Wszystkie zdjęcia Kandinsky na temat kreatywności. Słynne obrazy wasilii Kandinsky
Jeśli chodzi o abstrakcję, wiele osób wyróżniało się od sztuki natychmiast przynieść swój kategoryczny werdykt: Maznia. Po tym konieczne jest frazę, że każdy Karapuz z pewnością narysował lepiej niż tych artystów. W tym samym czasie Słowo "Artyści" sama będzie na pewno wypowiedziana z pogardą, która w niektórych przypadkach nawet przybierająca nagana.
Aif.ru jako część biblioteki kultury, mówi, że starał się wyświetlić jednego z najbardziej znanych abstrakcjonystów na płótnach Wasily Kandinsky.
Obraz "Skład VI"
Rok: 1913.
Wystawiony w Muzeum: Ermitażu, Petersburg
Początkowo obraz "Skład VI" Kandinsky chciał wymienić "powódź", ponieważ w tej pracy malarz zamierza przedstawić katastrofę skali uniwersalnej. I rzeczywiście, uważnie patrząc, widzimy kontury statku, zwierząt i przedmiotów, jak gdyby zatapiają się w whilapal mas materii, jakby w falach burzy.
Sam Kandinsky Później, mówiąc o tym płótnie, zauważył, że "nie byłoby nic więcej Mistrz podkreślił, że w tym przypadku oryginalny motyw obrazu (powódź) został rozpuszczony i przeniesiony do wewnętrznego, czysto malowniczego, niezależnego i obiektywnego istnienia. "Grand, obiektywnie popełniona katastrofa jest jednocześnie absolutna i posiadająca niezależny dźwięk gorącej piosenki pochwalającej, podobnej do hymnu nowego stworzenia, który podąża za katastrofą" - wyjaśnił Kandinsky. W rezultacie malarz postanowił przypisać płytkę rejestracyjną na płótno, ponieważ każda inna mogłaby spowodować niepotrzebne stowarzyszenia z koneserów, którzy rozpieszczałyby je tymi emocjami, które powinny spowodować obraz.
Obraz "Skład VII"
Obraz "Skład VII". Zdjęcie: Reprodukcja
Rok: 1913.
"Skład VII" nazywany jest szczytem artystycznej kreatywności Kandinsky w okresie przed pierwszą wojną światową. Ponieważ zdjęcie zostało stworzone bardzo świetlne (poprzedzono ponad trzydzieści szkiców, akwarele i działa naftowe), końcową kompozycją jest połączenie kilku biblijnych tematów: Zmartwychwstanie z martwych, statków, światowej powodzi i raju ogrodu.
Idea ludzkiej duszy jest wyświetlana w centrum semantycznego płótna, cyklu, zamierzonych fioletowych punktów i czarnych linii i uderzeń obok niego. Nieuchronnie opóźnia się jako lejek, wypluwając jakieś kształty, które rozłożone z niezliczonych metamorfozów na płótnie. Po scaleniu lub, przeciwnie, są ze sobą złamane, przynosząc ruch sąsiednich ... jest jak element życia wynikający z samego chaosu.
Obraz "Skład VIII"
"Skład VIII". Zdjęcie: "Skład VIII", Wasily Kandinsky, 1923
Rok: 1923.
Wystawiony w Muzeum: Solomon Museum R. Guggenheim, Nowy Jork
"Skład VIII" jest zasadniczo różni się od poprzedniej pracy tej serii, ponieważ w nim zamiast niewyraźne kontury, występują wyraźne formularze geometryczne. Główna idea jest nieobecna w tej pracy, zamiast jej samego artysty daje konkretny opis liczb i kolorów obrazu. Tak więc, według Kandinsky, poziome brzmi "zimno i mniejsze", a pionowe - "ciepłe i wysokie". Ostre rogi są "ciepłe, ostre, aktywne i żółte", a proste - "zimno, powściągliwe i czerwone". Zielony kolor "jest zrównoważony i odpowiada subtelne dźwięki skrzypiec", czerwony "może stworzyć wrażenie silnej bitwy bębna", a niebieski jest obecny "w głębi narządu". Żółty "ma zdolność wzrostu powyżej i powyżej, osiągając wysokość nieznośne dla oka i ducha". Niebieski "schodzi na bezdenne głębie". Niebieski "rozwija dźwięk fletów".
Obraz "vloy"
Obraz jest "niejasny". Zdjęcie: Reprodukcja
Rok: 1917.
Wystawiony w Muzeum: State Tretyakov Gallery, Moskwa
Nazwa "Niejasna" została wybrana na obraz nie przez przypadek. Niejednoznaczność i "niespokojna" są wyświetlane w pracach Kandinsky Dramatyczny zderzenie sił centripetalnych i odśrodkowych, jakby podzielił się na siebie w środku płótna. Powoduje to uczucie lęku wzrastającego jako "chłodzenie" do pracy. Masa dodatkowych kolorów wykonuje osobliwą orkiestrację głównej walki, a następnie pacyfikację, a następnie zaostrzenie zamieszania.
Obraz "improwizacja 20"
Obraz "improwizacja 20". Zdjęcie: Reprodukcja
Rok: 1911.
Wystawiony w Muzeum: Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych. A. S. Pushkin, Moskwa
W swoich dziełach serii "improwizacji" Kandinsky starała się pokazać nieprzytomnych procesów wewnętrznych, które pojawiają się nagle. A dwudziesta praca tej kategorii artysta przedstawiła wrażenie jego "wewnętrznej natury" z prowadzenia dwóch koni pod południem słońca.
"Rapallo Boats", Wasily Kandinsky, rok nieznany.
"Moskwa, plac Zubovskaya. Etiude ", Vasile Kandinsky, 1916.
"Lekcja z kanałem", Vasile Kandinsky, 1901.
"Old Town II", Wasily Kandinsky, 1902 rok.
Gabriel Munter, Wasily Kandinsky, 1905.
"Jesień w Bawarii", Vasile Kandinsky, 1908.
"Pierwsza abstrakcyjna akwarela", Wasilia Kandinsky, 1910.
