Lezione di letteratura come base per lo studio del teatro. Lezione di letteratura "Alla locandina del teatro

04.07.2020

introduzione

Lo scopo di questo sussidio didattico è aiutare gli studenti (futuri dirigenti di gruppi teatrali per bambini e insegnanti di lezioni di teatro) all'inizio della loro attività pedagogica.

Di norma, entrando in una pratica a breve termine, gli studenti conquistano facilmente l'amore per la loro materia, ma non appena le lezioni diventano sistematiche, diventa molto difficile mantenere un interesse e un'attenzione costanti nella lezione se il tirocinante non si pone un obiettivo specifico per i bambini e se stesso o non ne conosce le fasi. L'autore costruisce il manuale sotto forma di un programma di lezioni di teatro nella scuola elementare, che consente ai destinatari di utilizzare nella propria pratica sia le singole componenti che il programma nel suo insieme.

Nel nostro momento difficile, il miglioramento morale della società, la sua umanizzazione, è di grande importanza. La stessa parola "umanesimo" significa filantropia. L'educazione della filantropia, la gentilezza è la base dell'umanizzazione della società. Per parafrasare le famose parole di Dostoevskij, possiamo dire: la gentilezza salverà il mondo, perché è la gentilezza che è una sorta di sinonimo di bellezza, la bellezza delle qualità spirituali di una persona.

La scienza pedagogica è alla ricerca da tempo di modi per educare una persona armoniosa, educata e gentile. E una di queste vie è l'educazione dell'art. Il compito principale è creare un certo tipo di personalità con ampi bisogni estetici, un'elevata cultura delle capacità artistiche e la necessità di un'attività creativa attiva, cioè la realizzazione dell'energia creativa.

L'arte, prima di tutto, colpisce i sentimenti di una persona, che sono sempre individuali. Dipendono dalla qualità dell'individuo e ciascuno di noi sarebbe felice di avere vicino una persona simile che sappia simpatizzare con noi, il cui cuore è aperto al bene. Scopri queste qualità in re-

Benke, per svilupparli, per insegnare loro a capire un'altra persona, a simpatizzare con lui, l'arte del teatro aiuta soprattutto.

Questa è una qualità importante, ma lontana dall'unica, che aiuta a rivelare le capacità di un bambino attraverso l'educazione all'arte del teatro. Il teatro, come sapete, è un'arte sintetica che unisce molti altri tipi: drammaturgia, arti visive, musica, coreografia, l'arte del parrucchiere e del truccatore, ecc. Inoltre, il teatro richiede molto del più semplice lavoro: dal martellare i chiodi al tirare un sipario, e questo significa che un gran numero di persone è coinvolto nel processo teatrale. Abilità nel lavoro di squadra, responsabilità per il compito assegnato, assistenza reciproca: questo è ciò che il teatro è impossibile senza. Ma la cosa principale è che il teatro è impossibile senza la creatività, che qui è sempre attiva. Il processo creativo teatrale è universale. Rivela molte sfaccettature in ogni persona, e specialmente in un bambino. Dopotutto, è attivo per natura e il bambino è interessato a tutto. Il teatro richiede fantasia, intelletto, una certa quantità di conoscenza ed esperienza di vita, nonché abilità e abilità speciali, abilità naturali e capacità di lavorare su se stessi, sviluppando e integrando ciò che la natura ha dato. Tutte queste qualità aiuteranno una persona nella sua vita di tutti i giorni, la renderanno più appagante e la persona stessa - più interessante per gli altri.

Il programma proposto non si pone il compito di fare di ogni bambino una figura teatrale del futuro, ma di insegnargli a comprendere l'arte del teatro, e attraverso di essa, l'arte in generale, a rivelare le potenzialità creative, a formare bisogni artistici, per rendere il mondo interiore di una persona più ricco e se stesso più gentile.

PROGRAMMA DEL CORSO"LE LEZIONI A SCUOLA" (1a classe)

piano tematico approssimativo

№ e e	Il nome dell'argomento, sezione	Quarti d'ora
№ e e	Il nome dell'argomento, sezione
I. L'arte di essere spettatore
	Preparazione per la performance
	Conversazione dopo lo spettacolo
II. Giochi educativi
	Organizzazione dell'attenzione
	Organizzarsi nello spazio
	Sviluppo della manualità e coordinazione dei movimenti
	Sviluppo della fantasia
	Lo sviluppo dell'apparato vocale
	Allenamento della memoria
III. Abilità di etichetta
	Saluti. Norme di comportamento in classe, in teatro. Rapporti tra ragazze e ragazzi in classe

VOLUME ANNUALE DEL CORSO:

TEMA DELL'ANNO: Giochi educativi.

ARGOMENTI PRINCIPALI (a quarti): I. Ci conosciamo.

II. Diventiamo amici.

Giochi intelligenti.

Prima esperienza teatrale.

SCOPO DEL CORSO: Risvegliare l'interesse per l'arte del teatro, e attraverso di essa - per altri tipi di arte - la musica, la pittura, la coreografia, il cinema. OBIETTIVI DEL CORSO:

1. Aiuta l'insegnante a creare un'atmosfera tranquilla e amichevole in classe.

Attraverso giochi congiunti ed esercizi di gruppo, per formare le abilità del lavoro di squadra nei bambini.

Formare le abilità di etichetta, norme di comportamento a scuola, in classe durante la ricreazione, in classe, a teatro.

Sviluppare la sfera emotiva del bambino: un senso di compassione e simpatia, la capacità di gioire ed essere turbato insieme ai propri compagni di classe e amici.

Sviluppare le qualità personali del bambino: memoria, attenzione, osservazione, fantasia, senso del ritmo, spazio.

Creare le condizioni per un atteggiamento interessato e gentile dei bambini l'uno verso l'altro, per formare in loro il desiderio di risolvere i conflitti tra loro solo con mezzi pacifici.

Educare nei bambini qualità volitive, coraggio, perseveranza. Per aiutare a superare la timidezza quando si fanno esercizi nelle lezioni di teatro, quando si risponde alla lavagna in altre lezioni.

Allena l'apparato vocale del bambino: dizione, erogazione del suono, precisione dell'intonazione, capacità di ascoltare la pronuncia corretta e errata.

Per formare la cultura dello spettatore e l'alfabetizzazione del bambino.

Aumentare l'interesse degli studenti per le lezioni di letteratura con i metodi della pedagogia teatrale

Città di Mosca

Il problema di interesse è uno dei più importanti nell'insegnamento a scuola. Tradotta dal latino, la parola "interesse" significa "importante, importante". Questo è l'orientamento selettivo dell'individuo, il suo desiderio di conoscere l'oggetto e il fenomeno, di padroneggiare questo o quel tipo di attività.

Il problema di interesse non è solo una questione di buono stato emotivo dei bambini in classe; dipende dalla sua decisione se in futuro la conoscenza accumulata sarà un peso morto o diventerà una proprietà attiva degli scolari. Nel compito trino - formazione, sviluppo mentale ed educazione della personalità - l'interesse è il collegamento. È grazie all'interesse che sia la conoscenza che il processo di acquisizione possono diventare la forza trainante dello sviluppo dell'intelletto e un fattore importante nell'educazione di una personalità completamente sviluppata. Affinché un interesse per l'apprendimento nasca (e si sviluppi), sono necessarie determinate condizioni:

Prima di tutto, questa è una tale organizzazione dell'apprendimento, in cui lo studente è coinvolto nel processo di ricerca e scoperta indipendente di nuove conoscenze, risolvendo problemi di natura problematica.

· Il lavoro educativo, come ogni altro, è interessante quando è vario.

· Per l'emergere di interesse per la materia in studio, è necessario comprendere l'importanza, l'opportunità di studiare questa materia nel suo insieme e le sue singole sezioni;

· Quanto più il nuovo materiale è correlato alle conoscenze acquisite in precedenza, tanto più interessante è per gli studenti.

· La formazione dovrebbe essere difficile, ma fattibile.

Più spesso viene verificato e valutato il lavoro di uno studente, più è interessante per lui lavorare.

· La luminosità del materiale didattico, la reazione emotiva e l'interesse dell'insegnante stesso influenzano con grande forza lo studente, il suo atteggiamento nei confronti della materia.

Solo forme non tradizionali di organizzazione del processo educativo possono soddisfare un dato insieme di condizioni. Classifichiamo come tali le lezioni utilizzando le basi della pedagogia teatrale.

Già nel 1963, i metodologi notarono che gli psicologi che studiano questioni relative alla parola, al pensiero, all'attenzione, alle emozioni e agli insegnanti hanno bisogno di esperienza. In altre parole, un vero insegnante deve semplicemente padroneggiare l'arte della recitazione per affascinare, interessare e incuriosire i suoi studenti.

Il teatro svolge un ruolo colossale non solo nella formazione della competenza professionale dell'insegnante. È indispensabile nel processo stesso di educazione e di educazione. Il più grande saggio dell'antichità, Socrate, dedicò la sua vita a educare gli studenti all'indipendenza spirituale. Si considerava un uomo capace di risvegliare negli altri il desiderio della verità. Con l'aiuto di domande abilmente guidate, li aiutò a trovare questa verità da soli. Ora chiameremmo un tale metodo "scientifico ed esplorativo". Socrate ha saputo estrarre la conoscenza nascosta nell'uomo stesso; ha esortato gli studenti a guardare più da vicino il proprio mondo interiore, ha indicato loro il meglio di se stessi. Il metodo educativo socratico - l'arte di curare la propria creatività indipendente - è alla base del lavoro di Stanislavsky e Nemirovich-Danchenko, che intendevano la regia principalmente come pedagogia.

"L'ovvia dipendenza della conoscenza teatrale e degli interessi degli studenti dalla scuola ci obbliga a prestare grande attenzione a quest'area della cultura, e una responsabilità speciale in questo caso ricade sull'insegnante di lingue".

Il modo più sicuro per risolvere questo problema è la tua esperienza teatrale, l'organizzazione di uno studio teatrale, un club di recitazione ...

Un insegnante esperto sa che arricchire l'esperienza teatrale di un adolescente significa rivelargli la profondità e la varietà dei sentimenti e delle passioni umane, sviluppare la propria vita spirituale, risvegliare le sue capacità creative. Il giovane spettatore è attratto dal palcoscenico, diventando lui stesso un “attore”. L'esperienza di molti insegnanti conferma l'influenza insolitamente positiva del lavoro in un gruppo drammatico sullo sviluppo dell'intelletto di un bambino, sulle sue abitudini di lettura; sulla sfera dei sentimenti, sulla capacità di resistere in modo bello e libero, sullo sviluppo di un discorso corretto, chiaro e riccamente intonato, sulla formazione di un senso di responsabilità.

Nella metodologia, la questione dell'interazione della letteratura con il teatro non è sufficientemente affrontata. Pertanto, è diventato necessario sviluppare questo argomento, che è interessante e promettente. Sottolinea la possibilità di un uso organico delle connessioni interdisciplinari nell'ambito di una lezione di letteratura.

Si nota negli standard educativi che le connessioni interdisciplinari sviluppano la cultura emotiva dell'individuo, un atteggiamento socialmente significativo nei confronti del mondo e dell'arte, abilità artistiche speciali, immaginazione creativa, pensiero fantasioso, sentimenti estetici, suscitano la reattività emotiva e intellettuale quando si percepisce un opera d'arte, formano un gusto estetico.

