CONSERVATORIO STATALE DI MOSCA loro. PI. TCHAIKOVSKY

DIPARTIMENTO DI STRUMENTAZIONE

Come manoscritto

BAYAKHUNOVA Leyla Bakirovna

L'IMMAGINE DELLA SPAGNA NELLA CULTURA MUSICALE DI RUSSIA E FRANCIA DEL XIX - PRIMO TERZO DEL XX SECOLO.

Specialità 17.00.02 - Arte musicale

MOSCA, 1998

Il lavoro è stato eseguito presso il Dipartimento di Strumentazione del Conservatorio statale di Mosca intitolato a P.I. Ciajkovskij.

Supervisore - Ufficiali Avversari -

Organizzazione principale -

Dottore in Storia dell'Arte, Prof.ssa Barsova I.A.

Dottore in Storia dell'Arte, Professor Tsareva E.M.

Dottore in Storia dell'Arte Shakhnazarova N.G.

Conservatorio statale di Nizhny Novgorod intitolato a M. Glinka.

La difesa si svolgerà "....."......... 1998 alle ore ........ in poi

riunione del consiglio specializzato D. 092. 08. 01 sul rilascio) diplomi accademici presso il Conservatorio statale di Mosca intitolato a PI Tchaikovsky (103871, Mosca, B. Nikitskaya st., 13).

La tesi può essere trovata nella biblioteca del Conservatorio statale di Mosca. PI. Ciajkovskij.

Segretario Scientifico del Consiglio Specializzato

Mosca Yu.V.

descrizione generale del lavoro

Rilevanza del tema.

Il problema delle interazioni interculturali, una delle più importanti nella conoscenza umanitaria, è risolto nella dissertazione sull'esempio del tema spagnolo, implementato nell'arte musicale di Russia e Francia nel XIX - il primo terzo del XX secolo. La letteratura scientifica disponibile tocca principalmente i punti relativi allo stile musicale di un particolare compositore che si è rivolto a materiale estraneo. Tuttavia, l'aspetto che abbiamo scelto ci permette di vedere il ruolo del tema spagnolo in una prospettiva diversa - culturale, che sta rafforzando sempre più la sua posizione nella musicologia moderna.

Gli scopi e gli obiettivi dello studio sono di comprendere la natura della riflessione del tema spagnolo nel rapporto tra visione estetica e artistica e realizzazione concreta mediante la tecnica del compositore; analizzare campioni selezionati dal punto di vista del rapporto tra l'elemento spagnolo e lo stile del singolo compositore. Cerca di penetrare nel laboratorio creativo del compositore che si è rivolto a materiale estraneo. Quindi, concentrarsi sull'"incontro" della coscienza del compositore e del folklore in un brano musicale.

Lavoro metodologico. La tesi utilizza un metodo di ricerca comparativa. L'individualità delle soluzioni artistiche in ciascuna delle opere analizzate, da un lato, e la generalità del tema, dall'altro, consentono di confrontare una serie di aspetti. L'autore cerca non solo un confronto meccanico di alcuni fenomeni con altri, ma di identificare possibili intersezioni, influenze aperte che si trovano sia nel riavvicinamento diretto di Russia e Francia con la cultura spagnola, sia tra le culture russa e francese. Il metodo comparativo è utilizzato nella tesi in due aspetti:

a) La musica popolare spagnola e il suo riflesso nell'opera di compositori professionisti

b) diverse interpretazioni del tema spagnolo in Russia e in Francia (sia essa percezione estetica, caratteristiche del linguaggio musicale, o caratteristiche di continuità).

Novità scientifica. Una visione olistica del problema dichiarato consente di andare oltre la dichiarazione di fatti o questioni relative a una singola opera, di identificare le caratteristiche inerenti ad essa nel suo insieme e, infine, di tracciare una serie di idee trasversali attraverso l'intera studio, spinto dallo studio di campioni artistici. L'attenzione alla musica spagnola nei suoi vari aspetti ha richiesto un approfondimento delle idee sul folklore spagnolo. Il metodo comparativo che utilizziamo permette di scoprire il meccanismo di penetrazione del folklore spagnolo nello stile individuale del compositore.

Approvazione. Il valore pratico dell'opera. La tesi è stata discussa in una riunione del Dipartimento di Strumentazione del Conservatorio di Mosca e raccomandata per la difesa (19/12/1997). Questa tesi può essere utile per corsi di storia della musica russa e straniera, folklore, studi culturali, musica di paesi extraeuropei, storia degli stili orchestrali, nonché per ulteriori ricerche scientifiche.

Struttura e ambito di lavoro. La tesi è composta da un'introduzione, quattro capitoli e una conclusione, note, un elenco di riferimenti ed esempi musicali. Il primo capitolo è dedicato all'immagine della Spagna nella cultura europea. Il secondo è intitolato “Alcune particolarità del folclore spagnolo. La sua percezione nella cultura musicale russa e dell'Europa occidentale. Il terzo e il quarto sono dedicati al tema spagnolo nella musica russa e francese e sono costituiti da diverse sezioni che considerano questo problema sull'esempio delle singole composizioni.

L'introduzione definisce lo scopo, i compiti e il materiale della dissertazione. Il tema della ricerca è legato ai problemi della letteratura comparata. Tra le sue principali aree, il critico letterario rumeno A. Dima individua la categoria di argomenti relativi ai luoghi geografici più frequenti nella letteratura mondiale: Roma, Venezia, l'Italia, i Pirenei, ecc. L'immagine della "città morta", Venezia compare, ad esempio, nella tragedia T. Otuela "Saved Venice or Revealed Conspiracy", tradotta e rivista da G. von Hofmannsthal ("Saved Venice"), nel racconto di T. Mann "Death in Venice", di A. Barres nel opera "Amori et dolori sacrum", in cui raccontava della permanenza di I.V. qui. Goethe, Chateaubriand, J.G. Byron, A. de Musset, J. Sand, R. Wagner. "Siamo lontani dal pensare che l'identità del luogo fornisca una base per affermare l'identità del tema. (...) Rimane comune solo il motivo dell'influenza del clima spirituale della città italiana sui corrispondenti eroi o autori ."

L'immagine della Spagna nella cultura europea fornisce un'analogia ben nota per questa categoria di temi. Tuttavia, anche qui ci sono alcune particolarità. Per gli europei, in particolare per i musicisti, è stato abbastanza difficile definire cosa sia lo spagnolo. L'arte popolare spagnola, con i suoi numerosi dialetti musicali, racchiude un'originalità del linguaggio musicale così potente che l'arte europea, nata in altre tradizioni, spesso non riesce a penetrarla completamente, né a ripeterla in tutta autenticità. La ragione di ciò è la profondità del soggetto, che non lascia entrare una persona con una coscienza e un'educazione europea, spesso sostituita da cliché di segni particolari.

L'essenza della domanda sta nell'esistenza e nell'incontro in ciascuna di queste opere di "due menti". Espressa in relazione alla letteratura, questa idea di M. Bachtin, a nostro avviso, può essere applicata più ampiamente alla creatività in generale, inclusa la musica. Se la coscienza delle persone non si è abbandonata alla speranza di comprendere il professionista, allora il secondo (professionista, componendo), al contrario, cerca attivamente di padroneggiare le persone nei generi e nelle forme ad esso accessibili, scoprendo molte soluzioni,

veri e propri "hack" ("l'inesauribilità della seconda coscienza, cioè la coscienza che comprende e risponde; contiene un'infinità potenziale di risposte, linguaggi, codici. Infinito contro infinito" - secondo Bachtin). Il risultato è una contraddizione insolubile oggettivamente esistente, la cui via d'uscita è diversa in ogni caso. Sorge una certa "terza" essenza: l'immagine della Spagna nell'esperienza uditiva di un europeo.

Il primo capitolo esamina l'immagine della Spagna, una speciale regione etnografica e culturale d'Europa, che va oltre la tradizione culturale europea, compresa la musica. L'attrattiva di questo paese, situato nell'estremo sud-ovest del continente europeo, è dovuta a diversi motivi. Collegata da molti fili con l'Europa (religione, lingua, governo, istruzione), la Spagna ha allo stesso tempo assorbito alcune caratteristiche delle culture orientali: araba, ebraica, zingara: "Tutti i paesi europei differiscono l'uno dall'altro meno di questo paese, sdraiato sul molto ai margini del nostro continente e già al confine con l'Africa", scrisse I. Stravinsky. La Spagna era un enigma all'interno dell'Europa, un paese di esotismo civile - europeo nella posizione, ma piuttosto diverso nell'essenza e nello spirito.

La percezione della Spagna nella cultura europea aveva le sue caratteristiche. La più attraente per gli artisti europei è stata la cultura del sud della Spagna - l'Andalusia con il suo aspetto esotico, una cultura peculiare che ha assorbito l'influenza di diverse tradizioni culturali. È così che la cultura spagnola appare nella maggior parte dei casi nelle opere di scrittori francesi - Merimee e Gauthier, Dumas e Musset, Hugo e Chateaubriand.

L'immagine della Spagna, formata dalla letteratura francese, ha influenzato le idee su di essa in Russia. Dicotomica, a prima vista, la divisione nell'assimilazione della cultura spagnola: Russia -> Spagna o Francia -> Spagna, - spesso si è rivelata un triangolo, grazie al collegamento costantemente esistente Russia -> Francia. Nel corso del tempo, la cultura francese si è rivelata più di una volta, ad esempio, un intermediario nella percezione e assimilazione dell'immagine spagnola, determinando, in particolare, i tratti della Spagna di Pushkin.

La vera Spagna si apre agli occhi dei russi un po' più tardi che in Francia, negli anni '40 dell'Ottocento del secolo scorso. Il viaggio di Glinka, compiuto nello stesso anno del viaggio dello scrittore russo V.P. Botkin o il coreografo M. Pstip sembrano naturali sullo sfondo dell'entusiasmo generale per questo paese tra l'intellighenzia russa. Altrettanto caratteristico è il percorso verso la Spagna attraverso Parigi, che è diventata non solo un percorso conveniente, ma un luogo dove sono stati concepiti molti viaggi spagnoli e da dove sono stati intrapresi.

Nella seconda metà del XIX secolo, il tema spagnolo entra nella pittura francese (incisioni di G. Doré, dipinti di E. Manet) e diventa una costante nella musica.

