renesancie, alebo renesancie(fr. renesancia), - zlom v dejinách kultúry európskych národov. V Taliansku sa nové trendy objavili na prelome XIII-XIV storočia, v iných európskych krajinách - v XV-XVI storočia. Renesančné postavy uznávali človeka – jeho dobro a právo na slobodný rozvoj jeho osobnosti – ako najvyššiu hodnotu. Tento svetonázor sa nazýva „humanizmus“ (z latinského humanus – „ľudský“, „humánny“). Humanisti hľadali ideál harmonického človeka už v staroveku a staroveké grécke a rímske umenie im slúžilo ako vzor pre umeleckú tvorivosť. Túžba „oživiť“ antickú kultúru dala meno celej jednej epoche – renesancii, obdobiu medzi stredovekom a novovekom (od polovice 17. storočia po súčasnosť).

Umenie, vrátane hudby, najviac odráža renesančný svetonázor. V tomto období, ako aj v stredoveku, patrilo popredné miesto vokálnej cirkevnej hudbe. Vývoj polyfónie viedol k objaveniu sa polyfónie (z gréckeho „polis“ - „početné“ a „pozadie“ - „zvuk“, „hlas“). Pri tomto type polyfónie sú si všetky hlasy v diele rovné. Polyfónia prácu nielen skomplikovala, ale umožnila autorovi vyjadriť svoje osobné porozumenie textu, čo dodáva hudbe veľkú emocionalitu. Polyfónna skladba bola vytvorená podľa prísnych a zložitých pravidiel, vyžadujúcich od skladateľa hlboké znalosti a virtuózne schopnosti. V rámci polyfónie sa rozvíjali cirkevné a svetské žánre.

Holandská polyfónna škola. Holandsko je historický región v severozápadnej Európe, ktorý zahŕňa územia moderného Belgicka, Holandska, Luxemburska a severovýchodného Francúzska. Do XV storočia. Holandsko dosiahlo vysokú ekonomickú a kultúrnu úroveň a stalo sa prosperujúcou európskou krajinou.

Práve tu sa formovala holandská polyfonická škola – jeden z najväčších fenoménov renesančnej hudby. Pre rozvoj umenia v 15. storočí mala veľký význam komunikácia medzi hudobníkmi z rôznych krajín a vzájomné ovplyvňovanie tvorivých škôl. Holandská škola absorbovala tradície Talianska, Francúzska, Anglicka a samotného Holandska.

Jeho vynikajúci predstavitelia: Guillaume Dufay (1400-1474) (Dufay) (asi 1400 - 27.11.1474, Cambrai), francúzsko-flámsky skladateľ, jeden zo zakladateľov holandskej školy. Základy polyfónnej tradície v holandskej hudbe položil Guillaume Dufay (asi 1400-1474). Narodil sa v Cambrai vo Flámsku (provincia na juhu Holandska) a odmalička spieval v cirkevnom zbore. Súbežne s tým budúci hudobník absolvoval súkromné ​​hodiny kompozície. V mladosti odišiel Dufay do Talianska, kde napísal svoje prvé skladby - balady a motetá. V rokoch 1428-1437. pôsobil ako spevák v pápežskej kaplnke v Ríme; v tých istých rokoch cestoval do Talianska a Francúzska. V roku 1437 bol skladateľ vysvätený. Na dvore savojského vojvodu (1437-1439) skladal hudbu na obrady a sviatky. Dufay bol veľmi rešpektovaný vznešenými osobami - medzi jeho obdivovateľov patrili napríklad manželia Mediciovci (vládcovia talianskeho mesta Florencia). [Pracoval v Taliansku a Francúzsku. V rokoch 1428-37 bol spevákom pápežských kaplniek v Ríme a iných talianskych mestách, v rokoch 1437-44 slúžil u vojvodu Savojského. Od roku 1445 kanonik a riaditeľ hudobných aktivít katedrály v Cambrai. Majster duchovných (3-, 4-hlasné omše, motetá), ale aj svetských (3-, 4-hlasý francúzsky šansón, talianske piesne, balady, rondo) žánrov spojených s ľudovou polyfóniou a humanistickou kultúrou renesancie. Danteho umenie, ktoré absorbovalo výdobytky európskeho hudobného umenia, malo veľký vplyv na ďalší vývoj európskej polyfónnej hudby. Bol tiež reformátorom notového zápisu (D. sa zaslúžil o zavedenie nôt s bielymi hlavičkami). Kompletné súborné diela D. vydané v Ríme (6. diel, 1951-66).] Dufay bol prvým zo skladateľov, ktorý začal komponovať omšu ako integrálnu hudobnú skladbu. Tvoriť cirkevnú hudbu si vyžaduje mimoriadny talent: schopnosť vyjadrovať abstraktné, nemateriálne pojmy konkrétnymi, materiálnymi prostriedkami. Ťažkosť spočíva v tom, že takáto skladba na jednej strane nenecháva poslucháča ľahostajným a na druhej strane neodvádza pozornosť od bohoslužby, pomáha hlbšie sa sústrediť na modlitbu. Mnohé Dufayove omše sú inšpirované, plné vnútorného života; Zdá sa, že pomáhajú na chvíľu otvoriť závoj Božieho zjavenia.

Dufay si často pri tvorbe omše zobral známu melódiu, ku ktorej pridal svoju vlastnú. Takéto pôžičky sú charakteristické pre renesanciu. Za veľmi dôležité sa považovalo, že omša bola založená na známej melódii, ktorú veriaci ľahko rozpoznali aj vo viachlasnej skladbe. Často sa používal fragment gregoriánskeho chorálu; neboli vylúčené ani svetské diela.

Okrem cirkevnej hudby tvoril Dufay motetá na svetské texty. V nich použil aj zložitú polyfónnu techniku.

Josquin Despres (1440-1521). Predstaviteľ holandskej polyfonickej školy 2. polovice 15. storočia. bol Josquin Despres (asi 1440-1521 alebo 1524), ktorý mal veľký vplyv na tvorbu ďalšej generácie skladateľov. V mladosti pôsobil ako cirkevný zbor v Cambrai; bral hodiny hudby z Okegemu. Ako dvadsaťročný prišiel mladý hudobník do Talianska, spieval v Miláne s vojvodami zo Sforzy (neskôr tu pôsobil veľký taliansky umelec Leonardo da Vinci) a v pápežskej kaplnke v Ríme. V Taliansku začal Despres pravdepodobne skladať hudbu. Na samom začiatku XVI storočia. sa presťahoval do Paríža. V tom čase už bol Despres známy a na miesto dvorného hudobníka ho pozval francúzsky kráľ Ľudovít XII. Od roku 1503 sa Despres znovu usadil v Taliansku, v meste Ferrara, na dvore vojvodu d'Este. Despres veľa tvoril a jeho hudba si rýchlo získala uznanie v najširších kruhoch: šľachta aj obyčajní ľudia ju milovali. Skladateľ tvoril nielen cirkevné diela, ale aj svetské diela, obrátil sa najmä k žánru talianskej ľudovej piesne - frottola (tal. frottola, z frotta - "dav"), ktorá sa vyznačuje tanečným rytmom a rýchlym tempom. Živá intonácia prelomila prísnu neviazanosť a spôsobila pocit radosti a plnosti bytia. ...

Johannes Okegem (1430-1495), Jacob Obrecht (1450-1505). Mladšími súčasníkmi Guillauma Dufaya boli Johannes (Jean) Okegem (okolo 1425-1497) a Jacob Obrecht. Rovnako ako Dufay, aj Okegem pochádzal z Flámska. Celý život tvrdo pracoval; okrem skladania hudby pôsobil ako vedúci kaplnky. Skladateľ vytvoril pätnásť omší, trinásť motet, viac ako dvadsať šansónov. Okegemove diela sa vyznačujú tvrdosťou, sústredenosťou a predĺženým vývojom plynúcich melodických línií. Veľkú pozornosť venoval polyfonickej technike, usiloval sa o to, aby boli všetky časti omše vnímané ako jeden celok. Skladateľov tvorivý rukopis je vytušený aj v jeho piesňach – sú takmer bez svetskej ľahkosti, charakterom pripomínajú skôr motetá, ba niekedy až fragmenty omší. Johannes Okegem bol rešpektovaný doma aj v zahraničí (bol vymenovaný za poradcu francúzskeho kráľa). Jacob Obrecht bol zboristom v katedrálach v rôznych mestách Holandska, viedol kaplnky; niekoľko rokov slúžil na dvore vojvodu d'Este vo Ferrare (Taliansko), je autorom dvadsiatich piatich omší, dvadsiatich motet, tridsiatich šansónov. jeho hudba je plná kontrastov, odvážna aj vtedy, keď sa skladateľ obracia k tradičným cirkevným žánrom.

Všestrannosť a hĺbka kreativity Orlanda Lassa. Dejiny holandskej renesančnej hudby završuje dielo Orlanda Lassu (skutočné meno a priezvisko Roland de Lasso, cca 1532-1594), ktorého súčasníci nazývajú „belgický Orfeus“ a „knieža hudby“. Lasso sa narodil v Mons (Flámsko). Od detstva spieval v kostolnom zbore a obdivoval farníkov nádherným hlasom. Gonzaga, vojvoda z talianskeho mesta Mantua, ktorý náhodou započul mladého speváka, ho pozval do svojej kaplnky. Po Mantove pôsobil Lasso krátky čas v Neapole a potom sa presťahoval do Ríma - tam získal pozíciu vedúceho kaplnky jednej z katedrál. Vo veku dvadsiatich piatich rokov bol Lasso už známy ako skladateľ a jeho diela boli žiadané medzi hudobnými vydavateľstvami. V roku 1555 vyšla prvá zbierka diel, ktorá obsahovala motetá, madrigaly a šansón. Lasso naštudoval všetko najlepšie, čo vytvorili jeho predchodcovia (holandskí, francúzski, nemeckí a talianski skladatelia), a ich skúsenosti zúročil vo svojej tvorbe. Ako výnimočný človek sa Lasso snažil prekonať abstraktný charakter cirkevnej hudby a dať jej osobitosť. Na tento účel skladateľ niekedy využíval žánrové motívy (témy ľudových piesní, tancov), čím zbližoval cirkevné a svetské tradície. Lasso spájalo komplexnosť polyfónnej techniky s veľkou emocionalitou. Úspešný bol najmä pri madrigaloch, v textoch ktorých sa odhaľoval stav mysle postáv, napríklad Slzy svätého Petra "(1593) na verše talianskeho básnika Luigiho Tranzilla. Skladateľ často písal pre veľkú počet hlasov (päť až sedem), takže jeho diela sú náročné na prevedenie. ...

Od roku 1556 žil Orlando Lasso v Mníchove (Nemecko), kde viedol kaplnku. Na konci jeho života bola jeho autorita v hudobných a umeleckých kruhoch veľmi vysoká a jeho sláva sa rozšírila po celej Európe. Holandská polyfonická škola mala veľký vplyv na rozvoj hudobnej kultúry Európy. Princípy polyfónie vyvinuté holandskými skladateľmi sa stali univerzálnymi a skladatelia už v 20. storočí používali vo svojej tvorbe mnohé umelecké techniky.

