Rus halkının melodileri ve şarkıları, 19. yüzyılın ikinci yarısının ünlü bestecilerinin eserlerine ilham verdi. Bunlar arasında P.I. Çaykovski, M.P. Mussorgsky, M.I. Glinka ve A.P. Borodin. Gelenekleri, olağanüstü müzikal figürlerden oluşan bir galaksi tarafından devam ettirildi. 20. yüzyılın Rus bestecileri hala popüler.

Alexander Nikolaevich Scriabin

BİR. Rus besteci ve yetenekli piyanist, öğretmen, yenilikçi Scriabin (1872 - 1915) kimseyi kayıtsız bırakamaz. Özgün ve dürtüsel müziğinde bazen mistik anlar duyulur. Besteci ateşin görüntüsünden etkilenir ve çizilir. Scriabin, eserlerinin başlıklarında bile ateş ve ışık gibi kelimeleri sıklıkla tekrar eder. Eserlerinde ses ve ışığı birleştirmenin imkânını bulmaya çalışmıştır.

Bestecinin babası Nikolai Aleksandrovich Scriabin, gerçek bir devlet konseyi üyesi olan tanınmış bir Rus diplomattı. Anne - Lyubov Petrovna Scriabin (kızlık soyadı Shchetinina), çok yetenekli bir piyanist olarak biliniyordu. Petersburg Konservatuarı'ndan onur derecesiyle mezun oldu. Profesyonel kariyeri başarılı bir şekilde başladı, ancak oğlunun doğumundan kısa bir süre sonra tüketimden öldü. 1878'de Nikolai Aleksandroviç eğitimini tamamladı ve Konstantinopolis'teki Rus büyükelçiliğine atandı. Gelecekteki bestecinin yetiştirilmesi yakın akrabaları - büyükanne Elizaveta Ivanovna, kız kardeşi Maria Ivanovna ve babasının kız kardeşi Lyubov Alexandrovna tarafından devam etti.

Beş yaşında Scriabin'in piyano çalmada ustalaşmasına ve bir süre sonra aile geleneğine göre müzik besteleri okumaya başlamasına rağmen, askeri bir eğitim aldı. 2. Moskova Harbiyeli Kolordu'ndan mezun oldu. Buna paralel olarak özel piyano ve müzik teorisi dersleri aldı. Daha sonra Moskova Konservatuarı'na girdi ve küçük bir altın madalya ile mezun oldu.

Yaratıcı etkinliğinin başlangıcında, Scriabin aynı türleri seçerek Chopin'i kasıtlı olarak takip etti. Ancak, o zaman bile, kendi yeteneği çoktan ortaya çıkmıştı. 20. yüzyılın başında üç senfoni, ardından The Poem of Ecstasy (1907) ve Prometheus (1910) yazdı. Bestecinin "Prometheus" notasına hafif klavyenin bir bölümünü eklemesi ilginçtir. Amacı müziğin görsel algı yöntemiyle ifşa edilmesiyle karakterize edilen ışığı ve müziği ilk kullanan oydu.

Bestecinin kaza sonucu ölümü eserini kesintiye uğrattı. Seslerin, renklerin, hareketlerin, kokuların bir senfonisi olan "Gizem" yaratma planını asla gerçekleştirmedi. Bu çalışmada, Scriabin tüm insanlığa en derindeki düşüncelerini anlatmak ve Evrensel Ruh ve Maddenin birliği ile işaretlenmiş yeni bir dünya yaratması için ona ilham vermek istedi. En önemli eserleri, bu görkemli projeye sadece bir önsözdü.

Ünlü Rus besteci, piyanist, şef S.V. Rachmaninoff (1873 - 1943) varlıklı bir soylu ailede doğdu. Rachmaninoff'un büyükbabası profesyonel bir müzisyendi. İlk piyano derslerini annesi vermiş, daha sonra müzik öğretmeni A.D. Ornatskaya. 1885'te ailesi onu Moskova Konservatuarı N.S.'nin profesörüne özel bir yatılı okula atadı. Zverev. Eğitim kurumundaki düzen ve disiplin, bestecinin gelecekteki karakterinin oluşumunda önemli bir etkiye sahipti. Daha sonra Moskova Konservatuarı'ndan altın madalya ile mezun oldu. Hala bir öğrenci iken, Rachmaninov Moskova halkı arasında çok popülerdi. İlk Piyano Konçertosu'nun yanı sıra diğer bazı romantizm ve parçaları besteledi. Ve C Sharp Minor'daki Prelude'u çok popüler bir kompozisyon haline geldi. Büyük P.I. Çaykovski, A.S.'nin şiirinin etkisi altında yazdığı "Oleko" operası olan Sergei Rachmaninoff'un diploma çalışmasına dikkat çekti. Puşkin'in "Çingeneler". Pyotr Ilyich, Bolşoy Tiyatrosu'nda sahneledi, bu eserin tiyatronun repertuarına dahil edilmesine yardımcı olmaya çalıştı, ancak beklenmedik bir şekilde öldü.

Yirmi yaşından itibaren, Rachmaninov çeşitli enstitülerde ders verdi, özel dersler verdi. Ünlü hayırsever, tiyatro ve müzikal figür Savva Mamontov'un daveti üzerine, 24 yaşında besteci, Moskova Rus Özel Operası'nın ikinci şefi oldu. Orada F.I. ile arkadaş oldu. Şalyapin.

Rachmaninoff'un kariyeri, yenilikçi Birinci Senfonisinin Petersburg halkı tarafından reddedilmesi nedeniyle 15 Mart 1897'de kesintiye uğradı. Bu çalışma için yapılan incelemeler gerçekten yıkıcıydı. Ancak besteciye en büyük keder, N.A.'nın bıraktığı olumsuz geribildirim tarafından getirildi. Rachmaninoff'un görüşünü büyük ölçüde takdir eden Rimsky-Korsakov. Ondan sonra, bir doktor-hipnotist N.V.'nin yardımıyla kurtulmayı başardığı uzun süreli bir depresyona girdi. Dahl.

1901'de Rachmaninoff, İkinci Piyano Konçertosu üzerindeki çalışmalarını bitirdi. Ve o andan itibaren besteci ve piyanist olarak aktif yaratıcı etkinliği başlar. Rachmaninoff'un benzersiz stili, Rus kilise ilahilerini, romantizmi ve izlenimciliği birleştirdi. Melodiyi müzikte ana ilke olarak kabul etti. Bu, en büyük ifadesini yazarın en sevdiği eseri olan orkestra, koro ve solist için yazdığı "Çanlar" şiirinde buldu.

1917'nin sonunda Rachmaninov ve ailesi Rusya'dan ayrıldı, Avrupa'da çalıştı ve ardından Amerika'ya gitti. Besteci, Anavatan'dan koptuğu için çok üzüldü. Büyük Vatanseverlik Savaşı sırasında, gelirlerini Kızıl Ordu Fonu'na gönderdiği yardım konserleri verdi.

Stravinsky'nin müziği, stil çeşitliliği ile ayırt edilir. Yaratıcı etkinliğinin en başında Rus müzik geleneklerine dayanıyordu. Ve sonra eserlerde, o dönemin Fransa müziğinin ve dodekafoninin karakteristiği olan neoklasizmin etkisi duyulabilir.

Igor Stravinsky, 1882'de Oranienbaum'da (şimdi Lomonosov) doğdu. Geleceğin bestecisi Fyodor Ignatievich'in babası, Mariinsky Tiyatrosu solistlerinden biri olan ünlü bir opera sanatçısı. Annesi piyanist ve şarkıcı Anna Kirillovna Kholodovskaya'ydı. Dokuz yaşından itibaren öğretmenler ona piyano dersleri verdi. Liseden mezun olduktan sonra, ailesinin isteği üzerine üniversitenin hukuk fakültesine girer. 1904'ten 1906'ya kadar iki yıl boyunca N.A.'dan dersler aldı. Yönetmenliği altında ilk eserleri yazdığı Rimsky-Korsakov - scherzo, piyano sonat, süit Faun ve Shepherdess. Sergei Diaghilev, bestecinin yeteneğini çok takdir etti ve ona işbirliği teklif etti. Ortak çalışma üç bale ile sonuçlandı (S. Diaghilev tarafından sahnelendi) - Firebird, Petrushka, The Rite of Spring.