"Skład IV", Wasilia Kandinsky, 1911.
"Moskwa I", Wasily Kandinsky, 1916
Prawdopodobnie nie ma takich ludzi, którzy przy pierwszym znajomym z pracą Kandinsky, rozpoznałby jego geniusz. Pierwsze spojrzenie na jego "skład", "improwizacja" i "wrażenie" prowokuje różne myśli: "Takie dziecko mogło dziwić" i przed "Co przedstawił artystę na tym zdjęciu?". A z głębszym znajomym okazuje się, że artysta nie zamierza przedstawiać niczego, chciał sprawić, że poczujesz się.
Wielki odkrycie abstrakcji Wasilii Kandinsky całkowicie nie zamierza stać się artystą i tym bardziej filozofem świata sztuki. Wręcz przeciwnie, jego ojciec jest słynną Moskwą Kommersant z tego czasu Wasilia Silvestorovich Kandinsky - widziała jego udany prawnik, który poprowadził przyszłego oficera abstrakcyjnego na Wydziale Wydziału Uniwersytetu Moskwy, gdzie studiował gospodarkę polityczną i statystyki. Z pewnością Kandinsky dorastała w inteligentnej rodzinie, która nie zaprzeczyła znaczeniu sztuki w życiu danej osoby, więc kolejny młody człowiek wasilia otrzymała podstawową wiedzę w świecie muzyki i malarstwa. Ale wrócił do nich dopiero po tym, jak miał 30 lat, co po raz kolejny potwierdził prostą prawdę - nigdy się nie spóźnia. Pomimo miłości do ojczyzny, w szczególności do Moskwy, która nie pojawi się na swoich płótnach, Kandinsky w 1896 r. Za jego pasję do malowania ruchy do Monachium - miasto, które było znane ze swojej otwartości na nowe gatunki sztuki i gościnności dla początkujących artyści. Impuls, aby rzucić zwykły styl życia i udać się do nieznanego, stał się powód, który jest całkowicie niezwiązany ze sztuką, - Ważne zdarzenie miało miejsce na świecie - otwarcie rozkładu atomu. Jak sam Kandinsky napisał w swoich listach w swoich listach, to zamach w świecie fizyki spowodował od niego dziwne uczucia: "Grube skarby zapadły. Wszystko stało się niepoprawne, drżące i miękkie ... ".
Fakt, że najmniejsza cząstka nie jest holistyczna, ale składa się z różnych innych niezbadanych elementów, prowadził przyszłego artysty do nowego światopoglądu. Kandinsky zdał sobie sprawę, że wszystko na tym świecie można rozłożyć na poszczególne elementy, a sam opisał to tak:
"To (odkrycie) odpowiedział we mnie, jak nagłe zniszczenie całego świata".
Innym powodem kompletnego zamachu świadomości Kandinsky było wystawa francuskich impresjonistów przywiezionych do Moskwy. Na niej widział zdjęcie Claude Mone "Stos Sen". Ta praca uderzyła wasilię wasilyevich z jego freiness, ponieważ wcześniej znalazł się wyłącznie z realistycznym obrazem rosyjskich artystów. Pomimo faktu, że działka odgaduje na zdjęciu, wpływa na pewne uczucia, inspiruje i pozostaje w pamięci. To było takie głębokie i ekscytujące prace, które zdecydowały się stworzyć Kandinsky.
W Niemczech, Wasilia Kandinsky szybko mistrzowie klasyczny rysunek, technika impresjonistów, potępiów i piechurów, a wkrótce staje się uznaną awangardową. W 1901 roku światło widział pierwsze profesjonalne zdjęcie "Monachium. Planegg 1, w którym połączono jasne uderzenia jaskrawych uderzeń i delikatnych słońca Van Gogha. Następnie Kandinsky w jego pracy zaczął opuszczać szczegóły swoich kreacji, przeniósł się z realizmu do eksperymentów z kolorem.
"Monachium. Planegg 1 "(1901) - prywatna kolekcja
Pierwszym krokiem w kierunku abstrakcji był pisanie filozoficznego traktatu "na duchowym w art" w 1910 roku. Książka była silnie przed jego czasem, więc wydawca był dla niej bardzo trudny. Ciekawe jest fakt, że oryginał jest napisany przez Kandinsky w języku niemieckim, aw książce rosyjskiej opublikowanej tylko w 1967 roku w Nowym Jorku dzięki międzynarodowej wspólnoty literackiej i żony artysty - Nina Kandinskaya. W oryginalnym języku w Monachium książka została opublikowana w 1911 roku i miał niesamowity sukces. W ciągu roku został opublikowany 3 razy, aw Skandynawii, Szwajcarii i Holandii, gdzie niemiecki był dystrybuowany, książka została przeczytana przez wszystkich, którzy mieli przynajmniej jakiś stosunek do sztuki. Rosyjscy awangardy mieli okazję zapoznać się z treścią traktatu na całego Rosji Kongresowi Artystów w grudniu 1911 r. Z powodu sprawozdania z N.I. Tulley "w duchu w sztuce". W nim użył kilku głów Kandinsky, w tym rozdział o różnych możliwych formach geometrycznych w abstrakcyjnej kreatywności, co znacznie wpłynęło na zaawansowanych rosyjskich artystów w tym czasie, w tym Casimir Malevich. Ale dzieło Kandinsky nie jest samouczkiem. "O duchu w sztuce" jest filozoficzną, bardzo subtelną i inspirującą pracą, bez której po prostu niemożliwe jest odczuwanie obrazów wielkiej abstrakcji. Na samym początku książki Kandinsky dzieli wszystkich artystów za 2 rodzaje, w oparciu o definicje Roberta Shumana i Lion Tołstoja. Kompozytor wierzył, że "powołanie artysty jest wysyłanie światła do głębi ludzkiego serca", a pisarz zadzwonił do artysty, który człowiek może rysować i napisać wszystko ". Kandinsky jest obcego drugiej definicji, sam nazywa takimi ludźmi "rzemieślnikami", których praca nie jest wypełniona znaczeniem i nie ma wartości.
