Sandro Botticelli (1445-1510) yra vienas ryškiausių Florencijos ankstyvojo renesanso dailininkų. Slapyvardis Botticelli, rusiškai reiškiantis statinę, iš pradžių priklausė vyresniajam menininko broliui Džovaniui, kuris turėjo didelį kūno sudėjimą. Tikrasis tapytojo vardas yra Alessandro Filipepi.

Vaikystė, paauglystė ir mokymosi įgūdžiai

Botticelli gimė odininko šeimoje. Pirmasis jo paminėjimas buvo aptiktas praėjus 13 metų po berniuko gimimo, 1458 m. Jaunasis Botticelli buvo labai ligotas vaikas, tačiau jis dėjo visas pastangas, kad išmoktų skaityti. Maždaug tuo pačiu laikotarpiu Sandro pradėjo dirbti ne visą darbo dieną kito savo brolio Antonio dirbtuvėse.

Botticelli amatui nebuvo lemta užsiimti, ir jis tai suprato po kurio laiko būdamas mokiniu. 15 amžiaus 60-ųjų pradžioje Sandro pradėjo treniruotis pas vieną didžiausių tos eros menininkų Fra Filippo Lippi. Meistro stilius paveikė jaunąjį Botticelli, kuris vėliau pasireiškė ankstyvuosiuose menininko darbuose.

Jau 1467 m. jaunasis Florencijos menininkas atidarė dirbtuves, o tarp pirmųjų jo darbų yra „Madona ir vaikai su dviem angelais“, „Eucharistijos Madona“ ir kai kurie kiti paveikslai.

Savarankiško kūrybinio kelio pradžia

Pirmąjį savo projektą Sandro baigė 1470 m., o jo darbas buvo skirtas teismo salei. Botticelli reikalai klostėsi labai gerai, ir netrukus jis tapo geidžiamu meistru, kurio šlovė pamažu ėmė pasiekti karališkuosius rūmus.

Botticelli savo pirmąjį šedevrą sukūrė 1475 m. Tai buvo paveikslas, pavadintas „Magių garbinimas“. Klientas buvo gana turtingas ir įtakingas bankininkas, turėjęs ryšių su tuometiniais miesto valdovais, su kuriais supažindino talentingą vaikiną. Nuo tada kūrėjas buvo artimas valdančiajai Medičių šeimai ir vykdė užsakymus specialiai jiems. Pagrindiniais šio laikotarpio darbais galima vadinti paveikslus „Pavasaris“ ir „Veneros gimimas“.

Kvietimas į Romą ir šlovės viršūnę

Gandai apie jauną, bet labai talentingą menininką greitai pasklido pačioje Romoje, kur popiežius Sikstas IV jį pavadino 80-ųjų pradžioje. Botticelli, bendradarbiaujant su kitomis garsiomis savo meto asmenybėmis, buvo pavesta atlikti neseniai iškilusio pastato, žinomo iki šiol – Siksto koplyčios, projektą. Sandro dalyvavo kuriant keletą garsių freskų, įskaitant „Mozės jaunystę“ ir „Kristaus gundymą“.

Jau kitais metais Botticelli grįžo į savo gimtąją Florenciją, kurios tikėtina priežastis buvo jo tėvo mirtis. Nors tuo pačiu metu jis tiesiogine prasme buvo perkrautas užsakymais savo gimtajame mieste.

15 amžiaus 80-ųjų viduryje Botticelli buvo savo šlovės viršūnėje: užsakymų buvo tiek daug, kad pats menininkas tiesiog neturėjo laiko nutapyti visų paveikslų. Didžiąją dalį darbo atliko išskirtinio kūrėjo mokiniai, o pats Botticelli užsiėmė tik sudėtingiausių kompozicijų elementų kūrimu. Tarp žinomiausių menininko darbų, kuriuos jis sukūrė devintajame dešimtmetyje, yra „Apreiškimas“, „Venera ir Marsas“ ir „Madonna Magnificat“.

Vėliau kūryba

Rimti gyvenimo išbandymai kūrėją ištiko 9-ajame dešimtmetyje, kai jis neteko mylimo brolio, nuo kurio gavo tokią juokingą pravardę. Kiek vėliau menininkas ėmė abejoti, ar visa jo veikla pasiteisino.

Visa tai sutapo su itin svarbiais įvykiais, lėmusiais Medičių dinastijos nuvertimą. Savonarola atėjo į valdžią, nuožmiai kritikuodama ankstesnių valdovų išlaidumą ir nuoširdumą. Jis taip pat buvo nepatenkintas popiežiškumu. Valdžia šiam valdovui buvo užtikrinta visuomenės parama, ir Botticelli perėjo į jo pusę, tačiau Savonarola valdė neilgai: vos po kelerių metų jis buvo nuverstas nuo sosto ir sudegintas gyvas ant laužo.

Liūdni įvykiai giliai sužeidė dailininką. Daugelis tuo metu sakė, kad Botticelli buvo vienas iš „atsivertusių“, apie kurį galima spręsti pagal paskutinius kūrėjo darbus. Būtent šis dešimtmetis tapo lemiamu menininko gyvenime.

Paskutiniai gyvenimo ir mirties metai

Per paskutinius 10–12 savo gyvenimo metų didžiojo tapytojo šlovė pradėjo blėsti ir Botticelli galėjo prisiminti tik savo buvusį populiarumą. Amžininkai, radę jį paskutiniais gyvenimo metais, apie jį rašė, kad jis buvo visiškai neturtingas, vaikščiojo su ramentais ir niekas juo nė trupučio nesirūpino. Paskutiniai Botticelli darbai, įskaitant „Mistines Kalėdas“ 1500 m., nebuvo populiarūs, ir niekas į jį nesikreipė dėl naujų paveikslų užsakymo. Orientacinis buvo atvejis, kai tuometinė karalienė, rinkdama menininkus savo užsakymui vykdyti, visais įmanomais būdais atmetė Botticelli pasiūlymus.

Kadaise garsus dailininkas mirė 1510 m., būdamas vienas ir vargšas. Jis buvo palaidotas kapinėse netoli vienos iš Florencijos bažnyčių. Kartu su pačiu kūrėju visiškai užgeso ir jo šlovė, kuri atgimė tik paskutiniais XIX amžiaus dešimtmečiais.

Yra keletas paveikslų, kuriuos žmonės sieja su Renesansu. Šie paveikslai yra žinomi visame pasaulyje ir tapo tikrais to meto simboliais. Daugeliui paveikslų nutapyti menininkai kvietė žmones, kurių pavardės mums, kaip modeliams, neatėjo. Jie tiesiog atrodė kaip menininkui reikalingi personažai, ir viskas. Ir todėl, kad ir kaip mus domintų jų likimas, dabar apie juos praktiškai nieko nežinoma.

Sandro Botticelli ir jo „Venera“, Simonetta Vespucci

To pavyzdys – garsusis Mikelandželo paveikslas, puošiantis Siksto koplyčios lubas, „Adomo sukūrimas“ arba to paties autoriaus kūrinys – Dovydo statula. Dabar nebežinoma, kas buvo šių kūrinių kūrimo modelis.

Taip yra ir su garsiuoju Leonardo da Vinci paveikslu „Mona Liza“. Dabar sklando daug gandų, kad Lisa Gerardini norėjo parašyti, tačiau šioje versijoje yra daugiau abejonių nei tikrumo. Ir pati paveikslo paslaptis greičiausiai siejama su pačia Leonardo da Vinci asmenybe, o ne su jo modeliu.

Tačiau viso šio netikrumo fone gana aiški garsiojo Sandro Botticelli paveikslo „Veneros gimimas“ ir modelio, kuris buvo Veneros prototipas, sukūrimo istorija. Ji buvo Simonetta Vespucci, pripažinta to laikmečio gražuolė. Deja, paveikslas nebuvo nutapytas iš gamtos, nes tuo metu Botticelli mūza jau buvo mirusi.

Botticelli gimė Florencijoje ir visą gyvenimą jį globojo įtakingiausia to meto miesto šeima – Medičiai. Simonetta gyveno tame pačiame mieste, jos mergautinė pavardė buvo Cattaneo, ji buvo Genujos didiko dukra. Būdama šešiolikos Simonetta ištekėjo už Marco Vespucci, kuris ją įsimylėjo ir buvo gerai priimtas tėvų.

