Stosunek do życia wciąż zmienił się w różnych epokach, czasami była prawie zapomniana o nim, a czasami był najpopularniejszym gatunkiem malarstwa. Jako niezależny gatunek malarstwa pojawił się w pracy holenderskich artystów w XVII wieku. W Rosji, przez długi czas do życia, byli traktowani jako niższy gatunek, a dopiero na początku XX wieku stał się pełnym genomem. W czterorowej historii artyści stworzyli bardzo dużą liczbę martwego życia, ale wśród tej kwoty możesz przeznaczyć najbardziej znaną i znaczącą pracę dla gatunku.

"Martwa natura z daniami szynki i srebra" (1649) Villem Clas Hedda (1594-1682).

Holenderski artysta był uznanym mistrzem martwego życia, ale to było ten obraz, który wyróżnia się w swojej pracy. Oto zauważalnie wirtualizującej umiejętności dynamiki w transferze codziennych przedmiotów gospodarstw domowych - tworzony jest poczucie rzeczywistości każdego z nich. Na stole pokryte bogatym obrusem znajduje się bursztynowa cytryna, kawałek świeżej szynki i srebrny stołowy. Jutro właśnie się skończyło, więc mały bałagan jest zauważalny na stole, co sprawia, że \u200b\u200bobraz jest jeszcze bardziej prawdziwy. Podobnie jak większość holenderów wciąż trwa w tym okresie, każdy przedmiot nosi jakiś rodzaj ładunku semantycznego. Silver dania mówią o ziemskim bogactwie, szynka oznacza zmysłowe radości, a cytryna jest zewnętrznym pięknem, który ukrywa wewnętrzną gorycz. Poprzez te symbole artysta przypomina nam, że należy pomyśleć o duszy, a nie tylko o ciele. Obraz jest wykonany w jednym brązowo-szarym zakresie charakterystycznym dla wszystkich holenderskich malarstwa tej epoki. Oprócz oczywistej dekoracyjności, ten martwa natura również mówi o niewidocznym "cichym życiu" przedmiotów, które zauważono uważny wygląd artysty.

"Brzoskwinie i gruszki" (1895) Paul Cesanne (1830-1906).

Gatunek martwego życia zawsze był bardzo konserwatywny. Dlatego prawie do początku XX wieku wyglądał też w XVII wieku. Dopóki Paul Cezann go nie zabrał. Uważał, że malarstwo powinno obiektywnie przekazywać rzeczywistość, a zdjęcia powinny opierać się na prawach natury. Cezann starał się przekazać niezmienną, ale trwałą jakość tematu, poprzez syntezę kształtu i kolorów, łącząc kształt i przestrzeń. A gatunek martwego życia stał się doskonałym obiektem dla tych eksperymentów. Każda z elementów w martwym okresie życia "brzoskwiń i gruszek" jest przedstawiona z różnych kątów widzenia. Dlatego widzimy tabelę z góry, owoce i obrus - z boku, mały stół - od dołu, a dzbanek jest na ogół w tym samym czasie z różnych stron. Cezanne próbuje poprawnie przenieść kształt i objętość brzoskwiń i gruszek. Aby to zrobić, wykorzystuje prawa optyczne, więc ciepłe odcienie (czerwone, różowe, żółte, złote) są postrzegane przez wystające, i zimno, niebieski, zielony) - wycofując się głęboko w głębokości. W związku z tym forma przedmiotów na jego wciąż trwa nie zależy od oświetlenia, ale odbywa się stała. Dlatego Cezanna wygląda monumentalne.

Niebieski obrus (1909) Henri Matisse (1869-1954).

Nawet ludzie niedoświadczeni w malarstwie pomysł na to, co wciąż wygląda. Są to obrazy, na których przedstawiono kompozycje z jakiegokolwiek przedmiotów życia lub kolorów. Jednak nie wszyscy wiedzą, jak to jest tłumaczone - martwa natura. Teraz powiemy ci o tym i wiele innych rzeczy, które jest związane z tym gatunkiem.

Pochodzenie słowa "martwa natura"

Tak więc, wyrażenie natury Morte przyszedł do rosyjskiego, z francuskiego. Jak widzisz, jest podzielony na dwie części - "Natura" i "Morte", które są przetłumaczone, odpowiednio jako "natura, natura, życie" i "martwe, ciche, naprawione". Teraz razem umieścimy dwie części i zdobędziemy wszystkie znane słowo "martwa natura".

