (interprete di testi musicali) e "ascoltatore" (percependo un brano musicale).

Allo stesso tempo, per progredire nello sviluppo della cultura musicale personale, il bambino ha bisogno anche della posizione di “critico” che valuti la musica in base al livello delle proprie esigenze, secondo un certo stadio di sviluppo della gusto artistico.

Il percorso per diventare un qualificato "ascoltatore" di musica (e, come si sa, è proprio la percezione musicale alla base della formazione della propria cultura musicale) è piuttosto lungo. Tuttavia, per molti aspetti il ​​suo successo dipende da come e cosa l'insegnante di musica insegna al bambino. "Uno dei compiti principali della formazione attraverso lo sviluppo della cultura musicale personale", secondo Y. Aliyev, "è mettere il bambino in quelle posizioni, senza le quali l'attività musicale a tutti gli effetti è impossibile, nella posizione di" ascoltatore " e “esecutore”.

Attività del bambino nella posizione di "ascoltatore"

Il compito del lettore, secondo M. Bachtin, è comprendere l'opera come l'ha interpretata l'autore stesso. Per analogia con la lettura, si può affermare che anche "l'ascoltatore" "crea un'immagine" e non la percepisce già pronta con l'aiuto dell'udito. Nell'una o nell'altra interpretazione di un testo musicale, ascoltiamo solo ciò che un particolare interprete ha aggiunto all'opera scritta. Questo è il benchmark suggerito dal compositore e interprete. È destinato all'ascoltatore che ricrea l'immagine artistica di una composizione musicale, la crea, costruisce un'immagine adeguata, ma non identica all'immagine dell'autore. E quindi, si può ritenere che il bambino-“ascoltatore” nel processo di percezione musicale, in una certa misura, può anche essere considerato un “coautore” di un brano musicale. In questo caso, l'idea dell'attività musicale dei bambini come riproduttiva cambia. E il compito non è solo quello di memorizzare la musica, ma anche di educare un ascoltatore creativo che crei il proprio "quadro musicale del mondo sonoro", capace di valutare autonomamente un'opera.

La nota espressione: "Il libro cresce con noi" è direttamente correlata allo sviluppo della cultura musicale. Dalla creatività musicale in diversi periodi di età, l'ascoltatore può prendere cose diverse per il suo sviluppo spirituale. Ma non si contesta il fatto che "la profondità di percezione di un'opera musicale dipende principalmente dall'attività del concetto creativo di un giovane ascoltatore di musica, dalla perfezione del suo ascolto" interpretazione "di un campione di arte musicale" ed è un indicatore della sua cultura musicale.

L'attività del bambino nella posizione di "critico"

Un compito importante dell'educazione musicale è insegnare a un bambino a sviluppare il suo punto di vista nel processo di "dialogo" artistico e musicale con l'autore, essere d'accordo con lui o entrare in una discussione, ascoltare il mondo della musica con il proprio orecchio interiore , e valutare la qualità del lavoro. Ecco perché il lavoro dell'ascoltatore si fonde, per così dire, con il lavoro del "critico".

Nelle lezioni di musica si forma un certo tipo di attività musicale d'ascolto: l'ascolto dell'opera, la sua interpretazione verbale, le riflessioni sulla musica ascoltata e le opinioni e giudizi espressi su di essa. Questa attività contribuisce allo sviluppo delle capacità di analisi e valutazione dell'ascolto che sono importanti nella formazione della cultura musicale.

MI Najdorf

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ESPERIENZA IN TIPOLOGIA STRUTTURA

(L'articolo è stato pubblicato nella raccolta:Mistero musicale e cultura. Bollettino scientifico del Conservatorio di Stato di Odessa im .. A.V. Nezdanovoy - VIP. !. - Odessa: Astroprint, 2000. - S. 46-51.I numeri tra parentesi quadre indicano la fine della pagina corrispondente del libro. Articoli in PDF - nell'allegato in fondo alla pagina.

Il concetto di "cultura musicale" è divenuto recentemente sempre più diffuso, meno metaforico e più operativo. Di solito viene contattatopoi, quando una ricerca o un pensiero giornalistico, soddisfatto dell'argomentonym studio del testo musicale, fa riferimento al suo vero destino storico. Obbiettivo,per il quale si crea un testo musicale, cioè la generazione del socialmente significativosignificati, si realizza nel processo di manifestazione di questo testo nell'ambiente pubblico. Soloqui il testo acquisisce la realtà storica della sua esistenza.

È noto, però, che per la manifestazione di un testo musicale, pubblicol'ambiente deve essere preparato tecnologicamente, ad esempio, creando un adeguatositi, formazione degli interpreti, qualificazione degli ascoltatori, produzione di mustrumenti linguistici, disponibilità di stampe speciali e popolari, ecc.Quindi, in effetti, ogni testo musicale sonoro è incluso nel pubblicoessendo attraverso una comunicazione organizzata in modo molto complesso su e per il bene della creazione,il punteggio, la percezione di testi simili, provocando, nel corso di questa attività, la generazione di significato, specifico nella sua genesi musicale. In altre parole,la musica è reale, cioè significativamente, sarà creato e c'è solo una gioia speciale nelle comunità(gruppi, comunità), la cui appartenenza implica una certa qualificazione(abilità) e regole di interazione.

Le comunità in questione si mostrano non solo come comunità più o meno delimitate in termini di appartenenza, ma anche come comunità produttive e generatrici di significato. E sebbene, a prima vista, i significati generati nel processo di manifestazione pubblica di mulingue, individuali e del tutto arbitrarie, anzi collettivele procedure di manifestazione musicale in realtà si moltiplicano (rafforza, rende pubblicosignificativo) alcuni significati e ne blocca altri all'interno dell'esperienza privata. E in questoparagrafo rivela la base dell'interesse pubblico in questi inclusicomunità musicali non formalizzate (e quindi anonime) come generatori di significati socialmente significativi costantemente riprodotti.

L'interesse di ricerca per le comunità organizzate musicalmente è dettato daobiettivi pratici che possono essere descritti da due gruppi di domande. Il primo diesse consiste in questioni relative alla struttura delle opere musicali, più precisamente a quellestrutture tipiche che rendono i testi musicali adeguati alle condizioni delle loro funzionirazionamento nella corrispondente comunità musicale organizzata. Secondo gruppodomande si rivolge alle comunità musicali organizzate, molto diverse tra loro, dal punto di vista dei significati che si generano attraverso il funzionamento in esseopere musicali. In definitiva, entrambi i gruppi di domande possono sempre essere contestati.cretizzato dalla questione del significato generato dal funzionamento sociale del datodi un'opera musicale - nelle condizioni del suo tempo e in una prospettiva storica.

Dal punto di vista di questo problema (la musica ei significati da essa generati), ille comunità informali organizzate in musica acquisiscono il carattere di semiotica e la descrizione (comprensione) di queste comunità come fenomeni sociali specialisi concentra sulle loro caratteristiche culturali. È qui che viene fuori il termine. "cultura musicale" nel suo significato ben preciso: caratteristiche qualitative tic delle comunità musicali come quello specifico ambiente sociale che agita pensa alla vita sociale dei testi musicali.

Il concetto di "cultura" (la sua portata è più ampia della portata del concetto di "cultura musicale") coglie le caratteristiche integrali di qualsiasi comunità auto-organizzata, prendendo inoltre dal lato del contenuto delle principali informazioni di consolidamento . Altrimenti, possiamo dire che la cultura è una caratteristica informativa della società. Sotto informazionequi non dovrebbe essere inteso come una "misura quantitativa per eliminare l'incertezza", come èaccettata nella cibernetica, e la totalità dei mezzi a disposizione dell'uno o dell'altrocomunità, e da loro diretti all'autorganizzazione, per eliminare il proprio caoticonosti, per stabilire un ordine interno specifico per una data società. Diè chiaro che l'originalità di questi mezzi incide direttamente sull'originalità dell'organizzazionesocietà. Ecco perché la cultura, vista dall'esterno, è percepita come il fronte.società, il suo aspetto, le sue caratteristiche individuali.

