Okul ansiklopedisi. Diğer sözlüklerde "Sanat dünyası (dernek)" nin ne olduğunu görün Sanat ve sanatsal etkinlik dünyası

19. yüzyılın sonunda Rusya'da sanat hayatı çok canlıydı. Toplum, çok sayıda sanat sergisi ve müzayedesine, görsel sanatlara ayrılmış süreli yayınların makale ve yayınlarına artan bir ilgi gösterdi. Sadece Moskova ve St. Petersburg değil, aynı zamanda birçok eyalet gazetesi ve dergisi de ilgili kalıcı başlıklara sahipti. Kendilerine çeşitli görevler koyan, ancak esas olarak gezici hareket geleneklerinin etkisinin yansıtıldığı eğitim niteliğindeki her türlü sanatsal dernek ortaya çıktı.

Bu koşullarda, Diaghilev'in Rus sanatında uzun zamandır ihtiyaç duyulan St. Petersburg ve Moskova'nın genç sanatçı güçlerini bir araya getirme fikri olumlu karşılandı.

1898'de Diaghilev, ortak performanslarını ilk kez Rus ve Fin Sanatçılar Sergisinde gerçekleştirdi. Bakst, Benois, A. Vasnetsov, K. Korovin, Nesterov, Lancere, Levitan, Malyutin, E. Polenova, Ryabushkin, Serov, Somov ve diğerleri katıldı.

Aynı 1898'de Diaghilev, ünlü figürleri ve sanatseverleri S. I. Mamontov ve M. K. Tenisheva'yı aylık bir sanat dergisini finanse etmeye ikna etmeyi başardı. Yakında, editörü Sergei Pavlovich Diaghilev olan St. Petersburg'da "World of Art" dergisinin çift sayısı yayınlandı.

Karakteri ve yönü sanatçıların kendileri tarafından belirlenen ilk sanat dergisiydi. Editörler, okuyuculara, derginin "sanat tarihinin tüm dönemlerinden Rus ve yabancı ustaların eserlerini, yukarıda bahsedilen eserlerin modern sanat bilinci için ne kadar ilgi ve önem taşıdığını" dikkate alacağını bildirdi.

Ertesi yıl, 1899'da World of Art dergisinin Birinci Uluslararası Sergisi gerçekleşti. 350'den fazla eser sergilendi ve P. de Chavannes dahil kırk iki Avrupalı ​​sanatçı katıldı. D. Whistler, E. Degas, C. Monet, O. Renoir. Sergi

Rus sanatçıların ve izleyicilerin Batı sanatının çeşitli alanlarını tanımasına izin verdi.

"World of Art" dergisinin ortaya çıkışı ve 1898-1899 sergileri sayesinde, derginin yönüne sempati duyan genç sanatçılardan oluşan bir çevre ortaya çıktı.

1900'de Diaghilev, birçoğunu “Sanat Dünyası” yaratıcı topluluğunda birleştirmeyi başardı. Bu “parlak kolektif” (A.P. Ostroumova-Lebedeva'nın ifadesi), 1890'larda sanata gelen olağanüstü sanatçılardan oluşuyordu: Bakst, Alexander Benois, Bilibin, Braz, Vrubel, Golovin, Grabar, Dobuzhinsky. K. Korovin, Lancere, Malyutin, Malyavin, Ostroumova, Purvit, Roerich, Ruschits, Serov, Somov, Trubetskoy, Tsionglinsky, Yakunchikova ve Yaremich.

Ayrıca Repin, V. ve E. Polenovs, A. Vasnetsov, Levitan, Nesterov, Ryabushkin, o zamanın Sanat Dünyasının bazı sergilerinde yer aldı.

1900'den 1903'e kadar "Sanat Dünyası" nın üç sergisi düzenlendi. Bu sergileri düzenleyen Diaghilev, genç Rus sanatçılara odaklandı. Bunlar Petersburglulardı - Bakst, Benoit. Somov, Lancere ve Muskovitler - Vrubel, Serov, K. Korovin, Levitan, Malyutin, Ryabushkin ve diğerleri. Diaghilev'in en büyük umutları Moskovalılar üzerine bağladı. Şu anki sanatımızın ve geleceği bekleyebileceğimiz her şeyin Moskova'da olduğunu yazdı. Bu nedenle, Moskova sanatçılarını her zaman başaramadığı World of Art sergilerine çekmek için elinden geleni yaptı.

World of Art sergileri, Rus toplumunu Bilibin, Ostroumova, Dobuzhinsky, Lancere, Kustodiev, Yuon, Sapunov, Larionov, P. Kuznetsov, Saryan gibi ünlü Rus ustaların ve henüz tanınmamış acemi sanatçıların eserleriyle iyice tanıştırdı. .

"Sanat Dünyası"nın etkinliklerini burada ayrıntılı olarak ele almaya gerek yok, çünkü son zamanlarda buna adanmış yayınlar var. Bazı genel özelliklerinden bahsetmek gerekir, bunlar sanat dünyasının kendisi ve birçok çağdaşı tarafından vurgulanmıştır.

World of Art Association, Rus sanatında tesadüfi bir fenomen değil, tarihsel olarak şartlandırılmış bir fenomendi. Bu, örneğin, I. E. Grabar'ın görüşüydü: “Diaghilev olmasaydı<...>, bu düzenin sanatı ortaya çıkmak zorundaydı ”.

Sanat kültürünün sürekliliği konusuna değinen Diaghilev, 1906'da şunları söyledi: "Rus plastik sanatının tüm bugünü ve geleceği... Peter'ın zamanından beri ustalar."

BİR. Benoit, World of Artists tarafından yapılan her şeyin "geçmişten koptukları" anlamına gelmediğini yazdı. Aksine, Benoit, World of Art'ın özünün "Rus ve uluslararası sanatın hem teknik hem de ideolojik birçok geleneğinin yenilenmesi için durduğunu" savundu. Ve dahası: “... kendimizi büyük ölçüde 18. yüzyılın portre ressamlarında, Kiprensky'de, Venetsianov'da ve Fedotov'da değer verdiğimiz aynı arayışların ve aynı yaratıcı yöntemlerin temsilcileri olarak gördük. seçkin ustalarda olduğu gibi doğrudan bizden önceki nesil - Kramskoy, Repin, Surikov'da ”.

Tanınmış bir gezgin olan V. E. Makovsky, bir gazeteciyle yaptığı röportajda şunları söyledi: “İşimizi yaptık.<...>Rus resminin tüm en iyi güçlerinin sözde şimdi yoğunlaştığı “Rus Sanatçılar Birliği” ve “Sanat Dünyası” örnekleri sürekli olarak veriliyor. Ama bu en iyi güçler bizim çocuklarımız değilse kimlerdir?<...>Neden bizi terk ettiler? Evet, çünkü kendilerini sıkışık hissettiler ve yeni toplumlarını kurmaya karar verdiler”.

World of Art'ın eserlerinde, gezici hareketin en iyi geleneklerinin bu sürekliliği, 1905 devrimi sırasında kendini gösterdi. Sanat Dünyası sanatçılarının çoğu, siyasi hiciv yayınlarının yayınlanmasında aktif rol alarak çarlığa karşı mücadeleye katıldı.

Sanat Dünyası, birçok sanatçının yaratıcı kaderinde göze çarpan ve hatta bazen belirleyici bir rol oynamıştır. Örneğin IE Grabar, World of Art sergi komitesi üyeleri Diaghilev, Benois ve Serov ile yaptığı görüşmeden sonra “kendine inandı ve çalışmaya başladı”. Serov'un kendisi bile, sebepsiz yere, “Sanat Dünyası çevresinin aktif sempatisinin, çalışmalarına mucizevi bir şekilde ilham verdiği ve güçlendirdiği” söylendi.

KS Petrov-Vodkin, 1923'te The World of Art hakkındaki anılarında şunları yazdı: “Diaghilev, Benoit, Somov, Bakst, Dobuzhinsky'nin cazibesi nedir? İnsan gruplarının bu tür takımyıldızları, tarihsel dönüm noktalarının sınırlarında ortaya çıkar. Çok şey biliyorlar ve geçmişin bu değerlerini yanlarında taşıyorlar. Bir şeyleri tarihin tozundan nasıl çıkaracaklarını biliyorlar ve onları canlandırarak onlara modern bir ses veriyorlar ... "Sanat Dünyası" tarihsel rolünü parlak bir şekilde oynadı. Ve aynı anıların başka bir yerinde: “Yirmi yıl önce, çöküşün miasmaları arasında, tarihin kötü tadı, siyahlığı ve çamuru arasında, Sergei Diaghilev ve yoldaşlarının gemisini nasıl donattığını hatırladığınızda, biz genç adamlar. , sonra onlarla birlikte kanatlar aldı, bizi çevreleyen müstehcenlikte boğularak, - tüm bunları hatırlayın, deyin: evet, aferin beyler, bizi bugüne omuzlarınızda getirdiniz ”.

NK Roerich, “sanatın yeni fetihlerinin bayrağını yükseltenin” “Sanat Dünyası” olduğunu ilan etti.

AP Ostroumova-Lebedeva, yaşamının sonunda uzak 1900'leri hatırlatarak şunları yazdı: “Mir'in sanatçıları, genç sanatçıları, yeteneklerin yanı sıra, sanata ve sanata karşı samimi ve ciddi bir tutum fark ettiklerinde toplumlarına seçti ve davet etti. İş<...>Mir sanatçıları ısrarla "sanatta zanaat" ilkesini ortaya koydular, yani sanatçıların çalıştıkları malzemelerin tam ve ayrıntılı bilgisiyle resim yapmalarını ve tekniği mükemmelleştirmelerini istediler.<...>Ayrıca hepsi sanatçılar arasında kültürü ve beğeniyi geliştirme ihtiyacından bahsettiler ve resimlerdeki temaları asla inkar etmediler ve bu nedenle güzel sanatları doğasında bulunan ajitasyon ve propaganda özelliklerinden mahrum etmediler ”. Ostroumova-Lebedeva'nın vardığı sonuç çok kesindi: “Sanat Dünyası toplumunun önemini basitçe yok edemez ve örneğin sanat eleştirmenlerinin“ sanat için sanat ” ilkesi nedeniyle burada yaptığı gibi inkar edemezsiniz.

K.F. Yuon şunları kaydetti: "Sanat Dünyası", çeşitli sanatsal ifade araçlarının el değmemiş bakir topraklarına dikkat çekti. Toprağı ve milli olan her şeyi teşvik etti...”. 1922'de AM Gorky, bu olağanüstü yeteneklerin yoğunlaşmasını "Rus sanatını canlandıran bütün bir akım" olarak tanımladı.

