Sztuka współczesna i rzemiosło artystyczne. Ludowa sztuka dekoracyjna: Index php showtopic sztuka ludowa i rzemiosło

Ludowa sztuka zdobnicza w naszym kraju jest organiczną częścią kultury ludowej. Poetyckie obrazy, tkwiące w nim emocje są drogie i zrozumiałe dla wszystkich ludzi. Zaszczepia poczucie piękna, pomaga ukształtować harmonijnie rozwiniętą osobowość. Oparte na wieloletnich tradycjach artystycznych sztuki zdobnicze pozytywnie wpływają na edukację człowieka przyszłości. Dzieła, które tworzą mistrzowie z ludu, są odzwierciedleniem miłości do ojczyzny, umiejętności widzenia i rozumienia piękna otaczającego świata.

Główne rodzaje sztuki dekoracyjnej

Przez długie stulecia produkcja krajowa w rodzinach chłopskich, począwszy od XVIII-XIX w. i rzemiosło, dostarczała miastom i wioskom różnego rodzaju sprzętów z gliny, drewna i metalu, drukowanych tkanin, zabawek ceramicznych i drewnianych, dywanów itp. oraz wesołości na drewnie, figurki i gwizdki Dymkovo wykonane z gliny, lakierowane pudełka Lukuta. Każdy z tych przedmiotów jest dziełem ludowej sztuki zdobniczej. Drewniane złoto - malarstwo Khokhloma - cieszy się dużym zainteresowaniem w Rosji i za granicą.

Na Dalekim Wschodzie, na północy Rosji, na Syberii i na Kaukazie istniały oryginalne rzemiosła. Sławę zyskała obróbka metalu w Dagestanie Kubachi, malowanie ceramiki w Balkhar i nacinanie srebra w Untsukul. Ludowe sztuki zdobnicze, których rodzaje są bardzo zróżnicowane, są reprezentowane w różnych częściach naszego rozległego kraju.

Koronki wołogdzkie - ludowa sztuka dekoracyjna

Koronki wołogdzkie zyskały popularność w stolicach europejskich pod koniec XVIII wieku. A w naszych czasach wielu obcokrajowców błędnie wierzy, że koronki są tkane w Rosji tylko w Wołogdzie. W rzeczywistości Yelets, Kirishi, Vyatka również mają powody do dumy ze swoich produktów. Prawie wszystkie z nich mają swoje unikalne cechy. Tak więc kolorowe koronki Michajłowa są bardzo interesujące. W naszym kraju zdobyli nie mniejszą popularność niż Wołogdy. Niemniej jednak, podobnie jak setki lat temu, to właśnie do Wołogdy udają się na śnieżnobiały cud.

Rzeźba ażurowa

Rzeźba ażurowa zdobi małe kościane przedmioty: pudełka, szkatułki, wisiorki, broszki. Dzieło ludowej sztuki zdobniczej - koronka kostna - tak poetycko nazywa się ażurową rzeźbę.

Najbardziej rozpowszechnione są trzy rodzaje zdobnictwa w cięciu kości:

• Geometryczny - przeplatanie się linii prostych i krzywych.
• Warzywo.
• Rocaille - stylizacja kształtu muszli.

Technika rzeźbienia ażurowego służy do tworzenia kompozycji opartych na ornamentyce i tematyce. Surowcem jest zwykła kość krowa.

Dobra praca przy rzeźbieniu ażurowym wymaga specjalnych narzędzi: pilników igłowych, równiarek, nitów, wyrzynarek.

Frezowanie

Beading może być dumny z wielowiekowej historii, podobnie jak same koraliki. Mieszkańcy starożytnego Egiptu jako pierwsi opanowali złożoną umiejętność tkania naszyjników opartych na małych kolorowych szklanych kulkach, a także dekorowania nimi ubrań. Jednak produkcja koralików naprawdę rozkwitła w X wieku. Mieszkańcy Wenecji przez wiele lat skrupulatnie strzegli tajemnic swojego rzemiosła. Torebki i torebki, buty, ubrania i inne drobne rzeczy ozdobiono luksusowymi koralikami.

Kiedy w Ameryce pojawiły się koraliki, zastąpiły one tradycyjne materiały używane przez rdzennych mieszkańców. Tutaj były obszyte kołyskami, koszami, kolczykami, tabakierkami.

Ludy Dalekiej Północy zdobiły futrzane buty, futra, uprząż renifera i nakrycia głowy haftem z koralików.

Batik

Batik - DIY malowanie tkanin za pomocą utrwalaczy. Technika opiera się na spostrzeżeniu, że klej gumowy i parafina po nałożeniu na tkaninę nie przepuszczają farby przez siebie.

Istnieje kilka odmian batiku - wiązany, gorący, shibori, zimny.

Nazwa „batik” jest indonezyjska, co oznacza „farba”, „właz”, „przykryć kroplami”.

Ten obraz był używany od czasów starożytnych przez ludy Indii i Indonezji. Batik przybył do Europy w XX wieku.

Obraz

Malarstwo to jeden z najstarszych rodzajów sztuki dekoracyjnej. Od wieków stanowi organiczną część pierwotnej kultury i życia ludzi. Ten rodzaj sztuki dekoracyjnej jest szeroko rozpowszechniony.

Oto kilka rodzajów malowania:

• Malarstwo Zhostovo to słynne rosyjskie rzemiosło, które pojawiło się w XIX wieku we wsi Zhostovo, niedaleko Moskwy. Należy do najpopularniejszych rzemiosł, w których powstaje rosyjskie malarstwo ludowe. Słynne tace Zhostovo są malowane ręcznie. Najczęściej bukiety kwiatów są przedstawiane na czarnym tle.
• Malarstwo gorodeckie to rzemiosło, które pojawiło się w połowie XIX wieku w mieście Gorodec. Obraz jest jasny i lakoniczny. Jej tematami są figurki koni, sceny rodzajowe, wzory kwiatowe. Zdobione drzwi, okiennice, meble, kołowrotki.
• Malarstwo Khokhloma jest jednym z najstarszych ludowych rzemiosł. Powstał w XVII wieku w Khokhloma, niedaleko Niżnego Nowogrodu. Obraz Khokhloma to dekoracyjne malowanie przedmiotów drewnianych na złotym tle w kolorze czarnym, czerwonym, rzadziej zielonym. Po narysowaniu wzoru produkt powlekany jest specjalną kompozycją i trzykrotnie obrabiany w piecu, co pozwala na uzyskanie niepowtarzalnego miodowo-złotego koloru. Tradycyjne dla Khokhloma są jarzębiny i czerwone truskawki, gałęzie i kwiaty. Często w kompozycjach pojawiają się zwierzęta, ryby i ptaki, dzięki czemu wykonane dzieło staje się prawdziwym dziełem ludowej sztuki zdobniczej. Drewniane złoto - tak często nazywa się obraz Khokhloma.

Zapoznajmy się z różnymi rękodziełami wykorzystywanymi w przedszkolu do rozwoju dzieci.

Zabawka Dymkowo

Produkty rzemieślników Kirowa zachwycają jasnymi wzorami, niestandardowymi proporcjami i kształtami. Wszystkich zachwycają eleganckie, wspaniale zdobione i malowane panie-dandysy, kucyki, koguty, kozy. Pierwsze zabawki Dymkovo pojawiły się w 1811 roku. W święto Vyatka sprzedawano malowane gliniane lalki. Zabawki z gliny zostały wykonane przez rzemieślników ze wsi Dymkowo. Zrobili to ze swoimi rodzinami.

Obecnie w Kirowie działa fabryka produkująca zabawki Dymkovo.

Zabawka Filimonowskaja

Nie mniej znane jest centrum rzemiosła ludowego we wsi Filimonowo koło Tuły, gdzie rodzą się wspaniałe gliniane zabawki. Wykonane przez rzemieślników osoby i zwierzęta wyróżniają się kapryśną formą i dużą wyrazistością. Są to wieśniaczki, damy, żołnierze, krowy, jeźdźcy konni, barany. Zabawek Filimonov nie można pomylić z innymi, ponieważ niosą ze sobą swoje unikalne cechy w postaci modelowania i malowania. Bawią się wszystkimi kolorami tęczy.

Dziecko, które zobaczy zabawkę Filimonov o niestandardowym kolorze i kształcie, rozbudza kreatywność.

Zabawka Kargopol

Kargopol to starożytne miasto, którego mieszkańcy od dawna zajmują się garncarstwem. Przeważnie robili naczynia, ale niektórzy rzemieślnicy zajmowali się glinianymi zabawkami. To prawda, że ​​w 1930 roku łowisko popadło w ruinę. Renowacja warsztatów Kargopol odbyła się w 1967 roku.

Zabawki Kargopol wyglądają ostrzej na tle jasnych zabawek Dymkovo i Filimonov. Paleta kolorów to brąz, czerń i ciemna zieleń. Jest wiele zabawnych obrazów, prostych, ale jednocześnie oddychających ciepłem i humorem. To wieśniaczki, brodaci mężczyźni, lalki z kołowrotkami.

Potrawy Gzhel

Wieś Gzhel znajduje się niedaleko Moskwy. Ceramika była tu praktykowana od XIV wieku. Wśród naczyń produkowanych przez fermentory znajdują się talerze i zabawki, które malowane są brązowymi i żółto-zielonymi farbami ceramicznymi. Teraz wyroby porcelanowe produkowane w Gzhel są znane na całym świecie. Powodem tego jest niepowtarzalność formy i wzoru. Porcelana Gzhel wyróżnia się niebieskim malowaniem na białym tle. To prawda, że ​​niebieski nie jest jednolity. Jeśli przyjrzysz się uważnie, znajdziesz najsubtelniejsze odcienie i półtony, które przywołują na myśl błękit nieba, wody rzeki i jeziora. Oprócz zastawy stołowej w Gzhel produkowane są zabawki i drobne rzeźby. Wszystko, co robią mistrzowie, zachwyca harmonią treści i formy. To prawdziwe dzieło ludowej sztuki zdobniczej. Każdy marzy o zakupie Gzhel.

Sztuka dekoracyjna w przedszkolu

Sztuka rękodzieła ludowego to dziedzictwo nie tylko dla dorosłych. Jest to również ważne dla dzieci, które mogą bawić się z entuzjazmem zarówno lalkami lęgowymi wykonanymi z drewna, jak i glinianymi zabawkami rzemieślników z Kirowa. Sztuka ludu budzi zainteresowanie dzieci oryginalnością pomysłów, obrazowością i błyskotliwością. Jest to zrozumiałe dla dzieci, ponieważ jego treść jest prosta i lakoniczna, ale jednocześnie ukazuje dziecku piękno otaczającego go świata. Oto ulubione bajkowe wizerunki zwierząt, które są wykonane z gliny lub drewna oraz ozdoby z kwiatami, jagodami i liśćmi, które widzieliśmy więcej niż raz w życiu. Rzemieślnicy zajmujący się produkcją glinianych zabawek często ozdabiają swoje prace ornamentem o geometrycznych kształtach: paski, pierścienie, koła. Te rysunki znajdują również zrozumienie wśród dzieci. Wszystkie wyroby z gliny i drewna w przedszkolach to nie tylko dekoracja wnętrz. Pod okiem doświadczonego nauczyciela chłopaki przyglądają się im uważnie, rysując i modelując na podstawie próbek wyrobów ludowych.

Ludowa sztuka dekoracyjna w przedszkolu wkracza w życie dzieci, dając im radość, poszerzając horyzonty, wpływając pozytywnie na gust artystyczny. Przedszkolne placówki oświatowe powinny mieć wystarczającą liczbę rękodzieła. Pozwala to na dekorowanie wnętrz grup, aktualizując je po pewnym czasie. Wyroby artystyczne są pokazywane dzieciom, gdy opowiadają o rzemieślnikach. Wszystkie takie przedmioty należy przechowywać w szafach urzędu pedagogicznego. Muszą być stale uzupełniane i przeznaczane na rybołówstwo. Młodsze dzieci muszą kupić zabawne zabawki, rzeźbione drewniane zabawki. Dla dzieci z grupy średniej lepiej nadają się Filimonow i Kargopol. Dla dzieci starszych grup dostępne są wszelkiego rodzaju zabawki ludowe, w tym gliniane i drewniane.

Sztukateria ozdobna w przedszkolu umożliwia tworzenie naczyń przez dzieci, różne figurki na temat zabawek ludowych. Dodatkowo dzieci mogą zrobić drobną biżuterię dla lalek, upominki dla mam, babć i sióstr na 8 marca.

Pod wpływem zajęć z rękodziełem dzieci coraz głębiej interesują się ilustracjami o tematyce rosyjskiej, a zabawki bogactwem ich tematyki pobudzają wyobraźnię dziecka na lekcjach modelarstwa, wzbogacając jego wiedzę o otaczającym go świecie. Zajęcia z wykorzystaniem obiektów sztuki ludowej jako ilustracji są okazją do rozwoju umysłowego dzieci.