Ma l'informazione è un processo. Nei sistemi sociali - in continuo movimentoil processo di confronto con il caos. Il suo significato è riprodurre costantemente quelle idee, relazioni e significati che vengono riconosciuti come fondamentaliin questa comunità. Da qui la necessità di una riproduzione costanteinformazioni dello stesso tipo. v XX secolo, divenne ovvio che miti dello stesso tipo possono essere,fiabe, romanzi, dipinti, forme architettoniche, sinfonie, teorie scientifiche, ecc., compresi telegiornali, incl. e notizie meteo.

La cultura musicale fa parte del sistema informativo generale di supportoStato, uno dei mezzi per snellire la vita pubblica. Le specificità della cultura musicaletour è che il mezzo principale per ordinare la riproduzione in esso di rappresentazioni, relazioni,significati riconosciuti come essenziali per una data comunità sono il rapporto relativo alla creazione, riproduzione e percezione della musica. Da questo punto di vista, il testo musicale sonoro risulta essere non un traguardo, ma un mezzo di interazione sociale, un legame di mediazione, un mediatore. Quindi il pallone media il rapporto di tutti i ventidue giocatori sul campo di calcio, tutti gli spettatori di questa partita e, in più, tutti quelli per i quali il punteggio finale sarà significativo.

Il romanticismo e la sinfonia mediano anche diverse comunità. Ma quale sia la differenza fondamentale tra queste comunità (tra le culture di queste comunità, tra le loro "culture musicali") non è così evidente. In entrambe le culture musicali, le posizioni dell'autore, dell'esecuzione e dell'ascolto sono facilmente distinguibili. E in questo sono simili. Le differenze tra le culture musicali si trovano nel loro specifico ordinamento, nella mutua organizzazione delle posizioni di "compositore", "esecutore", "ascoltatore", cioè nelle caratteristiche strutturali di queste comunità.

Un testo musicale che funziona nella comunità musicalmente organizzata che lo ha generato (che può essere descritto dalla sua cultura musicale) non risiede solo in esso, ma riproduce (conferma, attualizza) la struttura stessa della sua esistenza questa comunità. Il "corretto" funzionamento di un testo musicale riproduce il tipo della sua struttura inerente a questo tipo di cultura. Ciò significa che questa o quella cultura musicale è ancora viva e poiché nella società esistono effettivamente testi musicali che si creano e funzionano secondo le sue regole. In questa proprietà di un testo musicale - funzionante, di riprodurre la struttura della "sua" cultura musicale - la fonte della sua capacità di generare significato.

Naturalmente, un testo musicale, come qualsiasi testo letterario, è potenzialmente sfaccettato. Ma in questo caso ci interessano solo quei significati che si generano per la corrispondenza stessa tra le strutture dei testi musicali di un certo tipo, da un lato, e la corrispondente strutturazione delle culture musicali - se li distinguiamo per il tipo di ordinamento reciproco in essi delle principali posizioni funzionali che vengono offerte ai loro portatori: posizioni di "compositore", "interprete" e "ascoltatore". In altre parole, ci interessano i significati e le esperienze di individui e gruppi che crescono dalla loro identificazione con una delle posizioni nominate, e, di conseguenza, le loro esperienze di relazione con altri posizionatori, secondo come è " prescritto" ai partecipanti di una data comunità dalla sua cultura musicale...

I significati che ci interessano, sebbene siano generati nell'ambiente musicale, sono molto più ampi nella loro natura socioculturale, poiché le posizioni sopra fissate il rapporto non solo della comunicazione musicale. Ad esempio, la posizione di "paternità" in un certo numero di culture può essere attribuita all'idea del destino o della biografia di una persona. Se nell'antichità l'individuo ha un'idea del suo percorso di vita come l'attuazione della propria creatività, allora nella cultura del romanticismo i personaggi e i loro autori si sforzano di realizzare la loro biografia, al limite, come una propria libera creazione. Si dovrebbe presumere, di conseguenza, che nella cultura musicale del romanticismo, la paternità dovrebbe essere accentuata e persino ipertrofica, mentre nell'antichità la "paternità" musicale dovrebbe normalmente rimanere inosservata.

L'altro lato delle differenze tra le culture musicali devono essere le differenze nelle strutture che mediano queste comunità di testi musicali. In altre parole, la struttura del romance dovrebbe corrispondere alla struttura di quel tipo di comunità musicale, che il romance come tipo di testo musicale media e in cui il romance genera determinati significati socialmente significativi (e per i quali è, almeno , non indifferente e non esotico). Lo stesso si può dire della sinfonia. Allo stesso tempo, le definizioni di genere (romanza, sinfonia) qui utilizzate a titolo esemplificativo rappresentano, ma non esauriscono, il tipo (o classe) di testi che strutturalmente corrispondono al corrispondente tipo (classe) di culture musicali da essi mediate. In questo caso sarebbe più corretto parlare di opere del "tipo romanzesco" o del "tipo sinfonico".

Passando ora alla corrispondenza reciproca delle strutture formali dei testi musicali e delle corrispondenti culture musicali, delineiamo la principale opposizione: da un lato, ci sono testi musicali stabili nella loro completezza, autentici a se stessi (li chiamiamo "cosa", "opera"), dall'altro - testi musicali che non hanno un originale univoco, più o meno mutati nel processo di ogni esecuzione. Di conseguenza, le strutture delle comunità musicali (culture musicali) in cui tali testi funzionano sono diverse: i testi musicali completi funzionano nelle culture musicali con una posizione autoriale chiaramente formata di "compositore", mentre nelle culture musicali con testi musicali mutevoli, la paternità non viene rivelata , ma la funzione esecutiva. In prima approssimazione, si potrebbe dire che i testi completati (sono registrati mediante notazione musicale) corrispondono alla struttura delle culture musicali "d'autore", mentre i testi musicali mutevoli (non registrati) sono creati nell'ambito delle culture musicali "esecutive".

Ulteriori analisi ci porteranno formalmente a distinguere tra due tipi di culture musicali "d'autore". Si tratta di comunità con una funzione esecutiva indipendente (esecutore su un palco da concerto) e una funzione di ascoltatore (nella sala). Indichiamolo come "Tipo di concerto di cultura musicale". E comunità in cui l'ascoltatore e l'esecutore cambiano facilmente posto, occupando la stessa piattaforma (salone, stanza della casa). Che sia un tipo di produzione musicale amatoriale, casalinga, "un tipo di cultura musicale amatoriale".

Un'analisi formale delle culture musicali "esecutive" consente anche di distinguere le comunità musicali in un caso, in cui, con l'espressione stessa dell'autore inespressa, la sua funzione, insieme alla propria, è assunta dall'esecutore-improvvisatore che parla al pubblico riunito (jazz club, teahouse in Oriente) - "Una cultura musicale di tipo improvvisativo". Infine, nel fare musica popolare (il lato musicale dei rituali) nessuna delle funzioni è formalizzata: il folklore non conosce la specializzazione dell'autore, dell'esecuzione o dell'ascolto ("cultura musicale di tipo folcloristico").

Così, l'analisi più semplice della struttura formale della comunicazione musicale nella società permette di distinguere quattro tipi di costruzione di relazioni comunicative - dalla fusione sincretica di tutte e tre le funzioni (nel folklore, vicino a prototipi arcaici) alla loro specializzazione distinta (in comunità musicali che coltivare la performance concertistica classica). Va ricordato che, come abbiamo stabilito sopra, ciascuna di queste varianti della struttura socio-musicale è "costruita" in modo da generare nella società significati che hanno in essa un'influenza organizzatrice (auto-organizzante).