"W naszej duszy jest pęknięcie, a dusza, jeśli możliwe jest wpłynięcie na to, brzmi jak progresywny cenny wazon znaleziony w głębokości ziemi".
Muzyka zawsze zapewniała wielki wpływ na artystę, ponieważ jest to jedyna absolutnie abstrakcyjna sztuka, która sprawia, że \u200b\u200bnasza wyobraźnia, unikając substytucji. Ponieważ notatki są złożone w doskonałą melodię, a farby Kandinsky w ich kombinacji powodują niesamowite obrazy. Najsilniejszy zainspirował nowicjusza artysty OPPHOT Opera Richard Wagnera. Po znajomym z nią Kandinsky zastanawiał się, czy mógłby stworzyć obraz tego samego silnego wypełnienia emocjonalnego jako dzieło Wielkiego kompozytora ", w którym farba stała się notatki, a schemat kolorów - tonalność?".
W poszukiwaniu odpowiedzi na to pytanie Kandinsky pomogły znajomym z austriackim kompozytorem Arnold Schönberg. W styczniu 1911 r. W Monachium artysta usłyszał prace atonowe jego przyszłego przyjaciela i sojusznika i był zszokowany. Dzięki koncercie Schönberg nie był jeszcze całkowicie abstrakcyjny, ale prawie imponujące zdjęcie mistrza "wrażenie III. Koncert". Ciemny trójkąt na zdjęciu symbolizuje fortepian, poniżej widać tłum z tłumem, a decyzja koloru jest doskonale odzwierciedlająca, że \u200b\u200bżywe wrażenie, że Kandinsky otrzymał na koncercie Schönberg.
Kandinsky był pewien, że był Shenberg, który prawidłowo postrzegałby jego filozofię abstrakcyjnej kreatywności i nie był błędny. Kompozytor wspierał artystę w swoich wysiłkach z eksperymentami kolorów i poszukiwaniem "antylogichicznej" harmonii, na pierwsze miejsce, w którym odszedł, a nie fabuła. Ale nie wszyscy artyści dzielili podobny punkt widzenia, który doprowadził do podziału wśród artystów i stworzenia społeczności o podobnych poglądach "Blue Horseman". Zjednocz się z artystami Augustus Make, Franz Mark i Robert Dela i, oczywiście kompozytor Arnold Schönberg, Kandinsky w końcu wchodzi w środę, która przyczynia się do przejścia do pełnej abstrakcji w kreatywności, znajdując nowe formy i kombinacje kolorów.
"Ogólnie rzecz biorąc, kolor jest narzędziem, na którym można bezpośrednio wpłynąć na duszę. Kolor jest klucze; oko - młotek; Dusza jest wielowarstwowym pianinem. Artysta ma rękę, która przez ten klucz, wskazany jest wibrować ludzką duszę. "
Nie można argumentować w tym oświadczeniu z Kandinsky, ponieważ wiele nowoczesnych badań dowodzi, że kolor nawet wpływa na nasze prymitywne pragnienia i państwa: każdy wie, że czerwony kolor powoduje apetyt, zielone łagodzące, a żółte dodaje nam energiczne i energetyczne. I łącząc różne kolory i formularze na zdjęciu, możesz wpływać na głębsze uczucia. Chciało to osiągnąć wspaniały artysta. Eksperymenty Kandinsky wpłynęły na wielu artystów na początku XX wieku, w tym Puule Clee, który miał spotkać założyciela "Blue Horseman", był harmonogramem, który unika łagodnego w jego obrazach, a po tym, jak znał jego delikatny, w sensie naiwnych akwarelach. Szwajcar podzielił się miłością abstrakcji do muzyki i jego pomysł, że sztuka powinna powodować silne emocje, pomagając osobie słuchać wewnętrznego "I" i zrozumieć zrozumienie procesów występujących w środowisku.
"Sztuka nie odtwarza widoczności, ale jest widoczne, co nie zawsze jest takie". (c) Paul Clee
Z takim przesłaniem Kandinsky zaczyna pisać swoje obrazy po 1911 roku. Na przykład w naszej galerii Tretyakow można zobaczyć jedną z najważniejszych i dużych dzieł artystów, napisanych w 1913 roku "Skład VII". Artysta nie daje żadnych wskazówek na działce: istnieje tylko kolor i kształt na zdjęciu na ogromnej sieci (praca jest uważana za największe z całej kreatywności Kandinsky - 2x3m). Skala umożliwiła umieszczenie różnych intensywności na zdjęciu na zdjęciu i fragmenty fragmentów: ostro, cienkie, głównie ciemne elementy w środku i gładszych formach i delikatnych kolorach wokół obwodu pozwalają nam doświadczyć różnych doznaniach, patrząc na ten sam obraz. Ciemne odcienie po prawej kontrastu ze światłem na tym płótnie, kręgi z rozmytymi krawędziami rozciętych ze sztywnymi prostymi liniami. Kompozycje Kandinsky to połączenie niezgodnych, szukaj harmonii w chaosu, to działa, raczej podobnie do muzyki, ponieważ są najbardziej abstrakcyjne. To są dzieła, które są uważane za główne przewodniki filozofii artysty i kulminację całej swojej pracy.
Rozumiemy również, że większość ludzi potrzebuje wskazówek na świadomość swojej sztuki, Kandinsky nadal napisuje swoją "improwizację", w której cienkie (oraz w oddzielnych pracach i dość jasny) wątek, który łączy abstrakcję z rzeczywistością, z powodu określonych elementów. Na przykład na kilku zdjęciach możemy zobaczyć obrazy łodzi i statków: Ten motyw pojawia się, gdy artysta chce powiedzieć nam, jak osoba walczy ze światem zewnętrznym, jak gdyby statki żeglarskie opierają się na fale i elementy.
W niektórych zdjęciach nie możemy odróżnić masztów, takich jak na przykład na zdjęciu "Improwizacja 2 8 (bitwa morska)", stworzona w przeddzień pierwszej wojny światowej, podczas gdy na innych płótach obrazu naczynia jest widoczny Na pierwszy rzut oka na "improwizacji 209, napisane w 1917 r., Kiedy duch rewolucji był odczuwany we wszystkich Rosji.
