Obrazy cipki z tytułami i opisami. Obrazy Nikola Pussen.

Normandes początkowym, Nikola Poussin (1594-1665) urodził się w Les-Anselli, małym miasteczku na wybrzeżu Sekwany. Dobra edukacja została zapewniona z dobrą edukacją i możliwość zbadania początkowych etapów sztuki artysty. Bardziej szczegółowy znajomość z tajemnic umiejętności, dowiedział się po przeprowadzce do Paryża, gdzie studiował na mistrzach.

Portretista Ferdinand Van Elle stał się pierwszym mentorem młodego malarza, później Poussa studiowała na mistrzu, malując kościoły - Kgenna Varna, a artysta sądowy George Lallleman, który przestrzegał nowego stylu Mañaryzm. Aby "wypełnić rękę" pomógł mu i kopiować zdjęcia rozpoznanych mistrzów malarskich, przez ten mógł swobodnie ćwiczyć w Luwrze.

Pierwszy okres kreatywności we Włoszech

W 1624 r. Nazwa Poussiny była już znana wśród koneserów malarstwa, a jego coraz bardziej fascynowała pracę włoskich mistrzów. Decydując, że francuscy mentorzy nauczył się wszystkiego, co mógł, Poussin przeniósł się do Rzymu. Oprócz włoskiego malarstwa, poidsin bardzo doceniany i poezji, pod wieloma względami, dzięki spotkaniu z Giampatist Marino, przedstawiciel poezji halonowej. Zaprzyjaźnili się w Paryżu, a Nikola przedstawili wiersz swojego przyjaciela "Adonis". Od okresu wczesnego Paryża twórczości artysty, tylko ilustracje są zachowane do naszego czasu.

Poidsin studiował matematykę i anatomię, rzeźby czasów starożytności serwowane go z próbkami próbek, a prace naukowe Durera i Da Vinci pomogły w zrozumieniu, w jaki sposób proporcje ludzkiego ciała powinny być przekazywane do artystycznej sztuki artystycznej. Wiedza teoretyczna nabyta w geometrii, optyce, perspektywach.

Carragechi, Titysta, Raphael i Michelangelo - dzieła tych mistrzów były głęboko pod wrażeniem francuskim malarzem. Pierwsze lata życia w Rzymie były czasem szukać własnego stylu, a jego prace charakteryzowały się ostrych kątów, ponurych odcieni i obfitości cieni. Później jego styl artystyczny zmienił się, schemat kolorów stał się bardziej ciepły, a elementy obrazów posłuchały jednolitego centrum. Tematem pracy tego czasu były bohaterskie działki i działania starożytnej mitologii.

Zamówienie jednego z rzymskich klientów poidsin, Cassiano del Pozzo, serii obrazów "Siedem sakramentów" została stworzona przez artystę, a "zniszczenie Jerozolimy" i "uprowadzenie Sabinet" przyniosło mu szerszą sławę. Do mitologicznych tematów ich obrazów dodał trendy nowoczesności, organizując kompozycję i przeniesienie akcji do czołowania obrazu. Pousin starała się osiągnąć naturalność postanowień podmiotów i daje im wyraźnie gesty i wyrażenia osób. Harmonia i jedność z charakterystyką charakterystyki antyków inspirowanych artystą, można go śledzić na zdjęciach "Wenus and Satira", "Diana i Engimion", "Edukacja Jowisza".

"Metamorfoza" serwowane jest jako podstawa "Królestwa Flory", obraz stał się rodzajem hymnive ożywiającym i wiosennym odnowienia natury. Wcześniej nabyta wiedza teoretyczna pozwoliła mu dokładnie przestrzegać kompozycji przyjętych przez ustawy i ciepłe, jasne kolory wprowadzone przez prawdziwie żywe ("Tancred i Hermine", "Wenus i SHEFI"). Dodatkowa dokładność obrazów Dołączony wstępny przygotowanie: Wykonano modele kształt figur z wosku, a przed przystąpieniem do pracy na zdjęciu, eksperymentować z grą światła i położenie tych danych.

Paryż intryguje i wróć do Rzymu

Najbardziej udany w karierze Pussen był latami, w których spędził w pracy nad dekoracją Galerii Louvro na zaproszenie kardynała Richelieu (druga połowa lat 30.). Po otrzymaniu tytułu pierwszego malarza królewskiego, pracował również nad galerią, a ponad wiele innych zamówień. Taki sukces nie dodał mu popularności wśród kolegów, a ci, którzy również twierdzili, że praca w Luwrze byli szczególnie nieszczęśliwi.

Inturgi złych życzliwości zmusili artystę do opuszczenia Paryża i w 1642 r., Aby ponownie przenieść się do Rzymu. W tym okresie kreatywności (do 50-tych) źródło tematów do obrazów Pusssena stało się Biblią i Ewangelią. Jeśli naturalna harmonia panowała wczesne prace, teraz bohaterowie obrazów stały się biblijnymi i mitologicznymi postaciami, którzy wygrali zwycięstwo nad ich pasjami i posiadają moc woli (Corolian, Diogen). Znak tego okresu - "pasterze arcade", kompozycję o nieuchronnie śmierci i pokojowego przyjęcia tej świadomości. To zdjęcie stało się modelem klasycyzmu, sposobem artysty nabył bardziej dyskretny charakter, nie tak emocjonalnie liryczny, jak w dziełach pierwszego okresu rzymskiego. W schemacie kolorów dominujący był kontrastem kilku kolorów.

Ostatnia praca, "Apollo i Daphne", nie miała czasu, aby ukończyć artystę, ale było w jego obrazach, które powstały francuski klasyzm.

Kreatywność poidsiny do historii malarstwa jest trudna do przeceniania. Jest założycielem takiego stylu obrazu jako klasycyzmu. Artyści francuski byli tradycyjnie zaznajomieni ze sztuką Itanoodoresans. Ale byli zainspirowani dziełami mistrzów Itanalynomanism, barokowej, karawgizmu. Pussen był pierwszym francuskim malarzem, który wziął tradycję klasycznego stylu Leonardo da Vinci i Raphael. Włączanie do tematów starożytnej mitologii, historii starożytnej, Biblii, Poussin ujawniła tematy współczesnej epoki. Przyniósł doskonałą osobowość, pokazując i zabawne przykłady o wysokiej moralności, wartości cywilnych. Przejrzystość, stałość i porządek drobnych technik Pussen, ideologicznej i moralnej orientacji jego sztuki później sprawiły, że praca z odniesieniem do wykształconych malarstwa i rzeźby Francji, która podjęła rozwój norm estetycznych, formalnych kanonów i ogólnie obowiązujących zasad obowiązujących twórczości artystycznej (tzw. Akademizm).

Nikola Poussin (Nicolas Poussin), 1594-1665 · słynny francuski artysta, założyciel stylu klasycyzmu. Włączanie do tematów starożytnej mitologii, historii starożytnej, Biblii, Poussin ujawniła tematy współczesnej epoki. Przyniósł doskonałą osobowość, pokazując i zabawne przykłady o wysokiej moralności, wartości cywilnych.

Francja XVII wieku. Był to zaawansowany stan europejski, który zapewnił mu korzystne warunki rozwoju kultury narodowej, która stała się kolejnością renesansu Włoch. Widoki Kartezjusza (1596-1650) miały wpływ na rozwój nauki, filozofii, literatury, sztuki. Descartes - matematyk, naukowiec, twórca filozoficznego racjonalizmu - dotknął filozofii z religii i związany z naturą, twierdząc, że zasady filozofii są wyodrębnione z natury. Kartezjaki zbudowały zasadę prymatu umysłu w pewnym sensie. Ten pomysł opierał się na klasycyzmie w sztuce. Teoretycy w nowym stylu powiedział, że "klasyzm jest doktryną umysłu". Stan artystyczny został ogłoszony symetria, harmonię, jedność. Według doktryny klasycyzmu, natura miała być wykazana, że \u200b\u200bnie tak, jak jest i piękna i rozsądna, klasyki jednocześnie oświadczyły wspaniale, co prawdą, zachęcając, aby nauczyć się tej prawdy z natury. Klasycyzm ustanowił ścisłą hierarchię gatunków, czyniąc je na "wysoki", do której historyczny i mitologiczny, a "niski" - gospodarstwo domowe należą.

Nikola Pussen urodził się w 1594 roku w Normandii, w pobliżu miasta Le Anselki. Jego ojciec, weteran armii króla Henryka IV (1553-1610), dał swoim synowi dobremu wykształceniem. Od dzieciństwa, poidsin zwrócił uwagę na jego tendencje do rysowania. O 18, jedzie do Paryża, aby angażować się w malarstwo. Prawdopodobnie jego pierwszym nauczycielem był Portastruitist Ferdinand Van Elle (1580-1649), drugi jest historycznym malarzem Georges Lallman (1580-1636). Zapoznanie się z Camerymanem Widow Queen Mary Mary Medici, strażnika Królewskich Kolekcji Sztuki i Biblioteki, Poussin ma okazję odwiedzić Louri skopiować tam zdjęcia włoskich artystów. W 1622 r. Pushsen i inni artyści zostali poinstruowani, aby napisać sześć dużych obrazów na działkach ich życia św. Ignatia Loiol i St. Francis Xaveria (nie przetrwała).

W 1624 r. Poussin poszedł do Rzymu. Tam studiuje sztukę starożytnego świata, dzieło mistrzów ery o wysokiej renesance. W latach 1625-1626 otrzymał rozkaz na napisanie obrazu "zniszczenia Jerozolimy" (nie zachowane), ale później napisał drugą wersję tego obrazu (1636-1638, Wiedeń, Muzeum Historii Sztuki).

W 1627 r. Poussin napisał zdjęcie "śmierci Niemiec" (Rzym, Palazzo Barberini) na działce starożytnego rzymskiego historyka zapalenia TAC, które uważa, że \u200b\u200bprogram działający klasycyzm; Pokazuje pożegnanie Legionnaires z Dying Dowódcą. Śmierć bohatera jest postrzegana jako tragedia o znaczeniu społecznym. Temat interpretowany jest w duchu spokojnych i surowych bohaterów starożytnej narracji. Ideą obrazu jest ministerstwo zadłużenia. Artysta umieścił figury i obiekty w płytkiej przestrzeni, rozczarowanie go do wielu planów. W tej pracy ujawniono główne cechy klasycyzmu: jasność działania, architektoniczności, uprzęży kompozycji, opozycję grup. Ideał piękna w oczach poidsin składał się w proporcjonalności części całości, w porządku zewnętrznym, harmonii, przejrzystości kompozycji, która stanie się charakterystycznymi cechami stylu kreatora dojrzałego. Jedną z osobliwości kreatywnej metody Pussena był racjonalizm, który nie tylko dotkniętych scenami, ale także w wellness kompozycji.

Poussin napisał obrazy maszynowe głównie średni rozmiar. W 1627-1629 spełnił wiele obrazów: "Parnas" (Madryt, Prado), "Inspiracja poety" (Paryż, Luwr), "zbawienie Mojżesza", "Mojżesz, oczyszczającą wodę Merra", "Madonna, która jest St. Jacob Senior "(" Madonna na post ") (1629, Paryż, Luwr). W 1629-1630 Poussin tworzy wspaniały wyrażenie i najbardziej istotne prawdziwe "usunięcie z krzyża" (Petersburg, Hermitage).

W okresie 1629-1633, przedmiotem obrazów Zmiany POUDSIN: rzadziej pisze zdjęcia na temat religijnych, odnoszących się do mitologicznych i literackich działek. "Narcyz i Echo" (ok. 1629, Paryż, Luwr), "Selena i Erdeimion" (Detroit, Instytut Sztuki). Szczególną uwagę zwraca się na cykl obrazów napisanych przez wiersze Torquatto Tasso "wyzwolone przez Jerozolimy": "Rinaldo i Armida" (OK 1634, Moskwa, GMIA. A.S. Pushkin). Idea ludzkich przypadków i problemu życia i śmierci opierała się na wczesnej wersji obrazu "Pasterze Arcade" (1632-1635, Anglia, Cheworth, prywatne spotkanie), do którego wrócił do 50 lat (1650 , Paryż, Louvre). Na spania Wenus Canvas (ok. 1630, Drezno, Galeria Sztuki) Bogini Miłości jest reprezentowana przez ziemską kobietę, pozostając niedostępnym ideałem. Obraz "Królestwo Flory" (1631, Drezno, Galeria zdjęć), napisana w motywach upycha, jest niesamowita piękno malowniczej ucieczki starożytnych obrazów. Jest to poetycka alegoria pochodzenia kwiatów, w której przedstawiono bohaterowie starożytnych mitów w kwiatach. Pussen wkrótce napisał kolejną wersję tego zdjęcia - "Triumph Flora" (1631, Paryż, Luwr).

W 1632 r. Pussen został wybrany członkiem Akademii św. Łukasz.