"Sanat Dünyası" 1903'te sona erdi, ancak çağdaşlar için muazzam bir çekici gücü elinde tutmaya devam etti. 1910'da World of Art topluluğu St. Petersburg'da yeniden ortaya çıktı, ancak Diaghilev artık onun çalışmalarında yer almıyordu. Diaghilev'in sanatsal etkinliği farklı bir yön aldı.

1905'te St. Petersburg'daki Tauride Sarayı'nda Rus portrelerinden oluşan görkemli bir Tarih ve Sanat Sergisi düzenledi. Başkentin saraylarından ve müzelerinden eserlerle sınırlı olmayan Diaghilev, eyaleti gezerek toplamda yaklaşık 4.000 portre ortaya çıkardı. Sergide birçok ilginç ve beklenmedik buluntu vardı. Rus portre sanatı alışılmadık derecede önemli ve zengin görünüyordu. V. E. Borisov-Musatov, o günlerde V. A. Serov'a şunları yazdı: “Bu çalışma için [v. yani serginin düzenlemesi] Diaghilev bir dahidir ve tarihsel adı ölümsüz olurdu. Anlamı bir şekilde çok az anlaşıldı ve bir şekilde yalnız kaldığı için onun için içtenlikle üzgünüm. " Sergilerin çoğundan Diaghilev'in inisiyatifiyle çekilen fotoğraflar (negatifler TG'de tutulur), şimdi 1905 devriminin çalkantılı olayları sırasında yok olan veya kaybolan Rus sanatının birçok başyapıtı, sivil ve dünya savaşları (örneğin, diğer eserleri arasında Tauride sergisinde sergilenen D. G. Levitsky'nin on sekiz eserinin kaderi).

1905 baharında, Moskova'daki kültürel şahsiyetler, Diaghilev'i "World of Art" dergisini düzenlediği ve bir Tarih ve Sanat Sergisi düzenlediği için şükranla onurlandırmaya karar verdi. Selamlamalara yanıt veren Diaghilev şunları söyledi: “... bu açgözlü gezintilerden sonra [Diaghilev, Tarih ve Sanat Sergisi için yapıtlar toplamak için yaptığı Rusya gezilerini kastediyor] özellikle zamanının geldiğine ikna oldum. Sonuçlar. Bunu yalnızca bizden açıkça uzak olan ataların parlak görüntülerinde değil, aynı zamanda günlerini yaşayan torunlarda da gözlemledim. hayatın sonu burada<...>Bizim tarafımızdan ortaya çıkacak, ama bizi de süpürecek yeni, bilinmeyen bir kültür adına sonuçların ve sonların en büyük tarihsel anının tanıklarıyız. Ve bu nedenle, korkmadan ve inanmadan, güzel sarayların yıkılan duvarlarına ve yeni bir estetiğin yeni vasiyetlerine bir bardak kaldırıyorum ”

Rus Sanat Derneği. 1890'ların sonlarında şekillendi. (resmi olarak 1900'de) A. N. Benois ve S. P. Diaghilev başkanlığındaki genç sanatçılar ve sanatseverlerden oluşan bir çevre temelinde. Mir dergisinin himayesinde bir sergi birliği olarak ... ... Sanat ansiklopedisi

Sanatçıların derneği (1898 1924), St. Petersburg'da A.N. Benois ve S.P. Diaghilev. Sanat Dünyası temsilcileri, Gezicilerin hem akademizmini hem de yanlılığını reddettiler; sembolizmin şiirselliğine dayanarak, genellikle geçmişin dünyasına gittiler ... Modern ansiklopedi

"Sanat Dünyası"- A.N. tarafından St. Petersburg'da oluşturulan sanatçılar derneği (1898 1924) “SANAT DÜNYASI”. Benois ve S.P. Diaghilev. World of Art'ın temsilcileri, Gezicilerin hem akademizmini hem de yanlılığını reddettiler; sembolizmin şiirselliğine dayanarak, genellikle ... ... Resimli Ansiklopedik Sözlük

E. E. Lancere. Peter I zamanlarından gemiler. Tempera. 1911. Tretyakov Galerisi. Moskova. "Sanat Dünyası", Rus Sanat Derneği. 1890'ların sonlarında şekillendi. (resmi olarak 1900'de) genç sanatçılar ve sanatseverlerden oluşan bir çevreye dayalı ... Sanat ansiklopedisi

- (1898–1904; 1910–1924), St. Petersburg sanatçıları ve kültürel şahsiyetlerin bir derneği (A.N. Benois, K.A. Somov, L.S. Bakst, M.V. Dobuzhinsky, E.E. Lansere, A. Ya. Golovin, I. Ya. Bilibin, ZE Serebryakova, BM Kustodiev, NK Roerich, ... ... Sanat ansiklopedisi

- "Sanat Dünyası", Rus sanat derneği. 1890'ların sonlarında şekillendi. (resmi olarak 1900'de) St. Petersburg'da A.N. Benois ve S.P. Diaghilev başkanlığındaki genç sanatçılar ve sanatseverlerden oluşan bir çevre temelinde. Bir sergi birliği olarak ... ... Büyük Sovyet Ansiklopedisi

"Sanat Dünyası"- "Sanat Dünyası", sanat derneği. 1890'ların sonlarında şekillendi. (tüzük 1900'de onaylandı) A.N. Benois ve ... Ansiklopedik referans kitabı "St. Petersburg"

Çağdaş "kamuoyu liderleri"nin taraflılığına, partizanlığına ve anti-estetizmine, akademizm ve gezici hareket zevkinin diktatörlüğüne karşı çıkan Rus sanatçılardan oluşan bir dernek. 1890'larda St. Petersburg'da bir daire temelinde şekillendi ... ... Rus tarihi

1) sanat derneği. 1890'ların sonlarında şekillendi. (tüzük 1900'de onaylandı) A.N. Benois ve S. P. Diaghilev başkanlığındaki genç sanatçılar, sanat eleştirmenleri ve sanatseverler ("kendi kendine eğitim topluluğu") temelinde. Nasıl … Petersburg (ansiklopedi)

"Sanat Dünyası"- SANAT DÜNYASI sanatçısı. Gümüş Çağı sırasında. 1898'den 1927'ye kadar kesintilerle var olmuş, farklı organizasyonlar üstlenmiştir. formlar: dergi, sergi, sanatçılar hakkında. MI 1898 1904'ün 1. dönemi. MI'nın 1. bölümünün çekirdeği, İskender'in akrabalarının bir çemberiydi ... Rus insani ansiklopedik sözlük

Kitabın

• Sanat Dünyası. 1898-1927, GB Romanov, Bu yayın "World of Art" derneğinin tarihindeki 30 yıllık döneme adanmıştır. Yayında sanatçıların portreleri, biyografileri ve eserleri yer almaktadır. Bu ansiklopediyi hazırlarken ... Kategori: Rus sanatının tarihi Yayıncı: Global View, St. Petersburg Orkestrası,
• Sanat Dünyası. Yirminci yüzyılın başlarındaki sanat derneği, Vsevolod Petrov, 'Sanat Dünyası', Rus sanat derneği. 1890'ların sonlarında şekillendi. (resmi olarak 1900'de) St. Petersburg'da A.N. başkanlığındaki genç sanatçılar ve sanatseverler çemberi temelinde. Kategori: Sanat tarihi ve teorisi Yayımcı:

Sanat derneği "World of Art", XIX-XX yüzyılların başında aynı adı taşıyan derginin yayınlanmasıyla kendini duyurdu. 1898'in sonunda St. Petersburg'da "World of Art" dergisinin ilk sayısının yayınlanması, Alexander Nikolaevich Benois (1870-1960) başkanlığındaki bir grup ressam ve grafik sanatçısı arasındaki on yıllık iletişimin sonucuydu.

Birleşmenin ana fikri “Zor Sorular” makalesinde ifade edildi. Hayali düşüşümüz." Sanatsal yaratımın temel amacı, her ustanın öznel anlayışında güzellik ve güzellik olarak ilan edildi. Sanatın görevlerine karşı bu tutum, sanatçıya Rusya için oldukça yeni ve alışılmadık olan temaları, görüntüleri ve ifade araçlarını seçme konusunda mutlak özgürlük verdi.

Sanat Dünyası, Rus halkı için Batı kültürünün, özellikle Fin ve İskandinav resminin, İngiliz Pre-Raphaelite sanatçılarının ve grafik sanatçısı Aubrey Beardsley'in birçok ilginç ve daha önce bilinmeyen fenomenini açtı. Benoit ve Diaghilev etrafında birleşen ustalar için sembolist yazarlarla işbirliği büyük önem taşıyordu. 1902'de derginin on ikinci sayısında şair Andrei Bely "Sanat Biçimleri" adlı bir makale yayınladı ve o zamandan beri en büyük Sembolist şairler sayfalarında düzenli olarak yayınlandı. Ancak Sanat Dünyası sanatçıları kendilerini sembolizmle sınırlamadılar. Sadece üslup birliği için değil, aynı zamanda benzersiz, özgür yaratıcı bir kişiliğin oluşumu için de çabaladılar.

Bütünleyici bir edebi ve sanatsal dernek olarak, "Sanat Dünyası" uzun sürmedi. Sanatçılar ve yazarlar arasındaki anlaşmazlıklar, 1904'te derginin kapatılmasına neden oldu. Grubun 1910'daki faaliyetlerine yeniden başlaması, eski rolünü artık eski haline getiremezdi. Ancak Rus kültür tarihinde bu dernek derin bir iz bıraktı. Ustaların dikkatini içerik sorunlarından biçim ve resimsel dil sorunlarına çeviren şey buydu.

World of Art sanatçılarının ayırt edici bir özelliği, çok yönlü olmalarıydı. Resimle, tiyatro gösterilerinin tasarımıyla, sanat ve el sanatlarıyla uğraşıyorlardı. Bununla birlikte, grafikler miraslarında önemli bir rol oynamaktadır.

Benoit grafiğinin en iyi eserleri; aralarında özellikle ilginç olan, Alexander Puşkin'in "Bronz Süvari" (1903-1922) şiirinin illüstrasyonlarıdır. Petersburg tüm döngünün ana "kahramanı" oldu: sokakları, kanalları, mimari şaheserleri şimdi ince çizgilerin soğuk şiddetinde, şimdi parlak ve karanlık noktaların dramatik kontrastında ortaya çıkıyor. Trajedinin zirvesinde, Eugene, arkasında dört nala koşan Peter anıtı olan zorlu devden kaçtığında, usta şehri karanlık, kasvetli renklerle boyar.

Benoit'in çalışması, yalnız bir acı çeken kahramana ve dünyaya karşı koyma, ona kayıtsız kalma ve böylece onu öldürme romantik fikrine yakındır.

