Antonio vivaldi koncertai. Koncertas „Antonio Vivaldi

Įvadas

I skyrius. A. Vivaldi vaidmuo kuriant smuiko koncertą XVIII a

1.1.

1.2.A. Vivaldi kūrybinis indėlis į instrumentinio koncerto plėtrą

II skyrius. A. Vivaldi kūrybos paveldas. Žymiausių kompozitoriaus kūrinių analizė

1 "Metų laikai"

2 Koncertas smuikui „A-moll“

Išvada

Bibliografinis sąrašas

Įvadas

Antonio Vivaldi – produktyvus kompozitorius, instrumentinių kūrinių ir operų, ​​kurių pastatymus daugiausia režisavo pats, autorius, ugdydamas dainininkus, diriguodamas spektaklius, net atlikdamas impresario pareigas. Nepaprastas šio neramios egzistencijos turtingumas, iš pažiūros neišsenkančios kūrybinės galios, retas interesų įvairiapusiškumas Vivaldyje buvo derinamas su ryškaus, nevaržomo temperamento apraiškomis.

Šie asmenybės bruožai visapusiškai atsispindi Vivaldi kūryboje, kuri kupina gausybės meninės vaizduotės ir temperamento stiprumo bei nepraranda gyvybingumo bėgant amžiams. Jei kai kurie jo amžininkai Vivaldi išvaizdoje ir veiksmuose įžvelgė lengvabūdiškumo, tai jo muzikoje kūrybinė mintis visada budi, dinamika nesusilpnėja, nesutrikdoma formos kūrimo plastika. Vivaldi menas visų pirma yra dosnus menas, gimęs iš paties gyvenimo, sugeriantis jo sveikas sultis. Nebuvo nieko nutolusio, toli nuo realybės, nepatikrinta praktika ir negalėjo būti. Kompozitorius puikiai žinojo savo instrumento prigimtį.

Kursinio darbo tikslas: ištirti instrumentinio koncerto žanro interpretaciją Antonio Vivaldi kūryboje.

Šio kurso darbo tikslai:

.Studijuoti literatūrą tam tikra tema;

2.Laikykite A. Vivaldi Italijos smuiko mokyklos atstovu;

3.Išanalizuoti žinomiausius kompozitoriaus kūrinius.

Šis kursinis darbas aktualus ir šiandien, nes kompozitoriaus A. Vivaldi kūryba yra įdomi amžininkams, jo kūriniai skamba koncertų salėse visame pasaulyje.

I skyrius. A. Vivaldi vaidmuo kuriant smuiko koncertą XVIII a

1.1.Italijos smuiko mokykla ir instrumentinės bei smuiko muzikos žanrų raida

Ankstyvas Italijos smuiko meno suklestėjimas turėjo savų socialinių, kultūrinių priežasčių, kurių šaknys buvo socialinė ir ekonominė šalies raida. Dėl ypatingų istorinių sąlygų Italijoje anksčiau nei kitose Europos šalyse feodalinius santykius išstūmė buržuaziniai, to meto progresyvesni. Šalyje, kurią F. Engelsas pavadino „pirmąja kapitalistine tauta“, tautiniai kultūros ir meno bruožai ėmė formuotis anksčiausiai.

Renesansas klestėjo būtent Italijos žemėje. Jis lėmė puikių italų rašytojų, menininkų, architektų kūrinių atsiradimą. Italija pasauliui padovanojo ir pirmąją operą, išplėtotą smuiko meną, naujų progresyvių muzikos žanrų atsiradimą, išskirtinius smuiko kūrėjų pasiekimus, sukūrusius nepralenkiamus klasikinius lankinių instrumentų pavyzdžius (Amati, Stradivari, Guarneri).

Italijos smuikininkų mokyklos įkūrėjai buvo Andrea Amati ir Gasparo da Salo, o iškiliausi meistrai mokyklos klestėjimo laikais (nuo XVII a. vidurio iki XVIII a. vidurio) buvo Niccolo Amati ir du jo mokiniai, Antonio Stradivari ir Giuseppe Guarneri del Gesu.

Manoma, kad Antonio Stradivari gimė 1644 m., nors tiksli jo gimimo data nėra užfiksuota. Jis gimė Italijoje. Manoma, kad 1667–1679 metais jis tarnavo kaip laisvasis Amati mokinys, t.y. atliko sunkų darbą.

Jaunuolis stropiai tobulino Amati kūrybą, siekdamas savo instrumentų balsų melodingumo ir lankstumo, keisdamas jų formą į lenktesnę, dekoruodamas instrumentus.

Stradivari evoliucija rodo laipsnišką išsivadavimą iš mokytojo įtakos ir norą sukurti naujo tipo smuiką, išsiskiriantį sodriu tembru ir galingu skambesiu. Tačiau kūrybinių paieškų laikotarpis, per kurį Stradivari ieškojo savo modelio, truko daugiau nei 30 metų: jo instrumentai forma ir skambesio tobulumą pasiekė tik 1700-ųjų pradžioje.

Visuotinai pripažįstama, kad geriausi jo instrumentai buvo gaminami 1698–1725 m., o jų kokybė buvo aukštesnė nei vėliau 1725–1730 m. Garsiųjų Stradivarijaus smuikų yra Betts, Viotti, Alard ir Messiah.

Be smuikų, Stradivari gamino ir gitaras, altus, violončeles ir bent vieną arfą – šiuo metu skaičiuojama per 1100 instrumentų.

Didysis meistras mirė sulaukęs 93 metų 1837 metų gruodžio 18 dieną. Jo darbo įrankiai, piešiniai, piešiniai, maketai, kai kurie smuikai pateko į žymaus XVIII amžiaus kolekcininko grafo Cozio di Salabue kolekciją. Šiandien ši kolekcija saugoma Stradivari muziejuje Kremonoje.

Istorinės aplinkos pokyčiai, socialiniai ir kultūriniai poreikiai, spontaniški muzikinio meno, estetikos raidos procesai – visa tai prisidėjo prie muzikinės kūrybos ir scenos menų stilių, žanrų ir formų kaitos, kartais nulemdamos margą muzikinio meno sambūvio vaizdą. įvairių stilių bendrame meno pažangos kelyje nuo Renesanso iki baroko, o vėliau iki ikiklasicizmo ir ankstyvojo klasicizmo stilių XVIII a.

Smuiko menas suvaidino reikšmingą vaidmenį Italijos muzikinės kultūros raidoje. Negalima nuvertinti italų muzikantų vaidmens ankstyvaisiais smuiko meno klestėjimo laikais, kaip vieno svarbiausių Europos muzikos reiškinių. Tai įtikinamai liudija XVII–XVIII amžių italų smuikininkų ir kompozitorių, vadovavusių italų smuiko mokyklai – Arcangelo Corelli, Antonio Vivaldi ir Giuseppe Tartini, kurių kūryba išlaikė didelę meninę reikšmę, pasiekimai.

Arcangelo Corelli gimė 1653 m. vasario 17 d. Fusignano mieste, netoli Bolonijos, protingoje šeimoje. Jo muzikinis talentas atsiskleidė anksti ir vystėsi tiesiogiai veikiamas Bolonijos mokyklos: jaunasis Corelli Bolonijoje išmoko groti smuiku, vadovaujamas Giovanni Benvenuti. Jo sėkmė stebino aplinkinius ir sulaukė didelio specialistų pripažinimo: būdamas 17 metų Corelli buvo išrinktas Bolonijos filharmonijos akademijos nariu. Tačiau tada Bolonijoje jis ilgai neužsibuvo, o 1670-ųjų pradžioje persikėlė į Romą, kur tada praėjo visas jo gyvenimas. Romoje jaunasis muzikantas praplėtė savo išsilavinimą, mokydamasis kontrapunkto, padedamas patyrusio vargonininko, dainininko ir kompozitoriaus Matteo Simonelli iš Popiežiaus koplyčios. Corelli muzikinė karjera prasidėjo pirmiausia bažnyčioje (koplyčios smuikininkas), vėliau – Kapranikos operos teatre (kapelmeisteris). Čia jis tobulėjo ne tik kaip nuostabus smuikininkas, bet ir kaip instrumentinių ansamblių vadovas. Nuo 1681 m. Corelli pradėjo leisti savo kūrinius: iki 1694 m. buvo išleisti keturi jo trio sonatų rinkiniai, atnešę jam plačią šlovę. 1687–1690 metais vadovavo kardinolo B. Panfili koplyčiai, vėliau tapo kardinolo P. Ottoboni koplyčios vadovu ir koncertų jo rūmuose organizatoriumi.

Tai reiškia, kad Corelli bendravo su dideliu ratu meno žinovų, šviesuolių meno mylėtojų ir iškilių savo laikų muzikantų. Turtingas ir genialus filantropas, mėgstantis meną, Ottobonis rengdavo oratorijų pasirodymus, „akademijos“ koncertus, kuriuose dalyvavo didelė visuomenė. Jo namuose lankėsi jaunasis Hendelis, Alessandro Scarlatti ir jo sūnus Domenico, daug kitų Italijos ir užsienio muzikantų, menininkų, poetų ir mokslininkų. Pirmoji Corelli trio sonatų kolekcija skirta Romoje gyvenusiai Švedijos karalienei be sosto Kristinai. Tai rodo, kad Corelli taip pat dalyvavo muzikinėse šventėse, vykusiose jos užimtuose rūmuose arba jos globojamuose.

Skirtingai nei dauguma to meto italų muzikantų, Corelli nerašė operų (nors buvo siejamas su operos teatru) ir vokalinių kūrinių bažnyčiai. Jis buvo visiškai pasinėręs kaip kompozitorius-atlikėjas tik į instrumentinę muziką ir kelis žanrus, susijusius su pagrindiniu smuiko dalyvavimu. 1700 m. buvo išleistas jo smuiko sonatos su akompanimentu rinkinys. Nuo 1710 m. Corelli nustojo koncertuoti, o po dvejų metų persikėlė iš Ottoboni rūmų į savo butą.

Daugelį metų Corelli mokėsi su studentais. Tarp jo mokinių – kompozitoriai-atlikėjai Pietro Locatelli, Francesco Geminiani, JB Somis. Po jo išliko didelė paveikslų kolekcija, tarp kurių buvo italų meistrų paveikslai, Poussino peizažai ir vienas kompozitoriaus itin įvertintas ir testamente paminėtas Bruegelio paveikslas. Corelli mirė Romoje 1713 m. sausio 8 d. 12 jo koncertų buvo paskelbti po mirties, 1714 m.

Su visomis savo šaknimis Corelli menas grįžta į XVII amžiaus tradicijas, nepalauždamas polifonijos, įsisavindamas šokio siuitos paveldą, toliau tobulindamas ekspresines priemones ir kartu savo instrumento techniką. Bolonijos kompozitorių kūryba, ypač sukurta pagal trio sonatos modelius, jau padarė didelę įtaką ne tik Italijoje: kaip žinia, savo laiku ji užkariavo Purcellą. Corelli, romėnų smuiko meno mokyklos įkūrėjas, pelnė tikrai pasaulinę šlovę. Pirmaisiais XVIII amžiaus dešimtmečiais jo vardas prancūzų ar vokiečių amžininkų akyse įkūnijo aukščiausius pasiekimus ir apskritai pačią italų instrumentinės muzikos specifiką. Iš Corelli išsivystė XVIII amžiaus smuiko menas, kuriam atstovavo tokie šviesuoliai kaip Vivaldi ir Tartini, bei visa kitų iškilių meistrų galaktika.

Corelli meninis palikimas tuo metu nėra toks didelis: 48 trio sonatos, 12 sonatų smuikui su pritarimu ir 12 „didžiųjų koncertų“. Šiuolaikiniai italų kompozitoriai Corelli, kaip taisyklė, buvo daug produktyvesni, kurdami dešimtis operų, ​​šimtus kantatų, jau nekalbant apie daugybę instrumentinių kūrinių. Sprendžiant iš pačios Corelli muzikos, jam nebuvo sunku dirbti kūrybiškai. Matyt, būdamas giliai į ją susikoncentravęs, nesiblaškęs į šalis, jis kruopščiai apgalvojo visus savo planus ir visai neskubėjo publikuoti jau paruoštų kūrinių. Ankstyvojoje kūryboje nėra akivaizdaus nebrandumo pėdsakų, kaip ir vėlesniuose kūriniuose nėra kūrybinio stabilizavimosi ženklų. Gali būti, kad tai, kas buvo išleista 1681 m., buvo sukurta per daugelį ankstesnių metų, o 1714 m. paskelbti koncertai prasidėjo dar gerokai prieš kompozitoriaus mirtį.

2 A. Vivaldi kūrybinis indėlis į instrumentinio koncerto plėtrą

Žymus smuikininkas ir kompozitorius Antonio Vivaldi (1678-1741) – vienas ryškiausių XVIII amžiaus Italijos smuiko meno atstovų. Jo reikšmė, ypač kuriant solinį koncertą smuikui, peržengia Italijos sienas.

A. Vivaldi gimė Venecijoje, puikaus smuikininko ir mokytojo, Šv. Marko katedros koplyčios nario Giovanni Battista Vivaldi šeimoje. Nuo ankstyvos vaikystės tėvas mokė jį groti smuiku, vesdavosi į repeticijas. Nuo 10 metų berniukas pradėjo pavaduoti tėvą, kuris taip pat dirbo vienoje iš miesto oranžerijų.

