Dzieła Kandinsky. Wrażenie, improwizacja, kompozycja

Kandinsky, być może przede wszystkim myśliciel, a potem artysta. Uzyskał tylko kierunek, w którym nasycona konfiguracja może poruszać się i nieustannie religował go, składając przykład do innych twórców awangardowych. Istotą abstrakcji Kandinsky jest znalezienie uniwersalnej syntezy muzyki i malarstwa, uważane za równolegle z filozofią i nauką.

Wasily Kandinsky urodził się w Moskwie w 1866 roku. Od wczesnego dzieciństwa był zaskoczony różnymi kolorami w przyrodzie, a on był stale zainteresowany sztuką. Pomimo sukcesów w badaniu gospodarki i prawa, odmówił obiecującej kariery w dziedzinie nauk społecznych, aby śledzić powołanie kreatywne.

Wystawa Claude Monet, którą odwiedził młody artysta, stał się decydującym impulsem, który zainspirował go do poświęcenia się badaniem dziełu sztuki. Kiedy wszedł do szkoły artystycznej w Monachium, Kandinsky był już 30 lat. Nawet nie przyjęty po raz pierwszy, kontynuował niezależne szkolenie.

Dwa lata Vasileevich spędził w szkole sztuki, po czym nastąpiła okres wędrówki. Artysta odwiedził Holandię, Francję, Włochy i Tunezję. W tym czasie stworzył zdjęcia pod silnym wpływem postmanizacji, ożywiając dzieciństwo w Rosji w kreatywnych krajobrazach, które mają idealistyczne znaczenie dla artysty. Osadował w mieście Murnau, w pobliżu Monachium i kontynuował badanie krajobrazów, trwając je z liniami energetycznymi i odważnymi, twardymi kolorami.

Kandinsky odzwierciedlone na muzyce, próbując przekazać swoje abstrakcyjne funkcje w innych typach sztuki. W 1911 r. W Monachium powstał grupę podobnych artystów prowadzonych przez Kandinsky. Oni dzwonili " Blue Rider "-" Der Blaue Reiter" Wśród uczestników byli tak dobrze znani niemieccy ekspresjonistów, jak sierpniowa i Franz Mark. Grupa opublikowała Almanach z własnymi widokami na sztukę współczesną i trzymał dwie wystawy, po czym zerwał na początku pierwszej wojny światowej w 1914 roku.

Przejście do wykorzystania głównych elementów wizualnych oznaczało początek dramatycznego okresu w dziedzinie Kandinsky i stał się harbingowaniami wyglądu sztuki abstrakcyjnej. Po pomyślał nowy styl, znany w tej chwili abstrakcja liryczna. Artysta przez rysunek i rysunek naśladował kurs i głębokość pracy muzycznej, bolesność odzwierciedlała temat głębokiej kontemplacji. W 1912 r. Napisał i opublikował podstawowe badanie " O duchu w sztuce».

W 1914 r. Kandinsky musiał wrócić do Rosji, ale nie przestał eksperymentować. Nawet uczestniczył w restrukturyzacji rosyjskich instytucji sztuki po rewolucji. Ale prawdziwe znaczenie jego pomysłowej innowacji stało się oczywiste dopiero w 1923 roku po powrocie do Niemiec i dołączył do Korpusu Nauczków " Bauhauses."Gdzie zaprzyjaźnili się z inną twórczą awangardą - Paul Clee.

Kandinsky pracował nad nową formułą wizualną składającą się z linii, punktów i łączonych kształtów geometrycznych reprezentujących jego badania wizualne i intelektualne. Abstrakcja liryczna przesunęła się w kierunku bardziej zorganizowanego, naukowego składu.

Po dziesięciu latach owocnej pracy w 1933 r. Władze nazistowskie zamknęły szkołę Bauhauses. Kandinsky został zmuszony do przeniesienia się do Francji, gdzie spędził resztę życia.

W ostatnich jedenastu lat rosyjski geniusz poświęcił stałe dążenie do wielkiej syntezy swoich abstrakcyjnych pomysłów i ustaleń wizualnych. Wrócił do intensywnego koloru i tekstów, po raz kolejny potwierdzić swoje oryginalne poglądy na prawdziwą naturę malarstwa. Wielki artysta przyjął obywatelstwo francuskie i stworzyło szereg słynnych dzieł sztuki w jego nowej ojczyźnie. Zmarł w 1944 roku w mieście Neuya w wieku 77 lat.

