Abstrakcjonizm: Definicja, typy i artystów. Skład streszczenie (zasady wyświetlania ludzkich doznania) Abstrakcjonizm Przykłady obrazów

W ubiegłym wieku kierunek abstrakcyjny stał się prawdziwym przełomem w historii sztuki, ale dość naturalnie - osoba zawsze szukała nowych form, właściwości i pomysłów. Ale w naszym stuleciu ten styl sztuki powoduje wiele pytań. Co to jest abstrakcja? Porozmawiajmy o tym dalej.

Abstrakcjonizm w obrazie i sztuce

W stylu abstrakcjonizm Artysta wykorzystuje wizualny język form, konturów, linii i kolorów do interpretacji tematu. Kontrastuje to z tradycyjnymi formami sztuki, które otrzymują bardziej literacką interpretację przedmiotu - transmituje "rzeczywistość". Abstrakcjonizm pozostawia jak najdalej z klasycznej sztuki wizualnej, jak to możliwe; Reprezentuje świata przedmiotowego wcale w rzeczywistości.

Abstrakcjonizm w sztuce wyzwacza umysł obserwatora, podobnie jak jego emocje - aby w pełni ocenić dzieło sztuki, obserwator musi pozbyć się potrzeby zrozumienia, że \u200b\u200bartysta próbuje powiedzieć, a on musi poczuć sama emocje odpowiedzi. Wszystkie aspekty życia są podatne na interpretację poprzez abstrakcję - wiara, obawy, pasje, reakcja na muzykę lub charakter, obliczenia naukowe i matematyczne, i tak dalej.

Ten kierunek w sztuce powstał w XX wieku, wraz z kubizmem, surrealizmem, dadaizmem i innymi, chociaż dokładny czas jest nieznany. Główni przedstawiciele stylu abstrakcjonistyzmu w malarstwie, jest zwyczajny, aby rozważyć takich artystów jak Wasily Kandinsky, Robert Delone, Kazimier Malewicz, Frantios Kupka i Pete Mondrian. Mówimy o ich kreatywności i ważnych obrazach.

Zdjęcia słynnych artystów: abstrakcja

Wasily Kandinsky.

Kandinsky był jednym z pionierów sztuki abstrakcyjnej. Rozpoczął szafy w impresjonizmu, a także abstrakcjonizm przyszedł do stylu. W swojej pracy wykorzystał relacje między kolorem a formą do tworzenia doświadczeń estetycznych, który pokryłby zarówno wizję, jak i emocje publiczności. Uważał, że kompletna abstrakcja daje przestrzeń na głęboką, transcendentalną ekspresję, a kopiowanie rzeczywistości uniemożliwia ten proces.

Malarstwo było głębokie duchowe dla Kandinsky. Starał się przekazać głębię ludzkich emocji poprzez uniwersalny wizualny język abstrakcyjnych form i kolorów, które przekroczyłyby granice fizyczne i kulturowe. On widział abstrakcjonizm Jako idealny reżim wizualny, który może wyrazić "wewnętrzną konieczność" artysty i przekazać ludzkie pomysły i emocje. Uważał się za prorokiem, którego misją jest dzielenie się tymi ideałami ze światem, na rzecz społeczeństwa.

"Skład IV" (1911)

Ukryty w jasnych kolorach i jasne czarne linie przedstawiają kilka kozaków z włóczniami, a także łodziami, liczbami i zamkiem na szczycie wzgórza. Jak w wielu obrazach tego okresu reprezentuje apokaliptyczną bitwę, która doprowadzi do wiecznego świata.

W celu ułatwienia rozwoju swobodnego stylu malarstwa, jak opisano w swojej pracy "w duchu w sztuce" (1912), Kandinsky zmniejsza obiekty do symboli piktograficznych. Dzięki usunięciu większości odwołań do świata zewnętrznego Kandinsky wyraził swoją wizję do bardziej wszechstronnego sposobu przekładania duchowej istoty przedmiotu poprzez wszystkie te formy w języku wizualnym. Wiele z tych symbolicznych postaci powtórzono i wyrafinowano w późniejszej pracy, stając się jeszcze bardziej abstrakcyjnym.

Kazimir Malevich.

Pomysły Malewicza o formie i znaczeniu w sztuce, w taki czy inny sposób prowadzić do koncentracji na teorii stylu abstrakcjonizmu. Malewicz pracował z różnymi stylami w malarstwie, ale przede wszystkim koncentruje się na badaniu czystej geometrycznej form (kwadratów, trójkątów, kręgów) i ich stosunek do siebie w przestrzeni wizualnej.

Dzięki kontaktom na Zachodzie Malewicz był w stanie przekazać swoje pomysły na temat malarstwa artystów w Europie i Stanach Zjednoczonych, a zatem głęboko wpływają na ewolucję sztuki współczesnej.

"Black Square" (1915)

Obraz kultowy "Black Square" został po raz pierwszy pokazany przez Malewicz na wystawie w Piotrogrodzie w 1915 roku. Praca ta uosabia teoretyczne zasady suprematyzmu opracowanego przez Malewicz w swoim eseju "z kubizmu i futuryzmu do suprematyzmu: nowy realizm w malarstwie".

W Internecie przed widzem jest abstrakcyjna forma w postaci czarnego kwadratu - jest to jedyny element kompozycji. Pomimo faktu, że obraz wydaje się prosty, przedstawia takie elementy jak odciski palców, uderzenia pędzla, obieranie przez czarne warstwy farby.

Dla Malewicza placu odnosi się do uczuć, a biały jest pustka, nic. Widział czarny plac jako obecność podobną do boga, ikona, jakby mogła stać się nowym świętym sposobem na imponującą sztukę. Nawet na wystawie to zdjęcie zostało umieszczone w miejscu, w którym ikona ma zwykle w rosyjskim domu.

Pete Mondrian.

Pita Mondrian, który jest jednym z założycieli holenderskiego ruchu "De style", uznają czystość jego abstrakcji i praktyki metodycznej. On dość radykalnie uprościł elementy swoich obrazów, aby wyświetlić to, co widział, nie bezpośrednio i przenośnie i tworzyć jasny i uniwersalny język estetyczny w swoich płótniach.

W najsłynniejszych obrazach od lat 20. XX wieku Mondrian zmniejsza kształty do linii i prostokątów, a paleta jest najprostsza. Wykorzystanie równowagi asymetrycznej stało się fundamentalnym w rozwoju sztuki współczesnej, a jego kultowe prace abstrakcyjne zachowują swój wpływ w projektowaniu i znajomym kultury popularnej i dziś.

"Szare drzewo" (1912)

"Szare drzewo" jest przykładem wczesnego przejścia Mondriana do stylu abstrakcjonizm. Trójwymiarowe drzewo jest zredukowane do najprostszych linii i samolotów, używając tylko szarych i czarnych odcieni.

To zdjęcie jest jednym z prac prac Mondriana stworzony z bardziej realistycznym podejściem, gdzie na przykład drzewa są przedstawiane naturalistycznie. Podczas gdy późniejsze prace stały się coraz bardziej abstrakcyjne, na przykład, linie drzew są zmniejszone, aż kształt drzewa jest ledwo zauważalny i wtórny w odniesieniu do ogólnej składu linii pionowych i poziomych.

Tutaj możesz nadal zobaczyć interes Mondriana do porzucenia zorganizowanej organizacji linii. Ten krok był znaczący dla rozwoju czystej abstrakcji Mondriany.

Robert Delone.

Delone był jednym z najwcześniejszych artystów abstrakcji. Jego kreatywność wpłynęła na rozwój tego kierunku, na podstawie napięcia kompozytorskiego, co było spowodowane opozycją kolorów. Szybko padł pod neo-impresjonistycznym efektem kolorowym i bardzo ściśle przestrzegając kolorowym systemem pracy w stylu abstrakcji. Uważał, że kolor i światło jest głównymi narzędziami, z pomocą którego można wpływać na obiekt obiektu.

Do 1910 r. Delon dokonał własnego wkładu do kubizmu w postaci dwóch serii obrazów przedstawiających katedry i wieży Eiffla, która łączyła formy sześcienne, dynamikę ruchu i jasnych kolorów. Ten nowy sposób korzystania z harmonii kolorów pomógł oddzielić ten styl z kubizmu prawosławnego, otrzymując nazwę ormizmu i natychmiast wpłynął na europejskich artystów. W tym samym stylu obrazy kontynuowały napisanie obrazów przez żonę Delone, artysty Sonya Terk-Delone.

Wieża Eiffla (1911)

Główną dzieło Delone'a dedykowane jest wieży Eiffla - słynny symbol Francji. Jest to jeden z najbardziej imponujących z szeregu jedenastu obrazów poświęconych wieży Eiffla w latach 1909-1911. Jest namalowany w jasnym kolorze, który natychmiast odróżnia ją z otaczającego miasta. Imponujący rozmiar płótna dodatkowo zwiększa wielkość tego budynku. Jako duch wieże wieżowe wokół otaczających domów, w sensie figuratywnym potrząsając fundamenty starego porządku.

Obraz Delone przekazuje to uczucie nieograniczonego optymizmu, niewinności i świeżości czasu, co jeszcze nie było świadkiem dwóch wojen światowych.

Frantishek Kupka.

Frantishek Cup - Czechoslovak Artysta rysunek w stylu abstrakcjonizmKto ukończył Praga Akademii Sztuk Pięknych. Jako student, przede wszystkim malowany na tematy patriotyczne i napisał historyczne kompozycje. Jego wczesne prace były bardziej akademickie, jednak jego styl rozwinął się przez lata i ostatecznie przeniósł się do abstrakcji. Napisane w bardzo realistyczny sposób, nawet jego wczesne prace, zawierały mistyczne surrealistyczne tematy i symbole, które zachowały i podczas pisania abstrakcji.

