Impresjonizm po raz pierwszy powstał we Francji bliżej pod koniec XIX wieku. Przed pojawieniem się tego kierunku, wciąż życie, portrety, a nawet krajobrazy były napisane głównie artystami w studiach. Zdjęcia impresjonistów często tworzyli na zewnątrz, a ich działki stały się prawdziwymi flotingowymi scenami z nowoczesnego życia. I chociaż impresjonizm został pierwotnie krytykowany, wkrótce zebrał wielu zwolenników i położył początek podobnych ruchów w muzyce i literaturze.

Słynni artyści francuskich impresjonistyczni

To nie jest zaskakujące, że impresjonizm w malarstwie był jednym z najbardziej znanych kierunków sztuki wizualnej: artystów, którzy pracowali w tym stylu, pozostawili sobie niesamowite płótno, płuca, jak łyk świeżego powietrza, pełen światła i farb. Wiele z tych wspaniałych prac jest napisane przez następujących mistrzów impresjonizmu, który zna każdego szanującego konesera na świecie malarstwa.

Eduard Mana.

Pomimo faktu, że całkowicie kreatywność człowieka Edwarda nie może być umieszczona tylko w ramach impresjonizmu, malarz w dużej mierze wpłynął na pojawienie się tego przepływu, a inni francuzi pracujący w tym stylu uważali go za założyciela impresjonizmu i jego ideologicznego inspirującego. Drugą słynnymi francuskimi impresjonistami byli dobrymi przyjaciółmi Mistrzami: Edgar Degas, Pierre Auguste Renoir, a także impresjonista artysty z podobnym nazwiskiem, który stawia martwego końca początkujących w świecie malarstwa, - Claude Monet.

Po znajomym z tymi artystami, impresjonistyczne zmiany miały miejsce w Robotniku: Zaczął preferować pracę na zewnątrz, lekkie, jasne kolory, obfitość światła i składu ułamkowego zaczęły zwyciężyć w obrazach. Chociaż z ciemnych kwiatów nadal nie odrzuca, a krajobrazy woli malować w gatunku gospodarstwa domowego - można prześledzić w dziełach malarza "barem w Foliberger", "Muzyka w Tuilery", "Śniadanie na trawie "" Lalka Latuille "" Argent "i inni.

Claude Monet

Nazwa tego francuskiego artysty, być może przynajmniej raz w życiu słyszała każda. Claude Monet był jednym z założycieli impresjonizmu, a to było jego zdjęcie "Wrażenie: rosnące słońce" dało imię tego ruchu.

W latach 60. XIX wieku artysta impresjonistyczny był jednym z pierwszych, które widzi pismo obrazów na świeżym powietrzu, a wiele później stworzyło nowe podejście eksperymentalne do pracy. Składał się w obserwacji i wizerunku tego samego tematu w różnych porach dnia: więc cała seria tkanin została stworzona z widokiem na fasada katedry ruan, któraś, którą artysta nawet osiadł, aby nie przegapić budynku z wzroku.

Studiowanie impresjonizmu w malarstwie, nie przegap dzieł Monetu, jak "Mak Argenta", "Spacer do skały w Purville", "Kobiety w ogrodzie", "Pani z parasolem", "Kapuchini Boulevard", jak również seria prac "lilie wodne".

Pierre Auguste Renoir.

Ten profesjonistyczny artysta miał wyjątkową wizję piękna, które wykonane wynajem z jednym z najbardziej znanych przedstawicieli tego kierunku. Po pierwsze, słynie ze swoich zdjęć hałaśliwych życia paryskiego i rozrywki późnym XIX wieku. Renoir doskonale wiedział, jak pracować z kolorami i światłem, w szczególności jego wyjątkowa zdolność do pisania nagiej natury, z unikalną transmisją tonów i tekstur.

Już począwszy od lat 80., impresjonistyczny artysta zaczął być bardziej skłonny do klasycznego listu i stał się zainteresowany malowaniem renesansu, który zmusił go do włączenia bardziej jasnych linii i wyraźnej kompozycji w jego dojrzałej pracy. W tym okresie był Pierre Auguste Renoir stwarza jedne z najbardziej zmartwychwstańskich dzieł jego epoki.

Zwracamy szczególną uwagę na płótno renoire jako "śniadanie w wiośrach", "piłka w Moulin de La Galette", "Dance in the Village", "parasole", "Dance in Buhval", "Dziewczyny na fortepian ".

Edgar Degas.

W historii sztuki Edgar Degę pozostał jako artysta-impresjonista, chociaż sam zaprzeczył tej etykiety, wolą się nazwać sam bardziej niezależny artysta. Rzeczywiście, upadł pewne zainteresowanie realizmem, który wyróżnił artystę innych impresjonistów, ale jednocześnie używany w swojej pracy wiele technik impresjonistycznych, w szczególności taka sama "zagrana" z światłem i lubił obraz scen z życia miejskiego.

DEGI zawsze przyciągał postać osoby, często przedstawił śpiewaki, tancerzy, pranie, starając się przedstawić ludzkie ciało w różnych stanowiskach, na przykład na płótnie "Klasa tańca", "próby", "Koncert w Ambasador Cafe, "Opera Orchestra", "Tancerze na niebiesko".

Camille Pisserro.

Pissarro był jedynym artystą, który wziął udział we wszystkich osiem wystawach impresjonistów z 1874 do 1886 roku. Podczas gdy zdjęcia impresjonistów są znane z działek odpoczynku miejskiego i kraju, obrazy Pisser pokazują widza codzienne życie francuskich chłopów, przedstawiających rustykalny charakter w różnych warunkach i różnym oświetleniem.

Zapoznam się z obrazami, że ten artysta impresjonista napisał, przede wszystkim warto zobaczyć pracę "Montmartre Boulevard w nocy", "żniwa w Eustia", "Jacia spoczywa", "Ogród w Pontoise" i "Wejście do Vouisen's wioska."

Prezentacja " Impresjonizm w malarstwie"Zapoznanie się z dziełami wybitnych artystów francuskich: Claude Monet, Camille Pissarro, Edgar Degas, Alfred Sisley i Auguste Renoara opowie o rewolucji, którą wykonali w art.

Impresjonizm w malarstwie

Pochodzenie terminu " impresjonizm "Powiem tylko o zamówienie, jestem pewien, że mój dociekliwy czytelnik wie o tym ze szkolnych lat. Po raz pierwszy termin ten pojawił się w krytycznym artykule w gazecie " Sharivari.", Poświęcony wystawie artystów, którzy zdecydowali się pokazać pracę, nie przyjęty do salonu, gdzie w tym czasie powitano sztukę akademicką. Nasi bohaterowie kochający wolność, nie chcąc przestrzegać żadnych zasad, osiągniętych z pozwolenia cesarza Napoleona III na zorganizowanie ich wystawy. Pierwsze takie działanie w 1863 roku zostało nazwane " Salon wyrzutek" Po dziesięciu latach artyści są ponownie ustawiani. Na tej wystawie, między innymi, publiczność była również słynnym obrazem świata Claude Monet "wrażenie. wschód słońca", Dał imię wspaniały kierunek w sztuce.

Istniali impresjonistów artystów i jest wiele. Moja prezentacja poświęcona jest tylko kreatywność pięciu najbardziej widocznych. Każda osoba kreatywna doskonale reprezentuje, jak trudno jest pozostać wiernym swoim pomysłom w społeczeństwie autorytarnym. Nasi bohaterowie często okazały się w beznośnej sytuacji, bez uwzględnienia funduszy do karmienia rodziny (z Camille Pissarro, na przykład było siedem dzieci!).

Sztuka i nauka

Otwarcie impresjonistów w dziedzinie sztuki było nierozerwalnie związane z odkryciami naukowymi i kreatywnymi spostrzeżeniami ich poprzedników. Główną zasadą malarzy-impresjonistów był warunek pracy na pleniach.. Ten pomysł nie był nowy. W tempie napisali swoje wspaniałe, żywe krajobrazy, ale bez barbizończyków, ani impresjoniści mogliby pracować w powietrzu, jeśli w 1841 r. Amerykański portret John Ren nie został wymyślony przez Puszkę, rurka ściskająca do farb olejnych. Wynalazek fotografii nie mógł wpływać na los malarstwa. Nawiasem mówiąc, jeden z pierwszych profesjonalnych fotografów Ralph Nadar był przyjacielem impresjonistami, a oni zadowoleni z pierwszych wystaw w jego warsztacie.

"Taka teoria, mój przyjaciel ..."