Nel tempo, temi e immagini stabili ispirati alla cultura di questo paese si sono sviluppati nella cultura europea. Ad esempio, l'immagine di Carmen ha ricevuto un'eco potente nella cultura russa, che è apparsa nei dipinti di M. Vrubel, K. Korovin, nei cicli poetici di K. Balmont e A. Blok. Tra le immagini che sono diventate costanti nella musica c'è Ispachi attraverso il prisma delle vacanze, del carnevale e delle misteriose notti fresche.

Il tempo trascorso in Spagna è diventato per molti viaggiatori uno dei momenti più felici della vita, un momento di dimenticanza dalle avversità, immersione nella pienezza della vita e una vacanza eterna. Tutto ciò ha dato origine all'immagine più stabile della Spagna nella musica: l'immagine delle vacanze e del carnevale. I compositori russi e poi dell'Europa occidentale furono particolarmente attratti da questo lato della vita spagnola, inseparabile dalla musica, dal canto e dalla danza. La cultura della festa (fiesta) ha un posto speciale in Spagna. Molte delle feste hanno la loro origine in feste religiose di epoca medievale, rinascimentale e barocca. La base delle feste è la partenza del servizio in chiesa. Quasi ogni vacanza in Spagna era ubriaca e allegra, accompagnata da processioni, dal suono di orchestre popolari e ensemble.

L'inizio delle "Ouvertures spagnole" di Glinka è stato continuato da Rimsky-Korsakov ("Capriccio spagnolo"), nelle danze colorate e capricciose di Tchaikovsky e Glazunov, e dal pezzo orchestrale di Stravinsky "Madrid". La stessa linea può essere rintracciata in Carmen di Vise, España di Chabrier, parti di Iberia di Debussy e Rapsodia spagnola di Ravel.

Il tema della vacanza è strettamente correlato a un'altra immagine popolare nella musica: la notte estiva del sud.

Il secondo capitolo “Alcune caratteristiche del folclore spagnolo. La sua percezione nella cultura musicale russa e dell'Europa occidentale.

I musicisti europei hanno adottato il folklore di diverse province della Spagna: Castiglia, Paesi Baschi, Aragona, Asturie. Lo sviluppo di ciascuno di essi era irregolare e talvolta aveva un carattere unico, in contrasto con il folklore andaluso, che costituiva la base dello stile musicale "spagnolo".

Nelle dichiarazioni dei musicisti (da Glinka a Debussy e Stravinsky) sulla musica spagnola si trova spesso la definizione "arabo" o "moresco". Apparentemente, dovrebbero essere intesi non tanto quanto l'arabo attuale (tradizione andalusa), ma semplicemente la musica spagnola del sud, molti dei quali hanno un sapore orientale che è facilmente ascoltabile. Tuttavia, uno degli episodi delle "Overtures spagnole" ci permette di supporre che Glinka abbia ricreato il colore della musica d'insieme andalusa. A. Glazunov, che viaggiò attraverso la Spagna e il Nord Africa, entrò in contatto con la stessa musica.

Un altro strato folcloristico ascoltato dai musicisti europei è lo stile del cante hondo (canto profondo). Immagini profondamente tragiche ed espressive prevalgono nel contenuto figurativo di kange hovdo. Kange hondo è un'arte solista che è inseparabile dallo stile vocale della performance. Questa caratteristica è stata notata nelle dichiarazioni di Glinka, Chabrier, Debussy.

Un altro strato folcloristico dell'Andalusia, il flamenco, si è rivelato più accessibile e sviluppato nella spagnola musicale europea. Lo stile flamenco è inseparabile dalla danza, basata sul movimento plastico delle mani, sulla rotazione flessibile del corpo e sul possesso di complesse tecniche del piede. Nel flamenco, non c'è una divisione abituale in interpreti e ascoltatori, perché tutti i presenti in un modo o nell'altro partecipano allo spettacolo.

Il folclore musicale spagnolo e la sua sfera figurativa si sono rivelati, nel complesso, del tutto inavvicinabili per l'orecchio musicale europeo. Variabilità delle varianti e ricchezza sfuggente

trasformazioni ritmiche, microgonalità e armonie specifiche della musica andalusa entravano spesso in conflitto con le norme stabilite della creatività del compositore professionista. Ciò ha portato all'ingresso nell'arte europea solo di singoli elementi della musica spagnola, che nel tempo sono stati fissati nella mente dell'ascoltatore europeo come associazioni uditive associate a questo paese. Tra questi - l'uso di formule ritmiche di danze individuali, l'imitazione della trama della chitarra, il ricorso alla modalità "mi". La particolarità di questo modo è che, coincidendo principalmente con il frigio, ha una triade maggiore obbligatoria nella cadenza e secondi e terzi "fluttuanti" nella melodia - a volte naturali, a volte elevati.

Allo stesso tempo, ci sono abbastanza altri campioni folk in Spagna, le cui caratteristiche musicali non entrano in così netto conflitto con il pensiero musicale europeo come i campioni di cante jondo e flamenco. Sono caratterizzati da melodia diatonica e ritmo chiaro, struttura simmetrica e carattere armonico della melodia. Tale, ad esempio, è la jota basata su armonie a tono dominante.

Il terzo capitolo, "La Spagna nella musica dei compositori russi", si apre con una sezione sulle aperture spagnole di Glinka. L'attenzione alle impressioni parigine di Glinka in esso contenuta è spiegata dal loro ruolo significativo nel determinare l'aspetto delle future "Ouverture spagnole". Il contatto con la musica di Berlioz, la grande impressione che ha fatto su Glinka, insieme a un attento studio delle partiture, non solo ha ampliato la comprensione di Glinka delle conquiste della sua creatività europea contemporanea, ma è diventato anche un incentivo per i suoi esperimenti nel campo dell'orchestrazione coloristica. I dettagli fini delle trame caratteristiche delle aperture, la ricerca di miscele originali di timbri diversi, l'interesse per il "surround", il suono spaziale e gli effetti coloristici associati alle nicchie, nonché una serie di altre caratteristiche delle aperture, per tutta la loro individualità, permetteteci di vedere in essi l'attuazione creativa delle conquiste del maestro francese.

Nell'ode-sinfonia "Desert" di Felicien David Glinka poteva ascoltare uno dei primi esempi di orientalismo francese. È-

l'uso di temi registrati durante un viaggio nell'Oriente arabo, un tentativo di trasmettere una specifica intonazione nella musica pittorica incontrava anche gli interessi di Glinka dell'epoca. Osservando il pubblico parigino durante i concerti, il compositore ha l'idea di combinare professionalità con sfarzo e accessibilità, creando vivide "fantasie pittoresche" basate su materiale popolare.

La prima ouverture, scritta in Spagna sotto la diretta influenza della musica popolare, è dedicata alla jota aragonese. Scoprendo gradualmente il folklore di altre regioni della Spagna, ascoltando la varietà dei suoi dialetti musicali, Glinka arriva gradualmente all'idea di ricreare il suo "ritratto musicale" unendo in un'unica composizione la musica di diverse province della Spagna (in questo caso - Aragona, Castiglia, Andalusia).

Senza seguire rigorosamente la struttura della danza, il compositore conserva nella Jota aragonese l'alternanza di principi vocali e strumentali caratteristici di questo genere. È possibile che Glinka usi non un tema, ma diversi, dando un ritratto generalizzato di questo genere. L'effetto timbrico ottenuto nella prima esecuzione della jota aragonese permette di udire in essa un possibile prototipo folcloristico: l'esecuzione di un ensemble di bandurrie e chitarre.

Secondo il compositore, l'oggetto principale dei suoi studi in Spagna era "la musica delle province sotto il dominio dei Mori". Probabilmente, Glinka è riuscita in qualche modo ad ascoltare campioni della tradizione musicale araba andalusa, catturandoli nell'"episodio moresco ("Risho togipo") della seconda "Overture spagnola". È possibile che l'eterofonia di Glinka nasca dalla natura monodica del pensiero nella musica araba e dalle osservazioni del fare musica d'insieme, di cui riproduce la colorazione specifica in questo episodio.

Una caratteristica distintiva della forma dell'ouverture "Ricordi di una notte d'estate a Madrid" è la combinazione dell'indipendenza esterna dai principi architettonici classici con il loro originale adattamento. Le nuove esigenze di forma sorte a seguito delle impressioni parigine, l'attenzione per l'impressione sonora e l'idea insolita della composizione portano a proprietà come l'imprevedibilità dell'alternanza di melodie, l'aspetto di un tema che inizia

dal centro, una ripresa speculare, ecc. L'essenza di questa ouverture

In brevità, concisione, scrittura fine e premura di ogni momento e dettaglio.

Toccando il tema dell'orchestrazione nelle "Ouvertures spagnole", l'autore si sofferma anzitutto sui momenti che rivelano le caratteristiche innovative di queste opere. Le partiture delle "Ouverture spagnole" testimoniano la padronanza delle tecniche della scrittura orchestrale sia classica che contemporanea. Tuttavia, una delle qualità notevoli delle "Ouvertures spagnole" è il desiderio di superare le tecniche tradizionali dell'orchestrazione europea. Le caratteristiche materiche in essi sono strettamente legate all'atteggiamento estetico dell'autore nei confronti del folklore.

I principali tipi di texture nell'orchestrazione di queste opere

Ushgeon a una voce, ottava e multiottava, a due voci, rappresentati da un tema con sfumature armoniche, pedale o contrappunto. Un allontanamento dai metodi tradizionali della scrittura orchestrale europea e uno sforzo per avvicinarsi ai metodi di esecuzione degli strumenti popolari. Quindi nella jota della seconda "Ouverture spagnola" si sente l'effetto di far scorrere il pollice lungo il manico della chitarra (tecnica del bariolage). Nella ricapitolazione, il pedale pulsante del violino è costruito attorno all'alternanza di suoni di corde aperti e chiusi, emulando la pennata della chitarra, con un tono più brillante sulla corsa in basso e meno ricchezza nella corsa in alto.

