संगीत संस्कृति संक्षेप में। शिक्षक के व्यक्तित्व के विकास में संगीत संस्कृति

संकल्पना संस्कृतिऐतिहासिक विकास का एक कठिन मार्ग पारित किया। दार्शनिक और संस्कृतिविद दो सौ परिभाषाओं तक गिनते हैं।

संस्कृति के सिद्धांत में, इसकी आध्यात्मिक और भौतिक परतों को प्रतिष्ठित किया जाता है, अवधारणाएं व्यक्तित्व संस्कृतिऔर समाज की संस्कृति।इस संबंध में 19वीं-20वीं सदी के प्रसिद्ध जर्मन विचारक और संगीतज्ञ का बयान दिलचस्प है। ए श्वित्ज़र: "संस्कृति सभी क्षेत्रों में और सभी पहलुओं में व्यक्तियों और सभी मानव जाति की सभी उपलब्धियों का परिणाम है, इस हद तक कि ये उपलब्धियां व्यक्ति और सामान्य प्रगति के आध्यात्मिक सुधार में योगदान देती हैं।"

आधुनिक सौंदर्यशास्त्र में कलात्मक संस्कृति को सामान्य संस्कृति की एक स्वतंत्र, विशिष्ट परत के रूप में माना जाता है। यह समाज की भौतिक और आध्यात्मिक संस्कृति के एक निश्चित हिस्से को शामिल करता है।

कलात्मक गतिविधि में प्रत्यक्ष भागीदारी, कला के कार्यों की धारणा व्यक्ति को आध्यात्मिक रूप से विकसित करती है, उसकी भावनाओं, बुद्धि को समृद्ध करती है।

संस्कृति के क्षेत्र में लोगों की गतिविधियों में कलात्मक मूल्यों का निर्माण, उनका भंडारण और वितरण, महत्वपूर्ण प्रतिबिंब और वैज्ञानिक अध्ययन, कला शिक्षा और परवरिश शामिल हैं।

कलात्मक संस्कृति के कुछ क्षेत्रों को कला के प्रकारों और उनमें से संगीत संस्कृति के अनुरूप प्रतिष्ठित किया जा सकता है। इस अवधारणा में विभिन्न प्रकार की संगीत गतिविधि और उनके परिणाम शामिल हैं - संगीत कार्य, उनकी धारणा, प्रदर्शन, साथ ही इस गतिविधि की प्रक्रिया में विकसित लोगों की संगीत और सौंदर्य चेतना (रुचियां, आवश्यकताएं, दृष्टिकोण, भावनाएं, अनुभव) भावनाओं, सौंदर्य आकलन, स्वाद, आदर्श)। , विचार, सिद्धांत)। इसके अलावा, संगीत संस्कृति की संरचना में संगीत कार्यों के भंडारण और वितरण, संगीत शिक्षा और पालन-पोषण और संगीत संबंधी अनुसंधान से संबंधित विभिन्न संस्थानों की गतिविधियां शामिल हैं।

आइए हम पूर्वस्कूली बच्चों की संगीत संस्कृति की अवधारणा की विशेषताओं पर ध्यान दें और इसकी संरचना का विश्लेषण करें।

बच्चों की संगीत संस्कृति को एक निश्चित सामाजिक समूह (पूर्वस्कूली उम्र के बच्चों) का एक विशिष्ट उपसंस्कृति माना जा सकता है। इसमें दो घटकों को प्रतिष्ठित किया जा सकता है: 1) बच्चे की व्यक्तिगत संगीत संस्कृति, जिसमें उसकी संगीत और सौंदर्य चेतना, संगीत ज्ञान, कौशल और क्षमताएं शामिल हैं जो व्यावहारिक संगीत गतिविधि के परिणामस्वरूप विकसित हुई हैं; 2) प्रीस्कूलर की संगीत संस्कृति, जिसमें बच्चों के साथ काम करने में उपयोग की जाने वाली लोक और पेशेवर संगीत कला, बच्चों की संगीत और सौंदर्य चेतना और बच्चों की संगीत गतिविधि को विनियमित करने और उनकी संगीत शिक्षा की जरूरतों को पूरा करने वाले विभिन्न संस्थान शामिल हैं।

पूर्वस्कूली उम्र के अनुरूप समाज की संगीत संस्कृति की मात्रा बच्चे द्वारा परिवार, किंडरगार्टन, मीडिया, संगीत और सांस्कृतिक संस्थानों के माध्यम से अपनाई जाती है।

बच्चे की संगीत संस्कृति की शुरुआत के गठन पर परिवार का प्रभाव उसकी परंपराओं, संगीत कला, सामान्य संस्कृति और यहां तक ​​​​कि जीन पूल के लिए परिवार के सदस्यों के दृष्टिकोण से निर्धारित होता है। किंडरगार्टन की भूमिका शिक्षक-संगीतकार के व्यक्तिगत और व्यावसायिक गुणों, उनकी प्रतिभा और कौशल, शिक्षकों के सामान्य सांस्कृतिक स्तर और उनके द्वारा बनाई गई परिस्थितियों के माध्यम से पूरे शिक्षण स्टाफ के माध्यम से प्रकट होती है।

सार्वजनिक संस्थान (मास मीडिया, रचनात्मक संगीत संघ, संगीत और सांस्कृतिक संस्थान, आदि) बच्चों के लिए विभिन्न संगीत गतिविधियों, संगीत कार्यों के निर्माण, प्रजनन और भंडारण और वैज्ञानिक अनुसंधान का आयोजन करते हैं।

व्यक्तित्व विकास में गतिविधि की भूमिका पर मनोविज्ञान के प्रावधानों के आधार पर, बच्चे की संगीत संस्कृति (योजना 1) की संरचना में कई घटकों को प्रतिष्ठित किया जा सकता है।

पूर्वस्कूली उम्र में प्रकट संगीत और सौंदर्य चेतना के तत्व अभी भी प्रकृति में सांकेतिक हैं और सामग्री में चेतना के पूरी तरह से अनुरूप तत्वों के अनुरूप नहीं हैं, जैसे कि आदर्श, विचार, सिद्धांत पूर्वस्कूली बच्चों के लिए दुर्गम हैं।

एक बच्चे के जीवन के विभिन्न चरणों में संगीत और सौंदर्य संबंधी चेतना स्वयं प्रकट होती है और असमान रूप से विकसित होती है। इसके घटक बाहरी और आंतरिक कनेक्शनों द्वारा आपस में घनिष्ठ रूप से जुड़े हुए हैं और एक एकल प्रणाली बनाते हैं।

बच्चे की व्यक्तिगत संगीत संस्कृति का आधार उसकी संगीत और सौंदर्य चेतना माना जा सकता है, जो संगीत गतिविधि की प्रक्रिया में बनता है।

बच्चे की संगीत संस्कृति

संगीत गतिविधियां

संगीत धारणा

रचनात्मकता गतिविधियों का प्रदर्शन

ज्ञान, कौशल और क्षमता

जाहिर है, "संगीत संस्कृति" की अवधारणा अधिक सामान्य अवधारणाओं की मुख्यधारा में शामिल है: "संस्कृति", "कलात्मक संस्कृति" और "व्यक्ति की कलात्मक संस्कृति"।

"कलात्मक संस्कृति" की आधुनिक अवधारणा में "निर्माण, वितरण, कला के कार्यों या सौंदर्य मूल्य की भौतिक वस्तुओं के विकास के लिए प्रक्रियाओं और आध्यात्मिक और व्यावहारिक गतिविधियों की घटनाएं शामिल हैं।" [कलात्मक संस्कृति: शब्द की अवधारणा। / ईडी। एल एन डोरोगोवा। - एम।, 1978 - पी। 67]।

इस प्रकार, कलात्मक संस्कृति कलात्मक मूल्यों का एक समूह है, साथ ही समाज में उनके प्रजनन और कामकाज की एक निश्चित प्रणाली है। ध्यान दें कि "कला" की अवधारणा को कभी-कभी कलात्मक संस्कृति के पर्याय के रूप में प्रयोग किया जाता है।

चूँकि ये परिभाषाएँ समानार्थी बन गई हैं, दर्जनों अन्य और उनके व्युत्पन्न के लिए बुनियादी, यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि इस दृष्टिकोण की प्रमुख विशेषता कलात्मक संस्कृति के दो पहलुओं की पहचान है, अर्थात् समाज की कलात्मक संस्कृति, और इस प्रिज्म के माध्यम से , व्यक्ति की कलात्मक संस्कृति।

"व्यक्ति की कलात्मक संस्कृति" की अवधारणा को इस आधार पर अलग किया जा सकता है कि कलात्मक संस्कृति की परिभाषाएं अक्सर इसके ऐसे पहलुओं पर जोर देती हैं जैसे "कला को समझने और इसका आनंद लेने की क्षमता" रैपत्सकाया एल.ए. एक संगीत शिक्षक की कलात्मक संस्कृति का गठन। - एम।, 1991 - पी। 41.; लोगों की सक्रिय रचनात्मक गतिविधि; कलात्मक मूल्यों के निर्माण, धारणा और आत्मसात की प्रक्रिया। यह वही है जो वैज्ञानिकों को "कलात्मक संस्कृति" और "व्यक्ति की कलात्मक संस्कृति" की अवधारणाओं को अलग करने का कारण देता है।

इस तरह के विभाजन के लिए प्रारंभिक प्रेरणा कला के प्रभाव में व्यक्तित्व के परिवर्तन के बारे में बयान था। संस्कृति को व्यक्ति के एक प्रकार के आध्यात्मिक उपकरण के रूप में परिभाषित करते हुए, वैज्ञानिकों का अर्थ है कि यह एक तरह का "प्रक्षेपण" है, जो पहले से ही ज्ञान में महारत हासिल है, इसे व्यक्तिगत संस्कृति कहते हैं।

जाहिर है, इस दृष्टिकोण को पूरी तरह से साझा नहीं किया जा सकता है, क्योंकि यह "व्यक्तिगत संस्कृति" की अवधारणा के कई पहलुओं में से केवल एक को दर्शाता है। व्यक्तित्व की संस्कृति तैयार विचारों का "भंडार" नहीं है, बल्कि दुनिया और व्यक्तित्व को समझने और बदलने का एक वास्तविक उपकरण है। स्पष्ट एकतरफा होने के बावजूद, व्यक्तित्व को बदलने का विचार ही हमें बहुत फलदायी और आगे विचार करने योग्य लगा।

यू.बी. अलीवा, टी.जी. अर्ज़कान्यन, एस.बी. बायरामोवा, जी.एम. ब्रेस्लावा, ए.वी. गोर्डीव, एल.वी. गोरीनोव, एल.एन. डोरोगोव, यू.ए. लुकिना, एल.पी. पेचको, ए.वी. पिराडोवा, एल.ए. रापट्स्काया, वी.बी. चुर्बनोवा और कई अन्य। उपरोक्त लेखकों के शोध दिशाओं में सभी मतभेदों के साथ, उनमें एक चीज समान है - कलात्मक (सौंदर्य, आध्यात्मिक) के प्रभाव में किसी व्यक्ति में होने वाले कार्यात्मक परिवर्तनों का विश्लेषण।

सौंदर्य शिक्षा का एक अभिन्न अंग किसी व्यक्ति की संगीत संस्कृति के निर्माण में एक निर्धारण कारक के रूप में संगीत शिक्षा है। शिक्षाशास्त्र में, संगीत शिक्षा और परवरिश की व्याख्या सामाजिक अनुभव के मूल तत्वों के संगठित आत्मसात करने की प्रक्रिया के रूप में की जाती है, जो संगीत संस्कृति के विभिन्न रूपों में बदल जाती है। G.V के अध्ययन में शोस्तक संगीत संस्कृति को एक जटिल एकीकृत शिक्षा के रूप में समझता है, जिसमें विभिन्न संगीत शैलियों, शैलियों और दिशाओं में नेविगेट करने की क्षमता, संगीत-सैद्धांतिक और सौंदर्य प्रकृति का ज्ञान, उच्च संगीत स्वाद, कुछ संगीत की सामग्री पर भावनात्मक रूप से प्रतिक्रिया करने की क्षमता शामिल है। काम करता है, साथ ही रचनात्मक प्रदर्शन कौशल - गायन, संगीत वाद्ययंत्र बजाना आदि।

संस्कृति के गतिविधि दृष्टिकोण के अनुसार एम.एस. कगना, संस्कृति, मानव गतिविधि का एक प्रक्षेपण है (जिसका विषय एक व्यक्ति, एक समूह या एक कबीला हो सकता है) और इसमें तीन तरीके शामिल हैं: मानव जाति की संस्कृति, एक सामाजिक समूह की संस्कृति और एक व्यक्ति की संस्कृति। किसी व्यक्ति की संगीत संस्कृति को एक निश्चित सामाजिक समूह की विशिष्ट उपसंस्कृति माना जा सकता है। इसके दो घटक हैं:

• व्यक्तिगत संगीत संस्कृति, जिसमें संगीत और सौंदर्य चेतना, संगीत ज्ञान, कौशल और क्षमताएं शामिल हैं जो व्यावहारिक संगीत गतिविधि के परिणामस्वरूप विकसित हुई हैं;
• · एक निश्चित सामाजिक आयु वर्ग की संगीत संस्कृति, जिसमें बच्चों के साथ काम करने में प्रयुक्त लोक और पेशेवर संगीत कला और बच्चों की संगीत गतिविधियों को नियंत्रित करने वाली विभिन्न संस्थाएं शामिल हैं।

एक आयु संगीत उपसंस्कृति की अवधारणा को इस आयु वर्ग के प्रतिनिधियों द्वारा पीछा किए जाने वाले संगीत मूल्यों के मूल सेट के रूप में दर्शाया जा सकता है। शोधकर्ता इसके घटकों की ओर इशारा करते हैं जैसे: कुछ शैलियों और संगीत कला के प्रकारों की आंतरिक स्वीकृति या अस्वीकृति; संगीत के हितों और स्वाद का उन्मुखीकरण; बच्चों के संगीत और साहित्यिक लोकगीत, आदि।

बच्चे की व्यक्तिगत संगीत संस्कृति का आधार उसकी संगीत और सौंदर्य चेतना माना जा सकता है, जो संगीत गतिविधि की प्रक्रिया में बनता है। संगीत और सौंदर्य चेतना संगीत संस्कृति का एक घटक है, जो एक आंतरिक आदर्श विमान में की जाने वाली संगीत गतिविधि है।

सौंदर्य चेतना के कुछ पहलुओं का अध्ययन शैक्षणिक और मनोवैज्ञानिक पहलुओं में एस.एन. बेलीएवा-इंस्टेंस, एन.ए. वेतलुगिना, आई.एल. अन्य द्वारा किया गया था।

संगीत और सौंदर्य चेतना के तत्वों की पहचान ओ.पी. रेडीनोवा:

• संगीत के प्रति बच्चे के सौंदर्यवादी दृष्टिकोण के निर्माण के लिए संगीत की आवश्यकता प्रारंभिक बिंदु है; सकारात्मक भावनाओं से भरे संगीतमय वातावरण में एक वयस्क के साथ संवाद करने की आवश्यकता के साथ जल्दी उठता है; संगीत के अनुभव के अधिग्रहण के साथ विकसित होता है और 6 साल की उम्र तक संगीत में एक स्थिर रुचि बन सकती है;
• सौंदर्य संबंधी भावनाएं, अनुभव - सौंदर्य बोध का आधार; संगीत के प्रति भावनात्मक और बौद्धिक दृष्टिकोण को जोड़ता है। टेप्लोव ने लिखा: "संगीत के एक टुकड़े को समझने के लिए, इसे भावनात्मक रूप से अनुभव करना और इस आधार पर इसे प्रतिबिंबित करना महत्वपूर्ण है।" विकसित सौंदर्य भावनाएँ व्यक्तिगत संगीत संस्कृति के विकास का सूचक हैं;
• संगीत का स्वाद - कलात्मक रूप से मूल्यवान संगीत का आनंद लेने की क्षमता; जन्मजात नहीं है, संगीत गतिविधि में बनता है;
• · संगीत का मूल्यांकन - उनकी संगीत की जरूरतों, अनुभवों, दृष्टिकोण, स्वाद, तर्क के प्रति सचेत रवैया।