Visi miesto vyrai pašėlo nuo Simonetos grožio ir malonaus charakterio, net broliai Giuliano ir Lorenzo Medici pateko į jos žavesį. Kaip menininko Sandro Botticelli modelį Simonettą pasiūlė pati Vespucci šeima. Botticelli tai buvo lemtingas susitikimas, jis iš pirmo žvilgsnio įsimylėjo savo modelį, ji tapo jo mūza. Tuo pat metu 1475 m. vykusiame riterių turnyre Giuliano de Medici koncertavo su vėliava, kurioje taip pat buvo Botticelli rankos Simonetos portretas su užrašu prancūzų kalba, reiškiančiu „Nepalyginamas“. Po pergalės šiame turnyre Simonetta buvo paskelbta „Grožio karaliene“, o jos, kaip gražiausios Florencijos moters, šlovė pasklido po visą Europą.

Ir, kaip minėta aukščiau, Simonetta mirė netrukus, 1476 m., būdama tik 23 metų, tikriausiai nuo tuberkuliozės. Botticelli niekada negalėjo jos pamiršti ir visą gyvenimą gyveno vienas, mirė 1510 m.

Be jokios abejonės, menininkas gerbė Simonetos santuoką ir niekaip nerodė savo meilės, išskyrus tai, kad su savo atvaizdu parašė daugybę paveikslų. Taigi garsiojoje drobėje „Venera ir Marsas“ jis pavaizdavo herojus, kurių panašumo į Simonetą ir patį autorių Marso vaidmenyje niekas neabejoja.

O 1485 metais Botticelli nutapė garsųjį paveikslą „Veneros gimimas“, kurį skyrė savo mylimosios atminimui, praėjus devyneriems metams po jos mirties. Botticelli meilė buvo tokia didelė, kad jis paprašė būti palaidotas kape, kuriame buvo palaidota Simonetta Vespucci, „prie jos kojų“.

Yra žinoma, kad Botticelli parašė daugiau nei 150 kūrinių, tačiau daugumą jų sunaikino Katalikų bažnyčios atstovai, apkaltinę kūrybą pagonybe ir sekuliarizmu. „Veneros gimimas“ buvo stebuklingai išgelbėtas, anot gandų, jį apgynė Lorenzo de Medici savo brolio ir meilės Simonetai atminimui.

Nėra poetiškesnio paveikslo už Sandro Botticelli (Botticelli, Sandro) paveikslą. Menininkas buvo pripažintas dėl savo stiliaus subtilumo ir išraiškingumo. Ryškiai individualiai menininko manierai būdingas šviesos muzikalumas, virpančios linijos, šaltų, rafinuotų spalvų skaidrumas, peizažo gyvuliškumas, įnoringas linijinių ritmų žaismas. Jis visada stengėsi išlieti savo sielą į naujas vaizdines formas.

Alessandro di Mariano Filipepi gimė 1445 m. kovo 1 d. Mariano ir Smeraldos Filipepi šeimoje. Kaip ir daugelis kitų apylinkių, jo tėvas buvo odininkas. Pirmuosius Alessandro, kaip ir kitų Florencijos menininkų, paminėjimus randame vadinamajame „portate al Catasto“, tai yra kadastre, kuriame buvo surašytos pajamų apmokestinimo ataskaitos, kurios pagal 1427 m. Respublikos dekretą. , kiekvienos Florencijos šeimos galva. 1458 m. Mariano Filipepi nurodė, kad turi keturis sūnus: Giovanni, Antonio, Simone ir 13-metį Sandro ir pridūrė, kad Sandro „moka skaityti, jis yra sergantis berniukas“. Alessandro savo slapyvardį Botticelli („statinė“) gavo iš vyresniojo brolio. Tėvas norėjo, kad jo jauniausias sūnus pasektų Antonio, juvelyru dirbusio mažiausiai nuo 1457 m., pėdomis, o tai sukurtų nedidelį, bet patikimą šeimos verslą.

Pasak Vasari, tuo metu tarp juvelyrų ir tapytojų buvo tokie glaudūs santykiai, kad vienų dirbtuvės reiškė tiesioginį priėjimą prie kitų amato, o Sandro, kuris gana įgudęs piešti – meną, reikalingą tiksliam ir pasitikintis „juodavimu“, netrukus susidomėjo tapyba ir nusprendė jai atsiduoti, kartu nepamiršdamas ir vertingiausių juvelyrikos meno pamokų, ypač kontūrų kontūro aiškumo. Apie 1464 m. Sandro įstojo į Fra Filippo Lippi dirbtuves iš Karmino vienuolyno, geriausio to meto dailininko, kurį paliko 1467 m., būdamas dvidešimt dvejų.

Ankstyvasis kūrybos laikotarpis

Filippo Lippi stilius padarė didžiulę įtaką Botticelli, daugiausia pasireiškęs tam tikro tipo veidais, ornamentinėmis detalėmis ir spalvomis. Jo XX amžiaus septintojo dešimtmečio pabaigos kūriniuose trapus, plokštuminis tiesiškumas ir grakštumas, pasiskolintas iš Filippo Lippi, pakeičiamas galingesne figūrų interpretacija ir nauju tūrių plastikos supratimu. Maždaug tuo pačiu metu Botticelli pradėjo naudoti energingus ochros šešėlius, kad perteiktų kūno spalvą – tai technika, kuri tapo būdinga jo stiliaus savybe. Šie pokyčiai visapusiškai pasireiškia anksčiausiame Merchant Court dokumentuotame paveikslėlyje „Jėgos alegorija“. (apie 1470 m., Florencija, Uffizi galerija) ir mažiau ryškia forma dviejose ankstyvosiose madonose (Neapolis, Capodimonte galerija; Bostonas, Isabella Stuart Gardner muziejus). Dvi garsios porinės kompozicijos „Juditos istorija“ (Florencija, Uficis), taip pat priklausančios ankstyviesiems meistro darbams (apie 1470 m.), iliustruoja kitą svarbų Botticelli tapybos aspektą: gyvą ir talpų pasakojimą, kuriame susilieja ekspresija ir veiksmas. , visiškai aiškiai atskleidžiantis dramatišką esmę. Jie taip pat atskleidžia jau prasidėjusį spalvų pasikeitimą, kuris tampa ryškesnis ir sodresnis, priešingai nei blyški Filippo Lippi paletė, vyraujanti ankstyviausiame Botticelli paveiksle - Magų garbinimas (Londonas, Nacionalinė galerija).

Tikriausiai jau 1469 m. Botticelli gali būti laikomas nepriklausomu menininku, nes tų pačių metų kadastre Mariano paskelbė, kad jo sūnus dirba namuose. Iki tėvo mirties Philippei priklausė reikšmingas turtas. Jis mirė 1469 m. spalį, o kitais metais Sandro atidarė savo dirbtuves.

1472 m. Sandro įstojo į Šventojo Luko gildiją. Botticelli užsakymus daugiausia gauna Florencijoje.

Meistro kilimas

1469 m. valdžia Florencijoje atiteko Kosimo Senojo anūkui Lorenzo Medici, pravarde Didingasis. Jo kiemas tampa Florencijos kultūros centru. Lorenzo, menininkų ir poetų draugas, pats rafinuotas poetas ir mąstytojas, tampa Botticelli globėju ir klientu.