Tiyatro gösterilerinin tasarımı, Lev Samuilovich Bakst'ın (gerçek adı Rosenberg; 1866-1924) çalışmasındaki en parlak sayfadır. En ilginç eserleri, 1907-1914'te Paris'teki Rus Mevsimlerinin opera ve bale yapımlarıyla ilişkilidir. - Diaghilev tarafından düzenlenen bir tür Rus sanatı festivali. Bakst, R. Strauss'un "Salome" operası, N. A. Rimsky-Korsakov'un "Scheherazade" süiti, C. Debussy'nin müziğine "Afternoon of a Faun" balesi ve diğer performanslar için sahne ve kostüm çizimleri yaptı. Özellikle dikkat çekici olan, bağımsız grafik eserler haline gelen kostümlerin eskizleridir. Sanatçı kostümü, dansçının hareket sistemine odaklanarak çizgiler ve renkler üzerinden modellemiş, dansın kalıbını ve müziğin doğasını ortaya çıkarmaya çalışmıştır. Eskizlerinde görüntünün vizyonunun keskinliği, bale hareketlerinin doğasına dair derin bir anlayış ve şaşırtıcı zarafet dikkat çekiyor.

World of Art ustalarının çoğu için ana temalardan biri geçmişe başvurmak, kayıp ideal dünyaya duyulan özlemdi. Favori dönem 18. yüzyıl ve hepsinden öte Rokoko dönemiydi. Sanatçılar sadece bu sefer eserlerinde canlandırmaya çalışmakla kalmadılar, halkın dikkatini 18. yüzyılın gerçek sanatına çektiler, aslında Fransız ressamlar Antoine Watteau ve Honore Fragonard ile yurttaşları Fyodor Rokotov ve Dmitry Levitsky'nin eserlerini yeniden keşfettiler. .

Benois'in eserleri, Versailles saraylarının ve parklarının güzel ve uyumlu bir dünya olarak sunulduğu, ancak insanlar tarafından terk edildiği "yiğit çağın" görüntüleri ile ilişkilidir. Evgeny Evgenievich Lanceray (1875-1946), 18. yüzyılda Rus yaşamının resimlerini yapmayı tercih etti.

Rokoko motifleri, Konstantin Andreevich Somov'un (1869-1939) eserlerinde özel bir ifade ile kendini gösterdi. Sanat tarihine erken katıldı (baba

sanatçı Hermitage koleksiyonlarının küratörüydü). Sanat Akademisi'nden mezun olduktan sonra genç usta, eski resim konusunda mükemmel bir uzman oldu. Somov, resimlerinde tekniğini zekice taklit etti. Çalışmasının ana türü, "yiğit sahne" temasının varyasyonları olarak adlandırılabilir. Gerçekten de, sanatçının tuvallerinde Watteau'nun karakterleri yeniden canlanıyor gibi görünüyor - yemyeşil elbiseler ve peruklar içindeki bayanlar, komedi maskelerinin aktörleri. Gün batımı ışığının sevecen parıltısıyla çevrili park sokaklarında flört eder, flört eder ve serenatlar söylerler.

Ancak, Somov'un resminin tüm araçları, "yiğit sahneyi" bir an için parlayan ve hemen kaybolan fantastik bir vizyon olarak göstermeyi amaçlıyor. Ondan sonra sadece acı bir hatıra kalır. Ölüm görüntüsünün, suluboya "Harlequin and Death" (1907) gibi hafif, cesur bir oyunun ortasında ortaya çıkması tesadüf değildir. Kompozisyon açıkça iki düzleme ayrılmıştır. Uzakta Rokoko'nun geleneksel "pul seti": yıldızlı gökyüzü, aşık çiftler vb. Ve ön planda da geleneksel maske karakterleri var: Renkli takım elbiseli Harlequin ve Ölüm - siyah pelerinli bir iskelet. Her iki figürün silüetleri keskin, kesik çizgilerle özetlenmiştir. Parlak bir palette, belirli bir şablon için kasıtlı bir çaba içinde, kişi kasvetli bir grotesk hisseder. Rafine zarafet ve ölümün dehşeti aynı madalyonun iki yüzü olarak ortaya çıkıyor ve ressam her ikisini de eşit kolaylıkla tedavi etmeye çalışıyor gibi görünüyor.

Somov, geçmişe duyduğu nostaljik hayranlığı kadın imgeleriyle özellikle incelikli bir şekilde ifade etmeyi başardı. Ünlü eser "Mavili Kadın" (1897-1900), usta sanatçı E. Martynova'nın çağdaş bir portresidir. Eski moda giyinmiş ve şiirsel bir peyzaj parkının fonunda tasvir edilmiştir. Resim tarzı, Biedermeier stilini zekice taklit ediyor. Ancak kahramanın görünüşünün bariz morbiditesi (Martynova kısa süre sonra tüberkülozdan öldü) akut bir melankoli hissi uyandırıyor ve manzaranın pastoral yumuşaklığı gerçek değil, sadece sanatçının hayal gücünde var.

Mstislav Valerianovich Dobuzhinsky (1875-1957) dikkatini esas olarak kentsel peyzaja odakladı. Onun Petersburg'u, Benois'in Petersburg'unun aksine, romantik bir auradan yoksundur. Sanatçı, şehri insan ruhunu öldüren devasa bir mekanizma olarak göstererek en çekici olmayan, "gri" manzaraları seçiyor.

"Gözlüklü Adam" ("K. A. Sunnerberg'in Portresi", 1905-1906) resminin kompozisyonu, kahramanın ve geniş bir pencereden görülebilen şehrin karşıtlığına dayanmaktadır. İlk bakışta, rengarenk bir dizi ev ve gölgelere dalmış bir yüzü olan bir adam figürü birbirinden izole edilmiş gibi görünüyor. Ancak bu iki düzlem arasında derin bir içsel bağlantı vardır. Şehir evlerinin "mekanik" donukluğu, renklerin parlaklığının arkasında duruyor. Kahraman kopuk, kendi içine dalmış, yüzünde yorgunluk ve boşluktan başka bir şey yok.

Sanat Dünyası, 1890'ların sonlarından beri var olan yaratıcı bir sanatçılar derneğidir. 1924'e kadar (aralıklı olarak). Derneğin ana çekirdeği A.N. Benois, L.S. Bakst, K.A. Somov, M.V. Dobuzhinsky, E.E. Lansere, I. Ya. Bilibin'di. K. A. Korovin, A. Ya. Golovin, B. M. Kustodiev, N. K. Roerich, S. Yu. Sudeikin, B. I. Anisfeld ve diğerleri World of Art'a katıldı.

World of Art programı tartışmalıydı. Gezicilere ve Sanat Akademisi'ne karşı olan "World of Art", "saf sanat"ın destekçisiydi. Aynı zamanda, derneğin sanatçıları gerçekçilikten kopmadı, birçoğu 1905 Devrimi'ne ve 1910'lara cevap verdi. "Sanat Dünyası", çöküşe ve biçimciliğe karşı çıktı. World of Art sanatçılarının eserlerinde güçlü bir retrospektif eğilim, 17. ve 18. yüzyıl kültürüne hayranlık vardı.

World of Art'ın en güçlü yanları kitap grafikleri ve tiyatro sahneleridir. Performansın içeriğini ve bütünlüğünü savunan sanatçının içindeki aktif rolü, "Sanat Dünyası", opera S. I. Mamontov'un dekoratörleri tarafından başlatılan tiyatro ve dekoratif sanat reformunu sürdürdü.

World of Art sanatçılarının dekorasyon çalışmaları, yüksek kültür, tiyatronun modern resmin başarılarıyla zenginleştirilmesi, çözümlerin sanatsal bütünlüğü, hassas tat ve bale dahil sahne eserlerinin yorum derinliği ile karakterizedir.

Performansların tasarımında "Sanat Dünyası" sanatçıları tarafından büyük bir rol oynadı.

Sanatsal dernek
"Sanat Dünyası"

Direct-Media, Moskova, 2016

ARTOTEKA, hayır. 36

Sanat derneği "World of Art", bir spor salonundan ve daha sonra 1880'lerin sonlarında - 1890'ların başında ünlü St. Petersburg mimarı N. Benois'in en küçük oğlu - Alexander, gelecekte bir sanatçı, kitap illüstratörü, set tasarımcısı, sanat tarihçisi, sanat eleştirmeni.

Bir birliğin oluşturulması

Sanat derneği "World of Art" bir spor salonundan ve daha sonra 1880'lerin sonlarında - 1890'ların başında ünlü St. Petersburg mimarı N. Benois - Alexander'ın gelecekte bir sanatçı olan en küçük oğlu etrafında gruplanan bir öğrenci çemberinden büyüdü. , kitap illüstratörü, set tasarımcısı, sanat tarihçisi. sanat eleştirmeni. Başlangıçta, katılımcıların kendilerinin "kendi kendine eğitim toplumu" olarak adlandırdıkları dostane bir çevreydi. O zaman bile, gelecekte "Sanat Dünyası" için tipik bir özellik ortaya çıktı - sanat fenomenlerinin, genel olarak kültürün sentetik bir kapsamına yönelik arzu. Gençlerin ilgi alanları genişti: resim, edebiyat, müzik, tarih, özellikle tiyatro konusunda tutkuluydular.

Çember, "World of Art" dergisinin gelecekteki birçok çalışanını içeriyordu: V. Nouvel, D. Filosofov, L. Rosenberg (daha sonra L. Bakst olarak biliniyordu). Bu yayının yayınlanmasından önce, her şeyden önce Rusya'da yabancı sanat sergilerinin organizasyonu ile ilgili çok sayıda hazırlık çalışması yapıldı. Daha sonra önemli bir sanat figürü ve eleştirmen olan S. Diaghilev (1872-1929), bir noktada dostane bir birliktelikte gözle görülür bir rol oynamaya başladı. Seçkin Rus sanatçıları bir araya getirme ve eserlerini Batı'da bilinir hale getirme hedefini belirleyen oydu.

Şubat 1897'de Diaghilev'in girişimiyle St. Petersburg'da İngiltere ve Fransa'dan bir suluboya sergisi açıldı. A. Benois ve diğer Sanat Dünyası sanatçılarının tarihi temaların oda çözümlerine etki eden Menzel'in suluboyaları başta olmak üzere bu iki ülkenin önemli ustalarının eserlerini sergiledi.