Jaunuoju smuikininku susidomėjo koplyčios vadovas G. Lehrenzi, pas jį mokėsi vargonų ir kompozicijos. Vivaldi lankėsi Legrantsi namų koncertuose, kur klausėsi naujų paties savininko, jo mokinių – Antonio Lotti, violončelininko Antonio Caldara, vargonininko Carlo Polarolli ir kitų kūrinių. Deja, 1790 m. Lehrenzi mirė ir jo mokslai nutrūko.

Tuo metu Vivaldi jau buvo pradėjęs kurti muziką. Pirmasis išlikęs jo darbas yra dvasinis 1791 m. Tėvas manė, kad geriausia duoti sūnui dvasinį išsilavinimą, nes celibato orumas ir įžadas suteikė Vivaldi teisę dėstyti moterų konservatorijoje. Taip prasidėjo dvasinis mokymas seminarijoje. 1693 metais buvo įšventintas abatu. Tai suteikė jam galimybę patekti į prestižiškiausią oranžeriją „Ospedale della Piet à “. Tačiau kunigystė buvo dar viena kliūtis, trukdanti įgyvendinti didžiulį Vivaldi talentą. Po abato Vivaldis žengė į priekį dvasininkų gretas ir galiausiai 1703 metais buvo įšventintas į paskutinį žemesnį laipsnį – kunigu, kas suteikė teisę atlikti savarankišką tarnybą – Mišias.

Tėvas visiškai paruošė Vivaldi dėstymui, tą patį darė Elgetų konservatorijoje. Muzika konservatorijoje buvo pagrindinis dalykas. Merginos buvo mokomos dainuoti, groti įvairiais instrumentais, diriguoti. Konservatorija tuo metu turėjo vieną geriausių orkestrų Italijoje, jame dalyvavo 140 studentų. B. Martini, C. Burney, K. Dittersdorf entuziastingai kalbėjo apie šį orkestrą. Kartu su Corelli ir Lotti mokiniu Vivaldi čia dėstė patyręs smuikininkas ir kompozitorius Francesco Gasparini, kurio operos buvo statomos Venecijoje.

Konservatorijoje Vivaldi dėstė smuiką ir anglų altą. Konservatorijos orkestras jam tapo savotiška laboratorija, kurioje buvo galima realizuoti jo idėjas. Jau 1705 metais buvo išleistas pirmasis jo trio sonatų opusas (kamerinis), kuriame Corelli įtaka juntama iki šiol. Tačiau būdinga, kad jose nėra mokinystės ženklo. Tai brandūs grožinės literatūros kūriniai, traukiantys muzikos gaivumu ir figūratyvumu.

Tarsi norėdamas pabrėžti duoklę Corelli genialumui, Sonatą Nr. 12 jis užbaigia tomis pačiomis variacijomis Folijos tema. Jau kitais metais antrasis opusas – concerti grossi „Harmoniškas įkvėpimas“ pasirodė trejais metais anksčiau nei Torelli koncertai. Būtent tarp šių koncertų yra ir garsusis a-moll ny.

Tarnyba konservatorijoje buvo sėkminga. Vivaldi pavedama vadovauti orkestrui, o vėliau – chorui. 1713 m., Gasparini išvykus, Vivaldi tapo pagrindiniu kompozitoriumi, įpareigojančiu per mėnesį sukurti du koncertus. Konservatorijoje dirbo beveik iki gyvenimo pabaigos. Jis konservatorijos orkestrą ištobulino iki aukščiausio lygio.

Kompozitoriaus Vivaldi šlovė sparčiai plinta ne tik Italijoje. Jo darbai publikuojami Amsterdame. Venecijoje jis susipažįsta su Hendeliu, A. Scarlatti, savo sūnumi Domenico, kuris mokosi pas Gasparini. Vivaldi išgarsėja ir kaip virtuoziškas smuikininkas, kuriam nebuvo neįmanomų sunkumų. Jo įgūdžiai pasireiškė ekspromtu.

Vienas iš tokių atvejų, dalyvavęs Vivaldi operos pastatyme San Angelo teatre, prisiminė savo pasirodymą: „Beveik pabaigoje, nuostabiai akomponuodamas dainininkui, Vivaldi pagaliau atliko fantaziją, kuri mane tikrai išgąsdino, nes tai buvo kažkas neįtikėtino. kurio niekas negrojo ir negali groti, nes jis pirštais pakilo taip aukštai, kad nebebuvo vietos lankui, o tai neįtikėtinu greičiu grojo fugu visomis keturiomis stygomis “. Kelių šių kadencijų įrašai išlikę rankraščiuose.

Vivaldi kūrė greitai. Jo solinės sonatos ir koncertai išeina iš spaudos. Konservatorijai jis kuria pirmąją savo oratoriją „Mozė, faraono Dievas“, parengia pirmąją operą – „Otas viloje“, kuri sulaukė sėkmės 1713 metais Vičencoje. Per ateinančius trejus metus jis sukūrė dar tris operas. Tada yra pertrauka. Vivaldi rašė taip lengvai, kad kartais net pats tai pažymėdavo, kaip operos „Tito Manlio“ (1719) rankraštyje – „užbaigtą per penkias dienas“.

1716 m. Vivaldi sukūrė vieną geriausių savo oratorijų konservatorijai: „Judita triumfuoja, užkariauja barbarus Holoferną“. Muzika traukia energija, apimtimi ir kartu nuostabia spalva, poezija. Tais pačiais metais per Saksonijos kunigaikščio atvykimo į Veneciją muzikines iškilmes koncertuoti buvo pakviesti du jaunieji smuikininkai – Giuseppe Tartini ir Francesco Veracini. Susitikimas su Vivaldi padarė didelę įtaką jų kūrybai, ypač Tartini koncertams ir sonatoms. Tartini sakė, kad Vivaldi yra koncertų kompozitorius, tačiau mano, kad jis yra operos kompozitorius pagal pašaukimą. Tartini buvo teisus. Vivaldi operos dabar jau užmirštos.

Vivaldi pedagoginė veikla konservatorijoje pamažu atnešė sėkmę. Pas jį mokėsi ir kiti smuikininkai: J. B. Somis, Luigi Madonis ir Giovanni Verocai, tarnavęs Sankt Peterburge, Carlo Tessarini, Daniel Gottlob Troy – dirigentas Prahoje. Konservatorijos auklėtinė Santa Tasca tapo koncertine smuikininke, vėliau Vienos teismo muzikante; Hiaretta taip pat koncertavo su iškiliu italų smuikininku G. Fedeli.

Be to, Vivaldi pasirodė esąs geras vokalo mokytojas. Jo auklėtinė Faustina Bordoni už balso grožį (contralto) gavo slapyvardį „Naujoji sirena“. Žymiausias Vivaldi mokinys buvo Drezdeno koplyčios koncertmeisteris Johanas Georgas Pisendelis.

1718 m. Vivaldi netikėtai priima kvietimą dirbti Landgrave'o koplyčios Mantujoje vedėju. Čia jis stato savo operas, kuria daugybę koncertų kapelai, skiria kantatą grafui. Mantujoje jis susipažino su buvusia savo mokine dainininke Anna Giraud. Jis ėmėsi lavinti jos vokalinius gebėjimus, jam tai pavyko, tačiau ji buvo rimtai nuvilta. Giraud tapo garsiu dainininku ir dainavo visose Vivaldi operose.

1722 m. Vivaldi grįžo į Veneciją. Konservatorijoje dabar jis turi sukurti du instrumentinius koncertus per mėnesį ir su studentais pravesti 3-4 repeticijas, kad jų išmoktų. Išvykimo atveju jis turėjo siųsti koncertus per kurjerį.

Tais pačiais metais jis sukuria „Dvylika koncertų“, op. 8 – „Harmonijos ir fantazijos patirtis“, į kurią įeina garsieji „Metų laikai“ ir kai kurie kiti programos koncertai. Jis buvo paskelbtas Amsterdame 1725 m. Koncertai greitai išplito visoje Europoje, o The Four Seasons sulaukė didžiulio populiarumo.

Per šiuos metus Vivaldi kūrybos intensyvumas buvo išskirtinis. Vien 1726-27 sezonui jis sukuria aštuonias naujas operas, dešimtis koncertų, sonatų. Nuo 1735 metų Vivaldi plėtojo vaisingą bendradarbiavimą su Carlo Goldoni, pagal kurio libretą kuria operas „Griselda“, „Aristidas“ ir daugelį kitų. Tai paveikė ir kompozitoriaus muziką, kurios kūryboje ryškiau išryškėja operos-buffa bruožai, liaudies elementai.

Apie atlikėją Vivaldi mažai žinoma. Kaip smuikininkas koncertuodavo labai retai – tik Konservatorijoje, kur kartais grodavo savo koncertus, o kartais – operoje, kur būdavo smuiko solo ar kadenzos. Sprendžiant iš išlikusių kai kurių jo kadenzų įrašų, jo kompozicijų, taip pat fragmentiškų amžininkų liudijimų apie grojimą, jis buvo puikus smuikininkas, virtuoziškas savo instrumento meistras.

Kaip kompozitorius, jis taip pat mąstė kaip smuikininkas. Instrumentinis stilius ryškėja ir jo operinėje kūryboje, oratorinėse kompozicijose. Tai, kad jis buvo puikus smuikininkas, liudija tai, kad daugelis Europos smuikininkų stengėsi pas jį mokytis. Jo atlikimo stiliaus bruožai tikrai atsispindi jo kompozicijose.

Vivaldi kūrybinis paveldas yra didžiulis. Jau išleista daugiau nei 530 jo kūrinių. Parašė apie 450 įvairių koncertų, 80 sonatų, apie 100 simfonijų, daugiau nei 50 operų, ​​per 60 sakralinių kūrinių. Daugelis jų vis dar išlikę rankraštyje. Leidykla Ricordi išleido 221 koncertą smuikui solo, 26 koncertus 2-4 smuikams, 6 koncertus smuikui d kupidonas, 11 koncertų violončelei, 30 smuiko sonatų, 19 trio sonatų, 9 sonatos violončelei ir kiti kūriniai, tarp jų ir pučiamiesiems instrumentams.

Bet kuriame žanre, kurį palietė Vivaldi genijus, atsivėrė naujos neištirtos galimybės. Tai buvo akivaizdu jau pirmoje jo kompozicijoje.

Vivaldi dvylika trio sonatų pirmą kartą buvo išleista kaip op. 1, Venecijoje 1705 m., bet buvo sukurti gerokai anksčiau; šis opusas tikriausiai apima rinktinius šio žanro kūrinius. Savo stiliumi jie yra artimi Corelli, nors turi tam tikrų individualių bruožų. Įdomu tai, kad kaip ir op. 5 Corelli, Vivaldi kolekcija baigiasi devyniolika variacijų tuo metu populiaria ispanų lapijos tema. Pažymėtinas nevienodas (melodingas ir ritmiškas) Corelli ir Vivaldi temos pateikimas (pastarasis griežtesnis). Skirtingai nuo Corelli, kuris dažniausiai skyrė kamerinius ir bažnytinius stilius, Vivaldi jau pirmajame opuse pateikia jų persipynimo ir persismelkimo pavyzdžių.

Žanriniu požiūriu tai vis dar gana kamerinės sonatos. Kiekviename iš jų išryškinama pirmojo smuiko partija, jai suteikiamas virtuoziškas, laisvesnis charakteris. Sonatos prasideda sodriais lėto, iškilmingo charakterio preliudais, išskyrus „Sonata Ten“, kuri prasideda greitu šokiu. Likusios dalys yra beveik visų žanrų. Yra aštuoni alemandai, penki gigai, šeši varpeliai, kurie instrumentiškai permąstyti. Pavyzdžiui, iškilmingas teismo gavotas naudojamas penkis kartus kaip greitas finalas Allegro ir Presto tempu.

Sonatų forma gana laisva. Pirmoji dalis suteikia psichologinį požiūrį į visumą, kaip tai padarė Corelli. Tačiau Vivaldi atsisako toliau nuo fugos partijos, polifonijos ir įmantrumo, siekia dinamiško šokio judesio. Kartais visos kitos dalys eina beveik tuo pačiu tempu, taip pažeidžiant senąjį tempo kontrasto principą.

Jau šiose sonatose juntama turtinga Vivaldi vaizduotė: jokių tradicinių formulių pasikartojimų, neišsenkama melodija, išgaubimo siekis, būdingos intonacijos, kurias vėliau plėtos ir pats Vivaldi, ir kiti autoriai. Taigi, antrosios sonatos „Grave“ pradžia pasirodys „Metų laikuose“. Vienuoliktosios sonatos preliudijos melodija atsispindės pagrindinėje Bacho Koncerto dviem smuikams temoje. Būdingais bruožais tampa ir platūs figūravimo judesiai, intonacijų kartojimas, tarsi pagrindinės medžiagos fiksavimas klausytojo galvoje, nuoseklus nuoseklios raidos principo įgyvendinimas.

Ypač ryškiai pasireiškė Vivaldi kūrybinės dvasios stiprybė ir išmonė koncertiniame žanre. Būtent šiame žanre parašyta dauguma jo kūrinių. Tuo pačiu metu italų meistro koncertiniame pavelde laisvai derinami kūriniai, parašyti concerto grosso ir rečitalio forma. Tačiau net ir tuose jo koncertuose, kurie traukia į concerto grosso žanrą, aiškiai juntamas koncertinių dalių individualizavimas: jos dažnai įgauna koncertinį charakterį, o tada nelengva nubrėžti ribą tarp concerto grosso ir rečitalio.

smuiko kompozitorius Vivaldi

II skyrius. A. Vivaldi kūrybos paveldas. Žymiausių kompozitoriaus kūrinių analizė

1 "Metų laikai"

Keturių koncertų ciklas solo smuikui, styginių orkestrui ir klavesinui „Metų laikai“ buvo parašytas 1720–1725 m. Vėliau šie koncertai buvo įtraukti į Opus 8 „Ginčas dėl harmonijos su išradimu“. Kaip rašo N. Arnoncourt, kompozitorius surinko ir išleido tuos savo koncertus, kuriuos būtų galima derinti su tokiu skambiu pavadinimu.