Nowe władze nazistów w 1937 r. Gwałtowały pracę Wasilii Kandinsky, a także dzieła swoich współczesnych Mark Stegal, Paul Clee, Franz Mark i Petya Mondriana, "Sztuka zwyrodnieniowa", a dwa lata później, ponad tysiąc obrazów i tysiącami Szkice zostały publicznie spalone w atrium strażaku w Berlinie. Niemniej jednak przekonująca siła kultowych dzieł artystycznych wasilii Kandinsky nie umarła pod kątem historycznych i wyszła zwycięzca na scenie historii sztuki.

Malowanie Wasilii Kandinsky:

1. "Sekwencja", 1935

Jest to praktycznie praca muzyczna zaznaczona późno w pracy Kandinsky. Zamknięte pola z rozproszonymi elementami kompozycji, które płyną do niektórych formularzy. Artysta wrócił do swoich abstrakcyjnych źródeł.

2. "Blue Rider", 1903

To zdjęcie serwowane jako inspiracja do stworzenia jednej z najbardziej wpływowych grup w historii sztuki współczesnej - der Blaue Reiter. Ta wczesna praca jest napisana na skraju abstrakcji.

3. "Kosze plażowe w Holandii", 1904

Krajobraz zapożyczony z wycieczki do Holandii. W scenie, prawdopodobnie efekt impresjonizmu.

4. "Jesień w Murnau", 1908

Stopniowe przejście do abstrakcji jest oznaczone ekspresjonizmem w krajobrazie.

5. "Akhtyrka. Czerwony kościół ", 1908

Rosyjski krajobraz, w którym artysta podniósł swoje lęki w domu.

6. "Góra", 1909

Prawie całkowicie abstrakcyjny krajobraz z małymi konturami, przyjęto wzgórze i postacie ludzkie.

7. "Pierwsza abstrakcyjna akwarela", 1910

Ta praca ma wartość historyczną jako pierwszą w pełni abstrakcyjną akwarelą Kandinsky.

8. "improwizacja 10", 1910

Improwizacja na rysunku i koloru zapewnia monity, ale nie ujawnia w pełni i nie określa obrazów. Wczesna abstrakcja.

9. "liryczne", 1911

W swoim obrazie artysta często polegał na pomysłach muzycznych, więc liryczny charakter jego rozmazów przyszedł naturalnie. To jest jeden z jego "wierszy artystycznych".

10. "Skład IV", 1911

Jest historia, że \u200b\u200bKandinsky pomyślała, że \u200b\u200bukończyła zdjęcie, ale jak tylko jego asystent przypadkowo odwrócił ją z drugą stroną, perspektywa i ogólne wrażenie na płótnie zostały zmienione, co uczyniło go piękną.

11. "improwizacja 26 (wioślarstwo)", 1912

Kandinsky często nazywali swoje obrazy na sposób prac muzycznych - improwizacji i składu.

12. "improwizacja 31 (bitwa morska)", 1913

Typowy przykład abstrakcji lirycznych o silnym kolorze i treściach emocjonalnych.

13. "Kwadraty z koncentrycznymi kręgami", 1913

Już prawdziwa głęboka abstrakcja. Tak więc Kandinsky przeprowadził badanie w dziedzinie kolorów i geometrii.

14. "Skład VI", 1913

Po rozległych preparatach do pisania tego zdjęcia Kandinsky skończył go przez trzy dni, powtarzając jako mantry do inspiracji słowa niemieckiego "Uberflut", co oznacza powódź.

15. "Moskwa", 1916

Podczas pobytu w Moskwie w czasie wojny Kandinsky uderzył w zamieszanie wielkiego miasta. Jest to raczej portret stolicy niż krajobraz, odzwierciedlając całą swoją moc i turbulencję.

Rekordowa sprzedaż "Suprematyczna kompozycji" malarstwa (1916) z legendarnej serii Kazimir Malewicz w Domu Aukcyjnym Christie's w maju 2018 r. Była powodem do gromadzenia osiągnięć cenowych sprzedaży rosyjskich artystów. Jakie maksymalne kwoty wypłacane w różnych latach nabywcy na Valentina Serov, Mark Shagal, Nikolai Roerich, Wasily Kandinsky, Natalia Goncharova?

Pasja blasku na aukcji Christie była poważna. Oprócz bezpośredniej walki o "suprematyczny skład" historyków sztuki i właścicieli galerii, czekali, czy praca rekordu ceny Kandinsky pokonała sprzedaż rosyjskich artystów ustanowionych przez pracę Mark Rotko w 2012 roku? Rekord pozostał taki sam: Cena "pytania" ma różnicę 1 milionów dolarów.

