Soyutlama: Tanım, Çeşitleri ve Sanatçılar. Soyut Kompozisyon (İnsan Duygusunun Göstergesi Prensipleri) Soyutlama Bildirimi Resim Örnekleri

Geçen yüzyılda, soyut yön, sanat tarihinde gerçek bir atılım haline geldi, ancak oldukça doğal - bir kişi her zaman yeni formlar, özellikleri ve fikirler arıyor. Ancak yüzyılda, bu sanat tarzı birçok soruya neden olur. Soyutlama nedir? Bunun hakkında konuşalım.

Resim ve sanatta soyutlama

Modaya uygun soyutlama Sanatçı, konuyu yorumlamak için görsel bir form, konturlar, çizgiler ve renkler kullanır. Bu, konunun daha edebi bir yorumunu alan geleneksel sanat formlarıyla kontrast ediyor - "Gerçeklik" iletimi. Soyutlama, klasik görsel sanattan mümkün olduğunca mümkün olduğunca kalır; Gerçek hayatta hiç olmayan konu dünyasını temsil eder.

Sanatta soyutlamacılık, gözlemcinin zihnini zorluyor, tıpkı duygularının gibi, sanat eserini tamamen değerlendirmek için, gözlemci, sanatçının söylemeye çalıştığını anlama ihtiyacından kurtulması gerektiğini ve cevabını kendisini hissetmesi gerekir. Yaşamın tüm yönleri, soyutlama, inanç, korkular, tutkular, müzik veya doğaya, bilimsel ve matematiksel hesaplamalara bir tepki vermesiyle yorum yapmak için uygundur.

Bu sanattaydaki bu yönde, 20. yüzyılda, tam zamanın bilinmese de, Kübizm, Sürrealizm, Dadaism ve diğerleri ile birlikte kaynaklanmaktadır. Stil soyutlamacılığın temel temsilcileri resimde, bu tür sanatçıları vasily Kandinsky, Robert Delone, Kazimir Malevich, Frantios Kupka ve Pete Mondrian olarak göz önünde bulundurmanın gelenekseldir. Yaratıcılıkları ve önemli resimlerinden bahsediyoruz.

Ünlü sanatçıların resimleri: soyutlamacılık

Vasily Kandinsky

Kandinsky, soyut sanatın öncülerinden biriydi. Aramalarına izlenimcilikte başladı ve zaten bir soyutlamacılık tarzına geldi. Çalışmalarında, izleyicinin hem vizyonunu hem de duygularını karşılayacak olan estetik deneyim yaratma için renk ile form arasındaki ilişkiyi kullandı. Komple soyutlamanın derin, aşkın bir ifade için yer verdiğine ve gerçeğin kopyalanması sadece bu süreci önler olduğuna inanıyordu.

Boyama Kandinsky için derin ruhsaldı. İnsan duygularının derinliğini, fiziksel ve kültürel sınırları aşacak, soyut formların ve renklerin evrensel görsel dili boyunca illeşmeye çalıştı. O gördü soyutlama Sanatçının "iç gerekliliğini" ifade edebilecek ve insan fikirlerini ve duygularını iletmek için ideal bir görsel rejim olarak. Misyonu, bu idealleri dünyayla, toplumun yararına paylaşmak olan bir peygamber olarak kabul etti.

"Kompozisyon IV" (1911)

Parlak renklerde gizlenmiş ve açık siyah çizgiler, mızraklı birkaç kazak, yanı sıra tepenin üst kısmındaki tekneler, sayılar ve kaledir. Bu dönemin birçok resimlerinde olduğu gibi, ebedi dünyaya yol açacak kıyamet bir savaşı temsil eder.

"Sanatta Manevi Üzerinde" (1912) çalışmalarında açıklandığı gibi serbest serbest resim tarzının gelişimini kolaylaştırmak için Kandinsky, nesneleri resimsel sembollere düşürür. Çoğu referansın dış dünyaya çıkarılması sayesinde Kandinsky, konunun manevi özünü görsel dilde tüm bu formlar aracılığıyla çevirerek vizyonunu daha çok yönlü bir şekilde ifade etti. Bu sembolik rakamların çoğu, daha sonra daha da özetlenerek tekrar tekrarlandı ve rafine edildi.

Kazimir Malevich

Malevich'in sanatta form ve anlam hakkındaki fikirleri, bir şekilde ya da başka bir şekilde, stil soyutlama teorisi üzerine konsantrasyona yol açar. Malevich resimdeki farklı stillerle çalıştı, ancak hepsinin çoğu, saf geometrik formların (kareler, üçgenler, daireler) ve görsel alanda birbirlerine karşı tutumlarının çalışmasına odaklandı.

Batı'daki temasları sayesinde, Malevich, Avrupa ve Amerika Birleşik Devletleri'ndeki sanatçılara resimlerle ilgili fikirlerini iletebildi ve bu nedenle çağdaş sanatın evrimini derinden etkileyebiliyordu.

"Black Square" (1915)

"Black Meydanı" kült resmi ilk olarak 1915'te Petrograd'daki sergide Malevich tarafından gösterildi. Bu çalışma, Malevich tarafından "Kübizm ve Fütürizmden Suprematish'e: Resmindeki Yeni Gerçekçilik" denemesinde geliştirilen Suprematism'in teorik prensiplerini içerir.

Web'de, izleyicinin önündeki, siyah bir kare biçiminde soyut bir formdur - bileşimin tek elemanıdır. Resmin basit görünmesi gerçeğine rağmen, parmak izi, fırça darbeleri, siyah boya katmanları ile soyulması gibi elementler sunar.

Malevich için, kare duyguları ifade eder ve beyaz boşluktur, hiçbir şey. Tanrı benzeri bir varlık olarak bir kara meydanı gördü, sanki etkileyici sanat için yeni bir kutsal yol olabilirmiş gibi bir simge. Sergide bile, bu resim, simgenin genellikle bir Rus evinde olduğu yere yerleştirildi.

Pete Mondrian

Hollanda Hareketinin kurucularından biri olan Pita Mondrian, "De Style", soyutlamalarının saflığını ve metodik uygulamalarının saflığını tanır. Resimlerinin unsurlarını oldukça basitleştirdi, gördüklerini, doğrudan ve mecazi olarak gördüğünü göstermek ve tuvallerinde net ve evrensel estetik bir dil yaratır.

1920'lerden bu yana en ünlü resimlerinde, Mondrian, şekilleri çizgilere ve dikdörtgenlere göre azaltır ve palet en basit olanıdır. Asimetrik bir dengenin kullanımı, çağdaş sanatın gelişmesinde temel hale gelmiştir ve kült özet çalışmaları tasarımdaki etkilerini korur ve popüler kültüre ve bugün tanıdıklar.

"Gri Ağacı" (1912)

"Gri ağaç", Mondrian'ın tarzına erken geçişin bir örneğidir. soyutlama. Üç boyutlu ağaç, sadece gri ve siyah tonları kullanarak en basit çizgiler ve uçaklara düşürülür.

Bu resim, Mondrian'ın çalışmalarından biri, örneğin ağaçların naturalist olarak sunulduğu daha gerçekçi bir yaklaşımla yaratılan eserlerinden biridir. Daha sonraki işler giderek daha fazla soyutlanırken, örneğin ağaç çizgileri, ağaç şekli, dikey ve yatay çizgilerin genel bileşimine göre zar zor farkedilinceye ve ikincil hale gelinceye kadar azaltılır.

Burada Mondrian'ın çıkarını yapılandırılmış bir satır organizasyonunun terk edilmesine hala görebilirsiniz. Bu adım, Mondriana'nın saf bir soyutlamasının gelişimi için önemliydi.

Robert delone

Delone, soyutlamanın en eski sanatçılarından biriydi. Yaratıcılığı, renklerin muhalefetinden kaynaklanan kompozisyon voltajına dayanarak, bu yönün gelişimini etkiledi. Hızlı bir şekilde neo-empresyonsal renkli efektin altına düştü ve çok yakından takip eden renk sistemini soyutlama tarzında takip etti. Nesne nesnesini etkileyebileceğiniz, ana araçlar olarak renk ve ışığı düşündü.

1910'a kadar Delon, kübik formlara, hareket dinamiklerini ve parlak renkleri birleştiren katedralleri ve Eyfel Kulesi'ni gösteren iki dizi resim formunda Kübize katkısını yaptı. Renk uyumunu kullanmanın bu yeni yolu, bu stili Ortodoks Kübizminden ayırmaya, orfizm adını aldıktan ve Avrupa sanatçılarını hemen etkilemeye yardımcı oldu. Aynı tarzda, resimler, resimleri delone, sanatçı Sonya Terk-delone karısına yazmaya devam etti.

Eyfel Kulesi (1911)

Delone'nin ana çalışması Eyfel Kulesi'ne - Fransa'nın ünlü sembolüne adanmıştır. Bu, 1909 ve 1911 arasında Eyfel Kulesi'ne adanmış bir dizi onbir resim dizisinden en etkileyicidir. Onu hemen çevreleyen şehirden ayıran parlak bir kırmızı renkte boyanır. Etkileyici tuval büyüklüğü ayrıca bu binanın büyüklüğünü arttırır. Bir hayalet olarak, kule, çevresindeki evlerin üzerinde, figüratif bir anlamda eski düzenin temellerini sallar.

Delone'un resmi bu, iki dünya savaşına henüz tanık olmayan, zamanın sınırsız iyimserlik, masumiyet ve tazelik hissi veriyor.

Frantishek Kupka

Frantishek Kupası - Çekoslovak sanatçısı tarzında çizim soyutlamaPrag Sanat Akademisinden mezun oldu. Bir öğrenci olarak, her şeyden önce, vatansever konulara boyandı ve tarihsel kompozisyonlar yazdı. Erken çalışmaları daha akademikti, ancak tarzı yıllar boyunca gelişti ve sonunda soyutlamaya taşındı. Çok gerçekçi bir şekilde yazılmış, erken eserleri bile, korunmuş ve soyutlama yaparken gizemli gerçeküstü konular ve semboller içermektedir.