Pavasario koncertas, kaip ir kiti trys Metų laikų koncertai, parašytas trijų dalių forma, kurios pritarimas muzikos istorijoje siejamas būtent su A. Vivaldi vardu. Ekstremalios dalys greitos, parašytos sena koncertine forma. Antroji dalis lėta, melodinga, parašyta senąja dviejų dalių forma.

Pirmosios koncerto dalies kompozicijai itin svarbi veikla, judesio energija, būdinga jos titulinei temai. Ne kartą kartojantis Allegro, tarsi grįžtant ratu, tarsi skatinamas bendras judėjimas formos viduje ir kartu sulaikomas, išlaikomas pagrindinis įspūdis.

Pirmųjų ciklo dalių dinamiška veikla kontrastuojama su lėtųjų dalių susikaupimu su vidine jų temų vienove ir didesniu kompozicijos paprastumu. Šiame kontekste daugybė Largo, Adagio ir Andante Vivaldi koncertų toli gražu nėra to paties tipo. Įvairiose versijose jie gali būti ramiai idiliški, ypač sielovadiniai, išsiskirti lyrizmo platumu, netgi gali perteikti suvaržytą jausmų įtampą sicilietiškame žanre arba passacaglia pavidalu įkūnyti liūdesio aštrumą. Muzikos judėjimas lyrikos centruose yra vienpusiškesnis (vidiniai kontrastai nebūdingi nei tematizmui, nei struktūrai kaip visumai), ramesnis, bet neabejotinai yra čia, Vivaldi - plačiai išskleistame lyrinio melodizmo, išraiškingame aukštesniųjų balsų kontrapunkte, tarsi duete (vadinama Siciliana), Pasakalijos variacinėje raidoje.

Finalo tematika, kaip taisyklė, paprastesnė, viduje vienalytė, artimesnė liaudiško žanro ištakoms nei pirmųjų allegroų tematika. Greitas judesys 3/8 ar 2/4, trumpos frazės, aštrūs ritmai (šokis, sinkopė), ugningos intonacijos „langobardo skonio“ – viskas čia provokuojančiai gyvybinga, kartais linksma, kartais siautulinga, kartais buku, kartais smurtinga, kartais dinamiška. vaizdingai.

Tačiau ne visi Vivaldi koncertų finalai šia prasme yra dinamiški. Finalas koncerte grosso op. 3 Nr. 11, prieš kurį yra minėta Siciliana, yra persmelkta nerimo ir neįprasto aštrumo. Solo smuikai ima vesti nerimą keliančią, tolygiai pulsuojančią temą imitaciniame pristatyme, o tada nuo ketvirto boso takto tuo pačiu pulsuojančiu ritmu pažymimas chromatinis nusileidimas.

Tai iš karto suteikia niūrų ir net kiek nervingą charakterį koncerto finalo dinamikai.

Visose ciklo dalyse Vivaldi muzika juda skirtingai, tačiau jos judėjimas vyksta natūraliai tiek kiekvienos dalies viduje, tiek dalių santykiu. Tai lemia pati tematiškumo prigimtis ir artėjanti harmoninio mąstymo branda naujajame homofoniniame sandėlyje, kai modalinių funkcijų aiškumas ir gravitacijos aiškumas suaktyvina muzikinį vystymąsi. Tai taip pat visiškai susiję su klasikiniu formos pojūčiu, būdingu kompozitoriui, kuris, nevengdamas net aštraus vietinio liaudies žanro intonacijų įsiskverbimo, visada stengiasi išlaikyti aukščiausią visumos harmoniją, kaitaliojant kontrastingus pavyzdžius, ciklo dalių skalė (be ilgių), jų intonacijos plastiškumu.išdėstymas, bendra ciklo drama.

Kalbant apie programos subtitrus, jie tik nubrėžė vaizdo ar vaizdų pobūdį, bet neliečia visumos formos, nenulėmė raidos jos ribose. Palyginti detalioje programoje pateikiamos keturių serijos „Metų laikai“ koncertų partitūros: kiekvienas iš jų atitinka po sonetą, atskleidžiantį ciklo dalių turinį. Gali būti, kad sonetus sukūrė pats kompozitorius. Bet kokiu atveju, juose deklaruojama programa jokiu būdu nereikalauja permąstyti koncerto formos, o tokia forma „lenkiasi“. Lėtosios dalies ir pabaigos vaizdingumas su jų sandaros ir raidos ypatumais paprastai buvo lengviau išreiškiamas eilėraščiu: užteko įvardinti pačius vaizdus. Tačiau net ir pirmoji ciklo dalis – koncertinis rondo – sulaukė tokios programinės interpretacijos, kuri netrukdė išlaikyti įprastos formos ir natūraliai jame įkūnyti pasirinktą „siužetą“. Tai nutiko kiekviename iš keturių koncertų.

Koncerte „Pavasaris“ pirmosios dalies programa sonete atskleidžiama taip: „Atėjo pavasaris, ir linksmi paukščiai jį pasitinka savo giesmingai, o upeliai teka, šniokščia. Dangų dengia tamsūs debesys, žaibai ir perkūnija taip pat skelbia pavasarį. Ir vėl paukščiai grįžta prie savo mielų giesmių. Lengva, stipri, akordų ir šokio tema (tutti) nusako emocinį visos Allegro toną: „Atėjo pavasaris“. Koncertiniai smuikai (epizodas) imituoja paukščių giesmę. Vėl skamba „pavasario tema“. Naujas ištraukos epizodas yra trumpa pavasario perkūnija. Ir vėl grįžta pagrindinė rondo tema „Pavasaris atėjo“. Taigi ji visada dominuoja pirmoje koncerto dalyje, įkūnydama džiaugsmingą pavasario jausmą, o tapybiški epizodai pasirodo kaip savotiškos bendro pavasarinio gamtos atsinaujinimo paveikslo detalės. Kaip matote, rondo forma čia išlieka visa galia, o programą galima nesunkiai „išplėsti“ į jos dalis. Atrodo, kad sonetą „Pavasaris“ išties sukūrė kompozitorius, iš anksto numatęs struktūrines jo muzikinio įkūnijimo galimybes.

Visose antrosiose Metų laikų dalyse vyrauja faktūros vienovė visoje dalyje (nors dalies dydis ypatingų kontrastų neleidžia). Dalis parašyta senąja dviejų dalių forma.

Iš viso tekstūroje yra trys sluoksniai: viršutinis - melodingas - melodingas, kantuotas. Vidutinis - harmoningas užpildymas - "žolės ir lapijos ošimas", labai tylus, parašytas mažais punktyriniais ilgiais, vedantis aidus lygiagrečiais trečdaliais. Vidurinių balsų judesys dažniausiai yra trilo formos, sūkurinis. Be to, pirmieji du takto dūžiai yra statinis judesys – trili „trilis“, kuris nors ir monotoniškas, bet judantis dėl išskirtinės punktyrinės linijos. Trečiuoju taktu suaktyvinamas melodinis judesys – taip jis tarsi paruošia kito takto garso aukštį, sukurdamas nedidelį faktūros „poslinkį“ ar „kratymą“. O bosinė – pabrėžianti harmoninį pagrindą – ritmiškai charakteringa, vaizduojanti „šuns lojimą“.

Įdomu tiksliai atsekti, kaip Vivaldi galvojo apie lėtųjų dalių vaizdinę struktūrą koncerto cikle. Koncerte „Pavasaris“ skambanti Largo (cis-moll) muzika atitinka tokias soneto eilutes: „Ant žydinčios pievelės, po ąžuolų giraičių ošimu, miega ožkų piemenukas su ištikimu šunimi šalia jo“. Natūralu, kad tai pastoracija, kurioje atsiskleidžia vienas idiliškas vaizdas. Oktaviniai smuikai dainuoja taikią, paprastą, svajingą melodiją poetiškame banguojančių tercų fone – ir visa tai po mažoro allegro uždeda švelnus paralelinis minoras, natūralu lėtajai ciklo daliai.

Finalui programa taip pat nenumato jokios įvairovės ir net nedetalizuoja jos turinio: „Nimfos šoka skambant piemens dūdmaišiui“.

Lengvas judesys, šokio ritmai, liaudies instrumento stilizacija – viskas čia gali priklausyti ne nuo programos, nes dažniausiai ji skirta finalui.

Kiekviename koncerte iš „Metų laikų“ lėtoji dalis yra monotoniška ir išsiskiria ramiu paveikslu po dinamiškos Allegro: gamtos ir visų gyvų dalykų nykimo vasaros karštyje paveikslas; ramus miegas nusistovėjęs po rudens derliaus šventės; „Gera sėdėti prie židinio ir klausytis, kaip pro langą už sienos pliaupia lietus“ – kai pučia smarkus ledinis žiemos vėjas.

Vasaros finalas – audros paveikslas, rudens – „Medžioklė“. Iš esmės trys suprogramuoto koncertų ciklo dalys išlieka įprastomis proporcijomis pagal savo vaizduotės struktūrą, vidinės raidos pobūdį ir kontrastingus Allegro, Largo (Adagio) ir finalo palyginimus. Vis dėlto keturiuose sonetuose atskleistos poetinės programos įdomios tuo, kad tarsi autoriaus žodžiu patvirtina bendrus įspūdžius apie Vivaldi meno vaizdinius ir galimą jo raišką pagrindiniame jam koncerto žanre.

Žinoma, kiek idiliško vaizdų charakterio ciklas „Metų laikai“ kompozitoriaus kūryboje atskleidžia tik nedaug. Tačiau jo idiliškas personažas labai atitiko amžininkų dvasią ir ilgainiui sukėlė daug kartų „Keturių metų laikų“ mėgdžiojimus iki individualių įdomybių. Praėjo daug metų, o Haydnas, būdamas kitame muzikos meno vystymosi etape, monumentalioje oratorijoje įkūnijo „sezonų“ temą. Kaip ir tikėtasi, jo koncepcija pasirodė gilesnė, rimtesnė, epiškesnė nei Vivaldi; ji palietė etines problemas, susijusias su paprastų, artimų gamtai žmonių darbu ir gyvenimu. Tačiau kūrybinį Haydno dėmesį patraukė ir poetinė bei tapybinė siužeto pusės, kurios kadaise įkvėpė Vivaldį: „Vasaroje“, „Derliaus šventėje“ ir „Medžioklėje“ jis turi ir audros bei perkūnijos paveikslą „Rudenyje“. , sudėtingo žiemos kelio ir namų jaukumo kontrastai „Žiemoje“.

2. Smuiko koncertas "A-moll"

Garsiojo koncerto tema a-moll (op. 3 nr. 6) galėtų atverti fugą pagal pirmąją intonaciją, tačiau tolimesnių pakartojimų ir sekų srautas suteikia šokio dinamikos, nepaisant minorinės ir aštriai įsimenamos. išvaizda.

Toks judesio natūralumas net pirmosios temos ribose, toks įvairių intonacinių ištakų derinimo lengvumas yra ryškus Vivaldi bruožas, nepaliekantis jo didesniu mastu. Tarp jo „titulinių“ temų, žinoma, yra ir homogeniškesnės intonacinės kompozicijos.

A-moll koncerte atidarymo tutti pastatytas ant ryškių fanfarų intonacijų, garsų ir frazių pasikartojimų. Jau pradinė formulė, pasižyminti vieno skambesio „kalimu“, kompozitoriui tampa būdinga. Vyrauja principas: „nėra ilgio“. Ekstremali dinamika, stiprios valios spaudimas padeda įkūnyti drąsų, siekiantį įvaizdį.

Konkurencinio charakterio, suteikiančio ypatingo ryškumo Vivaldi koncertų muzikai, stiprinimas, jų žanras ir programiškumas, kontrastas ne tik tarp atskirų ciklo dalių, bet ir pagrindinėje, pirmoje jo dalyje (Vivaldyje tai dažniausiai trunka apvalioje formoje) su smailia tutti ir soli priešprieša, subtiliu tembru, dinamiškomis ir ritmiškomis išraiškos priemonėmis – visos šios savybės harmoningai derinant prisidėjo prie koncerto bruožų stiprinimo, emocinio poveikio stiprumo didinimo. klausytojas. Jau amžininkai Vivaldi koncertuose akcentavo ypatingą savo ekspresyvumą, aistrą, plačiai paplitusį vadinamojo „lombardo stiliaus“ vartojimą.

Jei sonatose Vivaldi svorio centrą perkelia į vidurines dalis, tai koncerte ryški tendencija išskirti pirmąją dalį kaip pagrindinę ir svariausią. Šiuo atžvilgiu kompozitorius kiek apsunkina savo tradicinę struktūrą: nuosekliai dinamizuoja epizodus nuo pirmo iki trečio, padidindamas paskutinio epizodo, interpretuojamo kaip išplėsta ir dinamizuota repriza, reikšmingumą, mastą ir raidos-improvizacinį pobūdį; priartėja prie dviejų tamsų, kuris turi kontrastingą charakterį.

Vidurinėse dalyse jis sustiprina psichologinį žmogaus vidinio pasaulio atskleidimo gylį; į žanro finalą įveda lyrinius elementus, tarsi pratęsdama vieną lyrinę liniją. Visos šios čia aprašytos savybės bus visiškai atskleistos kituose koncertuose.