Francúzsko. Pre Francúzsko sa 15. – 16. storočie stalo obdobím dôležitých zmien: na konci 15. storočia sa skončila storočná vojna (1337 – 1453) s Anglickom. bolo dokončené zjednotenie štátu; v 16. storočí krajina zažila náboženské vojny medzi katolíkmi a protestantmi. V silnom štáte s absolútnou monarchiou vzrástla úloha dvorských osláv a ľudových slávností. To prispelo k rozvoju umenia, najmä hudby, ktorá sprevádzala takéto podujatia. Zvýšil sa počet vokálnych a inštrumentálnych telies (kaplniek a consorts), ktoré tvorilo značné množstvo účinkujúcich. Počas vojenských ťažení v Taliansku sa Francúzi zoznámili s výdobytkami talianskej kultúry. Hlboko precítili a prijali myšlienky talianskej renesancie – humanizmus, túžbu po harmónii s okolitým svetom, po užívaní si života.

Ak sa v Taliansku hudobná renesancia spájala predovšetkým s omšou, potom francúzski skladatelia popri cirkevnej hudbe venovali osobitnú pozornosť svetskej polyfónnej piesni – šansónu. Záujem o ňu vo Francúzsku vzrástol v prvej polovici 16. storočia, keď vyšla zbierka hudobných skladieb Clementa Janequina (okolo 1485-1558). Práve tento skladateľ je považovaný za jedného z tvorcov žánru.

Hlavné zborové programové diela Clementa Janequina (1475-1560). Jeannequin ako dieťa spieval v cirkevnom zbore vo svojom rodnom meste Chatellerault (Stredné Francúzsko). Neskôr sa podľa hudobných historikov učil u holandského majstra Josquina Despreza alebo u skladateľa z jeho okolia. Po kňazskej vysviacke pracoval Zhaneken ako riaditeľ chóru a organista; potom ho na bohoslužbu pozval vojvoda z Guise. V roku 1555 sa hudobník stal spevákom kráľovskej kaplnky av rokoch 1556-1557. - kráľovský dvorný skladateľ. Clement Jeannequin vytvoril dvestoosemdesiat šansónov (vydaných v rokoch 1530 až 1572); písal cirkevnú hudbu – omše, motetá, žalmy. Jeho piesne boli často obrazové. Obrázky bitky („Bitka pri Marignano“, „Bitka o Rentu“, „Bitka o Metz“), scény z lovu („Lov“), obrázky prírody („Spev vtákov“, „Slávik“ , "Lark" ), každodenné scény ("Ženské štebotanie"). S úžasnou živosťou sa skladateľovi podarilo sprostredkovať atmosféru každodenného života v Paríži v šansóne „Screams of Paris“: do textu uviedol výkriky predajcov („Mlieko!“ – „Pies!“ – „Artičoky!“ - "Ryba!" - "Zápasy!" - "Holubice!" -" Staré topánky! "-" Víno! "). Janequin takmer nevyužíval dlhé a plynulé témy pre jednotlivé hlasy a zložité polyfónne techniky, uprednostňoval rolky, opakovania, zvukomalebnosť.

Ďalší smer francúzskej hudby je spojený s celoeurópskym hnutím reformácie.

Pri bohoslužbách francúzski protestanti (hugenoti) opustili latinčinu a polyfóniu. Duchovná hudba nadobudla otvorenejší, demokratickejší charakter. Jedným z najjasnejších predstaviteľov tejto hudobnej tradície bol Claude Gudimel (v rokoch 1514 – 1520 – 1572) – autor žalmov na biblické texty a protestantské chorály.

šansón. Jedným z hlavných hudobných žánrov francúzskej renesancie je šansón (francúzsky šansón – „pieseň“). Jeho pôvod je v ľudovom umení (rýmované verše epických legiend boli prenesené do hudby), v umení stredovekých trubadúrov a trúverov. Obsahovo a náladovo mohol byť šansón veľmi rôznorodý - boli v ňom piesne ľúbostné, každodenné, humorné, satirické atď. Skladatelia prebrali ako texty ľudové básne a modernú poéziu.

Taliansko. S nástupom renesancie sa v Taliansku rozšírilo každodenné muzicírovanie na rôznych nástrojoch; vznikli okruhy milovníkov hudby. V profesionálnej oblasti vznikli dve z najmocnejších škôl: rímska a benátska.

Madrigal. V období renesancie vzrástla úloha svetských žánrov. V XIV storočí. madrigal sa objavil v talianskej hudbe (z pozlnelat. matricale - "pieseň v rodnom jazyku"). Vznikla na základe ľudových (pastierskych) piesní. Madrigaly boli piesne pre dva alebo tri hlasy, často bez inštrumentálneho sprievodu. Boli napísané na verše moderných talianskych básnikov, ktoré rozprávali o láske; zazneli piesne na každodenné a mytologické témy.

Počas pätnásteho storočia sa skladatelia k tomuto žánru takmer vôbec nevracali; záujem oň ožil až v 16. storočí. Charakteristickým znakom madrigalu 16. storočia je úzke prepojenie hudby a poézie. Hudba pružne nadväzovala na text, odrážala udalosti opísané v poetickom prameni. Postupom času sa vyvinuli zvláštne melodické symboly, ktoré označovali nežné vzdychy, slzy atď. V dielach niektorých skladateľov bola symbolika filozofická, napríklad v madrigale Gesualda di Venosa „Zomriem, nešťastný“ (1611).

Rozkvet tohto žánru spadá na prelom XVI-XVII storočí. Niekedy sa súčasne s predstavením piesne odohral jej dej. Madrigal sa stal základom madrigalovej komédie (zborová skladba na text komediálnej hry), ktorá pripravila podobu opery.

Rímska polyfónna škola. Giovanni de Palestrina (1525-1594). Vedúcim rímskej školy bol Giovanni Pierluigi da Palestrina, jeden z najväčších skladateľov renesancie. Narodil sa v talianskom meste Palestrina, podľa ktorého dostal aj svoje priezvisko. Palestrina od detstva spieval v cirkevnom zbore a po dosiahnutí dospelosti bol pozvaný na post dirigenta (vedúceho zboru) v Bazilike sv. Petra v Ríme; neskôr slúžil v Sixtínskej kaplnke (pápežská dvorná kaplnka).

Rím, centrum katolicizmu, prilákal mnoho popredných hudobníkov. V rôznych časoch tu pôsobili holandskí majstri, polyfonisti Guillaume Dufay a Josquin Despres. Ich rozvinutá skladateľská technika niekedy zasahovala do vnímania textu bohoslužby: strácala sa v znamenitom prelínaní hlasov a slová v skutočnosti nebolo počuť. Preto boli cirkevné vrchnosti voči takýmto dielam opatrné a presadzovali návrat monofónie založenej na gregoriánskych choráloch. O otázke prípustnosti viachlasu v cirkevnej hudbe sa hovorilo už aj na Tridentskom koncile katolíckej cirkvi (1545-1563). Palestrina v blízkosti pápeža presviedčal predstaviteľov cirkvi o možnosti vytvárať diela, kde kompozičná technika nebude prekážať porozumeniu textu. Ako dôkaz skomponoval Omšu pápeža Marcella (1555), ktorá spája zložitú polyfóniu s jasným a výrazným zvukom každého slova. Hudobník tak „zachránil“ profesionálnu viachlasnú hudbu pred prenasledovaním cirkevnej vrchnosti. V roku 1577 bol skladateľ pozvaný na diskusiu o postupnej reforme – zbierke posvätných spevov katolíckej cirkvi. V 80. rokoch. Palestrina bol vysvätený av roku 1584 sa stal členom Spoločnosti hudobných majstrov - združenia hudobníkov priamo podriadených pápežovi.

Kreativita Palestriny je presiaknutá jasným postojom. Diela, ktoré vytvoril, ohromili svojich súčasníkov najvyššou zručnosťou a množstvom (viac ako sto omší, tristo motet, sto madrigalov). Komplexnosť hudby nikdy nebola prekážkou jej vnímania. Skladateľ vedel nájsť strednú cestu medzi prepracovanosťou skladieb a ich prístupnosťou poslucháčom. Palestrina videl hlavnú tvorivú úlohu vo vývoji integrálneho veľkého diela. Každý hlas v jeho spevoch sa vyvíja samostatne, no zároveň tvorí so zvyškom jeden celok a často sa hlasy spájajú do úžasne krásnych kombinácií akordov. Často sa melódia vyššieho hlasu vznáša nad ostatnými a načrtáva „kupoly“ polyfónie; všetky hlasy sú plynulé a vyvinuté.

Hudobníci ďalšej generácie považovali umenie Giovanniho da Palestrinu za ukážkové, klasické. Na jeho dielach študovali mnohí významní skladatelia 17. – 18. storočia.

Ďalší smer renesančnej hudby sa spája s tvorbou skladateľov benátskej školy, ktorej zakladateľom bol Adrian Villart (okolo 1485-1562). Jeho žiakmi boli organista a skladateľ Andrea Gabrieli (v rokoch 1500 – 1520 – po roku 1586), skladateľ Cyprian de Pope (1515 alebo 1516 – 1565) a ďalší hudobníci. Zatiaľ čo diela Palestriny sa vyznačujú jasnosťou a prísnou zdržanlivosťou, Willart a jeho nasledovníci vyvinuli veľkolepý zborový štýl. Na dosiahnutie priestorového zvuku pri hre timbrov použili vo svojich skladbách niekoľko zborov, ktoré sa nachádzali na rôznych miestach chrámu. Použitie rolovania medzi chórmi umožnilo naplniť priestor kostola nevídanými efektmi. Tento prístup tiež odrážal humanistické ideály doby ako celku – s jej veselosťou, slobodou a samotnou benátskou umeleckou tradíciou – s jej snahou o všetko svetlé a nezvyčajné. V tvorbe benátskych majstrov sa skomplikoval aj hudobný jazyk: bol plný odvážnych kombinácií akordov, nečakaných harmónií.

Výraznou renesančnou postavou bol Carlo Gesualdo di Venosa (okolo 1560-1613), princ mesta Venosa, jeden z najväčších majstrov svetského madrigalu. Preslávil sa ako filantrop, lutnista, skladateľ. Princ Gesualdo bol priateľom talianskeho básnika Torquata Tassa; stále existujú zaujímavé listy, v ktorých obaja umelci diskutujú o otázkach literatúry, hudby a výtvarného umenia. Tasso Gesualdo di Venosa pretavil mnohé básne do hudby – tak sa objavilo množstvo vysoko umeleckých madrigalov. Ako predstaviteľ neskorej renesancie skladateľ vyvinul nový typ madrigalu, kde boli na prvom mieste city – násilné a nepredvídateľné. Preto sú pre jeho diela charakteristické zmeny hlasitosti, intonácie, podobné vzdychom až vzlykom, ostro znejúce akordy, kontrastné zmeny tempa. Tieto postupy dodali Gesualdovej hudbe expresívny, trochu bizarný charakter, ohromila a zároveň zaujala súčasníkov. Pozostalosť Gesualda di Venosa pozostáva zo siedmich zbierok polyfónnych madrigalov; medzi duchovnými dielami – „Posvätné spevy“. Jeho hudba dnes nenecháva poslucháča ľahostajným.