Birinci Dünya Savaşı'ndan kısa bir süre önce besteci İsviçre'ye, ardından Fransa'ya gitti. Çalışmalarında yeni bir dönem başlar. 18. yüzyılın müzik tarzlarını inceler, Kral Oidipus operasını, Apollo Musaget bale müziğini yazar. İmza stili zaman içinde birkaç kez değişti. Besteci uzun yıllar ABD'de yaşadı. Son ünlü eseri "Requiem"dir. Besteci Stravinsky'nin bir özelliği, stilleri, türleri ve müzikal yönleri sürekli değiştirme yeteneği olarak kabul edilir.

Besteci Prokofiev, 1891'de Yekaterinoslav eyaletindeki küçük bir köyde doğdu. Müzik dünyası ona, sık sık Chopin ve Beethoven'ın eserlerini seslendiren iyi bir piyanist olan annesi tarafından açıldı. Ayrıca oğlu için gerçek bir müzik danışmanı oldu ve buna ek olarak ona Almanca ve Fransızca öğretti.

1900'lerin başında genç Prokofiev Uyuyan Güzel balesine katılabildi ve Faust ve Prens Igor operalarını dinleyebildi. Moskova tiyatrolarının performanslarından alınan izlenim, kendi çalışmalarında ifade edildi. The Giant operasını ve ardından Deserted Shores'a uvertürü yazar. Ebeveynler kısa süre sonra oğullarına müzik öğretmeye devam edemeyeceklerini anlarlar. Yakında, on bir yaşında, hevesli besteci ünlü Rus besteci ve öğretmen S.I. ile tanıştırıldı. Kişisel olarak R.M.'ye soran Taneev. Gliera, Sergei ile müzikal kompozisyon çalışması yapacak. 13 yaşında S. Prokofiev, giriş sınavlarını St. Petersburg Konservatuarı'na geçti. Kariyerinin başında, besteci kapsamlı bir şekilde gezdi ve sahne aldı. Ancak çalışmaları halk arasında yanlış anlaşılmalara neden oldu. Bu, aşağıda ifade edilen eserlerin özelliklerinden kaynaklanıyordu:

• modernist tarz;
• yerleşik müzik kanonlarının yok edilmesi;
• beste tekniklerinin savurganlığı ve ustalığı

1918'de S. Prokofiev ayrıldı ve sadece 1936'da döndü. Zaten SSCB'de filmler, operalar, baleler için müzik yazdı. Ancak, diğer birçok besteciyle birlikte "biçimcilik"le suçlandıktan sonra, pratik olarak bir kulübede yaşamaya başladı, ancak müzik eserleri yazmaya devam etti. Savaş ve Barış operası, Romeo ve Juliet baleleri ve Külkedisi dünya kültürünün malı oldu.

Yüzyılın başında yaşayan 20. yüzyılın Rus bestecileri, yalnızca önceki nesil yaratıcı aydınların geleneklerini korumakla kalmadı, aynı zamanda P.I. Çaykovski, M.I. Glinka, N.A. Rimsky-Korsakov.

Flegontova Anastasia

7. sınıfuzmanlık "Müzik teorisi",MAOUDOD DSHI numarası 46, Kemerovo

Zaigraeva Valentina Afanasyevna

Bilimsel yönetmen,teorik disiplinler öğretmeni MAOU DOD "DSHI No. 46"

Tanıtım

Her büyük şehrin bir senfoni orkestrası vardır. Hem opera evlerinde hem de filarmoni topluluklarında talep görmektedir. Ancak akademik müziğin en saygıdeğer türlerinden biri olan senfoni türünün kendisinin yerini bugün oda müziği ve elektronik müzik alıyor. Ve bir senfoni gibi büyük bir türün genellikle konserlerde icra edilmeyi bırakacağı saat gelebilir. En azından senfoni bestelemeyi neredeyse bıraktılar. alaka araştırma konuları: "senfoni" türünün gelecekteki varlığı konusuna amansız ilgi, 21. yüzyılda senfoniyi neler bekliyor: yeniden doğuş mu yoksa unutulma mı? Araştırma nesnesi tür olarak ve dünyayı anlamanın ve insanın kendini ifade etmesinin ciddi bir yolu olarak bir senfonidir. Çalışma konusu: senfonik türün kökenlerinden günümüze evrimi. Amaç: senfonik türün gelişiminin özelliklerini incelemek. Araştırma hedefleri: problemle ilgili bilimsel ve teorik materyali analiz etmek; Türün gelişimindeki senfonik yasaları, normları, modelleri ve eğilimleri tanımlar.

BölümBence. "Senfoni" kelimesinin tarihi.

Senfoni (Yunanca senfoni - ünsüz, sin - birlikte ve telefon - sesten), bir senfoni orkestrası tarafından icra edilmesi amaçlanan bir sonat döngüsel biçiminde bir müzik parçası; senfonik müziğin en önemli türlerinden biridir. Bazı senfonilerde koro ve solo şarkıcılar da yer almaktadır. Senfoni, en zor müzik türlerinden biridir. Avusturyalı besteci Gustav Mahler, “Benim için bir senfoni yaratmak, dünyayı modern müzik teknolojisiyle inşa etmek demektir” dedi.

Başlangıçta antik Yunanistan'da, bir "senfoni", tonların coşkulu sesi, birlikte şarkı söylemesiydi. Antik Roma'da, sözde zaten topluluk, orkestra. Orta Çağ'da, genel olarak laik müzik bir "senfoni" olarak kabul edildi (Fransa'da bu anlam 18. yüzyıla kadar korundu), bu nedenle bazı müzik aletleri (özellikle tekerlekli lir) olarak adlandırılabilir. Almanya'da, 18. yüzyılın ortalarına kadar, senfoni, klavsen - spinet ve bakire çeşitleri için genel bir terimdi; Fransa'da, sözde namlu organları, klavsenler, iki başlı davullar vb.

Barok dönemin sonunda, Giuseppe Torelli (1658-1709) gibi bazı besteciler, yaylı çalgılar orkestrası ve basso continuo için “hızlı - yavaş - hızlı” tempo dizisiyle üç harekette besteler yaptılar. Bu tür bestelere genellikle "konser" denilse de, "senfoni" denilen bestelerden hiçbir farkı yoktu; örneğin hem konserlerin hem de senfonilerin finallerinde dans temaları kullanılmıştır. Fark esas olarak döngünün ilk hareketinin yapısıyla ilgiliydi: senfonilerde daha basitti - kural olarak, bir barok uvertür, sonat ve süitin (AA BB) ikili iki parçalı bir formu. Sadece on altıncı yüzyılda. Giovanni Gabrieli (Sacrae symphoniae, 1597 ve Symphoniae sacrae 1615), Adriano Banchieri (Eclesiastiche Sinfonie, 1607), Lodovico Grossi da Viadana (Sinfonie müzikali, 1610) gibi bestecilerin başlangıçta vokal-enstrümantal olan bireysel eserlerine uygulanmaya başlandı. ) ve Heinrich Schutz (Symphoniae sacrae, 1629). 17. yüzyılın İtalyan bestecileri genellikle bir opera, oratoryo veya kantata enstrümantal girişler olan "senfoni" (sinfonia) kelimesiyle belirtilir ve terim anlam bakımından "prelüd" veya "uvertür" kavramlarına yaklaşır.

Senfoninin prototipi, 17. yüzyılın sonunda Domenico Scarlatti'nin altında şekillenen İtalyan uvertürü olarak kabul edilebilir. Bu forma daha sonra bir senfoni deniyordu ve üç zıt bölümden oluşuyordu: allegro, andante ve allegro, bir bütün halinde birleşti, sonat formunun özellikleri ilk bölümde özetlendi. Genellikle orkestra senfonisinin doğrudan habercisi olarak görülen bu formdur. Senfoninin öncüsü ise en basit formlarda ve ağırlıklı olarak aynı tonda birkaç hareketten oluşan orkestra sonatıdır. "Uvertür" ve "senfoni" terimleri 18. yüzyılın büyük bölümünde birbirinin yerine kullanılmıştır.