संपूर्ण आध्यात्मिक संस्कृति के हिस्से के रूप में संगीत संस्कृति की बात करते हुए ल्यूडमिला वैलेंटाइनोव्ना शकोलयार इस बात पर जोर देते हैं कि एक बच्चे का गठन, एक निर्माता के रूप में एक स्कूली बच्चे, एक कलाकार के रूप में (और यह आध्यात्मिक संस्कृति का विकास है) मौलिक के विकास के बिना असंभव है योग्यता - सुनने की कला, देखने की कला, महसूस करने की कला, सोचने की कला। एक मानव व्यक्तित्व का विकास आम तौर पर उसके "व्यक्तिगत ब्रह्मांड" के सामंजस्य के बाहर असंभव है - मैं देखता हूं, सुनता हूं, महसूस करता हूं, सोचता हूं, कार्य करता हूं।

"संगीत संस्कृति" की अवधारणा की संरचना बहुत विविध है, यह कई घटकों, संगीत विकास के मापदंडों को अलग कर सकती है: गायन विकास का स्तर, आधुनिक संगीत को समझने का कौशल, रचनात्मक गतिविधि का स्तर आदि। लेकिन संगीत की समझ के विभिन्न पहलुओं में बच्चों का विकास, उन्नति अभी भी कुल मिलाकर एक संगीत संस्कृति नहीं है। घटकों को सामान्यीकृत किया जाना चाहिए, अर्थपूर्ण रूप से इसमें सबसे आवश्यक व्यक्त करना चाहिए, विशेष के संबंध में सामान्य होना चाहिए। ऐसा आधार बच्चे की आध्यात्मिक दुनिया में नए रूप हो सकता है और होना चाहिए जो उसके विचारों और संगीत की नैतिक और सौंदर्य सामग्री की भावनाओं में अपवर्तन के कारण विकसित होता है और जो यह पता लगाना संभव बनाता है कि संगीत की संस्कृति कितनी है व्यक्ति मानव जाति की संपूर्ण विशाल सामग्री और आध्यात्मिक संस्कृति से जुड़ा हुआ है। यूबी अलीयेव का मानना ​​​​है कि स्कूली बच्चों की संगीत संस्कृति के विकास को निर्धारित करने में मुख्य मानदंड में शामिल हैं:

• कलात्मक वरीयताओं के विकास का स्तर;
• कलात्मक रचनात्मकता के किसी भी क्षेत्र में स्कूली बच्चों की भागीदारी;
• · समाज की कलात्मक संस्कृति के क्षेत्र में जागरूकता।

इसी तरह के घटकों को एल.वी. स्कूली छात्र:

• छात्रों का संगीत अनुभव;
• संगीत साक्षरता;
• स्कूली बच्चों का संगीत और रचनात्मक विकास।

उपलब्धता मानदंड संगीत अनुभवप्रदर्शन कर सकते हैं:

• संगीत के बारे में सामान्य जागरूकता का स्तर;
• रुचि की उपस्थिति, कुछ पूर्वाभास और प्राथमिकताएं;
• · इस या उस संगीत के प्रति बच्चे की अपील की प्रेरणा - बच्चा उसमें क्या खोज रहा है, उससे क्या अपेक्षा करता है।

आध्यात्मिक संरचनाओं की पहचान करने के उद्देश्य से पद्धति के तीन विकल्प हैं: 1) कक्षा में संगीत के साथ मुठभेड़; 2) घर संगीत पुस्तकालय के लिए संगीत; 3) दोस्तों के लिए संगीत। तिमाही के अंतिम पाठों के लिए एक कार्यक्रम तैयार करने का प्रस्ताव है, परिवार के साथ घर पर सुनने के लिए रिकॉर्ड चुनने के लिए, दोस्तों के लिए एक पार्टी कार्यक्रम।

इसके अतिरिक्त, आप बातचीत कर सकते हैं:

• 1. आप संगीत के बारे में कैसा महसूस करते हैं?
• 2. जीवन में संगीत किस लिए है?
• 3. आप कौन से संगीत जानते हैं, कौन से आपके पसंदीदा हैं?
• 4. आप कक्षा में क्या गाते हैं, आप कौन से गीत जानते हैं?
• 5. आप संगीत कहां सुनते हैं (टीवी, रेडियो, संगीत कार्यक्रम)?
• 6. क्या आप पाठ को छोड़कर, स्कूल में संगीत के साथ मिलते हैं? कहाँ?
• 7. क्या आपको घर पर गाना पसंद है? आप क्या खाएंगे?
• 8. क्या आपके माता-पिता घर पर, किसी पार्टी में गाते हैं? वे क्या गा रहे हैं?
• 9. आपने अपने माता-पिता के साथ आखिरी बार कौन सा संगीत सुना था? कहाँ?
• 10. हाल ही में आपको कौन से संगीत कार्यक्रम पसंद आए हैं? क्यों?

साथ ही, माता-पिता के लिए एक प्रश्नावली और संगीत प्रदर्शन के कुछ कौशल की पहचान संभव है।

माता-पिता के लिए प्रश्नावली:

• 1. आपकी राय में, संगीत के क्षेत्र में एक बच्चे को क्या सांस्कृतिक माना जाना चाहिए?
• 2. संगीत संस्कृति के एक निश्चित स्तर को प्राप्त करने के लिए आपके बच्चे के लिए क्या आवश्यक है?
• 3. आप परिवार को इस समस्या को सुलझाने में किस तरह मदद करते हुए देखते हैं?

दूसरा घटक है संगीत साक्षरताजैसा समझा:

• संगीत को एक जीवित, आलंकारिक कला के रूप में देखने की क्षमता, जीवन से पैदा हुई और जीवन के साथ अटूट रूप से जुड़ी हुई;
• एक विशेष "संगीत की भावना", जो आपको इसे भावनात्मक रूप से समझने की अनुमति देती है, इसमें अच्छे से बुरे को अलग करने के लिए;
• संगीत की प्रकृति को कान से निर्धारित करने और संगीत की प्रकृति और उसके प्रदर्शन की प्रकृति के बीच आंतरिक संबंध को महसूस करने की क्षमता;
• अपरिचित संगीत के लेखक को कान से पहचानने की क्षमता, यदि यह इस लेखक की विशेषता है।

संगीत साक्षरता "संगीत और जीवन संघ", "संगीत चुनें" (सामग्री में संबंधित संगीत की परिभाषा) की पहचान करने के लिए कई विधियों का उपयोग किया जाता है; "संगीत के माध्यम से खुद को खोजें।"

"संगीत और जीवन संघों" की विधि में कुछ अपरिचित कार्यों के बारे में सवालों के जवाब देना शामिल है:

• 1. इस संगीत ने आप में कौन सी यादें जगाईं, यह आपके जीवन की किन घटनाओं से जुड़ी हो सकती है?
• 2. जीवन में यह संगीत कहाँ बज सकता है और यह लोगों को कैसे प्रभावित कर सकता है?
• 3. संगीत में क्या आपको इस तरह के निष्कर्ष पर आने की इजाजत देता है (मतलब संगीत क्या बताता है और यह कैसे बताता है, प्रत्येक व्यक्तिगत काम में इसके अभिव्यक्तिपूर्ण साधन क्या हैं)?

तकनीक "संगीत के माध्यम से खुद को खोलें।" बच्चों को संगीत का एक टुकड़ा दिया जाता है और इसके साथ तीन कार्य जुड़े होते हैं:

• · बच्चों को "संगीत के वार्ताकार" की स्थिति में रखा जाता है: यह उन्हें कुछ बताता है और फिर उन्हें अपनी भावनाओं के बारे में बताना चाहिए कि संवाद के दौरान उनमें क्या पैदा हुआ था;
• दूसरे कार्य में प्लास्टिक में संगीत सामग्री के बच्चे द्वारा प्रकटीकरण, गति में शामिल है;
• · तीसरा कार्य ड्राइंग, आत्म-मूल्यांकन में "स्वयं" के अवतार से जुड़ा है, और संगीत यहां एक स्रोत, एक सार्थक अवसर के रूप में कार्य करता है।

रचनात्मकता (रचनात्मकता) को व्यक्तित्व का एक विशेष गुण माना जाता है, जो आत्म-विकास की क्षमता की विशेषता है। शब्द के व्यापक अर्थ में, यह अनुभूति और वास्तविकता के परिवर्तन के क्षेत्र में एक व्यक्ति की सचेत उद्देश्यपूर्ण गतिविधि है। संगीत में, रचनात्मकता को एक स्पष्ट व्यक्तिगत सामग्री द्वारा प्रतिष्ठित किया जाता है और संगीत को पुन: पेश करने, व्याख्या करने और अनुभव करने की विशेष क्षमता के रूप में प्रकट होता है। रचनात्मक कौशल और क्षमताओं के बच्चों के कब्जे का आकलन करने के लिए मानदंड हैं:

• भावुकता;
• इरादे की जागरूकता की डिग्री;
• अवतार के साधनों के चुनाव में सरलता, मौलिकता, व्यक्तित्व;
• विचार का कलात्मक अवतार;
• मौजूदा संगीत अनुभव का आकर्षण।

संगीत के साथ संचार की प्रक्रिया में बच्चों को देखकर, सबसे पहले, संगीत और रचनात्मक विकास के स्तर की जाँच की जाती है (बच्चा क्या भूमिका चुनता है: संगीतकार, कलाकार, श्रोता)।

एक अन्य तकनीक, "मैं संगीत की रचना करता हूं", व्यक्तिगत रूप से किया जाता है और कलात्मक कार्यों के ढांचे के भीतर आलंकारिक प्रतिनिधित्व, कल्पना, कल्पना, सोच के विकास की डिग्री की पहचान करने में मदद करता है, आलंकारिक सुनवाई, दृष्टि, आदि। प्रारंभिक रचनात्मक कार्य दिया गया है, स्थिति: "वसंत की आवाज़ें", "गर्मी का दिन", "एक बड़े शहर की आवाज़", आदि। एक स्थिति चुनने के बाद, छात्र, शिक्षक के साथ, कला के भविष्य के काम की आलंकारिक सामग्री के विकास के तर्क और मौलिकता को दर्शाता है। आप पियानो, अन्य वाद्ययंत्रों, आवाज, प्लास्टिक पर अपने विचार को मूर्त रूप दे सकते हैं।

तीसरी तकनीक "बाल और संगीत" है। संगीत एक जीवित प्राणी है। छात्र को उस तरह से आकर्षित करने के लिए आमंत्रित किया जाता है जैसे वह महसूस करता है, संगीत को समझता है जब वह प्रदर्शन करता है या सुनता है। इस चित्र में स्वयं को खींचना न भूलें।

प्राथमिक विद्यालय में सौंदर्य चक्र की वस्तुओं के ब्लॉक का उद्देश्य किसी व्यक्ति और उसके आस-पास की दुनिया के बीच संबंधों के बुनियादी कानूनों का अध्ययन करना है, कलात्मक और उसके आसपास की दुनिया के एक व्यक्ति द्वारा प्रतिबिंब की प्रक्रिया के अर्थ अर्थ को समझना। प्रतीकात्मक रूप, बच्चे को अपने आस-पास की दुनिया, अंतरिक्ष, समाज, आत्म-अभिव्यक्ति की संभावनाओं के विस्तार के माध्यम से मूल्य अभिविन्यास विकसित करने में मदद करने के लिए डिज़ाइन किया गया है। इस चरण का उद्देश्य भविष्य में सांस्कृतिक जानकारी की सचेत धारणा के लिए छात्रों की उद्देश्यपूर्ण तैयारी करना है।

इस चरण के लिए मुख्य कौशल और योग्यताएं निम्नलिखित हैं:

• लोगों के बीच संचार के साधन के रूप में कला की भाषा को समझना;
• विभिन्न प्रकार की कला (विशेष रूप से, संगीत) की अभिव्यक्ति के उपलब्ध साधनों के माध्यम से सूचना का डिकोडिंग और प्रसारण;
• · एक प्रकार की कला के काम में कलात्मक छवि में निहित जानकारी का दूसरे प्रकार की कला के माध्यम से अभिव्यक्ति में अनुवाद;
• · आसपास की दुनिया की घटना की सौंदर्य बोध और एक कलात्मक छवि के माध्यम से दुनिया की धारणा का हस्तांतरण।

मध्यम स्तर की सौंदर्य वस्तुओं की सामग्री के निर्माण की एक विशेषता विश्व और राष्ट्रीय कलात्मक संस्कृति के ऐतिहासिक विकास का समानांतर अध्ययन होना चाहिए, जो वैश्विक संदर्भ में राष्ट्रीय संस्कृति की भूमिका और स्थान को समझने में योगदान देगा। सिखाई गई सामग्री का ऐसा निर्माण, छात्रों के सैद्धांतिक और व्यावहारिक प्रशिक्षण की एकता सुनिश्चित करना, न केवल इस उम्र के बच्चों में धारणा की प्रक्रियाओं की मनोवैज्ञानिक विशेषताओं से मेल खाता है, बल्कि मानवीय ज्ञान की बारीकियों से भी मेल खाता है।

इसका अध्ययन करने के परिणामस्वरूप छात्रों को जिन कौशलों और क्षमताओं का प्रदर्शन करना चाहिए, उन्हें कुछ इस तरह से घटाया जा सकता है:

ü अध्ययन किए गए कला रूप के कार्यों में कलात्मक छवि को सचेत रूप से देखें और चिह्नित करें;

- अभिव्यक्ति के साधन, शैली मानदंड, विशिष्ट संगीत कार्यों की शैली विशेषताओं की विशेषता;

मैं कला के किसी विशेष कार्य और संबंधित समाज की संस्कृति के निर्माण के बीच संबंधों को समझता हूं और पहचानता हूं;

लोक संगीत संस्कृति की अभिव्यक्ति की विशेषता को समझने और अपने काम में उपयोग करने के लिए।

संगीत संस्कृति कलात्मक संस्कृति का एक हिस्सा है। व्यक्तिगत संगीत संस्कृति का गठन, और इसके माध्यम से - समग्र रूप से व्यक्तित्व के निर्माण पर प्रभाव डी.वी. की शैक्षणिक अवधारणा का मूल है। काबालेव्स्की।

शिक्षक यू.बी. अलीव, डी.बी. काबालेव्स्की, ओ.पी. रिगन - "संगीत संस्कृति" की अवधारणा की सामग्री को प्रकट करने की कोशिश की। स्कूली छात्र - एक संगीत पंथ की उपस्थिति का निदान किया

छोटे बच्चों का दौरा किया और उनके प्रयोगात्मक कार्य के परिणामों का विस्तार से वर्णन किया।

साहित्य के एक अध्ययन से पता चला है कि संगीत संस्कृति की अवधारणा की परिभाषा पर कोई स्पष्ट राय नहीं है। प्रत्येक शिक्षक का अपना व्यक्तिपरक दृष्टिकोण होता है।

डीएम काबालेव्स्की संगीत साक्षरता के साथ संगीत संस्कृति की पहचान करता है। अपने लेखन में, वे कहते हैं: "संगीत संस्कृति संगीत को एक जीवित, आलंकारिक कला के रूप में देखने की क्षमता है, जो जीवन से पैदा हुई है और जीवन से लगातार जुड़ी हुई है, यह एक विशेष "संगीत की भावना" है जो आपको इसे भावनात्मक रूप से महसूस करती है, अच्छे को अलग करती है इसमें खराब से, यह संगीत की प्रकृति को निर्धारित करने और संगीत की प्रकृति और उसके प्रदर्शन की प्रकृति के बीच आंतरिक संबंध को महसूस करने की क्षमता है, यह अपरिचित संगीत के लेखक को कान से पहचानने की क्षमता है, यदि यह है इस लेखक की विशेषता, उनकी रचनाएँ जिनसे छात्र पहले से परिचित हैं। संगीत संस्कृति के इस नाजुक क्षेत्र में छात्रों की शुरूआत के लिए संगीतकारों और उनके कार्यों की पसंद में सावधानी, निरंतरता और बड़ी सटीकता की आवश्यकता होती है। डीबी के अनुसार काबालेव्स्की के अनुसार, संगीत सुनना संगीत की भावनात्मक, सक्रिय धारणा पर आधारित है। हालाँकि, यह अवधारणा "छात्रों की गतिविधियों" तक सीमित नहीं है। संगीत की सक्रिय धारणा सामान्य रूप से संगीत शिक्षा का आधार है, इसकी सभी कड़ियाँ। संगीत अपनी सौन्दर्यात्मक, संज्ञानात्मक और शैक्षिक भूमिका को तभी पूरा कर सकता है जब बच्चे वास्तव में इसके बारे में सुनना और सोचना सीखें। "वह जो संगीत नहीं सुन सकता वह कभी भी इसे वास्तव में अच्छी तरह से बजाना नहीं सीखेगा।"