Tarp Botticelli darbų tik keli turi patikimas datas; daugelis jo paveikslų datuoti remiantis stilistine analize. Kai kurie žinomiausi kūriniai datuojami 1470 m.: Šv. Sebastijono paveikslas (1473 m.), seniausias nuogo kūno vaizdavimas meistro kūryboje; Magų garbinimas (apie 1475 m., Uficis). Du portretai – jauno vyro (Florencija, Pitti galerija) ir Florencijos ponios (Londonas, Viktorijos ir Alberto muziejus) – datuojami XX amžiaus aštuntojo dešimtmečio pradžios. Kiek vėliau, galbūt 1476 m., buvo padarytas Lorenzo brolio Giuliano Medici portretas (Vašingtonas, Nacionalinė galerija). Šio dešimtmečio darbai demonstruoja laipsnišką Botticelli meninių įgūdžių augimą. Jis naudojo metodus ir principus, išdėstytus pirmame išskirtiniame teoriniame traktate apie Renesanso tapybą, kurį parašė Leonas Battista Alberti (Apie tapybą, 1435–1436), ir eksperimentavo su perspektyva. Iki XX amžiaus aštuntojo dešimtmečio pabaigos Botticelli darbuose išnyko stilistiniai svyravimai ir tiesioginis skolinimasis iš kitų menininkų, būdingų jo ankstyviesiems darbams. Tuo metu jis jau užtikrintai įvaldė visiškai individualų stilių: personažų figūros įgauna tvirtą struktūrą, o jų kontūrai stebėtinai derina aiškumą ir eleganciją su energija; dramatiškas išraiškingumas pasiekiamas derinant aktyvų veiksmą ir gilų vidinį išgyvenimą. Visos šios savybės yra Šv. Augustino freskoje (Florencija, Onisanti bažnyčia), nutapytoje 1480 m. kaip porinė kompozicija su Ghirlandaio Šv. Jeronimo freska. Objektai, supantys Šv. Augustino muzikos stendas, knygos, moksliniai instrumentai demonstruoja Botticelli meistriškumą natiurmorto žanre: jie vaizduojami tiksliai ir aiškiai, atskleidžiantys menininko gebėjimą suvokti formos esmę, tačiau tuo pačiu ir nekrenta į akis bei neatitraukite dėmesio nuo pagrindinio dalyko. Galbūt šis susidomėjimas natiurmortu siejamas su olandų tapybos įtaka, sukėlusią XV amžiaus Florencijos susižavėjimą. Žinoma, olandų menas turėjo įtakos Botticelli kraštovaizdžio interpretacijai. Leonardo da Vinci rašė, kad „mūsų Botticelli“ mažai domėjosi kraštovaizdžiu: „... jis sako, kad tai tuščias laiko švaistymas, nes užtenka tik užmesti ant sienos dažais suvilgytą kempinę, ir ji paliks dėmę ten, kur galite atskirti gražų kraštovaizdį “... Botticelli dažniausiai pasitenkindavo savo paveikslų fone naudodamas įprastus motyvus, paįvairindamas juos olandų tapybos motyvais, tokiais kaip gotikinės bažnyčios, pilys ir sienos, kad pasiektų romantišką-vaizdinį efektą.

Menininkas daug rašo pagal Lorenzo Medici ir jo artimųjų užsakymus. 1475 m. turnyro proga jis nutapė Giuliano Medici reklaminį skydelį. O kažkada jis net užfiksavo savo klientus Magų pavidalu paveiksle „Magių garbinimas“ (1475–1478) Čia taip pat galima rasti pirmąjį menininko autoportretą. Prasideda vaisingiausias laikotarpis Botticelli kūryboje. Sprendžiant iš kadastre įregistruotų jo mokinių ir padėjėjų skaičiaus, 1480 m. Botticelli dirbtuvės buvo plačiai pripažintos.

1481 m. popiežius Sikstas IV pakvietė Botticelli į Romą kartu su Cosimo Rosselli ir Ghirlandaio nutapyti freskų ant naujai pastatytos Siksto koplyčios šoninių sienų. Jis atliko tris iš šių freskų: Mozės gyvenimo scenas, Raupsuoto žmogaus išgydymą ir Kristaus gundymą bei Koraho, Datano ir Abirono bausmę. Visos trys freskos meistriškai sprendžia sudėtingos teologinės programos pateikimo aiškiomis, lengvomis ir gyvomis dramatiškomis scenomis problemą; kompoziciniai efektai išnaudojami iki galo.

Grįžęs į Florenciją, galbūt 1481 m. pabaigoje ar 1482 m. pradžioje, Botticelli nutapė savo garsiuosius paveikslus mitologinėmis temomis: Pavasaris, Pallas ir Kentauras, Veneros gimimas (visi Uficie) ir Venera ir Marsas (Londonas, Nacionalinė galerija). kurie priklauso žymiausiems Renesanso epochos kūriniams ir reprezentuoja tikruosius Vakarų Europos meno šedevrus. Šių paveikslų personažai ir siužetai įkvėpti senovės poetų, pirmiausia Lukrecijaus ir Ovidijaus, kūrybos, taip pat mitologijos. Juose jaučiama antikinio meno įtaka, geras klasikinės skulptūros išmanymas ar eskizai iš jos, kurie buvo plačiai paplitę Renesanso epochoje. Taigi, pavasario malonės grįžta į klasikinę trijų gracijų grupę, o Veneros poza nuo Veneros gimimo – į Venus Pudica tipą (Venera yra niekšiška).

Kai kurie mokslininkai šiuose paveiksluose įžvelgia vizualų pagrindinių Florencijos neoplatonistų, ypač Marsilio Ficino (1433–1499), idėjų įkūnijimą. Tačiau šios hipotezės šalininkai nepaiso juslinio principo trijuose paveiksluose, kuriuose vaizduojama Venera, ir tyrumo bei grynumo šlovinimą, kuris neabejotinai yra Palaso ir Kentauro tema. Labiausiai tikėtina hipotezė, kad visi keturi paveikslai buvo nutapyti vestuvių proga. Tai ryškiausi išlikę šio tapybos žanro kūriniai, kuriuose švenčiama santuoka ir dorybės, susijusios su meilės gimimu nepriekaištingos ir gražios nuotakos sieloje. Tos pačios idėjos yra pagrindinės keturiose kompozicijose, iliustruojančiose Boccaccio Nastagio degli Onesti istoriją (randamos skirtingose ​​kolekcijose), ir dviejose freskose (Luvras), nutapytose apie 1486 m. vieno artimiausio Medičio bendražygio sūnaus vedybų proga.

Sielos krizė Kūrybiškumo krizė

1490-aisiais Florencija patyrė politinių ir socialinių sukrėtimų – Medičių išvarymą, trumpalaikį Savonarolos viešpatavimą su jo smerkiančiais religiniais ir mistiniais pamokslais, nukreiptais prieš popiežiaus prestižą ir turtingą Florencijos patriciatą.

Prieštaravimų draskoma Botticelli siela, kuri jautė Renesanso atverto pasaulio grožį, bet bijojo jo nuodėmingumo. Jo mene ima skambėti mistiškos natos, atsiranda nervingumas, dramatizmas. „Cestello Apreiškime“ (1484–1490, Uffizi) jau išryškėja pirmieji manierizmo požymiai, kurie palaipsniui didėjo vėlesniuose Botticelli darbuose, atitraukdami jį nuo brandaus kūrybos laikotarpio gamtos pilnatvės ir turtingumo iki stiliaus, menininkas žavisi savo būdo ypatumais. Figūrų proporcijos pažeidžiamos siekiant sustiprinti psichologinį išraiškingumą. Šis stilius vienokiomis ar kitokiomis formomis būdingas Botticelli kūrybai 1490-aisiais ir 1500-ųjų pradžioje, net alegoriniam paveikslui „Šmeižtas“ (Uffizi), kuriame meistras išaukština savo kūrybą, siedamas ją su Apelleso kūryba. didžiausias senovės graikų dailininkas.

Paveiksle „Dievo Motinos vestuvės“ (1490) angelų veiduose galima įžvelgti griežtą, intensyvų apsėdimą, o jų pozų ir gestų greitumu – kone bakchišką nesavanaudiškumą.

Po meistro globėjo Lorenzo Medičio mirties (1492 m.) ir egzekucijos Savonarolai (1498 m.) jo charakteris galutinai pasikeitė. Menininkas atsisakė ne tik humanistinės temos interpretacijos, bet ir jam anksčiau būdingos plastinės kalbos. Paskutiniai jo paveikslai išsiskiria asketiškumu ir lakoniška spalvine gama. Jo darbai persmelkti pesimizmo ir beviltiškumo. Viename garsiausių šių laikų paveikslų „Apleistas“ (1495-1500) vaizduojama verkianti moteris, sėdinti ant akmeninės sienos laiptelių su sandariai uždarytais vartais.