Zamach wierzył, że artysta i jego praca biorą udział w długiej kreatywnej działalności, której natura nie jest ograniczona jako absolutna.

"Amorph. Fuga w dwóch kolorach "(1907-1908)

Począwszy od 1907-1908, kasa zaczęła rysować serię portretów dziewczyny trzymającej miskę w ręku, jakby zamierzała grać lub tańczyć z nim. Potem rozwinął coraz więcej schematycznych obrazów, a ostatecznie otrzymał serię w pełni abstrakcyjnych rysunków. Zostały one ukończone w ograniczonej palecie kolorów czerwonych, niebieskich, czarno-białych.

W 1912 roku, w salonie jesieni, jedna z tych abstrakcyjnych prac była pierwsza publicznie wystawiona w Paryżu.

Styl Abstrakcjonizm nie traci swojej popularności i malarstwa XXI wieku - miłośnicy sztuki współczesnej nie mają nic przeciwko udostępnianiu swojego domu jako arcydzieło, a praca w tym stylu lata od młotka na wszelkiego rodzaju aukcji dla wspaniałych ilości.

Dowiedz się więcej o abstrakcji w sztuce pomoże Ci następujący film:

Abstrakcja (lat. abstracto. - Usuwanie, rozproszenie uwagi) lub sztuka poza piosenkacyjna - Kierunek sztuki, odmówił obrazu form w malarstwie i rzeźbie. Jednym z celów abstrakcji jest osiągnięcie "harmonizacji", przy użyciu obrazu niektórych kombinacji kolorów i form geometrycznych, powodując poczucie kompletności i zakończenia kompozycji w współczesnej. Znakomite figury: Wasily Kandinsky, Kazimir Malevich, Natalia Goncharov i Michail Larionav, Pete Mondrian.

Historia

Abstrakcjonizm (Sztuka w ramach znaku zerowego formularza, nieograniczona sztuka) jest kierunkiem artystycznym, który utworzył w dziedzinie pierwszej połowy XX wieku, w pełni odmówił odtworzenia form prawdziwego widzialnego świata. Założyciele abstrakcji są uważane za V. Kandinsky , P. Mondriana. iK. Malewicz.

V. Kandinsky stworzył swój własny rodzaj abstrakcyjnego malarstwa, uwalniając ze wszystkich oznak zastępowania plamami impresjonistów i "dzikimi". Pete Mondrian przyszedł do jego Freiness dzięki geometrycznej stylizacji przyrody, rozpoczęty przez Cezanne i Kubistami. Modernistyczne przepływy XX wieku, skoncentrowane na abstrakcji, całkowicie odejść z tradycyjnych zasad, odmawiając realizmu, ale pozostają w ramach art. Historia sztuki wraz z pojawieniem się abstrakcji przetrwała rewolucję. Ale ta rewolucja nie pojawiła się przypadkowo, ale dość naturalnie i została przewidziana przez Platona! W swojej późnej pracy Phyleb napisał o pięknie linii, powierzchni i form przestrzennych, niezależnie od wszystkich imitacja widocznych przedmiotów, ze wszystkich monezy. Ten rodzaj geometrycznego piękna, w przeciwieństwie do piękna naturalnych "nieprawidłowych" form, zgodnie z Platonem, nie ma względów, ale bezwarunkowej, absolutnej charakteru.

20 wieków i nowoczesności

Po pierwszej wojnie światowej 1914-18 trendy sztuki abstrakcyjnej często objawiano w pewnych dziełach przedstawicieli dadaizmu i surrealizmu; Jednocześnie pragnienie znalezienia wykorzystania nieaktywnych form architektury, sztuki dekoraktycznej, projektu (eksperymenty grupy stylu "i" bauhaus "). Kilka abstrakcyjnych grup sztuki ("betonowa sztuka", 1930; "Circle and Square", 1930; "Abstrakcja i kreatywność", 1931), jednoczących artystów różnych narodowości i trendów, pochodzących na początku lat 30., główny we Francji. Jednak sztuka abstrakcyjna nie otrzymała szerokiej dystrybucji i do połowy 30 osób. Grupy się rozpadły. W latach II wojny światowej, 1939-45 w Stanach Zjednoczonych pojawiła się szkoła tzw. Rozbudowy ekspresjonizmu (malarzy J. Pollock, M. Toby Et

W drugiej połowie lat 50-tych sztuka instalacji, pop Art powstała w Stanach Zjednoczonych, nieco później znanych Andy Warhol z jego niekończącą się replikacją portretów Marilyn Monroe i puszki dla psów - kolaż abstrakcja. W sztuce obrazowej 60., najmniej agresywnej, statycznej formy abstrakcji - minimalizm stał się popularny. W tym samym czasie Barnet Newman., założyciel amerykańskiej abstrakcji geometrycznej, wraz z A. Lieberman, A. Heldi K. Noland. Z powodzeniem zaangażowany w dalszy rozwój idei holenderskiego neoplastyczności i rosyjskiego suprematyzmu.

Kolejny kurs amerykańskim malarstwa nazywano "Chromatycznym" lub "postsiblish" abstrakcjonizmem. Przedstawiciele w pewnym stopniu wypchnęli z FOVISMA i postmistyzmu. Twardy styl, podkreślono ostre kontury E. Celly, J. Yungherman, F. Sustla Stopniowo gorszy od malowania kontemplacyjnego melancholicznego magazynu. W latach 70. - lat 80. amerykański obraz powrócił do figuratyczności. Ponadto najszerszy spread otrzymał taką skrajną manifestację jako fotorealizm. Większość historyków sztuki zbiegają się na fakt, że lata 70. jest momentem prawdy na amerykańską sztukę, ponieważ w tym okresie został ostatecznie uwolniony od wpływu europejskiego i był czysto amerykański. Jednak pomimo powrotu tradycyjnych form i gatunków, od portretu do obrazu historycznego, nie zniknął i abstrakcji.

Obrazy, dzieła sztuki "w niekorzystnej sytuacji" były nadal tworzone, ponieważ powrót do realizmu w Stanach Zjednoczonych nie był nadleciany przez abstrakcję jako taką, ale jej kanonizacja, zakaz sztuki figuratywnej, która została zidentyfikowana przede wszystkim z naszym realizmem społecznym i Dlatego nie mógł być uznany za odrażający w "Darmowe" społeczeństwo demokratyczne ", zakaz" niskich "gatunków, na temat funkcji społecznych sztuki. Jednocześnie stylistyka malarstwa abstrakcyjnego zdobyła trochę miękkości, której nie bierze przed, - usprawnienie woluminów, rozmycie konturów, bogactwo półtonów, cienkich kolorów rozwiązań ( E. Murray, St. Hephon, L. Rivers, Pan L. Huese, A. Ballod).

Wszystkie te trendy położyły fundament na rzecz rozwoju nowoczesnego abstrakcji. W kreatywności może być nic mrożonego, ponieważ byłoby dla niego śmierć. Ale cokolwiek ścieżki są abstrakcjonizmem, bez względu na to, jak jest przekształcona, istota go zawsze pozostaje niezmieniona. Jest to taki, że abstrakcjonizm w sztuce wizualnej jest najbardziej przystępnym i szlachetnym sposobem na przechwycenie osobistego istoty, aw formie, że ani nie jest odpowiednie - jak wrażenie faksowe. Jednocześnie abstrakcjonizm jest bezpośrednią realizacją wolności.

Kierunki

W abstrakcji można wyróżnić dwa wyraźne kierunki: abstrakcja geometryczna, oparta głównie na dobrze zdefiniowanych konfiguracjach (Malevich, Mondrian) i abstrakcji lirycznej, w której składnia jest organizowana z bezpłatnych formularzy (Kandinsky). Również w abstrakcji istnieje kilka innych poważnych wydatków.

Kubizm

Kierunek awangardowy w sztukach wizualnych początkowo na początku XX wieku i charakteryzuje się stosowaniem uwarunkowych form kształt geometrycznego, pragnienie "zmiażdżenia" rzeczywistych obiektów do stereometrów prymitywów.

Regionizm (Raysism)

Kierunek sztuki abstrakcyjnej z 1910 roku, w oparciu o wymianę widmów świetlnych i odpowiednich światła. Charakteryzuje się ideą pojawienia się formularzy z "skrzyżowania odzwierciedlonych promieni różnych przedmiotów", ponieważ osoba jest w rzeczywistości nie postrzegana przez osobę, ale "ilość promieni pochodzących z źródła światła odzwierciedlone temat ".

Neolastyczność

Oznaczenie kierunku sztuki abstrakcyjnej, która istniała w latach 1917-1928. W Holandii i United Artists, którzy grupowali wokół magazynu "De Stijl" ("Style"). Charakteryzuje wyraźne prostokątne formy w architekturze i malarstwie abstrakcyjnym w układzie dużych prostokątnych samolotów, pomalowanych w głównych kolorach widma.

Ormizm

Kierunek w francuskim obrazie 1910s. Organów denerwujących starali się wyrażać dynamikę ruchu i muzykalności rytmów przy użyciu "wzorów" interpenitracji podstawowych kolorów widma i połączenia powierzchni zakrętnych.

Suprematyzm.

Kierunek w sztuce awangardowej, założonej w 1910 roku. Malewicz. Został wyrażony w kombinacjach wielokolorowych samolotów najprostszych konturów geometrycznych. Połączenie wielokolorowych figur geometrycznych tworzy zrównoważone asymetryczne kompozycje suprematyczne przenikane przez ruch wewnętrzny.