Ancak aynı yılın sonbaharında Sanat Akademisi salonlarında açılan İskandinav sanatçıların sergisi ve Ocak 1898'de Stieglitz Müzesi'nde Rus ve Fin sanatçıların sergisi daha önemliydi. Örgütsel yeteneği sayesinde, Diaghilev, sadece dost çevrenin ana üyelerini değil, aynı zamanda en büyük Rus ressamlarını da çekmeyi başardı - M. Vrubel, I. Levitan, V. Serov, K. Korovin, M. Nesterov, A. Ryabushkina. A. Gallen ve A. Edelfelt başkanlığındaki Fin ustalar da eserlerini sundular. Bu sergiler, aslında, Rusya'daki ilk yabancı sanat sergileri arasındaydı ve hem sanatçılar arasında hem de bir bütün olarak toplumda yerleşik muhafazakar görüşlerin aşılması zemininde düzenlendi. Diaghilev ve ortakları, kuzey ülkelerinin zaten deneyimlediği akademizmin durgunluğuna karşı mücadele sürecine Rus sanatını daha aktif olarak dahil etmek için tutkulu bir istek duydular ve yabancı ustalarla ortak sergileri yenilemenin en etkili yollarından biri olarak gördüler. Sanat. Sanatçılar Dünyası daha sonra Rus ve Fin sanatçıların ortak sergisini "Sanat Dünyasının ilk performansı, ancak henüz bu isim altında değil" olarak kabul etti. A. Benois, kendisinin ve arkadaşlarının "Sanat Dünyası" adı verilen tek bir grupta birleştiklerini söyledi.

Daha önce belirtildiği gibi, "World of Art" dergisinin ortaya çıkmasına katkıda bulunan yabancı sanat sergilerinin düzenlenmesiydi. Avantajlarından biri, resim alanında, din, felsefe ve edebiyat alanında tartışmalar için özgür bir platform haline gelmesiydi. Yayının sayfaları, Rusya ve Batı'nın entelektüel yaşamının en acil sorunlarını tartıştı. Dergi, en başından beri Rusya'nın sanatsal yaşamında sağlam bir yer aldı ve çok sayıda hayran kazandı. Editörü S. Diaghilev'di, ancak A. Benois, Sanat Dünyasının sanatsal politikasını tanımlayan ve bütün bir estetik programı ana hatlarıyla belirleyen aktif bir rol oynadı: ilk olarak, klasiklerin tanınması ve ikincisi, acı veren her şeyin inkar edilmesi. sanat ve çöküş, üçüncüsü, çıkar ilkesiyle W. Morris'in sanat endüstrisi fikrine yönelmesi. A. Benois, dergiyi "Rönesans" olarak adlandırmayı önerdi ve "zulmü ve ölümü çöküşe ilan etmeye çağırdı.<…>bu tüm kültürün yok edilmesini tehdit ediyor."

Derginin 1899'da yayınlanan ilk sayısında S. Diaghilev'in "World of Art" derneğinin estetiğinin formüle edildiği "Zor Sorular" adlı makalesi yayınlandı. Diaghilev, en başından beri hedefini "estetik alanındaki tüm fikirlerin analizi" olarak belirledi. Ona göre, modern resimdeki estetik kavram ve ilkeler, sanatsal pratikten ayrılıyordu: “Yüzyılın sanatsal yaşamının bu karma öyküsü, çağın estetik kavramlarının ve gereksinimlerinin korkunç istikrarsızlığında temel bir kaynağa sahipti. Bir an için sağlam bir şekilde kurulmadılar, mantıklı veya özgürce gelişmediler. Sanatsal meseleler, genel bir sosyal darbeler karmaşasına karıştı ... ”. Ayrıca, sanatın herhangi bir dış hedefe tabi kılınmasına karşı çıkan sanatsal ve estetik eğilimler olmasına rağmen, sanata yönelik faydacı yaklaşımın 19. yüzyıl boyunca baskın olduğunu belirtiyor.

Diaghilev, faydacılık ilkesini, güzelliğin en yüksek ve bağımsız değer olarak tanınması olarak estetikçilik ilkesiyle karşılaştırdı; makalenin yazarı sanatın kendi içinde değerli olduğunu, amacının kendisi olduğunu savundu. A. Benois, bir yoldaşın, sanatsal değerlendirmeler alanında güzelliğin en yüksek ölçüt olması gerektiği inancını paylaştı.

Estetikçilik, estetiğin özel, münhasır haklarının tanınması, güzelliğin kendi kendine yeterli rolünün iddia edilmesi, ahlaktan, dinden ve politikadan bağımsız olmasıdır. Estetikçilik kavramı ilk olarak İngiliz Pre-Raphaelite sanatçılarının çalışmalarına geniş çapta yansımıştır. "World of Art" dergisinde İngiliz sanatı ve Pre-Raphaelciler hakkında yayınlar sürekliydi. Editörler, birincil görevlerinin, "Nietzschean" değerlerine verilen merkezi yer olan yeni bir kültür kavramının geliştirilmesi olduğunu ilan ettiler: yaratıcılık, güzellik, estetik duygu. Dergi, 1899'dan 1904'e kadar S. Diaghilev'in editörlüğünde ve bir St. Petersburg sanatçı grubunun katılımıyla 1901'den itibaren I. Grabar'a katıldı ve yakında Rus sanatının en etkili eleştirmenlerinden biri haline geldi. Her yıl düzenlenen "Sanat Dünyası" adlı sanat sergileri, Rus ve Batı Avrupalı ​​ustaları bir araya getirdi.

Böylece, St. Petersburg derneğinin faaliyetleri, 19. yüzyılın sonlarında kültürel hayatta yeni bir dönemin başlangıcına işaret ediyordu.

World of Art sergilerinin ana çekirdeği, Diaghilev grubunun (aslında sanat dünyası) ustalarının eserleriydi - A. Benois, K. Somov ve Moskova ressamlarıyla bir araya gelen en yakın ortakları - M. Vrubel, I. Levitan, V. Serov, K. Korovin , M. Nesterov, A. Ryabushkin. Mir'in sanatçıları, çalışmaları St. Petersburg grubunun ideolojik tutumlarından bağımsız olarak gelişen ve resimsel dil ile ayırt edilen büyük Rus ustaların faaliyetlerine katıldı.

Tarihe ve tarihi tarzlara tercih edilen ilgi, geçmiş dönemler için nostalji, güzellik kültü, romantik ironi - bunlar sanat dünyasının ideolojik özellikleridir. Çalışmalarında en sevilen olay örgüleri ve motiflerin onayını etkilediler.

World of Art'ın kurucusu ve tarihçisi Alexander Nikolaevich Benois'in (1870-1960) yaratıcı mirası zengin ve çok yönlüdür. Benoit'in "güneş kralı" sarayının yaşamını ve geleneklerini anlatan kitaplara ve Fransız sanatına yönelik araştırmalarına duyduğu coşkunun sonucu, bir dizi harika suluboyaydı. Sarayı, parkı, kralın ve saraylıların yürüyüşlerini, banyo markisini tasvir ediyorlar. Bu tür ilk döngüye "Louis XIV'in Son Yürüyüşleri" denir ve 1897-1898'de, ikincisi - "Versay Serisi" 1905-1906'da yaratılmıştır. "Kral Yürüyüşü" (1897, Devlet Rus Müzesi, St. Petersburg), "Balık Besleme" (1897, Devlet Rus Müzesi, St. Petersburg), "Ceres Havuzu" (1897, Devlet Rus Müzesi, St. Petersburg), "Kral her türlü havada yürür" (1898, I. Silberstein koleksiyonu), Versailles serisinin diğer sayfalarında olduğu gibi, tek bir karakterle birleştirilmiş olmasına rağmen - Louis XIV, bağlantı halkası adamın görüntüsüdür- kraliyet ikametgahının doğasını yaptı. Versailles eskizlerinde geçmişin canlandığı "eski park" teması hakimdir. Tüm eserler, görüntünün nesnesi ve ruh halinin birliği ile bağlantılıdır. "Kral Yürüyüşü" (1906, Devlet Tretyakov Galerisi, Moskova) adlı resimde doğa bir tiyatro sahnesine dönüştürülür, zarif yeşil perdeler küçük bir sahne alanı açar. Siluetlerin hafifliği ve netliği ile figürler, pitoresk bir manzaraya yazılmış oyuncaklara benziyor. Park, bir sarayın salonlarından biri gibi, mekanlarına teatral performansı kabul ediyor.

Evgeny Evgenievich Lanceray (1875-1946) eserini Büyük Peter dönemine çevirdi. En sevdiği konular St. Petersburg'un inşası ve yeni Rus filosuydu. Sanatçı, tarihi ortamı “restore etmedi”, ancak Peter I'in soğuk ve rüzgarlı beyninin imajını yarattı. İlklerden biri, 18. yüzyılın başında “Petersburg” resminin etkileyici ve dinamiklerle dolu olmasıydı. On İki Collegia Binası "(1902, Devlet Rus Müzesi, St. Petersburg), huzursuz Neva'nın sularının Vasilievsky Adası'nın iskelesine çarptığı yağmurlu, rüzgarlı bir günü tasvir ediyor. Bir tekne iskeleye yanaşıyor. Merdivenlerde, Twelve Collegia'nın yeni inşa edilmiş binasını incelemeye gelen Peter I'in tanınabileceği birkaç insan figürü var. Yazar, St. Petersburg'un inşasının atmosferini yeniden yaratır, mimari ve doğa ayrılmaz bir bütünlük içinde verilir. "Peter I Teknesi" (1906, Devlet Tretyakov Galerisi, Moskova) ve "Peter I Altındaki Gemiler" (1911, Devlet Tretyakov Galerisi, Moskova) manzaraları rüzgar, ferahlık hissi, dalgaların sıçramasıyla doludur. Lanceray ayrıca sonraki dönemlere döndü. Bu nedenle, eylemin Tsarskoye Selo Parkı ve muhteşem heykellerle süslenmiş Büyük Saray'ın fonunda ortaya çıktığı "Tsarskoe Selo'daki İmparatoriçe Elizaveta Petrovna" (1905, Devlet Tretyakov Galerisi, Moskova) kompozisyonuna sahip. Lanceray, bir nedime eşliğinde İmparatoriçe'nin görkemli alayını mizahi bir şekilde tasvir ediyor. Mimari ve kostümlerin birliği, bu unsurların her ikisinin de sofistike zarafetini ve çapkınlığını ortaya çıkarır ve vurgular. Düzenli park, sanatçının iradesiyle, yaşanan eylemin tanığı, yaşayan bir karaktere dönüşmüştür. Sanatçı, 18. yüzyılın doğasında bulunan anlamsızlık ve törensel formalite, duygusallık ve rasyonalizm kombinasyonunu aktarabildi.

Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911), "World of Art" sanat derneğinin ana temsilcilerinden biriydi, sadece sürekli bir katılımcı değil, aynı zamanda A. Benois ve S. Diaghilev ile birlikte "World of Art" sergilerinin organizatörüydü. .