एक वास्तविक, महसूस की गई और विचारशील धारणा संगीत के साथ परिचित होने के सबसे सक्रिय रूपों में से एक है, क्योंकि यह छात्रों की आंतरिक, आध्यात्मिक दुनिया, उनकी भावनाओं और विचारों को सक्रिय करता है। सुनने के बाहर संगीत एक कला के रूप में अस्तित्व में ही नहीं है। नतीजतन, संगीत कला, जो किसी व्यक्ति की भावनाओं और विचारों, जीवन के विचारों और छवियों को नहीं ले जाती है, बच्चे की आध्यात्मिक दुनिया को प्रभावित नहीं करती है। डी.बी. काबालेव्स्की बताते हैं कि संगीत सुनने की क्षमता को स्कूल की शुरुआत से ही शिक्षित करना शुरू कर देना चाहिए। यह आचरण के नियमों को स्थापित करने से सुगम होता है जो एक कॉन्सर्ट हॉल के वातावरण के करीब के माहौल की कक्षा में शासन करने में योगदान देता है और ध्यान से सुनने के कौशल का उदय होता है। एक प्रसिद्ध शिक्षक, प्रोफेसर, शैक्षणिक विज्ञान के डॉक्टर, शैक्षणिक और सामाजिक विज्ञान अकादमी के सदस्य यू.बी. अलाइव।

बच्चे के व्यक्तित्व की संगीत संस्कृति के तहत, उनका अर्थ है "व्यक्तित्व का व्यक्तिगत, सामाजिक और कलात्मक अनुभव, जो उच्च संगीत आवश्यकताओं के उद्भव को निर्धारित करता है; यह व्यक्तित्व की एक एकीकृत संपत्ति है, जिसके मुख्य संकेतक हैं:

संगीत विकास (संगीत कला के लिए प्यार, इसके प्रति भावनात्मक रवैया, कला संगीत के विभिन्न नमूनों की आवश्यकता, संगीत अवलोकन);

संगीत शिक्षा (संगीत गतिविधि के तरीकों के साथ आयुध, कला इतिहास ज्ञान, कला और जीवन के लिए भावनात्मक और मूल्य रवैया, नए संगीत के लिए "खुलापन", कला के बारे में नया ज्ञान, संगीत और सौंदर्य आदर्शों का विकास, कलात्मक स्वाद, आलोचनात्मक, चयनात्मक रवैया विभिन्न संगीतमय घटनाओं के लिए)।

यू.बी. के अनुसार अलीवा, संगीत शिक्षा के एक फलदायी कार्यक्रम की व्याख्या प्रारंभिक संबंध के प्रतिबिंब के रूप में की जा सकती है: संगीतकार - कलाकार - श्रोता, और इस संबंध के विकास को "संगीतकार" की स्थिति में बच्चों की व्यावहारिक संगीत गतिविधि की प्रक्रिया के रूप में योग्य बनाया जा सकता है। (कामचलाऊ व्यवस्था और रचना के निर्माता), "कलाकार" (संगीत पाठ का दुभाषिया) और "श्रोता" (संगीत का एक टुकड़ा मानते हुए)।

साथ ही, एक व्यक्तिगत संगीत संस्कृति के विकास में आगे बढ़ने के लिए, बच्चे को एक "आलोचक" की स्थिति की भी आवश्यकता होती है, जो संगीत में एक निश्चित चरण के अनुसार अपनी आवश्यकताओं के स्तर के आधार पर संगीत का मूल्यांकन करता है। कलात्मक स्वाद का विकास।

संगीत का एक योग्य "श्रोता" बनने का मार्ग (और जैसा कि आप जानते हैं, यह संगीत की धारणा है जो एक व्यक्तिगत संगीत संस्कृति के गठन का आधार है) काफी लंबा है। हालाँकि, कई मायनों में इसकी सफलता इस बात पर निर्भर करती है कि संगीत शिक्षक बच्चे को कैसे और क्या सिखाता है। "व्यक्तिगत संगीत संस्कृति के विकास के माध्यम से बनाने के मुख्य कार्यों में से एक, - वाई। अलीयेव के अनुसार, - बच्चे को उन पदों पर रखना है, जिसके बिना एक पूर्ण संगीत गतिविधि असंभव है, एक की स्थिति में" श्रोता" और "कलाकार"।

"श्रोता" की स्थिति में बच्चे की गतिविधि

एम। बख्तिन के अनुसार, पाठक का कार्य उस कार्य को समझना है जिस तरह से लेखक ने स्वयं को समझा। पढ़ने के साथ सादृश्य द्वारा, यह तर्क दिया जा सकता है कि "श्रोता" भी "एक छवि बनाता है", और इसे सुनने की मदद से तैयार नहीं समझता है। संगीत पाठ की इस या उस व्याख्या में, हम केवल वही सुनते हैं जो किसी विशेष कलाकार ने लिखित कार्य में योगदान दिया है। यह संगीतकार और कलाकार द्वारा प्रस्तुत एक मील का पत्थर है। यह श्रोता के लिए अभिप्रेत है, जो एक संगीत रचना की कलात्मक छवि को फिर से बनाता है, इसे बनाता है, एक पर्याप्त, लेकिन समान नहीं, लेखक की छवि बनाता है। और इसलिए, हम यह मान सकते हैं कि बच्चे- "श्रोता" संगीत की धारणा की प्रक्रिया में, एक निश्चित सीमा तक, एक संगीत कार्य का "सह-लेखक" भी माना जा सकता है। इस मामले में, प्रजनन के रूप में बच्चों की संगीत गतिविधि का विचार बदल जाता है। और कार्य न केवल संगीत को याद करना है, बल्कि एक रचनात्मक श्रोता को शिक्षित करना है जो काम के आत्म-मूल्यांकन में सक्षम "ध्वनि की दुनिया की संगीतमय तस्वीर" बनाता है।

प्रसिद्ध अभिव्यक्ति: "पुस्तक हमारे साथ बढ़ती है" संगीत संस्कृति के विकास की प्रक्रिया से सीधे संबंधित है। विभिन्न युगों में संगीत की रचनात्मकता से, श्रोता अपने आध्यात्मिक विकास के लिए अलग-अलग चीजें ले सकता है। लेकिन हम इस तथ्य पर विवाद नहीं कर सकते हैं कि "संगीत के काम की धारणा की गहराई मुख्य रूप से एक युवा संगीत श्रोता की रचनात्मक अवधारणा की गतिविधि पर निर्भर करती है, उसके श्रोता की संगीत कला के नमूने की "व्याख्या" की पूर्णता" और है उनकी संगीत संस्कृति का द्योतक है।

"आलोचक" की स्थिति में बच्चे की गतिविधि

संगीत शिक्षा का एक महत्वपूर्ण कार्य बच्चे को लेखक के साथ कलात्मक और संगीतमय "संवाद" की प्रक्रिया में अपनी बात विकसित करना, उससे सहमत होना या तर्क करना, संगीत की दुनिया को अपने साथ सुनना सिखाना है। आंतरिक कान, काम की गुणवत्ता का मूल्यांकन करने के लिए। इसलिए सुनने वाले का काम "आलोचक" के काम में विलीन हो जाता है।

संगीत पाठों में, एक निश्चित प्रकार की श्रोता की संगीत गतिविधि बनती है: काम को सुनना, इसकी मौखिक व्याख्या, सुने गए संगीत पर प्रतिबिंब और इसके बारे में व्यक्त की गई राय और निर्णय। यह गतिविधि श्रोता विश्लेषण और मूल्यांकन के कौशल के विकास में योगदान करती है, जो संगीत संस्कृति के निर्माण में महत्वपूर्ण हैं।

एम. आई. नयडॉर्फ़

"संगीत संस्कृति" की अवधारणा के अध्ययन के लिए।

स्ट्रक्चरल टाइपोलॉजी का अनुभव

(लेख संग्रह में प्रकाशित हुआ था:संगीत कला और संस्कृति। ओडेसा स्टेट कंज़र्वेटरी के वैज्ञानिक बुलेटिन का नाम ए.वी. नेज़दानोवा।- वीआईपी। !. - ओडेसा: एस्ट्रोप्रिंटेंट, 2000. - एस 46-51।वर्गाकार कोष्ठकों की संख्याएँ पुस्तक के संगत पृष्ठ के अंत को दर्शाती हैं। पीडीएफ लेख - पृष्ठ के निचले भाग में परिशिष्ट में।

"संगीत संस्कृति" की अवधारणा हाल ही में अधिक से अधिक सामान्य, कम रूपक और अधिक परिचालन बन गई है। आमतौर पर, उसे संदर्भित किया जाता हैजब शोध या पत्रकारिता ने विषय को संतुष्ट करने के बारे में सोचासंगीत पाठ का nym अध्ययन, इसके वास्तविक ऐतिहासिक भाग्य को दर्शाता है। लक्ष्य,जिसके लिए एक संगीत पाठ बनाया गया है, अर्थात् सामाजिक रूप से महत्वपूर्ण पीढ़ीअर्थ, सार्वजनिक वातावरण में इस पाठ के प्रकट होने की प्रक्रिया में प्राप्त किया जाता है। केवलयहाँ पाठ अपने अस्तित्व की ऐतिहासिक वास्तविकता को प्राप्त करता है।

हालांकि, यह ज्ञात है कि एक संगीत पाठ की अभिव्यक्ति के लिए, सामाजिकपर्यावरण को तकनीकी रूप से तैयार किया जाना चाहिए, उदाहरण के लिए, उपयुक्त बनाकरस्थानों, कलाकारों का प्रशिक्षण, श्रोताओं की योग्यता, संगीत का उत्पादनभाषा के उपकरण, विशेष और लोकप्रिय प्रकाशनों की उपलब्धता आदि।तो, वास्तव में, किसी भी ध्वनि संगीत पाठ को जनता में शामिल किया जाता हैसृजन के बारे में और उसके लिए बहुत जटिल रूप से संगठित संचार के माध्यम से,आवाज, इसके समान ग्रंथों की धारणा, उत्तेजक, इस गतिविधि के दौरान, इसकी संगीत उत्पत्ति में विशिष्ट अर्थ पीढ़ी। दूसरे शब्दों में,संगीत वास्तविक है, अर्थात्। सार्थक, बनाए जाएंगे और केवल समुदायों की एक विशेष संख्या में मौजूद होंगे(समूह, समुदाय), सदस्यता जिसमें एक निश्चित योग्यता शामिल है(कौशल) और बातचीत के नियम।

विचाराधीन समुदाय न केवल अपनी सदस्यता में कमोबेश सीमित हैं, बल्कि उत्पादक, अर्थ-सृजन करने वाले समुदायों के रूप में भी खुद को दिखाते हैं। और यद्यपि, पहली नज़र में, सामाजिक अभिव्यक्ति की प्रक्रिया में पैदा हुए अर्थभाषाएं, व्यक्तिगत और पूरी तरह से मनमानी, वास्तव में, एक सामूहिक चरित्रसंगीत अभिव्यक्ति की प्रक्रियाएं वास्तव में कई गुना बढ़ जाती हैं (मजबूत करती हैं, सामाजिक रूप से बनाती हैं)महत्वपूर्ण) कुछ अर्थ और निजी अनुभव की सीमाओं के भीतर दूसरों को अवरुद्ध करता है। और इसमेंपैराग्राफ में इसमें शामिल जनहित के आधार का पता चलता हैअनौपचारिक (और इसलिए अनाम) संगीत समुदायों को लगातार सामाजिक रूप से महत्वपूर्ण अर्थों के पुनरुत्पादन के जनरेटर के रूप में।

संगीत की दृष्टि से संगठित समुदायों में अनुसंधान रुचि किसके द्वारा निर्धारित होती हैव्यावहारिक उद्देश्य, जिन्हें प्रश्नों के दो समूहों द्वारा वर्णित किया जा सकता है। के पहलेउनमें संगीत कार्यों की संरचना से संबंधित प्रश्न होते हैं, अधिक सटीक रूप से, विषयों के लिएविशिष्ट संरचनाएं जो संगीत ग्रंथों को उनके कार्य की शर्तों के लिए पर्याप्त बनाती हैंइसी संगीतमय रूप से संगठित समुदाय में स्थिति। दूसरा समूहसंगीत की दृष्टि से असंगठित समुदायों के प्रश्नों को उन अर्थों के दृष्टिकोण से संबोधित किया जाता है जो उनमें कामकाज के माध्यम से उत्पन्न होते हैं।संगीतमय काम करता है। अंततः, प्रश्नों के दोनों समूह हमेशा हो सकते हैंदिए गए सामाजिक कामकाज से उत्पन्न अर्थ के प्रश्न से पुष्टि हुईएक संगीत कार्य का - अपने समय की परिस्थितियों में और एक ऐतिहासिक परिप्रेक्ष्य में।

इस समस्या की दृष्टि से (संगीत और इससे उत्पन्न अर्थ),अनौपचारिक संगीत की दृष्टि से संगठित समुदाय लाक्षणिकता के चरित्र को प्राप्त करते हैं, और इन समुदायों का विवरण (समझ) विशेष सामाजिक घटना के रूप मेंउनकी सांस्कृतिक विशेषताओं पर ध्यान केंद्रित करता है। यह वह जगह है जहाँ शब्द आता है। "संगीत संस्कृति" अपने सुपरिभाषित अर्थ में: एक गुणात्मक विशेषता संगीत समुदायों के उस विशिष्ट सामाजिक वातावरण के रूप में जो उपद्रव करता है संगीत ग्रंथों के सामाजिक अस्तित्व के बारे में केट।

"संस्कृति" की अवधारणा (इसका दायरा "संगीत संस्कृति" की अवधारणा के दायरे से व्यापक है) किसी भी स्व-संगठित समुदाय की अभिन्न विशेषता को ठीक करता है इसके अलावा, इसे समेकित करने वाली मुख्य जानकारी की सामग्री से . अन्यथा, हम कह सकते हैं कि संस्कृति समाज की सूचनात्मक विशेषता है। सूचना के तहतयहां इसे "अनिश्चितता के उन्मूलन के मात्रात्मक उपाय" के रूप में नहीं समझा जाना चाहिए, क्योंकि यह हैसाइबरनेटिक्स में स्वीकृत, और एक या दूसरे के निपटान में साधनों की समग्रताth समुदाय, और इसके द्वारा स्वयं-संगठन के लिए निर्देशित, अपने स्वयं के अराजक को खत्म करने के लिएकिसी दिए गए समाज के लिए विशिष्ट आंतरिक व्यवस्था स्थापित करने के लिए। द्वारायह स्पष्ट है कि इन साधनों की मौलिकता सीधे संगठन की मौलिकता को प्रभावित करती हैसमाज। यही कारण है कि संस्कृति को जब बाहर से देखा जाता है, तो उसे अग्रभाग माना जाता हैसमाज, इसकी उपस्थिति, इसकी व्यक्तिगत विशेषताएं।

लेकिन सूचना एक प्रक्रिया है। सामाजिक व्यवस्थाओं में - निरंतर प्रवाहितअराजकता का विरोध करने की प्रक्रिया। इसका अर्थ उन विचारों, संबंधों और अर्थों को लगातार पुन: पेश करना है जिन्हें मौलिक माना जाता हैइस समुदाय में। इसलिए निरंतर प्रजनन की आवश्यकताएक ही प्रकार की जानकारी। पर XX सदी, यह स्पष्ट हो गया कि मिथक एक ही प्रकार के हो सकते हैं,टीवी समाचार सहित परियों की कहानियां, उपन्यास, पेंटिंग, वास्तुशिल्प रूप, सिम्फनी, वैज्ञानिक सिद्धांत आदि। और मौसम समाचार।