Iš viso išliko apie 450 Vivaldi koncertų; maždaug pusė jų yra koncertai, parašyti solo smuikui ir orkestrui. Vivaldi amžininkai (I. Kvants ir kt.) negalėjo neatkreipti dėmesio į naujus bruožus, kuriuos jis įnešė į XVIII amžiaus koncertų stilių, kurie patraukė jų kūrybinį susidomėjimą. Užtenka prisiminti, kad J.S.Bachas labai vertino Vivaldi muziką ir padarė keletą jo koncertų transkripcijos klavioriniais ir vargonais.

Išvada

XVII – XVIII amžiaus pradžios instrumentiniai žanrai savo visuma su įvairiais kompozicijos principais ir ypatingais pateikimo bei tobulinimo būdais įkūnijo platų spektrą iki tol instrumentinei muzikai neprieinamų muzikinių vaizdų ir tuo iškėlė ją į pirmą aukštą lygį. , prilygsta kitiems sintetinės kilmės žanrams.

Svarbiausia, be jokios abejonės, buvo tai, kad instrumentinės muzikos pasiekimai XVIII amžiaus pradžioje (ir iš dalies pirmaisiais dešimtmečiais) atvėrė dideles perspektyvas tolimesniam jos judėjimui viena linija į klasikinę Bacho polifoniją. kita, labiau išplėsta iki klasikinės amžiaus pabaigos simfonijos.

Apskritai tiek vaizdinis Vivaldi muzikos turinys, tiek pagrindiniai jos žanrai, be jokios abejonės, puikiai atspindėjo savo laikmečio – ir ne tik Italijos – pirmaujančius meninius siekius. Pasklidę visoje Europoje, Vivaldi koncertai padarė vaisingą įtaką daugeliui kompozitorių, buvo koncertinio žanro pavyzdžiai apskritai jo amžininkams.

Atliekant kursinį darbą buvo pasiektas užsibrėžtas tikslas – išnagrinėta instrumentinio koncerto žanro interpretacija Antonio Vivaldi kūryboje.

Taip pat buvo atliktos užduotys: buvo studijuojama literatūra tam tikra tema, A. Vivaldi laikomas Italijos smuiko mokyklos atstovu, analizuojami žymiausi kompozitoriaus kūriniai.

Vivaldi stilius – iš koncerto į koncertą kartojamas intonacijų vienodumas su tam tikrais pokyčiais, „posūkiais“, bet visada atpažįstamas kaip tipiškas „Vivaldi“.

Vivaldi koncertinio žanro naujienas lėmė muzikinio turinio gilinimas, jo išraiškingumas ir vaizdingumas, programinių elementų įvedimas, paprastai trijų dalių ciklo (su greito – lėto seka) įtvirtinimas. greitas), paties koncerto stiprinimas, solo partijos koncertinė interpretacija, melodinės kalbos ugdymas, platus motyvų-teminis vystymas, ritminis ir harmoninis turtinimas. Visa tai persmelkė ir vienijo Vivaldžio, kaip kompozitoriaus ir atlikėjo, kūrybinė vaizduotė ir išradingumas.

Bibliografinis sąrašas

1.Barbier P. Venice Vivaldi: Epochos muzika ir šventės Sankt Peterburgas, 2009.280 p.

2.Bockardi V. Vivaldi. Maskva, 2007.272 p.

.Grigorjevas V. Smuiko meno istorija. Maskva, 1991.285 p.

4.Livanova T. Vakarų Europos muzikos istorija iki 1789 m. 1 tomas.Maskva, 1983.696 p.

.Panfilovas A. Vivaldi. Gyvenimas ir kūryba // Puikūs kompozitoriai. Nr.21. Maskva, 2006.168 p.

6.Panfilovas A. Vivaldi. Gyvenimas ir kūryba // Puikūs kompozitoriai. Nr. 4. Maskva, 2006. 32 p.

.V.F. Tretiachenko Smuiko „mokyklos“: formavimosi istorija // Muzika ir laikas. Nr. 3. Maskva, 2006. 71 p.

Žymaus italų kompozitoriaus ir smuikininko kūriniai A. Corelli turėjo didžiulę įtaką XVII amžiaus pabaigos – XVIII amžiaus pirmosios pusės Europos instrumentinei muzikai, jis pagrįstai laikomas Italijos smuiko mokyklos įkūrėju. Daugelis didžiausių vėlesnės eros kompozitorių, įskaitant J.S.Bachą ir G.F.Handelį, labai vertino Corelli instrumentinius kūrinius. Jis pasitvirtino ne tik kaip kompozitorius ir nuostabus smuikininkas-atlikėjas, bet ir kaip mokytojas (Corelli mokykloje yra visa galybė genialių meistrų) ir dirigentas (buvo įvairių instrumentinių ansamblių vadovas). Corelli kūryba ir įvairi veikla atvertė naują puslapį muzikos ir muzikos žanrų istorijoje.

Apie ankstyvą Corelli gyvenimą žinoma mažai. Pirmąsias muzikos pamokas jis gavo iš kunigo. Pakeitęs kelis mokytojus, Corelli pagaliau atsiduria Bolonijoje. Šiame mieste gimė daugybė puikių italų kompozitorių, o jų viešnagė čia, matyt, turėjo lemiamos įtakos tolimesniam jauno muzikanto likimui. Bolonijoje Corelli mokosi, vadovaujamas žinomo mokytojo G. Benvenuti. Tai, kad net jaunystėje Corelli sulaukė išskirtinės sėkmės smuiko srityje, liudija faktas, kad 1670 m., būdamas 17 metų, jis buvo priimtas į garsiąją Bolonijos akademiją. 1670 m. Corelli persikelia į Romą. Čia jis groja įvairiuose orkestriniuose ir kameriniuose ansambliuose, vadovauja kai kuriems ansambliams, tampa bažnyčios kapelmeisteriu. Iš Corelli laiškų žinoma, kad 1679 metais jis įstojo į Švedijos karalienės Kristinos tarnybą. Būdamas orkestro muzikantu, jis užsiima ir kompozicija – kuria sonatas savo mecenatei. Pirmasis Corelli kūrinys (12 bažnytinių trio sonatų) pasirodė 1681 m. Corelli įstojo į Romos kardinolo P. Ottoboni tarnybą, kur išbuvo iki savo gyvenimo pabaigos. Po 1708 m. jis pasitraukė iš viešo kalbėjimo ir visas jėgas sutelkė į kūrybą.

Corelli kūrinių yra palyginti nedaug: 1685 m., po pirmojo opuso, jo kamerinės trio sonatos op. 2, 1689 m. - 12 bažnytinių trio sonatų, op. 3, 1694 m. - kamerinės trio sonatos, op. 4, 1700 m. - kamerinės trio sonatos, op. 5, Galiausiai, 1714 m., po Corelli mirties, jo koncertas grossi op. 6. Šios kolekcijos, taip pat keletas atskirų pjesių, sudaro Corelli palikimą. Jo kūriniai skirti styginiams instrumentams (smuikui, viola da gamba) su klavesinu ar vargonais kaip akompanimentais.

Corelli kūryba apima 2 pagrindinius žanrus: sonatos ir koncertus. Būtent Corelli kūryboje sonatos žanras susiformavo tokia forma, kokia būdinga ikiklasikinei erai. Corelli sonatos skirstomos į 2 grupes: bažnytinę ir kamerinę. Jie skiriasi tiek atlikimo kompozicija (bažnytinėje sonatoje akomponuoja vargonai, kamerinėje sonatoje - klavesinas), tiek turiniu (bažnytinė išsiskiria griežtumu ir turinio gilumu, kamerinė artima į šokių siuitą). Instrumentinėje kompozicijoje, kuriai buvo sukurtos tokios sonatos, buvo 2 melodiniai balsai (2 smuikai) ir akompanimentas (vargonai, klavesinas, viola da gamba). Todėl jos vadinamos trio sonatomis.

Corelli koncertai taip pat tapo išskirtiniu šio žanro įvykiu. Concerto grosso žanras egzistavo gerokai anksčiau nei Corelli. Jis buvo vienas iš simfoninės muzikos pirmtakų. Žanro idėja buvo savotiška konkurencija tarp solo instrumentų grupės (Corelli koncertuose šį vaidmenį atlieka 2 smuikai ir violončelė) su orkestru: koncertas buvo pastatytas kaip solo kaita. ir tutti. 12 Corelli koncertų, parašytų paskutiniais kompozitoriaus gyvenimo metais, tapo vienu ryškiausių XVIII amžiaus pradžios instrumentinės muzikos puslapių. Dabar jie yra bene populiariausias Corelli darbas.

Vienas didžiausių baroko epochos atstovų A. Vivaldiį muzikinės kultūros istoriją įėjo kaip instrumentinio koncerto žanro kūrėjas, orkestrinės programos muzikos pradininkas. Vivaldi vaikystė susijusi su Venecija, kur jo tėvas dirbo smuikininku Šv. Morkaus katedroje. Šeimoje buvo 6 vaikai, iš kurių Antonio buvo vyriausias. Smulkmenų apie kompozitoriaus vaikystės metus beveik nėra. Tik žinoma, kad jis mokėsi smuiko ir klavesino. 1693 m. rugsėjo 18 d. Vivaldis buvo įšventintas vienuoliu, o 1703 m. kovo 23 d. Tuo pat metu jaunuolis ir toliau gyveno namuose (greičiausiai dėl sunkios ligos), dėl ko jis galėjo nepalikti muzikos studijų. Dėl savo plaukų spalvos Vivaldi buvo pramintas „raudonaplaukiu vienuoliu“. Manoma, kad jau šiais metais jis per daug nepavydėjo savo, kaip dvasininko, pareigų. Daugelis šaltinių perpasakoja istoriją (gal nepatikimą, bet orientacinį), kaip vieną dieną pamaldų metu „raudonaplaukis vienuolis“ skubiai paliko altorių, kad užfiksuotų jam netikėtai iškilusią fugos temą. Šiaip ar taip, Vivaldi santykiai su dvasininkų sluoksniais vis karštėjo ir netrukus, motyvuodamas silpna sveikata, jis viešai atsisakė švęsti mišias.

1703 m. rugsėjį Vivaldi pradėjo dirbti mokytoju (maestro di violino) Venecijos labdaros našlaičių namuose Pio Ospedale delia Pieta. Jo pareigos apėmė smuiko ir viola d'amour mokymą, taip pat styginių instrumentų saugos priežiūrą ir naujų smuikų pirkimą. „Paslaugos“ „Pietoje“ (juos teisėtai galima vadinti koncertais) buvo apsišvietusios Venecijos visuomenės dėmesio centre. Ekonomiškumo sumetimais 1709 m. Vivaldi buvo atleistas, tačiau 1711-1616 m. grąžintas į tas pačias pareigas, o nuo 1716 m. gegužės jau buvo „Pietos“ orkestro koncertmeisteris. Dar iki naujo paskyrimo Vivaldi įsitvirtino ne tik kaip mokytojas, bet ir kaip kompozitorius (daugiausia sakralinės muzikos autorius). Lygiagrečiai su darbu Pietoje Vivaldi ieško galimybių publikuoti savo pasaulietinius kūrinius. 12 trio sonatų, op. 1 buvo paskelbti 1706 m.; 1711 m. buvo išleista garsioji koncertų smuikui kolekcija „Harmoningas įkvėpimas“, op. 3; 1714 m. – dar vienas rinkinys „Ekstravagancija“ op. 4. Vivaldi koncertai smuikui netrukus tapo plačiai žinomi Vakarų Europoje ir ypač Vokietijoje. Didelį susidomėjimą jais rodė I. Kvants, I. Mattezonas, didysis J. S. Bachas „malonumui ir pamokymui“ savo ranka perrašė 9 Vivaldi koncertus smuikui klavierui ir vargonams. Per šiuos metus Vivaldi parašė pirmąsias operas „Otonas“ (1713), „Orlandas“ (1714), „Neronas“ (1715). 1718-20 m. jis gyvena Mantujoje, kur daugiausia rašo operas karnavalo sezonui, taip pat instrumentines kompozicijas Mantujos kunigaikščių dvarui. 1725 m. buvo išleistas vienas žymiausių kompozitoriaus opusų, paantraštė „Harmonijos ir išradimo patirtis“ (op. 8). Kaip ir ankstesniųjų, kolekciją sudaro koncertai smuikui (jų čia yra 12). Pirmieji 4 šio opuso koncertai kompozitoriaus pavadinti atitinkamai „Pavasaris“, „Vasara“, „Ruduo“ ir „Žiema“. Šiuolaikinėje atlikimo praktikoje jie dažnai sujungiami į ciklą „Metų laikai“ (originale tokio pavadinimo nėra). Matyt, Vivaldi nebuvo patenkintas pajamomis iš savo koncertų publikavimo ir 1733 m. jis pranešė tam tikram anglų keliautojui E. Holdsworthui apie ketinimą atsisakyti tolesnių leidinių, nes, skirtingai nei spausdintos kopijos, ranka parašytos kopijos buvo brangesnės. Iš tiesų nuo to laiko naujų originalių Vivaldi opusų nepasirodė.

