Chi è entrato nel mondo dell'arte un'associazione di artisti. Enciclopedia scolastica

L'associazione artistica e la rivista "World of Art" sono fenomeni significativi nella cultura russa dell'età dell'argento, che esprimono vividamente una delle tendenze estetiche essenziali del loro tempo. Il Commonwealth del mondo dell'arte ha iniziato a prendere forma a San Pietroburgo negli anni '90. XIX secolo. intorno a un gruppo di giovani artisti, scrittori e lavoratori dell'arte che si sforzano di rinnovare la vita culturale e artistica della Russia. I principali iniziatori furono A. N. Benois, S. P. Diaghilev, D. V. Filosofov, K. A. Somov, L. S. Bakst, in seguito M. V. Dobuzhinsky e altri. amici con la stessa cultura e gusto comune. " Nel 1898 fu pubblicato il primo numero della rivista "World of Art", che fu principalmente preparato da Filosofov, nel 1899 si tenne la prima delle cinque mostre della rivista, l'associazione stessa fu formalizzata nel 1900. La rivista esistette fino al fine del 1904, e dopo la rivoluzione del 1905 l'attività ufficiale dell'associazione cessò. Nelle mostre sono stati coinvolti, oltre ai membri dell'associazione, artisti di spicco del volgere del secolo, che condividevano la linea spirituale ed estetica del “Mondo dell'Arte”. Tra questi ci sono i nomi di K. Korovin, M. Vrubel, V. Serov, N. Roerich, M. Nesterov, I. Grabar, F. Malyavin. Sono stati invitati anche maestri stranieri. Sulle pagine della rivista sono stati pubblicati anche molti pensatori e scrittori religiosi russi che si sono schierati per il "rinascimento" della spiritualità in Russia. Questi sono V. Rozanov, D. Merezhkovsky, L. Shestov, N. Minsky e altri.La rivista e l'associazione nella loro forma originale non sono durate a lungo, ma lo spirito del mondo dell'arte, la sua pubblicazione, organizzazione, esposizione e le attività educative hanno lasciato un segno nella cultura e nell'estetica russa e i membri dell'associazione hanno mantenuto questo spirito e preferenze estetiche quasi per tutta la vita. Nel 1910-1924. Il "Mondo dell'Arte" riprende la sua attività, ma già in una composizione molto ampliata e senza una prima linea estetica (essenzialmente estetica) sufficientemente orientata. Molti dei rappresentanti dell'associazione negli anni '20. si trasferirono a Parigi, ma anche lì rimasero aderenti ai gusti artistici della loro giovinezza.

Due idee principali hanno unito i partecipanti al World of Art in una comunità integrale: 1. Il desiderio di restituire all'arte russa la principale qualità dell'arte arte, per liberare l'arte da ogni tendenza (sociale, religiosa, politica, ecc.) e indirizzarla in un canale puramente estetico. Da qui, lo slogan l'art pour l'art, popolare tra loro, sebbene vecchio nella cultura, rifiuto dell'ideologia e della pratica artistica dell'accademismo e del movimento itinerante, un interesse speciale per le tendenze romantiche e simboliste nell'arte, nel Pre- Raffaelliti, Nabid francesi, nella pittura de Chavannes di Puvi, nella mitologia di Böcklin, nell'estetismo di Jugendstil, nell'Art Nouveau, ma anche nella fiaba di ETA Hoffmann, nella musica di R. Wagner, nel balletto come forma di pura arte, ecc. .; una tendenza a includere la cultura e l'arte russa in un ampio contesto artistico europeo. 2. Su questa base - romanticizzazione, poeticizzazione, estetizzazione del patrimonio nazionale russo, in particolare tra la fine del XVIII e l'inizio del XIX secolo, orientata verso la cultura occidentale, in generale, l'interesse per la cultura post-petrina e l'arte popolare tarda, per la quale il principale i membri dell'associazione hanno ricevuto il soprannome nei circoli artistici "Sognatori retrospettivi".

La tendenza principale del "Mondo dell'arte" era il principio dell'innovazione nell'arte basata su un gusto estetico altamente sviluppato. Da qui le predilezioni artistiche ed estetiche, e le attitudini creative del mondo dell'arte. In realtà, crearono una solida versione russa di quel movimento esteticamente acuito a cavallo del secolo, che gravitava verso la poetica del neoromanticismo o del simbolismo, verso la melodia decorativa ed estetica della linea e in diversi paesi aveva nomi diversi ( Art Nouveau, Secession, Jugendstil), e in Russia era chiamato lo stile "moderno".

Gli stessi partecipanti al movimento (Benoit, Somov, Dobuzhinsky, Bakst, Lanceray, Ostroumova-Lebedeva, Bilibin) non erano grandi artisti, non hanno creato capolavori artistici o opere eccezionali, ma hanno scritto diverse pagine molto belle, quasi estetiche nella storia di Arte russa, mostrando in realtà al mondo che l'arte russa non è estranea allo spirito dell'estetismo di orientamento nazionale nel senso migliore di questo termine ingiustamente sminuito. Linearità raffinata (grafica - hanno portato la grafica russa al livello di una forma d'arte indipendente), sottile decoratività, nostalgia per la bellezza e il lusso delle epoche passate, a volte le tendenze neoclassiche e l'intimità nelle opere da cavalletto erano caratteristiche dello stile della maggior parte del mondo artisti. Allo stesso tempo, molti di loro gravitavano verso la sintesi teatrale delle arti - da qui la loro partecipazione attiva a spettacoli teatrali, progetti di Diaghilev e "stagioni russe", un crescente interesse per la musica, la danza, il teatro moderno in generale. È chiaro che la maggior parte del mondo dell'arte era diffidente e, di regola, fortemente correlato ai movimenti d'avanguardia del loro tempo. Il Mondo dell'Arte ha cercato di trovare nell'arte un proprio percorso innovativo, un percorso alternativo degli artisti d'avanguardia, saldamente connesso con le migliori tradizioni dell'arte del passato. Oggi lo vediamo nel ventesimo secolo. gli sforzi del Mondo degli Artisti praticamente non ebbero alcuno sviluppo, ma nel primo terzo del secolo contribuirono al mantenimento di un alto livello estetico nelle culture domestiche ed europee e lasciarono un buon ricordo nella storia dell'arte e della cultura spirituale .