W przeciwieństwie do malowania w krajobrazach impresjonistów, nie znajdziemy głębokości i duszności. Zadaniem bohaterów mojej prezentacji było uchwycenie chwilowego stanu powietrza na płótnie. Głównym charakterem impresjonistów artystów nie było przyrody, ale Światło i powietrze, zmieniając każdą chwilę. Aby złapać te zmiany i wypróbować Claude Moneta, Camille Pissarro, Alfreda Sisleya. To jest to pragnienie, że jesteśmy winien istnienie słynnej serii Claude Monet: "Stacks", "Katedra Ruran", "Stop Lazar", "Poplar", budynek Parlamentu Londynu "," Nimifia "i inni. online Gallerix.ru. Możesz zobaczyć te zdjęcia w dobrej jakości.

Impresjonistyczne pomysły

• Nie ma samego koloru. Forma i farba - nierozłączne koncepcje. Światło powoduje formularze. Światło znika, kształty i farby znikają.

• Każdy kolor składa się z elementów świetlnych, a następnie - jest z 7 ton widma.

• Fakt, który był wcześniej nazywany lokalnym tonem - złudzenie: arkusz nie jest zielony, pień drzewa nie jest brązowy.

• Powietrze jest jedyną prawdziwą działką obrazów, tylko przez nie widzimy, że wszystko jest przedstawione na nim.

• Malarz powinien pisać tylko przez siedem farb widma i wydalić cały resztę z palety. To jest to, co odważnie zrobił Claude Monet, dodając tylko biały i czarny. Następnie, zamiast tworzyć mieszankę na palecie, powinno wejść tylko do uderzeń siedmiu czystych farb na płótnie, składając je samotnie w pobliżu drugiego, zapewniając więc oddzielne kolory dołączenia do mieszaniny już w oku widza, dlatego podczas pracy sam światło. Jest to teoria rozkładu tonów, co stanowi główną podstawę techniki impresjonistów.

• Światło staje się jedyną działką obrazów, zainteresowanie przedmiotami, na których gra, jest drugorzędny.
  Volynsky. Zielone drzewo życia

"Impremizistni przekształcili postrzeganie malarstwa i przyrody. Jest mało prawdopodobne, że po nich jest miłośnik sztuki lub artysty, który zdecyduje się kłócić się, że niebo jest po prostu niebieskie, śnieg jest biały, a trawa jest zieleni. Nie zauważamy, że teraz patrzymy na świat przez pryzmat impresjonistyczny obraz. Otworzyli okazję zobaczyć nie tylko pewnego obiektu, ale "to, co mieszka między artystą a przedmiotem obrazu". Oczywiście mieli wielki poprzedniki, ale okno do świata słońca i powietrze było tak szeroko otwarte przez impresjonistów "
Fomin n.n.

Na stronie internetowej Archiwnej istnieje interesujący materiał poświęcony impresyjom: " Podróżowanie we Francji z impresjonistami ". Ciekawe fani impresjonistycznej sztuki będą interesujące.

Jeśli zdecydujesz się zobaczyć moją prezentację, nie bądź leniwy, aby pobrać go do komputera (ona jednak okazało się bardzo trudne, chciałem pięknie zrobić pięknie, a format PNG jest ciężki). W przeciwnym razie wiele efektów animacji nie będzie działać.

Bibliografia:

• Sztuka. Encyklopedia małych dzieci. - M.: Rosyjskie Stowarzyszenie Encyklopedyczne, 2001.
• Encyklopedia dla dzieci. T.5. Sztuka. - m.: Avanta +, 2000.
• Encyklopedia. Sceneria. - M.: "Edukacja Olma-Press", 2002.
• Wielcy artyści. Tom 72. Camille Jacob Pissarro. - M.: Wydawnictwo "Direct-Media", 2011.
• Beckett B. Historia malarstwa. - M.: LLC "Publishing Aterel": Ast Publishing House, 2003.
• Wielcy artyści. Głośność 25. Edgar Irer Jerma Degas. - M.: Wydawca "Direct-Media", 2010.
• Wielcy artyści. Tom 59. Alfred Sisley. - M.: Wydawca "Direct-Media", 2010.
• Wielcy artyści. Głośność 4. Claude Monet. - M.: Wydawca "Direct-Media", 2009.
• Emokhonova L.g. Kultura świata: studia. Podręcznik studiów środowiska Ped. studia. zakłady. - M.: Publishing Center "Academy", 1998.
• Lvova E.P., Sarabenov D.v., Borisova E.a., Fomin N.n., Berezin V.v., Kabkova E.P. Nekrasova L.m. Sztuka świata. XIX wiek. Sztuka piękna, muzyka, teatr. - SPB.: Peter, 2007.
• Raymond Konya. Pissarro. - M.: Word, 1995
• Samin dk. Sto wielkich artystów. - M.: Veva, 2004.

Powodzenia!