Darbe, sanatçının ve çalışmalarının, doğası mutlak olarak sınırlı olmayan uzun yaratıcı faaliyetlerde yer aldığına inanıyordu.

"Amorph. İki renkte füg "(1907-1908)

1907-1908'den itibaren, ödeme, sanki onunla oynayacak ya da dans edecek gibi, bir kaseyi elinde tutan bir kızın portresini çizmeye başladı. Sonra gittikçe daha fazla şematik görüntü geliştirdi ve nihayetinde bir dizi tamamen soyut çizim aldı. Kırmızı, mavi, siyah ve beyaz renklerin sınırlı bir paletinde tamamlandı.

1912'de, sonbahar salonunda, bu soyut işlerden biri ilk önce Paris'te halka açık bir şekilde sergilendi.

Stil soyutlamacılık popülaritesini kaybetmez ve XXI yüzyılın boyaması - Modern sanat severleri, evlerini şaheser olarak dekore etmek için sakıncası yoktur ve bu tarzda çalışmak muhteşem miktarlar için her türlü açık artırmada çekiçten uzaklaşıyor.

Soyutlama hakkında daha fazla bilgi edinin Art, Size aşağıdaki videoya yardımcı olacaktır:

Soyutlama (lat. azaş. - kaldırma, dikkat dağıtıcı) veya pijuratif olmayan sanat - Resim ve heykeldeki formların görüntüsü tarafından reddedilen sanat yönü. Soyutlamanın amaçlarından biri, belirli renk kombinasyonlarının ve geometrik formların görüntüsünü kullanarak, "uyumlaştırmanın" başarısıdır; Üstün rakamlar: Vasily Kandinsky, Kazimir Malevich, Natalia Goncharov ve Mikhail Larionov, Pete Mondrian.

Tarih

Soyutlama (Sıfır form işareti altındaki sanat, sınırsız sanat), 20. yüzyılın ilk yarısının sanatında oluşturan sanatsal bir yöndür, (gerçek görünür dünyanın biçimlerini çoğaltmayı tamamen reddetti. Soyutlamanın kurucuları V. Kandinsky olarak kabul edilir. , P. Mondriana veK. Malevich.

V. Kandinsky, empresyonistlerin lekelerinin tüm ikame işaretlerinden ve "vahşi" olan tüm soyut resim türünü yarattı. Pete Mondrian, Cezanne ve Kubistami tarafından başlayan doğanın geometrik stilizasyonu yoluyla çılgınlığına geldi. 20. yüzyılın modernist akışları, soyutlamaya odaklanan, tamamen geleneksel prensiplerden ayrılmak, gerçekçiliği reddetmek, ancak sanat çerçevesinde kalmak. Soyutçılığın ortaya çıkışıyla sanatın tarihi devrimden kurtuldu. Ancak bu devrim tesadüfen değil, doğal olarak, Plato tarafından tahmin edildi! Geç çalışmasında, Phyleb, tüm moneseziden, görünür konuların tüm taklitlerinden bağımsız olarak, çizgilerin, yüzeylerin ve mekansal formların güzelliği hakkında yazdı. Bu tür geometrik güzellik, Plato'ya göre doğal "yanlış" formların güzelliğinin aksine, göreceli, ancak koşulsuz, mutlak karakter olmamıştır.

20 yüzyıl ve modernite

1. Dünya Savaşı'ndan 1914-18 Soyut Sanatın eğilimleri, Dadaism ve gerçeküstücülük temsilcileri tarafından belirli eserlerde sıklıkla tezahür edildi; Aynı zamanda, mimarlık, dekorugatlanmış sanat, tasarım (bir grup stilin deneyleri "ve" Bauhaus ") kullanımını bulma arzusu belirlenmiştir. Birkaç soyut sanat grubu ("Beton Sanat", 1930; "Daire ve Meydanı", 1930; "Soyutlama ve Yaratıcılık", 1931), çeşitli milletlerden ve trendlerin sanatçılarını birleştirmek, 30'ların başında ortaya çıktı., Fransa'da ana. Bununla birlikte, soyut sanat geniş dağıtım ve 30'ların ortalarında alınmamıştır. Gruplar ayrıldı. 2. Dünya Savaşı'nın yıllarında, 1939-45'te Amerika Birleşik Devletleri'nde sözde soyut dışavurumculuk (ressamlar) okula çıktı. J. Pollock, M. Toby Birçok ülkede savaştan sonra (Tashism veya "resmi sanat" olarak adlandırılan ve "saf zihinsel otomatizmi" olarak gelişen ve "saf zihinsel otomatizm" ve yaratıcılığın öznel bir bilinçaltının, beklenmedik renk ve dokusal kombinasyonların kültüsü ile ilan etti.

50'lerin ikinci yarısında, Montaj Sanatı, POP Art'ı Amerika Birleşik Devletleri'nde, biraz daha sonra ünlü Andy Warhol, Marilyn Monroe ve Köpek Yiyecekleri - Kolaj Soyutlama Consers'in sonsuz replikasyonuyla ünlü Andy Warhol. 60'ların resimsel sanatında, en az agresif, statik soyutlama şekli - minimalizm popüler hale geldi. Aynı zamanda Barnet Newman, Amerikan geometrik soyutlamanın kurucusu, birlikte A. Lieberman, A. düzenlenenve K. Noland Hollanda Neoplasticizm ve Rus süpremizmi fikirlerinin daha da geliştirilmesinde başarıyla meşgul.

Amerikan resminin bir başka kursu "kromatik" veya "Sihirce sonrası" soyutlama olarak adlandırıldı. Bir dereceye kadar temsilciler, Fovisma ve Postmingmism'den itibaren dışarı itti. Sert stil, keskin anahatları vurguladı E. Celly, J. Yungherman, F. Sustla Düşünceli bir melankolik depo resmine yavaş yavaş aşağı. 70'lerde - 80'lerde, Amerikan boyama figürativasyona geri döndü. Dahası, en geniş yayılan, fotorevalizm olarak böyle aşırı bir tezahür etti. Çoğu sanat tarihçileri, 70'lerin Amerikan sanatının gerçek anı olduğu için birleşiyor, çünkü bu dönemde nihayet Avrupa etkisinden kurtuldu ve tamamen Amerikalı. Bununla birlikte, geleneksel formların ve türlerin geri dönüşüne rağmen, portrenin tarihi resmine, kaybolmadığı ve soyutlamacılığa rağmen.

Resimler, "dezavantajlı" sanat eserleri hala yaratılmıştır, çünkü Amerika Birleşik Devletleri'ndeki gerçekçiliğe geri dönüş, bu nedenle soyutlamacılığa dönüşmedi, ancak canonlaşması, öncelikle sosyal gerçekçilikimizle tanımlanan figüratif sanatın yasağı ve Bu nedenle, "serbest demokratik" toplumda, sanatın sosyal fonksiyonlarında "düşük" türlerde bir yasakta görülemez. Aynı zamanda, soyut resmin stilleri, daha önce alamadığı bir miktar yumuşaklık kazandı, - hacimlerin, konturların bulanıklaşmasını, yarı tonun zenginliği, ince renk çözeltilerinin ( E. Murray, St. Hephon, L. Nehirler, Bay L. Huese, A. Balod).

Bütün bu eğilimler, modern soyutlamanın gelişimi için temeli attı. Yaratıcılıkta donmuş hiçbir şey olabilir, çünkü onun için ölüm olacağından. Ancak yollar ne olursa olsun soyutlama, nasıl dönüştürülürse, özü her zaman değişmeden kalır. Görsel sanattaki soyutlamacılığın kişisel varlığı yakalamanın en uygun fiyatlı ve asil yoludur. Formda, ne yeterli değil, faks izlenimi gibidir. Aynı zamanda, soyutlama, özgürlüğün doğrudan gerçekleşmesidir.

Talimatlar

Soyutlamadayken, iki net talimatın ayırt edilebilir: esas olarak iyi tanımlanmış konfigürasyonlara (Malevich, Mondrian) ve bileşimin serbest formlardan (KandinSky) organize olduğu lirik soyutlamaya dayanan geometrik soyutlama. Ayrıca soyutlamada ayrıca birkaç büyük harcama var.

Kübizm

Görsel sanatlardaki avangard yönü 20. yüzyılın başında ortaya çıktı ve geometrik şeklin koşullandırılmış formlarının kullanılmasıyla karakterize edilen, Stereometer ilkelleri için gerçek nesneleri "ezme" arzusu.

Bölgesel (Raysizm)

1910'ların soyut sanatında, ışık spektrumlarının değiştirilmesine ve ilginin değiştirilmesine dayanarak. "Çeşitli nesnelerin yansıtılan ışınlarının kesiştiği", çünkü kişi aslında konunun algılanması olmadığından, ancak "yansıyan ışık kaynağından gelen ışınların miktarı) olduğu gibi konu."

Neolastiklik

1917-1928'de var olan soyut sanatın yönünün belirlenmesi. Hollanda'da ve birleşik sanatçılarda "de Stijl" dergisinin etrafında gruplandıran ("stil"). Mimarlıkta net dikdörtgen formlar ve geniş dikdörtgen düzlemlerin düzeninde soyut resim, spektrumun ana renklerine boyanmıştır.

Orfizm

1910'ların Fransız boyamasındaki yön. Orfer sanatçıları, spektrumun temel renklerinin interpenetrasyonunun "kalıplarını" kullanarak, ritimlerin hareket ve müzikalitesinin dinamiklerini ifade etmeye çalıştı ve eğrisel yüzeylerin birbirine bağlanması.

Suprematizm

1910'larda kurulan avangard sanatındaki yön. Malevich. En basit geometrik ana hatların çok renkli düzlemlerinin kombinasyonlarında ifade edildi. Çok renkli geometrik figürlerin kombinasyonu, iç hareketi ile nüfuz eden dengeli bir asimetrik üstünlük kompozisyonları oluşturur.