Tasizm

Przepływ z lat 1950-60 w Europie Zachodniej Abstrakcjonizmu, który otrzymał największą dystrybucję w Stanach Zjednoczonych. To malowanie plam, które nie odtwarzają zdjęć rzeczywistości, ale wyrażają nieprzytomną aktywność artysty. Rozmazy, linie i plamy w Taszmizmie są stosowane do płótna szybkich ruchów dłoni bez określonego planu.

Abstrakcyjny ekspresjonizm

Ruch artystów, szybko rysuje i na dużych płótnach, przy użyciu pociągnięć nie-geometrycznych, duże szczotki, czasem kapiące farbami do płótna, dla najwyższej identyfikacji emocji. Ekspresyjna metoda malowania często ma taką samą wartość jak sam rysunek.

Abstrakcjonizm we wnętrzu

Ostatnio abstrakcjonizm zaczął ruszać się z obrazami artystami w przytulnym wnętrzu domu, odnawiając go. Minimalistyczny styl przy użyciu wyraźnych form, czasami dość niezwykły, sprawia, że \u200b\u200bpokój nietypowy i interesujący. Ale bardzo proste jest przesadzanie z kolorami. Rozważ kombinację pomarańczowego koloru w tak stylista wnętrza.

Biały najlepiej rozcieńczy się nasyconą pomarańczą i jak go fajne. Kolor pomarańczy sprawia, że \u200b\u200bpokój staje się gorętszy, więc trochę; nie zapobiegaj. Fokus musi być na meblach lub zaprojektować go na przykład pomarańczowy narzuty. W tym przypadku białe ściany będą muflowe jasność koloru, ale opuści pokój kolorowy. W tym przypadku obrazy tej samej gamma posłuży jako doskonały dodatek - główną rzeczą nie jest przesadzanie, w przeciwnym razie będą problemy ze snem.

Połączenie pomarańczowych i niebieskich kolorów jest oddalone o każdy pokój, jeśli nie dotyczy przedszkola. Jeśli wybierzesz nie jasne odcienie, pomyślnie zharmonizują się nawzajem, dodają nastroje i nie wpłynęły niekorzystnie nawet nadpobudliwe dzieci.

Orange jest idealnie połączony z zielonym, tworząc efekt drzewa mandarynki i odcień czekoladowy. Brązowy - kolor, który różni się od ciepłego do zimna, więc doskonale normalizuje całkowitą temperaturę pomieszczenia. Ponadto taka kombinacja kolorów jest odpowiednia do kuchni i salonu, gdzie musisz stworzyć atmosferę, ale nie przeciążaj wnętrza. Umieszczanie ścian w kolorach białych i czekoladowych, można bezpiecznie umieścić pomarańczowe krzesło lub zawiesić jasny obraz z bogatym mandarynami. Podczas gdy jesteś w takim pokoju, będziesz miał wspaniały nastrój i pragnienie, aby jak najwięcej przypadków, jak to możliwe.

Zdjęcia słynnych artystów abstrakcji

Kandinsky był jednym z pionierów sztuki abstrakcyjnej. Rozpoczął szafy w impresjonizmu, a także abstrakcjonizm przyszedł do stylu. W swojej pracy wykorzystał relacje między kolorem a formą do tworzenia doświadczeń estetycznych, który pokryłby zarówno wizję, jak i emocje publiczności. Uważał, że kompletna abstrakcja daje przestrzeń na głęboką, transcendentalną ekspresję, a kopiowanie rzeczywistości uniemożliwia ten proces.

Malarstwo było głębokie duchowe dla Kandinsky. Starał się przekazać głębię ludzkich emocji poprzez uniwersalny wizualny język abstrakcyjnych form i kolorów, które przekroczyłyby granice fizyczne i kulturowe. On widział abstrakcjonizm Jako idealny reżim wizualny, który może wyrazić "wewnętrzną konieczność" artysty i przekazać ludzkie pomysły i emocje. Uważał się za prorokiem, którego misją jest dzielenie się tymi ideałami ze światem, na rzecz społeczeństwa.

Ukryty w jasnych kolorach i jasne czarne linie przedstawiają kilka kozaków z włóczniami, a także łodziami, liczbami i zamkiem na szczycie wzgórza. Jak w wielu obrazach tego okresu reprezentuje apokaliptyczną bitwę, która doprowadzi do wiecznego świata.

W celu ułatwienia rozwoju swobodnego stylu malarstwa, jak opisano w swojej pracy "w duchu w sztuce" (1912), Kandinsky zmniejsza obiekty do symboli piktograficznych. Dzięki usunięciu większości odwołań do świata zewnętrznego Kandinsky wyraził swoją wizję do bardziej wszechstronnego sposobu przekładania duchowej istoty przedmiotu poprzez wszystkie te formy w języku wizualnym. Wiele z tych symbolicznych postaci powtórzono i wyrafinowano w późniejszej pracy, stając się jeszcze bardziej abstrakcyjnym.

Kazimir Malevich.

Pomysły Malewicza o formie i znaczeniu w sztuce, w taki czy inny sposób prowadzić do koncentracji na teorii stylu abstrakcjonizmu. Malewicz pracował z różnymi stylami w malarstwie, ale przede wszystkim koncentruje się na badaniu czystej geometrycznej form (kwadratów, trójkątów, kręgów) i ich stosunek do siebie w przestrzeni wizualnej. Dzięki kontaktom na Zachodzie Malewicz był w stanie przekazać swoje pomysły na temat malarstwa artystów w Europie i Stanach Zjednoczonych, a zatem głęboko wpływają na ewolucję sztuki współczesnej.

"Black Square" (1915)

Obraz kultowy "Black Square" został po raz pierwszy pokazany przez Malewicz na wystawie w Piotrogrodzie w 1915 roku. Praca ta uosabia teoretyczne zasady suprematyzmu opracowanego przez Malewicz w swoim eseju "z kubizmu i futuryzmu do suprematyzmu: nowy realizm w malarstwie".

W Internecie przed widzem jest abstrakcyjna forma w postaci czarnego kwadratu - jest to jedyny element kompozycji. Pomimo faktu, że obraz wydaje się prosty, przedstawia takie elementy jak odciski palców, uderzenia pędzla, obieranie przez czarne warstwy farby.

Dla Malewicza placu odnosi się do uczuć, a biały jest pustka, nic. Widział czarny plac jako obecność podobną do boga, ikona, jakby mogła stać się nowym świętym sposobem na imponującą sztukę. Nawet na wystawie to zdjęcie zostało umieszczone w miejscu, w którym ikona ma zwykle w rosyjskim domu.

Pete Mondrian.

Pita Mondrian, który jest jednym z założycieli holenderskiego ruchu "De style", uznają czystość jego abstrakcji i praktyki metodycznej. On dość radykalnie uprościł elementy swoich obrazów, aby wyświetlić to, co widział, nie bezpośrednio i przenośnie i tworzyć jasny i uniwersalny język estetyczny w swoich płótniach. W najsłynniejszych obrazach od lat 20. XX wieku Mondrian zmniejsza kształty do linii i prostokątów, a paleta jest najprostsza. Wykorzystanie równowagi asymetrycznej stało się fundamentalnym w rozwoju sztuki współczesnej, a jego kultowe prace abstrakcyjne zachowują swój wpływ w projektowaniu i znajomym kultury popularnej i dziś.

"Szare drzewo" jest przykładem wczesnego przejścia Mondriana do stylu abstrakcjonizm. Trójwymiarowe drzewo jest zredukowane do najprostszych linii i samolotów, używając tylko szarych i czarnych odcieni.

To zdjęcie jest jednym z prac prac Mondriana stworzony z bardziej realistycznym podejściem, gdzie na przykład drzewa są przedstawiane naturalistycznie. Podczas gdy późniejsze prace stały się coraz bardziej abstrakcyjne, na przykład, linie drzew są zmniejszone, aż kształt drzewa jest ledwo zauważalny i wtórny w odniesieniu do ogólnej składu linii pionowych i poziomych. Tutaj możesz nadal zobaczyć interes Mondriana do porzucenia zorganizowanej organizacji linii. Ten krok był znaczący dla rozwoju czystej abstrakcji Mondriany.

Robert Delone.

Delone był jednym z najwcześniejszych artystów abstrakcji. Jego kreatywność wpłynęła na rozwój tego kierunku, na podstawie napięcia kompozytorskiego, co było spowodowane opozycją kolorów. Szybko padł pod neo-impresjonistycznym efektem kolorowym i bardzo ściśle przestrzegając kolorowym systemem pracy w stylu abstrakcji. Uważał, że kolor i światło jest głównymi narzędziami, z pomocą którego można wpływać na obiekt obiektu.

Do 1910 r. Delon dokonał własnego wkładu do kubizmu w postaci dwóch serii obrazów przedstawiających katedry i wieży Eiffla, która łączyła formy sześcienne, dynamikę ruchu i jasnych kolorów. Ten nowy sposób korzystania z harmonii kolorów pomógł oddzielić ten styl z kubizmu prawosławnego, otrzymując nazwę ormizmu i natychmiast wpłynął na europejskich artystów. W tym samym stylu obrazy kontynuowały napisanie obrazów przez żonę Delone, artysty Sonya Terk-Delone.

Główną dzieło Delone'a dedykowane jest wieży Eiffla - słynny symbol Francji. Jest to jeden z najbardziej imponujących z szeregu jedenastu obrazów poświęconych wieży Eiffla w latach 1909-1911. Jest namalowany w jasnym kolorze, który natychmiast odróżnia ją z otaczającego miasta. Imponujący rozmiar płótna dodatkowo zwiększa wielkość tego budynku. Jako duch wieże wieżowe wokół otaczających domów, w sensie figuratywnym potrząsając fundamenty starego porządku. Obraz Delone przekazuje to uczucie nieograniczonego optymizmu, niewinności i świeżości czasu, co jeszcze nie było świadkiem dwóch wojen światowych.