Autografi, bozze o schizzi delle "Ouvertures spagnole", purtroppo, non sono stati conservati. Esiste solo un certo numero di copie manoscritte di persone non identificate. Tre di loro sono mantenuti nel fondo Glyng-ga! presso la Biblioteca Nazionale Russa di San Pietroburgo. Si tratta della partitura di "Jota d'Aragona" (f. 190, n. 6) e di due copie di "Memorie di Castiglia"1. Uno di essi ha la dedica di Glinka ad A. Lvov (f. 190, n. 27), l'altro è un manoscritto di una persona non identificata con note dell'autore, V. Stasov e V. Engelhardt (f. 190, n. 26 ). Entrambi i manoscritti risalgono al 1852. co-

1 Dopo aver nominato la sua opera in una lettera a V. Engelhardt “Memorie di una nota estiva a Madrid”, Glinka in tutti i manoscritti conosciuti appone con il proprio nome il titolo che coincide con la prima edizione (“Memorie di Castiglia”).

c'era anche una copia manoscritta (partitura e voci orchestrali) della prima edizione di questa ouverture, trovata un tempo da V., Shebalin negli archivi del Museo statale della cultura musicale di Glinka (f. 49; n. 4,) e da lui pubblicato nel secondo volume delle opere complete del compositore.

L'autore di quest'opera possiede anche fotocopie delle "Ouvertures spagnole" del dipartimento di musica della Biblioteca nazionale di Parigi (M8.2029, Mb.2030). Si tratta di copie manoscritte, donate da Glinka all'amico spagnolo dou Pedro nel 1855 a San Pietroburgo prima della partenza di quest'ultimo per Parigi. Datati 1855, i manoscritti sono preziosi nel rivelare le intenzioni creative finali dell'autore.

Il testo originale in tutti i suoi dettagli non è ascoltato e non è stato pubblicato. L'eccezione è la pubblicazione di aperture con commenti di V. Shebalin nelle Opere complete (vol. 2, M., 1956). I musicisti moderni hanno un'idea su di loro principalmente dalle edizioni di: M. Balakirev e N. Rimsky-Korsakov (pubblicato da Jurgenson, Mosca, 1879); N. Rimsky-Korsakov e A. Glazunov (pubblicato da Belyaev, Lipsia, 1901; M. Balakirev e S. Lyapunov (pubblicato da Jurgenson, Mosca, 1904).

Tutti gli editori hanno trattato il testo originale con cura e le loro modifiche, a prima vista, possono sembrare insignificanti, principalmente per quanto riguarda i tratti, i tempi e la dinamica. Una delle questioni aperte della seconda ouverture è il problema dell'uso delle nacchere in essa. Dopo aver scritto in "Memories of a Summer Night in Madrid" il nome dello strumento sulla prima pagina della partitura dall'accordo, Glinka in realtà non li usa mai. Tuttavia, tutti i redattori includono nella partitura la parte delle nacchere, ritenendole un "attributo" obbligatorio dello spagnolo. Tuttavia, l'allontanamento dal generismo aperto, la raffinatezza dell'idea in questa ouverture rende naturale per Glinka rifiutare questo strumento, la cui funzione è svolta dal triangolo con la sua sonorità leggera, "argento".

Il passaggio ai manoscritti rivela una differenza nella natura dell'articolazione tra le diverse parti orchestrali all'unisono

ed episodi eterofonici. Ciascuna delle voci all'unisono nell '"episodio moresco" della seconda "Overture spagnola" ha una propria articolazione a causa di leghe diverse che non coincidono tra loro. Una probabile fonte di questa articolazione è la musica spagnola stessa. Ciò conferisce all'unisono un'irregolarità, una certa ruvidità, che si verifica involontariamente nel processo di creazione di musica popolare. Anche l'unisono della seconda seguidilla ha diverse pennellate. In tutte le edizioni, i tratti di Glinka sono stati levigati e portati all'uniformità.

Entrambe le "Ouverture spagnole" combinavano un attento studio della musica spagnola, un senso della natura, dello spazio, del colore, raffinate capacità compositive e l'unicità della visione dell'autore del tema spagnolo.

Il "Capriccio spagnolo" di Rimsky-Korsakov (seconda sezione del capitolo) è basato su melodie che ha preso in prestito dalla raccolta "Ecos de España" del compositore spagnolo José Insenga. La copia più rara della collezione con gli appunti di Rimsky-Korsakov si trova all'Istituto di Storia dell'Arte di San Pietroburgo (f. 28; G-273) 2 .

A differenza di Glinka, Rimsky-Korsakov non attribuiva alcuna importanza alle differenze locali nel folclore spagnolo. È possibile che la Spagna gli sia sembrata qualcosa di unito. Scegliendo dopo Glinka una serie di temi contrastanti, non ha cercato di ricreare il folklore di diverse province della Spagna, guidato da altre considerazioni: luminosità melodica, immagini, potenziale di sviluppo orchestrale, ecc. Pertanto, probabilmente, combina facilmente in Capriccio tre melodie della sezione dei canti asturiani (Alborada, Dansa prima e Fandango asturiano) e una andalusa (Canto gitano).

Riassumendo i principi del lavoro del compositore con temi popolari, possiamo trarre le seguenti conclusioni: Rimsky-Korsakov conservato

1 L'assenza di autografi autentici delle opere costringe a parlare delle innovazioni di Glinka con grande cautela, tenendo conto di punti come, ad esempio, l'imprecisione del copista.

2 Il reperto della collezione e la sua prima descrizione appartiene a E. Gordeeva (sg. "Fonti folcloristiche" Antara "e" Capriccio spagnolo ", VEDI, 1958 n. 6).

Elimina caratteristiche come la non quadratura di alcuni temi (Alborada), o lunghe soste all'ultimo suono (canto gitano), utilizza attivamente le tecniche di elaborazione di Insenga. Allo stesso tempo, rafforza l'elemento nazionale con i suoi metodi. Quindi il piano tonale del "Capriccio" è condizionato dalla struttura e dalle possibilità espressive del modo "mi" (dal suono "la"), che sta alla base del quarto movimento e proietta il crollo delle possibilità sull'intera opera (il ritorno di "Alborada" (Zch.) nella chiave di B-dur, ad esempio, forma in relazione alla chiave principale del Capriccio A-dur una delle combinazioni caratteristiche di I-Ilb per questo modo).

I primi due viaggi di I. Stravinsky in Spagna (1916, 1921) (la terza sezione del capitolo) sono legati alla collaborazione creativa del compositore con la compagnia di Sergei Diaghilev. In futuro, il compositore visitò ripetutamente la Spagna.

L'appello al tema spagnolo divenne per Stravinsky una continuazione della tradizione consolidata: "Probabilmente per non restare indietro rispetto ai predecessori, che, di ritorno dalla Spagna, consolidarono le loro impressioni in opere dedicate alla musica spagnola - questo vale soprattutto per Glinka , con la sua impareggiabile "Jota Aragonese" e "Una notte a Madrid" - ho apprezzato e reso omaggio a questa tradizione. Il risultato è stato "Española" dai "Cinque facili pezzi per pianoforte" scritto nel 1915 a quattro mani (pubblicato nel 1917), poi orchestrato e inserito nella Prima Suite (1917 - 1925), Etude "Madrid" (1917), creato appositamente per la pianola e pubblicato in forma di rullo dalla ditta Eoliana di Londra. Nel 1929 Stravinsky lo orchestrò, includendolo tra i Quattro Studi per orchestra sinfonica.

Lo spettacolo "Madrid", secondo l'autore, è stato ispirato da "combinazioni divertenti e insolite di melodie che venivano suonate su pianoforti meccanici e jukebox e suonavano nelle strade di Madrid, le sue piccole taverne notturne". L'idea originale ha determinato lo spirito generale dell'opera, in cui l'autore è tutt'altro che un atteggiamento romanticamente entusiasta nei confronti dell'osservato. L'immagine della Spagna è piuttosto oggettiva, urbanizzata. Allo stesso tempo, alcuni momenti ci permettono di ricordare i predecessori, di cui ha continuato la tradizione.

Il primo tema riproduce le "grazie ricche di una melodia araba prolungata ascoltata da Stravinsky in Spagna, cantata da un cantante con una voce bassa di petto e un respiro senza fine". Questo esempio, tuttavia, merita un'attenzione particolare, perché ci consente di fare un'ipotesi sull'influenza nei singoli episodi della composizione delle "Overtures spagnole" di M. Glinka. È abbastanza probabile che in queste opere di Glinka, di cui Stravinsky parla con ammirazione, abbiano potuto apprezzare l'audacia e la novità della trama e, in particolare, la presentazione eterofonica del tematismo. In questo caso, tuttavia, stiamo parlando della coincidenza di oggetti di interesse del compositore: lo strato arabo o, come dice a volte Glinka, lo strato "moresco" nella musica spagnola. Creando un contrasto tra le voci, Stravinsky, come Glinka, lo esalta utilizzando tratti diversi.

Nella musica andalusa, Stravinsky ha sentito un fenomeno avvicinarsi, nella sua essenza, a un ritmo dall'accento irregolare. Gli episodi che utilizzano questa funzione si trovano nel Madrid di Stravinsky e nella sua opera teatrale Española.

L'uso delle "intonazioni di canzoni più familiari e abitualmente cancellate" in "Madrid" evoca le scene di massa di "Petrushka", dove viene utilizzato lo stesso principio. L'inclinazione alla copertura variante di questo turnover può essere probabilmente spiegata dalla coincidenza di uno dei principi fondamentali della musica popolare spagnola e della varianza come metodo compositivo fondamentale di Stravinsky. Stravinsky riproduce nella sua commedia il suono di una banda di ottoni, conferendogli un carattere grottesco. La comparsa di nuove immagini contrastanti avviene senza alcuna preparazione, stravagante cambio di trama.

Il quarto capitolo è "La Spagna nella musica dei compositori francesi". Si apre con una sezione dedicata alla rapsodia orchestrale "Spagna" di E. Chabrier.

Tra le composizioni sul tema spagnolo "Spagna", ciò che distingue, in primo luogo, è il "tono" stesso dell'opera: enfaticamente leggero, un po' eccentrico, al limite della musica divertente. Chabrier esalta deliberatamente quell'elemento della cultura popolare, che è associato alla spontaneità, alla purosangue, a volte alla voluta maleducazione delle immagini.