Associazione Artistica "Mondo dell'Arte"

The World of Art (1898-1924) è un'associazione artistica formatasi in Russia alla fine degli anni '90 dell'Ottocento. Una rivista è stata pubblicata con lo stesso nome, pubblicata dal 1898 dai membri del gruppo. I fondatori del "World of Art" furono l'artista di San Pietroburgo A. N. Benois e la figura teatrale S. P. Diaghilev. Si dichiarò a gran voce organizzando la "Mostra di artisti russi e finlandesi" nel 1898 al Museo della Scuola Centrale di Disegno Tecnico del Barone A. L. Stieglitz. Il periodo classico della vita dell'associazione cade nel 1900-1904. - in questo momento, il gruppo era caratterizzato da una speciale unità di principi estetici e ideologici. Gli artisti hanno organizzato mostre sotto l'egida della rivista World of Art. Dopo il 1904, l'associazione si espanse e perse la sua unità ideologica. Nel 1904-1910. la maggior parte dei membri del World of Art erano membri dell'Unione degli artisti russi. Dopo la rivoluzione, molti dei suoi leader furono costretti ad emigrare. L'associazione in realtà cessò di esistere nel 1924. Gli artisti del "Mondo dell'arte" diedero priorità al principio estetico nell'arte e si sforzarono per la modernità e il simbolismo, opponendosi alle idee dei Vagabondi. L'arte, secondo loro, dovrebbe esprimere la personalità dell'artista.

L'associazione comprendeva artisti:

Bakst, Lev Samoilovich

Roerich, Nicholas Konstantinovich

Dobuzhinsky, Mstislav Valerianovich

Lanceray, Evgeny Evgenievich

Mitrokhin, Dmitry Isidorovič

Ostroumova-Lebedeva, Anna Petrovna

Chambers, Vladimir Yakovlevich

Yakovlev, Alexander Evgenievich

Somov, Konstantin Andreevich

Zionglinsky, Yan Frantsevich

Purvit, Wilhelm

Sunnerberg, Konstantin Alexandrovich, critico

"Ritratto di gruppo dei membri dell'associazione" World of Art "". 1916-1920 B. M. Kustodiev.

ritratto - Diaghilev Sergei Petrovich (1872 - 1925)

Sergei Diaghilev è nato il 19 (31) marzo 1872 a Selishchi, nella provincia di Novgorod, nella famiglia di un nobile militare ereditario Pavel Pavlovich Diaghilev. Sua madre morì pochi mesi dopo la nascita di Sergei, e fu allevato dalla matrigna Elena, figlia di V.A.Panaev. Da bambino, Sergei viveva a San Pietroburgo, poi a Perm, dove prestava servizio suo padre. Il fratello del padre, Ivan Pavlovich Diaghilev, era un filantropo e fondatore di un circolo musicale. A Perm, all'angolo delle strade Sibirskaya e Pushkin (ex Bolshaya Yamskaya), è conservata la casa ancestrale di Sergei Diaghilev, dove ora si trova la palestra che porta il suo nome. La villa nello stile del tardo classicismo russo fu costruita negli anni '50 del XIX secolo su progetto dell'architetto R.O. Karvovsky. Per tre decenni la casa è appartenuta alla grande e amichevole famiglia Diaghilev. Nella casa chiamata dai contemporanei "Perm Athens", l'intellighenzia cittadina si è riunita il giovedì. Qui hanno suonato musica, cantato, suonato in casa. Dopo essersi diplomato al ginnasio di Perm nel 1890, tornò a San Pietroburgo ed entrò nella facoltà di giurisprudenza dell'università, mentre studiava musica con N. A. Rimsky-Korsakov al Conservatorio di San Pietroburgo. Nel 1896 Diaghilev si laureò all'università, ma invece di studiare legge, iniziò la sua carriera come lavoratore artistico. Pochi anni dopo aver conseguito il diploma, fondò, insieme ad A. Benois, l'associazione World of Art, diresse l'omonima rivista (dal 1898 al 1904) e scrisse egli stesso articoli di storia dell'arte. Organizzò mostre che suscitarono un'ampia risonanza: nel 1897 - una Mostra di acquerelli inglesi e tedeschi, presentando al pubblico russo alcuni dei maggiori maestri di questi paesi e le tendenze moderne nelle arti visive, poi una Mostra di artisti scandinavi nelle sale della Società per l'incoraggiamento delle arti, una mostra di artisti russi e finlandesi nel Museo Stieglitz (1898) lo stesso mondo degli artisti considerava la loro prima esibizione (Diaghilev riuscì ad attirare altri importanti rappresentanti della giovane arte - Vrubel, Serov, Levitan, ecc.) Mostra storica e artistica di ritratti russi a San Pietroburgo (1905); Esposizione di arte russa al Salon d'autunno di Parigi con la partecipazione di opere di Benoit, Grabar, Kuznetsov, Malyavin, Repin, Serov, Yavlensky (1906) e altri.