XVIII yüzyılda. senfoni operadan ayrıldı ve genellikle üç bölümden ("hızlı - yavaş - hızlı") bağımsız bir konser türü haline geldi. Barok dans süiti, opera ve konser, bir dizi besteci ve hepsinden önemlisi J.B. Sammartini, klasik bir senfoni modeli yarattı - yaylı çalgılar orkestrası için üç parçalı bir parça, burada hızlı parçalar genellikle basit bir rondo veya erken bir sonat biçimini aldı. Yavaş yavaş, tellere diğer enstrümanlar eklendi: obua (veya flüt), Fransız kornosu, trompet ve timpani. XVIII yüzyılın dinleyicileri için. senfoni klasik normlarla tanımlandı: homofonik doku, diyatonik armoni, melodik kontrastlar, belirli bir dinamik ve tematik değişim dizisi. Klasik senfoninin yetiştirildiği merkezler, Alman şehri Mannheim (burada Jan Stamitz ve diğer yazarlar, senfonik döngüyü dört harekete genişleterek, barok süitten iki dans - minuet ve üçlü) ve Viyana, Haydn, Mozart'ın olduğu Viyana idi. , Beethoven (ve aralarında Georg Monn ve Georg Wagenzeil'in öne çıktığı selefleri gibi) senfoni türünü yeni bir düzeye yükseltti. Ayrıca Johann Sebastian Bach (1685-1750, Almanya).

BölümII... Yabancı bestecilerin senfonileri

1. Viyana klasikleri

1.1. Franz Joseph Haydn

Franz Joseph Haydn'ın (1732-1809) eserlerinde nihayet bir senfonik döngü oluştu. Erken dönem senfonileri hâlâ oda müziğinden farklı değil ve neredeyse o dönem için olağan olan eğlence ve gündelik türler çerçevesinin ötesine geçmiyor. Sadece 70'lerde daha derin bir görüntü dünyasını ifade eden eserler ortaya çıktı ("Cenaze Senfonisi", "Veda Senfonisi", vb.). Yavaş yavaş, senfonileri daha derin bir dramatik içerikle doyurulur. Haydn'ın senfonisinin en yüksek başarısı on iki "Londra" senfonisidir.

sonat yapısıallegro. Senfonilerin her biri (Do minör hariç), ağırbaşlı, görkemli, düşünceli konsantre, lirik olarak dalgın veya sakince dalgın bir karakterin (genellikle Largo veya Adagio temposunda) kısa, yavaş bir girişi ile başlar. Yavaş giriş, sonraki Allegro (ki bu senfoninin ilk bölümüdür) ile keskin bir tezat oluşturur ve aynı zamanda onu hazırlar. Ana ve ikincil partilerin temaları arasında parlak bir mecazi karşıtlık yoktur. Hem bunlar hem de diğerleri genellikle bir türkü ve dans karakterine sahiptir. Yalnızca bir ton karşıtlığı vardır: Ana bölümlerin ana tonalitesi, ikincil bölümlerin baskın tonalitesiyle çelişir. Haydn'ın motivasyonel izolasyon yoluyla inşa edilen senfonilerindeki gelişmeler önemli ölçüde geliştirildi. Kısa ama en aktif bölüm, ana veya yan bölümün temasından ayrılır ve oldukça uzun bir bağımsız gelişmeden geçer (farklı tuşlarda sürekli modülasyonlar, farklı enstrümanlarla ve farklı kayıtlarda çalma). Bu, gelişime dinamik ve hırslı bir karakter verir.

İkinci (yavaş) parçalar farklı bir karaktere sahip: bazen dalgın bir şekilde lirik, bazen ilahi, bazı durumlarda yürüyüş. Form olarak da farklıdırlar. Çoğu zaman, karmaşık üç parçalı ve varyasyon formları vardır.

Dakikalar."Londra" senfonilerinin üçüncü bölümlerine her zaman Menuetto denir. Haydn'ın minuetlerinin çoğu, biraz ağır adımları, sürükleyici melodileri, beklenmedik aksanları ve genellikle mizahi bir etki yaratan ritmik değişimleri ile ülke dansları karakterine sahiptir. Geleneksel minuet'in üç vuruşlu boyutu kalır, ancak aristokrat karmaşıklığını kaybeder ve demokratik bir köylü dansı haline gelir.

Finaller. Haydn'ın senfonilerinin finallerinde tür imgeleri de halk oyunları müziğine dikkat çekiyor. Form çoğunlukla sonat veya rondo sonattır. "Londra" senfonilerinin bazı finallerinde, müziğin hızlı hareketini daha da vurgulayan ve tüm müzik dokusunu dinamikleştiren varyasyonel ve polifonik (taklit) geliştirme yöntemleri yaygın olarak kullanılır. [ 4, s. 76-78]

orkestra. Orkestranın kompozisyonu da Haydn'ın eserinde kurulmuştur. Dört grup enstrümana dayanır. Orkestranın önde gelen grubu keman, viyola, çello ve kontrbastan oluşuyor. Ahşap grubu flüt, obua, klarnet (tüm senfonilerde kullanılmaz), fagotlardan oluşur. Haydn'ın üflemeli çalgılar grubu, Fransız kornosu ve trompetlerinden oluşur. Haydn, vurmalı çalgılardan orkestrada sadece timpani kullanmıştır. İstisna, on ikinci "Londra Senfonisi", G majör ("Askeri"). Timpaniye ek olarak Haydn, içine bir üçgen, ziller ve büyük bir davul yerleştirdi. Toplamda, Franz Joseph Haydn'ın eseri 100'den fazla senfoni içeriyor.

1.2. Wolfgang Amadeus Mozart

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), Haydn ile birlikte Avrupa senfonisinin kökeninde yer alırken, Mozart'ın en iyi senfonileri Haydn'ın Londra Senfonilerinden bile önce ortaya çıktı. Haydn'ı kopyalamadan Mozart, senfonik döngü sorununu kendi yöntemiyle çözdü. Rus müzikolojisinde benimsenen sürekli numaralandırmaya göre, son senfoni - "Jüpiter" - 41. olarak kabul edilmesine rağmen, senfonilerinin toplam sayısı 50'yi aşıyor. Mozart'ın senfonilerinin çoğu, çalışmalarının ilk yıllarında ortaya çıktı. Viyana döneminde, "Linz" (1783), "Prag" (1786) ve üç 1788 senfonisi dahil olmak üzere yalnızca son 6 senfoni oluşturuldu.

Mozart'ın ilk senfonileri I.S. Bach. Hem döngünün yorumlanmasında (3 küçük parça, minuet yok, küçük orkestra kompozisyonu) hem de çeşitli etkileyici ayrıntılarda (temaların melodisi, majör ve minörün etkileyici kontrastları, kemanın lider rolü) kendini gösterdi.

Avrupa senfonisinin ana merkezlerine (Viyana, Milano, Paris, Mannheim) bir ziyaret Mozart'ın senfonik düşüncesinin gelişimine katkıda bulundu: senfonilerin içeriği zenginleştirildi, duygusal kontrastlar daha parlak hale geldi, tematik gelişim daha aktif, parçaların ölçeği Büyütüldükçe orkestral doku daha da gelişir. Genellikle bir tür senfoni geliştiren Haydn'ın Londra Senfonilerinden farklı olarak, Mozart'ın en iyi senfonileri (No. 39-41) tiplemeye meydan okur, kesinlikle benzersizdir. Her biri temelde yeni bir sanatsal fikri somutlaştırıyor. Mozart'ın son dört senfonisinden ikisinde yavaş intro var, diğer ikisinde yok. 38 No'lu Senfoni (Prag, D majör) üç bölümden oluşur (“minuetsiz senfoni”), gerisi - dört.