1. Mark Rotko.

Pierwsze miejsce na liście najdroższych rosyjskich artystów w szóstym roku jest zajęte przez słynne master malowanie pola kolorów Mark Rothko. Jego płótno "pomarańczowy, czerwony, żółty", napisany przez artystę w 1961 r., Został sprzedany na aukcji Christie 8 maja 2012 r. Za 86,88 mln USD. Connoniseurs Sztuki Rotko regularnie głosują pełny dolar na pragnienie dołączenia do zjawiska tego tajemniczego artysty. Malowanie "pomarańczowy, czerwony, żółty" jest również znany ze staje się najdroższym dziełem powojennej i współczesnej sztuki sprzedawanej na otwartej aukcji.

Mark Rothko. Pomarańczowy, czerwony, żółty
1961, 236,2 × 206,4 cm

2. Kazimir Malevich.

"Suprematyczna kompozycja" (1916) z legendarnego serii Casimir Malevicha stała się najdroższą partią na sprzedaż Christie's, ostatni 15 maja 2018 r. W ten sposób Malevich pozostał numerem 2 w 10 najdroższych rosyjskich artystów: Chociaż cena jego najdroższych prac wzrosła z 60 milionów dolarów na aukcji w 2008 r. Do 85,8 mln dolarów w 2018 r., A tylko 1 milion nie wystarczy na Malewicze Lista.

Obraz nabył do galerii prywatnej "Levy Gorlfi", wyznaczanie nowej ceny sufitu dla dzieł rosyjskiego abstrakcji.

Kazimir Severinovich Malewich. Suprematyczny skład
1916, 88,5 × 71 cm

Pojawiając się na aukcjach, praca Kazimierza Malewicza zawsze tworzą podniecenie. Było więc w 2015 r., Kiedy nieznany nabywca nabył na aukcji Sotheby w Nowym Jorku, Misic Suprematism Canvas (1922). W celu malowania należącego do spadkobierców artysty, zapłacono 37,7 mln USD.

Kazimir Severinovich Malewich. Mistyczny suprematyzm.
1922, 100,5 × 60 cm

W tym samym okresie 2015 r. 24 czerwca, poprzedni maksimum został złamany, który został zapłacony za Malewicz na otwartej aukcji. Dla obrazu "suprematyzm. 18. Budowa "(1915), która była również sprzedawana przez spadkobierców Malevicha, w Sotheby's Aunts w Londynie, nieznany nabywca zapłacił 33,8 mln USD.

Kazimir Severinovich Malewich. Suprematyzm 18 budowa
1915, 53,3 × 53,3 cm

3. Wasily Kandinsky.

W dniu 21 czerwca 2017 r. Wasily Kandinsky został sprzedany za 41,8 miliona dolarów w Sotheby "Malowanie białymi liniami. Złamała rekord tej samej aukcji: 20 minut przed tym płótnem "Murnau. Krajobraz z zielonym domem "(1909)" Ojciec abstrakcja "został sprzedany za 26,4 mln USD. Te dwie prace są oznaczone punktami zwrotnymi zarówno w pracach artysty, jak iw całej sztuce XX wieku, i wchodzą w niewielką liczbę znaczących obrazów Kandinsky pozostałych w prywatnych rękach.

Wasily Kandinsky. Malowanie białymi liniami
1913, 119.5 × 110 cm

Wasily Kandinsky. Murnau. Krajobraz z zielonym domem
1909

Rekord sprzedaży obrazów Kandinsky'ego odbył się od 2012 r., Kiedy jego zdjęcie "Szkic improwizacji nr 8" został sprzedany na aukcji Christie w Nowym Jorku przez 23 miliony dolarów.

Wasily Kandinsky. Szkic "improwizacji 8"
1909, 98 × 70 cm

I do 2012 r., Najdroższym obrazem Wasilii Kandinsky był "fugue" (1914). W dniu 17 maja 1990 r. Dom Aukcyjny Sotheby został zapłacony 20,9 mln USD Collector Swiss Collector Ernst Beeiler.

Wasily Kandinsky.
1914, 129.5 × 129,5 cm

4. Mark Shagal.

Na wieczornej sprzedaży prac impresjonistów Sotheby ma 14 listopada 2017 r., Jeden z wczesnych obrazów Shagal "Valblown" (1928) został sprzedany na rekordową 28,5 mln USD z szacunkiem od 12 milionów do 18 milionów dolarów. Wojna stawek między trzema kandydatami trwała ponad dziesięć minut. Na zdjęciu (Les Amoureux) artysta przedstawił się swoją muzą i pierwszą żoną White Rosenfeld. Kanwa została nabyta wkrótce po zakończeniu poprzez galerię Bernheim Jeune & Cie Paris. Z, a potem pozostał w posiadaniu jednej rodziny.

