Rinascimento. Saggio sulla cultura musicale del Rinascimento Messaggio sul tema della cultura musicale del Rinascimento

Rinascimento, o Rinascimento(fr. rinascimento), - una svolta nella storia della cultura dei popoli europei. In Italia le nuove tendenze sono apparse già a cavallo tra il XIII e il XIV secolo, in altri paesi europei - nel XV-XVI secolo. Le figure del Rinascimento riconoscevano nella persona - il suo bene e il diritto al libero sviluppo della personalità - il valore più alto. Questa visione del mondo era chiamata "umanesimo" (dal latino humanus - "umano", "umano"). Gli umanisti cercavano l'ideale di una persona armoniosa nell'antichità e l'arte antica greca e romana serviva da modello per la loro creatività artistica. Il desiderio di "ravvivare" la cultura antica ha dato il nome a un'intera epoca: il Rinascimento, il periodo tra il Medioevo e il New Age (dalla metà del XVII secolo ai giorni nostri).

La visione del mondo del Rinascimento riflette in modo più completo l'arte, inclusa la musica. In questo periodo, oltre che nel medioevo, il posto di primo piano apparteneva alla musica vocale sacra. Lo sviluppo della polifonia ha portato all'emergere della polifonia (dal greco "polis" - "numeroso" e "sottofondo" - "suono", "voce"). Con questo tipo di polifonia, tutte le voci nell'opera sono uguali. La polifonia non solo ha complicato il lavoro, ma ha permesso all'autore di esprimere una comprensione personale del testo, ha dato alla musica una maggiore emotività. Una composizione polifonica è stata creata secondo regole rigide e complesse, che richiedono una profonda conoscenza e abilità virtuosa da parte del compositore. Nell'ambito della polifonia si svilupparono i generi ecclesiastici e secolari.

Scuola polifonica olandese. I Paesi Bassi sono una regione storica dell'Europa nord-occidentale, che comprende i territori dell'attuale Belgio, Olanda, Lussemburgo e Francia nord-orientale. Entro il XV secolo I Paesi Bassi raggiunsero un alto livello economico e culturale e si trasformarono in un prospero paese europeo.

Fu qui che si formò la scuola polifonica olandese, uno dei più grandi fenomeni della musica rinascimentale. Per lo sviluppo dell'arte del XV secolo fu importante la comunicazione di musicisti di diversi paesi, l'influenza reciproca delle scuole creative. La scuola olandese ha assorbito le tradizioni dell'Italia, della Francia, dell'Inghilterra e degli stessi Paesi Bassi.

I suoi rappresentanti di spicco: Guillaume Dufay (1400-1474) (Dufay) (circa 1400 - 27/11/1474, Cambrai), compositore franco-fiammingo, uno dei fondatori della scuola olandese. Le basi della tradizione polifonica nella musica olandese furono poste da Guillaume Dufay (circa 1400 - 1474). Nacque nella città di Cambrai nelle Fiandre (provincia nel sud dei Paesi Bassi) e fin da piccolo cantò nel coro della chiesa. Parallelamente, il futuro musicista ha preso lezioni private di composizione. In gioventù, Dufay andò in Italia, dove scrisse le sue prime composizioni: ballate e mottetti. Nel 1428-1437. prestò servizio come cantore nella cappella papale a Roma; in questi anni viaggiò in Italia e in Francia. Nel 1437 il compositore prese gli ordini sacri. Alla corte del duca di Savoia (1437-1439), compose musiche per cerimonie solenni e feste. Dufay era molto rispettato dai nobili - tra i suoi ammiratori c'erano, ad esempio, la coppia dei Medici (governanti della città italiana di Firenze). [Lavorò in Italia e Francia. Nel 1428-37 fu cantore di cappelle papali a Roma e in altre città italiane, nel 1437-44 prestò servizio presso il duca di Savoia. Dal 1445 canonico e responsabile delle attività musicali della cattedrale di Cambrai. Maestro di generi spirituali (messe a 3, 4 voci, mottetti) e secolari (chanson francesi a 3, 4 voci, canzoni italiane, ballate, rondò) associati alla polifonia popolare e alla cultura umanistica del Rinascimento. L'arte di D., che assorbì le conquiste dell'arte musicale europea, ebbe una grande influenza sull'ulteriore sviluppo della musica polifonica europea. Fu anche un riformatore della scrittura musicale (a D. è attribuita l'introduzione di note con teste bianche). Le opere complete di D. pubblicate a Roma (6 voll., 1951-66).] Dufay fu il primo tra i compositori a iniziare a comporre la Messa come composizione musicale integrale. Per creare musica sacra è richiesto un talento straordinario: la capacità di esprimere concetti astratti e intangibili con mezzi concreti e materiali. La difficoltà sta nel fatto che una tale composizione, da un lato, non lascia indifferente l'ascoltatore e, dall'altro, non distrae dal culto, aiuta a concentrarsi più profondamente sulla preghiera. Molte delle messe di Dufay sono ispirate, piene di vita interiore; sembrano aiutare a sollevare per un momento il velo della rivelazione divina.

Spesso, durante la creazione di una messa, Dufay prendeva una nota melodia, alla quale aggiungeva la sua. Tali prestiti sono caratteristici del Rinascimento. Si riteneva molto importante che la messa fosse basata su una melodia familiare che i fedeli potessero facilmente riconoscere anche in un brano polifonico. Si usava spesso un frammento di canto gregoriano; non erano escluse le opere secolari.

Oltre alla musica sacra, Dufay compose mottetti su testi profani. In essi, ha anche usato una complessa tecnica polifonica.

Josquin Despres (1440-1521). Rappresentante della scuola polifonica olandese della seconda metà del XV secolo. fu Josquin Despres (circa 1440-1521 o 1524), che ebbe una grande influenza sul lavoro dei compositori della generazione successiva. In gioventù ha servito come corista della chiesa a Cambrai; ha preso lezioni di musica da Okegyom. All'età di vent'anni, il giovane musicista venne in Italia, cantò a Milano con i duchi degli Sforza (in seguito qui prestò servizio il grande artista italiano Leonardo da Vinci) e nella cappella papale a Roma. In Italia, Despres iniziò probabilmente a comporre musica. Proprio all'inizio del XVI secolo. si è trasferito a Parigi. A quel tempo, Despres era già noto e fu invitato al posto di musicista di corte dal re francese Luigi XII. Dal 1503 Despres si stabilì nuovamente in Italia, nella città di Ferrara, alla corte del duca d'Este. Despres compose molto, e la sua musica ottenne presto riconoscimenti negli ambienti più ampi: fu amata sia dalla nobiltà che dalla gente comune. Il compositore ha creato non solo opere ecclesiastiche, ma anche profane. In particolare, si è rivolto al genere della canzone popolare italiana - frottola (it. frottola, da frotta - "folla"), caratterizzato da un ritmo di danza e tempo veloce. Nella musica da chiesa, Despres ha portato le caratteristiche delle opere profane: fresca ", l'intonazione viva violava il rigoroso distacco ed evocava un sentimento di gioia e pienezza dell'essere. Tuttavia, il senso delle proporzioni non ha mai tradito il compositore. La polifonia di Despres tecnica non si distingue per raffinatezza.Le sue opere sono elegantemente semplici, ma in esse si sente il potente intelletto dell'autore.Questo è il segreto della popolarità delle sue creazioni.

Johannes Okegem (1430-1495), Jacob Obrecht (1450-1505). I contemporanei più giovani di Guillaume Dufay furono Johannes (Jean) Okeghem (circa 1425-1497) e Jacob Obrecht. Come Dufay, Okegem era delle Fiandre. Per tutta la vita ha lavorato sodo; oltre a comporre musica, fungeva da capo della cappella. Il compositore creò quindici messe, tredici mottetti, più di venti chanson. Le opere di Okegyom sono caratterizzate da rigore, concentrazione e un lungo dispiegarsi di morbide linee melodiche. Ha prestato grande attenzione alla tecnica polifonica e si è adoperato affinché tutte le parti della massa fossero percepite nel loro insieme. Lo stile creativo del compositore può essere visto anche nelle sue canzoni: sono quasi prive di leggerezza secolare, il loro carattere ricorda più i mottetti e talvolta frammenti di messe. Johannes Okegem era rispettato sia in patria che all'estero (fu nominato consigliere del re di Francia). Jakob Obrecht era un corista nelle cattedrali di varie città dei Paesi Bassi, guidava le cappelle; per diversi anni prestò servizio presso la corte del duca d'Este a Ferrara (Italia). È autore di venticinque messe, venti mottetti, trenta chanson. Utilizzando le conquiste dei suoi predecessori, Obrecht ha portato molte cose nuove in la tradizione polifonica La sua musica è ricca di contrasti, audace, anche quando il compositore si rivolge ai generi tradizionali della chiesa.