Una così insolita rifrazione dell'immagine spagnola di Chabrier permette di trovare una spiegazione nell'ambiente artistico che circondava il compositore. Come E. Manet, Chabrier non cerca il romantico in Spagna, non lo poeticizza. Il profilo netto, l'accuratezza del disegno in Manet, evoca associazioni con l'allargamento della linea melodica, il suo rilievo in Chabrier. Lo spirito del “cafechantan”, la natura divertente della musica di “Espana” richiama alla mente il ruolo del caffè, luogo di incontro della Boemia parigina e fonte inesauribile di osservazioni di volti e personaggi umani, attraverso il cui prisma il mondo è apparso nei dipinti di Manet e Cézanne, Degas e Toulouse-Lautrec.

La seconda sezione del capitolo è dedicata a Iberia e ad altre opere di Debussy. Debussy ha visto nel folklore spagnolo una ricca fonte di nuove idee che lo hanno deliziato con la loro freschezza e originalità - che si tratti di modalità non convenzionali per la musica europea, una varietà di ritmi, combinazioni timbriche inaspettate o una diversa organizzazione temporale. Molte di queste caratteristiche non erano precedentemente presenti nella musica di compositore "accademica".

Spagna per Debussy è sinonimo di Andalusia. Secondo Yu.A. Fortunatov, la Spagna ha attirato l'attenzione di Debussy proprio come paese con un forte elemento orientale nella sua cultura. A questo proposito, il tema spagnolo può anche essere considerato come una delle sfaccettature dell'incarnazione dell'immagine dell'Oriente nella sua opera.

Debussy è un artista che è riuscito a sentire nelle diverse culture del mondo qualcosa di più del semplice sapore esotico o nazionale. Nel folklore di diversi paesi, trova elementi che lo attraggono alla ricerca del proprio stile. Forse è per questo che il principio dell'atteggiamento del compositore nei confronti dell'intero campo eterogeneo del folklore in Debussy rivela somiglianze.

Creativity Debussy è una svolta originale del tema spagnolo nell'arte europea. Una nuova fase nello sviluppo dell'arte musicale, insieme alle opinioni individuali dell'artista sul folklore, ha portato a una qualità diversa, allo sviluppo di strati più profondi della musica spagnola. Debussy dà l'opportunità di entrare nel tessuto delle sue composizioni tratti incontaminati, quasi incontrollati del cante jondo. Libera la melodia andalusa dal potere della stanghetta, ne riproduce l'ornamentale progressivo intrinseco

sviluppo. Il compositore fa un uso più ampio delle possibilità espressive insite nelle varie strutture modali della musica popolare e cerca persino di andare oltre la scala del temperamento, creando una sensazione di microtonalità.

La penetrazione organica delle caratteristiche folcloristiche nello stile del compositore divenne una ragione naturale per la comparsa di alcune caratteristiche "spagnole" in opere scritte "senza alcuna intenzione spagnola". M. De Falla, che per primo ha notato questa caratteristica, ha sottolineato l'uso frequente da parte di Debussy di determinati modi, cadenze, sequenze di accordi, ritmi e persino svolte melodiche, in cui si trova un chiaro rapporto con la musica spagnola. Questo ci permette di considerare da questo punto di vista opere del compositore come la suite “Pour piano”, “Secular dance” per arpa e orchestra d'archi, la seconda rapsodia per sassofono e orchestra, chiamata in una delle varianti “Moorish” , la seconda parte del quartetto d'archi, il romance "Mandolin", il brano per pianoforte "Masks" e frammenti di alcune altre opere di Debussy.

Nel sistema modale di Debussy, aumenta notevolmente l'importanza dei modi "non tradizionali" per la musica professionale europea, che diventano modi "ordinari", intrecciandosi con maggiore e minore. Questa è una brillante caratteristica originale dello stile del compositore, che vedeva in questi sistemi modali un mondo ricco di possibilità non scoperte dalla musica professionale.

In "Iberia" Debussy crea diverse varianti del ritmo sevillana. Un ruolo importante in questo è svolto dal riconoscimento dei ritmi spagnoli, della loro espressività ed energia. Debussy rifletteva anche altre caratteristiche del ritmo spagnolo che non sono così evidenti in superficie. Ad esempio, l'incertezza tra la dimensione in due e tre parti. L'uso della diversità ritmica della musica spagnola ha portato al tessuto orchestrale multistrato, alla sua speciale polifonia, diversa dal contrappunto classico e con una chiara selezione timbrica delle linee.

La novità del linguaggio musicale di Debussy si è manifestata in larga misura in una diversa comprensione della trama orchestrale. Rifiutando la consueta divisione delle funzioni orchestrali in basso, melodia, figurazione, Debussy arriva a una trama multi-elemento e tematicamente ricca. In Iberia, questo si è manifestato, in particolare, in uno

collegamento temporale di materiale diverso, contrastante modale, timbrico, ritmico. "Basta solo guardare", scrive Myaskovsky, "quanto sono riccamente intrecciate le sue opere (Debussy - LB), quanto sono libere, indipendenti e interessanti le loro voci, come, infine, diversi elementi tematici sono abilmente intrecciati lì, spesso fino a tre argomenti completamente scollegati contemporaneamente. Non è questa abilità contrappuntistica!

La spazialità del suono è uno dei tratti caratteristici di "Iberia". Il ruolo delle figurazioni-sfondi è inestimabile in questo. Nella seconda parte di "Iberia" Debussy usa l'idea del riempimento graduale dello spazio: dal vuoto dei suoni all'unisono - agli accordi di sesta luccicante e, infine, ■ - a un accordo.

La terza sezione del capitolo esamina l'influenza della musica spagnola sull'opera di Ravel. Il tema spagnolo è entrato nell'opera del compositore attraverso due diversi rami: basco e andaluso. Il primo è diventato un omaggio all'origine del compositore, il secondo alla passione per la cultura andalusa in Europa. Le immagini della Spagna, "seconda patria musicale" di Ravel, lo accompagnarono lungo tutto il suo lavoro creativo: da "Habanera" da "Paesaggi Auditivi" (1895-96) a "Tre Canti di Don Chisciotte" (1931). Nel 1903 fu scritto un quartetto, in cui vediamo uno dei primi prestiti di elementi baschi. Successivamente questa linea fu continuata dal Trio a-to11 (1914) e dal Concerto S-sir (1929 - 1931), che assorbirono parzialmente il materiale della fantasia pianistica incompiuta su temi baschi "Zarpiag-Bat" (1914). Tra le composizioni che utilizzano il sapore della musica andalusa ci sono "Alborada" dal ciclo "Reflections" (1905) (poi orchestrato), scritta nello stesso anno 1907 "Spanish Rhapsody", l'opera "Spanish Hour" e "Vocalise in the forma di habanera", il famoso "Bolero" (1928), nonché "Tre canti di Don Chisciotte" (1931), in cui, tuttavia, sono presenti tratti dello stile sia della musica aragonese che basca.

Situati in punti opposti della penisola iberica, i Paesi Baschi e l'Andalusia sono zone musicalmente molto speciali della Spagna. A differenza dell'andaluso, l'elemento basco è entrato nelle opere di Ravel, che non erano direttamente legate alla Spagna. L'unico completamente

basato sull'idea del materiale basco, rimase incompiuto: rendendosi conto di essere "incapace di sottomettere le melodie fiere e inflessibili", Ravel lasciò il lavoro sulla fantasia per pianoforte "Zagpyat Bat". Il compositore ha incluso parte della musica destinata alla fantasia nel Trio e nel concerto per pianoforte G-dur.

Tra i mezzi espressivi della musica basca inclusi nella musica di Ravel, il ritmo peculiare dei canti baschi, in cui le dimensioni semplici a due e tre voci convivono con quelle miste: 5/8, 7/8, 7/4, occupa il primo posto . Nella seconda parte del quartetto d'archi, il compositore introduce "interruzioni" di metro, derivanti dall'alternanza battuta per battuta di una due parti, stabilite in un tempo in chiave di 6/8, e una a tre voci in un tempo in chiave di 3/4.

Il finale del quartetto d'archi di Ravel ha un metro di 5/8, caratteristico, in particolare, del caratteristico genere sortsico basco. La prima parte del trio a-moll ha un insolito metro 8/8, scomponibile in 3/8+2/8+3/8. Aggiungendo un altro 3/8 al tradizionale 5/8, Ravel crea il suo sortsico - non è un caso che Ravel stesso abbia chiamato questo tema "basco".

Rispetto a "andapusiano", i temi "baschi" di Ravel sono generalmente sillabici, con una piccola estensione, di solito non superiore a un'ottava. Il tema della seconda parte del quartetto è costituito da brevi frasi di due battute e si basa sulle intonazioni ripetute della quinta. Lo stesso intervallo dà una colorazione specifica al tema iniziale del concerto G-dur.

Tuttavia, la maggior parte degli scritti a tema spagnolo di Ravel derivano dal folklore andaluso. Tra questi c'è Alborada del Gracioso. Scritto nel 1905, è stato orchestrato da Ravel nel 1912. La natura acuta e grottesca di questa commedia, l'idea di una specie di scena nello spirito spagnolo, la rende in parte correlata alla Serenata interrotta di Debussy.

Ravel, con una certa libertà, ha assimilato un modo speciale di formare un accordo verticale, nato dalle caratteristiche armoniche della chitarra flamenca. Una caratteristica notevole di questa musica è l'uso di accordi altamente dissonanti con una settima maggiore e un'ottava diminuita, contenenti due varianti di un passo, che rifrangono liberamente le specificità dell'accordo spagnolo.

"Spanish Rhapsody" è una delle varianti dell'immagine della notte estiva spagnola, proprio come era con Glinka e Debussy. In questo ciclo in quattro parti, tutto inizia con il "Preludio della notte", in cui la danza "Malagenya" irrompe "da lontano". La terza parte, "Habanera", introduce qualcosa di nuovo, ma continua anche l'atmosfera delle parti precedenti, in parte preparata da loro. La base della dinamica in tutte e tre le parti è rrrr. I momenti di forte sono esplosioni separate o l'unico aumento in Malaguena (ts.11-12), che si interrompe improvvisamente, immergendosi nell'atmosfera del melos ispano-arabo.