Non una singola lezione di letteratura può fare a meno di connessioni interdisciplinari (teatro, pittura, musica, lingua russa, cinematografia, storia, geografia, archeologia, ecc.).

Secondo il parere, “l'inclusione delle arti correlate nello studio di un'opera letteraria ci aiuta a controllare il flusso delle associazioni, a stimolare l'emergere di determinate idee nella mente del lettore. Allo stesso tempo, lo studente non ha la sensazione che l'idea gli sia imposta. È sorto da solo. E questa libertà del suo aspetto conferisce all'immagine emergente un carattere personale. In questo modo, le arti correlate possono aumentare l'empatia, il lato soggettivo dell'analisi". Attirano l'attenzione, creano relax, suscitano interesse.

L'insegnante è tenuto a mobilitare tutta la sua forza spirituale, capacità creative, per interessare gli studenti, in modo che vadano alla lezione con desiderio.

Le forme metodologiche e organizzative di cooperazione tra l'insegnamento della letteratura e il teatro si sono sviluppate nel corso degli anni e spesso sono cambiate a seconda delle condizioni reali (cambiamento del programma, natura del repertorio, caratteristiche degli interessi di un determinato gruppo), ma il principio principale - il principio della connessione tra letteratura e formazione dell'esperienza del lettore - si è sempre rivelato estremamente fruttuoso e ha pienamente giustificato gli sforzi che l'insegnante ha dedicato alla sua attuazione: la gamma degli interessi letterari degli studenti si è ampliata, c'era un persistente l'interesse per i fatti della cultura moderna, e soprattutto per il teatro, il mondo delle emozioni, dei sentimenti morali e della conoscenza degli scolari si arricchì in modo più efficace, si formarono valutazioni morali ed estetiche, l'indipendenza e la validità dei giudizi aumentarono notevolmente.

L'attenzione dell'insegnante era principalmente sulle peculiarità della percezione da parte degli studenti del testo drammatico e sulla ricerca di metodi di lavoro tali che, rispondendo alle specificità artistiche del dramma, ne facilitassero lo sviluppo nell'unità di forma e contenuto.

Ecco le condizioni necessarie per superare la difficoltà della percezione da parte degli studenti di un'opera drammatica (sono implementate nel sistema):

1. L'organizzazione di spettacoli teatrali amatoriali scolastici, strettamente legati alle lezioni di letteratura, quando gli studenti acquisiscono una conoscenza critica dello spettacolo e delle sue capacità sceniche.

2. Preparazione degli scolari nel processo di lavoro educativo per la lettura consapevole e l'analisi di un'opera drammatica:

a) messa in scena indipendente di piccoli episodi (l'idea della "tecnologia" della creatività drammatica, che contribuisce alla penetrazione nella forma artistica del dramma);

b) un'analisi formativa di un episodio drammatico (il concetto di conflitto in un'azione drammatica, i mezzi della sua espressione, le caratteristiche di un personaggio drammatico, il significato del discorso dei personaggi nel dramma...);

c) lettura obbligatoria ad alta voce di un'opera drammatica nelle lezioni di letteratura (realizzazione dell'energia artistica del discorso sonoro, per la quale il dramma è progettato).

3. Analisi del dramma, tenendo conto delle sue specifiche proprietà artistiche (il dramma come tipo speciale di letteratura).

4. Appello al teatro professionale secondo gli obiettivi dell'educazione letteraria e dello sviluppo della scolaresca.

Conclusione: una delle tappe importanti per l'introduzione di uno studente alla cultura teatrale è la sua preparazione a lettore di opere drammatiche, principio fondamentale del teatro.

Qui entrano in vigore le leggi della pedagogia teatrale, la lezione va programmata secondo gli eventi, come in uno spettacolo. Questa fase di preparazione delle classi è chiamata messa in scena pedagogica.

Le lezioni si confrontano favorevolmente se l'insegnante possiede metodi teatrali per organizzare l'attività pedagogica. La capacità di organizzare il lavoro in classe è aiutata dalle tecniche socio-ludico che la pedagogia teatrale offre agli insegnanti. E poi compare il lavoro di gruppo nella messa in scena e nella direzione della lezione, che consente a tutti i bambini di partecipare in diverse posizioni: cambio di leadership, cambio di ruolo funzioni "insegnante-studente".

Gli insegnanti organizzano le attività di apprendimento in modo tale che i bambini si educhino reciprocamente, si scambino informazioni e per questo devono creare una situazione problematica.

La messa in scena dei singoli episodi crea in classe un'atmosfera emotiva favorevole alla percezione e alla comprensione approfondita delle opere letterarie. Tali classi offrono agli adolescenti l'opportunità di scoprire le proprie capacità individuali, sperimentare e dimostrare le proprie capacità. In connessione con questi obiettivi, è necessario risolvere i seguenti compiti:

stabilire punti di contatto tra due oggetti;

identificare concetti comuni.

Il regolare rapporto tra letteratura e teatro è compreso dagli studenti nelle lezioni di analisi delle opere d'arte. Pertanto, letteratura e teatro sono inseparabili e si completano naturalmente a vicenda.

Il compito dell'insegnante è mantenere l'interesse degli scolari per le lezioni di letteratura, per aiutare a comprendere i personaggi dei personaggi.

La messa in scena offre grandi opportunità per una seria attività mentale degli studenti, per approfondire il loro atteggiamento di ricerca sia verso il testo originale che verso la versione scenica creata sulla sua base; unisce l'immaginazione creativa e le "considerazioni" letterarie degli studenti.

È di fondamentale importanza che uno studente impegnato nella messa in scena di un'opera epica o di un suo episodio sia in grado di:

evidenziare la trama principale della storia, determinarne la trama, il climax e l'epilogo (e, se necessario, l'esposizione);

Comprendere la forza trainante dell'azione: scontro, lotta, inimicizia, litigio, ecc. (conflitto);

Determina le persone principali e secondarie, realizza la loro relazione, immagina come queste relazioni si manifestano in ogni attore, a seconda del suo personaggio;

Comprendere il significato del discorso del personaggio come sua caratteristica principale;

· realizzare l'idea principale della storia e l'atteggiamento dell'autore nei confronti degli eventi e delle persone da lui rappresentate - la natura generale della messa in scena (genere e pathos) dipende da questo.

Avendo stabilito tali compiti per se stesso, il filologo adotta un approccio estremamente responsabile alla selezione di episodi o storie destinati alla messa in scena. Deve convincere gli studenti che la messa in scena è soggetta alle leggi del dramma, e quindi far loro conoscere queste leggi. Puoi affidare agli studenti stessi la scelta del materiale per la messa in scena, che sarà efficace nell'educare in loro un lettore competente e attento.

Il compito principale è determinare i principi di base e i metodi di analisi che aiuterebbero lo studente, durante la lettura dell'opera teatrale, a sentire la natura speciale dei suoi mezzi espressivi e lo aiuterebbero a fare la giusta scelta del materiale per la messa in scena. Il noto proverbio aiuta a trovare modi metodologici per risolvere questo problema: “Il modo migliore per conoscere un'opera teatrale è tracciare: come nasce e si sviluppa il conflitto in essa, per cosa e tra chi è la lotta, quali gruppi stanno combattendo e in nome di cosa? Che ruolo gioca ogni personaggio in questa lotta, qual è la sua parte nel conflitto, qual è la sua linea di lotta, qual è il suo comportamento?

Nell'ambito di una lezione di letteratura, è possibile utilizzare nel modo più appropriato elementi di teatralizzazione, poiché letteratura e teatro sono due tipi di arte che hanno una parola comune.

Il confronto del testo dell'opera con l'immagine teatrale delle singole scene migliora il lato emotivo dell'analisi dell'opera d'arte, amplia le conoscenze e le abilità degli studenti. Lo studio della letteratura a scuola prevede ampi collegamenti interdisciplinari. Ciò contribuisce non solo a migliorare le conoscenze e le abilità degli studenti, ma li porta anche a una più profonda comprensione dei modelli di sviluppo dell'arte.

Il coinvolgimento delle scene teatrali nelle lezioni di letteratura è uno degli aspetti importanti dell'attuazione delle connessioni interdisciplinari che contribuiscono alla formazione della visione del mondo degli studenti, al loro sviluppo estetico. Il compito principale di queste lezioni è lo sviluppo di qualità come la memoria, il pensiero fantasioso, la parola.

È nella teatralizzazione che gli scolari possono testare le conoscenze letterarie accumulate, nonché l'espressione della percezione emotiva. Una volta giocato, il gioco rimarrà nella memoria come una sorta di creatività, come un valore. Le classi quinte e secondarie spesso imitano i loro personaggi preferiti; accompagnano i loro discorsi spesso incoerenti con gesti, espressioni facciali e movimenti caratteristici. Questa forma del processo di apprendimento aiuta a mantenere a lungo in memoria le impressioni vivide e profonde del lavoro studiato, poiché fa appello non solo alla mente dello studente, ma anche ai suoi sentimenti.

La teatralizzazione copre vari aspetti artistici: la scelta del repertorio, il discorso scenico, il movimento scenico, la creazione di sceneggiature, la realizzazione di costumi, scenografie, oggetti di scena, disegno, pittura, ecc. Ciò crea condizioni favorevoli per la formazione di valori estetici (senso di bellezza) .

Nel processo di preparazione di una produzione teatrale, gli studenti sentono il bisogno di ulteriori informazioni (informazioni dal campo dell'etnografia storica, della cultura materiale, della religione, dell'arte) e iniziano a cercare essi stessi il materiale necessario; leggere letteratura aggiuntiva (riferimento, divulgazione scientifica, narrativa, letteratura critica), più spesso chiedere consiglio a un insegnante: questo crea le condizioni per la formazione di abilità (esperienza) di autoeducazione.

La selezione di questo tipo di lezioni è associata al coinvolgimento di mezzi teatrali, attributi e loro elementi - nello studio, nel consolidamento e nella generalizzazione del materiale del programma. Le lezioni teatrali sono interessanti in quanto portano un'atmosfera vacanziera, un buon umore nella vita quotidiana degli studenti, consentono ai bambini di mostrare la loro iniziativa e contribuiscono allo sviluppo di un senso di assistenza reciproca e capacità di comunicazione.

Quando si preparano tali lezioni, anche il lavoro sulla sceneggiatura e la produzione di elementi di costume diventano il risultato dell'attività collettiva dell'insegnante e degli studenti. Qui, oltre che nella stessa lezione teatrale, si sviluppa una relazione di tipo democratico, quando l'insegnante trasmette agli studenti non solo la conoscenza, ma anche la sua esperienza di vita, si rivela loro come persona. Va detto che anche il processo di preparazione alla lezione stessa può essere uno degli elementi per risvegliare l'interesse per l'argomento.

Riempire lo scenario con materiale fattuale e la sua implementazione in una lezione teatrale richiede agli studenti di fare seri sforzi nel lavorare con un libro di testo, una fonte primaria, una letteratura scientifica popolare mentre studiano informazioni storiche rilevanti, che alla fine suscitano il loro interesse per la conoscenza.