Opierając się na całym powyższym, możliwe jest złożenie wniosku, że wciąż życie jest gatunkiem malowania maszynowego, obraz artysty na płótnie zamrożone, nieruchoma natura. Prawda, że \u200b\u200bczasami mistrzowie martwa do życia uzupełniają swoje dość żywe istoty - motyle, gąsienice, pająki i błędy, a nawet ptaki. Ale wyjątek potwierdza tylko podstawową zasadę.

Tworzenie gatunku

Historia martwego życia ma prawie 600 lat. Do XVI wieku Nie mogło nawet wystąpić nikogo w głowie, że niektóre obiekty nieożywione mogą rysować farbami, nawet bardzo pięknymi. Nadal życie-obrazy po prostu nie istniały w tamtych czasach. W średniowieczu malarstwo zostało całkowicie poświęcone Bogu, kościołowi i człowiekowi. Artyści napisali zdjęcia na działkach religijnych, były również we wszystkich portretach. Nawet krajobraz wykonywany tylko jako suplement.

Ale nadal, niektóre elementy życia wciąż spotkały się już w XV wieku od holenderskich malarzy. W swoich obrazach z tradycyjną treścią religijną lub mitologiczną, a także portrety znajdują się obrazy starannie rozładowanych girlandów kwiatowych, książek, naczyń, a nawet ludzkich czaszek. Kilka wieków przejdzie, a cały świat podziwią kreacje tzw. Małe holenderów - mistrzów wciąż żywości.

Jednak jego przydział w niezależnym gatunku Sztuk Pięknych wciąż nie jest holenderscy mężczyzn, ale francuski. Takich jak odlatuje Francois, Monnuaye i Jean-Batist Udria sformułował podstawowe zasady malowania "tematu", utworzyły jej główną koncepcję i pojawił się do ogółu społeczeństwa całego piękna i uroku wciąż życia.

Era małych holenderów - kwitnących malarstwa przez całe życie

Spróbujmy więc przejmować kilka wieków temu, aby zrozumieć, kto taki mały holenderski i dlaczego, jeśli chodzi o klasyczne martwa natura, zawsze je pamiętają. Pierwsze holenderskie martwe życie są stworzeniem malarzy, którzy mieszkali w Holandii w XVII wieku. Mały holenderski - tak zaakceptowany, aby zadzwonić do szkoły malarstwa i społeczności artystów, którzy stworzyli zdjęcia gospodarstwa domowego nacisku małych rozmiarów. Oczywiście napisali nie tylko wciąż trwania.

Wśród nich byli wielu graczy krajobrazowych i mistrzów malarstwa gatunkowego. Ich płótno nie były przeznaczone w ogóle dla pałaców i kościołów, ale udekorować mieszkania najbardziej zwykłych obywateli. W tym czasie w małej Holandii mieszkał około 3 tysięcy artystów, a oni wszyscy różniły się, aby nosić piękno codziennego świata do noszenia piękna świata codziennego. Kolejna sztuka historycy nazywa tym razem przez holenderski renesans. To wtedy gatunek martwa natura była powszechna.

Najlepsze niderlandzkie życie

Piękny jak na storefront, różne naczynia kuchenne, owoce, luksusowe kwiaty, artykuły gospodarstwa domowego są rozłożone przed publicznością. Kwiat wciąż żywy były bardzo popularne. Został częściowo ze względu na fakt, że w Holandii niepamiętli czas istniały kult kwiatów i ogrodnictwa. Niektórzy z najjaśniejszych przedstawicieli holenderskiego wciąż stylu życia obrazu 17 w. Artyści Yang Davids de Hem, a także jego syn Cornelis de Hem.

Ich malownicze kreacje zyskały popularność i sława w dużej mierze ze względu na fakt, że wiedzieli, jak przedstawić kwiaty i owoce. Uważne badanie części do połączenia z wyrafinowaną gamutą kolorów i doskonale zbudowany przez kompozycję sprawiły, że ich obrazy z niezrównaną. Ci artystów malowali luksusowe bukiety kwiatowe, stojąc w pięknych wazach, z którymi flet motyli; Girlandy owocowe; Przezroczyste kieliszki do wina wypełnione winem; naczynia z winogronami i innymi owocami; Instrumenty muzyczne itp. Znane martwa natura ojca i syna uderzają ze swoim realizmem, drobną przenoszeniem gry o jasnym i wyrafinowanym kolorze.