संगीत संस्कृति सामान्य के लिए सूचना समर्थन की सामान्य प्रणाली का हिस्सा हैसंपत्ति, सार्वजनिक जीवन को व्यवस्थित करने के साधनों में से एक। संगीत cul . की विशिष्टताइसमें पर्यटन, प्रतिनिधित्व, संबंधों के प्रजनन का आदेश देने का मुख्य साधन है,किसी दिए गए समुदाय के लिए आवश्यक के रूप में पहचाने जाने वाले अर्थ संगीत के निर्माण, पुनरुत्पादन और धारणा के बारे में संबंध हैं। इस दृष्टिकोण से, ध्वनि संगीत पाठ एक लक्ष्य नहीं है, बल्कि सामाजिक संपर्क का एक साधन है, एक मध्यस्थ कड़ी है, एक मध्यस्थ है। तो गेंद फ़ुटबॉल मैदान पर सभी बाईस खिलाड़ियों, इस मैच के सभी दर्शकों, और, साथ ही, उन सभी के संबंधों का मध्यस्थ है जिनके लिए इसका अंतिम स्कोर महत्वपूर्ण होगा।

रोमांस और सिम्फनी भी विभिन्न समानताओं का मध्यस्थता करते हैं। लेकिन इन समुदायों (इन समुदायों की संस्कृतियों के बीच, उनकी "संगीत संस्कृतियों" के बीच) के बीच मूलभूत अंतर क्या है, यह इतना स्पष्ट नहीं है। दोनों संगीत संस्कृतियों में, लेखक, कलाकार और श्रोता के पदों को आसानी से पहचाना जा सकता है। और इसमें वे समान हैं। संगीत संस्कृतियों के बीच अंतर उनके विशिष्ट क्रम में, "संगीतकार", "कलाकार", "श्रोता" के पदों के पारस्परिक संगठन में पाए जाते हैं, अर्थात। इन समुदायों की संरचनात्मक विशेषताओं में।

संगीतमय रूप से संगठित समुदाय में काम करने वाला संगीत पाठ, जिसने इसे जन्म दिया (जिसे इसकी संगीत संस्कृति द्वारा वर्णित किया जा सकता है), न केवल इसमें रहता है, बल्कि इस समुदाय की संरचना को इसके तरीके से पुन: पेश करता है (पुष्टि करता है, वास्तविक करता है) अस्तित्व। एक संगीत पाठ की "सही" कार्यप्रणाली इस प्रकार की संस्कृति में निहित संरचना के प्रकार को पुन: पेश करती है। इसका मतलब है कि एक या दूसरी संगीत संस्कृति अभी भी जीवित है और क्योंकि संगीत ग्रंथ अपने नियमों के अनुसार बनाए और कार्य करते हैं, वास्तव में समाज में कार्य करते हैं। एक संगीत पाठ की इस संपत्ति में - कार्य करना, "इसकी" संगीत संस्कृति की संरचना को पुन: पेश करना - इसकी अर्थ-उत्पादक क्षमता का स्रोत है।

बेशक, एक संगीत पाठ, किसी भी कलात्मक पाठ की तरह, संभावित रूप से अस्पष्ट है। लेकिन इस मामले में, हम केवल उन अर्थों में रुचि रखते हैं जो एक निश्चित प्रकार के संगीत ग्रंथों की संरचनाओं के बीच बहुत पत्राचार के कारण उत्पन्न होते हैं, एक तरफ, और संगीत संस्कृतियों की संगत संरचना - यदि हम उन्हें अलग करते हैं उनके वाहकों को दी जाने वाली मुख्य कार्यात्मक स्थितियों में पारस्परिक क्रम का प्रकार: "संगीतकार", "कलाकार" और "श्रोता" की स्थिति। दूसरे शब्दों में, हम व्यक्तियों और समूहों के अर्थों और अनुभवों में रुचि रखते हैं जो इन पदों में से किसी एक के साथ उनकी पहचान से विकसित होते हैं, और परिणामस्वरूप, अन्य पोजिशनर्स के साथ संबंधों के उनके अनुभव, जिस तरह से यह है " इस समुदाय के सदस्यों को इसकी संगीत संस्कृति द्वारा निर्धारित"।

अर्थ जो हमें रूचि देते हैं, हालांकि वे संगीत वातावरण में उत्पन्न होते हैं, उनकी सामाजिक-सांस्कृतिक प्रकृति में बहुत व्यापक हैं, क्योंकि उल्लिखित स्थितियां न केवल संगीत संचार में संबंधों को ठीक करती हैं। उदाहरण के लिए, कई संस्कृतियों में "लेखकत्व" की स्थिति को किसी व्यक्ति के भाग्य या जीवनी के विचार के लिए भी जिम्मेदार ठहराया जा सकता है। यदि पुरातनता में व्यक्ति को अपने स्वयं के रचनात्मकता की प्राप्ति के रूप में अपने जीवन पथ का विचार है, तो रोमांटिकतावाद की संस्कृति में, पात्र और उनके लेखक अपनी जीवनी को सीमा में, अपनी स्वतंत्र रचना के रूप में महसूस करने का प्रयास करते हैं। तदनुसार, यह माना जाना चाहिए कि रूमानियत की संगीत संस्कृति में, लेखकत्व पर जोर दिया जाना चाहिए और यहां तक ​​​​कि हाइपरट्रॉफिड भी होना चाहिए, जबकि पुरातनता में संगीतमय "लेखकत्व" सामान्य रूप से अनदेखा रहना चाहिए।

संगीत संस्कृतियों के बीच अंतर का एक और पक्ष उन संरचनाओं में अंतर होना चाहिए जो संगीत ग्रंथों की इन समानताओं में मध्यस्थता करते हैं। दूसरे शब्दों में, रोमांस की संरचना को संगीत समुदाय के प्रकार की संरचना के अनुरूप होना चाहिए कि रोमांस, एक प्रकार के संगीत पाठ के रूप में, मध्यस्थता करता है और जिसमें रोमांस कुछ सामाजिक रूप से महत्वपूर्ण अर्थ उत्पन्न करता है (और जिसके लिए, कम से कम, यह उदासीन या विदेशी नहीं है)। सिम्फनी के बारे में भी यही कहा जा सकता है। साथ ही, उदाहरण के लिए यहां इस्तेमाल की जाने वाली शैली परिभाषाएं (रोमांस, सिम्फनी) केवल प्रतिनिधित्व करती हैं, लेकिन ग्रंथों के प्रकार (या वर्ग) को समाप्त नहीं करती हैं जो संरचनात्मक रूप से उनके द्वारा मध्यस्थता वाली संगीत संस्कृतियों के संबंधित प्रकार (वर्ग) से मेल खाते हैं। इस मामले में, "रोमांस प्रकार" या "सिम्फनी प्रकार" के कार्यों की बात करना अधिक सटीक होगा।

अब संगीत ग्रंथों की औपचारिक संरचनाओं और संबंधित संगीत संस्कृतियों के बीच संबंधों की ओर मुड़ते हुए, हम मुख्य विरोध की रूपरेखा तैयार करते हैं: एक ओर, ऐसे संगीत ग्रंथ हैं जो अपनी पूर्णता में स्थिर हैं, स्वयं के लिए प्रामाणिक हैं (हम उन्हें "चीज" कहते हैं ", "काम"), दूसरी ओर - संगीत ग्रंथ जिनमें एक स्पष्ट मूल नहीं है, प्रत्येक प्रदर्शन के दौरान कम या ज्यादा बदल जाता है। तदनुसार, संगीत समुदायों (संगीत संस्कृतियों) की संरचनाएं जिनमें ऐसे ग्रंथ कार्य करते हैं, अलग-अलग हो जाते हैं: संगीत संस्कृतियों में पूर्ण संगीत ग्रंथ स्पष्ट रूप से गठित लेखक की स्थिति "संगीतकार" के साथ कार्य करते हैं, जबकि परिवर्तनीय संगीत ग्रंथों के साथ संगीत संस्कृतियों में, लेखकत्व है प्रकट नहीं, लेकिन प्रदर्शन समारोह। पहले सन्निकटन के रूप में, कोई कह सकता है कि पूर्ण ग्रंथ (वे संगीत संकेतन द्वारा दर्ज किए गए हैं) "लेखक की" संगीत संस्कृतियों की संरचना के अनुरूप हैं, जबकि परिवर्तनशील (रिकॉर्ड नहीं किए गए) संगीत ग्रंथ "प्रदर्शन" संगीत संस्कृतियों के ढांचे के भीतर बनाए जाते हैं।

आगे का विश्लेषण औपचारिक रूप से हमें दो प्रकार की "लेखक की" संगीत संस्कृतियों के बीच अंतर की ओर ले जाता है। ये एक स्वतंत्र प्रदर्शन समारोह (संगीत कार्यक्रम के मंच पर कलाकार) और एक श्रोता समारोह (हॉल में) वाले समुदाय हैं। आइए इसे "संगीत संस्कृति के संगीत कार्यक्रम" के रूप में नामित करें। और ऐसे समुदाय जिनमें श्रोता और कलाकार आसानी से एक ही स्थान (सैलून, घर में कमरा) पर कब्जा करके स्थान बदल लेते हैं। इसे एक प्रकार का घरेलू, शौकिया संगीत-निर्माण, "एक शौकिया प्रकार की संगीत संस्कृति" होने दें।

"प्रदर्शन" संगीत संस्कृतियों का एक औपचारिक विश्लेषण भी एक मामले में, संगीत समुदायों में अंतर करना संभव बनाता है, जहां, जबकि लेखक स्वयं व्यक्त नहीं किया जाता है, उसका कार्य, अपने स्वयं के साथ, एक कलाकार-सुधारकर्ता द्वारा लिया जाता है जो इकट्ठे श्रोताओं (जैज़ क्लब, पूर्व में टीहाउस) के सामने प्रदर्शन करता है - " संगीत संस्कृति का सुधारात्मक प्रकार"। अंत में, लोक संगीत-निर्माण (अनुष्ठानों का संगीत पक्ष) में, किसी भी कार्य को औपचारिक रूप नहीं दिया जाता है - लोककथाओं को लेखक, कलाकार या श्रोता की विशेषज्ञता ("लोकगीत प्रकार की संगीत संस्कृति") का पता नहीं होता है।

इस प्रकार, समाज में संगीत संचार की औपचारिक संरचना का सबसे सरल विश्लेषण हमें चार प्रकार के निर्माण संचार संबंधों को अलग करने की अनुमति देता है - तीनों कार्यों के समकालिक संलयन से (लोककथाओं में, पुरातन प्रोटोटाइप के करीब) उनकी विशिष्ट विशेषज्ञता (संगीत समुदायों में) जो शास्त्रीय संगीत संगीत की खेती करते हैं)। प्रदर्शन)। यह याद रखना चाहिए कि, जैसा कि हमने ऊपर स्थापित किया है, सामाजिक-संगीत संरचना के इन रूपों में से प्रत्येक को इस तरह से "निर्मित" किया जाता है कि समाज में अर्थ उत्पन्न करने के लिए इसमें एक आयोजन (स्व-संगठन) प्रभाव होता है।

इसलिए, संगीत की दृष्टि से संगठित समुदाय संगीत ग्रंथों के कामकाज के लिए और उनके कामकाज की प्रक्रिया से उत्पन्न अर्थों के लिए मौजूद हैं। . और ये समानताएं केवल तभी तक मौजूद हैं जब तक संगीत पाठ इन रिश्तों की मध्यस्थता करता है। एक बेख़बर व्यक्ति को शास्त्रीय संगीत समारोह, जैज़ उत्सव या रॉक शो के लिए टिकट खरीदने का अधिकार है, लेकिन हॉल में मात्र उपस्थिति इस व्यक्ति को संबंधित संगीत समुदाय का सदस्य नहीं बना देगी जब तक कि प्रकट होने की प्रक्रिया नहीं हो जाती। संगीत उसके लिए अर्थपूर्ण है। लेकिन ठीक उसी तरह, अर्थ की पीढ़ी का उल्लंघन किया जाएगा, अगर किसी कारण से, संगीत पाठ एक संगीत रूप से संगठित समुदाय में स्थानांतरित हो जाता है या, जो एक ही बात है, एक समुदाय के लिए एक विदेशी के साथ संगीत संस्कृति।

लोककथाओं की संगीत संरचना में उत्पन्न पाठ, जब इसे संगीत कार्यक्रम के चरण में "लाया" जाता है, अपरिहार्य विकृतियों के अधीन होता है, इसे एक अलग संगीत संस्कृति ("संगीत कार्यक्रम प्रकार") की आवश्यकताओं के अनुकूल बनाता है। बेशक, "परिचय" की विधि के आधार पर संशोधन अलग-अलग होंगे। यदि, कहते हैं, एक ओपेरा गायक एक धार्मिक संगीत कार्यक्रम में "लोक गीत" का प्रदर्शन करता है, तो पाठ एक अलग संरचनात्मक और अन्तर्राष्ट्रीय डिजाइन की दिशा में बदल जाता है, एक भावनात्मक और अर्थपूर्ण अर्थ में रोमांस के करीब पहुंच जाता है। यदि लोककथाओं का एक ही टुकड़ा मंच पर अपने शौकिया कलाकारों द्वारा प्रस्तुत किया जाता है, जिन्होंने अपने प्राकृतिक वाहक से पाठ लिया है, तो यहां विकृतियां अपरिहार्य हैं, उदाहरण के लिए, पाठ की एक स्वतंत्र अभिन्न इकाई के रूप में टुकड़े की धारणा। और दर्शकों के लिए प्रदर्शन की तैनाती लोककथाओं में स्वाभाविक रूप से निहित एक विशिष्टता का मुखौटा बनाती है - आंतरिक "परिपत्र" संचार के अधीनता और तदनुसार, "सार्वभौमिक" अर्थ पर इसका ध्यान केंद्रित होता है।

रोमांस, "होम म्यूजिक-मेकिंग" की संगीत संस्कृति में कार्य करने के लिए पैदा हुआ, लोकगीत किया जा रहा है, आंतरिक स्तर और औपचारिक ढीलापन से गुजरता है, और एक संगीत कार्यक्रम की स्थिति में नाटकीयकरण या अतिशयोक्ति की ओर बढ़ना शुरू हो जाता है, इसे एरिया के प्रकार के करीब लाता है ( यह उन संगीतकारों में स्पष्ट रूप से देखा जाता है जिन्होंने मंच पर शैली रोमांस को "बाहर लाने" की मांग की, उदाहरण के लिए, मुसॉर्स्की, त्चिकोवस्की, राचमानिनॉफ)।

सबसे ग्रहणशील "कामचलाऊ संगीत संस्कृति" का प्रकार है, जो न केवल अपने स्वयं के, बल्कि उधार पैटर्न का उपयोग करने में सक्षम है। चोपिन द्वारा प्रस्तावना, पीआई त्चिकोवस्की द्वारा पियानो कॉन्सर्टो का विषय। "अरे, चलते हैं" एल्याबयेव की "नाइटिंगेल" - विभिन्न संगीत और सांस्कृतिक प्रकारों के संगीत ग्रंथ - जैज़ इम्प्रोवाइज़ेशन के लिए थीम के रूप में काम करने के लिए उपयुक्त साबित हुए, जैसे, ड्यूक एलिंगटन के "देशी" जैज़ "कारवां"। लेकिन ठीक और केवल विषयों से और गुण से और इसकी लोकप्रियता के समय के लिए। विषयों के स्रोत अपनी औपचारिक संरचना खो देते हैं।

एक अलग सांस्कृतिक संगीत वातावरण में ग्रंथों का स्थानांतरण, इसलिए, उद्धरण के रूप में व्याख्या की जानी चाहिए, लेकिन स्वयं हस्तांतरित पाठ की नहीं, बल्कि उस संस्कृति की जो उद्धृत पाठ का प्रतिनिधित्व करती है। उदाहरण के लिए, फोर्थ सिम्फनी के समापन में त्चिकोवस्की के लोक राग "इन द फील्ड ए बर्च स्टैंड" के उद्धरण का निकटतम अर्थ दो प्रकार की संगीत संस्कृति की तुलना करना था, जिसे नृत्य और सिम्फनी द्वारा दर्शाया गया था, "लोकगीत" और " संगीत समारोह"। ओपेरा और सिम्फोनिक स्कोर में रोमांस की शुरूआत भी दो प्रकार की संगीत संस्कृति के जुड़ाव की स्थिति पैदा करती है। ठीक वही उद्धरण संगीत कार्यक्रम के प्रदर्शनों की सूची से "स्वयं के लिए गुनगुनाता है" (लोकगीतीकरण) है।

एक अलग संस्कृति के संगीतमय वातावरण में संगीत ग्रंथों को उद्धृत करते समय हर बार उत्पन्न होने वाला संघर्ष संगीत संस्कृतियों की संरचना और उनके वातावरण में उत्पन्न संगीत ग्रंथों की संरचना के बीच मौजूद पत्राचार की महत्वपूर्ण डिग्री का स्पष्ट विचार देता है। आगे के शोध का कार्य यह दिखाना है कि "अपनी" संगीत संस्कृति में पाठ के कामकाज की प्रक्रिया क्यों और कैसे एक ही समय में अर्थ निर्माण की प्रक्रिया बन जाती है।

© एम। आई. नजदोर्फ़, 2000

मॉस्को स्टेट यूनिवर्सिटी ऑफ कल्चर एंड आर्ट्स

सांस्कृतिक अध्ययन और संग्रहालय अध्ययन संस्थान

व्यक्तित्व पर आधुनिक संगीत संस्कृति का प्रभाव

(रॉक एंड रोल के उदाहरण से)

कोर्स वर्क

द्वारा पूरा किया गया: वोल्कोवा ई.ओ.