Mark Zakharovich Chagall. Uwielbia
1928

Poprzedni "sufit" do otwartych obrazów handlowych przez Shagal został osiągnięty w 1990 roku. Następnie na aukcji Sotheby w Nowym Jorku, japońskim biznesmenem i gorliwym kolektorem pracy Mark Shagal, Hironori Aoki, kupił zdjęcie rocznicy (1923). Nowa perła japońskiej kolekcji (około 30 picks Stegal) kosztuje go około 14 milionów dolarów.

Mark Zakharovich Chagall. Rocznica
1915, 80,8 × 100,3 cm

5. Hautin.

11 maja 2015 r. Na aukcji Christie w Nowym Jorku, KHAI Soutine Sutin ("Le Bœuf"), napisany około 1923 r., Został sprzedany za 28,2 mln USD, nie przekraczającą szacunku 30 milionów utworzonych w okresie od 1923 roku Do 1925 r. Płótno jest jednym z dziewięciu obrazów byków, napisanych przez Sunic z natury. Tylko trzy obrazy z tej serii są w prywatnej własności.

Haim Salomonovich Sutin. Bullway Tusha.
1923, 81 × 60 cm

6. Alexey Yalvsky.

W momencie sprzedaży obrazu Alexei Shvsky "Schocol w kapeluszu szerokiego piersią" specjaliści o nazwie tej transakcji "sukces inwestorów". Jeśli w 2003 r. Obraz nabył na Sotheby za 8,3 mln USD, a następnie na aukcji tego samego domu aukcyjnego w dniu 5 lutego 2008 r., Cena Schokko starała się więcej niż 2 razy i wyniosła prawie 18,6 mln dolarów. Następnie wiele podkreśliło zdolność cen, aby szybko rosnąć jednocześnie z zainteresowaniem prac artysty. Być może po wystawie w Muzeum Rosji, która otworzyła pracę Republiki Yale do ogółu społeczeństwa, zainteresowanie jego pracą wśród rosyjskich kolekcjonerów rosną jeszcze więcej.

Alexey Georgievich Shvsky. Shokko w szerokim kapeluszu
1910, 75 × 65,1 cm

7. Valentin Serov.

"Portret Marii Zetlina" (1910), napisany przez słynnego rosyjskiego malarza, został sprzedany w Christie's 24 listopada 2014 roku. Kwota akceptowana na zdjęciu jest dopiero ponad 14,5 mln USD - stała się zapisem specjalistycznego "rosyjskiego licytacji", którą regularnie spędza Christie w Londynie.

Valentin Aleksandrovich Serov. Portret Maria Zetlina
1910, 109 × 74 cm

8. Nikolai Roerich.

Sprzedaż obrazu Nikolai Roericha "Madonna Laborsis" (1931) stała się rekordem sprzedaży prac Malarzy Rosyjska Dom Aukcyjny Bonhams. 5 czerwca 2013 r. W Londynie, ta część poszła z młotem za 12 milionów dolarów. Do tego czasu maksymalna cena Nikolai Roericha wynosiła około 3,4 mln USD (2007). A teraz 6 lat później Bonhams był wystawiony przez bardzo dobrze znaną, nawet sprawdzoną rzeczą, która od lat 30. XX wieku nie była dostępna dla ogółu społeczeństwa. Pomimo faktu, że obniżona kopia Madonny Laboris jest umieszczona w Muzeum Rysiolerskich w Nowym Jorku, posiadaniu oryginału i historii, praca zdecydowanie wpłynęła na wysokie wyniki handlu.

Nikolai Konstantinovich Roerich. Madonna Laboris (Postępowanie z Matki Bożej)
1931, 8,4 × 12,4 cm

9. Natalia Goncharov.

Jedyną nazwą, która spadła do listy dziesięciu najdroższych rosyjskich artystów jest "Amazon Avangard" Natalia Goncharov. Przez ostatnie ostatnie lata jego praca "kwiaty" (1912) pozostaje najdroższe wśród obrazów rosyjskich artystów wdrożonych na otwartym aukcji. Praca została sprzedana na aukcji Christie w Londynie 24 czerwca 2008 r., Prawie 10,9 miliona dolarów, nieznacznie przekraczających szczyt szacunków.