Martwa natura w obrazie impresjonistów

Wiele uwagi poświęcono gatunku martwego życia i francuskich impresjonistów, a także premiksonistów. Oczywiście ich sposób pisania różnił się ostro od realistycznego wyrafinowania małego holenderskiego, ponieważ klasyczny obraz impresjonistów nie przyciągnął. Claude Monet, Edward Mana, Edgar Degas, Van Gogh - Wszyscy ci artyści uwielbiały pisząc kwiaty i rośliny, ponieważ obie są częścią natury, których piękno topili całe życie.

Auguste Renoir napisał na swoje życie całą galerię pięknych lat lotniczych. Czasami obraz "mrożonej natury" jest wymagany, aby być impresjonistami tylko jako suplement. Na przykład, w malarstwie "śniadanie na trawie", Edward Mana na pierwszym planie, można zobaczyć wspaniałą martwa natura rozproszonych ubrań, rozrzucona na trawie owoców i psa. Van Gogh napisał wiele niezwykłych latach. Wielu wie, że jego obrazy "Słoneczniki" lub "Irysy", ale nadal ma takie płótno, jak krzesło "Van Gogh" - wszystkie są również próbkami malowania martwego życia.

Rosyjski martwa natura

To zaskakujące, że w Rosji, wciąż życie w formie oddzielnego gatunku nie było na długi czas, ponieważ uznano go za prawie niższe od wszystkich rodzajów sztuki dziełowej, co nie wymaga podstawowej wiedzy ani specjalnych umiejętności w malarstwie. Tylko w drugiej połowie XIX wieku. Rosyjscy Mobile byli w stanie spowodować zainteresowanie tym gatunkiem sztuki z rosyjskiej publiczności.

Następnie wielu rosyjskich malarzy było zafascynowanych wciąż przeżycia malarstwa. Nadal życia słynnych artystów, takich jak Igor Grabar, Kuzma Petrov-Vodnik, Ivan Khrutskaya, można zobaczyć w salach Galerii Tretyakowskiej, Muzeum Rosyjskiego, Muzeum Sztuk Pięknych. Puszkin w Moskwie, a także w pustelni. Ale prawdziwe kwitnące wciąż żywości wystąpiło w naszym kraju w erze socjalizmu.

Zdjęcie martwa natura

Wraz z przybyciem fotografii w świecie sztuki, inny gatunek pojawił się jak zdjęcie wciąż życie. Dziś wiele osób chodzi o tworzenie arcydzieł fotograficznych. Niektóre zdjęcia są po prostu zdumione doskonałością i umiejętnościami fotografa. Czasami przy pomocy kamery, utalentowanych foliatorów udaje się dotrzeć do martwego życia, które nie są gorsze od najsłynniejszych kreacji małego holenderskiego.

Aby rozpocząć rysowanie martwego życia, musisz najpierw wyciągnąć go z dowolnych elementów. W przypadku pierwszych eksperymentów w nieruchomym malarstwie, lepiej nie robić złożonych kompozycji, elementy pary-trojki będą wystarczające.

Następnie narysuj martwa natura na etapach. Najpierw musisz zrobić rysunek ołówkiem lub węglem. Następnie powinno być łatwe okręty podwodne, które ujawniają podstawowe kolory i cienie kompozycji, a następnie można rozpocząć bezpośrednio do rysowania części.

Martwa natura jest gatunkiem, który nabywał sławę w zachodniej sztuce do końca XVI wieku i od tego czasu pozostaje ważnym gatunkiem. Martwa natura jest klasyfikowana zgodnie z wizerunkiem konwencjonalnych przedmiotów, które mogą być naturalne, takie jak kwiaty, owoce, etc. lub sztuczne, takie jak okulary, instrumenty muzyczne itp. Poniżej znajduje się lista 10 najbardziej znanych artystów martwego życia W tym pola Charden, Cezanna, Van Gogh i Georgio Morandi.