Innym częstym elementem występującym w "improwizacjach" to jeźdźcy charakteryzujący pragnienia ludzi. Wizerunek wojowników na koniu było szczególnie ważne dla Kandinsky jako osoby, stale walcząc z ustalonymi standardami i kanonami dla jego przekonań. Nie jest przypadkiem, że ta alegoria jest obecna w tytule klubu kreatywnych o podobnych poglądach.
Podczas gdy "kompozycje" Kandinsky są przemyślane najdrobniejsze szczegóły, a lokalizacja liczb i użycie niektórych kolorów jest absolutnie świadomy, a następnie podczas pisania "improwizacje", artysta kierowany przez wewnętrzne procesy pokazały jego nagły nieświadome emocje.
Godne uwagi zmiany w twórczej ścieżce Wasilii Kandinsky występują podczas powrotu do Moskwy w 1914 roku. Jako obywatel Rosji, artysta został zmuszony opuścić Niemcy podczas wojny i nadal angażować się w dziedzinie. Od 1914 do 1921 r. Mieszkał w Moskwie i zaangażował się w promowanie swoich pomysłów w masach, współpracował z rządem w przygotowywaniu reformy muzealnej, rozwiniętej pedagogiki i został zainspirowany swoim rodzinnym rodzinnym.
"Moskwa: Duality, złożoność, wyższy stopień mobilności, kolizji i zamieszanie poszczególnych elementów wyglądu ... Uważam tę zewnętrzną i wewnętrzną Moskwę, uważam ten punkt źródłowy mojego zadania. Moskwa - mój malowniczy Charton "
Podczas pobytu w Rosji artysta rzucił się między różnymi gatunkami, a nawet przedstawił Moskwa w wystarczającym stopniu (w stosunku do całej swojej kreatywności), a w pewnym momencie powrócił do impresjonistycznych szkiców.
Na całej twórczej ścieżce wasilii Kandinsky widzimy wiele różnych gatunków, technik i działek. W tym samym roku artysta może stworzyć dość konkretny produkt z wyraźnym znaczeniem i kompletną abstrakcję. Fakt ten podkreśla wszechstronność jego osobowości, pragnienie nowej wiedzy i techników, a oczywiście stały rozwój kreatywnych geniuszów w sobie. Artysta, nauczyciel, muzyka koneserowa, pisarz i oczywiście filozofa świata sztuki Wasilii Kandinsky nie pozostawia nikogo obojętnego, ponieważ jego głównym zadaniem było sprawienie, aby ludzie czuli, czuć, doświadczają emocji. I dotarł do tego celu z powodu dziedzictwa kulturowego, który opuścił przyszłe pokolenia.
Gdzie zobaczyć zdjęcia Kandinsky w Rosji?
- Astrachańska galeria sztuki. B. M. Kustodiyev.
- Muzeum Sztuk Pięknych Ekaterinburg
- Krasnodar Regionalne Muzeum Sztuki. FA. Kovalenko.
- Muzeum Sztuk Pięknych Krasnojarska
- State Tretyakow Galeria na Krymskiej Valo, Moskwa
- Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych. A.S. Pushkin, Moskwa
- Nizhny Novgorod State Art Museum
- Ryazan State Regional Art Museum. I.P. MOŻLIWY
- Stan Ermitaż, Główny personel, Petersburg
- Muzeum Rosyjskie, Petersburg
- Kompleks Muzeum Tiumeń
Rosyjski artysta, teoretyka sztuki i poety, jeden z przywódców czerpalu pierwszej połowy XX wieku; Wszedł do założycieli sztuki abstrakcyjnej.
Urodzony w Moskwie 22 listopada (4 grudnia) 1866 r. W rodzinie kupca; Należłym do natury kupców nonsensownych, potomków kory syberyjskiej. W 1871-1885 mieszkał z rodzicami w Odessie, gdzie w gimnazjum zaczął angażować się w muzykę i malowanie. Od 1885 roku studiował na Uniwersytecie Moskwie, marzy o karierze prawnika, ale ok. 1895 zdecydował się poświęcić sobie art. Dwa punkty ustaliły swój wybór: Po pierwsze, wrażenia rosyjskich starożytności średniowiecznych i artystycznych folklorystycznych, uzyskanych w wyprawie etnograficznej w prowincji Vologda (1889), po drugie, odwiedzając wystawę francuską w Moskwie (1896), gdzie był zszokowany obraz K. Monet stos siana. W 1897 r. Przybył do Monachium, gdzie od 1900 roku był zaangażowany w lokalną Akademię Sztuki pod kierunkiem F.Fon. Dużo podróżowałem w Europie i Afryce Północnej (1903-1907), od 1902 r. Mieszkał głównie w Monachium, aw latach 1908-1909 w miejscowości Murnau (Alpy Bawarskie). Organicznie wchodząc w środę niemieckiego modernistycznego Czech, pełnił także jako aktywny organizator: założył Grupę Falang (1901), "New Monachium Art Association" (1909; wraz z A.G.VeNodzik i in.) I wreszcie "Niebieski jeździec" (1911; wraz z F. Lark i innymi.) - Towarzystwo, które stało się ważnym łączem między symboliką a awangardą. Opublikowane litery artystyczne i krytyczne z Monachium w czasopismach "Świat artystyczny" i "Apollo" (1902, 1909), uczestniczył w wystawach skarbców Bubnovaya.