Tashism

1950-60'ların Batı Avrupa soyutlamacılığının akışı, Amerika Birleşik Devletleri'nde en büyük dağıtımı alan. Gerçeklik görüntülerini yeniden yaratmayan ancak sanatçının bilinçsiz aktivitesini ifade eden lekelerdir. TASHIZM'deki lekeler, çizgiler ve lekeler, önceden belirlenmiş bir plan olmadan elin tuval hızlı hareketlerine uygulanır.

Soyut dışavurumculuk

Sanatçıların hareketi, hızlı ve büyük tuvallerde, jeomeometrik olmayan vuruşlar kullanarak, büyük fırçalar, bazen tuval için boyalarla damlayan, duyguların azami tanımlanması için hareket eder. Buradaki etkileyici boyama yöntemi genellikle çizimin kendisi ile aynı değere sahiptir.

İç kısımda özümserlik

Son zamanlarda, soyutlamacılık, sanatçıların resimleriyle rahat bir ev iç kısmında, yenilemeye başladı. Temiz formları kullanarak minimalist tarz, bazen oldukça sıradışı, odayı olağandışı ve ilginç hale getirir. Ancak rengiyle abartmak çok basittir. İç mekanın böyle bir stilistinde turuncu renk bir kombinasyonunu düşünün.

Beyaz en iyi doymuş turuncu seyreltme ve ne kadar havalı. Turuncu rengi, odanın daha sıcak hale getirmesini sağlar, bu yüzden biraz; Önlemez. Odak, mobilya üzerinde olmalı veya tasarlamak, örneğin portakal yatak örtüsü. Bu durumda, beyaz duvarlar rengin parlaklığını kapatır, ancak odadan renkli bırakacaktır. Bu durumda, aynı gama resimleri mükemmel bir ek olarak hizmet edecektir - asıl şey overdo yapmak değildir, aksi takdirde uyku ile ilgili sorunlar olacaktır.

Hemşireyi ilgilendirmezse, turuncu ve mavi renklerin kombinasyonu herhangi bir oda içindir. Parlak tonları seçmezseniz, birbirlerini başarılı bir şekilde uyumlaştırır, ruh hali ekler ve hiperaktif çocukları bile olumsuz yönde etkilemezler.

Turuncu, yeşil ile mükemmel bir şekilde birleştirilir, bir mandalina ağacı etkisi ve bir çikolata tonu oluşturur. Ilıktan soğuğa kadar değişen kahverengi - renkli, o kadar mükemmel bir şekilde odanın toplam sıcaklığını normalleştirir. Ek olarak, böyle bir renk kombinasyonu, bir atmosfer yaratmanız gereken mutfak ve oturma odası için uygundur, ancak iç kısmı aşırı yüklemeyin. Duvarları beyaz ve çikolata renklerine yerleştirerek, turuncu bir sandalye koyabilirsiniz veya zengin bir mandalina ile parlak bir resim asabilirsiniz. Böyle bir odayken, harika bir ruh hali olacak ve mümkün olduğunca fazla durum yapma arzusuna sahip olacaksınız.

Ünlü soyutlama sanatçılarının resimleri

Kandinsky, soyut sanatın öncülerinden biriydi. Aramalarına izlenimcilikte başladı ve zaten bir soyutlamacılık tarzına geldi. Çalışmalarında, izleyicinin hem vizyonunu hem de duygularını karşılayacak olan estetik deneyim yaratma için renk ile form arasındaki ilişkiyi kullandı. Komple soyutlamanın derin, aşkın bir ifade için yer verdiğine ve gerçeğin kopyalanması sadece bu süreci önler olduğuna inanıyordu.

Boyama Kandinsky için derin ruhsaldı. İnsan duygularının derinliğini, fiziksel ve kültürel sınırları aşacak, soyut formların ve renklerin evrensel görsel dili boyunca illeşmeye çalıştı. O gördü soyutlama Sanatçının "iç gerekliliğini" ifade edebilecek ve insan fikirlerini ve duygularını iletmek için ideal bir görsel rejim olarak. Misyonu, bu idealleri dünyayla, toplumun yararına paylaşmak olan bir peygamber olarak kabul etti.

Parlak renklerde gizlenmiş ve açık siyah çizgiler, mızraklı birkaç kazak, yanı sıra tepenin üst kısmındaki tekneler, sayılar ve kaledir. Bu dönemin birçok resimlerinde olduğu gibi, ebedi dünyaya yol açacak kıyamet bir savaşı temsil eder.

"Sanatta Manevi Üzerinde" (1912) çalışmalarında açıklandığı gibi serbest serbest resim tarzının gelişimini kolaylaştırmak için Kandinsky, nesneleri resimsel sembollere düşürür. Çoğu referansın dış dünyaya çıkarılması sayesinde Kandinsky, konunun manevi özünü görsel dilde tüm bu formlar aracılığıyla çevirerek vizyonunu daha çok yönlü bir şekilde ifade etti. Bu sembolik rakamların çoğu, daha sonra daha da özetlenerek tekrar tekrarlandı ve rafine edildi.

Kazimir Malevich

Malevich'in sanatta form ve anlam hakkındaki fikirleri, bir şekilde ya da başka bir şekilde, stil soyutlama teorisi üzerine konsantrasyona yol açar. Malevich resimdeki farklı stillerle çalıştı, ancak hepsinin çoğu, saf geometrik formların (kareler, üçgenler, daireler) ve görsel alanda birbirlerine karşı tutumlarının çalışmasına odaklandı. Batı'daki temasları sayesinde, Malevich, Avrupa ve Amerika Birleşik Devletleri'ndeki sanatçılara resimlerle ilgili fikirlerini iletebildi ve bu nedenle çağdaş sanatın evrimini derinden etkileyebiliyordu.

"Black Square" (1915)

"Black Meydanı" kült resmi ilk olarak 1915'te Petrograd'daki sergide Malevich tarafından gösterildi. Bu çalışma, Malevich tarafından "Kübizm ve Fütürizmden Suprematish'e: Resmindeki Yeni Gerçekçilik" denemesinde geliştirilen Suprematism'in teorik prensiplerini içerir.

Web'de, izleyicinin önündeki, siyah bir kare biçiminde soyut bir formdur - bileşimin tek elemanıdır. Resmin basit görünmesi gerçeğine rağmen, parmak izi, fırça darbeleri, siyah boya katmanları ile soyulması gibi elementler sunar.

Malevich için, kare duyguları ifade eder ve beyaz boşluktur, hiçbir şey. Tanrı benzeri bir varlık olarak bir kara meydanı gördü, sanki etkileyici sanat için yeni bir kutsal yol olabilirmiş gibi bir simge. Sergide bile, bu resim, simgenin genellikle bir Rus evinde olduğu yere yerleştirildi.

Pete Mondrian

Hollanda Hareketinin kurucularından biri olan Pita Mondrian, "De Style", soyutlamalarının saflığını ve metodik uygulamalarının saflığını tanır. Resimlerinin unsurlarını oldukça basitleştirdi, gördüklerini, doğrudan ve mecazi olarak gördüğünü göstermek ve tuvallerinde net ve evrensel estetik bir dil yaratır. 1920'lerden bu yana en ünlü resimlerinde, Mondrian, şekilleri çizgilere ve dikdörtgenlere göre azaltır ve palet en basit olanıdır. Asimetrik bir dengenin kullanımı, çağdaş sanatın gelişmesinde temel hale gelmiştir ve kült özet çalışmaları tasarımdaki etkilerini korur ve popüler kültüre ve bugün tanıdıklar.

"Gri ağaç", Mondrian'ın tarzına erken geçişin bir örneğidir. soyutlama. Üç boyutlu ağaç, sadece gri ve siyah tonları kullanarak en basit çizgiler ve uçaklara düşürülür.

Bu resim, Mondrian'ın çalışmalarından biri, örneğin ağaçların naturalist olarak sunulduğu daha gerçekçi bir yaklaşımla yaratılan eserlerinden biridir. Daha sonraki işler giderek daha fazla soyutlanırken, örneğin ağaç çizgileri, ağaç şekli, dikey ve yatay çizgilerin genel bileşimine göre zar zor farkedilinceye ve ikincil hale gelinceye kadar azaltılır. Burada Mondrian'ın çıkarını yapılandırılmış bir satır organizasyonunun terk edilmesine hala görebilirsiniz. Bu adım, Mondriana'nın saf bir soyutlamasının gelişimi için önemliydi.

Robert delone

Delone, soyutlamanın en eski sanatçılarından biriydi. Yaratıcılığı, renklerin muhalefetinden kaynaklanan kompozisyon voltajına dayanarak, bu yönün gelişimini etkiledi. Hızlı bir şekilde neo-empresyonsal renkli efektin altına düştü ve çok yakından takip eden renk sistemini soyutlama tarzında takip etti. Nesne nesnesini etkileyebileceğiniz, ana araçlar olarak renk ve ışığı düşündü.

1910'a kadar Delon, kübik formlara, hareket dinamiklerini ve parlak renkleri birleştiren katedralleri ve Eyfel Kulesi'ni gösteren iki dizi resim formunda Kübize katkısını yaptı. Renk uyumunu kullanmanın bu yeni yolu, bu stili Ortodoks Kübizminden ayırmaya, orfizm adını aldıktan ve Avrupa sanatçılarını hemen etkilemeye yardımcı oldu. Aynı tarzda, resimler, resimleri delone, sanatçı Sonya Terk-delone karısına yazmaya devam etti.