Natalia Sergeevna Goncharov. Kwiaty
1912, 72.7 × 93 cm

10. Nikolay Feshin.

Uzupełnia pierwszą dziesiątkę najdroższych rosyjskich artystów Nikolai Fein i jego obraz "Mały kowboj". Wynikiem 10,8 miliona dolarów, płótno zostało sprzedane na aukcji MacDougall w Londynie 2 grudnia 2010 r. - Najdroższe dużo rosyjskiej sztuki, kiedykolwiek sprzedawane przez ten dom aukcyjny. Oprócz tego obraz był najlepszym wieloma rosyjskim tygodniem tego roku w Londynie. Z górnym szacunkiem oszacowania 700 tysięcy funtów, "mały kowboj" spowodował ogromne podniecenie i został kupiony przez kolekcjoner z Rosji.

Nikolai Ivanovich Feshin. Mały kowboj
1940, 7,6 × 5,1 cm

Przygotowany na materiałach publikacji artinvestment.ru, sothebys.com, Christies.com, MacDougallauction.com, Bonhams.com, Tass.ru, jego własne publikacje Arthivy. Tytuł Ilustracja: Kolaż z dzieł Marka Rotko "Orange, Red, Yellow" (1961), Kazimir Malevich "Suprematyczna kompozycja" (1916), Wasilia Kandinsky "obraz z białymi liniami" (1913).

Rosyjski artysta, teoretyka sztuki i poety, jeden z przywódców czerpalu pierwszej połowy XX wieku; Wszedł do założycieli sztuki abstrakcyjnej.

Urodzony w Moskwie 22 listopada (4 grudnia) 1866 r. W rodzinie kupca; Należłym do natury kupców nonsensownych, potomków kory syberyjskiej. W 1871-1885 mieszkał z rodzicami w Odessie, gdzie w gimnazjum zaczął angażować się w muzykę i malowanie. Od 1885 roku studiował na Uniwersytecie Moskwie, marzy o karierze prawnika, ale ok. 1895 zdecydował się poświęcić sobie art. Dwa punkty ustaliły swój wybór: Po pierwsze, wrażenia rosyjskich starożytności średniowiecznych i artystycznych folklorystycznych, uzyskanych w wyprawie etnograficznej w prowincji Vologda (1889), po drugie, odwiedzając wystawę francuską w Moskwie (1896), gdzie był zszokowany obraz K. Monet stos siana. W 1897 r. Przybył do Monachium, gdzie od 1900 roku był zaangażowany w lokalną Akademię Sztuki pod kierunkiem F.Fon. Dużo podróżowałem w Europie i Afryce Północnej (1903-1907), od 1902 r. Mieszkał głównie w Monachium, aw latach 1908-1909 w miejscowości Murnau (Alpy Bawarskie). Organicznie wchodząc w środę niemieckiego modernistycznego Czech, pełnił także jako aktywny organizator: założył Grupę Falang (1901), "New Monachium Art Association" (1909; wraz z A.G.VeNodzik i in.) I wreszcie "Niebieski jeździec" (1911; wraz z F. Lark i innymi.) - Towarzystwo, które stało się ważnym łączem między symboliką a awangardą. Opublikowane litery artystyczne i krytyczne z Monachium w czasopismach "Świat artystyczny" i "Apollo" (1902, 1909), uczestniczył w wystawach skarbców Bubnovaya.

Od najwcześniejszego, już wystarczająco jasnych i soczystych obrazów impresjonistycznych, zwrócił się do brixure, kwieciste i "lud", barwiąc kompozycje, gdzie podsumowano charakterystyczne motywy rosyjskiej nowoczesności z jego romantyką średniowiecznych legend i starożytnej kultury dworu (Monachium , 1907, Lenbachhaus, Monachium; Panie w Krinolines, 1909, Galeria Tretyakowska). W 1910 r. Stworzył pierwsze abstrakcyjne improwizacje obrazkowe i ukończył traktat o duchu w sztuce (książka została opublikowana w 1911 r. W języku niemieckim). Biorąc pod uwagę główną sztukę wewnętrzną, duchową treścią, wierzyłem, że najlepiej wyrażone przez bezpośrednie psychofizyczne skutki czystej kolorowej konsonancji i rytmów. W samym sercu kolejnych "wrażeń", "improwizacjach" i "kompozycji" (jak sam Kandinsky wyróżnił cykle swoich prac) leży wizerunek doskonałego górskiego krajobrazu, ponieważ topnieje się w chmurach, w kosmicznym nie- istnienie, jako pojawienie się kontemplacyjnego widza autorskiego. Dojrzałe obrazy oleju i akwareli są zbudowane ze względu na darmową grę kolorowych miejsc, punktów, linii, poszczególnych znaków (rodzaj jeźdźca, wieżowców, palety, kopuła kościelna itp.). Większość uwagi Master zawsze zapłacił harmonogram, w tym grawerowanie drewna. W jego niemieckich poetyckich wierszach albumów dźwięki (Klänge, 1913) starali się poznać idealne połączenie darmowych wizualnych obrazów graficznych z tekstem. Przedmioty syntezy sztuki umieszczone w idei żółtego dźwięku, zaprojektowane do łączenia kolorów, światła, ruchu i muzyki (Fagartman kompozytora; sztuka, której tekst został umieszczony w Almani niebieskiego jeźdźca , 1912, nie został przeprowadzony ze względu na początek pierwszej wojny światowej).