„Daugėjantis religinis išaukštinimas pasiekia tragiškas aukštumas jo dviejose monumentaliose Kristaus raudose, – rašo N. Belousova, – kur Kristaus artimųjų atvaizdai, supantys jo negyvą kūną, kupini širdį veriančio sielvarto. Vietoj trapaus bekūniškumo – aiškūs, apibendrinti tomai, vietoj išskirtinių išblukusių atspalvių derinių – galingi spalvingi akordai, kur ryškios cinobaro ir karmino raudonumo dėmės skamba ypač apgailėtinai, priešingai tamsiems atšiauriems tonams.

1495 m. menininkas baigė paskutinį darbą Medičiams, Viloje Trebbio nutapė keletą darbų, skirtų šios šeimos šoninei atšakai.

1498 m. Botticelli šeima, kaip rodo įrašai kadastro, turėjo nemažą turtą: turėjo namą Santa Maria Novella kvartale ir, be to, gavo pajamų iš Villa Belsguardo, esančios už miesto, už miesto vartų. San Frediano.

Po 1500 metų menininkas retai imdavo į rankas teptuką. Vienintelis jo išskirtinis XVI amžiaus pradžios darbas yra Mistinės Kalėdos (1500 m., Londonas, Nacionalinė galerija). Dabar meistro dėmesys sutelktas į nuostabaus regėjimo vaizdą, o erdvė atlieka pagalbinę funkciją. Ši nauja figūrų ir erdvės santykio tendencija būdinga ir Dantės „Dieviškosios komedijos“ iliustracijoms, atliekamoms plunksna nuostabiame rankraštyje.

1502 metais menininkas gavo kvietimą vykti į Mantujos kunigaikštienės Isabella d'Este tarnybą, tačiau dėl nežinomų priežasčių ši kelionė neįvyko.

Nors jis jau buvo pagyvenęs žmogus ir paliko tapybą, su jo nuomone ir toliau buvo atsižvelgta. 1504 m. kartu su Giuliano da Sangallo, Cosimo Rosselli, Leonardo da Vinci ir Filippino Lippi Botticelli dalyvavo komisijoje, kuri turėjo parinkti vietą Dovydo, ką tik jauno Mikelandželo skulptūros skulptūrai, instaliacijai. Filipino Lippi sprendimas buvo laikomas sėkmingiausiu, o marmurinis milžinas buvo pastatytas ant cokolio priešais Palazzo della Signoria. Amžininkų atsiminimuose Botticelli pasirodo kaip linksmas ir malonus žmogus. Jis laikė atviras savo namų duris ir noriai priimdavo ten draugus. Menininkas nuo niekuo neslėpė savo meistriškumo paslapčių, o savo mokiniams neturėjo galo. Netgi jo mokytojas Lippi atvedė pas jį sūnų Filipiną.

Kai kurių kūrinių analizė

"Judita", apie 1470 m

Tai kūrinys, aiškiai susijęs su vėlesne Lipley kūryba. Tai tarsi mąstymas apie tai, kas yra jausmas. Herojė vaizduojama drebančioje aušros šviesoje po to, kai įvykdė savo žygdarbį. Vėjas tempia suknelę, raukšlių jaudulys slepia kūno judesius, neaišku, kaip ji išlaiko pusiausvyrą ir išlaiko tolygią laikyseną. Menininkė perteikia merginą apėmusį liūdesį, tą tuštumos jausmą, kuris pakeitė aktyvų veiksmą. Prieš mus yra ne tam tikras jausmas, o dvasios būsena, siekis kažko neaiškaus, laukiant ateities arba iš apgailestavimo dėl to, ką padarėme, istorijos nenaudingumo, sterilumo ir melancholiško tirpimo suvokimas. jausmų gamtoje, kuri neturi istorijos, kur viskas vyksta be valios pagalbos.

"Šventasis Sebastianas" 1473 g.

Šventojo figūra neturi stabilumo, menininkas pašviesina ir pailgina jos proporcijas, todėl gražią šventojo kūno formą galima palyginti tik su tuščio dangaus mėlynumu, kuris atrodo dar neprieinamas dėl atokumo. kraštovaizdis. Aiški kūno forma nėra užpildyta šviesa, šviesa supa materiją, tarsi ją ištirpdydama, o linija dangaus fone sukuria tam tikrus šešėlius ir šviesą. Dailininkas neaukština herojaus, o tik sielvartauja dėl išniekinto ar nugalėto grožio, kurio pasaulis nesupranta, nes jo šaltinis yra už pasaulietinių idėjų ribų, už natūralios erdvės, taip pat ir istorinio laiko.

"Pavasaris" apie 1478 m

Jo simbolinė reikšmė įvairi ir sudėtinga, jos idėją galima suprasti įvairiais raktais. Konceptuali jo prasmė pilnai prieinama tik specialistams filosofams, be to, pasišventusiems, tačiau aišku kiekvienam, kas sugeba persmelkti giraitės ir žydinčios pievos grožiu, figūrų ritmu, kūnų ir veidų patrauklumu, linijų lygumas, geriausias. chromatiniai deriniai. Jei sutartinių ženklų reikšmė nebesusivedama į tikrovės fiksavimą ir paaiškinimą, ji naudojama siekiant ją įveikti ir užkoduoti, tai kas tada yra visas pozityvių žinių turtas, kurį Florencijos tapyba sukaupė pirmoje amžiaus pusėje. ir kas paskatino grandiozines teorines Pierrot konstrukcijas? Ir todėl perspektyva praranda prasmę kaip erdvės vaizdavimo būdas, šviesa kaip fizinė tikrovė neturi prasmės, nereikėtų užsiimti tankio ir tūrio perkėlimu kaip specifinėmis materialumo ir erdvės apraiškomis. Lygiagrečių kamienų kaitaliojimas ar lapų raštas „Pavasario“ fone neturi nieko bendra su perspektyva, tačiau kaip tik lyginant su šiuo fonu, neturinčiu gylio, sklandžiai vystosi linijiniai figūrų ritmai, kontrastuojantys kamienų lygiagretumas įgauna ypatingą reikšmę, kaip ir subtilūs spalvų perėjimai įgauna ypatingą skambesį kartu su tamsiais medžių kamienais, ryškiai išsiskiriančiais dangaus fojė.

Paveikslas Siksto koplyčioje 1481 m. 1482 g

Botticelli freskos parašytos ant Biblijos ir Evangelijos istorijų, tačiau jos nėra interpretuojamos „istoriniame“ plane. Pavyzdžiui, Mozės gyvenimo scenos turi būti Kristaus gyvenimo pavyzdys. Kitų paveikslų temos taip pat turi perkeltinę reikšmę: „Raupsuotojo apvalymas“ ir „Kristaus gundymas“ slypi aliuzijoje į Kristaus ištikimybę Mozės įstatymui, taigi ir į Senojo bei Naujojo Testamentų tęstinumą. „Korėjos, Datano ir Avirono bausmė“ taip pat sufleruoja apie Dievo įstatymo tęstinumą (kurį simboliškai išreiškia Konstantino arka fone) ir bausmės neišvengiamumą ją pažeidusiems, kuri nedviprasmiškai susieta su įstatymu. žiūrovo protus su eretiškais mokymais. Tam tikra prasme galima įžvelgti užuominą į šiuolaikinio menininko veidus ir aplinkybes. Tačiau susiedamas istoriškai skirtingus įvykius, Botticelli griauna erdvės ir laiko vienybę ir net pačios istorijos prasmę. Atskiri epizodai, nepaisant juos skiriančio laiko ir erdvės, yra suvirinami po ilgų pauzių atsirandančiais audringais linijinio ritmo pakilimais, o šis, praradęs melodingumą, sklandų charakterį, kupinas staigių impulsų ir disonansų, yra ritmas. dabar patikėtas dramos nešėjos vaidmuo, kuris negali būti labiau išreikštas atskirų veikėjų veiksmais ar gestais.