La versatilità e la profondità della creatività Orlando Lasso. La storia della musica rinascimentale olandese è completata dall'opera di Orlando Lasso (vero nome e cognome Roland de Lasso, 1532-1594 circa), chiamato dai suoi contemporanei "l'Orfeo belga" e il "Principe della musica". Lasso è nato a Mons (Fiandre). Fin dall'infanzia, ha cantato nel coro della chiesa, colpendo i parrocchiani con una voce meravigliosa. Gonzaga, duca della città italiana di Mantova, sentito per caso un giovane cantante, lo invitò nella sua stessa cappella. Dopo Mantova, Lasso lavorò per un breve periodo a Napoli, quindi si trasferì a Roma, dove ricevette l'incarico di capo della cappella di una delle cattedrali. All'età di venticinque anni, Lasso era già noto come compositore e le sue composizioni erano richieste dagli editori musicali. Nel 1555 fu pubblicata la prima raccolta di opere, contenente mottetti, madrigali e chanson. Lasso ha studiato tutto il meglio che è stato creato dai suoi predecessori (compositori olandesi, francesi, tedeschi e italiani) e ha utilizzato la loro esperienza nel suo lavoro. Essendo una personalità straordinaria, Lasso ha cercato di superare la natura astratta della musica sacra, per darle individualità. A tal fine, il compositore utilizzava talvolta motivi di genere e quotidiani (temi di canti popolari, danze), unendo così tradizioni religiose e secolari. Lasso combinava la complessità della tecnica polifonica con una grande emotività. Ebbe particolarmente successo nei madrigali, nei testi di cui veniva rivelato lo stato d'animo dei personaggi, ad esempio Lacrime di San Pietro "(1593) ai versi del poeta italiano Luigi Tranzillo. Il compositore scrisse spesso per un gran numero di voci (da cinque a sette), quindi le sue opere sono difficili da eseguire.

Dal 1556 Orlando Lasso visse a Monaco (Germania), dove guidò la cappella. Alla fine della sua vita, la sua autorità nei circoli musicali e artistici era molto alta e la sua fama si diffuse in tutta Europa. La scuola polifonica olandese ha avuto una grande influenza sullo sviluppo della cultura musicale europea. I principi della polifonia sviluppati dai compositori olandesi sono diventati universali e i compositori del 20° secolo hanno utilizzato molte tecniche artistiche nel loro lavoro.

Francia. Per la Francia i secoli XV-XVI divennero un'epoca di importanti cambiamenti: la Guerra dei Cent'anni (1337-1453) con l'Inghilterra terminò, alla fine del XV secolo. l'unificazione dello stato è stata completata; nel XVI secolo il paese conobbe guerre di religione tra cattolici e protestanti. In uno stato forte con una monarchia assoluta, il ruolo delle celebrazioni di corte e delle feste popolari aumentò. Ciò ha contribuito allo sviluppo dell'arte, in particolare della musica, che ha accompagnato tali azioni. Il numero degli ensemble vocali e strumentali (cappelle e consorti), composto da un numero significativo di interpreti, è aumentato. Durante le campagne militari in Italia, i francesi conobbero le conquiste della cultura italiana. Hanno profondamente sentito e accettato le idee del Rinascimento italiano: l'umanesimo, il desiderio di armonia con il mondo esterno, il godimento della vita.

Se in Italia il Rinascimento musicale era associato principalmente alla messa, i compositori francesi, insieme alla musica da chiesa, prestavano particolare attenzione alla canzone polifonica secolare - chanson. L'interesse per esso in Francia sorse nella prima metà del XVI secolo, quando fu pubblicata una raccolta di opere musicali di Clement Janequin (circa 1485-1558). È questo compositore che è considerato uno dei creatori del genere.

Principali opere in programma corale di Clement Janequin (1475-1560). Da bambino, Janequin ha cantato in un coro della chiesa nella sua città natale di Châtellerault (Francia centrale). In futuro, come suggeriscono gli storici della musica, studiò con il maestro olandese Josquin Despres o con un compositore del suo entourage. Dopo aver ricevuto il sacerdozio, Janequin ha lavorato come reggente (direttore del coro) e organista; poi fu invitato a servire dal duca di Guisa. Nel 1555 il musicista divenne cantore della Cappella Reale e nel 1556-1557. - compositore di corte reale. Clement Janequin creò duecentottanta chanson (pubblicate tra il 1530 e il 1572); ha scritto musica sacra - messe, mottetti, salmi. Le sue canzoni erano spesso di natura pittorica. Davanti alla mente dell'ascoltatore ci sono immagini della battaglia ("Battaglia di Marignano", "Battaglia dell'Affitto", "Battaglia di Metz"), scene di caccia ("Caccia"), immagini della natura ("Canto degli uccelli", "Usignolo ", "Lark" ), scene di tutti i giorni ("Chiacchiere tra donne"). Sorprendentemente brillante, il compositore è riuscito a trasmettere l'atmosfera della vita quotidiana a Parigi nella chanson "Cries of Paris": ha introdotto le esclamazioni dei venditori nel testo ("Latte!" - "Torte!" - "Carciofi!" - " Pesce!" - "Fiammiferi!" - "Colombe!" - "Vecchie scarpe!" - "Vino!"). Janequin quasi non usava temi lunghi e fluidi per singole voci e complessi dispositivi polifonici, preferendo appelli, ripetizioni e onomatopee.

Un'altra direzione della musica francese è associata al movimento paneuropeo della Riforma.

Nelle funzioni religiose, i protestanti francesi (ugonotti) abbandonarono il latino e la polifonia. La musica sacra acquisì un carattere più aperto e democratico. Uno dei più brillanti rappresentanti di questa tradizione musicale fu Claude Goudimel (tra il 1514 e il 1520-1572), autore di salmi basati su testi biblici e canti protestanti.

Chanson. Uno dei principali generi musicali del Rinascimento francese è la chanson (fr. chanson - "canzone"). Le sue origini sono nell'arte popolare (i versi in rima dei racconti epici erano musicati), nell'arte dei trovatori e trovatori medievali. In termini di contenuto e umore, la chanson poteva essere molto varia: c'erano canzoni d'amore, quotidiane, giocose, satiriche, ecc. I compositori prendevano poesie popolari e poesia moderna come testi.

Italia. Con l'inizio del Rinascimento in Italia si diffuse la musica di tutti i giorni suonata su vari strumenti; sorsero circoli di amanti della musica. In campo professionale si formarono due delle scuole più forti: la romana e la veneta.

Madrigale. Durante il Rinascimento il ruolo dei generi profani crebbe. Nel XIV sec. Il madrigale è apparso nella musica italiana (dal tardo latino matricale - "una canzone nella lingua madre"). È stato formato sulla base di canzoni popolari (del pastore). I madrigali erano canzoni a due o tre voci, spesso senza accompagnamento strumentale. Furono scritti sui versi dei poeti italiani moderni, che parlavano dell'amore; c'erano canzoni su argomenti quotidiani e mitologici.

Durante il XV secolo, i compositori quasi non si rivolgevano a questo genere; l'interesse per esso fu ripreso solo nel XVI secolo. Una caratteristica del madrigale del XVI secolo è lo stretto legame tra musica e poesia. La musica ha seguito in modo flessibile il testo, riflettendo gli eventi descritti nella fonte poetica. Col tempo si svilupparono peculiari simboli melodici, che denotavano teneri sospiri, lacrime, ecc. Nelle opere di alcuni compositori il simbolismo era filosofico, ad esempio nel madrigale di Gesualdo di Venosa "Sto morendo, sfortunato" (1611).

Il periodo di massimo splendore del genere cade a cavallo tra i secoli XVI-XVII. A volte, contemporaneamente all'esecuzione della canzone, la trama veniva riprodotta. Il madrigale divenne la base della commedia madrigale (una composizione corale basata sul testo di una commedia), che preparò l'aspetto dell'opera.

Scuola polifonica romana. Giovanni de Palestrina (1525-1594). Capo della scuola romana fu Giovanni Pierluigi da Palestrina, uno dei maggiori compositori del Rinascimento. È nato nella città italiana di Palestrina, dopo di che ha ricevuto il suo cognome. Fin dall'infanzia Palestrina ha cantato nel coro della chiesa e, raggiunta l'età adulta, è stato invitato alla carica di capobanda (direttore del coro) nella Basilica di San Pietro a Roma; in seguito prestò servizio nella Cappella Sistina (cappella di corte del Papa).

Roma, il centro del cattolicesimo, attirò molti importanti musicisti. In tempi diversi qui hanno lavorato i maestri polifonici olandesi Guillaume Dufay e Josquin Despres. La loro tecnica compositiva sviluppata a volte interferiva con la percezione del testo del servizio: si perdeva dietro lo squisito plesso delle voci e le parole, infatti, non erano udibili. Pertanto, le autorità ecclesiastiche erano diffidenti nei confronti di tali opere e sostenevano il ritorno della monofonia basata sui canti gregoriani. La questione dell'ammissibilità della polifonia nella musica sacra fu discussa anche al Concilio di Trento della Chiesa Cattolica (1545-1563). Vicino al Papa, Palestrina convinse i vertici della Chiesa della possibilità di realizzare opere in cui la tecnica del compositore non interferisse con la comprensione del testo. A riprova compose la "Messa di Papa Marcello" (1555), che unisce la complessa polifonia al suono chiaro ed espressivo di ogni parola. Così, il musicista "salvò" la musica polifonica professionale dalla persecuzione delle autorità ecclesiastiche. Nel 1577, il compositore fu invitato a discutere la riforma del graduale, una raccolta di inni sacri della Chiesa cattolica. Negli anni '80. Palestrina prese gli ordini sacri e nel 1584 divenne membro della Società dei Maestri di Musica, associazione di musicisti direttamente subordinata al Papa.