Od najwcześniejszego, już wystarczająco jasnych i soczystych obrazów impresjonistycznych, zwrócił się do brixure, kwieciste i "lud", barwiąc kompozycje, gdzie podsumowano charakterystyczne motywy rosyjskiej nowoczesności z jego romantyką średniowiecznych legend i starożytnej kultury dworu (Monachium , 1907, Lenbachhaus, Monachium; Panie w Krinolines, 1909, Galeria Tretyakowska). W 1910 r. Stworzył pierwsze abstrakcyjne improwizacje obrazkowe i ukończył traktat o duchu w sztuce (książka została opublikowana w 1911 r. W języku niemieckim). Biorąc pod uwagę główną sztukę wewnętrzną, duchową treścią, wierzyłem, że najlepiej wyrażone przez bezpośrednie psychofizyczne skutki czystej kolorowej konsonancji i rytmów. W samym sercu kolejnych "wrażeń", "improwizacjach" i "kompozycji" (jak sam Kandinsky wyróżnił cykle swoich prac) leży wizerunek doskonałego górskiego krajobrazu, ponieważ topnieje się w chmurach, w kosmicznym nie- istnienie, jako pojawienie się kontemplacyjnego widza autorskiego. Dojrzałe obrazy oleju i akwareli są zbudowane ze względu na darmową grę kolorowych miejsc, punktów, linii, poszczególnych znaków (rodzaj jeźdźca, wieżowców, palety, kopuła kościelna itp.). Większość uwagi Master zawsze zapłacił harmonogram, w tym grawerowanie drewna. W jego niemieckich poetyckich wierszach albumów dźwięki (Klänge, 1913) starali się poznać idealne połączenie darmowych wizualnych obrazów graficznych z tekstem. Przedmioty syntezy sztuki umieszczone w idei żółtego dźwięku, zaprojektowane do łączenia kolorów, światła, ruchu i muzyki (Fagartman kompozytora; sztuka, której tekst został umieszczony w Almani niebieskiego jeźdźca , 1912, nie został przeprowadzony ze względu na początek pierwszej wojny światowej).
W 1914 r. Wrócił do Rosji, gdzie mieszkał głównie w Moskwie. Rodzaj "apokaliptycznego", aspiracji uniwersalnej transformacji, charakterystycznej dla jego abstrakcji, zdobywa coraz bardziej niepokojące i dramatyczny charakter w tym okresie (Moskwa. Red Square, 1916, Galeria Tretyakow; Niejasny, Ibid., Zmierzch. , Muzeum Rosyjskie; Szary Oval, Art Gallery, Ekaterinburg; Wszystkie prace - 1917). W 1918 r. Wydał autobiograficzny materiał. Aktywnie dołączył do działalności publicznej i humanitarnej i badawczej, była częścią Commissariat Ludowy, Instytutu Kultury Sztuki (AVUK) i Rosyjskiej Akademii Nauk Artystycznych (Rakhn), nauczanych w najwyższych warsztatach sztuki i technicznych (VHUTEMAS), Zirytowany symbolami ideologicznymi, opuścił Rosję na zawsze po wysłaniu na wycieczkę służbową do Berlina (1921).
W Niemczech nauczał w Bauhaus (od 1922 r., W Weimara i Dessau), był głównie zaangażowany w ogólną teorię formacji; Przedstawiono swoje doświadczenia pedagogiczne w punkcie książki i linii w samolocie opublikowanym w języku niemieckim w 1926 r. Jego kosmologiczne fantazje (graficzna seria małych światów, 1922) zyskuje bardziej racjonalny charakter geometryczny w tym okresie z zasadami suprematyzmu i konstruktywizmu, Ale utrzymanie jego jasnej i rytmicznej dekoracyjności (na czarnym kwadrodzie, 1923; kilka okrążeń, 1926; oba obrazy - w Muzeum S.Guggenheim, Nowy Jork). W 1924 r. Mistrz utworzył wraz z Yalvsky, L. Fininger i P. Kleie Stowarzyszenie "Niebieskie cztery", organizowanie z nimi wspólnych wystaw. Zrobił jako artysta malowniczej wersji pakietu pakietu M.P.Morsorgii z wystawy w teatrze Decuau (1928).
Po zamknięciu nazistów "Bauhaus" (1932) przeniósł się do Berlina, aw 1933 r. - do Francji, gdzie Nyui-sur-Sen mieszkał w Paryżu i jego przedmieściach. Po doświadczeniu znaczącego wpływu surrealizmu, coraz częściej wprowadzony do swoich zdjęć - wraz z poprzednimi strukturami geometrycznymi i znakami - elementy biomorficzne jak niektóre organizmy podstawowe, szybowały w interplanowej pustce (dominująca krzywa, 1936, ibid.; Błękitne niebo, 1940, Centrum , Paryż; różnorodne działania, 1941, Muzeum S.Guggenheim, Nowy Jork). Z początkiem niemieckiego okupacji (1939) przeznaczone do wyemigrowania do Stanów Zjednoczonych i spędził kilka miesięcy w Pirenejach, ale w końcu wrócił do Paryża, gdzie nadal pracował aktywnie, w tym projekt Comedy Ballet, który zamierzony tworzyć razem z kompozytora Gatman.
Na początku grudnia 2011 r. Ustalono nowe rekordy cenowe w języku rosyjskim w Londynie. Podsumowując rok, skompilowaliśmy listę najdroższych dzieł artystów Rosji zgodnie z wynikami sprzedaży aukcyjnej.
33 Najdroższe. Źródło: 33 najdroższe.
Jeśli wierzysz, że oceny, najdroższym rosyjskim artystą jest Mark Rotko. Jego "białe centrum" (1950) sprzedawane 72,8 miliona dolarów, dodatkowo szereg 12 na liście najdroższych obrazów na świecie. Jednak Rotko był Żydem, urodzony na Łotwie i opuścił Rosję w wieku 10 lat. Szczerzez podobnym stretch pościg Dla rekordów? Dlatego Rotko, jak inne emigrantów, którzy opuścili Rosję, jeszcze nie stają się artystami (na przykład Tamaru de Lempicks i Haim Sutin), przekroczono z listy.
№ 1. Kazimir Malevich - 60 milionów dolarów
Autor "Black Square" jest zbyt ważną osobą, tak aby jego prace często spotkały się w wolnej sprzedaży. Więc to zdjęcie było bardzo trudne na aukcję. W 1927 r. Malewicz, zamierzam zorganizować wystawę, przyniósł prawie sto pracch z warsztatu Leningradu do Berlina. Jednak pilnie przypomniał sobie swoją ojczyzną i zostawił je do przechowywania architekta Hugo Hering. To oszczędzanie obrazu w trudnych latach faszystowskiej dyktatury, gdy mogliby zniszczyć jako "sztuka zwyrodnieniowa", aw 1958 r., Po śmierci Malevicha, sprzedała je Państwowym Muzeum Standelek (Holandia).
