İzlenimcilerin boyamasındaki renk. İsimler ve fotoğraflar ile impressionistlerin en iyi resimleri
Benim için, izlenimcilik öncelikle hava, efemeral, tutarsızca kaçan bir şeydir. Bu, gözün tam olarak düzeltilmesi gereken ve daha sonra en yüksek uyumun MIG anısına kaldığı çarpıcı bir andır. İzlenimcilik Yüksek Lisansı, bu anı tuvalata kolayca aktarma yeteneği için ünlüydü, bu ani somut duyumlarla ve resme etkileşime girerken tüm gerçekliklerle ortaya çıkan ince titreşimler ile bağışladı. Bu tarzın olağanüstü sanatçılarının çalışmalarına baktığınızda, her zaman belirli bir ruh hali sonrası kalır.
İzlenimcilik (İzlenimden - izlenim), 1860'ların sonlarında Fransa'da kökenli, sanatta bir yöndür. Temsilcileri, hareketliliği ve değişkenliğinde gerçek dünyayı yakalamak için en doğal ve gereksiz şeyi aradı, mırıldanma izlenimlerini devretmektedir. Renk ve ışık transferine özel dikkat gösterildi. 
"Empresyonizm" kelimesi, MEB resim izleniminin adından geliyor. Sunrise, 1874 sergisinde sunuldu. Az bilinen bir gazeteci Louis Lerua, dergisinde, saygısızlıklarını ifade etmek için "impressionistler" sanatçılarıyla aynı hizada. Ancak, isim root aldı ve orijinal olumsuz anlamını kaybetti. 
Empresyonistlerin ilk önemli sergisi Nadar fotoğrafçısının atölyesinde 15 Nisan - 15 Mayıs 1874'ten itibaren gerçekleşti. 30 sanatçı vardı, sadece 165 eseri. Genç sanatçılar "eksiklik" ve "boyama paslı", işlerinde tadı ve anlamın yokluğu, "gerçek sanatı", asi ruh halleri ve hatta ahlaksızlık. 
İzlenimcilik'in lider temsilcileri -, Alfred Sisley ve Frederick fesleğen. Birlikte onlarla birlikte resimlerini Edward Mana ve. İzlenimciler ayrıca Johd John'u sınıflandırır. 
Kentsel yaşamdaki manzaralar ve sahneler - belki de izlenimci resmin en karakteristik türleri - "Plenier'de" yazdı, yani. doğrudan doğadan ve çizimler ve hazırlık skeçleri temelinde değil. İzlenimciler, renkleri ve gölgelerdeki mavi gibi görünmez, renkleri ve gölgeleri fark ederek doğaya kısaca göz attı. 
Sanatsal yöntemleri, karmaşık tonların saf renk yelpazelerinin ayrışmasıydı. Renkli gölgeler ve temiz parlak kırılma boyama. İzlenimciler, bazen resmin bir bölümünde kontrast tonlarını kullanarak, ayrı vuruşlara sahip boyalar getirdi. İzlenimci resimlerinin ana özelliği, canlı boyaların canlanmalarının etkisidir. 
Nesnenin rengini aktarmak için, izlenimciler birbirlerini karşılıklı olarak güçlendirmeyi, kırmızı ve yeşil, sarı ve mor, turuncu ve mavi renkleri kullanmayı tercih etmeye başlamıştır. Aynı renkler tutarlı bir kontrast etkisi yaratır. Örneğin, bir süre kırmızı renge bakarsak ve sonra bakmayı beyaza aktaracağız, bize yeşilimsi görünecek. 
İzlenimcilik felsefi problemleri kaldırmadı ve kısıtlamanın renk yüzeyine nüfuz etmeye bile çalışmadı. Bunun yerine, sanatçılar yüzeylik, anların, ruh hali, aydınlatma veya görsel kömür momentumuna odaklanır. Resimler, akut sosyal problemleri etkilemeden sadece yaşamın olumlu taraflarıyla temsil edildi. 
Sanatçılar, eğlenceli ya da dinlen sırasında insanları hareket halinde boylar. Flört arazileri çekildi, dans, bir kafe ve tiyatroda kalmak, tekne yürüyüşleri, kumsalda ve bahçelerde. İzlenimcilerin resimlerini yargılıyorsanız, hayat, küçük bir tatil, partiler, şehir dışındaki hoş bir eğlence veya dostça bir ortamda. 
İzlenimcilik, resimdeki zengin mirastan ayrıldı. Her şeyden önce, renk problemlerine ve standart olmayan tekniklere ilgidir. İzlenimcilik, sanatsal dili ve bir gelenekle sona erme arzusunu, klasik okulun ustalarının özenli tekniğine karşı bir protesto olan bir gelenek ile bir geleneğe sahip olma arzusunu dile getirdi. Şimdi, bu muhteşem sanatçıların bu muhteşem eserlerine hayran kalabiliriz. 
Şimdi izlenimci sanatçıların başyapıtları, dünya sanatları bağlamında bizim tarafımızdan algılanıyor: bizim için uzun zamandır klasik olurlar. Bununla birlikte, her zaman öyle değildi. Tuvallerinin, basında eleştirilen resmi sergileri kaçırmadığı, sembolik bir ücret karşılığında bile satın almak istemedi. Yıllarca çaresizlik, ihtiyaç ve yoksunluk vardı. Ve dünyayı onun inancının olduğu gibi boyama fırsatı için mücadele. Çok on yıllar sürdü, böylece çoğunluğu kavrayabilecek ve algılayabileceği, kendilerini gözleriyle görebilir. Empresyonizmin 1860'ların başında işgal ettiği dünya, şaka rüzgarı, dönüşüm mü?
Son XVIII yüzyılın kamu sarsıntıları, Fransa ve Amerika'daki devrimi, Batı kültürünün özünü, sanatın hızla değişen bir toplumda rolünü etkilemedi. Saltanat hanedanı veya kiliseden sosyal düzene alışkın, sanatçılar aniden müşterileri olmadan kaldıklarını keşfetti. Asalet ve din adamları, temel sanat müşterileri, ciddi zorluklar yaşadı. Yeni bir zaman, kapitalizmin dönemi, tamamen dönüşüm kuralları ve öncelikleri vardı.
Yavaş yavaş, yerleşik cumhuriyetlerde ve demokratik olarak düzenlenmiş güçlerde, yeni sanat pazarının gelişmeye başladığı bir sonucu olarak, zengin orta sınıf büyüdü. Ne yazık ki, girişimciler ve tüccarlar, bir kural olarak, yeterince kalıtsal kültüre sahip değildi ve aristokrasiyi oluşturan aristik alegori veya yetenekli yönetici becerilerinin çeşitliliğini doğru bir şekilde değerlendirmek mümkün değildi.
Aristokrat bir eğitim ve eğitim vermemek, sanat tüketicileri tarafından yapılan orta sınıf temsilcileri, başlangıçta gazete eleştirmenleri ve resmi uzmanlar hakkındaki düşünceleri için gezinmek zorunda kaldılar. Klasik erkeklerin velayeti olan Eski Sanat Akademisi, sanatsal konularda merkezi hakem oldu. Paradoksal olmayan bir şekilde, bazı gençlerin ve uygunluğa karşı çıkan ressamları arayan, sanatta akademizcilik işbirliğine karşı isyan etmektedir.
Bu zamanların akademizmi temel optiklerinden biri, çağdaş sanat sergisinin yetkilileri tarafından himaye edildi. Bu tür sergilere salon denildi - geleneğe göre, bir zamanlar mahkeme sanatçılarının tuvallerini sergilediği Louvre'daki salonun adı ile iletişim kurarak.
Salon'a katılım, basın ve müşterilerin ilgisini çeken eserlerine girme şansıydı. Auguste Renoir, Duran-Rueel'e olan harflerden birinde, yerleşik şeyler hakkındaki hükümler hakkında konuşuyor: "Tüm Paris'te, sanatçıyı salonun yardımı olmadan ve binlerce insanın yardımı olmadan tanıyabilen on beş hayrancı değil. Sanatçı Salon'a kabul edilmezse, kare santimetre bir tuval al. "
Genç ressamlar hiçbir şey parlamadı, salonlarda nasıl çözüleceğine ek olarak: sadece jüri üyeleri tarafından değil, aynı zamanda Eugene Delacroix, Gustave Kourba, Eduard Mana gibi derinlere saygı duyulan ressamlar duyabildiler. , eski gençlik evcil hayvanları, böylece sonraki yaratıcılık için itin. Buna ek olarak, Salon, müşteriyi satın almak, not edilmek, sanatta bir kariyer düzenlemek için eşsiz bir fırsattı. Sanatçı için belirlenen salonun ödülü, profesyonel tanıma anahtarı. Aksine, eğer jüri sunulan işi reddetticesi, estetik çıkarmaya eşdeğerdi.
Genellikle dikkate alınan resim, salonun jürisinin reddedildiği her zamanki kanonlarla eşleşmiyordu: Sanatsal ortamda, bu bölüm skandalı ve hissi yükseltti.
Kabine dahil olan sanatçılardan biri, her zaman bir skandal yarattı ve akademisyenlere çok fazla endişe yarattı, Eduard Mana oldu. Büyük Skandal, tuvallerin gösterileri, "çimlerde kahvaltı" (1863) ve "Olympia" (1865), alışılmadık derecede keskin bir şekilde yaratılmış, estetiğe yabancı bir şekilde yaratılmıştır. Ve "Corrida'daki Olay" resiminde, 1864 Salonunda sunulan, sanatçının Goya'nın yaratıcılığına olan tutkusu etkilendi. Ön planda, Yele, Boğa güreşçisinin açık figürünü boyadı. Resmin arka planı pazarlık kargo ve cesur, onmal izleyici satırları olarak görev yaptı. Böyle bir akut ve neden olan bir kompozisyon, alaycı bir geri besleme ve gazete karikatürleri kütlesini kışkırttı. Çılgın eleştiri, Mana resmini iki bölüme yırttı.