W 1914 r. Wrócił do Rosji, gdzie mieszkał głównie w Moskwie. Rodzaj "apokaliptycznego", aspiracji uniwersalnej transformacji, charakterystycznej dla jego abstrakcji, zdobywa coraz bardziej niepokojące i dramatyczny charakter w tym okresie (Moskwa. Red Square, 1916, Galeria Tretyakow; Niejasny, Ibid., Zmierzch. , Muzeum Rosyjskie; Szary Oval, Art Gallery, Ekaterinburg; Wszystkie prace - 1917). W 1918 r. Wydał autobiograficzny materiał. Aktywnie dołączył do działalności publicznej i humanitarnej i badawczej, była częścią Commissariat Ludowy, Instytutu Kultury Sztuki (AVUK) i Rosyjskiej Akademii Nauk Artystycznych (Rakhn), nauczanych w najwyższych warsztatach sztuki i technicznych (VHUTEMAS), Zirytowany symbolami ideologicznymi, opuścił Rosję na zawsze po wysłaniu na wycieczkę służbową do Berlina (1921).

W Niemczech nauczał w Bauhaus (od 1922 r., W Weimara i Dessau), był głównie zaangażowany w ogólną teorię formacji; Przedstawiono swoje doświadczenia pedagogiczne w punkcie książki i linii w samolocie opublikowanym w języku niemieckim w 1926 r. Jego kosmologiczne fantazje (graficzna seria małych światów, 1922) zyskuje bardziej racjonalny charakter geometryczny w tym okresie z zasadami suprematyzmu i konstruktywizmu, Ale utrzymanie jego jasnej i rytmicznej dekoracyjności (na czarnym kwadrodzie, 1923; kilka okrążeń, 1926; oba obrazy - w Muzeum S.Guggenheim, Nowy Jork). W 1924 r. Mistrz utworzył wraz z Yalvsky, L. Fininger i P. Kleie Stowarzyszenie "Niebieskie cztery", organizowanie z nimi wspólnych wystaw. Zrobił jako artysta malowniczej wersji pakietu pakietu M.P.Morsorgii z wystawy w teatrze Decuau (1928).

Po zamknięciu nazistów "Bauhaus" (1932) przeniósł się do Berlina, aw 1933 r. - do Francji, gdzie Nyui-sur-Sen mieszkał w Paryżu i jego przedmieściach. Po doświadczeniu znaczącego wpływu surrealizmu, coraz częściej wprowadzony do swoich zdjęć - wraz z poprzednimi strukturami geometrycznymi i znakami - elementy biomorficzne jak niektóre organizmy podstawowe, szybowały w interplanowej pustce (dominująca krzywa, 1936, ibid.; Błękitne niebo, 1940, Centrum , Paryż; różnorodne działania, 1941, Muzeum S.Guggenheim, Nowy Jork). Z początkiem niemieckiego okupacji (1939) przeznaczone do wyemigrowania do Stanów Zjednoczonych i spędził kilka miesięcy w Pirenejach, ale w końcu wrócił do Paryża, gdzie nadal pracował aktywnie, w tym projekt Comedy Ballet, który zamierzony tworzyć razem z kompozytora Gatman.

Artysta Nowej Sztuki, Abstrakcjonisty, Wojna o przeżycia i obrotach. Bolszewicy zwane jego obrazem "zwyrodnieniowym". W pracy - "W duchu w sztuce" - Kandinsky ujawnia psychologiczny wpływ czystego koloru na osobę, znajduje połączenie między obrazem a muzyką. Kandinsky Master of "Composition", "improwizacje" i "wrażenia".

Dostarczona prosperująca rodzina z pierwszego wieku poparła pragnienie wasilii Kandinsky do art. Jednak w przyszłości musiał zostać prawnikiem. Młody człowiek genialnie ukończył Uniwersytet Moskwy, po którym nauczał.