Delone'nin ana çalışması Eyfel Kulesi'ne - Fransa'nın ünlü sembolüne adanmıştır. Bu, 1909 ve 1911 arasında Eyfel Kulesi'ne adanmış bir dizi onbir resim dizisinden en etkileyicidir. Onu hemen çevreleyen şehirden ayıran parlak bir kırmızı renkte boyanır. Etkileyici tuval büyüklüğü ayrıca bu binanın büyüklüğünü arttırır. Bir hayalet olarak, kule, çevresindeki evlerin üzerinde, figüratif bir anlamda eski düzenin temellerini sallar. Delone'un resmi bu, iki dünya savaşına henüz tanık olmayan, zamanın sınırsız iyimserlik, masumiyet ve tazelik hissi veriyor.

Frantishek Kupka

Frantishek Kupası - Çekoslovak sanatçısı tarzında çizim soyutlamaPrag Sanat Akademisinden mezun oldu. Bir öğrenci olarak, her şeyden önce, vatansever konulara boyandı ve tarihsel kompozisyonlar yazdı. Erken çalışmaları daha akademikti, ancak tarzı yıllar boyunca gelişti ve sonunda soyutlamaya taşındı. Çok gerçekçi bir şekilde yazılmış, erken eserleri bile, korunmuş ve soyutlama yaparken gizemli gerçeküstü konular ve semboller içermektedir. Darbe, sanatçının ve çalışmalarının, doğası mutlak olarak sınırlı olmayan uzun yaratıcı faaliyetlerde yer aldığına inanıyordu.

"Amorph. İki renkte füg "(1907-1908)

1907-1908'den itibaren, ödeme, sanki onunla oynayacak ya da dans edecek gibi, bir kaseyi elinde tutan bir kızın portresini çizmeye başladı. Sonra gittikçe daha fazla şematik görüntü geliştirdi ve nihayetinde bir dizi tamamen soyut çizim aldı. Kırmızı, mavi, siyah ve beyaz renklerin sınırlı bir paletinde tamamlandı. 1912'de, sonbahar salonunda, bu soyut işlerden biri ilk önce Paris'te halka açık bir şekilde sergilendi.

Modern abstrort

Yirminci yüzyılın başından bu yana, Pablo Picasso, Salvador Dali, Casemir Malevich, Vasily Kandinsky gibi sanatçılar, nesneler ve algılarıyla ve aynı zamanda teknikteki mevcut kanunları sorguladı. Bilgi sınırlarını zorlamaya ve kendi gerçekliklerini yaratmaya karar veren tanınmış modern terk edilmiş sanatçıların bir seçimini hazırladık.

Alman sanatçısı David Schel (David Schnell), doğanın hüküm sürdüğü yerlerin etrafında dolaşmayı sever ve şimdi oyun alanlarından fabrikalara ve fabrikalara kadar insanların binalarına titiz. Bu yürüyüşlerin hatıraları ve parlak manzaralarını doğurur. David Schnelen, hayal gücüne ve bellesine değil, David Schnele, kurgu kitapları için bilgisayar sanal gerçekliğini veya resimlerini andıran resimler yaratır.

Bir Amerikan sanatçısı olan büyük ölçekli soyut resimler yaratıyor Kristin Baker (Kristin Baker), sanatların tarihinden ve NASCAR ve Formula 1'in yarışı olan ilham alır. Tuz, birkaç akrilik boya katmanını ve scotch ile siluetleri sallayan iş hacmini verir. Sonra Christine, boyanın alt katmanlarını görmenizi sağlayan ve resimlerinin yüzeyini çok katmanlı çok renkli kolaja benzer şekilde görmenizi sağlar. Son çalışma aşamasında, tüm usulsüzlükleri, resimlerini röntgendeki hisler gibi kılar.

Eserlerinde, Brooklyn, New York'tan Yunan kökenli bir sanatçısı, Eleanna Anagnes (Eleanna Anagnos), genellikle insanların görüşünden kaçan günlük yaşamın yönlerini araştırıyor. "Tuval ile diyalogu" sırasında, sıradan kavramlar yeni anlamlar ve kenarlar elde eder: negatif alan olumlu hale gelir ve küçük formlar boyutunda artmaktadır. "Fotoğraflarımızdaki Hayatı" nefes almaya çalışıyor, soru sormayı bırakan ve yeni bir şeye açık olan insan zihnini uyandırmaya çalıştım.

Amerikan sanatçısı olan parlak su sıçramalarına ve boya pansiyonlarını doğurur Sara Spitler(Sarah Spitler) onun çalışmalarında kaos, felaket, dengesizlik ve karmaşa gösterilecek. İnsandan kontrol etmek için uygun olmadığı için bu kavramlardan etkilenir. Bu nedenle, yok edici güçleri, Sarah Spitler'in güçlü, enerjik ve heyecan verici işlerini soyutlardır. Dahası. Elde edilen mürekkep, akrilik boyalar, grafit kurşun kalemler ve emaye imajı eterizmi vurgular ve tuval etrafında neler olup bittiğini vurgulamaktadır.

Mimarlık alanından ilham, Vancouver, Kanada'dan sanatçı, Jeff Dapner. (Jeff Deponu), geometrik şekillerden oluşan çok katmanlı soyut desenler oluşturur. Bunun yarattığı "kaos" sanatsal olarak, Jeff renk, şekil ve kompozisyonda uyum arıyor. Resimlerdeki elementlerin her biri birbirleriyle ilişkilidir ve sonraki: "Çalışmam, seçilen paletteki renkler arasındaki ilişki yoluyla kompozisyon yapısını [resimler] araştırıyor ...". Sanatçıya göre, resimleri, izleyiciyi yeni, bilinçsiz bir seviye için ertelemeli "soyut işaretler" dir.

Tek kademeli desen, William Morris

"Soyutlama", "Kombinemesiz Sanat", "Kaşık Olmayan", "Kaçak Olmayan", "Geometrik Soyutlama" veya "Belirli Bir Sanat" olarak da adlandırılan "soyutlama", göstermeyen resim veya heykelin herhangi bir nesnesi için oldukça bulanık bir şemsiye terimidir. tanınabilir nesneler veya sahneler. Ancak, gördüğümüz gibi, soyut sanatın tanımı, türleri veya estetik değerine göre net bir fikir birliği yoktur. Picasso, böyle bir kavramın hiç olmadığını düşünüyordu, bazı sanat tarihçileri tüm sanatların soyut olduğuna inanıyor - çünkü örneğin, resim olmadığı için, sanatçıyı gördüğü bir brüt özgeçmişin büyük bir şey olmaya güvenmeyeceği düşünülüyor. Ek olarak, kayar bir soyutlama ölçeği vardır: yarı-soyuttan tamamen soyut. Bu nedenle, teori nispeten net olmasına rağmen - soyut sanat gerçeklikten kaldırılır - soyut olmayan çalışmalardan soyut ayırmanın pratik görevi çok daha problemli olabilir.

Soyut sanat fikri nedir?

Çok basit bir örnekle başlayalım. Kötü (kârsız) bir şeyin çizilmesi. Yürütme Görüntü arzulanan çok şey bırakır, ancak renkleri güzelse, çizim bize vurabilir. Bu, resmi kalitenin (renk) temsilciyi (çizim) nasıl geçersiz kılabileceğini gösterir.
Öte yandan, fotogerçekçi bir resim, evde, evde mükemmel grafikler gösterebilir, ancak konunun kendisi, renk şeması ve toplam kompozisyonun kesinlikle sıkıcı olabilir.
Sanatsal resmi niteliklerin değerlemesinin felsefi bir şekilde kanıtlanması, Plato'nun onaylanmasından kaynaklanmaktadır: "Düz çizgiler ve daireler ... sadece güzel değil ... ama sonsuz ve kesinlikle güzel."

Convergence, Jackson Pollock, 1952

Özünde, Plato'nun yeniden canlandırılması, doğal olmayan görüntülerin (daireler, kareler, üçgenler vb.) Mutlak, değişmemiş güzelliğe sahip olduğu anlamına gelir. Böylece, boyama yalnızca hat ve renginde tahmin edilebilir, doğal nesneyi veya sahneyi canlandırması gerekmez. Fransız Sanatçısı, Litografi ve Sanat Teorikleri Maurice Denis (1870-1943), yazdığında aynı şeyi ifade etti: "Resmin askeri bir at ya da çıplak bir kadın olmadan önce ... esasen renkle toplanan renkle kaplı bir düz yüzey olduğunu unutmayın. belirli bir sırada. "

Fransız Stella

Soyutlama türleri

Böylece her şey basit, soyut sanatı altı ana tip için bölebiliriz:

• Eğri
• Renk veya ışıkta kurucu
• Geometrik
• Duygusal veya sezgisel
• Gestür
• Minimalist

Bu türden bazıları diğerlerinden daha az soyut, ancak hepsi gerçeklikten sanat dalı ile bağlantılıdır.

Eğrisel soyutlama

Hanımeli, William Morris, 1876

Bu tür, düğümler (sekiz ana tip), interlaced desenler ve spiraller (Triskel veya TRISCELION dahil) dahil olmak üzere bir dizi soyut motif kullanan Kelt Sanatı ile güçlü bir şekilde ilişkilidir. Bu motifler Keltler tarafından icat edilmedi, diğer birçok erken kültür bu Kelt süslemelerini yüzyıllar boyunca kullandı. Ancak, Celtic tasarımcılarının bu kalıplara yeni bir hayat soluduğunu, onları daha karmaşık ve karmaşık hale getirdiğini söylemek doğrudur. Daha sonra, 19. yüzyılda geri döndüler ve özellikle, William Morris (1834-96) ve Arthur McSuzurdo'ya (1851-1942) benzer kitap kapakları, kumaşlar, duvar kağıdı ve sıralamalarında kendilerini tezahür ettiler. Curvilinear soyutlama, böyle bir kavramla "sonsuz bir resim" olarak da karakterize edilir - İslam sanatının yaygın bir özelliğidir.