Na początku XXI wieku grupa spadkobierców Malewicz, prawie czterdziestu osób, rozpoczęła próbę - ponieważ Hering nie był właścicielem prawnych obrazów. W rezultacie muzeum dało im to zdjęcie i da kolejne cztery, które z pewnością spowoduje furor na pewnej aukcji. W końcu Malewich jest jednym z najbardziej fałszywych artystów na świecie, a pochodzenie obrazów z Muzeum Stellecka jest nienaganna. W styczniu 2012 r. Spadki otrzymali kolejny obraz z tej wystawy Berlin, wypełniając go z Muzeum Szwajcarskiego.
№ 2. Vasile Kandinsky - 22,9 mln USD.
Cena aukcji pracy wpływa na jego reputację. To nie tylko głośna nazwa artysty, ale także "prowancja" (pochodzenie). Rzecz ze słynnej kolekcji prywatnej lub dobrego muzeum jest zawsze droższe niż praca z anonimowego spotkania. "FUGUE" pochodzi ze słynnego Muzeum Gugenheima: Gdy dyrektor Thomas Krenz wydostał się z funduszy Muzeów tej Kandinsky, Obraz Shagal i Modigliani, i ustaw je na sprzedaż. Dla otrzymanych pieniędzy, muzeum z jakiegoś powodu zakupiło kolekcję 200 dzieł amerykańskich konceptualistów. Krenza do tej decyzji została przekonana bardzo długo.
Jest to płótno ojca abstrakcjonistycznego ciekawego faktu, że ustawił rekord w odległym 1990 roku, kiedy hale aukcyjne w Londynie i Nowy Jorku nie wypełniły jeszcze lekkomyślnych rosyjskich nabywców. Dzięki temu, nawiasem mówiąc, nie przecięło żadnej prywatnej kolekcji w luksusowej rezydencji, ale znajduje się na stałej wystawie w prywatnym Muzeum Bayeliers w Szwajcarii, gdzie każdy może to zobaczyć. Rzadko przypadek na taki zakup!
№ 3. Alexey Yalvsky - 9, 43 miliony funtów
Około 18,5 mln USD zapłacił nieznanego nabywcy na portret, który przedstawia dziewczynę z wioski w pobliżu Monachium. Shokco nie jest nazwą, ale pseudonimem. Model, przychodzący do studia artysty, za każdym razem, gdy zapytała filiżankę gorącej czekolady. Więc za nią i Gothes "Shokko".
Sprzedane zdjęcie jest zawarte w słynnym cyklu kredytowym, przedstawiającego krajową chłopstw pierwszego kwartału XX wieku. I prawo przedstawiające takie brzuch, który jest przerażający. Tutaj w postaci pasterza, chłopska poeta Nikolai Klyuev, Forerner of Yesenin. Wśród jego wierszy są takie: "Na kanale, flaschy decydują dysteerealizowane i zablokowane - Light-Kids hulfunded z Gaznebuska daleko".
№ 19. Konstantin Makovsky - 2,03 miliona funtów
Makovsky - Malarz Saloon, znany z ogromnej liczby głowy Hawkering w Kokoshniki i Sundars, a także obraz "Dzieci biegające z piorunów", które raz był stale wydrukowany na pudełkach na prezenty czekoladowych czekoladowych. Jego słodkie obrazy historyczne są w stabilnym popytom wśród rosyjskich nabywców.
Temat tego zdjęcia- stary rosyjski "Kiss Rite". Szlachetne kobiety na starożytnej Rosji nie mogły opuścić kobiece połowę, a tylko ze względu na honor, mogli wyjść, przynieść urok i (najprzyjemniejszą część), aby się całować. Zwróć uwagę na obraz wiszące na ścianie: jest to obraz króla Alexei Mikhailovich, jeden z pierwszych portretów koni, które pojawiły się w Rosji. Jego skład, chociaż został skopiowany przez europejską próbkę, był uważany za niezwykle innowacyjny, a nawet szokujący na ten czas.
№20. Svyatoslav Roerich - 2,99 mln USD.
Syn Nikolai Roerich opuścił Rosję przez całkowicie nastolatka. Mieszkał w Anglii, USA, Indie. Podobnie jak ojciec, interesowałem się Filozofią Wschodnią. Podobnie jak ojciec, napisał wiele obrazów na temat motywów indyjskich. Ojciec ogólnie zajmował ogromne miejsce w swoim życiu - napisał ponad trzydzieści jego portrety. To zdjęcie zostało utworzone w Indiach, gdzie klan osiedlił się w połowie wieku. Zdjęcia Svyatoslav Roerich pojawiają się na aukcjach rzadko, aw Moskwie dzieła słynnej dynastii można zobaczyć w salach Muzeum Wschodniej, które autorzy je zaprezentowali, a także w Muzeum Muzeum "Międzynarodowe Centrum Roericha ", który znajduje się w luksusowej nośnej nieruchomości tuż za Muzeum Puszkina. Oba muzea nie są zbytnio kochane przez siebie: Muzeum Wschodu roszeń roszczeń zarówno budynku, jak i zbiór centrum Roericha.
№ 21. Ivan Shishkin - 1,87 milionów funtów
Główny rosyjski gracz krajobraz spędził trzy lata z rzędu na Valaam i pozostawił wiele zdjęć tego obszaru. Ta praca jest trochę ponura i nie wygląda jak klasyczna shishkina. Ale jest to wyjaśnione faktem, że obraz należy do jego wczesnego okresu, kiedy nie mówił swojego sposobu i był pod silnym wpływem sceny scenerii Dusseldorf, w której studiował.
Przypomnialiśmy już o tej szkole Düsseldorf, w receptury dla fałszywych "Aivazowskiego". " Shishkina "są wykonane według tego samego schematu, na przykład w 2004 rokuSotheby "s był" krajobrazem ze strumieniem "Düsseldorf okresem malarza. Szacuje się na 1 milion dolarów. I potwierdził wiedzę specjalistyczną galerii TryTEKOV. Godzina przed usunięciem partii sprzedaży - okazało się Obraz innego ucznia tej szkoły, Dutchman Marinus Adriana Kookkuk, zakupiony w Szwecji za 65 tys. Dolarów.