Mozart'ın senfoni türü yorumunun en karakteristik özellikleri şunlardır:

· Çatışma draması. Karşıtlık ve çatışma, Mozart'ın senfonilerinde döngünün çeşitli bölümlerinde, bireysel temalarda, bir tema içindeki çeşitli tematik öğelerde kendini gösterir. Mozart'ın senfonik temalarının çoğu başlangıçta "karmaşık bir karakter" olarak görünür: bunlar birkaç karşıt öğe üzerine inşa edilmiştir (örneğin, 40'ıncı bölümün finalindeki ana temalar, Jüpiter senfonisinin I bölümü). Bu içsel zıtlıklar, özellikle gelişmelerde, sonraki dramatik yayılma için en önemli uyarıcıdır:

1. sonat formu tercihi. Kural olarak, Mozart, minuet hariç, senfonilerinin tüm bölümlerinde ona atıfta bulunur. Bir kişinin ruhsal dünyasının en derin ifşasını yapabilecek olan, ilk temaları dönüştürmek için muazzam olasılıkları olan sonat formudur. Mozart'ın sonat geliştirmesinde, serginin herhangi bir teması, dahil olmak üzere bağımsız bir anlam kazanabilir. bağlama ve sonuçlandırma (örneğin, ilk bölümün geliştirilmesinde "Jüpiter" senfonisinde, maaş ve St.

2. polifonik tekniğin büyük rolü. Özellikle sonraki eserlerde (en çarpıcı örnek "Jüpiter" senfonisinin finali olmak üzere) çeşitli polifonik araçlar dramaya büyük ölçüde katkıda bulunur;

3. Senfonik minuetlerde ve finallerde açık tarzdan ayrılma. Onlara göre, Haydn'ın aksine, "tarz-gündelik" tanımını uygulamak imkansızdır. Aksine, Mozart, minuetlerinde genellikle dans ilkesini “nötrleştirir”, müziğini drama (40 No'lu Senfoni'de) veya şarkı sözleri (“Jüpiter” senfonisinde);

4. Senfonik döngünün takım mantığının, farklı karakterlerin parçalarının değişmesiyle nihai olarak üstesinden gelinmesi. Mozart'ın senfonisinin dört bölümü organik bir birliği temsil eder (bu özellikle 40 No'lu Senfoni'de belirgindir);

5. vokal türleriyle yakın ilişki. Klasik enstrümantal müzik, operadan güçlü bir şekilde etkilenmiştir. Mozart'ta operatik ifadenin bu etkisi çok güçlü bir şekilde hissedilir. Kendini sadece karakteristik opera tonlamalarının kullanımında göstermez (örneğin, Cherubino'nun “Söyleyemem, açıklayamam ...” temasıyla sıklıkla karşılaştırılan 40. senfoninin ana temasında olduğu gibi). Mozart'ın senfonik müziğine, trajik ve soytarı, yüce ve dünyevi olanın zıt yan yana dizilmeleri nüfuz eder ve bu açıkça onun opera bestelerine benzer.

1.3. Ludwig van Beethoven

Ludwig van Beethoven (1770-1827) senfoni türünü daha da zenginleştirdi. Senfonilerinde kahramanlık, drama ve felsefi ilkeler büyük önem kazanmıştır. Senfoninin bölümleri tematik olarak daha yakından ilişkilidir ve döngü daha büyük bir birlik sağlar. Beethoven'ın Beşinci Senfonisi'nde gerçekleştirilen dört hareketin hepsinde ilgili tematik materyali kullanma ilkesi, sözde ortaya çıkmasına neden oldu. döngüsel senfoni. Beethoven, sakin minuet'i daha canlı, genellikle coşkulu bir scherzo ile değiştirir; Kontrapuntal geliştirme, tema parçalarını izole etme, ölçek değiştirme (majör - minör), ritmik kaymalar dahil olmak üzere temalarını her türlü değişikliğe tabi tutarak tematik gelişimi yeni bir düzeye çıkarır.

Beethoven'ın senfonilerinden bahsetmişken, onun orkestral yeniliği vurgulanmalıdır. Yeniliklerden:

1. bakır bandın gerçek oluşumu. Trompet hala timpani ile birlikte çalınıp kaydedilmesine rağmen, işlevsel olarak tek bir grup olarak Fransız kornosu ile işlenmeye başlar. Onlara Haydn ve Mozart Senfoni Orkestrası'nda olmayan trombonlar eşlik ediyor. Trombonlar 5. senfoninin finalinde (3 trombon), 6. senfoninin fırtına sahnesinde (burada sadece 2 tane var) ve 9. senfoninin bazı bölümlerinde (scherzo ve dua bölümünde) oynuyor. final ve kodda);

2. "orta kademe"nin sıkıştırılması, dikeyin yukarıdan ve aşağıdan oluşturulmasını mümkün kılar. Yukarıdan bir pikolo flüt (9. finaldeki dua bölümü hariç tüm bu durumlarda) ve alttan bir kontrfagot (5. ve 9. senfoni finallerinde) belirir. Ama her durumda, bir Beethoven orkestrasında her zaman iki flüt ve fagot vardır;

3. Haydn'ın Londra Senfonileri ve Mozart'ın sonraki senfonilerinin geleneğini sürdüren Beethoven, trompet (Leonora 2 ve 3 numaralı uvertürlerdeki ünlü sahne arkası solosu) ve timpani de dahil olmak üzere neredeyse tüm enstrümanların parçalarının bağımsızlığını ve virtüözlüğünü geliştirir. . Genellikle 5 parça (kontrbas çellodan ayrılır) ve bazen daha fazla (divisi çalar) telli çalgıları vardır. Fagot ve Fransız boynuzları (scherzo 3 senfonilerinin üçlüsünde olduğu gibi koroda veya ayrı ayrı) dahil olmak üzere tüm tahta nefesliler solo yapabilir, çok parlak bir malzeme sergileyebilir.

2. Romantizm

Romantizmin ana ayırt edici özelliği, formun büyümesi, orkestranın kompozisyonu ve ses yoğunluğuydu, leitmotifler ortaya çıkıyor. Romantik besteciler, döngünün geleneksel şemasını korudular, ancak onu yeni içerikle doldurdular. Aralarında öne çıkan bir yer, en parlak örneklerinden biri F. Schubert'in Si minör senfonisi olan lirik senfonidir. Bu çizgi, F. Mendelssohn-Bartholdy'nin genellikle pitoresk ve manzara niteliğindeki senfonilerinde devam etti. Böylece senfoniler, romantik bestecilerin çok karakteristik programatik karakterinin özelliklerini kazandılar. Seçkin bir Fransız besteci olan Hector Berlioz, bir program senfonisi yaratan ilk kişi oldu ve onun için sanatçının hayatı hakkında kısa bir hikaye şeklinde şiirsel bir program yazdı. Bununla birlikte, romantik müzikteki programatik fikirler genellikle tek parçalı senfonik şiir, fantazi vb. Biçimlerde somutlaştırıldı. 19. yüzyılın sonlarında ve 20. yüzyılın başlarında en önde gelen senfoni yazarı. G. Mahler vardı, bazen çeken ve seslendiren bir başlangıçtı. Batı'da önemli senfoniler, yeni ulusal okulların temsilcileri tarafından yaratıldı: 19. yüzyılın ikinci yarısında. - XX yüzyılda Çek Cumhuriyeti'nde A. Dvorak. - Polonya'da K. Szymanowski, İngiltere'de E. Elgar ve R. Vaughan Williams, Finlandiya'da J. Sibelius. Fransız besteciler A. Honegger, D. Millau ve diğerlerinin senfonileri, 19. yüzyılın sonunda ve 20. yüzyılın başında, yenilikçi özelliklerle ayırt edilir. büyük senfoni (genellikle genişletilmiş bir orkestra için) galip geldi, daha sonra, daha sonra, mütevazı ölçekli ve bir solist topluluğu için tasarlanan oda senfonisi, giderek daha büyük bir rol oynamaya başladı.

