Artyści amerykańscy są bardzo inni. Ktoś był oczywistym kosmopolitycznym jak Sarjent. Pochodząc, Amerykanin, ale prawie całe świadome życie mieszkało w Londynie i Paryżu.

Jest wśród nich i autentyczni Amerykanie, którzy przedstawiali życie tylko swoich rodaków jako Rockwell.

I są też artystów nie ze świata tego, jak pollock. Lub te, których sztuka stała się produktem społeczeństwa konsumenckiego. Oczywiście o wozie.

Niemniej jednak wszystkie są Amerykanami. Kochający wolność, śmiały, jasny. Przeczytaj około siedmiu z nich poniżej.

1. James Whistler (1834-1903)

James Whistler. Autoportret. 1872 Instytut Sztuki w Detroit, USA.

Whistler jest trudny do wywołania prawdziwego amerykańskiego. Uformowany, mieszkał w Europie. I spędził dzieciństwo w ogóle ... w Rosji. Jego ojciec zbudował kolej w Petersburgu.

Było tam, że chłopiec James i uwielbiał sztukę, odwiedzając pustelnię i Peterhof dzięki relacjom ojca (wtedy zostały zamknięte do pałaców publicznych).

Jaki jest słynny Whistler? W każdym stylu napisał z realizmu do tonalizmu *, może niemal natychmiast dowiedzieć się na dwóch znakach. Niezwykłe kolory i nazwy muzyczne.

Część jego portretów jest imitacja starych mistrzów. Jak na przykład jego znany portret "matki artysty".

James Whistler. Matka artysta. Układ w kolorze szarym i czarnym. 1871.

Artysta stworzył niesamowitą pracę przy użyciu kolorów z jasnoszarego na ciemnoszarą. I trochę żółty.

Ale to nie znaczy, że Whistler uwielbiał takie kolory. Był niezwykłym człowiekiem. Może łatwo pojawić się w społeczeństwie w żółtej skarpetach i jasnym parasolem. A potem, kiedy mężczyźni ubrani wyłącznie w czarny i szary.

Ma znacznie bardziej jaśniejszą pracę niż "matka". Na przykład "symfonia w kolorze białym". Więc obrazek zwany jednym z dziennikarzy na wystawie. Whistler lubił ten pomysł. Od tego czasu prawie całą jego praca, którą nazywał muzyką.

James Whistler. Symfonia w White # 1. 1862 National Gallery of Waszyngton, USA

Ale w 1862 r. "Symphony" nie podobała się publicznie. Ponownie z powodu osobliwych kolorów Whistlera. Ludzie wydawały się dziwni pisać kobietę w bielu na białym tle.

Na zdjęciu widzimy rudowłosa kochanka Whistler. Kompletny w duchu preaelitów. W końcu artysta był przyjaciółmi z jednym z głównych prokuratorów przed faelizmem, Gabriel Rossetti. Piękno, lilii, niezwykłe elementy (skóra wilka). Wszystko, co powinno być.

Ale Whistler szybko się odszedł od wstępnego faelita. Ponieważ nie był zewnętrznym pięknem, ale nastrojem i emocjami. I stworzył nowy kierunek - tonalizm.

Jego krajobrazy - Nocturony w stylu tonalizmu i naprawdę lubią muzykę. Monochromatyczny, dryg.

Sam Wistler powiedział, że nazwy muzyczne pomagają skupić się na obrazie, liniach i kolorach. W tym samym czasie, nie myśląc o miejscu i ludzi, którzy są przedstawione.

James Whistler. Nocturne w kolorze niebieskim i srebnym: Chelsea. 1871 Galeria Tate, Londyn
Mary Cassat. Śpiące dziecko. Pastelowy, papier. 1910 Muzeum Sztuki w Dallas, USA

Ale pozostała wierna swoim stylem do końca. Impresjonizm. Miękki pastel. Matka z dziećmi.

Dla dobra malarstwa Cassat odmówił macierzyństwa. Ale jej kobiecy zaczął coraz bardziej objawione w takim przetargu działa jako "śpiące dziecko". Szkoda, że \u200b\u200bspołeczeństwo konserwatywne umieściło go raz przed tym wyborem.

3. John Sarjent (1856-1925)

John Sargen. Autoportret. 1892 Metropolitan Museum, Nowy Jork

John Sargen był przekonany, że cały jego życie byłby portretem. Kariera odniosła sukces. Arystokraci ustawili, aby złożyć zamówienie.

Ale pewnego dnia artysta, zgodnie z firmą, wszedł przez linię. Trudno nam teraz zrozumieć, co jest tak niedopuszczalne w obrazie Madame X.

Prawda, w początkowej wersji bohaterki, jeden z Britlets został pominięty. Sarjent jej "podniesiony", ale to nie pomogło. Zamówienia nie poszły.

John Sargen. Madame H. 1878 Metropolitan Museum, Nowy Jork

Jakie obsceniczne widział społeczeństwo? A fakt, że Sargen przedstawił model w zbyt pewnej pewności siebie. Tak, bardziej przezroczyste skórzane i różowe ucho niezwykle elokwentnej.

Obraz wydaje się powiedzieć, że ta kobieta z podwyższoną seksualnością nie jest niechęci do opieki nad innymi mężczyznami. Co więcej, będąc małżeństwem.

Niestety, współczesne nie widzieli arcydzieła tego skandalu. Ciemna sukienka, lekka skóra, dynamiczna poza - prosta kombinacja, która jest podawana tylko dla najbardziej utalentowanych mistrzów.

Ale nie ma głośno bez dobrego. Sarjent otrzymał wolność w zamian. Zacząłem eksperymentować bardziej z impresjonizmem. Napisz dzieci w bezpośrednich sytuacjach. Pojawiły się więc dzieło "goździka, lilii, lilii, rosa".

Sarjent chciał złapać pewien moment zmierzchu. Dlatego tylko 2 minuty dziennie pracował, gdy oświetlenie było odpowiednie. Pracował w lecie i jesieni. A kiedy kwiaty zostały przywilone, zastąpił je sztucznymi.

John Sargen. Goździk, Lily, Lily, Rosa. 1885-1886. Galeria Tate, Londyn

W ostatnich dziesięcioleciach Sarjent wszedł do smaku wolności, który w ogóle zaczął rezygnować z portretów. Chociaż jego reputacja została już przywrócona. Nawet żenuje szorstkiego klienta, mówiąc, że napisał furtkę z wielką przyjemnością niż jej twarz.

John Sargen. Białe statki. 1908 Muzeum Brooklyn, Stany Zjednoczone

Współcześni należały do \u200b\u200bSardezen z ironią. Biorąc go za przestarzałe w modernizmu. Ale czas minął wszystko na swoim miejscu.

Teraz jego praca nie jest mniejsza niż praca najbardziej znanych modernistycznych. Cóż, o miłości do społeczeństwa i nie ma nic do powiedzenia. Na wystawach z jego pracami jest zawsze analia.

4. Norman Rockwell (1894-1978)

Norman Rockwell. Autoportret. Ilustracja do wydania magazynu "Sobotni wieczór post" 13 lutego 1960 r

Trudno jest przesłać bardziej popularny artysta w życiu niż Norman Rockwell. Kilka pokoleń Amerykanów wzrosła na jego ilustracje. Kochanie ich ze wszystkimi duszami.

W końcu Rockwell przedstawiła zwykłych Amerykanów. Ale jednocześnie pokazując swoje życie z najbardziej pozytywnej strony. Rockwell nie chciał pokazać żadnych złych ojców, ani obojętnych matek. I nie spotkasz nieszczęśliwych dzieci.

Norman Rockwell. Z całą rodziną na wakacjach i odpoczynku. Ilustracja w dzienniku wieczór sobotni post na 30 sierpnia 1947 roku. Muzeum Norman Rockwell w magazynie, Massachusetts, USA

Jego prace są pełne humoru, soczystych kolorów i bardzo umiejętnie uchwyconych z życia wyrażeń osób.

Ale to iluzja, że \u200b\u200bRockwell jest łatwa do pracy. Aby utworzyć jedno zdjęcie, może najpierw uzupełnić setki zdjęć z jego modeli, aby złapać wierne gesty.

Prace Rockwell miał ogromny wpływ na umysły milionów Amerykanów. W końcu często rozmawiał z pomocą jego obrazów.

Podczas II wojny światowej postanowił pokazać, że żołnierze jego kraju walczą. Tworząc obraz "wolność od potrzeby". Jako dzień Święta Dziękczynienia, na którym wszyscy członkowie rodziny, pełni i zadowoleni, cieszą się rodzinnym świętem.

Norman Rockwell. Wolność od potrzeb. 1943 Muzeum Norman Rockwell w magazynie, Massachusetts, USA

Po 50 latach pracy w sobotni wieczór Post Rockwell poszedł do bardziej demokratycznego magazynu "Look", gdzie był w stanie wyrazić swoją pozycję na temat problemów społecznych.

Najjaśniejsza praca tych lat jest "problem, z którym żyjemy".

Norman Rockwell. Problem, z którym żyjemy. 1964 Muzeum Norman Rockwell, Stockbridge, USA

To prawdziwa historia czarnej dziewczyny, która poszła do szkoły na biały. Ponieważ prawo zostało przyjęte, że ludzie (a zatem instytucje edukacyjne) nie powinny być już podzielone na zasadzie rasowej.

Ale gniew średnich nie był limitem. W drodze do szkoły dziewczyna strzeżała policję. Oto taka "rutynowa" moment i pokazał Rockwell.

Jeśli chcesz poznać życie Amerykanów trochę w ozdobnym świetle (czego sami chcieli ją zobaczyć), pamiętaj, aby zobaczyć zdjęcia Rockwell.

Być może malarze przedstawili w tym artykule, Rockwell - najbardziej amerykański artysta.

5. Andrew White (1917-2009)

Andrew White. Autoportret. 1945 National Academy of Design, Nowy Jork

W przeciwieństwie do Rockwell, Wyat nie był tak pozytywny. Rekancie w charakterze, nie szukał nic do rodzaju. Wręcz przeciwnie, przedstawiłem najbardziej zwykłe krajobrazy i nie zauważalne rzeczy. Tylko pole pszenicy, tylko drewniany dom. Ale nie był nawet ranny z czymś magicznym.

Jego najbardziej znaną pracą jest "MIR Christina". Whita pokazała los jednej kobiety, jego sąsiada. Sparaliżowany od dzieciństwa, ruszyła wokół otoczenia wokół ich gospodarstwa.

W tym zdjęciu nie ma nic romantycznego, ponieważ może się wydawać się najpierw. Jeśli przyjrzysz się uważnie, kobieta ma bolesną cienkość. I wiedząc, że bohaterka jest sparaliżowana przez nogi, rozumiesz ze smutkiem, o ile jest to wciąż daleko od domu.

Na pierwszy rzut oka Wyat napisał najbardziej zwyczajne. Oto stare okno starego domu. Stara kurtyna, która już zaczęła odwracać się w strzępy. Na zewnątrz okna ciemnieje las.

Ale w tym wszystkim jest tajemniczość. Jakiś inny wygląd.

Andrew White. Wiatr z morza. 1947 National Gallery of Waszyngton, USA

Więc dzieci wiedzą, jak patrzeć na świat w nieznanym spojrzeniu. Więc wygląda i choć. I jesteśmy z nim.

Wszystkie sprawy białego były zaangażowane w jego małżonka. Była dobrym organizatorem. To była w kontakcie z muzeami i kolekcjonerami.

Romans w ich związku był mały. Muza była zobowiązana. I stała się prosta, ale z niezwykłą wyglądem Helgi. To my spotykamy się na licznych dziełach.

Andrew White. Pluć (z serii "Helga"). 1979 Prywatna kolekcja

Wydawałoby się, widzimy tylko fotograficzny wizerunek kobiety. Ale z jakiegoś powodu trudno od odebrania go. Jest zbyt skomplikowany z oczami, napiętymi ramionami. My, razem z jej wewnętrznie wysiłkiem. Znajdę wyjaśnienie tego napięcia.

Zdjęcia rzeczywistości we wszystkich szczegółach, Whiry magicznie obdarzyły się emocjami, które nie mogły pozostawić obojętnych.

Artysta nie rozpoznał przez długi czas. Z jego realizmem, choć magicznie, nie pasował do modernistycznych trendów XX wieku.

Kiedy pracownicy Muzeum kupili swoją pracę, próbowali to zrobić cicho, nie przyciągając uwagi. Wystawy były rzadko organizowane. Ale zawsze ogłuszający sukces na zazdrości moderniści. Ludzie przyszli tłumy. I nadal przyjdź.

6. Jackson Pollock (1912-1956)

Jackson pollock. 1950 zdjęć Hansa Namutu

Jackson Pollock nie może być obejściem. Przeprowadził określoną linię w sztuce, po czym obraz nie mógł być taki sam. Pokazał, że w sztuce w ogóle możesz zrobić bez granic. Kiedy umieść płótno na podłodze i spipnął farbę.

Ale ten amerykański artysta zaczął się od abstrakcji, w którym śledztwo figuratywne. W pracy 40s "Stenograficzny rysunek" widzimy kontury i twarz oraz ręce. A nawet zrozumiałe symbole w formie krzyży i zalików.

Jackson pollock. Postać stenograficzna. 1942 Muzeum Sztuki Współczesnej w Nowym Jorku (Moma)

Jego prace były chwalone, ale nie spiesz się, żeby kupić. Był biedny jak mysz kościoła. I bez dranka. Pomimo szczęśliwego małżeństwa. Jego żona pochyliła się nad swoim talentem i zrobił wszystko na sukces męża.