Quindi, le comunità organizzate musicalmente esistono per e per il funzionamento dei testi musicali in esse e per il bene dei significati generati dal processo di questo funzionamento. . E queste comunità esistono solo nella misura in cui il testo musicale media queste relazioni. Una persona non informata ha il diritto di acquistare un biglietto per un concerto di musica classica, per un festival jazz o per uno spettacolo rock, ma la sola presenza in sala non renderà tale persona un membro della comunità musicale corrispondente fino al processo di la manifestazione della musica ha per lui un significato significativo. Ma allo stesso modo, la generazione di significato sarà violata se il testo musicale, per qualche ragione, risulta essere trasferito in una comunità organizzata dalla musica ad esso estranea, o, il che è lo stesso, in una comunità con un estraneo cultura musicale.

Il testo generato nella struttura musicale del folklore, quando viene "portato fuori" sul palcoscenico del concerto, subisce inevitabili distorsioni, adeguandolo alle esigenze di una diversa cultura musicale ("tipo concertistico"). Naturalmente, le modifiche saranno diverse, a seconda del metodo di "introduzione". Se, per esempio, un cantante d'opera esegue una "canzone popolare" in un concerto filarmonico, il testo viene trasformato nella direzione di un disegno strutturale e intonazionale distinto, che si avvicina emotivamente e semanticamente a una storia d'amore. Se lo stesso frammento di folclore è presentato in scena dai suoi interpreti dilettanti, che hanno percepito il testo dai suoi portatori naturali, allora qui sono inevitabili distorsioni, ad esempio la percezione del frammento come unità integrale indipendente del testo. E l'espansione della performance verso lo spettatore maschera una particolarità naturalmente inerente al folklore: la sua subordinazione alla comunicazione interna "circolare" e, di conseguenza, la sua focalizzazione sul significato "universale".

Una storia d'amore nata per funzionare nella cultura musicale del "fare musica da casa", essendo folklorizzata, subisce un livellamento intonazionale e un allentamento formale, e in una situazione concertistica inizia a gravitare verso la teatralizzazione o l'esagerazione, avvicinandola al tipo di aria (questo è chiaramente visibile nei compositori che hanno cercato di "far emergere" il genere romantico sul palco, ad esempio da Mussorgsky, Tchaikovsky, Rachmaninoff).

Il più ricettivo è il tipo di "cultura musicale improvvisata", che è in grado di utilizzare non solo i propri schemi, ma anche quelli presi in prestito. Il preludio di Chopin, il tema del Concerto per pianoforte di Čajkovskij. "Ehi, suoniamo" L'"Usignolo" di Alyabyev - testi musicali di diversi tipi musicali e culturali - si è rivelato altrettanto adatto a servire come temi dell'improvvisazione jazz, come, ad esempio, "Caravan", "nativo" del jazz, di Duke Ellington. Ma proprio e solo per temi e per virtù e nel momento della sua popolarità. Le fonti degli argomenti perdono la propria struttura formale.

Il trasferimento di testi in un ambiente musicale culturale estero, quindi, deve essere interpretato come una citazione, ma non del testo trasferito in sé, ma della cultura che il testo citato rappresenta. Ad esempio, il significato più vicino della citazione di Ciajkovskij della melodia popolare "Una betulla stava sul campo" nel finale della Quarta Sinfonia era confrontare due tipi di cultura musicale rappresentati dalla danza e dalla sinfonia, "folk" e "concerto". L'introduzione di una storia d'amore in un'opera e in una partitura sinfonica crea anche una situazione di giustapposizione di due tipi di cultura musicale. Esattamente la stessa citazione è "canticchiare a se stessi" (folklorizzazione) di melodie del repertorio concertistico.

La collisione che ogni volta si ha quando si citano testi musicali in un ambiente musicale a loro estraneo, dà un'idea chiara del significativo grado di corrispondenza che esiste tra la struttura delle culture musicali e la struttura dei testi musicali generati nel loro ambiente . Il compito di ulteriori ricerche è mostrare perché e come il processo di funzionamento di un testo nella “propria” cultura musicale risulta essere al tempo stesso un processo di generazione di senso.

© M. I. Najdorf, 2000

UNIVERSITÀ STATALE DELLA CULTURA E DELLE ARTI DI MOSCA

Istituto di Studi Culturali e Studi Museali

L'INFLUENZA DELLA MODERNA CULTURA MUSICALE SULLA PERSONA

(SULL'ESEMPIO DEL ROCK AND ROLL)

Corso di lavoro

Completato da: Volkova E.O.

Studente 1° anno gruppo 126

Consulente scientifico:

Leontyev

Mosca 2009

Introduzione ……………………………………………………………………………………… 3

Capitolo io . Le specificità della musica. Cos'è la cultura musicale? .............................4

Capitolo II . La storia del rock and roll …………………………………………… .. …… ........... 7

Capitolo III . Personaggi illustri degli anni Sessanta …………………………………………… ... 12

Capitolo IV . L'influenza della musica rock sul corpo umano ……………………………… .16

Capitolo v . L'influenza negativa del rock and roll …………………………………………… .19

Capitolo VI . Gli aspetti positivi della musica rock ............................... 21

Conclusione ………………………………………………………………………………… .23

Elenco delle fonti e della letteratura

Introduzione.

Lo scopo di questo lavoro è cercare di studiare l'influenza della musica sulla personalità. Gran parte di questo lavoro è dedicato all'esame dell'impatto della musica rock sui giovani degli anni '60. Vorrei esplorare in dettaglio lo sviluppo della musica rock and roll in diversi paesi. Anche in questo lavoro vorrei scoprire quale ruolo gioca nella vita di ognuno di noi la musica che ascoltiamo ogni giorno e come la cultura musicale che seguiamo influenza il nostro modo di vivere, la nostra visione del mondo, la nostra visione del mondo. Vorrei chiarire questa questione, considerando gli anni '60 della vita degli Stati Uniti e dell'Inghilterra, perché era in questo periodo che in questi paesi si stava svolgendo la "rivoluzione musicale", con cui intendo l'emergere del rock and roll e quei gruppi che potrebbero lasciare una grande impronta sulla musica... Vorrei risolvere il problema da me posto analizzando le biografie di famosi personaggi musicali degli anni '60.

È noto che nel periodo di sviluppo adolescenziale, la cultura musicale raggiunge un certo livello. I giovani sviluppano il proprio gusto musicale, appare la propria cerchia di interessi e preferenze musicali, che sta gradualmente guadagnando stabilità. Le osservazioni di molti suggeriscono che la maggior parte dei giovani di oggi sono appassionati di musica rock. Il rock è la realtà sociale del nostro tempo. La musica contemporanea è percepita come un'area separata dell'arte musicale che esiste autonomamente.

Il lavoro si compone di un'introduzione, sei capitoli, una conclusione e una bibliografia. Il primo capitolo è dedicato alla definizione del ruolo e del posto della musica nella vita della gioventù moderna e all'identificazione del concetto di "cultura musicale". Il secondo capitolo tratta dell'origine del rock and roll, del suo sviluppo nei diversi paesi e ne fornisce le caratteristiche nel complesso. Nel terzo capitolo verranno citati fatti tratti dalla vita di personaggi famosi che hanno suonato musica rock e che hanno avuto anche un ruolo importante nella vita del loro paese. Gli ultimi tre capitoli esploreranno gli aspetti negativi e positivi del rock and roll come cultura musicale.

Capitolo io

Le specificità della musica. Cos'è la cultura musicale?