V. Serov'un görüşüne çok değer verildi, yadsınamaz bir otorite olarak kabul edildi. 1902'de "Sanat Dünyası" için kritik bir zamanda, İmparator II. Nicholas'tan (o sırada sanatçı portresini çiziyordu) sanat dünyası için parasal bir sübvansiyon isteyen oydu. iki yıl daha vardı. Usta-gerçekçi olarak kalan Serov, çalışmalarında birleştirmenin sanatsal ilkelerini somutlaştırdı, Rus XVIII. Buna bir örnek, "Bir av köpeği üzerinde Peter II ve Tsarevna Elizabeth" (1900, Devlet Rus Müzesi, St. Petersburg), "Bir şahin üzerinde Catherine II", "Bir av köpeği üzerinde Peter I" (her ikisi de - 1902) resimleridir. , Devlet Rus Müzesi, St. Petersburg), "Peter I" (1907, Devlet Tretyakov Galerisi, Moskova). İkincisinde, A. Benois'in eserlerinde içkin olan eylemin teatralleştirilmesi çabası açıktır. Geleneksellik, görüntünün keskinliği, dekoratifliğin büyümesi, görüntünün muhteşem teatralizasyonu, 1910'da yaratılan ustanın eserlerinin karakteristiğidir, - "Ida Rubinstein'ın Portresi" (Rus Devlet Müzesi, St. Petersburg) ve "Kırılma" Avrupa" (farklı koleksiyonlardaki varyantlar).

Konstantin Andreevich Somov (1869-1939), "Sanat Dünyası"nın en önemli isimlerinden biriydi. Eserleri, sanat estetiği dünyasının temel ilkelerini özellikle net bir şekilde ifade etti: usta, tarihsel geçmişe döndü, zarif bir stile, sofistike bir duygusallığa meyletti, eserlerinin çoğu teatral. Sanatçının fantezi manzaraları, doğadan çalışma dönemleriyle aynı anda ortaya çıktı. Sanatı geliştikçe retrospektif vizyonlar giderek daha fazla yeni yönler kazandı. Somov'un çalışmasının ana motifi, iç mekanda ve doğanın koynunda aşk sahneleriydi. Fireworks serisinin kahramanları olarak Somov, 19. yüzyılın sonları - 20. yüzyılın başlarında sanat tarafından sevilen İtalyan maske komedisinin karakterlerini seçti: zeki ve başarılı Harlequin, solgun, zayıf iradeli kaybeden Pierrot, uçarı Columbine . Oynadıkları aşk komedisi, insan tutkularının değişmezliğinin ve tekrarının bir ipucudur. Fireworks (1904, özel koleksiyon, Moskova) bu seriden guaj boya ile yapılmış bir çalışmadır. Ön plandaki hanımefendi ve beyefendinin silüetleri, elbiseleri ve başlıklarıyla 18. yüzyılı andırıyor. Resmin çoğu, yukarı doğru uçan, altın ışıklar saçan parlak bir havai fişek demeti ile gökyüzü tarafından işgal edilmiştir. Tasvir edilen şey güzel bir vizyon olarak algılanır.

Somov'un retrospektif portreleri Rus sanatında yeni bir fenomen haline geldi. Ünlü "Lady in Blue" (1897−1900, Devlet Tretyakov Galerisi, Moskova) - sanatçının yakın bir arkadaşının görüntüsü, Sanat Akademisi E. Martynova'da bir öğrenci. 1900'deki bu eser "Sanat Dünyası" sergisinde yer aldı ve Tretyakov Galerisi'nin ustasından ilk edinilen oldu. Yazarın iradesiyle model geçmişe, tarihi somutluktan yoksun eski bir parka aktarılmıştır. Martynova'nın tüm figürü dokunaklı ve dürüst bir şekilde yazılmıştır. Arka plan geleneksel bir ölçekte tutulur, çalı tamamen dekoratif, arka plandaki karakterler de gelenekseldir. Manzara, gerçek bir çevreden ziyade uyumlu bir geçmişin hatırası gibi görünüyor. Kahramanın görüntüsü ile arka plan arasındaki çelişki, ince bir gerçek ve ideal, hayaller ve gerçeklik çizgisi olarak algılanır.

Maria Vasilievna Yakunchikova (1870-1902), bir kereden fazla World of Art sergilerine katıldı, aynı adı taşıyan derginin tasarımıyla uğraştı. A. Benois tarafından çok sevilen Versailles Parkı, 1890'larda eserlerinde ortaya çıktı. Ancak Yakunchikova, Versay'ı sanat dünyasının geri kalanı olarak - tarihsel hatıraların veya anıların prizması aracılığıyla - algılamadı, ancak hayal gücünü etkileyen güdünün doğrudan izlenimini aktarmaya çalıştı. O geçmişe batmaz. Yakunchikova, resimlerinde şüphesiz Fransız izlenimcilerinin keşiflerini kullanmasına rağmen, formların ve renklerin gelenekselliği, dekoratiflik ilkesi, Sanat Dünyası ustalarının eserleri ile uyumludur. Versailles manzarasında (1891, VD Polenov Müze-Emlak, Tula Bölgesi), ön planda bulunan, kırpılmış yeşilliklerden oluşan devasa bir yeşil çalı, batan güneşin ışınlarıyla aydınlatılır. Güneşin parıltısı ve gölgeleri, akşamın hissini taşır ve İzlenimcilerin eserlerini andırır. Yakunchikova için ışık ve gölge, kutupsal psikolojik durumların sözcüleridir. Versailles manzaralarında A. Benois ve K. Somov'un ironi ve teatralizasyonu yoktur. Resmi teknikler - büyütme, hacimlerin genelleştirilmesi, parçalanma - ağıt havasını güçlendirir, izleyici gerçek bir doğal ortamda geçmişin zımni bir tanığı olur.

Yakunchikova sadece manzaraları boyamadı. "Sanat Dünyası" nın diğer üyeleri gibi, eski iç mekanlara da dikkat etti. Bu tür birçok resim Dünya Sanatı sergilerinde görülebilir.

Bu tür eserler dönemin damgasını taşıyordu ve geçmiş zamanların tasvir edilen odaları, eski yaşam tarzının "portreleri" olmaktan çok, onları yaratan dünyanın algısının bir yankısı haline geldi ("portreler") nostaljik insanlar. kayıp güzellik için. Pencerenin dışındaki dünyayı ve evin içindeki dünyayı, nesnelerin sessiz yaşamı ve insan varoluşuna katılımlarıyla karşılaştırdılar. Ayrıca, Sanatçılar Dünyasının doğrudan yer aldığı organizasyonunda "Çağdaş Sanat" 1903 sergisini de hatırlayabilirsiniz: genel iç mekan konseptinin yazarları, dekorasyon detaylarının eskizleri, dekoratif resimler ve görevlerini gördüler. "Sanat Dünyası" sanatçılarının zevklerini zarafet ve stil duygusuyla ortaya koyabilecekleri tüm mobilyalarla gösterişli iç mekanlar yaratmak - Petersburg yaşamında tamamen kaybolan her şey "5.

Yakunchikova, Covers, Stairway to the Old House (1899, AS Weber koleksiyonu, Evian), From the Window of a Old House gibi eserlerinde sitenin dışa dönük dünyasının güzelliğini izleyiciye aktarmaya çalışmıştır. Vvedenskoye "(1897, Devlet Tretyakov Galerisi, Moskova). Bu motifler Rus sanatında yaygınlaşacaktır. Eserler ek anlamlarla doludur, izleyicide bir trajedi hissi vardır. "Eski Evin Merdiveni" adlı resimde yazar, merdivenleri çıkacak kişinin hangi bakış açısına sahip olacağını seçer. Kesim kompozisyonu A. Benois'in eserlerini andırıyor. Sanatçı merdivenleri dikkatle inceler, dalgın dalgın bir ayrıntıdan diğerine bakar; zamanın bıraktığı yıkımın izlerini acıyarak not eder.

1890'ların ortalarından bu yana, Lev Nikolayevich Bakst (1866-1924), daha sonra "Sanat Dünyası"nın yaratılmasının başlatıcılarından biri olan S. Diaghilev ve A. Benois etrafında birleşen yazarlar ve sanatçılar çemberine katıldı. Çok yönlü yaratıcı ilgi alanlarına sahipti: portre, manzara, kitap grafikleri ve boyalı dekoratif panellerle uğraştı. Ustanın asıl mesleği, yeteneğinin kendini en canlı şekilde gösterdiği tiyatro ve dekoratif resimdi. Eski Petersburg'a olan tutku, onun yaşam tarzı, kostümler Gogol'un "Burun" (1904, Devlet Tretyakov Galerisi, Moskova), suluboyaları "1850'lerde Gostiny Dvor" (1905, özel koleksiyon, St. Petersburg), guaşlar için yapılan illüstrasyonlarda belirgindir. "Sağanak "(1906, Devlet Rus Müzesi, St. Petersburg). Son olarak adlandırılan eserde, sanat dünyasının sanatsal pratiğinin tipik özellikleri açıkça ifade edilir - açıklayıcılık, retrospektif stilizasyon, geçmişe ironik bir tutum.

"Vazo (Otoportre)" (1906, Devlet Rus Müzesi, St. Petersburg) panosu, Benoit'in Versailles manzaralarının ve Somov'un cesur sahnelerinin göze çarpan bir yansımasını taşıyor. Bu çalışmada, Sanat Dünyası sanatçıları için tipik olan geçmiş dönemlere referans yoktur, ustanın resmin planları ve ayrı bir tema ile oynamasının bir sonucu olarak anlam belirsizliği doğar - bir bahçe motifi .

Bakst'ın dekoratif panelinde "Antik Korku" (1908, Devlet Rus Müzesi, St. Petersburg), kısmen sanat dünyasının karakteristiği olan sembolist estetik ifade buldu. Dev şimşek çakmalarıyla aydınlatılan, kuşbakışı bir manzara panoraması sunulmaktadır. Dudaklarında donmuş bir gülümsemeyle tanrıça Afrodit'in arkaik bir heykeli, şiddetli bir su elementiyle dolup taşan antik kayalık arazinin üzerinde yükselir. Ölmekte olan dünyadan uzaklaşan tanrıça sakin ve pervasız kalır. Daha yüksek bir bilgelik, onu çevreleyen çılgın kaostan ayırır. Elinde, göğsüne kenetlenmiş, mavi bir kuş tutuyor - hayallerin ve mutluluğun sembolü. Eski uygarlık ölüyor, sadece dünyaya hükmeden güzellik kalıyor.

1902 yılında, "World of Art" dergisi, E. Lancere, A. Ostroumova-Lebedeva, L. Bakst'ın eski binaların ve çizimlerinin birçok fotoğrafının eşlik ettiği A. Benois "Picturesque Petersburg" 6 tarafından bir makale yayınladı. , "Sanat Dünyası" bir "Eski Petersburg" sergisi düzenledi. eski Petersburg'un görünümünü ortaya çıkarmada ve sanatsal değerlerini teşvik etmede. sanat ”, mimari sanatsal imajını yaratmada ana rolü üstlendiğinde, şehri gündelik sahnelerden özgürleştirmeye çalıştı: St. Petersburg'da yeniden dirilen geçmiş iç içe geçmiştir. modernitenin özellikleriyle.