Renk veya ışığa dayanan soyutlamacılık

Nilüfer, claude monet

Bu tip, rengi (veya ışığı), sanat eserini gerçeklikten ayırmak için bu şekilde, rengi (veya ışığı) kullanan, çünkü nesne pigment vorteksinde çözünür. Örnekler, Claude Monet (1840-1926), Talisman (1888, Musee d'Orsay, Paris), Paul Seruzier (1864-1927) su zambak olarak hizmet edebilir. Der Blaue Reiter ile zamanlarında yazılı Kandinsky'nin dışavurumcu resimlerinin birçoğu soyutlamaya çok yakındır. Renk Soyutlama, 1940'ların sonlarında ve 50'li yılların sonlarında, Mark Rotko (1903-70) ve Barnett Newman (1905-70) tarafından geliştirilen renkli boyama biçiminde tekrar ortaya çıktı. 1950'lerde, Fransa'da, lirik soyutlama olarak bilinen renge ile ilgili paralel bir çeşitlilikte soyut resim bir çeşitliliği ortaya çıktı.

Tılsım, Zemin Seru

Geometrik soyutlama

Bougie-WGOS Broadway, Pete Mondriana, 1942

Bu tür entelektüel soyut sanat, yaklaşık 1908'den ortaya çıktı. Erken ilkel bir form, kübizm, özellikle analitik kübizm, doğrusal perspektifi reddetti ve mekansal derinliğin yanılsamasını iki boyutlu yönlerine odaklanmak için. Geometrik soyutlama, belirli bir sanat ve taahhüt sanatı olarak da bilinir. Beklenmesi gerektiği gibi, bir kural olarak, daireler, kareler, üçgenler, dikdörtgenler vb. Gibi geometrik şekiller gibi doğal olmayan görüntüler ile karakterize edilir. Bir anlamda, doğal dünyaya kesinlikle hiçbir referans içermez ve Buna bağlı olmak, geometrik soyutlamacılık en temiz soyutlama şeklidir. Soyut sanat için somut sanatın vejeteryanlık için vejeteryanlık için aynı olduğu söylenebilir. Geometrik soyutlama, Casimir Malevich (1878-1935) (Suprematism'in kurucusu) tarafından yazılmış bir siyah daire (1913, Devlet Rus müzesi, St. Petersburg) ile temsil edilir; Bogi-Vui Broadway'de (1942, Moma, New York) Pete Mondriana (1872-1944) (Neoplastic'in kurucusu); ve Kompozisyon VIII (inek) (1918, Moma, New York) Teo van Lebourg (1883-1931) (Kurucu De Style ve Elementizm). Diğer örnekler, Josef Albers Meydanı'na (1888-1976) ve Viktor Vazareli (1906-1997) tarafından oluşturulan OP-Art'a yapılan işleri içerir.

Siyah daire, Kazimir Malevich, 1920

Kompozisyon viii, teo van tuğla

Duygusal veya sezgisel soyut sanat

Bu tür bir sanat, toplam konuyu, doğalist bir eğilim olan stillerin bir kombinasyonunu kapsar. Bu doğalcılık, kullanılan formlar ve renkler şeklinde ortaya çıkıyor. Neredeyse doğa karşıtı olan geometrik soyutlamanın aksine, sezgisel soyutlama genellikle doğayı gösterir, ancak daha az temsilcidir. Bu tür soyut sanat için iki önemli kaynak şudur: organik soyutlama (biyomorfik soyutlama olarak da adlandırılır) ve gerçeküstücülük. Belki de bu sanat biçiminde uzmanlaşmış en ünlü sanatçı, Rusya Mark Rotko (1938-70) doğdu. Diğer örnekler arasında Kandinsky'nin Tuvalleri, 4 No'lu Kompozisyon (1911, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen) ve Kompozisyon VII (1913, Tretyakov Galerisi); Kadın (1934, özel koleksiyon) Joan Miro (1893-1983) ve Belirsiz Bir Bölüm (1942, Bir Sanat Galerisi AllBright-Knox, Buffalo) Yves Tangi (1900-55).

Belirsiz Temetlik, Yves Tanga

El hareketi (jest) soyut sanat

Başlıksız, D. Pollock, 1949

Bu, resim oluşturma işlemi normalden daha önemli hale geldiğinde, soyut dışavurumculuk şeklidir. Örneğin, boya sıradışı bir şekilde uygulanır, smear genellikle çok gevşek ve hızlıdır. Ünlü Amerikan el hareketi imtütleri, Jackson Pollock (1912-56), aksiyon boyaması ve eşi Lee Krasner (1908-84), "Damla Boyama" olarak adlandırılan kendi teknolojisinin icadı için ilham veren Jackson Pollock (1912-56) bulunur. ; Bir kadının bir dizi çalışması için bilinen Villem de Cuning (1904-97); Ve Robert Motherwell (1912-56). Avrupa'da, bu form Cobra Grubu, özellikle Karel Appel (1921-2006) tarafından temsil edilir.

Minimalist soyut sanat

Eğitim Çizim, Ed Reinhardt, 1939

Bu tür bir soyutlama, tüm dış referanslar ve derneklerden yoksun olan bir tür avant-garde sanatıydı. Gördüğün şey budur - ve başka bir şey yok. Genellikle geometrik bir şekil alır. Bu doğrultuda, heykeltraşlar hakimdir, ancak aynı zamanda ED Reinhardt (1913-67), Frank Stella (1936) gibi bazı büyük sanatçıları (1936), büyük ölçüde, form ve renk kümelerini içeren bazı büyük sanatçıları da içermesine rağmen; Dikdörtgen şekilleri, perhistorik yapıların anıtsal biçimlerini taklit eden Sean Scully (1945) İrlandalı Amerikan sanatçısı. Joe Baer (1929 R.), Elsuworth Kelly (1923-2015), Robert Mangold (1937), Brys Marden (1938'de doğmuş), Agnes Martin (1912-2004) ve Robert Raiman (1930).

Elsuworth Kelly

Fransız Stella

Tanım olarak, Wikipedia, soyutlama ile kabul edildi (LAT. fakatbstactio.n - kaldırma, dikkat dağıtıcı) veya pijuratif olmayanveya Freelessresim, grafik ve heykeldeki formun bir görüntüsünün reddedildiği sanat yönü.

İlk soyutlamacıların estetik kavramının yönü, en az net duygusal bir gönderi olan bir ifade lehine, gözetleme ve mantıksal anlayış izleyicisini gerektiren gerçek bir formun reddedilmesiydi. Maksimum, sanatsal yaratıcılığın, gerçekliğin dış, görünen fenomenlerin arkasına gizlenmiş, evrenin kalıplarını yansıttığı kabul edildi. Sanatçı tarafından sezgisel olarak kavrayan bu desenler, soyut formların oranı (renk lekeleri, çizgiler, hacimler, geometrik şekiller) ile ifade edildi.

İncir. 1. V. V. Kandinsky. İlk Soyut Suluboya. 1910

Yaygın olarak kullanılan bir terim soyut kompozisyon, öğrenme alıştırmasının ifadesini tanımladığı eğitim kapsamından yetişir. "Kompozisyon" kelimesi, hazırlığın anlamında, ancak tamamlanan çalışmaların yönünde kullanılmaz. Aksine, elbette, soyut sanattaki kompozisyon hakkında konuşun. Bir "kişisel bir deneyim" sanatının, farklı varoluş dönemlerinde soyutlama, izleyiciyi şok etti, daha sonra saçma, daha saçma, herhangi bir anlam ifade etmeyen ve dejeneratif yapmayan bir sanat olarak kınama ve sansüre maruz kaldı. Bununla birlikte, şimdi soyutizm, diğer tüm sanat biçimleriyle bir par üzerinde bulunur ve ayrıca, mimari ve tasarım uzmanlıkları için eğitim kurumlarına kabul edildikten sonra tanıtım testlerinin görevlerinin özel pozisyonlarına gelir. Başvuru Sahibinin yaratıcı yeteneklerinin incelenmesi olarak, soyutlama testi çok üretkendir. Yaratıcı düşünceyi, kompozit bilgi ve konuyu çevreleyen dünyanın tanınabilir formları için karmaşık yasak koşullarında ifade etme yeteneğini aydınlatır. Sonuçta, tarihsel olarak, sanat dilinin birincil unsurları ile birlikte (bu, figüratif sanatta fazlalığı dilimlenerek elde edilebilecek olan jeometrik biçimler, görsel dünyanın nesnelerinin alınabileceği), soyutlamacılar kompozitlere itiraz ettiler. Tüm görsel sanat için ortak ilkeler. Abstractların endüstriyel estetik (tasarım), sanatsal tasarım, mimarlık (Hollanda'daki tarz grubunun ve Almanya'daki okul bauhauslarının etkinliği), Kandinsky Vagamutemi'nin çalışmaları; mimarlık ve tasarım projelerinin çalışmaları; Malevich; "Mobil" Alexander Kolder; Vladimir Tatlin'in tasarımları, Nauma Gabo ve Antoine Pevzner'ın eseri). Soyutlamacıların faaliyetleri, modern mimarlık, dekoratif ve uygulamalı sanat, tasarımın oluşumuna katkıda bulundu.

Şahsen, yazar, soyut kompozisyonun, yalnızca şartlandırılmış soyut formların örneğinin örneğinde, izleyicinin imajının algısının psiko-fizyolojik yasalarını anlamanın ve yazarın düşüncesi olduğunda onları silahlamaya sokması daha kolay olduğu gerçeğiyle ilginçtir. iş. Sonuçta, fikirlerini görüntüleyici için aralıksız bir şekilde yapmak için, Görüntüleyici ve sanatçı için açık olan görsel dilde iletişim kurmak mantıklıdır, bu da Stepanov G.P. (Sanat Sentezinin Kompozisyon Sorunları, 1984). R. Arnheim'in (Sanat ve Görsel Algı) evrensel gesttallarının dilinde, kitabında sanatçılar için özetlenen beyin tarafından görülen görüş ve işleme fizyolojisini dikkate alarak. Panksenov (Boyama. Form, Renk, Görüntü, 2007). Bu konu, bu makalenin anlamını artıracak olan "" ve "makalelerinde yazar tarafından ayrıntılı olarak açıklanmaktadır. Konunun ilk fikirleri (tür veya sahne, ilişkisel-gerçeküstü, dekoratif vb.) Kompozisyon bileşimlerine dayanırsa bile, kompozisyonlara *, içinde tüm nesneler şartlı noktalar veya kitleler ile planlanır, bu da "kesme" Yöntem tanınabilir formlara ayarlanır. Kompozisyon teorisi, birinci örtük çizimler, etkileşim, uyum, bir kompozit merkez, bir ifade aracı, bir ifade aracı, bir ifadenin aşamasında büyük ve küçük, karanlık ve ışığının koşullu kitlelerinde olduğuna dikkat eder ve nazikçe korunmuş olduğunu belirler. İşin sonunda işin sonu bulunmalıdır.