Benois Aleksandr Nikolaevich (1870 - 1960)

Alexander Nikolaevich Benois (21 aprile (3 maggio, 1870 - 9 febbraio 1960) - Artista russo, storico dell'arte, critico d'arte, fondatore e capo ideologo dell'associazione World of Art. Nato il 21 aprile (3 maggio) 1870 a San Pietroburgo, nella famiglia dell'architetto russo Nikolai Leontievich Benois e Camilla Albertovna Benois (figlia dell'architetto A. K. Kavos). Diplomato presso il prestigioso 2 ° ginnasio di San Pietroburgo. Per qualche tempo ha studiato all'Accademia delle Arti, ha studiato anche le arti visive in modo indipendente e sotto la guida del fratello maggiore Albert. Nel 1894 iniziò la sua carriera di teorico e storico dell'arte, scrivendo un capitolo sugli artisti russi per la collezione tedesca History of 19th Century Painting. Nel 1896-1898 e nel 1905-1907 lavorò in Francia. Divenne uno degli organizzatori e ideologi dell'associazione artistica "World of Art", fondò la rivista con lo stesso nome. Nel 1916-1918, l'artista creò le illustrazioni per il poema di Alexander Pushkin "Il cavaliere di bronzo". Nel 1918 Benoit divenne il capo della Pinacoteca dell'Ermitage e pubblicò il suo nuovo catalogo. Ha continuato a lavorare come artista di libri e di teatro, in particolare ha lavorato alla progettazione di spettacoli BDT. Nel 1925 partecipa all'Esposizione Internazionale di Arti Decorative e Industriali Contemporanee di Parigi. Nel 1926, Benoit lasciò l'URSS senza tornare da un viaggio d'affari all'estero. Ha vissuto a Parigi, ha lavorato principalmente su bozzetti di scene e costumi teatrali. Alexander Benois ha svolto un ruolo significativo nelle produzioni dell'impresa di balletto di S. Diaghilev "Ballets Russes", come artista e autore - regista. Benoit morì il 9 febbraio 1960 a Parigi.

Ritratto di Benoit

Autoritratto, 1896

- Seconda serie di Versailles (1906), Compreso:

Le prime opere retrospettive di Benoit sono legate al suo lavoro a Versailles. Una serie di piccoli dipinti realizzati ad acquarello e gouache e uniti da un tema comune - "Le ultime passeggiate di Luigi XIV", appartiene agli anni 1897-1898. La seconda serie Versailles di Benois, creata nel 1905-1906, è molto più ampia di The Last Walks of Louis XIV ed è più varia nei contenuti e nella tecnica. Comprende bozzetti della natura, dipinti nel parco di Versailles, retrospettive di dipinti storici e di genere, "fantasie" originali su temi architettonici e paesaggistici, immagini di spettacoli teatrali di corte a Versailles. La serie comprende opere con colori ad olio, tempere, gouache e acquerelli, disegni a sanguigna e seppia. Queste opere possono essere chiamate solo condizionatamente una "serie", poiché sono collegate tra loro solo da una certa unità di umore che si è sviluppata nel momento in cui Benoit, nelle sue parole, era "intossicato da Versailles" e "completamente spostato nel passato", cercando di dimenticare la tragica realtà russa nel 1905. L'artista cerca qui di informare lo spettatore quante più informazioni fattuali sull'epoca, sulle forme dell'architettura, sui costumi, trascurando in qualche modo il compito di ricreazione figurativamente-poetica del passato. Tuttavia, la stessa serie comprende opere che sono tra le opere di maggior successo di Benoit, meritatamente ampiamente conosciute: "Parade under Paul I" (1907, State Russian Museum;), "Exit of Empress Catherine II in the Tsarskoye Selo Palace" (1909 , Galleria d'arte statale dell'Armenia, Yerevan), "Petersburg Street under Peter I" (1910, collezione privata a Mosca) e "Peter I Walking in the Summer Garden" (1910, Museo di Stato russo). In queste opere si può notare un cambiamento nel principio stesso del pensiero storico dell'artista. Infine, non sono i monumenti dell'arte antica, non le cose ei costumi, ma le persone che cadono al centro dei suoi interessi. Le multiformi scene storiche e quotidiane dipinte da Benoit ricreano l'aspetto di una vita passata, vista come attraverso gli occhi di un contemporaneo.

- "La passeggiata del re" (Galleria Tretyakov)

48x62

Carta su tela, acquarello, tempera, vernice bronzo, vernice argento, matita, penna, pennello.

Galleria Statale Tretyakov. Mosca.

In The Walk of the King, Alexandre Benois trasporta lo spettatore nel magnifico parco di Versailles del tempo di Luigi XIV. Descrivendo le passeggiate del re, l'autore non ha ignorato nulla: né viste sul parco con architettura da giardino (sono scritte dalla natura), né spettacoli teatrali, che erano molto di moda nei tempi antichi, né scene quotidiane disegnate dopo un attento studio del materiale storico. The King's Walk è un pezzo molto efficace. Lo spettatore incontra Luigi XIV, passeggiando attraverso la sua idea. È autunno a Versailles: alberi e arbusti hanno lasciato cadere il fogliame, i loro rami spogli guardano solitari nel cielo grigio. L'acqua è calma. Sembra che nulla possa disturbare il tranquillo laghetto, nello specchio del quale si riflettono il gruppo scultoreo della fontana e il corteo cerimoniale del monarca e del suo seguito. Sullo sfondo di un paesaggio autunnale, l'artista raffigura la solenne processione del monarca con i suoi cortigiani. Modellazione in aereo delle figure che camminano come se le trasformasse in fantasmi di un'epoca passata. Tra il seguito di corte, è difficile trovare lo stesso Luigi XIV. Il Re Sole non è importante per l'artista. Benoit è molto più interessato all'atmosfera dell'epoca, al respiro del parco di Versailles dei tempi del suo incoronato proprietario. Quest'opera è inclusa nel secondo ciclo di dipinti, scene di resurrezione della vita di Versailles dell'era del "re sole". La Versailles di Benois è una sorta di elegia paesaggistica, un mondo meraviglioso che appare agli occhi di una persona moderna sotto forma di una scena desolata con uno scenario fatiscente di uno spettacolo di lunga durata. Un tempo magnifico, pieno di suoni e colori, questo mondo ora sembra un po' spettrale, ombreggiato dal silenzio del cimitero. Non è un caso che Benois ritragga un parco di Versailles in The King's Walk in autunno e nell'ora del crepuscolo serale leggero, quando l'"architettura" senza foglie di un normale giardino alla francese sullo sfondo di un cielo chiaro si trasforma in un trasparente, edificio effimero. Il vecchio re, parlando con la dama di compagnia, accompagnato dai cortigiani che camminano a intervalli precisi dietro e davanti a loro, come le figure di un vecchio orologio a carica, sotto il leggero rintocco di un minuetto dimenticato, scivolano lungo il bordo del serbatoio. Il carattere teatrale di questa fantasia retrospettiva è sottilmente svelato dall'artista stesso: anima le figure dei vivaci amorini che abitano la fontana, raffigurano comicamente un rumoroso pubblico seduto in libertà ai piedi del palco che osserva lo spettacolo di burattini interpretato dal popolo .