Vývoj žánrov a foriem inštrumentálnej hudby. Inštrumentálnu hudbu poznačil aj vznik nových žánrov, najmä inštrumentálny koncert. Husle, čembalo, organ sa postupne zmenili na sólové nástroje. Hudba napísaná pre nich umožnila ukázať talent nielen skladateľovi, ale aj interpretovi. Oceňovaná bola predovšetkým virtuozita (schopnosť vyrovnať sa s technickými ťažkosťami), ktorá sa postupne pre mnohých hudobníkov stala samoúčelnou a umeleckou hodnotou. Skladatelia 17. – 18. storočia zvyčajne nielen komponovali hudbu, ale aj majstrovsky hrali na nástrojoch a venovali sa pedagogickej činnosti. Pohoda umelca do značnej miery závisela od konkrétneho klienta. Každý seriózny hudobník sa spravidla usiloval získať miesto buď na dvore panovníka alebo bohatého aristokrata (mnohí členovia šľachty mali svoje orchestre alebo opery), alebo v chráme. Väčšina skladateľov navyše ľahko spojila cirkevnú hudbu so službou u svetského patróna.

Anglicko. Kultúrny život Anglicka počas renesancie bol úzko spojený s reformáciou. V 16. storočí sa protestantizmus rozšíril po celej krajine. Katolícka cirkev stratila dominantné postavenie, štátnou sa stala anglikánska cirkev, ktorá odmietala uznať niektoré dogmy (základné ustanovenia) katolicizmu; väčšina kláštorov zanikla. Tieto udalosti ovplyvnili anglickú kultúru vrátane hudby. Na univerzitách v Oxforde a Cambridge boli otvorené hudobné katedry. V salónoch šľachty sa hrávalo na klávesové nástroje: virginel (druh čembala), prenosný (malý) organ a pod. Obľúbené boli drobné skladby určené na domácu hudbu. Najvýraznejším predstaviteľom vtedajšej hudobnej kultúry bol William Bird (1543 alebo 1544-1623) - hudobný vydavateľ, organista a skladateľ. Bird sa stal predchodcom anglického madrigalu. Jeho diela vynikajú jednoduchosťou (vyhýbal sa zložitým polyfónnym technikám), originalitou formy, ktorá nasleduje po texte, a harmonickou voľnosťou. Všetky hudobné prostriedky sú určené na potvrdenie krásy a radosti zo života, na rozdiel od stredovekej prísnosti a zdržanlivosti. Skladateľ mal v žánri madrigal veľa nasledovníkov.

Bird vytvoril aj duchovné diela (omše, žalmy) a inštrumentálnu hudbu. Vo svojich skladbách pre pannu využíval motívy ľudových piesní a tancov.

Skladateľ skutočne chcel, aby hudba, ktorú napísal, „šťastne niesla aspoň trochu nehy, uvoľnenia a zábavy“ – to napísal William Bird v predslove k jednej zo svojich hudobných zbierok.

Nemecko. Spojenie nemeckej hudobnej kultúry s reformačným hnutím. V 16. storočí sa v Nemecku začala reformácia, ktorá výrazne zmenila náboženský a kultúrny život v krajine. Predstavitelia reformácie boli presvedčení o potrebe zmien v hudobnom obsahu bohoslužieb. Dôvodom boli dva dôvody. Do polovice 15. stor. polyfonická zručnosť skladateľov pracujúcich v žánroch cirkevnej hudby dosiahla mimoriadnu komplexnosť a sofistikovanosť. Niekedy vznikali diela, ktoré pre melodickú bohatosť hlasov a siahodlhé spevy väčšina farníkov nemohla vnímať a duchovne prežívať. Okrem toho bola bohoslužba vedená v latinčine, zrozumiteľnej pre Talianov, no pre Nemcov cudzia.

Zakladateľ reformačného hnutia Martin Luther (1483-1546) veril, že je potrebná reforma cirkevnej hudby. Hudba by mala po prvé podporovať aktívnejšiu účasť farníkov na bohoslužbách (to nebolo možné pri interpretácii viachlasných skladieb), a po druhé, mala by vytvárať empatiu k biblickým udalostiam (čomu bránilo vedenie bohoslužby v latinčine). Na cirkevný spev boli teda kladené tieto požiadavky: jednoduchosť a čistota melódie, rovnomerný rytmus, jasná forma spevu. Na tomto základe vznikol protestantský chorál – hlavný žáner cirkevnej hudby nemeckej renesancie. V roku 1522 Luther preložil Nový zákon do nemčiny – odteraz bolo možné vykonávať bohoslužby v ich rodnom jazyku.

Na výbere melódií pre chorály sa aktívne podieľal aj samotný Luther, ako aj jeho priateľ, nemecký hudobný teoretik Johann Walter (1490-1570). Hlavným zdrojom takýchto melódií boli ľudové duchovné a svetské piesne – všeobecne známe a ľahko pochopiteľné. Luther zložil melódie pre niektoré chorály sám. Jedna z nich „Pán je našou oporou“ sa stala symbolom reformácie v období náboženských vojen 16. storočia.

Meistersinger a ich umenie. Ďalšia svetlá stránka nemeckej renesančnej hudby je spojená s tvorbou Meistersingera (nemecký Meistersinger - "majster spevák") - básnikov spevákov z radov remeselníkov. Neboli to profesionálni hudobníci, ale predovšetkým remeselníci – zbrojári, krajčíri, sklenári, obuvníci, pekári atď. Mestský zväz takýchto hudobníkov zahŕňal predstaviteľov rôznych remesiel. V 16. storočí existovali spolky Meistersinger v mnohých mestách Nemecka.

Meistersingerovci skladali svoje piesne podľa prísnych pravidiel, tvorivú iniciatívu zahanbili mnohé obmedzenia. Začiatočník si musel najskôr osvojiť tieto pravidlá, potom sa naučiť interpretovať piesne, potom skladať texty na melódie iných ľudí a až potom mohol vytvoriť svoju vlastnú pieseň. Za melódie sa považovali melódie slávnych meistersingerov a minnesingerov.

Vynikajúci Meistersinger zo 16. storočia Hans Sachs (1494-1576) pochádzal z krajčírskej rodiny, no v mladosti opustil rodný dom a odišiel na cesty do Nemecka. Počas svojich potuliek sa mládenec priučil obuvníckemu remeslu, no hlavne sa zoznámil s ľudovým umením. Sachs bol dobre vzdelaný, dokonale poznal starovekú a stredovekú literatúru, čítal Bibliu v nemeckom preklade. Bol hlboko preniknutý myšlienkami reformácie, preto písal nielen svetské piesne, ale aj duchovné (spolu asi šesťtisíc piesní). Hans Sachs sa preslávil aj ako dramatik (pozri článok „Divadelné umenie renesancie“).

Hudobné nástroje renesancie. V období renesancie sa skladba hudobných nástrojov výrazne rozšírila, k už existujúcim sláčikom a dychom pribudli nové odrody. Medzi nimi osobitné miesto zaujímajú violy - rodina sláčikových strún, ktoré udivujú svojou krásou a ušľachtilosťou zvuku. Formou pripomínajú nástroje modernej husľovej rodiny (husle, viola, violončelo) a dokonca sú považované za ich priamych predchodcov (v hudobnej praxi koexistovali až do polovice 18. storočia). Rozdiel, a to podstatný, tu však stále je. Violy majú systém rezonujúcich strún; spravidla je ich toľko ako hlavných (šesť až sedem). Vibrácie rezonujúcich strún spôsobujú, že viola znie jemne, zamatovo, ale nástroj je ťažko použiteľný v orchestri, pretože sa pre veľký počet strún rýchlo rozladí.

Zvuk violy bol dlho považovaný za príklad sofistikovanosti v hudbe. V rodine viol sú tri hlavné typy. Viola da gamba je veľký nástroj, ktorý interpret umiestnil zvisle a zo strán ho zovrel nohami (talianske slovo gamba znamená „koleno“). Ďalšie dve odrody - viola da braccio (z taliančiny braccio - "predlaktie") a viol d "cupid (fr. Viole d" amour - "viola lásky") boli orientované horizontálne a pri hraní sa tlačili na plece. Rozsahom zvuku je viola da gamba blízka violončelu, husliam viola da braccio a viole amorka.

Medzi drnkacími nástrojmi renesancie má hlavné miesto lutna (poľská lutnia, z arabského "alud" - "strom"). Do Európy sa dostal z Blízkeho východu koncom 14. storočia a začiatkom 16. storočia už existoval obrovský repertoár pre tento nástroj; v prvom rade zazneli piesne v sprievode lutny. Luna má krátke telo; vrch je plochý a spodok pripomína pologuľu. K širokému krku je pripevnený hmatník a hlava nástroja je ohnutá dozadu takmer v pravom uhle. Ak chcete, môžete vidieť podobnosť s miskou v maske lutny. Dvanásť strún je zoskupených do párov a zvuk vzniká prstami aj špeciálnou platňou - trsátkom.

V XV-XVI storočia vznikli rôzne typy klávesníc. Hlavné typy takýchto nástrojov - čembalo, klavichord, čembalo, čembalo, virginel - sa aktívne používali v hudbe renesancie, ale ich skutočný rozkvet prišiel neskôr.

V hudobnej kultúre renesancie možno rozlíšiť niekoľko definujúcich inovatívnych čŕt.

Po prvé, prudký rozvoj svetského umenia, vyjadrený všadeprítomnosťou mnohých svetských piesňových a tanečných žánrov. Toto sú talianskefrottols („Ľudové piesne, od frottola slová - dav), villanelles ("dedinské piesne"),kachčii , canzone (doslova - piesne) a madrigaly, španielVillancico (z vily - dediny), francúzske šansónové piesne, nemKlamal , Angličtina balady iné. Všetky tieto žánre, oslavujúce radosť z bytia, záujem o vnútorný svet človeka, usilujúce sa o pravdu života, priamo odrážali čisto renesančný postoj. Pre ich výrazové prostriedky je typické rozšírené používanie intonácií a rytmov ľudovej hudby.

Vyvrcholenie sekulárnej línie v umení renesancie -madrigal ... Názov žánru znamená „pieseň v materinskom (čiže talianskom) jazyku“. Zdôrazňuje rozdiel medzi madrigalom a posvätnou hudbou v latinčine. Vývoj žánru prešiel od nenáročnej jednohlasej pastierskej piesne k 5-6-hlasnému vokálno-inštrumentálnemu dielu s vycibreným a vycibreným lyrickým textom. Medzi básnikov, ktorí sa obrátili k madrigalovému žánru, patria Petrarca, Boccaccio, Tasso. Pozoruhodnými majstrami madrigalu boli skladatelia A. Villart, J. Arcadelt, Palestrina, O. Lasso, L. Marenzio, C. Gesualdo, K. Monteverdi. Madrigal pochádza z Talianska a rýchlo sa rozšíril do ďalších západoeurópskych krajín.