Nella società moderna, la musica occupa un posto speciale, tutt'altro che l'ultimo. Anche i filosofi antichi hanno descritto l'influenza positiva della musica sugli esseri umani. Aristotele sosteneva che con l'aiuto della musica si può influenzare la formazione di un carattere umano in un certo modo. Avicenna ha descritto la musica come un trattamento non farmacologico insieme alla dieta. In India, i canti nazionali vengono eseguiti come misura preventiva in molti ospedali. La musica ha un impatto significativo sul comportamento, sulla vita e sulla salute delle persone. La musica e il suo ritmo erano ampiamente usati nei rituali e in altre attività di culto. Un esempio abbastanza eclatante di ciò è la pratica sciamanica conosciuta tra i diversi popoli del mondo. Battiti ritmici appositamente selezionati del tamburello dello sciamano hanno contribuito all'ingresso in speciali stati di coscienza sia dello sciamano stesso che del resto dei partecipanti.

Il mondo in cui viviamo è pieno di vari suoni naturali e artificiali, ma i suoni stessi non sono ancora musica. La musica nasce quando una persona inizia a organizzare questi suoni. Qualsiasi musica che ascoltiamo ogni giorno non solo può intrattenere e deliziare le nostre orecchie, ma questa musica ha anche la capacità di avere un effetto notevole (sia positivo che negativo) sullo stato psico-emotivo e fisico di una persona. Nella società moderna, la musica è definita dai concetti: "alla moda" o "non alla moda". Nei tempi antichi, la musica svolgeva un ruolo rilassante e divertente, ma ora il suo significato è cambiato in modo significativo. Con l'invenzione della registrazione del suono, la musica diventa un bene che può essere acquistato o venduto. Questo prodotto, a sua volta, crea un mercato che consente enormi profitti. Sono apparse un numero enorme di stazioni radio, che trasmettono solo musica. Nel 1981, la televisione musicale MTV è apparsa negli Stati Uniti, trasmettendo 24 ore al giorno. Pertanto, la musica è parte integrante della vita umana. Ora ci sono un numero enorme di generi, direzioni e stili musicali diversi. Non esiste un genere musicale leader nella società moderna. Le differenze non sono nella musica in sé, ma nell'ascoltatore. I generi musicali hanno spettri di valore diversi che determinano la loro percezione da parte del pubblico come fenomeni legati non solo all'arte, ma anche alla vita reale. Secondo me, ogni ascoltatore è individuale, ogni persona percepisce qualcosa a modo suo. La musica è in grado di trasmettere in modo convincente lo stato emotivo delle persone.

La cultura musicale è un aggregato di valori musicali, la loro distribuzione e conservazione. Secondo me, la musica nella società moderna non è solo intrattenimento, è anche un mezzo di espressione personale. Su base musicale, le persone, e molto spesso i giovani, si uniscono in varie sottoculture, trovando la propria specie. Ma un tale ruolo è svolto dalla musica che si oppone al gusto di massa.

Gli elementi principali e i mezzi espressivi della musica sono la melodia, il ritmo, il metro, il tempo, la dinamica, il timbro, l'armonia, la strumentazione e molto altro.

La musica, secondo me, è l'arte più simbolica di tutte, perché colpisce una persona e la sua psiche, non usando né parole né immagini visive. La musica è considerata una delle modalità più alte del pensiero simbolico. Secondo il filosofo Attali, "la musica è vibrazioni rivestite di suoni e simboli della società". Nella mitologia greca, la parola "musica" è associata alle muse: le nove figlie di Zeus e la dea della memoria Mnemosine. Le muse, ad eccezione di Urania e Clio, sono associate al canto, alla danza e alla musica. Cantano le gesta degli dei e conoscono il passato, il presente e il futuro. Un'altra tradizione associa le muse al musicista magico Orfeo.

Ogni giorno la maggior parte di noi ascolta musica diversa, anche se non di proposito, dobbiamo ascoltarla, ad esempio - in macchina, autobus, supermercato, cinema, per strada, in discoteca, in un bar o ristorante - ovunque ci troviamo, siamo accompagnati dai suoni della musica. Allo stesso tempo, quasi nessuno può pensare all'enorme impatto che ha sul nostro mondo interiore e sulla sua espressione esterna, ad es. comportamento. Con il suo ritmo, melodia, armonia, dinamica, varietà di combinazioni di suoni, la musica trasmette un insieme infinito di sentimenti e stati d'animo. La sua forza sta nel fatto che, ignorando la mente umana, penetra direttamente nell'anima, nel subconscio e crea l'umore di una persona. In base al suo contenuto, la musica può evocare una varietà di sentimenti, motivazioni e desideri in una persona. Può rilassare, calmare, rinvigorire, irritare, ma queste sono solo quelle influenze che vengono riconosciute dalla nostra mente. Allo stesso tempo, regoliamo il nostro comportamento in base alla qualità di questa influenza. Tutto questo avviene consapevolmente, con la partecipazione del pensiero e della volontà. Ma ci sono influenze che passano proprio "attraverso" la nostra coscienza, stabilendosi nelle profondità del nostro cervello e costituendo una parte significativa di tutti i nostri significati e motivazioni. Certo, il ruolo della musica nella costruzione dell'io umano e del suo comportamento non va esagerato: ci sono molti fattori, sia esterni che interni, che influenzano il nostro mondo interiore. Ma è impossibile negare il fatto della partecipazione della musica alla formazione della coscienza.

Molti dei giovani di oggi, tenendo conto di tutta la diversità dei generi musicali, cercando di dimostrare il loro ricco mondo interiore e la loro diversità, danno la loro preferenza a generi che in qualche modo vanno contro le norme accettate nella società. Questi generi includono il rock, che ha molte manifestazioni (hard rock, punk rock, art rock). Il rock è nato in Occidente nei primi anni '60, sotto il nome rock n roll.

Capitolo II

Storia del rock and roll

Rock and roll (Rock and roll) è letteralmente tradotto dall'inglese come "rock and roll". È uno dei generi di musica popolare che ha avuto origine in America negli anni '50 ed è stato il primo stadio nello sviluppo della musica rock. È anche una danza eseguita su musica rock and roll e una composizione di musica rock and roll. Il rock and roll è caratterizzato da un ritmo veloce, un grande uso dello slang (per lo più negro) e libertà di esecuzione musicale. Gli strumenti principali sono chitarra elettrica, basso, batteria e pianoforte.

Inizialmente, il termine "rock and roll" è stato coniato da Alan Freed di Cleveland (un disc jockey di una delle stazioni radio americane). All'inizio degli anni '50, c'era una popolare canzone R&B negli Stati Uniti che includeva la frase: "We" ll rock, we "ll roll", che all'incirca significa "faremo rock, gireremo". Questa frase è stata usata da Alan Fried, descrivendo la nuova musica che trasmetteva alla radio. La parola "rock and roll" è subito entrata in uso. Alan Freed non solo ha coniato il termine "rock and roll", ma ha anche promosso vigorosamente un nuovo stile musicale. Diventato una celebrità, ha recitato in diversi film, il più famoso dei quali "Rock round the clock", con Bill Haley. Ma alla fine, Fried fu condannato alla reclusione nel 1960 per la sua attiva corruzione e morì di alcolismo.

Il rock and roll era il risultato di una miscela di diversi stili musicali prevalenti in America a quel tempo. Quasi contemporaneamente, indipendentemente l'uno dall'altro, sconosciuti musicisti bianchi e neri del sud americano iniziarono a mescolare rhythm and blues, boogie-woogie e country, ottenendo un suono prima sconosciuto. Bill Haley (il primo vero interprete del rock and roll "puro") usò lo slang nero con forza e vigore all'inizio degli anni '50. nelle loro ritmiche canzoni country con un tocco di jazz e boogie woogie. I suoi due singoli "Rock Around The Clock" (registrati nell'aprile 1954) e "Shake Rattle And Roll" giocarono un ruolo decisivo nell'enorme popolarità del rock and roll, che fino ad allora era solo un esperimento musicale ed era noto solo agli ascoltatori di emittenti radiofoniche locali. Certo, è molto difficile determinare l'inizio della nascita di questo stile musicale, ma gli intenditori spesso danno il primato del rock and roll alla canzone "Rocket 88", registrata da Ike Turner nello studio di Sam Phillips nel 1951. Di conseguenza, il suono classico del rock and roll si formò nel 1954-55, quando Bill Haley, Elvis Presley, Chuck Berry, Little Richard e Fats Domino registrarono le canzoni che gettarono le basi di questo movimento. Presley sperimentò audacemente il country e il blues, Fats Domino alla fine dimostrò che il suo boogie-woogie al pianoforte di New Orleans era rock and roll; il ritmo dell'uragano e le urla frenetiche del pianista Little Richard sono diventati la quintessenza della natura ribelle del rock, e gli accordi di chitarra e i testi spiritosi di Chuck Berry sono diventati un esempio per innumerevoli imitazioni.