Ale Pollock był pierwotnie złamany. Od młodości do swoich działań, było jasne, że wczesna śmierć była jego duża.

Ten kult jest w rezultacie i doprowadzi go do śmierci o 44 latach. Ale będzie miał czas na rewolucję w sztuce i stać się sławnym.

Jackson pollock. Jesienny rytm (numer 30). 1950 Muzeum Metropolitan w Nowym Jorku, USA

I okazało się od niego w okresie dwuletniej trzeźwości. Udało mu się pracować owocnie w latach 1950-1952. Eksperymentował eksperymentalnie, dopóki nie przyszedł do zranienia technologii.

Śpiewa ogromne płótno na podłodze jego stodoły, chodził wokół niego, będąc jak na samym zdjęciu. I rozpylona lub po prostu kłamała farba.

Te niezwykłe zdjęcia zaczęły być chętni do kupienia za niesamowitą oryginalność i nowość.

Jackson pollock. Niebieskie słupy. 1952 National Gallery of Australia, Canberra

Polock był oszołomiony przez chwałę i wpadł w depresję, bez zrozumienia, gdzie się rusza. Śmiertelna mieszanka alkoholu i depresji nie pozostawiły mu szans na przetrwanie. Kiedyś usiadł za kołem mocno pijany. Ostatni raz.

7. Andy Warhol (1928-1987)

Andy Walhole. 1979 Photo Arthur Tresse

Tylko w kraju z tak kultem konsumpcji, jak w Ameryce, może się urodzić. A jego główny prokurator był oczywiście Andy Warhol.

Stał się znany z faktu, że wziął najwięcej zwykłych rzeczy i zamienił je w dzieło sztuki. Stało się to Bank of Soup Campbell.

Wybór nie był przypadkowy. Matka Warhola została zabiła syna każdego dnia taka zupa od ponad 20 lat. Nawet gdy przeniósł się do Nowego Jorku i zabrał ze sobą matkę.

Andy Walhole. Zupa banków "Campbell". Polimer, ręczny druk. 32 zdjęcia 50x40 każdy. 1962 Muzeum Sztuki Współczesnej w Nowym Jorku (Moma)

Po tym eksperymencie Warhol fucked przez sitodruk. Od tego czasu wziął zdjęcia gwiazd morskich i pomalował je w różnych kolorach.

Pojawił się więc jego słynny degradowany Marilyn Monroe.

Takie kwasy morskie kolorów kwasowych zostały wydane rozsądną kwotę. Sztuka Warholu umieściła przepływ. Jako poleganie w społeczeństwie konsumpcji.

Andy Walhole. Marilyn Monroe. Silikografia, papier. 1967 Muzeum Sztuki Współczesnej w Nowym Jorku (Moma)

Malowane twarze są wymyślane przez Warhol nie od podstaw. I znowu nie było bez wpływu matki. W dzieciństwie, podczas dłuższego syna syna przeciągnęła go z paczkami kolorystyki.

To hobby dziecięce wzrosło do tego, co stało się jego wizytówką i uczynił ją bajecznie bogatą.

Malował nie tylko gwiazdy pop, ale także poprzednie arcydzieła. Mam i.

"Wenus", podobnie jak Marilyn Dużo. Wyłączenie dzieła sztuki "Starmet" Warhol w proszku. Dlaczego artysta to zrobił?

Popularyzować stare arcydzieła? Albo, przeciwnie, spróbuj ich dewaluować? Indeksowane gwiazdy pop? Lub wyczuć śmierć ironii?

Andy Walhole. Wenus Botticelli. Silikografia, akryl, płótno. 122x183 Zobacz 1982 Muzeum E. Warhol w Pittsburgh, USA

Jego malowane dzieła Madonny, Elvisa Presleya lub Lenina czasami bardziej rozpoznawalne niż początkowe zdjęcia.

Ale arcydzieła prawie nie udało się ocalić. Tak samo, dziewiczy "Wenus" pozostaje bezcenny.

Warhol był zapaloną imprezą, przyciągając wielu marginalistów do siebie. Narkotyki, nieudane aktorzy lub po prostu niezrównoważone personale. Jeden z których kiedyś go zastrzelił.

Warhol przetrwał. Ale po 20 latach, ze względu na konsekwencje doznanego urazu, zmarł samotnie w swoim mieszkaniu.

Kocioł topienny USA.

Pomimo krótkiej historii sztuki amerykańskiej, zasięg okazał się szeroki. Wśród artystów amerykańskich są impresjonistów (Sarjent), a magiczne realistowscy (biały) i abstrakcyjne ekspresjonistów (Pollock) i Wirtu Art Naval (Warhol).

Cóż, Amerykanie kochają wolność wyboru we wszystkim. Setki wyznań. Setki narodów. Setki kierunków artystycznych. Że on i topnienia kotła Stanów Zjednoczonych Ameryki.

W kontakcie z

Malarstwo amerykańskie. Dajerzący się na przełomie XIX i XX wieku.

Na przełomie XIX i XX wieku, gdy dwie udane komercyjnie odnoszące się do komercyjnie w malarstwie Stanów Zjednoczonych - impresjonizm i realizmu akademickiego, pojawia się i rozwijają pragnienie niektórych artystów do odzwierciedlenia prawdziwego nowoczesnego życia miasta Z czasami okrutnymi chwilami, przedstawić nieustanne życie miejskich na zewnątrz, dzieci ulic, prostytutek, alkoholików, życia budynków mieszkalnych. Wierzyli, że malarstwo może być podobne do dziennikarstwa, chociaż wielu z tych artystów było apolitycznych i nie ograniczało się do odbicia wrzodów i ubóstwa życia miejskiego.

"... bardzo kochałem miasta, kochałem wspaniałą, szybką rzekę,
Wszystkie kobiety, wszyscy mężczyźni, których rozpoznałem, byli blisko mnie ...
... i mieszkałem na świecie, kochałem Brooklyn - obfite wzgórza, był mój,
I wędrowałem przez Manhattanu, a ja pływałem na wyspie Solone Waters ... "
(Walt Whitman. Liście trawy. Na transporcie Brooklyn.)

Ideolog tego ruchu Robert Henry, Walt Whitmana wentylatora, zażądał, aby były tak prawdziwe jak brud, jak gówno i śnieg w zimie w Broadwayu. W przypadku uzależnienia od takich działek, ten kierunek otrzymał pseudonim "Szkoła wiadra na śmieci" lub "Szkoła Urnów na śmieci", która zawahała się za nim i jest używana w literaturze historycznej sztuki. Dla wielu krytyków ten ruch spotkał się na bagnach, po pierwszej wystawie, jeden z nich pod pseudonimem "jubiler" napisał: "Vulgarity bije w oczy na tej wystawie ... Czy to była piękna sztuka pokazująca nasze rany?" Czasami "szkoła wiadra na śmieci" jest zidentyfikowana z grupą "osiem", choć nie wszystkie (tylko 5) jego członków było częścią tego, a trzech artystów, Davis, Lawson i Pretardgast wykonali w zupełnie innym stylu.

Robert Henry. (Cozad), (1865-1929), artysta, nauczyciel, inspirujący "szkoła wiadra na śmieci i organizator grupy" osiem ",

Urodzony w Cincinnati w rodzinie deweloperów i graczy. W boku na temat własności ziemi, ojciec zastrzelił przeciwnik i pobiegł do Denver, gdzie cała rodzina porusza się później, zmieniając imiona i nazwisko. Studiował dwa lata w Akademii Sztuk Pięknych w Filadelfii, młody Robert idzie do Paryża do Akademii Julien, aby uczyć się od realistów akademickich.

Po podróży we Włoszech, wraca do Filadelfii i zaczyna nauczać szkoły projektowej dla kobiet, był uważany za urodzony nauczyciela. Do trzydziestu lat Henry przychodzi do idei potrzeby rozwoju takiego kierunku w malarstwie, co łączyłoby realizm i elementy impresjonizmu i nazwał go "nowym akademismem".

Jego przyjaciele i zwolennicy nie uważali się samotnie zorganizowaną grupą, ale wystawa w galerii "Macbet" w Nowym Jorku w 1908 roku przyciągnęła uwagę na artystów nowego kierunku i przyniósł im sławę. W 1910 r. Henry z pomocą Slana organizuje wystawę niezależnych artystów, w którym sprzedano tylko kilka obrazów, nowa sztuka współczesna była już zmieniana artystów, a Robert Henry można rozważyć.

Następujące lata przyniosły popularność Henry'ego, spędził dużo czasu w Irlandii i Santa Fe, nauczał w lidze studentów w Nowym Jorku, miał wielki wpływ na rozwój modernistycznego miejsca przeznaczenia u jego uczniów -Huzhnik. W 1929 r. Został nazwany przez Radę Sztuki Nowego Jorku w jednym z trzech najlepszych amerykańskich artystów. Klasyczne elementy jego stylu w portrecie - władza pisania, intensywnego koloru i efektów lekkich, odbicia indywidualności i jakości psychicznej osoby.

John Frenc Sloan. (1871-1951), jeden z założycieli "Szkoły Wiadra na śmieci", członka grupy "osiem", artysta i grawer.

Jego ojciec miał zdolności artystyczne i zachęcały swoje dzieci z wczesnego dzieciństwa do rysowania. Wcześnie zaczął pracować z powodu choroby ojca, praca sprzedającego w księgarniach pozostawiła mu dużo wolnego czasu na czytanie, rysowanie i kopiowanie dzieł Durera i Rembrandt, który podziwiał. Zaczął też robić trawienie i sprzedawać je w sklepie, a jego pocztówki i kalendarze cieszyły się sukcesem. Pracując później przez Illustratora artysty, zaczął wziąć wieczorowe lekcje w Akademii Sztuk Pięknych w Filadelfii, spotkał Roberta Henry'ego, który był przekonany o niego, aby się odwołać do malowania.

Ciężka historia swojego życia rodzinnego (alkoholizm i umysłowość swojej żony, dawna prostytutka, z którą spotkał się w Bardell), uniemożliwił jego pracę, a chociaż napisał prawie 60 obrazów do 1903 roku, ale nadal nie miała nazwy Świat Sztuki i sprzedał niewiele jego dzieł. Przenieśliśmy się do Nowego Jorku, pracował w czasopismach, malowanych kreskówkach politycznych, zilustrowane książki, uczestniczył w wystawie w Galerii Macbeth i zorganizowałem wystawę mobilną po tym, w końcu przyszedł do niego.

Całe późniejsze życie Sloan było wierne pomysłom socjalistycznym, co było z pewnością odzwierciedlone w swojej pracy, ale kategorycznie sprzeciwił się sprawozdaniom krytyków o świadomej orientacji społecznej jego obrazu.

Pod koniec lat 20-tych Sloan zmienił nie tylko technikę, ale także wykresy swoich obrazów na rzecz nago i portretów, często korzystających z Podmuelku i wylęgów, a nigdy nie dotarły do \u200b\u200bpopularności, że jego wczesna praca miała.

William J. Helakkens. (1870-1938), także jeden z założycieli Szkoły Dustebump, urodził się w Filadelfii, gdzie mieszkał wiele pokoleń jego rodziny. Jego brat i siostra stali się również artystami. Sam William, Wyświetlono zdolności artysty nawet w szkole, pracował po ukończeniu uniwersytetu przez artystę w gazetach, odwiedził kurs wieczorowy w Akademii Sztuk Pięknych, gdzie spotkał młodych Sloan, i wprowadził go do Roberta Henry'ego.

W 1895 roku GAKKENS podróżuje z grupą artystów w Europie, podziwia zdjęcia wielkiego "holenderskiego", aw Paryżu, najpierw spotyka się z sztuką impresjonistów, a potem przez całe życie, wyjeżdża do rysowania w Paryżu i na południu Francji. Po powrocie do Stanów Zjednoczonych Glakkens osiedli w Nowym Jorku, aktywnie uczestniczy w działaniach wystawienniczych Szkoły Dust Dustbacker i osiem Grupy.

W swojej pracy kierunek impresjonistyczny jest coraz bardziej manifestowany, Nawet nazywany jest nawet "American Renoir", a w przeciwieństwie do Slaoan, nie był "chroniclerem społecznym", ale "czystym" artystą, dla którego forma artystyczna, smak i zmysłowość miało ogromne znaczenie. Jego paleta jest rozjaśniona na przestrzeni lat, działki zmieniają znaczenie, przeważają krajobrazy, sceny plażowe, a na koniec życia - wciąż życie i portrety.

Jego sztuka nie odzwierciedla problemów społecznych dnia, czasem Wielkiego Kryzysu, wręcz przeciwnie, "jego obrazy są wypełnione duchem szczęścia, ma obsesję na punkcie kontemplacji radości" (Leslie Kate ", stałości Williama Galkensa, 1966).

George Benjamin Lax. (1867-1933) Urodzony w Williamsport w rodzinie farmaceuty matka była artystą amatorską i muzykiem. Po przeprowadzce do małego miasteczka na południu Pensylwanii znajduje się w pobliżu depozytów węgla, George widział ubóstwo i otrzymał lekcje Współczucie od rodziców, którzy pomogli rodzinom górników.