Ogromna popularność poidsin w 1640 r. Przyciągnęła uwagę Louis XIII (1601-1643) do jego pracy, na zaproszeniu, w którym poussin przyszedł do pracy w Paryżu. Artysta otrzymał zamówienie od króla, aby napisać zdjęcia dla swojej kaplicy w Fontainebleau i Saint-Germain.

Jesienią 1642 r. Poidsin pozostawia ponownie w Rzymie. Tematy swoich obrazów tego okresu były cnoty i ważność władców, biblijnych lub antycznych bohaterów: "Genota Scipion" (1643, Moskwa, GMI. A.S. Pushkin). W swoich płótnach pokazał doskonałych bohaterów, lojalnego długu cywilnego, bezinteresowne, hojne, jednocześnie wykazując absolutny uniwersalny ideał obywatelstwa, patriotyzmu, szczerej wielkości. Tworzenie idealnych obrazów na podstawie rzeczywistości, celowo skorygował przyrodę, biorąc piękną i odrzucając brzydką.

W drugiej połowie lat 40. Poussin stworzył cykl "Siedem sakramentów", w którym ujawnił głębokie znaczenie filozoficzne dogmas chrześcijańskich: "Krajobraz z Apostołem Matfey", "Krajobraz z Apostołem Janem na wyspie Patmos" (Chicago, Instytut Sztuki).

Koniec lat 40-tych - początek lat 50. jest jednym z owocnych okresów w dziedzinie POUDSIN: napisał obrazy "Eliasar i Rebeka", "Krajobraz z Diogen", "Krajobraz z dużą drogą", "Salomon's Court "," Ecstasy St. Paul "," pasterze Arcade ", drugi autoportret.

W ostatnim okresie kreatywności (1650-1665), Pussen stał się coraz bardziej stosowany do krajobrazu, bohaterowie byli związani z literackimi, mitologicznymi działkami: "Krajobraz z polifem" (Moskwa, GMI. A.S. Pushkin). Latem 1660 r. Tworzy serię krajobrazów "czterokrotnego roku" z kulisami biblijnymi, symbolizującą historię pokoju i ludzkości: "Wiosna", "Lato", "Jesień", "Zima". Krajobrazy wielozadaniowani, przemienne plany zostały podkreślone przez paski światła i cieni, iluzję przestrzeni i głębokość skierowana do nich Epicka moc i wielkość. Podobnie jak w historycznych obrazach główni bohaterowie znajdują się zwykle na pierwszym planie i są postrzegane jako nierozłączna część krajobrazu. Najnowsza, niedokończona tkanina Mastener - "Apollo i Daphne"(1664).

Wartość kreatywności Pussena na historię malarstwa jest ogromna. Artyści francuski i przed nim tradycyjnie znali sztukę Renaissance Włoch. Ale byli inspirowani pracami mistrzów włoskiego manieryzmu, barokowego, karawgizmu. Poussin był pierwszym francuskim malarzem, który wziął tradycję klasycznego stylu Leonardo da Vincia Rafael. Jasność, spójność i zamawianie drobnych technik Pussen, ideologicznej i moralnej orientacji jego sztuki później przyczyniły swoją kreatywność w odniesieniu do Akademii Malarstwa i Rzeźby Francji, która podjęła rozwój norm estetycznych, kanonów formalnych i ogólnie wiążących Zasady kreatywności artystycznej.

Klasyczny krajobraz w francuskim obrazieXVII. stulecie.

W XVII wieku przed francuskimi ludźmi, po okresie krwawej wojny cywilnej i niszczyciela ekonomicznego, zadania dalszego rozwoju krajowego stanęły w obliczu wszystkich obszarów życia gospodarczego, politycznego i kulturalnego. W warunkach absolutnej monarchii - z Henrichem IV, a zwłaszcza w drugim kwartale XVII wieku. Z Richelieu, energiczny minister uzdrowienia Louis XIII, system centralizacji państwowej została złożona i zintensyfikowana. W wyniku konsekwentnej walki z opozycją feudalną, skuteczną polityką gospodarczą i wzmocnienie statusu międzynarodowego Francja osiągnęła znaczący sukces, stając się jedną z najpotężniejszych mocy europejskich.

Oświadczenie o francuskim absolutyzmie opierało się na wyzysku ludowej mas. Richelieu powiedział, że ludzie byli jak Mulu, którzy byli przyzwyczajeni do noszenia ciężkości i łupów z długiego pobytu więcej niż w pracy. Francuska burżuazja, rozwój, którego absolutyzm patronizowany z polityką gospodarczą był w podwójnej sytuacji: starała się dominant politycznie, ale ze względu na jego niedojrzałość, nie mógł stać na ścieżce luki z królewską władzą, kierując się masami, ponieważ Baurgeoizie bała się ich i była zainteresowana zachowaniem przywilejów podanych przez absolutyzm. Potwierdzono to w historii tzw parlamentarnej frond (1648-1649), kiedy burżuazje, przestraszony przez potężny wzrost rewolucyjnego elementu ludowego, dokonał bezpośredniego zdrady, dokonał kompromisu z szlachetnością.

Absolutyzm ustalono wiele cech charakterystycznych w rozwoju kultury francuskiej XVII wieku. Naukowcy, poeci, artystów przyciągali do sądu królewskiego. W XVII wieku we Francji wzniesiono w Francji, Majestic City Ensembles zostały stworzone. Ale złe byłoby zmniejszenie całej różnorodności ideologicznej kultury francuskiej 17 wieku. Tylko do wyrazu pomysłów absolutyzmu. Rozwój kultury francuskiej, związane z wyrazem interesów narodowych, był bardziej złożony, w tym trendy, bardzo daleko od oficjalnych wymogów.

Kreatywny geniusz francuskich ludzi pokazał się jasnym i wieloaspektowym w filozofii, w literaturze i sztuce. XVIII wiek dał Francji Wielkich myślicieli i Gassendi, Korefeev Korlii, Racina i Moliere oraz w sztukach plastikowych - takich wielkich mistrzów, jak architekt Arduuen-Mansar i malarz Nikola Poussin.

Ostra walka społeczna nałożyła pewne odcisk na cały rozwój francuskiej kultury czasu. Pojawiły się publiczne sprzeczności, w szczególności w fakcie, że niektóre zaawansowane figurki kultury francuskiej były w stanie konfliktu z Sądu Królewskim i byli zmuszeni do życia i pracy poza Francją: Kartezjusze pozostawione na Holandii, a Poussin spędził prawie całe życie we Włoszech. Oficjalna sztuka sądowa w pierwszej połowie XVII wieku. Opracowany głównie w formach pompatycznego baroku. W walce z oficjalną sztuką rozwinęła się dwie linie artystyczne, z których każdy był wyrazem zaawansowanych realistycznych trendów Ery. Mistrz pierwszego z tych kierunków, który otrzymał nazwę Peintres de La Realit w francuskich badaczy, czyli malarze prawdziwego świata, pracował w stolicy, a także w szkołach wojewódzkich, a także ze wszystkimi ich indywidualnymi Różnice zostały połączone przez jedną wspólną cechę: unikanie idealnych form, zwrócili się do bezpośredniego, bezpośredniego przykładu wykonania zjawisk i aktów rzeczywistej rzeczywistości. Ich najlepsze osiągnięcia odnoszą się głównie na obraz gospodarstwa domowego i portretu; Działki biblijne i mitologiczne były również zawarte przez tych mistrzów na zdjęciach inspirowanych codzienną rzeczywistością.

Ale najbardziej głębokie odbicie podstawowych cech Ery objawił się we Francji w formach drugiej z tych prądów progresywnych - w dziedzinie klasycyzmu.

Specyfika różnych obszarów kultury artystycznej zidentyfikowała pewne cechy ewolucji tego stylu w dramacie, poezji, w architekturze i sztuk wizualnych, ale ze wszystkimi tymi różnicami, zasady francuskiego klasycyzmu mają pewną jedność.

W warunkach absolutystycznej zależność osoby z instytucji publicznych powinna zostać odkryta ze specjalną ostrością, z regulacji państwa i barier nieruchomości. W literaturze, w której program ideologiczny klasycyzmu znalazł najbardziej kompletny wyraz, dominant długów cywilnych, zwycięstwo publicznego rozpoczęcia na początku osobistego. Niedoskonałość klasycyzmu sprzeciwia się ideałami racjonalności i ostrej dyscypliny osoby, przy pomocy, której należy pokonać sprzeczności z prawdziwego istnienia. Konflikt umysłu i uczuć, pasji i długu charakterystyczne dla dramatycznego klasycyzmu, odzwierciedlenie sprzeczności związanych z tym erą i światem wokół niego. Przedstawiciele klasycyzmu znaleźli przykład wykonania swoich publicznych ideałów w starożytnej Grecji i Republika Rzymu, a także personifikację norm estetycznych był dla nich sztuką antyczną.

Na początku XVII wieku, po okresie wojen domowych i dobrze znany spadek życia kulturalnego, w sztukach wizualnych, jak w architekturze, możliwe było obserwowanie walki pozostałości starego z kiełkami Nowe, przykłady następujących tradycji ukośnych i odważnych innowacji artystycznych.

Najciekawszym artystą tego czasu pracował w pierwszych dziesięcioleciach XVII wieku, grawer i jacques Callo szuflady (ok. 1592-1635). Urodził się w Nancy, w Lotaryngii młodych mężczyzn poszedł do Włoch, gdzie mieszkał na początku w Rzymie, a potem we Florencji, gdzie był do swego powrotu do ojczyzny w 1622 roku.

Bardzo płodny mistrz Callo stworzył ponad tysiąc pięciuset rycin, niezwykle zróżnicowanych w swoich tematach. Musiał pracować z francuskim królewskim jardem i dziesiątkami Toskanii i Lotaryngii. Jednak jasność życia sądu nie zgadzała od niego - cienkiego i ostrego obserwatora - różnorodność otaczającej rzeczywistości, pełna ostrych kontrastu społecznych, którzy ugruntowali okrutne wstrząsy wojskowe.

Callo - artysta epoki przejściowej; Złożoność i niespójność jego czasu wyjaśniają sprzeczne cechy w swojej dziedzinie. Resztki Callo o manieryzmie są nadal zauważalne - wpływają na światopogląd artysty i w swoich przyciskach wizualnych. Jednocześnie kreatywność Calle'a daje żywy przykład penetracji do francuskiej sztuki nowych, realistycznych trendów.

Callo pracował w technice trawienia, który się poprawił. Zwykle mistrz używany podczas grawerowania powtarzającego się trawienia, który pozwolił mu osiągnąć specjalną definicję linii i twardości rysunku.



Jacques Callo. Trawienie z serii "żebraków". 1622.



Jacques Callo. Cassandr. Trawienie z serii "Trzech Pantalon". 1618.

W dziełach wczesnego okresu Calla elementy fikcji są nadal silne. Wpływają one na pragnienie dziwacznych działek, na przesadzoną ekspresję groteskową; Umiejętność artysty przyjmuje czasami charakter samowystarczalnej wirtuozji. Cechy te są szczególnie jasne w serii sosu 1622.- "Balley" ("tańce") i Gobby ("Gorbny"), stworzony pod wrażeniem włoskiej komedii masek. Prace tego rodzaju, nadal w dużej mierze powierzchowne, wskazują nieco jednostronne wyszukiwanie przez artystę ekspresyjności zewnętrznej. Ale w innych seriach, ryciny są wyraźniej wyrażone przez realistyczne tendencje. Taka jest całą galerię typów, które artysta może bezpośrednio zobaczyć na ulicach: obywatele, chłopi, żołnierze (Caprichacchi Series, 1617), Cygan (seria "Cygoki", 1621), włóczęgów i żebraków (seria "żebraków", 1622 ). Te małe postacie wykonane z wyjątkową ostrością i obserwacją, posiadają niezwykłą mobilność, ostre charakterystyczność, ekspresywność pozów i gestów. Z Arystiem Virtuoso Caldo został przekazany przez elegancką łatwość Cavallar (seria Caprichacche), wyraźny rytm tańca na figurach podmiotów włoskich i ich majtek (seria "Balli"), ciężki prymat prowincjonalnego arystokracji (ponieść seria szlachta ), starcze postacie w szmatach (seria "żebraków").



Jacques Callo. Męczeństwo SV. Sebastian. Akwaforta. 1632-1633.