Segnaliamo "Habanera" qui. La sua particolarità sta nella sottigliezza e raffinatezza dei colori (e non nella solita apertura dei sentimenti inerente a questo genere), una certa rigidità delle intonazioni. Apparentemente unica nel suo fascino, "Habanera" è sotto questo aspetto alla pari con altre opere: la somiglianza di due habanera ("Evenings in Grenada" di Debussy e "Habanera" da "Paesaggi uditivi" di Ravel, inclusa nel libro "Spagnolo Rhapsody") , come sapete, un tempo ha causato una disputa sulla priorità.

Ravel ha trasformato il tipico disegno della linea melodica dell'habanera folcloristica in un pedale orchestrale pulsante e ha lasciato il ritmo che accompagnava la danza sotto forma di spettrali accordi di archi a più livelli con sordina (arpe) e due arpe. Di conseguenza, le due caratteristiche principali dell'habanera sono quasi impercettibili nella partitura di Ravel.

La visione del folklore del libero autore, il suo ripensamento attraverso il prisma di un progetto individuale è inerente anche al "Bolero", in cui prevale la logica costruttiva, organizzando tutto secondo il principio del crescendo orchestrale. Allo stesso tempo, i segni di un vero bolero si rivelano molto condizionali.

La conclusione della tesi sottolinea ancora una volta il ruolo del metodo comparativo, che consente, in particolare, di visualizzare il rapporto delle culture e le diverse forme della loro interazione: contatti diretti, influenze, prestiti, per tracciare le somiglianze e i processi specifici di sviluppo delle tradizioni musicali nazionali.

L'origine e lo sviluppo della musica Hispaniana ci permette di vedere il ruolo intermediario sempre esistente di una tradizione.

dizione per l'altro, attuata, come noto, non solo nel diretto riavvicinamento delle culture di Russia e Francia con la cultura spagnola, ma anche russa e francese tra loro.

Nell'evoluzione della musica Hispaniana, un ruolo importante è stato svolto dalla conoscenza da parte dei compositori di campioni già noti, che ha dato origine al desiderio di cercare nuove strade. Il soggiorno di Glinka a Parigi un tempo lo ha arricchito di impressioni e nuove idee creative. Successivamente, i concerti delle Esposizioni Mondiali permisero a Debussy e al giovane Ravel di ascoltare una serie di opere eseguite direttamente dagli autori stessi (Rimsky-Korsakov dirige le Overtures spagnole di Glinka, ecc.). L'influenza della musica russa sul lavoro dei musicisti francesi è, ovviamente, molto più ampia delle effettive composizioni spagnole. Allo stesso tempo, già sull'esempio del tema spagnolo, si può vedere quanto sia stata fruttuosa la comunicazione tra musicisti russi e francesi in tempi diversi. Ricordando il significato del lavoro di Rimsky-Korsakov per Debussy e Ravel, in particolare il suo stile orchestrale, si può presumere che una composizione così vivida come il Capriccio spagnolo non sia passata inosservata ai musicisti francesi.

L'appello predominante allo stile spagnolo meridionale (andaluso) era un'altra caratteristica comune a molte opere. L'attività della coscienza del compositore, la ricerca dei modi più accettabili per l'autore di inserire l'elemento spagnolo nel contesto generale dell'opera, rivela una varietà di modi: dal tentativo di riprodurre letteralmente i tratti dell'originale - al linguaggio di allusioni, allusioni. Anche la natura della conoscenza della fonte primaria era diversa.

In generale, sull'esempio delle opere analizzate, si possono distinguere tre diversi metodi di lavoro con il folclore spagnolo. Questo è a) uno studio attivo della musica spagnola nel suo suono dal vivo; b) lavorare con le collezioni; c) riproduzione di impressioni uditive del folclore spagnolo attraverso il libero uso delle sue essenziali caratteristiche ritmiche e armoniche. La questione del grado di vicinanza al materiale folcloristico e della persuasività artistica dell'opera è trattata dalle singole dichiarazioni dei compositori: M. de Falla e I. Stravinsky. Entrambi i musicisti considerano l'etnografia ristretta inaccettabile per il moderno

arte, preferendo la libera riproduzione degli elementi essenziali della musica spagnola. Ravel e Debussy combinano liberamente le caratteristiche dei diversi stili spagnoli. Un nuovo aspetto della comprensione dello spagnolo si è manifestato nella penetrazione di elementi presi in prestito dalla musica spagnola in opere che non sono legate alla Spagna.

L'aspetto di un vocabolario ritmico-ingagonale, che include una serie di dispositivi cliché nella musica "spagnola" europea, ha permesso a Stravinsky di riferirsi ad essi come a una sorta di linguaggio convenzionale. Una nuova tappa nello sviluppo del tema spagnolo è stata l'opera di C. Debussy. Le origini nazionali, il colore specifico della musica spagnola (per tutta la sottigliezza della riproduzione dei suoi elementi) non sono in primo piano per Debussy, a volte sono semplicemente smussati, velati. Tornando all'idea di Bachtin della coesistenza di "due menti", si può supporre che Debussy non si opponga affatto a due menti - piuttosto, riunisce, fa l'uno o l'altro elemento folcloristico parte del proprio stile. Notando la contraddizione dissonante del folklore spagnolo con i dogmi dei classici "accademici", Debussy, al contrario, cerca di trovare altri modi che gli consentano di ricreare da vicino l'essenza degli elementi principali della creatività musicale spagnola. Il colore nazionale non è fine a se stesso per un artista. Questo è un tentativo di creare (supplemento) sulla base delle idee uditive da lui acquisite in un modo o nell'altro, l'immagine del paese che eccita la sua immaginazione.

L'evoluzione della tecnica compositiva ha permesso agli elementi più complessi della musica spagnola di entrare nell'arte europea nel tempo. La contraddizione tra i modi delle canzoni andaluse e il loro sviluppo compositivo un tempo spinse Glinka a lasciare incompiuti i suoi schizzi su temi popolari. Debussy usa già liberamente le modalità specifiche della musica spagnola. L'aspetto di una trama eterofonica in Glinka è di un'unica natura. Con Stravinsky, questa è una caratteristica integrante dello stile.

Pertanto, possiamo presumere che la creatività del compositore, basandosi sull'elemento musicale professionalmente consapevole e sulle regole dell'arte "classica", abbia creato una coscienza musicale fondamentalmente nuova, che è vividamente espressa attraverso origini folk-nazionali. L'"etnografia" in essa contenuta è subordinata al livello valoriale (assiologico). Cioè, l'elemento folcloristico è

usata come forma che porta il contenuto della coscienza del nuovo tempo. La comprensione dell'appartenenza a una certa cultura nazionale fornisce sempre una base per un'ulteriore sintesi e sviluppo culturale. Si tratta di un arricchimento dovuto all'identificazione del “proprio e dell'altro”, espresso in altre culture musicali con mezzi simili o opposti.

Il rapporto tra le culture di Russia e Spagna, poste ai punti estremi e opposti del continente europeo, è notevole per il riconoscimento del "proprio" in una cultura diversa (soprattutto russa), oltre che per un tentativo di spiegare la segreta somiglianza , la vicinanza di paesi così diversi. Da qui, forse, il desiderio di comprendere l'inspiegabile parentela tra Russia e Spagna, riferendosi alla storia, alle caratteristiche dello sviluppo economico, alla mentalità (in particolare, alla somiglianza dei personaggi, alla visione del mondo) e ad altre caratteristiche. Questo pensiero va avanti all'infinito. tra gli artisti che hanno visitato la Spagna e che sono entrati in contatto con questa cultura al di fuori di essa - K. Korovin, L. Tolstoj, M. Glinka, P. Dubrovsky e altri Nella musica, questa somiglianza ha acquisito contorni quasi tangibili: "Alcuni Le canzoni andaluse mi ricordano le melodie delle nostre regioni russe e risvegliano in me ricordi atavici ", ha scritto Stravinsky.

Cercando di trovare un terreno comune tra due culture diverse, si possono davvero sentire i tratti correlati tra l '"infinito" della melodia nella persistente canzone russa o cante hondo, il loro tono triste, un po' isterico, la ricchezza del ritmo, la variante costante cambiamenti nella melodia e la ripetizione "fino all'ossessione" di un suono, l'uso di microingervals. Nella musica russa, come in quella spagnola, c'è un contrasto tra canto, isteria e allegria sfrenata. Una possibile spiegazione di ciò è l'attrazione reciproca dei poli. Una comprensione di questa vicinanza contribuisce al riavvicinamento, all'attrazione reciproca.

L'attrazione per la cultura spagnola in Russia e in Francia ha le sue caratteristiche. Le immediate vicinanze di Francia e Spagna hanno aggiunto ulteriore colore al processo di riavvicinamento tra questi paesi. I legami etnici esistono tra loro da molto tempo. La Spagna di quel tempo è inclusa nella cerchia dei paesi esotici che interessavano attivamente gli artisti francesi. Questo spiega, ad esempio, l'attrazione predominante per la cultura del suo sud, e non per altre non meno

province peculiari. A differenza dei paesi orientali, la Spagna era diversa, quasi esotica, ma abbastanza peculiare da essere percepita come parte del mondo orientale.

Pertanto, non solo la somiglianza, ma anche la differenza si sono rivelate fruttuose a questo riguardo. Attrazione e repulsione, fondate sulla somiglianza dei destini storici e delle culture, ha assorbito posizioni di valore (verità, bontà, bellezza), affermate non solo nella propria, ma anche in una lingua straniera.

Di conseguenza, gli europei hanno cercato e trovato nella cultura musicale popolare spagnola quelle forze vivificanti, quel supporto per le tendenze che possono essere tracciate nelle loro culture nazionali, di cui avevano tanto bisogno. Attraverso la Spagna c'è stata una penetrazione in una diversa essenza emotiva (amore per la libertà, emancipazione spirituale, umanità, ecc.), altre caratteristiche ritmiche, intonazionali, timbriche, che in definitiva esprimono la struttura interna del carattere nazionale.

La musica spagnola ha aperto nuovi valori ai compositori europei, arricchendo il linguaggio musicale con ritmi unici, colore strumentale, caratteristiche della trama.