Rozpoczął życie kariery w okresie dojrzewania, pracując z bratem w drodze drogowej, ale zrozumiałem bardzo wcześnie, że chciał być artystą. Po krótkim badaniu na Akademii Sztuk Pięknych, poszedł do Europy, studiował różne szkoły sztuki, stały się fanem hiszpańskiego i holenderskiego malarstwa (zwłaszcza Velasquez i França Hals) oraz technologii ręcznej. Wracając do Filadelfii, Lax pracuje Illustrator w gazecie, zapoznając się z GAKKENS, Sloan i Tinn, uczestniczy w spotkaniach intelektualnych Roberta Henry'ego, a po przeprowadzce do Nowego Jorku i pracy, artysta w Journal of Pulitzer zaczyna płacić obrazy .

Uczestniczy w działalności szkoły pyłowej i grupy G8, promuje debaty na temat nowego realizmu, wiele rysuje, przechodząc życie imigrantów, ich różnorodność etniczna, materiał do rysowania w dolnej wschodniej stronie i Brooklyn. Oprócz zdjęć o życiu Nowego Jorku, Lax rysuje krajobrazy i portrety, uznano za mistrza silnego koloru i efektów świetlnych.

Lax był osobą wyróżniającą, wrodzoną buntarem, był dumny, że otoczenie uważało go za "złego chłopca" amerykańskiej sztuki, stworzył mit siebie, często prowadził do nieświadomości, był alkoholikiem i w końcu znajdował się w zabiciu w wyniku brawej gospodarstwa domowego.

Eversett Shinn. (1876-1953), urodził się w Woodstuna we Wspólnocie Kustanków w rodzinie rolników.

Wczesne umiejętności manifresywne pozwoliły mu przez 15 lat, aby zacząć poważnie studiować podstawy rysowania, rok później, weź wnioski w Akademii Sztuk Pięknych, aw wieku 17 lat rozpocząć pracę jako artysta personelu w gazetach. W 1897 roku, przeniósł się do Nowego Jorku, młody Shinn wkrótce zdobył sławę jako jeden z utalentowanych realistów przedstawiających życie miejskie, przemoc uliczną, wypadki i pożary.

Po podróżowaniu z żoną w Europie było nowe wykresy (teatr, balet) i impresjonistyczne elementy w malowaniu. Jest jedyną jednym z "Szkoła Wiadra Na śmieci" i grupy "Osiem", która ma wiele pastelu pracy, a także freski nie tylko w mieszkaniach Manhattan Elite, ale także 18 fresków dla słynnego Broadway Belashera. Shinn uważał, że "był przypadkowym członkiem ośmiu, który nie miał stanowiska politycznego i zaangażowała się w życie świeckie, ale odzwierciedlając kawałek amerykańskiej rzeczywistości początku XX wieku w realistycznym i romantycznym duchu.

Istnieje założenie, że Everett Shinn służył jako prototyp artysty Yujina Vitla w powieści Triraser "geniusz".

Ernest Lawson.(1873-1939), urodzony w Halifax, przybył do Stanów Zjednoczonych, żył najpierw w Kansas City, a następnie w Nowym Jorku studiowała w lidze artystów w Tuoktman, który wprowadził go do impresjonizmu.

We Francji, studiując w Akademii Julien, stał się zainteresowany malowaniem w niewoli, spotkał się z Mispel i Somerset Moem. Wracając do państw, Lawson rozwija swój własny styl estetyczny, na skraju impresjonizmu i realizmu, nazywa się "ostatnim impresjonistą Ameryki".

Dużo podróżuje w kraju, pisze opustoszały krajobrazy, zbiega się z artystami Szkoły Dustebacker i staje się członkiem grupy "osiem", ale w przeciwieństwie do dramatu w wizerunku życia miejskiego i po uczestnictwie na wystawie współczesnego Art "Armor Show", nie odmawiający realistycznych i impresjonowanych tendencji, pokazuje zainteresowanie postmanizmem, w szczególności do Cezanny.

Praca Louuson nie jest również znana jako inne współczesne, ale Robert Henry uważał go za "największego oficera krajobrazowego po Winslow Hommer". Utonał z tajemniczych okoliczności, pływających na plaży Miami.

George Wesley Belllus. (1882-1925), był późnym i jedynym dzieckiem w rodzinie córki statku kapitana wieloryba. Na University of Ohio studiował i pomyślnie grał w baseballu i koszykówce, pod warunkiem, że starsze ilustruje rok uniwersytecki, marzył, że zostanie profesjonalny gracz baseballowy pracował jako ilustrator w magazynach. W 1904 roku, bez wykończenia Uniwersytetu, Belluss przenosi się do Nowego Jorku, wchodzi do Szkoły Sztuki, dołącza do artystów "Szkoła wiadra na śmieci i grupy" osiem ", usuwa własne studio na Broadwayu.

Udział w wystawach wraz z uczniami Robert Henry'ego i nauczania w lidze, artyści przynoszą mu sławę, chociaż wielu krytyków uważało jego pracę z "szorstką" nie tylko na działkach, ale także stylistycznie.

Kontynuując tematy życia miejskiego i sportów w swojej pracy, Belluss również zaczynają otrzymywać zamówienia na portrety z bogatej elity, a latem pisze morskie krajobrazy w Maine.

Był bardzo upolityczniony, przestrzegany do socjalistycznych, a nawet anarchistycznych poglądów, pracował jako ilustrator w dzienniku socjalistycznym. W 1918 r. Stworzył serię rycin i obrazów przedstawiających okrucieństwa wykonywane przez niemieckich żołnierzy w inwazji Belgii.

Belous dokonał znaczącego wkładu do litografii, zilustrował wiele książek, w tym kilka edycji Herbert Wells. Zmarł w wieku 42 lat od Peritonity po nieudanej operacji, pozostawiając swoją żonę, dwie córki i dużą liczbę obrazów i rycin dzisiaj w wielu głównych muzeach amerykańskich.

Następujące dwa artyści nie mogą być w pełni przypisane do "szkoły wiadra na śmieci", ani do grupy "osiem", częściej są bliższe kierunku modernistycznym, są one bardziej otwarte na eksperymenty, ich kreatywność można uznać za przejściowy scena do postmingu.

Arthur Bowen Davis. (1853-1928), już w wieku 15 lat wziął udział w wystawie mobilnej w swoim mieście, organizowanym przez członków Szkoły Rzeki Hudson. Po przeniesieniu rodziny w Chicago studiował na Akademii Design i przeniósł się do Nowego Jorku, studiował w lidze artystów i pracował jako ilustrator w czasopiśmie.

Wyrafinowane okoliczności rodzinne (niewierność Davis, obecność drugiej nielegalnej żony i dziecka pozamańskiego) narzucone znakiem na jego zachowanie i skrytki, ale w pierwszym roku po jego malowaniu małżeństwa Davis zaczął być skutecznie sprzedawane i regularne wycieczki Do Europy i dzieło Coro i Mill pomogły mu mieć nadzieję, że twoje poczucie koloru i wypracowała swój malowniczy sposób.

W latach dwudziestych został uznany za jednego z najbardziej szanowanych i finansowo udanych amerykańskich artystów. Jako członek grupy "Osiem" był głównym organizatorem Armii-Show, bardziej informowany w sztuce współczesnej niż jego towarzysze, wykonywane jako doradca wielu bogatych mieszkańców New York podczas dokonywania zakupów za ich kolekcje, pomogły wielu młodych Artysta z Radą i Pieniądze.

Arthur B. Davis jest nieprawidłowym zjawiskiem w amerykańskim malarstwie: jego własny styl liryczny można określić jako utrzymywany konserwatywny, ale jego gusta i zainteresowania były całkowicie awangardowe.

Maurice Brazylia Presterngast. (1858-1924) I jego brat bliźniak urodził się w rodzinie fabrycznego kupca w brytyjskiej kolonii Ameryki Północnej. Po przejściu do Bostonu jego ojciec dał rysunek Maurice do rysunku handlowego artysty, który wyjaśnia jasność i "samolot" swojej pracy.

Szkolenie w Paryżu w Akademii Collasrazi, a następnie w Akademii Julien, znajomego z dziełami angielskich i francuskich artystów awangardowych, badanie dzieł Van Gogha i siarki doprowadziły go do w rzeczywistości na poczarstwie. Perendergast był jednym z pierwszych Amerykanów, którzy rozpoznali Cezanne, którzy rozumieli swoją pracę i wykorzystywały jego wyraziste metody przekazywania kształtu i koloru. Wracając w 1895 roku w Bostonie, działa głównie w technice akwareli

Oraz monotypia, a po podróży do Włoch otrzymał sławę i uznanie krytyki za swoje prace poświęcone Wenecji.

Spotyka się z artystami grupy "Osiem", uczestniczy z nimi w słynnej wystawie w Macbet Gallery w 1908 roku, a Glakkens staje się jego przyjacielem na życie. Siedem dzieł zgłoszonych do nich na "pokazie armii" wykazało jego dojrzałość stylistyczną i ostateczne zaangażowanie w postymulowanie, jego styl został uformowany i był trafnie scharakteryzowany przez krytyków jako "gobelin" lub "mozaiki.

Perendergast pozostał kawalerą całym swoim życiem, prawdopodobnie z powodu naturalnej nieśmiałości, słabej zdrowia i silnej głuchości w późnych latach życia.
Co ciekawe, w kolejnych latach realistyczny kierunek w amerykańskim obrazie nie stracił swoich znaczeń i został odzwierciedlony i rozwinięty w postanowieniu, "magicznym realizmem" i "regionalizmie". Ale o tym następnym razem.
A jak zawsze pokaz slajdów na temat, w którym reprezentowane są znacznie więcej reprodukcji.

Faceci, umieścimy duszę na stronie. Więc
co otwierasz to piękno. Dzięki za inspirację i gęsią skórkę.
Dołącz do nas Facebook. i W kontakcie z

Jasne plamy, plamy światła, powietrze musujące - ci artyści widzą świat dotykająco piękny i niesamowicie kolorowy.
stronie internetowej Oferuje spojrzenie na świat oczami tych kreatorów. Do twojej uwagi wybór obrazów nowoczesnych impresjonistów, mistrzowsko rozwiązywania kolorów i światła.

Praca bułgarskiego artysty Tsviavko Kinchev w stylu impresjonizmu jest obrazem cyfrowym: są wykonywane na komputerze, w Photoshopie. Niesamowicie soczyste stworzenia artysty podkreślają piękno i jasność otaczającego świata.

Holenderski artysta William Henrites pracuje akwarela, akryl i pastelę. Jego kreacje są niesamowitą czułością, dzwoniące powietrze, które oddychają farbami, jej eleganckie linie. William Works są znane na całym świecie w postaci wysokiej jakości plakatów i litografii.

Yuri Petrenko urodził się w Soczi. Profesjonalnie zaangażowany w malarstwo przez około 20 lat. Soczyste, śliczne domy, statki i morze. Z jego obrazów wieje gorące słońce i soloną bryza. Prace są w prywatnych kolekcjach w prawie wszystkich krajach świata.

Armeński Artysta Ovik Zograbyan pojawił się w rodzinie słynnego artysty i rzeźbiarza Nicokos Zograbyan. Unikalny styl samego artysty wydaje się, że charakterystyczna dla impresjonizmu z uderzeniami. Jego przytulne kolorowe miasta, jasne domy wypełnione słońcem i szczęściem.

Linda Wilder - Kanadyjski artysta. Linda uwielbia pisać krajobrazy, a Mastikhin jest jednym z jej ulubionych narzędzi. Jasne, precyzyjne uderzenia, drobno nacięte odcienie i linie - obrazy Linda są w korporacyjnych i prywatnych kolekcjach w Kanadzie i na całym świecie.

Sino-American Artist Ken Hong Płuc drobno czuje kolor i wie, jak przekazać magię pokoju. Jego wioski rybackie i krajobrazy wybrzeża stały się uczuciem w kręgach artystycznych Hongkongu. Ken jest uważany za jednego z najlepszych świata artystów Neo-Simpresionists. Nazywa się to właścicielem zaczarowanych krajobrazów, marzycielskich nastrojów i magicznych odbicia światła i koloru.

Johan Machely mieszka i pracuje w Belgii. Jego obrazy odzwierciedlają przytulny świat zacienionych prowincjonalnych dziedzińców, vintage wojen i dobre wiatry. Johan wie, jak przekazać opiekę i ciche szczęście z niedbałymi uderzeniami. Pracuje olejek i pastele.

Jill Charrook jest nowoczesnym artystą kanadyjską. Dwadzieścia lat pracował w branży odzieżowej i wnętrz. Uwielbia wyolbrzymiać kolory, wzmacniają kontrasty. Jej jasne obrazy otrzymały międzynarodowe uznanie, są w kolekcjach sztuki współczesnej w Ameryce Północnej, Meksyku i Europie. Jill pisze głównie olej i akryl.