№10 Seria życia, artysta Tom Vesselman

Ruch sztuki pojawił się w latach 50. XX wieku i wykorzystuje rozpoznawalne obrazy z popularnej kultury. Wśród najpopularniejszych dzieł Pop Art to seria nieruchomych życia Tom Vesselman. Jego wciąż życia przedstawiają elementy nowoczesnego świata, a nie owoców i warzyw poprzedniej generacji artystów tego gatunku. Ta praca (martwa natura # 30) jest połączeniem malarstwa, rzeźb i kolaż znaków towarowych, które Tom widział na ulicy.

№9 Vanitas ze skrzypką i szklaną kulą

Artysta: Peter Clas

Idź do ostatniego etapu tej serii postów o gatunku martwego życia. Będzie poświęcony pracownikom artystów Rosji.

Być może, być może z Fedor Petrovich Tolstoya (1783-1873). Martwa natura grafika F.P. Tołstoj, słynny rosyjski rzeźbiarz, medaler, rysownik i malarz, prawdopodobnie najbardziej znana i cenna część jego twórczego dziedzictwa, choć sam artysta powiedział, że stworzył te prace "w wolnym od poważnego czasu".

Główna nieruchomość rysunków wciąż stylu życia jest gruba - ich iluzję. Artysta starannie skopiowana natura. Próbował, według własnych słów ", z surowymi więzami, aby przenieść skopiowany kwiat z natury na papierze, jak to jest, ze wszystkimi najmniejszymi detalami należącymi do tego kwiatu". W celu wprowadzenia widza w błędzie, Tołstoja stosuje takie iluzjonalne techniki, jako obraz kropelki rosy lub przezroczystego papieru, obejmującego rysunek i pomaga oszukać wizję.

Ilya Efimofich Repin (1844-1930) również zwrócił się do takiego motywu wciąż życia jako kwiaty. Takie prace można przypisać obrazem "jesiennym bukietem" (1892, Galeria Tryceakovskaya, Moskwa), gdzie artysta z równą uwagą przedstawia jesień krajobraz, młodej kobiety stojącej na tle złotych drzew i skromny bukiet żółtych i Białe kwiaty w jej rękach.

I. repin. Jesienny bukiet. Portret wiary liny. 1892, Galeria Tretyakow

Historia obrazu "jabłek i liści" jest nieco niezwykły. Martwa natura, łączenie owoców i liści, zostało ustawione dla studenta repina, V.a. Serov. Temat skład był tak lubiony przez nauczyciela, że \u200b\u200bpostanowił napisać tak samo życie. Kwiaty i owoce przyciągnęły wielu artystów, którzy precyzyjnie precyzyjnie te, najbardziej poetyckie i pięknie pokazujące świat natury. Nawet w. Kramskaya, która została zwolniona do takiego gatunku, dał także hołd wciąż życia, tworząc spektakularny obraz "Bukiet kwiatów. Floxes "(1884, Galeria TryTEKOV, Moskwa).

Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911) jest znany większości z nas jako artysty, który zwrócił uwagę na krajobraz, portret i obraz historyczny w swojej pracy. Należy jednak zauważyć, że temat w jego pracy zawsze odgrywał ważną rolę i często zajmował tę samą pozycję, a także inne elementy kompozycji. Trochę wyższe, już wspomniałem o pracy studenckiej "Jabłka na liściach", 1879, trzymane pod kierownictwem repin. Jeśli porównamy tę pracę z pracą napisaną na tym samym temacie repinu, widać, że martwa natura Serowa wyróżnia się bardziej szkicowanie niż szmatką jego nauczyciela. Novice artysta użył niskiego punktu widzenia, więc pierwsze i drugie plany są łączone, a tło jest zmniejszone.

Słynny ze wszystkimi od dzieciństwa, zdjęcie "dziewczyny z brzoskwiń" wykracza poza gatunek portretowy i nie jest przypadkiem, że nazywa się "dziewczyną z brzoskwinami", a nie "portret mamuta wiary". Widzimy, że cechy portretu, wnętrza i martwego życia są tutaj związane. Artysta opłaca sobie równą uwagę na obraz dziewczyny w różowej bluzce i kilku, ale umiejętnie pogrupowanych poddanych. Na białych obrusach leżą delikatnie żółte brzoskwinie, liście klonu i błyszczący nóż. Urocze odkryte i inne rzeczy, które są na dalekim miejscu: krzesła, duża porcelanowa płyta, uwielbiająca ścianę, postać żołnierza zabawka, świecznik na parapecie. Światło słoneczne, wylewając się z okna i pozostawiając przedmioty jasne odblaski, daje obraz poetycki urok.