Francúzska verzia viachlasnej piesne je tzvšansón ... Od madrigalu sa líši väčšou blízkosťou k skutočnému, každodennému životu, teda žánru. Medzi tvorcami šansónu -Klement Jeannequin , jeden z najznámejších francúzskych skladateľov renesancie.

Po druhé, najvyšší rozkvet zborovej polyfónie, ktorá sa stala vedúcim hudobným štýlom tej doby. Dôstojné a priaznivé, dokonale zodpovedalo slávnosti bohoslužby. Polyfónna polyfónia bola zároveň dominantnou formou prejavu nielen v duchovných žánroch, ale aj vo svetských.

Rozvoj zborovej polyfónie súvisel predovšetkým s tvorbou skladateľov holandskej (francúzsko-flámskej) školy: Guillaume Dufay, Johannes Okegem, Jacob Obrecht, Josquin Despres, Orlando Lasso.

Orlando Lasso (asi 1532-1594) pôsobil v mnohých európskych krajinách. Jeho talent, skutočne fenomenálny, si podmanil a potešil každého. V nesmiernom diele Orlanda Lassu sú zastúpené všetky hudobné žánre renesancie (s prevahou svetskej hudby nad duchovnou). Medzi jeho najobľúbenejšie diela patrí „Echo“, napísané v žánri talianskej každodennej piesne. Skladba je založená na farebnom súbehu dvoch zborov, čím vzniká efekt ozveny. Jej text patrí samotnému skladateľovi.

Talian bol spolu s Orlandom Lassom najväčším predstaviteľom vrcholnej renesancie v hudbe.Palestrina (celým menom Giovanni Pierlui-gi da Palestrina, okolo 1525-1594). Väčšinu života Palestrina strávil v Ríme, kde bol neustále spájaný s prácou v cirkvi, najmä viedol kaplnku Katedrály sv. Peter. Hlavnou súčasťou jeho hudby sú duchovné diela, predovšetkým omše (je ich viac ako sto, medzi ktorými vyniká najmä slávna „omša pápeža Marcella“) a motetá. Palestrina však ochotne komponoval aj svetskú hudbu - madrigaly, canzonety. Diela Palestrinu pre zbor a Sarrellasa stal klasickým príkladom renesančnej polyfónie.

Dielo polyfonických skladateľov hralo vedúcu úlohu vo vývoji hlavného žánru renesančnej hudby -omši ... Pochádzajúci zo stredoveku, žáner omše vXIV- Xvistoročia sa rýchlo transformuje, prechádza od vzoriek reprezentovaných samostatnými, roztrúsenými časťami k dielam harmonickej cyklickej formy.

V závislosti od cirkevného kalendára boli niektoré časti v hudbe omše vynechané a iné časti boli vložené. Existuje päť povinných častí, ktoré sú neustále prítomné v cirkevnej službe. Vja a V - « Kyrieeleison» („Pane zmiluj sa“) a« AgnusDei» (« Baránok Boží ") - bola vyjadrená modlitba za odpustenie a milosrdenstvo. InII a IV - « Gloria"("Sláva") a" Sanctus» (« Svätý ") - chvála a vďačnosť. V centrálnej časti „Krédo» (« Verím “), boli uvedené hlavné dogmy kresťanskej doktríny.

Po tretie, rastúca úloha inštrumentálnej hudby (s jasnou prevahou vokálnych žánrov). Ak európsky stredovek takmer nepoznal profesionálny inštrumentalizmus, tak v renesancii vzniklo množstvo diel pre lutnu (najčastejší hudobný nástroj tej doby), organ, violu, vihuelu, panenské, pozdĺžne flauty. Stále sa riadia vokálnymi vzormi, ale záujem o inštrumentálnu hru je už stanovený.

Po štvrté, v období renesancie sa aktívne formovali národné hudobné školy (holandskí polyfonisti, anglickí virginalisti, španielski vihuelisti a ďalší), ktorých tvorba vychádzala z folklóru ich krajiny.

Napokon, hudobná teória pokročila ďaleko vpred a predložila množstvo pozoruhodných teoretikov. Toto je francúzštinaPhilippe de Vitry , autor traktátu" Arsnova» (« Nové umenie“, ktoré poskytuje teoretický základ pre nový polyfónny štýl); talianskyJoseffo Zarlino , jeden zo zakladateľov vedy o harmónii; švajčiarskyGlarean , zakladateľ náuky o melódii.

FEDERÁLNA VZDELÁVACIA AGENTÚRA

GOU VPO "Mari State University"

Fakulta základných tried

Špecialita: 050708

"Pedagogika a metódy základného vzdelávania"

Katedra: "Pedagogika primárneho vzdelávania"

Test

"Hudba renesancie"

Yoshkar-Ola 2010

Obdobie renesancie (renesancia) je rozkvetom všetkých druhov umenia a príťažlivosti ich postáv k starovekým tradíciám a formám.

Renesancia má v rôznych európskych krajinách nerovnaké historické a chronologické hranice. V Taliansku sa začína v 14. storočí, v Holandsku začína v 15. storočí a vo Francúzsku, Nemecku a Anglicku sa jej znaky najvýraznejšie prejavujú v 16. storočí. Zároveň sa rozvíjanie väzieb medzi rôznymi kreatívnymi školami, výmena skúseností medzi hudobníkmi, ktorí sa presťahovali z krajiny do krajiny, ktorí pôsobili v rôznych kaplnkách, stáva znakom doby a umožňuje nám hovoriť o trendoch spoločných pre celú éra.

Umelecká kultúra renesancie je osobný princíp založený na vede. Neobyčajne komplexná zručnosť polyfonistov 15. – 16. storočia, ich virtuózna technika koexistovala s bystrým umením každodenných tancov, sofistikovanosťou svetských žánrov. V jeho dielach sa čoraz viac prejavuje lyrika a dráma.

Obdobie renesancie je teda, ako vidíme, ťažkým obdobím v dejinách vývoja hudobného umenia, preto sa javí ako rozumné sa ním zaoberať podrobnejšie, pričom treba venovať náležitú pozornosť jednotlivým osobnostiam.

Hudba je jediný svetový jazyk, netreba ju prekladať, duša v nej hovorí s dušou.

Averbach Berthold.

Renesančná hudba alebo renesančná hudba sa vzťahuje na obdobie vývoja európskej hudby medzi rokmi 1400 a 1600. V Taliansku sa v 14. storočí začala nová éra hudobného umenia. Holandská škola sa formovala a svoje prvé vrcholy dosiahla v 15., potom sa jej vývoj ďalej rozširoval a vplyv tak či onak zachytil aj majstrov iných národných škôl. Znaky renesancie sa vo Francúzsku zreteľne prejavili v 16. storočí, hoci jej tvorivé úspechy boli veľké a nespochybniteľné aj v predchádzajúcich storočiach.

Vzostup umenia v Nemecku, Anglicku a niektorých ďalších krajinách na obežnej dráhe renesancie sa datuje do 16. storočia. A predsa sa nové tvorivé hnutie časom stalo rozhodujúcim pre západnú Európu ako celok a svojským spôsobom zareagovalo v krajinách východnej Európy.

Ukázalo sa, že hudba renesancie je úplne cudzia pre drsné a drsné zvuky. Jeho hlavnú podstatu tvorili zákony harmónie.

Vedúce postavenie si stále držal duchovná hudba znejúce počas bohoslužieb. Počas renesancie si zachovala hlavné témy stredovekej hudby: chválu Pánovi a Stvoriteľovi sveta, svätosť a čistotu náboženského cítenia. Hlavným účelom takejto hudby, ako povedal jeden z jej teoretikov, je „potešiť Boha“.

Základom hudobnej kultúry boli omše, motetá, hymny a žalmy.

omša je hudobné dielo, ktoré je súborom častí katolíckej liturgie latinského obradu, ktorých texty sú zhudobnené pre jednohlasný alebo viachlasný spev, s hudobnými nástrojmi alebo bez nich, na hudobný sprievod slávnostných bohoslužieb v rímskom jazyku. Katolícka cirkev a vysoké protestantské cirkvi, napríklad vo Švédskej cirkvi.

Omše, ktoré majú hudobnú hodnotu, sa konajú aj mimo bohoslužieb na koncertoch, navyše mnohé omše neskoršej doby boli špeciálne skomponované buď na účinkovanie v koncertnej sále, alebo pri príležitosti nejakej slávnosti.

Kostolná omša, ktorá sa vracia k tradičným melódiám gregoriánskeho chorálu, najvýraznejšie vyjadrila podstatu hudobnej kultúry. Rovnako ako v stredoveku sa omša skladala z piatich častí, no v súčasnosti sa stala majestátnejšou a rozsiahlejšou. Svet sa už človeku nezdal taký malý a viditeľný. Obyčajný život so svojimi pozemskými radosťami prestal byť považovaný za hriešny.

Moteto (fr. moteto od mot- slovo) je vokálne polyfónne dielo viachlasného skladu, jedného z ústredných žánrov v hudbe západoeurópskeho stredoveku a renesancie.

Hymnus (staroveká gréčtina ὕμνος) je slávnostná pieseň, ktorá chváli a oslavuje niekoho alebo niečo (pôvodne božstvo).

Žalm (grécky ψαλμός "pieseň chvály"), r.p. žalm, pl. žalmy (grécky ψαλμοί) - hymny židovskej (hebrejsky תהילים) a kresťanskej náboženskej poézie a modlitby (zo Starého zákona).

Tvoria žaltár, 19. knihu Starého zákona. Autorstvo žalmov sa tradične pripisuje kráľovi Dávidovi (okolo roku 1000 pred Kristom) a niekoľkým ďalším autorom vrátane Abraháma, Mojžiša a ďalších legendárnych postáv.

Celkovo žaltár obsahuje 150 žalmov rozdelených na modlitby, chvály, piesne a učenia.

Žalmy mali obrovský vplyv na folklór a slúžili ako zdroj mnohých prísloví. V judaizme sa žalmy predvádzali formou hymnologických spevov na sprievod. Pri každom žalme sa spravidla uvádzal spôsob predvedenia a „predloha“ (v gregoriánskom speve nazývaná intonácia), teda príslušná melódia. V kresťanstve zaujal žaltár dôležité miesto. Žalmy sa vykonávali počas bohoslužieb, domácich modlitieb, pred bojom a pri pohybe vo formácii. Pôvodne ich v kostole spievalo celé spoločenstvo. Žalmy sa hrali a cappella, len doma bolo dovolené používať nástroje. Typ predstavenia bol recitatívno-psalmodický. Okrem celých žalmov boli použité aj niektoré z nich najvýraznejšie verše. Na tomto základe vznikli samostatné spevy – antifóna, graduál, traktát a aleluja.