1902'de Mstislav Valerianovich Dobuzhinsky (1875-1946) World of Art'ın bir üyesi oldu. Petersburg'u kesinlikle sıradan bir biçimde, alışılmadık biçimde ve yoğun iç sesiyle tasvir eden sayfaları özellikle etkileyicidir. Bunlara kentsel manzaralar dahildir - "St. Petersburg'un Bir Köşesi" (1904, Devlet Tretyakov Galerisi, Moskova), "Şehir" (1904, Kirov Bölgesel Sanat Müzesi), "Eski Ev" (1905, Devlet Tretyakov Galerisi, Moskova). Gördüğü şehir romantik yetenekten yoksundur. Dobuzhinsky, dar pencereleri ve sıkışık avluları olan çok sayıda apartman binasını, hapishane duvarlarına benzer havalandırma ızgaralı boş duvarları tasvir ediyor. Eserlerinin terk edilmesi, yalnızlık ve umutsuzluk izlenimini artıran özel bir sanatsal araçtır.

Dobuzhinsky'nin "Gözlüklü Bir Adam" (1905-1906, Devlet Tretyakov Galerisi, Moskova) şövale resminde kentsel peyzajın rolü önemlidir. Bu, World of Art çevresine yakın bir şair ve sanat eleştirmeni olan K. Sunnerberg'in portresi. Dobuzhinsky, dairesinde, şehir manzarasının açıldığı penceresinden bir arkadaşına yazdı. Pencere görüntüsünün burada baskın olduğu ortaya çıktı. Sunnerberg'in portresini ve yakacak odun yığınlarıyla sebze bahçelerinden, üst üste yığılmış monoton evlerden ve ufku kaplayan fabrika bacalarından oluşan kentsel peyzajı birleştirmenize olanak tanır.

Anna Petrovna Ostroumova-Lebedeva'nın (1871−1955) adı, her zaman Neva'daki şehrin kentsel topluluklarının görkemli görüntüleriyle ilişkilendirilir. Hem gravürde hem de suluboyada sanatçının işindeki ana tema kentsel peyzajdı. Mimari formların ince ritminde, kendine özgü belirli bir renkte şehrin karakterini şaşırtıcı bir şekilde doğru bir şekilde tahmin etmeyi başardı. Her döngünün kendine özgü bir renk şeması vardır. Kuşkusuz, gravürdeki çalışma, Ostroumova-Lebedeva'nın suluboya resminin tarzı ve karakteri üzerinde bir iz bıraktı. Ahşap oymacılığın özelliği olan ifadenin kısalığı, özlü konuşma, çizgilerin netliği, suluboya bir şekilde kendini gösterdi.

1901'de sanatçı, "World of Art" dergisi için St. Petersburg'a adanmış ilk gravür serisini yaptı; en ünlü sayfalardan biri - “Petersburg. Yeni Hollanda ". Sanatçı, birçok eserde olduğu gibi bu eserinde de bir kış şehrini betimlemiştir.

Karanlık düzlemler, ünlü anıtın neoklasik tarzında bir kemer silüeti yaratır, karlı beyazlık hissi, kağıdın kendisinin beyazlığı ile aktarılır. Gravürün anıtsallığı, detayların seçilmesi ve genelleştirilmesiyle sağlanır. Bulunan teknikler - formun sakin kesinliği, kompozisyonun ritmik dengesi - sanatçı tarafından sonraki çalışmalarında geliştirildi. Vasilievsky Adası'nın Tükürüğü, Rostral Sütunları, Borsa binası, Amirallik, çalışmalarında en sevdiği resimsel motiflerdir.

"Sanat Dünyası"nın ana çekirdeğine katılan, yaratıcı birleşme kavramını yeniden işleyen genç sanatçılar, Diaghilev'in başlattığı çalışmanın halefleri oldular.

Bir sergi organizasyonu olarak, "World of Art" 1899'dan 1903'e kadar var olmayı başardı. St. Petersburg derneğinin sergilerine katılan Moskova ressamları, "36 sanatçı" adlı kendi gruplarını oluşturdular. Ve Şubat 1903'te, St. Petersburg'daki "Sanat Dünyası"nın beşinci sergisi sırasında yeni bir toplum - Rus Sanatçılar Birliği - yaratılmasına karar verildi. Petersburg grubunun bir parçası olan birçok fırça ustası, Rus Sanatçılar Birliği'ne üye oldu.

1904'te, A. Benois ve S. Diaghilev'in artık yeterli paraya sahip olmadığı, World of Art dergisinin de varlığı sona erdi.

Ancak S. Diaghilev örgütsel faaliyetine devam etti. 1905'te Tauride Sarayı'nda bir Rus portreleri sergisi düzenledi ve 1906'da - M. Vrubel, K. Korovin, M'nin sergi çalışmalarında yer alan eski adı "Sanat Dünyası" adı altında bir çağdaş resim sergisi düzenledi. Larionov, N. Sapunov, P. Kuznetsov ve zaten ölmüş olan Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov (1870-1905). İkincisi, çalışmalarının görüntü ve tekniklerinde özellikle "Sanat Dünyası"na yakındı, ancak yaşamı boyunca derneğin sergilerine davet edilmedi. Borisov-Musatov'un çalışmalarına karşı tutum değiştiğinde, çoktan ölmüştü. 1902'de "Goblen" (1901, Devlet Tretyakov Galerisi, Moskova) resmi halka sunuldu ve ardından Diaghilev incelemesinde yazarını "ilginç bir sanatçı", "meraklı ve önemli" olarak nitelendirdi. Ancak sadece dört yıl sonra, 1906'da, St. Petersburg derneğinin son sergisine Borisov Musatov'un elliden fazla eseri dahil edildi.

1900'lerin ikinci yarısından bu yana, "Sanat Dünyası" resmi olarak mevcut değildi, ancak Sanatçılar Dünyası bir grup dayanışmasını korudu ve Rus Sanatçılar Birliği'ne girdi. Ekim 1910'daki bölünmeden sonra birliği yeniden canlandıran onlardı. 1910'dan beri "Sanat Dünyası" aynı zamanda çeşitli akımlardan sanatçılardan oluşan bir sergi organizasyonuydu. N. Roerich, G. Narbut, S. Chekhonin, D. Mitrokhin, Z. Serebryakova, B. Kustodiev gibi ustalar, eski sanat dünyasının sanatsal ilkelerini geliştirmeye devam ettiler. K. Petrov-Vodkin, M. Saryan, P. Kuznetsov, N. Altman, I. Mashkov, yeni fenomenlere açık olduğu ortaya çıkan ve "Dünyanın" kökeninde gelişen yaratıcı kavramlardan tam bağımsızlığını koruyan sanatçılardır. Sanat".

Başkanın pozisyonu Nicholas Roerich (1874-1947) tarafından yapıldı. 1903'ten beri World of Art sergilerine düzenli olarak katılıyor. Roerich, Slav pagan antikliği, İskandinav destanı, ortaçağ Rusya'nın dini efsaneleri hakkında endişeliydi.

İlginç olan, sanatçının Fransa'da kaldığı süre boyunca 1901'de yarattığı "Putlar" (Devlet Rus Müzesi, St. Petersburg) ve "Yurtdışından Gelen Misafirler" (1901, Devlet Tretyakov Galerisi, Moskova). Stilizasyonun özellikleri, grafik tekniklerinin resme baskın olması, dekoratif renk anlayışı bu eserleri sanat dünyasının eserleri ile ilişkilendirmektedir. "Putlarda" sanatsal çözümün temeli, Art Nouveau tarzının karakteristik dekoratif ve grafik tekniklerinden oluşur, dairesel bir kompozisyon, kontur çizgileri ve yerel renk lekeleri belirleyici bir rol oynar. Eski bir pagan tapınağı tasvir edilmiştir - tanrılara dualar ve kurbanlar için bir yer. Tapınağın ortasında en büyük idol duruyor, etrafta - daha küçük olanlar. Putlar parlak süslemeler ve oymalar ile dekore edilmiştir. İnsan figürü yok, manzara motifi hakim. Tiyatro manzara sahnesinde, doğanın görkemli sükuneti ve tapınağın güzelliği bir araya geliyor. Roerich, uzak geçmişin insanlarının doğada çözünme, kendi deneyimlerini ve duygularını doğaya sokma yeteneğinden etkilendi.

Slav antik çağına ilgi, "Yurtdışı Misafirleri" çalışmasında belirgindir. Nehir boyunca alacalı yelkenli zarif boyalı tekneler; yaylar ejderhaların başlarıyla biter. Varangian teknesinin desenli süsleri, renkli kalkanları, parlak kırmızı yelkenleri, masmavi su ve tepelerin yemyeşil yeşili ile mükemmel bir şekilde birleşiyor. Parçanın ritmi diyagonal kompozisyon ve çizgisel ve renk süsleme kullanımı ile belirlenir. Kuşların yükselen kanatlarının motifleri, koşan dalgalar "Yurtdışı Misafirleri" ritminin temelini oluşturdu. Aynı yükselen kanat deseni, kıyı hatlarında tekrarlanır ve dünyanın gemilere doğru "uçtuğu" görülür. "Yurtdışı Misafirleri" ile "Dinyeper'daki Slavlar" (1905, Rus Devlet Müzesi, St. Petersburg) arasında hem kompozisyon hem de renk açısından çok ortak nokta var. Resmin etkileyiciliği, basitleştirilmesine ve genelleştirilmesine dayanmaktadır; ritmik başlangıç, parlak renk lekeleri resimlerde önemli bir rol oynamaktadır. Roerich, ormanların ana hatları, dolambaçlı, körfezler tarafından kesilen tuhaf kıyı şeritleri özellikle dekoratif ve aynı zamanda "muhteşem" göründüğünde manzaraya yüksek bir bakış açısı seçer (sanatçı ayrıca tiyatro ve tiyatro alanında da çalıştı). dekoratif boyama). Moderniteye yabancı olan eserlerin temaları, Roerich'in eski Rus sanat geleneğine olan ilgisini ve Rus tarihinin görüntü ve temalarına olan ilgiyi vurgulamaktadır.

Köylü antik, burjuva-tüccar Rusya - Boris Mihayloviç Kustodiev'in (1878-1927) çalışmasındaki ana temalar. Bir portre ressamı olarak biliniyordu, ancak tür çalışmalarında sanat dünyasının ilkelerine bağlı kaldı. Çok sayıda fuarı, Maslenitsa'yı ve şenlikleri tasvir eden resimlerde sanatçı, Rus doğasının güzelliğini, halk geleneklerini ve Rus halkının genişliğini yüceltti. Arka planda neşeli Shrovetide şenliklerinin gerçekleştiği kış manzaraları, bazen yeşil-pembemsi bir gökyüzü ve göz kamaştırıcı mavi karın birleşiminde büyüleyicidir. Doğanın bu renkliliği arasında, kostümler ve kızarmış yüzler özellikle şenlikli bir şekilde ışıl ışıl. Kustodiev pek çok olay örgüsü kurar, karakterler arasındaki ilişkiyi ortaya koyar ve aynı zamanda seyirciyle birlikte hayran kaldığı fuarı muhteşem bir gösteri olarak gösterir.