Najbardziej informacyjny w dziedzinie Callo jego kompozycje wielofigury. Tematy są bardzo zróżnicowane: jest to wizerunek festiwali sądu ("turniej w Nancy", 1626), Targi ("Targi wrażenie", 1620), triumfy wojskowe, bitwy (panorama "Siege Bredi", 1627), polowanie ( "Wielkie polowanie", 1626), sceny do mitologicznych i religijnych działek ("Męczeństwo św. Sebastiana", 1632-1633). W tych stosunkowo małych listach mistrz tworzy szeroki obraz życia. Ryciny Callo są panoramiczne; Artysta patrzy na to, co się dzieje, jak z daleka, co pozwala na osiągnięcie najszerszego zasięgu przestrzennego, dołączyć na ogromne masy ludzi, liczne epizody Variekractive. Pomimo faktu, że kształty (a nawet więcej szczegółów) w kompozycjach Calo są często bardzo małe, są one wykonane przez artystę nie tylko z niezwykłą liczbą rysunku, ale także w pełni posiadać witalność i cechy. Jednak metoda Callo sama ujemna; Indywidualne cechy aktorów, poszczególne szczegóły są często nieuchwytne w całkowitej masie wielu uczestników wydarzeń, główną rzeczą jest zagubiony wśród drugorzędnych. Nic dziwnego, że zazwyczaj mówią, że Callo patrzy na swoje sceny, jakby w odwróconej lornetce: jego percepcja kładzie nacisk na oddalenie artysty przed wystąpieniem. Ta konkretna funkcja Callo nie jest w ogóle techniką formalną, jest naturalnie związany z jego artviewem. Callo pracował w epoce kryzysu, gdy ideały renesansu straciły swoją siłę, a nowe ideały pozytywne nie zatwierdziły się jeszcze. Człowiek w Callo jest zasadniczo bezsilny przed siłami zewnętrznymi. Nie jest przypadkiem, że temat niektórych kompozycji Callo nabywa tragiczny kolor. Taki, na przykład, grawerowanie "męczeństwo św. Sebastian. " Tragiczna zasada w tej pracy jest zawarta nie tylko w jego historii decyzji - artysta prezentował liczne strzelanki, spokojnie i najjaśniej, jako cel w zakresie strzelania, produkując strzały w postie sebastijskiej, ale także w tym poczuciu samotności i impotencji , który jest wyrażony w ograniczonym strzale maleńkich, trudnych do odróżnienia figury świętego, jak gdyby utracone w ogromnej nieograniczonej przestrzeni.

Największą ostrą osiąga Callo w dwóch seriach "katastrof wojennych" (1632-1633). Z bezlitosnym prawdomównością pokazał artysta cierpienia, który spadł na jego rodzimy Lorraine, zdobytych żołnierzy królewskich. Grawerowania tego cyklu przedstawiają sceny egzekucji i napadów, karę maruderów, pożarów, ofiarach wojennych i dróg. Artysta szczegółowo opowiada o strasznych wydarzeniach. Na tych zdjęciach nie ma idealizacji i sentymentalnego litości. Callo, jakby nie wyrażać swojego osobistego podejścia do tego, co się dzieje, wydawał się niepewny obserwator. Ale w samym fakcie obiektywnego rozładowania awarii wojny, określono pewne skupienie i postępujące znaczenie sztuki tego artysty.

Na wczesnym etapie francuskiego absolutyzmu w dziedzinie, dominującym znaczeniem był kierunek barokowej postaci. Początkowo jednak, ponieważ nie było znaczących mistrzów we Francji, Royal Yard zwrócił się do znanych zagranicznych artystów. Na przykład, w 1622 r., Aby stworzyć monumentalne kompozycje, zdobione nowo wybudowany pałac Luksemburski, Rubens został zaproszony.

Stopniowo, wraz z obcokrajowcami zaczęli rozwijać francuscy mistrzów. Pod koniec 1620 roku. Honorowy tytuł "Pierwszy artysta Króla" otrzymał Simona VEU (1590-1649). Przez długi czas VWE mieszkał we Włoszech, pracując nad babeczkami kościołów i na zamówienia patronów. W 1627 roku został nazwany przez Louis XIII do Francji. Wiele obrazów stworzonych przez VEU nie został zachowany przed naszym czasem i są znane przez ryciny. Należy do pompatycznego, wyblakły w jasnych kolorowych tonach składu religijnych, mitologicznych i alegorycznych treści. Próbki jego pracy mogą służyć "St. Karl Borry "(Bruksela)," przynosząc do świątyni "(Luwr)," Hercules wśród bogów Olympus "(Hermitage).

VEU stworzył i kierował oficjalnym, kierunkiem sądu w sztuce francuskiej. Wraz z jego zwolennikami cierpiał na francuskie monumentalne techniki malowania ozdobne włoskiego i flamandzkiego baroku. Zasadniczo praca tego mistrzów nie wystarczyła. Odwołanie VEU w późniejszych pracach do klasycyzmu został również zmniejszony tylko do środków zewnętrznych. Wymagana prawdziwą monumentalną i siłę, czasem priorytetem priorytetowym, powierzchownym i bijącym na efekt zewnętrzny, sztuka VEU i jego zwolenników była słabo związana z żywą tradycją narodową.

W walce z oficjalnym kierunkiem w dziedzinie Francji powstało nowe realistyczne prąd - Peintres de la Realit ("Farby prawdziwego świata"). Najlepsi mistrzowie tego celu, którzy zwrócili się w ich sztukę do konkretnego wizerunku rzeczywistości, stworzył humanitarną, pełną wysokiej godności wizerunku francuskich ludzi.

Na wczesnym etapie rozwoju tego obszaru wiele nieznacznych mistrzów doświadczyło skutków sztuki Caravaggio. Dla niektórych Caravaggio okazało się artystą, w dużej mierze z góry określony ich podmioty i samych technik wizualnych, inni mistrzowie udało się bardziej kreatywnie korzystać z cennych aspektów metody Karavaggist.

Pierwszy z nich należał do Valentena (faktycznie Jean de Boulon; 1594-1632). W 1614 r. Walenten przybył do Rzymu, gdzie jego aktywność płynęła. Podobnie jak inne Karavaggers, Valenten napisał zdjęcia na działek religijnych, traktując je w duchu gatunku (na przykład "wyrzeczeniem Piotra"; Muzeum Sztuk Pięknych. A. S. Pushkin), ale jego duże kompozycje gatunkowe są najbardziej znane. Motywy tradycyjne do karawania w nich są w nich, Valenten ma tendencję do ich bardziej ostrej interpretacji. Przykładem jest to jedna z najlepszych zdjęć "Graczy map" (Drezno, Galeria), gdzie dramat sytuacji jest spektakularny. Naiwność niedoświadczonego młodego człowieka, spokój i pewność siebie shularza bawiła się z nim, a zwłaszcza złowieszczy wygląd komplementu dla swojego partnera, ekspresyjnych znaków zza młodych mężczyzn. Kontrasty oświetlenia w tym przypadku są używane nie tylko do modelowania tworzyw sztucznych, ale także w celu zwiększenia dramatycznego stresu obrazu.

Wybitni mistrzowie ich czasu należy do Georges de Latur (1593-1652). Słynny w swoim czasie, był kontynuowany całkowicie zapomniany; Wygląd tego kreatora ujawnił dopiero ostatnio.

Do tej pory kreatywne ewolucja artysty pozostaje na wiele sposobów niejasnych. Niewiele informacji biograficznych, zachowanych o LINe, wyjątkowo fragmentaryczną. Lattat urodził się w Lotaryngii w pobliżu Nancy, a następnie przeniósł się do Luneville, gdzie spędził odpoczynek. Jest sugestia, że \u200b\u200bw młodości odwiedził Włochy. Latur doświadczył silnego wpływu sztuki Caravaggio, ale jego prace wyróżniały się daleko poza granice prostego następującego do przyjęć karawagizmu; W sztuce Mistrzów Luneville pierwotne cechy powstającego narodowego malowania francuskiego XVII wieku znalazły wyrażenie.

Latt napisał głównie obrazy na działkach religijnych. Fakt, że spędził życie w prowincji narzucił jego znak na jego sztuce. W naiwności jego obrazów, w cieniu inspiracji religijnej, które można złapać w niektórych jego dziełach, w podkreślonej statuty jego obrazów, aw szczególnej cemienności jego języka artystycznego również wpływa również na echo średniowiecznego Worldview. Ale w najlepszych dziełach artysta tworzy obrazy rzadkiej duchowej czystości i świetnej mocy poetyckiej.



Georges de Latat. Boże Narodzenie. 1640-e.

Jednym z najbardziej lirycznych dzieł latalni, obraz "Boże Narodzenie" (Rennes, Muzeum). Charakteryzuje się prostotą, niemal oszczędzaniami i jednocześnie głęboką prawdziwością, która jest przedstawiona przez młodą matkę, z przemyślaną czułością dziecka pieczenia, a starsza kobieta, która ostrożnie zawracam sobie z płonącą świecą, rówieśnicy w Cechy noworodka. Światło w tej kompozycji ma ogromne znaczenie. Rozrzucił nocną ciemność, podkreśla wyczyść z plastikowymi taktacjatami, do granicy uogólnionych wolumenów figur, oblicze typu chłopa i wzruszającą postać Dojrzałego dziecka; Pod działaniem światła, głębokiego, bogate w silny kolor dźwięku tonu ubrań. Jego gładka i relaksująca promienność tworzy atmosferę uroczystości nocy ciszy, która jest zakłócana tylko przez pomiaru oddychania śpiącego dziecka.

Ściśle w jego nastroju do "Bożego Narodzenia" i Louvra "uwielbienie pasterzy". Prawdziwy wygląd francuskich chłopów, piękno ich prostego uczucia, artysta uosabia się ze szczerością browącą.



Georges de Latat. St. Joseph-Carpenter. 1640-e.



Georges de Latat. Zjawisko anioła św. Józef. 1640-e.

Zdjęcia spawów na tematy religijne są często interpretowane w duchu gatunku, ale jednocześnie są pozbawieni cienia trywialności i życia codziennego. Są one już wspomniane "Boże Narodzenie" i "Czurzenie Pasterzy", "Darting Magdalen" (Louvre) i prawdziwe arcydzieła law-naukowym "St. Joseph-Carpenter "(Louvre) i" zjawisko Angela św. Joseph "(Nantes, Museum), gdzie anioł jest szczupłą dziewczyną - dotyczy ręki świeczki Józefa z gestem jednocześnie i łagodnym. Poczucie duchowej czystości i spokojnej kontemplacji w tych pracach podnosi wizerunki luxature w życiu codziennym.

1. 

   Georges de Latat. St. Sebastian, opłakiwany przez św. Irina. 1640-1650-e.

   Do najwyższych osiągnięć opatrunkowych "St. Sebastian, opłakiwany przez St. Irina "(Berlin). W milczeniu głębokich nocy oświetlone tylko przez jasny płomień świecy, nad otwartym ciałem przebite przez Arlasia Sebastian opadają żałobne postacie żałoby jego kobiet. Artysta zdołał przejść tutaj nie tylko ogólne uczucie, które łączy wszystkich uczestników w akcji, ale także odcienie tego uczucia w każdej z czterech płoczków - wyczerpujące mróz, smutne oszołomienie, gorzki krzyk, tragiczną rozpacz. Ale latur jest bardzo powściągliwy w przypadku cierpienia, nie pozwala na przesadę w dowolnym miejscu i silniejszy wpływ jego obrazów, w których nie ma tak wiele osób, ile ruchów, gestów, samych samych samych nabyli ogromny Emerytura emocjonalna. Nowe funkcje są śledzone w formie Sebastiana. W swojej doskonałej wysokości podwyższonej, heroiczny początek jest zawartych, co odnosi się do tego obrazu z kreacjami mistrzów klasycyzmu.

   Na tym zdjęciu latour wyprowadził się z dala od krajowego koloru obrazów, z kilku naiwnych elementów związanych z jego wcześniejszymi pracami. Były zasięg komory zjawiska, nastrój skoncentrowanej intymności zmienił się tutaj większą liczbę monumentów, poczucie tragicznej wielkości. Nawet umiłowany motywem płonącym świeca jest postrzegany w innym, bardziej żałosnym - jej ogromnym, który należał do płomienia przypomina płomień latarki.

   Niezwykle ważne miejsce w realistycznym obrazie Francji pierwszej połowy XVII wieku. Zajmuje sztukę Louisa Lenina. Louis Lenen, jak jego bracia Antoine i Mathieu, pracowali głównie w dziedzinie gatunku chłopskiego. Wizerunek życia chłopów daje utwory Lenena jasnego koloru demokratycznego. Ich sztuka została wybaczona przez długi czas, a tylko od połowy X wieku. Zaczęło się studiować i zbieranie ich prac.

   Bracia Lenen - Antoine (1588-1648), Louis (1593-1648) i Mathieu (1607-1677) -W tubylców miasta Lana w Picardia. Pochodzili z małej rodziny burżuazyjnej. Młodzież spędzona w jego native Picardia dała im pierwsze i najważniejsze wrażenia życia wsi. Przenosząc się do Paryża, Lenos pozostał obcego hałasu i brokatem stolicy. Mieli wspólny warsztat, kierowany przez najstarsze z nich - Antoine. Był bezpośrednim nauczycielem jego młodszych braci. W 1648 r. Antoine i Louis Lenen zostały przyjęte w nowo stworzonej królewskiej Akademii Malarstwa i rzeźby.