Eleştirmenlerin ve karikatüristlerin, sanatçıya hızlı bir şekilde hakaret etmenin, bazı müdahale eylemlerine hızlı bir şekilde hakaret etme biçimlerinde utanmadığı belirtilmelidir. "Salon tarafından reddedilen sanatçı" ve daha sonra "İzlenimci", kamu skandalarında kazanan gazetecilerin favori hedefleri haline geldi. Kabinin huzursuz sayıları, eski akademizmin katı sınırlarından bıkmış olan diğer konseptlerin ve yükü olan kabinin, XIX yüzyılın 2. yarısının sanatında o zamanın terk edilmesi hakkında önemli bir şekilde işaretlenmiştir. 1863'ün konservatif salon jürisi, İmparator Napolyon III'nin kişisel olarak farklı, paralel bir sergiyi kişisel olarak desteklemeyi gerekli bulduğunu, böylece izleyici kabul edilen çalışmaları reddedilen çalışmaları karşılaştırmayı gerekli bulduğunu tespit etti. "Peyzaj Salonu" adını kazanan bu sergi, zarfın çok şık bir yerleşti - buraya güler ve vurguladı.
Akademik jüriye alışmak için, görüntüleme ressamları bağımsız bireysel sergi kurabilir. Bir sanatçının sergisinin fikri ilk önce sanatçı gerçekçi Gustina Kourba'yı açıkladı. Paris World of 1855 sergisine eserlerini bir dizi açtı. Kaleme Komitesi manzaralarını onayladı, ancak tematik program resimlerini reddetti. Sonra Kourba, buna aykırı, Dünya Sergisi Kişisel Pavyonu'na yakındır. Her ne kadar krallıkların geniş pitoresk şekli yaşlı Delacroe tarafından etkilenmiş olmasına rağmen, köşkündeki izleyiciler birazdı. 1867'deki Dünya Sergisi sırasında KURSBE, bu deneyime büyük bir zaferle devam etti - bu sefer bütün çalışmalarını ayrı bir odada kazandı. Eduard Mana Kourba'dan bir örnek alarak, tuvallerinin geriye dönük bir gösterisi için aynı sergi sırasında kendi galerisini açtı.
Kişisel galerilerin oluşturulması ve katalogların özel yayınlanması, kaynakların somut maliyetini kabul etmiştir - genellikle sanatçılara sahip olanlardan daha büyük. Bununla birlikte, Kourba ve Mana'lı olgular, genç ressamları, resmi Salon tarafından alınmayan yeni trendlerin sanatçılarının bir grup sergisi planına itti.
XIX yüzyılın sanatındaki sosyal değişimlere ek olarak, bilimsel araştırma dolaşımdaydı. 1839'da, Londra'daki Paris ve Henry Fox Talbot'taki Louis Dagerr, birbirlerinden bağımsız olarak yaratılan fotoğraf cihazlarını gösterdi. Bu etkinlikten kısa bir süre sonra, fotoğraf sadece insanları, yerleri ve olayları sürdüren görevden sanatçı ve programlardan kurtuldu. Borçtan kurtulan nesne, birçok ressam, duygu tuvalinde kendi, öznel, ifadelerini aktarma alanına koştu.
Fotoğraf, Avrupa Sanatındaki diğer görüşlere yol açtı. Bir kişinin gözünden ziyade, bir başkasının gözünden ziyade bir başka görüş açısı olan lens, bileşimin parçalanmış bir gösterimini oluşturdu. Çekim açısını değiştirme Sanatçıları, izlenimciliğin estetiğinin temeli olan yeni kompozisyon vizyonlarına itti. Bu akışın temel ilkelerinden biri kendiliğindenlikti.
Aynı 1839'da, bir kamera oluşturulduğunda, Paris fabrikasının laboratuvarından bir kimyager Michel Eugene Shevrey, ilk önce renk algısının insan gözünün mantıklı bir yorumunu yayınladı. Kumaşlar için boyalar oluşturma, diğer tüm renkleri karıştırırken, kırmızı, sarı ve mavi, kırmızı, sarı ve mavi varlığında emin oldu. Renk çemberinin yardımıyla Chevreyl, gölgelerin nasıl doğduğunu, ancak zor bir bilimsel bir fikri dikkate değer bir şekilde gösterilmekten, aynı zamanda sanatçılara boya karışımının bir çalışma konseptine sunduğundan nasıl ortaya çıktığını kanıtladı. Amerikan fizikçi ODDEN RUD ve Alman bilimcisi Hermann Background Helmgoli kısmı için bu buluşun optik alanındaki gelişmelerle tamamlar.
1841'de, Amerikan bilimcisi ve ressam John Rand, bozulabilir boyalar için onun tarafından yaratılan teneke tüpleri patentinde. Sanatçıdan önce, Pleair'de yazmaya bırakmak, ilk önce ihtiyaç duydukları boyaların atölyesinde karıştırılmak zorunda kaldılar ve bunları sık sık savaşan cam kaplara ya da içten hayvanlardan gelen kabarcıklara döküldükten sonra. akış. Randovsky tüplerinin gelişi ile, sanat insanları, onlarla tüm renk ve gölgelerle birlikte getirme avantajını sağladı. Bu keşif, büyük ölçüde sanatçıların renk şemasının bolluğunu etkiledi ve ayrıca bunları doğadaki atölyelerinden dışarı çıkmalarına ikna etti. Kısa sürede, yalnız kaybettiği için, peyzaj oyuncusunun kırsal çevresinde köylülerden daha fazla oldu.
Lütfen resim öncüsü, çoğu manzaranın yaratıldığı Fontaineblo ormanının yakınındaki Barbizon köyünden takma adlarını edinen bir Barbizon okulunun sanatçıları olmuştur.
Eğer Barbizon School'un eski ressamları (T. Rousseau, J. Dupre) çalışmalarında hala kahramanca manzaranın mirasına dayanıyordu, daha sonra genç nesillerin temsilcileri (S. Kotovi, K. Coro) bu tür verildi. gerçekçiliğe. Tuvallerinde tasvirli manzaralar, uzaylı akademik idealleşme.
Resimlerinde, Barbizonty, doğa devletlerinin çeşitliliğini yeniden yaratmaya çalıştı. Bu yüzden doğadan boyandılar, algılarının derhalini yakalamaya çalışıyorlar. Bununla birlikte, resimdeki güneş akademik yöntemlerinin ve fonlarının kullanımı, daha sonra izlenimciler tarafından yönetilen şeyleri başarmalarına yardımcı olmamıştır. Buna aykırı olarak, Barbizonskaya okulunun sanatçılarının türün oluşumuna katkısı geri dönüşümsüzdür: Pleaer'in uğruna atölyeleri terk etmek, peyzajın yeni gelişim yollarını boyama önerdiler.
Doğa ile ilgili resimlerin destekçilerinden biri olan Eugene Budy, plenier üzerinde oluşturmak için gerekli olan genç öğrencilerine, ışık ve hava arasında ne düşündüğünü boyamak için genç biriktirdi. Bu kural, genel boyamanın temeli haline geldi. Moneta Kısalığı, arkadaşlarına, Auguste Renuar, Alfred Sisley ve Frederick Basile, yeni bir teori sundu: Sadece belirli bir mesafeden ve belirli bir aydınlatma ile gözlemlediğimiz şeyi boyamak için. Akşamları Parisli kafelerindeki genç ressamlar mutlu bir şekilde düşüncelerle paylaşıldı ve yeni keşiflerini Fervor ile ayırt etti.
Bu yüzden izlenimcilik, XIX'in son üçte biri sanatında devrimci bir yön ortaya çıktı - XX Yüzyıllar. İzlenimcilik yoluna çeken ressamlar, çevredeki dünyayı çalışmalarında daha doğal ve doğru bir şekilde yakalamaya çalıştı ve sonsuz hareketliliği ve rahatsızlığında günlük gerçeklik, kısacık duygularını ifade ettiler.
İzlenimcilik, bu yıllarda akademisyalizme sanatındaki durgunluğa, salonun sanatçılarının suçundan memnun kaldığı umutsuz konumdan ücretsiz boyama arzusu oldu. Modern sanatın düşüşün düşmesi, birçok ilerici insan söyledi: Eugene Delacroix, Gustav Kourbe, Charles Bodler. İzlenimcilik, bir tür şok tedavisinin "acı çeken bir vücut" için ortaya çıktı.
Genç sanatçıların ortaya çıkmasıyla - Cersenler Memurları Edward Adam, Auguste Renuara, Edgar Dega Rüzgar değişimi, Fransız resmini patladı, yaşamın tefekkür edilmesini engelleyen, rastgele, beklenmedik durumlar ve hareketler, yanıltıcı bulmacilik ve geçişsizlik formları, kompozisyonun yeteneği, öngörülemeyen bakış açıları ve perspektif.