Jednak pozytywny efekt z tego osiąga się tylko wtedy, gdy dzieci są systematycznie i systematycznie wprowadzane do przedmiotów sztuki dekoracyjnej i użytkowej. W oparciu o zdobytą wiedzę tworzą własnymi rękami prace dekoracyjne. Zapraszamy do reprodukcji dzieła ludowej sztuki zdobniczej (dowolnego). Zdjęcie, jeśli sama praca nie jest dostępna, pomoże dziecku wyobrazić sobie, że będzie rysować lub rzeźbić.

Chęć angażowania się dzieci w tworzenie pięknych przedmiotów jest w dużej mierze zdeterminowana uwagą samego pedagoga na te kwestie. Musi mieć informacje o rzemiośle ludowym, mieć świadomość historii ich powstawania. Jeśli nauczyciel wie, jakiemu rzemiosłu ludowemu można przypisać daną zabawkę i wie, jak ciekawie opowiedzieć o mistrzach, którzy je wytwarzają, dzieci będą zainteresowane i będą miały ochotę na kreatywność.

Plastyka w klasach podstawowych

Ludowa sztuka dekoracyjna w działalności projektowej młodszych uczniów pozwala dzieciom powrócić do początków kultury ludowej, do dziedzictwa duchowego. We współczesnym świecie badanie bogactwa kultury narodowej jest najważniejszym zadaniem wychowania moralnego dzieci, czyniąc z nich patriotów swojego kraju. W ludowe rzemiosło wcielona jest dusza narodu, budzi się pamięć historyczna pokoleń. Nie da się wykształcić pełnoprawnej osobowości, rozwinąć jej potencjału moralnego, estetycznego gustu dzieci, jeśli rozmowy o kreatywności sprowadzą się do abstrakcyjnego rozumowania. Dzieła rzemieślników są przecież ilustracją najlepszych cech charakteru ludowego: to rozbudzanie szacunku dla własnej historii i tradycji, miłości do ojczyzny w ogóle, a w szczególności do miejsca, w którym się urodził, skromności dążąc do piękna, poczucia harmonii.

Jak zorganizować proces edukacyjny, aby miłość do ojczyzny nie była tylko pięknym frazesem, ale naprawdę odpowiadała wewnętrznej esencji młodego pokolenia? Co zrobić, jeśli nie ma spektakli, które w obrazowy i przenośny sposób odsłaniają wątek patriotyzmu? Ta kwestia wymaga oczywiście zintegrowanego podejścia. należy się do nich systematycznie odnosić.

Aby dziecko zrozumiało, o co toczy się gra, proponuje się rozważyć na lekcji dzieło ludowej sztuki dekoracyjnej (dowolne). Przykład takiej pracy pomoże zrozumieć pytanie.

Epoka nowożytna wymaga odwołania się do samych początków sztuki. Zachowanie, wzbogacanie sztuki ludowej, rozwijanie jej tradycji – to trudne zadania stojące przed nauczycielami, wychowawcami i pracownikami sztuki.

Plastyka w liceum

W miarę dorastania dzieci zaczynają coraz lepiej rozumieć, czym jest dzieło ludowej sztuki zdobniczej. Klasa 6 również systematycznie studiuje to zagadnienie.

Program pracy na studiach plastycznych w klasie 6 przewiduje trzy główne rodzaje działalności twórczej:

1. Dobra praca (malarstwo, rysunek).
2. Twórczość dekoracyjna (ozdoby, obrazy, aplikacje).
3. Obserwacja świata zewnętrznego (rozmowa).

Odmiany te pozwalają dzieciom zapoznać się z dziedzinami twórczości artystycznej. Już w trakcie znajomości staje się jasne, jak ściśle te obszary są ze sobą powiązane i jak zauważalnie uzupełniają się w procesie rozwiązywania zadań postawionych przez program. Każde dzieło ludowej sztuki zdobniczej należy poddać szczegółowej analizie. Klasa 6 to czas na rozwój smaku artystycznego.

Sztuki plastyczne są nauczane w szkole w ścisłym powiązaniu z innymi przedmiotami. Wykorzystuje wiedzę zdobytą w wyniku studiowania literatury, muzyki, języka rosyjskiego, historii, technologii, biologii. Umożliwia to zrozumienie praktycznego znaczenia lekcji plastyki, ich żywotnej konieczności. Na zajęciach literackich poruszany jest również taki temat jak „Dzieło ludowej sztuki zdobniczej”. Kompozycja (na ocenę 6) pozwala wykazać się znajomością przedmiotu. Dzieci doceniają w nim wyroby ludowych rzemieślników. Powinni sporządzić plan pracy i opisać dzieło ludowej sztuki zdobniczej (dowolne). Wystarczy 5-6 zdań na każdy punkt planu.

Ludowa sztuka dekoracyjna i Rosja

Sztuka ludowa miała wpływ zarówno na Tatarstan, jak i na inne regiony Rosji. Tatarska sztuka dekoracyjna jest jasna i różnorodna. Sięga starożytnych czasów pogaństwa - VII-VIII wieku. W Kazańskim Chanacie i Wołdze w Bułgarii rozwój sztuki przebiegał zgodnie z tradycjami islamu. Kierunek wiodący był różnorodny, ten typ wzorca jest szeroko manifestowany w różnych odmianach sztuki tatarskiej. Ozdoby zdobią hafty, rzeźby w drewnie i kamieniu, ceramika, biżuteria, kaligrafia. Styl zoomorficzny rozpowszechnił się w wyrobach bułgarskich mistrzów z czasów pogańskich.

Cechą rosyjskiej sztuki dekoracyjnej jest jej masywny charakter. W Rosji sztuki dekoracyjne są najczęściej anonimowe. Meble Gambs i biżuteria Faberge są raczej wyjątkiem niż regułą. Nienazwani rzemieślnicy tworzyli arcydzieła malarstwa, tkactwa, naczyń i zabawek. Produkcja artystyczna w Rosji może poszczycić się tworzeniem wielkich wartości na różnych polach.

Pierwsze dowody wysokiego rozwoju przemysłu kowalskiego i jubilerskiego można znaleźć wśród Scytów i plemion żyjących na terytoriach rozciągających się od Morza Czarnego po Syberię. Tutaj preferowany był styl zwierząt scytyjskich. Słowianie Północni, którzy mieli kontakt z mieszkańcami Skandynawii, zawarli w ornamentach misternie splecione fragmenty ciał ludzkich i zwierzęcych. Na Uralu plemiona ugrofińskie wykonały amulety z wizerunkami niedźwiedzi i wilków, wykonane z drewna, kamienia lub brązu.

W całej Rosji było wiele warsztatów malowania ikon. W Palech w obwodzie Iwanowskim najlepsze powstały na wątkach ludowych bajek i pieśni na czarnym lakierze. Ze starożytnego Bizancjum przyszła do nas filigranowa sztuka pogoni, zboża, motłochu, ażurowego rzeźbionego drewna i kości. W XVII wieku sztuka zdobnicza przekształciła się w rozwiniętą produkcję artystyczną. Są to emalia malowana Rostowa, rzeźba Niżnego Nowogrodu na chatach, czernienie na srebrze w Veliky Ustyug. Pałace i świątynie ozdobiono dziełami ludowych mistrzów sztuki zdobniczej.

Za czasów Piotra modne stały się zachodnioeuropejskie rzeczy: meble tapicerowane, fajans. Lustra są szeroko stosowane od XVIII wieku. MV Lomonosov do perfekcji opanował sztukę produkcji szkła, luster i mozaiki. Utalentowani architekci XVIII i początku XIX wieku opracowali projekty dekoracyjnego wyposażenia wnętrz. Niektórzy architekci tamtej epoki rozpoczynali karierę jako dekoratorzy, np. Rossi i Woronikhin. Dwór cesarski i najwyższa szlachta Rosji wydawały liczne zamówienia prywatnym przedsiębiorstwom, które zdołały osiągnąć wyżyny umiejętności. Do takich przedsiębiorstw należą fabryki fajansu i porcelany Kuznetsovsky, fabryka porcelany Popovsky.

Z badań nad sztuką ludową i rękodziełem wynika, że ​​popularyzacja dzieł sztuki ludowej najlepiej oddziałuje zarówno na dorosłych, jak i na dzieci. Sprzyja to gustowi estetycznemu, przyczynia się do powstania potrzeb duchowych, budzi poczucie dumy narodowej i człowieczeństwa. W końcu niesamowite kolorowe przedmioty tworzą ludowi rzemieślnicy, ludzie, którym natura obdarzyła talentem, wyobraźnią i życzliwością.

Czym jest sztuka i rzemiosło

Sztuka dekoracyjna i użytkowa to złożone i wieloaspektowe zjawisko kulturowe. Obejmuje wiele rodzajów rzemiosła ludowego związanego z tworzeniem wyrobów artystycznych mających praktyczne zastosowanie w życiu codziennym oraz obróbką artystyczną przedmiotów użytkowych (naczynia, meble, tkaniny, narzędzia, pojazdy, odzież, biżuteria, zabawki itp.) . Sztuka dekoracyjna i użytkowa żyje z ludźmi, zakorzeniona w wiekowej starożytności i rozwijająca się dzisiaj.

Dzieła sztuki zdobniczej i użytkowej są zwykle ściśle związane z otoczeniem architektoniczno-przestrzennym, zespołem (na ulicy, w parku, we wnętrzu) ​​i między sobą, tworząc zespół artystyczny. Powstałe w starożytności rzemiosło artystyczne stało się jedną z najważniejszych dziedzin sztuki ludowej. Jej historia związana jest z rzemiosłem artystycznym, przemysłem artystycznym, z działalnością profesjonalnych artystów i rzemieślników ludowych, a od początku XX wieku. - z artystyczną konstrukcją i designem.

Wiele wspaniałych przykładów sztuki dekoracyjnej i użytkowej można zobaczyć w muzeach sztuki, historii, historii lokalnej i etnografii, a także w książkach, albumach i na łamach czasopism. Każda wystawa sztuki ludowej to zawsze odkrywanie świata piękna i mądrości. Wyroby dawnych i współczesnych artystów niezmiennie budzą podziw zwiedzających, a niektórzy pragną naśladować przykład ludowych rzemieślników.

Ważne jest, aby każdy, kto styka się z dziełami sztuki dekoracyjnej i użytkowej, nie pozostawał bezczynnym widzem, ale starał się być badaczem, za każdym razem starając się zrozumieć, jakie techniki artystyczne i techniczne mistrz potrafił osiągnąć do perfekcji. Wiele z tego, co każdy z was będzie starał się zrobić z miłością własnymi rękami, dostarczy ludziom wokół siebie

Poznaj sztukę i rzemiosło na stronach samouczków. Jak iw jakim celu starożytni ozdabiali przedmioty gospodarstwa domowego i narzędzia?

Przeanalizuj symbolikę ozdób w różnych dziełach sztuki i rzemiosła. Jakie informacje niosą kształty i dekoracje tych przedmiotów?

Posłuchaj melodii ludowych i melodii. Jakie elementy stylu są pokazane na rozkładówce?

Haft

Haft od czasów starożytnych był ozdobą paleniska, dodawał uroku ubraniom, był używany na obrusach, serwetkach, zasłonach i ręcznikach, był podstawą sztuki dekoracyjnej i użytkowej na Ukrainie iw Rosji.

Każda gospodyni domowa mogła za pomocą haftu pocieszyć swój dom, ozdabiać ubrania swoich bliskich, realizować swoje artystyczne pomysły, ponieważ tego rodzaju sztuka dekoracyjna i użytkowa była dostępna dla każdego.

Hafty różnych ludów są pełne różnorodności i oryginalności wzorów i kolorów, gdyż powstawały na przestrzeni wieków i były zależne od historii i kultury ludów. Ponieważ w tamtych czasach nie było magazynów o modzie, w których można znaleźć wzór na każdy gust, ludzie przywiązują do haftu pewne znaczenie.

Haft był nie tylko pięknym elementem ubioru, ale także pełnił ważną rolę jako talizman. Jeśli zwracałeś uwagę na haft, zapewne zauważyłeś, że wśród ozdób najczęściej pojawiają się wzory geometryczne. Tak więc na przykład starożytny symbol słońca, płodności i kobiecej zasady, która przynosi szczęście i dobrobyt, został przedstawiony haftem w kształcie rombu. Symbol wody uosabiał witalność i został zastosowany w postaci falistych linii. Poziome ornamenty nosiły symbol Ziemi i oznaczały dobrobyt rodzinnego paleniska.

Jeśli zauważyłeś, to w niektórych haftach w ozdobie przedstawiono okrąg, wewnątrz którego wyhaftowany jest krzyż, taki element haftu symbolizuje Słońce i służy jako talizman, który usuwa zło od osoby. Ale haftowany krzyż we wzorze oznacza duchowe oczyszczenie, ponieważ jest symbolem ognia.

Ukraińcy preferowali ozdoby z ręczników, które miały charakter roślinny, rozpowszechniony był także wizerunek ptaków i zwierząt. W kolorystyce woleli głównie używać czerwieni, czerni i niebieskiego.