   Antoine Lenin był sumienny, ale niezbyt obdarty przez artystę. W swojej pracy, w której prace portretowe zwyciężyły, wiele bardziej archaicznych; Kompozycja jest frakcja i zamrożona, cechy nie są wyróżniane przez kolektor ("portret rodzinny", 1642; Louvre). Sztuka Antoine oznaczona początkiem kreatywnego poszukiwania jego młodszych braci, a przede wszystkim największy z nich - Louis Lenin.

   Wczesne dzieła Louisa Lenina znajdują się w pobliżu prac starszego brata. Możliwe, że Louis, wraz z Mathieu, podróżowałem do Włoch. Tradycja Karavadzhist zapewniła dobrze znany wpływ na tworzenie jego sztuki. Od 1640 r. Louis Lenen manifestuje się jako całkowicie niezależny i oryginalny artysta.

   Georges de Lutur, ludzie z ludu zostały na zdjęciu w dziełach na działek religijnych. Louis Lenen bezpośrednio zwrócił się do życia w życiu francuskiej chłopii. Innowacja Louis Lenina jest zasadniczo nową interpretacją życia ludzi. Jest w chłopach, że artysta widzi najlepsze imprezy człowiekowi. Należy do swoich bohaterów z poczuciem głębokiego szacunku; Uczucie rygory, prostotę i prawdomówność jest wypełniona swoimi scenami życia chłopskiego, gdzie spokój wielkości, pełne zalety są skromnymi, spokojnymi ludźmi.

   W swoich płótnach rozluźnia kompozycję w samolocie jak ulga, umieszczając dane w niektórych granicach przestrzennych. Ujawniono przez jasną, uogólnioną linię pętli, liczby są podporządkowane do dobrze przemyślanych intencji kompozycji. Lovely Colorist, Louis Lenen podporządkowane ograniczoną gamę kwiatów ze srebrnym tonem, osiągając miękkość i wyrafinowanie kolorowych przejść i stosunków.

   Najbardziej dojrzałe i doskonałe dzieła Louisa Lenina powstały w 1640 roku.

   

   Louis Lenen. Odwiedzając babcię. 1640-e.

   Scuse śniadanie z biedną chłopską rodziną w malarstwie "chłopski trapez" (Luwr), ale jaki jest poczucie poczucia własnej wartości. Zawsze powściągliwe, niewiele związane ze sobą, bohaterowie Lenina są postrzegane jednak jako członkowie zespołu, zjednoczeni przez jedność nastroju, ogólność postrzegania życia. Poetyckie uczucie, nieszczelne malowanie "modlitwy przed lunchem" (Londyn, Galeria Narodowa); Ściśle i prosty, bez cienia sentymentalizacji, scena jest przedstawiona wizyta w starej chłopskiej kobiecie z wnukami w Hermitage Canvas "Odwiedź Babushka"; Uroczyste pełne spokojnej radości, klasycznie jasny "Rider Stop" (Londyn, Victoria i Albert Museum).

   

   Louis Lenen. Rodzina drozda. 1640-e.

   W 1640 roku. Louis Lenen tworzy również jedną ze swoich najlepszych prac, "Familia" (Hermitage). Wcześnie, unosił mglisty poranek; Chłopska rodzina trafia na rynek. Wraz z ciepłym sensem artysta tych zwykłych ludzi przedstawiają, ich otwartymi osobami: zmęczony chłop, tolstip, roztropny pracownik i bolesny, kruchy, bez poważnej dziewczyny. Plata gotowała figurki wyraźnie wystają na lekkim tle powietrza. Wspaniały krajobraz: Szeroka dolina, odległe miasto na horyzoncie, napędzane powietrzem z srebrnym kominem niebieskim w czasie nieba. Z wielką umiejętnością, artysta przenosi istotność obiektów, ich textured cechy, tępy bliski miedzi, twardość skalistej gleby, grubość prostych ubrań domowych chłopów, shaggy wełniany osioł. Technika rozmazu jest bardzo zróżnicowana: gładka, prawie listu szkliwa łączy się z bezpłatnym bezpańskim malowaniem.

   

   Louis Lenen. Fałszować. 1640-e.

   Louis "Forge" można nazwać najwyższym osiągnięciem Louisa Lenina. Zwykle Louis Lenen przedstawił chłopów podczas posiłków, rekreacji, rozrywki; Tutaj obiekt jego wizerunku stał się miejscem pracy. Wspaniale jest to, że w pracy artysta zobaczył prawdziwe piękno człowieka. Nie znajdziemy w pracy obrazów Louisa Lenina, które zostaną rozszerzone na siłę i dumę jako bohaterów jego "Forge" - prosty kowal otoczony rodziną. W kompozycji większej swobody, ruch, ostrość; Dawniej płynne, wielokrotne oświetlenie zmieniane przez kontrasty oświetlenia, wzmacniając emocjonalną ekspresję obrazów; W samej rozmazu większej energii. Wyjście poza tradycyjnymi działkami, apel do nowego tematu przyczynił się do stworzenia jednego z wczesnych imponujących wizerunków pracy w europejskich sztukach wizualnych.

   W gatunku chłopskiego Louis Lenin, nasycony specjalną szlachetnością i jasną, jakby oczyszczonej postrzeganiu życia, nie znajdują odzwierciedlenie w bezpośredniej formie ostrych sprzeczności społecznych tego czasu. Jego psychologiczne obrazy są czasami zbyt neutralne: uczucie spokojnego opanowania, ponieważ pochłania wszystkie różnorodność swoich bohaterów. Niemniej jednak, w epoce folderu eksploatacji mszaków ludowych, przywiózł życie francuskiej chłopii do niemal standard życia zwierząt, w warunkach potężnego protestu ludowego ludowego, Louisa Lenina, który argumentował ludzką godność, morał Czystość i moralna siła francuskich, miała duże znaczenie.

   W okresie dalszego wzmocnienia absolutyzmu realistyczny gatunek chłopski nie miało korzystnych perspektyw rozwoju. Potwierdza to przykład kreatywnej ewolucji młodszych Lenen - Mathieu. Bycie młodszym niż Louis od czternastu lat, zasadniczo należał do innego pokolenia. W swojej sztuce Mathieu Lenen ma na gusta szlachetnego społeczeństwa. Rozpoczął swoją twórczą ścieżkę jako follower Louis Lenin ("Chłopi w Zabachce"; Ermitażu). W przyszłości tematy i cała natura jego kreatywności zmieniają dramatycznie - Mathieu pisze portrety arystokratów i eleganckich scen gatunków z życia "dobrego społeczeństwa".

   Do kierunku "malarzy prawdziwego świata" należały dużą liczbę artystów wojewódzkich, którzy znacznie gorsze od takich rzemieślników, jak Georges de Latur i Louis Lenen, udało się stworzyć żywe i prawdziwe prace. Na przykład Robert Tune (1604 - 1670), autor ścisłego i ekspresyjnego malowania "Usuwanie z krzyża" (Tuluza, Muzeum), Rishar Tassel (1580 - 1660), który napisał ostry portret portretu Nun Catherine de Montolon (Dijon, Muzeum), Inne.

   W pierwszej połowie XVII wieku Realistyczne tendencje rozwijają się również w dziedzinie francuskiego portretu. Największym portretem było Philip de Champion (1602 - 1674). Flamandes w pochodzeniu spędził całe życie we Francji. Bycie blisko podwórza, Szampeny użył patronatu Króla i Richelieu.

   Shampen rozpoczął swoją karierę jako mistrza malarstwa dekoracyjnego, również napisał obrazy na działek religijnych. Jednak najbardziej rozpowszechnione ukończenie szampry ujawniło się w obszarze portretowym. Był rodzajem historyogramem jego czasu. Jest właścicielem portretów członków Royal House, Matscheni, Naukowcy, pisarzy, przedstawicieli duchowieństwa francuskiego.

   

   Philip de Champin. Portret Arno D "Andilia. 1650

   Wśród dzieł Champs jest najbardziej znanym portretem Kardynała Richelieu (1636, Luwr). Kardynał jest przedstawiony w pełnym wzrostu; Wydaje się powoli przed widzem. Jego postacie w kardynalnym płaszczu z szerokim upadłym składanym rozpowszechnianiem jasnego i wyraźnego konturu na tle barchingu. Nasycony ton różowo-czerwony płaszcza i złote tło są cienkie cienką, bladą twarzą kardynała, jego ruchome ręce. Ze wszystkimi paradami, portret jest jednak pozbawiony zewnętrznego podczerwieni i nie jest przeciążony akcesoriami. Jego prawdziwa monumentalna jest w sensie siły wewnętrznej i zbierania, w prostocie decyzji artystycznej. Oczywiście, portrety Champs, pozbawione reprezentatywnej natury różnią się jeszcze większą nasileniem i istotną przekonującą. Do najlepszych dzieł mistrza należy do portretu Arno D "Andilia (1650).

   Oraz artystów klasycyzmu i "malarzy świata rzeczywistego" byli blisko zaawansowanych idei epoki - wysoki pomysł na godność osoby, pragnienie oceny etycznej jego działań i jasne, oczyszczone z całe przypadkowe postrzeganie świata. Na mocy tego, obaj kierunki malarstwa, pomimo różnic, które miały między nimi, ściśle ze sobą kontakt.

   Klasycyzm nabywa wiodące znaczenie w francuskim obrazie od drugiego kwartału XVII wieku. Praca jego największego przedstawiciela Nicola Poussin jest szczyt sztuki francuskiej 17 stuleci.

   Poussin urodził się w 1594 roku w pobliżu miasta Andeli w Normandii w rodzinie biednego wojska. Na młodzieńczych latach poidsiny i jego wczesna praca jest znana bardzo mało. Być może jego pierwszym nauczycielem, który odwiedził Aneli Kantnen ostrzegać się w tych latach, spotkanie z kim było kluczowe, aby określić artystyczne powołanie młodego człowieka. Po ostrzeżeniu, poidsin potajemnie opuszcza swoje native City i liście do Paryża. Jednak ta podróż nie przynosi szczęścia. Tylko rok później wpada do stolicy i spędza tam kilka lat. Już w młodo latach Poussin ujawnia wspaniałą celowość i niestrudzoną pragnienie wiedzy. Studiuje matematykę, anatomię, starożytną literaturę, zapoznał się na rycinach z pracami Rafael i Julio Roman.

   W Paryżu Poussin spotyka się z modnym włoskim poeta Kavaler Marino i ilustruje swój wiersz "Adonis". Te ilustracje zachowane do naszego czasu są jedynymi wiarygodnymi dziełami Pussen jego wczesnego okresu paryskiego. W 1624 r. Artysta pozostawia na Włochy i osiadł w Rzymie. Chociaż Poussin był przeznaczony do życia prawie całego jego życia we Włoszech, był ciepło kochany swoją ojczyzną i był ściśle związany z tradycjami kultury francuskiej. Był obcych karierę i nie jest skłonny znaleźć łatwy sukces. Jego życie w Rzymie poświęcono trwałej i systematycznej pracy. Przekreślone i mierzone antyczne posągi, kontynuowały studia z nauką, literaturą, studiowałem traktaty Alberti, Leonardo da Vinci i Durera. Zilustrował jedną z list traktatu Leonardo; Obecnie ten najcenniejszy rękopis znajduje się w pustelni.

   Kreatywne zadanie dla Poussin w 1620 roku. Były bardzo złożone. Mistrz poszedł długo, tworząc metodę artystyczną. Antique Art and Artists of Renesans byli dla niego z najwyższymi próbkami. Wśród współczesnych mistrzów Bolonii docenił najbardziej surowy jeden z nich - Domenicino. Traktowanie negatywnie do Caravaggio, Poussin nadal nie pozostała obojętna jego sztuki.

   W ciągu 1620 roku. Pussen, już wzmacniając ścieżkę klasycyzmu, często wyglądał gwałtownie poza jego ramami. Takie zdjęcia, takie jak "bicie niemowląt" (Shantilia), "Męczeństwo św. Erasmus "(1628, Watykan Pinakotek) jest naznaczony cech bliskości do karawagizizmu i baroku, dobrze znanej redukcji obrazów, przesadnie dramatyczną interpretację sytuacji. Niezwykle dla Pussen w jej pogorszonym wyrazie w przenoszeniu poczucia smutku z hermitatywnego, hermitatywnego "usuwania z krzyża" (ok. 1630). Dramat sytuacji jest tutaj wzmocniony przez emocjonalną interpretację krajobrazu: Działanie jest rozmieszczone na tle nieba z piorunami z odbiciami czerwonego złowieszczego świtu. Innym podejściem charakteryzuje jego pracę w duchu klasycyzmu.