Frantishek Kupka.

Frantishek Cup - Czechoslovak Artysta rysunek w stylu abstrakcjonizmKto ukończył Praga Akademii Sztuk Pięknych. Jako student, przede wszystkim malowany na tematy patriotyczne i napisał historyczne kompozycje. Jego wczesne prace były bardziej akademickie, jednak jego styl rozwinął się przez lata i ostatecznie przeniósł się do abstrakcji. Napisane w bardzo realistyczny sposób, nawet jego wczesne prace, zawierały mistyczne surrealistyczne tematy i symbole, które zachowały i podczas pisania abstrakcji. Zamach wierzył, że artysta i jego praca biorą udział w długiej kreatywnej działalności, której natura nie jest ograniczona jako absolutna.

"Amorph. Fuga w dwóch kolorach "(1907-1908)

Począwszy od 1907-1908, kasa zaczęła rysować serię portretów dziewczyny trzymającej miskę w ręku, jakby zamierzała grać lub tańczyć z nim. Potem rozwinął coraz więcej schematycznych obrazów, a ostatecznie otrzymał serię w pełni abstrakcyjnych rysunków. Zostały one ukończone w ograniczonej palecie kolorów czerwonych, niebieskich, czarno-białych. W 1912 roku, w salonie jesieni, jedna z tych abstrakcyjnych prac była pierwsza publicznie wystawiona w Paryżu.

Nowoczesne Abstrasts.

Od początku XX wieku artystów, w tym Pablo Picasso, Salvador Dali, Casymir Malevich, Wasilia Kandinsky - Eksperyment z formami obiektów i ich percepcji, a także kwestionowali istniejące kanony w tej dziedzinie. Przygotowaliśmy wybór znanych nowoczesnych artystów abstacji, którzy postanowili pchać swoje granice wiedzy i stworzyć własną rzeczywistość.

Niemiecki artysta David Schnel. (David Schnell) lubi wędrować wokół miejsc, w których panował naturę, a teraz są rygorystyczne dla budynków ludzi - z placów zabaw do fabryk i fabryk. Wspomnienia o tych spacerach i rodzą jego jasne abstrakcyjne krajobrazy. Dając wolę jego wyobraźni i pamięci, fotografii i filmów, David Schenele tworzy zdjęcia, które przypominają komputerową rzeczywistość lub ilustracje dla książek fikcyjnych.

Tworzenie ich na dużą skalę abstrakcyjnych obrazów, amerykański artysta Kristin Baker. (Kristin Baker) wyciąga inspirację z historii sztuki i wyścigów nad Nascarem i Formułą 1. Sól daje objętość pracy, nakładając się na kilka warstw farby akrylowej i shoking sylwetki z szkocką. Potem Christine starannie wyrzuca go, co pozwala zobaczyć niższe warstwy farby i sprawia, że \u200b\u200bpowierzchnia jego obrazów podobnych do wielowarstwowego kolażu wielokolorowego. Na ostatnim etapie pracy skrapuje wszystkie nieprawidłowości, tworząc swoje obrazy, takie jak wrażenia rentgenowskie.

W ich pracach, artysta greckiego pochodzenia z Brooklyn, Nowy Jork, Eleanna Anagnes. (Eleanna Anagnos) bada aspekty życia codziennego, które często uciekają z poglądu ludzi. W trakcie jej "dialogu z płótnem", zwykłe koncepcje nabywają nowe znaczenia i krawędzie: Negatywna przestrzeń staje się pozytywna i małe formy wzrostu. Próbując wdychać "Życie na naszych zdjęciach", starałem się obudzić ludzkiego umysłu, który przestał zadawać pytania i być otwarte na coś nowego.

Rodzącym jasne plamy i domki farby, amerykański artysta Sara Spitler.(Sarah Spitler) ma na celu wyświetlanie w jego chaosie pracy, katastrofie, nierównowag i bałagan. Przyciąga to te koncepcje, ponieważ nie są one podatne na kontrolę od człowieka. Dlatego ich siła niszcząca sprawia, że \u200b\u200babstrakcyjne dzieła Sarah Spitler Potężne, energiczne i ekscytujące. Co więcej. Wynikowy obraz atramentu, farb akrylowych, ołówków grafitowych i emalii podkreśla eteryzm i względność tego, co dzieje się wokół płótna.

Rysowanie inspiracji z dziedziny architektury, artysta z Vancouver, Kanada, Jeff Dapner. (Jeff Depner) tworzy wielowarstwowe abstrakcyjne wzory składające się z kształtów geometrycznych. W artystycznej "chaos" stworzonym przez niego Jeff szuka harmonii w kolorze, kształcie i kompozycji. Każdy z elementów w swoich obrazach jest związany ze sobą i prowadzi do kolejnego: "Moja praca zbadająca strukturę składową [Zdjęcia] przez relację między kolorami w wybranej palecie ...". Według artysty jego obrazy są "abstrakcyjne znaki", które powinny odłożyć publiczność na nowy, nieświadomy poziom.

Wzór jednoprzygotowy, William Morris

"Abstrakcjonizm", zwany także "sztuką impregnowalną", "nieczynnikiem", "niebędącym rezydentem", "geometryczną abstrakcją" lub "szczególną sztuką", jest dość rozmytym kadencją parasolową dla każdego obiektu malarstwa lub rzeźby, która nie jest wyświetlana rozpoznawalne obiekty lub sceny. Jednak, jak widzimy, nie ma wyraźnego konsensusu w odniesieniu do definicji, typów lub wartości estetycznej sztuki abstrakcyjnej. Picasso pomyślał, że taka koncepcja w ogóle nie istnieje, podczas gdy niektórzy historycy sztuki uważają, że wszystkie sztuki jest abstrakcyjne - ponieważ na przykład, nie może liczyć się czegoś dużego niż wznowienie brutto, że widzi artystę. Ponadto istnieje przesuwna skala abstrakcji: z półstroty do w pełni abstrakcyjnej. Dlatego też, że teoria jest stosunkowo jasna - sztuka abstrakcyjna jest usuwana z rzeczywistości - praktyczne zadanie oddzielania streszczenia z prac nie-abstrakcyjnych może być znacznie bardziej problematyczny.

Jaki jest pomysł sztuki abstrakcyjnej?

Zacznijmy od bardzo prostego przykładu. Weź zły (nieopłacalny) rysunek czegoś. Wykonanie Obraz pozostawia wiele do życzenia, ale jeśli jego kolory są piękne, rysunek może nas uderzyć. Pokazuje to, jak formalna jakość (kolor) może zastąpić przedstawiciela (rysunek).
Z drugiej strony, fotorealistyczny obraz, powiedzmy, w domu może wykazać doskonałą grafikę, ale sam temat, schemat kolorów i całkowita kompozycja może być absolutnie nudna.
Filozoficzne uzasadnienie wyceny cech formalnych artystycznych wynikają z zatwierdzenia Platona, że: "Linie proste i koła ... nie tylko piękne ... ale wieczne i absolutnie piękne".

Konwergencja, Jackson Pollock, 1952

W istocie, przebudowa Platona oznacza, że \u200b\u200bobrazy innych niż naturalistyczne (kręgi, kwadraty, trójkąty itp.) Mają absolutne, niezmienione piękno. Tak więc, malowanie można oszacować tylko na jego linii i kolorach, nie musi przedstawić naturalnego obiektu lub sceny. Francuski artysta, litograf i teoretyka sztuki Maurice Denis (1870-1943) oznaczały to samo, gdy napisał: "Pamiętaj, że zdjęcie jest przed staniem się koniem wojskowym lub nagą kobietą ... zasadniczo płaską powierzchnią pokrytą kolorem zebranym przez kolor w określonym porządku. "

Frank Stella.

Rodzaje abstrakcji

Więc wszystko jest proste, możemy podzielić sztukę abstrakcyjną dla sześciu głównych typów:

• Krzywolinijny
• Założenie koloru lub światła
• Geometryczny
• Emocjonalny lub intuicyjny
• Gesturystyczny
• Minimalistyczny

Niektóre z tych typów są mniej abstrakcyjne niż inne, ale wszystkie są związane z oddziałem sztuki z rzeczywistości.

Curvilinear Abstrakcjonizm

Wiciokrzew, William Morris, 1876

Ten typ jest silnie związany z Celtic Art, który wykorzystuje wiele abstrakcyjnych motywów, w tym węzłów (osiem głównych typów), wzorców przeplotowych i spirali (w tym triscelion). Motywy te nie były wymyślone przez Celtów, wiele innych wczesnych kultur użył tych celtyckich ornamentów na przestrzeni wieków. Jednak jest to prawo do powiedzenia, że \u200b\u200bCeltic Projektanci odetchną nowym życiem w te wzory, czyniąc je bardziej skomplikowanymi i złożonymi. Później wrócili w XIX wieku, a zwłaszcza objawili się w okładkach książek, tkaninach, tapetowaniach i sortronów, podobnych do Williama Morrisa (1834-96) i Arthur McSuzurdo (1851-1942). Curvilinear Abstraction charakteryzuje się również taką koncepcją jako "Endless Picture" - powszechna cecha sztuki islamskiej.