Amerykański obraz
Pierwsza z prac amerykańskich malarstwa przyszła do naszego 16 C; Są to szkice wyprawy badawczej. Jednak zawodowi artystów pojawił się w Ameryce tylko na początku XVIII wieku; Jedynym stabilnym źródłem dochodu był dla nich portret; Gatunek ten nadal posiadał wiodącą pozycję w amerykańskim malarstwie do początku 19 V.
Okres kolonialny. Pierwsza grupa portretów wykonywana w technice malowania olejna pochodzi z drugiej połowy XVII wieku; W tym czasie życie imigrantów przystąpiło stosunkowo spokojnie, pojawił się życie i możliwości praktykowania sztuki. Z tych prac najsłynniejszy portret pani Fritz z jego córką Mary (1671-1674, Massachusetts, Muzeum Sztuki w Wastster), napisane przez nieznanego angielskiego artysty. Do 1730 roku w miastach wschodnim wybrzeża było już kilku artystów, którzy pracowali w bardziej nowoczesny i realistyczny sposób: Henrietta Johnston w Charleston (1705), Justus Englhardt Kün w Annapolis (1708), Gustavi Hessius w Filadelfii (1712) John Watson w Perth Notży w New Jersey (1714), Peter Pelm (1726) i John Smiber (1728) w Bostonie. Obraz ostatnich dwóch miało znaczący wpływ na pracę Johna Singletona Copli (1738-1815), który jest uważany za pierwszy główny amerykański artysta. Według wydruków z kolekcji PELAM, młody Kopli otrzymał pomysł na angielski portret parady i malowanie Godfrey Neller, wiodący angielski mistrz, który pracował w tym gatunku na początku XVIII wieku. W obrazie, chłopiec z białkiem (1765, Boston, Muzeum Sztuk Pięknych) COPLI stworzył wspaniały realistyczny portret, delikatny i niezwykle dokładny w transmisji obiektów przedmiotów. Kiedy w 1765 r. Kopli wysłał tę pracę do Londynu, Joshua Reynolds doradzał mu, aby kontynuował studia w Anglii. Jednak Kopli pozostał w Ameryce do 1774 r. I nadal pisze portrety, ostrożnie opracowując wszystkie szczegóły i niuanse w nich. Potem podjął podróż do Europy i osiedlił się w Londynie w 1775 roku; W swoim stylu pojawiły się maniery i cechy idealizacji, charakterystyczne dla języka angielskiego tego czasu. Wśród najlepszych prac stworzonych przez COPLI w Anglii są dużych portretów przednich, przypominających dzieł Benjamin West, w tym malarstwa Brooke Watson i Shark (1778, Boston, Muzeum Sztuk Pięknych). Benjamin West (1738-1820) urodził się w Pensylwanii; Po napisaniu kilku portretów mieszkańców Philadelfii, przeniósł się do Londynu w 1763 roku. On zdobył sławę jako historyczny malarz. Próbka jego pracy w tym gatunku może być obrazem śmierci General Wulf (1770, Ottawa, National Gallery of Canady). W 1792 r. Zachód zastąpiła Reynoldsa jako prezes Brytyjskiej Królewskiej Akademii Sztuk Pięknych.
Wojna za niezależność i na początku 19 wieku. W przeciwieństwie do Copli i West, którzy byli zawsze w Londynie, Portret Gilbert Stewart (1755-1828) w 1792 r. Wrócił do Ameryki, tworząc karierę w Londynie i Dublinie. Wkrótce stał się wiodącym mistrzem tego gatunku w Young Republic; Stewart napisał portrety prawie wszystkich wybitnych postaci politycznych i publicznych Ameryki. Jego prace są wypełnione żywym, wolnym, szkicu, bardzo różni się od stylu amerykańskich dzieł Copley. Benjamin West chętnie działał w swoim londyniejskim warsztacie młodych amerykańskich artystów; Wśród swoich uczniów Charles Wilson Poli (1741-1827) i Samuel FB Morza (1791-1872). PYL stał się założycielem dynastii malarzy i przedsiębiorstwa sztuki rodzinnej w Filadelfii. Napisał portrety, zaangażowany w badania i otworzył Muzeum Historii Naturalnej i malarstwa w Filadelfii (1786). Od siedemnastu dzieci wielu stało się artystów i przyrodników. Morse, słynny jako wynalazca telegraficznego, napisał kilka pięknych portretów i jeden z najbardziej ambitnych obrazów we wszystkich amerykańskich obrazach - galerii Luwru. W tej pracy z oszałamiającą dokładnością około 37 płótnach jest reprodukowanych w miniaturze. Ta praca, jak Morse'a, miał przedstawić młody naród z wielką kulturą europejską. Waszyngton Olxton (1779-1843) był jednym z pierwszych amerykańskich artystów, którzy dali hołd Romantism; Podczas ich długoterminowej podróży wokół Europy napisał burze morskie, poetyckie włoskie szkice i sentymentalne portrety. Na początku XIX wieku. Pierwsza Amerykańska Akademia Sztuki została otwarta, która dała uczniom szkolenia zawodowego i najbardziej bezpośredni udział w organizacji wystaw: Pensylvanian Academy of Arts w Filadelfii (1805) i National Academy of Figure w Nowym Jorku (1825), których pierwsze Prezydent był SR Morze. W latach 1820-1830 John Tramball (1756-1843) i John Vanderlin (1775-1852) napisał ogromne kompozycje na działkach z historii amerykańskiej, decydując o ścianach Rotond Capitol w Waszyngtonie. W latach trzydziestych krajobraz stał się dominującym gatem amerykańskim malarstwa. Thomas Cole (1801-1848) napisał dziewiczą naturę północy (szt. Nowy Jork). Twierdził, że wyblakły góry i jasny jesienny las są bardziej odpowiednimi działkami dla amerykańskich artystów niż malownicze ruiny europejskie. Cole napisał także kilka krajobrazów nasyconych ze znaczeniem etycznym i religijnym; Wśród nich są cztery duże zdjęcia ścieżki życia (1842, Waszyngton, Galeria Narodowa) - kompozycje alegoryczne, które przedstawiają łódź zstępującą wzdłuż rzeki, w której chłopiec siedzi, potem młody człowiek, potem mężczyzna i wreszcie starzec. Wielu graczy krajobrazowych podążył za przykładem fajnego i przedstawiony w swoich pracach typów amerykańskiej natury; Są one często zjednoczeni w jednej grupie zwanej "szkołą rzeki Hudson" (co nie jest prawdziwe, jak pracowali w całym kraju i napisali w innej stylistyce). Z amerykańskiego genress, najsłynniejszy z Williama Sydney Mount (1807-1868), pisania scen z długimi rolnikami Island, a George Caleb Binham (1811-1879), których obrazy są poświęcone życiu rybaków z brzegów Missouri i Wybory w małych miastach prowincjalnych. Przed wojną domową najbardziej popularnym artystą był Frederick Edwin Cherch (1826-1900), źrenicy Cole. Napisał prace głównie duży format i czasami używał zbyt naturalistycznych motywów, aby przyciągnąć i ogłuszyć publiczność. Keace przejechał przez najbardziej egzotyczne i niebezpieczne miejsca, zbierając materiał do wizerunku południowoamerykańskich wulkanów i lodowań morek północnych; Jednym z jego najbardziej znanych prac jest zdjęcie Niagara Falls (1857, Waszyngton, Corcoran Gallery). W 1860 roku, ogromne ubrania Albert Birstadt (1830-1902) spowodowały uniwersalny podziw dla piękna górskich gór przedstawionych na nich, ze swoimi czystymi jeziorami, lasami i szczytami wieżowymi.

Okres powojenny i narodzony ze stuleci. Po wojnie domowej było modne, aby nauczyć się obrazów w Europie. W Düsseldorfie, Monachium, a zwłaszcza w Paryżu możliwe było uzyskanie znacznie bardziej fundamentalnej edukacji niż w Ameryce. James McNeill Whistler (1834-1903), Mary Cassat (1845-1926) i John Singer Sarjent (1856-1925) studiował w Paryżu, mieszkał i pracował we Francji i Anglii. Whistler był blisko francuskich impresjonistów; W swoich obrazach zwrócił szczególną uwagę na kombinacje kolorów i ekspresyjnej, zwięzły skład. Mary Kassat na zaproszeniu Edgarego Degiego uczestniczyła w wystawach impresjonistów z 1879 do 1886 roku. Sarjent napisał portrety najwybitniejszych ludzi starych i nowych światła w śmiałym, porywnym, eseju. Naprzeciwko impresjonizmu z boku widma stylistycznego w sztuce końca XIX wieku. Zajmujemy realistycznych artystów, którzy napisali iluzjonistyczne martwa natura: William Michael Harnett (1848-1892), John Friederik Peto (1854-1907) i John Haber (1856-1933). Dwóch dużych artystów pod koniec XIX wieku, Winslow Homer (1836-1910) i Thomas Ikins (1844-1916) nie należały do \u200b\u200bżadnej z modnych kierunków w tym czasie. Homer rozpoczął swoją twórczą aktywność w latach 60. XIX wieku z ilustrującymi magazynami Nowego Jorku; Już w latach 90. miał reputację jako znany artysta. Jego wczesne obrazy są bogate w jasną scenę rustykalnego życia. Później, Homer zaczął odnosić się do bardziej złożonych i dramatycznych obrazów i tematów: w obrazku strumieni golfowy (1899, metro) przedstawiono rozpacz czarnego żeglarza leżącego na pokładzie łodzi w burzliwym, objętych rekinami morskimi. Thomas Ikins podczas jego życia był brutalnie krytykowany o nadmierną obiektywność i bezpośrednią. Teraz jego prace są wysoko cenione na surowy i wyraźny rysunek; Jego szczotki należą do obrazów sportowców i szczerych, nasyconych obrazów portretowych sympatii.

XX wieku. Na początku wieku imitacja francuskiego impresjonizmu został wyceniony. Publiczny smak zakwestionował grupę ośmiu artystów: Robert Henry (1865-1929), V.J. Glakens (1870-1938), John Slone (1871-1951), J.B.Laks (1867-1933), Eversett Shinn (1876-19953), AB Davis (1862-1928), Maurice predegast (1859-1924) i Ernest Lawson (1873-1939). Krytycy byli krytykowani przez ich szkołę "wiadro śmieci" do uzależnienia od przedstawienia slumsów i innych elementów prozaicznych. W 1913 r. Na tzw. "Armori Show" został umieszczony dzieła mistrzów należących do różnych kierunków postmingu. Amerykańscy artystów podzielone: \u200b\u200bniektóre z nich zwróciły się do badania możliwości koloru i formalnej abstrakcji, inni pozostawali w realistycznej tradycji Lona. Druga grupa obejmowała Charles Berchfield (1893-1967), Reginald Marsh (1898-1954), Edward Hopper (1882-1967), Fairfield Porter (1907-1975), Andrew White (r. 1917) i innych. Zdjęcia Avesha Albrighta (1897-1983), George Tuker (R. 1920) i Peter Bloom (1906-1992) są napisane w stylu "magicznego realizmu" (podobieństwo z życzliwością w ich pracach jest przesadzone, a rzeczywistość jest raczej przypominający sen lub halucynację). Inni artyści, takimi jak Charles Schieler (1883-1965), Charles Demouge (1883-1935), Lionel Feyninger (1871-1956) i Gruzja o "KIFF (1887-1986), łączone elementy realizmu, kubizm, ekspresjonizm w swoich pracach oraz inne trendy sztuki europejskiej. Gatunki morskie Jana Maryny (1870-1953) i Marsden Hartley (1877-1943) znajdują się w pobliżu ekspresjonizmu. Obrazy ptaków i zwierząt na zdjęciach Maurice Gravesa (r. 1910) nadal zachowują połączenie W widocznym świecie, chociaż formularze w jego pracach są bardzo zniekształcone i doprowadzone do niemal ekstremalnych oznaczeń symbolicznych. Po II wojnie światowej wiodący kierunek w dziedzinie sztuki amerykańskiej było malowaniem prawym przeznaczeniem. Główna uwaga została wypłacona malowniczej powierzchni samego; został uznany za arenę interakcji linii, mas i kolorowych miejsc. Większość znaczących miejsca abstrakcyjne ekspresjonizm zajęło te lata. Stał się pierwszym kursem w malarstwie, które powstały w Stanach Zjednoczonych i miały znaczenie międzynarodowe. Przywódcy Ten ruch był Gorki Arsail (1904-1948), Villem de Coning (Cunning) (1904-1997), Jackson Pollock (1912-1956), Mark Rotko (1903-1970) i \u200b\u200bFranz Kleline (1910-1962). Jednym z najciekawszych odkryć abstrakcyjnego ekspresjonizmu był artystyczny metoda Jacksona Pollocka, który suszony z farbami na płótnie lub rzucił je, aby uzyskać złożony labirynt dynamicznych form liniowych. Inni artystki tego obszaru - Hans Hofmann (1880-1966), Klaford nadal (1904-1980), Robert Mazerwell (1915-1991) i Helen Frankenteler (r. 1928) - praktykowane techniki malowania płótna. Inną opcją sztuki imprezynowej reprezentuje malarstwo Joseph Albers (1888-1976) i Ed Rainharta (1913-1967); Ich zdjęcia składają się z zimnych, precyzyjnie obliczonych form geometrycznych. Wśród innych artystów, którzy pracowali w tym stylu: Elsworth Kelly (R. 1923), Barnett Newman (1905-1970), Kenneth Noland (r. 1924), Frank Stella (r. 1936) i El Held (r. 1928); Później skierowali kierunek opt-art. Pod koniec lat 50., Robert Raushenberg (r. 1925 r.), Jasper Jones (r. 1930) i Larry Rivers (R. 1923) i Larry Rivers zostały wykonane w stosunku do - 1930 i Larry'ego (r. 1923), w tym Technika zgromadzenia. Objęli one fragmenty zdjęć, gazet, plakatów i innych przedmiotów. Na początku lat sześćdziesiątych, zgromadzenie zrodził nowy ruch, tzw. Pop Art, którego przedstawiciele są bardzo starannie i dokładnie reprodukowane w swoich pracach różnorodne przedmioty i obrazy amerykańskiej populacyjnej kultury: brzegów koka-coli i puszek, paczki papierosów, komiksów. Wiodący artystów tego obszaru - Andy Warhol (1928-1987), James Rosenkuist (r. 1933), Jim Dyan (r. 1935) i Roy Lakhtenstin (R. 1923). Po popingu pojawiła się opt-art, oparta na zasadach optyki i złudzenia optycznego. W latach 70., różne szkoły ekspresjonizmu nadal istnieją w Ameryce, Geometrycznej Hard-Ej, Pop Art, coraz bardziej w fotorealizmie mody i innych stylów sztuki.