"Veneros gimimas" apie 1485 m

Tai jokiu būdu nėra pagoniškas moters grožio šlovinimas: tarp jai būdingų reikšmių atsiranda krikščioniška idėja apie sielos gimimą iš vandens krikšto metu. Grožis, kurį menininkė siekia pašlovinti, bet kuriuo atveju yra dvasinis grožis, o ne fizinis: nuogas deivės kūnas reiškia natūralumą ir tyrumą, papuošalų nenaudingumą. Gamtą reprezentuoja jos elementai (oras, vanduo, žemė). Jūra, sujudinta Eolo ir Boreus pučiamo vėjo, atrodo kaip melsvai žalsvas paviršius, ant kurio bangos pavaizduotos tais pačiais schematiškais ženklais. Korpusas taip pat yra simbolinis. Plataus jūros horizonto fone su skirtingu intensyvumu vystosi trys ritmiški epizodai – vėjai, iš kiauto išnyranti Venera, tarnas ją priima su gėlėmis papuoštu šydu (užuomina į žalią gamtos priedangą). Tris kartus ritmas kyla, pasiekia maksimalią įtampą ir išnyksta.

"Apreiškimas"1489-1490g

menininkas įveda į sceną, dažniausiai tokią idilišką, neįprastą sumaištį, angelas įsiveržia į kambarį ir greitai krenta ant kelių, o už jo tarsi skrydžio metu išpjaustytos oro čiurkšlės pakyla permatomi, vos matomi drabužiai kaip stiklas. . Jo dešinė ranka su didele ranka ir ilgais nervingais pirštais ištiesta link Marijos, o Marija, tarsi akla, tarsi užmarštyje, ištiesia ranką jam pasitikti. Atrodo, tarsi vidinės srovės, nematomos, bet aiškiai juntamos, teka iš jo rankos į Marijos ranką ir priverčia drebėti bei sulinkti visą jos kūną.

"Mistinės Kalėdos" 1500 g,

Galbūt pats asketiškiausias, bet kartu ir aštriausiai polemiškas iš visų paskutiniojo laikotarpio kūrinių. Ir jį lydi apokaliptinis užrašas, pranašaujantis didžiulius rūpesčius ateinančiam šimtmečiui. Jame pavaizduota neįsivaizduojama erdvė, kurioje priekiniame plane esančios figūros yra mažesnės už tolimesnes, nes taip darė „pirmynai“, linijos ne susilieja viename taške, o zigzago būdu išsiskirsto per peizažą, tarsi būtų. gotikinė miniatiūra, kurioje gyvena angelai.

Mokymas

Reikia pagalbos tyrinėjant temą?

Mūsų ekspertai patars arba teiks kuravimo paslaugas jus dominančiomis temomis.
Siųsti prašymą nurodant temą jau dabar, kad sužinotumėte apie galimybę gauti konsultaciją.

Taip dažnai nutinka mėgėjo gyvenime: aš ką tik atradau Ameriką, tik pradėjau džiaugtis ir didžiuotis, o paskui bam – pasirodo, kad tai buvo atrasta gerokai anksčiau nei tave! Na, pirmieji dalykai.

Kiekvienas miestas turi vietą, kurią būtina pamatyti. Paryžiuje tai – žinoma Luvras, Romoje – Koliziejus, Sankt Peterburge – Ermitažas, o Florencijoje – Uficių galerija.

Žinoma, Florencijoje yra daug dalykų, o be galerijos, kurią reikia pamatyti, vien Davidas yra ko vertas!

Tai, jūs atspėjote, yra ne tikrasis Dovydas, o tikrasis.

Tai, kad Uffizi galerija yra privaloma bet kuriame turistiniame Florencijos maršrute, apsunkina ten patekti. Mūsų rekomendacija: užsisakykite bilietus iš anksto internetu čiahttp://www.florence-museum.com/booking-tickets.php ... Atspausdintą rezervaciją reikia iškeisti į bilietus galerijos biure priešais pagrindinį įėjimą. Na, o tada tenka ginti mažytę eilę tokių pat pažengusių turistų kaip ir tu (palyginus su didžiule kaimynų nepažengusių eile).

Pagaliau tu esi viduje. Ne kiekvienas normalus žmogus galės vienu metu apeiti visą galeriją, todėl pirmiausia turite pažvelgti į pačius dalykus! Mums tokios „labiausiai“ buvo Florencijos eros didžiojo dailininko drobėsrenesansasSandro Botticelli.

Tikrasis jo vardas yra Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi. Botticelli arba grubiu vertimu „iš statinių rūšies“ yra greičiau pravardė, kurią lieknas Sandro „paveldėjo“ po savo vyresniojo brolio – storuolio ir tikrai tikro „statinio“ (tokia ta ypatinga Florencijos logika).

Uficių galerijoje keli kambariai skirti jo darbams. „Veneros gimimas“, „Pavasaris“, Dantės ir Giuliano Medici portretai – šie Botticelli darbai žinomi kone iš mokyklos laikų.

Tačiau atgaminimas vadovėlyje yra vienas dalykas, bet čia originalai, čia jie, ištiestos rankos atstumu. Nepamirštama patirtis! Žvelgdamas į nuotraukas, darau sau visiškai netikėtą išvadą, kad visi „pagrindiniai moterų vaidmenys“ daugumoje Uffizi galerijoje pristatomų Botticelli drobių yra skirti tai pačiai „aktorei“! Atrodo, kad daugumoje jo paveikslų pavaizduota ta pati moteris! Tos pačios išvados prieina ir šalia stovinti žmona. Negali būti? Spręskite patys

Kaip sužinojome vėliau, nepažįstamojo paslaptį Botticelli paveiksluose dar XVI amžiuje atrado italų dailininkas Giorgio Vasari.

Vasari gyveno Florencijoje beveik trisdešimt metų po Botticelli mirties. Kaip menininkui Vasari nepasisekė, nors vienu metu jis buvo paties Mikelandželo mokinys. Tačiau iš tikrųjų jis tapo moderniosios meno istorijos įkūrėju, parašęs pagrindinį savo gyvenimo kūrinį – kolekciją 178italų renesanso menininkų biografijos Žymiausių tapytojų, skulptorių ir architektų biografijos». Būtent šiame 1568 m. išleistame darbe Giorgio Vasari iškėlė hipotezę dėl moters, kurią Sandro Botticelli dainavo beveik visuose savo kūriniuose, vardo. Pasak Vasari, ši moteris yra Simonetta Vespucci, pirmoji Florencijos gražuolė XV amžiaus antroje pusėje.

Amžininkai jos grožį laikė dieviška dovana, tobulo plano įkūnijimu, o už grožį mergina gavo Neprilygstamos ir Gražios Simonetos slapyvardį.

Balandį 1469 metai16-metė Simonetta ištekėjo už savo bendraamžio Marco Vespucci, tolimo būsimojo garsaus Florencijos navigatoriaus giminaičio.Amerigo Vespucci ir,kurio vardu bus pavadintas naujasis Kolumbo atrastas žemynas (dar vienas savotiškos logikos pavyzdys). Marco Vespucci portreto neradau, o Amerigo – štai jis

Žinoma, Simonetta Vespucci nebuvo prieinama Botticelli:

- Bet kalbant apie mane - ji buvo Paryžiuje,

- Pats Marcelis Marceau jai kai ką pasakė!

Galų gale, jis yra paprastas, nors ir madingas tapytojas, tačiau ji yra vieno iš Florencijoje viešpataujančios Medičių šeimos bankininkų žmona, kurios vietos ieškojo visi Florencijos didikai, tarp jų ir miesto valdovas Lorenzo. Didingasis (čia yra jo biustas iš Uffizi galerijos kolekcijos)

taip pat jo jaunesnysis brolis Giuliano (čia yra jo Botticelli portretas):

Su visu tuo Sandro, jei norėtų, galėtų kasdien grožėtis Simonetta Vespucci – jų namas buvo greta Vespucci rūmų. Ar Simonetta žinojo apie Sandro egzistavimą? Jei ji žinojo, greičiausiai mažai tikėtina, kad ji šioms žinioms skyrė kokią nors reikšmę. Tačiau Botticelli ji buvo tobula moteris. Tai patvirtina faktas, kad „Veneros gimimas“, „Pavasaris“, „Venera ir Marsas“, taip pat „Jaunos moters portretas“ dailininko nutapė po netikėtai mirusios Simonetos mirties. 1476 m. balandžio 26 d., būdamas 23 metų. tuberkuliozės epidemijos įkarštyje Florencijoje. Taigi Botticelli vėl ir vėl grįžta prie Simonetos įvaizdžio net praėjus 9 metams po jos mirties. Nors į jos įvaizdį? Mat Simonetos gyvenimo nuotraukų dėl akivaizdžių priežasčių nėra, o aiškiai priskirtų portretų neišliko. Greičiausiai Sandro nutapė tam tikrą, poeto Michailo Kuzmino žodžiais tariant, „amžinus šimtmečius praeinančios jaunystės simbolį“, įkūnytą jam Simonetoje.