Motywy florystyczne w hafcie nie były wymyślone po prostu, a także miały swoje specyficzne znaczenie. Obraz w ornamencie liści dębu symbolizował siłę, a kalina była uważana za symbol piękna. Maki wyhaftowane na ubraniach oznaczały płodność i pamięć rodziny, a winogrona wnosiły szczęście i radość do życia rodzinnego. Haftowany barwinek był symbolem lojalności, a róże symbolem młodości i miłości.

Również w ukraińskich ornamentach często można znaleźć wizerunki gołębi, jaskółek, kogutów, koni oraz innych zwierząt i ptaków. Taki haft służył jako amulety, chroniące osobę przed różnymi siłami zła i duchami.

Ukraińska haftowana koszula

Integralną częścią męskiej i damskiej garderoby u Ukraińców zawsze była haftowana koszula. Ozdoba na koszuli charakteryzowała pewien obszar. Po tych wzorach łatwo można było odróżnić mieszkańców Połtawy od ludności Ziemi Podolskiej, a ozdoby huculskie różniły się od Polesia. Charakterystyczną cechą tych haftowanych koszul były nie tylko wzory, ale także technika wykonania i kolorystyka.

Na Ukrainie kobiety zajmowały się głównie haftem. Poświęcali każdą wolną minutę temu rzemiosłu. Podczas wspólnych spotkań haftowali, a podczas długich zimowych wieczorów, a nawet po pracach polowych, podczas krótkiego odpoczynku, często można zobaczyć haftującą Ukrainkę.

Ukrainki wkładały miłość i duszę w tworzenie ozdób na swoich ubraniach, a nosząca je haftowana koszula była cechą jej umiejętności i ciężkiej pracy.

Wraz z uzyskaniem niepodległości na Ukrainie zaczęła odżywać miłość ludu do swoich tradycji. Ostatnio ukraińskie koszule haftowane ponownie zaczęły zdobywać popularność. Stała się modnym trendem nie tylko wśród rodaków, ale także daleko poza jego granicami. Wszędzie można spotkać ludzi w haftowanych koszulach. Wygląda odpowiednio, zarówno na imprezach okolicznościowych, jak i na maturze, na ślubach czy wiecach.

Haft artystyczny uosabiał najlepsze tradycje naszego ludu i znalazł tysiące wielbicieli tego pięknego rodzaju sztuki dekoracyjnej i użytkowej.

Zadania artystyczne i twórcze

Zbierz informacje o historii jednego ze słynnych ludowych rzemiosł, przygotuj album, stoisko, prezentację komputerową, przedstaw ją swoim kolegom z klasy.

> Naszkicuj obraz oparty na dowolnym rosyjskim rzemiośle ludowym: Zhostovo, Gorodets, Khokhloma itp. (opcjonalnie), na jeden z tematów: „Pory roku”, „Poranek”, „Leśna bajka”,
„Złote żyto” itp.

> Przygotuj z kolegami z klasy wystawę sztuki i rzemiosła różnych gatunków. Zastanów się nad akompaniamentem muzycznym, podnieś próbki ludowej twórczości werbalnej (fragmenty bajek, legend, przysłów, powiedzeń itp.). Zwiedź tę ekspozycję dla młodszych uczniów, rodziców, gości szkolnych.

Jaka jest starożytna Rosja? W kokoshniku ​​i sukience haftowanej srebrem? A może w spodniach i brodzie? Nie...
Starożytna Rosja to szerokość duszy, to niekończące się zielone pola, to sztuka ludowa, która wciąż zachwyca swoją zawiłością, a jednocześnie prostotą formy. Pamiętam, jak pierwszy raz zobaczyłem kościół wstawienniczy, wykonany bez jednego gwoździa. Perfekcyjne kopuły wznosiły się harmonijnie nad lasem. A może to jest Rosja, ta Rosja, o której pisano w książkach, której się obawiano i szanowano. Może tak. Jednak dzisiaj chcę zapoznać Was z najciekawszą salą Muzeum Rosyjskiego - Salą Sztuki Dekoracyjnej i Stosowanej.

Kolekcja hali jest jedną z największych w Rosji. Wystawa główna należy do XVII - XIX wieku. Kilka sal zarezerwowanych jest na wystawy. Tutaj można zobaczyć przedmioty gospodarstwa domowego starożytnej Rosji, stroje ludowe, miniatury sztuki i niesamowicie pięknie zdobione chaty.

Ludowy strój kobiecy z tamtych czasów jest niewyczerpanym źródłem pomysłów dla artystów i projektantów. Zobacz, jak harmonijnie dobierane są wzory, jak elegancko i jednocześnie skromnie prezentują się koszula i sundress.

Szczególnie zachwyciły mnie nakrycia głowy kupców i szlachcianek. Kokoshniki są haftowane perłami, złotymi i srebrnymi nićmi, kamieniami szlachetnymi. Nawet pod szkłem zauważalny jest spory ciężar tych produktów. A rozmiar to zupełnie inna historia. W filmach i przedstawieniach teatralnych nakrycia głowy kobiet z Rosji są raczej miniaturowe w porównaniu z ich poprzednikami.

Garnitury damskie wykonane są z brokatu, jedwabiu i adamaszku. Gdzieś zachowały pogańskie motywy, a gdzieś odzwierciedlają rzemieślnicze tradycje artystyczne. W muzeum jest znacznie mniej strojów męskich. A garnitur mężczyzny składał się z koszuli, spodni, paska i nakrycia głowy.

Ogromną wartość mają przedmioty gospodarstwa domowego, które przetrwały do ​​dziś. Nie przyszło do nas wiele drewnianych rzemiosł do kuchni, zabawek i zabawnych miniatur.

Również w Muzeum Rosyjskim znajduje się kolekcja kołowrotków z XIX-XX wieku. Została stworzona przez mistrzów z prowincji Petersburga, Nowogrodu, Ołońca i Archangielska. Północni rzemieślnicy robili kołowrotki dla swoich żon i córek. Tak więc córka otrzymała pierwszy kołowrotek od ojca w dzieciństwie. Drugi kołowrotek po swataniu, a trzeci od męża.

W sztuce ludowej Rosji istnieje specjalne podejście do projektowania domu. Rzemieślnicy starali się tworzyć prawdziwe dzieła sztuki przy użyciu różnorodnych ozdób artystycznych.

Jesienin napisał: „...muzyka i epos narodziły się razem poprzez znak drzewa, - sprawia, że ​​myślimy o tym nie jako o przypadkowym fakcie mitycznej wypowiedzi, ale jako o ścisłej, wyważonej reprezentacji naszych odległych przodków. jedna ozdoba gospodarstwa domowego.
Wszystkie nasze łyżwy na dachach, koguty na żaluzjach, gołębie na książęcym ganku, kwiaty na pościeli i pościeli wraz z ręcznikami nie mają prostego, ozdobnego charakteru, to wielka, znacząca epopeja o losach świata i cel człowieka ”.

Rzeczywiście, rosyjskie chaty to nie tylko mieszkanie ozdobione wzorami. To prawdziwy skarb starożytnej wiedzy, który czasami nie jest łatwy do odkrycia.

Sztuka dekoracyjna i użytkowa, dział sztuki; obejmuje szereg dziedzin twórczości, które poświęcone są tworzeniu wyrobów artystycznych przeznaczonych głównie do życia codziennego. Jego dziełami mogą być: różnego rodzaju naczynia, meble, tkaniny, narzędzia, pojazdy, a także ubrania i wszelkiego rodzaju ozdoby. Wraz z podziałem dzieł sztuki dekoracyjnej i użytkowej według ich praktycznego przeznaczenia w literaturze naukowej drugiej połowy XIX wieku. zatwierdzono klasyfikację branż według materiału (metal, ceramika, tekstylia, drewno) lub techniki wykonania (rzeźba, malarstwo, haft, druk, odlewnictwo, goniec, intarsja itp.). Klasyfikacja ta wynika z ważnej roli zasady konstrukcyjnej i technologicznej w sztuce i rzemiośle oraz jej bezpośredniego związku z produkcją. Rozwiązywanie zbiorcze, podobnie jak architektura, zadania praktyczne i artystyczne, sztuka i rzemiosło jednocześnie należą do sfer tworzenia wartości zarówno materialnych, jak i duchowych. Dzieła tego rodzaju sztuki są nierozerwalnie związane z kulturą materialną epoki swojej epoki, są ściśle związane z odpowiadającym jej sposobem życia, z taką czy inną jej lokalnymi cechami etnicznymi i narodowymi, różnicami społecznymi i grupowymi. Tworząc organiczną część obiektywnego środowiska, z którym człowiek styka się na co dzień, dzieła sztuki dekoracyjnej i użytkowej wraz z ich walorami estetycznymi, obrazowymi, charakterem nieustannie wpływają na stan umysłu człowieka, jego nastrój, są ważnym źródłem emocje, które wpływają na jego stosunek do otaczającego go świata.

Nasycając estetycznie otoczenie człowieka, dzieła tego gatunku są jednocześnie niejako przez nią wchłaniane, gdyż postrzegane są zwykle w połączeniu z jego rozwiązaniem architektoniczno-przestrzennym, z innymi zawartymi w nim przedmiotami lub ich kompleksami (usługa, komplet mebli, garnitur, komplet biżuterii). Dlatego treść ideową dzieł sztuki dekoracyjnej i użytkowej najpełniej można zrozumieć tylko z jasnym wyobrażeniem (rzeczywistym lub odtworzonym w myślach) o tych wzajemnych powiązaniach przedmiotu z otoczeniem i osobą.

Architektura obiektu, ze względu na jego przeznaczenie, możliwości konstrukcyjne i właściwości plastyczne materiału, często odgrywa fundamentalną rolę w kompozycji produktu artystycznego. Często w sztuce i rzemiośle piękno materiału, proporcjonalne proporcje części, rytmiczna struktura są jedynymi środkami ucieleśnienia emocjonalno-figuratywnej treści produktu (na przykład szkło lub inne niebarwione materiały pozbawione dekoracji ). Wyraźnie uwidacznia się tu szczególne znaczenie dla sztuki dekoracyjnej i użytkowej czysto emocjonalnych, nieobrazowych środków języka artystycznego, których użycie wiąże się z architekturą. Obraz emocjonalno-sensowny jest często uruchamiany przez skojarzenie wizerunkowe (poprzez porównanie kształtu produktu z kroplą, kwiatem, postacią człowieka, zwierzęcia, jego poszczególnymi elementami, z jakimś innym produktem - dzwonkiem, tralką, itp.). Dekor, pojawiający się na produkcie, znacząco wpływa również na jego figuratywną strukturę. Często to właśnie dzięki swojemu wystrojowi przedmiot gospodarstwa domowego staje się dziełem sztuki. Posiadający własną ekspresję emocjonalną, własny rytm i proporcje (często kontrastujące formą, jak np. w wyrobach mistrzów Khokhloma, gdzie skromny, prosty kształt misy i eleganckie, odświętne malowanie powierzchni różnią się emocjonalnym brzmieniem), dekor wizualnie zmienia kształt, a jednocześnie łączy się z nim w jeden artystyczny obraz.

Do tworzenia dekoracji szeroko stosuje się ornament i elementy (oddzielnie lub w różnych kombinacjach) sztuk pięknych (rzeźba, malarstwo, rzadziej grafika). Środki plastyczne i zdobnicze służą nie tylko do tworzenia dekoracji, ale czasami wnikają w kształt przedmiotu (detale meblowe w postaci palmet, wolut, zwierzęcych łap, głów; naczynia w postaci kwiatu, owocu, postać ptaka, zwierzęcia, człowieka). Czasami ornament lub wizerunek staje się podstawą do ukształtowania produktu (wzór kraty, koronki; wzór tkania tkaniny, dywan). Konieczność skoordynowania wystroju z formą, obrazem - ze skalą i naturą produktu, z jego praktycznym i artystycznym przeznaczeniem prowadzi do przekształcenia motywów malarskich, do umowności interpretacji i porównywania elementów natury (np. , połączenie w projekcie nóg stołowych motywów łapy lwa, skrzydeł orła i głowy łabędzia ).

W jedności funkcji artystycznej i użytkowej produktu, w przenikaniu się formy i wystroju, zasad wizualnych i tektonicznych manifestuje się syntetyczny charakter sztuki dekoracyjnej i użytkowej. Jego prace przeznaczone są do percepcji zarówno wzrokiem, jak i dotykiem. Dlatego objawienie piękna faktury i właściwości plastycznych materiału, umiejętności i różnorodności metod jego obróbki w sztuce i rzemiośle nabierają znaczenia szczególnie aktywnych środków oddziaływania estetycznego.

Obraz

Malarstwo, forma sztuki, dzieła sztuki tworzone za pomocą farb nakładanych na dowolną twardą powierzchnię. Podobnie jak inne rodzaje sztuki, malarstwo spełnia zadania ideowe i poznawcze, a także służy jako sfera tworzenia wartości estetycznych przedmiotu, będąc jedną z wysoko rozwiniętych form pracy ludzkiej.

Malarstwo odzwierciedla iw świetle pewnych pojęć ocenia duchową treść epoki, jej rozwój społeczny. Potężnie oddziałując na uczucia i myśli odbiorców, zmuszając ich do doświadczania rzeczywistości przedstawionej przez artystę, służy jako skuteczny środek edukacji społecznej. Wiele dzieł malarskich ma wartość dokumentalną i informacyjną.