1910'da sanatçı, Tretyakov Galerisi için Dünya Sanat Derneği üyelerinin grup portresi üzerinde çalışmaya başladı, ancak asla bitirmedi. Usta sadece bir eskiz yaptı (1916−1920, Devlet Rus Müzesi, St. Petersburg). Gösterilen (soldan sağa): I. Grabar, N. Roerich, E. Lansere, I. Bilibin, A. Benois, G. Narbut, N. Milioti, K. Somov, M. Dobuzhinsky, K. Petrov-Vodkin, A. Ostroumova-Lebedeva, B. Kustodiev.

Birkaç hazırlık skeci de hayatta kaldı.

1911'de Sergei Yuryevich Sudeikin (1882-1946), World of Art derneğine üye oldu. K. Somov ile yakın dostlukla bağlandı. Sudeikin, pek çok açıdan, yiğit dönemin pastoral sahnelerini de yeniden üreten çalışmalarında Somov "markizlerinden" bir başlangıç ​​yaptı: "Yürüyüş" (1906, Devlet Tretyakov Galerisi, Moskova), "Harlequin's Garden" (1915- 1916, A. N. Radishcheva'nın adını taşıyan Saratov Devlet Sanat Müzesi). Romantik arsa genellikle ondan saf, ilkel bir popüler yorum aldı, parodi, grotesk, teatralleştirme unsurlarını içeriyordu. Çiçekler ve Porselen (1910'ların başı, özel koleksiyon, Moskova) gibi natürmortlar da bir tiyatro gösterisine, bir sahneye benziyor. Tiyatronun teması Sudeikin'in resminde defalarca ortaya çıktı: bale ve kukla tiyatrosunu, İtalyan komedisini ve Rus Maslenitsa şenliklerini canlandırdı. Tiyatro ve dekoratif sanat, sanatçının ana işi haline geldi. S. Mamontov, onu Moskova Hermitage Tiyatrosu'ndaki opera performanslarının tasarımına çeken ilk kişi oldu. 1911'de sanatçı, St. Petersburg'daki Maly Dram Tiyatrosu'nun 1912'de St. Petersburg Rus Dram Tiyatrosu'nda A. Tairov ile birlikte bale gösterileri üzerinde çalıştı. 1913'te Sudeikin, Paris'teki Rus Mevsimleri'ne katıldı, N. Cherepnin'in The Red Mask ve F. Schmidt'in The Tragedy of Salome baleleri için setler ve kostümler yaptı.

1911'de World of Art derneğine giren Zinaida Evgenievna Serebryakova (1884−1967), halk temalarını seçti, resimleri uyum, güçlü plastisite ve resimsel çözümlerin genelleştirilmesi ile ayırt edildi. Sanatçı, köylülerin çalışmalarına ve yaşamına adanmış bir dizi tür eserine sahiptir - "Hasat" (1915, Odessa Devlet Sanat Müzesi), "Beyazlatıcı Tuval" (1917, Devlet Tretyakov Galerisi, Moskova). Serebryakova'nın en sevdiği teknik, kompozisyon için yüksek bir ufuk seçmektir, bu da figürleri özellikle anıtsal ve görkemli kılar.

1914'te A. Benois, Moskova'daki Kazan tren istasyonunun tasarımı ile görevlendirildi (tamamlanmadı) ve Z. Serebryakova, E. Lancere, B. Kustodiev, M. Dobuzhinsky ile birlikte çalışmaya katıldı.

Sanatçının çalışmasında, özellikle otoportreler üzerindeki çalışmalarında açıkça ortaya çıkan, derinden kişisel, kadınsı bir başlangıç ​​da gelişti: içlerinde, kızın naif coquetry'sinin yerini bir anne sevinci hissi, ardından yumuşak şiirsel bir üzüntü aldı. . Örneğin, “Tuvalette. Otoportre ”(1909, Devlet Tretyakov Galerisi, Moskova) ve“ Kızları olan otoportre ”(1921, Rybinsk Devlet Tarih-Mimarlık ve Sanat Müzesi-Rezervi).

1911'de derneğe üye olan Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin (1878−1939), MUZHViZ'de gelecekteki benzer düşünen insanlarla - P. Kuznetsov, P. Utkin, M. Saryan - bir araya geldi. Petrov-Vodkin, modern sanat dili ile geçmiş dönemlerin kültürel mirasının sentezini arayan bir sanatçı örneğidir. 1912'de "Kırmızı At Yıkanmak" (Devlet Tretyakov Galerisi, Moskova) resmini yarattı. Tuval ilk kez 1912'de "World of Art" sergisinde gösterildi. Çalışma açıkça eski Rus sanatının görüntülerine atıfta bulunuyor: kırmızı at Rus simgesinin motifine atıfta bulunuyor - St. George'un atı Muzaffer. Tasarım gereği merkezi görüntü bir süvari değil, kırmızı yanan bir hayvandır. Kompozisyon, duruşu, statikliği ile ayırt edilir. Tuvalin dekoratifliği ve anıtsal karakteri büyüleyici. Güçlü, ateş gibi, kısıtlı güçle dolu bir at suya girer, üzerinde narin elleri, müstakil bir yüzü olan kırılgan bir çocuktur, bir hayvana tutunur, ancak onu kısıtlamaz - endişe verici, kehanet edici bir şey vardı. bu kompozisyon. Resim sadece gençlik, güzel doğa veya yaşam sevinci ile ilgili değil, aynı zamanda muhtemelen Rusya'nın kaderi ile ilgili.

Pavel Varfolomeevich Kuznetsov (1878−1968), Borisov-Musatov'un pitoresk keşiflerinin özel önem kazandığı bir sanatçıdır. Görünür dünyanın eti tuvallerinde eriyor, pitoresk vizyonlar neredeyse gerçeküstü, gölge görüntülerden dokunmuş, ruhun ince hareketlerini ifade ediyor. Kuznetsov'un en sevdiği motif, sonsuz yaşam döngüsünün temasını değiştiren bir çeşmedir - "Mavi Çeşme" (1905, Devlet Tretyakov Galerisi, Moskova). Kuznetsov tempera'yı tercih etti, ancak dekoratif olanaklarını, izlenimcilik tekniklerine dikkat ederek, renk tonlarını beyazlatıyormuş gibi çok tuhaf bir şekilde kullandı. Birçok eser soğuk renklerde sürdürülür - gri-mavi, soluk leylak, - nesnelerin ana hatları belirsizdir, uzayın görüntüsü dekoratif sözleşmelere eğilimlidir, örneğin "Bozkırda Serap" (1912, Devlet Tretyakov Galerisi, Moskova), "Bozkırda Akşam" (1912, Devlet Tretyakov Galerisi, Moskova). Natürmort ve manzaranın tuhaf bir sentezi "Sabah" (1916, Devlet Tretyakov Galerisi, Moskova) resmidir. Sanatçı, eserleri 1906'da Paris'te S. Diaghilev tarafından düzenlenen Rus sanatı sergisinin sergisine girdiğinde henüz otuz yaşında değildi.

Mavi Gül sembolist grubundan derneğe gelen Nikolai Nikolaevich Sapunov'un (1880-1912) ilk çalışmaları, World of Art'ın estetik ilkelerine yakındı. 18. yüzyılın cesur şenliklerinin ruhuna uygun olarak, “Gece Şenlikleri. Maskeli balo "(1907, Rus Sanatı Müzesi, A. Ya. Abrahamyan koleksiyonu, Erivan). Sapunov'un eserleri, resimsel nitelikleri ve belirli tarihsel olaylarla ilgili olmayan temaları ile Sanat Dünyası ustalarının eserlerinden farklıdır. Sanatçının çalışmasında önemli bir yer çiçek görüntüleri tarafından işgal edildi, aktarımlarında renk yeteneğini tam olarak ortaya koyan gerçek bir virtüözlük elde etti. Buna bir örnek "Mavi Ortancalar" (1907, Devlet Tretyakov Galerisi, Moskova), "Vazolar, Çiçekler ve Meyveler" (1910, Devlet Tretyakov Galerisi, Moskova) çalışmasıdır. N. Sapunov'un favori motifleri, "Atlıkarınca" (1908, Devlet Rus Müzesi, St. Petersburg), "Bahar" resimlerinde olduğu gibi geleneksel nitelikleriyle halk festivalleri ve şenlikleriydi. Maskeli balo "(1912, Devlet Rus Müzesi, St. Petersburg).

1899'dan beri Alexander Yakovlevich Golovin (1863−1930) 1902'den beri "Sanat Dünyası" sergilerine katıldı - derneğin bir üyesi, aynı adı taşıyan dergide işbirliği yaptı. 1890'ların sonlarında Abramtsev'in çömlek atölyesinde, önerisiyle Metropol otel cephesinin tasarımında yer aldığı M. Vrubel ile birlikte çalıştı. Moskova'daki Bolşoy Tiyatrosu'nun performanslarını tasarladı, 1901'de St. Petersburg'a taşındı, 1902'den itibaren İmparatorluk Tiyatroları'nın baş dekoratörlüğünü ve Sanatsal konularda Direktörlüğe danışmanlık yaptı. Golovin, Alexandrinsky ve Mariinsky tiyatrolarıyla işbirliği yaptı, sanatçı portreleri, rollerdeki aktörler, tören portreleri, manzaralar yarattı. Portre resminde görüntünün teatralleştirme yöntemlerini keskinleştirdi. Sanatçı genellikle kahramanlarını tiyatro ortamına taşıdı ve onları sahne ışıklarının ışığıyla aydınlattı, örneğin, J. Massenet'in "Manon" operasında Chevalier des Grieux olarak "Sanatçı D. Smirnov'un Portresi" (1909, A. Bakhrushin Devlet Tiyatro Müzesi, Moskova) veya M. Mussorgsky'nin (1912, Devlet Rus Müzesi, St. Petersburg) "Boris Godunov" operasında F. Chaliapin'in Boris Godunov olarak Portresi'nde. Dekoratif, renkli, sofistike grafik çözümler, ustanın eserlerinin karakteristiğidir. Eskizlerine göre seramiklerde bolca bulunan süs bitkisi motifleri, pitoresk panolar, tiyatro sahneleri ve hatta portreler Golovin'in çalışmalarında gözdeydi.

