Dabartinis impresionizmas. Prancūzų impresionizmas: bendrosios savybės, pagrindiniai meistrai

„Kai impresionistai jį parašė, gimė naujas pasaulis“

Henris Kahnveileris

XIX a. Prancūzija. Tapyboje įvyko precedento neturintis dalykas. Grupė jaunų menininkų nusprendė supurtyti 500 metų tradicijas. Vietoj aiškaus piešinio jie naudojo platų, „lėkštą“ potėpį.

Ir jie visiškai atsisakė įprastų vaizdų, vaizdavo visus iš eilės. Ir lengvos dorybės ponios, ir abejotinos reputacijos ponai.

Visuomenė nebuvo pasiruošusi impresionistiniam paveikslui. Iš jų tyčiojosi ir bardavo. O svarbiausia – nieko iš jų nepirko.

Tačiau pasipriešinimas buvo palaužtas. Ir kai kurie impresionistai gyveno iki savo triumfo. Tiesa, jiems jau buvo per 40. Kaip Claude'as Monet ar Auguste'as Renoiras. Kiti pripažinimo sulaukė tik savo gyvenimo pabaigoje, kaip Camille Pissarro. Kažkas jo neatitiko, kaip Alfredas Sisley.

Kokį revoliucionierių padarė kiekvienas iš jų? Kodėl visuomenė taip ilgai jų nepriėmė? Štai 7 garsiausi prancūzų impresionistai, kuriuos žino pasaulis.

1. Edouardas Manetas (1832–1883)

Edouardas Manetas. Autoportretas su palete. 1878 Privati ​​kolekcija

Manetas buvo vyresnis už daugelį impresionistų. Jis buvo pagrindinis jų įkvėpėjas.

Pats Manetas nepretendavo į revoliucionierių vadą. Jis buvo socialistas. Svajojau apie oficialius apdovanojimus.

Tačiau pripažinimo jis laukė labai ilgai. Publika norėjo pamatyti graikų deives ar blogiausiu atveju natiurmortus, gražiai atrodyti valgomajame. Manetas norėjo parašyti šiuolaikinį gyvenimą. Pavyzdžiui, kurtizanės.

Rezultatas buvo pusryčiai ant žolės. Lengvos dorybės damų kompanijoje ilsisi du dandžiai. Vienas jų, lyg nieko nebūtų atsitikę, sėdi šalia apsirengusių vyrų.

Edouardas Manetas. Pusryčiai ant žolės. 1863 m., Paryžius

Palyginkite jo „Pusryčiai ant žolės“ su Tomo Couture'o romanu „Smukimas“. Couture'o paveikslas sužavėjo. Menininkas iš karto išgarsėjo.

„Pusryčiai ant žolės“ buvo apkaltinti vulgarumu. Nėščioms moterims buvo visiškai nerekomenduojama į ją žiūrėti.

Thomas Couture. Atmesk romėnus. 1847 m. Orsė muziejus, Paryžius. archive.ru

Couture paveiksle matome visus akademizmo atributus (tradicinė XVI-XIX a. tapyba). Kolonos ir statulos. „Apollo“ išvaizdos žmonės. Tradicinės prislopintos spalvos. Pozicijos ir gestų manieringumas. Siužetas iš tolimo visiškai kitokių žmonių gyvenimo.

Manet „Pusryčiai ant žolės“ kitokio formato. Iki jo niekas taip lengvai kurtizanių nevaizdavo. Šalia garbingų miestiečių. Nors daugelis to meto vyrų ir leisdavo laisvalaikį. Tai buvo tikras tikrų žmonių gyvenimas.

Kartą jis pavaizdavo garbingą damą. Bjaurus. Jis negalėjo pamaloninti jos teptuku. Ponia buvo nusivylusi. Ji paliko jį verkdama.

Edouardas Manetas. Angelina. 1860 m. Orsė muziejus, Paryžius. Wikimedia.commons.org

Taigi jis toliau eksperimentavo. Pavyzdžiui, su spalva. Jis nebandė pavaizduoti vadinamojo natūralaus skonio. Jei jis matė pilkai rudą vandenį kaip ryškiai mėlyną, tada jis pavaizdavo jį kaip ryškiai mėlyną.

Tai, žinoma, suerzino publiką. „Galų gale, net Viduržemio jūra negali pasigirti tokia mėlyna kaip Maneto vanduo“, – atšovė jie.

Edouardas Manetas. Argenteuil. 1874 m. dailės muziejus, Tournai, Belgija. Wikipedia.org

Bet faktas išlieka. Manetas radikaliai pakeitė tapybos tikslą. Paveikslas tapo menininko, kuris rašo kaip nori, individualumo įkūnijimu. Pamiršti modelius ir tradicijas.

Naujovės jam nebuvo atleistos ilgą laiką. Pripažinimas laukė tik gyvenimo pabaigoje. Bet jam to nebereikėjo. Jis skausmingai blėso nuo nepagydomos ligos.

2. Claude'as Monet (1840-1926)

Klodas Monė. Autoportretas berete. 1886 Privati ​​kolekcija

Claude'ą Monet galima vadinti vadovėliniu impresionistu. Kadangi šiai krypčiai jis buvo ištikimas visą savo ilgą gyvenimą.

Jis piešė ne daiktus ir žmones, o vienspalvę akinimo ir dėmių struktūrą. Atskiri smūgiai. Drebantis oras.

Klodas Monė. Irklavimo baseinas. 1869 m. Metropoliteno meno muziejus, Niujorkas. Metmuseum.org

Monet rašė ne tik apie gamtą. Jam pasisekė ir miesto peizažuose. Vienas žinomiausių – .

Šiame paveikslėlyje yra daug fotografijos. Pavyzdžiui, judesys perteikiamas naudojant neryškų vaizdą.

Atkreipkite dėmesį: atrodo, kad tolimi medžiai ir figūros yra migloje.

Klodas Monė. Boulevard des Capucines Paryžiuje. 1873 m. (XIX–XX a. Europos ir Amerikos meno galerija), Maskva

Prieš mus – užšaldyta verdančio Paryžiaus gyvenimo akimirka. Jokio pastatymo. Niekas nepozuoja. Žmonės vaizduojami kaip potėpių rinkinys. Šis beprasmiškumas ir „fiksuoto kadro“ efektas yra pagrindinis impresionizmo bruožas.

Devintojo dešimtmečio viduryje menininkai nusivylė impresionizmu. Žinoma, estetika yra gerai. Tačiau nesąžiningumas daugelį prislėgė.

Tik Monet ir toliau atkakliai perdėdavo impresionizmą. Tai išaugo į paveikslų seriją.

Tą patį peizažą nutapė dešimtis kartų. Skirtingu paros metu. Skirtingu metų laiku. Norėdami parodyti, kaip temperatūra ir šviesa gali neatpažįstamai pakeisti tą patį vaizdą.

Taip atsirado begalė šieno kupetų.

Claude'o Monet paveikslai Bostono dailės muziejuje. Kairėje: šieno kupetos saulėlydžio metu Giverny mieste, 1891 m. Dešinėje: šieno kupetas (sniego efektas), 1891 m.

Atkreipkite dėmesį, kad šešėliai šiuose paveiksluose yra spalvoti. Ir ne pilka ar juoda, kaip buvo įprasta iki impresionistų. Tai dar vienas jų išradimas.

Monet sugebėjo džiaugtis sėkme ir materialine gerove. Sulaukęs 40 metų jis jau pamiršo skurdą. Turi namą ir gražų sodą. Ir dar daug metų dirbo savo malonumui.

Skaitykite apie ikoniškiausią meistro paveikslą straipsnyje

3. Auguste'as Renoiras (1841-1919)

Pierre'as Augustas Renuaras. Autoportretas. 1875 m. Sterlingo ir Francine'o Clark meno institutas, Masačusetsas, JAV. Pinterest.ru

Impresionizmas yra pats pozityviausias paveikslas. O pozityviausias tarp impresionistų buvo Renuaras.

Dramos jo paveiksluose nerasite. Jis net nenaudojo juodų dažų. Tik buvimo džiaugsmas. Gražiai atrodo net labiausiai paplitusi vieta Renuare.

Skirtingai nei Monet, Renoiras dažniau piešė žmones. Peizažai jam buvo mažiau svarbūs. Paveiksluose jo draugai ir pažįstami ilsisi ir džiaugiasi gyvenimu.