Dzięki widzialności drogi, wyrażona w twórczości artysty ocena życia nabiera szczególnego przekonywania dla widza. Tworząc artystyczne obrazy, malarstwo posługuje się kolorem i wzorem, wyrazistość kresek, która zapewnia elastyczność jego języka, pozwala oddać barwne bogactwo świata, objętość przedmiotów, ich jakościową oryginalność i materialną miąższość, głębię przedstawiona przestrzeń, w całości na płaszczyźnie, niedostępna dla innych rodzajów sztuki, środowisko świetliste. Malarstwo nie tylko bezpośrednio i wizualnie ucieleśnia wszystkie widzialne zjawiska świata realnego (w tym przyrody w różnych jej stanach), pokazuje szerokie obrazy z życia ludzi, ale także dąży do ukazania i interpretacji istoty procesów zachodzących w życiu i świecie wewnętrznym osoby.

Rozpiętość i kompletność pokrycia rzeczywistości dostępnej dla tego rodzaju sztuki znajduje również odzwierciedlenie w bogactwie tkwiących w niej gatunków (historycznych, potocznych, bitewnych, zwierzęcych itp.).

Celowo, ze względu na charakter wykonania i wizerunku, wyróżnia się: malarstwo monumentalne i dekoracyjne (malowidła ścienne, lampy sufitowe, panele), uczestniczące w organizacji przestrzeni architektonicznej, tworzące bogate ideowo środowisko dla człowieka; sztalugi (obrazy), bardziej intymne, zwykle nie związane z żadnym konkretnym miejscem; dekoracja (szkice scenografii teatralnych i filmowych oraz kostiumów); malowanie ikon; miniatura (ilustracje rękopisów, portrety itp.).

Ze względu na charakter substancji wiążących pigment (substancje barwiące), technologiczne metody utrwalania pigmentu na powierzchni, malowanie olejne, malowanie farbami wodnymi na tynku - surowe (fresk) i suche (a secco), tempera, malowanie klejem, woskiem, emalią, malowanie farbami ceramicznymi (spoiwa - szkła niskotopliwe, topniki, glazury - utrwalane przez wypalanie na ceramice), farby silikatowe (spoiwem jest szkło rozpuszczalne) itp. -zadania dekoracyjne. Do malowania używa się również akwareli, gwaszu, pasteli i tuszu.

Główny ekspresyjny środek malarski - kolor - swoją ekspresją, umiejętnością wywoływania różnych skojarzeń zmysłowych, potęguje emocjonalność obrazu, determinuje szerokie możliwości wizualne i dekoracyjne tego rodzaju sztuki. W swoich pracach tworzy integralny system (kolor). Zwykle stosuje się jedną lub drugą serię powiązanych ze sobą kolorów i ich odcieni (gamma kolorów), chociaż zdarza się również malowanie w odcieniach tego samego koloru (monochromatyczne). Kompozycja kolorystyczna (system rozmieszczenia i relacji plam barwnych) zapewnia pewną kolorystyczną jedność dzieła, wpływa na przebieg jego percepcji przez widza, wpisując się w specyficzną dla dzieła strukturę artystyczną. Inny ekspresyjny środek malarski - rysunek (linia i światłocienie) - rytmicznie i kompozycyjnie, wraz z kolorem, porządkuje obraz; linia oddziela od siebie tomy, często stanowi konstruktywną podstawę formy obrazowej, pozwala na uogólnione lub szczegółowe odwzorowanie konturów obiektów, odsłaniając ich najdrobniejsze elementy.

Architektura

Architektura (łac. Architectura, z greckiego Architéktón - budowniczy), architektura, system budynków i budowli, które tworzą przestrzenne środowisko życia i działalności ludzi, a także sama sztuka tworzenia tych budynków i budowli zgodnie z prawami piękna. Architektura jest niezbędną częścią środków produkcji i materialnych środków utrzymania ludzkiego społeczeństwa. Jej artystyczne obrazy odgrywają znaczącą rolę w życiu duchowym społeczeństwa. Funkcjonalne, konstrukcyjne i estetyczne walory architektury (użyteczność, siła, piękno) są ze sobą powiązane.

Dzieła architektury to budynki o uporządkowanej przestrzeni wewnętrznej, zespoły budynków, a także konstrukcje służące do dekoracji otwartych przestrzeni (pomniki, tarasy, wały itp.).

Przedmiotem celowej organizacji jest przestrzeń zaludnionego miejsca jako całości. Tworzenie miast, osiedli i regulacja całego systemu osadniczego wyróżniały się na szczególnym obszarze, nierozerwalnie związanym z architekturą - urbanistyką.

Najważniejszym środkiem praktycznego rozwiązania funkcji oraz zadań ideowych i artystycznych architektury jest sprzęt budowlany. Decyduje o możliwości i ekonomicznej wykonalności realizacji określonych układów przestrzennych. Estetyczne właściwości prac architektonicznych w dużej mierze zależą od rozwiązania konstrukcyjnego. Budynek musi być nie tylko solidny, ale także wyglądać solidnie. Nadmiar materiału sprawia wrażenie zbyt ciężkiego; widoczny (pozorny) brak materiału wiąże się z niestabilnością, zawodnością i powoduje negatywne emocje. W toku rozwoju technologii budowlanej nowe zasady kompozycji architektonicznej, odpowiadające właściwościom nowych materiałów i konstrukcji, mogą kolidować z tradycyjnymi poglądami estetycznymi. Ale w miarę jak struktura się rozprzestrzenia i dalej asymiluje, wyznaczane przez nią formy nie tylko przestają być postrzegane jako niezwykłe, ale stają się w masowej świadomości źródłem emocjonalnego i estetycznego oddziaływania.

Jakościowe zmiany w sprzęcie budowlanym, tworzenie nowych konstrukcji i materiałów znacząco wpłynęły na współczesną architekturę. Szczególne znaczenie ma zastąpienie rzemieślniczych metod konstrukcyjnych metodami przemysłowymi, związanymi z ogólnymi procesami rozwoju produkcji, z koniecznością zwiększenia tempa budowy masowej i wymagającą wprowadzenia standaryzacji, ujednoliconych konstrukcji i części.

Głównymi środkami kreowania wizerunku artystycznego w architekturze są kształtowanie przestrzeni i architektura. Podczas tworzenia kompozycji objętościowo-przestrzennej (w tym wewnętrznej organizacji struktur) stosuje się zasady symetrii lub asymetrii, niuanse lub kontrasty podczas porównywania elementów, ich różnych relacji rytmicznych itp. Szczególne znaczenie w architekturze mają proporcjonalność części i całości względem siebie (system proporcji) oraz proporcjonalność konstrukcji i jej poszczególnych form do człowieka (skala). Do artystycznych środków architektury zalicza się także fakturę i kolor, których różnorodność osiąga się różnymi metodami obróbki powierzchni budynku. Całościowy, plastyczny i ekspresyjny układ form dzieł architektury, spełniający wymogi funkcjonalne i konstrukcyjne, nazywany jest kompozycją architektoniczną.

Trwała wspólnota cech charakterystycznych artystycznej formy architektury i jej programu ideowego i treściowego kształtuje jej styl. Najważniejsze cechy stylu przejawiają się w systemie organizacji funkcjonalno-przestrzennej budynków, w ich architekturze, proporcjach, plastyce i wystroju.

Rzeźba

Rzeźba (łac. sculptura, od sculpo - rzeźbię, wycinam), rzeźba, plastik (gr. plastike, od plasso - formuję), forma artystyczna oparta na zasadzie wolumetrycznego, fizycznie trójwymiarowego obrazu przedmiotu. Z reguły przedmiotem obrazu w rzeźbie jest osoba, rzadziej - zwierzęta (gatunek zwierzęcy), jeszcze rzadziej - przyroda (krajobraz) i rzeczy (martwa natura). Pozycjonowanie postaci w przestrzeni, przekazywanie jej ruchu, postawy, gestu, czarno-białe modelowanie, które uwydatnia relief formy, architektoniczna organizacja objętości, wizualny efekt jej masy, relacje ciężaru, wybór proporcji, specyficznych w każdym przypadku, charakter sylwetki jest głównym środkiem wyrazu tego rodzaju sztuki. Wolumetryczna forma rzeźbiarska budowana jest w realnej przestrzeni zgodnie z prawami harmonii, rytmu, równowagi, interakcji z otaczającym środowiskiem architektonicznym lub naturalnym oraz na podstawie cech anatomicznych (strukturalnych) danego modelu obserwowanych w przyrodzie.

Istnieją dwa główne rodzaje rzeźby: rzeźba okrągła, która jest swobodnie umieszczona w przestrzeni oraz relief, w którym obraz znajduje się na płaszczyźnie stanowiącej jego tło. Do dzieł pierwszego, zwykle wymagającego widoku kolistego, należą: posąg (postać o wysokości), grupa (dwie lub więcej postaci tworzących jedną całość), figurka (figura znacznie mniejsza od naturalnej wielkości). ), tułów (obraz ludzkiego ciała), popiersie (obraz w klatce piersiowej osoby) itp.

W zależności od treści i funkcji rzeźba dzieli się na monumentalno-dekoracyjne, sztalugowe itp. mała rzeźba. Chociaż gatunki te rozwijają się w bliskiej interakcji, każdy z nich ma swoje własne cechy. Monumentalno-dekoracyjna: rzeźba przeznaczona jest do konkretnego środowiska architektoniczno-przestrzennego lub przyrodniczego. Ma wyrazisty charakter publiczny, adresowany jest do rzeszy widzów i zlokalizowany jest przede wszystkim w miejscach publicznych - na ulicach i placach miasta, w parkach, na elewacjach i we wnętrzach budynków użyteczności publicznej. Rzeźba monumentalna i dekoracyjna ma za zadanie skonkretyzować obraz architektoniczny, uzupełnić wyrazistość form architektonicznych o nowe odcienie. Zdolność rzeźby monumentalnej i dekoracyjnej do rozwiązywania dużych problemów ideologicznych i figuratywnych ujawnia się szczególnie w pełni w pracach określanych mianem monumentalnych, do których należą zazwyczaj pomniki miejskie, pomniki i obiekty pamięci. Majestat form i trwałość materiału łączy się w nich z podniesieniem figuratywnej struktury, rozmachem uogólnienia. Rzeźba sztalugowa, niezwiązana bezpośrednio z architekturą, jest bardziej intymna. Sale wystawowe, muzea, wnętrza mieszkalne, gdzie można go oglądać z bliska i we wszystkich szczegółach, są jego zwykłym otoczeniem. W ten sposób określa się specyfikę plastycznego języka rzeźby, jego wielkość, ulubione gatunki (portret, gatunek, akt, gatunek zwierzęcy). Rzeźba sztalugowa, w większym stopniu niż monumentalna i dekoracyjna, charakteryzuje się zainteresowaniem wewnętrznym światem człowieka, subtelnym psychologizmem i narracją. Rzeźba na małą skalę obejmuje szeroką gamę dzieł przeznaczonych przede wszystkim do wnętrz mieszkalnych i pod wieloma względami łączy się ze sztuką i rzemiosłem.

Cel i treść dzieła rzeźbiarskiego determinują charakter jego struktury plastycznej, a to z kolei wpływa na wybór materiału rzeźbiarskiego. Technika rzeźby w dużej mierze zależy od cech przyrodniczych i sposobów ich obróbki. Do modelowania używa się miękkich substancji (glina, wosk, plastelina itp.); najczęściej używanymi narzędziami są pierścienie i stosy druciane. Bryły (różne rodzaje kamienia, drewna itp.) są przetwarzane poprzez cięcie (cięcie) lub rzeźbienie, usuwanie zbędnych części materiału i stopniowe uwalnianie ukrytej w nim formy objętościowej; do obróbki bloku kamiennego używa się młotka (młotka) i zestawu narzędzi metalowych, do obróbki drewna - głównie dłut kształtowych i wierteł. Substancje zdolne do przejścia ze stanu ciekłego w stan stały (różne metale, gips, beton, plastik itp.) są używane do odlewania rzeźb za pomocą specjalnie wykonanych form.

Teatr

Teatr (z greki Théatron - miejsce na spektakle; spektakl), rodzaj sztuki. Teatr jest formą świadomości społecznej, jest nierozerwalnie związany z życiem ludu, jego narodową historią i kulturą. Teatr zazwyczaj osiąga artystyczny rozkwit, gdy przesiąknięty zaawansowanymi ideami epoki, walczy o humanistyczne ideały, głęboko i prawdziwie odsłania złożoność wewnętrznego świata człowieka, jego aspiracje.

Artystyczne odbicie życia, aprobata pewnych idei, światopoglądu, ideologii dokonuje się w teatrze poprzez dramatyczną akcję aktorów na oczach widzów. Zmagania bohaterów, ujawnianie konfliktów społecznych i psychologicznych, które wpływają na losy ludzi, ich relacje są w centrum spektaklu, przedstawienia. Specyfika teatru wymaga emocjonalnej i duchowej jedności sceny i widowni, obecności wspólnych zainteresowań twórców spektaklu i publiczności. Teatr odgrywa ważną rolę w edukacji estetycznej, moralnej i politycznej. Do tego ma do dyspozycji bogate środki artystycznego uogólnienia, wyrazistości, oddziaływania na masową publiczność.