Akşamları, sanatçıların artık tuvallerini nadiren açıklıktan dolayı, atölyelerini terk ettiler ve Parisli kafelerindeki uyuşmazlıkların geride kaldılar. Böylece Cafe Arboua, Edward Adamın etrafında birleşen sanatçıların avuçlarını karşılamak için değişmeyen yerlerden biri oldu. Perşembe günleri düzenli toplantılar düzenledi ve diğer günlerde canlı konuşma ya da dönen sanatçılar grubu vardı. Claude Moneta, Cafe Gerbua'daki toplantıları açıkladı: "Bu toplantılardan daha heyecan verici bir şey olamazdı ve sonsuz görüşleriyle sonuçlanmadı. Aklımızı ağırlaştırtılar, asil ve kalp özlemlerimizi teşvik ettiler, bize coşku sorumlusu verdi, fikir yerine getirilinceye kadar bizi birçok hafta boyunca güçlendirdi. Bu toplantıları yükseltilmiş bir ruh haliyle terk ettik, güçlendirilmiş bir irade, kırıntıları daha ters ve açık. "
1870'lerin arifesinde, izlenimcilik kuruldu ve Fransız peyzajında: Claude Monet, Camille Pissarro, Alfred Sicleele ilk önce tutarlı bir esir sistemi geliştirdi. Tuvallerini eskiz ve eskizler olmadan, tuval üzerine hemen açık havada, köpüklü güneş ışığını, doğanın muhteşem bir şekilde beraberinde, doğanın doğasının muhteşem bir kısmını, ortamda ve havanın titreşimi, reflekslerin isyanını çözme. Bu hedefe ulaşmak için, tüm parçalarda kendileri tarafından incelenen bir renksel sistem, güneş spektrumunun renginin doğal renginin olduğu takılmıştır. Alışılmadık derecede parlak, yumuşak bir renkli doku oluşturmak için, sanatçılar ayrı smear ile tuval üzerine temiz bir renk koyarken, bir kişinin gözündeki optik karışım bekleniyordu. Bu teknik, daha sonra dönüştürülmüş ve teorik olarak savundu, "bölünme" adlı (Franz'dan "adlı (Franz" adlı Punchelism merkezi olan diğer seçkin sanatsal aspirasyon haline geldi).
Artan faiz izlenimcileri, nesnenin ve çevrenin bağlantılarına gösterdi. Scomonous yaratıcı analizlerinin konusu, nesnenin renginin ve doğasının değişen ortamdaki dönüşümüydü. Bu fikri elde etmek için, aynı madde tekrar tekrar gösterildi. Gölge ve reflekslerde saf renk eklenmesiyle, siyah boya neredeyse paletten ayrıldı.
Eleştirel Jules Lafort, bu yüzden izlenimcilik olgusu hakkında cevap verdi: "Empresyonist, doğayı olduğu gibi görür ve aktarır, yani tek büyülü titreşim. Şekil, Işık, Hacim, Perspektif, Işık - Bütün bunlar ücretsiz bir sınıflandırma için ayrılır. Her şeyin renk titreşimleri ile belirlendiği ve renk titreşim tuvalinde mühürlenmesi gerektiği ortaya çıktı.
27 Aralık 1873'te Kafedeki açık hava ve toplantılar sayesinde, anonim, heykeltıraşlar, gravür vb. "Göründü. - Yani ilk önce izlenimciler oynandı. Toplumun ilk sergisi, bir yıl sonra ilkbaharda, modern sanatın kreatasyonlarına ek olarak seyahat eden Photographer deneyselinin ticari galerisinde gerçekleşti.
İlk çıkış 15 Nisan 1874'te geldi. Serginin ayda, ziyaret zamanlarını - on ila altı ve ayrıca yenilikçilik, akşamları sekiz ila on kişi de geçirmesi planlandı. Giriş bileti bir Frangı değerinde, kataloglar elli sandımdan satın alınabilir. İlk başta, sergi ziyaretçilerle dolu görünüyordu, ancak kalabalık sadece orada atladı. Birisi, bu sanatçıların görevinin, tabanca farklı boya tüpleriyle doldurulursa, tuvalde ateş edin ve imzalı işten mezun olursa, bu sanatçıların görevini şaka yaptı.
Görüşler bölündü: Sergi de ciddiye alınmadı ya da kabartmak ve toz halinde eleştirildi. Genel algı, Faketon biçiminde yayınlanan Louis LeRew'un imzalanmasıyla, Louis LeRew'un imzalanmasıyla alaycı aspirasyon "İzlenimciler Sergisi" nin bir sonraki makalesinde ifade edilebilir. Yazarın diyaloğu burada bir akademisyen-peyzaj sistemi ile tarif edilmiştir, madalya, birlikte sergi salonlarından geçerler:
"... Haksız sanatçı oraya geldi, kötü bir şey önermiyor, orada, her yerde, üstel ve nidigital, herhangi bir kesin, ancak bazı sanatsal standartlara, form kültürüne uzak olmayacak olan tuvali görmesi bekleniyordu. Eski Matraya saygı.
Ne yazık ki, form! Ne yazık ki, eski ustalar! Artık onları okumayacağız, fakir arkadaşım! Hepimiz dönüştürülmüş! "
Sergi ayrıca, örtülü Sis Körfezi'nde sabah şafak olan Claude Monet'in manzarasını da koydu. Gündoğumu "(izlenim). İşte Hiciv Maddesinin karakterlerinden biri olan Louis Lerua'nın XIX Yüzyıl Sanatındaki en duyusal ve bilinen kursa veren bu tuval için Louis Lerua'nın karakterlerinden biri:
"...- Buraya ne çizilir? Katalogda paylaşın. - "İzlenim. Gündoğumu". - izlenim - bu yüzden kabul ettim. Kendimi kendimde iddia ettim ki, etkilendiğimden beri, içinde bazı izlenim bırakılmalıdır ... ve ne tür bir özveri, performansın pürüzsüzlüğü nedir! İlk işlem derecesindeki duvar kağıdı bu deniz manzarasıdan daha mükemmel ... ".
Şahsen, Monet, uygulamada uyguladığı sanatsal resepsiyonun bir adına karşı değildi. Çalışmalarının temel özü, tam olarak mahkemedir ve işin yaptığı şeyleri yakalamak, çalıştıkları şey üzerine, sayısız bir dizi bezini üretti: "Yığınlar", "Kavak", "Rueny Katedrali", "İstasyon Saint-Lazar", "Zevny'de Gölet", "Londra. Parlamento binası "ve diğerleri. Başka bir dava, kendisini bağımsız hale getirmeyi seven Edgar Dega, çünkü kabine katılmadı. Birçok destekçiye örnek teşkil eden (Toulouse-Locrek'in özellikle olağanüstü olduğu) bir örnek olarak hizmet veren Sharp, Grotesque Scripture tarzı, akademik jüriye olmasaydı. Bu ressamların her ikisi de, İngiltere, Almanya, Amerika Birleşik Devletleri'nde hem Fransa'da hem de yurtdışındaki izlenimci sergilerinin en inisiyatif organizatörleri oldu.
Auguste Renoir, tam tersine, ilk izlenimcilerin sergilerinde ortaya çıkan, her yıl sergisinde her yıl iki resim göndererek salonu fethetme umudunu kaybetmedi. Eylemlerinin karakteristik dualitesi, yoldaşına ve Duran-Rueley'in patronu için yazışmalara yayılıyor: "... Çalışmanın gösterdiği yere bağlı olarak, işin layık ya da değersiz olduğunu desteklemiyorum. Kısacası, boşuna zamanını öldürmek ve salona kızmak istemiyorum. Kızgın gibi davranmak bile istemiyorum. Sadece daha iyi olduğunda çekmeniz gerektiğini düşünüyorum, hepsi bu. WAH, sanatımda ya da gözetimlerimden yenilenen saçma hırstan bitmemiş olduğumu suçladığım için, bu suçlamaları alırdım. Fakat bu kadar yakın olmadığı için, o zaman beni rouck'a ihtiyacım var. "
Kendisini resmi olarak izlenimcilerin yönünde yer almayı düşünmeyin, Eduard Mana, kendisini bir ressam gerçekçi olarak okudu. Bununla birlikte, izlenimcilerle sürekli yakın ilişki, sergilerini ziyaret ederek, ressamın tarzını belirsiz bir şekilde dönüştürdü, izlenimciye getirdi. Hayatının ölümleri yıllarında, resimlerinde boya parıldıyor, sallanan, kompozisyon - parçalanma smear. Renoir gibi Mana, sanat alanındaki resmi uzmanların yerini bekledi ve Salon'un sergilerinde yer almak için koştu. Ancak arzusuna rağmen, Paris Avant-Gardeistlerinin idolü oldu. Her şeyin aksine, inatla keten salonunu fırtınalı. Ölümden hemen önce, kabinin resmi yerini edinmek için şanslıydı. Onu ve Auguste Renoir'i buldu.
Anahtar kişilerin izlenimciliğini tanımlamak, bir kişi hakkında en azından bir kişi hakkında en azından parçalanmamayı, defalarca daraltılmış bir sanatsal yönün XIX yüzyılın önemli bir sanatsal kazanımı haline geldiği, tüm dünyayı fethetti. Bu kişinin adı, iflasın eşiğinde art arda bir sanat tüccarı olan bir koleksiyoncu olan Paul Duran-Ruel, ancak Apogee'ye ulaşacak yeni sanat olarak izlenimcilik kurmayı reddetmemektedir. Paris'te hem de Londra'da izlenimci sergilerinin organizasyonuyla meşguldü, galerideki ressamların kişisel sergileri, organize açık artırmalar, sanatçıları finansal olarak teşvik etti: Birçoğunun boya ve tuval olmadığı zamanlar vardı. Alev takdirinin kanıtı ve sanatçıların saygısı - duran-rueley mektupları bol kalandır. Duran-Rueel'in kişiliği, akıllı bir toplayıcı ve faydasız bir örnektir.
"İzlenimcilik", akraba kavramıdır. Bu akımı göz önünde bulundurduğumuz tüm ressamlar, parçaların dışına çıktığını ve düz, parlak pitoresk bir yüzey olduğunu varsayan akademik eğitimi geçti. Bununla birlikte, yakında, iç kısımların öngördüğü normal konuları ve arazileri, gerçekçi yöndeki resimleri, gerçek gerçekliği, her gün yansıtır. Daha sonra, her biri, izlenimcilik tarzında belirli bir zaman yazdı, nesneleri farklı aydınlatma ile nesnelerini nesnel olarak iletmeye çalışıyor. Böyle bir empresyonistasyondan sonra, bu garnitürlerin çoğu, "Platformpressionizm" toplama adını kazanan bağımsız araştırmaya taşındı; Daha sonra yaratıcılığı, XX yüzyılın soyutlamasının oluşumuna katkıda bulundu.