प्रथम वर्ष के छात्र 126 समूह

सुपरवाइज़र:

लिओनटिफ

मास्को 2009

परिचय …………………………………………………………………………………3

अध्याय मैं . संगीत की बारीकियां। संगीत संस्कृति क्या है? .......................................4

अध्याय द्वितीय . रॉक एंड रोल का इतिहास ………………………………………………….7

अध्याय तृतीय . साठ के दशक के प्रसिद्ध लोग………………………………………12

अध्याय चतुर्थ . मानव शरीर पर रॉक संगीत का प्रभाव………………………….16

अध्याय वी . रॉक एंड रोल का नकारात्मक प्रभाव …………………………………………….19

अध्याय छठी . रॉक संगीत के सकारात्मक पहलू ……………………………………… ............21

निष्कर्ष…………………………………………………………………….23

स्रोतों और साहित्य की सूची

परिचय।

इस कार्य का उद्देश्य व्यक्तित्व पर संगीत के प्रभाव का अध्ययन करना है। इस काम का अधिकांश हिस्सा 60 के दशक के युवाओं पर रॉक संगीत के प्रभाव की जांच के लिए समर्पित है। मैं विभिन्न देशों में रॉक एंड रोल संगीत के विकास के बारे में विस्तार से जानना चाहता हूं। साथ ही इस काम में, मैं यह जानना चाहता हूं कि हम हर दिन जो संगीत सुनते हैं वह हम में से प्रत्येक के जीवन में क्या भूमिका निभाता है और हम जिस संगीत संस्कृति का पालन करते हैं वह हमारी जीवन शैली, हमारे विश्वदृष्टि, हमारे विश्वदृष्टि को कैसे प्रभावित करता है। मैं संयुक्त राज्य अमेरिका और इंग्लैंड के जीवन के 60 के दशक पर विचार करते हुए इस प्रश्न को स्पष्ट करना चाहता हूं, क्योंकि इस समय इन देशों में "संगीत क्रांति" हुई थी, जिससे मेरा मतलब रॉक एंड रोल और उन लोगों के उद्भव से है। समूह जो संगीत पर एक बड़ी छाप छोड़ सकते हैं। मैं 60 के दशक की प्रसिद्ध संगीत हस्तियों की आत्मकथाओं का विश्लेषण करके अपनी समस्या का समाधान करना चाहता हूं।

यह ज्ञात है कि विकास के किशोर काल में, संगीत संस्कृति एक निश्चित स्तर तक पहुँच जाती है। युवा लोग अपने स्वयं के संगीत स्वाद को विकसित करते हैं, संगीत के हितों और वरीयताओं का उनका अपना चक्र दिखाई देता है, जो धीरे-धीरे स्थिरता प्राप्त करता है। कई लोगों के अवलोकन हमें यह कहने की अनुमति देते हैं कि आज के अधिकांश युवा रॉक संगीत के प्रति उत्साही हैं। रॉक हमारे समय की सामाजिक वास्तविकता है। समकालीन संगीत को संगीत कला के एक अलग क्षेत्र के रूप में माना जाता है जो स्वायत्त रूप से मौजूद है।

कार्य में एक परिचय, छह अध्याय, एक निष्कर्ष और संदर्भों की एक सूची शामिल है। पहला अध्याय आधुनिक युवाओं के जीवन में संगीत की भूमिका और स्थान को परिभाषित करने और "संगीत संस्कृति" की अवधारणा की पहचान करने के लिए समर्पित है। दूसरा अध्याय रॉक एंड रोल की उत्पत्ति, विभिन्न देशों में इसके विकास से संबंधित है और इसकी विशेषताओं को समग्र रूप से बताता है। तीसरा अध्याय उन प्रसिद्ध लोगों के जीवन से तथ्य प्रदान करेगा जिन्होंने रॉक संगीत बजाया और अपने देश के जीवन में भी बड़ी भूमिका निभाई। अंतिम तीन अध्यायों में संगीत संस्कृति के रूप में रॉक एंड रोल के नकारात्मक और सकारात्मक पहलुओं पर विचार किया जाएगा।

अध्याय मैं

संगीत की बारीकियां। संगीत संस्कृति क्या है?

आधुनिक समाज में, संगीत अंतिम स्थान से बहुत दूर एक विशेष स्थान रखता है। यहां तक ​​कि प्राचीन दार्शनिकों ने भी किसी व्यक्ति पर संगीत के सकारात्मक प्रभाव का वर्णन किया है। अरस्तू ने तर्क दिया कि संगीत की मदद से मानव चरित्र के निर्माण को एक निश्चित तरीके से प्रभावित किया जा सकता है। एविसेना ने संगीत को आहार के साथ-साथ एक गैर-दवा उपचार कहा। भारत में, कई अस्पतालों में रोगनिरोधी के रूप में राष्ट्रीय मंत्रों का प्रदर्शन किया जाता है। संगीत का लोगों के व्यवहार, जीवन और स्वास्थ्य पर महत्वपूर्ण प्रभाव पड़ता है। संगीत और उसकी लय का व्यापक रूप से अनुष्ठानों और अन्य पंथ गतिविधियों के दौरान उपयोग किया जाता था। इसका एक उल्लेखनीय उदाहरण दुनिया के विभिन्न लोगों के बीच जाना जाने वाला शैमैनिक अभ्यास है। जादूगर के टैम्बोरिन की विशेष रूप से चयनित लयबद्ध ताल ने स्वयं और अन्य प्रतिभागियों दोनों की चेतना की विशेष अवस्थाओं में प्रवेश में योगदान दिया।

हम जिस दुनिया में रहते हैं, वह विभिन्न प्राकृतिक और कृत्रिम ध्वनियों से भरी हुई है, लेकिन ध्वनियाँ अपने आप में संगीत नहीं हैं। संगीत तब पैदा होता है जब कोई व्यक्ति इन ध्वनियों को व्यवस्थित करना शुरू करता है। कोई भी संगीत जिसे हम प्रतिदिन सुनते हैं, वह न केवल हमारे कानों का मनोरंजन और प्रसन्नता प्रदान कर सकता है, बल्कि यह संगीत व्यक्ति की मनो-भावनात्मक और शारीरिक स्थिति पर ध्यान देने योग्य (सकारात्मक और नकारात्मक दोनों) प्रभाव डालने की क्षमता रखता है। आधुनिक समाज में, संगीत को अवधारणाओं द्वारा परिभाषित किया जाता है - "फैशनेबल" या "फैशनेबल नहीं"। प्राचीन काल में, संगीत ने सुखदायक, मनोरंजक भूमिका निभाई, लेकिन अब इसका अर्थ काफी बदल गया है। ध्वनि रिकॉर्डिंग के आविष्कार के साथ, संगीत एक ऐसी वस्तु बन जाता है जिसे खरीदा या बेचा जा सकता है। यह उत्पाद, बदले में, एक बाजार बनाता है जो आपको भारी मुनाफा कमाने की अनुमति देता है। केवल संगीत का प्रसारण करने वाले बड़ी संख्या में रेडियो स्टेशन थे। 1981 में, एमटीवी संगीत टेलीविजन संयुक्त राज्य में दिखाई दिया, जो 24 घंटे प्रसारित होता था। इस प्रकार संगीत मानव जीवन का अभिन्न अंग है। अब संगीत की विभिन्न शैलियों, दिशाओं और शैलियों की एक बड़ी संख्या है। आधुनिक समाज में संगीत की कोई अग्रणी विधा नहीं है। अंतर संगीत में ही नहीं, सुनने वाले में होता है। संगीत शैलियों में अलग-अलग मूल्य स्पेक्ट्रम होते हैं जो दर्शकों द्वारा न केवल कला से जुड़ी घटनाओं के रूप में, बल्कि वास्तविक जीवन से भी उनकी धारणा को निर्धारित करते हैं। मेरी राय में, प्रत्येक श्रोता व्यक्तिगत है, प्रत्येक व्यक्ति अपने तरीके से कुछ मानता है। संगीत लोगों की भावनात्मक स्थिति को स्पष्ट रूप से व्यक्त करने में सक्षम है।

संगीत संस्कृति संगीत मूल्यों, उनके वितरण और भंडारण का एक समूह है। मेरे विचार से आधुनिक समाज में संगीत केवल मनोरंजन ही नहीं, आत्म-अभिव्यक्ति का साधन भी है। संगीत के आधार पर, लोग, और सबसे अधिक बार युवा, विभिन्न उपसंस्कृतियों में एकजुट होते हैं, अपनी तरह की खोज करते हैं। लेकिन संगीत द्वारा ऐसी भूमिका निभाई जाती है जो सामूहिक स्वाद के विपरीत होती है।

संगीत के मुख्य तत्व और अभिव्यंजक साधन माधुर्य, लय, मीटर, गति, गतिकी, समय, सामंजस्य, इंस्ट्रूमेंटेशन और बहुत कुछ हैं।

संगीत, मेरी राय में, सबसे प्रतीकात्मक कला है, क्योंकि यह किसी व्यक्ति और उसके मानस को शब्दों या दृश्य छवियों का उपयोग किए बिना प्रभावित करता है। संगीत को प्रतीकात्मक सोच के उच्चतम तरीकों में से एक माना जाता है। दार्शनिक अट्टाली के अनुसार, "संगीत ध्वनियों में लिपटे समाज के कंपन और प्रतीक हैं।" ग्रीक पौराणिक कथाओं में, "संगीत" शब्द मूसा के साथ जुड़ा हुआ है - ज़ीउस की नौ बेटियां और स्मृति की देवी मेमोसिन। यूरेनिया और क्लियो के अपवाद के साथ, मूसा गायन, नृत्य और संगीत से जुड़े हुए हैं। वे देवताओं के कार्यों के बारे में गाते हैं, और वे भूत, वर्तमान और भविष्य को जानते हैं। एक अन्य परंपरा ने मूसा को जादुई संगीतकार ऑर्फियस के साथ जोड़ा।

हम में से अधिकांश लोग हर दिन विभिन्न प्रकार के संगीत सुनते हैं, भले ही हम इसे उद्देश्य से नहीं करते हैं, हमें इसे सुनना होगा, उदाहरण के लिए, कार, बस, सुपरमार्केट, सिनेमा, सड़क पर, डिस्को में, बार में या रेस्तराँ - हम जहाँ भी हों, संगीत की ध्वनि के साथ हमारे साथ होते हैं। साथ ही शायद ही कोई इस बारे में सोच सकता है कि इसका हमारी आंतरिक दुनिया और उसकी बाहरी अभिव्यक्ति पर कितना बड़ा प्रभाव पड़ता है, यानी। व्यवहार। अपनी लय, माधुर्य, सामंजस्य, गतिकी, विभिन्न प्रकार के ध्वनि संयोजनों के साथ, संगीत भावनाओं और मनोदशाओं के एक अंतहीन सेट को व्यक्त करता है। इसकी ताकत इस बात में निहित है कि मानव मन की उपेक्षा करते हुए, यह सीधे आत्मा में, अवचेतन में प्रवेश करता है और व्यक्ति की मनोदशा बनाता है। इसकी सामग्री के अनुसार, संगीत किसी व्यक्ति में विभिन्न प्रकार की भावनाओं, आग्रहों और इच्छाओं को जगा सकता है। यह आराम कर सकता है, शांत कर सकता है, उत्तेजित कर सकता है, परेशान कर सकता है, लेकिन ये केवल वे प्रभाव हैं जो हमारे दिमाग द्वारा पहचाने जाते हैं। साथ ही, हम इस प्रभाव की गुणवत्ता के आधार पर अपने व्यवहार को नियंत्रित करते हैं। यह सब होशपूर्वक होता है, सोच और इच्छा की भागीदारी से। लेकिन ऐसे प्रभाव हैं जो हमारी चेतना के "पास" से गुजरते हैं, हमारे मस्तिष्क की गहराई में बसते हैं और हमारे सभी अर्थों और उद्देश्यों का एक महत्वपूर्ण अनुपात बनाते हैं। बेशक, मानव "मैं" और उसके व्यवहार के निर्माण में संगीत की भूमिका को अतिरंजित नहीं किया जा सकता है: बाहरी और आंतरिक दोनों तरह के कई कारक हैं, जो हमारे आंतरिक दुनिया को प्रभावित करते हैं। लेकिन चेतना के निर्माण में संगीत की भागीदारी के तथ्य से इनकार नहीं किया जा सकता है।

आज के कई युवा, संगीत की सभी विधाओं को ध्यान में रखते हुए, अपनी समृद्ध आंतरिक दुनिया और अपनी अन्यता को प्रदर्शित करने की कोशिश करते हुए, ऐसी शैलियों को अपनी प्राथमिकता देते हैं जो किसी तरह समाज में स्वीकृत मानदंडों के खिलाफ जाती हैं। इन शैलियों में रॉक शामिल है, जिसमें कई अभिव्यक्तियाँ हैं (हार्ड रॉक, पंक रॉक, आर्ट रॉक)। रॉक की उत्पत्ति 60 के दशक की शुरुआत में पश्चिम में हुई थी, जिसका नाम है रॉक एन रोल।

अध्याय द्वितीय

रॉक एंड रोल का इतिहास

रॉक एंड रोल (रॉक एंड रोल) - का अंग्रेजी से शाब्दिक अनुवाद "स्विंग एंड स्पिन" है। यह लोकप्रिय संगीत की शैलियों में से एक है जिसकी उत्पत्ति 1950 के दशक में अमेरिका में हुई थी और यह रॉक संगीत के विकास का प्रारंभिक चरण था। यह रॉक एंड रोल के संगीत और रॉक एंड रोल की शैली में एक संगीत रचना के लिए किया जाने वाला नृत्य भी है। रॉक एंड रोल की विशेषता तेज गति, ढेर सारी कठबोली (ज्यादातर नीग्रो) और संगीत प्रदर्शन की स्वतंत्रता है। मुख्य वाद्ययंत्र इलेक्ट्रिक गिटार, बास, ड्रम और पियानो हैं।