Direttamente alla lezione stessa, l'insegnante è privato del ruolo autoritario dell'insegnante, poiché svolge solo le funzioni di organizzatore dello spettacolo. Si inizia, di regola, con il discorso introduttivo del leader, i cui compiti non sono necessariamente assegnati all'insegnante. La presentazione stessa dopo la parte informativa può essere proseguita ponendo compiti problematici che coinvolgono direttamente altri studenti nel lavoro attivo della lezione.

Nella parte finale della presentazione, ancora in fase di elaborazione, è auspicabile prevedere una fase di debriefing e la relativa attenta selezione di criteri di valutazione che tengano conto di tutte le tipologie di attività degli studenti a lezione. Le loro principali disposizioni dovrebbero essere note in anticipo a tutti i ragazzi. Nota che c'è abbastanza tempo per condurre la fase finale di questa forma di lezione, se possibile, ripetere e riassumere il materiale utilizzato nella presentazione, per non riassumere in fretta e anche per valutare le conoscenze degli studenti. Naturalmente, la struttura proposta viene utilizzata come una delle opzioni nella progettazione delle lezioni teatrali, la cui varietà è determinata principalmente dal contenuto del materiale utilizzato e dalla scelta dello scenario appropriato.

La teatralizzazione è uno dei metodi di lavoro più popolari non solo per gli insegnanti di lingue. Viene utilizzato da tutti gli insegnanti che vogliono rendere la loro lezione interessante e varia.

Ma una lezione di letteratura è sempre una piccola performance in cui "tutti recitano", anche gli attori più "tranquilli", coinvolti nell'azione come involontariamente, ma le loro espressioni facciali e l'espressione degli occhi tradiranno la loro attenzione e interesse per ciò che sta accadendo. Ma questo è un teatro speciale dove l'improvvisazione è l'anima di tutto. Sembra che il regista sia pronto per qualsiasi cambiamento nella "sceneggiatura", anticipa la reazione degli attori ad alcune domande, ma anche lui non sempre conosce tutte le opzioni per lo svolgersi dell'azione teatrale.

Per molto tempo c'è stata una visione della letteratura come riflesso di eventi storici e tendenze politiche, ma dopotutto, in tutte le epoche, gli autori di opere d'arte hanno risolto una domanda: cos'è una persona? Pertanto, l'insegnante dovrebbe dare agli studenti l'opportunità di comprendere i problemi degli stessi eroi, per mostrare che i personaggi letterari sono vicini alle persone viventi. La pedagogia teatrale, che si occupa delle leggi della costruzione di una lezione come azione scenica, aiuterà l'insegnante in questo.

L'inizio della lezione è la cosa più importante. Questo è il motore di tutte le conversazioni future. Gli eventi iniziali possono essere una domanda intrigante, la situazione di vita dell'insegnante stesso (può essere estremamente interessante per gli studenti), una storia letta in un libro, un articolo di un giornale, una lettera di qualcuno, ecc. - in una parola , fatti irritanti utilizzati dall'insegnante con l'obiettivo di attirare l'attenzione del pubblico, intrigare, focalizzare i pensieri degli studenti sull'argomento di una futura disputa

La seconda parte della lezione è il suo evento principale. Un'opera letteraria viene analizzata nel modo seguente: vengono presi in considerazione dettagli, sogni, repliche di eroi, i loro monologhi interni - ciò richiede una "lettura" ponderata di un testo letterario, poiché ciò è importante per comprendere i personaggi dei personaggi, i loro concetti e idee. La terza parte della lezione è l'evento centrale. L'insegnante può dividere gli studenti in gruppi creativi, includendoli in un gioco di ruolo, chiedere loro di fare domande che volevano, ma non potevano chiedere allo studente le eroine della storia, ecc. La cosa principale è che tutti i bambini sono coperti dall'attività.

La fase più importante e decisiva della lezione è la quarta, quella principale, per la quale viene eseguita l'azione teatrale. Gli studenti-attori scoprono la verità da soli, fanno con l'aiuto delle loro conclusioni logiche e delle domande irritanti dell'insegnante, dirigendo il corso della conversazione nella giusta direzione, una scoperta fatta insieme: lo studente, l'insegnante e l'autore del lavoro. L'apertura potrebbe essere accompagnata da un'esplosione emotiva, un "momento di verità", quando per un po' i ragazzi si dimenticheranno di dove e chi sono, credendo pienamente nella realtà del gioco. Ma, tuttavia, potrebbe non verificarsi uno sfogo emotivo. Si potrà instaurare un profondo silenzio, che sarà anche testimonianza della partecipazione attiva di ciascuno di loro alle problematiche sollevate a lezione. Questo è il minuto più prezioso e toccante per l'autore della lezione: l'insegnante, poiché il compito è risolto, l'obiettivo è raggiunto: nessuno lascerà la lezione indifferente.

Le lezioni di letteratura sono progettate per insegnare a una persona a pensare, creare, difendere le proprie convinzioni, ma allo stesso tempo non dimenticare che tutte le cose più belle del mondo sono scritte dalle persone e per le persone.

Nella scuola moderna, gli insegnanti si rivolgono sempre più a tutti i tipi di teatralizzazione. La teatralizzazione e il gioco sono stati a lungo inclusi nelle materie più tradizionali, sotto forma di giochi di ruolo, esami creativi. Padroneggiare il principio stesso del gioco, la capacità di assumere un ruolo particolare, imparare a comunicare con il pubblico, la capacità di concentrazione e molto altro sta diventando sempre più una realtà necessaria del processo educativo.

Per condurre un gioco di ruolo in una lezione, devi scegliere un argomento, identificare i personaggi e delineare il ritratto psicologico del personaggio. La preparazione inizia con i compiti. Durante il gioco, lo sviluppo degli eventi dipende dall'iniziativa, dall'immaginazione e dall'esperienza di vita dei partecipanti. L'ospite (insegnante) può aiutarli, porre domande importanti, influenzando così il corso del gioco.

Allo stesso tempo, va ricordato che il gioco è già iniziato e le domande dovrebbero riferirsi al personaggio tramite il suo nome di gioco. Come risultato delle lezioni di gioco, gli studenti comprendono i valori umani universali, acquisiscono le capacità per partecipare alle discussioni e prendere decisioni collettive in varie situazioni.

Il gioco di ruolo si basa solitamente su situazioni di conflitto reale o possibile, in cui dovrebbero essere coinvolte tante persone quanti sono i partecipanti al gruppo. Può essere un incontro di amanti dei libri, un incontro in tribunale, una riunione di un consiglio artistico, la creazione di un film, un libro, una lezione di concerto, una drammatizzazione, dei quiz, ecc. Alcuni giochi sono simili a una conversazione frontale, altri richiedono un lavoro di gruppo, spesso si svolgono sotto forma di discussione.

Quando si studia la creatività o è interessante, le lezioni-sessioni possono aver luogo: nell'ottavo anno - "Il processo di Grinev e Shvabrin", nel decimo grado - "Il processo di Raskolnikov".

Per svolgere tali lezioni è necessaria un'attenta preparazione sia degli studenti che degli insegnanti. Prima di tutto, gli studenti devono conoscere il testo, e in alcuni capitoli - in dettaglio; "Procuratori" e "avvocati" a riflettere sul loro discorso. Questa lezione coinvolge tutta la classe. L'insegnante, d'altra parte, dovrebbe diventare l'organizzatore del gioco, meglio - il giudice, dirigere gli studenti verso l'obiettivo. L'insegnante è tenuto al rispetto dei bambini, alla disponibilità al dialogo, al sostegno dell'interesse di tutti e ad una vivace reazione allo svolgimento del gioco.

I giochi di ruolo nelle lezioni di letteratura consentono di cambiare approccio allo studio dell'opera dello scrittore, di discostarsi dalla tradizione che è diventata un cliché; permette allo studente di fare una piccola scoperta per se stesso. Questo non è solo intrattenimento, ma un modo speciale ed efficace per comprendere complessi fenomeni linguistici. I giochi sviluppano le capacità mentali e creative degli studenti, perché ti insegnano a scegliere il meglio tra varie opzioni. Formano la volontà, l'attività, l'indipendenza, arricchiscono i sentimenti, danno l'opportunità di provare la gioia di conoscere i propri punti di forza, aiutano l'adattamento sociale, aumentano l'autostima e superano le crisi legate all'età.

La tecnica dell'azione registica aperta ci sembra la forma più efficace di educazione, poiché consente di trasformare "una lezione scolastica in una sorta di performance estemporanea, in cui il processo di creatività collettiva diventa un'azione passante".

“Per poter guardare e vedere, ascoltare e ascoltare. Per essere in grado di pensare e ricordare davvero in determinate circostanze della lezione” - fissiamo tali compiti per i bambini, ma prima di tutto per noi stessi. “Essere in grado di non sapere cosa accadrà ora in una o nell'altra situazione estrema (evento) della lezione. Essere in grado di controllare te stesso durante l'azione - se c'è una tensione eccessiva.

Queste qualità recitative aiutano l'insegnante, ma deve anche avere capacità di regia:

"uno. Abilità analitiche (profondità, criticità, flessibilità, indipendenza, pensiero di iniziativa).

2. Pensiero evento-spettacolare (... la capacità di reincarnarsi, abilità costruttive (composizionali)).

3. Abilità suggestive che consentono al regista (insegnante) di esercitare un'influenza emotiva e volitiva sugli attori (studenti) nel processo delle prove (lezioni).

4. Abilità espressive (plasticità, espressioni facciali, gesti, parole, ecc.).

5. Abilità creative generali (attività intellettuale, alto livello di autoregolazione dell'individuo).

L'insegnante diventa un artista che crea un'opera, è sia un autore che un interprete. Ma queste qualità devono essere possedute dallo studente. L'insegnante imposta, provoca la situazione, conduce, apre la materia nello studente, gli dà l'opportunità di autorealizzazione, autoaffermazione, performance amatoriale.

Consideriamo come si manifestano i principi della pedagogia teatrale nella formazione e nell'attuazione dell'idea di una lezione scolastica.

“La pedagogia moderna si è trasformata da didattica, cercando di trasmettere una certa quantità di conoscenze e facendo appello principalmente alla memoria, sta diventando una pedagogia dinamica. L'istruzione dovrebbe contribuire allo sviluppo del pensiero indipendente e creativo, alla formazione dell'ipersensibilità, allo sviluppo dell'individualità.

I principi di base della pedagogia dinamica coincidono con i principi del teatro, in quanto uno dei più creativi in natura.

Il gioco contribuisce alla creazione delle condizioni massime per il libero contatto emotivo, la scioltezza, la fiducia reciproca e un'atmosfera creativa.

La necessità di utilizzare la tecnologia del gioco è connessa al suo compito principale: comprendere la vita, essere in grado di risolvere i problemi della vita con l'aiuto del gioco.

A seconda dello scopo della lezione, i modi in cui i bambini vengono coinvolti nel corso del gioco possono essere diversi.

Se il compito è penetrare nel mondo degli eroi delle fiabe, le opzioni per le condizioni dei compiti possono essere le seguenti: immagina te stesso al posto di uno degli eroi in modo che i partecipanti al gioco ti riconoscano dalle espressioni facciali, dai gesti, pantomima; immagina te stesso al posto dell'autore e componi una fiaba o inventa una fiaba per analogia.