Un'altra persona che ha lasciato il segno nella creazione del rock and roll è Little Richard, un cantante negro e interprete di musica "ritmo e blues". Nel 1973, ha affermato di essere il fondatore del rock and roll, proprio come Ford ha fondato Ford. Little Richard ha affermato di essere stato il primo ad accelerare il tempo del rhythm and blues e questo è stato chiamato rock and roll.

Ma nonostante il ritmo accelerato di sviluppo del rock and roll fino al 1954, la sua popolarità non andò oltre diversi stati. Il vero successo è arrivato dopo l'apparizione sugli schermi cinematografici del film "Jungle of Slate Board" sulle bande di scolari adolescenti. Il film è stato accompagnato dalla musica eseguita dall'orchestra di Bill Haley. Bill aveva già più di trent'anni e gli adolescenti lo classificavano tra le generazioni più anziane e volevano vedere i loro coetanei sullo schermo. E poi esce Elvis. Elvis Presley si adattava perfettamente agli standard di Hollywood e aveva anche una voce eccezionale. La sua performance è stata caratterizzata da eccezionale dinamismo e temperamento. È ancora l'epitome del rock and roll. Sebbene non possa essere considerato il primo interprete del rock and roll, la storia del nuovo stile viene contata dal momento in cui Elvis Presley è apparso sul palco. Da quel momento in poi, il rock and roll iniziò a svilupparsi come se avesse un ritmo proprio: la richiesta di dischi cresceva ogni anno e i testi divennero più sociali, problematici. Elvis Presley, soprannominato "il re del rock and roll", ha avuto un'enorme influenza musicale e stilistica sulle giovani generazioni, non solo in America, ma in tutto il mondo.

Dopo il successo commerciale senza precedenti di Presley, il rock and roll divenne subito oggetto di interesse nel cinema e nelle major. Nel 1956-57. Il rock 'n' roll è stato riempito con nuove stelle - Karl Parkins, Jerry Lee Lewis, Buddy Holly, Eddie Cochran - che hanno dimostrato tecniche di esecuzione innovative e hanno avuto un impatto ancora maggiore sulla prossima generazione di musicisti. Un posto speciale nella storia del rock and roll strumentale è stato occupato da Link Ray, la cui composizione "Rumble" ha avuto un enorme impatto sullo sviluppo della successiva musica per chitarra. Entro la fine degli anni '50, i dischi rock and roll erano tra i più popolari negli Stati Uniti.
Lo sviluppo del rock and roll fu rapido, ma finì presto anche sull'orlo dell'esaurimento: Little Richard lasciò la musica pop già nel 1957, due anni dopo il suo primo successo; Elvis Presley fu arruolato nell'esercito per due anni e al suo ritorno nel 1960 fu più impegnato con la sua carriera cinematografica; Buddy Holly, Richie Valens e Eddie Cochran sono morti nel 1959-60; Chuck Berry è stato condannato al carcere. Altri cantanti iniziarono a padroneggiare stili estranei (country, rhythm and blues, ecc.). Parallelamente, c'erano molti artisti di successo commerciale, ma hanno fatto poco per contribuire allo sviluppo musicale.

Entro i primi anni '60. il rock 'n' roll era in una fase di sviluppo senza uscita ed è stato possibile dargli vita solo con la "invasione britannica" (The Beatles) della metà degli anni '60. Quasi tutti i successi rock and roll degli anni '50. (soprattutto Chuck Berry e Little Richard) sono stati ricoperti da band britanniche. In questo momento appare il termine "rock".

All'inizio degli anni '60, i giovani britannici cresciuti con il blues americano iniziarono a inventare e comporre il proprio stile. Band come The Rolling Stones e The Who hanno contribuito alla nascita di un nuovo sound, nuove idee e un nuovo movimento nella musica, ovvero il rock. In ogni ambiente creativo c'è sempre bisogno di svilupparsi, di cercare qualcosa di nuovo. Dal 1966, la direzione art-rock è diventata piuttosto popolare, che in seguito ha impressionato il mondo intero. Notevoli rappresentanti di questo movimento furono Andy Warhol e Welwit Underground, Pink Floyd e David Bowie.

Il 1975 occupa giustamente un posto speciale nella storia del rock and roll. Fu in quel momento che le due riconosciute capitali mondiali del rock - New York e Londra - stavano perdendo le loro posizioni e i giovani musicisti su entrambe le sponde dell'Atlantico stavano guadagnando slancio, desiderosi di dare nuova forza al rock. Forse in modo più vivido questo processo si è riflesso nel lavoro di squadre come Patti Smith, Ramones, The Sex Pistols e The Clash. Come risultato di questi esperimenti audaci e senza compromessi, il mondo ha assistito alla nascita della terza generazione del rock and roll, il punk rock.

Nel 1965, la capitale industriale dell'Inghilterra - Birmingham - subì un incidente che cambiò per sempre la storia del rock. Il giovane chitarrista Tony Iron si è fatto tagliare la punta delle dita della mano destra su una macchinetta. Dopodiché, il ragazzo non ha rinunciato alla speranza di suonare: ha inserito delle piastre di metallo sulle dita, a seguito delle quali il suono ha iniziato a diventare più forte, più forte, più pesante e più aggressivo. Ciò ha causato una risonanza inaudita tra i musicisti, da quel momento tutti hanno cercato di riprodurre questo suono. L'heavy metal è diventato un fenomeno globale nella storia del rock. La direzione continua a svilupparsi ora. Forse i rappresentanti più importanti di questa generazione sono Deep Purple, Iron Maiden e Metallica.

Nei primi anni '70, il rock suona con tale potenza che diventa possibile e necessario ascoltarlo negli stadi. I Led Zeppelin sono i primi a fare un passo così audace. Ben presto, i membri della band scoprono che la loro musica non solo è ascoltata in tutto il mondo, ma è anche in grado di apportare notevoli cambiamenti in essa. L'era del rock da stadio è celebrata da numerosi artisti: Led Zeppelin, Kiss, The Police, Queen e Dire Straits.

All'inizio degli anni '90, Seattle si trasformò nella capitale mondiale della musica e, allo stesso tempo, apparvero nuovi re del rock alternativo. Kurt Cobain, cantante dei Nirvana, sta davvero diventando la voce di una generazione. Presto, molte altre band si uniranno al rock alternativo. L'eredità di Kurt Cobain e delle band R.E.M., Black Flag, Pearl Jam, Sonic Youth influenza ancora il rock. Ogni giorno sono circondato da quelle persone che si sacrificherebbero molto per ascoltare dal vivo i membri di queste band.

All'inizio degli anni '80, la direzione "indie" è ancora un profondo mistero della musica britannica. Include una serie di artisti come The Smiths e Oasis. Questi artisti inizialmente non godevano di grande popolarità, ma dopo alcuni anni il loro trionfo diventa così completo che è difficile accogliere tutti i fan ai concerti. E la nuova ondata delle band di Manchester The Libertines, Franz Ferdinand, Blur, Kaiser Chiefs e Arctic Monkeys non solo rafforza la posizione indie, ma eleva anche questa tendenza ai vertici della musica rock.

Ora il mondo intero celebra la giornata mondiale del rock and roll il 13 aprile. Fu in questo giorno del 1962 che i Beatles si esibirono allo Star Club di Amburgo.