Wiele misji Mane zostało odebrane i opracowane przez grupę artystów, którzy wszedł do historii sztuki pod nazwą impresjonistów. Impresjonizm jest ostatnim ważnym przepływem artystycznym w dziedzinie XIX wieku - powstał we Francji w latach 60. XIX wieku. Jego nazwisko pochodzi z francuskim wrażenie słowa - wrażenie. Tak zwany krajobraz Claude Monet ("wrażenie. Wschód słońca", 1872), pokazany w 1874 roku wraz z dziełami innych młodych francuskich artystów na wystawie "Independent" w PhotoAabeel Nadar w Paryżu. Była to pierwsza wystawa impresjonistów, choć do tego czasu wiodący przedstawiciele impresjonizmu byli już dość tworzyli artystów.
Impresjonizm jest złożonym zjawiskiem artystycznym, powodując sprzeczne oceny do dziś. Jest częściowo ze względu na fakt, że artyści z wyraźną indywidualnością z nim były z nim związane, często z bardzo skoordynowanymi kreatywnymi misami. Jednak niektóre ważne wspólne cechy pozwalają nam zjednoczyć wielu mistrzów francuskich sztuk wizualnych (jak również literatury i muzyki) w jednym prądu.
Impresjonizm powstał w głębi francuskiej sztuki realistycznej. Młodzi przedstawiciele tego przepływu nazywali się zwolennikami zegara. Oprócz realizmu połowy XIX wieku, impresjonizm, zwłaszcza w pierwszych etapach rozwoju, w przeciwnym wypadku urzędowej sztuki akademickiej. Artists-Impresjonici zostali odrzucani przez salon, ich sztuka napotkała zaciekły ataki oficjalnej krytyki.
Podążając za mistrzami realizmu połowy wieku, impresjoniści sprzeciwiali się martwym, wyrwani z życia sztuki akademickiej. Dzięki głównym zadaniu uważali się za wizerunek nowoczesnej rzeczywistości w różnych poszczególnych objawach. Próbowali uchwycić najprostsze motywy współczesnego życia i natury, które wcześniej rzadko przyciągnęły uwagę artystów. Protestowanie przed suchością i rozproszeniem sztuki akademickiej, w stosunku do jego warunkowych znaczków i schematów, impresjonistów starali się przekazać całą świeżość ich natychmiastowych wrażeń z rzeczywistości, kolorowe bogactwo widzialnego świata, jego różnorodności i zmienności. Stąd poszukiwanie nowej metody kreatywnej charakterystycznej dla impresjonizmu, rozwijając nowe narzędzia ekspresyjne artystyczne. Jest to przede wszystkim osobliwe zrozumienie kompozycji, wolnego, natychmiastowego, jak gdyby losowe, zainteresowanie przeniesieniem dynamiki otaczającego świata, wreszcie szczególną uwagę na malownicze problemy, do transmisji światła i powietrza. Porozumieniem jako obowiązkowy wymóg pracy na graczowi, impresyści mają wzbogacony obraz przez wiele osiągnięć kolorowych, pokonanie konwencjonalności kolorowej gamma charakterystycznej dla większości ich poprzedników, osiągnął wielki sukces w przekazywaniu środowiska lekkiego powietrza, efekty światła na kolorze. Wszystko to informuje o obrazach impresjonistów. Świeżość i kolorowe bogactwo.
Jednakże hołd dla niekwestionowanego realistycznego podboju impresjonistów, nie można nie zauważyć ograniczeń ich światopoglądu i metody. Same podejście impresjonistów do wizerunku rzeczywistości było w sobie niebezpieczeństwo poślizgnięcia się na powierzchni zjawisk, odmawiając dużej witalności i wszystkich bardziej uogólnień społecznych. Po pierwsze, przede wszystkim najbardziej bezpośrednio przechodząc wokół świata, impresjonistów przywiązują wiodące znaczenie do wizualnego wrażenia. Utrwalenie fleetingu, uciekające wrażenia wizualne osiąga straszną niezawodność w swojej pracy, ale czasami zastępuje głęboką i wszechstronną wiedzę na temat świata. Dlatego też, chociaż sztuka impresjonizmu jest wzbogacona o nowe działki i motywy, nie rozwiązuje już dużych tematów o wysokim znaczeniu społecznym. Impresjoniści byli doskonale przekazywani do natury, olbrzymy przez słońce i powietrze, tęczową migotanie farb i przepełnionych światła; Ujął urzekającą kolorność i dynamikę współczesnego życia na płótnach; Otworzyli wartość artystyczną wielu motywów rzeczywistości; Ale nie byli w stanie wyrazić zaawansowanych ideałów demokratycznych ich czasu. Społeczne, a czasem psychologiczne problemy przestają zainteresować tych artystów, a ich sztuka traci aktywne znaczenie publiczne, które miały progresywny romantyzm we Francji i demokratycznym realizmie. Dlatego w związku z impresjonizmem możemy mówić o elementach kryzysu sztuki realistycznej, która jest pozbawiona prawdziwie demokratycznej treści i krytycznej ostry.
Ograniczenia ideologiczne tego przepływu były głównym powodem krótkoterminowego headyday. Okres podnoszenia ekspresji odnosi się do lat 70. i na początku lat 80. XIX wieku. W 1886 r. Odbyła się ostatnia wystawa impresjonistów, ale istniały znaczne różnice w grupie. I choć w przyszłości wielu wybitnych mistrzów impresjonizmu nadal nadal pracuje, one lub odchodzi od zasad tego kursu, doświadczając niezadowolenia z jej ograniczeń (renoir) lub nie tworzą już nic fundamentalnie nowego. W przypadku kryzysu, który przeżywa impresjonizm z połowy 1880 roku, jest w szczególności orientacyjny, a fakt, że wiele osiągnięć tego przepływu przekazywane skrajności skręcają w ich przeciwieństwo. W tym czasie niektórzy artyści, coraz bardziej obojętni na treść ich sztuki, wszystkie siły są przekazywane malownicze i techniczne zadania, często łącząc je z trendami dekoracyjnymi (K. Monte). Pragnienie, jak dokładnie przenoszenie światła słonecznego prowadzi je do nadmiernej palety Lavety, pragnienie uchwycenia wibracji powietrza - do nadużywania systemu oddzielnych rozmazów. Upartych wyszukiwań technicznych w dziedzinie światła i koloru są często trwają się do uszkodzenia plastikowego kształtu i rysunku. Wielu impresjonistów, odmawiając zdjęcia tematycznego fabuły, przyjdź do Etuds, zaniedbując kompletną, przemyślaną, holistyczną kompozycję.
W 1886 r. Rozwiązano wszystkie zadania rozszerzone przez impresjonizm. Niemożliwe było dalsze rozwijanie w sferze wąskich zadań w tym obszarze, pilnie wymagało produkcji nowych dużych tematów, głębszych problemów, a także większe szerokość i różnorodność metody twórczej.
Uzyskanie i dotarcie do najbardziej kompletnej heyday we Francji, impresjonizm od końca 1880 roku otrzymał dystrybucję w innych krajach, w których wielu wybitnych artystów dołączyło do tego przepływu.
Edgar Degas. Z impresjonizmem był ściśle związany z największym francuskim artystą tego czasu Edgar Degas (1834-1917). Był jednym z organizatorów i uczestników prawie wszystkich wystaw impresjonistów. Jednak w tym kursie Degas zajmuje specjalne miejsce. Z impresjonizmem, jego pragnienie uchwycenia dynamiki nowoczesnego życia, zainteresowanie transferem światła, malowniczych i kolorowych zadań. Jednocześnie wiele w metodzie impresjonistów było dla niego głęboko obce. W szczególności nie pochwalał ich zaangażowania w wizualne wrażenie, biorąc pod uwagę ich podejście do rzeczywistości zbyt pasywnej. Degi odmówiono pracy na graczu i prawie wszystkie jego obrazy stworzone w warsztacie. Podsumowując jego obserwacje natury, artysta zawsze starał się przekazać jego istotę i charakter. "Nie można wyobrazić sobie sztuki mniejszej niż moje, powiedział Degas. - Moja praca jest wynikiem refleksji, studiowania mistrzów, jest to kwestia inspiracji, charakteru, obserwacji pacjenta ".
Degas przeszła szkołę akademicką w warsztacie Lamott. Hobby z Entera i Pussen wpłynęło na wiele wczesnych dzieł artystów rozwiązanych w Classic Spirit ("Konkurs Spartan Youth and Girls", 1860, Londyn, Galeria Narodowa). Już w tych obrazach istnieje nieodłączna zalewanie umiejętności rysunków, zainteresowanie przeniesieniem ruchu, a także pragnienie zaktualizowania obrazu akademickiego z ostrą obserwacją natury. W przyszłości Degas odwołuje się wyłącznie do wizerunku współczesnego życia. Charakterystyczne cechy opanowania Degiego znaleźli się w jego portretach, z których wiele można nazwać wśród najlepszych próbek realistycznego portretu nowego czasu. Przekazują modele zgodnie z prawdą i dokładnie różnią się powagą i subtelności charakterystyki psychologicznej, oryginalności rozwiązań kompozytowych, klasycznej nasilenia wzoru, wyrafinowane przez umiejętności koloru. Wśród nich można nazwać portret rodziny Bellel (1860-1862, Louvre), żeński portret (1867, Paryż, Luwr), portret Ojca Artysty i Gitarzysta Pagan (Ok. 1872, Chicago, Prywatny montaż) i niesamowity, umiejętności i natychmiastowość decyzji portret skandalu z córkami ("Plac Concord", 1873).
Gatunek dzieł Degasa dokonują genialnego obrazu moralności współczesnego Paryża. Tematy ich są zróżnicowane i obejmują wiele zjawisk współczesnej rzeczywistości. Ostrość obserwacyjna i uprzejmy badanie natury są często łączone w nich z ironią i pesymistycznymi postawami przedstawionymi. Deg często koncentruje swoją uwagę na niedostępnych stronach rzeczywistości i przekazuje je zimną bezlitosną wrażliwą w sceptycznym umyśle. Jest to charakterystyczne dla jego zdjęć przedstawiających życie Czech, odwiedzających kawiarni, śpiewaków mówiących w Cafe-Concerts. Tak więc, w słynnym obrazie "Absynt" 1876, Louvre), Degi udało się z wielką realistyczną perswazyjnością i ostrością, aby uchwycić charakterystyczną scenę współczesnego życia i tworzyć ekspresyjne obrazy dwóch obniżonych ludzi.
Ulubionym tematem kreatywności DeGI był teatr, balet. Artysta z równą umiejętnością przedstawiają nudne żmudne dni tygodnia - lekcje, próby, sceny w toaletach i kolorowe, świąteczne festorium występów baletowych. W takich dziełach, nieodłączny Degius ma wpływ zdolność łapania i przekazywania często przejściowych, natychmiastowych, ale zawsze charakterystycznych postawy i ruchu figur, wyrażeń twarzy.
Dega uwaga przyciągnęła oba sceny robocze. W licznych obrazach prania (Paryż, Louvre; Nowy Jork, kolekcja prywatna), artysta udało się przekazać i grawitację oraz żmudną monotonię. W takich dziełach, Degas często wznosi się do uogólnień społecznych w charakterystycznych i ostro przenośnych obrazach kobiet od ludzi. Prawda, w przeciwieństwie do domu, nie jest typowy dla chęci podkreślenia siły moralnej i godności prostej osoby.
Malowniczy sposób Degas rozwija się od ostrożności we wczesnych dziełach, aby stać się większą wolnością i szerokość szerokością. W jego malowniczej misji w dużej mierze zbliża się do impresjonistów; Jego paleta rozjaśnia, używa czystego koloru, nakłada go z osobnymi uderzeniami lub uderzeniami (na pastelach). Artysta pokazuje duże zainteresowanie transmisją światła (głównie sztuczne) i powietrza. Ten ostatni szczególnie wpływa na wiele obrazów wyścigowych. Jednak przybliżona, monotonia i ograniczony sposób impresjonistów były niezwykłe. Malownicze wyszukiwania, eksperymenty techniczne, rozwój ostrych i różnorodnych kolorowych decyzji DEGI w połączeniu z surowym wzorem i wielką dbałością o kompozycję. Ze wszystkimi żywiołami, niespodziankami i bezpośredniości kompozycji SEGI są zawsze przemyślane i mistrzowskie zbudowane.