Sandro Botticelli niekada nevedė, nugyvenęs ilgą gyvenimą, mirė sulaukęs 65 metų ir pagal savo valią buvo palaidotas Florencijoje Visų Šventųjų bažnyčioje (Chiesa di Ognissanti), kurioje anksčiau buvo palaidota ir Simonetta Vespuchi. Radome šią bažnyčią, nors prieš pat jos uždarymą.

Mini ekskursiją po bažnyčią mums pravedė juodaodis (!) vienuolis pranciškonas.

Štai tokia meilės ISTORIJA.

Bet pabaigai norėčiau papasakoti dar vieną ne mažiau romantišką, bet ir pamokančią istoriją apie meilę.

Viršutiniame kairiajame kampe esančiame Botticelli paveiksle „Veneros gimimas“ matome tokią keistą porą: sklandantį jaunuolį išpūstais skruostais ir merginą, kuri savo vaikiną apvijo ne tik rankomis, bet ir kojomis!

Šis jaunuolis yra Zefyras, vakarų pavasario vėjo dievas, paveikslėlyje jis į krantą varo kriauklę su ką tik gimusia Venera. O mergina yra teisėta Zefyro, graikų gėlių deivės Chloris, kurią romėnai vadino Flora, žmona.

Chlorida iš pradžių vengė atkaklaus Zefyro piršlybų ir visais įmanomais būdais ignoravo jį. Štai ji bėga nuo mylinčio Zefyro dešiniajame kampe Botticelli paveiksle „Pavasaris“.

Galiausiai Zefyrą užvaldė tokia laukinė aistra, kad jis, sumušęs olimpinį merginų pasivijimo rekordą, aplenkė Chloridą ir paėmė ją jėga. O kaip! Rezultatas buvo toks, kad merginoje atsirado ne mažesnė, o stipresnė, tokia laukinė, laukinė, reaguojanti aistra Zefyrui, kad ji visu kūnu prisiglaudė prie jo ir daugiau niekada su juo nesiskyrė, tvirtai apgaubdama savo jau vyrą. galūnes....

Ir nuo to laiko Zefyras visada buvo su žmona Chlorida-Flora. Ir dieną, ir naktį, ir atostogaudamas, ir darbe, ir koncerte, ir bankete, ir futbole, ir pirtyje susitikime su klasės draugais!

Kaip sakoma, už ką kovojome, tą ir įveikėme! Taigi studijuokite ISTORIJĄ!

Greičiausiai ne visi žino didžiojo italų menininko, ankstyvojo Renesanso atstovo Sandro Botticelli vardą, tačiau beveik visi žino jo kūrinį „Veneros gimimas“. Ją paženklina įkvėpta poezija, žavėjimasis moters veido ir kūno grožiu, kurie karaliauja laike ir erdvėje.

Gana ilgą laiką jo kūryba buvo nesąžiningai užmiršta, tačiau jau XIX amžiuje prancūzų menininkai didžiąja dalimi mėgdžiojo mistinį italą ir sukūrė naują įvaizdį, kuriuo iki šiol žavimės ir dieviname nuostabią menininko dovana.

Dailininko biografija

Alessandro di Mariano Filipepi gimė XV amžiaus viduryje Florencijoje, pietų renesanso gimtinėje, amatininko – odininko šeimoje. Netrukus po tėvo mirties jo verslas atiteko vyresniajam mažosios Alessandros broliui, pravarde „Keg“ (Botticelli) dėl jo alaus pilvo arba stipraus pomėgio gerti vyną.

Visi keturi jaunesni nuo vyresniojo brolio gavo linksmą pravardę. Vyresnių brolių pastangomis būsimasis garsus menininkas įgijo išsilavinimą dominikonų vienuolyne.

Viena pirmųjų Sandro įgytų profesijų buvo tuo metu gerbiama ir labai paklausi juvelyro profesija. Ji išmokė menininką teisingai pritaikyti auksinius ir sidabrinius atspalvius savo paveikslų peizažuose. Beje, kai kurie Renesanso meno tyrinėtojai mano, kad pavadinimas „Botticelli“ reiškia sidabro meistrą.

Vidurinis brolis Antonio tapo garsiu juvelyru, o Alessandro nusprendė savo gyvenimą pašvęsti tapybai. 1470 m. jaunasis menininkas gavo pirmąjį Šv. Dominyko vienuolyno užsakymą: krikščioniškų dorybių galerijai buvo pavesta pavaizduoti Jėgos alegoriją. Paveikslas buvo eksponuojamas Prekybos rūmų teismo salėje. Po metų jie pradėjo kalbėti apie jauną dailininką visoje Italijoje.

Jo Šventasis Sebastianas, parašytas Šv. Marijos Marjorie bažnyčiai, yra tikrai doras, per gražius jauno krikščionio veido bruožus Sandro parodė savo sielą, tyrą ir nekaltą. Visi menininko darbai persmelkti karšto tikėjimo ir neregėtos meilės Dievui. Jie sujungia neprilygstamą meistriškumą ir dvasinį pasitenkinimą bei lengvumą.

Tais pačiais metais jis pasirodė esąs įgudęs restauratorius, atstatęs visiškai prarastą freską Dievo Motinos karūnavimo koplyčioje.

1470 m. tapytojas suartėjo su didikų Medičių šeima, kuri buvo apsupta garsių poetų, muzikantų, filosofų ir dailininkų. Vadinamasis „medicinos ratelis“ skelbė Platono filosofiją, t.y. subjektyvus idealizmas.

Jie tikėjo nemirtinga siela, apdovanota talentais ir sugebėjimais, kuriuos siela gali išsaugoti po mirties ir perduoti naujam savininkui. Tai paaiškina puikių meno kūrinių atsiradimą, taip pat intuityvias žinias.

Geriausi menininko darbai

Vienu geriausių Sandro Botticelli kūrinių laikomas „Magių garbinimas“, sukurtas po 1470 m. Ji skirta svarbiausiai krikščionių šventei – Jėzaus Kristaus gimimui.

Mesijo garbinti atvykusių Rytų magų atvaizduose tapytojas vaizdavo Medičių šeimos narius, taip pat save, stovintį apatiniame dešiniajame kūrinio kampe. Ryškūs ir šviesūs paveikslo tonai tarsi pripildyti oro ir įkvepia baimę bei dievišką džiaugsmą.

Vienas paslaptingiausių dailininko darbų – paveikslas „Pavasaris“, datuotas 1475–1480 m. Paveikslas buvo sukurtas Lorenzo Medici, artimam draugui ir meno mecenatui Sandro Botticelli.

Paveikslas nutapytas tuo metu visiškai nauju stiliumi, sėkmingai sujungiant senovę, krikščionybę ir naujus Renesanso epochos bruožus.

Antikinį stilių demonstruoja Senovės Graikijos mitų ir legendų atstovai: Dievas Zefyras, lengvas vėjas, pagrobia nimfą – laukų ir pievų šeimininkę Chloridą. Trys grakščios malonės nimfų ar naidų pavidalu primena tris krikščioniškas dorybes: skaistumą, nuolankumą ir malonumą, taip pat amžiną meilę.

Prekybos, kelių ir sukčiavimo dievas Merkurijus nuskina obuolį nuo medžio ir nevalingai primena Paryžių, kuris padovanojo obuolį grožio ir meilės deivei Afroditei. O pati deivė tarsi skrenda neliesdama kojomis žemės, jos įvaizdis lengvas ir erdvus, o kartu gundantis ir patraukiantis, primena aistringą meilę ir kūnišką aistrą.