L'uso dei momenti di gioco è possibile anche in un elemento della lezione. Quindi, ad esempio, secondo il romanzo "Il maestro e Margherita", ai bambini viene posta la domanda: "Chi, secondo te, è il personaggio principale del romanzo?" Furono fatte e motivate varie ipotesi: Maestro, Margherita, Woland con il suo seguito, Yeshua, Ponzio Pilato, Ivan Bezdomny. L'insegnante suggerisce di utilizzare le carte con questi nomi per tracciare un diagramma dell'interazione di questi personaggi. A seguito di controversie e riflessioni, nasce una lezione che porta ai problemi principali del romanzo.

“La lezione, costruita dal docente secondo le leggi della direzione artistica, contiene in sé la logica del comportamento dell'allievo dato in un certo modo nelle circostanze proposte.”

Lezione sul romanzo "Delitto e castigo".

"Come si può vivere in questo mondo?"

Il romanzo di Dostoevskij è polifonico. Ascoltare le voci di personaggi diversi aiuta una tecnica così metodica come "vivere" l'immagine. Le condizioni del gioco sono le seguenti: ognuno sceglie il ruolo di uno degli eroi del romanzo e cerca di immaginarsi al suo posto (compiti a casa). L'ingresso nell'immagine avviene sin dai primi minuti di lezione. (È importante che i ragazzi siano in cerchio, si vedano in faccia).

Insegnante: Vi conoscete? Presentatevi l'un l'altro. Una parola su di me.

Cosa pensi del mondo in cui vivi? Come ti tratta?

(Introduzione degli eroi, che inizia con un tentativo di reincarnazione.

Io, Marmeladov...

Io, Dunya, la sorella di Raskolnikov...

Io, Pulcheria Aleksandrovna Raskolnikova, madre di Rodion...

Io, Sonechka Marmeladova...

Sono Katerina Ivanovna...

Sono Rodion Romanovich Raskolnikov...).

Al momento di una breve storia sulla sua vita e sul suo posto in questo mondo, l'“eroe” cerca di valutare se stesso e gli altri partecipanti al dialogo. La capacità di porre una domanda a chiunque è una condizione indispensabile in questa situazione. Quindi, ad esempio, alla domanda di Alena Ivanovna, una vecchia prestatrice di pegni, su sua sorella: "Perché è così crudele e ingiusta con lei?" la risposta è stata subito data: “Perché ha permesso un simile atteggiamento verso se stessa? Quindi Lizaveta se lo è meritato.

Cioè, i bambini, che giocano a teatro, dipendono fortemente l'uno dall'altro, fantasticano liberamente, trovano immediatamente una via d'uscita da una situazione difficile.

Insegnante: E tu, Pyotr Ivanovich Luzhin, e tu, signor Svidrigailov, chi in questo mondo? "Poteri che sono?" Come mai?

Parola a Raskolnikov. Qual è stato il tuo esperimento e ha avuto successo?

Il tuo atteggiamento verso Raskolnikov, chi vuole parlare?

Durante la conversazione, sorge una discussione naturale sui problemi del romanzo, dove suonano la parola Sonya, la sua "verità" e la "verità" di Luzhin e Svidrigailov, e un tentativo di scegliere Raskolnikov - la cui verità accetta e perché ?

Il compito dell'insegnante in questa lezione-spettacolo è quello di porre domande irritanti che facciano riflettere lo studente, approfondire il problema, consentirti di tornare al romanzo e pensare alla vita.

Una lezione del genere dà spunti di riflessione e non finisce con il campanello: i ragazzi ne discutono a lungo, lasciando ora le immagini ed esprimendo la loro opinione. Nella prossima lezione, è opportuno portare questa discussione alla sua logica conclusione, dando la possibilità di valutare le prestazioni di gioco di ciascuno dei personaggi, ovviamente, tenendo conto della conoscenza del testo e della plausibilità dell'esecuzione del ruolo. A proposito, un'altra discussione non è meno interessante della lezione stessa.

In alcune classi, una delle forme preferite della lezione è "La prova di un eroe letterario". Vengono anche stabilite determinate condizioni, i ruoli sono distribuiti in anticipo: a casa c'è un'opportunità per riflettere sul tuo discorso, selezionare citazioni dal testo per la difesa, l'accusa, le prove. Inoltre, il diritto dell'eroe di determinare da solo se agirai dalla parte della difesa o dell'accusa. Il pubblico ministero prepara l'accusa, testimoni dalla sua parte, e l'avvocato prepara la difesa e testimoni dalla sua parte. La classe è strutturata come un'aula di tribunale, si osservano le cerimonie necessarie.

Lo scopo di tali lezioni è una comprensione approfondita del lavoro stesso imitando determinate situazioni di vita, poiché questa è la visione della vita reale degli studenti di oggi. Non ha importanza il verdetto, che necessariamente viene emesso al termine della lezione in tribunale, importante è il processo di discussione stesso, dove il testo suona in modo nuovo, dove i personaggi possono rivelarsi da un lato inaspettato. Quindi, ad esempio, in tali lezioni basate sul romanzo Oblomov, il personaggio principale, il suo modo di vivere è stato giustificato da una classe e completamente sfatato e condannato da un'altra. Tutto dipende dalla persuasività delle prestazioni degli "eroi" dei loro ruoli.

Un'altra proprietà molto importante si aggiunge ad alcune regole del gioco: l'improvvisazione. L'improvvisazione è un gioco teatrale che non è determinato da un solido testo drammatico e non è preparato nelle prove. Questa è la qualità più preziosa, a nostro avviso, di tali lezioni. Lo studente, trovandosi in determinate condizioni, abituandosi al ruolo, cerca di trovare una via d'uscita da questa situazione.

"Tuttavia, l'obiettivo dell'improvvisazione del gioco non è solo nel processo di autorealizzazione", in fondo è necessario garantire la percezione del lavoro, quindi l'apparente improvvisazione dell'insegnante deve essere preparata: sia dalle lezioni precedenti che dall'analisi di opere letterarie, e da un'attenta preparazione dell'azione del regista. L'emergere dell'integrità della lezione è principalmente facilitato dall'idea, dal piano, dal super-compito. L'insegnante provoca l'interesse dello studente, crea una situazione problematica e trova il modo di implementare questa idea (pianificazione preliminare). Solo in questo caso nasce l'integrità artistica della lezione scolastica.

“La progettazione preliminare della direzione del processo pedagogico è subordinata a:

1) la sequenza, la logica generale della presentazione del materiale, lo spiegamento dei punti chiave della lezione; una rappresentazione schematica della curva emotiva della lezione e della preparazione dei dettagli artistici, ovvero fatti interessanti, domande luminose, mezzi per enfatizzare il culmine della lezione, ecc.;

2) attributi esterni: visibilità, contegno, abbigliamento.

L'integrità artistica della lezione non sorge da sola, nella lezione tutto è pensato in anticipo, ma viene lasciato un "vuoto" per l'ispirazione e la creatività. La mancanza di linee guida chiare nel piano della lezione del direttore influisce negativamente sulla sua attuazione.

Tema della lezione: "Inner Man" e "Outer Man". "Piccolo uomo" nella letteratura russa. Per la lezione a ciascuno è stato affidato il compito di leggere tre opere: “Il capostazione”, “Il soprabito”, “Poveri”. Alla lezione c'era una scelta: l'opera, la forma di presentazione dell'opera, il proprio ruolo in questo processo di discussione: il lettore, l'autore, il critico, l'eroe. Con apparente improvvisazione, l'insegnante ha messo in scena l'intero processo con l'ausilio di una determinata forma e condizioni (tempo limitato), sono state preparate alcune affermazioni di "critiche", domande che avrebbero dovuto indirizzare la discussione nella giusta direzione se si trattava di un fermo.

Nel processo di tale improvvisazione collettiva, in cui gli studenti sono posti in una situazione estrema (in questo caso, per tracciare l'evoluzione dello sviluppo del tema del "piccolo uomo" nella letteratura russa della prima metà dell'Ottocento), il sorge il processo di creatività dello studente e dell'insegnante. Un evento avvenuto a lezione, tre soggetti - l'autore, l'esecutore, il soggetto percipiente - sono trini, questo è già un tutto indivisibile.

Lezioni di questo tipo sono interessanti su argomenti di natura generalizzante, consentendo di esprimere diversi punti di vista. Ad esempio, "Il tema della rivoluzione e della guerra civile nella letteratura del XX secolo", "L'età dell'argento della letteratura russa", ecc.

Un insegnante che lavora in una lezione secondo la psicotecnica della scuola dell'esperienza è aperto agli studenti, pronto a collaborare, ispira la fiducia dei partecipanti all'evento. E tutto questo per creare una sintesi armonica non solo nell'arte, ma anche nella vita.

Senza queste componenti è difficile immaginare un insegnante che, seguendo il precetto, vive secondo il principio: “Capire è sentire” e lo insegna ai suoi studenti.

L'insegnante ha bisogno di conoscenze di pedagogia teatrale.

Relativamente comuni nella pratica della scuola di istruzione generale russa sono le tecniche teatrali sviluppate da e. Si tratta di metodi socio-ludici, interattivi, facili da interpretare, che si adattano alle esigenze di studio di qualsiasi materia e aprono ampi margini di creatività sia per i bambini che per gli insegnanti.

La base organizzativa delle lezioni, così come concepita dagli autori, è lo stile di comunicazione socio-gioco. Con uno stile di comunicazione socio-ludico, come notano i suoi autori, l'attività teatrale degli scolari non si limita alla recitazione di scene ordinarie. In classe, gruppi di studenti possono "incarnare" qualsiasi cosa. Le scenette possono essere riprodotte su una nuova definizione complessa, un termine o un'opinione personale sulla performance in discussione. Tali scene vengono preparate ed eseguite da piccoli gruppi (3–6) di studenti proprio lì, a lezione oa lezione, senza lunghe prove e formazione di recitazione speciale.

Nel loro lavoro “Comunicare nella lezione, o dirigere il comportamento dell'insegnante”, gli autori scrivono: “... lo stile socio-ludico è lo stile dell'intero insegnamento, dell'intera lezione, e non solo uno dei suoi elementi. Questi non sono "numeri di inserimento" separati, questo non è un riscaldamento, un riposo o un tempo libero utile, questo è lo stile di lavoro dell'insegnante e dei bambini, il cui significato non è tanto quello di facilitare il loro lavoro per i bambini , ma per consentire loro, essendosi interessati, di inserirsi in essa volontariamente e profondamente.

Le tecniche teatrali socio-lusive formano e addestrano i bambini moderni proprio quelle qualità che contraddistinguono uno spettatore teatrale allenato: la capacità di empatia e di risposta creativa, la sensibilità del pubblico al dettaglio, la capacità di leggerlo in uno spettacolo, di associarlo al tutto, un atteggiamento attento all'altro, alla creatività, all'arte, ecc.

Bakhtin, V. Vsevolodsky-Gengross, L. Rozanov e altre figure teatrali degli anni '20 sostenevano che l'intero processo educativo fosse permeato da uno spettacolo teatrale. In un modo o nell'altro, le forme di introduzione della pedagogia teatrale nella pratica della scuola moderna, di cui abbiamo parlato sopra, sono esempi di introduzione delle attività teatrali nel processo educativo scolastico.