LITERATURA
Chegodajew a.d. Sztuka Stanów Zjednoczonych Ameryki z wojny niepodległości do dnia dzisiejszego. M., 1960 CHEGODAEV A.D. Sztuka Stanów Zjednoczonych Ameryki. 1675-1975. Malarstwo, architektura, rzeźba, grafika. M., 1975.

Encyklopedia Colley. - Open Society. 2000 .

Oglądaj, co to jest "malarstwo amerykańskie" w innych słownikach:

Kształtki domowe i krajobrazy amerykańskich artystów z lat 20. i 1930, wykonane w naturalistyczny, opisowy sposób. Malarstwo amerykańskiego gatunku nie zostało zorganizowane przez ruch, był powszechny wśród amerykańskich ... Wikipedia

- "Wedding Wedding", 1568, Peter Bruegel, Muzeum Historii Sztuki, Wiedeń ... Wikipedia

Współrzędne: 29 ° 43'32 s. s. 95 ° 23.26 s. d. / 29.725556 ° С. s. 95,390556 ° C. re. ... Wikipedia

Muzeum Metropolitan w Nowym Jorku "Jeden z największych muzeów na świecie i największe Muzeum Sztuki w Stanach Zjednoczonych - Metropolitan Museum of Art (Metropolitan Museum of Art), położony w Nowym Jorku na wschodniej stronie Central Park na Manhattanie. Miejsce jest znany jako muzeum ... ... Encyklopedia Newsmakers.

Wikipedia ma artykuły o innych ludziach z tym nazwiskiem, patrz Bezonova. Marina Aleksandrovna Bessonova (22 lutego 1945 r. (19450222), Moskwa 27 czerwca 2001, Moskwa) Rosyjski historyka sztuki, krytyk, figura muzealna. Spis treści 1 ... ... Wikipedia

Jeden z największych muzeów artystycznych Stanów Zjednoczonych. Z siedzibą w Bostonie w 1870 r. Przechowuje wybitne próbki rzeźby starożytnego Egiptu (popiersie Anchhaf, 3 es. BC), Grecja i Rzym, Tkaniny Koptyjskie, Średniowieczna Sztuka Chin i Japonii ... ... Świetna radziecka encyklopedia

- (De Kooning, Willem) De Cunning w swoim warsztacie. (1904 1997), nowoczesny amerykański artysta, szef szkoły abstrakcyjnej ekspresjonizmu. De Cuning urodził się 24 kwietnia 1904 r. W Rotterdamie. W wieku 15 lat wszedł na wieczorowe kursy malarstwa ... ... Kolor encyklopedii.

- (Chattanooga) miasto na południowym wschodzie Stanów Zjednoczonych (patrz Stany Zjednoczone Ameryki) (Tennessee); Port na rzece Tennessee w Wielkiej Dolinie Appalachów; Znajduje się między górami Appalachi i Plateau Cumberland, na granicy z Gruzją. Ludność 153,6 tys. ... ... Encyklopedia geograficzna.

- (Chattanooga), miasto w południowo-wschodniej USA, Tennessee. Port na r. Tennessee. 152 tys. Mieszkańców (1994; z przedmieściami około 430 tys. Mieszkańców). Chemiczny, tekstylny, przemysł papieru pulpy. Czarna metalurgia, inżynieria mechaniczna. ... ... Słownik encyklopedycki

Barbara Rose (eng. Barbara Rose, R. 1938) Amerykańska sztuka historyk i krytyk sztuki. Studiował w Smith College, Barnard College i Columbia University. W 1961 roku 1969 r. Był żonaty z artystą Frank Stella. W ... ... Wikipedia

Książki

• Malarstwo angielskie i amerykańskie w Galerii Washington National (miękkie wiązanie), Milugina E. G., Washington National Gallery ma największe na świecie kolekcje języka angielskiego i amerykańskiego poziomu wysokiego szczebla. Kolekcje odzwierciedlają jako historię malarstwa świata, ... Kategoria:

"Gracze w kartach"

Autor

Paul Cesanne.

Kraj Francja
Lata życia 1839–1906
Styl Postresjonizm.

Artysta urodził się na południu Francji w małym miasteczku Ex-En-Provence, ale malarstwo zaczęło angażować się w Paryż. Ten sukces przyszedł do niego po osobistej wystawie organizowanej przez kolektora Ambruz Wollarem. W 1886, 20 lat przed jego opieką, przeniósł się na obrzeżach swojego rodzinnego miasta. Młodzi artyści nazywali go "pielgrzymką w ex".

130x97 cm.
1895 rok
Koszt
250 milionów dolarów.
sprzedany w 2012
na prywatnym handlu

Kreatywność Cezanne jest łatwa do zrozumienia. Jedyną zasadą artysty była bezpośrednia transmisja tematu lub fabuła na płótnie, więc jego obrazy nie powodują zakłopotania widza. Cezanne łączył dwie główne tradycje francuskie w swojej sztuce: klasycyzm i romantyzm. Z pomocą kolorowej tekstury przyłączył niesamowitą plastyczność przedmiotów.

Seria pięciu graczy "graczy na mapach" została napisana w latach 1890-1895. Ich fabuła jest taka sama - entuzjastycznie grają kilka osób. Dostępne tylko przez liczbę graczy i rozmiarów płótna.

Cztery obrazy są przechowywane w muzeach Europy i Ameryki (Muzeum D'Orce, Metropolitan Museum, Barnes Fundacji i Instytutu Kurto), a piąty czas do niedawna była dekoracja prywatnej kolekcji greckiego billionire-arabownika Georg Embyricos. Krótko przed śmiercią, w zimie 2011 r. Postanowił go ustawić na sprzedaż. Dealer artystyczny William Akvavella i mamy miłą nazwę Larry Gagosyan, który zaoferował mu około 220 milionów dolarów, którzy oferują około 220 milionów dolarów za to, że potencjalni nabywcy "wolnej" pracy. W rezultacie obraz udał się do królewskiej rodziny Państwowej Kataru Arabskiego przez 250 milionów. Największa oferta sztuki w historii malarstwa została zamknięta w lutym 2012 roku. To w Vanity Fair zgłosiło dziennikarz Alexander Pierce. Dowiedziała koszt obrazu i nazwy nowego właściciela, a następnie informacje przeniknęły na media na całym świecie.

W 2010 roku, Arabskie Muzeum Sztuki Współczesnej i Muzeum Narodowe Katari otwarte w Katarze. Teraz uzupełniane są ich kolekcje. Być może piąta wersja "graczy na karcie" została nabyta przez Sheikh w tym celu.

Sami.drogi obrazna świecie

Właściciel
Sheikha Hamad.
Bin Caliph Al-Tanya

Reguły dynastii Al-Tanya Katar ponad 130 lat. Około pół wieku temu, ogromne rezerwy ropy i gazu znaleziono tutaj, że VMIG dokonał Kataru jednego z najbogatszych regionów świata. Dzięki eksportowi węglowodorów w tym małym kraju odnotowano największy PKB na mieszkańca. Szejk Hamad Bin Califa Al-Tanya w 1995 r., Podczas gdy jego ojciec był w Szwajcarii, przy wsparciu członków rodziny o przejętych mocy. Zasługa obecnej władcy, według ekspertów, w jasnej strategii rozwoju kraju, tworząc udany obraz państwa. Teraz konstytucja i premier pojawił się w Katarze, a kobiety otrzymały prawo do głosowania w wyborach parlamentarnych. Nawiasem mówiąc, był Emir Kataru, który założył kanał informacyjny Al-Jazeera. Ogromna uwaga władz państwa arabskiego płacą kulturę.

2

"Numer 5"

Autor

Jackson pollock.

Kraj USA
Lata życia 1912–1956
Styl Abstrakcyjny ekspresjonizm

Jack Opryskiwacz - taki pseudonim został przekazany publiczności amerykańskiej na specjalną technikę malarstwa. Artysta odmówił pędzla i sztalugi, a farba rozlała się na powierzchni płótna lub fibrolitu podczas ciągłego ruchu wokół i wewnątrz nich. Od wczesnego wieku polubił filozofii Jedda Krishnamurti, główną obietnicą, której - prawda otwiera się podczas bezpłatnego "wylania".

122x244 cm
1948.
koszt
140 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Soteby.

Wartość pracy środka pomocniczego nie jest w rezultacie, ale w tym procesie. Autor nie przypadkowo zadzwonił do swojej sztuki akcji malarskiej. Z jego lekkiej ręki stał się główną dziedziną Ameryki. Jackson Pollock mieszana farba z piaskiem, złamanym szkłem i napisał kawałek kartonu, mastyki, nóż, miarkę. Artysta był tak popularny, że w latach 50. imitatorzy odkryli nawet w ZSRR. Obraz "Numer 5" jest rozpoznawany jako jeden z najdziwniejszych i drogich na świecie. Jednym z twórców DreamWorks David Hepfen nabył go na prywatną kolekcję, aw 2006 r. Sprzedane na aukcji Sotheby na 140 milionów dolarów do meksykańskiej Davida Martinezu. Jednak wkrótce kancelaria prawna w imieniu jego klienta wydała komunikat prasowy, który dczył, że David Martinez nie jest właścicielem obrazu. Najwyraźniej znana jest tylko jedna rzecz: Meksykański finansista rzeczywiście ostatnio zbierający dzieła sztuki współczesnej. Jest mało prawdopodobne, aby przegapił taką "dużą rybę" jako "numer 5" środka pomocniczego.

3

"Kobieta III"

Autor

Villem De Kuning.

Kraj USA
Lata życia 1904–1997
Styl Abstrakcyjny ekspresjonizm

Wyjazd z Holandii, wyemigrował w Stanach Zjednoczonych w 1926 roku. W 1948 r. Odbyła się osobista wystawa artysty. Krytycy artystyczni docenili złożone, nerwowe czarno-białe kompozycje, uznając w ich autorze modernizmu wielkiego artysty. Cierpiał większość życia z alkoholizmem, ale radość tworzenia nowej sztuki jest odczuwana w każdej pracy. De Kuning wyróżnia się impulsywnością malarstwa, szerokich uderzeń, który czasami obraz nie pasuje do granic na płótnie.

121x171 cm
1953.
Koszt
137 milionów dolarów.
sprzedany w 2006 roku
na prywatnym handlu

W latach 50. XX wieku kobiety z pustymi oczami, masywne piersi, brzydkie cechy twarzy pojawiają się w obrazach De Kuning. "Kobieta III" stała się ostatnią pracą z tej serii uczestniczącej w aukcji.

Od lat 70. obraz był przechowywany w Muzeum Sztuki Współczesnej Teherana, ale po wprowadzeniu ciężkich zasad moralności w kraju, starali się go pozbyć. W 1994 r. Praca została wyjęta z Iranu, a po 12 latach jego właściciel David Hepfen (najbardziej producent, który sprzedał Kanał Jacksona Pollock "Numer 5") dał obraz do Millela Stephena Cohen za 137,5 mln USD. Co ciekawe, Hepfhen zaczął sprzedawać kolekcję malarstwa w ciągu jednego roku. Wydaje się na masę pogłoski: na przykład producent postanowił kupić gazetę Los Angeles.

Na jednej z forów artystycznych wyrażono opinię o podobieństwie "kobiet III" z obrazem Leonardo da Vinci "Lady z Mornosta". Dla uśmiechu i bezkształtnej postaci bohaterki, koneseur malarstwa widział łaskę królewskiej krwi. Jest to świadczy słabo malowane korony, głowa ślubu kobiety.

4

"Portret AdeliBloch-Bauer I »

Autor

Gustav Klimt.

Kraj Austria
Lata życia 1862–1918
Styl Nowoczesny

Gustav Klimt urodził się w rodzinie rodziny grawerskiej i był drugim z siedmiu dzieci. Trzech synów Ernesta Klimt stali się artystami, a tylko Gustav stał się sławny dla całego świata. Większość dzieciństwa spędził w ubóstwie. Po śmierci ojca był odpowiedzialny za całą rodzinę. Obecnie jest wspinaczkę rozwija swój styl. Przed jego obrazami każdy widz zamarza: pod cienkich rozmazów złota jest wyraźnie widoczne dla szczerego erotyczności.

138x136 cm.
1907 roku
Koszt
135 milionów dolarów.
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Soteby.

Los obrazu, który nazywa się "Austrian Mona Liza", może łatwo stać się podstawą bestsellera. Praca artysty była przyczyną konfliktu całego państwa i jednej starszej pani.

Tak więc, na "Portret Adeli Bloch-Bauer" przedstawiłem arystokratę, żoną Ferdinand Blocha. Jej ostatnia wola miała przenieść zdjęcie Austriackiej Galerii Państwowej. Jednak pchły w jego odwołaniu darowizny, a płótno wywłaszczyli nazistów. Później galeria prawie nie kupiła "Golden Adel", ale tutaj pojawiły się spadkobiercy - Maria Altman, siostrzenica Ferdinand Bloch.

W 2005 r. Rozpoczął się głośny proces "Marii Altana przeciwko Republice austriackiej", po czym z nią obraz "Left" w Los Angeles. Austria przyjęła bezprecedensowe środki: były negocjacje na kredyty, populacja poświęciła pieniądze na zakup portretu. Dobry i nie wygrał zła: cena Altana podniesiona do 300 milionów dolarów. W momencie postępowania miała 79 lat, a ona weszła do historii jako osoby, która zmieniła woli Bloch Bauer na rzecz osobistych interesów. Obraz został nabyty przez Ronald Laoufere, właściciela "Nowej Galerii" w Nowym Jorku, gdzie wciąż jest w tym dniu. Nie dla Austrii, dla niego Altman opuścił cenę do 135 milionów dolarów.