İncir. 2. Resimlerin çizimleri. a) i.i. Levitan. Platform. Yaklaşan tren. Kroki. 1879. GTG. b) Spiridonov V.M. Çok yönlü kompozisyon. 1941 chuvash devlet kroki. Müze. içinde)
Kiparisov P. G. Marichi Go. "Lila çiçekleri" resim için eskizler. Chuvash durumu. Müze.

Bu yaklaşım, kompozisyonun tüm hipostazını (tür, soyut ilişkisel, dekoratif vb.) İle ilişkilendirir. Tabii ki, soyutlamada, izleyiciyi sadece herhangi bir psikolojik deneyime, ruh hali, hissi, ancak bir iş parçası ve önemli bir doğa için çok küçük olmayabiliriz. Bu nedenle, soyutlamadaki kompozisyonun anlaşılması, sanattaki figüratif talimatların ufuklarını ve sanatçılarını genişletecektir. Bu pozisyonlardan, görsel ile psikolojik iletişimin iletişiminin anlaşılmasının, kompozit bilgiyle belirli hisleri ifade etmenin temel prensibi olması gerektiği bir hipotezi ortaya koyan bu pozisyonlardan. Bu, sanatçının fikrini daha doğru bir şekilde ifade etmesine ve hem figüratif nitelikteki hem de figüratif olmayan çalışmalarda izleyici üzerinde daha güçlü bir duygusal etki yaratmasına izin verecek.

Bununla birlikte, tüm çizim memurlarının belirli hisleri, belirli bir dernek, serbest bırakılmış bir kompozisyonda, yazarın ve izleyicinin bir görüntü aracılığıyla kesilmeli mi?

* Tüm görsel sanatlar, temel ve ücretsiz olarak ayrılabilir. Hem hem de diğer bölüm, örneğin soyut sanatta, sanattaki bir dizi alan olarak temsil edilebilir, iki büyük yönde, esas olarak iyi tanımlanmış konfigürasyonlara (Malevich, Mondrian) ve bileşimin bulunduğu lirik soyutlamaya dayanan geometrik soyutlamadır. serbest formlardan (Kandinsky) düzenlenir. Çerçevelerinde, daha dar akışlar, örneğin tashism (sanatçının bilinçsiz aktivitesini ifade eden lekelerle boyamak), süprematizm (en basit geometrik özetlerin çok renkli düzlemlerinin kombinasyonları), neoplastik (boyama) ( Geniş dikdörtgen düzlemlerin düzeni, spektrumun ana renklerinde boyanmış) ve t .. Konu boyamasında, en gerçekçi şeklin imajına çeşitli yaklaşımlar, eylemler, zaman, alan interferd. Örneğin, tür gerçekçi kompozisyon, yani. Belirli bir sanat türünü (portre, natürmort, peyzaj, hayvancı, tarihi, savaş, ev ya da benzerleri) yansıtan.) Aristotle birliğine - zaman, yerlere, eylemlere açıkça yapıştırılır. Böyle bir sanatta, gerçek alanda belirli bir noktadaki bazı aktörler bir eylemle birleştirilir. Bununla birlikte, konu sanatında, dünyanın nesnelerinin önemli derecede bir stilizasyon (deformasyon, basitleştirme, komplikasyon vb.) Veya onsuz olan nesnelerin gerçekleşmesi, kübizm, fütürizm ve diğer "konu" avant-garde akımları olarak tarihsel olarak geliştirmiştir. gerçek fiziksel dünya açısından tasvir edilmez ve sanki yazarın ilişkisel reflekslerinin akışında. Başka bir deyişle, gerçek nesneler var, ancak zamanlar, boşluklar karıştırılabilir, renk koşullu olarak yorumlanır ve form güçlü bir şekilde deforme olur. "Zaten, XIX-XX yüzyıllarındaki 19. yüzyılın 19. yüzyılın bir protomanak grafiğinin bir katman olarak nitelendirildiği, Aristoteles'in klasik estetiğinden, Mimesisis'in klasik olmayan, antiaristilen geleneğine geçişi ile karakterize edilir." Ancak, her şey, yasalar, kurallar, ilkeler, ifade verginin tüm tezahürleri için birleşmiştir ve önemli veya benzeri görülmemiş bir görüntünün herhangi bir sürümünü etkilemektedir.

Bu makalenin amacı, soyut kompozisyonda insan duyumlarının tespit edildiği yeterli ilkeleri tanımlama girişimidir ve aynı zamanda, öğrenme görevleri için standart örneğinde ömür boyu duyumdaki ifadeye yansıma yöntemini açıklamaktır. Dokunsal, tat, vestibüler vb. Senasyonların bileşimi ve oluşumunda. Bununla birlikte, soyut sanatta kompozisyonun özelliklerini analiz ediyoruz ve resimlerle birkaç örnek veriyoruz.

Kompozisyon karakteristiğindeki statiği ifade etmek için:

Ağır taban ve hafif, hayatın fiziksel gerçekleri nedeniyle, bir kağıda kuvvetlerin hizalamasının psikolojik bir beklentisidir (bekleniyor). Başka bir deyişle, ayakların altında ve baş hafif gökyüzünün üstünde güvenilir bir destek hissetme alışkanlığı. Bu nedenle, bileşim merkezi, tabakın geometrik merkezinden biraz daha düşük koymak daha iyidir, alt kısmı güçlendirmek için bileşimi zımni platforma çekin. Birleştirici olarak, levhanın alt kenarında hissettim Destek alanı, büyük uçağın daha büyük bir sürtünme kuvveti sağladığı fiziksel yasa nedeniyle büyüktür. Denge istikrarlı durumları bulma yaşam deneyimi ile bağlantılı olarak, dikey ve yatay olarak bileşimde bir kompozit anahtar veya baskın prensip olarak altını çizmek gerekir. Açıya hiçbir şey koymayın. Partilerine çapraz olarak getiren bileşimdeki üçgenler bile geniş bir baz üzerine konulmalıdır, eşit derecede şagli ve dikdörtgen üçgenler ile eğilimlidir. Yazarın görüşüne göre vestibüler duyumlardaki renk etkilemez.

Konuşmacıları bileşim karakteristiğinde ifade etmek için:

"Arnheim" olan "Arnheim" ile bağlantılı olarak, hafif bir ışık gökyüzünün başında hissediyorum, genellikle görsel düzlem tarafından bakıldığında, sayfanın tepesine yerleştirilen nesneler uçuyor veya düşüyor gibi görünüyor. Bu nedenle, dinamik kompozisyonlardaki kompozit merkez, izleyici için aksanını "gökyüzünde" olduğu gibi, viewer için aksanını hareket ettirmek için, sayfanın geometrik merkezinden biraz daha yüksek olması daha iyidir. Kara nesnelerin ve büyük ağırlıklarla ilişkili olan koyu nesnelerin ve büyük olduğunu varsayacağız, OCTOCH, kar, feribot vb. Analoji, uçar gibi görünüyor. Sayfanın alt kenarındaki destek karesi kesinlikle gerekli değildir. İstatistiklerin aksine, dinamik kompozisyonun yapısı çoğu zaman çaprazdır. Bir spiral olabilir, ancak sabit çıkarma ve uçuşun spiral izlenimi ile bir ritim ve ölçekle "yaşamak" için gereklidir. Lütfen dinamiklerin altında, kaotik bir hareket olmadığı, ancak belirli bir hızlanma ile yönlendirilmiş bir vektörün zımni olduğunu unutmayın. Başka bir deyişle, tasvir edilen nesneler, belirli bir amaca uçan (kuvvetle terk edilmiş) görünmelidir. Çeşitli dikdörtgenler olarak bu tür statik formlar, çapraz olarak açıya konulmalıdır. Ana ifadelerin - ritim. Bir nesneden diğerine olan mesafeyi değiştirerek, sanatçı bir nesneden diğerine atlamak için ne kadar atmanız gerektiğine bağlı olarak, sanatçı, hızaşırtma ya da yavaşlama hissi yaratabilir. Aynı zamanda, uçan tesislerin umut verici azaltılmasının etkisi iyi bir yardım olacaktır. Yazarın, yazara göre, vestibüler duyumlardaki rengi etkilemez.

İncir. 3. Geometrik bir soyut kompozisyonda statik ve hoparlörlerin görüntü örnekleri. a) Yuldasheva E. B) Lazareva V. C) Lazareva V.