XIX yüzyılın 70'lerinde, Avrupa, Japon sanatına bağımlıydı. Edmond de Gonkur Kayıtlarında Raporlar: "... Japon Sanatının Passionland'ı ... Her şeyi boyamadan moda yaptım. İlk başta, kardeşim ve ben gibi, bu tür eksantriklerin manyasıydı. Daha sonra sanatçılara-izlenimcilere katıldı. " Nitekim, o zamanın impressionistlerinin resimlerinde, Japon kültürünün nitelikleri sıklıkla yakalandı: Su, Kimono, SHIRM. Ayrıca Japon gravürlerinden stilistik yöntemler ve plastik çözümler öğrendiler. Birçok izlenimci, Japon gravürlerinin coşkulu kollektörleriydi. Örneğin, Eduard Mana, Claude Monet, Edgar Degas.
Genel olarak, 1874'ten 1886'dan 1886'dan 1886'dan itibaren imzalanma, eşitsiz aralıklarla 8 sergi düzenledi; 55 ressamın yarısı, farklı koşullar için anonim bir topluma aittir, sadece 1'de ortaya çıktı. Tüm 8 serginin özel katılımcısı, sakin bir huzurlu öfke tarafından verilen Camille Pissarro'du.
1886'da, nihai izlenimcilerin son sergisi gerçekleşti, ancak bir sanat yöntemi olarak var olmaya devam etti. Boyalar sıkı çalışma bırakmadı. Eski ortaklık, birlik, artık orada olmasa da. Herkes yolunu attı. Tarihsel çatışmalar sona erdi, yeni görüşlerin zaferi ile sona erdi ve gücü birleştirmeye gerek yoktu. Sanatçıların empresyonistlerinin yücelticileri bölünmüşlerdir ve ayrılamazlardı, ancak acıtıyorlardı: ağrıydılar, hepsi sadece mizaçta değil, aynı zamanda sanatsal inançlarda da görülüyorlardı.
İzlenimcilik, bir yön olarak, zamanına göre, Fransa'nın sınırlarını terk etmedi. Bu tür sorular ressamlar ve diğer ülkelerde (İngiltere ve ABD'deki James Whistler, Almanya'daki Max Lieberman ve Corrint Balıkları, KONSTANTIN Korovin ve Rusya'daki Igor Grabar). İzlenimcilik anında hareketin tutkusunu, sıvı şekli kabul edildi ve heykeltraşlar (Fransa'daki Auguste Roden, Paolo Trubetskoy ve Rusya'daki Anna Golubank).
Çağdaşların görüşleriyle bir darbeyi tamamlayan, dünya görüşünü genişleterek, izlenimciler bu nedenle, daha sonra sanatın oluşumu ve yeni estetik özlemlerin ve fikirlerin ortaya çıkması, beklemek için uzun olmayan yeni formlar için zemin hazırladı. İzlenimcilikten, Neo-Simpressionizm, Baskıcılık, Featherism, daha sonra yeni estetik eğilimlerin ve yönelimlerin oluşumunu ve oluşumunu teşvik etti.
İzlenimcilik, 70'lerde ortaya çıkan bir özellik kursudur. XIX yüzyılda Fransız boyamasında ve daha sonra müzik, edebiyat, tiyatroda tezahür etti.
Resimdeki İzlenimcilik, 1874'ün tanınmış sergisinden çok önce gelişmeye başladı. İzlenimcilerin ana taşıyıcısı geleneksel olarak Edward Mana olarak kabul edilir. Titian, Rembrandt, Rubens, Velasqueza'nın klasik eserlerinden çok ilham aldı. Mana görüntülerinin vizyonu, tuvallerinde ifade etti, tamamlanmanın etkisini yaratan "titreşimli" vuruşlar ekledi. 1863'te Manne, kültürel toplumda büyük bir skandal neden olan Olympia yarattı.
İlk bakışta, resim geleneksel kanonlar doğrultusunda yapıldı, ancak aynı zamanda zaten taşındı ve yenilikçi eğilimlerdi. Yaklaşık 87 yorum Olympia hakkında çeşitli Paris sürümlerinde yazılmıştır. Onun üzerinde bir olumsuz eleştiri kitlesi toplandı - Sanatçı kaba davrandı. Ve sadece birkaç makalenin yardımsever adlandırılabilir.
Çalışmalarında Mana, yerlerin etkisini yaratan tek katmanlı boya alımlarını kullandı. Daha sonra, boya uygulama yöntemi sanatçılar tarafından pitoresk tuvallerdeki görüntülerin temeli olarak taşınmıştır.
İzlenimciliğin kendine özgü bir özelliği, temiz boya, kaçak dekoratif vuruşların karmaşık bir mozaik yardımıyla aydınlık ortamı oynamanın özel bir şekilde, mırıldanma izlenimlerinin en iyi şekilde sabitlenmesiydi.
Arama sanatçılarının başında bir siyanometre kullandığı konusunda meraklıdır. Mavi gökyüzünü belirlemek için bir araç. Siyah renk paletten dışlandı, diğer renk tonları ile değiştirildi, bu da resimlerin güneşli ruh halini bozmamayı mümkün kılan.
İzlenimciler, zamanlarının en son bilimsel keşiflerine odaklandı. Tempel ve Helmholtz renginin teorisi aşağıdakilere indirgenir: Sunbeam, renk bileşenlerine ayrılır ve buna göre, tuval üzerine yerleştirilen iki boya resimsel etkiyi arttırır ve boya karıştırıldığında, yoğunluk yoğunluğu kaybeder.
İzlenimçinizmin estetiği, kısmen, sanattayken klasikleşme sözleşmesinden kendilerini kararlı bir şekilde serbest bırakmanın yanı sıra, kalıcı sembolizmden ve herkesin dikkatli ihtiyacı olan şifreli niyetleri görmesini sağlayan geç iç resmin derinliğinden kurtarma girişimi olarak gelişiyordu. yorumlama. İzlenimcilik, günlük gerçekliğin sadece güzelliğini değil, dünyayı sonsuza dek değişen bir optik fenomen olarak tasvir etmeyen, detaylandırılmamış ve söndürmemektedir.
Sanatçılar-İzlenimciler, bitmiş bir esir sistemi geliştirdiler. Bu stilistik özelliğin sellörleri, ana temsilcileri Camille Coro ve John Constable olan Barbizon School'sundaki göçmenler boya sanatçılarıdır.
Açık alanda çalışmak, günün farklı zamanlarında en ufak renk değişikliklerini yakalamak için daha fazla fırsat verdi.
Claude Monet, aynı arsa, örneğin, rueny katedrali (50 resim serisi), "yığınlar" (15 resim serisi), vb. Bunların ana göstergesi oluşturuldu. Seri, günün farklı zamanlarında yazılmış aynı nesnenin görüntüsünde açık ve renk şemasında bir değişiklik oldu.
İzlenimçinin bir diğer başarısı, bireysel vuruşlar tarafından iletilen saf renklerde karmaşık tonların ayrıştırıldığı orijinal bir doğal sistemin gelişmesidir. Sanatçılar palet üzerindeki renkleri karıştırmadılar, ancak doğrudan tuvalin üzerine vuruş getirmeyi tercih etti. Özel saygı, değişkenlik ve rahatlama resimlerine bağlı böyle bir aparat. Sanatçıların eserleri renk ve ışıkla doluydu.
Paris'te 15 Nisan 1874'teki sergi, oluşum dönemi ve yeni bir kursun genel halkına sunulması sonucuydu. Fuar, Kapuçin Bulvarı'ndaki Stüdyo Fotoğrafçısı Felix Nadar'da konuşlandırıldı.
"İzlenimcilik" adı, Monet'in fotoğrafının sergilendiği sergiden sonra ortaya çıktı. Gündoğumu". "Charivari" yayınındaki incelemesinde eleştirmen L. Lerua, 1874 sergisinin, Monet örneğine yol açan sergisinin şaka karakteristiğini verdi. Bir başka eleştirmen, Maurice Denis, bireysellik, duygular, şiir yokluğunda izlenimcileri reddetti.
İlk sergide, yaklaşık 30 sanatçı çalışmalarını gösterdi. En büyük, 1886 yılına kadar sonraki sergilere kıyasla.
Rus toplumundan olumlu geri bildirimler hakkında söylememek imkansızdır. Rus sanatçıları ve eleştirmenler-Demokratlar, Fransa'nın sanatsal yaşamıyla her zaman canlı bir şekilde ilgileniyor - I. V. Kramskaya, I. E. Repin ve V. V. Stasov - İlk sergiden izlenimcilerin başarılarını büyük ölçüde değerlendirdi.
1874 sergisi ile başlayan sanat tarihinin yeni aşaması, ani devrimci eğilimlerin bir patlaması değildi - yavaş ve tutarlı gelişimin doruğuydu.
Geçmişin tüm büyük ustaları, izlenimcilik ilkelerinin geliştirilmesine katkılarını yaptılar, akışın derhal kökleri, tarihi sergiden önceki yirmilerde en kolay tespit edilebilir.
Kabindeki paralel sergilerde, sergi izlenimcilerinin cirosunu kazandılar. Resimdeki yeni eğilimler çalışmalarında gösterildi. Salon kültürü ve sergi geleneklerini suçluyordu. Diğer sanatçılarda, izlenimciler, sanattaki yeni trendlerin hayranlarını çekmeyi başardılar.
Teorik bilgi ve izlenimcilik ifadesi oldukça geç gelişmeye başladı. Sanatçılar daha fazla uygulamayı ve ışık ve renkteki kendi deneylerini tercih ettiler. İzlenimcilikte, her şeyden önce, gerçekçiliğin mirasını izlemiştir, akademik anti-akademik, antisalonik oryantasyon ve o zamanın çevredeki gerçekliğinin imajının kurulumu içinde telaffuz edilir. Bazı araştırmacılar, izlenimciliğin özel bir gerçekçilik şubesi haline geldiğini unutmayın.
Kuşkusuz, empresyonsal sanatta, her sanatsal akışta, kırılma döneminde ortaya çıkan ve eski geleneklerin krizi, tüm dış bütünlüğü, çeşitli ve hatta çelişkili trendlerle dokuma.