Le lezioni con elementi di teatralizzazione, giochi di ruolo e altri metodi di pedagogia teatrale sono percepite positivamente dagli studenti e dai loro genitori. È impossibile non notare il crescente interesse degli scolari per la storia, la cultura e l'arte del mondo. È molto più interessante per un bambino combinare le conoscenze acquisite, tradurle in immagini, combinarle con la finzione.

È così che si forma una nuova psicologia in un adolescente: un creatore, un creatore. Un tale stato lo attrae, perché a questa età una persona si sforza di diventare adulta, indipendente e affermarsi.

Letteratura:

1. Anikst del dramma in Russia da Pushkin a Cechov. - M., 1972.

2. Estetica della creatività verbale. - M., 1979. - S. 51.

3. Il rapporto di percezione e analisi delle opere d'arte nel processo di studio della letteratura a scuola / ed. . - M., 1984.

4. ecc. Metodi di lavoro teatrali e creativi alla lezione di letteratura // Teatro e educazione. - M., 1992. - S. 37-50.

5., V., A. Metodi di lavoro teatrali e creativi alla lezione di letteratura come mezzo per sviluppare la cultura visiva e di lettura degli scolari. (Raccomandazioni metodologiche per aiutare docenti e metodologi IU). - Parte 2. - M., 1982. - S. 35.

6. Teatro Ershov in classe a scuola. - M., 1992.

7., Bukatov nella lezione o Dirigere il comportamento dell'insegnante. - M., 1998.

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10. Ali Kachurin, o teatro letterario in classe // Modi e forme di analisi di un'opera d'arte. - Vladimir, 1991. - S. 11-24.

11. Sull'analisi efficace del gioco e del ruolo. - M., 1961.

12. Campane alle lezioni di letteratura. - Kiev, 1991.

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19. Metodi di insegnamento della letteratura: un libro di testo per gli studenti. Ped. università / , ; ed. . - 3a ed., Rev. – M.: Accademia, 2005.

20. Fondamenti del sistema Stanislavsky: libro di testo / ed. , . - Rostov n/D.: Phoenix, 2000.

21. Problemi di insegnamento della letteratura nella scuola secondaria di secondo grado / ed. . - M., 1985.

22. La vita di Stanislavsky nell'art. – M.: Vagrius, 2003.

23. Stanislavsky lavora: in 8 volumi - M., 1961. - T. 4.

24. Stanislavsky attore al di sopra di se stesso. - M., 1985.

25. Stanislavsky attore su se stesso // Raccolte. operazione. in 8 volumi - T. 3. - M., 1955.

26. Stanislavsky sul ruolo // Raccolte. operazione. - T. 4. - M., 1957.

27. Stanislavskij. operazione. in 8 volumi - M., 1954-1961.

28. Stanislavskij. operazione. - M., 1954. - T. 2-3.

29. Yakushina delle opere drammatiche // Problemi dell'analisi di un'opera d'arte a scuola / ed. ed. . - M., 1996.

Zepalov letteratura e teatro: una guida per gli insegnanti. - M.: Illuminismo, 1982. - 175 p.

Marantzman di un'opera d'arte come tecnologia di comunicazione con l'arte // Letteratura a scuola. - 1998. - N. 8.

Stanislavsky lavora: in 8 voll. - M., 1961. - T. 4.

Iliev della pedagogia teatrale nella formazione e attuazione dell'idea di una lezione scolastica. - M.: JSC "Aspect Press". - 1993. - 127 pag.

Là.

Iliev della pedagogia teatrale nella formazione e attuazione dell'idea di una lezione scolastica. - M.: JSC "Aspect Press", 1993. - 127 pag.

Iliev della pedagogia teatrale nella formazione e attuazione dell'idea di una lezione scolastica. - M.: JSC "Aspect Press", 1993. - 127p.

Bukatov alla lezione, o Dirigere il comportamento dell'insegnante. - M., 1998.

PROGRAMMA CORSO SPECIALE

Teatro e letteratura.

(Dalle lezioni di letteratura alla storia del teatro)

introduzione

Qualsiasi arte, incluso il teatro, non rivelerà allo spettatore tutta la sua bellezza, le sue profondità e i suoi affascinanti segreti, se una persona non è pronta a conoscerla, non è educata artisticamente, non conosce le leggi più semplici dell'arte. Una persona del genere, venendo a teatro, percepisce solo lo "strato superiore" dell'arte: la trama dell'opera. Ma la cosa principale - l'idea, l'idea dei creatori della performance - sfugge all'attenzione di un tale spettatore.

Teatro e letteratura sono strettamente correlati. Creando un'opera drammatica, l'autore si rivolge principalmente al pubblico teatrale. "La specificità del dramma come tipo di letteratura sta nel fatto che, di regola, è destinato alla messa in scena sul palcoscenico ..." [Dizionario dei termini letterari] "Lo spettacolo vive solo sul palcoscenico ..., Gogol ha sostenuto.

La specificità del teatro come tipo di letteratura crea alcune difficoltà di comprensione per gli studenti. Pertanto, le opere drammatiche richiedono un approccio speciale e abilità aggiuntive nel lavorare con il testo. Dopotutto, gli aspetti più importanti del dramma - la concentrazione dell'azione e il significato del discorso del personaggio - non sono pienamente percepiti dagli studenti, che rimangono solo lettori superficiali dell'opera drammatica. L'insegnante deve educare non solo il lettore, ma anche lo spettatore. E questo non può essere fatto nell'ambito delle lezioni di letteratura assegnate per questi argomenti. La sezione "Dramaturgia" nel curriculum scolastico è la più svantaggiata in termini di numero di ore assegnate. Ed è per questo che otteniamo un lettore-spettatore così superficiale. Un diplomato in una scuola di istruzione generale non può comprendere e apprezzare la pienezza e la profondità dell'arte teatrale in generale, un'opera drammatica in particolare. Ma con l'introduzione dell'istruzione specializzata, l'insegnante ha l'opportunità di correggere questa situazione. Lo sviluppo di questo corso speciale è dovuto alle difficoltà nello studio delle opere drammatiche.

Il programma del corso speciale consente di risolvere molti problemi (vedi Nota esplicativa), amplia notevolmente l'ambito del curriculum scolastico in letteratura (vedi tabella)

Programma scolastico (sull'esempio del programma di G.S. Merkin, S.A. Zinin, V.A. Chalmaev)	ProgrammaspecialistaCorso "Teatro e Letteratura"
Problemi generali
Non dà un'idea della storia dello sviluppo dell'arte teatrale nel suo insieme (vengono fornite informazioni frammentarie sulla storia del palcoscenico delle singole opere)	Dà un'idea delle fasi di sviluppo dell'arte teatrale.
Dimostra occasionalmente l'interazione e la compenetrazione della letteratura straniera e russa	Dimostra l'interazione e la compenetrazione della letteratura straniera e russa, ti permette di vedere le tradizioni dei classici dell'arte drammatica mondiale nelle opere della letteratura russa (Shakespeare-Turgenev, Shakespeare-Leskov)
Drammaturgia straniera
STUDIO (panoramica) Shakespeare "Romeo e Giulietta" "Frazione" Molière "Paziente immaginario" Goethe "Faust"	LA CONOSCENZA È APPROFONDIMENTO su Shakespeare ("Romeo e Giulietta") STUDIANDO Shakespeare "Re Lear" (particolare) "Lady Macbeth" (particolare) Molière "Il commerciante nella nobiltà" (particolare) Lope de Vega "Il cane nella mangiatoia" (panoramica) F. Schiller "Astuzia e amore" (in dettaglio)
drammaturgia russa
STUDIANDO AS Griboyedov "Guai dallo spirito" NV Gogol "Ispettore" AN Ostrovsky "La fanciulla di neve", "La nostra gente - conteremo",	LA CONOSCENZA È APPROFONDIMENTO sulla commedia di AS Griboedov "Woe from Wit" sulla commedia di N.V. Gogol "The Government Inspector" STUDIANDO AS Pushkin "Boris Godunov" AN Ostrovsky "Mad Money"
Russia teatrale contemporanea
Non mostra	Dà un'idea

Rilevanzaspecialistacorso

Nel nostro turbolento periodo di perestrojka, c'è il reale pericolo di perdere i legami tra l'eredità classica e il flusso delle impressioni moderne, spesso negative. Ma il criterio principale per il valore di un'opera drammatica è la sua immortalità scenica, l'interesse eterno per essa da parte dello spettatore (lettore), che trova in essa risposte a importanti domande universali di oggi. Questo può svolgere un ruolo importante nel riempire il "vuoto" ideologico di un adolescente moderno, nel plasmare i suoi atteggiamenti morali. Questo è il motivo della scelta dei lavori per lo studio nelle classi dei corsi speciali.

Novità del programma: un focus pratico sulla formazione di una cultura estetica tra gli studenti come parte di una cultura spirituale, sull'introduzione al mondo dell'arte, ai valori universali attraverso la padronanza dell'esperienza artistica del passato.

Funzionalità del programmaè la dipendenza dalle comunicazioni intra-soggetto e inter-soggetto.

Ogni argomento viene studiato tenendo conto delle conoscenze, abilità e abilità acquisite in precedenza al fine di ampliarle. La comunicazione intrasoggettiva con la letteratura viene effettuata tenendo conto delle conoscenze già acquisite in letteratura. Lo studente ha bisogno di vedere il movimento del pensiero dello scrittore dall'idea dell'opera alla sua incarnazione artistica, è necessario determinare la sua visione dell'opera dell'autore e vedere la rilevanza della sua lettura. La comunicazione interdisciplinare si svolge principalmente con la lingua russa (perché l'attenzione principale nell'analisi di un testo letterario è data allo studio dei mezzi linguistici utilizzati dallo scrittore). Il programma prevede anche l'implementazione di connessioni interdisciplinari: letteratura - storia, - Moscow Art Theatre, - musica, - estetica, ecc.

Nota esplicativa

La letteratura, a differenza di altri campi educativi, è una forma d'arte. In quanto una delle discipline del ciclo estetico, la letteratura presuppone la comprensione da parte degli studenti di questo tipo di arte. Pertanto, la letteratura dovrebbe essere studiata in un ampio aspetto culturale e con un focus sulla formazione di una personalità spiritualmente ricca, capace di autodeterminazione e di autoespressione creativa. La letteratura è strettamente connessa con un'altra forma d'arte: il teatro e la drammaturgia, come una sezione di essa, in particolare. Solo quando messo in scena, "la narrativa drammatica assume una forma completamente finita", ha affermato A.N. Ostrovsky. La pratica mostra che lo studio delle opere teatrali per gli scolari è il più problematico, associato alle specificità del teatro come tipo di letteratura. Ma con il giusto approccio, le opere drammatiche suscitano interesse tra gli studenti, li fanno pensare. Nascono così le domande, le risposte a cui cerchiamo insieme nelle classi del corso speciale “Teatro e Letterature”.

Il programma del corso è rivolto agli studenti del 10° anno di istruzione specialistica. Calcolato per 34 ore.