- "Bagno del Marchese"

1906 gr.

Paesaggio storico pittoresco russo

51x47.5

cartone, guazzo

Il dipinto "Bagno della Marchesa" raffigura un angolo appartato del Parco di Versailles nascosto tra una fitta vegetazione. I raggi del sole penetrano in questo rifugio ombreggiato, illuminando la superficie dell'acqua e la tenda da bagno. Quasi simmetrica nella composizione, costruita secondo la prospettiva frontale, l'immagine dà l'impressione dell'impeccabile bellezza del motivo e del colore. I volumi dalle chiare forme geometriche sono stati accuratamente elaborati (orizzontali leggeri - il suolo, discese verso l'acqua, e verticali - le pareti illuminate dei boschetti, le colonne del gazebo). Il grazioso padiglione di marmo bianco illuminato dal sole, che vediamo nell'intercapedine degli alberi, è raffigurato nella parte superiore del quadro, direttamente sopra la testa della marchesa. Maschere decorative, da cui leggeri flussi d'acqua si riversano nella vasca, rompono l'orizzontale della parete bianca della piscina. E anche l'abito leggero della tenda gettata sulla panca (quasi coincidente con il punto di fuga delle linee che si estendono in profondità) è un elemento compositivo necessario in questo disegno attentamente studiato. Il centro compositivo non è, ovviamente, una panchina con i vestiti, anche se si trova nel centro geometrico, ma l'intero complesso "quadrangolare" con un asse verticale centrale, dove sembra il gazebo illuminato dal sole sopra la testa della tenda da sole un gioiello, come una corona. La testa della tenda da sole completa organicamente questo complesso schema simmetrico di orizzontali, verticali e diagonali. In un parco rigorosamente pensato e pianificato, anche i suoi abitanti completano la sua perfezione solo con la loro presenza. Sono solo un elemento della composizione, sottolineandone la bellezza e lo splendore.

I miriskussiani sono spesso rimproverati per la mancanza di "pittura" nei loro dipinti. Possiamo dire in risposta a ciò che il "Bagno della Marchesa" è una celebrazione del verde con una varietà delle sue sfumature. L'artista ammira semplicemente la bellezza e il tripudio della vegetazione fresca. Il primo piano dell'immagine è scritto in modo generalizzato. La luce soffusa che splende attraverso il fogliame illumina i pendii verso l'acqua di balneazione, acqua scura dipinta attraverso colori blu-grigi e blu-verdi profondi. Il piano a lungo raggio è stato elaborato in modo più dettagliato: il fogliame degli alberi è dipinto con cura e maestria, foglia per foglia, il moiré del fogliame sui boschetti è costituito da puntini più piccoli, tratti colorati. All'ombra, vediamo verdi freddi tenui e luminosi di diverse tonalità. Il fogliame lussuoso e illuminato dal sole al centro è dipinto con piccoli tratti bluastri freddi e verdi caldi. È come se l'artista immergesse il verde nei raggi di luce, esplorando la natura del verde. Ombre blu profonde, terra grigio-viola, un vestito viola con un motivo blu, una sciarpa gialla, un cappello con fiori blu intorno al nastro, puntini bianchi di fiori su un pendio verde e gocce di rosso sull'acconciatura della marchesa, sul nero la testa di donna impedisce che l'opera diventi verde monocroma. "Bagno del Marchese" - un paesaggio storico.

- Illustrazioni alla poesia di A.S. "Il cavaliere di bronzo" di Pushkin (1904-22.), Compreso:

Nei primi decenni del ventesimo secolo furono realizzati i disegni di Alexander Nikolaevich Benois (1870 - 1960) per "Il cavaliere di bronzo" - il meglio che sia stato creato nell'intera storia dell'illustrazione di Pushkin. Benoit iniziò a lavorare su The Bronze Horseman nel 1903. Nei successivi 20 anni, ha creato un ciclo di disegni, copricapi e finali, oltre a un numero enorme di opzioni e schizzi. La prima edizione di queste illustrazioni, che si stava preparando per un'edizione tascabile, fu creata nel 1903 a Roma ea San Pietroburgo. Diaghilev li pubblicò in un formato diverso nel primo numero della rivista "World of Art" nel 1904. Il primo ciclo di illustrazioni consisteva in 32 disegni, realizzati a inchiostro e acquerelli. Nel 1905, A.N. Benois, mentre si trovava a Versailles, rielaborò sei delle sue precedenti illustrazioni e completò il frontespizio per The Bronze Horseman. Nei nuovi disegni per Il cavaliere di bronzo, il tema dell'inseguimento dell'omino da parte del Cavaliere diventa quello principale: il cavaliere nero sul fuggitivo non è tanto il capolavoro di Falcone quanto la personificazione della forza e del potere crudeli. E San Pietroburgo non è quella che conquista con la sua perfezione artistica e la portata delle idee costruttive, ma una città cupa: un gruppo di case cupe, file commerciali, recinzioni. L'ansia e l'ansia che attanagliavano l'artista in questo periodo si trasformano qui in un vero e proprio grido sul destino dell'uomo in Russia. Nel 1916, 1921-1922, il ciclo fu rivisto per la terza volta e integrato con nuovi disegni.