Przedstawienie teatralne oparte jest na dramacie. Teatr przenosi dzieło literackie w obszar akcji scenicznej i swoistych obrazów teatralnych; postacie i konflikty dramatu zawarte są w żywych osobach i działaniach. Słowo, mowa to najważniejszy środek, w jaki teatr uzbrojony jest w dramat. W teatrze słowo podlega również prawom akcji dramatycznej. W niektórych przypadkach zamienia mowę w sposób na codzienną charakterystykę postaci, w innych ujawnia poprzez werbalną tkankę roli złożone konflikty świadomości i psychiki bohatera. Przemówienie na scenie może przybrać formę długiej wypowiedzi (monolog), przebiegać jako rozmowa z partnerem (dialog), zwracać się do widza lub brzmieć jak odbicie bohatera, jego „monolog wewnętrzny” itp.

Teatr to sztuka zbiorowa. Spektakl to dzieło, które łączy w sobie artystyczną jedność, harmonię wszystkich elementów. Powstaje pod kierunkiem reżysera i zgodnie z intencją reżysera wspólnym wysiłkiem aktorów, scenografa, kompozytora, choreografa i wielu innych. Spektakl oparty jest na interpretacji spektaklu przez reżysera, jego gatunku, rozwiązaniu stylistycznym. Akcja spektaklu jest zorganizowana w czasie (tempo, rytm, narastanie i opadanie napięcia emocjonalnego) oraz w przestrzeni (rozwój podestów scenicznych, zasada ich wykorzystania, mise-en-scène, scenografia, ruch itp.).

Głównym nośnikiem akcji teatralnej jest aktor, w którego twórczości ucieleśnia się istota teatru: umiejętność zawładnięcia widzem sztuki. spektakl życia toczącego się bezpośrednio przed ich oczami, twórczy proces jego wcielenia. Wizerunek aktora tworzony jest na podstawie spektaklu i jego interpretacji przez reżysera spektaklu. Ale nawet w systemie ściśle zorganizowanego spektaklu aktor pozostaje niezależnym artystą, zdolnym tylko dla niego samego odtworzyć na scenie żywy obraz człowieka, przekazać złożoność i bogactwo ludzkiej psychiki. Praca nad sobą i rolą w procesie prób to, jak sądził KS Stanisławski, dwie nierozerwalnie związane strony aktorskiej działalności.

Często aktor tworzy na scenie obraz niepodobny do swojego, w różnych rolach zmienia się zewnętrznie i wewnętrznie. Wcielając się w wygląd, charakter postaci, performer posługuje się środkami ekspresji plastycznej i rytmicznej, sztuką mowy, mimiką, gestem. Historia teatru światowego zna aktorów, którzy mieli wirtuozerską umiejętność zewnętrznej transformacji.

W teatrze muzycznym akcja ucieleśnia się za pomocą dramatu muzycznego, który opiera się na ogólnych prawach dramatu - obecności wyraźnie wyrażonego centralnego konfliktu, który ujawnia się w walce przeciwstawnych sił, pewnej sekwencji etapów w ujawnieniu dramaty. projekt. W każdym z rodzajów muzycznej sztuki scenicznej te ogólne prawa znajdują swoiste załamanie w zależności od charakteru ich środków wyrazowych: w operze akcja na scenie wyrażana jest przez muzykę, czyli przez śpiew postaci , a także dźwiękiem orkiestry; w balecie taniec i pantomima pełnią rolę podobną do śpiewu w operze. Jednocześnie w obu przypadkach muzyka jest głównym środkiem uogólniającym, spajającym wszystkie elementy dramatu. W operetce, która jest rodzajem opery z dialogiem mówionym, duże znaczenie ma śpiew i taniec kupletowy. W gatunku muzycznym wykorzystywane są ekspresyjne środki sztuki dramatycznej, operowej i choreograficznej, pop i muzyka codzienna.

Muzyka

Muzyka (z greckiego musike, dosłownie sztuka muz), forma sztuki, która odzwierciedla rzeczywistość i oddziałuje na człowieka poprzez znaczące i specjalnie zorganizowane sekwencje dźwiękowe, składające się głównie z tonów. Muzyka to specyficzny rodzaj dźwiękowej aktywności ludzi. Z innymi odmianami (mowa, sygnalizacja instrumentalno-dźwiękowa itp.) łączy go zdolność do wyrażania myśli, emocji i procesów wolicjonalnych człowieka w słyszalnej formie oraz służenia jako środek komunikacji między ludźmi i kontroli ich zachowanie. Jednocześnie znacznie różni się od wszystkich innych rodzajów dźwiękowej aktywności człowieka. Zachowując pewne pozory dźwięków prawdziwego życia, dźwięki muzyczne zasadniczo różnią się od nich ścisłą organizacją wysokościową i czasową (rytmiczną). Dźwięki te są częścią historycznie ukształtowanych systemów opartych na tonach. W każdym utworze tony tworzą własny system połączeń pionowych i następstwa poziomego – jego formę.

W treści muzyki dominującą rolę odgrywają stany i procesy emocjonalne (a także dążenia wolicjonalne). O ich wiodącej pozycji w treści muzycznej decyduje charakter dźwiękowy (intonacyjny) i czasowy muzyki, co pozwala z jednej strony opierać się na wielowiekowym doświadczeniu ludzi uzewnętrzniających swoje emocje i przenoszących je na innych członków społeczeństwa przede wszystkim i głównie poprzez dźwięki, az drugiej strony - aby adekwatnie wyrazić przeżycie emocjonalne jako ruch, proces ze wszystkimi jego zmianami i odcieniami, dynamicznymi wzlotami i upadkami, wzajemnymi przejściami emocji i ich zderzeniami.

Spośród różnych rodzajów emocji muzyka uosabia głównie nastroje. Emocjonalne aspekty intelektualnych i wolicjonalnych cech jednostki (i odpowiadające im procesy) są również szeroko reprezentowane w treści muzycznej. Dzięki temu tego rodzaju sztuka ujawnia nie tylko stany psychiczne ludzi, ale także ich charaktery. W najbardziej konkretnym (ale nieprzetłumaczalnym na język słów), bardzo subtelnym i „zaraźliwym” wyrażaniu emocji muzyka nie ma sobie równych. Na tym opiera się powszechna definicja tego jako „języka duszy” (AN Sierow).

Dążąc do szerszego ujęcia świata idei filozoficznych i społecznych, kompozytorzy często wykraczają poza tzw. muzykę czystą (instrumentalną, nieprogramowaną), odnosząc się do słowa jako nośnika konkretnych treści konceptualnych (muzyka instrumentalna wokalna i programowana, patrz Zaprogramowana muzyka), a także do akcji scenicznej. Dzięki syntezie ze słowami, czynami itp. powstają nowe typy obrazów muzycznych, które są trwale powiązane w świadomości społecznej z pojęciami i ideami wyrażanymi przez inne składniki syntezy, a następnie przechodzą w „czystą” muzykę jako nośniki te same koncepcje i pomysły. Do wyrażania myśli kompozytorzy posługują się także symbolami dźwiękowymi (powstałymi w praktyce społecznej, śpiewami lub melodami istniejącymi w określonym środowisku społecznym, które stały się „muzycznymi emblematami” pewnych pojęć) lub tworzą własne, nowe „znaki muzyczne”. ” (na przykład motywy przewodnie). Dzięki temu w treści M. znajduje się ogromny i stale wzbogacany wachlarz pomysłów.

W muzyce dostępne są różne rodzaje treści: epicka, dramatyczna, liryczna. Jednocześnie jednak, ze względu na jej nieobrazowy charakter, najbliższe jej są teksty.

Materialnym ucieleśnieniem treści muzyki, sposobem jej istnienia, jest forma muzyczna - ten system dźwięków muzycznych, w którym realizowane są emocje, myśli i wyobrażenia wyobrażeniowe kompozytora. Nawet z osobna, muzyczne dźwięki mają już pierwotne zdolności ekspresyjne. Każdy z nich jest zdolny do wywołania fizjologicznego odczucia przyjemności lub niezadowolenia, podniecenia lub uspokojenia, napięcia lub rozładowania, a także doznań synestetycznych (ciężkość lub lekkość, ciepło lub zimno, ciemność lub światło itp.) oraz najprostsze skojarzenia przestrzenne.

W każdym utworze muzycznym, z poszczególnych elementów jego formy, w procesie ich unifikacji i podporządkowania powstaje ogólna struktura, składająca się z kilku struktur prywatnych. Do tych ostatnich należą struktury: melodyczne, rytmiczne, harmoniczne, fakturowane, barwowe, dynamiczne itp. Szczególne znaczenie ma struktura tematyczna, której elementami są tematy muzyczne (wraz z różnymi rodzajami i etapami ich zmiany i rozwoju). W większości stylów muzycznych to tematy są materialnymi nośnikami obrazów muzycznych.

Muzyka ma swoją własną strukturę. Tak więc w rozwiniętej kulturze muzycznej twórczość jest reprezentowana przez wiele odmian, które można różnicować według różnych cech. 1) Według rodzaju treści: liryczna, epicka, dramatyczna, a także heroiczna, tragiczna, humorystyczna itp.; w innym aspekcie - muzyka poważna i muzyka rozrywkowa. 2) Wykonując zadania: wokalno-instrumentalne; w innym aspekcie - solowy, zespołowy, orkiestrowy, chóralny, mieszany (z ewentualnym dalszym doprecyzowaniem kompozycji: np. na orkiestrę symfoniczną, na orkiestrę kameralną, na jazz itp.). 3) Poprzez syntezę z innymi rodzajami sztuki i słowem: muzyka teatralna, muzyka taneczna, program instrumentalny, melodramat (czytanie do muzyki), wokal ze słowem. Muzyka poza syntezą - wokalizacje (śpiewanie bez słów) i instrumentalna "czysta" (bez programu). Z kolei pierwszy dzieli się na widowiskowy i koncertowy, drugi na masowe domowe i ceremonialne. Każdą z uformowanych czterech odmian (grup gatunkowych) można dalej różnicować.

Kinematografia

Kinematografia, rodzaj sztuki, której dzieła powstają przy pomocy filmowania rzeczywistych, specjalnie wyreżyserowanych lub odtworzonych za pomocą animacji wydarzeń rzeczywistości.

W kinematografii estetyczne właściwości literatury, sztuk teatralnych i wizualnych oraz muzyki syntetyzuje się na podstawie własnych nieodłącznych, ekspresyjnych środków, z których głównym jest fotograficzny charakter obrazu, który pozwala odtworzyć dowolne obrazy rzeczywistości z najwyższą niezawodnością i montażem. Mobilność aparatu i różnorodność optyki użytej przy fotografowaniu pozwalają na ukazanie w kadrze ogromnych przestrzeni i dużej masy ludzi (plan ogólny), małych grup ludzi w ich związkach (plan środkowy), portretu ludzkiego czy oddzielny szczegół (zbliżenie). Dzięki temu w kadrze można wyróżnić najistotniejsze, istotne pod względem estetycznym aspekty przedstawianego przedmiotu. Zestawienie kadrów w montażu służy jako wyraz myśli autora, tworzy ciągłość rozwoju akcji, porządkuje narrację wizualną, pozwala na porównanie odrębnych. planuje metaforycznie zinterpretować akcję, kształtuje rytm filmu.

Tworzenie dzieła filmowego z reguły jest złożonym procesem twórczym i produkcyjnym, który łączy w sobie pracę artystów różnych specjalności: scenarzysty (scenarzysty); reżyser, który ustala interpretację i realizację pomysłu oraz kieruje pracą pozostałych uczestników spektaklu; aktorzy, którzy wcielają się w postacie postaci; operator charakteryzujący akcję za pomocą interpretacji kompozycyjnej, tonalnej i kolorystycznej kadrów; artysta, który odnajduje obrazową charakterystykę otoczenia akcji i kostiumów postaci (oraz w animacji i cechach zewnętrznych postaci); kompozytor itp.

W trakcie rozwoju kinematografii wykształciły się 4 główne jej rodzaje: kinematografia artystyczna (fikcyjna), ucieleśniająca poprzez twórczość dzieła dramaturgii filmowej lub adaptowane dzieła prozy, dramatu, poezji; kinematografia dokumentalna, będąca szczególnym rodzajem dziennikarstwa figuratywnego, opartego głównie na bezpośrednim utrwalaniu rzeczywistości na filmie; kinematografia rysunkowa, „animowanie” postaci graficznych lub lalkowych; kinematografii popularnonaukowej, wykorzystującej te 3 rodzaje mediów do promowania wiedzy naukowej.