Pierre'as Augustas Renuaras. Irkluotojų pusryčiai. 1880-1881 m Phillips kolekcija, Vašingtonas, JAV. Wikimedia.commons.org

Renoir ir gilumo nerasite. Jis labai apsidžiaugė, kad prisijungė prie impresionistų, kurie apklausose atsisakė planuoti.

Kaip pats sakė, pagaliau turi galimybę piešti gėles ir pavadinti jas tiesiog „Gėlės“. Ir negalvoti apie juos jokių istorijų.

Pierre'as Augustas Renuaras. Moteris su skėčiu sode. 1875 Thyssen-Bormenis muziejus, Madridas. arteuam.com

Geriausia, kad Renuaras jautėsi moterų kompanijoje. Jis paprašė savo tarnaičių dainuoti ir juokauti. Kuo daina kvailesnė ir naivesnė, tuo jam geriau. Ir vyriškas plepėjimas jį išvargino. Nenuostabu, kad Renoiras yra žinomas dėl savo nuogų paveikslų.

Paveikslo „Nuogas saulės šviesoje“ modelis atrodo spalvingame abstrakčiame fone. Nes Renoirui nėra nieko antraeilio. Modelio akių arba fono sritis yra lygiavertė.

Pierre'as Augustas Renuaras. Nuogas saulės šviesoje. 1876 ​​m. Orsė muziejus, Paryžius. wikimedia.commons.org

Renoiras gyveno ilgą gyvenimą. Ir aš niekada nenuleidžiu teptuko ir paletės. Net tada, kai jo rankas visiškai sukaustė reumatas, jis virve pririšo šepetį prie rankos. Ir nupiešė.

Kaip ir Monet, jis sulaukė pripažinimo po 40 metų. O savo paveikslus pamačiau Luvre, šalia garsių meistrų darbų.

Apie vieną žaviausių Renoiro portretų skaitykite straipsnyje

4. Edgaras Degas (1834-1917)

Edgaras Degas. Autoportretas. 1863 m. Calouste Gulbenkian muziejus, Lisabona, Portugalija. Cultured.com

Degas nebuvo klasikinis impresionistas. Jis nemėgo dirbti po atviru dangumi. Sąmoningai pašviesintos paletės pas jį nerasite.

Priešingai, jam patiko aiški linija. Jis turi daug juodos spalvos. Ir jis dirbo išskirtinai studijoje.

Tačiau jis visada vertinamas kartu su kitais puikiais impresionistais. Nes jis buvo gesto impresionistas.

Netikėti kampai. Asimetrija objektų išdėstyme. Veikėjai nustebinti. Tai pagrindiniai jo paveikslų atributai.

Jis sustabdė gyvenimo akimirkas, neleisdamas veikėjams susivokti. Tiesiog pažiūrėkite į jo operos orkestrą.

Edgaras Degas. Operos orkestras. 1870 Musée d'Orsay, Paryžius. commons.wikimedia.org

Pirmame plane yra kėdės atlošas. Muzikantas atsigręžia į mus. O fone balerinos scenoje netilpo į „kadrą“. Jų galvas negailestingai „nukerta“ paveikslo kraštas.

Jo mėgstamos šokėjos ne visada vaizduojamos gražiomis pozomis. Kartais jie tiesiog išsitempia.

Tačiau tokia improvizacija yra įsivaizduojama. Žinoma, Degas gerai apgalvojo kompoziciją. Tai tik fiksuoto kadro efektas, o ne tikras fiksavimo kadras.

Edgaras Degas. Dvi baleto šokėjos. 1879 Shelbourne muziejus, Vermutas, JAV

Edgaras Degas mėgo piešti moteris. Tačiau liga ar kūno ypatybės neleido su jais turėti fizinio kontakto. Jis niekada nebuvo vedęs. Niekas niekada jo nematė su panele.

Tikrų siužetų nebuvimas asmeniniame gyvenime pridėjo jo vaizdams subtilaus ir intensyvaus erotiškumo.

Edgaras Degas. Baleto žvaigždė. 1876-1878 m Musée d'Orsay, Paryžius. wikimedia.comons.org

Atkreipkite dėmesį, kad paveiksle „Baleto žvaigždė“ nupiešta tik pati balerina. Jos kolegos užkulisiuose sunkiai išsiskiria. Gal kelios kojos.

Tai nereiškia, kad Degas neužbaigė paveikslo. Tokia yra technika. Kad dėmesio centre būtų tik svarbiausia. Likusi dalis turėtų būti nyksta, neįskaitoma.

Apie kitus meistro paveikslus skaitykite straipsnyje

5. Berthe Morisot (1841-1895)

Edouardas Manetas. Berthe Morisot portretas. 1873 m. Marmottan-Monet muziejus, Paryžius.

Berthe Morisot retai patenka į pirmąją didžiųjų impresionistų eilę. Esu tikras, kad tai nenusipelnė. Tiesiog čia rasite visus pagrindinius impresionizmo bruožus ir būdus. O jei tau patinka šis stilius, jos darbus mylėsi iš visos širdies.

Morisot dirbo greitai ir impulsyviai, perkeldama savo įspūdžius į drobę. Atrodo, kad figūros tuoj ištirps erdvėje.

Berthe Morisot. Vasara. 1880 m. Fabre muziejus, Monpeljė, Prancūzija.

Kaip ir Degas, ji dažnai nutylėdavo kai kurias detales. Ir net modelio kūno dalys. Paveiksle „Vasara“ negalime atskirti merginos rankų.

Morisoto kelias į saviraišką buvo sunkus. Negana to, ji užsiiminėjo „lėta“ tapyba. Ji vis dar buvo moteris. Tais laikais ponia turėjo svajoti apie vedybas. Po to bet koks pomėgis buvo pamirštas.

Todėl Bertha ilgą laiką atsisakė santuokos. Kol suradau vyrą, gerbiantį jos užsiėmimą. Eugene Manet buvo menininko Édouardo Manet brolis. Jis pareigingai nešiojosi molbertą ir piešia žmonai.

Berthe Morisot. Eugenijus Manetas su dukra Bougival. 1881 m. Marmottan-Monet muziejus, Paryžius.

Bet vis tiek tai buvo XIX a. Ne, Morisotas nedėvėjo kelnių. Tačiau ji negalėjo sau leisti visiškos judėjimo laisvės.

Ji negalėjo eiti į parką dirbti viena, be artimo žmogaus. Negalėjau sėdėti viena kavinėje. Todėl jos paveikslai – žmonės iš šeimos rato. Vyras, dukra, giminės, auklės.

Berthe Morisot. Moteris su vaiku sode Bougival. 1881 Nacionalinis Velso muziejus, Kardifas.

Morisotas nelaukė pripažinimo. Ji mirė sulaukusi 54 metų nuo plaučių uždegimo, per savo gyvenimą nepardavusi beveik nė vieno savo darbo. Jos mirties liudijime buvo brūkšnys verslo srityje. Neįsivaizduojama, kad moteris būtų vadinama menininke. Net jei ji tikrai buvo.

Apie meistro paveikslus skaitykite straipsnyje

6. Camille Pissarro (1830–1903)

Camille Pissarro. Autoportretas. 1873 m. Orsė muziejus, Paryžius. Wikipedia.org

Camille Pissarro. Be konfliktų, protingas. Daugelis jį suvokė kaip mokytoją. Net temperamentingiausi kolegos apie Pissarro nekalbėjo blogai.

Jis buvo atkaklus impresionizmo pasekėjas. Labai pritrūkęs, su žmona ir penkiais vaikais, jis vis tiek sunkiai dirbo savo mėgstamu stiliumi. Ir jis niekada neperėjo prie saloninės tapybos, kad taptų populiaresnis. Nežinia, iš kur jis turėjo jėgų patikėti savimi iki galo.

Kad visai nemirtų iš bado, Pissarro nupiešė vėduokles, kurias noriai supirkdavo. Ir tikras pripažinimas jį pasiekė po 60 metų! Tada jis pagaliau sugebėjo pamiršti apie poreikį.

Camille Pissarro. Stagecoach Luveciene. 1869 m. Orsė muziejus, Paryžius

Pissarro paveikslų oras yra tirštas ir tankus. Nepaprastas spalvų ir apimties derinys.

Dailininkė nepabijojo piešti permainingiausių gamtos reiškinių, kurie akimirkai pasirodo ir išnyksta. Pirmas sniegas, šalta saulė, ilgi šešėliai.

Camille Pissarro. Šerkšnas. 1873 m. Musée d'Orsay, Paryžius

Žymiausi jo darbai – Paryžiaus vaizdai. Su plačiais bulvarais, šurmuliuojančia marga minia. Naktį, dieną, skirtingu oru. Tam tikra prasme jie turi kažką bendro su Claude'o Monet paveikslų serija.