Il tema spagnolo in musica è solo una parte del lavoro del compositore, inscritto nel contesto della sua epoca. Pertanto, la creazione di molte composizioni sul tema spagnolo è difficile da immaginare senza esperimenti con altro materiale nazionale. Inoltre, l'impatto di queste opere è tutt'altro che limitato al tema spagnolo.

I legami culturali tra Russia e Francia con la Spagna, segnati dalla comparsa di numerosi capolavori dell'arte musicale, entrano nell'orbita del processo culturale globale, a testimonianza del ruolo positivo dell'apertura delle culture, della loro interazione e scambio. l

Le disposizioni e le conclusioni della dissertazione si riflettono nelle opere dell'autore:

1. "Spanish Overtures" di Glinka (al problema del "compositore e del folklore") // Raccolta di articoli di giovani scienziati del Conservatorio. Alma-Ata 1993. (0,5 pp)

2. Superare i confini del tempo (legami creativi russo-spagnoli) E la cultura russa oltre i confini. M, 1996, "Informkultura", n. 4. (0,8 pl.).

3. "Suoni e colori della Spagna" // Immagine della Russia in Spagna. L'immagine della Spagna in Russia (in stampa). San Pietroburgo (1 p.l.).

Non dovresti pensare che in Spagna esistessero solo aree specifiche della musica. C'erano anche stili generali che non erano legati a regioni specifiche. In molte città del paese ballate romantiche venivano eseguite dai trovatori. A partire dal XV secolo, con l'accompagnamento della vihuela, iniziarono ad essere eseguiti racconti epici eroici ( cantares de gesta ). È uno strumento a pizzico con 12 corde.

La musica religiosa affonda le sue radici nell'antichità. La prima forma è considerata la monodia corale, che era un canto leggero che veniva eseguito nei monasteri dal VII secolo.

A metà degli anni '90, tutti i canti e i salmi noiosi furono scritti su disco. E ha guadagnato popolarità. Anche gli amanti della musica moderna hanno apprezzato questo album.

Puoi ascoltare la musica strumentale spagnola in questo video:

La musica nel Rinascimento

Nonostante il fatto che il Rinascimento abbia coinciso con l '"età dell'oro" della Spagna, questo non ha influenzato molto la musica. Solo pochi compositori hanno guadagnato fama e creato il proprio nome.

1. Antonio de Cabezon. Scrisse le prime opere per strumenti a tastiera, che vengono eseguite ancora oggi. Fu anche famoso per le sue opere liturgiche ( tiento ).
2. Cristobal de Morales. A metà del XV secolo, il compositore componeva esclusivamente melodie ecclesiastiche. Fu lui a diventare famoso per la prima volta al di fuori della Spagna.
3. Thomas Luis de Victoria divenne un altro famoso e popolare compositore spagnolo. Scrisse mottetti e messe.

Musica barocca in Spagna

La Spagna non può vantare grandi compositori. Naturalmente, durante il periodo barocco e classicismo c'erano compositori di corte, ma non ricevettero fama mondiale. Molto spesso, i sovrani spagnoli ordinavano musicisti dall'Italia. Diventa subito chiaro che gli spagnoli preferivano le canzoni piuttosto che le melodie da camera. Un raro esempio di successo spagnolo può essere considerato il compositore catalano Antonio Soler. Condusse una vita modesta in un monastero, ma allo stesso tempo era costantemente impegnato nella composizione di musica.

Nel 19° secolo apparve il basco Juan Crisostomo Arriaga, che molto spesso viene chiamato il "Mozart spagnolo". Già all'età di 13 anni scrisse l'opera Gli schiavi felici (Los esclavos felices, 1820). Il talentuoso compositore morì molto presto all'età di 19 anni di tubercolosi.

Puoi ascoltare l'opera "Happy Slaves" in questo video:

Ascesa della musica classica spagnola

L '"età d'oro" della musica in Spagna iniziò nel XIX e all'inizio del XX secolo. I compositori di questo periodo vissero e lavorarono nel periodo del tardo romanticismo, ma sotto l'influenza del flamenco nazionale prevalse la componente nazionale. I compositori hanno incluso nelle loro opere motivi nazionali sulle tendenze europee.

Isacco Albeniz

Scappò di casa all'età di 12 anni per diventare un pianista. Arrivò in America e in un anno tenne concerti. Nel 1886, all'età di 25 anni, scrisse la "Suite spagnola" (Suite Espanola), ma la composizione "Iberia" divenne l'apice del suo lavoro. Il compositore è morto all'età di 48 anni.

Puoi ascoltare la canzone "Spanish Suite" in questo momento:

Enrico Granados

Il compositore ha contribuito allo sviluppo della scuola nazionale di musica. Nelle sue opere rimase un patriota. La base delle sue migliori opere: due cicli per pianoforte "Goyescas" (Goyescas, 1911) basati su dipinti dell'artista Goya. Sullo stesso materiale, ha composto l'opera con lo stesso nome, ma durante il suo ritorno dopo la prima, il talentuoso compositore è morto.

Manuel de Falla

Luce della musica classica. Il lavoro di de Falla è stato fortemente influenzato da Debussy e Ravel. Una delle migliori opere è la suite "Notti nei giardini di Spagna" (Noches en los jardines de Espana, 1915). Ma ancora più attenzione è stata attirata sulla sua persona dai due balletti El amor brujo (1915) e Il cappello a tre punte (El sombrero de tres picos, 1917).

Puoi ascoltare il balletto "Love the Magician" in questo video:

Gioacchino Turina

Si è rivolto anche a opere nazionali nelle sue opere, ma allo stesso tempo ha scritto più musica da camera del resto. Le sue migliori opere furono considerate opere come il poema sinfonico "Processione dedicata all'aspersione dell'acqua santa" (La processione del Rocio, 1913), così come "Danze gitane" (Danzas Gitanas, 1930), che furono scritte per pianoforte.

Gioacchino Rodrigo

Nel suo lavoro, ha usato una miscela di impressionismo e tradizioni nazionali. È entrato nella storia della musica spagnola come compositore di talento per chitarra e orchestra. Il suo "Concerto di Aranjuez" è conosciuto in tutto il mondo.

Ora puoi ascoltare la composizione di Hokian Rodrigo:

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La cultura e le tradizioni della Spagna differiscono in modo significativo dal patrimonio culturale, dai costumi e dai valori spirituali di altri paesi europei. Numerosi turisti sono attratti dall'atmosfera colorata, dal temperamento, dalla cordialità e dalla cordialità della popolazione locale.

Quali sono le caratteristiche della cultura spagnola

A causa della particolare posizione geografica, la cultura è dotata di un'originalità, ricchezza e bellezza uniche. La posizione territoriale al confine tra Africa ed Europa, le coste bagnate dal caldo Mar Mediterraneo e dal morbido Oceano Atlantico: tutto questo si riflette nelle tradizioni e nei costumi dell'ospitale Spagna.

La stratificazione pluriennale degli strati culturali è avvenuta a causa dell'influenza di vari popoli e religioni. La cultura della Spagna è una combinazione unica del patrimonio folcloristico degli antichi romani, greci e arabi. Lo stile spagnolo "Mudéjar" è una simbiosi di architettura, pittura, musica, espressa attraverso caratteristiche culturali internazionali.

architettura spagnola

Gli edifici storici sono diversi, dettati dalle tendenze della moda di periodi diversi. La cultura spagnola è ampiamente rappresentata negli edifici monumentali: cattedrali gotiche, castelli medievali, palazzi lussuosi. Per numero di monumenti di fama mondiale, la Spagna è al secondo posto, dietro all'Italia.

I turisti curiosi dovrebbero assolutamente vedere l'Arco di Trionfo e la casa di Casa Lleo Morera a Barcellona. Dirigendosi a Valencia, non puoi perderti la porta della fortezza Torres de Serrano, costruita nel XIV secolo. Le piramidi a gradoni di Guimar, situate sull'isola di Tenerife, stupiscono l'immaginazione con le loro dimensioni e rimangono un mistero secolare per l'umanità. Il minareto arabo Giralda con la Torre d'Oro è un simbolo di Siviglia. La Cattedrale di Santiago de Compostella custodisce le antiche reliquie di San Giacomo, da cui prende il nome la struttura storica.

Le caratteristiche della cultura spagnola si riflettono negli edifici moderni. La Torre Agbar, l'edificio a forma di pesce dell'architetto Frank Gehry, "casa di Bin Laden" - questo è un piccolo elenco di opere d'arte architettonica di fama mondiale che rappresentano degnamente il loro paese.

Arti visive spagnole

L'arte della Spagna ha lasciato un segno importante nella storia della cultura mondiale. Le opere dell'età dell'oro portarono la fama mondiale della pittura. Questi includono capolavori del genere religioso creati dall'artista El Greco. Non meno famosi sono creatori come Francisco Ribalta, Diego Velazquez, Bartolomeo Murillo , Giuseppe Ribera . Le tradizioni artistiche sono state successivamente continuate dal brillante lavoro di Francisco Goya. Un contributo inestimabile all'arte contemporanea della pittura è stato dato da Salvador Dalì, Juan Mirò, Pablo Picasso e Juan Gris.

Letteratura spagnola

Durante l'età dell'oro, la cultura spagnola si arricchisce di opere eccezionali del genere letterario. Gloria alla sua patria ha portato l'autore del famoso "Don Chisciotte" Miguel de Cervantes. Non meno famosi sono gli eroi letterari di Felix Lope de Vega, Pedro Calderon de la Barca e Miguel de Unamuno. Il drammaturgo e poeta Federico Juan Goytisolo, Miguel Delibes e Camilo José Sela, che ha vinto il premio Nobel, hanno sostenuto la fama letteraria moderna. L'arte della drammaturgia è stata glorificata principalmente grazie a Ramón del Valle-Inclan.

La cultura della Spagna si fa notare grazie al successo del cinema nazionale. Il regista, autore del capolavoro "Andalusian Dog", in quarant'anni della sua carriera cinematografica ha creato un'intera galleria di opere di fama mondiale. La fama del maestro fu rafforzata da autori come Pedro Almodovar e Carlos Saura.

musica spagnola

La Spagna è uno dei paesi musicali più antichi d'Europa. La straordinaria originalità dei generi musicali, della musica strumentale, dell'arte della danza è dovuta alle caratteristiche storiche di questa terra. Nel periodo iniziale del suo sviluppo, la cultura musicale della Spagna comprendeva varie direzioni caratteristiche di alcune province. Nel corso del tempo, culture diverse si sono intrecciate sempre più tra loro, formando uno stile spagnolo speciale, notevolmente diverso da tutti gli altri.