   Kult umysłu jest jednym z głównych cech klasycyzmu, a zatem ani jednego z wielkich mistrzów XVII wieku. Racjonalny start nie odgrywa tak znaczącej roli poidsin. Sam Mistrz powiedział, że postrzeganie grafiki wymaga skoncentrowanego pracy myśli i napiętej. Racjonalizm wpływa na nie tylko w celowym nastawnym do ideału etycznego i artystycznego, ale także w sztuce stworzonej przez niego. Zbudował teorię tzw. Tryby, które próbowały śledzić w swojej pracy. Modus Pussen oznaczał rodzaj klucza figuratywnego, sumę technik dla charakterystyki emocjonalnej i scenicznego roztworu, które najbardziej odpowiadały wyrazem pewnego tematu. Te tryby POUDSIN dały nazwy pochodzących z greckich przedmiotów różnych krajów budynku muzycznego. Na przykład motyw wyczyny moralnej jest zawarte przez artystę w surowych ostrowych formach United By Pussen w koncepcji Doriy Lady, tematy dramatycznej natury - w formie "Frigian Lada", tematy radosnych i idyllicznych - W formach "Ionian" i "Lidius" Ladins. Siła prac Pussense osiąga się w wyniku tych technik artystycznych wyraźnie wymawiany pomysł, jasne logika, wysoki stopień zakończenia planu. Ale jednocześnie podporządkowanie sztuki z pewnymi stabilnymi standardami, wprowadzeniem racjonalistycznych momentów było również większe niebezpieczeństwo, ponieważ może to prowadzić do zapalniania niezachwianego dogmatu, śmiertelnego procesu twórczego. Było to dla tego, że wszyscy akademici, którzy przestrzegali tylko zewnętrznych technik Pussen. Następnie to niebezpieczeństwo stało przed samym Pussenem.

   

   Poidsin. Śmierć Niemiec. 1626-1627.

   Jedną z charakterystycznych próbek ideologicznego i artystycznego programu klasycyzmu może służyć jako kompozycja Pussenovsky "Śmierć Niemiec" (1626/27; Minneapolis, Instytut Sztuki). Oto już wskazuje na wybór bohatera - odważny i szlachetny dowódca, drużyny najlepszych nadziei na Rzymian, zatruty przez kolejność podejrzanego i zazdrosny cesarza Tyberiusza. Obraz przedstawia Niemcy na jego alpejskim łożem śmierci, otoczony przez rodzinę i wielbicieli żołnierzy objęci przez ogólne poczucie emocji i żalu.

   Bardzo owocne dla kreatywności Poussina była pasja do sztuki Titysta w drugiej połowie 1620 roku. Odwołanie do tradycji Tizian ułatwiło ujawnienie najbardziej żywych stron talentem Pussen. Rola była rola kolorystyki Titarian i rozwoju malarstwa, aby dać Pussenowi.

   

   Poidsin. Królestwo Flory. Fragment. DOBRZE. 1635.

   W swoim Moskwie Film "Rinaldo i Armida" (1625-1627), której fabuła jest pobierana z wiersza Tasso "wyzwolony przez Jerozolimy", odcinek z legendy średniowiecznej rycerskości jest traktowane bardziej jak motyw antykwariowy mitologii . Magik Ogromidy, znajdując śpiącego rycerza-krzyżowca Rinaldo, zabiera go do jego magicznych ogrodów, a konie armirycy, który umieścił rydwanę na chmurach i ledwo powstrzymywał się przez piękne dziewczyny, wyglądają jak konie Boga, wyglądają jak konie Boga Słońca Helios (ten motyw często często występuje w obrazach Pussena). Wysokość moralna osoby jest ustalana dla Pussena przez korespondencję swoich uczuć i działań rozsądnych praw natury. Dlatego ideał Poussina jest człowiekiem, który mieszka pojedynczy szczęśliwy życie z naturą. Ten temat, artysta poświęcił takich sieci 1620-1630, jak "Apollo i Daphne" (Monachium, Pinakotek), "Vakhanlia" w Luwrze i Galerii Narodowej Londynu, "Królestwo Flory" (Drezno, Galeria). Wskrzeszy świat starożytnych mitów, gdzie ciemność satyra, smukłe nimfy i wesołe ambarty są przedstawione w jedności z piękną i radosną naturą. Nigdy nie pojawiają się później w pracy POUDSIN, takie spokojne sceny, pojawiają się takie urocze obrazy kobiet.

   Budowa obrazów, gdzie plastycznie materialne dane są zawarte w ogólnym rytmie kompozycji, ma jasność i kompletność. Zawsze jest oczywiste, że ruch figur, zgodnie z POUSSIN, "Językiem ciała" jest zawsze inna. Zakres kolorów, często nasyconych i bogatych, również podporządkowany przemyślany stosunek rytmiczny kolorowych plam.

   W 1620 roku. Stworzył jeden z najbardziej uwięzionych obrazów Poussin - Dreźnie "Sleeping Venus". Motywem tego obrazu jest wizerunek bogini zanurzonych w sen otoczonym pięknym krajobrazem - wraca do próbek renesansu weneckiego. Jednak w tym przypadku artysta wykonał idealność obrazów od mistrzów ożywienia, a druga z ich zasadniczej jakości jest ogromną witalnością. Sama farba jest rodzajem bogini, młodej dziewczyny z twarzą w twarz, z szczupłą elegancką postacią, pełną takiej naturalności i pewnej szczególnej intymności uczucia, które ten obraz wydaje się strzeżony od życia. W przeciwieństwie do spokojnej reszty śpiącego bogini jeszcze bardziej odczuwała woltaż grzmotu gorącego dnia. W Drezdeńskim płótnie jaśniejszy niż w dowolnym miejscu, połączenie poidsiny z kolorystyką Titysta jest namacalne. W porównaniu z wspólnym brązowawym, nasyconym ciemnym złotym wzorem, odcienie nagiego korpusu bogini są szczególnie pięknie wyróżnione.

   

   Poidsin. Tankred i hermine. 1630-e.

   Permitażowa droga wodna "Tancred i Hermine" (1630) była poświęcona dramatycznym tematem miłości Amazon Herminii do Knight-Crusader Tancredu. Działka jest również pobierana z wiersza Tasso. W opuszczonym terenie, na skalistej ziemi, rannej w pojedynku tankred. Z troskliwą czułością wspiera wiernego przyjaciela Wafryny. Herminia, po prostu pochodzi z konia, pędzi do ukochanej i szybkiej milczenia miecza musującego, odciąwa pasmo jego blond włosy, by związać jego rany. Jej twarz, spojrzenie, przykuty do tankred, szybkie ruchy smukłej figury są udopominające przez duże wewnętrzne uczucie. Duchowa elewacja wizerunku bohaterki jest podkreślana przez decyzję kolorów jej ubrania, gdzie kontrasty odcieni szaro-stalowej i głębokiego odcieni dźwięku ze zwiększoną siłą, a ogólny dramatyczny nastrój obrazu znajduje własny echo w krajobrazie Wypełniony płonącym połyskiem wieczoru świt. Zbroja Tancred i miecz Herminium odzwierciedlają wszystkie bogactwo farb w ich zamiany.

   W przyszłości emocjonalny moment w pracy POUDSIN ma w większym stopniu związany z zasadą organizacyjną przyczyny. W dziełach połowy 1630 roku. Artysta osiąga równowagę harmoniczną między umysłem a uczuciem. Wiodącym znaczeniem jest wizerunek bohaterki, doskonałej osoby jako przykładu wykonania moralnej majestatu i duchowej mocy.

   

   Poidsin. Pasterze arkadowe. Między 1632 a 1635

   Przykładem głębokiego filozoficznego ujawnienia tematu w dziełach POUDSIN daje dwie opcje dla kompozycji "Pasterze Arcade" (między 1632 a 1635, Cezojort, montaż księcia Devonshire, patrz Ill. I 1650, Luwr). Mit Arcadia, kraj spokojnego szczęścia, często ucieleśnił w sztuce. Ale Pussen w tej idyllicznej działce wyraził głęboki pomysł na częstotliwość życia i nieuchronność śmierci. Zaprezentował pasterze, który nagle widział grobowiec z napisem "i byłem w Arkadii ...". W tej chwili, gdy osoba jest wypełniona uczuciem bezchmurnego szczęścia, wydaje się, że słyszy głos śmierci - przypomnienie krótkiego życia życia, o nieuniknionym końcu. W pierwszej, bardziej emocjonalnej i dramatycznej wersji Londynu, zamieszanie pasterzy jest silniejsze, co jak nagle pojawiły się w obliczu śmierci, która najechała ich jasny świat. W drugim, znacznie późniejsza wersja Louisa Heroesa nie jest nawet przyćmiona, zachowują spokój, postrzegając śmierć jako naturalny wzór. Ta myśl o specjalnej głębokości jest zawarta w obrazie doskonałej młodej kobiety, pojawienie się, którego artysta dał cechy stocznej mądrości.

   

   Poidsin. Inspiracja poety. Między 1635 a 1638

   Obraz Louvra "Inspiracja poety" jest przykładem, w jaki sposób abstrakcyjny pomysł jest zawarty przez Pussena w głębokim, co ma wielką moc ekspozycji na obrazy. Zasadniczo fabuła tej pracy wydaje się graniczyć z alegorii: widzimy młody poeta, zwieńczony wieńcem w obecności Apolla i muza, jednak najmniej na tym obrazie alegorycznej suchości i wymyślonych. Ideą obrazu jest narodziny doskonałego w sztuce, jego uroczystość nie jest postrzegana jako streszczenie, ale jako konkretny, figuratywny pomysł. W przeciwieństwie do wspólnego w XVII wieku. Kompozycje alegoryczne, których obrazy są łączone na zewnątrz retorycznie, dla obrazu Louvro charakteryzuje się wewnętrznym stowarzyszeniem obrazów z ogólnym budynkiem zmysłów, ideę wzniosłego piękna kreatywności. Wizerunek doskonałej muzy na zdjęciu cipki sprawia, że \u200b\u200bpamiętasz najbardziej poetyckie obrazy w dziedzinie klasycznej Grecji.

   Kompozytowa konstrukcja obrazu w swoim przykładzie dla klasycyzmu. Charakteryzuje się dużą prostotą: figura Apollo umieszcza się w środku, po obu stronach, figury muza i poety są symetrycznie umieszczone. Ale w tej decyzji nie ma najmniejszej suchości i sztuczności; Drobne subtelnie znaleźli przemieszczenia, skręty, ruchy figur, drzewo, latające na bok, latające amur - wszystkie te techniki, nie pozbawiając składu jasności i równowagi, przynosząc w nim poczucie życia, który wyróżnia tę pracę warunkowo schematyczne kreacje akademicistów, którzy załatali.

   W procesie stania się artystycznym i kompozytowym planem malowniczej pracy poidsin, jego wspaniałe rysunki miały ogromne znaczenie. Te szkice odpórzewowe wykonane z wyjątkowej szerokości geograficznej i odwagi na podstawie porównania plam i cienia odgrywają rolę przygotowawczą w odwróceniu idei pracy na gotowy sympatyczny liczbę całkowitą. Żywy i dynamiczny, jak to były, odzwierciedlają wszystkie bogactwo kreatywnej wyobraźni artysty w poszukiwaniu rytmu kompozytowego i klucz emocjonalny odpowiadający intencjom ideologicznym.

   W kolejnych latach jedność harmoniczna najlepszych dzieł 1630 roku. stopniowo przegrywa. W malowania pussense są cechy abstrakcji i racjonalności rosną. Kryzys browarniczy kreatywności jest ostro zintensyfikowany podczas podróży do Francji.

   Sława Pussen osiąga francuskie dziedzinę. Po otrzymaniu zaproszenia do powrotu do Francji, Poussa pod każdym względem ciągnie jeździć. Tylko zimno imperatywny list osobisty króla Louis XIII sprawia, że \u200b\u200bjest posłuszny. Jesienią 1640 r. Liście poidsin dla Paryża. Wycieczka do Francji przynosi wiele gorzkich rozczarowania dla artysty. Jego sztuka spełnia zacieknącą odporność tych, którzy pracowali z przedstawicielami dworu dekoracyjnego kierunku barokowego prowadzonego przez Simona VEU. Sieć brudnych intrygów i doniesień "tych zwierząt" (tzw. Ich artysta w swoich listach) kończy Pussen, nieskazitelna reputacji osoby. Cała atmosfera życia sądu inspiruje mu squeamish obrzydzenie. Artysta, według niego, konieczne jest wyrwanie z pętli, którą wkładał na szyję do szyi, więc znowu w ciszy jego warsztatów, aby angażować się w prawdziwą sztukę, na ", jeśli zostanę w tym Kraj, pisze, - będę musiał zamienić w Pachkun, podobnie jak tu jest tutaj. Sąd Królewski nie przyciąga wspaniałego artysty. Jesienią 1642 r. Pussen pod pretekstem choroby żony pozostawia do Włoch, tym razem na zawsze.

   Kreatywność poidsin w 1640 roku. Odnotowany przez cechy głębokiego kryzysu. Kryzys ten nie jest wyraźnie wyjaśniony o określonych faktach biografii artysty, jako przede wszystkim wewnętrzne sprzeczności samych klasycyzmu. Live rzeczywistość tego czasu nie odpowiada ideałom racjonalności i cnoty obywatelskiej. Pozytywny program klasykalizmu etyczny zaczął tracić glebę.