Dalla storia del rock and roll in URSS.

Il rock and roll arrivò in Unione Sovietica dopo il Festival mondiale della gioventù e degli studenti del 1957. Joseph Stalin morì un anno prima della nascita del rock and roll. In questo momento iniziò il periodo del disgelo in Unione Sovietica, tutto iniziò a riprendersi. Il primo passo è stato quello di far rivivere la radio, che a quel tempo funzionava ancora via filo. E dopo una lunga pausa, una musica leggera iniziò a risuonare su questi fili arcaici. Fino ad allora, di regola, suonavano in onda solo ensemble di strumenti popolari russi, musica classica e canti georgiani. A poco a poco si è trattato di suonare tango, foxtrot, rumb - tutto ciò che in precedenza era considerato inaccettabile alla radio. I collezionisti hanno sviluppato un fascino per i dischi boogie-woogie stranieri. Erano costosi, era difficile trovarli, quindi venivano distribuiti sempre di più su dischi fatti in casa.

Quando, dopo il 59° anno, apparvero in vendita i primi LP, compresi i dischi di Bill Haley, il popolo della musica poté finalmente vedere il volto del loro idolo, catturato sulle buste degli LP.

Per la prima volta "Rock around the clock" suonò alla radio di San Pietroburgo nel 1957 durante la trasmissione dell'esibizione studentesca dell'Istituto LETI intitolata "Spring in LETI". Eppure, allora, il rock and roll poteva essere saltato alla radio solo in forma parodia.

Il rock and roll ha portato un impulso colossale all'ambiente giovanile di quegli anni, che continua ancora oggi.

Capitolo III

Personaggi famosi degli anni Sessanta.

Parlando di personaggi famosi degli anni Sessanta, intendo quei musicisti che suonano rock and roll, che non solo hanno suonato la loro musica, ma che hanno contribuito allo sviluppo della cultura musicale e alla vita del loro paese. Queste erano le persone in cui i giovani (sia moderni che di allora) credevano e cercavano con orgoglio di essere come loro. Vorrei parlarvi di Chuck Berry, Mick Jagger e John Lennon.

Chuck Berry.

Chuck Berry è chiamato il "re nero" del rock and roll. Si ritiene che il musicista abbia combinato musica nera, blues, con musica bianca e country, e il risultato è stato rock and roll. Ecco le citazioni del musicista stesso:
"Per Dio, non fa differenza se sei nero o bianco", ribatté il musicista. "E nella musica, l'unica cosa importante è se sai suonare o meno. C'erano dei bravi musicisti neri e c'erano dei bravi bianchi. . Sia il bianco che il nero suonavano jazz. n-roll, è molto più importante che abbia portato una nuova spinta e un nuovo suono. Ha ampliato le possibilità di espressione personale. La musica stessa è in grado di unire le persone. "
Con i successi di Berry come "Rock and roll music", "Roll over Beethoven" e "Johnny B Goode", il rock and roll ha conquistato il mondo negli anni '60. Ha avuto una grande influenza sui Beatles (con il cantante John Lennon) e sui Rolling Stones (di fronte a Mick Jagger).
Chuck Berry ha iniziato a esibirsi negli anni '50 del XX secolo ed è ancora sorprendentemente vigoroso per i suoi fan e regolarmente in tournée con concerti, anche se il musicista ha già 80 anni. "Suono la chitarra ogni giorno e provo molto. Insegno a suonare ai miei musicisti. Ho insegnato a suonare ai miei figli. Ho molti concerti".

Quindi, sulla base di queste informazioni, possiamo concludere che Chuck Berry con la sua musica è stato in grado di ridurre le tensioni razziali combinando la musica del bianco e nero.

Mick Jagger

Mick Jagger è un leggendario musicista rock inglese, attore, produttore e frontman dei Rolling Stones. La persona che possiede la frase famosa in tutto il mondo "Sex, Drugs and Rock and Roll". L'immagine creata da Jagger sul palco è unica: la sua voce, a volte rude, a volte femminile e morbida, labbra carnose, sorriso lascivo, che evoca la sessualità nel comportamento di fronte a una folla di migliaia, aggressività, energia e allo stesso tempo , follia e buffonate - tutto questo ha reso Jagger uno dei più famosi frontman rock. I Rolling Stones sono una rock band che ha continuato a esibirsi e registrare per oltre 30 anni. Longevità fenomenale. Il suo contributo al rock mondiale non può essere sopravvalutato, i Rolling Stones sono da tempo figure di culto. Sulla scia del successo assordante, i musicisti hanno avuto problemi: la droga. Quasi tutto il 1967 fu segnato dai processi di Mick Jagger, Keith Richard, Brian Jones, reati legati alla droga. Il verdetto è stato abbastanza duro: tre mesi di prigione. Tuttavia, in questo caso è stato presentato appello e la sentenza è stata modificata in rilascio condizionale.

I meriti di Jagger in campo musicale furono molto apprezzati: per il 60° anniversario, la regina Elisabetta II nominò Jagger cavaliere. In un'intervista, Mick Jagger, confrontando il 1968 e il 1998, ha affermato che prima nella trinità di "Sex, Drugs and Rock 'n' Roll" il sesso era al primo posto, e ora la droga è al suo posto. Ora Jagger ha annunciato che smetterà di bere, fumare e drogarsi. Il motivo di questa decisione era la preoccupazione per la propria salute.

Nonostante il riconoscimento mondiale, la personalità del famoso rocker evoca non solo emozioni positive. Secondo un sondaggio della rivista Blender, Sir Mick Jagger è ora al 13° posto nella lista dei 50 peggiori musicisti nella storia della musica moderna.

Un musicista come Mick Jagger è stato in grado di dare un enorme contributo allo sviluppo della musica rock. La sua musica rimane popolare fino ad oggi. Ha anche introdotto un segno negativo della musica rock: si tratta di droghe che potrebbero rovinare la sua salute e la sua reputazione.

John Lennon

Il contributo di John Lennon alla cultura mondiale come parte dei Beatles, così come a parte il leggendario gruppo, non può essere sopravvalutato. Insieme a McCartney e Harrison, ha portato il lavoro dei suoi colleghi cantanti rock americani a un nuovo livello artistico. Negli Stati Uniti, solo Elvis Presley, Richie Valens e alcune altre star del rockabilly hanno davvero preso sul serio il design vocale e l'esecuzione. I Beatles lo hanno sempre fatto, quindi le loro cover di artisti americani suonano molto più espressive e tecniche delle stesse canzoni dell'originale. La maggior parte degli artisti rock and roll di quei tempi cantava esclusivamente "sull'amore spezzato e sui nervi sconvolti". I Beatles furono tra i primi ad allontanarsi dai temi pop, trasformando le canzoni in vera poesia e/o ponendovi seri problemi sociali e persino politici.

Inoltre, il lavoro dei Beatles si è distinto per l'umanità, la festa, la positività, che all'arte occidentale è sempre mancata tanto. Lennon e altri musicisti del quartetto di Liverpool erano pieni di amore sincero per i loro ascoltatori - e lo sentivano. E, probabilmente, questo spiega anche l'enorme successo dei Beatles. John Lennon era una persona molto sincera e non nascondeva mai le sue opinioni. Questa era la sua forza, ma proprio per questo, molto probabilmente, non poteva sopravvivere fino ad oggi. Il periodo di attività politica di John Lennon è durato dal 1968 al 1972. A quel tempo, Lennon aveva già preso una posizione ben definita - sosteneva la pace nel mondo e restituì persino l'Ordine dell'Impero Britannico alla Regina - in segno di protesta contro la politica estera del paese. Il 1969 vide la prima azione politica pubblica di Lennon insieme a Yoko Ono. Il 15 dicembre 1969 i Lennons organizzarono un concerto contro la guerra con lo slogan "La guerra finirà se lo vuoi". Immediatamente dopo essersi trasferito all'estero, Lennon è stato coinvolto nella vita politica degli Stati Uniti. Ha sostenuto la concessione dei diritti civili agli indiani, l'allentamento delle condizioni carcerarie, il rilascio di John Sinclair, uno dei leader della gioventù americana, condannato a 10 anni di carcere per possesso di marijuana.