20-ųjų pabaigoje - 30-aisiais dažnai vadinami „kelionių metais“ (geriausia į Vieną ir Prahą). 1735 metų rugpjūtį Vivaldi grįžo į orkestro „Pieta“ kapelmeisterio pareigas, tačiau vadovaujančiam komitetui nepatiko pavaldinio aistra keliauti, todėl 1738 metais kompozitorius buvo atleistas. Tuo pat metu Vivaldi ir toliau sunkiai dirbo operos žanre (vienas iš jo libretistų buvo garsusis K. Goldoni), o pats mieliau dalyvavo pastatyme. Tačiau Vivaldi operos pasirodymai neturėjo didelės sėkmės, ypač po to, kai dėl kardinolo draudimo įvažiuoti į miestą kompozitoriui buvo atimta galimybė eiti savo operų režisieriaus pareigas Feraros teatre (kompozitorius buvo apkaltintas meilės romanu). su Anna Giraud, buvusia jo mokine, ir „raudonplaukio vienuolio“ atsisakymu švęsti mišias). Dėl to operos premjera Feraroje nepavyko.

1740 m., prieš pat savo mirtį, Vivaldi išvyko į paskutinę kelionę į Vieną. Jo staigaus pasitraukimo priežastys neaiškios. Jis mirė Vienos balnininko, vardu Walleris, našlės namuose ir buvo palaidotas elgeta. Netrukus po jo mirties iškilaus meistro vardas buvo pamirštas. Beveik po 200 metų, XX a. XX amžiuje italų muzikologas A. Gentili atrado unikalią kompozitoriaus rankraščių kolekciją (300 koncertų, 19 operų, ​​sakralinių ir pasaulietinių vokalinių kūrinių). Nuo to laiko prasideda tikras Vivaldi buvusios šlovės atgimimas. 1947 m. muzikos leidykla „Rikordi“ pradėjo leisti visą kompozitoriaus kūrinių kolekciją, o bendrovė „Philips“ neseniai pradėjo įgyvendinti ne mažiau ambicingą idėją - Vivaldi „visą“ publikaciją įraše. Mūsų šalyje Vivaldi yra vienas dažniausiai atliekamų ir mylimiausių kompozitorių. Vivaldi kūrybinis paveldas yra puikus. Remiantis autoritetingu teminiu-sisteminiu Peterio Riomo (tarptautinis pavadinimas - RV) katalogas, jame yra daugiau nei 700 pavadinimų. Pagrindinę vietą Vivaldi kūryboje užėmė instrumentinis koncertas (iš viso išsaugota apie 500). Mėgstamiausias kompozitoriaus instrumentas buvo smuikas (apie 230 koncertų). Be to, jis parašė koncertus dviems, trims ir keturiems smuikams bei orkestrui ir bosui, koncertus viola d'amour, violončelei, mandolinai, išilginėms ir skersinėms fleitoms, obojui, fagotui. Tęsiasi daugiau nei 60 koncertų styginių orkestrui ir bosui, žinomos sonatos įvairiems instrumentams. Iš daugiau nei 40 operų (kurių Vivaldi autorystė tiksliai nustatyta) išliko tik pusė. Mažiau populiarūs (bet ne mažiau įdomūs) yra daugybė jo vokalinių kūrinių – kantatų, oratorijų, kūrinių apie dvasinius tekstus (psalmės, litanijos, „Gloria“ ir kt.).

Daugelis Vivaldi instrumentinių kūrinių turi programinius subtitrus. Vieni jų nurodo pirmąjį atlikėją (Koncertas „Carbonelli“, RV 366), kiti – šventę, kurios metu tas ar kitas kūrinys buvo atliktas pirmą kartą („Šv. Lorenco šventei“, RV 286). Nemažai subtitrų nurodo kai kurias neįprastas atlikimo technikos detales (koncerte pavadinimu „L'ottavina“, RV 763, visi solo smuikai turi būti grojami viršutine oktava). Tipiškiausi vyraujančią nuotaiką apibūdinantys pavadinimai yra „Poilsis“, „Nerimas“, „Įtarimas“ arba „Harmoningas įkvėpimas“, „Citra“ (pastarieji du – smuikui skirtų koncertų kolekcijų pavadinimai). Tuo pačiu metu net ir tuose kūriniuose, kurių pavadinimai tarsi nusako išorinius vaizdinius momentus ("Audra jūroje", "Auksinis kirvelis", "Medžioklė" ir kt.), svarbiausia kompozitoriui visada yra bendros lyrinės kalbos perteikimas. nuotaika. Partitūra „Keturi metų laikai“ pateikiama su gana išsamia programa. Jau per savo gyvenimą Vivaldi išgarsėjo kaip išskirtinis orkestro žinovas, daugelio spalvų efektų išradėjas, daug nuveikė tobulindamas smuiko techniką.

Giuseppe Tartini priklauso XVIII amžiaus Italijos smuiko mokyklos šviesuoliams, kurių menas išlaiko savo meninę reikšmę iki mūsų laikų. D. Oistrakhas

Iškilus italų kompozitorius, mokytojas, smuiko virtuozas ir muzikos teoretikas G. Tartini XVIII amžiaus pirmoje pusėje užėmė vieną svarbiausių vietų Italijos smuiko kultūroje. Jo mene susiliejo tradicijos, kilusios iš A. Corelli, A. Vivaldi, F. Veracini ir kitų didžių pirmtakų bei amžininkų.

Tartini gimė kilmingoje šeimoje. Tėvai sūnų numatė dvasininko karjerai. Todėl iš pradžių jis mokėsi parapinėje mokykloje Pirano, o paskui Capo d "Istria", kur Tartini pradėjo groti smuiku.

Muzikanto gyvenimas skirstomas į 2 ryškiai priešingus laikotarpius. Vėjuotas, nesusilaikantis charakterio, ieškantis pavojaus – toks jis jaunystėje. Tartini ryžtas privertė jo tėvus atsisakyti minties leisti sūnų dvasiniu keliu. Jis išvyksta į Padują studijuoti teisės. Tačiau Tartini taip pat labiau mėgsta fechtuotis, svajoja apie fechtuotojo veiklą. Lygiagrečiai su fechtavimu jis ir toliau vis kryptingiau muzikuoja.

Slapta santuoka su jo mokine, iškilaus dvasininko dukterėčia, kardinaliai pakeitė visus Tartini planus. Santuoka sukėlė jo žmonos aristokratų giminaičių pasipiktinimą, Tartini buvo persekiojamas kardinolo Cornaro ir turėjo slapstytis. Jo prieglobstis buvo minoritų vienuolynas Asyžiuje.

Nuo šios akimirkos prasidėjo antrasis Tartini gyvenimo laikotarpis. Vienuolynas ne tik priglaudė jaunąjį grėblį ir tapo jo prieglobsčiu tremties metais. Čia įvyko moralinė ir dvasinė Tartini transformacija, čia prasidėjo tikrasis jo, kaip kompozitoriaus, tobulėjimas. Vienuolyne studijavo muzikos teoriją ir kompoziciją, vadovaujamas čekų kompozitoriaus ir teoretiko B. Černogorskio; smuiko mokėsi savarankiškai, pasiekęs tikrą instrumento įvaldymo tobulumą, kuris, pasak amžininkų, net pranoko garsiojo Corelli grojimą.

Tartini vienuolyne jis išbuvo 2 metus, paskui dar 2 metus grojo Ankonos operos teatre. Ten muzikantas susitiko su Veracini, kuris padarė pastebimą įtaką jo kūrybai.

Tartini tremtis baigėsi 1716 m. Nuo to laiko iki gyvenimo pabaigos, išskyrus trumpas pertraukas, jis gyveno Paduvoje, vadovavo Šv. Antonijaus bazilikos koplyčios orkestrui ir smuikininku solo koncertavo įvairiuose miestuose. Italijoje. 1723 m. Tartini gavo kvietimą apsilankyti Prahoje ir dalyvauti muzikinėse Karolio VI karūnavimo iškilmėse. Tačiau šis vizitas truko iki 1726 m.: Tartini priėmė pasiūlymą užimti kamerinio muzikanto pareigas Prahos grafo F. Kinskio koplyčioje.

Grįžęs į Padują (1727 m.), kompozitorius čia surengė muzikos akademiją, daug energijos skyręs mokymui. Amžininkai jį vadino „tautų mokytoju“. Tarp Tartini mokinių yra tokie iškilūs XVIII amžiaus smuikininkai kaip P. Nardini, G. Pugnani, D. Ferrari, I. Naumann, P. Lausse, F. Rust ir kt.

Muzikantas labai prisidėjo prie tolesnės smuiko meno plėtros. Jis pakeitė lanko dizainą, jį pailgino. Paties Tartinio lanko meistriškumas, nepaprastas smuiko dainavimas imta laikyti pavyzdiniu. Kompozitorius sukūrė daugybę kūrinių. Tarp jų – daugybė trio sonatų, apie 125 koncertai, 175 sonatos smuikui ir klavesinui. Būtent Tartini kūryboje pastarasis gavo tolesnį žanrinį ir stilistinį vystymąsi.

Ryškus kompozitoriaus muzikinio mąstymo vaizdingumas pasireiškė noru savo kūriniams suteikti programinius subtitrus. Ypač išgarsėjo sonatos „Abandoned Dido“ ir „Velnio trilas“. Pastarąjį iškilus rusų muzikos kritikas V. Odojevskis laikė naujos smuiko meno eros pradžia. Kartu su šiais darbais didelę reikšmę turi monumentalus ciklas „Lanko menas“. Iš 50 variacijų Corelli gavoto tema sudarytas savotiškas technikų rinkinys, turintis ne tik pedagoginę, bet ir aukštą meninę vertę. Tartinis buvo vienas smalsių XVIII amžiaus muzikantų ir mąstytojų, jo teorinės pažiūros atsiskleidė ne tik įvairiuose muzikos traktatuose, bet ir susirašinėjime su pagrindiniais to meto muzikos mokslininkais – vertingiausiais savo epochos dokumentais.

20. Tinkamumas kaip muzikinio mąstymo principas XVII-XVIII amžių muzikoje. Klasikinės siuitos struktūra. (Paimkite bet kokį komplektą ir išardykite); (Perskaitykite Yavorskio darbą).

Liuksas (pranc. suite, „seka“). Pavadinimas reiškia instrumentinių kūrinių (stilizuotų šokių) seką arba instrumentinius fragmentus iš operos, baleto, dramos muzikos ir kt.

Antonio Vivaldi (1678-1741) – vienas ryškiausių baroko epochos atstovų. Jis gimė Venecijoje, kur pirmą kartą mokėsi pas savo tėvą, smuikininką Šv. Markas, kurį tada treniravo Giovanni Legrenzi. Koncertavo įvairiose Europos šalyse, su didžiuliu entuziazmu dėstė ir statė savo operas. Ilgą laiką dirbo smuiko mokytoju viename iš Venecijos vaikų globos namų.

Dėl savo plaukų spalvos Vivaldi buvo pramintas „raudonuoju kunigu“ (Prete rosso). Iš tiesų, jis derino muzikanto profesiją su dvasininko pareigomis, bet vėliau buvo atleistas už „neteisėtą“ elgesį per pamaldas. Paskutinius savo gyvenimo metus kompozitorius praleido Vienoje, kur mirė skurde.

Vivaldi kūrybinis paveldas apima daugiau nei 700 pavadinimų: 465 instrumentiniai koncertai (iš kurių penkiasdešimt grossi), 76 sonatos (įskaitant trio sonatas), apie 40 operų (vienas iš jo libretistų buvo garsusis K. Goldoni), kantatų ir oratorijų kūriniai, tarp jų dvasiniai tekstai. Pagrindinė jo kūrybos istorinė reikšmė – solinio instrumentinio koncerto kūrimas.

Vienas jautriausių savo laikų menininkų Vivaldi buvo vienas pirmųjų kompozitorių, išryškinusių mene atvirą emocionalumą, aistrą (afektą), individualų lyrinį jausmą. Jo neabejotinai veikiamas, baroko muzikai itin būdingas concerto grosso klasikos epochoje nunyko į antrą planą, užleisdamas vietą rečitaliui. Solistų grupės pakeitimas viena partija buvo homofoninių tendencijų išraiška.

Būtent Vivaldi sukūrė vėlyvojo baroko rečitalio struktūrą ir temas. Itališkos operos uvertiūros įtakoje jis sukuria trijų dalių koncertų ciklą (greitas - lėtas - greitas) ir barokinės koncertinės formos pagrindu išdėsto tutti ir solo eiles.

Baroko epochos koncertinė forma buvo pagrįsta ritualinės (pagrindinės temos) kaitaliojimu, pakartotinai pasikartojančiu ir perkeliamu, su epizodais, paremtais naujomis melodinėmis temomis, vaizdine medžiaga ar motyvaciniu pagrindinės temos plėtojimu. Šis principas suteikė jam panašumo į rondo. Tekstūrai būdingi orkestrinio tutti ir solo kontrastai, atitinkantys ritornelės ir epizodų išvaizdą.

Pirmosios Vivaldi koncertų dalys energingos, energingos, įvairios tekstūros ir kontrastų. Antrosios dalys nukelia klausytoją į dainų tekstų sritį. Joje vyrauja daina, apdovanota improvizacijos bruožais. Tekstūra vyrauja homofoniška. Finalai yra puikūs, kupini energijos, jie užbaigia ciklą greitu, gyvu judesiu.

Dinamiška 3 dalių ciklinė Vivaldi koncertų forma išreiškė „gerai organizuoto kontrasto“ meno meninius idealus. Jų vaizdingos raidos logika atskleidė baroko epochos bendrosios estetinės koncepcijos įtaką, kuri žmonių pasaulį tarsi suskirstė į tris hipostazes: Veiksmas – Kontempliacija – Žaidimas.