5

"Zatoczka"

Autor

Edward Munk.

Kraj Norwegia
Lata życia 1863–1944
Styl ekspresjonizm

Pierwsze zdjęcie błota, które stało się sławnym na całym świecie, - "Chora Girl" (istnieje w pięciu kopiach) - poświęconych siostrze artysty, który zmarł z gruźlicy w wieku 15 lat. Minka zawsze interesuje się tematem śmierci i samotności. W Niemczech jego ciężki, maniakalny obraz nawet sprowokował skandal. Jednak pomimo działek depresyjnych, jego obrazy mają specjalny magnetyzm. Weź przynajmniej Creek.

73,5х91 cm
1895 rok
Koszt
119,992 miliona dolarów.
sprzedany B. 2012.
na aukcji Soteby.

W ramce Nazwa zdjęcia znajduje się der Schrei der Natur (przetłumaczony z niemieckiego - "Creek of Nature"). Osoba ma to, czy osoba jest lub obcy wyrażająca rozpacz i panikę - te same emocje doświadczają widza podczas patrzenia na zdjęcie. Jednym z kluczowych dzieł ekspresji ostrzega tematy, które stały się ostre w dziedzinie XX wieku. Według jednej z wersji artysta stworzył go pod wpływem zaburzeń psychicznych, który cierpiał cały jego życie.

Obraz dwukrotnie został skradziony z różnych muzeów, ale został zwrócony. Uzyskane niewielkie obrażenia po kradzieży "Creek" został odnowiony, a on ponownie był gotowy pokazać w Muzeum Mill w 2008 roku. Dla przedstawicieli kultury popu, praca stała się źródłem inspiracji: Andy Warhol stworzył serię swoich kopii druku, a maska \u200b\u200bz filmu "Creek" została wykonana na obrazie i podobieństwo bohatera obrazu.

Na jedną działkę, Munk napisał cztery wersje pracy: Ten jest w prywatnej kolekcji, wykonywane są pastele. Norweski Billioner Petter Olsen umieścił go na aukcji 2 maja 2012 r. Kupującym był Leon Black, który nie odpowiadał "płaczu" kwoty rekordu. Założyciel firm Advisors Apollo, LP. i Lew Doradcy, LP. Znany jego miłością. Czarny jest patronem College Dartmouth, Muzeum Sztuki Współczesnej, Centrum Sztuki Lincoln, Metropolitan Museum of Arts. Ma największy zbiór obrazów współczesnych artystów i klasycznych mistrzów minionych wieków.

6

"Nagie na tle biustu i zielonych liści"

Autor

Pablo Picasso

Kraj Hiszpania, Francja.
Lata życia 1881–1973
Styl kubizm

Pochodząc, jest Hiszpanem, w duchu i miejscu zamieszkania - prawdziwy Francuz. Własne studio Picassa zostało otwarte w Barcelonie, kiedy miał zaledwie 16 lat. Potem poszedł do Paryża i spędził tam większość życia. Dlatego w jego nazwisku podwójnym nacisku. W sercu stylu wynalazł Picasso, istnieje zaprzeczenie opinii, że obiekt przedstawiony na płótnie można rozważyć tylko w jednym widoku.

130x162 cm
1932 rok
Koszt
106,482 miliona dolarów.
sprzedany w 2010 roku
na aukcji Christie's.

Podczas pracy w Rzymie artysta spotkał tancerza Olgi Khokhlova, który wkrótce stał się jego żoną. Skończył z Vagrancą, przeniósł się z nią do luksusowego mieszkania. Do tego czasu rozpoznawanie znaleziono bohatera, ale małżeństwo zostało zniszczone. Jednym z najdroższych obrazów świata powstała niemal przez przypadek - w wielkiej miłości, która, jak zawsze, Picasso był krótki. W 1927 r. Został poniesiony przez młodego Marie Terez Waltera (miała 17 lat, miał 45 lat). W tajemnicy opuścił żonę swoją kochanką w mieście w pobliżu Paryża, gdzie napisał portret, przedstawiając Marie Terez na obrazie Daphne. Płótno nabyło dealera Nowy Jork Paul Rosenberg, aw 1951 r. Sprzedał mu Sydney F. Brouda. Małżonki Brody wykazały obraz świata tylko jeden dzień i tylko dlatego, że artysta miał 80 lat. Po śmierci męża pani Brody, w marcu 2010 r., Umieść prace nad aukcją w domu Christie. Od sześciu dekad cena wzrosła ponad 5000 razy! Nieznany kolekcjoner nabył ją za 106,5 mln USD. W 2011 r. "Wystawa jednego wzoru" odbyła się w Wielkiej Brytanii, gdzie widział światło po raz drugi, ale imię właściciela jest nadal nieznana.

7

"Osiem elvis"

Autor

Andy Warhole.

Kraj USA
Lata życia 1928-1987
Styl
pop Art

"Seks i imprezy są jedynymi miejscami, w których musisz pojawić się z własną osobą" - powiedział kult Artysta pop-art, dyrektor, jednego z założycieli magazynu wywiadu, projektant Andy Warhol. Pracował z Vogue i Harper Bazarem, opracowywając pokrywę rekordów, wymyślił buty dla I.Miller. W latach 60. pojawił się zdjęcia symboli Ameryki: zupa Campbell`s i Coca-Cola, Presley i Monroe - sprawiły, że legenda.

358x208 cm
1963 rok
Koszt
100 milionów dolarów.
sprzedany w 2008
na prywatnym handlu

Warholowski 60s - tzw. Era pop-artu w Ameryce. W 1962 r. Pracował na Manhattanie w studiu "Fabryka", gdzie zebrał się wszystkie Bohemia New York. Jego jasni przedstawiciele: Mick Jagger, Bob Dylan, Trueman Hood i inna osoba znana na świecie. W tym samym czasie, Próbowała technologię silkograficzną w Warhol - wielokrotne powtarzanie jednego obrazu. Użył tej metody i podczas tworzenia "osiem Elvis": widz wydaje się widzieć ramki z filmu, gdzie gwiazda przychodzi do życia. Jest wszystko, co artysta tak bardzo kochał: Win-wygrywa obraz publiczny, kolor srebrny i prześladowanie śmierci jako głównej obietnicy.

Istnieją dwóch dealerów sztuki promujących pracę w Warhola na rynku światowym dzisiaj: Larry Gagosyan i Alberto Morbai. Pierwszy w 2008 r. Spędził 200 milionów dolarów, aby zdobyć ponad 15 dzieł warg. Drugi kupuje i sprzedaje swoje obrazy jako kartki świąteczne, tylko droższe. Ale nie oni, a skromna francuski konsultant Art Philip Segalo pomógł rzymskim koneserze sztuki Annibal Berlingheri sprzedać nieznanego Kupującego "Osiem Elvisa" na rekord dla Warhol - 100 milionów dolarów.

8

"Pomarańczowy,czerwony żółty"

Autor

Mark Rotko.

Kraj USA
Lata życia 1903–1970
Styl Abstrakcyjny ekspresjonizm

Jednym z twórców malowania kolorowe pole urodziło się w Dvinsk, Rosji (obecnie - Daugavpils, Łotwa), w dużej rodzinie żydowskiej farmaceuty. W 1911 r. Wyemigrowali do Stanów Zjednoczonych. Rotko studiował na Wydziale Sztuki Uniwersytetu Yale, osiągnięte stypendia, ale antysemickie uczucia zmusiły go do opuszczenia studiów. Pomimo wszystkiego, krytyka sztuki artysty była strzeżona, a muzea realizowały całe życie.

206x236 cm
1961 rok
koszt
86882 milionów dolarów.
sprzedany w 2012
na aukcji Christie's.

Pierwsze eksperymenty artystyczne Rotko były surrealistyczną orientacją, ale z natury uprościł fabułę do kolorowych plam, pozbawiając ich dowolnego obiektu. Początkowo mieli jasne odcienie, aw latach sześćdziesiątych wylali brąz, fioletowy, pogrubiony do czerni do czasu śmierci artysty. Mark Rotko ostrzegł przed poszukiwaniem jakiegokolwiek znaczenia w jego obrazach. Autor chciał powiedzieć dokładnie, co powiedział: tylko kolor rozpuszcza się w powietrzu i nic więcej. Polecał patrząc na pracę z odległości 45 cm, aby widz "opóźnił się" w kolorze, jak w lejku. Uwaga: Szukanie wszystkich zasad może prowadzić do efektu medytacji, czyli stopniowo przychodzą do świadomości nieskończoności, kompletnego zanurzenia w sobie, relaksacji, oczyszczania. Kolor w jego obrazach mieszka, oddycha i ma najsilniejszy wpływ emocjonalny (mówią, czasami gojenia). Artysta stwierdził: "Widz powinien płakać, patrząc na nich", a takie przypadki były rzeczywiście. Na teorii Rotko, w tej chwili ludzie żyją te same doświadczenie duchowe, ponieważ w trakcie pracy na zdjęciu. Jeśli udało ci się to zrozumieć na takim cienkim poziomie, nie będziesz zaskoczony, że te dzieła krytyki abstrakcji często porównują się z ikonami.

Praca "pomarańczowa, czerwona, żółta" wyraża całą istotę malarstwa Mark Rothko. Jego początkowy koszt na aukcji Christie w Nowym Jorku 35-45 milionów dolarów. Nieznany Kupujący zaoferował cenę dwukrotnie bardziej przekraczającą oszacowanie. Nazwa właściciela szczęśliwego malowania, jak to często dzieje się, nie ujawnione.

9

"Tryptyk"

Autor

Francis Bacon.

Kraj
Wielka Brytania
Lata życia 1909–1992
Styl ekspresjonizm

Przygody Francisa Beckona, kompletnego imienia i oprócz długim potomku wielkiego filozofa, zaczął się, gdy ojciec wyrzekł go, niezdolny do zaakceptowania tendencji homoseksualnych syna. Bacon poszedł pierwszy do Berlina, a następnie do Paryża, a potem jego ślady są zdezorientowane w całej Europie. Podczas życia jego praca była wystawiona w wiodących ośrodkach kulturalnych świata, wśród których Muzeum Guggenheima i Galeria TryTEAKOV.

147,5х198 cm (każdy)
1976.
Koszt
86,2 miliona dolarów.
sprzedany w 2008
na aukcji Soteby.

Prestiżowe muzea starały się posiadać malowidła Bekona, ale pierwotna angielska publiczność nie spieszyła się, by przetrwać w takiej sztuce. Legendarny premier brytyjskiej Margaret Thatcher o nim rozmawiał: "Osoba, która rysuje te przerażające obrazy".

Okres rozpoczęcia w jego pracy, sam artysta uważany za czas powojenny. Wracając z serwisu, ponownie zaangażował się w malowanie i stworzył główne arcydzieła. Przed udziałem Tryptyku, 1976 w aukcji najdroższych dzieł Bacona było "etiude do portretu papieża Innokentia X" (52,7 mln USD). W triftykh, 1976 r., Artysta przedstawił mityczną fabułę prześladowań Oresta Fury. Oczywiście, Orest jest sam Bacon, a Furi jest jego męką. Od ponad 30 lat obraz był w prywatnej kolekcji i nie uczestniczył w wystawach. Fakt ten nadaje mu specjalną wartość, a zatem zwiększa koszty. Ale jaki jest kilka milionów na koneserę sztuki, a nawet w rosyjskiej hojnej? Roman Abramovich zaczął tworzyć swoją kolekcję w latach 90., Dziewczyna Dasha Zhukov znacząco wpłynęła na niego, który stał się modną galerią w nowoczesnej Rosji. Według nieoficjalnych danych, w osobistym własności biznesmena, istnieją prace Alberto Dzhacometti i Pablo Picasso, kupiło na kwoty przekraczające 100 milionów dolarów. W 2008 r. Stał się właścicielem tryptyku. Przy okazji, w 2011 r. Pozyskano kolejną cenną pracę Bekon - "Trzy szkice do portretu Lucien Freuda". Ukryte źródła mówią, że Roman Arkadyevich ponownie stał się kupującym.

10

"Staw z lilią wodną"

Autor

Claude Monet

Kraj Francja
Lata życia 1840–1926
Styl impresjonizm

Artysta jest rozpoznawany przez przodek impresjonizmu, "Opatentowany" tej metody w swoich płótnach. Pierwszą znaczącą pracą było obraz "śniadanie na trawie" (oryginalna wersja pracy Edward Grzywa). W młodości malował karykatury, a prawdziwy obraz zajęł się podczas podróży wzdłuż wybrzeża i na zewnątrz. W Paryżu poprowadził czeski styl życia i nie zostawił go nawet po służbie w armii.

210x100 cm.
1919 roku
Koszt
80,5 mln USD
sprzedany w 2008
na aukcji Christie's.