Michaił Alexandrovich Vrubel (1856-1910) napisał: "I znowu mnie podkreśla, nie, nie rezygnuje, ale jestem słyszany przez intymną notatkę narodową, którą chciałbym złapać na płótnie i w ornamentie. Jest to muzyka cała muzyka, nie wycięta przez rozproszenie uporządkowanego, zróżnicowanego i bladego zachodu. "

Na Akademii Sztuki, ukochany nauczyciel Vrubel był Pavel Chiscyakov, który uczył młodego malarza "narysować formę" i argumentował, że formularze objętości nie powinny być tworzone w przestrzeni z rurką i konturami, należy je zbudować z liniami. Dzięki nim Vrubel nauczył się nie tylko wykazywać naturę, ale jakby miał szczery, prawie kochać z nią. W takim duchu wykonano wspaniały martwa natura mistrzów "Roshovnik" (1884).

Na tle wykwintnej draperii z motywami kwiatowymi artysta zamieścił elegancki zaokrąglony wazon, malowany przez wschodnie wzory. Delikatna biała róża kwiat róży, zacieniona niebiesko-zieloną szmatką, jest wyraźnie wyróżniona, a liście rośliny są prawie połączone z przyciemnionymi czarnymi drzewami w wazonie. Ta kompozycja jest wykonywana przez niewyrażalne uroki i świeżość, które widz nie może po prostu ulec.

Duże umiejętności w tworzeniu nieruchomych trwania - "Wąchanie" dotarły do \u200b\u200bG.N. Ciepło i T. Ulyanov. Najczęściej przedstawiali bojową ścianę, na której narysowano węzły i ciała drzewa. Na ścianach są zawieszone lub zamykane do paznokci wbijanych wstążki różnych elementów: nożyczki, przegrzebki, litery, książki, notebooki muzyczne. Na wąskich półkach, zegarów, atramentów, butelkach, świeczników, naczyniach i innych małych rzeczach są umieszczone na wąskich półkach. Wydaje się, że taki zestaw obiektów jest całkowicie przypadkowy, ale w rzeczywistości tak nie jest. Patrząc na takie życie, możesz odgadnąć interesy artystów zaangażowanych w muzykę, czytanie, lubiących sztuki. Mistrzowie pięknie i pilnie przedstawili swoje drogie rzeczy. Te obrazy dotyka ich szczerości i natychmiastowość percepcji natury.

Boris Mikhailovich Kustodiev (1878-1927) również zapłacił dużo wciąż życia w swojej pracy. W rozochoconych płótnach widać jasne tkaniny satynowe, błyszczące z miedziowymi samowarami, połysk fajansu i porcelanowych czerwonych plasterków arbuza, klastrów winogron, jabłek, apetyczne babeczki. Jednym z jego wspaniałych obrazów jest "Kupczekha na herbatę", 1918 jest niemożliwe, aby nie podziwiać jasnej blasku obiektów pokazanych na płótnie. Sparkling Samovar, jasne czerwone mięso arbuzów, błyszczących jabłek i przezroczystych winogron, szklana wazon z dżemem, pozłacana miska cukru i filiżanka, wszystkie te rzeczy robią świąteczny nastrój na obrazie.

W gatunku martwego życia wpłacono wiele uwagi w tak zwanym "martwym obrabianiu". Wiele martwego życia - "oszustwa", pomimo faktu, że ich głównym zadaniem było wprowadzenie widza błędu, posiadają niewątpliwą meritki artystyczne, szczególnie zauważalne w muzeach, gdzie oczywiście, tkane wokół ścian, takich kompozycji, oczywiście, nie może oszukać opinię publiczną . Ale tutaj są wyjątki. Na przykład "martwa natura z książkami", wykonana przez P.G. Bogomolov, włożony do iluzorycznej "regał", a odwiedzający nie rozpoznają natychmiast, że jest to tylko zdjęcie.