Vivaldi solo instrumentinis koncertas yra orientuotas į nedidelę lenktinių instrumentų kompoziciją, kuriai vadovauja solistas. Tai gali būti violončelė, viol damour, išilginė arba skersinė fleita, obojus, fagotas, trimitas ir net mandolina ar šalmas. Nepaisant to, dažniausiai smuikas yra solistas (apie 230 koncertų). Vivaldi koncertų smuiko technika įvairi: veržlūs pasažai, arpedžas, tremolo, pizzicato, dvigubos natos (iki sunkiausių dešimtainių), scordatūra, aukščiausio registro naudojimas (iki 12 pozicijos).

Vivaldi išgarsėjo kaip puikus orkestro žinovas, daugelio spalvų efektų išradėjas. Jausdamas garsinį skonį, jis laisvai pasuko į daugybę instrumentų ir jų derinių. Jis naudojo obojus, ragus, fagotus, trimitus, anglišką ragą ne kaip dublikatus, o kaip savarankiškus melodinius instrumentus.
Vivaldi muzika sugėrė spalvingo Venecijos muzikinio folkloro elementus, turtingą melodingų kanzonų, barkarolių, uždegančių šokių ritmų. Kompozitorius ypač noriai rėmėsi sicilietišku, plačiai naudodamas italų liaudies šokiams būdingą 6/8 dydį. Dažnai taikydamas akordų-harmonijos sandėlį, jis sumaniai panaudojo polifoninius kūrimo metodus.

Išleisdamas savo koncertus 12 ar 6 kūrinių serijomis, Vivaldi kiekvienai serijai suteikė bendrus pavadinimus: „Harmoningas įkvėpimas“ (op. 3), „Ekstravagancija“ (op. 4), „Citra“ (op. 9).

Vivaldi galima vadinti programuotos orkestrinės muzikos pradininku. Dauguma jo koncertų turi specifinę programą. Pvz.: „Medžioklė“, „Audra jūroje“, „Piemenėlė“, „Poilsis“, „Naktis“, „Mėgstamiausia“, „Auksaplaukė“.
Netrukus Vivaldi koncertai smuikui tapo plačiai žinomi Vakarų Europoje ir ypač Vokietijoje. Didysis J. S. Bachas „malonumui ir pamokymui“ savo ranka perrašė devynis Vivaldi koncertus smuikui klavierui ir vargonams. Šių muzikantų dėka Vivaldi, niekada nebuvęs Šiaurės Vokietijos žemėse, visa to žodžio prasme pasirodė esąs XVIII amžiaus vokiečių instrumentalizmo „tėvas“. Pasklidę po Europą, Vivaldi koncertai tapo koncertinio žanro pavyzdžiu amžininkams. Taigi koncertas klaveriui susiformavo neabejotinai smuiko koncerto menine įtaka (įtikinamas pavyzdys).

Vienas didžiausių baroko epochos atstovų A. Vivaldi į muzikinės kultūros istoriją įėjo kaip instrumentinio koncertinio žanro kūrėjas, orkestrinės programinės muzikos pradininkas. Vivaldi vaikystė susijusi su Venecija, kur jo tėvas dirbo smuikininku Šv. Morkaus katedroje. Šeimoje buvo 6 vaikai, iš kurių Antonio buvo vyriausias. Smulkmenų apie kompozitoriaus vaikystės metus beveik nėra. Tik žinoma, kad jis mokėsi smuiko ir klavesino.

1693 m. rugsėjo 18 d. Vivaldis buvo įšventintas vienuoliu, o 1703 m. kovo 23 d. Tuo pat metu jaunuolis ir toliau gyveno namuose (greičiausiai dėl sunkios ligos), dėl ko jis galėjo nepalikti muzikos studijų. Dėl savo plaukų spalvos Vivaldi buvo pramintas „raudonaplaukiu vienuoliu“. Manoma, kad jau šiais metais jis per daug nepavydėjo savo, kaip dvasininko, pareigų. Daugelis šaltinių perpasakoja istoriją (gal nepatikimą, bet orientacinį), kaip vieną dieną pamaldų metu „raudonaplaukis vienuolis“ skubiai paliko altorių, kad užfiksuotų jam netikėtai iškilusią fugos temą. Šiaip ar taip, Vivaldi santykiai su dvasininkų sluoksniais vis karštėjo ir netrukus, motyvuodamas silpna sveikata, jis viešai atsisakė švęsti mišias.

1703 m. rugsėjį Vivaldi pradėjo dirbti mokytoju (maestro di violino) Venecijos labdaros našlaičių namuose Pio Ospedale delia Pieta. Jo pareigos apėmė smuiko ir viola d'amour mokymą, taip pat styginių instrumentų saugos priežiūrą ir naujų smuikų pirkimą. „Paslaugos“ „Pietoje“ (juos teisėtai galima vadinti koncertais) buvo apsišvietusios Venecijos visuomenės dėmesio centre. Ekonomiškumo sumetimais 1709 m. Vivaldi buvo atleistas, tačiau 1711-1616 m. grąžintas į tas pačias pareigas, o nuo 1716 m. gegužės jau buvo „Pietos“ orkestro koncertmeisteris.

Dar iki naujo paskyrimo Vivaldi įsitvirtino ne tik kaip mokytojas, bet ir kaip kompozitorius (daugiausia sakralinės muzikos autorius). Lygiagrečiai su darbu Pietoje Vivaldi ieško galimybių publikuoti savo pasaulietinius kūrinius. 12 trio sonatų, op. 1 buvo paskelbti 1706 m.; 1711 m. buvo išleista garsioji koncertų smuikui kolekcija „Harmoningas įkvėpimas“, op. 3; 1714 m. – dar vienas rinkinys „Ekstravagancija“ op. 4. Vivaldi koncertai smuikui netrukus tapo plačiai žinomi Vakarų Europoje ir ypač Vokietijoje. Didelį susidomėjimą jais rodė I. Kvants, I. Mattezonas, didysis J. S. Bachas „malonumui ir pamokymui“ savo ranka perrašė 9 Vivaldi koncertus smuikui klavierui ir vargonams. Per šiuos metus Vivaldi parašė pirmąsias operas „Otonas“ (1713), „Orlandas“ (1714), „Neronas“ (1715). 1718-20 m. jis gyvena Mantujoje, kur daugiausia rašo operas karnavalo sezonui, taip pat instrumentines kompozicijas Mantujos kunigaikščių dvarui.

1725 m. buvo išleistas vienas žymiausių kompozitoriaus opusų, paantraštė „Harmonijos ir išradimo patirtis“ (op. 8). Kaip ir ankstesniųjų, kolekciją sudaro koncertai smuikui (jų čia yra 12). Pirmieji 4 šio opuso koncertai kompozitoriaus pavadinti atitinkamai „Pavasaris“, „Vasara“, „Ruduo“ ir „Žiema“. Šiuolaikinėje atlikimo praktikoje jie dažnai sujungiami į ciklą „Metų laikai“ (originale tokio pavadinimo nėra). Matyt, Vivaldi nebuvo patenkintas pajamomis iš savo koncertų publikavimo ir 1733 m. jis pranešė tam tikram anglų keliautojui E. Holdsworthui apie ketinimą atsisakyti tolesnių leidinių, nes, skirtingai nei spausdintos kopijos, ranka parašytos kopijos buvo brangesnės. Iš tiesų nuo to laiko naujų originalių Vivaldi opusų nepasirodė.

20-ųjų pabaigoje - 30-aisiais dažnai vadinami „kelionių metais“ (geriausia į Vieną ir Prahą). 1735 metų rugpjūtį Vivaldi grįžo į orkestro „Pieta“ kapelmeisterio pareigas, tačiau vadovaujančiam komitetui nepatiko pavaldinio aistra keliauti, todėl 1738 metais kompozitorius buvo atleistas. Tuo pat metu Vivaldi ir toliau sunkiai dirbo operos žanre (vienas iš jo libretistų buvo garsusis K. Goldoni), o pats mieliau dalyvavo pastatyme. Tačiau Vivaldi operos pasirodymai neturėjo didelės sėkmės, ypač po to, kai dėl kardinolo draudimo įvažiuoti į miestą kompozitoriui buvo atimta galimybė eiti savo operų režisieriaus pareigas Feraros teatre (kompozitorius buvo apkaltintas meilės romanu). su Anna Giraud, buvusia jo mokine, ir „raudonplaukio vienuolio“ atsisakymu švęsti mišias). Dėl to operos premjera Feraroje nepavyko.

1740 m., prieš pat savo mirtį, Vivaldi išvyko į paskutinę kelionę į Vieną. Jo staigaus pasitraukimo priežastys neaiškios. Jis mirė Vienos balnininko, vardu Walleris, našlės namuose ir buvo palaidotas elgeta. Netrukus po jo mirties iškilaus meistro vardas buvo pamirštas. Beveik po 200 metų, XX a. XX amžiuje italų muzikologas A. Gentili atrado unikalią kompozitoriaus rankraščių kolekciją (300 koncertų, 19 operų, ​​sakralinių ir pasaulietinių vokalinių kūrinių). Nuo to laiko prasideda tikras Vivaldi buvusios šlovės atgimimas. 1947 m. muzikos leidykla „Rikordi“ pradėjo leisti visą kompozitoriaus kūrinių kolekciją, o bendrovė „Philips“ neseniai pradėjo įgyvendinti ne mažiau ambicingą idėją - Vivaldi „visą“ publikaciją įraše. Mūsų šalyje Vivaldi yra vienas dažniausiai atliekamų ir mylimiausių kompozitorių. Vivaldi kūrybinis paveldas yra puikus. Remiantis autoritetingu teminiu-sisteminiu Peterio Riomo (tarptautinis pavadinimas - RV) katalogas, jame yra daugiau nei 700 pavadinimų. Pagrindinę vietą Vivaldi kūryboje užėmė instrumentinis koncertas (iš viso išsaugota apie 500). Mėgstamiausias kompozitoriaus instrumentas buvo smuikas (apie 230 koncertų). Be to, jis parašė koncertus dviems, trims ir keturiems smuikams bei orkestrui ir bosui, koncertus viola d'amour, violončelei, mandolinai, išilginėms ir skersinėms fleitoms, obojui, fagotui. Tęsiasi daugiau nei 60 koncertų styginių orkestrui ir bosui, žinomos sonatos įvairiems instrumentams. Iš daugiau nei 40 operų (kurių Vivaldi autorystė tiksliai nustatyta) išliko tik pusė. Mažiau populiarūs (bet ne mažiau įdomūs) yra daugybė jo vokalinių kūrinių – kantatų, oratorijų, kūrinių apie dvasinius tekstus (psalmės, litanijos, „Gloria“ ir kt.).

Daugelis Vivaldi instrumentinių kūrinių turi programinius subtitrus. Vieni jų nurodo pirmąjį atlikėją (Koncertas „Carbonelli“, RV 366), kiti – šventę, kurios metu tas ar kitas kūrinys buvo atliktas pirmą kartą („Šv. Lorenco šventei“, RV 286). Nemažai subtitrų nurodo kai kurias neįprastas atlikimo technikos detales (koncerte pavadinimu „L'ottavina“, RV 763, visi solo smuikai turi būti grojami viršutine oktava). Tipiškiausi vyraujančią nuotaiką apibūdinantys pavadinimai yra „Poilsis“, „Nerimas“, „Įtarimas“ arba „Harmoningas įkvėpimas“, „Citra“ (pastarieji du – smuikui skirtų koncertų kolekcijų pavadinimai). Tuo pačiu metu net ir tuose kūriniuose, kurių pavadinimai tarsi nusako išorinius vaizdinius momentus ("Audra jūroje", "Auksinis kirvelis", "Medžioklė" ir kt.), svarbiausia kompozitoriui visada yra bendros lyrinės kalbos perteikimas. nuotaika. Partitūra „Keturi metų laikai“ pateikiama su gana išsamia programa. Jau per savo gyvenimą Vivaldi išgarsėjo kaip išskirtinis orkestro žinovas, daugelio spalvų efektų išradėjas, daug nuveikė tobulindamas smuiko techniką.

S. Lebedevas

Įspūdingi A. Vivaldi darbai turi didžiulę, pasaulinę šlovę. Garsūs šiuolaikiniai ansambliai (R. Barshai vadovaujamas Maskvos kamerinis orkestras, „Romos virtuozai“ ir kt.) jo kūrybai skiria vakarus ir, ko gero, po Bacho ir Hendelio Vivaldi yra populiariausias tarp muzikinio baroko epochos kompozitorių. . Šiais laikais atrodo, kad jis turi antrą gyvenimą.

Per savo gyvenimą buvo plačiai žinomas, buvo solinio instrumentinio koncerto kūrėjas. Šio žanro raida visose šalyse per visą ikiklasikinį laikotarpį siejama su Vivaldi kūryba. Vivaldi koncertai buvo pavyzdys Bacho, Locatelli, Tartini, Leclair, Benda ir kt.. Bachas perrašė 6 Vivaldžio koncertus smuikui, padarė 2 vargonų koncertus, vieną perdarė 4 klavierams.

„Tuo metu, kai Bachas buvo Veimare, visas muzikinis pasaulis žavėjosi pastarojo (ty Vivaldi – L. R.) koncertų originalumu. Bachas pertvarkė Vivaldi koncertus ne tam, kad jie taptų prieinami platiems ratams, ir ne tam, kad iš jų pasimokytų, o tik todėl, kad tai teikė jam malonumą. Neabejotinai jam buvo naudinga Vivaldi. Iš jo jis išmoko statybos aiškumo ir harmonijos. tobula smuiko technika, pagrįsta melodingumu ... "

Tačiau būdamas gana populiarus XVIII amžiaus pirmoje pusėje, Vivaldi vėliau buvo beveik pamirštas. „Nors po Corelli mirties, – rašo Pensherl, – bėgant metams atmintis apie jį stiprėjo ir pagražėjo, Vivaldi, beveik mažiau žinomas per savo gyvenimą, po kelių penkerių metų tiesiogine prasme išnyko tiek materialiai, tiek dvasiškai. Jo kūryba palieka programas, net išvaizdos bruožai ištrinami iš atminties. Buvo tik spėlionės apie jo mirties vietą ir datą. Ilgą laiką žodynai apie jį kartoja tik menką informaciją, užpildytą įprastais dalykais ir gausu klaidų ... “.