- "Scena di inseguimento" (frontespizio)

Schizzo del frontespizio del poema di Alexander Pushkin "Il cavaliere di bronzo", 1905

Grafica del libro

23,7 x 17,6 pollici

acquerello su carta

Museo panrusso di A.S. Pushkin, San Pietroburgo

Nel 1905, AN Benois, mentre si trovava a Versailles, rielaborò sei delle sue precedenti illustrazioni e completò il frontespizio (il frontespizio è una pagina con un'immagine che forma uno spread con la prima pagina del foglio del titolo, e questa stessa immagine). Cavaliere di bronzo"... Nei nuovi disegni per Il Cavaliere di Bronzo, il tema dell'inseguimento dell'omino da parte del Cavaliere diventa quello principale: il cavaliere nero sul fuggitivo non è tanto il capolavoro di Falcone quanto la personificazione della forza e del potere crudeli. E San Pietroburgo non è quella che conquista con la sua perfezione artistica e la portata delle idee costruttive, ma una città cupa: un gruppo di case cupe, file commerciali, recinzioni. L'ansia e l'ansia che attanagliavano l'artista in questo periodo si trasformano qui in un vero e proprio grido sul destino dell'uomo in Russia. A sinistra in primo piano c'è la figura di Evgenij in corsa, a destra - il cavaliere a cavallo che lo sorpassa. In fondo è il paesaggio urbano. La luna è visibile da dietro le nuvole a destra. Un'ombra enorme dalla figura del cavaliere cade sul marciapiede. Mentre lavorava a "The Bronze Horseman", ha definito la più alta ascesa del lavoro di Benoit di questi anni.

Somov Konstantin Andreevich (1869 - 1939)

Konstantin Andreevich Somov (30 novembre 1869, San Pietroburgo - 6 maggio 1939, Parigi) - Pittore e grafico russo, maestro del ritratto e del paesaggio, illustratore, uno dei fondatori della società "World of Art" e della rivista dello stesso nome. Konstantin Somov è nato nella famiglia di una famosa figura museale, il curatore dell'Ermitage, Andrei Ivanovich Somov. Mentre era ancora in palestra, Somov incontrò A. Benois, V. Nouvel, D. Filosofov, con i quali in seguito partecipò alla creazione della società World of Art. Somov prese parte attiva alla progettazione della rivista "World of Art", così come il periodico "Art Treasures of Russia" (1901-1907), diretto da A. Benois, creò illustrazioni per "Conte Nulin" di A. Pushkin (1899), le storie "The Nose" e "Nevsky Prospect" (1901) di N. Gogol, dipinse le copertine delle raccolte di poesie di K. Balmont "The Firebird. Svirel dello slavo ", V. Ivanov" Cor Ardens ", il frontespizio del libro di A. Blok" Theatre "e altri. La prima mostra personale di dipinti, schizzi e disegni (162 opere) si è tenuta a San Pietroburgo nel 1903; 95 opere sono state esposte ad Amburgo e Berlino nello stesso anno. Insieme alla pittura e alla grafica di paesaggi e ritratti, Somov lavorò nel campo della piccola plastica, creando squisite composizioni in porcellana "Count Nulin" (1899), "Lovers" (1905), ecc. Nel gennaio 1914 ricevette lo status di membro a pieno titolo dell'Accademia delle Arti. Nel 1918, la casa editrice di Golike e Vilborg (San Pietroburgo) pubblicò l'edizione più famosa e completa con illustrazioni erotiche di Somov: Il libro della marchesa, dove l'artista creò non solo tutti gli elementi di design del libro, ma anche testi selezionati in francese. Nel 1918 divenne professore presso i laboratori didattici statali di arte libera di Pietrogrado; ha lavorato alla scuola di E. N. Zvantseva. Nel 1919, la sua mostra personale giubilare ebbe luogo presso la Galleria Tretyakov. Nel 1923, Somov lasciò la Russia per l'America come rappresentante autorizzato della "Mostra russa"; nel gennaio 1924, in una mostra a New York, Somov fu presentato con 38 opere. Non è tornato in Russia. Dal 1925 visse in Francia; Morì improvvisamente il 6 maggio 1939 a Parigi.

Ritratto di Somov

Autoritratto, 1895

Autoritratto, 1898

46 x 32,6 pollici

Acquerello, matita, pastello, carta su cartoncino

Autoritratto, 1909

45,5 x 31

Acquerello, guazzo, carta

Galleria Statale Tretyakov, Mosca

- “Signora in blu. Ritratto dell'artista Elizaveta Martynova "(1897-1900, Galleria Statale Tretyakov)

L'artista era da tempo amico di Elizaveta Mikhailovna Martynova, ha studiato con lei all'Accademia delle Arti. Nel 1897 K. Somov iniziò a lavorare al ritratto di E.M. Martynova, con un piano dettagliato. L'artista aveva davanti a sé un modello molto interessante ed era preoccupato per l'idea di un ritratto in cui potesse catturare un'immagine profondamente poetica. Una giovane donna in un abito lussureggiante, fortemente scollato, con un volume di poesie nella mano abbassata, è raffigurata in piedi contro un muro verde di un cespuglio troppo cresciuto. MANGIARE. L'artista porta Martynova nel mondo del passato, la veste con un vecchio abito e colloca la modella sullo sfondo di un parco decorativo convenzionale. Il cielo della sera con nuvole rosa chiaro, gli alberi di un vecchio parco, la superficie scura del bacino idrico - tutto questo ha un colore squisito, ma, come un vero "mondo dell'arte", K. Somov stilizza il paesaggio. Guardando questa donna sola e desiderosa, lo spettatore non la percepisce come una persona di un altro mondo, passato e lontano. Questa è una donna della fine del XIX secolo. Tutto in lei è caratteristico: sia fragilità dolorosa, sia una sensazione di dolorosa malinconia, tristezza nei suoi grandi occhi e una fitta linea di labbra tristemente compresse. Sullo sfondo del cielo che respira con eccitazione, la fragile figura di E.M. Martynova è piena di grazia e femminilità speciali, nonostante il collo sottile, le spalle sottili e inclinate, la tristezza e il dolore nascosti. Nel frattempo, nella vita di E.M. Tutti conoscevano Martynova come una giovane donna allegra e allegra. MANGIARE. Martynova sognava un grande futuro, voleva realizzarsi nella vera arte e disprezzava il trambusto della vita quotidiana. Ed è successo che all'età di 30 anni è morta di tubercolosi polmonare, non avendo il tempo di realizzare nulla del suo piano. Nonostante lo splendore del ritratto, c'è una nota soul nascosta in esso. E fa provare allo spettatore lo stato d'animo dell'eroina, per essere intriso della simpatia per lei, di cui l'artista stesso era pieno. "Lady in Blue" apparve alla mostra "World of Arts" nel 1900 (a causa della partenza dell'artista per Parigi e della malattia della modella, questo dipinto fu dipinto per tre anni) con il titolo "Ritratto", e tre anni dopo fu acquisito dalla Galleria Tretyakov.