Il lavoro di Palestrina è intriso di una brillante visione del mondo. Le opere da lui realizzate impressionarono i suoi contemporanei con la più alta maestria e quantità (più di cento messe, trecento mottetti, cento madrigali). La complessità della musica non è mai servita da barriera alla sua percezione. Il compositore ha saputo trovare la via di mezzo tra la raffinatezza delle composizioni e la loro accessibilità all'ascoltatore. Palestrina vedeva il principale compito creativo nello sviluppo di una grande opera integrale. Ogni voce nei suoi canti si sviluppa indipendentemente, ma allo stesso tempo forma un tutt'uno con il resto, e spesso le voci formano combinazioni di accordi che colpiscono per la loro bellezza. Spesso la melodia della voce alta sembra librarsi al di sopra del resto, delineando la "cupola" della polifonia; tutte le voci sono morbide e sviluppate.

L'arte di Giovanni da Palestrina era considerata esemplare e classica dai musicisti della generazione successiva. Molti eccezionali compositori del 18° e 18° secolo studiarono sulle sue composizioni.

Un'altra direzione della musica rinascimentale è legata all'opera di compositori di scuola veneta, il cui fondatore fu Adrian Villaart (1485-1562 circa). Suoi allievi furono l'organista e compositore Andrea Gabrieli (tra il 1500 e il 1520 - dopo il 1586), il compositore Cipriano de Pope (1515 o 1516-1565) e altri musicisti. Se le opere di Palestrina sono caratterizzate da chiarezza e rigoroso ritegno, Willart e i suoi seguaci hanno sviluppato uno stile corale magnifico. Per ottenere il suono surround, il gioco dei timbri, hanno utilizzato diversi cori nelle composizioni, situati in diversi punti del tempio. L'uso degli appelli tra i cori ha permesso di riempire lo spazio della chiesa con effetti senza precedenti. Questo approccio rifletteva gli ideali umanistici dell'epoca nel suo insieme - con la sua allegria, libertà e la stessa tradizione artistica veneziana - con il suo desiderio per tutto ciò che è luminoso e insolito. Nell'opera dei maestri veneziani anche il linguaggio musicale si fa più complesso: si riempie di audaci combinazioni di accordi, di armonie inaspettate.

Figura notevole del Rinascimento fu Carlo Gesualdo di Venosa (1560-1613 circa), principe della città di Venosa, uno dei più grandi maestri del madrigale secolare. Divenne famoso come filantropo, suonatore di liuto e compositore. Il principe Gesualdo era amico del poeta italiano Torquato Tasso; sono rimaste le lettere più interessanti in cui entrambi gli artisti discutono di questioni di letteratura, musica e belle arti. Gesualdo di Venosa mise in musica molte delle poesie di Tasso: così apparvero alcuni madrigali di grande valore artistico. Come rappresentante del tardo Rinascimento, il compositore sviluppò un nuovo tipo di madrigale, in cui i sentimenti erano in primo luogo: tempestosi e imprevedibili. Pertanto, le sue opere sono caratterizzate da fluttuazioni di volume, intonazioni simili a sospiri e persino singhiozzi, accordi dal suono acuto e variazioni di tempo contrastanti. Queste tecniche diedero alla musica di Gesualdo un carattere espressivo, alquanto bizzarro, colpì e allo stesso tempo attirò i contemporanei. Il patrimonio di Gesualdo di Venosa si compone di sette raccolte di madrigali polifonici; tra le composizioni spirituali - "Inni sacri". Anche oggi la sua musica non lascia indifferente l'ascoltatore.

Sviluppo di generi e forme di musica strumentale. La musica strumentale è anche caratterizzata dall'emergere di nuovi generi, in particolare il concerto strumentale. Violino, clavicembalo, organo si trasformano gradualmente in strumenti solisti. La musica scritta per loro ha permesso di mostrare talento non solo per il compositore, ma anche per l'esecutore. In primo luogo è stato valorizzato il virtuosismo (la capacità di far fronte alle difficoltà tecniche), che gradualmente è diventato fine a se stesso e valore artistico per molti musicisti. I compositori del XVII-XVIII secolo di solito non solo componevano musica, ma anche virtuosi suonavano gli strumenti ed erano impegnati in attività pedagogiche. Il benessere dell'artista dipendeva in gran parte dal cliente specifico. Di norma, ogni musicista serio cercava di ottenere un posto alla corte di un monarca o di un ricco aristocratico (molti rappresentanti della nobiltà avevano le proprie orchestre o teatri d'opera) o in un tempio. Inoltre, la maggior parte dei compositori combinava facilmente la musica da chiesa con il servizio di un mecenate secolare.

Inghilterra. La vita culturale dell'Inghilterra durante il Rinascimento era strettamente connessa con la Riforma. Nel XVI secolo, il protestantesimo si diffuse in tutto il paese. La Chiesa cattolica perse la sua posizione dominante, la Chiesa anglicana divenne lo Stato, che rifiutò di riconoscere alcuni dogmi (disposizioni fondamentali) del cattolicesimo; la maggior parte dei monasteri cessò di esistere. Questi eventi hanno avuto un impatto sulla cultura inglese, inclusa la musica. Furono aperti dipartimenti di musica nelle università di Oxford e Cambridge. Nei salotti della nobiltà suonavano gli strumenti a tastiera: virginale (un tipo di clavicembalo), un organo portatile (piccolo), ecc. Erano popolari piccole composizioni destinate alla musica domestica. Il rappresentante più importante della cultura musicale di quel tempo fu William Byrd (1543 o 1544-1623) - editore musicale, organista e compositore. Bird divenne l'antenato del madrigale inglese. Le sue opere si distinguono per la semplicità (evitava complessi dispositivi polifonici), l'originalità della forma che segue il testo e la libertà armonica. Tutti i mezzi musicali sono chiamati ad affermare la bellezza e la gioia della vita, in opposizione al rigore e alla moderazione medievali. Nel genere madrigale, il compositore aveva molti seguaci.

Bird ha anche creato opere spirituali (messe, salmi) e musica strumentale. Nelle composizioni per il virginale, usava i motivi di canti e danze popolari.

Il compositore voleva davvero che la musica che scrisse "portasse felicemente almeno un po' di tenerezza, relax e divertimento", scrisse William Byrd nella prefazione a una delle sue raccolte musicali.

Germania. Il legame della cultura musicale tedesca con il movimento della Riforma. Nel XVI secolo iniziò in Germania la Riforma, che cambiò in modo significativo la vita religiosa e culturale del paese. I riformatori erano convinti della necessità di cambiamenti nel contenuto musicale del culto. Ciò era dovuto a due motivi. Entro la metà del XV secolo. l'abilità polifonica dei compositori che hanno lavorato nei generi della musica sacra ha raggiunto una straordinaria complessità e raffinatezza. A volte venivano create opere che, a causa della ricchezza melodica delle voci e dei lunghi canti, non potevano essere percepite e vissute spiritualmente dalla maggior parte dei parrocchiani. Inoltre il servizio era svolto in latino, comprensibile agli italiani, ma estraneo ai tedeschi.

Il fondatore del movimento della Riforma, Martin Lutero (1483-1546), credeva che fosse necessaria una riforma della musica sacra. La musica, in primo luogo, doveva contribuire a una più attiva partecipazione dei parrocchiani al culto (questo era impossibile quando si eseguivano composizioni polifoniche), e in secondo luogo, a suscitare empatia per gli eventi biblici (che era ostacolata dallo svolgimento del servizio in latino). Pertanto, al canto in chiesa sono stati imposti i seguenti requisiti: semplicità e chiarezza della melodia, ritmo uniforme e una chiara forma di canto. Su questa base sorse il canto protestante, il principale genere di musica sacra del Rinascimento tedesco. Nel 1522 Lutero tradusse il Nuovo Testamento in tedesco: d'ora in poi divenne possibile adorare nella lingua madre.

Lo stesso Lutero, così come il suo amico, il teorico musicale tedesco Johann Walter (1490-1570), parteciparono attivamente alla selezione delle melodie per i corali. Le principali fonti di tali melodie erano le canzoni popolari spirituali e profane, ampiamente conosciute e di facile comprensione. Melodie per alcuni corali composti da Lutero stesso. Uno di essi, "Il Signore è la nostra roccia", divenne un simbolo della Riforma durante le guerre di religione del XVI secolo.