Impresionizmas (impressionnisme) – tapybos stilius, atsiradęs XIX amžiaus pabaigoje Prancūzijoje, o paskui išplitęs visame pasaulyje. Pati impresionizmo idėja slypi jo pavadinime: įspūdis – įspūdis... Menininkai, pavargę nuo tradicinių akademizmo tapybos technikų, kurios, jų nuomone, neperteikė viso pasaulio grožio ir gyvumo, pradėjo naudoti visiškai naujas įvaizdžio technikas ir metodus, kurie turėjo išreikšti prieinamiausiu būdu. formuoti ne „fotografinį“ vaizdą, o įspūdį iš to, ką matė. Menininkas impresionistas, pasitelkdamas potėpių prigimtį ir spalvų paletę, savo paveiksle bando perteikti atmosferą, šilumą ar šaltį, stiprų vėją ar ramią tylą, miglotą lietingą rytą ar ryškią saulėtą popietę, taip pat savo asmeninius išgyvenimus iš to, ką. jis matė.

Impresionizmas – jausmų, emocijų ir trumpalaikių įspūdžių pasaulis. Čia vertinamas ne išorinis tikroviškumas ar natūralumas, o išreikštų pojūčių tikroviškumas, vidinė paveikslo būsena, atmosfera, gylis. Iš pradžių šis stilius buvo smarkiai kritikuojamas. Pirmieji impresionistų paveikslai buvo eksponuojami Paryžiaus „Les Miserables“ salone, kuriame buvo eksponuojami oficialaus Paryžiaus meno salono atmesti menininkų darbai. Terminą „impresionizmas“ pirmasis pavartojo kritikas Louisas Leroy, „Le Charivari“ parašęs menkinančią recenziją apie menininko parodą. Termino pagrindu jis paėmė Claude'o Monet paveikslą „Įspūdis. Kylanti saulė". Visus menininkus jis pavadino impresionistais, o tai galima apytiksliai išversti kaip „sužavėtas“. Iš pradžių paveikslai buvo tikrai kritikuojami, tačiau netrukus į saloną ėmė plūsti vis daugiau naujos meno krypties gerbėjų, o pats žanras iš atstumtosios virto pripažintu.

Verta paminėti, kad XIX amžiaus pabaigos menininkai Prancūzijoje nesugalvojo naujo stiliaus iš niekur. Jie rėmėsi praeities tapytojų, įskaitant Renesanso menininkus, technikomis. Tokie tapytojai kaip El Greco, Velazquez, Goya, Rubens, Turner ir kiti, dar gerokai prieš impresionizmo atsiradimą, paveikslo nuotaiką, gamtos gyvumą, ypatingą oro išraiškingumą bandė perteikti įvairiais tarpiniais tonais, ryškiais ar , priešingai, blankūs potėpiai, kurie atrodė kaip abstraktūs dalykai. Savo paveiksluose jie tai naudojo gana saikingai, todėl neįprasta technika nepatraukė žiūrovo į akis. Šiuos vaizdavimo būdus impresionistai nusprendė remtis savo kūriniais.

Kitas specifinis impresionistų kūrybos bruožas – savotiška paviršutiniška kasdienybė, kurioje vis dėlto slypi neįtikėtina gelmė. Jie nesistengia išreikšti kokių nors gilių filosofinių temų, mitologinių ar religinių užduočių, istorinių ir svarbių įvykių. Šios krypties menininkų paveikslai iš prigimties yra paprasti ir kasdieniški – peizažai, natiurmortai, žmonės, einantys gatve ar besiverčiantys įprastu reikalu ir pan. Būtent tokie momentai, kai nėra perdėto temiškumo, kuris atitraukia žmogų, išryškėja jausmai ir emocijos nuo to, ką pamatė. Taip pat impresionistai, bent jau savo gyvavimo pradžioje, nevaizdavo „sunkių“ temų – skurdo, karų, tragedijų, kančių ir pan. Impresionistiniai paveikslai dažniausiai yra patys pozityviausi ir džiaugsmingiausi darbai, kur daug šviesos, ryškių spalvų, išlyginto chiaroscuro, švelnių kontrastų. Impresionizmas – tai malonus įspūdis, gyvenimo džiaugsmas, kiekvienos akimirkos grožis, malonumas, tyrumas, nuoširdumas.

Žymiausi impresionistai buvo tokie puikūs menininkai kaip Claude'as Monet, Edgaras Degas, Alfredas Sisley, Camille'as Pissarro ir daugelis kitų.

Nežinote kur nusipirkti tikros žydų arfos? Didžiausią pasirinkimą galite rasti svetainėje khomus.ru. Platus etninių muzikos instrumentų asortimentas Maskvoje.

Alfredas Sisley – vejos pavasarį

Camille Pissarro – Monmartro bulvaras. Po pietų, saulėta.

XIX amžiaus pabaigos Europos meną praturtino modernizmo iškilimas. Vėliau jo įtaka išplito į muziką ir literatūrą. Jis gavo pavadinimą „impresionizmas“, nes buvo paremtas subtiliausiais menininko įspūdžiais, vaizdais ir nuotaikomis.

Ištakos ir atsiradimo istorija

Keli jauni menininkai XIX amžiaus antroje pusėje susibūrė į grupę. Jie turėjo bendrą tikslą ir sutapo interesus. Šiai įmonei svarbiausia buvo dirbti gamtoje, be dirbtuvių sienų ir įvairių suvaržymų. Savo paveiksluose jie stengėsi perteikti visą jausmingumą, šviesos ir šešėlių žaismo įspūdį. Peizažai ir portretai atspindėjo sielos vienybę su Visata, su aplinkiniu pasauliu. Jų paveikslai yra tikra spalvų poezija.

1874 metais buvo surengta šios menininkų grupės paroda. Claude'o Monet peizažas „Įspūdis. Saulėtekis „patraukė akį kritikui, kuris savo recenzijoje šiuos kūrėjus pirmą kartą pavadino impresionistais (iš prancūziško įspūdžio – „įspūdis“).

Renesanso epochos darbai buvo prielaidos impresionizmo stiliui, kurio paveikslai netrukus sulauks neįtikėtinos sėkmės, gimti. Ispanų Velazquezo, El Greco, anglų Turnerio, Constable'o kūrybiškumas besąlygiškai paveikė prancūzus, kurie buvo impresionizmo pradininkai.

Ryškiais stiliaus atstovais Prancūzijoje tapo Pissarro, Manet, Degas, Sisley, Cezanne, Monet, Renoir ir kt.

Impresionizmo filosofija tapyboje

Šiuo stiliumi rašę menininkai nekėlė sau užduoties atkreipti visuomenės dėmesio į bėdas. Jų darbuose negalima rasti siužetų dienos tema, negalima moralizuoti ar pastebėti žmogiškų prieštaravimų.

Impresionizmo stiliaus paveikslais siekiama perteikti momentinę nuotaiką, išvystyti paslaptingo pobūdžio spalvinius sprendimus. Kūriniuose vieta tik teigiamai pradžiai, niūrumas aplenkė impresionistus.

Tiesą sakant, impresionistai nesivargino galvoti apie siužetą ir detales. Pagrindinis veiksnys buvo ne ką nupiešti, o kaip pavaizduoti ir perteikti savo nuotaiką.

Tapybos technika

Tarp akademinio tapybos stiliaus ir impresionistų technikos yra didžiulis skirtumas. Jie tiesiog atsisakė daugelio metodų, kai kuriuos pakeitė neatpažįstamai. Štai keletas jų sukurtų naujovių:

1. Atsisakė kontūro. Jis buvo pakeistas potėpiais – nedideliais ir kontrastingais.
2. Nustojome naudoti spalvoms skirtas paletes, kurios viena kitą papildo ir kurių nereikia sujungti, kad gautume tam tikrą efektą. Pavyzdžiui, geltona yra violetinė.
3. Jie nustojo piešti juodai.
4. Jie visiškai atsisakė dirbti cechuose. Tapė išskirtinai ant gamtos, kad būtų lengviau užfiksuoti akimirką, vaizdą, jausmą.
5. Buvo naudojami tik gerai slepiantys dažai.
6. Nelaukiau kol išdžius naujas sluoksnis. Švieži tamponai buvo naudojami nedelsiant.
7. Sukūrė darbų ciklus, skirtus sekti šviesos ir šešėlių pokyčius. Pavyzdžiui, Claude'o Monet „Šieno kupetos“.