Drobės centre pavaizduota Madona – Dangaus Karalienė, Dievo Motina, pakylėta į Dievų rangą, spindinti savo dorybe ir grožiu visoje Visatoje. Kiekvienam Mergelė Marija laikoma visų moterų pavyzdžiu, visų riterių idealu, „Gražiąja ponia“, kuri įkvepia visus meno žmones kurti savo įvaizdį.

Šiuo mitų ir epochų mišiniu tapytojas parodo, kad žmonės visais laikais vienodai myli ir svajoja, kenčia ir siekia laimės. Ir meno standartai, ir grožio normos nesikeičia, nes amžinas grožis visada traukia visų širdis.

Šis nuostabus kūrinys alsuoja šviesa, džiaugsmu ir ramybe. Žvelgdamas į jį, jauti, kad mažieji kupidonai iš tikrųjų siunčia savo meilės strėles į visas širdis. Ilgą laiką negali atitraukti akių nuo figūrų drobėje, menininko valia sustingusių, tokių gyvų ir tarsi akimirkai sustingusių grakščiomis pozomis.

Kūrybos perlas

Pasaulyje žinomas paveikslas „Veneros gimimas“ buvo nutapytas 1484 m. ir šiuo metu yra Florencijos Uffizi galerijoje.

Tarp didžiulės žydros dangaus ir turkio spalvos jūros iš jūros putų pasirodė graži Venera, stovinti ant perlamutro. Vakarų vėjo dievas Zefyras savo kvėpavimu padeda amžinai jaunai deivei nusileisti krante, o deivė Ora padovanos neįkainojamą apsiaustą, išsiuvinėtą gėlėmis ir žolelėmis.

Visa žemiškoji gamta laukia meilės ir grožio deivės pasirodymo, ant kojų skrenda baltos rožės, o paveikslą nušviečia tekančios saulės spinduliai. Ankstyvo ryto ir deivės gimimo asociacija rodo, kad meilė ir švelnumas visada yra jauni ir žmonių paklausūs.

Nežinia, kas buvo menininkės modelis, tačiau nuostabiai gražių bruožų deivės veidas nuolankus, šiek tiek liūdnas ir nuolankus. Vėjo pučiančios ilgos auksinės garbanos. O moters poza primena garsiosios Veneros Bashful skulptūros, sukurtos V amžiuje prieš Kristų, pozą.

paskutiniai gyvenimo metai

1490-ųjų pabaigoje Luigi Medici mirė ir šios dinastijos valdžia baigėsi. Į valdžią atėjo prisiekęs šios šeimos priešas dominikonų vienuolis Girolamo Sovanarola, kuris anksčiau piktai priekaištavo valdančiajai dinastijai dėl prabangos ir ištvirkavimo.

Kai kurie Renesanso meno tyrinėtojai mano, kad Sandro Botticelli tapo „atsivertimu“, nes jo kūrybos stilius smarkiai keičiasi.

Tačiau vienuolio Sovanarolos galia buvo trumpalaikė, 1498 m. jis buvo apkaltintas erezija ir nužudytas sudeginus ant laužo. Tačiau iki to laiko didžiojo dailininko šlovė išblės. Amžininkai rašo, kad jis „skurdo ir nuvyto“, negalėjo vaikščioti ir stovėti tiesiai, todėl dirbo labai mažai. Paskutiniais gyvenimo metais sukurti kūriniai – „Mistinės Kalėdos“, „Apleisti“, freskos, skirtos šventiesiems romėnams, pirmiesiems Lukrecijos ir Virdžinijos krikščionims.

Po 1504 m. menininkas visiškai nustojo liesti teptuką, o jei ne draugai ir artimieji, jis būtų tiesiog miręs iš bado.

Anotacija tema

Sandro Botticelli gyvenimas ir kūryba

Sankt Peterburgas 2008 m

Kūrybinio kelio pradžia. 3

Mokymasis Fra Filippo Lippi dirbtuvėse, Andrea Verrocchio kūrybos įtaka ir pirmieji darbai .. 4

Florencija. Kūrybiškumo žydėjimas. 6

Madonna .. 12

Vėlyvieji paveikslai. Savanarolos pamokslai. Menininko saulėlydis 13

Literatūra .. 17

Tarp reikšmingiausių ankstyvojo Renesanso dailininkų Florencijoje yra Sandro Botticelli (1444 arba 1445–1510).

Nėra poetiškesnio paveikslo už Sandro Botticelli paveikslą. „Kokia graži jaunystė, bet ji praeina“ – tokiais žodžiais sako pats Lorenzo Medici, kurio mėgstamiausias atlikėjas buvo Botticelli, žodžiai, kuriuose svarbiausias paskutinis liūdnas liežuvio paslydimas.

Šio menininko kūryba išsiskiria iš Italijos Renesanso meno. Botticelli buvo tokio pat amžiaus kaip Leonardo da Vinci, kuris meiliai jį vadino „mūsų Botičeliu“. Tačiau sunku jį priskirti prie tipiškų ankstyvojo ir aukštojo Renesanso meistrų. Meno pasaulyje jis nebuvo nei išdidus užkariautojas, kaip pirmasis, nei suverenus gyvenimo meistras, kaip antrasis.

Kūrybinio kelio pradžia

Sandro Botticelli (tikrasis menininko vardas Alessandro Filipepi) gimė Florencijoje 1445 m. Mariano Filipepi tėvas buvo odininkas ir gyveno su šeima (kurios jauniausias sūnus buvo Alessandro) Santa Maria Novella kvartale Via Nuova, kur nuomojosi butą Rucellai priklausančiame name. Jis turėjo savo dirbtuves prie Santa Trinitos in Oltrarno tilto, verslas atnešė labai kuklias pajamas, o senasis Filipepi svajojo kuo greičiau rasti vietą savo sūnums ir pagaliau turėti galimybę mesti sunkų amatą.

Keturi Filipepi broliai atnešė šeimai reikšmingas pajamas ir padėtį visuomenėje. Sandro mokėsi pas savo antrąjį brolį Antonio, kuris buvo juvelyras ir padėjo jam versle. Juvelyrikos menas vaidino svarbų vaidmenį formuojantis jaunajam Botticelli. Alessandro tėvas pasiuntė Alessandro pas juvelyrą („tam tikrą Botticello“, kaip rašo Vasari, asmenį, kurio tapatybė nenustatyta iki šiol), pavargusį nuo savo „ekstravagantiško proto“, gabų ir galintį mokytis, bet neramus ir vis dar nenustatęs. rasti tikrąjį pašaukimą; galbūt Mariano norėjo, kad jo jauniausias sūnus pasektų Antonio, auksakaliumi dirbusio bent nuo 1457 m., pėdomis ir pradėtų nedidelį, bet patikimą šeimos verslą.

Anot Vasari, tuo metu tarp juvelyrų ir tapytojų buvo tokie glaudūs santykiai, kad vienų dirbtuvės reiškė tiesioginį priėjimą prie kitų amato, o Sandro, kuris gana įgudęs piešti – meną, reikalingą tiksliam ir pasitikintis „juodinimu“, netrukus susidomėjo tapyba ir nusprendė jai atsiduoti, nepamiršdamas vertingiausių juvelyrikos meno pamokų, ypač kontūrų linijų aiškumo ir sumanaus aukso panaudojimo, kuris vėliau buvo dažnai naudojamas. dailininkas kaip priedą prie dažų arba gryna forma fonui.

Mokymasis Fra Filippo Lippi dirbtuvėse, Andrea Verrocchio kūrybos įtaka ir pirmieji darbai

Apie 1464 m. Sandro įstojo į karmelitų vienuolio Fra Filippo Lippi dirbtuves iš Karmino vienuolyno, geriausio to meto dailininko. Fra Filippo Lippi sukūrė linksmus, natūralumo paženklintus įvaizdžius, nenukrypdamas nuo pagrindinių Renesanso užkariavimų.

Visiškai atsidavęs tapybai, jis tapo savo mokytojo pasekėju ir mėgdžiojo jį taip, kad Fra Filippo jį įsimylėjo ir greitai išugdė jį iki tokio lygio, kad niekas net negalėjo pagalvoti.