Abstrakcjonizm oparty na kolorze lub świetle

Lily wodna, Claude Monet

Typ ten jest zilustrowany w dziełach Turner i Monet, który używa koloru (lub światła) w taki sposób, aby oddzielić dzieło sztuki z rzeczywistości, ponieważ obiekt rozpuszcza się w wir pigmentu. Przykłady mogą służyć jako lilia wodna Claude Monet (1840-1926), Talizman (1888, Musee d'Orsay, Paryż), Paul Seruzier (1864-1927). Kilka z ekspresistycznych obrazów Kandinsky napisanych w ich czasie z Real Blaue Ratiter jest bardzo blisko abstrakcji. Kolorowa abstrakcja pojawiła się ponownie pod koniec lat 40. i 50 lat w formie kolorowego obrazu opracowanego przez Mark Rotko (1903-70) i \u200b\u200bBarnett Newman (1905-70). W latach 50., we Francji równoległa różnorodność abstrakcyjnego obrazu związanego z kolorem, znana jako abstrakcja liryczna.

Talizman, Seru podłogowe

Geometryczna abstrakcja

Bougie-WGOS na Broadwayu, Pete Mondriana, 1942

Ten rodzaj intelektualnej sztuki abstrakcyjnej pojawił się od około 1908 roku. Wczesną podstawową formą był kubizm, w szczególności kubizm analityczny, który odrzucił perspektywę liniową i iluzję głębi przestrzennej w obrazie, aby skupić się na jego dwuwymiarowych aspektach. Abstrakcja geometryczna jest również znana jako szczególna sztuka sztuki sztuki i podejmowania. Ponieważ należy się spodziewać, charakteryzuje się to naturalistycznym obrazami, z reguły, kształty geometryczne, takie jak kółek, kwadraty, trójkąty, prostokąty itp. W pewnym sensie nie zawierają absolutnie bez odniesienia do świata naturalnego, a nie Bycie związanym z nim, geometryczny abstrakcjonizm jest najczystszą formą abstrakcji. Można powiedzieć, że betonowa sztuka dla sztuki abstrakcyjnej jest taka sama jak wegańska dla wegetarianizmu. Abstrakcja geometryczna jest reprezentowana przez czarne koło (1913, państwowe Muzeum Rosyjskie, Petersburg), napisane przez Casimir Malevich (1878-1935) (założyciel suprematyzmu); Bogi-Vui na Broadwayu (1942, Moma, Nowy Jork) Pete Mondriana (1872-1944) (założyciel neoplastyczny); I skład VIII (krowa) (1918, Moma, Nowy Jork) TEO VAN LEBOURG (1883-1931) (założyciel de styl i elementizm). Inne przykłady obejmują zatrudnienie Apel do Square Josef Albers Square (1888-1976) i OP-Art stworzony przez Viktor Vazareli (1906-1997).

Czarne koło, Kazimir Malevich, 1920

Skład VIII, TEO Van Cegła

Emocjonalna lub intuicyjna sztuka abstrakcyjna

Ten rodzaj sztuki obejmuje kombinację stylów, który całkowity temat jest naturalistycznym trendem. Ten naturalizm przejawia się w postaci postaci i używanych kolorów. W przeciwieństwie do abstrakcji geometrycznej, która jest prawie antrudna, intuicyjna abstrakcja często przedstawia naturę, ale mniej przedstawiciel. Dwa ważne źródła tego rodzaju sztuki abstrakcyjnej są: abstrakcja organiczna (zwana również abstrakcją biomorficzną) i surrealizmem. Być może najbardziej znany artysta specjalizujący się w tej formie sztuki urodził się w Rosji Mark Rotko (1938-70). Inne przykłady obejmują płótno Kandinsky, takie jak kompozycja nr 4 (1911, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen) i kompozycja VII (1913, Galeria TryTEKOV); Kobieta (1934, kolekcja prywatna) Joan Miro (1893-1983) i Division nieokreślony (1942, galeria sztuki Allbright-Knox, Buffalo) Yves Tangi (1900-55).

Niepewna dyfunkcja, Yves Tanga

Gestykulacja (gest) sztuki abstrakcyjnej

Untitled, D. Pollock, 1949

Jest to forma abstrakcyjnego ekspresjonizmu, gdy proces tworzenia obrazu staje się ważniejszy niż zwykle. Na przykład farba jest stosowana w sposób niezwykły, rozmazy są często bardzo luźne i szybkie. Sławni amerykańskie wykładnicy gestykulacyjnego malarstwa to Jackson Pollock (1912-56), wynalazca malarstwa działania i jego żony Lee Krasner (1908-84), który zainspirował go do wynalazku własnej technologii, tzw "malowanie kroplowi" ; Villem De Cuning (1904-97), znany z pracy w serii kobiety; I Robert Motherwell (1912-56). W Europie ta forma jest reprezentowana przez Grupę Cobra, w szczególności Karel Apel (1921-2006).

Minimalistyczna sztuka abstrakcyjna

Rysunek szkoleniowy, Ed Reinhardt, 1939

Ten rodzaj abstrakcji był rodzaj sztuki awangardowej, pozbawionej wszystkich zewnętrznych odniesień i stowarzyszeń. To jest to, co widzisz - i nic więcej. Często zajmuje kształt geometryczny. W tym kierunku zdominuje, że rzeźbiarze są zdominowani, chociaż obejmuje również kilku wspaniałych artystów, takich jak Ed Reinhardt (1913-67), Frank Stella (1936), których obrazy na dużą skalę i obejmują klastry formularza i kolorów; Sean Scully (1945) Irlandzko-amerykański artysta, którego prostokątne kształty, wydają się naśladować monumentalne formy prehistorycznych struktur. Jak również Joe Baer (1929 R.), Elsuworth Kelly (1923-2015), Robert Mangold (1937), Brys Marden (Urodzony w 1938 r.), Agnes Martin (1912-2004) i Robert Raiman (1930).

Elsuworth Kelly.

Frank Stella.

Z definicji zgodził się z Wikipedią, abstrakcjonizmem (Lat. alebtractio.n - usunięcie, rozproszenie uwagi) lub nie-piguratiwnylub Bezczasowykierunek sztuki, odrzucony obrazem formy w malarstwie, grafice i rzeźbie.

Aspekt estetycznej koncepcji pierwszych abstrakcjonystów był odmowa prawdziwej formy, która wymaga odbiorców erudycji i logicznego zrozumienia, na korzyść wyrażenia przynajmniej emocjonalnego wysłania netto. Jak przyjęto maksimum, że kreatywność artystyczna odzwierciedla wzorce wszechświata, ukryty za zewnętrznym, widocznym zjawiskiem rzeczywistości. Te wzory, intuicyjnie zrozumienie artysty, zostały wyrażone przez stosunek abstrakcyjnych form (kolorowe plamy, linie, woluminy, kształty geometryczne).

Figa. 1. V. V. Kandinsky. Pierwsza abstrakcyjna akwarela. 1910.

Szeroko wykorzystywany kompozycja abstrakcyjna rośnie z zakresu edukacji, gdzie określa brzmienie ćwiczenia uczenia się. Słowo "skład" nie jest używany w rozumieniu preparatu, ale w aspekcie zakończonej pracy. Raczej, oczywiście mówić o kompozycji w sztuce abstrakcyjnej. Jako sztuka "osobistego doświadczenia", abstrakcji w różnych okresach istnienia wstrząsnął widza, była awangardą sztuki, a potem śmieszna, została poddana potępieniu i cenzurowi, jako sztuka, która nie ma sensu i zwyrodnieniowa. Jednak obecnie abstrakcjonizm istnieje na równi ze wszystkimi innymi formami sztuki, a ponadto, wchodzi do specjalnych stanowisk zadań testów wprowadzających po przyjęciu do instytucji edukacyjnych dla specjalności architektonicznych i projektowych. Jako kontrola kreatywnych możliwości wnioskodawcy, test abstrakcji jest bardzo produktywny. Jasno identyfikuje kreatywne myślenie, wiedzę kompozytową i zdolność do wyrażania przedmiotu w skomplikowanych warunkach zakazu dla rozpoznawalnych form otaczających się świata. W końcu historycznie, pracując z podstawowymi elementami języka sztuki (te formy geometryczne, których można uzyskać przez krojenie nadmiaru w sztuce figuratywnej. Nie jest zaskakujące, że Abstrastowie były wykorzystywane przez ich nieaktywne formularze w estetyce przemysłowej (projektowania), projektowania artystycznego, architektury (aktywność grupy stylów w Holandii i Szkoła Bauhauses w Niemczech; praca Kandinsky Vagamuteremia; architektoniki i projekty projektowe Malevich; "Mobile" Alexander Kolder; projekty Vladimir Tatlin, praca Nauma Gabo i Antoine Pevzner). Działalność abstrakcjonystów przyczyniła się do powstania nowoczesnej architektury, sztuki dekoracyjnej i stosowanej, projektowania.

Osobiście autor jest interesujący dla kompozycji abstrakcyjnej tylko przez fakt, że na przykładzie warunkowanych abstrakcyjnych formularzy łatwiej jest zrozumieć psychoizjologiczne prawa postrzegania wizerunku widza i umieścić je w uzbrojeniu, gdy myśli autora jest Praca. W końcu w celu wprowadzenia ich pomysłów z interserwatywnym dla widza, jest logiczne do komunikowania się z językiem wizualnym, który jest jasny dla widza i artysty, który napisałem doktora sztuki historyk do Stepanov G.P. (Problemy składowe syntezy sztuki, 1984). W języku uniwersalnych gestaltów psychiki R. Arnheim (sztuka i percepcja wizualna. 1974), biorąc pod uwagę fizjologię oglądania i przetwarzania postrzegane przez mózg, który podsumował dla artystów w swojej książce G.I. Panksenov (malarstwo. Formularz, kolor, obraz, 2007). Ten temat jest szczegółowo opisany przez autora w artykułach "" i "", co zwiększy zrozumienie tego artykułu. Nawet gdy pierwsze pomysły przedmiotu (gatunek lub scena, skojarzenie-surrealistyczne, dekoracyjne itp.) Kompozycja są oparte na kompozycjach *, wszystkie obiekty w nim są zaplanowane z warunkowymi plamami lub masami, które następnie "Odcięcie" Metoda jest dostosowana do rozpoznawalnych formularzy. Teoria kompozycji dyktuje, że w warunkowych mas duża i mała, ciemna i światła na etapie pierwszych niejawnych szkiców, interakcji, harmonii, centrum kompozytowego, środka ekspresywności i delikatnie zachowana do Należy znaleźć koniec pracy nad pracą.