Możliwości epiki, liryki i dramatu są dostępne dla kinematografii fabularnej, ale w filmach narracyjnych zawsze są cechy, które zbliżają je do dramatu, w szczególności dramatycznego konfliktu. Kinematografia dokumentalna posiada pełen wachlarz możliwości dziennikarskich gatunków literatury i dziennikarstwa. Łączy twórczość figuratywnego dziennikarstwa filmowego i filmów informacyjnych (reportaż filmowy). Obrazy animacji graficznej i wolumetrycznej powstają poprzez kręcenie nieruchomych, sekwencyjnych faz ruchu rysowanych lub lalkowych postaci. Szczególną uwagę przywiązuje do tworzenia filmów dla dzieci. Kinematografia popularnonaukowa przybliża widzom życie przyrody i społeczeństwa, odkrycia naukowe i wynalazki, odtwarza przebieg twórczych poszukiwań naukowców i mistrzów sztuki, wyraźnie ukazuje procesy fizyczne, chemiczne i biologiczne. Aby rozwiązać te problemy, posługuje się środkami zarówno czysto dydaktycznymi, jak i artystyczno-figuratywnymi, w zależności od tematu i zadania filmu.

Gatunki kinematografii, które we wczesnych stadiach rozwoju kina zostały stosunkowo wyraźnie określone (melodramat, film przygodowy, taśma komiksowa itp.), ulegają zmianom, sklejaniu, przenikaniu, a nawet rozpadowi. Nowatorskie aspiracje filmowców determinują połączenie w jednym dziele cech charakterystycznych dla prozy, dramatu i tekstu.

SZTUKI DEKORACYJNE I UŻYTKOWE, forma sztuki, tworząca produkty łączące funkcje artystyczne i użytkowe. Dzieła sztuki dekoracyjnej i użytkowej kojarzą się z codziennymi potrzebami człowieka, stanowią integralną część ludzkiego środowiska. Podstawą i źródłem sztuki i rzemiosła jest sztuka ludowa. Sfera rzemiosła artystycznego obejmuje wyroby tradycyjnego rzemiosła artystycznego, przemysłu artystycznego oraz profesjonalnej sztuki autorskiej. Termin „sztuka użytkowa” powstał w XVIII wieku w Anglii i był stosowany głównie do tworzenia przedmiotów gospodarstwa domowego (naczynia malarskie, tkaniny, zdobienia broni). W XX wieku w rosyjskiej historii sztuki termin „sztuka dekoracyjna i użytkowa” został wprowadzony jako określenie działu sztuk zdobniczych, który obejmował również sztukę teatralną i dekoracyjną oraz wzornictwo.

Specyfiką dzieł sztuki dekoracyjnej i użytkowej jest nierozerwalny związek między tym, co użytkowe i artystyczne, jedność korzyści i piękna, funkcji i dekoracji. Użyteczność pozwala na klasyfikację dzieł sztuki dekoracyjnej i użytkowej według ich praktycznego przeznaczenia (narzędzia, meble, naczynia itp.); funkcja przedmiotu jasno określa jego schemat konstrukcyjny. Cechą nadającą przedmiotowi sztuki dekoracyjnej i użytkowej status dzieła sztuki jest dekoracyjność. Realizuje się ona nie tylko w dekoracji obiektu dowolnymi detalami (dekoracjami), ale także w jego ogólnej strukturze kompozycyjnej i plastycznej. Wystrój ma własną ekspresję emocjonalną, rytm, proporcje; potrafi zmieniać kształt. Dekor może być rzeźbiarski i reliefowy, malowany obrazowo, graficznie rzeźbiony (patrz także Grawerowanie); stosuje zarówno ornament (w tym napisy dekoracyjne - hieroglify, kaligrafię, pismo słowiańskie itp., ujawniające znaczenie obrazów), jak i różne elementy i motywy obrazowe ("drzewo świata", ptaki i zwierzęta, rośliny itp.) z pewnym systemem dekoracyjnym i stylistycznym (patrz też Bukraniusz, Gryf, Róża, Sfinks). W lamelowym systemie sztuki i rzemiosła istnieje możliwość zastosowania tzw. czystej formy jako antytezy każdego wystroju: może ona przejawiać się w nieodłącznym pięknie materiału, ujawniając jego walory strukturalne, plastyczne, kolorystyczne, harmonię proporcji, wdzięku sylwetki i konturów.

Naczynie. Ceramika malowana. III tysiąclecie p.n.e. Yangshao (Chiny). Muzeum Sztuki Dekoracyjnej i Stosowanej (Wiedeń).

Inną podstawową cechą sztuki i rzemiosła jest syntetyka, która zakłada połączenie w jednym dziele różnych rodzajów twórczości (malarstwo, grafika, rzeźba) i różnych materiałów. Dzieło sztuki dekoracyjnej i użytkowej, z natury syntetyczne, jest często zaangażowane w syntezę sztuk, w zespole obiektów artystycznych i może zależeć od architektury (meble, rzeźba dekoracyjna, panele, gobelin, dywan itp.). W wyniku tej zależności sztuka dekoracyjna i użytkowa we wszystkich epokach czule i wizualnie śledziła zmiany stylistyczne i modowe.

W sztuce i rzemiośle obraz rzeczy określa związek między jej formą estetyczną a przeznaczeniem użytkowym. Z jednej strony istnieje koncepcja utylitarnego i nieobrazowego charakteru sztuki i rzemiosła jako „robienia rzeczy”: zadanie czysto praktyczne nie oznacza stworzenia pełnoprawnego obrazu (na przykład cel ceramiki lub wyplatanie koszyków nie jest obrazem rzeczy, ale stworzeniem samej rzeczy). Jednak inne przykłady (ceramika antropomorficzna itp.), które niosą ze sobą zasadę mimetyczną, pozwalają mówić o obrazowaniu jako podstawowym zadaniu twórczości w sztuce i rzemiośle, przejawiającym się przede wszystkim w skojarzeniach i analogiach (kształt przedmiotu może przypominać pączek kwiatowy, kropla, postać ludzka lub zwierzęca, fala morska itp.). Dualizm zadań estetycznych i funkcjonalnych określa figuratywną specyfikę sztuki i rzemiosła (ograniczenie konkretności obrazów, skłonność do odrzucania światłocienia i perspektywy, operowanie lokalnymi kolorami, płaskość obrazów i sylwetek).

Sztuka dekoracyjna i użytkowa jako rodzaj działalności artystycznej wiąże się z ręczną pracą mistrza, która wyłoniła się jako samodzielna gałąź produkcji. Dalszy społeczny podział pracy prowadzi do zastępowania produkcji rzemieślniczej produkcją maszynową (manufaktury, fabryki, fabryki); funkcjonalny design i dekoracja stają się dziełem różnych specjalistów. Tak powstaje przemysł artystyczny, w którym swoje miejsce znajdują metody „sztuki użytkowej” – zdobienia wyrobów malarstwem, rzeźbieniem, inkrustacją, tłoczeniem itp.

Kwestia związku między pracą ręczną i maszynową w wytwarzaniu sztuki zdobniczej i użytkowej była szczególnie dotkliwa w drugiej połowie XIX wieku, w kontekście problemu „depersonalizacji” (mówiąc słowami W. Morrisa) przez produkcja rękodzieła artystycznego i teorii o ograniczonym wykorzystaniu popularnych w tej epoce maszyn jako warunku odrodzenia tradycji narodowych. Kontrastując sztukę ludową i produkcję masową, Morris jednocześnie proponuje sposoby ich syntezy, pozwalające na stworzenie nowego rodzaju sztuki i rzemiosła. Wzornictwo, które od połowy XIX wieku stało się nowym rodzajem działalności artystycznej w dziedzinie produkcji przemysłowej (masowej), ograniczyło sztukę i rzemiosło głównie do tworzenia małoseryjnych serii rękodzieła (patrz też Sztuka Manufaktury).

Typologia... Każda dziedzina sztuki i rzemiosła ma szeroką gamę form; ich ewolucja jest bezpośrednio związana z rozwojem technologii, z odkrywaniem nowych materiałów, ze zmianą idei estetycznych i mody. Dzieła sztuki dekoracyjnej i użytkowej różnią się przeznaczeniem użytkowym, formą i materiałem.

Jednym z najstarszych rodzajów sztuki i rzemiosła jest zastawa stołowa. Jego formy były zróżnicowane w zależności od materiału (drewno, metal, glina, porcelana, ceramika, szkło, plastik) i przeznaczenia (obrzędy, gospodarstwo domowe, jadalnia, ozdoby; zob. także naczynia artystyczne). Do sztuki dekoracyjnej i użytkowej należą również: kultowe dodatki (banery, pensje, lampki ikonowe - w chrześcijaństwie; muzułmańskie naczynia do ablucji, dywaniki modlitewne „namazlyk” itp.; żydowskie kandelabry menory; buddyjskie lotosowe trony i świątynne kadzielnice); artykuły wyposażenia wnętrz (meble, oprawy oświetleniowe, wazony, lustra, przybory do pisania, pudełka, wentylatory, tabakierki, kafelki itp.); artykuły gospodarstwa domowego do rękodzieła (koła, rolki, falbany, falbany, wrzeciona itp.); dzieła gliptyki; Sztuka jubilerska; środki transportu (wózki, rydwany, powozy, sanie itp.); broń; tekstylia (zob. także batik, haft, koronki, spiętrzanie, tkanie; tekstylia obejmują również dywany, gobeliny, gobeliny, kilimy, filce itp.); ubranie; częściowo - mały plastik (przede wszystkim zabawka).

Równie zróżnicowane są materiały używane w sztuce i rzemiośle. Najstarsze to kamień, drewno, kość. Drewno liściaste było wykorzystywane do budowy mieszkań, do produkcji mebli, artykułów gospodarstwa domowego [sosna, dąb, orzech (w sztuce renesansu), brzozy karelskiej (w epoce rosyjskiego klasycyzmu i imperium), klonu (zwłaszcza w nowożytna), mahoń, gruszka] ; miękkie odmiany (na przykład lipa) - do produkcji naczyń, łyżek. Od XVII wieku w Europie zaczęto wykorzystywać importowane drewno egzotyczne.

Techniki gliniane, takie jak formowanie ręczne i formowanie, miały kluczowe znaczenie w tworzeniu produktów z gliny na wczesnych etapach. W III tysiącleciu p.n.e. pojawia się koło garncarskie, które umożliwia wytwarzanie naczyń cienkościennych.

Ceramika (wypalana glina) obejmuje terakotę (gładką i lakierowaną), majolikę, półfajans, fajans, kryzę, porcelanę, biskwit, tzw. masę kamienną. Głównymi sposobami zdobienia ceramiki są formowanie, glazurowanie, polerowanie, malowanie kolorami, grawerowanie, glazurowanie itp.

Tkaniny są szeroko stosowane od czasów neolitu. Znakomitymi przykładami sztuki zdobniczej i użytkowej są starożytne egipskie wielobarwne tkaniny lniane, w technice druku batikowego - koptyjski; jedwabne tkaniny z Chin, indyjskie muśliny, wenecki adamaszek.

Rzemieślnicy często wykorzystywali szlachetne, półszlachetne i kolorowe kamienie ozdobne: diamenty, rubiny, szmaragdy, szafiry, jadeit, lapis lazuli i karneol, malachit, jaspis itp. (bursztyn należy również do materiałów zdobniczych). Wśród różnych rodzajów obróbki przez długi czas dominowały kaboszony (kamienie zaokrąglone), następnie pojawiły się kamienie fasetowane. Istnieją złożone techniki - tak zwana mozaika florencka (obrazy z marmuru i kamieni półszlachetnych), mozaika rosyjska (wklejanie zaokrąglonej powierzchni wazonów płytkami z kolorowych kamieni) itp.

Pudełko z wizerunkiem krucyfiksu i aniołów. Drewno, srebro, emalia. I ćwierć XIII wieku. Limoges (Francja). Ermitaż (Petersburg).

Wśród metali są szlachetne (złoto, srebro, platyna), nieżelazne (miedź, cyna), stopy (brąz, elektr, cyna), a także stal, żeliwo i aluminium. Wraz z metalami szlachetnymi w prawie wszystkich starożytnych cywilizacjach przetwarzano miedź, brąz, a później żelazo. Złoto i srebro były pierwotnie głównymi metalami w sztuce i rzemiośle, a ich niedobór rekompensowano różnymi technikami (srebrzenie galwaniczne i złocenie; od połowy XIX wieku - galwanizacja). Główne techniki obróbki metalu to niello, granulowanie, goniec, śrutowanie, odlewanie artystyczne, kucie artystyczne, basma (rodzaj techniki jubilerskiej imitującej goniec), tłoczenie.

Specjalną techniką i jednocześnie materiałem jest emalia, której najstarsze przykłady znajdują się w Chinach. Emalia z reguły była stosowana jako integralna część złożonych dzieł sztuki dekoracyjnej i użytkowej (na przykład technika pokrywania obrazów grawerowanych na metalu wielobarwną przezroczystą emalią lub malowania dekoracyjnego farbami emaliowymi).

Wynagrodzenie tzw. Ewangelii Lorsch. Kość słoniowa. IX wiek. Akwizgran. Muzeum Wiktorii i Alberta (Londyn).