Do tvorby cirkevných skladateľov postupne začínajú prenikať svetské smery. Témy ľudových piesní, ktoré vôbec nie sú náboženským obsahom, sú odvážne vnášané do viachlasného tkaniva cirkevných spevov. Ale teraz to nebolo v rozpore so všeobecným duchom a náladou éry. Naopak, v hudbe sa úžasným spôsobom spojilo božské a ľudské.

Duchovná hudba dosiahla svoj vrchol v 15. storočí. v Holandsku. Tu bola hudba uctievaná viac ako iné formy umenia. Holandskí a flámski skladatelia ako prví vyvinuli nové pravidlá polyfónne(polyfónne) predstavenie – klasické “ prísny štýl". Najdôležitejšou kompozičnou technikou holandských majstrov bola imitácia- opakovanie tej istej melódie rôznymi hlasmi. Vedúcim hlasom bol tenor, ktorému bola zverená hlavná opakovacia melódia – cantus firmus („nemenná melódia“). Pod tenorom bol bas a nad altom. Najvyšší, teda týčiaci sa nad všetkými, bol pomenovaný hlas soprán.

Pomocou matematických výpočtov sa holandským a flámskym skladateľom podarilo vypočítať vzorec pre kombinácie hudobných intervalov. Hlavným cieľom písania je vytvorenie harmonickej, symetrickej a grandióznej, vnútorne dotvorenej zvukovej štruktúry. Jeden z najjasnejších predstaviteľov tejto školy Johannes Okegem (asi 1425-1497) na základe matematických výpočtov zložil moteto s 36 hlasmi!

V Okegemovej tvorbe sú zastúpené všetky žánre charakteristické pre holandskú školu: omša, moteto a šansón. Najdôležitejším žánrom je pre neho omša, osvedčil sa ako vynikajúci polyfonista. Okegemova hudba je veľmi dynamická, melodická linka sa pohybuje v širokom rozsahu, má širokú amplitúdu. Okegem sa zároveň vyznačuje hladkou intonáciou, čistým diatonizmom a starodávnym modálnym myslením. Preto je Okegemova hudba často popisovaná ako „nasmerovaná do nekonečna“, „vznášajúca sa“ v trochu odlúčenom figuratívnom prostredí. Je menej spojená s textom, bohatá na chorály, improvizačná, expresívna.

Z Okegemových diel sa zachovalo veľmi málo:

Asi 14 omší (spolu 11):

· Requiem Missa pro Defunctis (prvé viachlasné rekviem v dejinách svetovej hudobnej literatúry);

9-13 (podľa rôznych zdrojov) motetá:

Viac ako 20 šansónov

Existuje mnoho diel, ktorých príslušnosť je spochybňovaná Okegem, medzi nimi aj slávne moteto „Deo gratias“ pre 36 hlasov. Niektoré anonymné šansóny sú Okegemovi pripisované na základe podobnosti v štýle.

Trinásť omší z Okegemu je zachovaných v rukopise z 15. storočia známom ako Chigiho kódex.

Medzi omšami prevládajú štvorhlasné, sú dve päťhlasné a jedna osemhlasná. Okegem používa ľudové („L’homme armé“), svoje vlastné („Ma maistresse“) melódie alebo melódie iných autorov (napríklad Benshua v „De plus en plus“) ako témy más. Existujú omše bez prevzatých tém („Quinti toni“, „Sine nomine“, „Cujusvis toni“).

Motetá a šansón

Okegemove motetá a šansón priamo susedia s jeho omšami a líšia sa od nich najmä mierkou. Medzi motetami sú svieže, slávnostné skladby, ako aj strohejšie duchovné zborové skladby.

Najznámejšie je slávnostné ďakovné moteto „Deo gratias“, napísané pre štyri deväťdielne skladby, a preto považované za 36-dielne. V podstate pozostáva zo štyroch deväťdielnych kánonov (na štyri rôzne témy), ktoré nasledujú za sebou s miernymi presahmi začiatku nasledujúceho na záver predošlého. V miestach prekrývajúcich sa zvukov 18 hlasov nie je v motete skutočných 36 hlasov.

Nemenej zaujímavé je dielo holandského skladateľa Orlanda Lassu (asi 1532-1594), ktorý vytvoril viac ako dvetisíc diel kultového i svetského charakteru.

Lasso je najplodnejší skladateľ svojej doby; vzhľadom na obrovské objemy jeho dedičstva ešte nebol plne docenený umelecký význam jeho diel (mnohé z nich boli objednané).

Venoval sa výlučne vokálnym žánrom, medzi ktoré patrilo napísanie viac ako 60 omší, rekviem, 4 pašiových cyklov (pre všetkých evanjelistov), ​​ofícií Veľkého týždňa (významné sú najmä responzóriá matutín na Zelený štvrtok, Veľký piatok a Biela sobota), viac ako 100 magnifikátov, hymny, foburdony, asi 150 frankov. šansón (jeho šansón „Susanne un jour“, parafráza biblického príbehu o Zuzane, bol jednou z najpopulárnejších hier v 16. storočí), talianske (villanelles, moreski, canzones) a nemecké piesne (viac ako 140 Lieder), asi 250 madrigalov.

Laso sa vyznačuje najdetailnejším vývojom textov v rôznych jazykoch, liturgických (vrátane textov Svätého písma) aj voľne komponovaných. Vážnosť a dramatickosť konceptu, rozšírené zväzky odlišujú skladbu Slzy sv. Petra (cyklus 7-hlasých duchovných madrigalov na verše Luigiho Tranzilla, vydaný v roku 1595) a Kajúce žalmy Dávidove (1571 rukopis vo formáte fólia zdobený s ilustráciami G. Milicha, poskytujúce cenný ikonografický materiál o živote, vrátane hudobnej zábavy, na bavorskom dvore).

Vo svetskej hudbe zároveň nebol Lassovi cudzí humor. Napríklad v šansóne „Pitie v troch osobách sa rozdáva na slávnosti“ (Fertur in conviviis vinus, vina, vinum) je prerozprávaná stará anekdota zo života tulákov; v známej piesni „Matona mia cara“ spieva nemecký vojak ľúbostnú serenádu, skresľujúc talianske slová; v hymne „Ut queant laxis“ sa napodobňuje nešťastné solfeging. Niekoľko jasných krátkych hier Lassa je napísaných vo veľmi frivolných veršoch, napríklad šansón „Dáma sa so záujmom pozerala na hrad / Príroda na mramorovú sochu“ (En un chasteau ma dame ...), a niektoré piesne (najmä moreski) obsahujú obscénnu slovnú zásobu.

Svetská hudba Renesanciu reprezentovali rôzne žánre: madrigaly, piesne, canzones. Hudba, ktorá prestala byť „služobníkom cirkvi“, teraz začala znieť nie v latinčine, ale v ich rodnom jazyku. Najpopulárnejším žánrom svetskej hudby sa stali madrigaly (tal. madrigal – pieseň v rodnom jazyku) – viachlasné zborové skladby písané na text lyrickej básne ľúbostného obsahu. Najčastejšie sa na tento účel používali básne slávnych majstrov: Dante, Francesco Petrarca a Torquato Tasso. Madrigály predviedli nie profesionálni speváci, ale celý súbor ochotníkov, kde každú časť viedol jeden spevák. Hlavnou náladou madrigalu je smútok, túžba a smútok, ale nechýbali ani radostné, živé kompozície.

Kolega výskumník hudobnej kultúry D.K. Kirnarskaya poznamenáva:

„Madrigal obrátil celý hudobný systém renesancie hore nohami: rovnomerná a harmonická plasticita omše sa zrútila... nemenný cantus firmus, základ hudobného celku, zmizol... zvyčajné metódy rozvoja „prísneho písania“ ... ustúpil emocionálnym a melodickým kontrastom epizód, z ktorých každá sa snažila čo najvýraznejšie sprostredkovať poetickú myšlienku obsiahnutú v texte. Madrigal napokon podkopal slabnúce sily „prísneho štýlu“.

Nemenej obľúbeným žánrom svetskej hudby bola pieseň sprevádzaná hudobnými nástrojmi. Na rozdiel od hudby hranej v kostole boli piesne celkom jednoduché na prevedenie. Ich rýmovaný text bol prehľadne rozdelený do 4-6 - riadkových strof. V piesňach, podobne ako v madrigaloch, nadobudol veľký význam text. Pri prevedení by sa poetické linky nemali stratiť vo viachlasnom speve. Známe boli najmä piesne francúzskeho skladateľa Clementa Jeannequina (okolo 1485-1558). Clement Jeannequin napísal asi 250 šansónov, väčšinou pre 4 hlasy, na verše Pierra Ronsarda, Clementa Marota, M. de Saint-Jellyho, anonymných básnikov. Pri ďalších 40 šansónoch moderná veda spochybňuje Janequinovo autorstvo (čo však neznižuje kvalitu samotnej tejto spornej hudby). Hlavným poznávacím znakom jeho svetskej viachlasnej hudby je programová a vizuálna. Pred okom poslucháča sú obrazy bitky ("Bitka pri Marignane", "Bitka o Renti", "Bitka o Metz"), poľovnícke scény ("Spev vtákov", "Spev slávika", " Lark"), každodenné scény ("Ženské bľabotanie"). Atmosféru všedného dňa v Paríži Janequin živo prenesie do šansónu „Screams of Paris“, kde môžete počuť výkriky pouličných predavačov („Mlieko!“ – „Pies!“ – „Artičoky!“ – „Ryby!“ – „ Zápalky!" - "Holubice!" - "Staré topánky!" - "Víno!"). Napriek všetkej vynaliezavosti v textúre a rytme zostáva Janequinova hudba v oblasti harmónie a kontrapunktu veľmi tradičná.

Renesancia bola začiatkom profesionálna skladateľská kreativita... Výrazným predstaviteľom tohto nového trendu je nepochybne Palestrina (1525-1594). Jeho pozostalosť zahŕňa množstvo diel sakrálnej i svetskej hudby: 93 omší, 326 hymnov a motét. Je autorom dvoch zväzkov svetských madrigalov na slová Petrarcu. Dlhý čas pôsobil ako riaditeľ chóru v Bazilike sv. Petra v Ríme. Chrámová hudba, ktorú vytvoril, sa vyznačuje čistotou a vznešenosťou citov. Skladateľova svetská hudba je presiaknutá mimoriadnou spiritualitou a harmóniou.

Renesancii vďačíme za vznik inštrumentálna hudba ako samostatná umelecká forma. V tejto dobe sa objavilo množstvo inštrumentálnych skladieb, variácií, predohier, fantasy, ronda, tokát. Z hudobných nástrojov sú najobľúbenejšie organ, čembalo, viola, rôzne druhy píšťal a koncom 16. stor. - husle.

Obdobie renesancie končí vznikom nových hudobných žánrov: sólovej piesne, oratória a opery. Ak bol chrám skôr centrom hudobnej kultúry, od tej doby začala hudba znieť v opere. A stalo sa to takto.