Dar visai neseniai Vivaldį domino tik istorikai. Muzikos mokyklose pradiniame mokymo etape jie mokėsi 1–2 jo koncertų. XX amžiaus viduryje sparčiai didėjo dėmesys jo kūrybai, susidomėjimas biografijos faktais. Ir vis dėlto apie jį žinome labai mažai.

Idėjos apie jo palikimą, iš kurių dauguma liko nežinioje, buvo visiškai klaidingos. Vien 1927-1930 metais Turino kompozitoriui ir tyrinėtojui Alberto Gentili pavyko rasti apie 300 (!) Vivaldi autografų, kurie buvo Durazzo šeimos nuosavybė ir buvo saugomi jų Genujos viloje. Šiuose rankraščiuose yra 19 operų, ​​oratorija ir keli Vivaldi bažnyčios ir instrumentinių kūrinių tomai. Šią kolekciją princas Giacomo Durazzo, filantropas, įkūrė nuo 1764 m. Austrijos pasiuntinys Venecijoje, kur, be politinės veiklos, užsiėmė meno pavyzdžių rinkimu.

Pagal Vivaldi testamentą jie nebuvo publikuojami, tačiau Gentile pasiekė, kad jie būtų perkelti į Nacionalinę biblioteką ir taip paskelbti viešai. Juos pradėjo tyrinėti austrų mokslininkas Walteris Collenderis, teigdamas, kad Vivaldi keliais dešimtmečiais lenkė Europos muzikos raidą, naudodamas dinamiką ir grynai technines smuiko grojimo technikas.

Naujausiais duomenimis, žinoma, kad Vivaldi parašė 39 operas, 23 kantatas, 23 simfonijas, daug bažnytinių kūrinių, 43 arijas, 73 sonatas (trio ir solo), 40 koncertų grossi; 447 rečitaliai įvairiems instrumentams: 221 smuikui, 20 violončelei, 6 altui damour, 16 fleitai, 11 obojui, 38 fagotui, koncertai mandolinai, ragui, trimitui ir mišrioms kompozicijoms: medinėms su smuiku, 2 -x smuikai ir liutnios, 2 fleitos, obojus, angliškas ragas, 2 trimitai, smuikas, 2 altai, lanko kvartetas, 2 altai ir kt.

Tikslus Vivaldi gimtadienis nežinomas. Penscherlis pateikia tik apytikslę datą – kiek anksčiau nei 1678 m. Jo tėvas Giovanni Battista Vivaldi buvo smuikininkas kunigaikščių Šv. Markas Venecijoje ir pirmos klasės atlikėjas. Tikėtina, kad sūnus smuiko išsilavinimą įgijo iš savo tėvo, o studijavo kompoziciją pas Giovanni Lehrenzi, kuris XVII amžiaus antroje pusėje vadovavo Venecijos smuiko mokyklai, buvo puikus kompozitorius, ypač orkestrinės muzikos srityje. Akivaizdu, kad iš jo Vivaldi paveldėjo aistrą eksperimentuoti su instrumentinėmis kompozicijomis.

Jaunystėje Vivaldi įstojo į tą pačią koplyčią, kurioje vadovu dirbo jo tėvas, o vėliau jį pakeitė šiose pareigose.

Tačiau profesionalią muzikinę karjerą netrukus papildė dvasinė – Vivaldi tapo kunigu. Tai atsitiko 1693 metų rugsėjo 18 dieną. Iki 1696 m. buvo jaunesnysis dvasininkas, visas kunigo teises gavo 1703 m. kovo 23 d. „Raudonplaukis popsas“ – Venecijoje pašaipiai vadintas Vivaldi, ir ši pravardė jam išliko visą gyvenimą.

Kunigo įšventinimą gavęs Vivaldi muzikos studijų nenutraukė. Apskritai jis bažnyčioje tarnavo neilgai – tik vienerius metus, po kurių jam buvo uždrausta patarnauti mišioms. Biografai juokingai paaiškina šį faktą: „Kartą Vivaldis šventė mišias ir staiga jam į galvą atėjo fugos tema; palikdamas altorių eina į zakristiją užsirašyti šios temos, o paskui grįžta prie altoriaus. Po to sekė denonsavimas, tačiau inkvizicija, laikydama jį muzikantu, tai yra kaip bepročiu, apsiribojo tuo, kad uždraudė jam toliau patarnauti Mišioms.

Vivaldi tokius atvejus neigė ir bažnytinių pamaldų draudimą aiškino skausminga savo būkle. Iki 1737 m., kai jis turėjo atvykti į Ferarą statyti vienos iš savo operų, ​​popiežiaus nuncijus Ruffo uždraudė jam atvykti į miestą, be kitų priežasčių nurodydamas, kad jis neatliko mišių. Tada Vivaldi parašė laišką (1737 m. lapkričio 16 d.) savo globėjui markizui Guido Bentivoglio: „Jau 25 metus netarnauju mišių ir niekada netarnausiu jų ateityje, bet ne draudimu, kaip galėjo būti pranešta. jūsų malonė, bet dėl ​​to mano paties sprendimas, kurį nulėmė liga, kuri mane slėgė nuo pat gimimo dienos. Kai buvau įšventintas į kunigus, metus ar metus tarnavau su mažomis mišiomis, tada nustojau tai daryti, tris kartus buvau priverstas palikti altorių jo nepabaigęs dėl ligos. Dėl to beveik visada gyvenu namuose ir keliauju tik karieta ar gondola, nes negaliu vaikščioti dėl krūtinės ligos, o tiksliau krūtinės spaudimo. Nei vienas bajoras nepakviečia manęs į savo namus, net mūsų princas, nes visi žino apie mano ligą. Po valgio dažniausiai galiu eiti pasivaikščioti, bet niekada pėsčiomis. Dėl šios priežasties aš nesiunčiau mišių“. Laiškas įdomus tuo, kad jame yra keletas kasdienių Vivaldi gyvenimo detalių, kurios, matyt, teka uždarytos jo paties namų ribose.

Priverstas mesti bažnytinę karjerą, 1703 m. rugsėjį Vivaldi įstojo į vieną iš Venecijos konservatorijų, kuri vadinosi Hospiso pamaldumo namų muzikinė seminarija, užimti „smuiko maestro“ pareigas ir gavo 60 dukatų per metus. Našlaičių namai (ligoninės) prie bažnyčių tais laikais buvo vadinami oranžerijomis. Venecijoje mergaičių buvo keturios, Neapolyje – keturios berniukų.

Garsus prancūzų keliautojas de Brosse paliko tokį Venecijos oranžerijų aprašymą: „Čia puiki ligoninių muzika. Jų yra keturios ir jose gausu nesantuokinių mergaičių, taip pat našlaičių ar tų, kurių negali užauginti tėvai. Jie auginami valstybės lėšomis ir daugiausia mokomi muzikos. Jie dainuoja kaip angelai, groja smuiku, fleita, vargonais, obojumi, violončele, fagotu, žodžiu, nėra tokio tūrinio instrumento, kuris gąsdintų. Kiekviename koncerte dalyvauja 40 merginų. Prisiekiu tau, nėra nieko patrauklesnio, kaip pamatyti jauną ir gražią vienuolę baltais drabužiais, su granatų gėlių puokštėmis ant ausų, mušančią laiką su visa malone ir tiksliai.

Jis entuziastingai rašė apie konservatorijų (ypač prie Mendicanti – Mendikantų bažnyčios) muziką J.-J. Rousseau: „Sekmadieniais kiekvienos iš šių keturių Scuolių bažnyčiose per Vėlines visas choras ir orkestras, asmeniškai vadovaujant, atlieka didžiausių Italijos kompozitorių sukurtus motetus, atliekamus išskirtinai jaunų merginų, kurių vyriausia net nėra dvidešimt metų. Jie stovi tribūnose už grotų. Nei Carrio, nei aš niekada nepraleidome šių vakarų Mendicanti. Bet mane į neviltį varė šios prakeiktos grotos, kurios tik praleisdavo garsus ir paslėpdavo šių garsų vertus grožio angelų veidus. Aš ką tik apie tai kalbėjau. Kartą tą patį sakiau ponui de Blonai.

De Blonas, priklausęs konservatorijos administracijai, supažindino Ruso dainininkus. - Nagi, Sofija, - ji buvo baisi. - Nagi, Katina, - ji buvo kreiva viena akimi. „Ateik, Bettina“, – jos veidą subjaurodavo raupai. Tačiau „bjaurumas neatmeta žavesio, ir jie jo turėjo“, – priduria Rousseau.

Įstojęs į Pamaldumo konservatoriją, Vivaldi gavo galimybę dirbti su visu orkestru (su vargonais ir vargonais), kuris buvo laikomas geriausiu Venecijoje.

Apie Veneciją, jos muzikinį ir teatrinį gyvenimą bei oranžerijas galima spręsti iš tokių nuoširdžių Romain Rolland eilučių: „Tuo metu Venecija buvo Italijos muzikinė sostinė. Ten per karnavalą kiekvieną vakarą septyniuose operos teatruose vykdavo pasirodymai. Kiekvieną vakarą Muzikos akademija susirinkdavo, tai yra muzikinis susirinkimas, kartais tokių susitikimų vakare būdavo du ar trys. Bažnyčiose kasdien vykdavo muzikinės šventės, kelias valandas trukę koncertai, kuriuose dalyvavo keli orkestrai, keli vargonai, keli aidintieji chorai. Šeštadieniais ir sekmadieniais garsiosios Vėlinės vykdavo ligoninėse, šiose moterų oranžerijose, kur muzikos mokydavo našlaičius, mergaites-segines ar tiesiog gražių balsų merginas; jie surengė orkestrinius ir vokalinius koncertus, dėl kurių visa Venecija išprotėjo .. “.

Iki pirmųjų tarnybos metų Vivaldi gavo „choro maestro“ vardą, tolesnis jo paaukštinimas nėra žinomas, neabejotina, kad jis dirbo smuiko ir dainavimo mokytoju, taip pat su pertraukomis, kaip orkestro vadovas ir kompozitorius.

1713 m. gavo atostogų ir, pasak daugelio biografų, išvyko į Darmštatą, kur trejus metus dirbo Darmštato kunigaikščio koplyčioje. Tačiau Penscherlis teigia, kad Vivaldi nekeliavo į Vokietiją, o dirbo Mantujoje, kunigaikščio koplyčioje, ir ne 1713 m., o 1720–1723 m. Penscherlis tai įrodo remdamasis Vivaldi laišku, kuriame buvo rašoma: „Mantujoje tarnavau pamaldžiam Darmštato kunigaikščiui“, o ten praleistą laiką lemia tai, kad atsiranda kunigaikščio koplyčios maestro titulas. tituliniuose Vivaldi spaudinių puslapiuose tik po 1720 m.

1713–1718 metais Vivaldi beveik nuolat gyveno Venecijoje. Tuo metu jo operos buvo statomos beveik kasmet, o pirmoji – 1713 m.

Iki 1717 m. Vivaldi šlovė labai išaugo. Pas jį mokytis atvyksta garsus vokiečių smuikininkas Johanas Georgas Piesendelis. Apskritai, Vivaldi daugiausia mokė konservatorijos orkestro atlikėjus ir ne tik instrumentininkus, bet ir dainininkus.

Pakanka pasakyti, kad jis buvo tokių pagrindinių operos dainininkų kaip Anna Giraud ir Faustina Bodoni auklėtojas. „Jis paruošė dainininkę Faustiną, kurią privertė jos balsu mėgdžioti viską, ką jo laiku galima buvo atlikti smuiku, fleita, obojumi.

Vivaldis labai susidraugavo su Pisendeliu. Penscherlis cituoja tokią I. Hillerio istoriją. Kartą Pisendelis vaikščiojo po Šv. Prekės ženklas su "Red-haired pop". Staiga jis nutraukė pokalbį ir tyliai liepė tuoj pat grįžti namo. Kartą namuose jis paaiškino staigaus sugrįžimo priežastį: ilgą laiką keturi kolekcininkai sekė ir stebėjo jauną Pisendelį. Vivaldi paklausė, ar jo mokinys kur nors nepasakė smerktinų žodžių, ir pareikalavo, kad jis neišeitų iš namų, kol pats neišsiaiškins reikalo. Vivaldis pamatė inkvizitorių ir sužinojo, kad Pisendelis buvo supainiotas su kokiu nors įtartinu asmeniu, su kuriuo jis buvo panašus.