Figa. 2. Szkice obrazów. a) I.I. Levitan. Platforma. Zbliżający się pociąg. Naszkicować. 1879. GTG. b) Skład Spiridonov V.M. Multifigure. Szkic stanu Chuvash z 1941 roku. Muzeum. w)
Kiparisov P. G. Marichi Go. Szkice na zdjęcie "Kiedy kwiaty liliowe". Stan Chuvash. Muzeum.

Podejście to dotyczy wszystkich hipostazów kompozycji (gatunek, abstrakcyjne asocjacyjne, dekoracyjne itp.). Oczywiście, w abstrakcji, możemy bliżej widza tylko do każdego doświadczenia psychologicznego, nastroju, uczucia, ale nie jest zbyt mały dla pracy i merytorycznej natury. Dlatego zrozumienie kompozycji w abstrakcji rozszerzy horyzonty i artystów kierunków figuratywnych w art. Pochodzi z tych stanowisk, które przedstawiają hipotezę, że rozumienie komunikatu psychologicznego z wizualną powinno być podstawową zasadą wyrażania pewnych doznaniach w wiedzy złożonej. Pozwoli to artystce bardziej dokładniej wyrazić swój pomysł i stworzy silniejszy wpływ emocjonalny na widza w dziedzinie zarówno natury figuratywnej, jak i figuratywnej.

Jednakże, czy wszyscy urzędnicy rysunków rozumieją zasady wyświetlania pewnych doznaniach, konkretnego stowarzyszenia, nastroju w swobodnej kompozycji, z którym kodowany język autor i widza należy zaprzestać za pomocą obrazu?

* Wszystkie sztuki wizualne można podzielić na merytoryczny i wolny. Oba, a druga sekcja może być reprezentowana jako zestaw obszarów w sztuce, na przykład w sztuce abstrakcyjnej, dwie duże kierunki są geometryczne abstrakcja, oparta głównie na dobrze zdefiniowanych konfiguracjach (Malevich, Mondrian) i abstrakcji lirycznej, w której kompozycja jest organizowany z bezpłatnych formularzy (Kandinsky). W swoich ramach można wyróżnić bardziej wąskie przepływy, na przykład, malowanie plamami, które wyrażają nieświadomą aktywność artysty), suprematyzm (kombinacje wielokolorowych samolotów najprostszych konturów geometrycznych), nowotworowych (malowanie w Układ dużych prostokątnych samolotów, pomalowanych w głównych kolorach widma) i t .. W temacie malarstwo różne podejścia do wizerunku najbardziej realistycznego kształtu, działań, czasu, przestrzeni są interferd. Na przykład, realistyczna kompozycja gatunku, tj. Odzwierciedlając konkretny gatunek sztuki (portret, martwa natura, krajobraz, zwierzęcy, historyczne, bitwa, gospodarstwo domowe lub podobne). W takiej sztuce niektórzy aktorzy w pewnym momencie w rzeczywistej przestrzeni są łączone z jedną akcją. Jednak w dziedzinie sztuki historycznie rozwinęło takie obszary, jak surrealizm, kubizm, futuryzm i inny "przedmiot" prądów awangardowych, gdzie obiekty świata ze znacznym stopniem stylizacji (deformacja, uproszczenie, komplikacje itp.) Lub bez niego nie są przedstawione pod względem prawdziwego świata fizycznego i jakby w strumieniu odruchów stowarzyszonych autora. Innymi słowy, istnieją rzeczywiste obiekty, ale czasy, przestrzenie mogą być mieszane, kolor jest interpretowany warunkowo, a forma jest mocno zdeformowana. "Już okres wykresu protoanalnego XIX wieku XX-XX stuleci charakteryzuje się warstwą, przejście od klasycznej estetyki Arystotelesa, Mimesisis do braku klasycznej, tradycji antyrobowanej". Ale ze wszystkim, przepisami, zasadami, zasadami, środki ekspresyjności są zjednoczone dla wszystkich manifestacji i wytwarzają wpływ na wszelkie wersje merytorycznego lub bezprecedensowego obrazu.

Celem tego artykułu jest próba opisywania odpowiednich zasad, dla których wykrywane są ludzkie wrażenia w kompozycji abstrakcyjnej, a jednocześnie wyjaśniają metodę refleksji nad wyrazem w składzie doznań życia na przykładzie standardu do zadań uczenia się Na kompozycji i tworzenia dotyku, smaku, przedsionka itp. Za pomocą którego analizujemy cechy kompozycji w sztuce abstrakcyjnej i dają kilka przykładów z ilustracjami.

Aby wyrazić statykę w charakterze składu:

Ciężki dno i lekki jest przewidywaniem psychologicznymi (oczekiwanie) wyrównania sił w arkuszu, który wynika z rzeczywistości fizycznej życia. Innymi słowy, zwyczaj odczuwania niezawodnego wsparcia pod stopami, a nad głową światła nieba. Dlatego centrum kompozycji jest lepsze do połowu nieco niższego niż geometryczne centrum arkusza w celu wzmocnienia dna, przyciągnąć kompozycję do dorozumianej platformy. Skojarzająco czuł się na dolnej krawędzi arkusza obszar wsparcia jest potrzebny duży ze względu na prawo fizyczne, że duża płaszczyzna daje większą siłę tarcia. W związku z doświadczeniem życiowym znalezienia stabilnych stanów równowagi konieczne jest podkreślenie pionowe i poziomo jako klucz kompozytowy lub zasada dominująca w kompozycji. Nie umieszczaj niczego pod kątem. Nawet trójkąty w kompozycjach, które przynoszą po przekątnej do swoich stron, należy wprowadzić na szeroką bazę, mają tendencję do równie ugryzionych i prostokątnych trójkątów. Kolor na odczucie przedsionków w opinii autora nie wpływa na.

Wyrażać głośniki w charakterze składu:

W związku z ustalonym "Arnheim" gestal psychiki czuje się nad głową lekkiego nieba, często patrząc na płaszczyznę wizualną, obiekty umieszczone na szczycie arkusza wydają się latać lub upadku. W związku z tym, centrum kompozytowe w kompozycjach dynamicznych jest lepsze do połowu nieco wyższego niż centrum geometryczne arkusza w celu przeniesienia akcentu dla przeglądarki, jak było, jak było, "na niebie". Będziemy ryzykować, że przybędziemy, że ciemne przedmioty i duże, które są związane z ciężarami, wydają się spadać, i lekki i jasny, przez analogię z octoch, śniegiem, promem itp. Plac wsparcia w dolnej krawędzi arkusza jest absolutnie nie jest potrzebny. W przeciwieństwie do statystyk, struktura dynamicznej kompozycji jest najczęściej przekątna. Może to być spirala, ale z spiralnym wrażeniem ciągłego usuwania i lotu konieczne jest "żyć" z rytmem i skalą. Należy pamiętać, że w ramach dynamiki jest to sugeruje nie chaotyczny ruch, ale wektor skierowany, jakby z danym przyspieszeniem. Innymi słowy, przedstawione obiekty powinny wydawać się latające (porzucone z siłą) do określonego celu. Takie postaci statyczne, ponieważ różne prostokąty należy umieścić na kącie, po przekątnej. Główne środki ekspresywności - rytm. Zmieniając odległość od jednego narysowanego obiektu do drugiego, artysta może stworzyć poczucie podkręcania lub spowolnienia, w zależności od tego, jak daleko musisz wyskoczyć z widoku z jednego obiektu na inny. Jednocześnie jest to efekt obiecujących redukcji obiektów latających będzie dobrą pomocą. Kolor na odczucie przedsionków, zgodnie z autorem, nie wpływa na.

Figa. 3. Przykłady obrazów statyków i głośników w geometrycznej kompozycji abstrakcyjnej. a) Yuldasheva E. B) Lazareva V. C) Lazareva V.

Wyrażać masywną charakterystykę składu:

Aby wyrazić grawitację na arkuszu, Composite Center jest lepszy, aby położyć się tuż pod geometryczną. Format ma szczęście, aby wybrać poziome, jakby "wylądował". W szczególnych przypadkach, w celu masywności, obszar wsparcia powinien być i tym bardziej, tym lepiej (w tym łącznie kilka ciężkich obiektów) ze względu na fakt, że ciężka masa jest silniejsza przyciąga do ziemi. Musisz nacisnąć obraz do dolnej krawędzi arkusza. Można jednak znaleźć różne zadania artystyczne, w których masywny nie powinien być związany z ziemią, jest to warte ograniczonej do tej ostatniej skali w arkuszu i ciemnym tonie. Wymowa struktura tworzenia ogromnych kompozycji prawdopodobnie nie jest, ale ciekawe, aby zwiększyć uczucie grawitacji, duszności i nacisku z powodu faktu, że możesz zacisnąć graficznie lub nacisnąć mały obiekt z dużym, przez analogię z prętami. Spróbuj przedstawić ciasne obiekty, bez widocznego między nimi. Dla wahaczów dotknięty jest znacznie większa wartość ton: lekki lub ciemny, - a nie kolor. Aby zidentyfikować uczucie masywności, aby pomóc przynieść ciemne odcienie. Wynika to z doświadczenia życiowego, które łączy ciężkie dźwięki z dotkliwości oczekiwaną, aby doświadczyć (a priori). W tym w przenośni ciemność wiąże się z ciężkimi stanami emocjonalnymi osoby. I tak wiadomo, że z kursu nauki o kwiatu wiadomo, że każdy kolor można wybrać odpowiednią siłę tonową, a następnie naturalnie do masywnego dopasowania ciemnych kolorów brązowe, niebieskie, fioletowe, ciemnozielone, ciemne bordees i inne ciemne odcienie kolorów. Głównym sposobem ekspresji jest skala. Jest to spowodowane ponownym doświadczeniem życiowym, który wiąże ogromny rozmiar z oczekiwaną wagą obiektu.