Žinoma, ne visi menininkai atliko tiksliai impresionizmo stiliaus bruožus. Pavyzdžiui, Edouardo Manet paveikslai niekada nedalyvavo bendrose parodose, o jis pats save pozicionavo kaip savarankišką menininką. Edgaras Degas dirbo tik dirbtuvėse, tačiau tai nepakenkė jo darbų kokybei.

Prancūzų impresionizmo atstovai

Pirmoji impresionistų darbų paroda datuojama 1874 m. Po 12 metų įvyko paskutinė jų ekspozicija. Pirmąjį tokio stiliaus kūrinį galima pavadinti E. Manet „Pusryčiais ant žolės“. Šis paveikslas buvo pristatytas Atstumtųjų salone. Jis buvo sutiktas nedraugiškai, nes labai skyrėsi nuo akademinių kanonų. Būtent todėl Manet tampa figūra, aplink kurią buriasi šios stilistinės krypties pasekėjų ratas.

Deja, toks stilius kaip impresionizmas nebuvo įvertintas amžininkų. Paveikslai ir menininkai egzistavo priešpriešą oficialiajam menui.

Dailininkų kolektyve pamažu išryškėjo Claude'as Monet, kuris vėliau tapo jų lyderiu ir pagrindiniu impresionizmo ideologu.

Claude'as Monet (1840-1926)

Šio menininko kūrybą galima apibūdinti kaip himną impresionizmui. Būtent jis pirmasis atsisakė savo paveiksluose naudoti juodą spalvą, motyvuodamas tuo, kad net šešėliai ir naktis turi skirtingus tonus.

Pasaulis Monet paveiksluose – neaiškūs kontūrai, platūs potėpiai, į kuriuos žiūrint galima pajusti visą dienos ir nakties spalvų žaismą, metų laikus, sublūninio pasaulio harmoniją. Tik akimirka, kuri buvo išplėšta iš gyvenimo srovės, Monet supratimu, yra impresionizmas. Jo paveikslai tarsi neturi medžiagiškumo, visi jie yra prisotinti šviesos spindulių ir oro srovių.

Claude'as Monet sukūrė nuostabių kūrinių: „Gare Saint-Lazare“, „Rouen Cathedral“, ciklą „Charing Cross Bridge“ ir daugelį kitų.

Auguste'as Renoiras (1841–1919)

Renoiro kūryba sukuria nepaprasto lengvumo, orumo, eteriškumo įspūdį. Siužetas gimė tarsi netyčia, tačiau žinoma, kad menininkas kruopščiai apgalvojo visus savo darbo etapus ir dirbo nuo ryto iki vakaro.

Išskirtinis O. Renoiro kūrybos bruožas – įstiklinimo panaudojimas, kuris įmanomas tik tuomet, kai impresionizmas menininko darbuose pasireiškia kiekvienu potėpiu. Žmogų jis suvokia kaip pačios gamtos dalelę, todėl aktų paveikslų yra tiek daug.

Renoiro mėgstamiausia pramoga buvo moters įvaizdis visu patraukliu ir patraukliu grožiu. Ypatingą vietą menininko kūrybiniame gyvenime užima portretai. „Skėčiai“, „Mergina su vėduokliu“, „Irkluotojų pusryčiai“ – tik maža dalis nuostabios Auguste'o Renoiro paveikslų kolekcijos.

Georgesas Seuratas (1859–1891)

Seurat paveikslų kūrimo procesą susiejo su moksliniu spalvos teorijos pagrindimu. Šviesos-oro aplinka brėžiama remiantis pagrindinių ir papildomų tonų priklausomybe.

Nepaisant to, kad J. Seurat yra paskutinės impresionizmo stadijos atstovas, o jo technika daugeliu atžvilgių skiriasi nuo įkūrėjų, jis taip pat potėpių pagalba sukuria iliuzinį objekto formos atvaizdavimą, kurį galima pamatyti ir matomas tik iš tolo.

Paveikslus „Sekmadienis“, „Kankanas“, „Modeliai“ galima vadinti kūrybos šedevrais.

Rusijos impresionizmo atstovai

Rusų impresionizmas atsirado beveik spontaniškai, sumaišęs savyje daugybę reiškinių ir metodų. Tačiau pagrindas, kaip ir prancūzų, buvo natūrali proceso vizija.

Rusų impresionizme, nors prancūzų bruožai buvo išsaugoti, tautinės prigimties ir dvasios ypatybės padarė esminių pokyčių. Pavyzdžiui, sniego ar šiaurinių peizažų vizijos buvo išreikštos neįprasta technika.

Rusijoje mažai menininkų dirbo impresionizmo stiliumi, jų paveikslai traukia akį iki šiol.

Valentino Serovo kūryboje galima išskirti impresionistinį laikotarpį. Jo „Mergina su persikais“ yra ryškiausias tokio stiliaus pavyzdys ir standartas Rusijoje.

Nuotraukos užkariauja savo gaivumu ir grynų spalvų deriniu. Pagrindinė šio menininko kūrybos tema – žmogaus vaizdavimas gamtoje. „Šiaurės idilė“, „Valtyje“, „Fiodoras Šaliapinas“ – ryškūs K. Korovino veiklos etapai.

Impresionizmas šiais laikais

Šiuo metu ši meno kryptis įgijo naują gyvenimą. Keletas menininkų piešia savo paveikslus šiuo stiliumi. Šiuolaikinis impresionizmas egzistuoja Rusijoje (Andre Cohn), Prancūzijoje (Laurent Parsellier), Amerikoje (Diana Leonard).

André Cohnas yra ryškiausias naujojo impresionizmo atstovas. Jo aliejiniai paveikslai stebina savo paprastumu. Dailininkas grožį įžvelgia kasdieniuose dalykuose. Daugelį objektų Kūrėjas interpretuoja per judėjimo prizmę.

Visas pasaulis žino Laurent Parsellier akvarelės darbus. Jo serija „Keistas pasaulis“ buvo išleista kaip atvirukai. Nuostabūs, gyvybingi ir jausmingi, jie užgniaužs kvapą.

Kaip ir XIX amžiuje, šiais laikais tapyba po atviru dangumi išliko menininkams. Jos dėka impresionizmas gyvuos amžinai. menininkai ir toliau įkvepia, daro įspūdį ir įkvepia.

Šiais laikais impresionistinių menininkų šedevrus mes suvokiame pasaulio meno kontekste: mums jie jau seniai tapo klasika. Tačiau taip buvo ne visada. Pasitaiko, kad jų drobės nebuvo įleidžiamos į oficialias parodas, kritikuojamos spaudoje, nenorėjo pirkti net už vardinį atlygį. Metai buvo nevilties, noro ir sunkumų. Ir kova už galimybę nupiešti pasaulį tokį, kokį jie matė. Prireikė daug dešimtmečių, kol dauguma sugebėjo suvokti ir suvokti, pamatyti save savo akimis. Koks jis buvo, pasaulis, į kurį XX amžiaus septintojo dešimtmečio pradžioje įsiveržė impresionizmas, kaip pučiantis vėjas, suteikiantis transformacijų?

18 amžiaus pabaigos socialiniai sukrėtimai, revoliucijos Prancūzijoje ir Amerikoje pakeitė pačią Vakarų kultūros esmę, kuri negalėjo nepaveikti meno vaidmens greitai besikeičiančioje visuomenėje. Įpratę prie viešpataujančios dinastijos ar bažnyčios visuomeninės santvarkos, menininkai staiga pastebėjo, kad liko be klientų. Bajorai ir dvasininkai, pagrindiniai meno užsakovai, patyrė didelių sunkumų. Buvo nustatyta nauja era – kapitalizmo era, kuri visiškai pakeitė taisykles ir prioritetus.

Pamažu naujai susikūrusiose respublikose ir demokratiškai organizuotose galiose išaugo turtinga vidurinioji klasė, dėl kurios ėmė ryškiai vystytis nauja meno rinka. Deja, verslininkams ir pirkliams, kaip taisyklė, trūko paveldimos kultūros ir auklėjimo, be kurio buvo neįmanoma teisingai įvertinti aristokratiją jau seniai žavėjusių siužetinių alegorijų įvairovės ar meistriškų atlikimo įgūdžių.

Meno vartotojais tapę viduriniosios klasės atstovai, nepretenduodami į aristokratišką auklėjimą ir išsilavinimą, privalėjo iš pradžių orientuotis laikraščių kritikų ir oficialių ekspertų samprotavimais. Senosios dailės akademijos, kurios yra klasikinių pamatų saugotojos, tapo pagrindiniais arbitrais meninės gravitacijos klausimais. Ne paradoksalu, kad kai kurie jauni ir ieškantys konformizmu pasibjaurėję tapytojai maištavo prieš formalų akademizmo dominavimą mene.