Dall'inizio del XIII secolo, la musica spagnola è nota per l'arte di suonare la chitarra. Oggi lo strumento musicale tradizionale è rappresentato da due tipi: il flamenco e la chitarra acustica. La musica moderna racchiude al suo interno le origini del folklore, che contraddistinguono le opere spagnole con originalità e riconoscibilità.

Le opere classiche si svilupparono nel XVI secolo, prendendo come base le melodie della chiesa. All'inizio del 20° secolo, i compositori Enrique Granados, Isaac Albeniz, Manuel de Falla hanno portato la fama paneuropea alla musica spagnola. L'arte del canto classico moderno è rappresentata dalle voci brillanti di Montserrat Caballe, Placido Domingo e José Carreras.

Flamenco

Lo stile capriccioso e incendiario del flamenco è la musica tradizionale spagnola, nata in Andalusia. Si presenta in tre direzioni: canti, balli e suonare la chitarra. Lo stile era basato su antiche danze rituali gitane, che venivano ereditate, preservandone le tradizioni e arricchite di nuovi colori musicali.

Oggi, le danze di flamenco sono presentate sotto forma di spettacoli musicali pieni di contenuto semantico, con l'espressione di una speciale sensualità e passione. Gli attributi indispensabili dei numeri di danza (abiti lunghi, scialli colorati, ventagli) aiutano a esprimere meglio i sentimenti ea sottolineare l'origine popolare dello stile. Spesso, le danze di flamenco sono accompagnate da suoni ritmici di nacchere, battimani (palmas), suoni espressivi sul tamburo del cajon.

La cultura del ballo flamenco combina diversi modelli musicali sotto un unico nome. Una caratteristica dello stile spagnolo è un elemento obbligatorio dell'improvvisazione, che consente di creare opere d'arte della danza completamente uniche.

Feste e feste in Spagna

L'antica origine e la ricchezza delle manifestazioni culturali determinano la luminosa bellezza e l'originalità delle feste nazionali. Il paese musicale ospita ogni anno varie feste, carnevali e processioni.

A febbraio si tiene un carnevale nazionale, rappresentato in modo particolarmente vivido sull'isola di Tenerife. La vigilia delle festività pasquali non è completa senza tante processioni religiose e processioni religiose, addobbate con arrangiamenti colorati e colorati.

In estate e in autunno si tengono le feste più famose: musica, teatro, danza. La Tomatina può essere attribuita alla categoria degli eventi originali: una festa dei pomodori, in cui si tiene un grandioso massacro di pomodori.

corrida

Il patrimonio culturale della Spagna, ovviamente, dovrebbe includere la famosa corrida - una lotta con i tori. L'evento spettacolare è rappresentato da una rappresentazione spettacolare, che racchiude tradizioni artistiche secolari basate sul rispetto degli animali sacri, sull'eccitazione e sul rischio mortale.

Nell'antichità la corrida era un elemento obbligatorio delle feste nazionali. Oggi è un'intera arte che incarna lo spirito spagnolo e l'identità nazionale. La bellezza della corrida è simile a una danza classica, dove il torero mostra la sua abilità, il suo coraggio e il suo talento.

Persone belle, che glorificano la storia del loro paese per molti secoli, hanno creato e continuano a sostenere il patrimonio nazionale, il cui nome è la cultura della Spagna. Dopo aver brevemente considerato le direzioni creative dell'attività umana, non si può fare a meno di provare un profondo rispetto per il popolo spagnolo, che custodisce e accresce con cura le tradizioni culturali della sua patria.

1.2 Caratteristiche dei generi teatrali in Spagna all'inizio del XX secolo

All'inizio del XX secolo, il teatro e il teatro spagnolo erano in declino, sebbene il numero di edifici e compagnie teatrali fosse aumentato. Le considerazioni sulla redditività hanno dominato tutto. I locali dei teatri e della compagnia erano nelle mani di vari imprenditori, non c'erano teatri fissi fissi. Solo le compagnie più forti hanno suonato per diverse stagioni di seguito nello stesso teatro; la maggior parte delle truppe si spostava di città in città. L'intero stile di vita teatrale era obsoleto. In effetti, la regia quasi non esisteva, i cliché dominavano il gioco della recitazione. Il repertorio era dominato dallo spagnolo e tradotti giochi di contenuto leggero, spesso volgari. Il teatro era occupato da una meschina trama quotidiana. Le commedie di drammaturghi innovativi raramente si facevano strada sul palco. I classici stranieri non sono stati messi in scena. Le commedie spagnole del "detenuto d'oro" erano piuttosto rare e quasi (sempre in alterazioni, che hanno ampiamente distorto queste commedie Balashov N.I. Spanish Classical Drama. M., 1975. .

Il tono del teatro era dato dal pubblico aristocratico e borghese, che gli chiedeva solo intrattenimento e instillava gusti volgari (queste sono le caratteristiche principali che caratterizzano lo stato del teatro in Spagna e sotto il dominio dei franchisti).

Allo stesso tempo, iniziò in Spagna un movimento per il rilancio di una cultura musicale nazionale artistica e originale (il cosiddetto Renacimiento), guidato dal compositore e personaggio pubblico musicale F. Pedrell. Il suo musical op. (la trilogia d'opera "Pirenei", ecc.), le opere teoriche e l'attività pedagogica hanno avuto un'influenza decisiva sulla formazione della moderna scuola di composizione spagnola. I fondatori della nuova musica sono gli studenti di Pedrel I. Albeniz, E. Granados y Campinha e M. de Falla y Mateu. L'opera di M. de Falla è l'apice della musica spagnola moderna, una delle più alte realizzazioni dei classici musicali dell'Europa occidentale del 20° secolo. raggiunse un livello elevato nel 20° secolo. arti dello spettacolo: pianisti J. Turina, R. Viñes, violinisti P. Sarasate y Navasques, J. Manen, violoncellisti P. Casals, G. Casado, chitarristi F. Tarrega, M. Llobet, A. Segovia, direttori E F. Arbos , J. Iturbi, cantanti M. Guy. E. Hidalgo, C. Supervia, V. de los Angeles, T. Berganza, P. Lorengar. Tra i musicologi ci sono R. Mithana-i-Gordon, F. Gasque, A. Salazar, J. Subira, E. L. Chavarri, E. M. Torner e altri Sarabyanov D.V. Stile moderno. Origini. Storia. I problemi. - M.: Art, 1989. - P.108

Durante la guerra civile spagnola, quei teatri che si trovavano nei territori controllati dai repubblicani furono conquistati dallo stato. La vita teatrale in questi teatri è notevolmente ripresa e progredita in modo significativo. Inoltre, questi teatri formavano truppe mobili che si esibivano ai fronti.

Dopo la vittoria del generale Franco, tutte le riforme progressiste in ambito teatrale che erano state attuate dal governo repubblicano furono annullate. I teatri in Spagna furono nuovamente rilevati da privati ​​e divennero un'impresa commerciale. In linea di principio, non era così male, ma ci sono stati cambiamenti significativi nel repertorio teatrale. Insieme a spettacoli su un tema sociale, hanno ricominciato a mettere in scena spettacoli di intrattenimento principalmente leggeri. Il teatro perse tendenze moderniste e persino caratteristiche nazionali, il centro del dramma si trasferì da Madrid a Barcellona, ​​​​il teatro spagnolo divenne più un "catalano" Ranx O.K. "Conte Alarkos" H. Grau: teatro delle marionette // Bollettino di VyatGGU. Volume 2. Filologia e critica d'arte. N. 3 (2) 2011. P. 146-150. .

Solo a metà degli anni '50, nonostante le forti pressioni del governo franchista, i teatri spagnoli ricominciarono a mettere in scena opere di classici spagnoli. A poco a poco, i repertori dei teatri spagnoli ricominciarono a includere opere teatrali con aspre critiche alla società. Inoltre, in Spagna negli anni '50 e '60 divennero molto popolari le compagnie studentesche dilettanti, che misero in scena anche spettacoli principalmente in opposizione al regime franchista. Questi teatri hanno indubbiamente avuto un impatto positivo sul teatro professionale in Spagna. Inoltre, hanno allevato una galassia di attori e registi di talento Silunas, V. Yu. "La vita è un sogno" - dramma e performance // Problemi dell'arte iberoamericana: sab. articoli / [ris. ed. EA Kozlova]. - M.: Editoriale URRS, 2008. Edizione. 2. - S. 13.

"Età dell'argento" della cultura russa

1.1 Poesia L'inizio del ventesimo secolo fu il periodo d'oro della poesia russa, il momento dell'emergere di brillanti individui creativi, come K. Balmont, A. Blok, S. Yesenin, I. Severyanin, N. Gumilyov, A. Akhmatova , M. Voloshin, A. Bely e altri poeti...

Architettura dei secoli XI-XV di Novgorod

Nella seconda metà del XII secolo iniziarono a essere costruiti templi piccoli, modesti ma imponenti a spese di boiardi, mercanti e residenti della città. Fu in quel momento che apparve un nuovo tipo di tempio, a pianta quasi quadrata, con un volume cuboide...

Contributi della cultura e dell'arte del XX secolo alla civiltà mondiale

Cultura arabo-islamica. L'arte dell'Europa del XIX secolo: l'evoluzione dei tipi, dei generi e degli stili

Nella prima metà del 19° secolo, la pianificazione urbanistica su scala senza precedenti si sviluppò in Europa. La maggior parte delle capitali europee - Parigi, San Pietroburgo ...

Cultura della Russia nel X secolo

Il primo evento nazionale, superando in scala tutti gli affari intratribali dei principi locali, fu il polyudie. Non c'è da stupirsi che questa parola russa sia entrata nella lingua del Cesare greco e nella lingua delle saghe scandinave ...

Vita culturale e spirituale della società russa nel XIX secolo

L'inizio del XIX secolo è un periodo di ascesa culturale e spirituale in Russia, che (soprattutto all'inizio) è stata promossa dalla politica di Alessandro I - la politica dell '"assolutismo illuminato". I principali eventi storici della sua epoca...