2.1. Franz Schubert (1797)-1828)

Schubert tarafından yaratılan romantik senfonizm, esas olarak son iki senfonide tanımlandı - "Bitmemiş" adını alan 8., h-minör ve 9., C-majör. Tamamen farklılar, birbirlerine zıtlar. Epik 9., var olmanın her şeyi yenen neşesi duygusuyla doludur. "Bitmemiş" yoksunluk, trajik umutsuzluk temasını somutlaştırdı. Bütün bir neslin kaderini yansıtan bu tür ruh halleri, Schubert'ten önce henüz senfonik bir ifade biçimi bulamadı. Beethoven'ın 9. senfonisinden (1822'de) iki yıl önce yaratılan "Bitmemiş", lirik ve psikolojik olan yeni bir senfonik türün ortaya çıkmasına işaret etti.

h-minör senfonisinin ana özelliklerinden biri, sadece iki bölümden oluşan döngüsüyle ilgilidir. Birçok araştırmacı bu çalışmanın "bilmecesine" girmeye çalıştı: parlak senfoni gerçekten bitmemiş mi kaldı? Bir yandan, senfoninin 4 bölümlük bir döngü olarak tasarlandığına hiç şüphe yok: Orijinal piyano taslağı 3 bölümden oluşan büyük bir parçayı içeriyordu - bir scherzo. Bölümler arasındaki tonal dengenin olmaması (1.de h-minor ve 2.de E-dur) ayrıca senfoninin önceden 2 bölümlü olarak düşünülmediği lehinde güçlü bir argümandır. Öte yandan, Schubert'in senfoniyi yazmayı bitirmek istiyorsa yeterli zamanı vardı: "Bitmemiş" den sonra 4 bölümlü 9. senfoni de dahil olmak üzere çok sayıda eser yarattı. Başka artıları ve eksileri var. Bu arada, "Bitmemiş" en repertuar senfonilerinden biri haline geldi ve kesinlikle bir yetersizlik izlenimi uyandırmadı. İki kısımdaki planının tam olarak gerçekleştiği ortaya çıktı.

"Bitmemiş"in kahramanı, canlı protesto patlamaları yapabilir, ancak bu protesto, yaşamı onaylayan ilkenin zaferine yol açmaz. Çatışmanın yoğunluğu açısından, bu senfoni Beethoven'ın dramatik eserlerinden daha aşağı değildir, ancak bu çatışma farklı bir plana sahiptir, lirik ve psikolojik alana aktarılmıştır. Bu, eylemin değil, deneyimin dramıdır. Temeli iki karşıt ilke arasındaki bir mücadele değil, kişiliğin kendi içindeki bir mücadeledir. İlk örneği Schubert senfonisi olan romantik senfoninin en önemli özelliği budur.

BölümIII... Rusya'da Senfoni

Rus bestecilerin senfonik mirası - P.I. Çaykovski, A.P. Borodin, A.G. Glazunova, Scriabin, S.V. Rahmaninov. 19. yüzyılın ikinci yarısından itibaren, senfoninin sade biçimleri parçalanmaya başladı. Dört bölüm isteğe bağlı hale geldi: hem tek bölümlü senfoniler (Myaskovsky, Kancheli, Boris Çaykovski) hem de on bir bölüm (Shostakovich) ve hatta yirmi dört bölüm (Hovaness) var. Klasik senfonizmde imkansız olan yavaş finaller ortaya çıktı (Çaykovski'nin Altıncı Senfonisi, Mahler'in Üçüncü ve Dokuzuncu Senfonileri). Beethoven'ın 9. Senfonisi'nden sonra besteciler vokal parçaları senfonilere daha sık dahil etmeye başladılar.

İkinci Senfoni Alexander Porfirevich Borodin (1833-1887), eserinin zirvelerinden biridir. Parlaklığı, özgünlüğü, monolitik tarzı ve Rus halk destanının görüntülerinin ustaca uygulanması sayesinde dünyanın senfonik başyapıtlarına aittir. Toplamda üç senfoni yazdı (üçüncüsü bitmedi).

Alexander Konstantinovich Glazunov (1865-1936) - en büyük Rus senfonistlerinden biri. Tarzında, Glinka ve Borodin, Balakirev ve Rimsky-Korsakov, Çaykovski ve Taneev'in yaratıcı gelenekleri benzersiz bir şekilde kırıldı. Ekim öncesi Rus klasikleri ile genç Sovyet müzik sanatı arasındaki bağlantıydı.

3.1. Pyotr İlyiç Çaykovski (1840)-1893)

Rusya'da bir senfoni, her şeyden önce Çaykovski'dir. İlk senfonisi "Kış Rüyaları", St. Petersburg Konservatuarı'ndan mezun olduktan sonraki ilk büyük eseriydi. Bugün çok doğal görünen bu olay, 1866'da oldukça sıra dışıydı. Rus Senfonisi - çok parçalı bir orkestra döngüsü - yolculuğunun en başındaydı. Bu zamana kadar, sadece Anton Grigorievich Rubinstein'ın ilk senfonileri ve Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov'un Birinci Senfoni'nin popülerlik kazanmayan ilk versiyonu vardı. Çaykovski dünyayı dramatik bir şekilde algıladı ve senfonisi - Borodin'in destansı senfonisinin aksine - lirik-dramatik, keskin bir şekilde çelişkili bir karakter taşıyor.

Çaykovski'nin altı senfonisi ve program senfonisi "Manfred" birbirinden farklı sanatsal dünyalardır, bunlar her biri ayrı bir projeye göre inşa edilmiş binalardır. Türün Batı Avrupa topraklarında doğup gelişen "yasaları" olağanüstü bir ustalıkla gözlemlenip yorumlansa da, senfonilerin içeriği ve dili gerçekten ulusaldır. Çaykovski'nin senfonilerinde türkülerin çok organik bir şekilde duyulmasının nedeni budur.

3.2. Aleksandr Nikolayeviç Scriabin (1872)-1915)

Scriabin'in senfonisi, 19. yüzyılın çeşitli senfonik klasik geleneklerinin yaratıcı bir şekilde kırılması temelinde kuruldu. Bu, her şeyden önce, Çaykovski'nin ve kısmen Beethoven'ın dramatik senfoni geleneğidir. Bununla birlikte besteci, Liszt'in programatik romantik senfonisinin bazı özelliklerini de bünyesinde barındırıyordu. Scriabin'in senfonilerinin orkestral tarzının bazı özellikleri onu kısmen Wagner ile ilişkilendirir. Ancak tüm bu çeşitli kaynaklar, kendisi tarafından derinlemesine işlenmiştir. Her üç senfoni de ortak bir ideolojik kavramla birbirleriyle yakından ilişkilidir. Özü, özgürlük iddiasına giden yolda duran düşman güçlerle insan kişiliğinin mücadelesi olarak tanımlanabilir. Bu mücadele her zaman kahramanın zaferi ve ışığın zaferi ile sona erer.

3.3. Dmitry Dmitrievich Shostakovich (1906)-1975)

Shostakovich bir besteci-senfonisttir. Prokofiev için, yaratıcı ilgi alanlarının tüm çeşitliliği ile müzikal tiyatro en önemlisiyse, Shostakovich için tam tersine, ana tür senfonidir. Çalışmasının ana fikirlerinin derin ve her şeyi kapsayan bir düzenleme bulduğu yer burasıdır. Shostakovich'in senfonilerinin dünyası çok geniştir. Onlarda, 20. yüzyıldaki insanlığın bütün hayatı, tüm zorlukları, çelişkileri, savaşları ve sosyal çatışmaları ile önümüzden geçiyor.

Yedinci ("Leningrad") Senfonisi, bestecinin en önemli eserlerinden biridir. Dört katlıdır. Ölçeği muazzam: senfoni 70 dakikadan uzun, ilk bölümün neredeyse yarısını kaplıyor. 1942'de bir Amerikan gazetesi, "Böyle müzik yapabilen bir halkı şeytan ne yenebilir" diye yazdı. Shostakovich'in Yedinci Senfonisi haklı olarak 20. yüzyılın Kahramanlık Senfonisi olarak adlandırılabilir.