W późnym okresie kreatywności DEGI działało głównie w pastelowych technikach, często przedstawiającą nagą naturę. Są to zwykle kobiety zaangażowane w umywalkę, czesanie włosów, wychodząc z sosów do kąpieli. Artysta ostro poprawia w tych pracach zróżnicowane, czasami niezręczne i brzydkie ruchy ludzkiego ciała, wszystkie te prace są oznaczone wysoką i oryginalną umiejętnością. Jednak prawie wyjątkowy odwołanie się od degenety do wizerunku nagich przyrody wskazuje na słynne ograniczenia ideologiczne i tematyczne jego późnej kreatywności.
Oprócz obrazów oleju i pasteli, DEGI pozostawił wiele prac na wykresie. Wykonował także serię rzeźb (baleriny, dżokej z koni, Nude Nature), głównie pod koniec życia, gdy, ze względu na niemal pełną utratę wizji, był pozbawiony okazji do pracy w malarstwie.
Degi miał wielki wpływ na wielu francuskich artystów pod koniec XIX wieku, w szczególności na tak zwanych "artystów Montmartre". Henri Toulouse-Lotrek (1864-1901), ostra szuflada i cienki kolorysta, który pracował dużo w plakacie i stworzone w wielu ilości litografii ekspresyjnej, często satyrycznej, nie pozbawionej krytycznej cech Paryż Boghele w wielu litografii .
Pierre Auguste Renoir. Oczywiście praca Renuary (1841-1919) jest jednym z najwybitniejszych przedstawicieli impresjonizmu. W przeciwieństwie do Degiego był to wesoły artysta, uchwycony w swoim płótnie poetyckich obrazów współczesnych parisianów i kolorowych sceny życia paryskiego. Renoir rozpoczął swoją działalność artystyczną jako malarz w porcelanie. W warsztacie Gleira, gdzie studiował malarstwo na krótki czas, Renoir stał się blisko K. Monet i Sishal, dzieląc się z nimi odrzucenie rutyny akademickiej i pasji Kourby. Wpływ tego ostatniego był oznaczony wieloma pracą Renuar, na przykład w latach 60. XIX wieku "Kabachi Aunt Antonia" (1865, Sztokholm, Muzeum Narodowe), portret SISTY z jego żoną (1868, Kolonia, Vallraf Richard Museum), "Lisa" (1867, Essen, Folkwang Museum). Już w tych wczesnych dziełach Renoir płaci znaczną uwagę na transfer świetlnych i malowniczych i kolorowych problemów.
Zdjęcia wykonane pod koniec latach 1860, w szczególności "flagi" (1868-1869, Moskwa, GMI), margines na początku okresu impresjonistycznego w pracy artysty, gdy wykonuje swoje najsłynniejsze prace. W tym czasie (koniec lat 60. XIX wieku) pisze głównie portrety i obrazy gatunkowe, zwracając pewną uwagę i krajobraz.
Wśród portretów Renoire są najbardziej udanym dziećmi i kobietą. Jego prace takie jak "Lodge" (1874, Londyn, Instytut Kurto), "Dziewczyna z fanem" (Hermitage), "Portret Madame zaostrzonego z dziećmi" (1878, Nowy Jork, Muzeum Metropolitan), Portret artystów Samari (1877, Moskwa, GMI), odtworzyć charakterystyczne obrazy współczesnego Paryżu dla niego, swoistego, wyjątkowego uroku. Te portrety nie można nazwać psychologicznym, ale przyciągają malowniczą umiejętność i przekonujące do przeniesienia modeli, żywotność wyrażenia, osobliwej poezji i nieodłączne w większości prac renomy przez poczucie kompletności życia.
Obrazy Renoara Gaters nie są wyróżniane przez różnorodność lub znaczenie tematu. Krajowe wycieczki Paryżanki, święta na świeżym powietrzu - takie są wykresy wielu jego obrazów. W nich, jak we wszystkich dziełach artysty, jego wesoły światopogląd i kilka powierzchownych, bezmyślnych postawy do rzeczywistości wpływu. Ale ich godność jest świeżość i wizja interpretacji, zdolność do poczucia poetyckiego uroku prostych motywów, ujawniają malowniczą bogactwo rzeczywistości. Jego smak staje się różnorodnym, różnorodnym i tęczy, jasne światło słoneczne wylewa swoje płótno, motley hałaśliwy tłum Paryż jest podawany w jedności z otaczającym oświetleniowym medium, wymazując kontury figur i pozbawiając elementy ich plastikowej definicji ("Moulin De la Gaette ", 1876, Paryż, Luwr;" Śniadanie z boatmen ", 1881, Waszyngton, Galeria Phillips). W trakcie tego okresu zasady i metoda impresjonizmu, Renoir, jednak utrzymuje w pełni swój indywidualny światopogląd i techniki. Jego malownicza technika łączy frakcjonalną charakterystykę rozmazu impresjonistów i lecicing, co daje płótno renome nie tylko rzadkie kolorowe bogactwo, ale także kolorystyczną jedność.
W późnym okresie kreatywności Renoir odsuwa się od wrażenia i ma. "Dotarłem do granic impresjonizmu i stwierdziłem, że nie wiem, jak pisać, ani rysować", pisał artysta na początku lat 880 roku. Problem transmisji światła i powietrza zabiera go w tym czasie znacznie mniej, zwraca większą uwagę na kompozycję, ma być uogólnione, monumentalne, tworzywa sztucznego definicji w interpretacji danych. Jednak wszystkie zmiany w dziedzinach artysty odnoszą się do jedynej formalnej strony jego sztuki. W tym czasie Renoir ogranicza również tematu swojej kreatywności, zwracając preferencyjną uwagę na wizerunek Nude Nature. Pasja formalnych problemów jest połączona z czysto dekoracyjnymi trendami, co prowadzi do znacznych konstruowania formularzy i kolorów w wielu późniejszych dziełach artysty.
Claude Monet. Wszystkie cechy impresjonizmu znalazły najbardziej kompletny wyraz w pracy Claude Monet (1840-1926). Był liderem tego obecnego, najpierw sformułował swoje zasady, opracował program gracza i charakterystyczny dla impresjonizmu malowniczej techniki. Wraz z jego nazwą, wiele osiągnięć tego przepływu jest połączone. W tym samym czasie, w dziedzinie Monet, ograniczenia impresjonizmu i kryzysu, które pojawiły się począwszy od połowy 1880 roku.
Wczesne dzieła Monet wiąże się z impresjonizmem z realistyczną sztuką Kurba, Coro i Korotowa, a także świadczyły wpływ E. Many. Jest to głównie krajobrazy, portrety i kręcone kompozycje na zewnątrz: "Śniadanie na trawie" (1866, Moskwa, GMI), "Camilla" (1866, Brema, Muzeum), "Kobieta w ogrodzie" (1865-1866, Hermitage). Wiele z nich jest napisane w Pleinnierze, artysta zwraca uwagę na przekazanie światła. Od końca 1860 roku, Monet pracuje niemal wyłącznie w obszarze krajobrazu, przekazując bezpośrednie wrażenia natury lub miejskich w jej płótnie, dając rosnącej wartości transferu światła i powietrza. Najlepszym okresem jego pracy jest lata 70. XIX wieku, kiedy tworzy przekonujące i pełne nastroje obrazu francuskiej natury, charakteryzującej się dużą świeżością i kolorową wolnością. W tym czasie znajduje wiele nowych motywów krajobrazowych, prostych, ale atrakcyjnych, wprowadza obraz miasta, kwadratów i bulwarów, żywiołowych, migającą załogi i pośpiechu tłumu. Aby wyrazić te motywy, artysta szuka odpowiednich malowniczych technik - żywy, czysty kolor, Trepided, oddzielny udar ("Kapuchin Boulevard", 1873, Moskwa, GMI, krajobrazy wykonane w Argente). Jednak w przyszłości fiksacja przejściowych światła i efektów atmosferycznych często staje się monoteczką. Kształt i kontury obiektów rozpuszcza się w środowisku lekkiego powietrza, tracą gęstość i materialność, zamieniają się w niepodstawione kolorowe plamy. Monet dążył na dokładność naukową w przeniesieniu światła i powietrza do lokalnych kolorów obiektów, badała prawa dodatkowych kolorów, zwracając szczególną uwagę na przeniesienie refleksów, a na tej ścieżce wyszukiwań technicznych osiągnął znaczące przesady. Formalna strona techniczna wysiedliła głęboką wiedzę i ujawnienie rzeczywistości w swojej pracy i odeszła w wielu jego późniejszych pracuje holistyczny obraz artystyczny. Najbardziej motywem natury przestaje zainteresować artystę i odwraca się tylko w przyimku na przeniesienie skutków kolorów i lekkich powietrza. Jest to szczególnie istotne dla kreatywności Monet od końca 1880 roku, kiedy tworzy szereg krajobrazów przedstawiających ten sam motyw w różnych porach dnia: serii stosów, katedry Ruan, Rodzaje Tamizy, Wenecja. Postrzeganie natury w tych pracach staje się coraz bardziej subiektywne, a pragnienie przekazania przelotnych wrażeń wizualnych prowadzi do porzucenia obrazu konstruowanego kompozycji i zastąpienie go losową etiudą. Wiele późniejszych dzieł Monet odnotowano nie tylko przez formalne techniczne, ale także dekoracyjne wyszukiwania. Określa to w niektórych przypadkach znaczną konwencję i rozważanie roztworów kompozytowych i kolorowych (seria "watercuts").
Będąc głową francuskim impresjonizmu, Monet miał wielki wpływ na wielu artystów, którzy dołączyli do kursu i pracując głównie w dziedzinie krajobrazu. Wśród nich wspomniano przede wszystkim Pussarro i Sischi.
CAMILL PISSARRO. Camill Pissarro (1830-1903) we wczesnych pracach, tradycje francuskiego realistycznego krajobrazu (Kurba, Coro, Barbizonians) rozwija się. Następnie, od końca 1860 roku, łączy z E. Manne i zgrupowany wokół niego z młodymi artystami, Pissarro odwraca się do gracza, do oświetlonej, napromieniowanej palety i staje się jednym z charakterystycznych przedstawicieli francuskim impresjonizmu. W swoich obrazach Pissarro przedstawił ulice Rouran i Paryża, jego przedmieściów i okolic, brzegów Sekwany, łąki i dróg wiejskich. W przeciwieństwie do innych impresjonistów, często wprowadza postacie chłopów do swoich krajobrazów wiejskich. Podobnie jak wszyscy impresjonistów, Pissarro zwraca wiele uwagi na malownicze wyszukiwanie, transmisję światła i powietrza. Jednak skutki lekkiego powietrza rzadko stają się w jego obrazach głównym motywem. W swojej najlepszej scenerii Pissarro sololada postrzega przyrodę, przenosi bogactwo i różnorodność jej życia. Podsumowując swoje natychmiastowe wrażenia, artysta zazwyczaj dokładnie myśli o kompozytowej konstrukcji krajobrazu i może zrobić monumenty do najbardziej codziennych motywów.
Alfred pęcznienia. Więcej Lyric był dziełem Alfreda Sisleya (1839-1899). Comrade Mona na warsztatach Gleiry, przylegał do jego wczesnych dzieł do Coro i Korotowa, a następnie stał się jednym z pierwszych uczestników wystawach impresjonistów. Praca wyłącznie w dziedzinie malarstwa krajobrazowego, Sisley zwykle napisał naturę Ile de France. Pociągnęło intymne, natychmiastowe motywy - pola, wioski, brzegi rzek i kanałów, a on wiedział, jak ujawnić ich oryginalność i atrakcyjność. Sisley posiadał subtelne poczucie koloru, czule złapało zmienność natury, stan lekkiego medium. Ale biorąc metodę impresjonizmu, było bardziej ograniczone w swoich formalnych wyszukiwach technicznych niż inne impresjoniści, w szczególności monet.