Aspetto culturale dello sviluppo dell'Europa occidentale all'inizio del XIX secolo

Nel diciannovesimo secolo avviene la formazione di una società industriale. Ha avuto origine nel 18° secolo ed è esistito fino alla metà del 20° secolo. La cultura europea non poteva che rispondere ai cambiamenti economici e sociali della società...

Il modernismo nella cultura spagnola

Musica della fine del XIX e inizio del XX secolo

La fine del XIX e l'inizio del XX secolo (fino al 1917) sono un periodo non meno ricco, ma molto più complesso. Non è separato dal precedente da alcuna frattura: il migliore...

Mentalità nazionale e carattere del popolo spagnolo

Caratteristiche dello sviluppo dell'arte teatrale in Germania e Russia all'inizio del XX secolo

Ritratto della Granduchessa Alexandra Pavlovna di Borovikovsky dal punto di vista dell'analisi artistica

Il diciottesimo secolo è stato uno dei punti di svolta nella storia della Russia. La cultura che serviva i bisogni spirituali di questo periodo iniziò ad acquisire rapidamente un carattere laico, che fu molto facilitato dalla convergenza di arte e scienza...

Lo sviluppo della pittura in Russia tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo

Con la crisi del movimento populista, negli anni '90, “il metodo analitico del realismo ottocentesco”. Lapshina N. "Mondo dell'arte". Saggi di storia e pratica creativa. M., 1977.- P.86., come viene chiamato nelle scienze domestiche, sta diventando obsoleto ...

Cultura russa di fine Novecento. architettura postmoderna

La cultura della Russia post-sovietica (dagli anni '90 all'inizio del 21° secolo) è complessa e contraddittoria. Con un parziale indebolimento dell'influenza dell'apparato statale, con un sistema multipartitico politico e ideologico...

L'opera degli impressionisti come manifestazione dell'incoerenza dell'epoca storica

Il patrimonio storico e culturale della Spagna è ricco e vario, è stato formato da molte epoche, popoli, religioni, così come la posizione di confine della Spagna tra Europa e Africa, l'isolamento del Mediterraneo e la vastità dell'Oceano Atlantico. La cultura spagnola ha dato al mondo flamenco e chitarra, novella e gazpacho, oltre a un numero enorme di intricate strutture architettoniche. Impossibile non notare che gli spagnoli amano vestirsi bene e godersi la vita. Il colore di questo paese ha ispirato Picasso, Goya, Velasquez, Dalì e altri personaggi famosi. L'influenza di diverse religioni, culture e popoli, la posizione di confine tra l'Africa e l'Europa, la vastità dell'Oceano Atlantico: tutto questo si riflette nelle tradizioni e nei monumenti della Spagna.

Architettura
L'architettura della Spagna è un ricordo delle tradizioni di civiltà passate. Ci sono acquedotti e antichi anfiteatri fianco a fianco, sono stati conservati esempi di architettura moresca dell'era del Califfato: il Palazzo Nazaret a Granada e l'Alcazar a Siviglia. La Spagna ha il maggior numero di cattedrali al mondo. Tra questi: i templi gotici di Burgas, Tarragona, Siviglia, Toledo, la cattedrale romanica di Santiago de Compostela; la residenza dei re spagnoli - Escorial vicino a Madrid; cattedrali di Murcia, Valencia, Granada, nonché nella città di Teruel. Creazioni conosciute anche: Antonio Gaudi - Cattedrale della Sagrada Familia e Parco Guell a Barcellona; Ricard Bofila (Barcellona), Santiago Calatrava (Valencia, Siviglia) e Rafael Moneo (Madrid).

La pittura
È difficile immaginare il mondo delle belle arti senza la pittura spagnola. Il suo periodo di massimo splendore iniziò con l'opera di Domenico Theotokopuli, soprannominato El Greco, che divenne il fondatore e capo della scuola di pittura di Toledo. La Spagna fu glorificata anche da coloro che lo seguirono, José de Ribera, Francisco Zurbaran, B. E. Murillo e Velasquez, i cui dipinti sono oggi custoditi nei migliori musei del mondo.

La pittura spagnola è impensabile senza l'opera di Francisco Goya (1746-1828), nonché il pioniere del surrealismo Salvador Dalì (1904-1989), il fondatore del cubismo Juan Gris (1887-1921), l'artista astratto Juan Miro (1893 -1983) e il geniale versatile maestro Pablo Picasso (1881-1973).

Letteratura
La letteratura in Spagna ha fatto molta strada per diventare uno dei costituenti più importanti della letteratura mondiale di oggi. Il suo contributo non può essere sopravvalutato, se non altro perché i due tipi universali più famosi - Don Chisciotte e Don Juan - furono creati da scrittori spagnoli.
La prima opera letteraria spagnola ad essere ampiamente conosciuta è il poema epico "The Song of My Side" (circa 1140). I classici della letteratura spagnola sono considerati Felix Lope de Vega, Pedro Calderon de la Barca, Tirso de Molina, Miguel de Cervantes.

Dalla fine del XIX secolo, chiamato il periodo del rinnovamento spirituale della Spagna, nel paese sono comparsi nuovi autori, le cui opere trovano rapidamente lettori in tutto il mondo: Miguel de Unamuno, Ramon Maria del Valle Inclan, Federico Garcia Lorca. Tra gli autori moderni, vale la pena ricordare il premio Nobel 1989 Camilo José Sela, così come Juan Goitisolo, Miguel Delibes, Manuel Vasquez Montalban.

Musica
I beni della cultura musicale spagnola includono anche: la chitarra, apparsa in Andalusia negli anni Novanta del Settecento, quando al liuto arabo furono aggiunte sei corde; e flamenco - che significa "musica profonda" in traduzione, il suo interprete più famoso è Paco de Lucia.

Ogni anno in Spagna ci sono molti festival di vari generi d'arte. Ad esempio, a Granada c'è un festival musicale dove si riuniscono flamenco e altri tipi di ballerini; a San Javier - jazz; gli amanti del teatro possono visitare il festival a Merida; a Torrevieja puoi partecipare al festival vocale Habaneras; a Madrid - un festival musicale, e per gli amanti del cinema, a San Sebastian, si tiene un festival cinematografico internazionale.

Cinematografia
La storia del cinema spagnolo ha una lunga tradizione: già negli anni '20 del XX secolo è uscito il film "Foresta andalusa" di Luis Buñuel. Da allora, registi spagnoli, tra cui Carlos Saura ("Carmen"), Pedro Almodovar ("Donna sull'orlo di un esaurimento nervoso", "Kika", ecc.), Fernando Trueva ("Belle Epoque"), Julio Medel (" Scoiattolo rosso"), ha contribuito a rafforzare la fama mondiale del cinema spagnolo.

Ad oggi, i film di produzione spagnola rappresentano solo il 10-20% della distribuzione cinematografica in Spagna, il che indica una crisi del cinema nazionale. Il cinema spagnolo moderno dipende dai successi episodici e dai successi al botteghino delle cosiddette "commedia madrileña" ("commedia madrileña") di Fernando Colomo e Fernando Trueba, dai raffinati melodrammi di Pedro Almodovar, dall'umorismo nero di Alex de la Iglesia e l'umorismo ruvido di Santiago Segura, e anche il lavoro di Alejandro Amenabar, a tal punto che, secondo il produttore José Antonio Félez, nel 2004 "il 50% del botteghino ha raccolto 5 film e 8-10 film hanno dato l'80% di tutte le tasse". Nel 1987 è stato fondato in Spagna il premio cinematografico Goya, una sorta di "contrappeso" all'Oscar per il cinema spagnolo.

corrida
La corrida è un intrattenimento tradizionale spagnolo che caratterizza vividamente la cultura spagnola. Nell'età del bronzo, uccidere un toro era un rituale importante e alla fine del VI secolo la corrida divenne intrattenimento per la classe superiore: un cavaliere a cavallo combatteva contro un toro.

La corrida a piedi diventa più tardi, nel XVIII secolo, in Andalusia. Poi è apparso il famoso torero. Il leggendario torero è considerato Juan Belmonte, che ha creato lo stile moderno e l'immagine del matador.
Solo i tori di razza iberica allevati in modo speciale partecipano alla corrida.
L'etica della corrida richiede che il torero abbia un grande rispetto per il toro come avversario degno, forte e coraggioso. Se il toro riesce a sopravvivere, non prende mai più parte allo spettacolo.

Il toro deve essere ucciso entro 10 minuti dalla parte di intrattenimento dello spettacolo. Se il toro resta in vita, è un peccato per il torero. L'apice dell'abilità è considerato la morte di un toro da una spada al primo tentativo.
Se il toro mostra un coraggio eccezionale, può essere perdonato. L'obiettivo principale del matador è quello di rivelare il carattere e il potenziale del toro per essere perdonato. I casi di perdono del toro sono molto rari, vengono celebrati come una festa.
Tutta la carne di toro subito dopo lo spettacolo viene inviata a scopi sociali e di beneficenza.

Flamenco
Il flamenco è una famosa arte spagnola originaria dell'Andalusia. Il flamenco è un'incredibile fusione di canto (Cante), danza (Baile) e chitarra (Guitarra), e include anche varie forme da una miscela di questi generi. La prima menzione scritta del flamenco risale al 1774. Il flamenco si è formato sotto l'influenza di due culture: la gitana, da cui il flamenco ha preso parte alla danza, e la moresca, che ha dato un significato profondo alla musica flamenco.

Gli stili di flamenco (palos) differiscono per il modello ritmico, ce ne sono più di 50. Gli stili più popolari sono i toni, il fandango, il soleo e il seguiriya. Canti e balli sono solitamente accompagnati da percussioni (battito delle nacchere, battito delle mani) e una chitarra.

I custodi delle tradizioni del flamenco sono gli zingari andalusi. Nel 2010, il Flamenco è stato dichiarato Patrimonio dell'Umanità dall'UNESCO.

La cultura della Spagna è molto sfaccettata e diversificata, in diverse regioni del paese è diversa.
Aree culturali come la danza flamenco, la corrida, la chitarra spagnola caratterizzano perfettamente le caratteristiche nazionali della Spagna, la loro natura appassionata e mutevole.