3.4. Alfred Garrievich Schnittke (1934)-1998)

Schnittke, bir Sovyet ve Rus besteci, müzik teorisyeni ve öğretmendir (Rus ve Sovyet bestecileri üzerine makalelerin yazarı), XX yüzyılın ikinci yarısının en önemli müzik şahsiyetlerinden biri, RSFSR'nin Onurlu Sanat İşçisi. Schnittke, müzikal avangardın liderlerinden biridir. Bu seçkin bestecinin müziğinin büyük popülaritesine rağmen, birçok senfonisinin notaları henüz yayınlanmadı ve Rusya'da erişilemiyor. Schnittke, başta insan ve çevre olmak üzere eserlerinde felsefi sorunları gündeme getirdi. İlk senfoni, çeşitli stil, tür ve müzik yönlerinden oluşan bir kaleydoskop içeriyordu. Birinci Senfoni'nin yaratılmasının başlangıç ​​noktası, ciddi ve hafif müzik tarzlarının oranıydı. İkinci ve Dördüncü Senfoniler, büyük ölçüde bestecinin dini kimliğinin oluşumunu yansıtır. İkinci Senfoninin eski bir Ayini vardır. Üçüncü senfoni, kökeninin Alman kökleri olan Alman kültürüne karşı tutumunu ifade etme konusundaki içsel ihtiyacının sonucuydu. Üçüncü Senfoni'de, kısa alıntılar şeklinde, Alman müziğinin tüm tarihi dinleyicinin önünden geçer. Alfred Schnittke tam olarak dokuz senfoni yaratmayı hayal etti - ve böylece aynı sayıyı yazan Beethoven ve Schubert'e bir tür övgü iletti. Alfred Schnittke Dokuzuncu Senfoni'sini (1995-97) zaten ciddi şekilde hastayken yazdı. Üç vuruş geçirdi ve hiç hareket etmedi. Besteci sonunda puanı tamamlamayı başaramadı. İlk kez, tamamlanması ve orkestra versiyonu, liderliğinde ilk performansı 19 Haziran 1998'de Moskova'da gerçekleşen Gennady Rozhdestvensky tarafından gerçekleştirildi. Senfoninin yeni editoryal versiyonu Alexander Raskatov tarafından yapıldı ve 16 Haziran 2007'de Dresden'de yapıldı.

20. yüzyılın ikinci yarısında, en popüler olanı, senfonik, koro, oda, enstrümantal ve vokal olmak üzere çeşitli türlerin ilkelerinin bir çalışmasında birleşimidir. Örneğin, Shostakovich'in On Dördüncü Senfoni'sinde bir senfoni, oda vokali ve enstrümantal müziğin bir sentezi vardır; Gavrilin'in koro performansları bir oratoryo, senfoni, vokal döngüsü, bale ve dramatik performansın özelliklerini birleştirir.

3.5. Mihail Zhuravlev

21. yüzyılda, senfoniye saygılarını sunan birçok yetenekli besteci var. Bunlardan biri Mihail Zhuravlev'dir. Besteci, müzikal olduğu kadar politik manifestosuyla da müzik tarihinin L. Beethoven, P. Tchaikovsky ve D. Shostakovich gibi isimleriyle cesurca aynı seviyeye geldi. M. Zhuravlev'in 10. Senfonisi bugün güvenle “XXI yüzyılın Kahramanlık Senfonisi” olarak adlandırılabilir. Bu senfoninin genel etik yönlerine ek olarak, tamamen profesyonel olanları da not edilmelidir. Yazar, yenilikler uğruna yenilikler için çaba göstermez. Hatta bazen, sanatın tüm dekadanlarına ve avangard sanatçılara kararlı bir şekilde karşı çıkarak, kesinlikle akademik bir tavır sergiliyor. Ama senfonik tarzda gerçekten yeni bir şey söylemeyi başardı, kendi sözünü. Besteci M. Zhuravlev, sonat formunun ilkelerini şaşırtıcı bir şekilde ustaca kullanır ve her seferinde sonsuz olasılıklarını gösterir. Birleştirilmiş 3 ve 4 kısım, aslında, bir tür "süper-sonata" temsil eder; burada, 4 bölümün tamamının, kodanın ayrı bir bölümüne genişletilmiş olarak kabul edilebileceği düşünülebilir. Gelecekteki araştırmacılar, bu olağanüstü kompozisyon kararıyla henüz ilgilenmediler.

Çözüm

Senfoniler başlangıçta geleneksel kompozisyonların çerçevesine uymayan eserler olarak adlandırıldı - parça sayısı, tempo oranı, farklı depoların kombinasyonu - polifonik (17. yüzyılda baskın kabul edildi) ve ortaya çıkan homofonik (ses eşliğinde). 17. yüzyılda, her türlü olağandışı müzik bestesine senfoniler ("ünsüz, armoni, yeni sesler arayışı" anlamına gelen) deniyordu ve 18. yüzyılda, alanı seslendirmek için yaratılan sözde saptırma senfonileri yaygınlaştı. toplar, her türlü sosyal etkinlikler. Senfoni, yalnızca 18. yüzyılda bir tür tanımı haline geldi. Performans açısından, senfoni haklı olarak çok karmaşık bir tür olarak kabul edilir. Büyük bir oyuncu kadrosu, birçok nadir müzik aletinin varlığı, orkestra ve vokalistlerin becerisi (eğer metinli bir senfoni ise), mükemmel akustik gerektirir. Herhangi bir müzik türü gibi, senfoninin de kendi yasaları vardır. Bu nedenle, klasik bir senfoninin normu, kenarlarında bir sonat (en karmaşık) formu, kompozisyonun ortasında yavaş ve dans edilebilir bir kısmı olan dört bölümlü bir döngüdür. Bu yapı tesadüfi değildir. Senfoni, bir kişinin dünyayla ilişkisinin süreçlerini yansıtır: aktif - ilk bölümde, sosyal - dördüncü bölümde, tefekkür ve oyun - döngünün orta bölümlerinde. Gelişiminin dönüm noktalarında, senfonik müzik istikrarlı kuralları değiştirdi. Ve sanat alanında önce bir şoka neden olan, sonra alışkanlık haline gelen fenomenler. Örneğin, vokal ve şiir içeren bir senfoni sadece bir kaza değil, aynı zamanda türün gelişimindeki trendlerden biri haline geldi.

Günümüzde çağdaş besteciler, oda müziği türlerini, daha küçük bir oyuncu kadrosu gerektiren senfonik formlara tercih ediyor. Bu tür konserlerde, fonogramlar, gürültü veya bir tür elektronik-akustik efekt kaydı ile bile kullanılır. Bugün çağdaş müzikte yetiştirilen müzik dili oldukça deneysel ve keşifseldir. Bugün bir orkestra için müzik yazmanın, onu masaya koymak anlamına geldiğine inanılıyor. Pek çoğu, genç bestecilerin çalıştığı bir tür olarak senfoni döneminin kesinlikle sona erdiğine inanıyor. Ama gerçekten öyle mi, bu sorunun cevabını zaman verecek.

Kaynakça:

1. Averyanova O.I. XX yüzyılın yerli müzik edebiyatı: Ders kitabı. çocuk müzik okulu kılavuzu: Chetv. konuda eğitim yılı. - M.: Müzik, 2009 .-- 256 s.
2. Borodin. İkinci Senfoni ("Bogatyrskaya") / Makale - [Elektronik kaynak] - Erişim modu - URL: http://belcanto.ru/s_borodin_2.html
3. XXI yüzyılın Kahramanlık Senfonisi / V. Filatov'un Makalesi // Düzyazı. ru - [Elektronik kaynak] - Erişim modu - URL: http://www.proza.ru/2010/08/07/459
4. B.V. Levik Yabancı ülkelerin müzik literatürü: öğretim yardımı. Sorun 2. - M.: Muzyka, 1975 .-- 301 s.
5. Prokhorova I. Yabancı ülkelerin müzik literatürü: 5. sınıf için. Çocuk Müzik Okulu: Ders Kitabı M.: Müzik, 2000 .-- 112 s.
6. Rus müzik edebiyatı. Sorun 4. Ed. M.K. Mihaylova, E.L. serbest bırakıldı. - Leningrad: "Müzik", 1986. - 264 s.
7. Senfoni // Yandex. Sözlükler ›TSB, 1969-1978 - [Elektronik kaynak] - Erişim modu - URL: http://slovari.yandex.ru/~books/BSE/Symphony/
8. Senfoni. // Vikipedi. Ücretsiz ansiklopedi - [Elektronik kaynak] - Erişim modu - URL: http://ru.wikipedia.org/wiki/Symphony http://www.tchhaikov.ru/symphony.html
9. Schubert, "Bitmemiş" senfoni // Müzik literatürü üzerine dersler musike.ru - [Elektronik kaynak] - Erişim modu - URL: http://musike.ru/index.php?id=54

1. "Senfoni No. 5", Ludwig van Beethoven

Efsaneye göre Beethoven (1770-1827) uzun bir süre Senfoni No. bu çalışmaya giriş. İlginç bir şekilde, senfoninin ilk notaları Mors alfabesindeki 5 veya V sayısına karşılık gelir.