Asıl özellikler, sanatçıların eserleri konusunda, sanatsal ifadeler aracılığıyla idi. Irina Vladimirova'nın izlenimcilerin kitabı çeşitli bölümleri içerir: "Peyzaj, doğa, izlenimler", "şehir, toplantıların yerleri ve ayrılık yerleri", "Hobileri, bir yaşam tarzı olarak", "insanlar ve karakterler", "portreler ve kendi kendine portreler" , "Natürmort". Ayrıca her işin oluşturulmasının ve yerini de açıklar.
Heyday sırasında, izlenimcilik sanatçıları nesnel gerçeklik ile algısı arasında harmonik bir denge buldu. Sanatçılar, her ışık ışını, esinti hareketini, doğanın değişkenliğini yakalamaya çalıştı. Resimlerin tazeliğini korumak için, izlenimciler daha sonra gelecekte sanatın gelişimi için çok önemli olan orijinal pitoresk sistemi yarattı. Boyama yönündeki genel eğilimlere rağmen, her sanatçı yaratıcı yolunu ve resmin ana türlerini buldu.
Klasik izlenimcilik Sanatçılar tarafından Eduard Mana, Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Edgar Alfred Sisley, Camille Pissarro, Jean Frederick Basil, Berta Morizo, Edgar Dega olarak temsil edilmektedir.
Bazı sanatçıların izlenimcilik oluşumuna katkısını düşünün.
Eduard Mana (1832-1883)
T. Couture'dan alınan ilk boya yunanının ilk dersleri, bunun sayesinde gelecekteki sanatçı birçok gerekli mesleki beceri kazandı. Öğretmenin dikkatini çekmemesi nedeniyle, Yele Master'ın ustasını terk eder ve kendi eğitim ile ilgilenir. Müzelerdeki sergileri ziyaret ediyor, eski ustaların yaratıcı oluşumu, özellikle İspanyolca üzerinde büyük etkileri oldu.
1860'larda, Yele, sanatsal alt çizgisinin temel ilkelerinin görüldüğü iki eseri yazıyor. "Valensiya'dan Lola" (1862) ve "Fleetist" (1866), manevrayı, modelin doğasını renk iletimi ile ortaya çıkaran bir sanatçı olarak göstermektedir.
Smear uygulama tekniğiyle ilgili fikirleri ve renge karşı tutum diğer sanatçılar tarafından kabul edildi. 1870'lerde, Yele takipçilerine yaklaşıyor ve plaste üzerinde siyah olmadan plenier'de çalışıyor. İzlenimcilik için gelen, yele kendisinin yaratıcı evriminin sonucuydu. Mana'nın en etkileyici resimleri "teknede" (1874) ve "teknede Claude Monet" olarak kabul edilir (1874).
Mana ayrıca farklı laik bayanlar, aktrisler, simülatörler, güzel kadınların çok fazla portresi yazdı. Her portrede, modelin benzersizliği ve bireyselliği devredildi.
Ölümünden kısa bir süre önce, Mana başyapıtlarından birini yazıyor - "Bar Foli-Berger" (1881-1882). Bu resimde, birkaç tür aynı anda birleştirilir: portre, natürmort, ev sahnesi.
N. N. Kalitina yazıyor: "Magic Magic Magic, kızın çevreye karşı çıkmasıdır, çok açıkça ruh halini açıklar ve aynı zamanda tüm arka planın bir parçası, belli belirsiz tahmin, belirsiz, endişe verici, ayrıca mavi-siyahta çözüldü , mavimsi-beyaz, sarı tonları. "
Claude Monet (1840-1926)
Claude Monet, Kuşkusuz Liderdi ve Klasik İzlenimcilik Kurucusudu. Resminin ana türü bir manzara oldu.
Gençliğinde, Mone karikatür ve çizgi film düşkündü. Eserleri için ilk modeller öğretmendi, yoldaşlardı. Örnek için gazetelerde ve dergilerde karikatürler kullandı. GUSTAVA KOURI'nin bir arkadaşının "Golua" E. Karzha, Şair ve Karikatürcü'deki çizimleri kopyaladı.
Üniversitede, boyama Monet, Jacques-Francois Oshar'ı öğretti. Ancak, sanatçıyı destekleyen Monte Budene üzerindeki etkinin, yaratıcılığa devam etmeye motive edilmesini sağlayan Monte Budene üzerindeki etkisine dikkat edin.
1862 Kasım'da Paris'te Monet, Gleira'daki Paris'teki çalışmalarına devam etti. Bu Monet sayesinde, bir Bazal, Renoir, Sisty ile bir atölyede buluştu. Genç sanatçılar Zarif Sanatlar Okulu'na kabul etmeye hazırlanıyorlardı, öğretmenlerine, dersleri için çok az ders alan ve yumuşak bir biçimde tavsiyede bulundu.
Monet, resimlerini bir fikir veya temanın bir gösterimi gibi değil, bir hikaye olarak değildi. Resim, hayat gibi, net hedefleri yoktu. Dünyayı, ayrıntılara odaklanmadı, bazı ilkelerde, "Peyzaj Vizyonu" na yürüdü (Art A. A. A. A. A. A. A. A. TARİHİ). Monet kuluçkalanmaya çalıştı, tuvaldeki türlerin birleşmesi. Yeniliklerinin enkarnasyonunun vasıtası, resimler tamamlanması gereken etütlerdi. Tüm çizimler doğadan çekildi.
Bir çayır, tepeler, çiçekler, kayalar, bahçeler ve rustik sokaklar ve deniz, plajlar ve daha fazlasını yazdı, günün farklı zamanlarında doğanın imajını ele aldı. Genellikle farklı zamanlarda aynı yeri yazdı, böylece eserlerinden tüm çevrimler yaratıyor. Çalışmalarının ilkesi, resimdeki nesnelerin görüntüsü değildi, ancak doğru bir ışık iletimi.
Sanatçının çalışmalarının birkaç örneğini verelim - "Argentei" (1873), "Zemin" (1869), "Su Lily" (1899), "Buğday Yığınları" (1891).
Pierre Auguste Renoir (1841-1919)
Renoir, bunun yanı sıra laik bir portrenin üstün ustalarını ifade eder, peyzaj türlerinde, ev sahnesi, natürmort türlerinde çalıştı.
Çalışmalarının özelliği, bir kişinin kişiliğine, karakterinin ve ruhunun açıklanmasına ilişkin bir ilgidir. Tuvallerinde Renoir, varlığın eksiksiz hissini vurgulamaya çalışıyor. Sanatçı eğlence ve tatilleri çeker, topları yazıyor, hareketleriyle yürür ve çeşitli karakterler, dans ediyor.
Sanatçının en ünlü eserleri - "Bir Aktris Zhanna Samari", "Şemsiyeler", "Seine'de yüzmek" ve diğerleri.
Renoir'in müzikalite tarafından ayırt edildiği ilginç ve Saint-Estash Katedrali'nde Paris'te olağanüstü besteci ve öğretmen Charles Guno'nun önderliğinde kilise korosunda şarkı söyledi. Sh. Gunno, çocuğun müziğe katılmasını şiddetle tavsiye etti. Ancak aynı zamanda Renoir, sanatsal yetenekleri keşfetti - 13 yıldan beri porselen yemekleri boyamayı öğrendi.
Müzik dersleri, sanatçının kişiliğinin oluşumunu etkiledi. Birkaç eserleri müzikal temalarla ilişkilidir. Onların yansıma oyununu piyano, gitar, mandolin olarak buldular. Bunlar, "Gitar Gitar", "Gitarlı Genç İspanyol Kadın", "Piyano için Genç Bayan", "Kadın Gitar Oynayan", "Piyano Dersi", Diğerleri.
Jean Frederick Basil (1841-1870)
Sanatçıların arkadaşlarına göre, Bazil en umut verici ve olağanüstü empresyonistti.
Eserleri parlak bir renk şeması ve el saçlı görüntüler tarafından ayırt edilir. Pierre Auguste Renoir, Alfred Sisley ve Claude Monet, yaratıcı yolundan büyük ölçüde etkilendi. Acemi ressamlar için Jean Frederica daire bir çeşit stüdyo ve konutdu.
Fesleğen tercihen plenierde yazdı. Yaratıcılığının ana fikri, doğanın arka planına karşı bir adamın bir görüntüsü oldu. Resimdeki ilk kahramanlar arkadaşları-sanatçılarıydı; Birçok izlenimci birbirlerini eserlerine çekmeyi severdi.
Frederick fesleğen çok yaratıcılık içinde gerçekçi izlenimcilik sürecini tanımladı. Resminin en ünlü resmi "Aile Reunion" (1867) - otobiyografik. Sanatçı ailesinin üyelerini gösteriyor. Bu çalışma salonda sunuldu ve halkın onaylanması değerlendirildi.
1870 yılında, sanatçı Prusya-Fransız Savaşı'nda öldü. Zaten sanatçının ölümünden sonra, arkadaşlar-sanatçıları, tuvallerinin de sergilendiği üçüncü izlenimci sergisini düzenledi.
Camille Pissarro (1830-1903)
Camille Pissarro, K. Monet'ten sonra en büyük boya sanatçılarının temsilcilerinden biridir. Eserleri, izlenimcilerin sergilemelerinde sürekli maruz kaldı. Çalışmalarında, Pissarro, sürülmüş alanları, köylü yaşamı ve emeği tercih etti. Resimleri, formların yapısı ve kompozisyonun netliği ile karakterize edildi.
Daha sonra, sanatçı kent konularına resim yazmaya başladı. N. N. Kalitina Kitabında Notlar: "Şehir sokaklarına, üst katların pencerelerinden veya balkonlardan, bileşimde tanıtmadan bakar."
Georges Pierre Syra'nın etkisi altında, sanatçı poinsizlik aldı. Bu teknik, her bir smearın, noktaları ayarlayarak ayrı ayrı uygulanmasını ima eder. Ancak bu alandaki yaratıcı beklentiler gerçekleştirilmedi ve Pissarro izlenimciye döndü.