Kompozisyon karakteristiğinde masifi ifade etmek için:

Bir sayfada yerçekimi ifade etmek için, kompozit merkezi, geometriklerin hemen altına koymak daha iyidir. Biçim, "indi" gibi yatay seçmek için şanslı. Özellikle, ilahi durumlarda, destek alanı, ağır kütlenin daha güçlü olduğu gerçeğinden dolayı, destek alanı, daha iyi (birkaç ciddi nesnenin toplamı dahil) olmalıdır. Resme, sayfanın alt kenarına basmanız gerekir. Bununla birlikte, çeşitli sanatsal görevler bulunabilir, içinde, büyüklüğün Dünya ile ilişkili olmaması gerektiği, daha sonra levha ve koyu tonda ikinci ölçekle sınırlıdır. Muazzam kompozisyonların oluşturulması için belirgin yapı muhtemelen değildir, ancak küçük nesneyi büyük olan, çubuklarla analoji ile grafiksel olarak kelepçelendirebileceğiniz veya bastırmanız nedeniyle yerçekimi, durgunluk ve basınç hissi artması ilginçtir. Aralarında görünmeden nesneleri sıkıca göstermeye çalışın. Ağırlık duyular için, çok daha büyük bir değer tondan etkilenir: ışık veya karanlık, - renkten ziyade. Bu nedenle, yardım için masrafın hissini belirlemek için koyu tonlar gelmelidir. Bunun nedeni, birleştirici olarak ağır tonları birleştiren şiddetli bir şekilde deneyimleme beklenen şiddeti (bir önceli) bağlar. Mecazi olarak karanlık dahil, kişinin ciddi duygusal durumlarına bağlanır. Ve bu yüzden çiçek bilimi boyunca, her rengin uygun ton gücünü seçebileceğiniz, daha sonra masif uygun koyu renkler kahverengi, mavi, mor, koyu yeşil, karanlık bordalar ve diğer koyu renk tonları için doğal olarak seçebileceğiniz bilinmektedir. Ana ifadelerin temel aracı ölçektir. Bu, yine, nesnenin beklenen ağırlığıyla büyük bir büyüklüğü bağlayan yaşam deneyimi ile kaynaklanmaktadır.

Kompozisyon karakteristiğinde hafiflik hissi oluşturmak için:

Bir ışık bileşimi için, kompozisyon merkezi, bileşimdeki en önemli şeyi yükselen, yüce bir şeyle ilişkilendirmek için kağıdın geometrik merkezinden biraz daha yüksek tasarlamak daha iyidir. Formatın bile dikey seçmesi muhtemeldir. Özellikle statik veya stabilite ile ilişkili durumlarda, desteğin noktaları gerekli olacaktır, ancak ışık yapılarının daha fazla ekspresyonu için, destek alanından bağımsız olarak, noel (katı değil), görsel olarak ince destekler olmalıdırlar. Ancak, çeşitli sanatsal görevler bulunabilir, dinamiktir. Sonra ölçek ve ışık tonu kullanılarak fikirlerin ifadesiyle sınırlıdır. Kompozisyonun buraya tahsis etmek için belirgin yapısı anlamsızdır, ancak ışık hissini, görüntüdeki nesneler arasında "hava" bolluğuyla güçlendirilmesi ilginçtir. Aynı zamanda, "Çizim" olarak adlandırılan veya "konu boyunca" olarak adlandırılan, gösterilen nesnelerin şeffaflığı izlenimini vurgulamak için mükemmel bir sanatsal tekniği haline gelecektir. Ayrıca iyi, içi boş olan nesneleri, ortak olarak kütlelerini kolaylaştırır. Canlılık ile analoji ile kolaylık hissini tanımlamak için, ışık tonları uygundur, köpük, kar, feribot vb. Ve böylece çiçek bilimi boyunca, her rengin uygun tonu seçebileceği bilinmektedir, doğal olarak renklerin ışık tonları ile bağlı olduğu açıktır: sarı, pembe, turuncu, mavi, açık yeşil. Ana ifadelerin temel aracı ölçektir. Bunun nedeni, nesnenin açıkça bilinen hafifliği ile birleştiren küçük bir boyuta bağlanan yaşam deneyiminden kaynaklanmaktadır.

İncir. 4. Geometrik soyut kompozisyondaki katı ve ışık görüntüsünün örnekleri. a) Belyaeva E., B) Lazareva V., C) Yuldasheva E.

Kompozisyonda stabilite ve istikrarsızlık duygusu oluşturmak için, önemlidir:

Bu iki konu, ayrılmaz bir şekilde, Dünya'nın düzlemi, Paul, podyum, destekleriyle insan fikri ile bağlantılıdır. Tabii ki, bu uçaklar çizilmemelidir, ancak çizgilerin konsantrasyonunu ima edebilir ve vurgulayabilirler. Sürdürülebilir, statikten sadece statik ağır yüzyılın hissi ile farklılık gösterecek ve fenomenin direnişi mırıldanıyor. Eğer statik, anladığımız gibi, işlenmesi zordur, daha sonra sabit bir çaba ile çökertiler. Grafik tasarımındaki istikrar duygusuna başvurmak için, destek alanı (toplam birkaç nesne dahil) büyük olmayabilir, ancak tüm tasarımın kompozit merkezinin "zeminin" düzleminde toplam çıktılaması destek alanına girmelidir. Aksine, ağırlık merkezinin projeksiyonu destek alanının ötesine geçerse, bir çöküş, düşme, yıkım hissi vardır. Format dikey seçmeniz önerilir. İçinlamba geometrik yukarıda.

İncir. 5. Soyut geometrik kompozisyondaki dayanıklı ve kararsız görüntünün örnekleri. a) Lazareva v., b) Yuldasheva E.

Kompozisyon için ekşi tadı hislerini ifade etmek için, önemlidir:

Tat duyumlarını ifade etmek için yazarın görünümünde, renk çok büyük bir rol oynar. Limonun parlak renkleri, kireç, ananas, greyfurt vb. Doğal olarak, listelenen renkler yazar-besteci fikri için yeterli olmayabilir. Aynı zamanda, bileşimini listelenen renklerle silmemelidir. Sadece bir kural hatırlanmalı - soğuk asidik renklerin% 75'i ve% 25'i. Açıkça anlaşılmalıdır, zıt duyumlardan elde edilen elemanların bileşimine daha fazla koyulursa, her bir elemanın yazarın genel fikrinin ifadesinde çalışması gerektiğinde, kompozisyonun bütünlük ilkelerini çelişen daha fazla yabancı ilişkiler belirir. Kompozisyonda şekillendirme, gerçek yaşamın görüntülerinden dolayı tekrar ortaya çıkar. İÇİNDEduygularınızı yeme limonundan batırın. Sözlü boşluk kesilmiş, yuvarlanma, pinlet, bu nedenle, bileşimdeki şekiller inme, iğne, keskin, fırçalı olarak kullanılmalıdır.

Kompozisyon için tatlım tatlılarının ifadesi için, önemlidir:

Yaşamdan Sarı, Yeşil, Yeşil, Yeşil, Tatlı Ton Tonları ile Red, Red, Brown. Diğer renkler tam olarak aynı kuraldır: tatlı tadı yüzdesinin% 75'i tatlı tadı ve diğer renklerin% 25'iyle ilişkilendirilir. Kompozisyondaki nesnelerin formunu oluşturmak için, duygularınızı tatlı yemeden, sağ alttan tatlım. Yumuşak ders veren eğriler, davul, damla benzeri formlar derhal akla geliyor, sıkma sıkışması olan dernekler, çok katmanlı Korzh'ler arasındaki akan krema katmanlarıyla oluşabilir. Sadece analiz etmeye ve kendi hatıralarınızı dikkatin dağılmış çizgiye ve renge dönüştürmeye başlamanız gerekir.

İncir. 6. Siyah ve beyaz grafiklerde A) asidik ve tatlı hislerin soyut lirik bileşimindeki ifadelerin örnekleri, B) renkte. Iconnikova E.

Kompozisyonda sevinç ve üzüntü nasıl ifade edilir

Üzüntü Şekilde - bunlar, akromatik boya için karanlık, kalın akromatik veya çabalamaya, bazı rahatsızlıklar veya monoton formlar ile telaffuz edilen bazı rahatsızlıklar veya onlar arasındaki aynı mesafeler, dikey ritimler, ders veren eğriler, "Hassle", Nebula'nın özel olan nebulağın oluşturulması Pointel gibi teknikler. Sevinç - Bu, dinamik bir bileşimdir, asimetrik, ritimler bir ölçek gibi sürekli değişir. Tüm ürünler çalışmalarını gerçekleştirir: biçime göre ortalama formlar, kural olarak, temel anlamsal yükü taşır ve temel bir eylem oluşturun, bileşimdeki büyük elemanlarda, ortalamayı sisteme birleştirmek için bir özellik vardır. dağınık unsurlar, küçük, her bir kompozisyonun "kuru üzüm" dır. Düşünceli plastik ifadeler, çökelteki küçük bir dekorasyon gibi kompozisyonu süslüyorlar. Yine, tatilin niteliklerini hatırlayın ve havai fişek, yağmur, konfeti, kurdeleler, pamuk, yanıp söner, vb. Sırasıyla renkler parlak açık olmalıdır.

İncir. 7. Soyut kompozisyondaki görüntünün örnekleri A) Dokunsal, B) Dokunsal, C) İşitsel ve diğer duyumlar. Iconnikova E.

Bireysel algı ile bağlantılı olarak mükemmel bir şekilde yapılması neredeyse imkansız olduğu büyük bir iş yaptık. İnsanların kültürel, dini ve sosyal derneklerini, yalnızca fiziksel ve fizyolojik - genel, belki de dünyanın tüm nüfusu için endişelendirdik. Burada, gelecekte bu tür görevlere, ısıyı ve soğuk, zil ve sağırlık, saldırganlık veya barış, uyarma ve sakinliği vb. Nasıl ifade edilebileceği bir akıl yürütme yöntemi sunmak daha da önemliydi. Makale, önemli olanı etkiler. Kompozit bilgi noktaları, o zamandan beri. Soymardaki hislerin ifadesi için görevlerin mimari ve sanatsal döngüsünün mesleklerinin eğitiminde, yazarın net bir referans teorisinin varlığının gerçeğini bilmediği bir gerçek var. Bu nedenle, acemi sanatçıların telif haklarını aramak için yazarın kişisel yansıması için kişisel gelişimlerinden bir temel vermek için bir girişimde bulunuldu. Makalenin, deneyim ve analitik düşüncesiyle profesyoneller tarafından kesinlikle anlaşılan temel ilkeleri sunması gerçeğine dikkat edin. Ve yeniliğin kompozisyonunun ilkelerinden biri (daha önce kendi içinde, yeni ve monoton kütlesindeki bireysel bulgular tarafından önemli ölçüde öne çıkması gerektiği konusunda herhangi bir yazarın gelişiminin anlamında değil) , sonra bu temel olarak her yazarın bireysel çalışmasını araması gerekir. Temsil edilen yazarın konseptinin son durumda gerçek olmadığını, kendi deneyiminizden, analiz ederek, sentezlendiğini söylemeye devam ediyor. İçeriği dinleyin, garip bir şekilde, bu cevabın ne kadar önemli olduğu ve nasıl analiz edilmesi ve neyi sevmediğimi nasıl çözeceğinizi veya neyi sevdiğimi nasıl çözemeyeceğimi anlamaya çalışmayı çok önemlidir. Böylece, negatif kişisel deneyimler ve öğretmenlerin geri bildirimlerine ilişkin başarısız örneklerden net olan büyük bir profesyonel bagajı izlemek için yıllardır olumlu bir yanıtla ilişkili resepsiyonlar ve bulgular.