2. Ey Fortuna, Karl Orff

Besteci Karl Orff (1895-1982) en çok dramatik vokalli bu kantatla tanınır. 13. yüzyıl şiiri "Carmina Burana"ya dayanmaktadır. Dünyada en sık icra edilen klasik eserlerden biridir.

3. Hallelujah Korosu, Georg Friedrich Handel

Georg Frideric Handel (1685-1759) Mesih'i 24 günde yazdı. "Hallelujah" da dahil olmak üzere birçok ezgi daha sonra bu eserden ödünç alınmış ve bağımsız eserler olarak seslendirilmeye başlanmıştır. Efsaneye göre Handel'in kafasında meleklerin çaldığı müzikler vardı. Oratoryonun metni İncil hikayelerine dayanmaktadır, Handel Mesih'in yaşamını, ölümünü ve dirilişini yansıtmıştır.

4. Richard Wagner tarafından "Valkyrielerin Uçuşu"

Bu kompozisyon, Richard Wagner'in (1813-1883) Der Ring des Nibelungen operalarının döngüsünün bir parçası olan Valkyrie operasından alınmıştır. Opera "Valkyrie", tanrı Odin'in kızına adanmıştır. Wagner bu operayı bestelemek için 26 yıl harcadı ve bu, dört operadan oluşan görkemli bir başyapıtın sadece ikinci kısmı.

5. "D minörde Toccata ve Füg", Johann Sebastian Bach

Bu muhtemelen Bach'ın (1685-1750) en ünlü eseridir ve genellikle dramatik sahnelerde filmlerde kullanılır.

6. "Küçük Gece Serenatı", Wolfgang Amadeus Mozart

Müzik bölümü yayınları

Rus bestecilerden beş büyük senfoni

Müzik dünyasında, sesleri müzik yaşamının tarihçesini yazmak için kullanılan benzersiz, ikonik eserler var. Bu bestelerden bazıları sanatta devrim niteliğinde bir atılımı temsil ediyor, diğerleri karmaşık ve derin bir konseptle ayırt ediliyor, diğerleri olağanüstü bir yaratılış hikayesiyle dikkat çekiyor, dördüncüsü bestecinin tarzının bir tür sunumu ve beşincisi ... müzikte o kadar güzel ki onlardan bahsetmemek elde değil. Müzik sanatının kredisine göre, bu tür birçok eser var ve bir örnek olarak, benzersizliğini abartması zor olan beş seçilmiş Rus senfonisinden bahsedelim.

Alexander Borodin'in ikinci (kahramanca) senfonisi (B-bemol minör, 1869-1876)

Rusya'da, 19. yüzyılın ikinci yarısında, bestecinin ortamında bir düzeltme fikri olgunlaştı: kendi Rus senfoninizi yaratmanın zamanı geldi. O zamana kadar, Avrupa'da, senfoni, evrim zincirinin tüm aşamalarından geçerek yüzüncü yılını kutladı: sahneden ayrılan ve operadan ayrı olarak gerçekleştirilen opera uvertüründen Beethoven'ın 1 No'lu Senfonisi gibi devasa eserlere. 9 (1824) veya Berlioz'un Fantastik Senfonisi (1830). Rusya'da, bu türün modası kök salmadı: bir kez, iki kez denediler (Dmitry Bortnyansky - Konser Senfonisi, 1790; Alexander Alyabyev - E minör, E bemol majör senfoniler) - ve geri dönmek için bu girişimi terk ettiler. on yıllar sonra Anton Rubinstein, Miliy Balakirev, Nikolai Rimsky-Korsakov, Alexander Borodin ve diğerlerinin çalışmalarında.

Sözü edilen besteciler, bir Rus senfonisinin Avrupa bolluğunun arka planına karşı övünebileceği tek şeyin ulusal tadı olduğunu fark ederek kesinlikle doğru bir şekilde akıl yürüttüler. Ve Borodin'in bunda eşi yok. Müziği, uçsuz bucaksız ovaların genişliği, Rus şövalyelerinin cesareti, dırdır eden, dokunaklı notalarıyla türkülerin duygusallığı ile nefes alıyor. İlk bölümün ana teması, bestecinin arkadaşı ve akıl hocası müzikolog Vladimir Stasov'un iki isim önerdiğini duyduktan sonra senfoninin amblemi oldu: önce "Aslan" ve sonra - fikre daha uygun: "Kahramanlık".

Aynı Beethoven veya Berlioz'un insan tutkularına ve deneyimlerine dayanan senfonik tuvallerinden farklı olarak, Kahramanlık Senfoni zamanı, tarihi ve insanları anlatıyor. Müzikte drama yok, belirgin bir çatışma yok: bir dizi sorunsuz değişen resme benziyor. Ve bu, temel olarak, genellikle ikinci sırada yer alan yavaş bölümün ve canlı scherzo'nun (geleneksel olarak onu takip eden) yer değiştirdiği ve genelleştirilmiş bir biçimde finalin ilk hareketin fikirlerini tekrarladığı senfoninin yapısında yansıtılır. Borodin bu şekilde ulusal destanın müzikal gösteriminde maksimum kontrast elde etmeyi başardı ve Bogatyrskaya'nın yapısal modeli daha sonra Glazunov, Myaskovsky ve Prokofiev'in destansı senfonileri için bir model görevi gördü.

Pyotr Çaykovski'nin altıncı (acıklı) senfonisi (B minör, 1893)

O kadar çok delil, yorum, içeriğini açıklamaya yönelik girişimler var ki, bu çalışmanın tüm karakterizasyonu alıntılardan oluşabilir. İşte onlardan biri, Çaykovski'nin senfoninin adandığı yeğeni Vladimir Davydov'a yazdığı bir mektuptan: “Yolculuk sırasında aklıma başka bir senfoni geldi, bu sefer programlanmış ama herkes için bir sır olarak kalacak bir programla. Bu program en çok öznellik ile doludur ve genellikle dolaşırken, zihinsel olarak onu oluştururken çok ağladım. "... Bu program nedir? Çaykovski, bu senfonide hayatını anlattığını öne süren kuzeni Anna Merkling'e itiraf ediyor. "Evet, tahmin ettin", - besteci onayladı.

1890'ların başında, hatıra yazma fikri defalarca Çaykovski'yi ziyaret etti. Bu zamana kadar, "Yaşam" başlıklı bitmemiş senfonisinin eskizleri aittir. Hayatta kalan taslaklara bakıldığında, besteci yaşamın bazı soyut aşamalarını tasvir etmeyi planladı: gençlik, aktivite için susuzluk, aşk, hayal kırıklığı, ölüm. Bununla birlikte, Çaykovski için nesnel plan yeterli değildi ve çalışma kesintiye uğradı, ancak Altıncı Senfoni'de yalnızca kişisel duygular tarafından yönlendirildi. Böylesine inanılmaz, inanılmaz bir etki gücüne sahip bir müziğin doğması için bestecinin ruhu nasıl da hasta olmak zorundaydı!