   Praca w Paryżu, Poussin nie mógł całkowicie odrzucić go z zadań ustawionych przed nim. Prace okresu Paryża są zimne, urzędowe w naturze, są one istotnie wyrażane do osiągnięcia efektu zewnętrznego funkcji barokowej ("Czas oszczędza prawdę od zazdrości i niezgody", 1642, Lille, Muzeum; "Cud St. Francis Xaveria ", 1642, Louvre). To był ten rodzaj pracy, która została następnie postrzegana jako próbki artystów obozu akademickiego, prowadzone przez Charlina Loted.

   Ale nawet w tych pracach, w których mistrz ściśle przestrzegał klasycznego doktryny artystycznej, nie osiągnęła już tej samej głębokości i witalności obrazów. Racjonalizm charakterystyczny dla tego systemu, rozporządzenia, przewaga abstrakcyjnego pomysłu w pewnym sensie, pragnienie idealności jest uzyskiwane przez jego jednostronne przesadne wyrażenie. Przykładem jest "hojność Scipion" Muzeum Sztuk Pięknych. A. S. Pushkin (1643). Przedstawiający rzymski dowódcę Scipion Afryki, który porzucił swoje prawa do niewoli Koritkiej Księżniczki i zwracając go do oblubienia, artysta rozjaśnia cnotę mądrzych dowódców. Ale w tym przypadku temat pokusy długu moralnego otrzymał zimny, retoryczny przykład wykonania, obrazy utracone witalność i duchowość, gesty są uzależnione, głębokość myśli została zastąpiona sprzecznością. Dane wydają się być zamrożone, kolor - Motley, z przewagą zimnych lokalnych farb, malowniczy sposób wyróżnia się nieprzyjemnym złotnictwem. Podobne funkcje charakteryzują się utworzonym w 1644-1648. Zdjęcia z drugiego cyklu "siedmiu sakramentów".

   Kryzys klasycznej metody dotkniętej przede wszystkim na kompozycjach Pussen. Z końca 1640 roku. Najwyższe osiągnięcia artysty objawiają się w innych genresach - na portret i krajobrazie.

   Do 1650 r. Jednym z najważniejszych dzieł POUDSIN jest słynnym Louvrian autoportret. Artysta po poidsin jest przede wszystkim myśliciel. W epoce, gdy na portret podkreślono cechy reprezentatywności zewnętrznej, gdy znaczenie obrazu zostało określone przez dystans społeczny oddzielenie modelu od zwykłych śmiertelników, Pussen widzi wartość osoby w sile jego intelektu, w twórcza moc. W autoportrecie artysta zachowuje surową jasność konstrukcji składowej i jasności roztworu liniowego i objętościowego. Głębokość treści ideologiczna i wspaniałe zakończenie "autoportretu" z poidsiny znacznie przekracza dzieła francuskich portretów i należy do najlepszego portretu sztuki europejskiej XVII wieku.

   Pasja krajobrazu jest związana ze zmianą. Jego światopogląd. Nie ma wątpliwości, że Pussen stracił całą ideę osoby, która była charakterystyczna dla jego dzieł 1620-1630. Próby uosażenia tej prezentacji w kompozycjach wykresowych z 1640 roku. doprowadziły do \u200b\u200bawarii. System figuratywny Pussen z końca 1640 roku. Jest już zbudowany na innych zasadach. W dziełach tego czasu uwaga artysty jest obraz natury. DLA POUSSNA Natura jest personifikacją najwyższej harmonii bycia. Osoba straciła dominującą pozycję. Jest postrzegany tylko jako jeden z wielu gatunków natury, prawa, których jest zmuszony posłuszny.

   Spacerując po Rzymie, artysta z jego wrodzoną żukością studiował krajobrazy kampanii rzymskich. Jego bezpośrednie wrażenia zostały przeniesione w wspaniałych rysunkach krajobrazowych z natury, wyróżniają się niezwykłą świeżością percepcji i subtelnego liryzmatu.

   Malownicze krajobrazy poidsin nie mają poczucia bezpośredniego, które nieodłączyły się na rysunkach. W jego malowniczych pracach doskonała zasada uogólniająca jest silniejsza, a natura w nich pojawia się jako nośnik doskonałego piękna i wielkości. Brzmiało ideologiczną i emocjonalną zawartość, krajobrazy poidsin należą do najwyższych osiągnięć wspólnych w XVII wieku. Tak zwany heroiczny krajobraz.

   Krajobrazy pussenian są nasyceni uczuciem wielkości i wielkości świata. Ogromne masywne skały, bujne nierówności, krystalicznie przezroczyste jeziora, chłodne sprężyny, prąd wśród kamieni i cienkich krzewów, są połączone w plastikowo jasnej, holistycznej kompozycji opartej na przemianach przestrzennych, z których każdy znajduje się równolegle do płótna. Widok przeglądarki, po ruchu rytmicznym, obejmuje przestrzeń w całej swojej gradacji. Colorist Gamma jest bardzo powściągliwy, najczęściej jest zbudowany na kombinacji zimnych niebieskich i niebieskawskich odcieni nieba i wody i ciepłych brązowawych tonów gleby i skał.

   W każdym krajobrazie artysta tworzy unikalny obraz. Jako szeroki i uroczysty hymn, natura jest postrzegana przez "krajobraz z polifem" (1649; Ermitaż); Jej potężna wielkość podbija w Moskwie "Krajobraz z Hercules" (1649). Przedstawienie Jana Teologa na wyspie Patmos (Chicago, Institute of Arts), Pussen odmawia tradycyjnej interpretacji tej działki. Stwarza rzadkie piękno i moce krajobrazu - żywy personifikację pięknej Eldli. Wizerunek Jana w interpretacji Poussina przypomina nie pustelnika chrześcijańskiego, ale starożytnego myśliciela.

   W późnych latach nawet tematyczne obrazy uszczelki uszczelniają w postaciach krajobrazowych. To jest jego zdjęcie Fokuion Pogrzeb (po 1648 r., Louvre). Starożytne fokion Hero zostało wykonane przez zdanie jego niewdzięcznych współobywateli. Został odrzucony nawet w pochówku w swojej ojczyźnie. Artysta przedstawił chwilę, kiedy niewolnicy są poza Atenami na noszach pozostałości Fokuion. Na tle błękitnego nieba i zielonych drzew, świątyń, wież, ścian miastowych są podświetlone. Życie idzie do niej! Pasterz chwyta stado, przy drodze pociągnie wózek i jeźdźca pędzi. Piękny krajobraz ze specjalną ostrości sprawia, że \u200b\u200bczujesz tragiczny pomysł na tę pracę - temat samotności osoby, jego impotencji i kruchości w obliczu wiecznej natury. Nawet śmierć bohatera nie może przećwiczyć jego obojętnego piękna. Jeśli poprzednie krajobrazy twierdzili jedność natury i człowieka, idea sprzeciwiania bohatera i otaczającego świata pojawia się w fokion faune, który udziela konfliktu człowieka i rzeczywistości charakterystycznej dla tej epoki.

   Postrzeganie świata w jego tragicznych sprzeczności znalazło odzwierciedlenie w słynnym cyklu krajobrazowym "Cztery pora roku", wykonane w ostatnich latach swojego życia (1660 -1664; Louvre). Artysta stawia i decyduje w tych pracach problemu życia i śmierci, natury i ludzkości. Każdy krajobraz ma pewną wartość symboliczną; Na przykład "Wiosna" (Adam i Ewa są prezentowane w Paradamie w Paradise) - ten rozkwit świata, dzieciństwo ludzkości, "zima" przedstawia powódź, śmierć życia. Natura poidsiny i w tragicznej "zimie" wykonywana jest przez wielkość i siłę. Woda, która fruwająca na ziemię, z nieokreśloną nieuchronnością pochłania wszystkie żywe istoty. Nigdzie nie ma zbawienia. Wybuch błyskawicy przecina przez noc ciemność, a świat przyjęty przez rozpacz pojawia się, jak to było skamieniałe w bezruchu. W uczuciu chłodzenia dania, penetrując obraz, Pussen uosabia ideę zbliżania się do bezwzględnej śmierci.

   Tragiczna "zima" była ostatnią pracą artysty. Jesienią 1665 r. Pussen - umiera.

   Wartość sztuki Pussena na swój czas i następujące epoki są ogromne. Jego prawdziwi spadkobiercy nie byli francuscy academists w drugiej połowie XVII wieku i przedstawiciele rewolucyjnego klasycyzmu z XVIII wieku, którzy zarządzali w formach tej sztuki, aby wyrazić wielkie pomysły ich czasu.

   Jeśli kreatywność Pussen znalazła głęboką implementację różnych gatunków - historyczny i mitologiczny obraz, portret i krajobraz, a następnie pozostałe mistrzowie francuskiego klasycyzmu pracował głównie w jednym gatunku. Jako przykład można nazwać Lorren Claude (1600-1682) -Ruplend, wraz z PUPEND, przedstawiciel klasycznego krajobrazu.

   Claude galaretki urodził się w Lorraine (francuska Lotaryngia), skąd zdarzyła się pseudonim Lorren. Pochodzi z rodziny chłopskiej. Wczesny Osapotev, Lorrane udał się do Włoch, gdzie studiował malarstwo. Prawie całe życie jest Lorrena, z wyjątkiem dwugodowego pobytu w Neapolu i krótkoterminowej wizyty w Lotaryngii, przeszedł w Rzymie.

   Lorren był twórcą klasycznego krajobrazu. Rozdzielone dzieła tego rodzaju pojawiły się w dziedzinie włoskich mistrzów końca XVI - na początku 17 V.-Annibal Karrakchi i Domenicino. Niemiecki malarz Elsheimer, który pracował w Rzymie, był wielkim wkładem w malarstwo krajobrazowe. Ale tylko krajobraz Lorren opracował w gotowym systemie i zamienił się w niezależny gatunek. Lorren zainspirował motywy prawdziwej włoskiej natury, ale te motywy są przekształcane w idealny obraz odpowiadający standardom klasycyzmu. W przeciwieństwie do Pusseni, którego natura była postrzegana w heroicznym planie, Lorren przede wszystkim teksty. Jest bardziej wyrażony bezpośrednio przez sens żyjący, cień osobistego doświadczenia. Lubi przedstawić nieograniczony morze (Lorren często napisał port morski), szerokie horyzonty, przepełnione światło w zegaru wschodu słońca lub zachodu słońca, predestyczna mgła, skondensowany zmierzch. W przypadku wczesnych krajobrazów Lorrena charakteryzuje się niektórymi motywami architektonicznymi przeciążeniami, zbrukowanymi tonami, silnymi kontrastami oświetleniowymi - na przykład w Campo Vachchino (1635; Louvre) przedstawiający łąkę na miejscu starożytnego Forum Romanum, gdzie ludzie wędrują wśród starożytnych ruin .

   

   Claude Lorren. Seascape z Aciisis i Galatea. 1657.

   W swoim kreatywnym rozkwicie, Lorren dołącza do 1650 roku. Od tego czasu pojawiają się jego najlepsze prace. Takie, na przykład "uprowadzenie Europy" (około 1655 r.; Muzeum Sztuk Pięknych A. S. Pushkin). Kompozycje dojrzałej lorrenu nie przedstawiają - kilka wyjątków - dowolny konkretny motyw krajobrazu. Tworzą uogólniony obraz natury. Na zdjęciu Moskwa prezentowana jest piękna lazurowa zatoka, której wybrzeże graniczy z wzgórzami spokojnych konturów i przezroczystych kąpieli drzew. Krajobraz powodził jasne światło słoneczne, tylko w centrum zatoki na morzu położyć lekki cień z chmury. Wszystko pełne błogiego odpoczynku. Ludzkie postacie nie mają tak ważną wagę z lorrenu, jak w krajobrazach POUDSIN (sam Lorren nie lubił pisać postaci i poinstruowali ich do wykonywania innych mistrzów). Jednakże, epizod ze starożytnego mitu w idyllicznym duchu starożytnego mitu na uprowadzenie Zeusa, który zamienił się w byka, piękna dziewczyna w Europie odpowiada ogólnym nastrojom krajobrazu; To samo dotyczy innych obrazów Lorren - przyrody i ludzi podano w nich w pewnym tematycznym związku. Do najlepszych prac Lorren 1650. Uważa, że \u200b\u200bkompozycja Drezdeńska "ACYC i Galatia" 1657.

   W późnej pracy Lorreny postrzeganie natury staje się coraz bardziej emocjonalne. Jest zainteresowany, na przykład, zmiany w krajobrazie w zależności od dnia. Główne środki w przeniesieniu nastroju są lekkie i kolorowe. Tak więc w obrazach holistycznego cyklu przechowywanego w Leningradzie Ermitażu artysta ucieleśnia cienką poezję "rano", czysty spokój "pół dnia", mglisty złoty zachód słońca "wieczorem", niebieskawą ciemność "Nights". Najbardziej poetyckim z tych obrazów jest "rano" (1666). Oto salenie srebrno-niebieski dym początkowy Dawn. Na rozjaśniającym niebo jest podświetlona przezroczysta sylwetka dużego ciemnego drzewa; W mrocznym cieniu, antyczne ruiny są nadal wysyłane - motyw wprowadzający cień smutku w jasny i cichy krajobraz.