Sono offerti i seguenti corsi:

Lezione - 8 ore

Pratica - 7 ore

Seminario - 5 ore

Ricerca - 2 ore

Conferenza del lettore - 2 ore

Presentazione - 2 ore

Prestazioni -2 ore

Tour per corrispondenza - 1 ora

Concerto - 1 ora

Lezione di cinema - 1 ora

Finale (controllo delle conoscenze) - 2 ore

Il programma del corso si basa su due principi: storico e tematico.

Il principio storico consente:

tracciare le tappe principali dello sviluppo dell'arte teatrale classica;

stabilire la sua connessione con una certa epoca storica;

identificare tendenze e tendenze nelle arti performative del passato, che si sono sviluppate nel teatro moderno.

mostrare lo scopo pubblico e il ruolo educativo del teatro;

Il principio del tema lo consente

focalizzare l'attenzione degli studenti sul materiale precedentemente studiato;

facilitare la comprensione delle peculiarità dell'opera dei “nuovi” grandi drammaturghi;

consolidare l'idea dei modelli comuni di sviluppo dei diversi tipi di arte (letteratura e teatro) nella cultura mondiale.

Obiettivicorso speciale:

suscitare l'interesse degli studenti per il teatro come forma d'arte;

aggiornare la professione di attore, sceneggiatore, regista, storico dell'arte (critico teatrale)

promuovere l'educazione spirituale e la crescita personale delle giovani generazioni.

Per raggiungere gli obiettivi prefissati, il seguente principale compiti:

educare il lettore e lo spettatore;

insegnare a riflettere su ciò che hanno letto, traendone lezioni morali;

arricchire la cultura dell'intelletto e del linguaggio;

formare ideali di vita, capacità comunicative e capacità di stare nello spazio;

5) sviluppare gusto estetico, capacità analitiche, di ricerca;

6) creare le condizioni per la formazione di un bisogno interno di auto-miglioramento, sviluppo e realizzazione di possibilità creative.

Abilità e abilità di base

Gli studenti dovrebberosapere:

le principali tappe dello sviluppo dell'arte teatrale;

il ruolo e il posto del patrimonio scenico classico nella cultura artistica del nostro tempo;

drammaturghi mondiali eccezionali (il cui lavoro è stato studiato in classe);

concetti terminologici di base relativi alla storia dell'arte drammatica.

Gli studenti dovrebberoessere in grado di:

rifletti su quello che hai letto

analizzare un'opera drammatica;

spiegare il ruolo e il significato della cultura artistica del passato per lo sviluppo spirituale dell'uomo moderno;

formulare correttamente la propria affermazione.

Forme di controllo delle conoscenze degli studenti

Lettura a memoria di frammenti di opere.

Risposte dettagliate alle domande (orali e scritte).

Caratteristiche dell'opera, carattere e caratteristiche comparative di diverse opere e personaggi.

Elaborazione di domande per caratterizzare l'eroe e valutare l'opera nel suo insieme.

Stesura di un piano, tesi sul materiale della lezione del docente.

Preparazione di relazioni orali sull'opera letta e sul suo autore.

Scrivere saggi, relazioni, messaggi.

Controlli di controllo.

Il programma è di natura variabile, coinvolge l'approccio creativo dell'insegnante alla risoluzione di problemi teorici e pratici, tenendo conto delle caratteristiche della classe e delle capacità dell'insegnante.

Sezione 1. Sull'arte teatrale (1 ora)

Introduzione. Il teatro come forma d'arte.

Tipi di arte teatrale. Teatro e pubblico. La natura sintetica dell'arte teatrale. L'arte dell'attore Scopo pubblico e ruolo educativo del teatro. L'azione scenica come base dell'arte teatrale.

Sezione 2. Dalla storia del teatro straniero (13 ore)

Teatro dell'Antico Hellas.

Letteratura e arte teatrale dell'antica Grecia. Tetralogia. commedia satirica. Eccezionali drammaturghi greci. Caratteristiche della composizione e pathos delle opere teatrali.

Lo sviluppo dell'arte teatrale nel medioevo. EpocaRinascimento e teatro.

Conservazione e sviluppo delle tradizioni popolari nel lavoro di animatori professionisti. Orientamento satirico antifeudale delle loro attività. Caratteristiche del palcoscenico e della scenografia, generi del teatro quadrato medioevale.

L'Italia è la culla del teatro rinascimentale. Generi dell'arte teatrale del Rinascimento.

W. Shakespeare è un drammaturgo per sempre. Teatro Shakespeare. "Re Lear".

L'orientamento umanistico della creatività shakespeariana. Verità vitale, profondità e versatilità dell'immagine dei personaggi umani. Caratteristiche dell'incarnazione della drammaturgia sul palcoscenico del teatro "Globus".

Il significato universale dei personaggi di Shakespeare. Il problema del valore della persona umana. La tragedia del re Lear. La profondità filosofica dell'opera.

Tradizioni shakespeariane nelle opere dei classici russi.

Il significato universale duraturo degli eroi delle opere di Shakespeare. Shakespeare e la letteratura russa. ("Romeo e Giulietta" di Shakespeare - "Asya" di Turgenev; "Macbeth" di Shakespeare - "Lady Macbeth del distretto di Mtsensk" di Leskov)

Teatro dell'era del classicismo. molière."Il commerciante nella nobiltà".

Il 17° secolo è il periodo d'oro del classicismo nell'arte francese. La combinazione dell'arte allegra del teatro comico popolare e dell'estetica del classicismo nell'opera di Molière. Caratteristiche del teatro di Molière.

Una satira sulla nobiltà e la borghesia ignorante. Il contenuto ideologico e tematico della commedia, il sistema delle immagini, l'abilità dell'intrigo comico. Caratteristiche del classicismo nella commedia. Il significato universale del gioco.

Lope de Vega - il genio della letteratura spagnola. "Cane nella mangiatoia".

Una parola su un drammaturgo. Creatore di un nuovo tipo di commedia. "Fertilità" creativa. Caratteristiche della trama e linguaggio degli spettacoli. Commedie di Lope de Vega sul palcoscenico russo.

Teatro del Secolo dei Lumi. F. Schiller. "Astuzia e amore".

Illuminismo come ideologia del terzo stato, in ascesa per combattere il feudalesimo. F. Schiller è il più grande drammaturgo dell'Illuminismo. L'orientamento tirannico e antifeudale dei drammi.

"Astuzia e amore". La crudeltà e l'inganno dei rappresentanti degli strati privilegiati della società, la superiorità morale della gente comune, lo scontro dei concetti di falso e vero onore, il trionfo del vero amore.

Sezione 3. Dalla storia del teatro russo (18 ore)

folclore drammatico.

Origini popolari del teatro. Spettacolo teatrale e forme drammatiche antiche. Tipi di folclore drammatico.

Spettacolo di marionette.

Storia di origine e sviluppo. Scena della Natività. Le attività dei buffoni. Teatro Petrushka. Tipi di bambole. Teatro dei burattini oggi. Attività di SV Obraztsov. Ordine del sorriso.

Creazione del teatro nazionale russo.

La nascita del primo teatro pubblico in Russia. Uomo-teatro: F.Volkov. Serf primadonna, ecc. Istituzione del "Russo per la presentazione di tragedie e commedie del teatro pubblico".

Teatro scolastico.

Storia dell'occorrenza, funzioni iniziali. Fondatori. Teatro scolastico in Russia. Il ruolo di Feofan Prokopovich. generi. Attività di AT Bolotov.

D.I.Fonvizin è un audace sovrano della satira. "Sottobosco"(frammenti di commedia).

Un brillante esponente delle idee di illuminazione. Il significato dell'incontro di Fonvizin con M.V. Lomonosov e F. Volkov negli anni del ginnasio. "Sottobosco" come un classico della drammaturgia russa. La natura satirica dell'opera. Problemi sociali nella commedia. Versione su schermo del gioco.

AS Pushkin. "Boris Godunov"

Il periodo di massimo splendore del teatro nazionale russo. Pushkin è un drammaturgo, spettatore teatrale e critico. Il rapporto dell'uomo di verità nella tragedia "Boris Godunov". Racconti di AS Pushkin (frammenti).

Griboedov familiare e sconosciuto. "Guai dall'Ingegno".

Vita scenica dello spettacolo. Monologhi di Famusov e Chatsky.

Il teatro è una scuola di morale. NV Gogol. "Ispettore".

N.V. Gogol sull'alto scopo sociale ed educativo del teatro. Sviluppo e arricchimento delle tradizioni realistiche nella commedia satirica del drammaturgo. La risata come forma di affermazione di ideali sociali positivi.

MS Shchepkin, PS Mochalov. Grandi attori russi.

L'affermazione dei principi del realismo sulla scena russa.

Shchepkin è un eccezionale attore, artista, cittadino e riformatore dell'arte teatrale russa. Shchepkin e il teatro della fortezza russa. Significato della riforma scenica di M. Shchepkin. Shchepkin sul ruolo del lavoro e dell'autoeducazione nello sviluppo del talento di un attore.

PS Mochalov è il rappresentante più brillante della scuola realistica dell'arte teatrale russa. Natura romantica e tragica del lavoro dell'attore.

AN Ostrovsky - un'era nella vita culturale della Russia

La drammaturgia di Ostrovsky è un'intera epoca nella vita culturale della Russia. Temporale e Domostroy. Spettacoli di vita reale. "Il denaro pazzo" di Ostrovsky e i problemi attuali di oggi.

Sezione 4. Russia teatrale moderna (2 ore)

Teatri della Russia*.

Storia del teatro drammatico statale di Smolensk. Griboedov

Conservazione delle tradizioni di A.N. Ostrovsky al Teatro Maly.

Il patrimonio classico e il suo sviluppo creativo sulla scena BDT.

Il teatro più antico e famoso. Vakhtangov.

Teatro del leggendario mago - burattinaio S.V. Obraztsova

Teatro e letteratura sono strettamente correlati. Creando un'opera drammatica, l'autore si rivolge principalmente al pubblico teatrale. "La specificità del dramma come tipo di letteratura sta nel fatto che, di regola, è destinato alla messa in scena sul palcoscenico ..." [Dizionario dei termini letterari] "Un'opera teatrale vive solo sul palcoscenico ..." Gogol discusso.