Nuo 1718 iki 1722 m. Vivaldis nėra įtrauktas į Pamaldumo konservatorijos dokumentus, o tai patvirtina jo išvykimo į Mantują galimybę. Tuo pačiu metu jis periodiškai pasirodydavo gimtajame mieste, kur jie ir toliau statė jo operas. Į konservatoriją grįžo 1723 m., bet jau kaip garsus kompozitorius. Naujomis sąlygomis jis privalėjo parašyti 2 koncertus per mėnesį, mokėdamas už koncertą ir jiems pravesti 3-4 repeticijas. Vykdydamas šias pareigas, Vivaldi jas derino su ilgomis ir tolimomis kelionėmis. „14 metų“, – rašė Vivaldi 1737 m., „Aš keliauju su Anna Giraud po daugybę Europos miestų. Tris karnavalo sezonus praleidau Romoje dėl operos. Buvau pakviestas į Vieną“. Romoje jis – populiariausias kompozitorius, visi mėgdžioja jo operinį stilių. 1726 m. Venecijoje jis koncertavo kaip orkestro dirigentas Šv. Angelo, matyt, 1728 m., vyksta į Vieną. Po to praeina treji metai be jokių duomenų. Ir vėl kai kurios įžangos apie jo operų pastatymą Venecijoje, Florencijoje, Veronoje, Ankonoje menkai nušviečia jo gyvenimo aplinkybes. Lygiagrečiai, 1735–1740 m., jis tęsė tarnybą Pamaldumo konservatorijoje.

Tiksli Vivaldi mirties data nežinoma. Dauguma šaltinių nurodo 1743 m.

Išliko penki didžiojo kompozitoriaus portretai. Ankstyviausias ir patikimiausias, matyt, priklauso P. Ghezzi ir datuojamas 1723 m. „Raudonplaukis popsas“ vaizduojamas iki krūtinės profiliu. Kakta šiek tiek pasvirusi, ilgi plaukai riesti, smakras smailus, gyvas žvilgsnis kupinas valios ir smalsumo.

Vivaldi buvo labai ligotas. Laiške markizui Guido Bentivoglio (1737 m. lapkričio 16 d.) jis rašo, kad yra priverstas keliauti lydimas 4-5 asmenų – ir visa tai dėl skausmingos būklės. Tačiau liga jam nesutrukdė būti itin aktyviam. Jis be galo keliauja, pats režisuoja operos pastatymus, aptaria vaidmenis su dainininkais, kovoja su jų užgaidomis, palaiko gausius susirašinėjimus, vadovauja orkestrams ir sugeba parašyti neįtikėtinai daug kūrinių. Jis labai praktiškas ir moka susitvarkyti savo reikalus. De Brossas ironiškai sako: „Vivaldi tapo vienu iš mano artimų draugų, kad galėtų man parduoti savo koncertus brangiau“. Jis nusilenkia šio pasaulio galiūnams, apdairiai rinkdamasis globėjus, šventai religingas, nors visiškai nelinkęs atimti iš savęs pasaulietiškų malonumų. Kaip katalikų kunigas ir pagal šios religijos įstatymus, netekęs galimybės tuoktis, jis ilgus metus buvo įsimylėjęs savo auklėtinę dainininkę Anną Giraud. Jų artumas sukėlė Vivaldiui daug rūpesčių. Taigi popiežiaus legatas Feraroje 1737 m. atsisakė Vivaldi įvažiuoti į miestą ne tik todėl, kad jam buvo uždrausta atlikti pamaldas, bet ir daugiausia dėl šio smerktino artumo. Garsus italų dramaturgas Carlo Goldoni rašė, kad Giraud buvo negraži, bet patraukli – ji turėjo ploną juosmenį, gražias akis ir plaukus, žavią burną, silpną balsą ir neabejotiną sceninį talentą.

Geriausias Vivaldi asmenybės apibūdinimas yra Goldoni atsiminimuose.

Goldoni kartą pasiūlė šiek tiek pakeisti Venecijoje statomos operos „Griselda“ su Vivaldi muzika libretą. Šiuo tikslu jis nuvyko į Vivaldi butą. Kompozitorius jį priėmė su maldaknyge rankose, natomis nusėtame kambaryje. Jis labai nustebo, kad vietoj senosios libretininkės Lally Goldoni turėtų imtis pokyčių.

„- Gerai žinau, gerbiamasis pone, kad jūs turite poetinį talentą; Žiūrėjau tavo „Belisarijų“, kuris man labai patiko, bet čia visai kitaip: gali sukurti tragediją, epinį eilėraštį, jei nori, ir vis tiek negali susidoroti su ketureiliu, kurį reikia perkelti į muziką.
„Suteik man malonumą skaityti jūsų pjesę.
- Prašau, prašau, mėgaukitės. Kur aš padėjau „Griselda“? Ji buvo čia. Deus, in adjutorium meum intende, Domine, Domine, Domine. (Dieve, nusileisk pas mane! Viešpatie, Viešpatie, Viešpatie). Ji buvo tiesiog po ranka. Domine adjuvandum (Viešpatie padėk). Ak, štai, žiūrėk, pone, ši scena tarp Gualtier ir Griseldos, tai labai žavi, jaudinanti scena. Ją autorė užbaigė apgailėtina arija, tačiau Sinjorina Giraud nemėgsta nuobodžių dainų, norėtųsi kažko išraiškingo, jaudinančio, įvairiai aistrą išreiškiančios arijos, pavyzdžiui, žodžiai, pertraukiami atodūsių, su veiksmu, judesiu. Nežinau ar tu mane supranti?
- Taip, pone, aš jau supratau, be to, jau turėjau garbės išgirsti Sinjoriną Žiraud ir žinau, kad jos balsas nėra stiprus.
- Kaip, pone, įžeidžiate mano mokinį? Viskas jai prieinama, ji viską dainuoja.
- Taip, pone, jūs teisus; duok man knygą ir leisk man dirbti.
- Ne, pone, aš negaliu, man jos reikia, aš labai susirūpinęs.
- Na, jei, pone, jūs taip užsiėmę, tai duok man vieną minutę ir aš jus tuoj pat patenkinsiu.
- Iš karto?
- Taip, pone, nedelsiant.
Abatas, juokdamasis, paduoda man pjesę, popierių ir rašalinę, vėl paima maldaknygę ir vaikšto skaitydamas psalmes ir giesmes. Perskaičiau man jau žinomą sceną, prisiminiau muzikanto norus ir nepraėjus nė ketvirčiui valandos popieriuje nubraižiau 8 eilių ariją, padalintą į dvi dalis. Skambinu savo dvasiniam žmogui ir parodau kūrinį. Vivaldi skaito, jo kakta išlyginta, skaito iš naujo, skelbia džiaugsmingus šūksnius, meta mišiolą ant grindų ir skambina Sinjorinai Giraud. Ji pasirodo; na, sako, čia retas žmogus, čia puikus poetas: skaityk šią ariją; sinjoras padarė neatsikėlus per ketvirtį valandos; tada atsigręžęs į mane: ak, pone, atleiskite. – Ir jis mane apkabina, prisiekdamas, kad nuo šiol būsiu vienintelis jo poetas.

Penscherlis Vivaldiui skirtą kūrinį baigia tokiais žodžiais: „Toks Vivaldis mums vaizduojamas, kai sujungiame visą individualią informaciją apie jį: sukurtas iš kontrastų, silpnas, sergantis ir vis dėlto gyvas kaip parakas, pasiruošęs susierzinti ir susierzinti. tučtuojau nusiraminti, nuo žemiško šurmulio pereiti prie prietaringo pamaldumo, užsispyręs ir tuo pat metu, kai reikia, paslaugus, mistikas, bet pasiruošęs nusileisti ant žemės, kai kalbama apie jo interesus, ir visai ne kvailys tvarkydamas savo reikalus .

Ir kaip visa tai telpa jo muzikoje! Jame didingas bažnytinio stiliaus patosas dera su nenumaldomu gyvenimo uolumu, kilnumas maišomas su kasdienybe, abstraktumas su konkretumu. Jo koncertuose skamba atšiaurios fugos, graudžios didingos adagios, o kartu su jais – paprastų žmonių dainos, iš širdies kylantys tekstai, linksmas šokis. Jis rašo programinius kūrinius – garsųjį ciklą „Metų laikai“ ir kiekvienam koncertui pateikia bukoliškų posmų, kurie yra nerimti abatui:

Pavasaris atėjo, iškilmingai skelbia.
Jos linksmas apvalus šokis, o daina skamba kalnuose.
Ir upelis sveikindamas sumurma jos link.
Zefyras glosto visą gamtą.

Bet staiga sutemo, švietė žaibas,
Pavasario pranašas – per kalnus nuvilnijo griaustinis
Ir netrukus nutilo; ir giesmės žievelė,
Išmetę į mėlynę, jie skuba slėniais.

Kur gėlių kilimas dengia slėnį,
Kur medis ir lapas dreba vėjyje,
Su šunimi prie kojų svajoja piemuo.

Ir vėl Panas gali paisyti stebuklingos fleitos
Nimfos vėl šoka pagal jos garsą,
Pasitinkant burtininkių pavasarį.

Lethe Vivaldi čiulba gegutės varną, vėžlį balandį, auksakalnį; „Rudenyje“ koncertas pradedamas iš laukų grįžtančių kaimo gyventojų dainomis. Poetinius gamtos paveikslus jis kuria ir kituose programos koncertuose, tokiuose kaip „Audra jūroje“, „Naktis“, „Pastoralas“. Turi ir savijautą vaizduojančių koncertų: „Įtarimas“, „Poilsis“, „Nerimas“. Du jo koncertai tema „Naktis“ gali būti laikomi pirmaisiais simfoniniais noktiurnais pasaulio muzikoje.

Jo darbai stebina fantazijos turtingumu. Turėdamas orkestrą, Vivaldi nuolat eksperimentuoja. Jo kūrinių soliniai instrumentai kartais yra griežtai asketiški, kartais nerimti ir virtuoziški. Variklis vienuose koncertuose užleidžia vietą dosniai dainai, kituose – melodingai. Spalvingi efektai, grojimas tembrais, kaip antai vidurinėje „Koncerto trims smuikams“ dalyje su žavingu pizzicato skambesiu, yra kone „impresionistiška“.

Vivaldi dirbo fenomenaliai greitai: „Jis pasiruošęs lažintis, kad sugebės sukurti koncertą su visomis dalimis greičiau, nei raštininkas gali jį perrašyti“, – rašė de Brosse. Galbūt iš čia ir kyla Vivaldi muzikos spontaniškumas ir gaivumas, džiuginantis klausytojus jau daugiau nei du šimtmečius.

L. Raabenas, 1967 m

Antonio Vivaldi – virtuozas smuikininkas, dirigentas ir pedagogas, vienas didžiausių XVII – XVIII amžiaus kompozitorių. Jis gyveno ir kūrė baroko epochą, buvo žanro – instrumentinio koncerto kūrėjas. Instrumentinis koncertas – tai koncertas vien muzikos instrumentams, be dainavimo.

Yra žinoma apie 450 Vivaldi koncertų. Drama muzikoje, kontrastas tarp choro ir solisto, balsų ir instrumentų pribloškė publiką: sodrumas užleido vietą ramybei, švelnumas – galiai, solą nutraukė orkestras. Vivaldi koncertų kompozicijose kaitaliodavosi solo ir orkestrinės partijos.

„Keturi metų laikai“ Vivaldi kūrybos viršūnė. Šis ciklas apjungė keturis koncertus solo smuikui ir styginių orkestrui. Juose muzikinio įvaizdžio raida paremta * smuiko - solo * orkestro - tutti (išvertus iš italų kalbos reiškia viską) skambesio palyginimu

Metų laikų tema visada buvo populiari mene. Tai paaiškinama keliais veiksniais. pirma, tai leido šio konkretaus meno priemonėmis užfiksuoti įvykius ir poelgius, kurie būdingiausi konkrečiam metų laikui. antra, jis visada buvo suteiktas tam tikra filosofine prasme: metų laikų kaita buvo vertinama žmogaus gyvenimo laikotarpių kaitos aspektu * pavasaris, tai yra gamtos jėgų pabudimas, personifikavo pradžią ir simbolizavo jaunystę * žiemą - kelio pabaiga – senatvė.

Koncertų ciklas „Metų laikai“ – tai programinė kompozicija, paremta poetiniais sonetais, kurių pagalba kompozitorius atskleidžia kiekvieno ciklo koncerto turinį: „Pavasaris“ „Vasara“ „Ruduo“ „Žiema“ Tai yra darė prielaidą, kad sonetus parašė pats kompozitorius

Pavasaris ateina! O gamta pilna džiugių dainų. Saulė ir šiluma, Upeliai šniokščia. Ir Zefyras neša šventines naujienas, kaip magiją. Staiga veržiasi aksominiai debesys, Kaip dangiškas griaustinis skamba kaip Evangelija. Bet galingas viesulas greitai nudžiūsta, Ir vėl čiulbėjimas sklando mėlynoje erdvėje. Gėlių dvelksmas, žolelių ošimas, Svajonių prigimtis pilna. Piemuo miega, pavargęs nuo dienos, O šuo cypia vos girdimai. Piemens dūdmaišių skambesys Sklando virš pievų, O nimfos, šokančios stebuklingą pavasario ratą, nuspalvina nuostabiais spinduliais. Kovas Balandis Gegužė

Klausykite pavasario koncerto. Kokius jausmus išreiškia ši muzika? Kaip skamba pagrindinė pirmosios koncerto dalies melodija? Kaip tu gali tai pavadinti? Ką kompozitorius pavaizdavo epizoduose? Kokiomis muzikos priemonėmis jis perteikė paukščių giesmę, upelių čiurlenimą, žaibų blyksnius? Kokia forma parašyta 1 dalis (rondo, variacijos)?

Naudotų šaltinių sąrašas: 1. Sergeeva G.P., Kritskaya E.D. Vadovėlis „Muzika“ 6 klasė (psl.). Maskva, „Švietimas“, Sergeeva G.P., Kritskaya E.D. Vadovėlio „Muzika“ 6 kl. metodinės rekomendacijos. Maskva, „Prsveshenie“, na.shtml http://na.shtml