Aby stworzyć poczucie lekkości w charakterze składu:

W przypadku kompozycji lekkiej centrum kompozycji jest lepsze do zaprojektowania nieco wyższe niż geometryczne centrum arkusza, aby skojarzyć najważniejszą rzeczą w kompozycji z czymś szybkim, wzniosłym. Nawet format najprawdopodobniej wybór pionowo. W szczególności sprawy związane ze statyczną lub stabilnością, będą potrzebne punkty wsparcia, ale w celu zwiększenia ekspresji struktur świetlnych, muszą być one punktem (nie stałe), cienkie wsporniki wizualnie, niezależnie od obszaru wsparcia. Można jednak znaleźć różne zadania artystyczne, dynamiczne. Wtedy warto ograniczać się do ekspresji pomysłów za pomocą skali i lekkiego tonu. Wymowa struktura kompozycji do przydzielania tutaj jest bez znaczenia, ale ciekawe, aby wzmocnić uczucie lekkości obfitości "powietrza" między obiektami na obrazie. Jednocześnie tak zwany "rysunek przez" lub "przez temat" stanie się doskonałą techniką artystyczną do podkreślenia, tworząc wrażenie przejrzystości przedstawionych obiektów. Również dobrze przedstawiają obiekty z Hollow, asociative ułatwiając ich masę. Aby zidentyfikować uczucie łatwościowo przez analogię z witalnością, lekkie dźwięki są odpowiednie, przez analogię z pianką, śniegiem, promem itp. I tak wiadomo, że każdy kolor może wybrać odpowiedni dźwięk, jest naturalnie lekki związany z lekkimi odcieniami kolorów: żółty, różowy, pomarańczowy, niebieski, jasnozielony. Głównym sposobem ekspresji jest skala. Wynika to z doświadczenia życiowego, który łączy mały rozmiar z oczywiście znaną lekkością obiektu.

Figa. 4. Przykłady obrazu ciała stałego i światła w geometrycznej kompozycji abstrakcyjnej. a) Belyaeva E., b) Lazareva V., C) Yuldasheva E.

Aby stworzyć poczucie stabilności i niestabilności w składzie, ważne jest:

Te dwa tematy są nierozerwalnie związane z ludzką ideą samolotu Ziemi, Paul, Podium, wspiera. Oczywiście, te samoloty nie powinny być rysowane, ale mogą sugerować i podkreślać koncentrację linii. Zrównoważony będzie różni się od statyki tylko z uczuciem, że statyczne ciężkie stulecie, a odporność na zjawisko jest mrugliczne. Jeśli statyka, jak rozumiemy, są trudne do zadania, stałym zapada się z niewielkim wysiłkiem. Aby wstępnie uczestniczyć w poczuciu stabilności w projekcie graficznym, obszar wsparcia (w tym łącznie kilka obiektów) może nie być duży, ale całkowity występ centrum kompozytowego całej konstrukcji w płaszczyźnie domniemanego "podłogi" powinien wpaść w obszarze wsparcia. Wręcz przeciwnie, jeśli projekcja środka ciężkości wykracza poza obszar wsparcia, jest więc uczucie upadku, upadku, zniszczenia. Format jest zalecany do wyboru pionu. DOlampa jest powyżej geometryczna.

Figa. 5. Przykłady obrazu odpornego i niestabilnego w abstrakcyjnej kompozycji geometrycznej. a) Lazareva V., b) Yuldasheva E.

Aby wyrazić doznania smaku kwaśnego dla kompozycji, ważne jest:

W widoku autora wyrażanie doznania smaku, kolor odgrywa ogromną rolę. Jasne kolory cytryny, limonki, ananasa, grejpfruta itp są związane z kwaśnym na żywo od życia. Dlatego nadajemy się do wszystkich odcieni zimnej krwi żółty, zielony, szmaragdowy, niebieski, niebieski, fioletowy. Oczywiście wymienione kolory mogą nie wystarczyć na ideę kompozytora autora. Jednocześnie nie należy usuwać swojej kompozycji z wymienionymi kolorami. Należy pamiętać tylko jedną zasadę - 75% zimnych kolorów kwasowych i 25% inaczej. Powinien być jasno rozumiany, tym bardziej umieściłeś do składu elementów z przeciwnych odczuć, pojawiają się bardziej obce stowarzyszenia, które są sprzeczne z zasadami integralności kompozycji, gdy każdy element powinien pracować nad wyrazem ogólnego pomysłu autora. Utworzenie w kompozycji pojawia się ponownie ze względu na obrazy prawdziwego życia. Wzanurz swoje uczucia z jedzenia cytryny. Wnęka ustna wydaje się być cięta, walcowa, pinlet, dlatego kształty w kompozycji powinny być stosowane przez udar, igły, ostry, szczotkowaty.

W celu wyrażania doznania smaku słodkiego dla kompozycji jest ważne:

Komusice z życia ze słodkimi tonami żółtej, zielonej, w tym samym czasie pomarańczowym, czerwonym, brązowym. Inne kolory są ważne dokładnie taką samą regułę: 75% procent słodkiego smaku związanego ze słodkim smakiem i 25% innych kolorów. Aby utworzyć formę obiektów w składzie, pamiętaj o swoich uczuciach z jedzeniem słodkiego, aż do dna słodkiego. Miękkie wykładane krzywe, bębny, formy drop-podobne docierają natychmiast, stowarzyszenia z ściskającymi dżemami, z płynącymi warstwami kremowymi między wielowarstwowymi Korzhami mogą wystąpić. Wystarczy zacząć analizować i konwertować własne wspomnienia w rozproszoną linię i kolor.

Figa. 6. Przykłady wyrażeń w abstrakcyjnej kompozycji lirycznej kwaśnych i słodkich doznach A) w czarno-białej grafice, b) w kolorze. Iconnikova E.

Jak wyrazić radość i smutek w kompozycji

Smutek Na figurze - są one ciemne, grube achromatyczne lub dążące do farby achromatycznej, pewną dyskompozycję lub nudę wymawiane przez monotonne formy i te same odległości między nimi, pionowe rytmy, wykładowe krzywe, tworzenie skutków "kłopotów", mgławicy ze specjalnymi techniki, takie jak pointela. Radość - Jest to dynamiczna kompozycja, asymetryczne rytmy stale się zmieniają, jak skala. Wszystkie elementy wykonują swoją pracę: średnie formy w stosunku do formatu, z reguły, przenoszą podstawowe obciążenie semantyczne i tworzą podstawowe działanie, w dużych elementach w kompozycji znajduje się właściwość do łączenia średniej do systemu, do Coenm Rozproszone elementy, małe są "rodzynkami" każdej kompozycji. Przemyślane frazy plastikowe udekorują kompozycję, jak mała dekoracja w szafie. Ponownie zapamiętaj atrybuty świątecznego i zawierają linie punktowe podobne do fajerwerków, deszczu, konfetti, wstążki, bawełnę, migające itp. Barwi, odpowiednio powinny być otwarte jasne.

Figa. 7. Przykłady obrazu w kompozycji abstrakcyjnej A) dotykową, b) dotykową, c) słuchawkową i innymi doznaniami. Iconnikova E.

Zrobiliśmy ogromną pracę, że jest to prawie niemożliwe do wykonania idealnie w związku z indywidualną percepcją. Nie dotyczyliśmy stowarzyszeń ludzi kulturowych, religijnych i społecznych ludzi, być może tylko fizycznych i fizjologicznych - ogólnych - dla całej populacji kuli ziemskiej. Tutaj był ważniejszy, aby nawet przedłożyć metodę rozumowania, które w przyszłości może być stosowane do takich zadań, jak wyrazić ciepło i zimno, dzwonek i głuchota, agresję lub spokój, wzbudzenie i spokój itp. Artykuł wpływa na ważne Punkty wiedzy złożonej, od. W szkoleniu zawodów cyklu architektonicznego i artystycznego zadań do wyrażania doznania w abstrakcji, jest fakt, że autor nie zna faktu obecności jasnej teorii referencyjnej. Dlatego podjęto próba podjęcia podstaw od osobistych zmian autora dla indywidualnej refleksji, do poszukiwania praw autorskich artystów początkujących. Zwróć uwagę na czytelnika na fakt, że artykuł przedstawia podstawowe zasady, które z pewnością są zrozumiałe dla profesjonalistów z doświadczeniem i myśleniem analitycznym. A ponieważ jedna z zasad składu nowości (nie w tym sensie, że każdy rozwój autora, który wcześniej nie istniał sam w sobie, nowych i w tym sensie, że powinien dramatycznie wyróżniać się przez poszczególne ustalenia z monotonnej masy) Następnie na tę podstawę każdy autor musi szukać swojej indywidualnej pracy. Pozostaje stwierdzić, że reprezentowany koncepcja autora nie jest prawdą w ostatniej instancji, uczyć się od własnego doświadczenia, analizować, syntezyzacji. Posłuchaj wewnętrznego głosu, dziwnie wystarczająco ważne, jest to bardzo ważne, jak ważne i analizuje tę odpowiedź i spróbuj zrozumieć, jak naprawić to, czego nie lubię, ani jak nie zepsuć tego, co lubię. Tak więc przyjęcia i stwierdza związane z pozytywną odpowiedzią na przestrzeni lat, aby śledzić ogromny profesjonalny bagaż, który jest również jasny od nieudanych próbek związanych z negatywnymi osobistymi doświadczeniami i informacjami o nauczycielach.