Oprócz faktu, że Monet był wielkim artystą, entuzjastycznie zaangażowany w ogrodnictwo, uwielbiają życie i kwiaty. W swoich krajobrazach stan natury jest lekko, przedmioty, jak gdyby zamazany przez ruch powietrza. Wrażenie jest wzmocnione przez duże rozmazy, z pewnej odległości stają się niezauważalne i łączą się w teksturowany, trójwymiarowy obraz. W obrazie późnego monetu, temat wody i życia zajmuje specjalne miejsce. W mieście Giverni artysta był jego własnym stawem, gdzie uprawiając pita z nasion, specjalnie przywiezionych z Japonii. Kiedy kwitnął ich kwiaty, szukał rysowania. Seria "słodyczy" składa się z 60 prac, które artysta napisał przez prawie 30 lat na śmierć. Jego wizja pogorszyła się wraz z wiekiem, ale nie zatrzymał się. W zależności od wiatru, pora roku i pogody, staw stale się zmienił, zmiany te chciały uchwycić Monet. Poprzez dokładną pracę wobec niego, zrozumienie istoty natury. Niektóre skorupy serii są przechowywane w wiodących galeriach świata: Narodowe Muzeum Sztuki Zachodniej (Tokio), Orangery (Paryż). Wersja następnego "stawu z lilią wodną" wszedł w ręce nieznanego nabywcy na kwotę rekordu.

11

Fałszywa Gwiazda t.

Autor

Jasper Jones.

Kraj USA
Rok urodzenia 1930
Styl pop Art

W 1949 r. Jones wszedł do szkoły w Nowym Jorku. Wraz z Jackson Pollock, Willem de Cunning i innymi, jest uznawany za jednego z głównych artystów XX wieku. W 2012 r. Otrzymał "medal prezydencki wolności" - najwyższą cywilną nagrodę Stanów Zjednoczonych.

137.2х170,8 cm
1959.
Koszt
80 milionów dolarów.
sprzedany w 2006 roku
na prywatnym handlu

Podobnie jak Marsylia Dushan, Jones pracowały z prawdziwymi przedmiotami, przedstawiając je na płótnie i rzeźbie w pełnej zgodności z oryginałem. Za ich pracę użył prostych i zrozumnych przedmiotów: butelka piwa, flaga lub karta. Obraz fałszywy start nie ma wyraźnej kompozycji. Artysta, jakby gra z publicznością, często "błędnymi" kolorami podpisywania na zdjęciu, obracając koncepcję samego koloru: "Chciałem znaleźć sposób na przedstawienie koloru, aby można go określić przez inną metodę". Jego najbardziej wybuchowy i "trwały w sobie", według krytyków, obraz został nabyty przez nieznanego kupującego.

12

"Posiedzenienagi na sofie"

Autor

Amedeo Modiganiani.

Kraj Włochy, Francja.
Lata życia 1884–1920
Styl ekspresjonizm

Moodigaliali często chory od dzieciństwa, podczas gorączkowego bzdury, rozpoznał swojego projektanta artysty. Studiował malarstwo w Livorno, Florencja, Wenecja, aw 1906 roku poszedł do Paryża, gdzie rozkwitł jego sztuka.

65x100 cm
1917 rok
Koszt
68,962 milionów dolarów.
sprzedany w 2010 roku
na aukcji Soteby.

W 1917 r. Modigliani spotkał się z 19-letnim Ebutera Jeanne, który stał się jego modelem, a potem jego żoną. W 2004 r. Jeden z jej portretów został sprzedany za 31,3 mln USD, który stał się ostatnim rekordem przed sprzedażą "Siedząc nago na kanapie" w 2010 roku. Obraz nabył nieznany nabywcę na maksymalną dla modygliani w tej chwili cena. Aktywna sprzedaż pracy rozpoczęła się dopiero po śmierci artysty. Zmarł w ubóstwie, chorej gruźlicy, a następnego dnia popełniła się z nim i Zhanna Ebuterern, który przebywał w dziewiątym miesiącu ciąży.

13

"Orzeł na sosny"

Autor

Qi Bayshi.

Kraj Chiny
Lata życia 1864–1957
Styl Gokhua.

Zainteresowanie kaligrafią LED QI Baisha do malowania. W wieku 28 lat stał się studentem artystów Hu Zinyuan. Ministerstwo Kultury Chińskiej przeznaczonej do niego tytuł "Wielkiego Artysty Chińczyków", w 1956 r. Otrzymał międzynarodową nagrodę świata.

10x26 cm.
1946.
Koszt
65,4 mln USD
sprzedany w 2011
na aukcji China Guardian.

Qi Bayshi był zainteresowany tymi objawami otaczającego świata, które wielu nie daje wartości, aw tej jego wielkości. Człowiek bez wykształcenia został profesorem i wybitnym twórcą w historii. Pablo Picasso mówił o nim: "Boję się pójść do twojego kraju, ponieważ w Chinach są qi baisha". Skład "Eagle na sosny" jest uznawany za największe dzieło artysty. Oprócz płótna obejmuje dwa hieroglificzne zwoje. Dla Chin kwota, dla której kupiono pracę, reprezentuje rekord - 425,5 mln juanów. Tylko przewijanie starożytnej kaligrafera Juan Tinjiang został sprzedany za 436,8 miliona.

14

"1949-~ №1"

Autor

Clifford nadal.

Kraj USA
Lata życia 1904–1980
Styl Abstrakcyjny ekspresjonizm

W wieku 20 lat odwiedził Muzeum Metropolitalne w Nowym Jorku i był rozczarowany. Później został zapisany na trasie Ligi Student of the Arts, ale pozostawiono 45 minut po rozpoczęciu zajęć - okazało się, że jest "nie." Pierwsza wystawa osobista spowodowała rezonans, artysta znalazł się i z tym uznaniem

79x93 cm
1949 rok
Koszt
61,7 miliona dolarów.
sprzedany w 2011
na aukcji Soteby.

Wszystkie ich prace, a to jest ponad 800 płótna i 1600 prac na papierze, stylista wygrał amerykańskie miasto, gdzie zostanie otwarte muzeum jego imienia. Denver stał się taki miastem, ale tylko budowa była droga dla władz, a za jego zakończenie, cztery prace zostały wystawione na aukcję. Prace Stille są mało prawdopodobne, aby jeszcze uczestniczyć w aukcji, która wcześniej zaawansowała swoją cenę z wyprzedzeniem. Obraz "1949-A-No.1" został sprzedany na rekord dla artysty, chociaż eksperci przewidywały sprzedaż 25-35 milionów dolarów.

15

"Suprematyczny skład"

Autor

Kazimir Malevich.

Kraj Rosja
Lata życia 1878–1935
Styl suprematyzm.

Malevich nauczył się malować w szkole sztuki w Kijowie, a następnie w Moskwie Akademii Sztuk Pięknych. W 1913 r. Zaczął pisać obrazy abstrakcyjne geometryczne w stylu, który zwany suprematyzmem (z lat "Dominance").

71x 88,5 cm
1916.
Koszt
60 milionów dolarów.
sprzedany w 2008
na aukcji Soteby.

W miejskim Muzeum Amsterdam obraz był trzymany około 50 lat, ale po 17-letniej sporze z krewnymi Malevicha muzeum dała ją. Artysta napisał tę pracę w ciągu jednego roku z "manifestem suprematyzmu", więc sotheby`s został ogłoszony przed ofertą, nie pójdzie do prywatnej kolekcji w prywatnej kolekcji. Więc się stało. Lepiej na to spojrzenie: kształty na płótnie przypominają widok ziemi z powietrza. Nawiasem mówiąc, kilka lat wcześniej, te same krewni wydłużają się z Moma Muzeum kolejnej "Suprematycznej składu", aby sprzedać go na aukcji Phillips za 17 milionów dolarów.

16

"Sprzączki"

Autor

Paul Gajen.

Kraj Francja
Lata życia 1848–1903
Styl Postresjonizm.

Do siedmiu lat artysta mieszkał w Peru, a potem z rodziną wrócił do Francji, ale wspomnienia dzieci stale popchnęły go do podróży. We Francji zaczął pisać farby, byli przyjaciółmi z Van Gogh. Nawet spędził z nim kilka miesięcy w Arles, aż Van Gogh podczas kłótni odciął ucho.

93,40,4 cm
1902 rok
koszt
55 milionów dolarów
sprzedany w 2005
na aukcji Soteby.

W 1891 r. Gauguen ułożono, aby sprzedać swoje obrazy, aby wejść głęboko na wyspę Tahiti do odwróconej pieniędzy. Tam stworzył pracę, w której delikatny związek natury i mężczyzny jest odczuwany. Gogen mieszkał w słomianej chaty, a tropikalny raj rozkwitł na płótnach. Jego żona stała się 13-letnią Tahitiankah Tehra, która nie uniemożliwiła artystce dołączyć do nierówności. Choroba syfilis, wyszedł na Francję. Jednak Mogen był ściśle, i wrócił do Tahiti. Ten okres nazywa się "Drugi Taitian" - to wtedy napisano obraz "Swimster", jeden z najbardziej luksusowych w jego pracy.

17

"Narcyz i obrus w kolorze niebieskim i różowym"

Autor

Henri Matisse.

Kraj Francja
Lata życia 1869–1954
Styl Fovisov.

W 1889 r. Henri Matisse miał atak zapadku. Kiedy został odzyskany z operacji, matka kupiła mu farby. Początkowo Matisse z pocztówek kolorowych nudy, a następnie - dzieła wielkich malarzy, które widzieli w Luwrze, a na początku XX wieku pojawiły się styl - formizm.

65.2х81 cm
1911.
Koszt
46,4 mln USD
sprzedany w 2009
na aukcji Christie's.

Obraz "Narcyz i obrus w kolorze niebieskim i różowym" przez długi czas należał do IVA Saint-Laurent. Po śmierci Kuturiera całą kolekcję sztuki przeniósł się do rąk i kochanka Pierre'a Berez, który postanowił ustawić go na aukcji Christie. Perłą sprzedanej kolekcji była obraz "Narcyz i obrus w kolorze niebieskim i różowym", napisane na zwykłym obrusie zamiast płótna. Jako próbka foxizmu jest wypełniona energią kolorową, farby wydają się eksplodować i krzyczeć. Z słynnej serii obrazów napisanych na obrusie, dziś ta praca jest jedynym, który jest w kolekcji prywatnej.

18

"Śpiąca dziewczyna"

Autor

Roy.Kłamstwo

khtenstein.

Kraj USA
Lata życia 1923–1997
Styl pop Art

Artysta urodził się w Nowym Jorku, a ukończył szkołę, udał się do Ohio, gdzie poszedł na kursy artystyczne. W 1949 r. Liechtenstein otrzymał tytuł magistra w eleganckich sztukach. Zainteresowanie komiksami i zdolnością do prasowania kultowego artysty ubiegłego wieku.

91x91 cm
1964.
Koszt
44,880 milionów dolarów.
sprzedany w 2012
na aukcji Soteby.

Pewnego dnia guma do żucia uderzyła w Liechtenstein. Zredualizował obraz z wkładki na płótno i stał się sławny. Na tej działce z jego biografii, cała misja pop art została zawarta: konsumpcja jest nowym Bogiem, a w cukierku z Zhwachki nie mniej piękno niż w Mont Lisa. Jego obrazy przypominają komiksy i kreskówki: Liechtenstein po prostu zwiększył gotowy obraz, rysując RASTERS, używany druk szablonowy i ekranie jedwabiu. Obraz "Sleeping Girl" należała przez prawie 50 lat do kolekcjonerów Beatris i Philip Pearrs, których spadkobiercy sprzedali go na aukcji.

19

"Zwycięstwo. Boogie Woogie"

Autor

Pete Mondrian.

Kraj Holandia
Lata życia 1872–1944
Styl Neolastyczność

Jego prawdziwe nazwisko - Cornelis - artysta zmienił się na Mondrian, kiedy w 1912 r. Przeniósł się do Paryża. Wraz z artystą Teo Vann Dusburg założył ruch "Nexustyzm". Na cześć Mondriana język programowania Piet jest nazwany.

27x127 cm
1944.
koszt
40 milionów dolarów.
sprzedany w 1998.
na aukcji Soteby.

Najbardziej "musical" od artystów XX wieku zarobiła życie akwarelami wciąż, chociaż stało się znane z artystki nowotworowej. W USA przeniósł się w 1940 roku i spędził tam resztę życia. Jazz i Nowy Jork - to właśnie go najbardziej zainspirowało! Obraz "zwycięstwo. Bogi-Vuy "to najlepszy przykład tego. "Znakowane" schludne kwadraty uzyskano z powodu stosowania lepkiej taśmy - ulubionego materiału Mondriana. W Ameryce nazywał się "najbardziej znanym imigrantem". W latach sześćdziesiątych Yves Saint Laurent uwolnił mondryjskie sukienki znane całym świecie z nadrukiem do dużej kolorowej komórki.

20

"Skład numer 5"

Autor

BazyliaKandinsky.

Kraj Rosja
Lata życia 1866–1944
Styl awangardowy

Artysta urodził się w Moskwie, a jego ojciec był z Syberii. Po rewolucji próbował współpracować z sowiecką mocą, ale wkrótce zdałem sobie sprawę, że prawa proletariatu nie zostały stworzone dla niego i nie został wyemigrowany do Niemiec bez trudności.

275x190 cm.
1911.
koszt
40 milionów dolarów.
sprzedany w 2007.
na aukcji Soteby.

Kandinsky Jeden z pierwszych całkowicie odmówił tego tematu, dla którego otrzymał tytuł geniuszu. Podczas nazizmu w Niemczech, jego obrazy przypisano "sztuce zwyrodnieniowej" i nie były wykazywane nigdzie. W 1939 r. Kandinsky przyjęła obywatelstwo francuskie, uczestniczył w procesie artystycznym w Paryżu. Jego obrazy "dźwiękowe", jakby fuga, tak wielu nazywano "kompozycjami" (pierwszy został napisany w 1910 roku, ten ostatni - w 1939 r.). "Skład numer 5" jest jednym z kluczowych prac w tym gatunku: "Słowo" kompozycja "brzmiała dla mnie jako modlitwę" - powiedział artysta. W przeciwieństwie do wielu zwolenników, planował, co przedstawiłoby na ogromnym płótnie, jakby napisał notatki.