Il programma del corso speciale consente di risolvere molti problemi (vedi Nota esplicativa), amplia notevolmente l'ambito del curriculum scolastico in letteratura (vedi tabella)

Programma scolastico (sull'esempio del programma di G.S. Merkin, S.A. Zinin, V.A. Chalmaev)	Il programma del corso speciale "Teatro e Letteratura"
Problemi generali
Non dà un'idea della storia dello sviluppo dell'arte teatrale nel suo insieme (vengono fornite informazioni frammentarie sulla storia del palcoscenico delle singole opere)	Dà un'idea delle fasi di sviluppo dell'arte teatrale.
Dimostra occasionalmente l'interazione e la compenetrazione della letteratura straniera e russa	Dimostra l'interazione e la compenetrazione della letteratura straniera e russa, ti permette di vedere le tradizioni dei classici dell'arte drammatica mondiale nelle opere della letteratura russa (Shakespeare-Turgenev, Shakespeare-Leskov)
Drammaturgia straniera
IN STUDIO (panoramica) Shakespeare "Romeo e Giulietta" "Frazione" Molière "Paziente immaginario" Goethe "Faust"	LA CONOSCENZA È APPROFONDIMENTO A proposito di Shakespeare ("Romeo e Giulietta") STUDIANDO Shakespeare "Re Lear" (particolare) "Lady Macbeth" (particolare) Molière "Il commerciante nella nobiltà" (particolare) Lope de Vega "Il cane nella mangiatoia" (panoramica) F. Schiller "Astuzia e amore" (in dettaglio)
drammaturgia russa
STUDIANDO AS Griboyedov "Guai dallo spirito" NV Gogol "Ispettore" AN Ostrovsky "La fanciulla di neve", "La nostra gente - conteremo", "Temporale"	LA CONOSCENZA È APPROFONDIMENTO Informazioni sulla commedia di AS Griboyedov "Woe from Wit" Informazioni sulla commedia di N.V. Gogol "The Government Inspector" STUDIANDO AS Pushkin "Boris Godunov" AN Ostrovsky "Mad Money"
Russia teatrale contemporanea
Non mostra	Dà un'idea

Rilevanza del corso speciale

Novità del programma:un focus pratico sulla formazione di una cultura estetica tra gli studenti come parte di una cultura spirituale, sull'introduzione al mondo dell'arte, ai valori universali attraverso la padronanza dell'esperienza artistica del passato.

Funzionalità del programmaè la dipendenza dalle comunicazioni intra-soggetto e inter-soggetto.

Nota esplicativa

Il programma del corso è rivolto agli studenti del 10° anno di istruzione specialistica. Calcolato per 34 ore.

Sono offerti i seguenti corsi:

Lezione - 8 ore
Pratica - 7 ore
Seminario - 5 ore
Ricerca - 2 ore
Conferenza del lettore - 2 ore
Presentazione - 2 ore
Prestazioni -2 ore
Tour per corrispondenza - 1 ora
Concerto - 1 ora
KVN - 1 ora
Lezione di cinema - 1 ora
Finale (controllo delle conoscenze) - 2 ore

Il programma del corso si basa sudue principi: storico e tematico.

Storico principio permette:

tracciare le tappe principali dello sviluppo dell'arte teatrale classica;
stabilire la sua connessione con una certa epoca storica;
identificare tendenze e tendenze nelle arti performative del passato, che si sono sviluppate nel teatro moderno.
mostrare lo scopo pubblico e il ruolo educativo del teatro;

tematico principio permette

focalizzare l'attenzione degli studenti sul materiale precedentemente studiato;
facilitare la comprensione delle peculiarità dell'opera dei “nuovi” grandi drammaturghi;
consolidare l'idea dei modelli comuni di sviluppo dei diversi tipi di arte (letteratura e teatro) nella cultura mondiale.

Obiettivi del corso:

suscitare l'interesse degli studenti per il teatro come forma d'arte;
aggiornare la professione di attore, sceneggiatore, regista, storico dell'arte (critico teatrale)
promuovere l'educazione spirituale e la crescita personale delle giovani generazioni.

Per raggiungere gli obiettivi prefissati, il seguente principale compiti:

educare il lettore e lo spettatore;
insegnare a riflettere su ciò che hanno letto, traendone lezioni morali;

arricchire la cultura dell'intelletto e del linguaggio;

formare ideali di vita, capacità comunicative e capacità di stare nello spazio;

5) sviluppare gusto estetico, capacità analitiche, di ricerca;

6) creare le condizioni per la formazione di un bisogno interno di auto-miglioramento, sviluppo e realizzazione di possibilità creative.

Abilità e abilità di base

Gli studenti dovrebbero sapere:

le principali tappe dello sviluppo dell'arte teatrale;

il ruolo e il posto del patrimonio scenico classico nella cultura artistica del nostro tempo;

drammaturghi mondiali eccezionali (il cui lavoro è stato studiato in classe);

concetti terminologici di base relativi alla storia dell'arte drammatica.

Gli studenti dovrebbero essere in grado di:

rifletti su quello che hai letto
analizzare un'opera drammatica;
spiegare il ruolo e il significato della cultura artistica del passato per lo sviluppo spirituale dell'uomo moderno;

formulare correttamente la propria affermazione.

Forme di controllo delle conoscenze degli studenti

Lettura a memoria di frammenti di opere.
Risposte dettagliate alle domande (orali e scritte).
Caratteristiche dell'opera, carattere e caratteristiche comparative di diverse opere e personaggi.
Elaborazione di domande per caratterizzare l'eroe e valutare l'opera nel suo insieme.
Stesura di un piano, tesi sul materiale della lezione del docente.
Preparazione di relazioni orali sull'opera letta e sul suo autore.
Scrivere saggi, relazioni, messaggi.
Controlli di controllo.

Sezione 1. Sull'arte teatrale (1 ora)

Introduzione. Il teatro come forma d'arte.

Tipi di arte teatrale. Teatro e pubblico. La natura sintetica dell'arte teatrale. L'arte dell'attore Scopo pubblico e ruolo educativo del teatro. L'azione scenica come base dell'arte teatrale.

Sezione 2. Dalla storia del teatro straniero (13 ore)

Teatro dell'Antico Hellas.

Letteratura e arte teatrale dell'antica Grecia. Tetralogia. commedia satirica. Eccezionali drammaturghi greci. Caratteristiche della composizione e pathos delle opere teatrali.

Lo sviluppo dell'arte teatrale nel medioevo. Rinascimento e teatro.

L'Italia è la culla del teatro rinascimentale. Generi dell'arte teatrale del Rinascimento.

W. Shakespeare è un drammaturgo per sempre. Teatro Shakespeare. "Re Lear".

Il significato universale dei personaggi di Shakespeare. Il problema del valore della persona umana. La tragedia del re Lear. La profondità filosofica dell'opera.

Tradizioni shakespeariane nelle opere dei classici russi.

Teatro dell'era del classicismo. molière. "Il commerciante nella nobiltà".

Lope de Vega - il genio della letteratura spagnola. "Cane nella mangiatoia".

Una parola su un drammaturgo. Creatore di un nuovo tipo di commedia. "Fertilità" creativa. Caratteristiche della trama e linguaggio degli spettacoli. Commedie di Lope de Vega sul palcoscenico russo.

Teatro del Secolo dei Lumi. F. Schiller. "Astuzia e amore".

Illuminismo come ideologia del terzo stato, in ascesa per combattere il feudalesimo. F. Schiller - il più grande drammaturgo dell'Illuminismo. L'orientamento tirannico e antifeudale dei drammi.

Sezione 3. Dalla storia del teatro russo (18 ore)

folclore drammatico.

Origini popolari del teatro. Spettacolo teatrale e forme drammatiche antiche. Tipi di folclore drammatico.

Spettacolo di marionette.

Storia di origine e sviluppo. Scena della Natività. Le attività dei buffoni. Teatro Petrushka. Tipi di bambole. Teatro dei burattini oggi. Attività di SV Obraztsov. Ordine del sorriso.

Creazione del teatro nazionale russo.

La nascita del primo teatro pubblico in Russia. Uomo-teatro: F.Volkov. Serf primadonna, ecc. Istituzione del "Russo per la presentazione di tragedie e commedie del teatro pubblico".

Teatro scolastico.

Storia dell'occorrenza, funzioni iniziali. Fondatori. Teatro scolastico in Russia. Il ruolo di Feofan Prokopovich. generi. Attività di AT Bolotov.

D.I.Fonvizin è un audace sovrano della satira. "Sottobosco"(frammenti di commedia).

AS Pushkin. "Boris Godunov"

Griboedov familiare e sconosciuto. "Guai dall'Ingegno".

Vita scenica dello spettacolo. Monologhi di Famusov e Chatsky.

Il teatro è una scuola di morale. NV Gogol. "Ispettore".

MS Shchepkin, PS Mochalov. Grandi attori russi.

L'affermazione dei principi del realismo sulla scena russa.

PS Mochalov è il rappresentante più brillante della scuola realistica dell'arte teatrale russa. Natura romantica e tragica del lavoro dell'attore.

AN Ostrovsky - un'era nella vita culturale della Russia

La drammaturgia di Ostrovsky è un'intera epoca nella vita culturale della Russia. Temporale e Domostroy. Spettacoli di vita reale. "Il denaro pazzo" di Ostrovsky e i problemi attuali di oggi.

Sezione 4. Russia teatrale moderna (2 ore)

Teatri della Russia*.

Storia del teatro drammatico statale di Smolensk. Griboedov

Conservazione delle tradizioni di A.N. Ostrovsky al Teatro Maly.

Il patrimonio classico e il suo sviluppo creativo sulla scena BDT.

Il teatro più antico e famoso. Vakhtangov.

Teatro del leggendario mago - burattinaio S.V. Obraztsova

Irina Kulagina
Riassunto della lezione "Fondamenti di arte teatrale" sul tema "Fondamenti di cultura generale e teatrale"

1 anno di studio

Materia«»

Lezione 2

Argomento: "Particolarità arte teatrale»

Piano- riassunto della lezione

Nome completo dell'insegnante - Kulagina Irina Leonidovna

Tipo di attività educativa - creatività teatrale

Nome del programma educativo - aggiuntivo programma generale di sviluppo educativo generale« Teatro»

Il focus del programma è artistico

Luogo di formazione classi nel programma - Oggetto« Fondamenti di cultura generale e teatrale»

Sede - unità strutturale - bambini (adolescente) club "Costellazione"

Tempo - ottobre

Breve descrizione del gruppo: il gruppo del primo anno di studio, l'età degli studenti è di 7-9 anni

Tipo di Lezioni– spiegazione del nuovo materiale

Il modulo classi - Lezione - conversazione

Argomento: "Particolarità arte teatrale»

Obbiettivo Lezioni: Conoscenza degli studenti con le specifiche arte teatrale

Compiti: 1. Modulo spettacolo d'arte teatrale come sintesi di vario genere arte. 2. Sviluppa attenzione, fantasia e immaginazione. 3. Rimuovere il morsetto psicologico. 4. Coltiva la capacità di ascoltare. Coltiva l'interesse per creatività teatrale.

Tempi Lezioni: 90 minuti

Fase I - Preparazione organizzativa dei bambini al lavoro classe che organizza l'inizio della lezione, creando uno stato d'animo psicologico per le attività di apprendimento e migliorando l'attenzione.

insegnante: Ciao ragazzi, entrate, sedetevi! Sono molto contento di vederti oggi lezione! Oggi ci saluteremo non come la gente comune, ma a ritmo di musica. Pensa e imita gesti e movimenti al ritmo della musica.

Il gioco "Saluti"

insegnante: Meraviglioso! E ora, per conoscerci ancora meglio, facciamo un gioco "Mi chiamo... Io". Dici il tuo nome, e poi dici cosa o cosa sono, cioè fatti una descrizione, rispondendo a questa domanda con la lettera del tuo nome. Quindi iniziamo!

Il gioco "Cosa sono"

insegnante: L'ordine è ovunque, in tutti, in tutto! Quindi, mettiamo tutto in ordine, creiamo un'atmosfera di comfort, così che vorremmo lavorare, inventare, creare! Ci siederemo a semicerchio. E perché? Ben fatto! Solo che ci sediamo con te in modo leggermente diverso. Proviamo a sederci per altezza, dal più basso al più alto. Ottimo. Tieniti per mano, trasmetti il tuo buon umore l'un l'altro con l'aiuto dell'impulso inviato.