Ze względu na parametry technologiczne szkło dzieli się na przezroczyste i nieprzezroczyste, bezbarwne i kolorowe itp. Oryginalne formy szkła dmuchanego (szkła „skrzydlatego” weneckiego), z fasetowanego kryształu angielskiego, z prasowanego (pojawiły się w 1820 r. w USA ) różnią się również szkłem kolorowym laminowanym lub mlecznym, filigranowym, grawerowanym, rzeźbionym, polerowanym lub przyciemnianym. Techniki obróbki szkła obejmują złocenie międzyszklane, malowanie, millefiori, akwafortę, opalizację.

Ojczyzną lakierów artystycznych jest Starożytny Wschód. Znane są w Europie od XVI wieku; w XVII wieku holenderscy rzemieślnicy zaczęli malować drewniane skrzynie ze złoconymi ornamentami na czarnym tle. Później w wielu krajach pojawiła się produkcja lakierów malarskich. Wyroby z lakierowanej papier-mâché pojawiły się w Europie w XVIII wieku, a swój szczyt osiągnęły w XIX wieku, zwłaszcza w Anglii, Niemczech i Rosji. W XX wieku głównym ośrodkiem sztuki lakowej staje się Rosja (Fedoskino, Palech, Kholui i Mstera).

Użycie szylkretu i kości słoniowej sięga starożytności; następnie ich zastosowanie odrodziło się w sztuce europejskiej w średniowieczu, a zwłaszcza pod koniec XVIII wieku (tabakiery i caddy angielskie i francuskie, rzeźbienie w kościach z Chołmogorów). Masa perłowa stała się modna w I połowie XIX wieku do zdobienia wyrobów papier-mache i lakierów oraz do wykańczania sztućców.

Szkic historyczny. Pierwsze przedmioty przetworzone artystycznie pojawiły się w epoce paleolitu. W okresie neolitu ceramika była szeroko rozpowszechniona. W różnych kulturach powstają wazony z wirtuozowską grafiką rozwiązań artystycznych, ekspresyjną fabułą sakralną i mitologiczną, ceramiką malowaną o motywach zdobniczych i innych (np. naczynia chińskie z epoki neolitu, 5-3 tys. pne; ceramika z Suzy, IV tysiąclecie p.n.e.; ceramika trypolijska, koniec III tysiąclecia p.n.e.).

Najstarsze cywilizacje Wschodu w rozwoju sztuki i rzemiosła osiągnęły ten sam wysoki poziom, co w dziedzinie architektury i rzeźby (artystyczna obróbka kamienia, metalu, drewna, biżuterii, rzeźba w kości słoniowej itp.). Jubilerzy starożytnego Egiptu, Mezopotamii posiadali różne subtelne techniki obróbki metali szlachetnych. Starożytna sztuka wschodnia dała niezrównane przykłady polichromowanej ceramiki szkliwionej, w Egipcie wytwarzano wyroby z ceramiki (na bazie krzemionki) – detale architektoniczne, rzeźby, naszyjniki, misy i kielichy. Egipcjanie (wraz z Fenicjanami) także wytwarzali przedmioty szklane (około III tysiąclecia p.n.e.); rozkwit warsztatów szklarskich, podobnie jak innych rzemiosł, przypada na Nowe Państwo (naczynia o różnych formach wykonane z niebieskiego lub polichromowanego szkła itp.). Meble egipskie wykonywano z miejscowego drewna hebanowego (czarnego) i importowanych gatunków (cedr, cyprys), zdobione wstawkami z niebieskiego i czarnego fajansu, pokryte złotem płatkowym, inkrustowane kością słoniową i malarstwem (niektóre z jego form później silnie wpłynęły na cesarstwo europejskie). styl). W wielu regionach Chin odkryto naczynia cienkościenne (miski, wazony, dzbanki i kielichy), wyróżniające się oryginalnością stylistyczną, różnorodnością kształtów i dziwacznymi obrazami zoomorficznymi. W Indiach wysoko rozwinięta cywilizacja miejska epoki brązu pozostawiła po sobie wyraziste przedmioty gospodarstwa domowego, malowaną ceramikę i tkaniny odkryte podczas wykopalisk w Mohendżo Daro i Harappie. W zachodnim Iranie, w Luristanie, rozwinęła się kultura reprezentowana przez brązy z Luristanu.

Specyfika sztuki dekoracyjnej i użytkowej świata egejskiego (patrz kultura egejska) wpłynęła na sztukę innych krajów (Nowe Królestwo Egipt, Bliski Wschód) - biżuteria, pogonione kubki i miski, rytony. Wiodącym rodzajem rzemiosła artystycznego jest ceramika (polichromie ze stylizowanym wzorem, motywy roślinne, z wizerunkami zwierząt morskich i ryb). Ceramika antyczna grecka to jedno z najwyższych osiągnięć w historii sztuki i rzemiosła – przede wszystkim naczynia czerwono- i czarnofigurowe pokryte werniksem, których forma jest organicznie związana z fabułą malarską i zdobniczą, ma wyraźną tektonikę, bogactwo rytm linii i proporcji (patrz Vasopain). Grecka ceramika i biżuteria były eksportowane do wielu krajów na całym świecie, co doprowadziło do szerokiej ekspansji greckich tradycji artystycznych. W sztuce zdobniczej i użytkowej koczowniczych plemion Azji i Europy, Traków, Celtów i niektórych plemion ugrofińskich rozwinęły się różne formy stylu zwierzęcego; w połowie I tysiąclecia n.e. jego osobliwa forma pojawia się wśród Niemców, tradycje stylu zwierzęcego zostały zachowane w sztuce średniowiecznej.

Etruskowie, będąc pod silnymi wpływami greckimi, byli w stanie stworzyć równie charakterystyczną kulturę z ich ceramiką „bukchero”, malowaną terakotą i sztuką biżuterii. Ich pragnienie demonstracyjnego luksusu ucieleśnionego w przedmiotach sztuki dekoracyjnej i użytkowej przeszło na ich następców – starożytnych Rzymian. Zapożyczyli od Etrusków ceramikę reliefową, dekorację tkanin, od Greków - formy i ornamentykę. W wystroju rzymskim jest wiele przesadnych, pozbawionych greckiego smaku: bujne girlandy, bukrania, gryfy, skrzydlate amorki. W epoce imperium modne były wazony z kamieni półszlachetnych (agat, sardonyx, porfir). Najwyższym osiągnięciem rzymskiej sztuki i rzemiosła było wynalezienie techniki dmuchania szkła (I wpne), wytwarzanie szkła przezroczystego, mozaikowego, grawerowanego, dwuwarstwowego, imitującego kameę, oraz szkła złoconego. Wśród wyrobów metalowych są naczynia srebrne (np. skarb z Hildesheim), lampy z brązu (odnalezione podczas wykopalisk miasta Pompeje).

Trwałość tradycji wyróżnia w ogóle kultury Dalekiego Wschodu i Indii, gdzie w średniowieczu zachowały się charakterystyczne typy i formy sztuki zdobniczej i użytkowej (ceramika i lakiery w Japonii, wyroby z drewna, metalu i tekstyliów w Indiach, batik w Indonezji). era. Chiny charakteryzują się stabilnymi obrazami i tradycjami cięcia kamienia, ceramiki i biżuterii, różnorodnymi materiałami: jedwabiem, papierem, brązem, jadeitem, ceramiką (przede wszystkim wynalezieniem porcelany) itp.

W starożytnej (prekolumbijskiej) Ameryce istniało kilka cywilizacji (Olmeków, Totonaków, Majów, Azteków, Zapoteków, Inków, Chimu, Mochica itp.), które miały wysoką kulturę materialną. Głównym rzemiosłem była garncarstwo, artystyczna obróbka kamienia, w tym kamieni półszlachetnych, przy użyciu oryginalnej techniki turkusowej mozaiki na drewnie, tkaninach i biżuterii. Ceramika jest jednym z najlepszych osiągnięć starożytnej sztuki amerykańskiej, w przeciwieństwie do innych, które nie znały koła garncarskiego (urny grobowe zapoteckie, wazony tolteckie, wazony polichromowane Mixtec, naczynia z grawerowanymi wzorami Majów itp.).

Charakterystyczną cechą sztuki średniowiecznej w krajach Bliskiego Wschodu, Północnej Afryki (Maghrebu) i zamieszkałych przez Arabów rejonach Europy jest pragnienie kolorowości, wartościowego wystroju, ornamentu geometrycznego (z motywami roślinnymi stylizowanymi na abstrakcję, zob. Arabeska). ); w sztuce dekoracyjnej i użytkowej Iranu zachowała się również tradycja malarstwa. Głównymi rodzajami sztuki dekoracyjnej i użytkowej w krajach muzułmańskich były ceramika, tkactwo, produkcja broni i dóbr luksusowych. Ceramikę (głównie ozdobną, pokrytą obrazem żyrandolowym lub polichromowanym na białym i kolorowym tle) produkowano w Iraku (Samarra), Iranie (Susa, Ray), średniowiecznym Egipcie (Fustat), Syrii (Rakka), Azji Środkowej (Samarkanda), Buchara). Ceramika hiszpańsko-mauretańska (fajans walencki) miała wielki wpływ na europejską sztukę dekoracyjną i użytkową XV-XVI wieku. Niebiesko-biała chińska porcelana wpłynęła na ceramikę Złotej Ordy, Iranu itp. W XVI wieku rozkwitł turecki polichromowany fajans z Iznika. Kultura muzułmańska pozostawiła również wiele próbek szkła artystycznego, metalu (ozdobionego grawerunkiem, tłoczeniem, emalią) oraz broni. Świat islamski tradycyjnie używa dywanów zamiast mebli; produkowano je w wielu krajach (na Kaukazie, Indiach, Egipcie, Turcji, Maroku, Hiszpanii, Azji Środkowej); wiodące miejsce w tkaniu dywanów należy do Iranu. W Egipcie produkowali wielobarwne wełniane tkaniny gobelinowe, tkaniny lniane, drukowane obcasy; w Syrii, w Hiszpanii w czasie kalifatu w Kordobie, a mistrzowie arabscy ​​na Sycylii - jedwab, brokat; w Turcji (w Bursie) - aksamit; w Iranie (w Bagdadzie) - jedwabne draperie; w Damaszku – tzw. tkaniny adamaszkowe.

Bizancjum stało się spadkobiercą wielu artystycznych rzemiosł starożytności: szklarstwa, sztuki mozaiki, rzeźbienia w kości itp., a także po mistrzowsku opanowało nowe - technikę emalii cloisonné itp. Tutaj przedmioty kultowe i (pod wpływem kultur wschodnich) rozpowszechniły się dobra luksusowe; w związku z tym styl sztuki i rzemiosła bizantyjskiego był wyrafinowany, jednocześnie dekoracyjny i bogaty. Wpływy tej kultury rozszerzyły się na państwa Europy (w tym starożytną Rosję), a także Zakaukaz i Bliski Wschód (w Rosji reminiscencje tego wpływu utrzymywały się do stylu rosyjsko-bizantyjskiego z XIX wieku).

W Europie nowe formy sztuki dekoracyjnej i użytkowej ukształtowały się w epoce „renesansu karolińskiego” pod wpływem Bizancjum i krajów świata arabskiego. W kulturze epoki romańskiej ważną rolę odgrywają klasztory i miejskie korporacje cechowe: zajmowały się rzeźbieniem w kamieniu i drewnie, wytwarzaniem wyrobów metalowych, kutych drzwi i sprzętów domowych. We Włoszech, gdzie nadal zachowały się tradycje późnej starożytności, rozwinęła się sztuka rzeźbienia w kościach i kamieniu, sztuka mozaiki i gliptyki oraz biżuteria; we wszystkich tych dziedzinach rzemieślnicy osiągnęli najwyższą doskonałość. Gotyk odziedziczył wiele typowych rzemiosł tamtej epoki; osobliwości stylu gotyckiego wyraźnie przejawiały się w wyrobach wykonanych z kości słoniowej i srebra, w emaliach, kratach i meblach [m.in. skrzynie weselne (we Włoszech – cassone, zdobione rzeźbami i malowidłami)].

W starożytnej Rosji szczególne osiągnięcia należały do ​​sztuki jubilerskiej, rzeźbienia w drewnie i kamieniu. Typowymi typami rosyjskich mebli były szkatułki, stoły wieżowe, kredensy, skrzynki na ikony, skrzynie i stoły. Autorami malarskich kompozycji w formie „trawiastego wzoru” byli malarze ikon – „banery”, malowali też skrzynie, stoły, tablice na pierniki, szachy, złocone grzechotki itp.; dekoracyjny „rez” z XVII wieku nazywano „trawami fryażskimi”. Naczynia, naczynia, kafle, przedmioty kultu wytwarzano w warsztatach Kijowa, Nowogrodu, Riazania, Moskwy (warsztaty Patriarchy, Komnata Srebrna, od 2 poł. XVII w. - Izba Zbrojowni Kremla Moskiewskiego), Jarosławia, Kostromy , także w klasztorach Kirillo-Belozersky, Spaso-Prilutsky, Siergiev Posad. Od drugiej połowy XVII w. rozpoczął się szybki rozwój rzemiosła ludowego w rosyjskiej sztuce dekoracyjnej i użytkowej (kafelki, rzeźbienie w drewnie i malarstwo, koronkarstwo, srebrnictwo i garncarstwo).