प्रारंभ में, "रॉक एंड रोल" शब्द क्लीवलैंड के एलन फ्राइड (अमेरिकी रेडियो स्टेशनों में से एक का डिस्क जॉकी) द्वारा गढ़ा गया था। संयुक्त राज्य अमेरिका में 50 के दशक की शुरुआत में रिदम और ब्लूज़ शैली में एक लोकप्रिय गीत था, जिसमें एक ऐसा वाक्यांश था: "हम" रॉक करेंगे, हम "रोल करेंगे", जिसका मोटे तौर पर अर्थ है "हम रॉक करेंगे, हम स्पिन करेंगे" ". इस वाक्यांश का प्रयोग एलन फ्रीड द्वारा किया गया था, जिसमें उन्होंने रेडियो पर प्रसारित होने वाले नए संगीत का वर्णन किया था। "रॉक एंड रोल" शब्द तुरंत प्रयोग में आया। एलन फ्राइड ने न केवल "रॉक एंड रोल" शब्द का आविष्कार किया, बल्कि एक नई संगीत शैली को भी सख्ती से बढ़ावा दिया। एक सेलिब्रिटी बनने के बाद, उन्होंने कई फिल्मों में अभिनय किया, उनमें से सबसे प्रसिद्ध "डांस रॉक अराउंड द क्लॉक", जिसमें बिल हेली ने अभिनय किया। लेकिन अंत में, 1960 में फ्राइड को उनकी सक्रिय रिश्वतखोरी के लिए कारावास की सजा सुनाई गई और शराब की वजह से उनकी मृत्यु हो गई।

रॉक एंड रोल उस समय अमेरिका में आम संगीत की विभिन्न शैलियों के मिश्रण का परिणाम था। लगभग एक साथ, एक दूसरे से स्वतंत्र रूप से, अमेरिकी दक्षिण के अज्ञात श्वेत और अश्वेत संगीतकारों ने ताल और ब्लूज़, बूगी-वूगी और देश का मिश्रण करना शुरू कर दिया, जिससे अब तक अज्ञात ध्वनियाँ प्राप्त हुईं। बिल हेली (पहले "शुद्ध" रॉक एंड रोल कलाकार) ने 1950 के दशक की शुरुआत में ब्लैक स्लैंग का इस्तेमाल मुख्य और मुख्य के साथ किया था। जैज़ और बूगी-वूगी के मिश्रण के साथ देशी संगीत पर निर्मित उनके लयबद्ध गीतों में। उनके दो एकल "रॉक अराउंड द क्लॉक" (अप्रैल 1954 में रिकॉर्ड किए गए) और "शेक रैटल एंड रोल" ने रॉक एंड रोल की व्यापक लोकप्रियता में निर्णायक भूमिका निभाई, जो तब तक केवल एक संगीत प्रयोग था और केवल श्रोताओं के लिए जाना जाता था स्थानीय रेडियो स्टेशन। बेशक, संगीत की इस शैली के जन्म की शुरुआत को निर्धारित करना बहुत मुश्किल है, लेकिन विशेषज्ञ अक्सर रॉक एंड रोल की प्रधानता "रॉकेट 88" गीत को देते हैं, जिसे इके टर्नर द्वारा 1951 में सैम फिलिप्स स्टूडियो में रिकॉर्ड किया गया था। नतीजतन, रॉक एंड रोल की क्लासिक ध्वनि 1954-55 में बनाई गई थी, जब बिल हेली, एल्विस प्रेस्ली, चक बेरी, लिटिल रिचर्ड और फैट्स डोमिनोज़ ने इस दिशा की नींव रखने वाले गीतों को रिकॉर्ड किया। प्रेस्ली ने देश और ब्लूज़ के साथ साहसपूर्वक प्रयोग किया, फ़ैट्स डोमिनोज़ ने अंततः साबित कर दिया कि उनका न्यू ऑरलियन्स पियानो बूगी वूगी रॉक एंड रोल था; पियानोवादक लिटिल रिचर्ड की तूफानी धड़कन और उन्मादी चीखें रॉक की विद्रोही प्रकृति की सर्वोत्कृष्टता हैं, जबकि चक बेरी के गिटार कॉर्ड और मजाकिया गीत अनगिनत नकल के उदाहरण हैं।

एक अन्य व्यक्ति जिसने रॉक एंड रोल के निर्माण पर अपनी छाप छोड़ी, वह है लिटिल रिचर्ड, एक ब्लैक रिदम और ब्लूज़ गायक। 1973 में, उन्होंने घोषणा की कि वे रॉक एंड रोल के संस्थापक थे, जैसे फोर्ड फोर्ड के संस्थापक थे। लिटिल रिचर्ड ने दावा किया कि यह वह था जिसने पहले ताल और ब्लूज़ की गति को तेज किया और इसे रॉक एंड रोल के रूप में जाना जाने लगा।

लेकिन 1954 तक रॉक एंड रोल के विकास की त्वरित गति के बावजूद, इसकी लोकप्रियता कई राज्यों से आगे नहीं बढ़ी। असली सफलता किशोर स्कूली बच्चों के गिरोह के बारे में फिल्म "स्लेट जंगल" की स्क्रीन पर दिखाई देने के बाद आई। फिल्म की कार्रवाई बिल हेली ऑर्केस्ट्रा द्वारा प्रस्तुत संगीत के साथ थी। बिल पहले से ही तीस से अधिक का था, और किशोरों ने उसे एक पुरानी पीढ़ी के रूप में स्थान दिया, और वे अपने साथियों को स्क्रीन पर देखना चाहते थे। और फिर एल्विस बाहर आता है। एल्विस प्रेस्ली हॉलीवुड के मानकों में पूरी तरह फिट हैं और इसके अलावा, एक उत्कृष्ट आवाज के मालिक थे। उनके प्रदर्शन में असाधारण गतिशीलता और स्वभाव की विशेषता थी। वह आज भी रॉक एंड रोल की मिसाल हैं। हालांकि उन्हें रॉक एंड रोल का पहला कलाकार नहीं माना जा सकता है, नई शैली के इतिहास की गणना उस समय से की जाती है जब एल्विस प्रेस्ली मंच पर आए थे। उस क्षण से, रॉक एंड रोल विकसित होने लगा, जैसा कि यह था, अपनी लय में - रिकॉर्ड की मांग हर साल बढ़ती गई, और गीत अधिक सामाजिक, समस्याग्रस्त हो गए। एल्विस प्रेस्ली, जिसे "रॉक एंड रोल का राजा" कहा जाता है, का न केवल अमेरिका में, बल्कि पूरे विश्व में युवा पीढ़ी पर बहुत बड़ा संगीत और शैलीगत प्रभाव था।

प्रेस्ली की अभूतपूर्व व्यावसायिक सफलता के बाद, रॉक एंड रोल तुरंत सिनेमा के साथ-साथ प्रमुख लेबलों की रुचि का विषय बन गया। 1956-57 में। रॉक एंड रोल को नए सितारों - कार्ल पार्किंस, जेरी ली लुईस, बडी होली, एडी कोचरन के साथ फिर से भर दिया गया - जिन्होंने नवीन खेल तकनीकों का प्रदर्शन किया और संगीतकारों की अगली पीढ़ी पर और भी अधिक प्रभाव डाला। वाद्य रॉक एंड रोल के इतिहास में एक विशेष स्थान पर लिंक रे का कब्जा था, जिसकी रचना "रंबल" का बाद के गिटार संगीत के विकास पर बहुत प्रभाव पड़ा। 1950 के दशक के अंत तक, संयुक्त राज्य अमेरिका में रॉक एंड रोल रिकॉर्ड सबसे लोकप्रिय थे।
रॉक एंड रोल का विकास तेजी से हुआ, लेकिन इसने खुद को जल्दी से आत्म-थकावट के कगार पर पाया: लिटिल रिचर्ड ने अपनी पहली सफलता के दो साल बाद 1957 में पॉप संगीत छोड़ दिया; एल्विस प्रेस्ली को दो साल के लिए सेना में भर्ती किया गया था, और 1960 में उनकी वापसी पर उनके फ़िल्मी करियर में अधिक व्यस्तता थी; 1959-60 में बडी होली, रिची वालेंस और एडी कोचरन की मृत्यु हो गई; चक बेरी को जेल की सजा सुनाई गई थी। अन्य गायकों ने बाहरी शैलियों (देश, ताल और ब्लूज़, आदि) में महारत हासिल करना शुरू कर दिया। समानांतर में, कई व्यावसायिक रूप से सफल कलाकार थे, लेकिन उन्होंने संगीत के विकास में योगदान करने के लिए बहुत कम किया।

1960 के दशक की शुरुआत तक। रॉक एंड रोल विकास के एक अंतिम चरण में था और 1960 के दशक के मध्य के "ब्रिटिश आक्रमण" (द बीटल्स) के साथ ही इसमें जीवन की सांस लेना संभव था। 50 के दशक के लगभग सभी रॉक एंड रोल हिट. (विशेषकर चक बेरी और लिटिल रिचर्ड) को ब्रिटिश बैंड द्वारा फिर से कवर किया गया है। इस समय, "रॉक" शब्द प्रकट होता है।

1960 के दशक की शुरुआत में, अमेरिकी ब्लूज़ के साथ बड़े हुए ब्रिटिश युवाओं ने अपनी शैली का आविष्कार और रचना करना शुरू किया। द रोलिंग स्टोन्स और द हू जैसे बैंड ने एक नई ध्वनि, नए विचारों और संगीत में एक नए आंदोलन, अर्थात् रॉक के जन्म में योगदान दिया। किसी भी रचनात्मक वातावरण में, कुछ नया देखने के लिए, हमेशा विकसित होने की आवश्यकता होती है। 1966 से, कला रॉक की दिशा काफी लोकप्रिय हो गई है, जिसने बाद में पूरी दुनिया पर अपनी छाप छोड़ी। इस आंदोलन के प्रमुख प्रतिनिधि एंडी वारहोल और वेलविट अंडरग्राउंड, पिंक फ़्लॉइड और डेविड बॉवी थे।

वर्ष 1975 रॉक एंड रोल के इतिहास में एक विशेष स्थान रखता है। यह इस समय था कि दो मान्यता प्राप्त विश्व रॉक राजधानियां - न्यूयॉर्क और लंदन - जमीन खो रही हैं, और अटलांटिक के दोनों किनारों पर युवा संगीतकार गति प्राप्त कर रहे हैं, चट्टान में नई ताकत सांस लेना चाहते हैं। शायद सबसे स्पष्ट रूप से यह प्रक्रिया पट्टी स्मिथ, रेमोन्स, द सेक्स पिस्टल और द क्लैश जैसी टीमों के काम में परिलक्षित हुई थी। इन साहसिक और अडिग प्रयोगों के परिणामस्वरूप, दुनिया ने तीसरी पीढ़ी के रॉक एंड रोल - पंक रॉक के जन्म को देखा है।

1965 में, इंग्लैंड की औद्योगिक राजधानी - बर्मिंघम में - एक दुर्घटना हुई जिसने हमेशा के लिए चट्टान का इतिहास बदल दिया। युवा गिटारवादक टोनी आयरन ने अपने दाहिने हाथ की उंगलियों को एक मशीन टूल पर काट दिया था। उसके बाद, लड़के ने खेलने की उम्मीद नहीं छोड़ी: उसने अपनी उंगलियों पर धातु की प्लेटें डालीं, जिसके परिणामस्वरूप ध्वनि तेज, मजबूत, कठिन और अधिक आक्रामक होने लगी। इसने संगीतकारों के बीच एक अनसुनी प्रतिध्वनि पैदा कर दी, उसी क्षण से सभी ने इस ध्वनि को पुन: पेश करने का प्रयास किया। चट्टान के इतिहास में "भारी धातु" एक वैश्विक घटना बन गई है। दिशा आज भी विकसित हो रही है। शायद इस पीढ़ी के सबसे प्रमुख प्रतिनिधि डीप पर्पल, आयरन मेडेन और मेटालिका हैं।

70 के दशक की शुरुआत में, रॉक इतनी शक्ति के साथ लगता है कि स्टेडियम में इसे सुनने का अवसर और आवश्यकता है। लेड जेपेलिन इस तरह का साहसिक कदम उठाने वाले पहले व्यक्ति हैं। जल्द ही, बैंड के सदस्यों को पता चलता है कि उनका संगीत न केवल दुनिया भर में सुना जाता है, बल्कि यह भी कि यह इसमें बहुत सारे बदलाव कर सकता है। स्टेडियम रॉक का युग कई कलाकारों द्वारा मनाया जाता है: लेड ज़ेपेलिन, किस, द पुलिस, क्वीन और डायर स्ट्रेट्स।

1990 के दशक की शुरुआत में, सिएटल दुनिया की संगीत राजधानी में बदल जाता है और साथ ही साथ वैकल्पिक रॉक के नए राजा दिखाई देते हैं। निर्वाण के प्रमुख गायक कर्ट कोबेन सही मायने में एक पीढ़ी की आवाज बनते जा रहे हैं। जल्द ही कई और बैंड वैकल्पिक रॉक में शामिल हो गए। कर्ट कोबेन और आरईएम, ब्लैक फ्लैग, पर्ल जैम, सोनिक यूथ की विरासत आज भी रॉक को प्रभावित करती है। हर दिन मैं उन लोगों से घिरा रहता हूं जो इन बैंड के सदस्यों को लाइव सुनने के लिए बहुत त्याग करते हैं।

80 के दशक की शुरुआत में, ब्रिटिश संगीत में इंडी डायरेक्शन अभी भी एक गहरा रहस्य है। इसमें स्मिथ और ओएसिस जैसे कई कलाकार शामिल हैं। इन कलाकारों को शुरू में बहुत लोकप्रियता नहीं मिली, लेकिन कुछ वर्षों के बाद उनकी जीत इतनी पूर्ण हो गई कि संगीत समारोहों में सभी प्रशंसकों को समायोजित करना मुश्किल हो गया। और मैनचेस्टर बैंड द लिबर्टिन्स, फ्रांज फर्डिनेंड, ब्लर, कैसर चीफ्स और आर्कटिक बंदरों की नई लहर न केवल "इंडी" की स्थिति को मजबूत करती है, बल्कि इस दिशा को रॉक संगीत के शीर्ष तक भी बढ़ाती है।

अब पूरी दुनिया 13 अप्रैल को विश्व रॉक एंड रोल दिवस मनाती है। आज ही के दिन 1962 में बीटल्स ने हैम्बर्ग के स्टार क्लब में प्रस्तुति दी थी।

यूएसएसआर में रॉक एंड रोल के इतिहास से।

1957 में युवा और छात्रों के विश्व महोत्सव के बाद सोवियत संघ में रॉक एंड रोल आया। रॉक एंड रोल के जन्म से एक साल पहले जोसेफ स्टालिन की मृत्यु हो गई। इस समय, संघ में पिघलना शुरू हुआ, सब कुछ पुनर्जीवित होने लगा। पहला कदम रेडियो को पुनर्जीवित करना था, जो उस समय भी तार द्वारा काम करता था। और एक लंबे ब्रेक के बाद इन पुराने तारों से हल्का संगीत बजने लगा। तब तक, एक नियम के रूप में, केवल रूसी लोक वाद्ययंत्रों, शास्त्रीय संगीत और जॉर्जियाई मंत्रों के पहनावा हवा में बजते थे। धीरे-धीरे रेडियो पर टैंगो, फॉक्सट्रॉट, रूंबा बजाने की बारी आई - वह सब कुछ जो पहले अस्वीकार्य माना जाता था। कलेक्टरों ने विदेशी बूगी-वूगी रिकॉर्ड के साथ एक आकर्षण विकसित किया। वे महंगे थे, उन्हें ढूंढना काफी मुश्किल था, इसलिए उन्हें घर के रिकॉर्ड पर अधिक से अधिक वितरित किया गया।

जब 1959 के बाद, बिल हेली की डिस्क सहित, पहले लंबे समय तक चलने वाले रिकॉर्ड बिक्री पर दिखाई दिए, तो संगीत के लोग अंततः अपनी मूर्ति का चेहरा देख सकते थे, जो लंबे समय तक चलने वाली डिस्क की आस्तीन पर अंकित था।

पहली बार "रॉक अराउंड द क्लॉक" 1957 में सेंट पीटर्सबर्ग रेडियो पर LETI संस्थान के एक छात्र प्रदर्शन के प्रसारण के दौरान "स्प्रिंग एट LETI" कहा जाता था। और फिर भी, रॉक एंड रोल को केवल पैरोडी रूप में रेडियो पर याद किया जा सकता था।

रॉक एंड रोल ने उन वर्षों के युवा वातावरण में एक बड़ी प्रेरणा लाई, जो आज भी जारी है।