Wprowadzenie

Impresjonizm jako zjawisko w sztuce

Impresjonizm w malarstwie

Artyści - Impresjonici

3.1 Claude Monet.

3.2 Edgar Degas.

3.3 Alfred Sisley.

3.4 Camille Pisserro.

Wniosek

Lista bibliograficzna

Wprowadzenie

Ten streszczenie jest przeznaczony na impresjonizm w zestawieniu malarstwa.

Impresjonizm jest jednym z najjaśniejszych i najważniejszych zjawisk w sztuce europejskiej, pod wieloma względami określonymi przez cały rozwój sztuki współczesnej. Obecnie praca nie rozpoznana w ich czasie impresjoniści są bardzo wysoko cenione, a ich korzyści artystyczne są niepodważalne. Znaczenie wybranego tematu wynika z potrzeby każdej nowoczesnej osoby do zrozumienia styl sztuki, znać główne kamienie milowe jego rozwoju.

Wybrałem ten temat, ponieważ impresjonizm był rodzajem rewolucji w sztuce, która zmieniła ideę dzieł sztuki jako holistycznych, monumentalnych rzeczy. Impresjonizm przyniósł osobowość twórcę do pierwszego miejsca, jego własnej wizji świata, popychane działki polityczne i religijne na tle, prawa akademickie. Co ciekawe, emocje i wrażenie, a nie fabuła i roli moralnej odegrały główną rolę w pracach impresjonistów.

Impresjonizm (fr. impressionNisme., Ot. wrażenie - wrażenie) - kierunek sztuki ostatniej trzeciej XIX - początek XX wieku, powstał we Francji, a następnie rozprzestrzenił się na całym świecie, którego przedstawiciele szukali najbardziej naturalnych i niepotrzebnych do przechwytywania prawdziwego świata w swoim Mobilność i zmienność, przenieść swoje mruknące wrażenia. Zwykle, w ramach terminu "impresjonizm" oznacza kierunek malarstwa, chociaż jego pomysły znalazły również przykład wykonania literatury i muzyki.

Termin "impresjonizm" powstał z lekką ręką krytyka magazynu "Le Charivari" Louis Lurua, który uprawniony jego Feuilleton o salonie wyrzutki "wystawę impresjonistów", biorąc pod uwagę nazwę tego zdjęcia Claude Monet .

Auguste Renoir. Brodzik dla dzieci, Muzeum Metropolitan, Nowy Jork

ŹRÓDŁA

W epoce ożywienia malarze szkoły weneckiej próbowali przekazać żywotną rzeczywistość za pomocą jasnych kolorów i odcieni pośrednich. Hiszpanie wykorzystali swoje eksperymenty, jest to najwyraźniej wyrażone w takich artystów jak El Greco, Velasquez i Goya, którego kreatywność miała późniejszy wpływ na Mana i Renoara.

W tym samym czasie Rubens sprawia, że \u200b\u200bcienie na płótnach z kolorami, stosując przezroczyste odcienie pośrednie. Obserwując Delakroix, Rubens wyświetlany światło z cienkie, wykwintne dźwięki i cienie - cieplejsze i bogate kolory, przekazując efekt oświetlenia. Rubens nie korzystał z czarnego koloru, który później stanie się jedną z podstawowych zasad malowania impresjonistów.

Na Eduar Mana, Holandia Artist Frans Hals, który napisał ze ostrymi gwiazdami i uwielbiałem kontrast jasnych kolorów i czerni.

Przejście malarstwa do impresjonizmu przygotowało również angielskich malarzy. Podczas wojny Franco-Prus (1870-1871) Claude Monet, Sisley i Pissarro udali się do Londynu, aby móc bawić się wspaniałych graczy krajobrazowych - Const Blows, Bonington and Turnner. Jeśli chodzi o ten drugi, już w późniejszej pracy, jest zauważalny, jak związek z prawdziwym wizerunkiem świata i pielęgnacji indywidualnej transmisji wrażeń znika.

Eugene Delakroix miał silny wpływ, już wyróżnił lokalny kolor i kolor nabyty pod wpływem oświetlenia, akwarele napisane w Afryce Północnej w 1832 roku lub w Etretat w 1835 r., A zwłaszcza obraz "Morze w Dieppe" (1835) pozwalają nam Aby porozmawiać o tym, jest jak poprzednik impresjonistów.

Ostatnim elementem wpływającym na innowatorów był japoński. Od 1854 r., Dzięki wystawom w Paryżu, młodzi artyści odkrywają mistrzów japońskich rycin, takich jak Utamaro, Hokusai i Hiroshig. Specjalne, nieznane wypoczynek w europejskiej sztuce wizualnej, lokalizacja obrazu na kartce papieru jest stronniczym kompozycją lub kompozycją nachylenia, schematyczną transmisję kształtu, tendencja do syntezy artystycznej, wygrała lokalizację impresjonistów i ich zwolenników.

Historia

Edgar Dega, Niebieski tancerze., 1897, GMI. Puszkin, Moskwa.

Początek poszukiwania impresjonistów należy do 1860 roku, kiedy młodzi artyści nie są już zadowoleni ze środków i celów akademicdy, w wyniku czego każdy z nich jest niezależnie poszukuje innych sposobów rozwoju ich stylu. W 1863 roku Edward Mana wystawia zdjęcie "śniadania na trawie" w "salonie" i aktywnie występuje na spotkaniach poetów i artystów w Cafe Gerbua, który odwiedził wszystkich przyszłych założycieli nowego aktualnego, dzięki którym stało się Główny obrońca sztuki współczesnej.