TAK JAK. Chuvashov.

Bibliografia:

1. Kryuchkova V. A. Abstrakcjonizm // Duża rosyjska Encyklopedia / S. L. Kravets. Moskwa: Duża rosyjska Encyklopedia, 2005. T. 1. P. 42-43. 768 p.

2. Sarukhanyan A. P. Do stosunku koncepcji "modernizmu" i "Avant-Garde" //vangard w kulturze XX wieku (1900-1930): teoria. Historia. Poetyka: w 2 kN. / Ed. Yu. N. Girin. - M.: Miałem RAS, 2010. - T. 1. - str. 23.

Jeden z głównych kierunków w sztuce awangardy. Główną zasadą sztuki abstrakcyjnej jest odmówić naśladowania widocznej rzeczywistości i prowadzenie go z elementami w procesie tworzenia pracy. Przedmiot sztuki zamiast rzeczywistości świata staje się zestawem narzędzi kreatywności artystycznej - kolor, linia, kształt. Działka jest zastąpiona plastikową ideą. Rola startowej startowej w procesie artystycznym wzrasta wiele razy, a możliwość wyrażania uczuć i nastrojów twórcy w abstrakcyjnych, oczyszczonych obrazach, które mogą skoncentrować duchowego początek zjawisk i być jego przewoźnikami (teoretyczne dzieła VV Kadinsky ).

Losowe elementy abstrakcji można ujawnić w świecie świata w całym jej rozwoju, począwszy od potrząsających farb. Ale narodziny tego stylu należy szukać w obrazie impresjonistów, którzy próbowali rozkładać kolor na poszczególnych elementach. Formizm świadomie opracował tę tendencję, "wykrywanie" koloru, podkreślając jego niezależność i tworzenie obiektu obrazu. Franz Mark i Henri Matisss (objawowe jego słowa: "Każda sztuka abstrakcyjna") zbliżyła się do abstrakcji (objawowo: "Wszystko jest abstrakcyjne"), francuskich kubistów poruszali się również wzdłuż tej ścieżki (zwłaszcza Alber Glez i Jean Metsenznaya) i włoscy futurystów (Gino Metsenznay) Severini Gino). Ale żaden z nich nie pokonał granicę figuratyczności, nie mógł ani nie chciał. "Rozpoznamy jednak, że niektóre przypomnienia o istniejących formach nie powinny być całkowicie wydalane, przynajmniej w chwili obecnej" (Aglez, J.Metzenge. O kubizmie. SPB., 1913. P.14).

Pierwsze prace abstrakcyjne pojawiło się pod koniec XX wieku - na początku 1910 r. W kreatywności Kandinsky podczas pracy nad tekstem "na duchu w sztuce", a jego "obraz z kółkiem" (1911. NMG) jest uważany za pierwszy abstrakcyjny obrazek. W tym czasie należy jego rozumowanie: "<...> Tylko ta forma jest poprawna, która<...> Utrzymuje odpowiednio treści. Wszelkie rozważania boczne, a wśród nich zgodność z kształtem tzw "Nature", tj. Natura jest zewnętrzna, nieistotna i szkodliwa, ponieważ są rozproszone od jedynego problemu formy - wcielenie treści. Forma jest materiałem ekspresją abstrakcyjnej treści "(treści i formularz. 1910 // Kandinsky 2001. T. 1. str.84).

Na wczesnym etapie, sztuka abstrakcyjna w obliczu Kandinsky absolteresowanego koloru. W badaniu kolorowym, praktycznym i teoretycznym Kandinsky opracował nauki o kolorze Johann Wolfgang Goethe i położył fundamenty teorii kolorów w malarstwie (wśród rosyjskich artystów, MV Matushin, G. Klutsis, Ivplutin i innych byli zaangażowanych kolor koloru.

W Rosji w latach 1912-1915 powstały abstrakcyjne malownicze systemy Rezyzmu (M. F. Marionov, 1912) i suprematyzm (K. Malewich, 1915), pod wieloma względami identyfikującą dalszą ewolucję sztuki abstrakcyjnej. Rappacja ze sztuką abstrakcyjną można znaleźć na kubaceuturyzmie i alogombizmu. Przełom do abstrakcji był obraz N.S. Trosharova "Pustcy" (1914. GTG), ale ten temat nie znalazł dalszego rozwoju w dziedzinie artysty. Innym nieprzekonującym aspektem rosyjskiej abstrakcji jest kolorystyka O.V. Rosanova (patrz: Unlimited Art).

Z własnym sposobem na malowniczą abstrakcję na te same lata, Czech Czech Frantios Cup, francuski Robert Delone i Jacques Viyon, Dutchman Pete Mondrian, Amerykanie Stanton McDonald Right and Morgan Russell. Pierwsze abstrakcyjne struktury przestrzenne były kontrankowe V.E. Tatlin (1914).

Odmowa z izomorfizmu i odwołania się do duchowego rozpoczęcia dał powód do wiązania sztuki abstrakcyjnej z teozofią, antropozofią, a nawet z okultyzmem. Ale same artyści na pierwszych etapach rozwoju sztuki abstrakcyjnej takich pomysłów nie wyrazili wyrażonych.

Po wojnie światowej malarstwo abstrakcyjne stopniowo zdobywają dominujące pozycje w Europie i staje się uniwersalną ideologią artystyczną. Jest to potężny ruch artystyczny, który w ich aspiracjach wykracza daleko poza malownicze problemy i wykazuje zdolność do tworzenia systemów estetyczno-filozoficznych i rozwiązywać zadania społeczne (na przykład na podstawie zasad rezolucji "Suprematyczne miasto" Malevich). W latach dwudziestych, na podstawie jego ideologii, takie instytuty badawcze powstają jak Bauhauses lub Gingukhuk. Abstrakcja również wzrosła konstruktywizm.

Rosyjska wersja abstrakcji ma nazwę bez darmowej sztuki.

Wiele z zasad i technik sztuki abstrakcyjnej, która stała się klasykiem w XX wieku, są szeroko stosowane w projekcie, w sztuce teatralnej i dekoracyjnej, w grafice kinowej, telewizyjnej i komputerowej.

Koncepcja sztuki abstrakcyjnej zmieniła się w czasie. Do 1910 r. Termin ten został użyty w odniesieniu do malowania, w którym przedstawiono formy uogólnione i uproszczone, tj. "Streszczenie" w porównaniu z bardziej szczegółowym lub naturalistycznym wizerunkiem. W tym sensie termin zastosowano głównie do sztuki dekoracyjnej lub kompozycji kompozytowych.

Ale już z "abstrakcyjnymi" pracami "Abstract" 1910, gdzie forma lub kompozycja jest przedstawiona pod kątem, że początkowy element zmienia się niemal do nierozpoznania. Najczęściej, termin ten oznacza styl sztuki, który opiera się wyłącznie na układzie elementów wizualnych - formularzy, kolorów, struktur, i nie jest wcale niezbędne, aby mieć inicjujący obraz w świecie materialnym.

Koncepcja znaczenia w sztuce abstrakcyjnej (w obu jego wartościach - wczesne i później) jest trudnym pytaniem, który jest stale omawiany. Abstrakcyjne formy mogą również odnosić się do zjawisk innych niż fizyczne, takie jak miłość, prędkość lub prawa fizyki, związane z pochodną istoty ("niezbędny"), z wyimaginowanym lub innym sposobem oddzielania się od szczegółowego, szczegółowego i nieistotnego, losowy. Pomimo braku reprezentatywnego tematu, ogromny wyrażenie może gromadzić się w abstrakcyjnej pracy, a semantycznie wypełnione pierwiastki, takie jak rytm, multipleness i symbolice kolorów, wskazują zaangażowanie w określone pomysły lub zdarzenia poza samym obrazem.

Literatura:

• M.Seuphor. L'Art Abstract, Ses Origins, Ses Premiers Maîtres. Paryż, 1949;
• M.vrion. L'art abstract. Paryż, 1956; D.valler. L'art abstract. Paryż, 1967;
• R.capon. Przedstawiamy abstrakcyjny obraz. Londyn, 1973;
• C.BLOK. Geschichte der abstraktten kunst. 1900-1960. Köln, 1975;
• M.schapiro. Natura sztuki abstrakcyjnej (1937) // m.schapiro. Sztuka współczesna. Wybrane dokumenty. Nowy Jork, 1978;
• W kierunku nowej sztuki: eseje na tle malarstwa abstrakcyjnego 1910-1920. Ed. M..Compton. Londyn, 1980;
• Duchowy w sztuce. Malarstwo abstrakcyjne 1890-1985. Los Angeles County Museum of Arts. 1986/1987;
• Tekst przez M.Tuchman; B.altshuler. Awangardowa wystawa. Nowa sztuka w XX wieku. Nowy Jork, 1994;
• Abstrakcja w Rosji. XX wieku. T. 1-2. Timing [Directory] SPB., 2001;
• Hodowód i abstrakcja. Sob Artykuły. Ot. ed. P. KOVLENKO. M., 2011.;