Vienas esminių tų laikų akademizmo atramų buvo valdžios globojamos šiuolaikinio meno parodos. Tokios parodos buvo vadinamos salonais – pagal tradiciją, nurodant Luvro salės, kurioje kadaise savo drobes eksponavo teismo menininkai, pavadinimą.

Dalyvavimas Salone buvo vienintelė galimybė paskatinti spaudos ir klientų susidomėjimą savo darbais. Auguste'as Renoiras viename iš savo laiškų Durandui-Rueliui kalba apie dabartinę padėtį: „Visame Paryžiuje vargu ar yra penkiolika gerbėjų, galinčių atpažinti menininką be salono pagalbos, ir aštuoniasdešimt tūkstančių žmonių, kurie to nepadarys. Įsigykite net kvadratinį centimetrą drobės, jei menininkas neįleis į Saloną.

Jaunieji tapytojai neturėjo kuo daugiau blizgėti, išskyrus tai, kaip pasirodyti salonuose: parodoje jie galėjo išgirsti negailestingus žodžius ne tik žiuri narių, bet ir giliai gerbiamų tapytojų, tokių kaip Eugene'as Delacroix, Gustave'as Courbet, Edouard'as Manet, kurie buvo jaunų žmonių mėgstamiausi, taip suteikdami postūmį vėlesnei kūrybai. Be to, salonas buvo unikali galimybė įgyti klientą, būti pastebėtam ir sukurti meno karjerą. Salono apdovanojimas buvo profesionalaus menininko pripažinimo garantas. Ir atvirkščiai, jei žiuri atmetė pateiktą darbą, tai buvo tolygu estetiniam sustabdymui.

Dažnai svarstyti siūlomas paveikslas neatitiko įprastų kanonų, dėl kurių Salono žiuri buvo atmesta: meninėje aplinkoje šis epizodas sukėlė skandalą ir sensaciją.

Vienas iš menininkų, kurio dalyvavimas salone visada sukėlė skandalą ir sukėlė daug akademikų nerimo, buvo Edouardas Manetas. Didelį skandalą lydėjo jo paveikslų „Pusryčiai ant žolės“ (1863 m.) ir „Olympia“ (1865 m.) demonstravimas, sukurti neįprastai atšiauriai, su Salonui svetima estetika. O paveikslas „Avarija bulių kautynėse“, pristatytas 1864 m. salone, atspindėjo menininko entuziazmą Gojos kūrybai. Pirmame plane Manetas nupiešė ištiestą koriodo figūrą. Paveikslo fonas buvo besidriekianti arena ir eilės nusivylusių, sustingusių žiūrovų. Tokia aštri ir iššaukianti kompozicija išprovokavo daug sarkastiškų recenzijų ir laikraščių karikatūrų. Įžeistas kritikos Manetas perplėšė savo paveikslą į dvi dalis.

Pažymėtina, kad kritikai ir karikatūristai nesigėdijo pasirinkę žodžius ir būdus, kaip skaudžiau įžeisti menininką, pastūmėti jį į kažkokius abipusius veiksmus. „Salono atstumtas menininkas“, o vėliau „Impresionistas“ tapo mėgstamiausiais žurnalistų taikiniais, užsidirbančiais iš viešų skandalų. Nenutrūkstantys kivirčai tarp Salono ir nuo griežtų pasenusio akademizmo ribų pavargusių kitų sampratų ir tendencijų tapytojų reikšmingai reiškė iki tol subrendusį rimtą XIX amžiaus antrosios pusės meno nuosmukį. Konservatyvi 1863 m. salono žiuri atmetė tiek drobių, kad imperatorius Napoleonas III rado būtinybę asmeniškai paremti kitą, lygiagrečią parodą, kad žiūrovas galėtų palyginti priimtus darbus su atmestaisiais. Ši paroda, įgavusi „Vargšų salono“ pavadinimą, tapo itin madinga pasilinksminimo vieta – čia eidavo juoktis ir linksmai žaisti.

Kad aplenktų akademinę žiuri, ją turintys tapytojai galėtų steigti savarankiškas individualias parodas. Vieno menininko parodos idėją pirmasis paskelbė dailininkas realistas Gustave'as Courbetas. Savo darbų seriją jis pateikė 1855 m. Paryžiaus pasaulinei parodai. Atrankos komisija patvirtino jo peizažus, bet atmetė teminės programos nuotraukas. Tada Courbet, priešingai nei pamatai, šalia Pasaulinės parodos pastatė asmeninį paviljoną. Nors platus Courbet tapybos stilius padarė įspūdį senyvo amžiaus Delacroix, jo paviljone buvo mažai žiūrovų. 1867 m. pasaulinėje parodoje Courbet su dideliu triumfu atnaujino šią patirtį – šį kartą visus savo kūrinius iškabino atskiroje patalpoje. Edouardas Manetas, sekdamas Courbet pavyzdžiu, tos pačios parodos metu atidarė savo galeriją retrospektyviam savo drobių eksponavimui.

Kuriant asmenines galerijas ir privačiai leidžiant katalogus buvo investuota daug išteklių – nepalyginamai daugiau, nei dažnai priklauso menininkams. Tačiau Courbet ir Manet atvejai paskatino jaunus tapytojus suplanuoti grupinę menininkų parodą iš naujų tendencijų, kurios nebuvo priimtos oficialiame salone.

Be socialinių pokyčių, XIX amžiaus menui didelę įtaką turėjo ir moksliniai tyrimai. 1839 metais Louis Daguerre Paryžiuje ir Henry Foxas Talbotas Londone demonstravo savo savarankiškai sukurtus fotografijos įrenginius. Netrukus po šio įvykio fotografija atleido menininkus ir grafikus nuo pareigos tiesiog įamžinti žmones, vietas ir įvykius. Išsilaisvinę nuo pareigos eskizuoti objektą, daugelis tapytojų puolė į emocijų drobėje perteikti savo, subjektyvią, raišką.

Nuotrauka sukėlė skirtingus požiūrius į Europos meną. Objektyvas, kurio matymo kampas kitoks nei žmogaus akis, suformavo fragmentišką kompozicijos atvaizdą. Fotografavimo kampo pasikeitimas pastūmėjo menininkus naujų kompozicinių vizijų link, kurios tapo impresionizmo estetikos pagrindu. Vienu pagrindinių šio judėjimo principų tapo spontaniškumas.

Tais pačiais 1839 m., kai buvo sukurtas fotoaparatas, Paryžiaus gobelenų manufaktūros laboratorijos chemikas Michelis Eugene'as Chevreulis pirmą kartą paskelbė logišką žmogaus akies spalvų suvokimo interpretaciją. Kurdamas dažus audiniams jis įsitikino, kad egzistuoja trys pagrindinės spalvos – raudona, geltona ir mėlyna, sumaišius atsiranda visos kitos spalvos. Spalvų rato pagalba Chevreul įrodė, kaip gimsta atspalviai, kurie ne tik puikiai iliustravo sudėtingą mokslinę idėją, bet ir pristatė menininkams veikiančią spalvų maišymo koncepciją. Amerikiečių fizikas Ogdenas Rude ir vokiečių mokslininkas Hermannas von Helmholi savo ruožtu papildė šį išradimą naujovėmis optikos srityje.

1841 metais amerikiečių mokslininkas ir dailininkas Johnas Randas užpatentavo alavo vamzdelius, kuriuos jis sukūrė greitai gendantiems dažams. Iki tol menininkas, išeidamas tapyti į plenerą, buvo priverstas iš pradžių sumaišyti dirbtuvėje reikalingus dažus, o paskui supilti į stiklinius indus, kurie dažnai plakdavo, arba į burbulus iš gyvūnų vidurių, kurie greitai nutekėdavo. Atsiradus „Rand“ vamzdžiams, meno žmonės turi privilegiją pasiimti įvairiausių spalvų ir atspalvių į lauką. Šis atradimas labai paveikė dailininkų spalvų gausą, be to, įtikino iš savo dirbtuvių išeiti į gamtą. Netrukus, kaip pastebėjo vienas šmaikštus, peizažistų tapytojų kaime buvo daugiau nei valstiečių.

Tapybos po atviru dangumi pradininkai buvo Barbizon mokyklos menininkai, kurie savo slapyvardį gavo iš Barbizon kaimo prie Fontenblo miško, kur jie kūrė daugumą peizažų.