W 1864 r. Eugene Budyon zaprasza Monet na Onefleur, gdzie mieszkał jesienią, obserwując, jak nauczyciel pisze Pastelę Etysanów i Akwarela, a jego przyjaciel Yonkind nakłada farbę do swojej pracy z uderzeniami wibracyjnymi. To było tutaj, że nauczyli go pracować na pleniach i pisać z lekkimi tonami.

W 1871 r. Podczas wojny Franco-pruskiej, Monet i Pissarro wyjeżdżają do Londynu, gdzie zapoznają się z pracami poprzednika impresjonizmu Williama Törsnera.

Claude Monet. Wrażenie. Wschód słońca. 1872, Muzeum Marottan Monet, Paryż.

Pojawienie się nazwy

Pierwsza ważna wystawa impresjonistów odbyła się od 15 kwietnia do 15 maja 1874 r. W warsztacie fotografa Nadara. Było 30 artystów, tylko 165 prac. Canvas Monet - "Wrażenie. Wschodzące słońce" ( Wrażenie, Soleil Levant) Teraz w Muzeum Marmote, Paryż, napisany w 1872 r. Urodził się do terminu "Impresjonizm": mało znany dziennikarz Louisa Leraa w swoim artykule w magazynie "Le Charivari" wyraża jego zaniedbanie zwane "Impresjicyistów". Artyści, od wyzwania, zaakceptowali tę epithite, potem zabrał korzeń, stracił swoje oryginalne negatywne znaczenie i stał się aktywny.

Nazwa "Impresjonizm" jest dość nieumyty, w przeciwieństwie do nazwy "Szkoła Barżowska", gdzie przynajmniej istnieje wskazanie położenia geograficznego grupy artystycznej. Jeszcze mniej jasności z niektórymi artystami, którzy formalnie nie są wliczone w kręgu pierwszych impresjonistów, chociaż ich techniki techniczne i fundusze są całkowicie "impresjonistyczne", Edward Mana, Eugene Budy itp.) Ponadto, techniczne środki impresjonistów były Znane na długo przed XIX w stuleciach i ich częściowo ograniczone) były używane, ale Tytan i Velasquez, nie dając ERA z dominującymi pomysłami.

Był inny artykuł (autor emil Cardon) i inna nazwa - "Wystawa buntownika", absolutnie dezaprobata i potępiona. Dokładnie było to, jak dokładnie odtworzył depozytową postawę burżuazyjnej publiczności i krytykowania artystów (impresjonistów), które zdominowały lata. Impresjoniści natychmiast oskarżyli o niemoralność, buntownicze nastroje, niewypłacalność do szanowania. W tej chwili jest zaskakujące, ponieważ nie jest jasne, że niemoralne w scenerii Camille Pissarro, Alfred Sisley, sceny domowe Edgar Degas, wciąż życie Monet i Renuara.

Istnieją dziesięciolecia. A nowa generacja artystów przyjdzie do obecnego upadku form i zubovij zawartości. Wtedy krytyka i opinia publiczna, zobaczyła w skazanych impresjonistów - realistów, a trochę później i klasyki sztuki francuskiej.

Impresjonizm jako zjawisko w sztuce

Impresjonizm jest jednym z najjaśniejszych i ciekawych miejsc w dziedzinie sztuki francuskiej w ostatnim kwartale XIX wieku, urodził się w bardzo trudnej sytuacji, wyróżniając się różnokolesnymi i kontrastami, co dało im impuls do pojawienia się wielu nowoczesnych trendów. Impresjonizm, pomimo krótkoterminowego, miało znaczący wpływ na sztukę nie tylko Francja, ale także inne kraje: Stany Zjednoczone, Niemcy (M. Lieberman), Belgia, Włochy, Anglia. W Rosji efekt impresjonizmu był doświadczony przez K. Balmont, Andrei White, Stravinsky, K. Korovin (najbliżej estetyki na impresjoniści), na początku V. Serov, a także - I. Grabar. Impresjonizm stał się ostatnim majoristycznym ruchem artystycznym we Francji XIX wieku, która trwała twarz między sztuką nowej i najnowszej.

Według M. APLOV, "Czysty impresjonizm prawdopodobnie nie istniał. Impresjonizm nie jest doktryną, nie mógł mieć kanonizowanych form ... Francuscy artyści-impresjoniści są nieodłącznymi w różnych stopniach jego funkcji. " Zwykle, w ramach terminu "impresjonizm" oznacza kierunek malarstwa, chociaż jego pomysły znalazły ich przykład wykonania i innych typów sztuki, na przykład w muzyce.

Impresjonizm jest przede wszystkim sztuką obserwacji rzeczywistości, przeniesienia lub tworzenia wrażenia, sztuki, w której działka nie jest ważna. Jest to nowa, subiektywna rzeczywistość artystyczna. Impresjoniści przedstawili własne zasady percepcji i wyświetlania otaczającego świata. Wskakali twarz między głównymi obiektami godnymi wysokiej sztuki i dodatkowych przedmiotów.

Ważną zasadą impresjonizmu był typowy. Sztuka obejmuje pęd, losowy wygląd, wydaje się, że płótno impresjonistów jest napisane przez proste przechodniów, idąc wzdłuż bulwarów i ciesząc się życiem. To była rewolucja w wizji.

Estetyka impresjonizmu była częściowo próbna zdecydowanie uwolnienia się od konwencji sztuki klasycznej, a także z uporczywy symbolika i głębokości malarstwa późno wewnętrznego, który zaproponował, aby zobaczyć zaszyfrowane znaczenia we wszystkich egzaminach. Impresjonizm zatwierdza nie tylko piękno każdej rzeczywistości, ale także wykonuje artystycznie istotną zmienność pocztową świata, naturalność spontanicznego, nieprzewidywalnego, przypadkowego wrażenia. Impresjonowalilicy dążą do naprawienia go z kolorową atmosferą, nie wyszczególnieniem i nie gaszącą.

Jako artystyczny przebieg impresjonizmu, w szczególności w malarstwie, dość szybko wyczerpał jego możliwości. Klasyczny francuski impresjonizm był zbyt wąski, a kilka ich życia pozostało lojalni wobec jego zasad. W procesie rozwijania metody impresjonowej, podmiotowość malowniczej percepcji pokonuje temat i wspiął się na coraz bardziej wysoki poziom formalny, otwierając drogę do wszystkich przepływów potmingu, w tym symbolika HOGEL i ekspresjonizmu Van Gogh. Ale pomimo wąskich ramowych ram - około dwóch dekad, impresjonizm przyniósł sztukę na zasadniczo inny poziom, ma znaczący wpływ na wszystko: nowoczesne malarstwo, muzyka i literatura, a także kino.

Ipresjonizm wprowadził nowe tematy; Dojrzałe prace stylowe wyróżniają się jasną i natychmiastową witalnością, otwarcie nowych cech artystycznych koloru, estetyczny nowej malowniczej technologii, struktury pracy. To są te funkcje, które pojawiły się w impresjonizmu, otrzymują dalszy rozwój w neo-sympresji i postmingness. Wpływ impresjonizmu jako podejścia do rzeczywistości lub jako system ekspresyjnych przyjęć znalezionych w prawie wszystkich szkołach sztuki na początku XX wieku, stał się punktem wyjścia dla rozwoju wielu kierunków, do abstrakcji. Niektóre zasady impresjonizmu - transmisja chwilowego ruchu, płynność formularza - w różnym stopniu objawiano w rzeźbie 1910s., UFA, OH. Roden, M. Bluebina. Artystyczny impresjonizm w znacznym stopniu wzbogacono fundusze ekspresyjne w Literketura (P. Motlen), Muzyka (K. Debussy), teatr.

2. Impresjonizm w malarstwie

Wiosną 1874 roku grupa młodych artystów malarzy, w tym Monet, Renuara, Pizarro, Sislai, Degas, Cesan i Bert Morizo, zaniedbał oficjalny salon i zorganizował swoją wystawę, stając się pod środkowymi figurami nowego kierunku. Odbyła się od 15 kwietnia do 15 maja 1874 r. W warsztacie fotografa Nadar w Paryżu, na bulwarze Kapuchin. Było 30 artystów, tylko 165 prac. Podobny akt sam w sobie był rewolucyjny i rozerwał stuleciami, obrazy tych artystów na pierwszy rzut oka wydawały się jeszcze bardziej wrogich tradycji. Zajęło to lata, a następnie rozpoznane, klasyki malarstwa były w stanie przekonać opinii publicznej nie tylko szczerości, ale także w ich talencie. Wszystkich tych bardzo różnych artystów zjednoczyli ogólną walkę z konserwatyzmem i akademicką w sztuce. Impresjoniści wydali osiem wystaw, ostatni - w 1886 roku.