Il grande musicista John Lennon ha dimostrato al mondo intero con le sue canzoni e le sue esibizioni che le persone dovrebbero lottare per la pace e la libertà.

Capitolo IV

Influenza della musica rock sul corpo umano

Come sapete, non tutte le direzioni musicali hanno un effetto positivo sul corpo umano, quindi diamo un'occhiata più da vicino all'influenza della musica rock. Questo stile musicale ha le sue caratteristiche distintive o mezzi per influenzare la psiche:

1. Ritmo duro

2. Ripetizioni monotone

3. Loudness, super frequenze

4. Effetto luce

Il ritmo è uno dei modi più potenti per influenzare il corpo umano. Nel culto Voodoo veniva utilizzato un ritmo speciale che, con una sequenza speciale di ritmo musicale e incantesimi durante i rituali pagani, poteva portare una persona in uno stato di trance o estasi. Un sistema di ritmi ben congegnato controllava il corpo umano e la psiche, come uno strumento nelle mani dei sacerdoti Voodoo. I neri americani che adottarono questi ritmi li usarono come musica dance, passando gradualmente dal blues a ritmi più pesanti.

La percezione del ritmo musicale è correlata alle funzioni dell'apparecchio acustico. Il ritmo dominante cattura prima il centro motorio del cervello, quindi stimola alcune delle funzioni ormonali del sistema endocrino. Ma il colpo principale è diretto a quelle parti del cervello che sono strettamente legate alle funzioni sessuali umane. Il rombo dei tamburi veniva usato dalle Baccanti per scatenarsi in delirio e, con l'aiuto di ritmi simili, venivano eseguite esecuzioni in alcune tribù.

La psicologa e musicologa americana Jeanette Podell scrive: "Il potere del rock si è sempre basato sull'energia sessuale dei suoi ritmi. Questi sentimenti nei bambini spaventavano i loro genitori, che vedevano il rock come una minaccia per i loro figli e, ovviamente, avevano ragione. Rock and Roll e tu in grado di farti commuovere, ballare per farti dimenticare tutto ciò che c'è nel mondo".

Particolare attenzione dovrebbe essere prestata all'influenza delle frequenze utilizzate nella musica rock, che hanno un effetto particolare sul cervello. Il ritmo acquisisce proprietà narcotiche se combinato con frequenze ultra basse (15-30 hertz) e ultra alte (80.000 hertz).

Un eccesso di frequenze alte e basse danneggia gravemente il cervello. Commozioni sonore, ustioni sonore, perdita dell'udito e perdita di memoria non sono rari ai concerti rock.

Il nostro orecchio è sintonizzato per percepire il suono normale a 55-60 decibel. Il suono forte sarà di 70 decibel. Ma varcando tutte le soglie della normale percezione, un suono di forte intensità provoca uno stress uditivo incredibile. Il volume del suono sul palco, dove sono installate le pareti con potenti altoparlanti, utilizzati durante i concerti rock, raggiunge i 120 db, e a metà palco fino a 140-160 db. (120 dB. Corrisponde al volume del rombo di un jet in decollo nelle immediate vicinanze e i valori medi per un giocatore con le cuffie sono 80-110 dB.). Durante questo forte stress, un ormone dello stress chiamato adrenalina viene rilasciato dai reni (ghiandole surrenali). Questo processo si verifica con ogni situazione stressante. Ma lo stimolo non si ferma e c'è una sovrapproduzione di adrenalina, che cancella alcune delle informazioni impresse nel cervello. Una persona dimentica semplicemente cosa gli è successo o cosa ha studiato e si degrada mentalmente. Non molto tempo fa, i medici svizzeri hanno dimostrato che dopo un concerto rock, una persona naviga e reagisce a uno stimolo 3,5 volte peggiore del solito.

Quindi, l'intero arsenale tecnico del rock è finalizzato a suonare sul corpo umano, sulla sua psiche, come uno strumento musicale. La musica rock è stata in grado di cambiare totalmente le caratteristiche individuali di una persona. Colpisce contemporaneamente il centro motorio, le sfere emotive, intellettuali e sessuali dell'attività umana.

Quali sono le conseguenze dell'impatto della musica rock sul comportamento dell'ascoltatore?

Come notato sopra, ogni suono o opera ha il suo "percorso uditivo" e la risposta a un cambiamento nel comportamento umano dipende da esso. Se sono coinvolte le cellule nervose associate alle emozioni negative, questo si riflette immediatamente nel comportamento.

I seguenti sono i possibili effetti della musica rock sul cervello umano:

1. Aggressività.

2. Rabbia.

4. Depressione.

5. Paure.

6. Azioni forzate.

7. Stato di trance di varia profondità.

8. Tendenze suicide. Negli adolescenti, questa tendenza inizia a manifestarsi dall'età di 11-12 anni, ma quando si ascolta musica rock, questa caratteristica della psiche adolescenziale è provocata o notevolmente intensificata in età avanzata).

9. Sesso innaturale e forzato.

10. Mancata presa di decisioni chiare.

11. Movimento involontario dei muscoli.

12. Mania musicale (desiderio di suonare costantemente la musica rock).

13. Sviluppo delle inclinazioni mistiche.

14. Alienazione sociale.

Questo, ovviamente, non significa affatto che una persona appassionatamente innamorata del rock abbia necessariamente tutte queste qualità, ha solo una predisposizione molto maggiore ad esse, e con un'opportuna combinazione di altri fattori, sarà sicuramente soggetto a questa influenza. A proposito, la musica rock può anche cambiare le credenze e i valori religiosi (soprattutto durante l'infanzia, quando non sono ancora completamente formati), oltre a stimolare in una persona il desiderio di autorealizzazione, autorealizzazione, individualismo e isolamento nella società.

Tutto ciò può essere considerato, ovviamente, come uno degli aspetti negativi di questa cultura musicale. Il resto delle influenze negative della musica rock sulla personalità vorrei considerare nel prossimo capitolo.

Capitolo v .

L'impatto negativo del rock and roll sulla personalità

Nella società moderna, la passione per la musica rock è diventata un movimento mondiale con centinaia di milioni di seguaci. Per molti giovani, la musica rock è diventata uno stile di vita in cui sono incoraggiati la dissolutezza, l'uso di droghe, la violenza e il nichilismo. Per quanto una persona non si riferisca, in linea di principio, alla musica rock, non può negare il fatto dell'influenza dominante di tale musica sulla visione del mondo e sulle azioni dei giovani.

Le prove dimostrano che la musica rock stimola la promiscuità. Secondo la rivista US New's and World Report del 19 marzo 1990, "ci sono attualmente 13 gruppi rock che prendono il nome da genitali maschili, 6 da nomi di organi genitali femminili, 8 da aborto, uno dal nome di malattia uterina. 10 gruppi prendono il nome da diversi atti sessuali e 8 includono parolacce nel loro nome. " La musica rock contemporanea è piena di elementi di rapporti extraconiugali, adulterio, sadismo e masochismo, omosessualità, stupro e necrofilia.

L'umore distruttivo delle composizioni rock può essere diretto contro lo stesso ascoltatore di musica. Alcuni compositori rock predicano il suicidio, a volte con accenni ea volte senza mezzi termini. Quindi, ad esempio, il compositore Ozzy Osbourne nella canzone "Suicide Sоlution" dice: "Il suicidio è l'unico modo per la liberazione".