Jei vyresni Barbizon mokyklos tapytojai (T. Rousseau, J. Dupre) savo kūryboje dar rėmėsi herojiško kraštovaizdžio paveldu, tai jaunosios kartos atstovai (C. Daubigny, C. Corot) šį žanrą apdovanojo. su realizmo bruožais. Jų drobėse vaizduojami peizažai, kuriems svetimas akademinis idealizavimas.

Barbizoniečiai savo paveiksluose bandė atkurti gamtos būsenų įvairovę. Štai kodėl jie piešė iš gamtos, bandydami užfiksuoti savo suvokimo betarpiškumą. Tačiau senų akademinių metodų ir priemonių panaudojimas tapyboje nepadėjo pasiekti to, kas vėliau pavyko impresionistams. Nepaisant to, Barbizon mokyklos menininkų indėlis į žanro formavimąsi yra nenuginčijamas: išvykę iš dirbtuvių į plenerą, jie kraštovaizdžio tapyboje pasiūlė naujus tobulėjimo būdus.

Vienas iš tapybos gamtoje šalininkų Eugene'as Boudinas savo jaunajam mokiniui Claude'ui Monet nurodė, kad būtina kurti atvirame ore – tarp šviesos ir oro, tapyti tai, ką kontempliuojate. Ši taisyklė tapo plenerinės tapybos pagrindu. Netrukus Monet savo draugams Auguste'ui Renoirui, Alfredui Sisley ir Fredericui Basil pristatė naują teoriją: piešti tik tai, ką stebite tam tikru atstumu ir tam tikru apšvietimu. Vakarais Paryžiaus kavinėse jaunieji tapytojai mielai dalijosi mintimis ir karštai aptarinėjo naujus atradimus.

Taip atsirado impresionizmas – revoliucinė meno kryptis XIX amžiaus paskutiniame trečdalyje – XX amžiaus pradžioje. Impresionizmo keliu žengę tapytojai savo darbuose stengėsi natūraliau ir teisingiau užfiksuoti juos supantį pasaulį ir kasdienę tikrovę savo begaliniu judrumu ir nepastovumu, išreikšti savo trumpalaikius jausmus.

Impresionizmas buvo atsakas į tais metais mene vyravusio akademizmo sąstingį, norą išvaduoti tapybą iš beviltiškos padėties, į kurią ji pateko dėl Salono menininkų kaltės. Daugelis progresyviai mąstančių žmonių tvirtino, kad šiuolaikinis menas nyksta: Eugene'as Delacroix, Gustave'as Courbet, Charlesas Baudelaire'as. Impresionizmas buvo savotiška šoko terapija „kenčiančiam organizmui“.

Atsiradus jauniems žanro tapytojams Edouard'ui Manet, Auguste'ui Renoirui, Edgarui Degas, į prancūzų tapybą įsiveržė permainų vėjas, suteikęs gyvenimo apmąstymo betarpiškumo, trumpalaikių, tarsi netikėtų situacijų ir judesių, iliuzinio nestabilumo ir formų disbalansas, fragmentiška kompozicija, nenuspėjami požiūrio taškai ir kampai ...

Vakarais, kai dėl menko apšvietimo menininkai nebeturėdavo galimybės tapyti savo drobių, išeidavo iš dirbtuvių ir sėsdavo karštiems ginčams Paryžiaus kavinėse. Taip Herbois kavinė tapo viena iš nuolatinių susitikimų vietų saujelei menininkų, susibūrusių aplink Edouardą Manet. Ketvirtadieniais vykdavo reguliarūs susirinkimai, o kitomis dienomis būdavo būrys linksmai kalbančių ar besiginčijančių menininkų. Claude'as Monet susitikimus kavinėje „Herbois“ apibūdino taip: „Negali būti nieko įdomesnio už šiuos susitikimus ir nesibaigiančius žvilgsnių susidūrimus. Jie paaštrino mūsų protą, paskatino mūsų kilnius ir nuoširdžius siekius, suteikė entuziazmo, kuris palaikė daugelį savaičių, kol idėja galutinai susiformavo. Iš šių susitikimų išėjome pakilios nuotaikos, su stipresne valia, vis aiškesnėmis mintimis“.

1870-ųjų išvakarėse impresionizmas rėmėsi ir Prancūzijos kraštovaizdyje: Claude'as Monet, Camille'as Pissarro, Alfredas Sisley'is pirmieji sukūrė nuoseklią plenero sistemą. Drobes jie tapė be eskizų ir eskizus atvirame ore tiesiai ant drobės, įkūnydami žaižaruojančią saulės šviesą, pasakišką gamtos spalvų gausą, vaizduojamų objektų tirpimą aplinkoje, šviesos ir oro virpesius, refleksų šurmulio. jų paveikslai. Siekdami šio tikslo, jie labai palengvino kiekvienoje detalėje tyrinėtą spalvų sistemą, kurioje natūrali spalva buvo išskaidyta į saulės spektro spalvas. Siekdami sukurti neįprastai ryškią, subtiliai spalvingą tekstūrą, menininkai atskirais potėpiais drobę pritaikė gryną spalvą, tikėtasi optinio maišymo žmogaus akyje. Ši technika, vėliau transformuota ir teoriškai argumentuota, tapo kito išskirtinio meninio siekio – puantilizmo, vadinamo „divizionizmu“ (iš prancūzų kalbos „daliklis“ – padalinti), akcentu.

Impresionistai rodė padidėjusį susidomėjimą objekto ir aplinkos santykiu. Jų kruopščios kūrybinės analizės tema buvo objekto spalvos ir charakterio transformacija besikeičiančioje aplinkoje. Norint pasiekti šią koncepciją, tas pats objektas buvo vaizduojamas keletą kartų. Šešėlius ir atspindžius papildžius gryna spalva, juodi dažai beveik paliko paletę.

Kritikas Jules Laforgue apie impresionizmo fenomeną kalbėjo taip: „Impresionistas gamtą mato ir perteikia tokią, kokia ji yra, tai yra, tik kerinčiomis vibracijomis. Piešimas, šviesa, apimtis, perspektyva, chiaroscuro – visa tai yra klasifikacija, kuri nyksta į realybę. Pasirodo, viskas yra sąlygota spalvų virpesių ir turėtų būti užfiksuota drobėje su spalvų virpesiais.

Užsiėmimų lauke ir susitikimų kavinėje 1873 m. gruodžio 27 d. dėka „Anonimai, skulptoriai, gravieriai ir kt.“ – taip iš pradžių save vadino impresionistai. Pirmoji draugijos paroda po metų pavasarį įvyko eksperimentinio fotografo, taip pat šiuolaikinio meno kūriniais prekiaujančio Nadaro komercinėje galerijoje.

Debiutas įvyko 1874 metų balandžio 15 dieną. Parodą planuota rengti mėnesį, lankymosi laikas – nuo ​​dešimtos iki šešių, o tai taip pat tapo naujove – nuo ​​aštuntos iki dešimtos vakaro. Įėjimo bilietas kainavo vieną franką, katalogus buvo galima įsigyti už penkiasdešimt centų. Iš pradžių atrodė, kad paroda buvo pilna lankytojų, tačiau minia ten tik pasityčiojo. Kai kas juokavo, kad šių menininkų užduotį galima pasiekti užtaisius į ginklą skirtingų dažų tūtelių, tada šaudant į drobę ir pasirašius.

Nuomonės išsiskyrė: arba į parodą visai nebuvo žiūrima rimtai, arba sukritikuota. Bendras suvokimas gali būti išreikštas tolesniame sarkastiškos aspiracijos straipsnyje „Impresionistų paroda“, kurį pasirašė Louisas Leroy, paskelbtas feljetono forma. Čia aprašomas autoriaus ir medaliais apdovanoto akademiko kraštovaizdžio tapytojo dialogas, kartu jie pereina per parodos sales:

„... Atėjo neapgalvotas menininkas, nieko blogo negalvodamas, tikėjosi ten pamatyti drobes, kurias galima rasti visur, orientacines ir nenaudingas, daugiau nenaudingas nei orientacines, bet nenutolęs nuo tam tikrų meninių standartų, formos kultūros ir pagarbos senieji meistrai.

Deja, forma! Deja, seni meistrai! Mes jų daugiau neskaitysime, mano vargšas drauge! Mes viską pakeitėme!"