   Lorren znany jest również jako letnizm Grawer i jako rysownik. Jego szkice krajobrazowe z natury wykonanej przez artystę podczas spacerów po Rzymie są szczególnie niezwykłe. W tych postaciach z wyjątkową jasnością, emocjonalne i natychmiastowe uczucie natury dotknęło Lorrane. Szkice tych, wykonywane wewnętrznie przy użyciu prania, charakteryzują się zdumiewającym szerokością szerokością i swobodą malowniczego sposobu, zdolność do osiągnięcia silnych skutków. Motywami rysunków są bardzo zróżnicowane: jest krajobrazem panoramicznym natury, gdzie kilka pogrubionych pociągnięć pędzla sprawia, że \u200b\u200bwrażenie niekończącej się szerokości geograficznej, a następnie grubą aleję i promienie słońca, drodzą przez ulistnienie Drzew, upadek na drodze, po prostu zarośnięty kamieniem na brzegach rzeki, w końcu skończył rysunek majestatycznego budynku otoczony pięknym parkiem ("Villa Albani").

   Zdjęcia lorren przez długi czas - do początku 19 V.- pozostał próbki do mistrzów malowania krajobrazu. Ale wielu jego zwolenników, którzy postrzegali tylko jego zewnętrzne techniki wizualne straciły prawdziwie żywe zmysł natury.

   Wpływ Lorren jest odczuwany w pracach jego współczesnej Gasparze Dug (1613-1675), który wprowadził elementy emocji i dramatu w klasycznym krajobrazie, zwłaszcza w przekazywaniu skutków alarmującego oświetlenia grzmotów. Wśród dzieł dużych cykli krajobrazowych w rzymskich pałacach Doria Pamphili i kolumny.

   Kierunek klasyczny został połączony przez Estash Lesyur (1617-1655). Był uczniami Vouse i pomógł mu w wykonywaniu dekoracyjnej pracy. W 1640 roku. Lesuer doświadczył silnego wpływu sztuki Pussena.

   Kreatywność Lesuer jest przykładem adaptacji zasad klasycyzmu do wymogów, które kręciły korzeni i kryrycy stały przed art. W największym obrazie hotelu Lambera w Paryżu Lesuer próbował połączyć zasady estetycznej doktryny klasycyzmu z czysto dekoracyjnymi efektami. Nie jest przypadkiem, że nie ma sposobu, aby w swoim dużym cyklu "Życie św. Bruno "(1645 -1648, Louvre), wykonany na kolejności kół kościelnych, istnieją obrzydliwe dla kierunku barokowego, które wpływają na słodką idealizację obrazów iw ogólnym duchu katolickiego fanatyzmu, który cały ten cykl penetruje. Sztuka Lesuer jest jednym z pierwszych objawów odrodzenia klasycznego kierunku w Sądu Akademia.

   W drugiej połowie XVII wieku. Absolutna monarchia we Francji dociera do największej mocy gospodarczej i politycznej i zewnętrznego heyday.

   Proces centralizacji państwa otrzymał ostateczne zakończenie. Po porażce frontu (1653), moc króla zintensyfikowała i przyjęła nieograniczony, despotyczny charakter. W anonimowej broszury literatury opozycyjnej końca 17 wieku. Louis XIV nazywa się idolem, ofiara, której przyniesiono całą Francję. W celu wzmocnienia sytuacji gospodarczej szlachty, ważne wydarzenia zostały przeprowadzone. System gospodarczy został przeprowadzony na podstawie pokonania wojen i na konsekwentną realizację polityki Mercantilizmu; System ten został nazwany Kolbertismem - o imieniu Kolera, pierwszego ministra króla. Royal Yard był Politycznym Centrum kraju. Jego lokalizacja służyła wspaniałym kraju rezydencji, a przede wszystkim (z lat 1680.) - słynne wersela. Życie na dziedzińcu odbyło się na niekończących się uroczystościach. Skupienie tego życia było osobowość króla słońca. Jego przebudzenie ze snu, porannej toalety, lunchu itp. D.- Wszyscy przestrzegali pewnego rytuału i miały miejsce w formie ceremonii ceremonii.

   Rola centralizująca absolutyzmu wpłynęła również na fakt, że wokół Sądu Królewskiego w drugiej połowie XVII wieku. Zostały zmontowane zasadniczo wszystkie siły kulturowe we Francji. Najważniejsi architekci, poeci, dramaturgowie, artyści, muzycy zostali stworzeni przez rozkazy dziedzińca. Wizerunek Louis XIV jest jako hojny monarcha, predeveloped zwycięzca służył tematowi historycznymi, alegorycznymi, obrazami bitwowymi, na frontowe portrety i gobeliny.

   Różne kierunki sztuki Francji zostały wyrównane od teraz w "Wielkim stylu" szlachetnej monarchii. Życie artystyczne kraju przeszedł najgorszą centralizację. Powrót w 1648 r. Założono Królewska Akademia Malarstwa i Rzeźby. Podstawą Akademii miało wartość pozytywną: po raz pierwszy działalność artystów została wydana ze ucisku warsztatów i utworzono zamówiony system edukacji artystycznej. Ale od początku swojej istnienia działalność Akademii była podporządkowana interesom absolutyzmu. W 1664 r., Zgodnie z nowymi zadaniami, Kolber przeprowadził reorganizację Akademii, zamieniając ją w instytucję państwową, w pełni dostarczoną na dziedziniec.

Autoportret. 1650.

Na autoportret Nikola Poussin przedstawił sobie myśliciela i twórcę. Obok niego profil muzyczny, jakby usadza władzę starożytności nad nim. I jednocześnie jest obrazem jasnej osobowości, mężczyzny jego czasu. Portret uosabia program klasycyzmu z jego zaangażowaniem w przyrodę i idealizację, pragnienie wyrażania wysokich ideałów cywilnych, które służyły sztuce Pussena.

Nikola Poussin jest francuskim artystą, założycielem stylu "klasycyzmu". Włączanie do tematów starożytnej mitologii, historii starożytnej, Biblii, ujawnił tematy współczesnej epoki. Przyniósł doskonałą osobowość, pokazując i zabawne przykłady o wysokiej moralności, wartości cywilnych.

Nikola Poussin urodził się 5 maja 1594 r. W Normandii, w pobliżu miasta Le Anselki. Jego ojciec, weteran armii króla Henryka IV (1553-1610), dał swoim synowi dobremu wykształceniem. Od dzieciństwa, poidsin zwrócił uwagę na jego tendencje do rysowania. O 18, jedzie do Paryża, aby angażować się w malarstwo. Prawdopodobnie jego pierwszym nauczycielem był Portastruitist Ferdinand Van Elle (1580-1649), drugi jest historycznym malarzem Georges Lallman (1580-1636). Zapoznanie się z Camerymanem Widdling Queen Mary Mary Medici, strażnika Królewskich Kolekcji Sztuki i Bibliotek, Poussin ma okazję odwiedzić Luwr i kopiować zdjęcia włoskich artystów. W 1622 r. Pussena i inni artyści zostali poinstruowani, aby napisać sześć dużych obrazów na scenach życia św. Ignatia Loiol i St. Francis Xaveria (nie przetrwała).

W 1624 r. Nicolas Poussin poszedł do Rzymu. Tam studiował sztukę starożytnego świata, pracą mistrzów o wysokiej epoki odrodzenia. W latach 1625-1626 otrzymał zamówienie na napisanie obrazu "zniszczenia Jerozolimy" (nie przetrwane), później napisał drugą wersję tego zdjęcia (1636-1638, Wiedeń, Muzeum Historii Sztuki).

W 1627 r. Poussin napisał zdjęcie "śmierci Niemiec" (Rzym, Palazzo Barberini) na działce starożytnego rzymskiego historyka zapalenia TAC, które uważa, że \u200b\u200bprogram działający klasycyzm; Pokazuje pożegnanie Legionnaires z Dying Dowódcą. Śmierć bohatera jest postrzegana jako tragedia o znaczeniu społecznym. Temat interpretowany jest w duchu spokojnych i surowych bohaterów starożytnej narracji. Ideą obrazu jest ministerstwo zadłużenia. Artysta umieścił figury i obiekty w płytkiej przestrzeni, rozczarowanie go do wielu planów. W tej pracy ujawniono główne cechy klasycyzmu: jasność działania, architektoniczności, uprzęży kompozycji, opozycję grup. Ideał piękna w oczach poidsin składał się w proporcjonalności części całości, w porządku zewnętrznym, harmonii, przejrzystości kompozycji, która stanie się charakterystycznymi cechami stylu kreatora dojrzałego. Jedną z osobliwości kreatywnej metody Pussena był racjonalizm, który nie tylko dotkniętych scenami, ale także w wellness kompozycji.

W okresie 1629-1633, przedmiotem obrazów Zmiany POUDSIN: rzadziej pisze zdjęcia na temat religijnych, odnoszących się do mitologicznych i literackich działek.

Narcyz i Echo, około 1629

Rinaldo i armida. 1635.

Działka malowidła jest pożyczona z wierszu włoskiego poety XVI wieku Tarkvato Tasso "wyzwolony przez Jerozolimy". Maga Armizyki przesuwa młody rycerski rinaldo, wysłany do krucjaty. Chce zabić młodego mężczyzny, ale podbita jego piękno, zakochuje się w Rinaldo i bierze go w jego zaczarowane ogrody. Pussen, głowa malowania klasycyzmu, interpretuje średniowieczną legendę w duchu antycznego mitów. Zakończenie składu, jedność konstrukcji rytmicznej jest głównymi cechami sztuki Pussena. Smak jest odczuwany wpływ Titiana, którego kreatywność Poussin lubił te lata. Obraz jest łaźnią parową do "Tancredu i Herminia" przechowywanej w Hermitacji Państwowej.

Tankred i hermine. 1630 - 40.

Lider Amazonii Herminii, zakochany w Rycerze Tancremy, znajduje go rannego po walce z gigantycznym argantem. Squire Wafrina podnosi wciąż ciało tankred i hermine, w niepohamowanym impulsie miłości i współczucia, odcina włosy mieczem, aby rozerwać rany rycerza. Prawie wszystkie na płótnie spokojnie - bezsilnie leży na ziemi Tancred, zamrozić Waffery nad nim, koni stacjonarne, ciało Argandy jest rozłożona w odległości, opuszczony i w niekorzystnej sytuacji krajobraz. Ale w tej mrożonej ciszy żałosny ruch z herminium jest zepsuty, a wszystko wokół jego niedowierzającej duchowej startu zapala się. Immobilność jest wykonywana intensywna, mocna i głębokie kolorowe plamy stawić czoła sobie nawzajem w ostrych kontrastach, przebłysy pomarańczowego zachodu słońca na niebie stają się groźne i niepokojące. Emocje Erminia jest przesyłane do każdego szczegółu obrazu, każdej linii i oświetlenia światła.

W 1640 roku. Poliuna poliuna poliuna Louis XIII przyciągnął uwagi Louis XIII (1601-1643), a według jego uporczywych zaproszeń, Pussen przyszedł do pracy w Paryżu, otrzymał zamówienie od króla, aby napisać zdjęcia na jego kaplicę w Fontainebleau i Saint-Germain.

Jesienią 1642 r. Poidsin pozostawia ponownie w Rzymie. Tematy tego okresu były cnoty i ważność władców, biblijnych lub antyków bohaterów.

Genhable Scipona. 1643.

W drugiej połowie lat 40. Poussin stworzył cykl "Siedem sakramentów", w którym ujawnił głębokie znaczenie filozoficzne dogmas chrześcijańskich: "Krajobraz z Apostołem Matfey", "Krajobraz z Apostołem Janem na wyspie Patmos" (Chicago, Instytut Sztuki).

Koniec 40.- - Początek lat 50. jest jednym z owocnych okresów w pracy POUDSIN: napisał obrazy "Eliasar i Rebek", "Krajobraz z Diogen", "Krajobraz z wielką drogą", "Salomon Court", "Ecstasy St. Paul "," pasterze Arcade ", drugi autoportret.

Krajobraz z polifem. 1648

W ostatnim okresie kreatywności (1650-1665), Pussen stał się coraz bardziej skierowany do krajobrazu, bohaterowie byli związani z literaturami, mitologicznymi działkami.

Latem 1660 r. Tworzy serię krajobrazów "czterokrotnego roku" z kulisami biblijnymi, symbolizującą historię pokoju i ludzkości: "Wiosna", "Lato", "Jesień", "Zima".