अध्याय तृतीय

साठ के दशक के प्रसिद्ध लोग।

साठ के दशक के प्रसिद्ध लोगों के बारे में बोलते हुए, मेरा मतलब रॉक एंड रोल बजाने वाले संगीतकारों से है, जिन्होंने न केवल अपना संगीत बजाया, बल्कि संगीत संस्कृति के विकास और अपने देश के जीवन में योगदान दिया। ये वे लोग थे जिन पर युवा (आधुनिक और उस समय के दोनों) विश्वास करते थे और गर्व से उनके जैसा बनने की कोशिश करते थे। मैं चक बेरी, मिक जैगर और जॉन लेनन के बारे में बात करना चाहूंगा।

चक बेरी।

चक बेरी को रॉक एंड रोल का "ब्लैक किंग" कहा जाता है। यह आम तौर पर स्वीकार किया जाता है कि संगीतकार ने काले संगीत, ब्लूज़ को सफेद संगीत, देशी संगीत के साथ जोड़ा, और परिणाम रॉक एंड रोल था। यहाँ स्वयं संगीतकार के उद्धरण हैं:
संगीतकार ने जवाब दिया, "भगवान के लिए, इससे कोई फर्क नहीं पड़ता कि आप काले या सफेद हैं। लेकिन संगीत में, केवल एक चीज मायने रखती है कि आप कैसे बजाना जानते हैं या नहीं। अच्छे काले संगीतकार थे और अच्छे थे सफेद वाले। जैज़ काले और सफेद दोनों द्वारा बजाया गया था। रॉक एन-रोल के लिए, यह बहुत अधिक महत्वपूर्ण है कि यह एक नई ड्राइव और ध्वनि लाए। इसने आत्म-अभिव्यक्ति की संभावनाओं का विस्तार किया। संगीत ही लोगों को एकजुट करने में सक्षम है। "
"रॉक एंड रोल म्यूजिक", "रोल ओवर बीथोवेन" और "जॉनी बी गोड" जैसे बेरी हिट के साथ, रॉक एंड रोल ने आखिरकार 60 के दशक में दुनिया पर कब्जा कर लिया। "द बीटल्स" (प्रमुख गायक जॉन लेनन के साथ) और "द रोलिंग स्टोन्स" (जिसका मोर्चा मिक जैगर है) के काम पर उनका बहुत बड़ा प्रभाव था।
चक बेरी ने XX सदी के 50 के दशक में प्रदर्शन करना शुरू किया और, अपने प्रशंसकों के आश्चर्य के लिए, अभी भी हंसमुख है और नियमित रूप से संगीत कार्यक्रमों के साथ भ्रमण करता है, हालांकि संगीतकार पहले से ही 80 वर्ष का है। "मैं हर दिन गिटार बजाता हूं और बहुत रिहर्सल करता हूं। मैं अपने संगीतकारों को बजाना सिखाता हूं। मैंने अपने बच्चों को खेलना सिखाया। मेरे पास बहुत सारे संगीत कार्यक्रम हैं।"

इस प्रकार, इस जानकारी के आधार पर, यह निष्कर्ष निकाला जा सकता है कि चक बेरी अश्वेतों और गोरों के संगीत को मिलाकर अपने संगीत के साथ नस्लीय तनाव को कम करने में सक्षम थे।

मिक जैगर

मिक जैगर एक प्रसिद्ध अंग्रेजी रॉक संगीतकार, अभिनेता, निर्माता, रोलिंग स्टोन्स के फ्रंटमैन हैं। वह व्यक्ति जो विश्व प्रसिद्ध वाक्यांश "सेक्स, ड्रग्स और रॉक एंड रोल" का मालिक है। मंच पर जैगर द्वारा बनाई गई छवि अद्वितीय है - उनकी आवाज, कभी खुरदरी, कभी स्त्री और कोमल, मोटे होंठ, कामुक मुस्कान, हजारों की भीड़ के सामने व्यवहार में कामुकता, आक्रामकता, ऊर्जा और एक ही समय में , मूर्खता और हरकतों - यह सब बनाया जागर सबसे लोकप्रिय रॉक फ्रंटमैन में से एक है। रोलिंग स्टोन्स एक रॉक बैंड है जिसने 30 से अधिक वर्षों से प्रदर्शन और रिकॉर्ड करना जारी रखा है। अभूतपूर्व दीर्घायु। विश्व रॉक में उनके योगदान को कम करके आंका नहीं जा सकता है, रोलिंग स्टोन्स लंबे समय से पंथ के आंकड़े हैं। जबर्दस्त सफलता की लहर पर संगीतकारों को समस्या थी - ड्रग्स। लगभग पूरे 1967 में ड्रग के उपयोग से संबंधित मिक जैगर, कीथ रिचर्ड, ब्रायन जोन्स के अपराधों के संबंध में मुकदमेबाजी द्वारा चिह्नित किया गया था। सजा काफी गंभीर थी - तीन महीने जेल में। हालाँकि, इस मामले में एक अपील दायर की गई थी, और सजा को सशर्त रिहाई में बदल दिया गया था।

संगीत के क्षेत्र में जैगर की खूबियों को बहुत सराहा गया - 60 वीं वर्षगांठ के अवसर पर, महारानी एलिजाबेथ द्वितीय ने जैगर को नाइट की उपाधि दी। एक साक्षात्कार में, मिक जैगर ने 1968 और 1998 की तुलना करते हुए कहा कि पहले ट्रिनिटी "सेक्स, ड्रग्स एंड रॉक एंड रोल" में सेक्स पहले स्थान पर था, और अब ड्रग्स इसके स्थान पर हैं। जैगर ने अब घोषणा की है कि वह शराब पीना, धूम्रपान करना और ड्रग्स लेना छोड़ रहा है। इस फैसले की वजह उनकी खुद की सेहत को लेकर चिंता थी।

दुनिया भर में मान्यता के बावजूद, प्रसिद्ध रॉकर का व्यक्तित्व न केवल सकारात्मक भावनाओं को उद्घाटित करता है। ब्लेंडर पत्रिका द्वारा किए गए एक सर्वेक्षण के अनुसार, आधुनिक संगीत के इतिहास में 50 सबसे खराब संगीतकारों की सूची में सर मिक जैगर वर्तमान में 13 वें स्थान पर हैं।

मिक जैगर जैसा संगीतकार रॉक संगीत के विकास में बहुत बड़ा योगदान देने में सक्षम था। उनका संगीत आज भी लोकप्रिय है। उन्होंने रॉक संगीत का एक नकारात्मक संकेत भी पेश किया - ये ऐसी दवाएं हैं जो उनके स्वास्थ्य और प्रतिष्ठा को खराब कर सकती हैं।

जॉन लेनन

बीटल्स के हिस्से के रूप में जॉन लेनन के योगदान के साथ-साथ पौराणिक समूह से अलग, विश्व संस्कृति में योगदान को शायद ही कम करके आंका जा सकता है। मेकार्टनी और हैरिसन के साथ, उन्होंने अपने अमेरिकी सहयोगियों, रॉक गायकों के काम को एक नए कलात्मक स्तर तक बढ़ाया। अमेरिका में, केवल एल्विस प्रेस्ली, रिची वालेंस और कुछ अन्य रॉकबिली सितारे मुखर भागों के विकास और प्रदर्शन के बारे में वास्तव में गंभीर थे। बीटल्स ने हमेशा ऐसा किया है - इसलिए अमेरिकी कलाकारों के उनके कवर मूल गीतों की तुलना में बहुत अधिक अभिव्यंजक और तकनीकी लगते हैं। उस समय के अधिकांश रॉक एंड रोल कलाकारों ने विशेष रूप से "टूटे हुए प्यार और परेशान नसों के बारे में" गाया। बीटल्स पॉप विषयों से दूर जाने वाले पहले लोगों में से थे, जिन्होंने गीतों को वास्तविक कविता में बदल दिया और / या उनमें गंभीर सामाजिक और यहां तक ​​​​कि राजनीतिक समस्याएं भी पेश कीं।

इसके अलावा, द बीटल्स के काम को मानवता, उत्सव, सकारात्मकता द्वारा प्रतिष्ठित किया गया था, जिसकी पश्चिमी कला में हमेशा कमी रही है। लिवरपूल फोर के लेनन और अन्य संगीतकार अपने श्रोताओं के लिए सच्चे प्यार से भरे हुए थे - और उन्होंने इसे महसूस किया। और, शायद, इसमें शामिल है बीटल्स की बड़ी सफलता की व्याख्या करता है। जॉन लेनन एक बहुत ही ईमानदार व्यक्ति थे और अपने विचारों को कभी नहीं छिपाते थे। यह उसकी ताकत थी, लेकिन ठीक इसी वजह से, जाहिर है, वह आज तक नहीं जी सका। जॉन लेनन की राजनीतिक गतिविधि की अवधि 1968 से 1972 तक रही। इस समय, लेनन ने पहले से ही एक बहुत ही निश्चित स्थिति ले ली थी - उन्होंने विश्व शांति की वकालत की, और यहां तक ​​​​कि ब्रिटिश साम्राज्य के आदेश को रानी को वापस कर दिया - देश की विदेश नीति के विरोध में। 1969 में, योको ओनो के साथ लेनन की पहली सार्वजनिक राजनीतिक कार्रवाइयाँ संबंधित हैं। 15 दिसंबर, 1969 को, लेनन ने "युद्ध यदि आप चाहते हैं तो समाप्त हो जाएगा" के नारे के तहत एक युद्ध-विरोधी संगीत कार्यक्रम का आयोजन किया। विदेश जाने के तुरंत बाद, लेनन संयुक्त राज्य के राजनीतिक जीवन में शामिल हो गए। उन्होंने अमेरिकी युवाओं के नेताओं में से एक, जॉन सिनक्लेयर की रिहाई के लिए, नागरिक अधिकारों के साथ भारतीयों के सशक्तिकरण की वकालत की, जिन्हें मारिजुआना रखने के लिए 10 साल जेल की सजा सुनाई गई थी।

महान संगीतकार जॉन लेनन ने अपने गीतों और प्रदर्शनों से पूरी दुनिया को साबित कर दिया कि लोगों को शांति और आजादी के लिए लड़ना चाहिए।

अध्याय चतुर्थ

मानव शरीर पर रॉक संगीत का प्रभाव

जैसा कि आप जानते हैं, हर संगीत निर्देशन का मानव शरीर पर सकारात्मक प्रभाव नहीं पड़ता है। तो आइए रॉक संगीत के प्रभाव पर करीब से नज़र डालें। इस संगीत शैली की अपनी विशिष्ट विशेषताएं या मानस को प्रभावित करने के साधन हैं:

1. कठिन लय

2. नीरस दोहराव

3. वॉल्यूम, सुपर फ़्रीक्वेंसी

4. प्रकाश प्रभाव

ताल मानव शरीर को प्रभावित करने के मजबूत तरीकों में से एक है। वूडू पंथ ने एक विशेष ताल का इस्तेमाल किया, जो मूर्तिपूजक अनुष्ठानों के दौरान संगीत ताल और मंत्रों के एक विशेष अनुक्रम के साथ, एक व्यक्ति को ट्रान्स या परमानंद की स्थिति में डाल सकता था। लय की एक सुविचारित प्रणाली ने वूडू पुजारियों के हाथों में एक उपकरण की तरह मानव शरीर और मानस को नियंत्रित किया। इन लय को अपनाने वाले अमेरिकी अश्वेतों ने उन्हें नृत्य संगीत के रूप में इस्तेमाल किया, धीरे-धीरे ब्लूज़ से भारी लय की ओर बढ़ रहे थे।

संगीत की लय की धारणा श्रवण यंत्र के कार्यों से जुड़ी है। प्रमुख लय पहले मस्तिष्क के मोटर केंद्र को पकड़ती है, और फिर अंतःस्रावी तंत्र के कुछ हार्मोनल कार्यों को उत्तेजित करती है। लेकिन मुख्य झटका मस्तिष्क के उन हिस्सों पर निर्देशित होता है जो किसी व्यक्ति के यौन कार्यों से निकटता से संबंधित होते हैं। ढोल बजाने का इस्तेमाल बैचैन्ट्स द्वारा खुद को एक उन्माद में चलाने के लिए किया जाता था, और कुछ जनजातियों में, इसी तरह की लय की मदद से निष्पादन किया जाता था।

अमेरिकी मनोवैज्ञानिक और संगीतविद् जेनेट पोडेल लिखते हैं: "चट्टान की शक्ति हमेशा अपनी लय की यौन ऊर्जा पर आधारित रही है। बच्चों में इन भावनाओं ने उनके माता-पिता को डरा दिया, जिन्होंने चट्टान को अपने बच्चों के लिए खतरे के रूप में देखा और निश्चित रूप से सही थे। रॉक एंड रोल और आप आपको हिलने-डुलने, डांस करने में सक्षम बनाते हैं ताकि आप दुनिया की हर चीज को भूल जाएं।

रॉक संगीत में प्रयुक्त आवृत्तियों के प्रभाव पर विशेष ध्यान दिया जाना चाहिए, जिसका मस्तिष्क पर विशेष प्रभाव पड़ता है। लय अल्ट्रा-लो (15-30 हर्ट्ज) और अल्ट्रा-हाई (80,000 हर्ट्ज) आवृत्तियों के साथ संयुक्त होने पर मादक गुण प्राप्त करता है।

उच्च और निम्न दोनों आवृत्तियों की अधिकता मस्तिष्क को गंभीर रूप से घायल करती है। रॉक संगीत समारोहों में, ध्वनि अंतर्विरोध, ध्वनि जलन, श्रवण हानि और स्मृति हानि असामान्य नहीं हैं।

हमारा कान 55-60 डेसिबल पर सामान्य ध्वनि को समझने के लिए तैयार है। तेज आवाज 70 डेसिबल होगी। लेकिन सामान्य धारणा की सभी दहलीज को पार करते हुए, मजबूत तीव्रता की ध्वनि अविश्वसनीय श्रवण तनाव का कारण बनती है। साइट पर ध्वनि की मात्रा, जहां शक्तिशाली वक्ताओं के साथ दीवारें स्थापित की जाती हैं, रॉक कॉन्सर्ट के दौरान उपयोग की जाती हैं, 120 डीबी तक पहुंचती हैं, और साइट के बीच में 140-160 डीबी तक। (120 डीबी तत्काल आसपास के क्षेत्र में उड़ान भरने वाले जेट विमान की गर्जना की मात्रा से मेल खाती है, और हेडफ़ोन वाले खिलाड़ी के लिए औसत मान 80-110 डीबी हैं।) ऐसे ध्वनि तनाव के दौरान, गुर्दे (अधिवृक्क ग्रंथियों) से तनाव हार्मोन एड्रेनालाईन निकलता है। यह प्रक्रिया हर तनावपूर्ण स्थिति में होती है। लेकिन उत्तेजना का प्रभाव बंद नहीं होता है और एड्रेनालाईन का अधिक उत्पादन होता है, जो मस्तिष्क में अंकित जानकारी के हिस्से को मिटा देता है। एक व्यक्ति बस भूल जाता है कि उसके साथ क्या हुआ या उसने क्या पढ़ा, और मानसिक रूप से नीचा हो गया। बहुत पहले नहीं, स्विस डॉक्टरों ने साबित कर दिया कि एक रॉक कॉन्सर्ट के बाद एक व्यक्ति खुद को उन्मुख करता है और सामान्य से 3.5 गुना अधिक उत्तेजना पर प्रतिक्रिया करता है।

तो, चट्टान का पूरा तकनीकी शस्त्रागार मानव शरीर पर, उसके मानस पर, एक संगीत वाद्ययंत्र की तरह खेलने के उद्देश्य से है। रॉक संगीत किसी व्यक्ति की व्यक्तिगत विशेषताओं को पूरी तरह से बदलने में सक्षम था। यह एक साथ मानव गतिविधि के मोटर केंद्र, भावनात्मक, बौद्धिक और यौन क्षेत्रों को प्रभावित करता है।

रॉक संगीत का श्रोता के व्यवहार पर क्या प्रभाव पड़ता है?