Parodoje taip pat buvo eksponuojamas Claude'o Monet peizažas, rodantis ryto aušrą rūko gaubtoje įlankoje – tapytojas jį pavadino „Įspūdis. Saulėtekis “(Įspūdis). Štai vieno iš Louis Leroy satyrinio straipsnio apie šią drobę veikėjų komentaras, kuris suteikė pavadinimą sensacingiausiai ir garsiausiai XIX amžiaus meno tendencijai:

„...- Kas čia nupiešta? Pažvelkite į katalogą. – „Įspūdis. Saulėtekis". – Įspūdis – kaip ir tikėjausi. Ką tik samprotavau, kad kadangi esu susidaręs įspūdį, tai turi būti perteiktas kažkoks įspūdis... o koks atsipalaidavimas, koks sklandus pasirodymas! Pradinio apdorojimo tapetai yra tobulesni nei šis jūros peizažas ... “.

Asmeniškai Monet jokiu būdu neprieštaravo tokiam meninės technikos pavadinimui, kurį taikė praktiškai. Pagrindinė jo kūrybos esmė – tiksliai užfiksuoti ir užfiksuoti sunkiai suvokiamas gyvenimo, prie kurio dirbo, akimirkų, todėl atsirado nesuskaičiuojamos jo paveikslų serijos: „Šieno kupetos“, „Topoliai“, „Ruano katedra“, „Gare Saint-Lazare“. , „Tvenkinys prie Giverny“, „Londonas. Parlamento pastatas “ir kt. Kitas atvejis – Edgaras Degas, mėgęs vadintis „nepriklausomu“, nes Salone nedalyvavo. Jo atšiaurus, groteskiškas rašymo stilius, kuris buvo pavyzdys daugeliui šalininkų (tarp kurių ypač pasižymėjo Tulūza-Lotrekas), buvo neleistinas akademinei žiuri. Abu šie tapytojai tapo iniciatyviausiais vėlesnių impresionistų parodų organizatoriais tiek Prancūzijoje, tiek užsienyje – Anglijoje, Vokietijoje, JAV.

Auguste'as Renoiras, priešingai, pasirodęs pirmosiose impresionistų parodose, neprarado vilties laimėti Saloną, kasmet į savo parodas atsiųsdamas po du paveikslus. Būdingą savo veiksmų dviprasmiškumą jis paaiškina susirašinėjime su bendražygiu ir mecenatu Durandu-Rueliu: „... Aš nepritariu skaudžioms nuomonėms, kad kūrinys vertas ar nevertas, priklausomai nuo vietos, kur jis rodomas. Trumpai tariant, nenoriu gaišti laiko ir pykti ant Salono. Net nenoriu apsimesti, kad pykstu. Tiesiog manau, kad reikia kuo greičiau piešti, tai viskas. Jei būčiau sulaukęs priekaištų, kad esu nesąžiningas savo mene arba dėl absurdiškų ambicijų atmetu savo pažiūras, aš priimčiau tokius kaltinimus. Bet kadangi nieko panašaus nėra ir nėra artima, tai nereikia man priekaištauti “.

Nelaikydamas savęs oficialiai įtrauktu į impresionistų kryptį, Edouardas Manet laikė save dailininku realistu. Tačiau nenutrūkstamas glaudus ryšys su impresionistais, lankantis jų parodose, nepastebimai transformavo tapytojo stilių, priartindamas jį prie impresionistinio. Mirštančiais gyvenimo metais paveiksluose ryškėja spalvos, šluojantis teptuko potėpis, fragmentiška kompozicija. Manet, kaip ir Renuaras, tikėjosi oficialių meno srities žinovų palankumo ir nekantravo dalyvauti Salono parodose. Tačiau prieš savo valią jis tapo Paryžiaus avangardo, jų nekarūnuoto karaliaus, stabu. Nepaisant visko, jis savo drobėmis atkakliai šturmavo Saloną. Prieš pat mirtį jam pasisekė įsigyti oficialią salono vietą. Jį rado ir Auguste'as Renoiras.

Apibūdinant kertinius impresionizmo asmenis, būtų negražu bent fragmentiškai neprisiminti žmogaus, kurio pagalba ne kartą niekintas meninis kryptis tapo esminiu XIX amžiaus meniniu įsigijimu, užkariavo visą pasaulį. Šio žmogaus vardas yra Paul Durand-Ruel, kolekcininkas ir meno prekiautojas, ne kartą atsidūręs ant bankroto slenksčio, tačiau neatsisakęs bandymų įtvirtinti impresionizmą kaip naują meną, kuris vis tiek pasieks savo kulminaciją. Jis rengė impresionistų parodas Paryžiuje ir Londone, savo galerijoje rengė personalines tapytojų parodas, rengė aukcionus, tiesiog padėjo menininkams finansiškai: buvo laikai, kai daugelis jų neturėjo lėšų nusipirkti dažų ir drobės. Ugningo menininkų dėkingumo ir pagarbos įrodymas – jų laiškai Durandui-Rueliui, kurių gausu. Durando-Ruelio asmenybė yra protingo kolekcionieriaus ir geradario pavyzdys.

„Impresionizmas“ yra santykinė sąvoka. Visi tapytojai, kuriuos priskiriame šiai tendencijai, buvo baigę akademinį mokymą, kurio metu buvo kruopščiai ištirtos detalės ir lygus, blizgus tapybos paviršius. Tačiau netrukus jie pirmenybę teikė tikroviškos krypties paveikslams, o ne įprastoms salono temoms ir siužetams, atspindintiems tikrąją tikrovę, kasdienybę. Vėliau kiekvienas iš jų tam tikrą laiką tapė impresionizmo stiliumi, bandydamas objektyviai perteikti objektus savo paveiksluose skirtingomis apšvietimo sąlygomis. Po tokio impresionistinio etapo dauguma šių avangardistų menininkų perėjo į savarankiškus tyrimus, kurie įgavo kolektyvinį „postimpresionizmo“ pavadinimą; vėliau jų darbai prisidėjo prie XX amžiaus abstrakcionizmo formavimo.

XIX amžiaus aštuntajame dešimtmetyje Europa tapo priklausoma nuo japonų meno. Edmondas de Goncourtas savo užrašuose sako: „... Aistra japonų menui... apėmė viską – nuo ​​tapybos iki mados. Iš pradžių tai buvo manija tokiems ekscentrikams kaip mes su broliu, .. vėliau prie mūsų prisijungė tapytojai impresionistai“. Išties to meto impresionistų paveiksluose dažnai buvo užfiksuota japonų kultūros atributika: vėduoklės, kimono, širmos. Iš japoniškos graviūros jie piešė ir stilistinius metodus bei plastinius sprendimus. Daugelis impresionistų buvo entuziastingi japoniškų spaudinių kolekcionieriai. Pavyzdžiui, Edouardas Manet, Claude'as Monet, Edgaras Degas.

Apskritai, vadinamieji impresionistai nuo 1874 iki 1886 m. surengė 8 parodas nevienodu laiko intervalu; pusė iš 55 Anonimų draugijai priklausiusių tapytojų dėl įvairių aplinkybių figūravo tik I. Išskirtinis visų 8 parodų dalyvis buvo ramaus, taikaus nusiteikimo Camille Pissarro.

1886 m. įvyko baigiamoji impresionistų paroda, bet kaip meninis metodas išliko ir toliau. Dailininkai neapleido sunkaus darbo. Nors buvusios bičiulystės, vienybės, nebeliko. Kiekvienas trypė savo kelią. Istorinės akistatos baigėsi, baigėsi naujų pažiūrų triumfu ir jėgų vienyti nebereikėjo. Šlovinga impresionistų menininkų vienybė skilo ir negalėjo nesuskilti: jie visi buvo skausmingai nepanašūs ne tik temperamentu, bet ir pažiūromis bei meniniais įsitikinimais.

Impresionizmas, kaip savo laiką atitinkanti tendencija, nepaliko Prancūzijos sienų. Panašius klausimus uždavė ir kitų šalių tapytojai (Jamesas Whistleris Anglijoje ir JAV, Maxas Liebermanas ir Lovisas Korintas Vokietijoje, Konstantinas Korovinas ir Igoris Grabaras Rusijoje). Skulptoriai (Auguste Rodin Prancūzijoje, Paolo Trubetskoy ir Anna Golubkina Rusijoje) perėmė impresionizmo entuziazmą momentiniam judėjimui ir sklandžiai formai.

Impresionistai, įvykdę amžininkų pažiūrų perversmą, praplėsdami jo pasaulėžiūrą, atvėrė kelią vėlesniam meno formavimuisi ir naujų estetinių siekių bei idėjų, naujų formų, kurios netruko atsirasti, atsiradimui. Atsiradę iš impresionizmo, neoimpresionizmo, postimpresionizmo, fovizmo, vėliau taip pat skatino naujų estetinių krypčių ir krypčių formavimąsi ir įsigalėjimą.