Pissarro tarafından en ünlü resimler oldu "Montmartre Bulvarı. Öğleden sonra, güneşli, "Paris'te Opera Pass", "Paris'te Fransız Tiyatrosu Meydanı", "Pontoise Bahçesi", "Havita", "Senokos" ve diğerleri.
Alfred Sisley (1839-1899)
Alfred Sisley boyama ana türü bir manzara oldu. Erken çalışmalarında, esas olarak K. Coro'dan etkilenen görülebilir. Yavaş yavaş, K. Monte, J. F. Bazil, P. O. Renoir ile işbirliği sürecinde, ışık tonları çalışmalarında ortaya çıkmaya başlar.
Sanatçı, atmosferin durumunu değiştiren ışık oyununu kendine çekiyor. Sisley'in aynı peyzajına birkaç kez temyiz edildi, günün farklı zamanlarında yakaladı. Çalışmalarında öncelikli sanatçı, her saniye değişen su ve gökyüzünün imajını verdi. Sanatçı, bir rengin yardımıyla mükemmellik sağlamayı başardı, işindeki her gölge bir tür sembolizm taşıyor.
En ünlü eserleri: "Kırsal Alley" (1864), "Luveseyne'de Frost" (1873), "Montmartre'nin bir çiçek adasına sahip" (1869), "Luvurezenne'de erken kar" (1872), "Argente'deki köprü" ( 1872).
Edgar Degas (1834-1917)
Edgar Degas, Zarif Sanatlar Okulu'nda öğrenerek yaratıcı bir şekilde başlayan bir sanatçıdır. Bir bütün olarak çalışmalarını etkileyen İtalyan Rönesans sanatçılarından ilham aldı. Degas'ın başında, tarihi resimler yazdı, örneğin, "Spartan Kızlar Spartan Çocuklarından kaynaklanmaktadır. (1860). Resmin ana türü bir portre. Eserlerinde, sanatçı klasik geleneklere dayanır. Zamanlarının keskin bir hissi ile işaretlenmiş eserleri yaratır.
Meslektaşlarının aksine, DEGA, neşeli, açık bir yaşam manzarasını ve doğal izlenimciliği olan şeyleri paylaşmaz. Sanatçı, kritik sanat geleneğine daha yakındır: basit bir kişinin kaderinin şefkati, insanların ruhlarını, iç dünyası, tutarsızlık, trajedi görme yeteneği.
Bir portre, nesneler ve iç mekan yaratmada büyük bir rol için, çevresindeki adam. Bir örnek olarak birkaç iş veriyoruz: "Orkestra ile dio" (1868-1869), "Kadınların Portresi" (1868), "Chet Morbilli" (1867) ve diğerleri.
Degi'nin eserlerinde portre prensibi, yaratıcı yolu boyunca izlenir. 1870'lerde, tam zaferdeki sanatçı, Fransa'nın toplumunu, özellikle de işlerinde Paris'i göstermektedir. Sanatçının çıkarlarında - hareket halindeki kentsel yaşam. "Hareket, yaşamın en önemli tezahürlerinden biriydi ve modern resmin en önemli fetihleri \u200b\u200bolduğunu," N.N. yazıyor. Kalitin.
Bu süre zarfında, bu resimler "Star" (1878), "Circus Fernando'da Bayan Lola", "Epsoma'da Yarış", diğerleri olarak yaratılır.
Degi'nin yaratıcılığının yeni bükülmesi bale ile ilgilendi. Balerin'in sahne arkası ömrünü gösterir, ağır işlerini ve inatçı egzersizlerini anlatır. Ancak buna rağmen, sanatçı havanları bulmayı ve görüntülerini iletmeyi kolaylaştırır.
Degi resimlerinin bir bale serisinde, yapay ışık rampalarının iletimi çerçevesindeki başarılar görünür, sanatçının renkli verilmesi hakkında konuşurlar. En ünlü resimler "mavi dansçılar" (1897), "Dans Sınıfı" (1874), "Bir buket ile dansçı" (1877), "Pembe dansçılar" (1885) ve diğerleri.
Yaşamın sonunda, derinliğin bozulmasından dolayı, heykelindeki gücünü deniyor. Nesneleri aynı balerin, kadınlar, atlardır. Degi'nin heykelinde hareketi geçmeye çalışır ve heykelleri değerlendirmek için, onu farklı taraflardan düşünmeniz gerekir.
"İzlenimciler yazdığında yeni dünya doğdu"
Henri Canveyiler
Xix yüzyıl. Fransa. Resimde görülmemiş oldu. Bir grup genç sanatçı, 500 yıllık bir gelenek çalmaya karar verdi. Net bir çizim yerine, geniş bir "dikkatsiz" smear kullandılar.
Ve normal görüntülerden ve terkedilmiş, hepsini üst üste canlandırır. Ve akciğer davranışları ve şüpheli itibarın lordları.
Halk izlenimcilerin resmine hazır değildi. Onlar gülünç, azarladılar. Ve en önemlisi, hiçbir şey almadılar.
Ancak direnç kırıldı. Ve bazı izlenimciler zaferlerine yaşadılar. Doğru, zaten 40 yaşındaydılar. Claude Monet veya Auguste Renuar gibi. Diğerleri sadece yaşamın sonunda Camille Pissarro olarak tanınmayı bekledi. Ondan önce biri Alfred Sisley olarak yaşamadım.
Devrimci her birinin taahhüt ettiği nedir? Halk neden onları çok uzun zamandır kabul etmedi? Tüm dünyayı tanıyan en ünlü 7 ünlü Fransız izlenimcisi.
1. Eduard Mana (1832-1883)
Eduard Mana. Paleti ile kendi kendine portre. 1878 Özel KoleksiyonMana çoğu izlenimcinin çoğundan daha yaşlıydı. Onların ana ilhamıydı.
Mana, devrimcilerin lideri rolü için kendini iddia etmedi. O laik bir adamdı. Resmi ödüllerin hayalini kurdu.
Ama çok uzun zamandır tanınmayı bekliyordu. Halk, Yunan tanrıçalarını görmek istedi ya da yine de en kötü sonda, yemek odasına güzelce baktı. Yele modern bir hayat yazmak istedi. Örneğin, perdeler.
Sonuç olarak, "çimlerde kahvaltı" ortaya çıktı. İki Dandies, Işık Davranışı Bayanlar Derneği'nde dinleniyor. Bunlardan biri hiçbir şey giyinmiş adamların yanında oturmaz.
Eduard Mana. Çimenlerin üzerinde kahvaltı. 1863, Paris "Çimenlerin üzerine kahvaltının" Tom Couture'un "Romalıların bir düşüş sırasında" çalışmasıyla karşılaştırın. Couture Boyama bir kürkçü üretti. Sanatçı anında ünlü oldu.
"Çimenlerin üzerinde kahvaltı" kaba davrandı. Hamile kesinlikle onu izlemek için tavsiye edilmezdi.
Tom Kutur. Düşüş zamanının romalıları. 1847 Museum d'Ors, Paris. Artchive.ru. Couture'nin resminde, akademizmin tüm özelliklerini görüyoruz (XVI-XIX yüzyıllarının geleneksel boyaması). Sütunlar ve heykeller. İnsanlar Apollo görünümünü. Geleneksel boğulmuş renkler. Burunlar ve jestler. Tamamen farklı bir insanın uzak hayatından arsa.
"Çimenlerin üzerinde Kahvaltı" Mana başka bir formattır. Ondan önce, hiç kimse bunun gibi perdeleri tasvir etmedi. Saygın vatandaşların yanında. Her ne kadar zamanın birçok insan boş zamanlarını geçirmiş olmasına rağmen. Gerçek insanların gerçek hayatıydı.
Bir zamanlar saygın bir bayanı tasvir ettim. Çirkin. Onu bir fırçayla gururlandıramadı. Bayan hayal kırıklığına uğradım. Gözyaşlarında ondan gitti.
Eduard Mana. Angelina. 1860 Museum d'Ors, Paris. Wikimedia.commons.org. Bu nedenle denemeye devam etti. Örneğin, renkle. Sözde doğal lezzetini canlandırmaya çalışmadı. Gri-kahverengi su ona parlak mavi görünüyorsa, parlak mavi olduğunu da canlandırdı.
Bu, elbette, halkı rahatsız etti. "Sonuçta, Akdeniz'in bile su adamı gibi bir mavinin övünemez." - Yazvili onlar.
Eduard Mana. Arzhante. 1874 Güzel Sanatlar Müzesi, Tur, Belçika. Wikipedia.org. Ama gerçek bir gerçek olmaya devam ediyor. Mülkteki mana boyama amacını değiştirdi. Resim, sanatçının bireyselliğinin bir düzenlemesi haline geldi, sevdiği gibi yazıyor. Şablonlar ve gelenekleri unutmak.
Nomatür uzun zamandır onu affetmedi. Tanıma sadece hayatın sonunda bekledi. Ama zaten gerekli değildi. Acı verici bir şekilde tedavi edilemez hastalıktan soldu.
2. Claude Monet (1840-1926)
Claude Monet. Kendi kendine portre al. 1886 Özel Koleksiyon Claude Monet, bir ders kitabı izlenimci olarak adlandırılabilir. Bu alana sadık kaldığından beri uzun ömürlü.
Nesneleri ve insanları değil, parlama ve lekelerin tek bir renk tasarımı yazdı. Ayrı vuruşlar. Hava sallamak.
Claude Monet. Çocuk havuzu. 1869 Metropolitan Müzesi, New York. Metmuseum.org. Monet sadece doğayı yazdı. Yönetti ve şehir manzaraları. En ünlülerden biri - .
Bu resimde fotoğraftan çok şey var. Örneğin, hareket bulanık bir görüntü kullanılarak iletilir.