I maestri cantori e la loro arte. Un'altra pagina luminosa della musica tedesca del Rinascimento è associata al lavoro di Meistersingers (tedesco: Meistersinger - "maestro cantante") - poeti e cantanti dell'ambiente degli artigiani. Non erano musicisti professionisti, ma prima di tutto maestri: armaioli, sarti, vetrai, calzolai, fornai, ecc. L'unione cittadina di tali musicisti includeva rappresentanti di vari mestieri. Nel XVI secolo esistevano associazioni di Meistersinger in molte città tedesche.

I Meistersingers componevano le loro canzoni secondo regole rigide, l'iniziativa creativa era vincolata da molte restrizioni. Un principiante doveva prima padroneggiare queste regole, poi imparare a cantare canzoni, quindi comporre testi per le melodie di altre persone e solo allora poteva creare la propria canzone. Le melodie dei famosi Meistersingers e Minnesingers erano considerate come melodie di esempio.

Un eccezionale maestro cantore del 16° secolo. Hans Sachs (1494-1576) proveniva da una famiglia di sarto, ma in gioventù lasciò la casa paterna e andò in giro per la Germania. Durante le sue peregrinazioni, il giovane imparò il mestiere di calzolaio, ma soprattutto conobbe l'arte popolare. Sachs era ben istruito, conosceva molto bene la letteratura antica e medievale e leggeva la Bibbia in traduzione tedesca. Era profondamente imbevuto delle idee della Riforma, quindi scrisse non solo canti profani, ma anche spirituali (circa seimila canti in totale). Hans Sachs divenne famoso anche come drammaturgo (vedi l'articolo "Arte teatrale del Rinascimento").

Strumenti musicali del Rinascimento. Durante il Rinascimento, la composizione degli strumenti musicali si espanse notevolmente, nuove varietà furono aggiunte agli archi e agli strumenti a fiato già esistenti. Tra questi, un posto speciale è occupato dalle viole, una famiglia di archi che stupiscono per la bellezza e la nobiltà del suono. Nella forma ricordano gli strumenti della moderna famiglia dei violini (violino, viola, violoncello) e sono addirittura considerati i loro immediati predecessori (coesistevano nella pratica musicale fino alla metà del XVIII secolo). Tuttavia, c'è una differenza, e significativa. Le viole hanno un sistema di corde risonanti; di regola ce ne sono tante quante le principali (da sei a sette). Le vibrazioni delle corde risonanti rendono la viola morbida, vellutata, ma è difficile utilizzare lo strumento in un'orchestra, perché a causa dell'elevato numero di corde si stona rapidamente.

Per molto tempo, il suono della viola è stato considerato un modello di raffinatezza nella musica. Ci sono tre tipi principali nella famiglia delle viole. La viola da gamba è un grande strumento che l'esecutore posizionava verticalmente e pizzicava ai lati con i piedi (la parola italiana gamba significa "ginocchio"). Altre due varietà - viola da braccio (da it. braccio - "avambraccio") e viol d "amour (fr. viole d" amour - "viola d'amore") erano orientate orizzontalmente e quando suonate venivano premute contro la spalla. La viola da gamba è vicina al violoncello in termini di estensione sonora, la viola da braccio è vicina al violino e la viola d'amore è vicina alla viola.

Tra gli strumenti a pizzico del Rinascimento, il liuto (in polacco lutnia, dall'arabo "alud" - "albero") occupa il posto principale. È arrivato in Europa dal Medio Oriente alla fine del XIV secolo e all'inizio del XVI secolo c'era un vasto repertorio per questo strumento; Prima di tutto, le canzoni venivano cantate con l'accompagnamento del liuto. Il liuto ha un corpo corto; la parte superiore è piatta e la parte inferiore ricorda un emisfero. Un manico è attaccato al manico largo, diviso da tasti, e la testa dello strumento è piegata all'indietro quasi ad angolo retto. Se lo desideri, puoi vedere la somiglianza con una ciotola a forma di liuto. Dodici corde sono raggruppate a coppie e il suono viene estratto sia con le dita che con una piastra speciale: un plettro.

Nei secoli XV-XVI sorsero vari tipi di tastiere. I principali tipi di tali strumenti - clavicembalo, clavicordo, cembalo, virginale - furono utilizzati attivamente nella musica del Rinascimento, ma il loro vero periodo di massimo splendore venne dopo.

L'estetica del Rinascimento è connessa con la grandiosa rivoluzione che ha luogo in quest'epoca in tutti i settori della vita pubblica: nell'economia, nell'ideologia, nella cultura, nella scienza e nella filosofia. Ormai il fiorire della cultura urbana, le grandi scoperte geografiche, che hanno ampliato immensamente gli orizzonti dell'uomo, il passaggio dall'artigianato alla manifattura.

Lo sviluppo rivoluzionario delle forze produttive, la disintegrazione delle classi feudali e dei rapporti corporativi che incatenavano la produzione, portano alla liberazione dell'individuo, creano le condizioni per il suo sviluppo libero e universale. Indubbiamente, tutto ciò non poteva che influenzare la natura della visione del mondo. Nel Rinascimento c'è un processo di rottura radicale del sistema medievale di vedute sul mondo e la formazione di una nuova ideologia umanistica. Questo processo si riflette anche nell'estetica musicale. Già il XIV secolo era irto di sintomi del risveglio di una nuova visione estetica del mondo. L'arte e l'estetica dell'Ars nova, i trattati di Giovanni de Groheo e del Marchetto di Padova sconvolsero gradualmente il sistema tradizionale della teoria musicale medievale. Qui è stata minata la visione teologica della musica, basata sul riconoscimento di una sorta di musica celeste che non è percepita dai sensi. Tuttavia, la tradizione secolare della teoria musicale medievale non fu completamente distrutta. Ci volle un altro secolo prima che l'estetica musicale si liberasse finalmente dagli schemi tradizionali che la incatenavano.

L'estetica musicale del Rinascimento nell'interpretazione della questione dello scopo della musica si basa sulla pratica reale, caratterizzata dallo straordinario sviluppo della musica nella vita pubblica. In questo momento, nelle città d'Italia, Francia, Germania, si formano centinaia di circoli musicali, in cui si impegnano con entusiasmo nella composizione o suonando vari strumenti musicali. Il possesso della musica e la sua conoscenza diventano elementi essenziali della cultura e dell'educazione profana. Il famoso scrittore italiano Baldazar Castiglione nel suo trattato Sul cortigiano (1518) scrive che una persona non può essere un cortigiano "se non è un musicista, non può leggere la musica a vista e non sa nulla dei diversi strumenti". La straordinaria prevalenza della musica nella vita civile del Cinquecento è testimoniata dalla pittura di quest'epoca. In numerosi dipinti raffiguranti la vita privata della nobiltà, incontriamo costantemente centinaia di persone impegnate nella musica: cantando, suonando, ballando, improvvisando, ecc.

La prima cultura del Rinascimento sorse e si sviluppò in Italia. I secoli del Rinascimento sono segnati dal potente sviluppo della poesia e della musica popolare, con le più ricche tradizioni di scrittura di canzoni in generi come lauda, ​​frottola, vilanella a svolgere il ruolo principale. Un genere altrettanto popolare nella produzione musicale urbana di tutti i giorni era la kachchia, che di solito rappresentava una scena di genere succosa usando le solite intonazioni nel testo e nella musica, fino alle grida di venditori ambulanti e venditori. Kachchiya era spesso accompagnato da una danza rotonda. La ballata italiana è anche un genere comune di testi di canzoni e balli associati all'esibizione corale solista (in Francia a quel tempo, il genere virelet aveva caratteristiche simili). Intonazioni da canto popolare, un certo peso del principio melodico, l'ingegnosità della trama: queste qualità della musica profana quotidiana penetrano anche nella musica sacra, fino alle messe polifoniche.

La natura melodiosa e melodica della musica era dovuta al fatto che in Italia le tradizioni della musica solista e d'insieme con strumenti ad arco si svilupparono piuttosto rapidamente. In generale, l'uso diffuso della musica strumentale ha contribuito alla formazione di un magazzino omofonico e di un'armonia funzionale.

Prima che il violino apparisse negli ambienti musicali italiani (nell'ultimo quarto del XVI secolo) e iniziasse a svilupparsi la produzione di violini dei maestri cremonesi Amati, Stradivari, Guarneri e altri, il liuto era particolarmente popolare (il liuto più famoso compositore era Francesco Milano), la viola, la chitarra spagnola, la tiorba (grande liuto basso).

L'artigianato del violino si è formato per la prima volta nelle opere di B. Donati, L. Viadan, G. Giacomelli (era famoso per la sua abilità nell'arco lungo e nella tecnica del legato). Un nuovo passo nello sviluppo dell'esecuzione violinistica è legato al lavoro di C. Monteverdi, che sviluppa la tecnica del passaggio, usa tremolo, pizzicato, arricchisce la dinamica con contrasti polari pp e ff.

Una grande rinascita è stata osservata nel campo dell'esecuzione di organi e clavicembali. Dagli anni '40. XVI secolo, il numero delle collezioni di organi aumenta notevolmente, appare un'intera galassia di organisti eccezionali: Villaerte, Andrea e Giovanni Gabrieli, Claudio Merulo, Cavazzoni. Questi maestri gettano le basi dell'arte organistica italiana e creano generi di musica strumentale: ricercar, canzone, toccata.