W okresie renesansu rzemiosło artystyczne nabrało zasadniczo autorskiego, w przeważającej mierze świeckiego charakteru. Pojawiają się nowe rodzaje sztuki i rzemiosła, odradzają się gatunki i techniki zapomniane od czasów starożytnych. Najistotniejsze zmiany zachodzą w produkcji mebli (szafy ze składanym frontem, komoda z oparciem i podłokietnikami itp.); w wystroju zastosowano klasyczny porządek i charakterystyczny ornament - groteski. Tkanie jedwabiu w Genui, Florencji i Mediolanie, szkło weneckie, włoska majolika, gliptyki, sztuka jubilerska (B. Cellini), artystyczna obróbka metali ["styl płatkowy" w srebrze holenderskim i niemieckim (rodzina Jamnitzer)], emalie, szkło i francuski ceramika (wykonana przez Saint-Porcher; mistrz B. Palissy).

Sztuka dekoracyjna i użytkowa epoki baroku charakteryzuje się szczególnym przepychem i dynamiką kompozycji, organicznym połączeniem wszystkich elementów i detali (naczyń i mebli), preferowane są obszerne, duże formy. W produkcji mebli (szafy, szafy, komody, kredensy itp.), drewna polerowanego, okuciów z pozłacanego brązu i mozaiki florenckiej, intarsji (brąz aplikowany, intarsja z hebanu, metalu, masy perłowej, szylkretu itp.) były używane - w produktach warsztatu A. Sh. Buhl). Manufaktury kratowe w Europie były pod wpływem flamandzkiej sztuki dywanowej (manufaktury brukselskie); Genua i Wenecja słynęły z wełnianych tkanin i drukowanego aksamitu. Fajans z Delft powstał na wzór Chińczyków. We Francji rozwija się produkcja miękkiej porcelany, fajansu (Rouen, Moustier) i ceramiki (Nevers), tekstyliów (produkcja w Lyonie), produkcja luster, gobelinów.

W epoce rokoka (XVIII w.) w kształtach i zdobieniach przedmiotów dominują kruche i wyrafinowane asymetryczne linie. W Anglii produkują srebrne naczynia (P. Lamery), kandelabry itp. W Niemczech bujne formy rocaille (IM Dinglinger) znajdują się wśród wyrobów metalowych. Pojawiają się nowe formy mebli - biurka (biurko-biurko, komoda i gabinet-cylinder), różne typy stołów, miękki, tapicerowany fotel bergere z zamkniętym oparciem, toaletka dwuczęściowa; Panele malarskie, intarsja, intarsja służą do dekoracji. Pojawiają się nowe rodzaje tkanin (mora i szenil). W Anglii T. Chippendale produkował meble w stylu rokoko (krzesła, stoły i regały) wykorzystując motywy gotyckie i chinoiserie. Na początku XVIII wieku w Miśni (Saksonia) otwarto pierwszą europejską manufakturę porcelany (rzeźbiarz I. Kendler). Styl chinoiserie przenika zarówno do porcelany europejskiej (Miśnia, Chantilly, Chelsea, Derby itp.) i rosyjskiej (Cesarska Fabryka Porcelany pod Petersburgiem), jak i do tekstyliów, szkła i mebli ((lakiery francuskie braci Martin). lat 70. XVII wieku pojawiła się w Anglii nowa kompozycja szkła ołowiowego (tzw. kryształu angielskiego), technika jego wytwarzania była szeroko rozpowszechniona w Czechach, Niemczech i Francji.

Na sztukę dekoracyjną i użytkową epoki klasycyzmu drugiej połowy XVIII wieku, a później także empirową, wpłynęły wykopaliska archeologiczne w miastach Herkulanum i Pompejach (patrz styl pompejański). Styl stworzony przez braci Adama (Anglia), który afirmował jedność wystroju zewnętrznego i wystroju wnętrz, tchnął nowe życie w sztukę dekoracyjną i użytkową, w szczególności w meble (prace J. Hepluyta, T. Sheratona, T. Hope , bracia Jacob, J. A Rizinera), ozdoby z tworzyw sztucznych (brąz złocony francuski P.F. Thomira), srebro artystyczne (kubki i naczynia P. Storr), dywany i tkaniny, biżuteria. Szklane karafki firmy Cork Glass Company, wazony bakaratowe, kryształowe żyrandole-kaskady wyróżniają prostotę i przejrzystość. W porcelanie pod koniec XVIII wieku Miśnia scedowała na francuską porcelanę Sevres status głównego europejskiego producenta porcelany, wybitne próbki zaczęto tworzyć w fabrykach w Wiedniu, Petersburgu i Berlinie. W Anglii pojawiła się fabryka Etruria J. Wedgwooda, produkująca ceramikę na wzór antycznych kamei i wazonów. W Rosji wielu wybitnych architektów zajmowało się tworzeniem dzieł sztuki dekoracyjnej i użytkowej (A.N. Voronikhin i K.I. Rossi projektowali meble i wazony, M.F. Kazakov i N.A.Lvov - żyrandole).

W epoce biedermeieru dzieła sztuki i rzemiosło odzwierciedlały pragnienie wygodnego życia, co doprowadziło do powstania wygodnych, prostych mebli o zaokrąglonych niewyszukanych formach z lokalnych gatunków drewna (orzech, czereśnia, brzoza), eleganckich fasetowanych szklanych dzbanków i okulary z eleganckimi obrazami (prace A. Kotgassera i in.). Okres eklektyzmu (połowa XIX w.) przejawiał się w różnorodności stylistycznej stosowanych stylów historycznych oraz unifikacji podejść i technik artystycznych. Neorokok inspirowany był wystrojem sztuki XVIII wieku; w Rosji zamanifestował się w porcelanowych wyrobach fabryki A.G. Popov z polichromowanym malowidłem kwiatowym na kolorowym tle. Odrodzenie gotyku (neogotyku) wynikało z pragnienia artystów wprowadzenia do sztuki dekoracyjnej i użytkowej stylu romantyczno-wysublimowanego i jedynie pośrednio powielało motywy prawdziwie gotyckie; zapożyczono raczej elementy zdobnictwa niż formy sztuki gotyckiej (szkło czeskie D. Beemana, prace w porcelanie i szkle dla pałacu Mikołaja I „Chata” w Peterhofie). Styl wiktoriański w Anglii znalazł odzwierciedlenie w tworzeniu ciężkich mebli i powszechnym rozpowszechnianiu ich „małych form” (coś, uchwyty na parasole, stoły do ​​gier itp.). Ponowna popularność zyskała nieszkliwiona porcelana imitująca marmur. W szkle (przede wszystkim w szkle czeskim) pojawiły się nowe rodzaje i techniki - wielowarstwowe szkło kolorowe "błysk", nieprzezroczyste kamea i szkło czarne (hialitowe), imitujące litowe kamienie szlachetne. Od połowy lat czterdziestych we Francji, w hutach szkła Baccarat, Saint-Louis i Clichy, a później w Anglii, Czechach i Stanach Zjednoczonych, pojawił się nowy kierunek (tworzenie milifiorowych przycisków do papieru itp.). Fuzja elementów różnych stylów zdeterminowała rozwój mebli i pojawienie się nowych technologii i materiałów przemysłowych: form z drewna klejonego i giętego (M. Tonet), papier-mâché, rzeźbionego drewna i żeliwa.

Protest przeciwko eklektyzmowi, zainicjowany w Wielkiej Brytanii przez Stowarzyszenie Sztuki i Rzemiosła, przyczynił się do powstania stylu Art Nouveau pod koniec XIX wieku; zacierał granice między sztuką dekoracyjną, użytkową i wizualną i przybierał różne formy w wielu krajach. Secesyjny wystrój najczęściej porównywany jest z motywami zdobniczymi form naturalnych; krzywe linie, faliste kontury, asymetryczne wzory były szeroko stosowane (meble V. Orta, L. Majorelle, E. Guimard, artystyczne wielowarstwowe kolorowe szkło z motywami kwiatowymi i krajobrazowymi E. Galle, O. Daum, L. Tiffany, biżuteria przez R. Lalique'a). Z drugiej strony artyści secesji wiedeńskiej, jak Szkot C.R. Mackintosh, posługiwali się symetrią i powściągliwą formą prostoliniową. Dzieła J. Hoffmanna, często wykonywane wspólnie z G. Klimtem (meble, szkło, metal, biżuteria), wyróżniają się elegancją i wyrafinowaniem. W europejskiej produkcji porcelany czołowe miejsce zajęło malowanie podszkliwne Królewskiej Manufaktury w Kopenhadze. W rosyjskiej secesji, w jej narodowo-romantycznej gałęzi, styl neorosyjski przejawiał się - zwłaszcza w działalności koła artystycznego Abramtseva (dzieła W.M. Vasnetsova, M.A.Vrubla, E.D. Polenova), tałaszkinoskich warsztatach księżnej M.K. Szkoła Stroganowa.

Współczesna historia sztuki i rzemiosła zaczyna się nie tylko od odrodzenia rękodzieła (W. Morris i in.), ale także od pojawienia się na przełomie XIX i XX wieku w Europie i Stanach Zjednoczonych nowego typu działalności twórczej - projektowanie i jego dalszy aktywny rozwój w latach 20-tych (Bauhaus, Vkhutemas). Design Art Deco stał się podstawą niemal wszystkich domowych wnętrz, które kultywowały dyskretny luksus i wygodę (geometryczne kształty, stylizowany i uproszczony ornament, egzotyczne fornirowane meble o prostoliniowych kształtach, funkcjonalna zastawa stołowa i wazony na kwiaty).

Sztuka rosyjska po 1917 roku rozwijała się na nowych podstawach ideowych i estetycznych.

Artyści starali się za pomocą sztuki przekazać ducha epoki (tzw. porcelana agitacyjna), stworzyć złożone racjonalne środowisko dla szerokich warstw ludności. Od końca lat pięćdziesiątych w radzieckiej sztuce dekoracyjnej i użytkowej, wraz z aktywnym rozwojem przemysłu artystycznego (fabryki porcelany Leningradu, Verbilok, fabryka porcelany Dulevo, fabryka fajansu Konakowskiego, fabryka szkła Leningrad, fabryka kryształów Gusiewskiego itp.) rękodzieło (ceramika Gzhel, malarstwo Zhostovo, ceramika Skopinskaya, zabawki Dymkovo itp.

Rozwój sztuki i rzemiosła w XX wieku wynika ze współistnienia i przenikania się zasad tradycyjnych i awangardowych. Dużego znaczenia nabrały subtelne ekspresyjne możliwości nowych materiałów, imitacji i twórczego cytowania. W dobie postmodernizmu szczególny stosunek wydaje się do artefaktu dekoracyjnego jako bytu autonomicznego, demonstracyjnie „niezainteresowanego” służeniem osobie, wyobcowanej od niej. W rezultacie doprowadziło to do „kryzysu samoidentyfikacji” sztuki i rzemiosła, spowodowanego pojawieniem się konkurencji ze strony pokrewnych form sztuki (przede wszystkim designu). Kryzys ten otwiera jednak, paradoksalnie, nowe perspektywy dla sztuki dekoracyjnej i użytkowej w zakresie poszerzenia i zrewidowania własnej specyfiki figuratywnej, opanowania nowych gatunków i materiałów (ceramika, włókno szklane, tworzywa tekstylne, mini gobeliny, mozaiki w drewnianych ramach itp.). .).

Dosł.: Molinier E. Histoire générale des arts appliqués à industrie. R., 1896-1911. Tom. 1-5; Arkin D. Sztuka rzeczy codziennych. Eseje o najnowszym przemyśle artystycznym. M., 1932; Fontanes J, de. Histoire des métiers d'art. R., 1950; Baerwald M., Mahoney T. Historia biżuterii. L.; Nowy Rok 1960; Kagan M. O sztuce użytkowej. Kilka pytań teoretycznych. L., 1961; Rosyjska sztuka dekoracyjna / pod redakcją A. I. Leonova. M., 1962. T. 1-3; Saltykov A.B. Pracuje. M., 1962; Barsali I. B. Europejskie emalie. L., 1964; Kenyon G. H. Przemysł szklarski Weald. Leicester, 1967; Cooper E. Historia ceramiki. L., 1972; Davis F. Szkło kontynentalne: od czasów rzymskich do czasów współczesnych. L., 1972; Moran A. de. Historia sztuki i rzemiosła. M., 1982; Osborne N. Oksfordzki towarzysz sztuki dekoracyjnej. Oxf 1985; Boucher F. Historia kostiumów na Zachodzie. L., 1987; Nekrasova M.A.Problem zespołu w sztuce dekoracyjnej // Sztuka zespołu. Przedmiot artystyczny. Wnętrze. Architektura. Środa. M., 1988; Ilustrowana encyklopedia antyków. L., 1994; Makarov K.A. Od twórczego dziedzictwa. M., 1998; Materiały i techniki w sztuce zdobniczej: słownik ilustrowany / wyd. przez L. Trencha. L., 2000.

T.L. Astrachancewa.