Był na pierwszej wystawie w 1874 roku w Paryżu obraz Claude Monet, przedstawiający wschód słońca. Przyciąga całą uwagę przede wszystkim niezwykłą nazwą: "wrażenie. Wschód słońca". Ale sam obraz był niezwykły, minęła prawie nieuchwytną, zmienną grę farb i światła. Jest to nazwa tego zdjęcia - "wrażenie" - dzięki kpina jednego z dziennikarzy, oznaczało początek całego kierunku w malarstwie, zwanym impresjonizmem (z francuskiego słowa "wrażenie" - wrażenie).

Próbując wyrazić natychmiastowe wrażenia, jak to możliwe, impresyści stworzyli nową metodę malarstwa. Jego istota polegała na przeniesieniu zewnętrznego wrażenia światła, cieni, refleksów na powierzchni obiektów przez oddzielne rozmazy czystej farby, które wizualnie rozpuszcza formę w otaczającym otoczeniu lekkiego powietrza.

Prawdomówność została poświęcona na osobistą percepcję - impresjoniści mogą zależeć od ich wizji do piszenia zieleni, a trawa niebieskiego, owoce na ich wciąż życiowych były nierozpoznawalne, ludzkie postacie są niejasne i schematycznie. Ważne było nie, co jest przedstawione, ale ważne jest "jak". Obiekt staje się powodem rozwiązywania problemów wizualnych.

Jest typowy, szkic kreatywnej metody impresjonizmu. W końcu tylko krótka etiuda umożliwiła dokładnie naprawić poszczególne państwa natury. Fakt, który był wcześniej dozwolony tylko w etiudach, stał się główną cechą ukończonych płótnach. Artyści - impresjonistów starali się przezwyciężyć malarstwo statyczne, na zawsze uchwycić cały urok nieuchwytnego momentu. Zaczęli korzystać z asymetrycznych kompozycji, aby lepiej podkreślać tych, którzy są zainteresowani ich osobami działającymi i przedmiotami. W niektórych zastosowaniach imprintsionist konstrukcja kompozycji i przestrzeni, wpływ entuzjazmu dla swojego wieku nie jest starożytnością, jak wcześniej, japońskie rycin (taki Matrov, jak Katsusik Hokusai, Hirosign, Utamaro), a częściowo zdjęcia, jego zbliżenie plany i nowe punkty widzenia.

Impresjoniści zaktualizowali także smak, porzucali ciemne, ziemisty farb i lakiery i stosować czyste, widmowe kolory na płótnie, prawie bez mieszania ich przed paletą. Warunkowskaz "Muzeum" czarny na płótnie jest gorszy od gry kolorowych cieni.

Dzięki wynalezieniu metalowych rur do farb, już gotowy i odpowiedni do przenoszenia, które zastąpiły stare farby, które są gotowane ręcznie z pigmentów ropy i proszków, artystów byli w stanie opuścić warsztaty do pracy w niewoli. Pracowali bardzo szybko, ponieważ ruch słońca zmienił oświetlenie i smakowanie krajobrazu. Czasami wyciskali farbę na płótnie prosto z rury i uzyskały czyste kolory musujące z efektem rozmazu. Umieszczenie rozmazu jednej farby obok drugiego, często opuścili powierzchnię obrazów z szorstką. W celu zachowania świeżości i różnorodność farb na zdjęciu, impresjoniści stworzyli malowniczy system, który charakteryzuje się rozkładem skomplikowanych odcieni w czystych kolorach i integracji oddzielnych rozmazów czystszych, jak zmieszany w oku widza , z kolorowymi cieniami i są postrzegane przez widza zgodnie z prawem dodatkowych kolorów.

W celu maksymalnego zmaksymalizowania bezpośredniego przekazywania świata, impresjonistów po raz pierwszy w historii sztuki zaczęli pisać głównie na zewnątrz i podniósł znaczenie etiuda z natury, prawie tradycyjnego rodzaju obrazu, ostrożnie i powoli stworzony w pracowni. Na mocy metody pracy w plenarze krajobraz, w tym krajobraz miasta, wziął bardzo ważne miejsce w dziedzinie impresjonistów. Głównym tematem był dla nich luźne światło, powietrze, w którym ludzie i przedmioty są zanurzone. Wiatr był odczuwany w swoich obrazach, ziemia podgrzewana przez słońce. Starali się pokazać niesamowitą bogactwo koloru w przyrodzie.

Impresjonizm Wprowadzono do nowych tematów sztuki - codzienne życie miasta, krajobrazy uliczne i rozrywki. Zakres tematyczny i sceny był bardzo szeroki. W swoich krajobrazach, portrety, kompozycje wielofuriniowe, artystów starają się zachować bezsensowalność, siłę i świeżość "pierwszych wrażeń", bez przechodzenia do oddzielnych szczegółów, gdzie świat jest zawsze zmieniającym się zjawiskiem.

Impresjonizm wyróżnia się jasną i natychmiastową witalnością. Charakteryzuje się indywidualnością i estetyczną samodzielną ulgą na płótnie, ich celowy wypadek i niekompletność. Ogólnie rzecz biorąc, dzieła impresjonistów charakteryzują się radością, pasjonującą zmysłową piękno świata.

franz.-wrażenie): kierunek artystyczny wynikający we Francji w latach 60. - 70. 19 V. i otrzymał najbardziej żywy przykład wykonania w maszynie do sztuki. Impresjonowaliści opracowali nowe malownicze techniki - kolorowe cienie, kolory mieszające, fragmentarzysty smak, a także rozkład złożonych odcieni na czystych tonach (nakładanie je na płótnie z indywidualnymi rozmazami generowały ich optyczne mieszanie w oczach widza). Starali się przekazać piękno ulotnych stanów natury, zmienności i mobilności otaczającego życia. Techniki te pomogły przenieść uczucie musującego światła słonecznego, wibracji światła i powietrza, stworzyło wrażenie święta bycia, harmonii świata. W innych typach sztuki stosowano techniki impresjonistyczne. W muzyce, na przykład przyczynili się do przeniesienia najbardziej subtelnych ruchów psychicznych i przelotnych nastrojów.