V talianskom meste Florencia na konci 16. storočia. začali sa zhromažďovať talentovaní básnici, herci, vedci a hudobníci. Nikto z nich vtedy na nejaký objav nepomyslel. A predsa to boli oni, ktorí boli predurčení urobiť skutočnú revolúciu v divadelnom a hudobnom umení. Po pokračovaní v uvádzaní diel starogréckych dramatikov začali komponovať vlastnú hudbu, zodpovedajúcu podľa ich predstáv charakteru antickej drámy.

členov camerata(ako sa tento spolok nazýval) dôkladne premyslený hudobný sprievod monológov a dialógov mytologických postáv. Herci boli povinní hrať hovorené časti recitatív(recitácia, skandovanie prejavu). A hoci toto slovo naďalej zohrávalo vedúcu úlohu vo vzťahu k hudbe, bol urobený prvý krok k ich zbližovaniu a harmonickému splynutiu. Takéto predstavenie umožnilo vo väčšej miere sprostredkovať bohatstvo vnútorného sveta človeka, jeho osobné skúsenosti a pocity. Na základe takýchto vokálnych partov, árie- dokončené epizódy v hudobnom predstavení vrátane opery.

Opera si rýchlo získala lásku a stala sa populárnou nielen v Taliansku, ale aj v iných európskych krajinách.

Zoznam použitej literatúry

1) Encyklopedický slovník mladého hudobníka / Komp. V.V. Meduševskij, O.O. Očakovskaja. - M .: Pedagogika, 1985.

2) Svetová výtvarná kultúra. Od počiatkov do 17. storočia: učebnica. za 10 cl. všeobecné vzdelanie. inštitúcie humanitárneho profilu / G.I. Danilov. - 2. vydanie, Stereotyp. - M.: Drop, 2005.

Najvýraznejším fenoménom boli v tom čase rozšírené svetské vokálne žánre, preniknuté duchom humanistických smerov. Osobitnú úlohu v ich rozvoji zohrala profesionalizácia hudobného umenia: rástla zručnosť hudobníkov, organizovali sa spevácke školy, v ktorých sa od útleho veku vyučoval spev, hra na organe, hudobná teória. To všetko viedlo k schváleniu polyfónie prísneho štýlu, vyžadujúceho vysokú zručnosť, profesionálne zvládnutie kompozičnej a interpretačnej techniky. V rámci tohto štýlu fungujú pomerne prísne pravidlá vedenia hlasu a rytmickej organizácie pri zachovaní maximálnej nezávislosti hlasov. Hoci cirkevná hudba zaujímala v dielach majstrov prísneho štýlu dôležité miesto, popri dielach na duchovné texty napísali títo skladatelia mnoho svetských polyfónnych piesní. Mimoriadne zaujímavé sú hudobné a poetické obrazy sekulárnych vokálnych žánrov. Texty sú pozoruhodné živosťou a relevantnosťou obsahu. Okrem ľúbostných textov boli mimoriadne obľúbené satirické, ľahkomyseľné, dithyrambické texty, ktoré sa spájali s vynikajúcou profesionálnou technikou viachlasného písania. Tu je niekoľko textov francúzskeho šansónu, ktoré sú ukážkou každodennej poézie "Vstávaj, milá Colinette, je čas ísť na drink; smiech a potešenie sú to, o čo sa snažím. Nech sa každý poddá radosti. Prišla jar... .", "Nech je bohatstvo prekliate, vzalo mi to Mám svoju priateľku: zmocnil som sa jej lásky, a to druhé - bohatstvo, úprimná láska v milostných záležitostiach stojí málo."

Kultúra renesancie sa prvýkrát objavila v Taliansku a potom v iných krajinách. História zachovala informácie o častom pohybe známych hudobníkov z krajiny do krajiny, o ich pôsobení v jednej či druhej kaplnke, o častej komunikácii predstaviteľov rôznych národností a pod.. Preto v hudbe obdobia renesancie pozorujeme významný vzťah medzi dielami vytvorenými skladateľmi rôznych národných škôl.

16. storočie je často označované ako „vek tanca“. Pod vplyvom humanistických ideálov talianskej renesancie bola konečne prelomená hrádza cirkevných zákazov a túžba po „svetských“, pozemských radostiach sa prejavila ako nebývalá explózia tanečných a piesňových prvkov. Silný faktor popularizácie spevu a tanca v 16. storočí. svoju úlohu zohral vynález spôsobov tlače hudby: tance vydávané vo veľkých nákladoch začali putovať z jednej krajiny do druhej. Každý národ prispel k spoločnému koníčku, takže tanec, odtrhnutie sa od svojej rodnej pôdy, cestoval po kontinente, menil svoj vzhľad a niekedy aj meno. Móda pre nich sa rýchlo šírila a rýchlo menila.

Renesancia bola zároveň dobou širokých náboženských hnutí (husitstvo v Čechách, luteránstvo v Nemecku, kalvinizmus vo Francúzsku). Všetky tieto rôznorodé prejavy vtedajších náboženských hnutí môže spájať všeobecný koncept protestantizmu. Protestantizmus v rôznych národných hnutiach zohral významnú úlohu pri rozvoji a upevňovaní spoločných hudobných kultúr národov, navyše najmä v oblasti ľudovej hudby. Na rozdiel od humanizmu, ktorý zahŕňal relatívne úzky okruh ľudí, bol protestantizmus masívnejším trendom, ktorý sa šíril medzi široké vrstvy ľudu. Jedným z najvýraznejších fenoménov v hudobnom umení renesancie je protestantský chorál. Vznikla v Nemecku pod vplyvom reformačného hnutia, na rozdiel od atribútov katolíckej bohoslužby sa vyznačovala osobitným emocionálnym a sémantickým obsahom. Luther a ďalší predstavitelia protestantizmu pripisovali hudbe veľký význam: "Hudba robí ľudí radostnými, núti ľudí zabúdať na hnev. Odstraňuje sebavedomie a iné nedostatky... Mládež treba neustále učiť hudbe, lebo kuje šikovných, vhodných ľudí pre všetkých." ." Hudba v reformačnom hnutí sa teda nepovažovala za luxus, ale za akýsi „denný chlieb“ – bola povolaná hrať veľkú úlohu v propagande protestantizmu a formovaní duchovného vedomia širokých más.

ŽÁNRE:

Vokálne žánre

Celú éru ako celok charakterizuje jasná prevaha vokálnych žánrov, najmä vokálnych polyfónia... Nezvyčajne zložité zvládnutie polyfónie prísneho štýlu, skutočná učenosť, virtuózna technika koexistovala s jasným a sviežim umením každodenného šírenia. Inštrumentálna hudba získava určitú samostatnosť, no jej priamu závislosť od vokálnych foriem a od každodenných zdrojov (tanec, pieseň) prekoná až o niečo neskôr. Hlavné hudobné žánre zostávajú spojené s verbálnym textom. Podstata renesančného humanizmu sa prejavila v komponovaní zborových piesní v štýle Frottol a Vilanell.
Tanečné žánre

V renesancii nadobudol veľký význam každodenný tanec. Mnoho nových tanečných foriem vzniká v Taliansku, Francúzsku, Anglicku, Španielsku. Rôzne vrstvy spoločnosti majú svoje tance, rozvíjajú spôsob ich vystupovania, pravidlá správania sa na plesoch, večeroch, slávnostiach. Renesančné tance sú zložitejšie ako jednoduché kliatby neskorého stredoveku. Tance s kruhovým tancom a lineárnou skladbou sú nahradené párovými (duetovými) tancami, postavené na zložitých pohyboch a figúrach.
Volta - párový tanec talianskeho pôvodu. Jeho názov pochádza z talianskeho slova voltare, čo znamená „obracať sa“. Veľkosť je trojdobá, tempo stredne rýchle. Hlavným vzorom tanca je, že pán šikovne a prudko otočí dámu, ktorá s ním tancuje, vo vzduchu. Toto stúpanie sa zvyčajne robí veľmi vysoko. Od pána to vyžaduje veľkú silu a obratnosť, pretože napriek ostrosti a určitej impulzívnosti pohybov musí byť zdvih vykonaný jasne a krásne.
Galliard - starý tanec talianskeho pôvodu, rozšírený v Taliansku, Anglicku, Francúzsku, Španielsku, Nemecku. Tempo raných galliardov je stredne rýchle, veľkosť je trojdobá. Galliarda sa často predvádzala po pavane, s ktorou sa niekedy tematicky spájala. Galliards 16. storočie udržiavaná v melodicko-harmonickej textúre s melódiou vo vrchnom hlase. Galliardove melódie boli obľúbené medzi širokými vrstvami francúzskej spoločnosti. Počas serenád hrali študenti z Orleansu galliardské melódie na lutnách a gitarách. Podobne ako zvonkohra, aj galliard mal charakter akéhosi tanečného dialógu. Kavalier sa so svojou dámou pohyboval po sále. Keď muž predviedol sólo, dáma zostala na mieste. Mužské sólo pozostávalo z rôznych zložitých pohybov. Potom opäť pristúpil k dáme a pokračoval v tanci.
Pavana - vedľajší tanec 16-17 storočia. Tempo je mierne pomalé, 4/4 alebo 2/4 taktu. Rôzne zdroje nesúhlasia s jeho pôvodom (Taliansko, Španielsko, Francúzsko). Najobľúbenejšou verziou je španielsky tanec napodobňujúci pohyby páva kráčajúceho s nádherne splývavým chvostom. Mal blízko k basovému tancu. Za hudby pavanov sa konali rôzne slávnostné sprievody: vstup vrchnosti do mesta, odprevadenie vznešenej nevesty do kostola. Vo Francúzsku a Taliansku je pavana etablovaná ako dvorný tanec. Slávnostný charakter pavany umožnil dvorskej spoločnosti zažiariť milosťou a pôvabom v ich spôsoboch a pohyboch. Ľud a buržoázia tento tanec nepredvádzali. Pavane, rovnako ako menuet, sa vykonával striktne podľa hodnosti. Kráľ a kráľovná začali tancovať, potom do tanca vstúpil dauphin a vznešená dáma, potom princovia atď. Kavalieri predvádzali pavanu s mečom a v závesoch. Dámy boli v spoločenských šatách s ťažkými dlhými priekopami, ktoré sa museli pri pohyboch šikovne oháňať bez toho, aby ich dvíhali z podlahy. Pohyb vlaku robil pohyby krásnymi, dodávajúc pavane nádheru a vážnosť. Pre kráľovnú niesli dámske sprievodkyne vláčik. Pred začiatkom tanca sa malo ísť po sále. Na záver tanca páry opäť obchádzali sálu s úklonmi a úklonmi. Pred nasadením klobúka však musel pán položiť dámu pravú ruku na chrbát ramena, ľavú ruku (držiacu klobúk) na pás a pobozkal ju na líce. Počas tanca mala dáma sklopené oči; len z času na čas pozrela na svojho krásavca. Najdlhšie sa pavana zachovala v Anglicku, kde bola veľmi populárna.
Allemande - pomalý tanec nemeckého pôvodu v 4-takte. Patrí medzi masívne „nízke“, bezskokové tance. Z účinkujúcich sa jedna po druhej stávali dvojice. Počet párov nebol obmedzený. Pán držal dámu za ruky. Kolóna sa pohybovala po sále, a keď sa dostala na koniec, účastníci sa otočili na mieste (bez oddeľovania rúk) a pokračovali v tanci opačným smerom.
Courant - dvorný tanec talianskeho pôvodu. Zvonček bol jednoduchý a zložitý. Prvý pozostával z jednoduchých, hobľovacích krokov, vykonávaných hlavne dopredu. Komplexná zvonkohra mala pantomimický charakter: traja páni pozvali do tanca tri dámy. Dámy odviedli do opačného rohu sály a požiadali ich o tanec. Dámy odmietli. Páni, ktorí dostali odmietnutie, odišli, ale potom sa znova vrátili a pokľakli pred dámami. Až po pantomimickej scéne sa začal tanec. Medzi zvonkohrami talianskeho a francúzskeho typu sú rozdiely. Talianska zvonkohra je živý 3/4 alebo 3/8 metrový tanec s jednoduchým rytmom v melodicko-harmonickej textúre. Francúzština - slávnostný tanec ("tanec spôsobu"), hladký, hrdý sprievod. 3/2 veľkosť, mierne tempo, dobre vyvinutá polyfónna textúra.
Sarabande - obľúbený tanec 16. - 17. storočia. Odvodené zo španielskeho ženského tanca s kastanetami. Spočiatku to bolo sprevádzané spevom. Slávny choreograf a pedagóg Carlo Blazis v jednom zo svojich diel uvádza krátky popis sarabandy: "V tomto tanci si každý vyberie dámu, ktorá mu nie je ľahostajná. Hudba dáva signál a dvaja milenci predvádzajú tanec, vznešený, merané, dôležitosť tohto tanca však ani v najmenšom neprekáža pôžitku a skromnosť mu dodáva ešte väčšiu pôvab; oči každého s radosťou sledujú tanečníkov, ktorí predvádzajú rôzne figúry a pohybom vyjadrujú všetky fázy lásky.“ Spočiatku bolo tempo sarabandy stredne rýchle, neskôr (od 17. storočia) sa objavila pomalá francúzska sarabanda s charakteristickým rytmickým vzorom: …… Vo svojej domovine spadala sarabanda v roku 1630 do kategórie obscénnych tancov. bol zakázaný kastílskym koncilom.
Gigue - tanec anglického pôvodu, najrýchlejší, trojitý, meniaci sa na trojku. Spočiatku bol gigue párový tanec, no medzi námorníkmi sa rozšíril ako sólový, veľmi rýchly tanec komického charakteru. Neskôr sa objavila v inštrumentálnej hudbe ako záverečná časť starej tanečnej suity.