Bardzo dobry "martwa natura z papugem" (1737) G.N. Teplova. Za pomocą jasnych, jasnych linii, przesuwających się do miękkich, gładkich konturów, lekkich, przezroczystych cieni, cienkich kolorów niuansów, artysta pokazuje różne obiekty podniesione na boardwallu. Woodly Przesyłane drewno, niebieskawe, różowe, żółtawe odcienie, które pomagają tworzyć prawie prawdziwe uczucie świeżego zapachu tylko kropkowanym drzewie.

Rosyjskie życie - "Nedywowcze" XVIII wieku pokazują, że artyści nadal nie są umiejętnie przesyłani przestrzeń i woluminów. Co ważniejsze, aby pokazać teksturę obiektów, jakby przeniesiony na płótno od rzeczywistości. W przeciwieństwie do holenderskiego życia, w których rzeczy wchłaniane przez medium światła są przedstawiane w jedności z nią, w obrazach rosyjskich mistrzów, obiekty rozładowani bardzo ostrożnie, nawet drobne, żyją jak gdyby same, niezależnie od otoczenia.

Na początku XIX wiek doskonała rola w dalszym rozwoju martwego życia była rozgrywana przez szkołę A.G. Venetsianova, który spędził przed ścisłym rozgraniczaniem gatunków i starał się nauczyć swoich uczniów z holistyczną wizją natury.

A.g.Vetsianov. Khumno, 1821-23.

Wenecka szkoła odkryła nowy gatunek na rosyjską sztukę - wnętrze. Artyści pokazali różne pomieszczenia domu Nalble: salon, sypialnie, szafki, kuchnia, sale lekcyjne, ludzkie itp. W takich dziełach ważne miejsce otrzymało wizerunek różnych przedmiotów, chociaż sama życie nie była prawie zainteresowana przedstawicielami koła weneckiego (w każdym przypadku, zachowało się bardzo mało martwa natura, wykonywana przez studentów słynnych malarz). Niemniej jednak Venetianov wezwał swoich uczniów, aby dokładnie opracować nie tylko twarze i postacie ludzi, ale także rzeczy wokół nich.

Przedmiotem w obrazie Venetsian nie jest akcesorium, jest nierozerwalnie związany z resztą obrazów i jest często kluczem do zrozumienia obrazu. Na przykład, podobna funkcja jest wykonywana przez sierp na zdjęciu "ZNTSY" (druga połowa lat 1820., Muzeum Rosyjskie, Petersburg). Rzeczy w Venetsian Art wydają się zaangażowani w niesporsze i spokojne życie postaci.

Chociaż Weneckianow, najważniejsze, nie napisał rzeczywistych martwego życia, obejmował ten gatunek do swojego systemu uczenia się. Artysta napisał: " Rzeczy nieożywione nie podlegają różnorodnym zmianom, które są charakterystyczne dla animowanych obiektów, stoją, trzymają przed niedoświadczonym artystą, żywych, nieruchomymi i dając mu czas bardziej dokładny i inteligentnie, aby przeniknąć do relacji jednej części drugi jak w liniach, więc w świetle i cieniu Koi zależy od strony zajmowanej przez obiekty”.

Oczywiście, Martwa natura odegrała dużą rolę w systemie pedagogicznym Akademii Sztuki w XVIII-XIX wieku (w zamitualnych klasach uczniowie wykonywali kopie z martwego życia, opracowane z takich rzeczy, jak tynk postacie, naczynia, świeczniki, wielokolorowe Wstążki, owoce i kwiaty. Obiekty do treningu nadal życiowe Venetsian wybrało tak, że są one zainteresowane nowicjuszami malarzy, są zrozumiałe w kształcie, pięknie w kolorze.

W obrazach stworzonych przez utalentowanych studentów Venetianova rzeczy zostały przeniesione zgodnie z prawdą i świeże. Takie są nadal trwania K. Zelentova, P.E. Cornilova. Istnieją prace w dziełach Venecianovens, które są na ich istotę, nie są nadal troski, ale mimo to, rola rzeczy w nich jest ogromna. Możesz zadzwonić na przykład, szablonę w wyspach "i" Odbicie w lustrze "G.v. Soroki przechowywano na posiedzeniu Muzeum Rosyjskiego w Petersburgu.