Los Wasilii Kandinsky'ego zwrócił go do sztuki, gdy wystawa francuskich impresjonistów odbyła się w 1895 roku. Wasily Kandinsky był zdumiony pracą Monet - "stosy". Opuszczając uniwersytet, jadł w Monachium, naukę malarstwa. W tamtych czasach Monachium został uznany za centrum sztuki europejskiej, w 1892 r. Zorganizowano modernistyczne stowarzyszenie artystów - secesja.

Przez dwa lata rosyjski artysta studiował w Jugosławiu Malarz Anton Ashbe, coraz bardziej lubiące kreatywność, a nie techniki egzekucji. Pierwsza impresjonista praca różniła się specjalnym schematem kolorów, Kandinsky przywiązał wielką wagę do braku formularza, koloru kolorów. To później, kiedy Kandinsky wziął lekcje ze słynnej Francji Francji, artysty setsission), musiał opuścić jasną paletę i pisanie w czarno-białej gamma, studiując formularz. Roszczenia te zostały ustanowione przez nauczyciela, który uważał Kandinsky'ego ucznia, ale z niezbyt udaną zdolnością jasnego koloru.

Kandinsky spędził cztery lata w Monachium, ale w tym czasie nie było pracy. Pozostaje tajemnicą, jakie są ich los, niezależnie od tego, czy zostały zniszczone przez artysta, czy zgubiony.

Po zakończeniu studiów w wieku 35 lat, Wasilia Kandinsky stwarza swój ruch artystów abstrakcji o nazwie "Falanga", co uczyniło go liderem Bractwa Monachium artystów. W 1901 roku pierwsza wystawa stowarzyszenia odbyła się w Berlinie, na którym przedstawiono prace impresyjowców i objawień niemieckiego "Juggendystii". W tym czasie artysta spotkał młodego artysty Gabriela Münttera, rozwiedziła żonę. Przez 5 lat podróżował z Gabrieą w Europie, studiując malarstwo i uczestniczył w wystawach.

W 1908 r. Kandinsky i Gabriela wrócili do Monachium, stało się tak, że osiedlili się blisko studia artysty Paulle. Dziesięć lat później pracowali razem w Bauhauz, stają się ludźmi o podobnych poglądach. Gabriela kupiła dom, żyli w nim od 6 lat. Dom położony w Marnaau, blisko stóp Alp Bawarskich. Ten okres stał się najbardziej produktywny w życiu artysty. Artysta coraz bardziej pochodzi z określonego obrazu do abstrakcji.

W 1911 r. Wraz z innym artystą Mark Mark, Kandinsky zorganizował grupę Blue Hormana. Artyści byli w stanie zorganizować tylko dwie wystawy.

W 1912 r. Odbyła się pierwsza wystawa osobista. Przeglądarka nie zrobiła zdjęć Kandinsky, która zanurzyła go w głęboką przygnębienia.

Rozpoczęła się wojna światowa i Kandinsky przeprowadzili się z Niemiec do Szwajcarii. Tutaj zaczął pracować nad książką "Point and Line". Do listopada 1914 r. Rozstał się z Gabrieli i idzie do Moskwy, prawie dwa lata artysta nie angażował się w malarstwo.

W 1916 r. Kandinsky zapoznał się z Nina Andreevskaya, córką rosyjskim generałem, rok później go poślubi. Po otrzymaniu dziedzictwa po śmierci Ojca, artysta natychmiast stracił środki na istnienie, bolszewicy skonfiskowali całą nieruchomość. Bycie za granicą ubóstwa Kandinsky wpadł w rozpacz. Entuzjazm żony zaoszczędził Kandinsky. Przechodzi do pracy w uzależnieniu oświecenia, stając się szefem sekcji filmu i teatru. Następnie został zaproszony na Uniwersytet Moskwy na stanowisko profesora, organizowanie w tym samym czasie Instytut Kultury Sztuki. Dzięki Kandinsky otworzyło się około 22 galerii sztuki w Rosji. Ale niestety, wszystkie wysiłki Kandinsky znajdują się we własnym kraju, nie zostały ukoronowane sukcesem, abstrakcjonizm został ogłoszony "Faldechsky", a Kandinsky nazywano "Minionem Burgeoisie". W 1921 roku, otrzymując ofertę do miejsca nauczyciela w Bauhauz, w Weimary, Kandinsky opuszcza kraj.