Resumé: Hudba renesancie

FEDERÁLNA VZDELÁVACIA AGENTÚRA

GOU VPO "Mari State University"

Fakulta základných tried

Špecialita: 050708

"Pedagogika a metódy základného vzdelávania"

Katedra: "Pedagogika primárneho vzdelávania"

Test

"Hudba renesancie"

Yoshkar-Ola 2010

Obdobie renesancie (renesancia) je rozkvetom všetkých druhov umenia a príťažlivosti ich postáv k starovekým tradíciám a formám.

Renesancia má v rôznych európskych krajinách nerovnaké historické a chronologické hranice. V Taliansku sa začína v 14. storočí, v Holandsku začína v 15. storočí a vo Francúzsku, Nemecku a Anglicku sa jej znaky najvýraznejšie prejavujú v 16. storočí. Zároveň sa rozvíjanie väzieb medzi rôznymi kreatívnymi školami, výmena skúseností medzi hudobníkmi, ktorí sa presťahovali z krajiny do krajiny, ktorí pôsobili v rôznych kaplnkách, stáva znakom doby a umožňuje nám hovoriť o trendoch spoločných pre celú éra.

Umelecká kultúra renesancie je osobný princíp založený na vede. Neobyčajne komplexná zručnosť polyfonistov 15. – 16. storočia, ich virtuózna technika koexistovala s bystrým umením každodenných tancov, sofistikovanosťou svetských žánrov. V jeho dielach sa čoraz viac prejavuje lyrika a dráma.

Obdobie renesancie je teda, ako vidíme, ťažkým obdobím v dejinách vývoja hudobného umenia, preto sa javí ako rozumné sa ním zaoberať podrobnejšie, pričom treba venovať náležitú pozornosť jednotlivým osobnostiam.

Hudba je jediný svetový jazyk, netreba ju prekladať, duša v nej hovorí s dušou.

Averbach Berthold.

Renesančná hudba alebo renesančná hudba sa vzťahuje na obdobie vývoja európskej hudby medzi rokmi 1400 a 1600. V Taliansku sa v 14. storočí začala nová éra hudobného umenia. Holandská škola sa formovala a svoje prvé vrcholy dosiahla v 15., potom sa jej vývoj ďalej rozširoval a vplyv tak či onak zachytil aj majstrov iných národných škôl. Znaky renesancie sa vo Francúzsku zreteľne prejavili v 16. storočí, hoci jej tvorivé úspechy boli veľké a nespochybniteľné aj v predchádzajúcich storočiach.

Vzostup umenia v Nemecku, Anglicku a niektorých ďalších krajinách na obežnej dráhe renesancie sa datuje do 16. storočia. A predsa sa nové tvorivé hnutie časom stalo rozhodujúcim pre západnú Európu ako celok a svojským spôsobom zareagovalo v krajinách východnej Európy.

Ukázalo sa, že hudba renesancie je úplne cudzia pre drsné a drsné zvuky. Jeho hlavnú podstatu tvorili zákony harmónie.

Vedúce postavenie si stále držal duchovná hudba znejúce počas bohoslužieb. Počas renesancie si zachovala hlavné témy stredovekej hudby: chválu Pánovi a Stvoriteľovi sveta, svätosť a čistotu náboženského cítenia. Hlavným účelom takejto hudby, ako povedal jeden z jej teoretikov, je „potešiť Boha“.

Základom hudobnej kultúry boli omše, motetá, hymny a žalmy.

omša je hudobné dielo, ktoré je súborom častí katolíckej liturgie latinského obradu, ktorých texty sú zhudobnené pre jednohlasný alebo viachlasný spev, s hudobnými nástrojmi alebo bez nich, na hudobný sprievod slávnostných bohoslužieb v rímskom jazyku. Katolícka cirkev a vysoké protestantské cirkvi, napríklad vo Švédskej cirkvi.

Omše, ktoré majú hudobnú hodnotu, sa konajú aj mimo bohoslužieb na koncertoch, navyše mnohé omše neskoršej doby boli špeciálne skomponované buď na účinkovanie v koncertnej sále, alebo pri príležitosti nejakej slávnosti.

Kostolná omša, ktorá sa vracia k tradičným melódiám gregoriánskeho chorálu, najvýraznejšie vyjadrila podstatu hudobnej kultúry. Rovnako ako v stredoveku sa omša skladala z piatich častí, no v súčasnosti sa stala majestátnejšou a rozsiahlejšou. Svet sa už človeku nezdal taký malý a viditeľný. Obyčajný život so svojimi pozemskými radosťami prestal byť považovaný za hriešny.

Moteto (fr. moteto od mot- slovo) je vokálne polyfónne dielo viachlasného skladu, jedného z ústredných žánrov v hudbe západoeurópskeho stredoveku a renesancie.

Hymnus (staroveká gréčtina ὕμνος) je slávnostná pieseň, ktorá chváli a oslavuje niekoho alebo niečo (pôvodne božstvo).

Žalm (grécky ψαλμός "pieseň chvály"), r.p. žalm, pl. žalmy (grécky ψαλμοί) - hymny židovskej (hebrejsky תהילים) a kresťanskej náboženskej poézie a modlitby (zo Starého zákona).

Tvoria žaltár, 19. knihu Starého zákona. Autorstvo žalmov sa tradične pripisuje kráľovi Dávidovi (okolo roku 1000 pred Kristom) a niekoľkým ďalším autorom vrátane Abraháma, Mojžiša a ďalších legendárnych postáv.

Celkovo žaltár obsahuje 150 žalmov rozdelených na modlitby, chvály, piesne a učenia.

Žalmy mali obrovský vplyv na folklór a slúžili ako zdroj mnohých prísloví. V judaizme sa žalmy predvádzali formou hymnologických spevov na sprievod. Pri každom žalme sa spravidla uvádzal spôsob predvedenia a „predloha“ (v gregoriánskom speve nazývaná intonácia), teda príslušná melódia. V kresťanstve zaujal žaltár dôležité miesto. Žalmy sa vykonávali počas bohoslužieb, domácich modlitieb, pred bojom a pri pohybe vo formácii. Pôvodne ich v kostole spievalo celé spoločenstvo. Žalmy sa hrali a cappella, len doma bolo dovolené používať nástroje. Typ predstavenia bol recitatívno-psalmodický. Okrem celých žalmov boli použité aj niektoré z nich najvýraznejšie verše. Na tomto základe vznikli samostatné spevy – antifóna, graduál, traktát a aleluja.

Do tvorby cirkevných skladateľov postupne začínajú prenikať svetské smery. Témy ľudových piesní, ktoré vôbec nie sú náboženským obsahom, sú odvážne vnášané do viachlasného tkaniva cirkevných spevov. Ale teraz to nebolo v rozpore so všeobecným duchom a náladou éry. Naopak, v hudbe sa úžasným spôsobom spojilo božské a ľudské.

Duchovná hudba dosiahla svoj vrchol v 15. storočí. v Holandsku. Tu bola hudba uctievaná viac ako iné formy umenia. Holandskí a flámski skladatelia ako prví vyvinuli nové pravidlá polyfónne(polyfónne) predstavenie – klasické “ prísny štýl". Najdôležitejšou kompozičnou technikou holandských majstrov bola imitácia- opakovanie tej istej melódie rôznymi hlasmi. Vedúcim hlasom bol tenor, ktorému bola zverená hlavná opakovacia melódia – cantus firmus („nemenná melódia“). Pod tenorom bol bas a nad altom. Najvyšší, teda týčiaci sa nad všetkými, bol pomenovaný hlas soprán.

Pomocou matematických výpočtov sa holandským a flámskym skladateľom podarilo vypočítať vzorec pre kombinácie hudobných intervalov. Hlavným cieľom písania je vytvorenie harmonickej, symetrickej a grandióznej, vnútorne dotvorenej zvukovej štruktúry. Jeden z najjasnejších predstaviteľov tejto školy Johannes Okegem (asi 1425-1497) na základe matematických výpočtov zložil moteto s 36 hlasmi!