जैसा कि ऊपर उल्लेख किया गया है, प्रत्येक ध्वनि या कार्य का अपना "श्रवण पथ" होता है और मानव व्यवहार को बदलने में प्रतिक्रिया इस पर निर्भर करती है। यदि नकारात्मक भावनाओं से जुड़ी तंत्रिका कोशिकाएं शामिल हैं, तो यह तुरंत व्यवहार में परिलक्षित होता है।

मानव मस्तिष्क पर रॉक संगीत के संभावित प्रभाव निम्नलिखित हैं:

1. आक्रामकता।

2. रोष।

4. अवसाद।

5. भय।

6. जबरन कार्रवाई।

7. विभिन्न गहराईयों की समाधि की अवस्था।

8. आत्महत्या की प्रवृत्ति। किशोरों में, यह प्रवृत्ति 11-12 वर्ष की आयु से ही प्रकट होने लगती है, लेकिन रॉक संगीत सुनते समय, किशोर मानस की यह विशेषता अधिक उम्र में उत्तेजित या बहुत तेज हो जाती है)।

9. अप्राकृतिक, जबरन सेक्स।

10. स्पष्ट निर्णय लेने में असमर्थता।

11. अनैच्छिक मांसपेशी आंदोलन।

12. संगीत उन्माद (लगातार रॉक संगीत बजाने की इच्छा)।

13. रहस्यमय झुकाव का विकास।

14. सामाजिक अलगाव।

बेशक, इसका मतलब यह बिल्कुल भी नहीं है कि एक व्यक्ति जो चट्टान से प्यार करता है, जरूरी है कि उसके पास ये सभी गुण हों, बस उसके पास उनके लिए बहुत अधिक प्रवृत्ति है, और अन्य कारकों के उपयुक्त संयोजन के साथ, वह निश्चित रूप से इसके अधीन होगा। प्रभाव। वैसे, रॉक संगीत धार्मिक विचारों और मूल्यों को भी बदल सकता है (विशेषकर बचपन में, जब वे अभी तक पूरी तरह से नहीं बने हैं), साथ ही एक व्यक्ति में आत्म-प्राप्ति, आत्म-प्राप्ति, व्यक्तिवाद और बहिष्कार की इच्छा को उत्तेजित करता है। समाज में।

यह सब, निश्चित रूप से, इस संगीत संस्कृति के नकारात्मक पहलुओं में से एक माना जा सकता है। व्यक्तित्व पर रॉक संगीत के बाकी नकारात्मक प्रभावों पर मैं अगले अध्याय में विचार करना चाहूंगा।

अध्याय वी .

व्यक्तित्व पर रॉक एंड रोल का नकारात्मक प्रभाव

आज के समाज में, रॉक संगीत दुनिया भर में लाखों अनुयायियों के साथ एक आंदोलन बन गया है। कई युवा लोगों के लिए, रॉक संगीत एक ऐसी जीवन शैली बन गया है जो भ्रष्टाचार, नशीली दवाओं के उपयोग, हिंसा और शून्यवाद को प्रोत्साहित करती है। कोई फर्क नहीं पड़ता कि कोई व्यक्ति मूल रूप से रॉक संगीत से कैसे संबंधित है, वह विश्वदृष्टि और युवा लोगों के कार्यों पर इस तरह के संगीत के प्रमुख प्रभाव के तथ्य से इनकार नहीं कर सकता है।

साक्ष्य से पता चलता है कि रॉक संगीत यौन संभोग को उत्तेजित करता है। 19 मार्च, 1990 की यूएस न्यूज एंड वर्ल्ड रिपोर्ट के अनुसार, "वर्तमान में पुरुष जननांग अंगों के नाम पर 13 रॉक बैंड हैं, 6 महिला जननांग अंगों के नाम पर, 8 गर्भपात से जुड़े हैं, एक गर्भाशय रोग है, 10 समूहों के नाम अलग-अलग हैं। यौन कृत्य, और 8 में उनके नाम पर अपशब्द शामिल हैं।" आधुनिक रॉक संगीत विवाहेतर मैथुन, व्यभिचार, परपीड़न और मर्दवाद, समलैंगिकता, बलात्कार और नेक्रोफिलिया के तत्वों से संतृप्त है।

रॉक रचनाओं के विनाशकारी मूड को संगीत के श्रोता के खिलाफ निर्देशित किया जा सकता है। कुछ रॉक संगीतकार आत्महत्या का उपदेश देते हैं - कभी संकेत में, कभी सीधे। इसलिए, उदाहरण के लिए, "सुसाइड सॉल्यूशन" गीत में संगीतकार ओज़ी ऑस्बॉर्न कहते हैं: "आत्महत्या ही मुक्ति का एकमात्र तरीका है।"

सेक्स और हिंसा के अलावा, रॉक संगीत नशीली दवाओं के दुरुपयोग को बढ़ावा देता है। 1969 में वापस, टाइम्स पत्रिका (26 सितंबर)। टिप्पणी की कि "रॉक संगीतकार अक्सर और खुले तौर पर दवाओं का उपयोग करते हैं, उनके काम दवाओं के संकेत से संतृप्त होते हैं।"

सबसे सफल रॉक सितारों में से कई न केवल मनोगत में शामिल थे, बल्कि शैतानवाद में भी शामिल थे। अपनी खुद की "प्रेरित" प्रक्रियाओं का वर्णन करने की कोशिश करते हुए, जॉन लेनन ने समझाया: "यह राज्य एक कब्जे की तरह है, जैसे मनोविकृति या मानसिक स्थिति।" लिटिल रिचर्ड ने इसी तरह की स्थितियों का अनुभव किया और शैतान को अपनी प्रेरणा के रूप में इंगित किया: "मुझे एक और ताकत द्वारा नेतृत्व और आदेश दिया गया था। उन्होंने उन आत्माओं का नाम दिया जो कभी-कभी कब्जा कर लेते थे, और उनके सम्मान में उन्होंने काव्य रचनाओं की रचना की।
जिम मॉरिसन की सारी कविताएं, उनका सारा काम उन दवाओं से जुड़ा है जिन्होंने उन्हें मार डाला।

मैंने इस संगीत संस्कृति के सभी नकारात्मक पहलुओं को सूचीबद्ध किया है, जो मेरी राय में सबसे खतरनाक हैं। लेकिन चूंकि यह संगीत और इसके कलाकार आधी सदी से लोकप्रिय हैं, इसलिए इसके कई सकारात्मक पहलू भी हैं।

अध्याय छठी .

रॉक संगीत का अच्छा पक्ष

रॉक एंड रोल केवल एक संगीत निर्देशन नहीं है, यह एक युवा संस्कृति है, युवाओं के लिए संचार का एक साधन है, समाज का दर्पण है। यह मूल रूप से युवा आत्म-अभिव्यक्ति, विद्रोह और विरोध, इनकार और दुनिया के नैतिक और भौतिक मूल्यों के संशोधन के रूप में बनाया गया था।

हम देखते हैं कि इसके पूरे इतिहास में, रॉक एंड रोल पिता और बच्चों की अघुलनशील शाश्वत दुविधा को दर्शाता है। युवा पीढ़ी की आत्म-अभिव्यक्ति के साधन के रूप में, पुरानी पीढ़ी की आंखों में रॉक एंड रोल केवल बच्चों के मनोरंजन की तरह दिखता है, कभी-कभी खतरनाक और हानिकारक। यद्यपि चट्टान लंबे समय से अस्तित्व में है, आधुनिक वयस्क पीढ़ी इस पर बड़ी हुई है, लेकिन फिर भी इसे आज भी उन्हीं समस्याओं का सामना करना पड़ता है जैसे अपने पथ की शुरुआत में: गलतफहमी और अस्वीकृति। यह परिस्थिति विकास की सर्पिल प्रकृति को अच्छी तरह से दर्शाती है: चाहे हम कैसे भी विकसित हों, हम उन चरणों से गुजरते हैं जो पहले से ही इतिहास में बने हुए हैं।

बेशक, रॉक एंड रोल का विकास तकनीकी, आर्थिक, राजनीतिक और सामाजिक विकास से निकटता से संबंधित है। यह तकनीकी विकास है जो चट्टान के विकास को गति देता है। प्रौद्योगिकी के विकास ने इस तथ्य को भी जन्म दिया है कि अब लगभग हर परिवार के पास एक रेडियो और टेप रिकॉर्डर है, जो समाज पर संगीत के प्रभाव को बढ़ाता है। आर्थिक विकास नागरिकों के विकास के स्तर को बढ़ाता है, और इसलिए उनकी शिक्षा को बढ़ाता है और उनके पास संगीत को समर्पित करने के लिए अधिक खाली समय होता है, यह काम करने की स्थिति और संगीतकारों के लिए नौकरियों के प्रावधान में भी सुधार करता है।

रॉक एंड रोल में, दर्शन के सभी नियम प्रकट होते हैं। तथ्य यह है कि यह युवाओं का विरोध है और नए संगीत की उपस्थिति, पुराने को नकार कर, रॉक संगीत के विकास को दिखाते हुए, नकार का कानून प्रकट होता है। अन्य शैलियों को मिलाकर एक नई शैली के उद्भव में - प्रतिबिंब का नियम, जो चेतना के विकास को रेखांकित करता है। रॉक की असंगति (पॉप रॉक और भारी संगीत के बीच विरोध) में, एकता का नियम और विरोधों का संघर्ष प्रकट होता है।

रॉक 'एन' रोल ही वह माध्यम साबित हुआ जिसने काले और सफेद किशोरों को एकजुट किया, जिसने नस्लीय और सामाजिक पूर्वाग्रहों को नष्ट कर दिया। 50 के दशक की दो अश्वेत युवा मूर्तियों - लिटिल रिचर्ड और चक बेरी - ने अपने गीतों की हर आवाज़ के साथ, हर चरण के इशारे के साथ नस्लवादी आंदोलन का पालन करने से इनकार कर दिया।

1960 के दशक की शुरुआत तक, एक और पीढ़ी की उम्र आ गई थी। इन बच्चों के माता-पिता ने शांति, शांति और बहुतायत के लिए सक्रिय रूप से लड़ाई लड़ी, यह उम्मीद करते हुए कि उनके वंशज न केवल उनके प्रयासों की सराहना करेंगे, बल्कि इस नई दुनिया के क्षितिज का भी विस्तार करेंगे। हालाँकि, माता-पिता अपने साथ परमाणु युद्ध और नस्लीय घृणा के पाप का भय लेकर आए, और समानता और न्याय के आदर्शों को स्थिरता और सफलता की खोज में बस कुचल दिया गया। आश्चर्य नहीं कि बच्चों ने युद्ध के बाद की दुनिया की नैतिक और राजनीतिक नींव पर सवाल उठाया; ये नए मूड उनके संगीत स्वाद में परिलक्षित होते थे।

लेकिन समय के साथ, रॉक एंड रोल की लोकप्रियता फीकी पड़ने लगी, जिससे नई शैलियों को रास्ता मिल गया, जिनका उल्लेख पहले ही ऊपर किया जा चुका है। अधिक से अधिक शाखाएँ दिखाई देने लगीं। समाज के क्रमिक लोकतंत्रीकरण के साथ, नए युवा आंदोलन सामने आने लगे। प्रत्येक आंदोलन ने एक नई संगीत शैली को जन्म दिया। धीरे-धीरे, विविधता ने मूल शैली की देखरेख की। और हमारे समय में, यह माना जाता है कि रॉक एंड रोल एक सामूहिक शैली नहीं रह गया है और सामान्य तौर पर, अस्तित्व समाप्त हो गया है। लेकिन अब भी संगीत प्रेमियों में ऐसे लोग हैं जो इस शैली के प्रति वफादार रहते हैं। यह शाश्वत संघर्ष आज भी थमा नहीं है - आखिर रॉक एंड रोल मूलतः बड़े होने का संगीत है। रॉक 'एन' रोल हमेशा अपने प्रशंसकों को आश्चर्यचकित करना जानता है, कम से कम एक पल के लिए। और साथ ही, यह हमेशा व्यवसाय सूट में लोगों के लिए एक रहस्य बना रहता है, लिमोसिन में घूमते हुए, गगनचुंबी इमारतों की ऊंचाई से दुनिया को देखते हुए, जिनके लिए स्थिरता और भविष्यवाणी सबसे महत्वपूर्ण है। अमेरिकी परिदृश्य पर पांच अशांत दशकों में, रॉक 'एन' रोल कुछ अभूतपूर्व उतार-चढ़ाव से गुजरा है और कई महान संगीतकारों को जन्म दिया है।

निष्कर्ष

संगीत सबसे प्रेरित कला रूपों में से एक है। उसका ताल, माधुर्य, सामंजस्य, गतिकी, ध्वनि संयोजनों की विविधता, रंग और बारीकियां, संगीत भावनाओं और मनोदशाओं की एक अंतहीन श्रृंखला को व्यक्त करता है। इसकी ताकत इस बात में निहित है कि यह मन को दरकिनार करते हुए सीधे आत्मा, अवचेतन में प्रवेश करता है और व्यक्ति की मनोदशा बनाता है। इसकी सामग्री के अनुसार, संगीत किसी व्यक्ति में सबसे उदात्त और महान भावनाओं को पैदा कर सकता है, और इसके विपरीत, सबसे गहरी और गंदी इच्छाओं को। यह सब संगीत पर निर्भर करता है कि यह क्या है।
रॉक संगीत के आधुनिक संगीतकार इस बात से सहमत हैं कि उनके कार्यों में बड़ी शक्ति है। उनका संगीत उन लोगों के जीवन का मार्गदर्शन करता है जिन्हें वे बिल्कुल नहीं जानते। मिक जैगर का प्रसिद्ध वाक्यांश "सेक्स, ड्रग्स, रॉक एंड रोल" अपने लिए बोलता है। यह वही है जो आपको रॉक एंड रोल लाइफस्टाइल की निंदा करता है। संलिप्तता थोपना, वास्तव में, एक बहुत बड़ा ऋण है। आखिरकार, जब रॉक संगीतकार स्वतंत्रता के बारे में गाते हैं और इसके लिए लड़ते हैं, तो क्या वे इसे अनुमेयता के रूप में देखते हैं? क्या सेक्स और ड्रग्स दुनिया की शांति है?

यह समस्या हमारे समय में प्रासंगिक बनी हुई है। एक व्यक्ति एक निश्चित संगीत संस्कृति का पालन कर सकता है, लेकिन अपने कार्यों के लिए हमेशा जिम्मेदार होना चाहिए। हम जिम मॉरिसन (द डोर्स के प्रमुख गायक) से प्यार कर सकते हैं, लेकिन ऐसा करने के लिए आपको उनके जैसा बनने की ज़रूरत नहीं है - आपको हार्ड ड्रग्स का उपयोग करने और मरने की ज़रूरत नहीं है। उनके गानों में उनकी आवाज सुनने के लिए बस इतना काफी है और अफसोस है कि उन्होंने हमें इतनी जल्दी छोड़ दिया।

अपने शुरुआती दिनों में, रॉक 'एन' रोल को युवाओं की नैतिक नींव को कमजोर करने के रूप में सार्वभौमिक रूप से निंदा की गई थी, लेकिन ऐसा लगता है कि यही कारण है कि कुछ अवधि के ठहराव, गिरावट और मूर्खतापूर्ण आत्म-पराजय के बावजूद इसे अमिट लोकप्रियता मिली है। विरोध प्रमुख शब्द है।

प्रत्येक संगीत संस्कृति के अपने पक्ष और विपक्ष, इसके पक्ष और विपक्ष, इसके प्रशंसक और विरोधी होते हैं। किसी भी संगीत संस्कृति का अनुसरण करते हुए, उसमें से केवल सर्वश्रेष्ठ को ही निकालना आवश्यक है।

स्रोतों और साहित्य की सूची

· आर नेकलैंड "कॉसमॉस के लिए संगीत कुंजी"। संडे टाइम्स अब्रॉड 1995 #46।

जी.एस. Knabbe "द फेनोमेनन ऑफ रॉक एंड काउंटर-कल्चर" फिलॉसफी 1990 के प्रश्न, संख्या 8।

· हां। लियोन्टीव, यू.ए. वोल्कोव "रॉक संगीत: सामाजिक कार्य और धारणा के मनोवैज्ञानिक तंत्र"। सूचना संस्कृति की समस्याएं वॉल्यूम। 4, 1997