L'esibizione del clavicembalo fa ampio uso di danze quotidiane, arrangiamenti di canzoni popolari profane. Un eccezionale compositore-improvvisatore per organo e clavicembalo fu Girolamo Frescobaldi, nel cui lavoro apparvero intere raccolte di musica per clavicembalo - cicli di danza.

La scuola italiana di composizione è rappresentata anche dall'attività di compositori polifonici professionisti - Adrian Villaerta e i suoi allievi Ciprian de Rore, Andrea e Giovanni Gabrieli, Giovanni Pierluigi da Palestrina. La loro eredità creativa è varia e consiste principalmente in opere polifoniche vocali: molte dozzine di messe, madrigali spirituali e profani, mottetti, che sono stati eseguiti principalmente dal coro a cappella.

Il potente sviluppo della polifonia nei Paesi Bassi è spiegato dalla ricchezza della polifonia popolare e dalla presenza di speciali scuole-dormitori di cantanti (metris) nelle cattedrali delle ricche città olandesi.

Diverse generazioni di compositori appartenevano alla scuola polifonica olandese. Le loro attività si svolgevano non solo nei Paesi Bassi, che a quel tempo coprivano i territori del Belgio moderno, del Lussemburgo, del sud-ovest dell'Olanda e della Francia settentrionale (da cui l'altro nome della scuola - franco-fiammingo). I maggiori rappresentanti della scuola olandese operarono fruttuosamente a Roma (Dufay, Obrecht, Joskin) e in altre città (Villaert, Rore - a Venezia, Isaac - in Austria e in Germania, Benchois - a Digione alla corte della Borgogna).

La scuola olandese ha sintetizzato lo sviluppo secolare della polifonia in tutti i paesi europei. Sebbene la musica sacra occupasse certamente un posto di primo piano nel lavoro di questi maestri, tuttavia

Tuttavia, insieme alle opere spirituali, i compositori scrissero molte canzoni polifoniche secolari, che riflettevano il ricco mondo di idee e sentimenti, caratteristico del Rinascimento.

Il genere più monumentale nell'opera dei polifonisti olandesi era la messa, in cui si verificava la quintessenza dei principi della polifonia di uno stile rigoroso. Tuttavia, l'attività di ciascun maestro rivela caratteristiche innovative legate alla ricerca di una via d'uscita dai canoni espressivi stabiliti. La dipendenza dal materiale di canto e danza esistente, l'influenza reciproca dei generi spirituali e secolari porta alla graduale separazione della voce melodica nella polifonia, alla formazione di un pensiero verticale e funzionale degli accordi.

Il coronamento della polifonia olandese nel XVI secolo fu opera di Orlando Lasso. Fu nel suo lavoro che si concentrarono i più ampi interessi di genere del Rinascimento: rese omaggio a quasi tutte le forme vocali del suo tempo: madrigale, messa, mottetto, chanson francese e persino canto polifonico tedesco. Le opere del compositore sono piene di immagini veritiere, hanno una melodia brillante, un ritmo vario in rilievo, un piano armonico coerentemente sviluppato, che ha assicurato la loro straordinaria popolarità (furono più volte utilizzate da altri compositori per arrangiamenti di liuto e organo).

Lo sviluppo delle tendenze rinascimentali e la formazione della cultura nazionale francese si delineano già nel XIV secolo. I rappresentanti di spicco dell'arte del primo Rinascimento nella musica francese furono Philippe de Vitry e Guillaume de Machaux, che lasciarono una grande eredità nei generi delle ballate virelay, le, rondo.

Profondamente vitale e realistico era il genere della chanson, il più caratteristico dell'arte musicale francese, che è una forma di canzone polifonica con testo secolare e melodia solitamente popolare di tutti i giorni. Fu in questo genere che le nuove caratteristiche rinascimentali si manifestarono più chiaramente nel contenuto, nella trama e nelle caratteristiche dei mezzi espressivi.

La canzone francese del XV-XVI secolo è una sorta di "enciclopedia" della vita francese di quel tempo. Il suo contenuto è vario e può essere narrativo, lirico, intimo, triste, umoristico, descrittivo, galante. Anche la varietà delle loro scale è caratteristica: da diverse misure a 42 pagine.

La semplicità e l'immediatezza dei mezzi espressivi, la struttura periodica con alcune terminazioni su Re e T, la tecnica del canto, che viene poi ripresa da tutto l'ensemble, sono caratteristiche tipiche del genere, la cui musica a volte ricorda una danza popolare , una melodia lirica-epica o una vivace canzone di città di strada - un prototipo del futuro vaudeville. Per la musica chanson, viene enfatizzata la base ritmica, a volte è caratterizzata da un magazzino di distici o da una somiglianza circolare di rondò, per accompagnarla possono essere utilizzati strumenti popolari.

Il compositore più eccezionale del Rinascimento francese fu Clement Janequin, il cui lavoro rifletteva sottili testi d'amore (in canzoni basate sui testi del poeta Ronsard) e l'espressione di stati d'animo di tristezza e dolore e scene di divertimento popolare pieno di vita e movimento. Nella sua eredità, un'attenzione particolare è attirata da grandi canzoni di fantasia corale di natura programmatica, piene di ingegno e scoperte spiritose nel campo della scrittura corale. In essi, Zhanequin ha mostrato in modo colorato la vita e lo stile di vita del suo tempo. I più famosi sono "Battle", "Hunting", "Birdsong", "Street Cries of Paris".

Oltre a oltre 200 canzoni, Janequin ha scritto sia mottetti che messe. Ma nel campo della musica per il culto cattolico, usa audacemente melodie popolari, intona testi spirituali ai giri di fanfara della musica militare e introduce ritmi di danza.

In larga misura, questo trattamento del materiale di canti e danze popolari era caratteristico di molti compositori del Rinascimento, che combinarono nel loro lavoro un interesse per i generi spirituali e profani, che portò alla separazione definitiva della musica profana nel campo dell'indipendenza artistica e professionalità.

Lo storico Jules Michelet nel XIX secolo fu il primo ad utilizzare il concetto di "Rinascimento". I musicisti e compositori di cui parleremo nell'articolo appartenevano al periodo iniziato nel XIV secolo, quando al predominio medievale della chiesa si sostituì la cultura profana con il suo interesse per la persona umana.

Musica rinascimentale

I paesi europei in tempi diversi sono entrati in una nuova era. Poco prima sono sorti in Italia, ma la scuola olandese ha dominato la cultura musicale, dove per la prima volta sono state create speciali metrise (ripari) presso le cattedrali per formare i futuri compositori. I principali generi dell'epoca sono presentati nella tabella:

La maggior parte del Rinascimento nei Paesi Bassi - questo è Guillaume Dufay, Jacob Obrecht, Josquin Despres.

Grande olandese

Johannes Okeghem Fu educato a Notre Dame Metrisa (Anversa) e negli anni '40 del XV secolo divenne corista alla corte del duca Carlo I (Francia). Successivamente fu a capo della cappella della corte reale. Avendo vissuto fino a tarda età, ha lasciato una grande eredità in tutti i generi, affermandosi come un eccezionale polifonista. Ci sono pervenuti manoscritti delle sue 13 messe dette codice Chigi, di cui una dipinta per 8 voci. Ha usato non solo le melodie di altre persone, ma anche le sue stesse melodie.

Orlando Lazo nacque nel territorio del Belgio moderno (Mons) nel 1532. La sua abilità musicale si è manifestata nella prima infanzia. Il ragazzo è stato rapito da casa tre volte per fare di lui un grande musicista. Trascorse tutta la sua vita adulta in Baviera, dove si esibì come tenore alla corte del duca Alberto V, e poi guidò la cappella. Il suo team altamente professionale ha contribuito alla trasformazione di Monaco nel centro musicale d'Europa, dove hanno visitato molti famosi compositori del Rinascimento.

Talenti come Johann Eckard, Leonard Lechner, l'italiano D. Gabrieli vennero a studiare da lui . Trovò la sua ultima dimora nel 1594 sul territorio della chiesa di Monaco, lasciando un'eredità grandiosa: più di 750 mottetti, 60 messe e centinaia di canti, tra i quali il più popolare fu Susanne un jour. I suoi mottetti ("Profezie delle Sibille") erano innovativi, ma è noto anche per la sua musica profana, in cui c'era molto umorismo (vilanella O bella fusa).

scuola italiana

Eccezionali compositori del Rinascimento dall'Italia, oltre alle direzioni tradizionali, svilupparono attivamente musica strumentale (organo, strumenti ad arco, clavicembalo). Il liuto divenne lo strumento più diffuso e alla fine del XV secolo apparve il clavicembalo, precursore del pianoforte. Sulla base degli elementi della musica popolare, si svilupparono due delle scuole di compositori più influenti: la romana (Giovanni Palestrina) e la veneziana (Andrea Gabrieli).