Los "Bauhaus" był trudny. W 1924 r. Na rozważania polityczne, szkoła została zaatakowana, a ona musiała to przetłumaczyć w Dessau, istniała do 1932 roku. Pod presją lokalnych nazistów szkoła została przeniesiona do Berlina. W kwietniu 1833 r. W końcu został zamknięty. Kandinsky i jego żona pozostawia Niemcy ze względów bezpieczeństwa, osiedlają się na przedmieściach Paryża.

Wiele krytyki Wasilia Kandinsky usłyszała na swoim adresie, galerie nie podejmowały dzieł artystów. Ale mimo wszystko, artysta pracował do końca życia, pozostała kreatywność oddania.

Sławne dzieła wasiliwa Vasilyevich Kandinsky

Obraz "improwizacja 21a" została napisana przez rosyjskiego artysty w 1911 roku, znajduje się w Państwowej Galerii Lenbachhauses w Monachium. Obraz został napisany podczas zatwierdzenia Kandinsky - Abstrakcjonisty. W istocie jest to reakcja artysty na wokół niego wokół niego, na podstawie wrażeń i intuicji.

Na pierwszy rzut oka wydaje się, że obraz jest absolutnie zakłócany z prawdziwych przedmiotów, ale jeśli patrzysz, obrazy zaczynają się pojawiać. Na przykład, góra jest widoczna w centrum. Jasne plamy kolorów są określane przez czarny kontur - charakterystyczna cecha malarstwa Kandinsky w całej kolejnej pracy. Kolejny konkretny obraz jest stylizowaną figurą osoby w nienaturalnej lokalizacji.

Obraz "w Grey" został wykonany w 1919 roku, położony w National Museum of Współczesnej Sztuki w centrum. J. Pompidou, w Paryżu. Można go znaleźć do obrazów "rosyjskiego okresu" (1915-21). To zdjęcie oznaczało zakończenie badania interakcji formy Kandinsky. Artysta planował "skład", składający się z obrazów - gór, postaci ludzi, łodzi. Po zakończeniu pracy obraz zmienił się w abstrakcję miękkiego smaku w porównaniu z poprzednimi pracami.

Na zdjęciu ścisłe kształty geometryczne są zastępowane formami biomorficznych, charakterystyczne do malowania artysty w Paryżu. Kolorowanie dźwięków w wyciszonym szarym, brązowym i niebieskim cieniu. Kompozycja zastępuje się chaosem.

Malarstwo "wibracje" zostało wykonane w 1925 roku, zlokalizowane w Galerii Tate w Londynie. Obraz pokazuje kształty geometryczne, o którym artysta pisze w "punkcie i linii".

Kontakt między ostrym trójkątem a kołem wytwarza nie mniejszy niż palec Boga rozszerzony przez Adama na zdjęciu Michelangelo.

V. Kandinsky.

Najjaśniejszym przedmiotem jest szachownica. Kompleksowa struktura jest osiągana przez jedność kształtu i koloru. Sam obraz jest wykonany w wyciszonych tonach. Napięcie jest przesyłane przez porównanie formularzy i koloru. Okręgi są zdominowane jako niewyczerpane ukryte możliwości (Kandinsky).

Obraz "Up" został napisany w 1929 roku, z kolekcji Peggy Guggenheim w Wenecji. W okresie Bauhauzmsky artysta napisał głównie zdjęcia składające się z geometrycznych kształtów. "Up" to wizerunek osoby, która ustanowiona z kształtów geometrycznych. Tutaj możesz zobaczyć efekt kleju malarskiego Paula. Teoria "punktów i linii na płaszczyźnie" jest śledzona. Kiedy Kandinsky przedstawił tło, starał się uciec od bliskich ram, które sam jechał w Bauhauz. Że udało mu się później w Paryżu.

Masdew Kandinsky V.v. - Malowanie "szczegóły do \u200b\u200bkompozycji IV"

Obraz został wykonany w 1910 roku, położony w Galerii Tate, w Londynie. Drugie imię to "Kozaki". Sam artysta powiedział, że fabuła tego zdjęcia została przyjęta do nich z wydarzeń rewolucji w 1905 r., Kiedy Kozaki skakały przez ulice Moskwy. Przed widzem, pod nimi dwie bojowe kozaków - tęcza, tworząc drogę prowadzącą do pałacu na niebieskim wzgórzu. Racja - kolejne trzy kozaki. Dwa z nich mają szczyty. Elementy obrazu są trudne do rozpoznania, co powoduje, że widz przez długi czas, aby przyjrzeć się ściśle na obrazach, stopniowo pogrążając się w działce. Abstrakcja zakłada rozproszenie uwagi od rzeczywistych form i kreatywnego wyrażenia w elementach geometrycznych.