GİBİ. Chuvashov

Bibliyografya:

1. Kryuchkova V. A. Soyutlamacılık // Büyük Rus Ansiklopedisi / S. L. Kravets. Moskova: Büyük Rus Ansiklopedisi, 2005. T. 1. S. 42-43. 768 s.

2. Sarukhanyan A. P. Yirminci yüzyılın kültüründe "modernizm" ve "avant-garde" kavramlarının oranı (1900-1930): Teori. Tarih. Poetik: 2 kN'de. / Ed. Yu. N. Girin. - M.: RAS, 2010. - T. 1. - S. 23.

Avant-Garde sanatındaki ana yollardan biri. Soyut sanatın temel prensibi, görünür gerçeği taklit etmeyi ve bir iş yaratma sürecinde unsurlarla çalıştırmayı reddetmektir. Dünyanın gerçekleri yerine sanatın amacı, sanatsal yaratıcılık - renk, çizgi, şekil aracı haline gelir. Arsa plastik bir fikirle değiştirilir. Birleştirici başlangıcın sanatsal süreçteki rolü birçok kez artar ve olağanüstü olayların ruhsal başlangıcını yoğunlaştırabilen ve taşıyıcıları (VV Kadinsky'nin teorik eserleri) soyutlanmış, saflaştırılmış görüntülerde duygu ve ruh hallerini ifade etme olasılığı artmaktadır. ).

Soyutlamanın rastgele unsurları, boyaları sallayarak, gelişimi boyunca dünya sanatında ortaya çıkabilir. Ancak bu tarzın doğuşu, bireysel unsurlardaki rengi parçalamaya çalışan izlenimcilerin resminde aranmalıdır. Formizm, bu eğilimi bilinçli olarak geliştirdi, "tespit etmek" rengini bağımsızlığını vurgulayan ve bir görüntü nesnesi oluşturuyor. Franz Mark ve Henri Matisss (Semptomatik Kelimeleri: "Her Sanat Özeti") Soyutlamaya yaklaştı (Semptomatik: "Her şey soyut"), Fransız küpleri de bu yol boyunca (özellikle Alber Glez ve Jean Metsenznaya) ve İtalyan Fütüristleri (Gino) Severini Gino). Ancak hiçbiri figüratürün sınırını aşmamak ya da istemedi. Bununla birlikte, ancak mevcut formların bazı hatırlatmasının, en azından şu anda tamamen atılmaması gerektiğini biliyoruz "(Aglez, J.Metzenge. Kübizm hakkında. SPB., 1913. s.14).

İlk soyut eserler 1900'lerin sonunda ortaya çıktı - 1910'ların başında Kandinsky'nin yaratıcılığındaki "Sanatta Manevi'ndeki" ve "bir daireye sahip resmi" (1911. NMG) ilk özet olarak kabul edilir. resim. Bu zamana kadar muhakeme aittir: "<...> Sadece bu form doğru<...> Sırasıyla içeriği korur. Herhangi bir yan düşünceler ve aralarında "doğanın" olarak adlandırılan şekline uymak, yani. Doğa, iç içeriğin enkarnasyonu olan tek sorundan rahatsız oldukları için dış, önemsiz ve zararlıdır. Form, soyut içeriğin maddi ifadesidir "(içerik ve form. 1910 // Kandinsky 2001. T. 1. s.84).

Erken bir aşamada, Kandinsky mutifli renginin karşısında soyut sanat. Renk, pratik ve teorik olarak, Kandinsky, Johann Wolfgang Goethe'nin rengiyle ilgili öğretileri geliştirdi ve boyamadaki renk teorisinin temellerini belirledi (Rus sanatçılar, MV matushin, G. klutsis, ivplutin ve diğerleri arasında yer aldı. rengin rengi.

1912-1915 yılında Rusya'da, soyut pitoresk ışınım sistemleri (M. F. Marionov, 1912) ve Suprematism (K.S. Malevich, 1915), birçok saygıyla soyut sanatın daha fazla evrimi belirlemiştir. Soyut sanat ile rappasyon kubazütürizm ve bir alogmism içinde bulunabilir. Soyutlamaya atılım, N.S. Thrusharova "boşluğu" (1914. GTG) resmiydi, ancak bu konu, sanatçı sanatında daha fazla gelişme bulamadı. Rus soyutlamanın bir başka uyumsuz yönü, bir boyama O.v. Rosanova'dır (bkz.: Sınırsız Sanat).

Aynı yıllar için pitoresk soyutlamanın kendi yollarıyla, Çek Çek Çek Frantios Cup, Fransız Robert Delone ve Jacques Viyon, Hollandalı Pete Mondrian, Amerikalılar Stanton McDonald Hakkı ve Morgan Russell. İlk soyut mekansal yapılar, karşı rölyefler V.E. Tatlin (1914).

İzomorfizmin reddetmek ve manevi başlamaya hitap etmek, soyut sanatını teosophy, antroposepsi ve hatta okült ile bağlamak için sebep verdi. Ancak sanatçılar, bu tür fikirlerin soyut sanatının geliştirilmesinin ilk aşamalarında kendileri ifade etmedi.

I. Dünya Savaşı'ndan sonra, soyut resim, yavaş yavaş Avrupa'daki baskın pozisyonları fethetmek ve evrensel bir sanatsal ideoloji haline gelir. Bu, özlemlerinde pitoresk plastik problemlerin ötesine geçtiği ve estetik-felsefi sistemler yaratma ve sosyal görevleri çözme yeteneğini gösteren güçlü bir sanatsal harekettir ve (örneğin, "Suprematic City" Malevich'ün "Çözünürlük İlkeleri temelinde). 1920'lerde, ideolojisine dayanarak, bu tür araştırma enstitüleri Bauhaus veya Gingukhuk olarak ortaya çıkıyor. Soyutlama ayrıca yapılandırmacılık büyüdü.

Soyutlamanın Rus versiyonu özgür sanat olmadan adını aldı.

Yirminci yüzyılda klasik olan soyut sanatın ilke ve tekniklerinin çoğu, tasarımda, tiyatro ve dekoratif sanatlarda, sinemada, televizyon ve bilgisayar grafiklerinde yaygın olarak kullanılmaktadır.

Soyut sanat kavramı zamanla değişti. 1910'lara kadar, bu terim, formların genelleştirilmiş ve basitleştirilmiş olduğu resimlerle ilgili olarak kullanıldı, yani. "Özet", daha ayrıntılı veya doğal bir görüntü ile karşılaştırıldığında. Bu anlamda, terim esas olarak dekoratif sanatlara veya kompozit kompozisyonlara uygulandı.

Ancak, 1910'larda "Özet" çağrı çalışmaları ile, formun veya kompozisyonun ilk öğenin neredeyse tanınamayan olmadan değiştiği bir açıyla tasvir edildiği durumlarda. Çoğu zaman, bu terim, yalnızca görsel unsurların düzenlenmesine dayanan sanat tarzını belirtir - formlar, renkler, yapılar ve malzeme dünyasında başlatıcı bir görüntüye sahip olmaları gerektiği değildir.

Soyut sanatta anlam kavramı (her iki değerlerinde - erken ve daha sonra) sürekli tartışılan zor bir sorudur. Özet Formlar ayrıca, detaylı, detaylı ve önemsiz bir şekilde ayrılmanın hayali veya başka bir yoluyla, özü bir türevi ("özçekim") ile ilişkili fiziksel olmayan fenomenler ile de ilgilidir. rastgele. Temsilci bir konunun olmamasına rağmen, büyük bir ifade, soyut işlerde birikebilir ve ritim, çarpma ve renk sembolikleri gibi anlamsal olarak doldurulmuş unsurlar, görüntünün dışındaki belirli fikirlere veya olaylara katılımı gösterir.

Edebiyat:

• M.seuphor. L'Art Abstrait, SES Origins, SES Premiers Maîtres. Paris, 1949;
• M.VRION. L'Art Abstrait. Paris, 1956; D.Vallier. L'Art Abstrait. Paris, 1967;
• R.capon. Soyut resim tanıtımı. Londra, 1973;
• C.blok. Geschichte der Abstrakten Kunst. 1900-1960. Köln, 1975;
• M.Schapiro. Soyut Sanatın Doğası (1937) // M.Schapiro. Modern Sanat. Seçilen kağıtlar. New York, 1978;
• Yeni bir sanata doğru: Arka plandaki denemeler 1910-1920. Ed. M.compton. Londra, 1980;
• Sanatta manevi. Soyut boyama 1890-1985. Los Angeles County Sanat Müzesi. 1986/1987;
• M.Tuchman tarafından metin; B.Altshuler. Sergideki avant-garde. 20. yüzyılda yeni sanat. New York, 1994;
• Rusya'da soyutlama. Xx yüzyıl. T. 1-2. Zamanlama [Dizin] SPB., 2001;
• Dipsizlik ve soyutlama. Oturdu Nesne. OT. ed. P. Kovlenko. M., 2011.;