Impresionizmas- XIX paskutinio trečdalio - XX amžiaus pradžios meno kryptis, kilusi Prancūzijoje, o paskui išplitusi visame pasaulyje, kurios atstovai siekė natūraliausiu ir nešališkiau užfiksuoti realų pasaulį jo mobilumu ir kintamumu, perteikti savo trumpalaikiškumą. įspūdžiai. Paprastai terminas „impresionizmas“ reiškia tapybos kryptį, nors jo idėjos buvo įsikūnijusios ir literatūroje bei muzikoje.

Tapyba.

Impresionizmas atsirado Prancūzijoje XIX amžiaus antroje pusėje. Jaunieji menininkai norėjo peržengti klasikinės tapybos ribas. Kas nebuvo taip paprasta: nei kritikai, nei visuomenė nenorėjo priimti paveikslų, kurie taip skyrėsi nuo įprastos akademinės tapybos „antikvariniu“ stiliumi.

Naujos krypties menininkų paveikslai nebuvo laikomi paveikslais, jie buvo tokie panašūs į greituosius eskizus.

Bet tai buvo naujos krypties esmė – užfiksuoti akimirką, parodyti gyvenimą tokį, koks jis yra. Impresionistai nesugalvoja siužetų, o juos perima iš kasdienybės: tai viskas, ką gali pamatyti kiekvienas, tik išėjęs į gatvę.

Menininkai pradėjo naudoti visiškai naujas tapybos technikas. Dažai ant molberto nesimaišė, o buvo užtepti ant drobės atskirais potėpiais. Todėl norint susidaryti išsamų paveikslo vaizdą, į juos reikia žiūrėti iš nedidelio atstumo, o ne iš arti. Su šiuo suvokimu aiškūs atskiri potėpiai sklandžiai susilieja vienas į kitą ir susidaro paveikslo idėja.

Kitaip nei praėjusių metų meistrai, impresionistai dirbtuvėse nedirbo, ten baigdavo ir baigdavo savo eskizus. Būtent tarp jų populiarėja plenero technika – tai yra darbas po atviru dangumi. Menininkai keliaudavo į priemiesčius (ypač populiarus buvo Fontenblo miškas), kur piešdavo piknikus arba vaizdavo Paryžiaus gyvenimo scenas: Monet ir Renoir dažnai vaizdavo scenas Senos krantinėse; Renoiro paveikslų serija iš Mulino de la. Gallet taip pat žinomas.

Tačiau impresionistai ne visada domėjosi žmonėmis ar gamta. Daug įdomiau buvo perteikti, pavyzdžiui, oro judėjimą ar saulės spindulių kritimą. Pavyzdžiui, Monet paveiksle „Gare de Saint-Lazare“ pagrindinis vaizdo objektas yra net ne pati stotis ar traukinys, o dūmai, kylantys klubuose iš rūkančio kamino.

Naujasis judėjimas skyrėsi nuo akademinės tapybos tiek techniškai, tiek ideologiškai. Visų pirma impresionistai atsisakė kontūro, pakeisdami jį mažais, atskirais ir kontrastingais potėpiais. Saulės spindulys skyla į savo komponentus: violetinę, mėlyną, mėlyną, žalią, geltoną, oranžinę, raudoną, tačiau kadangi mėlyna yra savotiška mėlyna, jų skaičius sumažėja iki šešių. Du vienas šalia kito dedami dažai sustiprina vienas kitą ir, atvirkščiai, susimaišę praranda savo intensyvumą. Be to, visos spalvos skirstomos į pirmines arba pirmines ir dvigubas, arba išvestines, o kiekvienas dvigubas dažymas papildo pirmąjį:

Mėlyna - oranžinė

Raudona Žalia

Geltona – violetinė

Apskritai daugelis menininkų dirbo impresionizmo stiliumi, tačiau judėjimo pagrindas buvo Edouardas Manetas, Claude'as Monet, Auguste'as Renoiras, Degas. Tačiau Manetas visada vadino save „nepriklausomu menininku“ ir niekada nedalyvavo parodose, o Degas, nors ir dalyvaudavo, savo darbų niekada netapė plenere.

Menininkai. (Daug, bet pakankamai trumpai, kad sužinotumėte apie jų darbą)

Išskirtinio XIX amžiaus tapytojo kūryba liudija, kaip impresionistų mene organiškai susiliejo tradicija ir naujovės. Edouardas Manetas... Tuo tarpu šiuose kūriniuose, kaip ir vėlesnėje kūryboje, menininkas remiasi klasikinio meno patirtimi. Siekdamas estetiškai suvokti šiuolaikinį gyvenimą, Manet naudoja didingas Renesanso tapytojų kompozicines schemas – nuo ​​Džordžo ir Ticiano iki Velazquezo ir Gojos. Jo paveikslai, nemažai portretų ir kitų 1860-ųjų kūrinių nutapyti tradicine, dar iki galo neįveikta tapybos maniera, nors ir čia jau jaučiamas atviros spalvos ir natūralios šviesos troškimas. Vėliau Manet paletė pastebimai šviesėja. Jis vienas pirmųjų piešė ant grynai balto pagrindo, paskui „apkrovė“ sodriais ryškių saulėtų spalvų potėpiais, o paskui padengė geriausiais taurių rausvų ir pilkai pilkų atspalvių pustoniais. Jis turėjo dovaną perteikti begalinį spalvų turtingumą ir gyvą objektyvaus pasaulio drebėjimą, kuris ypač aiškiai pasireiškė natiurmorte – „niekas iš Manet amžininkų negalėjo nupiešti natiurmorto geriau už jį.“ Manet naujovė buvo ta, kad jis galėjo pažvelgti į supančią tikrovę ir praplėsti reiškinių, į kuriuos kreipiasi vaizduojamasis menas, spektrą. Jis nebijojo padaryti tikrai aukšto meno objektą ir tobulose tapybinėse formose įkūnyti tokius gyvenimo ir žmonių santykių aspektus, nuo kurių prieš jį menininkai nusisuko arba jų nepastebėjo.

Meno centre Edgaras Degas visada buvo žmogus, o peizažas, kone pagrindinis impresionistų žanras, jo kūryboje nevaidino reikšmingo vaidmens. Didelis Ingreso gerbėjas, piešiniui skyrė išskirtinę reikšmę. Italijoje jis žavėjosi Mantenja, tarp prancūzų menininkų domėjosi Poussinu ir kopijavo jo paveikslus. Degas persikėlė į Manet įtaką, kad pavaizduotų šiuolaikinio gyvenimo scenas. Pagrindinės jo temos – baleto ir žirgų lenktynių pasaulis, tik retais atvejais jis peržengia jų ribas, remdamasis Paryžiaus bohemijos gyvenimu, vaizduodamas skalbykles, lyginėjas ir skalbėjas. Degaso naujovės perteikti judesį yra neatsiejamai susijusios su jo kompozicijos įgūdžiais. Su juo, net stipresniu už Manetą, jaučiamas netyčinis, atsitiktinumas, atskiro epizodo išplėšimas iš gyvenimo srovės. Tai jis pasiekia su netikėta asimetrija ir neįprastais požiūrio taškais (dažnai iš viršaus ar iš šono, kampu), „pakylėjančia“ erdve, tarsi žvilgtelėjusia į veidrodį, išraiškingu kadravimu ir drąsiais kadro pjūviais. Šį natūralumo ir visiškos laisvės pojūtį iškovojo sunkus darbas, tikslus skaičiavimas ir tiksli kompozicinė konstrukcija.

Sunku įsivaizduoti didesnę Degas meno priešybę nei tapyba Auguste Renoir vienas saulėčiausių ir labiausiai gyvybę teikiančių menininkų Prancūzijoje, kurį A. Lunacharsky pavadino „laimės tapytoju“. Aukščiausi Renoir pasiekimai siejami su moters ir vaikų įvaizdžiu. Mėgstamiausias jo tipas – moterys, turinčios kreivų formų, papūstų lūpų, įtemptų nosių ir žaviai neapgalvotų akių. Jis piešia juos nuogus ir apsirengusius, lauke lyjant, ant sūpynių sode, plaukiodamas ar pusryčiaudamas su įdegusiais valtininkais. Jo modeliai – merginos iš liaudies ir vargšės buržuazinės moterys, sveikos ir žvalios, nepažįstančios korseto ir nesigėdančios savo nuogumo.