Doskonała definicja

Niekompletna definicja ↓

Impresjonizm

z Franza. Wrażenie to wrażenie) kierunek w sztuce, który pojawił się we Francji w ostatniej trzeciej części XIX wieku. Główni przedstawiciele i.: Claude Monet, Auguste Renoir, Camill Pissarro, Alfred Sisley, Berta Morizo, a także Adukent Mae, Edgar Dega i innych artystów. Rozwój nowego stylu I. Odbył się w latach 60-70., a po raz pierwszy jako nowy kierunek, przeciwstawiając się salonie akademickim, impresjoniści zadeklarowali się na pierwszej wystawie w 1874 roku. W szczególności obraz wrażenia K.Mona ". Soleil Levant "(1872). Oficjalna krytyka artystyczna negatywnie zareagowała na nowy kierunek, aw kulacji "Ongoretal" jego przedstawicieli "impresjoniści", przypominając o szczególnie denerwującym obrazie Monet. Jednak nazwa odzwierciedla istotę kierunku, a jej narzędzia przyjęły go jako oficjalne oznaczenie ich metody. Jako holistyczny kierunek I. istniał przez długi czas - od 1874 do 1886 r., Kiedy organizowane przez impresjoniści mają 8 wspólnych wystaw. Oficjalne uznanie tych samych koneserów sztuki i krytyki artystycznej przyszedł znacznie później - tylko w połowie lat 90-tych. I. Pod warunkiem, że najwyraźniej stało się w następnym stuleciu, ogromny wpływ na cały późniejszy rozwój sztuki dziełowej (i kultury artystycznej jako całości). W rzeczywistości rozpoczęła się zasadniczo nowy etap kultury fikcyjnej, która doprowadziła w SER. Hchw. Do kultury (patrz: post-), \u200b\u200btj. Do przejścia kultury do pewnej fundamentalnej innej jakości. O.Shpengler, który rozprzestrzenił koncepcję I. do kultury, uważał go za jeden z typowych oznak "Zachód słońca Europy", to znaczy zniszczenie integralności światopoglądu, zniszczenie tradycyjnie ustalonej kultury europejskiej. Wręcz przeciwnie, awangardowi (patrz: Avangard) rozpoczął XX wieku. Widzieliśmy w I. Jego FORRUNNER, który otworzył nowe horyzonty przed sztuką, która uwolniła go przed niezwykle wyrafinowanymi zadaniami, od dogmatów pozytywizmu, akademicdy, realizmu itp., Dzięki której nie można się nie zgodzić. Sami impresjonistów, takich jak czyste malarze, nie myślą o tak globalnym znaczeniu ich eksperymentu. Nie dążą nawet do specjalnej rewolucji w sztuce. Właśnie widzieli świat otaczający je nieco inaczej niż widział swoich oficjalnych przedstawicieli salonu, i próbowali skonsolidować tę wizję czysto malownicze środków. Jednocześnie polegają na artystycznych znalezisk swoich poprzedników - przede wszystkim francuskim malarzami XIX wieku. Delakroix, Coro, Kourbe, BarbizonDev. Na K. Monet, który odwiedził Londyn w 1871 roku, praca została wykonana przez pracę W.Ternera. Ponadto samych samych impresjonistów nazywają swoich poprzedników i francuskich klasycystów z Poussin, Lorrena, Sharden i japońskiego grawerowania kolorów XVIII wieku, a historycy sztuki widzą cechy bliskość impresjonistów i angielskich artystów T.geensboro i J. Konstable, nie wspominając o .tener. Impresjonowani absolteresowniają wiele malowniczych technik tych bardzo różnych artystów i stworzyli holistyczny system stylu na tej podstawie. W antyaukóści Impresjonici odmówili specyfika tematycznego (filozoficznego, moralnego, religijnego, społeczno-politycznego itp) sztuki, od przemyślanego, z wyprzedzeniem o znaczących i wyraźnie wyciągniętych kompozycjach z działki, tj. Zaczął walczyć z "rynkiem literackim "W malarstwie, koncentrując główną uwagę na specjalnie malowniczym środku - na kolor i światło; Wyszli z warsztatów w koleżerze, gdzie szukali jednej sesji, aby rozpocząć i pracować w konkretnej pracy; Porzucili ciemne kwiaty i skomplikowane dźwięki (ziemisty, "asfalt" kwiaty), charakterystyczne dla sztuki nowego czasu, zamieścić jasne kolory (paleta z nich była ograniczona do 7-8 farb), układana na płótnie często oddzielona Uderzenia, świadomie licząc na ich mieszanie optyczne już w psychice widza, co osiągnął efekt specjalnej świeżości i natychmiastowej; Po delakroe opanowali i absolowali cień koloru, gra kolorowych odruchów na różnych powierzchniach; Dematerializował temat widocznego świata, rozpuszczenie go w środowisku lekkim powietrzu, który był głównym tematem ich uwagi jako czystych malarzy; Faktycznie porzucili podejście gatunkowe w sztukach wizualnych, koncentrując się na malowniczym przeniesieniu ich subiektywnego wrażenia na szansę losowo widzianego fragmentu rzeczywistości - częściej krajobraz (jak Monet, Sisley, Pissarro), mniej często wykreślić sceny (jak Renua, Dega). Jednocześnie starali się częściej przekazać wrażenie, z niemal iluzjonistą dokładnością dopasowania kolorowej atmosfery powietrza przedstawionego fragmentu i momentu widocznej rzeczywistości. Wypadek kąt widzenia na artystyczną wizję fragmentu przyrody, dbałość o malownicze środowisko, a nie podlegającego obiektowi, często podawano pogrubione rozwiązania kompozytowe, ostre nieoczekiwane kąty widzenia, cięcia, aktywujące postrzeganie postrzegania Przeglądarka itp. Efekty, z których wiele zostało wykorzystywane przez przedstawicieli różnych awangardowych. I. stał się jednym z kierunków "czystej sztuki" w Tryce. Xihv., Których przedstawiciele głównego w sztuce uważali za jego artystyczną i estetyczną zasadę. Impresjoniści doświadczyli piękna światła-kolorowego środowiska świata materialnego ze słowami i próbowali prawie z dokładnością dokumentalną (są one czasami oskarżone o naturalizm, co jest trudno uzasadnione), aby uchwycić go na swoich płótnach. W malarstwie są rodzajem optymistycznymi panteistami, najnowszymi śpiewakami nieostrożnej radości ziemskiej, płyt słonecznych. Jako Neo-Simpresjonista P. Sigak został napisany z podziwem, mają "światło słoneczne powodzi całego obrazu; Powietrze w nim kołki, lekkie otoczki, pieszczoty, rozprasza kształt, wnikają wszędzie, nawet w obszarze cienia. " Funkcje stylu I. W malarstwie, zwłaszcza pragnieniem wyrafinowanego artystycznego wizerunku przelotowych wrażeń, główny szkic, świeżość bezpośredniej percepcji itp. Okazało się, że są blisko i przedstawiciele innych rodzajów sztuki czasu, które doprowadziły do \u200b\u200brozprzestrzeniania się tej koncepcji na literaturze, poezji, muzyce. Jednak w tych typach sztuki nie było specjalnego kierunku I., chociaż wiele jego funkcji znajduje się w dziełach wielu pisarzy i kompozytorów ostatniej trzeciej XIH. XX wiek. Takie elementy impresjonistycznego estetyki jako rozmyte formularza, utrwalenie uwagi na jasne, ale losowe detale flotingowe, niedrogie, mgliste wskazówki itp., Nieodłączne w kreatywności G. De Moopassana, AP. Czechowa, wczesne T.mann, Poezja R.- M. Rileka, ale szczególnie - bracia zh. I E. Gekrur, przedstawiciele tak zwanych "psychologicznych i\u003e częściowo - K. Gamsun. Techniki impresjoniczne opierały się, zasadniczo rozwijając je, m.Prust i pisarzy "przepływu świadomości". W muzyce, francuskich kompozytorów K. Trydsevi, M. Iravel, P. Dyuk i inni, którzy korzystali z stylu i estetyki I. W swojej pracy. Ich muzyka jest wypełniona natychmiastowymi doświadczeniami piękna i lirykty krajobrazu, prawie naśladując grę fal morskich lub szelestem liści, świszczącego uroku starożytnych mitologicznych działek, radość chwilowego życia, duchowość Ziemskie istnienie, ciesząc się niekończącymi się przepełnieniami dźwięku. Podobnie jak malarzy, rozmazują wiele tradycyjnych gatunków muzycznych, wypełniając je inną treścią, wzmacniają uwagę na czysto estetyczne skutki języka muzycznego, znacznie wzbogacając palety ekspresyjnych i wizualnych mediów. "Notywa to przede wszystkim" Muzykolog I. pisze V.Nestev, - do sfery harmonii ze swoją techniką równoległości i kapryśne ryzyko nierozwiązanych kolorowych spotów konsoniance. Impresjonici znacząco rozszerzyli nowoczesny system tonalny, otwierając drogę do wielu harmonijnych innowacji XX wieku. (Chociaż został zauważalnie osłabiony przez jasność stosunków funkcjonalnych). Powikłanie i obrzęk CHORD Compleels (Nonaksord, UncoCorcords, Quarters) są połączone z uproszczeniem, archeizacją myślenia Lade (naturalne wolności, pentatoniczne, kompleksy sensowe). W orkiestrzeni, kompozytors-impresyści przeważają czyste farby, kapryśny blask; Solo z drewnianych wiatrów często stosuje się, przejście harfy, kompleksowy ciąg Divisi, efekty Con Sordino. Typowe i czysto dekoracyjne, równomierne stroje płynkowe. Rytmika poza Sybka i nieuchwytna. Brak zaokrąglonych konstrukcji są charakterystyczne dla melodii, ale krótkich ekspresyjnych symboli fraz, prostota motywów. Jednocześnie znaczenie każdego dźwięku, barw, Chord, nieskończone możliwości rozbudowy Lady ujawniły niezwykle w muzyce impresjonistów. Specjalna świeżość muzyki impresjonistów dała częste odwołanie się do gatunków tańca piosenek, subtelną realizację Lyady, rytmicznych elementów zapożyczonych w folklorowi narodów Wschodu, Hiszpanii, we wczesnych formach Negro Jazz "(Muzyka Encyklopedia. T. 2, M., 1974. STB. 507). Uwzględniając uwagę artysty artysty na reflektor i koncentrując się na hedonistycznej funkcji sztuki, I. ujawnił nowe perspektywy i możliwości przed kulturą artystyczną, którą skorzystała (a nawet czasem nadmiernie) w XX wieku. Oświetlone: \u200b\u200bVenturi L. od Many do Lotter. M., 1938; Revalad J. Historia impresjonizmu. L.-M., 1959; Impresjonizm. Litery artystów. L., 1969; SerallZ M. Encyclopedie de LimpressionNisme. P., 1977; Montieret S. LimpressionNisme et Son Epoque. T. 1-3. P., 1978-1980; Kroher E. Impressionismus in der Musik. Lipsk. 1957. L.B.