V Okegemovej tvorbe sú zastúpené všetky žánre charakteristické pre holandskú školu: omša, moteto a šansón. Najdôležitejším žánrom je pre neho omša, osvedčil sa ako vynikajúci polyfonista. Okegemova hudba je veľmi dynamická, melodická linka sa pohybuje v širokom rozsahu, má širokú amplitúdu. Okegem sa zároveň vyznačuje hladkou intonáciou, čistým diatonizmom a starodávnym modálnym myslením. Preto je Okegemova hudba často popisovaná ako „nasmerovaná do nekonečna“, „vznášajúca sa“ v trochu odlúčenom figuratívnom prostredí. Je menej spojená s textom, bohatá na chorály, improvizačná, expresívna.

Z Okegemových diel sa zachovalo veľmi málo:

Asi 14 omší (spolu 11):

· Requiem Missa pro Defunctis (prvé viachlasné rekviem v dejinách svetovej hudobnej literatúry);

9-13 (podľa rôznych zdrojov) motetá:

Viac ako 20 šansónov

Existuje mnoho diel, ktorých príslušnosť je spochybňovaná Okegem, medzi nimi aj slávne moteto „Deo gratias“ pre 36 hlasov. Niektoré anonymné šansóny sú Okegemovi pripisované na základe podobnosti v štýle.

Trinásť omší z Okegemu je zachovaných v rukopise z 15. storočia známom ako Chigiho kódex.

Medzi omšami prevládajú štvorhlasné, sú dve päťhlasné a jedna osemhlasná. Okegem používa ľudové („L’homme armé“), svoje vlastné („Ma maistresse“) melódie alebo melódie iných autorov (napríklad Benshua v „De plus en plus“) ako témy más. Existujú omše bez prevzatých tém („Quinti toni“, „Sine nomine“, „Cujusvis toni“).

Motetá a šansón

Okegemove motetá a šansón priamo susedia s jeho omšami a líšia sa od nich najmä mierkou. Medzi motetami sú svieže, slávnostné skladby, ako aj strohejšie duchovné zborové skladby.

Najznámejšie je slávnostné ďakovné moteto „Deo gratias“, napísané pre štyri deväťdielne skladby, a preto považované za 36-dielne. V podstate pozostáva zo štyroch deväťdielnych kánonov (na štyri rôzne témy), ktoré nasledujú za sebou s miernymi presahmi začiatku nasledujúceho na záver predošlého. V miestach prekrývajúcich sa zvukov 18 hlasov nie je v motete skutočných 36 hlasov.

Nemenej zaujímavé je dielo holandského skladateľa Orlanda Lassu (asi 1532-1594), ktorý vytvoril viac ako dvetisíc diel kultového i svetského charakteru.

Lasso je najplodnejší skladateľ svojej doby; vzhľadom na obrovské objemy jeho dedičstva ešte nebol plne docenený umelecký význam jeho diel (mnohé z nich boli objednané).

Venoval sa výlučne vokálnym žánrom, medzi ktoré patrilo napísanie viac ako 60 omší, rekviem, 4 pašiových cyklov (pre všetkých evanjelistov), ​​ofícií Veľkého týždňa (významné sú najmä responzóriá matutín na Zelený štvrtok, Veľký piatok a Biela sobota), viac ako 100 magnifikátov, hymny, foburdony, asi 150 frankov. šansón (jeho šansón „Susanne un jour“, parafráza biblického príbehu o Zuzane, bol jednou z najpopulárnejších hier v 16. storočí), talianske (villanelles, moreski, canzones) a nemecké piesne (viac ako 140 Lieder), asi 250 madrigalov.

Laso sa vyznačuje najdetailnejším vývojom textov v rôznych jazykoch, liturgických (vrátane textov Svätého písma) aj voľne komponovaných. Vážnosť a dramatickosť konceptu, rozšírené zväzky odlišujú skladbu Slzy sv. Petra (cyklus 7-hlasých duchovných madrigalov na verše Luigiho Tranzilla, vydaný v roku 1595) a Kajúce žalmy Dávidove (1571 rukopis vo formáte fólia zdobený s ilustráciami G. Milicha, poskytujúce cenný ikonografický materiál o živote, vrátane hudobnej zábavy, na bavorskom dvore).

Vo svetskej hudbe zároveň nebol Lassovi cudzí humor. Napríklad v šansóne „Pitie v troch osobách sa rozdáva na slávnosti“ (Fertur in conviviis vinus, vina, vinum) je prerozprávaná stará anekdota zo života tulákov; v známej piesni „Matona mia cara“ spieva nemecký vojak ľúbostnú serenádu, skresľujúc talianske slová; v hymne „Ut queant laxis“ sa napodobňuje nešťastné solfeging. Niekoľko jasných krátkych hier Lassa je napísaných vo veľmi frivolných veršoch, napríklad šansón „Dáma sa so záujmom pozerala na hrad / Príroda na mramorovú sochu“ (En un chasteau ma dame ...), a niektoré piesne (najmä moreski) obsahujú obscénnu slovnú zásobu.

Svetská hudba Renesanciu reprezentovali rôzne žánre: madrigaly, piesne, canzones. Hudba, ktorá prestala byť „služobníkom cirkvi“, teraz začala znieť nie v latinčine, ale v ich rodnom jazyku. Najpopulárnejším žánrom svetskej hudby sa stali madrigaly (tal. madrigal – pieseň v rodnom jazyku) – viachlasné zborové skladby písané na text lyrickej básne ľúbostného obsahu. Najčastejšie sa na tento účel používali básne slávnych majstrov: Dante, Francesco Petrarca a Torquato Tasso. Madrigály predviedli nie profesionálni speváci, ale celý súbor ochotníkov, kde každú časť viedol jeden spevák. Hlavnou náladou madrigalu je smútok, túžba a smútok, ale nechýbali ani radostné, živé kompozície.

Kolega výskumník hudobnej kultúry D.K. Kirnarskaya poznamenáva:

„Madrigal obrátil celý hudobný systém renesancie hore nohami: rovnomerná a harmonická plasticita omše sa zrútila... nemenný cantus firmus, základ hudobného celku, zmizol... zvyčajné metódy rozvoja „prísneho písania“ ... ustúpil emocionálnym a melodickým kontrastom epizód, z ktorých každá sa snažila čo najvýraznejšie sprostredkovať poetickú myšlienku obsiahnutú v texte. Madrigal napokon podkopal slabnúce sily „prísneho štýlu“.

Nemenej obľúbeným žánrom svetskej hudby bola pieseň sprevádzaná hudobnými nástrojmi. Na rozdiel od hudby hranej v kostole boli piesne celkom jednoduché na prevedenie. Ich rýmovaný text bol prehľadne rozdelený do 4-6 - riadkových strof. V piesňach, podobne ako v madrigaloch, nadobudol veľký význam text. Pri prevedení by sa poetické linky nemali stratiť vo viachlasnom speve. Známe boli najmä piesne francúzskeho skladateľa Clementa Jeannequina (okolo 1485-1558). Clement Jeannequin napísal asi 250 šansónov, väčšinou pre 4 hlasy, na verše Pierra Ronsarda, Clementa Marota, M. de Saint-Jellyho, anonymných básnikov. Pri ďalších 40 šansónoch moderná veda spochybňuje Janequinovo autorstvo (čo však neznižuje kvalitu samotnej tejto spornej hudby). Hlavným poznávacím znakom jeho svetskej viachlasnej hudby je programová a vizuálna. Pred okom poslucháča sú obrazy bitky ("Bitka pri Marignane", "Bitka o Renti", "Bitka o Metz"), poľovnícke scény ("Spev vtákov", "Spev slávika", " Lark"), každodenné scény ("Ženské bľabotanie"). Atmosféru všedného dňa v Paríži Janequin živo prenesie do šansónu „Screams of Paris“, kde môžete počuť výkriky pouličných predavačov („Mlieko!“ – „Pies!“ – „Artičoky!“ – „Ryby!“ – „ Zápalky!" - "Holubice!" - "Staré topánky!" - "Víno!"). Napriek všetkej vynaliezavosti v textúre a rytme zostáva Janequinova hudba v oblasti harmónie a kontrapunktu veľmi tradičná.

Renesancia bola začiatkom profesionálna skladateľská kreativita... Výrazným predstaviteľom tohto nového trendu je nepochybne Palestrina (1525-1594). Jeho pozostalosť zahŕňa množstvo diel sakrálnej i svetskej hudby: 93 omší, 326 hymnov a motét. Je autorom dvoch zväzkov svetských madrigalov na slová Petrarcu. Dlhý čas pôsobil ako riaditeľ chóru v Bazilike sv. Petra v Ríme. Chrámová hudba, ktorú vytvoril, sa vyznačuje čistotou a vznešenosťou citov. Skladateľova svetská hudba je presiaknutá mimoriadnou spiritualitou a harmóniou.

Renesancii vďačíme za vznik inštrumentálna hudba ako samostatná umelecká forma. V tejto dobe sa objavilo množstvo inštrumentálnych skladieb, variácií, predohier, fantasy, ronda, tokát. Z hudobných nástrojov sú najobľúbenejšie organ, čembalo, viola, rôzne druhy píšťal a koncom 16. stor. - husle.

Obdobie renesancie končí vznikom nových hudobných žánrov: sólovej piesne, oratória a opery. Ak bol chrám skôr centrom hudobnej kultúry, od tej doby začala hudba znieť v opere. A stalo sa to takto.

V talianskom meste Florencia na konci 16. storočia. začali sa zhromažďovať talentovaní básnici, herci, vedci a hudobníci. Nikto z nich vtedy na nejaký objav nepomyslel. A predsa to boli oni, ktorí boli predurčení urobiť skutočnú revolúciu v divadelnom a hudobnom umení. Po pokračovaní v uvádzaní diel starogréckych dramatikov začali komponovať vlastnú hudbu, zodpovedajúcu podľa ich predstáv charakteru antickej drámy.

členov camerata(ako sa tento spolok nazýval) dôkladne premyslený hudobný sprievod monológov a dialógov mytologických postáv. Herci boli povinní hrať hovorené časti recitatív(recitácia, skandovanie prejavu). A hoci toto slovo naďalej zohrávalo vedúcu úlohu vo vzťahu k hudbe, bol urobený prvý krok k ich zbližovaniu a harmonickému splynutiu. Takéto predstavenie umožnilo vo väčšej miere sprostredkovať bohatstvo vnútorného sveta človeka, jeho osobné skúsenosti a pocity. Na základe takýchto vokálnych partov, árie- dokončené epizódy v hudobnom predstavení vrátane opery.

Opera si rýchlo získala lásku a stala sa populárnou nielen v Taliansku, ale aj v iných európskych krajinách.

Zoznam použitej literatúry

1) Encyklopedický slovník mladého hudobníka / Komp. V.V. Meduševskij, O.O. Očakovskaja. - M .: Pedagogika, 1985.

2) Svetová výtvarná kultúra. Od počiatkov do 17. storočia: učebnica. za 10 cl. všeobecné vzdelanie. inštitúcie humanitárneho profilu / G.I. Danilov. - 2. vydanie, Stereotyp. - M.: Drop, 2005.

3) Materiály z archívu renesančnej hudby: http://manfredina.ru/