Lirik-trajik ilk hareket ve final, Çaykovski'nin kendisinin ifade ettiği, ölüm görüntüsüyle ayrılmaz bir şekilde bağlantılıdır (ilk hareketin geliştirilmesinde, "Azizlerle Dinlenme" manevi ilahisinin temasına atıfta bulunulur), Bu senfoni, Büyük Dük Konstantin Romanov'un "Requiem" yazma önerisine yanıt olarak. Bu nedenle hafif lirik intermezzo (ikinci bölümde beş vuruşlu vals) ve ciddi bir şekilde muzaffer scherzo bu kadar keskin bir şekilde algılanır. İkincisinin kompozisyondaki rolü hakkında birçok tartışma var. Görünüşe göre Çaykovski, kaçınılmaz kayıp karşısında dünyevi görkemin ve mutluluğun yararsızlığını göstermeye çalıştı ve böylece Süleyman'ın büyük vecizesini doğruladı: "Herşey geçer. O da geçecek".

Senfoni III (İlahi Şiir) Alexander Scriabin tarafından (Do minör, 1904)

Karanlık bir sonbahar akşamı Moskova'daki Alexander Scriabin Evi-Müzesini ziyaret ederseniz, bestecinin yaşamı boyunca saran o ürkütücü-gizemli atmosferi kesinlikle hissedeceksiniz. Oturma odasındaki masanın üzerinde garip bir renkli lamba yapısı, felsefe ve kitaplık kapısının donuk camının ardındaki okült üzerine kabarık ciltler ve son olarak, kan zehirlenmesinden ölmekten korkan Scriabin'in çileci görünümlü bir yatak odası. hayatı boyunca sepsisten öldü. Bestecinin dünya görüşünü mükemmel bir şekilde gösteren kasvetli ve gizemli bir yer.

Scriabin'in düşüncesinin karakterizasyonunun daha az göstergesi, yaratıcılığın orta dönemini açan Üçüncü Senfonisi'dir. Şu anda, Scriabin, özü, tüm dünyanın kendi yaratıcılığının ve kendi düşüncesinin (aşırı bir aşamada tekbencilik) sonucu olduğu ve dünyanın yaratılmasının ve sanatın yaratılmasının özü olan felsefi görüşlerini yavaş yavaş formüle eder. aslında benzer süreçlerdir. Bu süreçler şu şekilde ilerler: yaratıcı özlemin birincil kaosundan iki ilke ortaya çıkar - aktif ve pasif (erkek ve kadın). Birincisi ilahi enerjiyi taşır, ikincisi ise doğal güzellikleri ile maddi dünyayı meydana getirir. Bu ilkelerin etkileşimi kozmik bir eros yaratır ve esrimeye, yani ruhun özgür zaferine yol açar.

Yukarıdakilerin tümü ne kadar garip gelse de, Scriabin Üçüncü Senfoninin yazıldığı bu Varlık modeline içtenlikle inanıyordu. İlk bölümüne "Mücadele" (dünyanın Yüce Hükümdarı'na itaat eden bir insan-köle ve bir insan-tanrı mücadelesi), ikinci - "Zevk" (bir kişi kendini dünyanın zevklerine teslim eder) denir. mantıklı dünya, doğada çözülür) ve son olarak, üçüncü - "İlahi oyun ”(kurtarılmış bir ruh“ evreni yalnızca yaratıcı iradesinin gücüyle yaratır ”serbest aktivitenin yüce sevincini anlar”). Ama felsefe felsefedir ve müziğin kendisi harikadır, bir senfoni orkestrasının tüm tını olanaklarını ortaya çıkarır.

Sergei Prokofiev'in ilk (klasik) senfonisi (D majör, 1916-1917)

Yıl 1917, zorlu savaş yılları, devrim. Görünüşe göre sanat kasvetli bir şekilde kaşlarını çatmalı ve acı verici şeyler anlatmalıdır. Ancak hüzünlü düşünceler Prokofiev'in müziği için değildir - güneşli, ışıltılı, genç çekici. Bu onun İlk Senfonisi.

Besteci, öğrencilik yıllarında bile Viyana klasiklerinin eserleriyle ilgilendi. Şimdi kaleminin altından bir Haydn makalesi çıktı. "Bana göre Haydn bugüne kadar hayatta kalsaydı, yazı stilini koruyacaktı ve aynı zamanda yeni bir şeyler algılayacaktı.", - Prokofiev'in beynini yorumladı.

Besteci, ağır bakır olmadan yine Viyana klasisizmi ruhunda orkestranın mütevazı bir kompozisyonunu seçti. Doku ve orkestrasyon hafif, şeffaf, eserin ölçeği büyük değil, kompozisyon uyum ve tutarlılık ile ayırt ediliyor. Tek kelimeyle, yirminci yüzyılda yanlışlıkla doğmuş bir klasisizm eserini çok andırıyor. Bununla birlikte, tamamen Prokofiev'in amblemleri de var, örneğin, üçüncü harekette scherzo yerine en sevdiği gavotte türü (daha sonra besteci bu müzik malzemesini bale Romeo ve Juliet'te kullanıyor) ve keskin bir "biberli" uyum ve bir müzikal mizah uçurumu.

Yedinci (Leningrad) Senfonisi, Dmitry Shostakovich (Do majör, 1941)

2 Temmuz 1942'de, yirmi yaşındaki pilot Teğmen Litvinov, mucizevi bir şekilde düşman kuşatmasını kırarak, D.D. skoruyla ilaçlar ve dört tombul müzik kitabı getirmeyi başardı. Shostakovich ve ertesi gün Leningradskaya Pravda'da kısa bir not çıktı: “Dmitry Shostakovich tarafından Yedinci Senfoni'nin puanı uçakla Leningrad'a teslim edildi. Halka açık performansı Büyük Filarmoni Salonunda gerçekleşecek ".

Müzik tarihinin daha önce hiç görmediği bir olay: Kuşatılmış şehirde, çok bitkin müzisyenler (hayatta kalanların hepsi yer aldı) şef Karl Eliasberg'in yönetiminde Shostakovich'in yeni senfonisini seslendirdi. Bestecinin ablukanın ilk haftalarında, kendisi ve ailesi Kuibyshev'e (Samara) tahliye edilene kadar bestelediği. 9 Ağustos 1942'deki Leningrad prömiyeri gününde, Leningrad Filarmoni'nin Büyük Salonu, yarı saydam yüzleri olan, ancak aynı zamanda şık giysiler içinde şehrin bitkin sakinleriyle ve doğrudan gelen orduyla kapasiteye kadar doluydu. ön hattan. Radyodaki hoparlörler aracılığıyla senfoni sokaklarda yayınlandı. O akşam tüm dünya dondu ve müzisyenlerin eşi görülmemiş başarısını dinledi.

... Dikkate değer, ancak faşist ordunun yolundaki her şeyi akılsızca hareket ettirerek ve yok ederek kişileştirmeye alışkın olan Ravel'in "Bolero"sunun ruhundaki ünlü tema, daha başlamadan önce Shostakovich tarafından yazılmıştır. savaş. Ancak, Leningrad Senfonisinin ilk bölümüne oldukça doğal bir şekilde girdi ve sözde "istila bölümü" nün yerini aldı. Yaşamı onaylayan final, aynı zamanda, uzun bir üç buçuk yılla ayrıldığı, özlenen Zafer'i öngören vizyoner oldu ...

Nasıl bir başlık koyacağımı uzun süre düşündüm. Aklıma ilk gelen doğal olarak "en sevdiğim 20 senfoni" oldu. Ancak ortaya çıkan yirmiye baktıktan sonra, şu an sevdiğim bu senfonilerin hepsinin olmadığını ve bu listede yer almayan, daha çok sevdiğim senfoniler olduğunu fark ettim. Bir sonraki başlık "Beni En Çok Etkileyen 20 Senfoni" idi. Bunun da doğru olmadığını düşündüm ve anladım, çünkü bu senfonilerin bazıları dünya görüşümü, müzik zevkimi veya kendi beste tarzımı hiç etkilemedi. Ve şu ya da bu senfoninin hayatımda ne kadar önemli bir yer işgal ettiğini yansıtan başka bir isim üzerinde durmaya karar verdim ...

Benim için en önemli 20 senfoni.
(kronolojik sırayla, önce yabancı, sonra Rusça ve modern)