- "Sera" (1902, Galleria Statale Tretyakov)

142,3 x 205,3

Tela, olio

Galleria Statale Tretyakov, Mosca

Il poeta Valery Bryusov definì Somov "l'autore di squisiti racconti". Dopotutto, i racconti di Somov sono teatrali in tutto e per tutto. La "realtà" di Som appare stilisticamente completata nel dipinto "La sera" (1902). Tutto qui corrisponde a un singolo ritmo armonioso e cerimoniale: ripetizioni di arcate, alternanza di piani di boschetti che si allontanano in lontananza, movimenti lenti, quasi ritualistici delle dame.Anche la natura qui è un'opera d'arte, con i tratti dello stile, ispirata al Settecento Ma è soprattutto il mondo "Somov", mondo incantato, stranamente statico del cielo dorato e delle sculture dorate, dove l'uomo, la natura e l'arte sono in un'unità armoniosa. Foglie, proietta riflessi sui vestiti e sui volti delle persone, addolcendo il sonoro smeraldo e i colori scarlatti dei vestiti eccetera. È un piacere guardare i dettagli finemente realizzati di servizi igienici, anelli, nastri, scarpe con il tacco rosso. Non c'è una vera monumentalità nel dipinto "Sera". Il mondo Somovsky porta con sé l'effimero dello scenario, quindi la grande dimensione della tela sembra essere casuale. Questa è una miniatura ingrandita. Il talento da camera di Somov, intimo, gravita sempre verso il miniaturismo. I contemporanei percepirono "Evening" come un contrasto con la realtà: "Un'epoca che ci sembra ingenua, con muscoli deboli, senza locomotive a vapore - lente, striscianti (rispetto alla nostra) - e come può impossessarsi della natura, sedurre natura, quasi facendone un prolungamento del suo costume"... Le retrospettive di Somov hanno spesso una sfumatura fantasticamente immaginaria, le fantasie hanno quasi sempre una sfumatura retrospettiva.

- "L'Arlecchino e la Dama" (1912, Galleria Tretyakov)

1912 1921

62,2 x 47,5 pollici

Galleria Statale Tretyakov, Mosca

Il concetto artistico di Somov acquista qui una completezza speciale. L'intera costruzione del quadro è francamente paragonata alla scena teatrale. I due personaggi principali si trovano in primo piano, al centro del quadro, di fronte allo spettatore, come gli attori della commedia Marivaux, che conducono un dialogo. Le figure sul retro sono come personaggi minori. Gli alberi, illuminati dalla falsa luce dei fuochi d'artificio, come faretti teatrali, la piscina, parte della quale è visibile in primo piano, fanno pensare alla fossa dell'orchestra. Anche il punto di vista dei personaggi dal basso sembra essere quello dello spettatore dalla sala del teatro. L'artista ammira questa colorata mascherata, in cui un arlecchino ricurvo nel suo abbigliamento a macchie rosse, gialle e blu abbraccia timidamente una signora in robron, che si è tolta la maschera, dove le rose rosse bruciano luminose e i fuochi d'artificio festosi sono sparsi nel cielo . Per Somov, questo mondo ingannevole di fantasmi con la loro fugace esistenza è più vivo della realtà stessa.

Una serie di ritratti grafici, incl. -

- "Ritratto di A. Blok" (1907, Galleria Tretyakov)

"Ritratto di Alexander Alexandrovich Blok", 1907

38 x 30

Piombo e matite colorate, gouache su carta

Galleria Statale Tretyakov, Mosca

Nel 1907 Somov creò le immagini di L. A. Blok. In essi si possono vedere tracce dello studio più vicino al ritratto a matita francese (con l'uso della sanguigna) della fine del XVI e soprattutto del XVII secolo, sebbene i ritratti di Somov non siano in alcun modo un'imitazione diretta. Le tradizioni del ritratto a matita francese sono state trasformate da Somov oltre il riconoscimento. Il carattere dell'immagine è completamente diverso. Nei ritratti di Blok e Lancer (entrambi nella Galleria di Stato Tretyakov) Somov cerca la massima brevità. Ora nel ritratto di Blok c'è un'immagine della spalla. Tutti i dettagli irrilevanti vengono scartati. Somov delinea con parsimonia il contorno della sola silhouette delle spalle e quei dettagli del costume che sono parte integrante dell'immagine di quello raffigurato: i colletti rovesciati che Blok indossava sempre. In contrasto con il laconismo nella rappresentazione della figura e del costume, il volto del ritratto è accuratamente elaborato e l'artista introduce alcuni accenti di colore nella loro resa, che suonano particolarmente espressivi nel ritratto di Blok. L'artista rende con matite colorate l'aspetto freddo e "invernale" degli occhi grigio-blu di Blok, il rosa delle sue labbra semiaperte, con il bianco - una piega verticale che taglia una fronte liscia. Il viso di Blok, incorniciato da un berretto di folti capelli ricci, ricorda una maschera congelata. Il ritratto ha colpito i contemporanei per la sua somiglianza. Molti di loro hanno anche notato "l'immobilità di cera delle caratteristiche" inerente a Blok. Somov, nel suo ritratto, eleva all'assoluto questa insensibilità dei lineamenti, privando così l'immagine di Blok di quella versatilità, ricchezza spirituale, che costituiva l'essenza della sua personalità. Lo stesso Blok ha ammesso che, sebbene gli piacesse il ritratto, ne era "gravato".