Oltre al sesso e alla violenza, la musica rock contribuisce all'abuso di droghe. Nel 1969, la rivista Times (26 settembre). ha commentato che "i compositori di musica rock usano droghe spesso e apertamente e le loro opere sono piene di accenni di droghe".

Molte delle star della musica rock di maggior successo erano coinvolte non solo nell'occulto, ma anche nel satanismo. Cercando di descrivere i propri processi "ispirati", John Lennon ha spiegato: "Questo stato è come un'ossessione, come una psicosi o uno stato di un medium". Little Richard ha sperimentato stati simili e ha indicato Satana come sua ispirazione: "Sono stato guidato e ordinato da un potere diverso. Era il potere delle tenebre ... in cui molte persone non credono nemmeno". ne prese possesso e in loro onore compose poesie.
Tutte le poesie di Jim Morrison, tutto il suo lavoro sono associati alla droga, cosa che lo ha rovinato.

Ho elencato tutti gli aspetti negativi di questa cultura musicale, che secondo me sono i più pericolosi. Ma dal momento che questa musica e i suoi interpreti sono popolari da mezzo secolo, ci sono una serie di aspetti positivi in ​​essa.

Capitolo VI .

I lati positivi della musica rock

Il rock and roll non è solo una direzione musicale, è una cultura giovanile, un mezzo di comunicazione per i giovani, uno specchio della società. È stato originariamente creato come mezzo di espressione giovanile, ribellione e protesta, negazione e revisione dei valori morali e materiali del mondo.

Vediamo che nel corso della sua storia, il rock and roll ha mostrato un eterno dilemma irrisolvibile di padri e figli. In quanto mezzo di autoespressione delle nuove generazioni, il rock and roll agli occhi delle generazioni più anziane sembra solo un divertimento per bambini, a volte pericoloso e pernicioso. Sebbene il rock esista da molto tempo, la moderna generazione adulta è cresciuta su di esso, ma ancora oggi deve affrontare gli stessi problemi dell'inizio del suo percorso: incomprensione e rifiuto. Questa circostanza mostra bene la natura a spirale dello sviluppo: non importa come ci sviluppiamo, attraversiamo le fasi che sono già rimaste nella storia.

Naturalmente, lo sviluppo del rock and roll è strettamente correlato allo sviluppo tecnico, economico, politico e sociale. È lo sviluppo tecnico che dà impulso allo sviluppo del rock. Lo sviluppo della tecnologia ha portato al fatto che ora quasi tutte le famiglie hanno una radio e un registratore, il che aumenta l'impatto della musica sulla società. Lo sviluppo economico eleva il livello di sviluppo dei cittadini, e quindi aumenta la loro istruzione e hanno più tempo libero da dedicare alla musica, migliora anche le condizioni di lavoro e l'offerta di lavoro per i musicisti.

Tutte le leggi della filosofia si manifestano nel rock and roll. Il fatto che questa sia una protesta dei giovani e l'emergere della nuova musica, attraverso la negazione della vecchia, manifesta la legge della negazione, mostrando lo sviluppo della musica rock. L'emergere di un nuovo stile dalla fusione di altri stili è la legge del piacere, che è la base per lo sviluppo della coscienza. Nell'incoerenza del rock (l'opposizione del pop-rock e della musica pesante) si manifesta la legge dell'unità e della lotta degli opposti.

Il rock and roll si è rivelato il veicolo che ha unito gli adolescenti bianchi e neri e ha distrutto i pregiudizi razziali e sociali. Due idoli della gioventù nera degli anni '50 - Little Richard e Chuck Berry - con ogni gesto scenico, ogni suono delle loro canzoni, esprimevano il rifiuto di obbedire al movimento razzista.

All'inizio degli anni '60, la generazione successiva si avvicinò alla maggiore età. I genitori di questi bambini hanno combattuto attivamente per la pace, la tranquillità e l'abbondanza, sperando che i loro discendenti non solo apprezzino i loro sforzi, ma espandano anche gli orizzonti di questo nuovo mondo. Tuttavia, i genitori portarono con sé la paura della guerra atomica e il peccato dell'odio razziale, e gli ideali di uguaglianza e giustizia furono semplicemente calpestati nella ricerca della stabilità e del successo. Non sorprende che i bambini abbiano messo in discussione i fondamenti morali e politici del mondo del dopoguerra; questi nuovi sentimenti si riflettevano nei loro gusti musicali.

Ma nel tempo, la popolarità del rock and roll iniziò a svanire, lasciando il posto a nuovi generi, che erano già stati menzionati sopra. Cominciarono ad apparire sempre più rami. Con la graduale democratizzazione della società, cominciarono ad apparire nuovi movimenti giovanili. Ogni movimento ha dato vita a un nuovo stile musicale. A poco a poco, la diversità ha oscurato il genere originale. E al giorno d'oggi si ritiene che il rock and roll abbia smesso di essere un genere di massa e generalmente abbia cessato di esistere. Ma anche adesso, tra gli amanti della musica, c'è chi resta fedele al genere. Questa lotta eterna non si è fermata oggi - dopotutto, il rock and roll è essenzialmente la musica della crescita. Il rock and roll sa sempre sorprendere i suoi fan, almeno per un momento. E allo stesso tempo, rimane sempre un mistero per le persone in giacca e cravatta, che vanno in giro in limousine, guardando il mondo dall'alto dei grattacieli, per le quali la stabilità e la prevedibilità sono le più importanti. In cinque movimentati decenni sulla scena americana, il rock and roll ha vissuto diversi alti e bassi fenomenali e ha dato vita a molti musicisti meravigliosi.

Conclusione

La musica è una delle forme d'arte più ispiratrici. Il suo ritmo, melodia, armonia, dinamica, una varietà di combinazioni di suoni, colori e sfumature la musica trasmette una gamma infinita di sentimenti e stati d'animo. La sua forza sta nel fatto che, aggirando la mente, penetra direttamente nell'anima, nel subconscio e crea l'umore di una persona. Secondo il suo contenuto, la musica può evocare i sentimenti più alti e nobili in una persona e, viceversa, i desideri più oscuri e sporchi. Tutto dipende dalla musica, che cos'è.
I compositori di musica rock contemporanea concordano sul fatto che le loro opere hanno un potere immenso. La loro musica guida la vita di persone che non conoscono affatto. La famosa frase di Mick Jagger “Sex, drugs, rock and roll” parla da sé. Questo porta alla condanna dello stile di vita rock and roll. L'imposizione della promiscuità è, in effetti, un enorme svantaggio. Dopotutto, quando i musicisti rock cantano di libertà e combattono per essa, la percepiscono come permissivismo? Il sesso promiscuo e la droga sono la pace nel mondo?

Questo problema rimane rilevante nel nostro tempo. Una persona può seguire una certa cultura musicale, ma deve essere sempre responsabile delle proprie azioni. Possiamo amare Jim Morrison (cantante dei Doors), ma non devi essere come lui - non devi drogarti e morire. Basta sentire la sua voce nelle sue canzoni e rimpiangere di averci lasciato così presto.

All'inizio, il rock 'n' roll era ampiamente condannato come mina le fondamenta morali dei giovani, ma sembra che sia stato grazie a questo che ha guadagnato una popolarità costante, nonostante alcuni periodi di stagnazione, declino e autodistruzione insensata. Protesta è la parola chiave.

Ogni cultura musicale ha i suoi pro e contro, ci sono pro e contro, ci sono fan e oppositori. Seguendo qualsiasi cultura musicale, è necessario estrarne solo il meglio.

Elenco delle fonti e della letteratura

· R. Neckland "Tasti musicali per il Cosmo". The Sunday Times Abroad 1995 №46.

G.S. Knabbe "Il fenomeno del rock e della controcultura" Problemi di Filosofia 1990, n.8.

· SÌ. Leontiev, Yu.A. Volkova "Musica rock: funzioni sociali e meccanismi psicologici della percezione". Problemi di cultura dell'informazione, vol. 4, 1997