№ 22. Kuzma Petrov-Vodkin - 1,83 miliony funtów
Portret chłopca z ikoną dziewicy został znaleziony w prywatnej kolekcji w Chicago. Po tym, jak został przekazany do domu aukcyjnego, eksperci rozpoczęli badania, próbując ustalić jego pochodzenie. Okazało się, że obraz był na wystawach w 1922 i 1932 roku. W latach trzydziestych artysta poszedł do Stanów w ramach wystawy rosyjskiej sztuki. Być może był to, że właściciele nabyli to zdjęcie.
Zwróć uwagę na puste miejsce na ścianie za chłopcem. Początkowo autor pomyślał, aby napisać okno z zielonym krajobrazem. Zrównoważy to zdjęcie, a na kompozycji iw kolorach - trawa odbijałaby się echem z zieloną tuniką Matki Bożej (przy okazji, powinna być niebieska na kanonie). Dlaczego Petrov-Vodkin zgnieciony okno - nieznany.
№ 23. Nikolay Roerich - 1,76 miliona funtów
Zanim odwiedziłeś Shambalu i zacząć odpowiadający Dalajlowi, Nikolai Konstantinovich Roerich z powodzeniem specjalizując się w starym rosyjskim temacie, a nawet szkice baletowe na "rosyjskie sezony". Sprzedana partia odnosi się do tego okresu. Przedstawiona scena jest wspaniałym zjawiskiem nad wodą, która obserwuje się przez rosyjskiego mnicha, najprawdopodobniej - Sergiusz Radonezh. Jest ciekawy, że obraz jest napisany w tym samym roku, że kolejna wizja Sergii (wtedy znacznik Warity), który pojawia się na naszej liście powyżej. Różnica stylistyczna jest kolosalna.
Roerich napisał wiele ściereczek i udziału z lwa w Indiach. Kilka kawałków przedstawił Indianin Institute Badań Rolniczych. Ostatnio dwa z nich, "Himalaje, Kanchenjang" i "Zachód słońca, Kaszmir "Pojawił się na aukcji w Londynie. Tylko wtedy młodsi badacze Instytutu zauważyli, że zostali okradzkowani. W styczniu 2011 r. Indianie odwołali się do sądu w Londynie za pozwolenie na zbadanie tej przestępstwa w Anglii. Zainteresowanie złodziei do dziedzictwa Roericha jest zrozumiałe, ponieważ istnieje popyt.
№ 24. Miłość Popova - 1,7 miliona funtów
Lyubov Popova zmarła młody, więc był znany jako kolejny Amazon Avangard Natalia Goncharov, nie powiódł się. A jej dziedzictwo jest mniejsze - dlatego trudno jest znaleźć jej pracę. Po sporządzaniu szczegółowych wynalazków obrazów. To martwa natura była znana od wielu lat tylko na czarno-białych reprodukcji, aż pojawi się w prywatnej kolekcji, będąc najważniejszą dziełem artysty w prywatnych rękach. Zwróć uwagę na tacę Zhostovsky - może jest to ślad smaku popowienia do rzemiosła ludowego. Odbyło się to z rodziny Ivanovsky Merchant, która była zaangażowana w tkaniny, a sama stworzyła wiele szkiców tekstyliów kampanii opartych na rosyjskich tradycjach.
№ 25. Aristarh Lentulov - 1,7 miliona funtów
Lentulow wszedł do historii rosyjskiej awangardy do niezapomnianego obrazu katedry Basil Błogosławionego - nie tego kubizmu, a nie ten koc patchworkowy. W tym krajobrazie próbuje zmiażdżyć przestrzeń wzdłuż podobnej zasady, ale okazuje się nie tak fascynujące. Właściwie "Wasily błogosławiony»W Galerii TryTEKOV i to zdjęcie- na rynku sztuki. Mimo to, gdy pracownicy Muzeum mieli okazję strzelać do śmietany.
№ 26. Alexey Bogolyubov - 1,58 milionów funtów
Sprzedaż tego mało znanego artysty, choć ukochany player krajobrazowy Tsar Alexander III, dla takich szalonych pieniędzy - objawów wściekliznych w przeddzień kryzysu w 2008 roku. Wtedy rosyjscy kolekcjonerzy byli gotowi kupić nawet wtórnych mistrzów. Ponadto artyści pierwszej klasy są sprzedawane rzadko.
Być może ten obraz poszedł jako prezent dla niektórych urzędników: ma odpowiednią działkę, ponieważ kościół Chrystusa Zbawiciel długo przestał być tylko kościołem i stał się symbolem. A Połączenie Pojeższe - obraz trzymano w Pałacu Królewskim. Zwróć uwagę na szczegóły: Cegła wieża Kremla jest pokryta białym tynkiem, a wzgórze wewnątrz Kremla jest całkowicie zbędne. Cóż, dlaczego zaczął próbować? W latach 70. XIX wieku kapitał był Petersburg, a nie Moskwa, a Kreml nie był rezydencją.
№ 27. Isaac Levitan - 1,56 milionów funtów
Praca była doskonała nietypowa dla Levitana, praca została sprzedana na tej samej aukcji, co obraz Bogolyubowa, ale okazało się, że jest tańszy. Jest to spowodowane, oczywiście, że obraz nie jest taki jak "Levitan " Autorstwo jej jednak jest niewątpliwie podobne do fabuły w Muzeum Dniepropietrowskiego. 40 tysięcy żarówek, z pomocą którego Kreml został ozdobiony, oświetlony na cześć koronacji Nicholasa II. Kilka dni później nastąpi Khodyan Catastrophe.
№ 28. Arcyka Quinji - 3 miliony dolarów.