Bakst Lev Samoilovich (Leib-Chaim Izrailevich Rosenberg, 1866 - 1924)

Per entrare come volontario all'Accademia delle Arti, L. S. Bakst ha dovuto superare la resistenza di suo padre, un piccolo imprenditore. Studiò per quattro anni (1883-87), ma rimase deluso dalla formazione accademica e lasciò l'istituto di istruzione. Inizia a dipingere da solo, studia la tecnica dell'acquerello, guadagnandosi da vivere illustrando libri e riviste per bambini. Nel 1889, l'artista espose per la prima volta le sue opere, adottando uno pseudonimo: il cognome abbreviato di sua nonna materna (Baxter). 1893-99 trascorse a Parigi, spesso visitando Pietroburgo, e lavorò duramente alla ricerca del proprio stile. Essendo diventato vicino a A. N. Benois, K. A. Somov e S. P. Diaghilev, Bakst divenne uno degli iniziatori della creazione dell'associazione "World of Art" (1898). Bakst divenne famoso per i suoi lavori grafici per la rivista "World of Art". Continuò a studiare l'arte del cavalletto - eseguì eccellenti ritratti grafici di I.I. Levitan, F.A.Malyavin (1899), A. Bely (1905) e 3. N. Gippius (1906) e dipinse ritratti di V.V. Rozanov (1901), SPDyagilev con una tata (1906). Il suo dipinto "Cena" (1902), che divenne una sorta di manifesto dello stile Art Nouveau nell'arte russa, suscitò feroci polemiche tra i critici. Più tardi, il suo dipinto "Ancient Horror" (1906-08) ha fatto una forte impressione sul pubblico, che incarna l'idea simbolista dell'inevitabilità del destino. Entro la fine del 1900. si limitò a lavorare in teatro, facendo occasionalmente eccezioni per ritratti grafici di persone a lui vicine, e passò alla storia proprio come un eccezionale artista teatrale dell'epoca dell'Art Nouveau. Debutta a teatro nel 1902, disegnando la pantomima "Il cuore della marchesa". Quindi è stato messo in scena il balletto "La fata delle bambole" (1903), che è stato un successo principalmente grazie alla sua scenografia. Ha progettato diverse altre esibizioni, realizzato costumi separati per artisti, in particolare per A. Pavlova nel famoso "Cigno" di M. M. Fokin (1907). Ma il vero talento di Bakst si è rivelato nelle esibizioni di balletto di "Russian Seasons" e poi "The Russian Ballet of S. P. Diaghilev". Cleopatra (1909), Scheherazade and Carnival (1910), Vision of the Rose and Narcissus (1911), The Blue God, Daphnis and Chloe e Faun's Afternoon Rest (1912), The Games (1913) stupirono lo stanco pubblico occidentale con l'immaginazione decorativa , ricchezza e potenza del colore e le tecniche di design sviluppate da Bakst hanno segnato l'inizio di una nuova era nella scenografia del balletto. Il nome di Bakst, l'artista principale delle stagioni russe, è risuonato insieme ai nomi dei migliori interpreti e coreografi famosi. Ha ricevuto ordini interessanti da altri teatri. In tutti questi anni Bakst ha vissuto in Europa, tornando solo occasionalmente in patria. Continuò a collaborare con la compagnia di Diaghilev, ma gradualmente tra lui e S.P. Diaghilev crebbero le contraddizioni e nel 1918 Bakst lasciò la compagnia. Ha lavorato instancabilmente, ma non era più in grado di creare qualcosa di fondamentalmente nuovo. La morte per edema polmonare ha superato Bakst al momento della sua fama, sebbene iniziasse a svanire, ma comunque brillante.

Ritratto dell'artista

Autoritratto, 1893

34 x 21

Olio su cartone

Museo Statale Russo, San Pietroburgo, Russia

- "Elysium" (1906, Galleria Statale Tretyakov)

Pannello decorativo, 1906.

158 x 40

Acquerello, guazzo, carta su cartone

Galleria Statale Tretyakov, Mosca

- "Antico (Antico) Horror" (1908, RM)