Giovanni Pierluigi preso il nome Palestrina dal nome del paese vicino a Roma, in cui nacque e prestò servizio nella chiesa maggiore come maestro di cappella e organista. La data della sua nascita è molto approssimativa, ma morì nel 1594. Nella sua lunga vita scrisse circa 100 messe e 200 mottetti. La sua "Messa di papa Marcello" fu ammirata da papa Pio IV e divenne un modello di musica sacra cattolica. Giovanni è il più brillante rappresentante del canto vocale senza accompagnamento musicale.

Andrea Gabrieli insieme al suo allievo e al nipote, Giovanni lavorò nella cappella di San Marco (XVI secolo), "colorando" il canto del coro con il suono dell'organo e di altri strumenti. La scuola veneta gravitava maggiormente verso la musica profana, e durante la produzione dell'Edipo di Sofocle sul palcoscenico di Andrea Gabrieli fu scritta musica corale, esempio di polifonia corale e presagio del futuro dell'arte operistica.

Caratteristiche della scuola tedesca

Terra tedesca proposta Ludovico Senfl, il miglior polifonista del XVI secolo, che però non raggiunse il livello dei maestri olandesi. Canzoni di poeti-cantanti tra artigiani (meistersingers) sono anche musiche speciali del Rinascimento. I compositori tedeschi rappresentavano le corporazioni di canto: lattonieri, calzolai, tessitori. Si unirono in tutto il territorio. Fu un eccezionale rappresentante della scuola di canto di Norimberga Hans Sachs(anni di vita: 1494-1576).

Nato nella famiglia di un sarto, ha lavorato tutta la vita come calzolaio, colpendo per erudizione e interessi musicali e letterari. Lesse la Bibbia nell'interpretazione del grande riformatore Lutero, conobbe antichi poeti e apprezzò Boccaccio. Essendo un musicista folk, Sachs non padroneggiava le forme della polifonia, ma creava le melodie di un magazzino di canzoni. Erano vicini al ballo, facili da ricordare e avevano un certo ritmo. L'opera più famosa è stata "Silver Chant".

Rinascimento: musicisti e compositori francesi

La cultura musicale francese conobbe un vero rinascimento solo nel XVI secolo, quando nel paese si preparò il terreno sociale.

Uno dei migliori rappresentanti è Clemente Janequin. È noto che nacque a Chatellerault (fine del XV secolo) e passò da ragazzo cantore a compositore personale del re. Della sua eredità creativa, sono sopravvissute solo canzoni secolari pubblicate da Attenyan. Ce ne sono 260, ma quelli che hanno resistito alla prova del tempo hanno guadagnato una vera fama: "Birdsong", "Hunting", "Lark", "War", "Screams of Paris". Sono stati costantemente ristampati e utilizzati da altri autori per la revisione.

Le sue canzoni erano polifoniche e somigliavano a scene corali, dove, oltre all'onomatopea e alla voce cantilena, c'erano esclamazioni responsabili della dinamica dell'opera. È stato un tentativo coraggioso di trovare nuovi metodi di immaginazione.

Tra i famosi compositori francesi ci sono Guillaume Cotelet, Jacques Maudui, Jean Baif, Claudin Lejeune, Claude Goudimel , ha dato alla musica un magazzino armonioso, che ha contribuito all'assimilazione della musica da parte del grande pubblico.

Compositori rinascimentali: Inghilterra

Il XV secolo in Inghilterra è stato influenzato dalle opere di John Dubsteil, e XVI - William Byrd. Entrambi i maestri gravitavano verso la musica sacra. Bird iniziò come organista alla Cattedrale di Lincoln e terminò la sua carriera alla Royal Chapel di Londra. Per la prima volta è riuscito a connettere musica e imprenditorialità. Nel 1575, in collaborazione con Tallis, il compositore divenne monopolista nella pubblicazione di opere musicali, cosa che non gli portò alcun profitto. Ma ci è voluto molto tempo per difendere il loro diritto alla proprietà nei tribunali. Dopo la sua morte (1623) nei documenti ufficiali della cappella fu chiamato "il fondatore della musica".

Cosa ha lasciato il Rinascimento? Bird, oltre alle raccolte pubblicate (Cantiones Sacrae, Gradualia), conservava molti manoscritti, ritenendoli adatti solo al culto domestico. I madrigali pubblicati successivamente (Musica Transalpina) mostrarono la grande influenza degli autori italiani, ma diverse messe e mottetti furono inclusi nel fondo d'oro della musica sacra.

Spagna: Cristobal de Morales

I migliori rappresentanti della scuola di musica spagnola hanno viaggiato per il Vaticano, esibendosi nella cappella papale. Hanno sentito l'influenza di autori olandesi e italiani, quindi solo pochi sono riusciti a diventare famosi fuori dal loro paese. I compositori rinascimentali spagnoli erano polifonisti che creavano opere corali. Il rappresentante più brillante Cristobal de Morales(XVI secolo), che diresse i metriz di Toledo e formò più di uno studente. Seguace di Josquin Despres, Cristobal apportò una tecnica speciale a un certo numero di composizioni chiamate omofoniche.

I due requiem dell'autore (l'ultimo a cinque voci), così come la Messa "Armed Man" hanno guadagnato la massima fama. Scrisse anche opere profane (una cantata in onore della conclusione di un trattato di pace nel 1538), ma questo si riferisce alle sue opere precedenti. Dirigendosi alla fine della sua vita in una cappella a Malaga, rimase autore di musica sacra.

Invece di una conclusione

I compositori rinascimentali e le loro opere prepararono il fiorire della musica strumentale del XVII secolo e l'emergere di un nuovo genere: l'opera, in cui le complessità di molte voci sono sostituite dal primato di una che guida la melodia principale. Hanno fatto una vera svolta nello sviluppo della cultura musicale e hanno gettato le basi per l'arte moderna.

Il fenomeno più eclatante furono i generi vocali secolari allora diffusi, intrisi dello spirito delle tendenze umanistiche. La professionalizzazione dell'arte musicale ha giocato un ruolo speciale nel loro sviluppo: l'abilità dei musicisti è cresciuta, sono state organizzate scuole di canto, in cui sono stati insegnati canto, suonare l'organo e teoria musicale sin dalla tenera età. Tutto ciò ha portato all'istituzione di una rigorosa polifonia stilistica, che richiedeva alta abilità, padronanza professionale della composizione e delle tecniche esecutive. All'interno di questo stile, ci sono regole piuttosto rigide di conduzione vocale e organizzazione ritmica, pur mantenendo la massima indipendenza delle voci. Sebbene la musica da chiesa occupasse un posto importante nel lavoro di maestri di uno stile rigoroso, insieme a opere su testi spirituali, questi compositori scrissero molte canzoni polifoniche secolari. Di particolare interesse sono le immagini musicali e poetiche dei generi vocali secolari. I testi sono contenuti vivaci e pertinenti. Oltre ai testi d'amore, erano estremamente popolari testi satirici, frivoli, ditirambici, che si combinavano con l'eccellente tecnica professionale della scrittura polifonica. Ecco alcuni testi di chanson francesi, che sono un esempio di testi di tutti i giorni "Alzati, cara Colinette, è ora di andare a bere qualcosa; risate e piacere - questo è ciò a cui aspiro. Lascia che tutti si concedano alla gioia. La primavera è arrivata . ..", "Che la ricchezza sia maledetta, ci ho messo la mia amica: ho preso possesso del suo amore, e l'altro - la ricchezza, l'amore sincero nelle relazioni amorose vale poco.

La cultura rinascimentale è apparsa prima in Italia e poi in altri paesi. La storia ha conservato informazioni sui frequenti spostamenti di musicisti famosi da un paese all'altro, sul loro lavoro nell'una o nell'altra cappella, sulla frequente comunicazione di rappresentanti di diverse nazionalità, ecc. Pertanto, nella musica del periodo rinascimentale, osserviamo un rapporto significativo tra le opere realizzate da compositori di diverse scuole nazionali.

Il XVI secolo viene spesso definito "l'età della danza". Sotto l'influenza degli ideali umanistici del Rinascimento italiano, la diga dei divieti ecclesiastici fu finalmente infranta e la brama di gioie "mondane" terrene si rivelò come un'esplosione senza precedenti di elementi di danza e canto. Un potente fattore nella divulgazione del canto e della danza nel XVI secolo. l'invenzione dei metodi di stampa della musica suonata: i balli pubblicati in gran numero iniziarono a vagare da un paese all'altro. Ogni nazione ha contribuito alla passione comune, così le danze, staccandosi dalla loro terra natia, hanno viaggiato attraverso il continente, cambiando il loro aspetto, e talvolta anche il loro nome. La moda per loro si diffuse rapidamente e cambiò rapidamente.