Lütfen dikkat: Uzun menzilli ağaçlar ve rakamlar sanki dumandalar.
Claude Monet. Paris'te Kapuchin Bulvarı. 1873 (Avrupa ve Amerika'nın Sanat Galerisi 19-20 VZ.), Moskova Bizden önce Paris'in hızlı ömrünün durdurulan bir anı. Çeviklik yok. Kimse poz vermez. İnsanlar smearlerin bir bütünlüğü olarak tasvir edilir. Bu bağışıklık ve "Stop Frame" nin etkisi, izlenimciliğin ana özelliğidir.
1980'lerin ortalarında, sanatçılar izlenimcilikte hayal kırıklığına uğradılar. Estetik, elbette, iyi. Ancak birçok ezilenin tutarsızlığı.
Sadece Monet, hipertrophing izlenimciliği devam ettirmeye devam etti. Bir dizi tabloya dönüştü.
Aynı manzara, onlarca kez tasvir etti. Günün farklı zamanlarında. Yılın farklı zamanlarında. Ne kadar sıcaklığın ve ışığın tanımanın ötesinde aynı görünümü değiştirebileceğini göstermek için.
Yani sayısız saman yığını vardı.
Boston Güzel Sanatlar Müzesi'nde Claude Monet Resimleri. Sol: Zhiverny'de günbatımında saman yığınları, sağda 1891: bir saman yığını (kar etkisi), 1891
Lütfen bu resimlerde gölgelerin renkli olduğunu unutmayın. Ve gri veya siyah değil, izlenimcilere geleneksel olduğu gibi. Bu başka bir icat.
Monet, başarının ve maddi refahın tadını çıkarmayı başardı. 40'tan sonra, zaten yoksulluğu unuttu. Bir ev ve güzel bir bahçe var. Ve uzun zamandır harcanan uzun zamandır.
Makalede okunan masanın en çok işareti boyama hakkında
3. Auguste Renoir (1841-1919)
Pierre-Auguste Renoir. Kendi portre. 1875 Sanat Enstitüsü ve Francin Clark, Massachusetts, ABD. Pinterest.ru. İzlenimcilik, en olumlu resimdir. Ve izlenimciler arasında en olumlu olan renoir idi.
Resimlerinde, dramalar bulamazsınız. Kulp kullanmadığı siyah boya bile. Sadece varlığın sevinci. En yaygın renoire bile güzel görünüyor.
Monet'in aksine Renoir, insanları daha sık yazdı. Onun için manzaralar daha az önemliydi. Resimler dinleniyor ve arkadaşlarının ve tanıdıklarının hayatının tadını çıkarıyor.
Pierre-Auguste Renoir. Kahvaltı kuleleri. 1880-1881 Phillips, Washington, ABD topluluğu. Wikimedia.commons.org. Renoara ve derinliği bulamıyorsunuz. Arsa ile kirlenen izlenimcilere katılmaktan çok mutluydu.
Kendisi de söylediği gibi, nihayet çiçek yazma ve onları sadece "çiçek" olarak adlandırma fırsatı var. Ve onlar hakkında herhangi bir hikaye icat etmeyin.
Pierre-Auguste Renoir. Bahçede şemsiye olan kadın. 1875 Tissen-Burnis Müzesi, Madrid. Arteuam.com. Kadınların toplumunda en iyi Renoir hissettim. Hizmetçisine şarkı söylemesini ve şaka yapmasını istedi. Ne kadar aptal ve şarkı daha saftı, onun için daha iyi. Ve erkeklerin sohbetçisi yorgundu. Renoir'in çıplak bezler için ünlü olması şaşırtıcı değildir.
"Güneş ışığında çıplak" resimdeki model, kendisini renkli bir arka plan üzerinde gösteriyormuş gibi. Çünkü Renuara için küçük bir şey yok. Modelin veya arka arkaplan bölümünün gözü eşdeğerdir.
Pierre-Auguste Renoir. Güneş ışığında çıplak. 1876 \u200b\u200bMuseum d'Orsov, Paris. wikimedia.commons.org. Renoir uzun bir hayat yaşadı. Ve asla fırçayı ve paletten çıkarmayın. Elleri tamamen romatizma beslendiğinde bile, bir iple eline bir fırça bağladı. Ve boyalı.
Monte gibi, 40 yıl sonra tanıma için bekledi. Ve ünlü ustaların eserlerinin yanındaki resimlerini Louvre'da gördü.
Renuara'nın en büyüleyici portrelerinden biri makalede okudu.
4. Edgar Degas (1834-1917)
Edgar Degas. Kendi portre. 1863 Galust Gulbenkyan, Lizbon, Portekiz Müzesi. Cultured.com. Degi klasik bir izlenimci değildi. Esirde (açık havada) çalışmaktan hoşlanmadı. Kasıtlı bir palet bulamayacak.
Aksine, net bir çizgi sevdi. Siyah bir renge sahiptir. Ve sadece stüdyoda çalıştı.
Ancak yine de her zaman diğer büyük izlenimcilerle bir üst üste koyulur. Çünkü o bir empresyonist jestti.
Beklenmeyen bakış açıları. Nesnelerin konumunda asimetri. Kırık sürpriz karakterler. Resimlerinin temel özellikleri.
Karakterlerine duyduğuna gelmeden hayatın anlarını durdurdu. En azından "Opera Orkestrası" na bakın.
Edgar Degas. Opera Orkestrası. 1870 Museum d'Ors, Paris. Commons.wikimedia.org. Ön planda, sandalyenin arkası. Bize tekrar müzisyen. Ve arka planda, sahnedeki balerin "çerçeveye" sığmadı. Başları acımasızca, resimlerin kenarını "sünnetli".
Böylece dansçılar onlara her zaman güzel pozlar içinde gösterilmemiştir. Bazen sadece bir gerginlik yaparlar.
Ancak bu doğaçlama bozuldu. Tabii ki, Dega düşünceli bir şekilde kompozisyonu düşündü. Bu sadece bir durdurma çerçevesinin etkisi, gerçek bir ayak çerçevesi değil.
Edgar Degas. İki bale dansçısı. 1879 Museum Shelbourne, Vermut, ABD Edgar Degas kadınları yazmayı severdi. Ancak vücudun hastalığı veya özellikleri onlarla birlikte fiziksel teması olmasına izin vermedi. Hiç evlenmedi. Hiç kimse onu bayanla görmedi.
Kişisel hayatındaki gerçek arazilerin eksikliği, görüntülerine ince ve yoğun bir erotite ekledi.
Edgar Degas. Bale yıldızı 1876-1878 Müze d'Ors, Paris. wikimedia.com.org. Lütfen "balerin" "bale yıldızı" resminde çizildiğini unutmayın. Meslektaşları sahnelerin arkasındaki zar zor ayırt edilebilir. Bu birkaç bacak mı?
Bu, DEGA'nın resmi bitirmediği anlamına gelmez. Bu resepsiyon. Odaklanın sadece en önemli şeyi. Gerisi kaybolan, okunaksız hale getirmek için.
Makalede okunan masanın diğer resimleri hakkında
5. Berta Morizo \u200b\u200b(1841-1895)
Eduard Mana. Berth Morizo \u200b\u200bportresi. 1873 Maroton Monet Müzesi, Paris. Bert Morizo \u200b\u200bnadiren büyük izlenimcilerin ilk sırasına koydu. Haksız olduğundan eminim. Sadece tüm ana özelliklere ve izlenimcilik tekniklerine sahip misiniz? Ve eğer bu tarzdan hoşlanıyorsanız, tüm ruhla çalışmasını seviyorsunuz.
Morizo \u200b\u200bhızlı çalıştı ve bastırarak tuval üzerine izlenimini değiştiriyor. Uzayda çözünmek üzere olduğu gibi rakamlar.
Bert Morizo. Yaz. 1880 Famous, Montpellier, Fransa Müzesi. Bir degi gibi, sık sık bazı detaylar öğretmedi. Ve vücut modelinin bile parçaları. "Yaz" resimdeki kızlar arasında ayrım yapamayız.
Morizo'da kendini ifade etme yolu zordu. Sadece "dikkatsiz" bir resimle meşgul olmadı. O hala bir kadındı. O günlerde, bayanın evlilik hayal etmesi gerekiyordu. Bundan sonra, herhangi bir hobi unutuldu.
Bu nedenle, Berta, uzun süredir evliliği reddetti. Dersini saygıyla aldığı bir adam bulana kadar. Eugene Mana, Sanatçı Eduard Adamının Yerli Kardeşiydi. Batken bir şövale ve boya giydi.
Bert Morizo. Buhval'daki kızıyla birlikte Eugene Yele. 1881 Maroton Monet Müzesi, Paris. Ama yine de durum XIX yüzyılındaydı. Hayır, Morizo'nun pantolonu giymedi. Fakat tam bir hareket özgürlüğü göze alamazdı.
Yalnız çalışmak için parka gidemedi, sevdiklerinden biri tarafından refakatsiz. Kafede yalnız oturamadı. Bu nedenle, resimleri aile çemberinden insanlardır. Koca, kızı, akrabalar, dadı.
Bert Morizo. Depodaki bahçede bir çocuk olan kadın. 1881 Ulusal Galler Müzesi, Cardiff. Morizo \u200b\u200btanıma beklemedi. 54 yılda akciğerlerin iltihaplanmasından öldü, neredeyse hiç kimsenin hayattaki işi yok. "Çubuk sınıfları" sütununda ölüm ifadesinde bir hendek durdu. Sanatçı olarak adlandırılan bir kadın için düşünülemezdi. Gerçekten olsa bile.
Makalede okunan master resimleri hakkında
6. Camille Pissarro (1830 - 1903)
Camille Pissarro. Kendi portre. 1873 Museum d'Ors, Paris. Wikipedia.org. Camille Pissarro. Çatışma, makul. Birçok insan öğretmen olarak algılanıyor. Pissarro ile ilgili en sıcak meslektaşları bile kötü konuşmadı.