G.v. Sroka. "Szafka na wyspach". Fragment, 1844, Rosyjski Muzeum, Petersburg

Wciąż życie w tych pracach nie są niezależnie, ale jako szczególna część wewnętrznej części, odpowiadająca ogólnym systemowi kompozytorowi i emocjonalnemu obrazy. Głównym elementem wiązania tutaj jest światło, delikatnie obracając się z jednego elementu do drugiego. Patrząc na płótno, wiesz, jak ciekawe artysta na całym świecie jest z miłością przedstawiającą każdy przedmiot, każda drobna rzecz.

Martwa natura przedstawiona w "biurze na wyspach", choć wymaga niewielkiego miejsca w ogólnej kompozycji, wydaje się niezwykle znaczące, przydzielone ze względu na fakt, że autor spalił go od reszty wysokich sprężyn sofy i po lewej i po prawej przycięte ramkę. Wydaje się, że czterdzieści tak zafascynowana obiektami leżącej na stole, która prawie zapomniała o reszcie obrazów. Mistrz uważnie napisał wszystko: gęsi pióro, ołówek, cyrk, transport, perochitelnik, abakus, arkusze papieru, świeca w świeczniku. Punkt widzenia z góry pozwala rozważyć wszystkie rzeczy, żaden z nich nie świecił innej. Atrybuty jak czaszki, zegary, a także symbole "Ziemskie zamieszasz" (figurka, papier, wyniki), pozwalają niektórym badaczom rangą wciąż życie do rodzaju Vanitas, chociaż takie zbieg okoliczności jest czysto losowo, najprawdopodobniej serf Artysta wykorzystał fakt, że leżał na stole właścicielowi.

Słynny mistrz przedmiotowych kompozycji pierwszej połowy XIX wieku był artysta I.f. Khrutsky, który napisał wiele pięknych obrazów w duchu holenderskiego martwego życia XVII wieku. Wśród jego najlepszych prac - "Kwiaty i owoce" (1836, Galeria Tretyakowska, Moskwa), "Portret żony z kwiatami i owocami" (1838, Muzeum Sztuki Białorusi, Mińsk), "Martwa natura" (1839, Muzeum Akademia Sztuki, Petersburga).

W pierwszej połowie XIX wieku "botaniczna martwa natura", która przyszła do nas z Europy Zachodniej, była bardzo popularna. We Francji, w tym czasie praca botaniki z pięknymi ilustracjami. Duża sławy w wielu krajach europejskich otrzymała artystę P.Z. Rabutay, który był uważany za "najsłynniejszego malarza kwiatów swojego czasu". "Postać botaniczna" była znaczącym zjawiskiem nie tylko dla nauki, ale także dla sztuki i kultury. Podobne rysunki zostały przedstawione jako prezent, zdobione albumy, które w ten sposób umieściły je w jednym rzędzie z innymi dziełami malowania i grafiki.

W drugiej połowie XIX wieku wiele uwagi zostało wypłacane na obraz przedmiotów. Fedotov. Chociaż nie napisał innego ucznia, świat rzeczy stworzony przez niego podziwia jej piękno i prawdziwość.

Przedmioty w dziełach Fedotov są nierozłączne z życia ludzi, biorą one najbardziej bezpośredni udział w dramatycznych wydarzeniach przedstawionych przez artystę.

Patrząc na zdjęcie "Fresh Cavalier" ("Rano po Pirushki", 1846), jesteś niesamowity obfitość obiektów, starannie rozładowany przez mistrza. Prawdziwy martwa natura, zaskakująca przez jego lakoniczność, jest prezentowana na słynnym zdjęciu Fedotova "Ogląda major" (1848). Mistrzowskie faktycznie przenoszone szkło: kieliszki do wina wysokiego nóg, butelka, karafka. Najlepsze i przejrzyste, wydaje się, że ma łagodne dzwonienie kryształowe.

Fedotov P.a. Główne ścianki. 1848-1849. Gtg.

Fedotov nie oddziela przedmiotów z wnętrza, więc rzeczy są pokazane nie tylko niezawodnie, ale także malowniczo cienkie. Każdy jest najczęstszym lub zbyt atrakcyjnym przedmiotem, który zajmuje swoje miejsce w ogólnej przestrzeni, wydaje się niesamowite i piękne.