Allo stesso tempo, il Rinascimento fu un periodo di ampi movimenti religiosi (l'ussismo nella Repubblica Ceca, il luteranesimo in Germania, il calvinismo in Francia). Tutte queste diverse manifestazioni dei movimenti religiosi di quel tempo possono essere accomunate dal concetto generale di protestantesimo. Il protestantesimo in vari movimenti nazionali ha svolto un ruolo importante nello sviluppo e nel rafforzamento della comunanza delle culture musicali dei popoli, inoltre, principalmente nel campo della musica popolare. In contrasto con l'umanesimo, che abbracciava una cerchia di persone relativamente ristretta, il protestantesimo era una tendenza più di massa che si diffondeva tra ampie fasce della popolazione. Uno dei fenomeni più sorprendenti nell'arte musicale del Rinascimento è il corale protestante. Sorto in Germania sotto l'influenza del movimento della Riforma, in contrasto con l'armamentario del culto cattolico, si distingueva per uno speciale contenuto emotivo e semantico. Lutero e altri rappresentanti del protestantesimo attribuivano grande importanza alla musica: "La musica rende le persone gioiose, fa dimenticare la rabbia. Elimina la fiducia in se stessi e altre carenze ... I giovani devono essere costantemente abituati alla musica, perché forgia persone abili e adatte a tutto ." Pertanto, la musica nel movimento della Riforma era considerata non un lusso, ma una sorta di "pane quotidiano" - era chiamata a svolgere un ruolo importante nella promozione del protestantesimo e nella formazione della coscienza spirituale delle grandi masse.

GENERI:

Generi vocali

L'intera epoca nel suo insieme è caratterizzata da una netta predominanza di generi vocali, e in particolare vocali polifonia. Una padronanza insolitamente complessa della polifonia in uno stile rigoroso, una cultura genuina, una tecnica virtuosa coesistevano con un'arte luminosa e fresca di distribuzione quotidiana. La musica strumentale acquisisce una certa indipendenza, ma la sua dipendenza diretta dalle forme vocali e dalle fonti quotidiane (danza, canto) sarà superata solo un po' più tardi. I principali generi musicali rimangono associati al testo verbale. L'essenza dell'umanesimo rinascimentale si rifletteva nella composizione di canti corali nello stile di frottoll e vilanelle.
Generi di danza

Nel Rinascimento, la danza quotidiana diventa di grande importanza. In Italia, Francia, Inghilterra, Spagna ci sono molte nuove forme di danza. Diversi strati della società hanno le proprie danze, sviluppano le modalità delle loro esibizioni, le regole di condotta durante i balli, le serate, i festeggiamenti. Le danze rinascimentali sono più complesse delle svasate senza pretese del tardo medioevo. Le danze con una danza rotonda e una composizione di rango lineare vengono sostituite da danze accoppiate (duetto), costruite su movimenti e figure complesse.
Volta - ballo di coppia di origine italiana. Il suo nome deriva dalla parola italiana voltare, che significa "girare". La dimensione è tripla, il ritmo è moderatamente veloce. Lo schema principale della danza è che il gentiluomo gira rapidamente e bruscamente la donna che balla con lui in aria. Questo sollevamento viene solitamente eseguito molto in alto. Richiede grande forza e destrezza da parte del gentiluomo, poiché, nonostante la nitidezza e una certa impetuosità dei movimenti, la salita deve essere eseguita in modo chiaro e bello.
gagliarda - un antico ballo di origine italiana, diffuso in Italia, Inghilterra, Francia, Spagna, Germania. Il passo delle prime galliarde è moderatamente veloce, la taglia è tripla. La galliarda veniva spesso eseguita dopo le pavane, con le quali talvolta era collegata tematicamente. Galliard del XVI secolo sostenuto in una trama melodico-armonica con una melodia nella voce alta. Le melodie di Galliard erano popolari in ampi settori della società francese. Durante l'esecuzione delle serenate, gli studenti di Orleans hanno suonato melodie galliarde su liuti e chitarre. Come i rintocchi, il galliardo aveva il carattere di una specie di dialogo di danza. Il signore si muoveva per il corridoio con la sua signora. Quando l'uomo ha eseguito l'assolo, la signora è rimasta al suo posto. L'assolo maschile consisteva in una varietà di movimenti complessi. Dopodiché, si avvicinò di nuovo alla signora e continuò la danza.
pavana - danza di corte dei secoli XVI-XVII. Il tempo è moderatamente lento, l'indicazione del tempo è 4/4 o 2/4. In diverse fonti non c'è consenso sulla sua origine (Italia, Spagna, Francia). La versione più popolare è una danza spagnola che imita i movimenti di un pavone che cammina con una coda meravigliosamente fluente. Era vicino alla danza del basso. Al suono delle pavanes si svolsero vari cortei cerimoniali: le autorità entrarono in città salutando in chiesa la nobile sposa. In Francia e in Italia, le pavane si affermano come ballo di corte. Il carattere solenne delle pavane consentiva alla società di corte di brillare della grazia e della grazia dei modi e dei movimenti. Il popolo e la borghesia non hanno eseguito questo ballo. Le pavane, come il minuetto, erano eseguite rigorosamente secondo i gradi. Il re e la regina iniziarono la danza, poi vi entrò il delfino con una nobildonna, poi i principi, ecc. I cavalieri eseguivano le pavane con la spada e con i mantelli. Le dame indossavano abiti da cerimonia con lunghi strascichi, che dovevano essere abilmente maneggiati durante i movimenti senza sollevarli da terra. Il movimento del tren rendeva le mosse bellissime, conferendo alle pavane sfarzo e solennità. Dietro la regina, delle dame intime portavano un treno. Prima dell'inizio del ballo, avrebbe dovuto fare il giro della sala. Alla fine del ballo, le coppie con inchini e riverenze facevano di nuovo il giro della sala. Ma prima di mettersi il cappello, il signore doveva mettere la mano destra sulla schiena della spalla della signora, la sinistra (tenendo il cappello) sulla sua vita e baciarla sulla guancia. Durante il ballo, gli occhi della dama erano bassi; solo di tanto in tanto guardava il suo ragazzo. La pavane si è conservata più a lungo in Inghilterra, dove era molto popolare.
Allemande - un ballo lento di origine tedesca in 4 tempi. Appartiene alle danze di massa "basse", non saltellanti. Gli artisti sono diventati coppie una dopo l'altra. Il numero delle coppie non era limitato. Il signore teneva la signora per mano. La colonna si è spostata per la sala, e quando è arrivata alla fine, i partecipanti hanno fatto un giro sul posto (senza separare le mani) e hanno continuato il ballo nella direzione opposta.
Courant è un ballo di corte di origine italiana. Il suono era semplice e complesso. Il primo consisteva in passi semplici e scorrevoli, eseguiti prevalentemente in avanti. Il complesso rintocco era di natura pantomimica: tre gentiluomini invitavano tre signore a partecipare al ballo. Le signore furono portate nell'angolo opposto della sala e invitate a ballare. Le signore hanno rifiutato. I signori, ricevuto un rifiuto, se ne andarono, ma poi tornarono di nuovo e si inginocchiano davanti alle dame. Solo dopo la scena della pantomima è iniziata la danza. I carillon di tipo italiano e francese differiscono. The Italian Chimes è una danza vivace in 3/4 o 3/8 con un ritmo semplice in una trama melodico-armonica. Francese - una danza solenne ("danza dei modi"), una processione orgogliosa e regolare. Taglia 3/2, tempo moderato, tessitura polifonica ben sviluppata.
Sarabanda - danza popolare dei secoli XVI - XVII. Derivato dalla danza femminile spagnola con le nacchere. Inizialmente accompagnato dal canto. Il celebre coreografo e maestro Carlo Blasis in una sua opera fa una breve descrizione della sarabanda: "In questo ballo ognuno sceglie una dama a cui non è indifferente. La musica dà un segnale, e due amanti eseguono un ballo, nobile, misurata, tuttavia, l'importanza di questa danza non interferisce minimamente con il piacere, e la modestia gli dà ancor più grazia; gli occhi di tutti seguono con piacere i danzatori che eseguono varie figure, esprimendo col loro movimento tutte le fasi dell'amore. Inizialmente il ritmo delle sarabande era moderatamente veloce, in seguito (dal XVII secolo) apparve una lenta sarabanda francese con uno schema ritmico caratteristico: ...... Nella sua terra natale, la sarabanda rientrava nella categoria delle danze oscene e in 1630. bandito dal Consiglio di Castiglia.
Giga - un ballo di origine inglese, il più veloce, in tre parti, che si trasforma in terzine. Inizialmente la giga era un ballo di coppia, si diffuse tra i marinai come un ballo solista, velocissimo, di carattere comico. Successivamente appare nella musica strumentale come parte finale di una vecchia suite da ballo.

Il Rinascimento, o Rinascimento, è un periodo nella storia della cultura dell'Europa occidentale e centrale, che copre approssimativamente il XIV-XVI secolo. Questo periodo ha preso il nome in connessione con la rinascita dell'interesse per l'arte antica, che è diventata un ideale per le figure culturali dei tempi moderni. Compositori e teorici della musica - J. Tinktoris, J. Tsarlino e altri - hanno studiato trattati musicali dell'antica Grecia; nelle opere di Josquin Despres, che fu paragonato a Michelangelo, secondo i contemporanei, "fu rianimata la perfezione perduta della musica degli antichi greci": apparve tra la fine del XVI e l'inizio del XVII secolo. l'opera era guidata dalle leggi del dramma antico.