Igor Emmanuelovich Grabar (1871−1960) 1901'den beri - 1902'den beri derneğin bir üyesi - World of Art sergilerinin bir katılımcısı. 1910'da Rus Ressamlar Birliği'nden ayrılanlardan biriydi ve aynı yıl "Sanat Dünyası" adlı sergi derneğinin düzenlenmesinde yer aldı. Grabar, çalışmaları sırasında ünlü "Niva", "Strekoza", "World of Art" dergileri için sanat üzerine makaleler ve incelemeler yazdı. Orta Rusya ve Moskova bölgesinin doğası, resminin ana temalarından biriydi. Grabar'ın tüm eserleri uyum, şiir ve neşeli bir ruh hali ile doludur. Muhteşem, parlak, dokulu resim, kompozisyon ve rengin değişmez güzelliği ile birleşiyor. Grabar, "mevsimlerin" anlaşılması zor değişkenliğini yakalamaya çalıştı. Özellikle kış manzaralarını severdi: "Şubat Azure" (1904, Devlet Tretyakov Galerisi, Moskova), "Mart Karı" (1904, Devlet Tretyakov Galerisi, Moskova). Doğanın ışık ve renk gücünü aktarmanın yollarını ararken, Fransız empresyonist ressamların başarılarını kullandı, ancak asla onların yönünün doğrudan takipçisi olmadı. Peyzaj çalışmalarına ek olarak, Igor Emmanuelovich birçok natürmort yarattı. Ayrıca, 19. yüzyılın sonlarında - 20. yüzyılın başlarında Avrupa ve Rusya'nın sanatsal yaşamını anlatan otobiyografik bir "Hayatım" kitabı olan V. Serov ve I. Repin'in çalışmaları hakkında monografiler yazdı. On iki yıl boyunca - 1913'ten 1925'e kadar - Grabar, Tretyakov Galerisi'nin direktörlüğünü yaptı. Yıllar boyunca galerinin envanteri, fonlarının yenilenmesi, sergiler düzenlenmesi ve ilk bilimsel kataloğun yayınlanması konusunda büyük miktarda çalışma yapıldı. Rus tarihine ilgi, geçmişin anıtları, ikon resmi onu A. Benois, M. Dobuzhinsky, E. Lansere, B. Kustodiev, A. Ostroumova-Lebedeva ve N. Roerich ile ilişkilendirdi. Grabar, Rus sanatçılar hakkında bir dizi monografın yazarıdır. En büyük Rus sanatçılarının eserlerini sunarak, Rus ulusal okulunun gelişim sırasını geri yükleme görevini üstlendi.

1924'te, yakınlarda Benoit, Somov, Dobuzhinsky, Golovin, Ostroumova-Lebedeva, Kustodiev, Serebryakova'nın eserlerinin sergilendiği World of Art derneğinin son sergisi düzenlendi.

1927'de Paris'te bir grup Rus göçmen, M. Dobuzhinsky başkanlığındaki derneğin eski üyelerinin katıldığı The World of Art adlı bir sergide yurttaş sanatçıları toplamaya çalıştı. Rus Göç Komitesi arasında ortaya çıkan derneği yeniden oluşturma fikri, bu sergiye katılmayı reddeden A. Benois arasında bile destek bulamadı. 1930'ların başında, Rusya'dan göç eden tüm kuşaklardan sanatçılar birbirleriyle dostane ilişkiler sürdürdüler ve Paris, Belgrad ve Brüksel'deki Rus sanatı sergilerinde birlikte sahne aldılar. Ancak ne yazık ki, Sanat Dünyası çağdaş Rus sanat yaşamında yoktu.

Sanat dünyasının kitap grafikleri

St. Petersburg derneğinin ustalarının yaratıcı özlemlerinin en eksiksiz ve canlı düzenlemesi, kitapların ve tiyatro (opera ve bale) sahnelerinin dekorasyonunda bulundu.

World of Art sanatçılarının çabalarıyla, kitabın sanatsal tasarımı yüksek bir düzeye getirildi, güzelliği ve sanatıyla ilgili yeni bir anlayışı onayladılar. World of Art dergisi, kapak ve sayfalarının tüm dekorasyon unsurları stil birliği içinde koordine edilen geniş formatlı bir yayındır. Başlıkların zarif kaligrafisi, vinyetlerin zarafeti, mat sarımsı döşeme kağıdı, renkli baskı onu lüks bir öğe haline getirdi. Ağustos 1898'de M. Yakunchikova, S. Diaghilev'in isteği üzerine "Sanat Dünyası" ile işbirliği yapmaya başladı. Yayın için kapak yaptı: desenli manzara kombinasyonu ve bir kuğu silüetinin ifadesi, kapağın düzlüğünü vurguladı ve stilize edilmiş yazı tipiyle mükemmel bir uyum içindeydi. Ve ilk sayı K. Korovin'in tasarımında ortaya çıkmasına rağmen, daha sonra editörler yine de M. Yakunchikova'nın çizimine geri döndüler.

Sanatçıların Dünyası'nın katıldığı sanatsal tasarımındaki tüm basılı baskılar, rafine zevkleriyle ayırt edildi.

Petersburg'un tarihi, şiire, edebiyata, mimariye yansıması, A. Benois'in kitap grafiklerinde ana tema oldu. Puşkin'in "Bronz Süvari" (1916, 1921-1922, St. Petersburg Devlet Rus Müzesi; Tüm Rusya A.S. Puşkin Müzesi, Moskova; A.S. ve St. Petersburg) 7. Benois'in grafikleri, Puşkin'in metniyle organik bir bütünlük yarattı. Girişin çizimleri, Puşkin dönemi sanatının motifleriyle ilişkilendirildi, çünkü ayetlerde mimari çizgi netliği ile klasik olarak net bir şehir görüntüsü yeniden yaratıldı. Aşağıdaki çizimlerde, kompozisyonlar dinamikler, zarif ahenk kazanıyor ve şehir manzarasının kovalanan mantığı kayboluyor. Eugene'in süvari ile düellosu dramatik bir sonla sona erer: gökyüzüne yükselen tehditkar dalgalar, eğimli yağmur ve anıtın muzaffer silueti.

Kentin imgesi, şiirin grafik yorumunun ana motifi haline gelir. Granit setler, sarayların büyük kısmı, meydanların ölçeği - her şey Benois'in Peter'ı yaratma sevgisiyle destekleniyor. Ancak görüntü sadece güzel bir başkentten değil, aynı zamanda ürkütücü ve acımasız bir trajik umutsuzluk şehrinden de doğuyor.

M. Dobuzhinsky, Dostoyevski'nin eserleriyle ne kadar endişeli olduğundan bir kereden fazla bahsetti. "Beyaz Geceler" (1923) için yaptığı illüstrasyonlarda, St. Petersburg, eserin metnine uygun olarak ana karakter haline gelir. Sokakların karanlığında neredeyse çözülen küçük figürler, bu çalışmanın doğasında var olan genel lirik havayı vurguladı. Siyah-beyaz sayfalar katı grafikleriyle dikkat çekici olsa da, Dobuzhinsky beyaz bir gecenin hayalet atmosferini aktardı. Süslemeden kaçındı, ancak kağıdın beyazlığı mürekkebin yoğun lekeleriyle tezat oluşturuyor ve böylece çizimlerde dekoratif bir etki yaratıyor. Şehir ölümcül boş görünüyor, bir kişinin manevi dramına tanık, kahramanların manevi dünyasını kişileştiriyor. Sanatçı, Dostoyevski'nin hikayesinin duygusal yapısını, kendi eserinin - şehir manzaralarının görüntülerinin yardımıyla ortaya çıkardı.

Ivan Yakovlevich Bilibin (1876−1942), tamamen kitap grafiklerine dönüşen sanat dünyasının bir temsilcisidir. Bilibin'in çalışmaları, "Sanat Dünyası" sanatçılarının çoğunun Batılılaştırma yönelimine dışarıdan karşı olmasına rağmen, İngiliz grafikleri, Fransız Art Nouveau ve Japon gravürleri üzerindeki etkisi çok dikkat çekicidir. Sanatçının eserleri, desenli çizimin güzelliği, renk kombinasyonlarının zarif dekorasyonu, dünyanın ince bir görsel düzenlemesi, parlak masalların halk mizahı anlayışıyla birleşimi ile ayırt edilir. Kitap sayfasının düzlemini bir kontur çizgisi, aydınlatma eksikliği, renk birliği, alanın planlara koşullu bölünmesi ve kompozisyonda farklı bakış açılarının birleştirilmesi ile vurguladı. Usta, Rus halk masallarını ve destanlarını tasarladı. Puşkin'in "Çar Saltan'ın Hikayesi" (1905, Rus Devlet Müzesi, St. Petersburg) adlı eserindeki illüstrasyonlar önemlidir; bu hikaye Bilibin'in fantezisine zengin gıda verdi. Şaşırtıcı beceri ve büyük bilgi ile sanatçı, eski Rus yaşamının çok renkli resimlerinde eski kostümler ve mutfak eşyaları tasvir etti. 1902-1904'te Rus Müzesi'nin etnografya bölümünün talimatı üzerine Bilibin'in Vologda, Arkhangelsk, Olonets ve Tver illerini dolaşarak halk sanatı eserleri topladığı ve ahşap mimarinin anıtlarını fotoğrafladığı belirtilmelidir. Usta, eserleri ile eski Rus sanatının anıtlarını ve köylü sanatsal el sanatlarını dünyevi sanatsal çıkarlar alanına soktu.

1901'de Georgy Ivanovich Narbut (1886-1920) St. Petersburg'a taşındı ve Bilibin ile tanıştı; onu koruması altına alarak sanat dünyasının çemberine soktu. Narbut ilk çıkışını 1907'de çocuk kitapları için yaptığı illüstrasyonlarla yaptı ve bu da ona hemen ün kazandırdı: “Danslar, Matvey, bast ayakkabılarınızı yedeklemeyin” (1910) ve aynı adı taşıyan “Oyuncaklar” (1911) adlı iki kitap harika bir filmdi. başarı; üçünde de Rus halk oyuncaklarının stilize görüntülerini ustaca kullandı. Bu çizimlerde, suluboya ile incelikle renklendirilmiş titiz kontur çizimi hala Bilibin'in etkisinin izlerini taşıyordu. Masalların ve masalların tasarımında, Narbut genellikle renkle birlikte siluet çizimi kullandı.

Dmitry Isidorovich Mitrokhin (1883−1973), V. Hauf'un "Küçük Un" (1912), V. Zhukovsky'nin "Roland the Squire" (1913) dahil olmak üzere birçok çocuk kitabını resimledi. Her biri grafik stilinin kusursuzluğu ve çizimlerin, yazıtların ve süslemelerin bütünlüğünde örnek teşkil ediyordu.

Sanat Dünyası sanatçıları, geleneklerini yenileyerek, Rusya'da açıklayıcı çizim ve grafik tasarımı yeniden canlandırdı ve tutarlı bir kitap tasarımı sistemi yarattı. Ustalar yaratıcılıklarıyla kitap tasarımı kültürünün gelişmesine katkıda bulundular ve 20. yüzyılın ilk çeyreğinde Rus grafiklerinin gelişimini etkilediler.