Słynny gracz krajobrazowy napisał trzy podobne obrazy. Pierwszy jest w Tretyakovka, trzeci - w Państwowym Muzeum Białorusi. Drugi, przedstawiony na aukcji, był przeznaczony dla księcia Pavel Pavlovich Demidov-San Donato. Ten przedstawiciel słynnej dynastii Ural mieszkało w willi w pobliżu Florencji. Ogólnie rzecz biorąc, Demidov, stając się włoskimi książątami, bawiło się, jak mogli. Na przykład wujek Paweł, z którego odziedziczył książęce tytuł był tak bogaty, był tak bogaty i pod wrażeniem, że był żonaty z siostrzenicą Napoleona Bonaparte i pewnego dnia w złym nastroju jej zmysłów. Biedna pani prawie nie była w stanie osiągnąć rozwodu. Obraz, jednak nie dotarł do Demidowa, ukraiński Sakharozavoder Tereshchenko nabył go.
№ 29. Konstantin Korovin - 1,497 milionów funtów
Impresyści nieodłączne bardzo "światło", rozmazanie stylu listu.Korovin - główny rosyjski impresjonista. Jest bardzo popularny wśród oszustów; Według pogłoski liczba jego podróbek na aukcjach osiąga 80%. Jeśli obraz z prywatnego montażu był wystawiony na osobistej wystawie artysty w słynnym Muzeum Państwowym, a jego reputacja jest wzmocniona, a na następnej aukcji jest znacznie droższa. W 2012 r. Galeria TryTEKOV planuje na dużą skalę wystawę Korowiny. Może będzie działać z prywatnego montażu. Ten akapit jest przykładem manipulacji świadomości czytelnika przez przykład przeniesienia faktów, które mają bezpośrednie połączenie logiczne.
- Należy pamiętać, że od 26 marca do 12 sierpnia 2012 r. Galeria TryTEKOV obiecuje zorganizowaćwystawa Korowina. . Szczegóły dotyczące biografii najbardziej uroczych artystów odczytująw naszym przeglądu Wernissages GTG w 2012 roku.
Nr 30. Yuri Annenkov - 2,26 mln USD
Annenkov udało się wyemigrować w 1924 roku i sprawiała dobrą karierę na Zachodzie. Na przykład w 1954 r. Został nominowany do Oscara jako artysty w kostiumach na film "Madame de ...". Najbardziej znany z jego wczesnych portretów radzieckich- twarze kubistycznego, fasetowanego, ale całkowicie rozpoznawalne. Na przykład, wielokrotnie przyciągnął Lion Trocki w ten sposób - a nawet powtórzył obraz wiele lat później po pamięci, gdy czasy chciały je ozdobić przykrycie.
Znak - pisarz Tikhonov-srebrny na zdjęciu na portret rekordu. Wszedł na historię literatury rosyjskiej, głównie jego bliskiej przyjaźni. Tak blisko, na brudnych plotkach żona artysty Varvara Shaikevich rodzi nawet córkę z wielkiego proletariackiego pisarza. Na reprodukcji nie jest zbyt widoczne, ale portret jest wykonany w technice kolażu: na szczycie warstwy farby olejowej są szkło i tynk, a nawet prawdziwy dzwonek do drzwi został załączony.
Nr 31. Lev Lagorio - 1,47 miliona funtów
Kolejny układ krajobrazu wtórnego, z jakiegoś powodu sprzedawany na rekordową cenę. Jednym z wskaźników aukcji jest nadmiar szacunków ("szacunki") - minimalna cena, którą eksperci domu aukcyjnego zainstalowali dla partii. Szacunek tego krajobrazu wynosił 300-400 tysięcy funtów. I sprzedał go 4 razy droższe. Jak powiedział jeden auctioner London: "Szczęście jest kiedy dwa rosyjskie oligarch rywalizuje w tym samym temacie. "
№ 32. Victor Vasnetsov - 1,1 miliona funtów
Bogatyri stał się wizytówką z powrotem w latach 70. XIX wieku. Wraca do swojego gwiezdnego motywu, jak inne weterany rosyjskiego malarstwa, podczas młodej Republiki Radzieckiej - oraz ze względów finansowych, i ponownie poczuć żądanie. To zdjęcie jest powtórzeniem autora "Ilya Muromets" (1915), który jest przechowywany w Muzeum Domu (na Alei świata).
Nr 33. Eric Bulatov - 1,084 milionów funtów
Drugi obecny artysta na naszej liście (powiedział również, że dla artysty najlepszy sposób na podniesienie cen za ich pracę jest umarcie). Nawiasem mówiąc, jest to radziecki warhol, podziemny i antykomunistyczny. Pracował w gatunku Sztuki Społecznej, która została stworzona przez Radzieckiego Undergrad, jako nasza wersja pop-art. "Slava CPSU" jest jednym z najbardziej znanych dzieł artysty. Według własnych wyjaśnień, litery tutaj symbolizują kratkę, blokując od nas niebo, to jest wolność.
Bonus: Zinaida Serebryakova - 1,07 milionów funtów
Serebryakova uwielbiał rysować nagich kobiet, autoportretów i ich czworo dzieci. Ten idealny feministyczny świat jest harmonijny i spokojny, który nie powiesz o życiu samego artysty, który prawie nie uciekł z Rosji po rewolucji i spędził dużo sił, by wyciągnąć swoje dzieci.
"Nude" nie jest obrazem olejnym, ale wzorem pastelu. Jest to najdroższy rosyjski rysunek. Taka wysoka kwota zapłacona za grafikę jest porównywalna z cenami dla rysunków impresjonistów i spowodowała wielką niespodziankę w Sotheby "S, który rozpoczął handel z 150 tysięcy funtów szterlinga i otrzymał milion.
Lista opiera się na cenach określonych w oficjalnych witrynach domów aukcyjnych. Ta cena składa się z czystej wartości (wyrażona, gdy młot jest obniżony), i« premimy kupującego "(dodatkowy odsetek domu aukcyjnego). W innych źródłach można wskazać "Czysty» Cena £. Szybkość dolara do funta często się zmienia, więc brytyjscy i amerykańskich partii znajdują się w stosunku do siebie z przybliżoną dokładnością (nie jesteśmy forbami).
Dodatki i poprawki naszej listy są mile widziane.