Lezioni di teoria musicale. Da un'incisione del XVI secolo.

J.P. Palestrina.

Lo sviluppo della cultura del Rinascimento è associato all'ascesa di tutti gli aspetti della società. Nacque una nuova visione del mondo: l'umanesimo (dal latino humanus - "umano"). L'emancipazione delle forze creative ha portato al rapido sviluppo della scienza, del commercio, dell'artigianato e nell'economia hanno preso forma nuove relazioni capitaliste. L'invenzione della stampa ha contribuito alla diffusione dell'istruzione. Le grandi scoperte geografiche e il sistema eliocentrico del mondo di N. Copernicus hanno cambiato le idee sulla Terra e sull'Universo.

Le belle arti, l'architettura e la letteratura raggiunsero una fioritura senza precedenti. Il nuovo atteggiamento si rifletteva nella musica e ne trasformava l'aspetto. Si discosta gradualmente dalle norme del canone medievale, lo stile è individuato, compare per la prima volta il concetto stesso di “compositore”. La trama delle opere cambia, il numero delle voci aumenta a quattro, sei o più (ad esempio è noto un canone a 36 voci, attribuito al più grande rappresentante della scuola olandese, J. Okegem). Le consonanze dominano in armonia, l'uso delle dissonanze è strettamente limitato da regole speciali (vedi Consonanza e dissonanza). Si formano le scale maggiori e minori e il sistema ritmico dell'orologio, che sono caratteristici della musica successiva.

Tutti questi nuovi mezzi sono stati usati dai compositori per trasmettere uno speciale sistema di sentimenti di un uomo rinascimentale: sublime, armonioso, calmo e maestoso. La connessione tra testo e musica si fa più stretta, la musica inizia a trasmettere l'atmosfera, o, come si diceva allora, gli effetti del testo, delle singole parole, come "vita", "morte", "amore", ecc., sono spesso illustrati da speciali mezzi musicali.

La musica rinascimentale si sviluppò in due direzioni: ecclesiastica e secolare. I principali generi di musica sacra - messa e mottetto - opere polifoniche polifoniche per coro senza accompagnamento o accompagnate da un insieme strumentale (vedi Musica corale, Polifonia). Tra gli strumenti, la preferenza è stata data all'organo.

La crescita della produzione musicale amatoriale ha contribuito allo sviluppo della musica secolare. La musica risuonava ovunque: per le strade, nelle case dei cittadini, nei palazzi dei nobili nobili. I primi virtuosi da concerto sono apparsi su liuto, clavicembalo, organo, viola, vari tipi di flauti longitudinali. Nelle canzoni polifoniche (madrigal - in Italia, chanson - in Francia), i compositori parlavano dell'amore, di tutto ciò che accade nella vita. Ecco i titoli di alcuni brani: "Caccia al cervo", "Eco", "Battaglia di Marignano".

Nei secoli XV-XVI. l'importanza dell'arte della danza aumenta, compaiono numerosi trattati e guide pratiche sulla coreografia, raccolte di musiche da ballo, che comprendono danze popolari dell'epoca - danza del basso, branle, pavane, gallia.

Durante il Rinascimento si formarono scuole di musica nazionali. La più grande di queste è la scuola polifonica olandese (francese-fiamminga). I suoi rappresentanti sono G. Dufay, K. Janequin, J. Okegem, J. Obrecht, Josquin Despres, O. Lasso. Tra le altre scuole nazionali ci sono italiano (J. P. Palestrina), spagnolo (T. L. de Victoria), inglese (W. Byrd), tedesco (L. Senfl).

Il Rinascimento si conclude con l'emergere di nuovi generi musicali: canto solista, oratorio, opera, la cui vera fioritura arriva nel secolo successivo (vedi musica dell'Europa occidentale del XVII-XX secolo).

Musica rinascimentale

1.La musica risuonava ovunque: nelle strade e nelle piazze, nelle case dei cittadini, nei palazzi dei nobili e dei re. La musica, insieme alla grammatica, alla retorica e alla poesia, è stata inclusa nelle cosiddette "scienze umane".

La posizione di primo piano era ancora occupata dalla musica sacra, che risuonava durante le funzioni religiose.

A poco a poco, le opere dei compositori di chiese iniziano a penetrare tendenze secolari. I temi dei canti popolari che non hanno alcun contenuto religioso sono introdotti audacemente nel tessuto polifonico degli inni ecclesiastici. Ma ora non contraddiceva lo spirito generale e gli umori dell'epoca. Al contrario, nella musica il divino e l'umano erano combinati in modo sorprendente.

2. La musica sacra raggiunse il suo apice nel XV secolo. In Olanda.

Qui la musica era venerata più di altre forme d'arte. I compositori olandesi e fiamminghi hanno aperto la strada alle nuove regole polifonico performance (polifonica) - classica "stile rigoroso".

La tecnica compositiva più importante dei maestri olandesi era imitazione - ripetizione della stessa melodia a voci diverse. È diventata la voce principale tenore, a cui è stata affidata la melodia principale ricorrente.

3. Il Rinascimento fu l'inizio creatività del compositore professionista

Musica olandese Orlando Lazo(1532-1594), unisce improvvisazione e logica impeccabile.

Nel genere preferito del mottetto, ha introdotto molte tecniche innovative.

Possiede un tentativo di padroneggiare genere passioni. Lasso ha creato Passioni per tutti e quattro i Vangeli. Non c'era il canto da solista in loro e un coro di cinque voci ha aperto la strada al genere dell'arte operistica. Uno dei capolavori musicali del compositore è stato canzone "Eco.

4. Giovanni Pierluigi Palestrina(1525-1594)

È chiamato l'ultimo grande polifonista. Ha lavorato nella Cattedrale di San Pietro a Roma ed è stato il compositore pontificio ufficiale. La sua arte è priva di passioni sensuali, piena di armonia e magnificenza.

È il più brillante rappresentante della scuola di musica classica in Italia.

La sua eredità comprende molte opere di musica sacra e profana: 93 messe, 326 inni e mottetti.

5. Dentro Germania erano rilevanti le opere di musica sacra nella loro lingua madre. Lo stesso Martin Lutero scrisse corali destinati ad essere eseguiti dall'intera comunità religiosa. Le loro semplici melodie hanno guadagnato popolarità tra la gente e in seguito compositori professionisti hanno realizzato i loro arrangiamenti polifonici. (J.S. Bach)

erano anche popolari generi di miniature polifoniche:

condotta, mottetto.

Potrebbero inserire testi nella loro lingua madre.

Il canto corale era il tipo più popolare di fare musica.

6. Cominciò ad apparire generi corali profani:

Ballato un(canzone da ballo)

Chanson (canzone polifonica)

e italiano madrigale.

7. Il genere più popolare di musica profana era madrigali(Madrigale italiano - una canzone nella lingua madre) - composizioni corali polifoniche scritte sul testo di un poema lirico di contenuto d'amore.

Molto spesso a questo scopo venivano utilizzate poesie di famosi maestri: Dante, Francesco Petrarca e Torquato Tasso. I madrigali non sono stati eseguiti da cantanti professionisti, ma da un intero ensemble di dilettanti, in cui ogni parte era guidata da un cantante. L'atmosfera principale del madrigale è la tristezza, la malinconia e la malinconia, ma c'erano anche composizioni gioiose e vivaci.

Madrigale visse dal 1520 al 1620. L'idea del madrigale fu rivoluzionaria per il Rinascimento, perché. impostare il compito di tradurre un testo poetico in musica. Così madrigale può essere definito condizionatamente un romanzo del 16° secolo.

8. Non meno popolare era il genere di musica profana canzone accompagnato da strumenti musicali. A differenza della musica suonata in chiesa, le canzoni erano abbastanza semplici da eseguire. Il loro testo in rima era chiaramente diviso in stanze di 4-6 righe. Nelle canzoni, come nei madrigali, il testo acquisiva grande importanza. Una volta eseguiti, i versi poetici non avrebbero dovuto essere persi nel canto polifonico.

Particolarmente famose furono le canzoni del compositore francese Clement Janequin (1485-1558), che divenne famoso per la sua capacità di riprodurre in musica le voci della fauna selvatica.

9. Nella seconda metà del XVI secolo, un burrascoso sviluppo dello strumentalismo. Le famiglie di strumenti ad arco ea fiato crescono, la loro gamma si allarga, si diffonde la musica profana e domestica.

Apparire nuovi generi strumentali:

preludio ( prima della partita) - gioco introduttivo

ricercare (pezzo squisito) - scrittura polifonica,

canzone (canzone senza parole) - il precursore della fuga.

10 . C'è bisogno di un'esecuzione pubblica della musica.

Il concerto sta prendendo forma.

Appare per la prima volta a Londra - retribuita ea Venezia - sovvenzionata dal magistrato cittadino.

Il Rinascimento si conclude con l'emergere di nuovi generi musicali: canto solista, oratorio e opera.

Se prima il tempio era il centro della cultura musicale, da allora la musica ha suonato nel teatro dell'opera.

Lo sviluppo della musica ha contribuito invenzione della stampa musicale.