Chociaż Fedotov nie napisał nieruchomych życia, pokazał niewątpliwego zainteresowania tym gatunkiem. Flair zasugerował mu, jak pozycjonować jeden lub inny temat, z jakiego punktu widzenia można sobie wyobrazić, co będzie wyglądać obok nie tylko logicznie rozsądnej, ale także ekspresyjnej.

Świat rzeczy pomagających pokazać życie danej osoby we wszystkich swoich objawach, daje dzieła specjalnej muzyczności Fedotova. Są to obrazy "Kotwica, nadal kotwica" (1851-1852), "wdowa" (1852) i wielu innych.

W drugiej połowie XIX wieku gatunek studenta praktycznie przestał zainteresowany artystami, choć wiele gatunków chętnie obejmował elementy martwa w ich kompozycjach. Wiele ważności jest nabywane przez rzeczy w obrazach V.G. Perova ("Tea party w Mytishchi", 1862, Tretyakovskaya Gallery, Moskwa), L.I. Solomatkina ("Miasto Słowian", 1846, Państwowe Muzeum Historyczne, Moskwa).

Nadal życie są prezentowane w scenach gatunków A.L. Yushanova ("Przewody szefa", 1864), M.K. Kłodta ("Muzyk pacjenta", 1855), V.I. Jacobi ("Performer", 1858), A.I. Korzukhin ("przed spowiedzi", 1877; "W hotelu klasztorny", 1882), K.e. Makovsky ("Alekseich", 1882). Wszystkie te płótna są teraz przechowywane w kolekcji galerii TryTEKOV.

K.e. Makovsky. "Alekseich", 1882, Galeria Tretyakovskaya, Moskwa

W latach 1870-1880 wiodący gatunek w rosyjskim obrazie pozostał domowy, choć krajobraz i portret zajmował także ważne miejsce. Filmy odegrały ogromną rolę dalszego rozwoju sztuki rosyjskiej, dążąc do pokazania prawdy życia w swoich pracach. Artyści zaczęli przywiązać wielką wagę do pracy z natury, a zatem coraz częściej odwoływane do krajobrazu i życia, chociaż wielu z nich uważało za ostatnie straty czasu, bez znaczenia pasji formy, pozbawionej treści wewnętrznej. Więc I.n. Kramskaya wspomniała o słynnym francuskim malarzu, nie zaniedbany przez nieruchomych natężeniach, w liście do V.M. VasnetSov: "Utalentowany człowiek nie spędzi czasu na wizerunku, umieścić, miednicy, ryb itp. Dobrze jest robić ludzi, którzy mają już wszystko, a mamy złe rogu".

Niemniej jednak wielu rosyjskich artystów, którzy nie napisali wciąż trwania, podziwiało ich, patrząc na zwycięskie tkaniny mistrzowskie. Na przykład V.D. Polenov, który był we Francji, napisał I.N. Kramsky: "Patrzysz na to, jak to się dzieje, jakby przez olej, wszyscy pracują w swoim rodzaju, w wielu różnych obszarach, które lubi, a wszystko to jest doceniane i zapłacone. Mamy głównie wartość, która jest wykonywana, a tutaj - jak zrobione. Na przykład, dla miedzi miedzi z dwiema rybami płacić dwadzieścia tysięcy franków, a nawet dodatkowo rozważają te miedzi czyny do mistrza pierwszego malarza, a może nie bez rezonywania. "

Odwiedziłem w 1883 roku na wystawie w Paryżu V.I. Surimov podziwiało krajobrazy, wciąż życie i obrazy z wizerunkiem kwiatów. Napisał: "Dobra ryba Hiberty. Sliz rybny jest przekazywany mistrzowi, barwnie, ton ugniatał się. " Jest w jego liście do p.m. Tretyakov i takie słowa: "I Gilbert Fish - cudem Co. Cóż, w ogóle w rękach, możesz wziąć, przed oszustwo jest napisane. "

A Polenov i Surimov mogą być pięknymi mistrzami martwej natury, o czym świadczą mistrzowskie pisemne przedmioty w ich kompozycjach ("Pacjent" Polenov, "Menshikov w Berezov" Surikov).