Jau ankstyvoji Sandro kūryba išsiskiria ypatinga, beveik nepagaunama dvasingumo atmosfera, savotišku poetiniu vaizdų vėdinimu.

Pirmasis jo darbas galėjo būti freskos, kurias padarė jo mokytojas kartu su mokiniais Prato katedroje. Bet jau 1469 m. Botticelli buvo nepriklausomas menininkas, nes tų pačių metų kadastre jo tėvas Marano paskelbė, kad „Sandro dirba namuose“.

Po Fra Filippo mirties 1467 m. Botticelli, vis dar norėdamas numalšinti žinių troškulį, ėmė ieškoti kito šaltinio tarp aukščiausių epochos meno laimėjimų. Kurį laiką jis lankėsi Andrea Verrocchio – universalaus meistro, skulptoriaus, tapytojo ir juvelyro, vadovavusio įvairiapusių menininkų komandai, studijoje; čia tuo metu vyravo „pažangių“ kūrybinių ieškojimų atmosfera, neatsitiktinai jaunasis Leonardo mokėsi pas Verrocchio.

Andrea Verrocchio į tapybą žiūrėjo analitiškai, mėgo anatomiškai tiksliai atkurti žmogaus figūrą stipriu judesiu; Florencijoje vadovavo garsiajam dirbtuvėms.

Sandro Botticelli puikiai įvaldė pagrindinius ankstyvojo Renesanso tapybos pasiekimus. O amžininkai jo mene įžvelgė tuo metu labiausiai vertinamas savybes: „drąsus rašymo būdas, griežtas taisyklių laikymasis ir proporcijų tobulumas“. Tai palengvino jo viešnagė po treniruotės su Philippe'u Lippi Verrocchio dirbtuvėse 1467–1468 m. Čia buvo supažindinama su tapytojo ir skulptoriaus įgūdžiais moksliškai, eksperimentui buvo suteikta didelė reikšmė.

Iš šių dviejų puikių meistrų Sandro Botticelli mokėsi ir susiformavo kaip nepriklausomas menininkas, perėmęs kai kurias savybes iš savo mokytojų, bet tuo pačiu tapęs visiškai originaliu ir stipriu meistru. Ankstyvuosiuose darbuose jis šiek tiek panašus į Fra Philippe'ą Lippi su gausybe portretų ir daugybe detalių.

Toks, pavyzdžiui, yra jo paveikslas „Magių garbinimas“ (apie 1475 m., Londonas, Nacionalinė galerija), kuriame Medičių šeimos nariai ir jų aplinka vaizduojami magų pavidalu. Tačiau jau šiame paveiksle dėmesį patraukia nepaprastas vaizdų išraiškingumas ir dvasingumas, kuris gerokai pranoksta viską, ką sukūrė jo mokytojas. Paveiksle realizmo troškimas akivaizdus: tai turi įtakos ne tik Botticelli amžininkų portretų gausai (nepaisant viso savo puošnumo jie vaizduojamoje scenoje dalyvauja labai santykinai, tik kaip šalutiniai motyvai), bet ir tai, kad kompozicija statoma giliau nei plokštumoje (figūrų išdėstymas atrodo dirbtinis, ypač scenoje dešinėje). Kiekvieno atvaizdo išpildymas yra malonės ir kilnumo stebuklas, tačiau viskas visuma per daug ribota ir suspausta erdvėje; nėra fizinio judesio, o kartu ir dvasinio impulso.

Florencija. Kūrybiškumo žydėjimas

Paskutiniame XV amžiaus trečdalyje Florencijoje baigiasi laipsniško respublikos virsmo tironija procesas.

Jei Cosimo Medici vis dar bandė užmaskuoti savo valdžią respublikinių laisvių pasirodymu, tai jam valdant anūkui Lorenzo (1449-1492), valdžiusiam Florencijoje nuo 1469 m., Medičių namų monarchistinės tendencijos jau labai aiškiai pasireiškia.

Lorenzo Medici, pravarde „Puikusis“, buvo ryški ir labai tipiška savo laikui figūra. XV amžiuje daugelį mažų Italijos valstybių valdė tironai, dažnai gąsdinę savo nežabotu žiaurumu ir kartu siekę atlikti apsišvietusių valdovų, meno ir mokslo mecenatų bei žinovų vaidmenį. Lorenzo buvo vienas iš tokių „apšviestų tironų“. Puikiai išsilavinęs žmogus, iškilus politikas ir diplomatas, poetas, literatūros ir meno žinovas ir mylėtojas sugebėjo pritraukti daug žymių poetų, humanistų, menininkų ir mokslininkų. Nuolatinės šventės, karnavalai, turnyrai, poetų konkursai kūrė nuostabią vyriausybę, už kurios nuostabaus fasado, tačiau ne viskas buvo gerai. Florencijoje ir ją sudarančiose valdose ne kartą buvo protestuojama prieš tironiją, kurią palaikė daugybė Medičių priešų už Florencijos ribų, vadovaujamų popiežiaus Siksto IV. Visus šiuos sąmokslus ir sukilimus Lorenzo numalšino itin žiauriai, ypač vadinamąjį Pazzi sąmokslą 1478 m., kurio metu žuvo jaunesnysis Lorenzo brolis Giuliano Medici. Tačiau nors Lorenzo sugebėjo išlaikyti valdžią, padėtis mieste išliko įtempta. Ji buvo įsitempusi visoje šalyje. Krizės artėjimas buvo jaučiamas visur. Konstantinopolio žlugimas (1453 m.) ir Levantino prekybos žlugimas, Italijos lyderių pozicijų praradimas ir laipsniškas grįžimas prie feodalinių sistemų, politinis susiskaldymas ir vis stiprėjanti nesantaika tarp atskirų miestų ir valstybių susilpnino Italiją ir pavertė ją viliojančiu ir lengvu grobiu. sustiprėjusioms kaimyninėms valstybėms. Visa tai sukėlė tą nerimo ir netikrumo dėl ateities nuotaiką, kuri paliko pėdsaką visoje XV amžiaus pabaigos kultūroje, taip pat ir Florencijos kultūroje. Per šiuos metus Florencija gyveno savotiškai įtemptai, bet atrodė, kad net ir pačiame įžūliausiame linksmybėje tvyrojo nerimas ir artėjančių nelaimių nuojautos. Pats Lorenzo Medici puikiai išreiškė bendrą nuotaiką savo „Karnavalinėje dainoje“, kurios kiekvienas posmas baigiasi žodžiais: „Kas nori būti linksmas – linksminkis, niekas nežino, kas bus rytoj!“

Visas šių laikų gyvenimo sudėtingumas ir prieštaravimai buvo išreikšti Sandro Botticelli darbuose. Šių laikų nuotraukos palieka dviprasmišką įspūdį. Spalvingi ir elegantiški, sukurti tam, kad pamalonintų akį, tuo pačiu jie visada kupini kažkokio vidinio skausmingo deginimo. Ir jo Madonos, ir Venera, ir Pavasaris yra apimti liūdesio, jų žvilgsnis išduoda paslėptą skausmą. Būtent į šią vidinę būseną ir nuotaiką Botticelli sutelkia savo dėmesį. Jis nerodo didelio susidomėjimo siužeto plėtojimu, kasdienių smulkmenų, taip brangių mokytojo širdžiai, vaizdavimu. Jis taip pat toli gražu neperteikia dramatiškų susidūrimų ar herojiškų poelgių. Net ir tokiame siužete kaip Biblijos herojės Juditos istorija, siekdamas išgelbėti savo gimtąjį miestą, kuris prasiskverbė į priešo stovyklą ir nukirsdino galvą priešo kariuomenės vadui carui Holofernesui, Botticelli vengia vaizduoti pačią žmogžudystės sceną. Donatello kažkada padarė skulptūrų grupėje „Judith and Holofernes“ ... Ankstyvajame savo paveiksle „Holoferno mirtis“ (1470 m., Florencija, Uficis) Botticelli vaizduoja momentą, kai viskas jau buvo įvykę ir Judita paliko palapinę, pasiimdama nukirstą karaliaus galvą. Šaltoje aušros prieblandoje Holoferno bendražygiai sustingsta priešais nukirstą savo lyderio lavoną.