Krajobrazy wielozadaniowani, przemienne plany zostały podkreślone przez paski światła i cieni, iluzję przestrzeni i głębokość skierowana do nich Epicka moc i wielkość. Podobnie jak w historycznych obrazach główni bohaterowie znajdują się zwykle na pierwszym planie i są postrzegane jako nierozłączna część krajobrazu.

Ten ostatni, niedokończona tkanina mistrza - "Apollo i Daphne" (1664).

Opowieść o miłości Apollo i Daphne powiedziano przez Ovid. Daphne dał podłogę, aby zachować czystość i pobyt Celibe, jak Bogynesetemide. Apollo, poszedł miłość do pięknej nimfy, spowodowała jej przerażenie. Jakby zobaczyła w nim przez oślepiające piękno, okrucieństwo wilka. Ale w duszy Boga poczucie odmowy, uczucie było coraz bardziej wadliwe.

Co uciekasz ode mnie, Nimfa? - Krzyknął, próbując się z nią dogonić. - Nie rabuś I! Nie dzikie pasterz! Jestem Apollo, syn Zeus! Zatrzymać!

Daphne kontynuowała uciec, co miał siła. Bliżej Chase, dziewczyna już czuje się za gorącym oddechem Apollo. Nie zostawiaj! I modliła się do ojca na pomocy:

Ojciec! Pomóż swojej córce! Ukryj mnie lub zmień mój wygląd, aby ta bestia mnie nie dotyka!

Głównie brzmiało te słowa, ponieważ Daphne poczuł, że jej nogi były traktowane i poszły na ziemię na kostce. Fałdy są mokre od potu odzieży zamieniają się w kora, ręce są wyciągane w gałęziach: bogowie odwrócili Daphne do drzewa laurowego. Na próżno, Apollo przytulić piękny Laur, zrobił jego ulubioną i świętą roślinę od żalu i zdobił głowę z wieniec tkany z branży laurowej.

Na zamówieniach Apollo, piosenka Peloponezowego Króla Enonaya Levkipp, zakochana w niej, i ścigając ją maskowaną kobietą, aby nikt nie mógł się dowiedzieć.

Daphne - starożytne bóstwo roślinne, wszedł do kręgu Apolla, tracąc niezależność i staje się atrybutem Boga. Zanim Delfic Oracle zaczął należeć do Apollon, na jego miejscu był Oracle Ziemi wesoły, a następnie Daphne. A później w zwycięstwach deltachorganizatorzy na konkursie otrzymali wieńce laurowe. O świętym Laurerowi w Delje wspomina Callima. Anthem Gomemerg jest zgłoszony przez hymnę Gomerovsky. W święto Daphneforiusa w Phila nosiła gałęzie laurowe.

19 listopada 1665 r. Nikola.Umarł Pussen. Welico. Znaczenie jego kreatywności na historię malarstwa. Artyści francuski i przed nim tradycyjnie znali sztukę Renaissance Włoch. Ale byli inspirowani pracami mistrzów włoskiego manieryzmu, barokowego, karawgizmu. Pussen był pierwszym francuskim malarzem, który wziął tradycję klasycznego stylu Leonardo da Vinci i Raphael. Jasność, stałość i porządek drobnych technik, ideologicznej i moralnej orientacji sztuki Pussen. Później sprawiło, że jego praca z odniesieniem do Akademii Malarstwa i Rzeźby Francji, która wzięła produkcję kanonów,normy estetyczne i ogólne zasady kostki artystycznej kreatywności.

Krajobraz z Dianą i Orionem. 1660 - 64.

Diana jest boginią roślinności, podobnej do bielizny, personifikację księżyca, została zidentyfikowana z Artemida i Perekatoy. Nazywano to ciekawostkami - "bogini trzech dróg" (jej obraz został umieszczony na skrzyżowaniach), również zinterpretowany jako znak najwyższej mocy Diany: na niebie, na ziemi i pod ziemią.

Znane sanktuarium Diany na Mocowanie Typhate w kampanii (stąd epitet Diana Tipatina) oraz w obszarze Ariza w gaju na jeziora Nemy. Diana uznano za patronkę Unii Łacińskiej, a z przejściem głęboletem tej Unii do Rzymu, Król Diany, który stał się ulubionym miejscem dla tych, którzy przybyli z tych, którzy przeniósł się lub schwytali Latynan, Plebeev i Niewolnicy zostały założone na awatrze; Rocznica założenia świątyni była uważana za święto niewolników - umiera Servorum. Zapewnił popularność Diana wśród niższych klas, które wymyśliły liczne uczelnie swoich wielbicieli.

Legenda niezwykłej krowy była związana z Temple Diana na ciotlinę, której właściciel został przewidywany, że ten, który poświęcił Diana w tej świątyni, zapewni swoje miasto nad Włochami. Król serwisowy Tully, dowiedział się o tej przewidywaniu, przebiegła przebiegła, przywiozła jej ofiarę i przywiązał rogi w świątyni.

Diana była rozpatrywana przez personifikację księżyca, a także jej brat Apollo w okresie późnej starożytności Rimej zidentyfikowano ze Słońcem. Następnie został zidentyfikowany z numeds i Carthaginian Heavenly Goddess na kilantal. Rzymskie prowincje pod nazwą Diana szczyli rdzennych bogini - "Misellsets of the Forest", Bogni Mother, spożywczy płodności roślinnych i zwierząt.

greckroman.ru/gallery/art_Poussin.htm.

Wcześniej:

To zdjęcie jest jednym z najpopularniejszych dzieł francuskiego artysty Nikola Pussena. Podobna działka religijna była wielokrotnie powielana przez innych mistrzów, ponieważ biblijne historie przemyto halo alegorią i alegorią, a to jest [...]

Jasny, kolorowy obraz Nikola Poussin "Vakhanalia", zapamiętany przez jego obrazy, napisane w stylu romantycznym i mitologicznym, jest teraz w Galerii Sztuki Londynu. Głównymi bohaterami tego wspaniałego malowania są młode, beztroskie stworzenia, które są obcego do pracy fizycznej. [...]

Jasne i na żywo malowanie "parnas" przedstawia bogowie, poeci, nimfę i inni bohaterowie mitologii greckiej i historii. Jest to bardzo charakterystyczna praca poidsin, która łączy wszystkie cechy swojego stylu artystycznego. Spisek [...]

Według rzemich historyków tylko mężczyźni mieszkali w Rzymie. Plemiona mieszkające w sąsiedztwie nie chciały dać swoich córek dla zwykłych biednych ludzi. Wtedy jeden z założycieli Rzymu jest legendarny Romulus, wynika z przebiegłym [...]

Obraz jest napisany przez założyciela takiego kierunku w malarstwie, jako klasycyzm, w 1649 roku. Nikola Poussin słynie z jego zdolności do ujawnienia motywów współczesnej epoki, często odnosząc się do tematów antykwarskiej mitologii. Próbował pokazać [...]

Francuski artysta poidsin często stosuje się do tematów mitologii. W Rzymie napisano wyjątkową pracę z tytułem filozoficznym "Dance do muzyki czasu". Przybliżony czas tworzenia wielkiego materiału - 1638. Antyczne mitowie ustanawiają [...]

Nazwa Nicola Pussen nie jest na próżno znalazła się do koncepcji "klasycyzmu". To był ten francuski artysta, który był założycielem, głównym przedstawicielem obrazu tego kierunku, a wszystkie jego obrazy są jasnym przykładem wykonania klasyki i monumentowanie malarstwa. [...]

Złap ptak szczęścia dla wielokolorowego ogona jest daleko od wszystkich. A nie wszyscy są przeznaczeni do gloryfikacji ich nazwy tak szeroko, jak udało się utalentowanej osobie, która miała tylko kilka pędzli, palety i płótno w Arsenale. Nikola Poussin (Nicolas Poussin) - wybitny francuski artysta i jeden z zakładów założycielskich, którzy stali przy pochodzeniem klasycyzmu.

W 1594 r. W Normandii, w pobliżu miasta Le Andeli, chłopiec pojawił się na świecie, który od dzieciństwa wykazał niesamowity sukces na rysunku. Po osiągnięciu wieku większości, Nicola poszła do stolicy francuskiej, aby poświęcić się upartym klasom malarstwa. W Paryżu talent młodego człowieka widziała portretistę Ferdinand Van Elle, który został pierwszym nauczycielem Poussin. Po chwili miejsce nauczyciela wziął malarz Georges Lallman. Poznają przyniósł Nikola Dual Benefit: Oprócz możliwości wyprzedzania umiejętności pod wrażliwym kierownictwem słynnego mentora, Poussin dostał dostęp do Luwru, gdzie skopiował zdjęcia włoskich artystów renesansu.

W tym czasie kariera młodego artysty zyskuje tempa, a jego głowa wirowała ze świadomości, jakie wierzchołki mogą się wspinać, jeśli nadal ciężko pracuje. Dlatego, aby poprawić umiejętności, Poussin udał się do Rzymu - osobliwą Mekkę wszystkich artystów tych lat. Tutaj artysta aktywnie "gryzie granitowa nauka", studiowanie pracy i. Skupiając się na wielkich poprzednikach i komunikowanie się z nowoczesnymi artystami, poidsin aktywnie angażuje się w starożytnych i nauczył się mierzyć proporcje kamiennych rzeźb o fantastycznej dokładności.

Artysta widział źródło swojej inspiracji w poezji, teatrze, traktatach filozoficznych i tematy biblijnych. To była ta baza kulturowa, która pomogła mu ukryć, aby zademonstrować wizerunek współczesnej epoki w obrazach. Bohater dzieł Nikoli jest wyidealizowaną osobowością.

W Rzymie Nicola Pussen uwielbiła swoje imię, autorytatywny mistrz zaufał obraz katedr, złożył zamówienia na płótno z klasycznymi lub historycznymi działkami. Jednym z nich był obraz "śmierć Niemiec", która opiera się na pracach historyka zapalenia TAC. Napisano w 1627 r., Artysta przedstawiony na nim ostatnie minuty życia Commander.

Wyjątkowość płótna jest to, że ona łączyła absolutnie wszystkie cechy klasycyzmu, którego piękno dla Pussen znalazło odzwierciedlenie w proporcjonalności każdej części, jasności kompozycji i sekwencji działań.

Po "śmierci Niemiec" i do 1629 r. Artysta stworzył kilka kolejnych obrazów, wśród których specjalne miejsce jest przyjmowane przez "usuwanie z Cross".

Na zdjęciu, która jest teraz w pustelni, Poussin zwróciła dużą uwagę na smutną twarz Maryi, która przekazuje smutek wszystkich ludzi za zmarłego Zbawiciela. Złubiane czerwone tło i ciemne niebo - symbole zbliżenia bliskiej godziny pompowanego do czynu. Ale nawet silniejsze kontrast ze śnieżnobiałymi ubraniami Jezusa Chrystusa z zmiętym obrazem malarskim. Nogi Zbawiciela żałośnie niewinnych aniołów.

W ciągu najbliższych kilku lat mistrz preferuje z mitologicznymi działkami. Przez krótki czas napisano obraz "Tancred i Herminine", który opierał się na wierszu "wyzwolony przez Jerozolimę" Tasquatto Tasso i Królestwo Flory, napisane pod wpływem prac jajowców.

Wkrótce po zakończeniu pracy na zaproszenie kardynała Richelieu Nikola Poussin powraca do Paryża, aby udekorować galerię Luwru. Rok później Louis XIII był zainteresowany talentem artysty. Wkrótce zrobił poidsin pierwszego malarza na boisku. Artysta ma pożądaną chwałę, a zamówienia spadły na niego jako obfitości rogi. Ale słodki smak triumfu poidsin zepsuł zazdrosny plotki ze sztuki elity, która w 1642 r. W 1642 r. Wymuszona Nikola opuścił Paryż i wziąć odwrotny kurs w Rzymie.

Od tego czasu do końca swoich dni Poussin mieszkał we Włoszech. Okres ten był przeznaczony na artystę najbardziej owocną i bogatą w jasną pracę, wśród których specjalne miejsce zajmuje cykl "sezony".

Działka opierała się na zdarzeniach opisanych w Starej Testamencie, który artysta alegorycznie w porównaniu z porą roku, identyfikując każdy z okresem pochodzenia, uprawy, starzenia się i śmierci. W jednej pracy Poussin pokazał górski krajobraz Ziemi Kanaanu, słynie z płodności i zebrał Abrahama winogrona z dużym symbolem boskiej hojności. A koniec grzesznego życia, artysta przedstawiony na ostatnim zdjęciu cyklu, którego rodzaj, który mógłby trafić nawet najbardziej uporczywej publiczności.

W ostatnich latach Pussen aktywnie malował krajobrazy i szybko pracował, aby złapać wykończenie na zdjęciu. Artysta nie miał czasu, aby ukończyć tkaninę "Apollo i Daphne".

Nikola Poussin podpisał swoje imię w jednym rzędzie z chwalebnymi mistrzami, których doświadczenie raz studiował.