Il gioco "Scintilla"

insegnante: Bene! Preparati! Prossimo esercizio. Lentamente: "inspira - naso, espira - bocca" come lo yoga! Calmati!

Un esercizio "Yogi" (6 volte)

insegnante: Preparati per il processo creativo! Calmiamoci. Iniziamo a caricare l'apparecchio acustico.

Riscaldamento "Silenzio"

insegnante: Quali associazioni, pensieri, riflessioni, analogie evocano i suoni che senti? Ci siamo alzati. Bocca su uno sbadiglio, mani nel castello - tese. Hanno preso il soffitto, il pavimento, sono cresciuti... Si scuotono!

Quindi iniziamo occupazione!

Fase II - test Stabilire la correttezza e consapevolezza nel fare i compiti, identificare le lacune e correggerle Verifica dei compiti, verifica dell'assimilazione delle conoscenze lezione precedente.

insegnante: Sul passato lezione che abbiamo imparato che piace a un paese il teatro non è sulla mappa. Ma un tale paese esiste e ha avuto origine arte teatrale per molto tempo. Come capisci la parola « arte» ? Ragazzi, vi prego ditemi cosa avete imparato in passato lezione? Chi può dircelo? Che cosa Teatro? Dove puoi vedere le origini? Teatro? Dove ha avuto origine arte teatrale? Qual era il nome del luogo in cui si sono esibiti gli attori? Che tipo teatri che ricordi ancora? Quali tipi le arti si incontrano a teatro? Chi disegna le scenografie e i costumi per lo spettacolo? Esatto, un artista. Chi compone la musica? Esatto, compositore. E chi cuce i costumi? Esatto, sarte. E chi consegna i costumi agli attori? Costumista. E chi prepara i balli con gli attori? Coreografo. Ben fatto. Chi prova con gli attori, chi dice al compositore quale musica dovrebbe essere suonata, e all'artista quale dovrebbe essere la scenografia, e così via? Certo, è il regista. Chi può essere chiamato anima Teatro? Bene!

Fase III - propedeutica Garantire la motivazione e l'accettazione da parte dei bambini dell'obiettivo dell'attività educativa e cognitiva

insegnante: Oggi, ragazzi, continueremo il nostro viaggio attraverso un paese fantastico Teatro. Il tema del ns Lezioni: Peculiarità arte teatrale. Saprai cosa arte teatrale differisce dagli altri. Diapositiva 1. Siediti comodamente in modo che tutti possano vedere lo schermo.

IV stadio - di base Fornire percezione, comprensione e memorizzazione primaria di nuove conoscenze

insegnante: Diapositiva 2. Che tipo di cambiamenti non si sono verificati sulla terra: l'era ha seguito l'era, un popolo ha sostituito un altro. Diapositiva 3. Stati e paesi sorsero e scomparvero, Atlantide scomparve nelle profondità dell'oceano, il Vesuvio arrabbiato inondò la sfortunata Pompei con lava calda, per molti secoli le sabbie portarono Troia, glorificata da Omero, sulla collina di Gissarlik. Diapositiva 4. Ma niente ha mai interrotto l'essere eterno Teatro. Diapositiva 5. arte scenica, essendo nato in tempi antichi, in tempi diversi raccoglieva spettatori. Spettacoli intrattenuti, educati, insegnati qualcosa. Con l'avvento della televisione e dei computer, il teatro non c'è più, non si è sciolto (come potrebbe non previsto, perché momentaneo arte teatrale sta accadendo davanti allo spettatore e con lui, il che significa che dà piacere ed è sempre una vera vacanza. diapositiva 6. Teatro si riferisce al gioco, vista spettacolare arte. Come capisci la parola "spettacolo"? Come ogni tipo arte(musica, pittura, letteratura, Teatro ha le sue caratteristiche che lo distinguono dagli altri tipi arte. Diapositiva 7. Il teatro è un'arte sintetica. opera teatrale(prestazione) consiste nel testo dell'opera teatrale, nell'opera del regista, attore, artista, compositore. In altre parole, la performance combina diversi tipi arti: musica, belle arti, letteratura e molto altro. diapositiva 8. Il teatro è un'arte collettiva. Affinché la performance risulti come la vede il pubblico, molte persone devono lavorare sodo. L'attore è assistito da molte maestranze creative e tecniche Teatro. La performance è dunque il risultato dell'attività di molte persone, non solo quelle che si affacciano sul palco, ma anche quelle che cuciono costumi, realizzano oggetti di scena, imposta la luce, incontra il pubblico. diapositiva 9. Teatrale la performance è un'azione speciale che si svolge nello spazio del palcoscenico. Il teatro è quello ciò che effettivamente vediamo e, allo stesso tempo, ciò a cui possiamo pensare. A Teatro il mondo resta un mondo di persone e per le persone. Gli eventi che si svolgono sul palcoscenico non sono la vita, ma solo ciò che vediamo nella vita. Il palcoscenico stesso, il playground, è progettato per separare il pubblico dal luogo in cui si trova prestazione, per creare uno spazio speciale in cui si svolge l'azione. Palcoscenico e sipario aiutano a creare il mondo teatralità. A teatrale Nel gioco, gli attori entrano nell'azione di gioco tra loro, così come l'intero gruppo di produzione con il pubblico, che è un partecipante a pieno titolo spettacolo teatrale. diapositiva 10. Il teatro è un'arte viva, momentaneo. Si crea davanti agli occhi e con la partecipazione dal vivo del pubblico e “scompare non appena le voci degli attori tacciono e cala il sipario”; questo è "l'azione dal vivo è la vita nel carattere" (G. Boyadzhiev). A differenza di tutti gli altri tipi arte - bene, verbale e anche musicale, le cui opere si conservano a lungo come monumenti, l'opera arte teatrale– spettacolo – non conservato come monumento arte, in base al quale potremmo giudicare il passato storico del fenomeno. Vita teatrale La performance è relativamente breve. Ad esempio, il lavoro degli attori cinematografici viene girato su pellicola, lo spettatore può guardare il film più di una volta. E lo spettacolo finì, il pubblico se ne andò Teatro. Diapositiva 11. La base dell'arte del teatro è l'azione, mettere in scena eventi uno dopo l'altro, esistenti nel presente, generale per un attore, luogo del palcoscenico e spettatore. Una performance è un'azione che si svolge nel tempo e nello spazio quando un attore (es. "attivo") appare davanti allo spettatore, recitazione (da solo o in squadra) a nome dell'immagine artistica da lui creata. L'azione si manifesta come l'emergere e la risoluzione di un conflitto tra personaggi, tra personaggi e una situazione. In cosa consiste l'azione, parleremo con te al prossimo classi. Diapositiva 12. Osserviamo lo schermo e ricordiamo con te le caratteristiche distintive arte teatrale. Ottimo.

insegnante: Ora ci riposiamo un po' e ci sistemiamo "Concorso letterario di eroi delle fiabe". Tutti a turno si alzano e leggono al massimo "espressione", meravigliosamente 4 versi di qualsiasi poesia per conto di qualsiasi eroe delle fiabe. C'è uno condizione: Inizia a leggere una poesia con le parole "Non ho paura di niente, perché sono... Serpent Gorynych".

insegnante: Grazie ragazzi! Siete stati tutti irresistibili! Tutti ci hanno provato molto! Mi piacerebbe sentire la tua opinione su chi è stato più emotivo e interessante per te nel mostrare questo schizzo. Dichiarazioni per bambini.

insegnante: Bene! Quindi, l'eroe delle fiabe più interessante era oggi .... Voglio ringraziarlo. Bene, da parte del pubblico, il più grande gratitudine: Sono applausi!

insegnante: Bene, ora io Ti suggerisco di giocare già a te familiare "Naso, pavimento, soffitto".

Il gioco "Naso, pavimento, soffitto"

insegnante: Ricorda il tuo un compito: indica quello che senti, non quello che vedi. Chiaro? (Partita in corso). Bravi ragazzi. Questo è un gioco di consapevolezza. Bene! Adesso io propongo stai liberamente in tutta l'area libera. Ti muoverai al ritmo della musica e io ti darò i comandi per l'azione. Tuo un compito: senza esitazione, soddisfali.

insegnante: Fuoco! Panico! Naufragio! Tempesta! Vento! Piovere! Uragano! Buio! Calore! Discussione! Ben fatto! Ognuno ha cercato di trasmettere sentimenti a seconda della situazione. Saremo in grado di giocare ad altri giochi con te su quanto segue classi.

insegnante: E ora, io propongo sedersi sulle sedie in ordine alfabetico. Bene!

Fase V - controllo Per identificare la qualità e il livello di padronanza delle conoscenze, la loro correzione insegnante: Abbiamo lavorato molto bene oggi.

insegnante: Ragazzi, oggi abbiamo imparato molte cose nuove. Chi ricorda il tema del ns Lezioni? E chi può dire a cosa serviva teatro in tempi diversi? Ora è l'era dell'elettronica, del cinema, della televisione. Potrebbe questa era distruggere Teatro? Che cosa è per una persona Teatro? A che tipo l'arte applica il teatro? Come capisci la parola "spettacolo"? Quali caratteristiche teatro che ricordi? Quali tipi l'arte unisce l'arte teatrale? Quali professioni possono essere chiamati i creatori del gioco? Dove si svolge lo spettacolo? Perché il teatro si chiama arte viva, momentaneo?

Fase VI - finale Fornire un'analisi e una valutazione del successo del raggiungimento dell'obiettivo e delineare le prospettive per ulteriori lavori. insegnante: Ragazzi, oggi avete lavorato tutti con successo, imparato molte cose nuove. Hanno fatto un buon lavoro. Siete tutti fantastici! Hai immagini meravigliose che hai creato in schizzi ed esercizi. Il successivo classi continueremo ad ampliare la nostra conoscenza di Teatro e conoscere questo bellissimo paese un sacco di cose interessanti.

Fase VII - Motivazione riflessiva dei bambini all'autostima. insegnante: Dimmi, per favore, cosa ricordi, ti è piaciuto oggi?

Quali erano i compiti? Cosa ne pensi? Cosa non era chiaro? Chi era bravo lezione? Come mai? Chi ha avuto soddisfazione creativa? Cosa hai preso oggi? Cosa ti è piaciuto del tuo lavoro? Chi ha creduto nel loro successo?

Fase VIII - Informativo Fornire una comprensione dello scopo, del contenuto e dei metodi di fare i compiti insegnante: Bambini, oggi lezione abbiamo lavorato molto. Se oggi qualcosa non ha funzionato per qualcuno, funzionerà sicuramente la prossima volta. Ti auguro buona fortuna!

insegnante: Grazie per l'attenzione! Buona fortuna sempre e in tutto! Ti passo una faccina sorridente e voglio che tu faccia una domanda a qualcuno della nostra cerchia ed esprima la tua opinione sull'odierna lezione rispondere alle domande degli amici.

Il gioco "Parla agli amici"

insegnante: Grazie per il tuo lavoro! Sarò molto felice di incontrarti al prossimo lezione! Arrivederci! Domande.

Lezione di letteratura come base per lo studio del teatro. Lezione di letteratura "Alla locandina del teatro

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introduzione