21

"Etudium kobiety na niebiesko"

Autor

Ferniński leo.

Kraj Francja
Lata życia 1881–1955
Styl kubizm-postresjonizm

Legeway otrzymała edukację architektoniczną, a potem był słuchacz Szkoły Eleganckich Sztuki w Paryżu. Artysta uważał się za zwolennikiem Cezanny, był apologiem kubizmu, aw XX wieku był również udany jako rzeźbiarz.

96,5х129.5 cm
1912-1913 Rok
Koszt
39,2 miliona dolarów.
sprzedany w 2008
na aukcji Soteby.

David Norman, prezes Międzynarodowego Departamentu Impresjonizmu i Modernizmu Sotheby`s, uważa ogromną kwotę zapłaconą za "panią na niebiesko", dość uzasadnione. Obraz należy do słynnej kolekcji zmiany (artysta napisał trzy zdjęcia na jednej działce, w prywatnych rękach dzisiaj - ostatnio. - ed.), A powierzchnia płótna jest zachowana w dziedzinie. Sam autor dał tę pracę Galerii Der Sturm, a potem wpadła do kolekcji Hermanna Lang, niemieckich zbierżników modernizmu, a teraz należy do nieznanego nabywcy.

22

"Scena uliczna. Berlin"

Autor

Ernst Ludwig.Kirchner.

Kraj Niemcy
Lata życia 1880–1938
Styl ekspresjonizm

Dla niemieckiego ekspresji Kirchner stał się osobą znakową. Jednakże władze lokalne oskarżały go o zaangażowanie w "sztukę zwyrodnieniową", która tragicznie wpłynęła na los jego obrazów i życia artysty, który popełnił samobójstwo w 1938 roku.

95x121 cm
1913 rok
koszt
38 096 milionów dolarów.
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Christie's.

Po przeprowadzce do Berlina Kirchner stworzył 11 szkiców scen ulicznych. Został zainspirowany zawirowaniem i nerwowości wielkiego miasta. W filmie sprzedawany w 2006 roku w Nowym Jorku, alarmujący stan artysty jest szczególnie ostry: ludzie w Berlinie ulicy przypominają ptaki - eleganckie i niebezpieczne. Stała się ostatnią pracą z słynnej serii sprzedawanej na aukcji, reszta jest przechowywana w muzeach. W 1937 r. Naziści byli okrutnie rozpatrywani z Kirchner: 639 jego prac zostało wycofanych z niemieckich galerii, zniszczonych lub sprzedanych za granicą. Artysta nie mógł tego przeżyć.

23

"Rekreacjatancerz"

Autor

Edgar Degas.

Kraj Francja
Lata życia 1834–1917
Styl impresjonizm

Historia Degi jako artysta zaczęła się od faktu, że pracował jako copywriter w Luwrze. Marzył o stawaniu się "sławnym i nieznanym" i ostatecznie było możliwe. Pod koniec życia, głuchy i olśniewający 80-letni Degas nadal uczestniczyli w wystawach i aukcjach.

64x59 cm
1879 rok
koszt
37 043 milionów dolarów.
sprzedany w 2008
na aukcji Soteby.

"Ballerina zawsze była dla mnie tylko pretekstem, aby przedstawić tkaniny i chwycić ruch" - powiedział Degas. Działki z życia tancerzów, jak gdyby zaglądały: Dziewczyny nie są publikowane przez artystę, ale po prostu stają się częścią atmosfery przyłapanej przez Degasa. "Dancer spoczynkowy" został sprzedany za 28 milionów dolarów w 1999 r., A w mniej niż 10 lat kupili go przez 37 milionów - dziś jest to najdroższe dzieło artysty, kiedykolwiek wystawił na aukcję. Uwaga znacznie została wypłacona Ramamowi, sam je zaprojektował i zakazał. Zastanawiam się, jaki rodzaj ramki jest zainstalowany na zdjęciu sprzedawanym?

24

"Obraz"

Autor

Juan Miro.

Kraj Hiszpania
Lata życia 1893–1983
Styl sztuka abstrakcyjna

Podczas wojny domowej w Hiszpanii artysta był po stronie Republikanów. W 1937 r. Pobiegł z faszystowskiej mocy do Paryża, gdzie mieszkał w ubóstwie z rodziną. W tym okresie Miro pisze obraz "Pomóż Hiszpanii!", Zwracając uwagę na cały świat na dominację faszyzmu.

89x115 cm.
1927 rok
Koszt
36,824 milionów dolarów.
sprzedany w 2012
na aukcji Soteby.

Drugą nazwą obrazu jest "Blue Star". Artysta napisał go w tym samym roku, kiedy ogłosił: "Chcę zabić malarstwo" i bezlitośnie wyśmiewali płótno, drapanie farby z paznokciami, klejenie do płótna piór, obejmujące prace ze śmieciami. Jego celem było obalenie mitów o sakramencie malarstwa, ale radzenie sobie z tym, Miro stworzył własny mit - surrealistyczna abstrakcja. Jego "malarstwo" odnosi się do cyklu "Snowstice". Na aukcji czterech nabywców walczył o niej, ale jeden telefon zadzwonił incognito rozwiązany spór, a "malarstwo" stało się najdroższym obrazem artysty.

25

"Niebieska róża"

Autor

Yves klein.

Kraj Francja
Lata życia 1928–1962
Styl Monochromatyczny obraz

Artysta urodził się w rodzinie malarzy, ale studiował orientalne, marynarzów, rzemiosła złotego barana, zen-buddyzmu i dużo. Jego osobowość i bezczelne sztuczki były czasami bardziej interesujące w monochromatycznych obrazach.

153x199x16 cm.
1960.
Koszt
36 779 milionów dolarów.
sprzedawane w 2012 r
Na aukcji Christie

Pierwsza wystawa monofonicznych żółtych, pomarańczy, różowej pracy nie spowodowała interesu wśród społeczeństwa. Klein został obrażony, a następnym razem przedstawiłem 11 identycznych płótno barwionych z ultramarynką przeplataną specjalną żywicą syntetyczną. Nawet opatentował tę metodę. W historii kolor wprowadzany jako "międzynarodowy niebieski kolor Klein". Inny artysta sprzedał pustkę, stworzył zdjęcia, zastępując papier na deszcz, ustawienie na kartonie, tworząc na płótnie nadruku ludzkiego nadruku. Jednym słowem eksperymentować, jak tylko mógł. Aby utworzyć "niebieską różę" używanych suchych pigmentów, żywic, kamyków i naturalnej gąbki.

26

"W poszukiwaniu Mojżesza"

Autor

Sir Lawrence Alma Tadema

Kraj Wielka Brytania
Lata życia 1836–1912
Styl Neoklasycyzm.

Prefiks "Alma" do jego nazwiska Sir Lawrence dodał jako pierwszy w katalogach artystycznych. W wiktoriańskim Anglii jego obrazy były tak twierdzili, że artysta został przypisany rangę rycerską.

213,4х136,7 cm
1902 rok
Koszt
35,922 milionów dolarów.
sprzedany w 2011
na aukcji Soteby.

Głównym tematem kreatywności Alma Tadema była starożytność. Na zdjęciach próbował w najmniejszych szczegółach, aby przedstawić epokę Imperium Rzymskiego, ponieważ nawet zaangażowała się w wykopaliska archeologiczne na Półwyspie Apenninsky, aw domu w London House reprodukował historyczne wnętrze tych lat. Mytologiczne działki stały się dla niego kolejnym źródłem inspiracji. Artysta był niezwykle na żądanie podczas życia, ale po śmierci szybko zapomniał. Teraz zainteresowanie odradza się, jako koszt obrazu "w poszukiwaniu Mojżesza", siedem razy, przekraczając oszacowanie przed sprzedażą.

27

"Portret śpiącego urzędnika nago"

Autor

Lucien Freud.

Kraj Niemcy,
Wielka Brytania
Lata życia 1922–2011
Styl Obraz symboliczny

Artystą jest wnuk Sigmund Freud, ojciec psychoanalizy. Po utworzeniu faszyzmu w Niemczech jego rodzina wyemigrowała do Wielkiej Brytanii. Prace Freud znajdują się w Muzeum Londynu "Spotkanie Wallace'a", gdzie wcześniej wystawiono nowoczesny artysta.

219.1х151.4 cm
1995.
Koszt
33,6 mln USD
sprzedany w 2008
na aukcji Christie's.

Podczas gdy moda artystów XX wieku stworzyli pozytywne "kolorowe plamy na ścianie" i sprzedali je za miliony, Freud napisał niezwykle naturalistyczne obrazy i sprzedały je jeszcze droższe. "Uchwyciłem krzyki duszy i cierpienie zanikającego ciała" - powiedział. Krytycy uważają, że wszystkie "dziedziczenie" Sigmund Freud. Obrazy były tak aktywnie wystawiane i pomyślnie sprzedane, że specjaliści mieli wątpliwości co do wątpliwości: Czy mają właściwości hipnotyczne? Aukcja "Portret Sleeping Nude Oficjalna", według Sun Edition, nabyła koneserę pięknej i miliarderowej rzymskiej Abramowicz.

28

"Skrzypce i gitara"

Autor

H.uan Gras.

Kraj Hiszpania
Lata życia 1887–1927
Styl kubizm

Urodzony w Madrycie, gdzie ukończył szkolną sztukę i rzemiosło. W 1906 r. Przeniósł się do Paryża i weszła do kręgu najbardziej wpływowych artystów Ery: Picasso, Modigliani, małżeństwo, Matisse, Lyzh, również pracował z Sergey Dyagilev i jego trupe.

5x100 cm
1913 rok
Koszt
28 642 milionów dolarów.
sprzedany w 2010 roku
na aukcji Christie's.

Gria, według własnych słów, była zaangażowana w "samolot, architektura kolorów". Jego obrazy są precyzyjnie przemyślane: nie zostawił pojedynczego losowego rozmazu, co odnosi kreatywność z geometrią. Artysta stworzył swoją wersję kubizmu, chociaż Pablo Picasso, założyciel w kierunku bardzo szanowany. Następnik był nawet poświęcony mu swojej pierwszej pracy w stylu kubizmu "hołd do Picassa". Obraz "skrzypce i gitara" jest uznawana za zaległe w pracy artysty. W trakcie życia Gras był znany, klinicznie krytycy i historycy sztuki. Jego prace są wykazywane w największych na świecie muzeach, przechowywanych w prywatnych kolekcjach.

29

"PortretPola Elouar »

Autor

Salvador Dali

Kraj Hiszpania
Lata życia 1904–1989
Styl surrealizm

"Surrealizm to ja" - powiedział Dali, kiedy został wykluczony z grupy surrealistów. Z biegiem czasu stał się najbardziej znanym surrealistycznym artystą. Kreatywność została przyznana wszędzie, a nie tylko w galeriach. Na przykład wymyślił opakowanie dla Chupa-Chupa.

25x33 cm.
1929 rok
Koszt
20,6 miliona dolarów.
sprzedany w 2011
na aukcji Soteby.

W 1929 r. Odwiedź wielki prowokator i Scandalist Dali przyszedł poeta Paul Eluro ze swoją rosyjską żoną Galo. Spotkanie było początkiem historii miłości, która trwała ponad pół wieku. Obraz "Portret pola Eloire" jest napisany tylko podczas tej historycznej wizyty. "Czułem, że zostałem oskarżony o obowiązek uchwycenia twarzy poety, z Olymp, którego porwałem jedną z muzyki", powiedział artysta. Przed znajomym Galo był dziewicą i doświadczonym obrzydzeniem z myślą o seksie z kobietą. Trójkąt Miłości istniał przed śmiercią Eluara, po czym został Duet Dali Gala.

30

"Rocznica"

Autor

Mark Shagal.

Kraj Rosja, Francja.
Lata życia 1887–1985
Styl Avangard.

Moisha Segal urodził się w Vitebsku, ale w 1910 r. Wyemigrował do Paryża, zastąpił nazwę, stał się blisko wiodących awangardowali ery. W latach trzydziestych, podczas uchwycenia władz, faszyści poszli do Stanów Zjednoczonych za pomocą amerykańskiego konsul. Wrócił do Francji tylko w 1948 roku.

80x103 cm
1923.
Koszt
14,85 milionów dolarów.
sprzedawane w 1990 roku
Na aukcji Sotheby

Obraz "Anniversary" jest rozpoznawany jako jeden z najlepszych dzieł artysty. Posiada wszystkie cechy swojej kreatywności: Prawa fizyczne świata wymazały się, poczucie bajki w scenerii życia Meshchrzskych pozostaje, a w centrum fabuły - miłość. Chagall nie narysował ludzi z natury, ale tylko w pamięci lub fantazjowaniu. W obrazie "Rocznica" uchwycona przez artystę z żoną Bel. Obraz został sprzedany w 1990 roku i od tego czasu nie uczestniczył w aukcji. Co ciekawe, w Nowym Jorku Moma Muzeum Moma jest absolutnie taka sama, nazywana "Urodziny". Nawiasem mówiąc, została napisana przed - w 1915 roku.

projekt przygotowany
Tatyana Palaceov.
ocena złożona
według listy www.art-spb.ru.
magazyn TMN №13. (Maj-czerwiec 2013)