İmzonizmin sadık bir takipçisi idi. Kesinlikle ihtiyaç duyan, bir eş ve beş çocuğa sahip olmak, hala sevgili tarzında çalıştı. Ve daha popüler hale gelmek için salon resmine asla geçmedi. Kendisine inanma gücünü nereye götürdüğü bilinmiyor.
Açlıkla hiç ölmemek için Pisserrro, mutlu olacağı bir hayranı boyadı. Ve bu tanıma 60 yıl sonra geldi! O zaman nihayet ihtiyacı unutabildi.
Camille Pissarro. Luvezienne'de titizlik. 1869 Museum d'Ors, Paris Resimlerinde hava Pissarro kalın ve yoğun. Olağandışı renk ve hacim alaşımı.
Sanatçı, bir an için gösterilen ve kaybolan en değişken doğanın en değişken fenomenini yazmaktan korkmadı. İlk kar, soğuk güneş, uzun gölgeler.
Camille Pissarro. Don. 1873 Museum d'Orsov, Paris En ünlü eserleri Paris türleridir. Geniş Bulvarlar ile bir Körfezi Motley Kalabalık. Geceleri, öğleden sonra, farklı havalarda. Claude Monet'in resimleriyle yankılandıkları bir şey.
İzlenimcilik (fr. impressionisme, OT. İzlenim - izlenim) - XIX'in son üçte birinin sanatında - 20. yüzyılların başlangıcı, Fransa'da ortaya çıkan ve daha sonra dünyaya yayılmış olan, temsilcileri en doğal ve canlı olanı yakalamaya izin veren yöntem ve evlat edinenleri geliştirmeye çalıştı. Hareketliliği ve değişkenliğinde gerçek dünya, taklit gösterimlerlerini devretmektedir. Genellikle "izlenimcilik" terimi altında, boyamadaki bir yön anlamına gelir (ancak bu, her şeyden önce, bir grup yöntemdir), ancak fikirleri de literatür ve müzikteki düzenlemelerini, hiçbir zaman belirli bir yöntemde gerçekleştirdiği literatür ve müzikteki uygulamalarını buldu. Yazarların, etkileyicilerinin bir yansıması olarak, yazarların duygusal, doğrudan formda yaşamı iletmeye çalıştığı edebi ve müzikal işler oluşturma teknikleri
O zamanlar sanatçının görevi, sanatçının öznel duyumlarını göstermeyen, gerçekliğin en uygun görüntüsüydü. Bir geçit töreni sipariş edilmesi halinde - daha sonra müşteriyi olumlu bir ışıkta göstermek gerekiyordu: deformasyonlar olmadan, aptal yüz ifadesi vb. Eğer dini bir komplo varsa - o zaman bir saygı ve şaşkınlık hissine neden olmak gerekiyordu. Eğer manzara doğanın güzelliğini göstermekse. Bununla birlikte, sanatçı, bir portre sipariş eden veya inanılmaz olan zenginleri küçümserse, hiçbir seçenek yoktu ve sadece benzersiz tekniğini üretmek ve iyi şanslar için umut edin. Bununla birlikte, on dokuzuncu yüzyılın ikinci yarısında fotoğrafçılık aktif olarak gelişmeye başladı ve gerçekçi resim bir kenara bırakmaya başladı, çünkü o zaman bile, o zaman bile fotoğrafta olduğu gibi inandırılan gerçeği iletmek son derece zordu.
Birçok bakımdan, impressionistlerin ortaya çıkmasıyla, sanatın yazarın öznel bir temsili olarak değer verebileceği belli oldu. Sonuçta, her kişi gerçeği farklı şekillerde algılar ve kendi yolunda da yanıt verir. Daha çok ilginç görünüm, farklı insanların gözünde olduğu gibi, gerçeklik yansıtılır ve hangi duyguları yaşıyorlar.
Sanatçı, kendini ifade etmek için inanılmaz sayıda fırsat var. Dahası, kendi içinde, kendi kendine ifade çok daha özlendi: Standart olmayan bir arsa, konuyu, dini veya tarihi konulardan başka bir şey söylemek için, benzersiz tekniğinizi vb. Kullan. Örneğin, izlenimciler ilk duygu, mırıldanma bir izlenimini ifade etmek istedi. Bu yüzden eserleri belirsiz ve sanki yoktu. Multiply bir izlenim göstermek için yapıldı, bilinçteki herhangi bir nesnenin olmadığı ve sadece ışık, yarı ton ve bulanık kontürlerin sadece ışık örtüleri görülebilir. Mostory insanlar beni anlayacak) Her şeyin konusunu seçmediğini, uzaktan gördüğünü, uzaktan görmediğini ya da sadece eşleşmemesini düşünün, ancak bu konuda bir miktar izlenim oluşturun. Eğer tasvir etmeye çalışırsanız, o zaman izlenimcilerin resimleri gibi bir şey alacaksınız. Anahat gibi bir şey. Bu nedenle, gösterim uzmanlarının gösterildiği, ancak olduğu gibi daha önemli olduğu ortaya çıktı.
Resimdeki bu türün temel temsilcileri: Monet, Mana, Sislai, Degas, Renoir, Cezanne. Ayrı olarak, Uslama Turner'u selefi olarak not etmek gerekir.
Arsa konuşması:
Resimlerinde, açlık, hastalık, ölüm gibi sosyal sorunları etkilemeden, yalnızca yaşamın olumlu yönleriyle temsil edildi. Bu, daha sonra, izlenimcilerin kendileri arasında bölünmeye yol açtı.
Renk şemaları
İzlenimciler, özellikle siyahtan, kasvetli tonları, kasvetli tonları reddederken, renge büyük önem verdi. Eserlerinin rengine böyle bir dikkat, resimdeki çok önemli bir yer üzerine rengi kendiliğinden çıkarıldı ve daha fazla nesil sanatçı ve tasarımcıları bu şekilde renklendirmeye itti.
Kompozisyon
İzlenimcilerin kompozisyonu, Japon boyama, karmaşık kompozit şemalar, diğer kanonlar (altın bir bölüm veya merkez değil) kullanılmıştır. Genel olarak, resmin yapısı bu açıdan daha yaygın asimetrik, daha karmaşık ve ilginç hale gelmiştir.
İzlenimcilerin kompozisyonu daha bağımsız bir anlam kazanmaya başladı, resimlerin aksine, klasiklerin aksine, herhangi bir işin yapıldığı planın rolünü daha sık (ancak her zaman değil) rolü. 19. yüzyılın sonunda, ölen bir sonu olduğu ve kompozisyonun kendisi belirli duyguları taşıyabileceği ve resimlerin arsasını sürdürebileceği anlaşıldı.
Önlükler
El Greco - çünkü boyadaki benzer teknikler kullanırdım ve bunun rengi sembolik bir değer elde etti. Ayrıca kendini çok özgün bir şekilde ayırt etti, aynı zamanda izlenimcileri de aradığı bireysellik.
Japon gravür - çünkü bu yıllardır Avrupa'da büyük bir popülerlik kazandı ve resmin diğer tüm kurallara Avrupa Sanatı'nın klasik kanonlarından yapıldığını gösterdi. Bu, bileşim için geçerlidir, renk, detay vb. Ayrıca Japonca ve genel olarak, doğu çizimleri ve gravürleri, neredeyse hiçbir zaman Avrupa sanatında olmayan hane halkı sahneleri tarafından tasvir edildi.
Değer vermek
İzlenimciler, dünya sanatında, eşsiz harf teknikleri geliştiren ve daha sonraki tüm sanatçıların, klasik okullarıyla ilgili bir protesto ve rengiyle ilgili eşsiz bir çalışma ile ilgili tüm sanatçılar üzerinde büyük bir etkiye sahipken parlak bir ayak izi bıraktı. Viskoz dünyasının transferindeki derhal ve doğruluk, çoğunlukla dış mekanları yazmaya başladılar ve etütün anlamını, neredeyse geleneksel resim türünü, atölyede dikkatlice ve yavaşça yaratılmıştır.
Tutarlı bir şekilde paletini aydınlatan, izlenimciler dünyevi ve kahverengi cilalar ve boyalardan boyamayı serbest bıraktı. Koşullu, "müze", tuvalindeki siyah, sonsuz çeşitli refleksler ve renk gölgelerinin altından aşağılayıcıdır. Görsel sanatın olanaklarını, sadece güneşin, ışık ve havanın dünyasını değil, aynı zamanda Londra sislerinin güzelliğini, aynı zamanda büyük bir şehrin hayatının huzursuz bir atmosferi, gece ışıklarının ve ritminin dağılımının güzelliğini açıyorlar. Sürekli hareketin.
Plenuera'daki çalışma yöntemi sayesinde, şehir manzarası da dahil olmak üzere peyzaj, izlenimciler sanatında çok önemli bir yer aldı. Bununla birlikte, boyamalarının sadece "peyzajlı" gerçeklik algısı ile karakterize edildiğine inanmamalıdır. Yaratıcılıklarının tematik ve sahne aralığı oldukça geniş. Kişiye ve özellikle Fransa'nın modern hayatına ilgi, geniş anlamda bu yönde bir dizi temsilci vardı. Hayatı onayı, Bafın demokratik fikri, burjuva dünya düzenine açıkça karşı çıktı.
Aynı zamanda, izlenimcilik ve göreceğimiz gibi, postpresyonizm iki taraf veya daha doğrusu, yeni ve en yeni zamanın sanatı arasında sınırını koyan kök kırılmanın ardışık iki geçici aşamasıdır. Bu anlamda, bir yandan izlenimcilik, liderlik dünyasının gerçekliğinin kendisinin görsel olarak güvenilir bir şekilde yansıması olan Rönesans Sanatından sonraki her şeyin gelişimini tamamlar ve diğer tarafta - bu başlangıçtır. kalitatif yeni bir aşamanın temelini atan güzel sanatların tarihindeki en büyük darbenin -
yirminci yüzyılın sanatı.