250 х 270 olio su tela

Museo di Stato Russo, San Pietroburgo

“Ancient Horror” è un dipinto di Leon Bakst che raffigura la morte di un'antica civiltà (forse Atlantide) in un cataclisma naturale. Nella visione pagana del mondo, "l'antico orrore" è l'orrore della vita nel mondo sotto il dominio di un Fato oscuro e disumano, l'orrore dell'impotenza di una persona schiava da esso e irrimediabilmente sottomessa (Fatum); e anche l'orrore del caos come abisso del nulla, la cui immersione è disastrosa. Sotto l'antico orrore comprese l'orrore del destino. Ha voluto mostrare che non solo tutto ciò che è umano, ma anche tutto ciò che è adorato dal divino era percepito dagli antichi come relativo e transitorio. Una grande tela di formato quasi quadrato è occupata da un panorama di un paesaggio dipinto da un punto di vista elevato. Il paesaggio è illuminato da un lampo. Lo spazio principale della tela è occupato dal mare in tempesta, che distrugge le navi e batte contro le pareti delle fortezze. In primo piano la figura di una statua arcaica in assetto generazionale. Il contrasto del volto calmo e sorridente della statua è particolarmente sorprendente rispetto al tumulto degli elementi dietro di lei. L'artista trasporta lo spettatore a una sorta di altezza invisibile, da cui questa prospettiva panoramica è l'unica possibile, che si dispiega da qualche parte nelle profondità sotto i nostri piedi. Più vicina allo spettatore è la collina che ospita la colossale statua dell'arcaica Afrodite cipriota; ma la collina, e il piede, e le stesse gambe dell'idolo sono fuori della tela: come libera dal destino della terra, la dea sorge, vicino a noi, proprio nell'oscurità del mare profondo. La statua femminile raffigurata è un tipo di corteccia arcaica che sorride con un enigmatico sorriso arcaico e tiene tra le mani un uccellino azzurro (o una colomba - il simbolo di Afrodite). Tradizionalmente, è consuetudine chiamare la statua raffigurata da Bakst - Afrodite, anche se non è stato ancora stabilito quali dee rappresentassero le cortecce. Il prototipo della statua era una statua trovata durante gli scavi sull'Acropoli. La moglie di Bakst ha posato per la mano scomparsa. Il paesaggio dell'isola che si dispiega dietro la schiena della dea è una vista dall'Acropoli ateniese. Ai piedi delle montagne nella parte destra dell'immagine in primo piano ci sono gli edifici, secondo Pruzhan: la Porta dei leoni micenea e i resti del palazzo di Tirinto. Si tratta di edifici risalenti al primo periodo cretese-miceneo della storia greca. Sulla sinistra c'è un gruppo di persone che corrono inorridite tra gli edifici tipici della Grecia classica - molto probabilmente, questa è l'Acropoli con i suoi propilei e le enormi statue. Oltre l'Acropoli c'è una valle illuminata da un fulmine ricoperta di ulivi argentei.

Decorazione di balletto, incl. -

"Schizzo di un costume di Cleopatra per Ida Rubinstein per il balletto" Cleopatra "su musica di A.S. Arensky"

1909

28 x 21

Matita, acquerello

"Scheherazade" (1910, musica di Rimsky-Korsakov)

"Schizzo della scenografia per il balletto" Scheherazade "su musica di N.A. Rimsky-Korsakov", 1910

110 x 130

Tela, olio

Collezione di Nikita e Nina Lobanov-Rostovsky, Londra

"Costume per la Sultana Blu per il balletto" Scheherazade "

1910

29,5 x 23 pollici

Acquerello, matita

Collezione di Nikita e Nina Lobanov-Rostovsky, Londra

Dobuzhinsky Mstislav Valerianovich (1875 - 1957)

MV Dobuzhinsky era il figlio di un ufficiale di artiglieria. Dopo il primo anno della facoltà di giurisprudenza dell'Università di San Pietroburgo, Dobuzhinsky tentò di entrare all'Accademia delle arti di San Pietroburgo, ma non fu accettato e studiò in studi privati ​​fino al 1899. Tornato a San Pietroburgo nel 1901, si avvicinò a l'associazione World of Art e ne divenne uno dei rappresentanti più illustri. Dobuzhinsky ha fatto il suo debutto nella grafica: disegni su riviste e libri, paesaggi cittadini, in cui è stato in grado di trasmettere in modo impressionante la sua percezione di San Pietroburgo come città. Il tema della città diventa subito uno dei protagonisti della sua opera. Dobuzhinsky era impegnato nella grafica e nella pittura da cavalletto, insegnò con successo - in varie istituzioni educative. Presto il Moscow Art Theatre lo invitò a mettere in scena l'opera teatrale di Ivan Turgenev "Un mese in campagna" (1909). Il grande successo delle scenografie da lui eseguite ha posto le basi per una stretta collaborazione tra l'artista e il rinomato teatro. L'apice di questa collaborazione è stata la scenografia per la commedia "Nikolai Stavrogin" (1913) basata sul romanzo "Demons" di FM Dostoevskij. L'espressività acuta e il raro laconicismo hanno reso quest'opera innovativa un fenomeno che ha anticipato le future scoperte della scenografia russa. Una percezione sensibile degli eventi che si svolgevano nella Russia post-rivoluzionaria costrinse Dobuzhinsky nel 1925 ad accettare la cittadinanza lituana ea trasferirsi a Kaunas. Nel 1939, Dobuzhinsky partì per gli Stati Uniti per lavorare con l'attore e regista Mikhail Cechov nella commedia "The Demons", ma a causa dello scoppio della seconda guerra mondiale non tornò mai più in Lituania. Gli ultimi anni della sua vita si rivelarono per lui i più difficili: non poteva e non voleva adattarsi allo stile di vita americano che gli era estraneo e ai costumi del mercato dell'arte americano. Ha spesso avuto difficoltà finanziarie, ha vissuto da solo, comunicando solo con una ristretta cerchia di emigranti russi e ha cercato di sfruttare ogni opportunità per andare in Europa almeno per un po'.

Ritratto dell'artista

Auto ritratto. 1901

55x42

Tela, olio

Museo statale russo

L'opera, eseguita nella scuola di Monaco di Sandor Holloshi, secondo il compito pittorico è vicina alle composizioni simboliste di Eugene Career, che amava immergere i suoi personaggi in un ambiente denso ed emotivamente attivo. La misteriosa foschia che avvolge la modella, la vibrante luce “colorata” sul viso e sulla figura, sembra esaltare l'espressione acutamente energica e misteriosa degli occhi in ombra. Ciò conferisce all'immagine di un giovane internamente indipendente e freddo le caratteristiche di una sorta di demonismo.

- "Provincia degli anni 1830" (1907-1909, Museo di Stato russo)

60 x 83,5 pollici

Cartone, matita, acquerello, calce

Museo di Stato Russo, San Pietroburgo

"The Province of the 1830s" cattura lo sguardo di un artista che è toccato dal flusso della vita quotidiana in una città russa più di mezzo secolo fa. Lo "strappo" dell'immagine con il posizionamento intenzionale del pilastro quasi al centro della composizione contribuisce alla percezione di ciò che sta accadendo come un fotogramma di un film visto casualmente. L'assenza del personaggio principale e l'assenza di trama dell'immagine è una sorta di gioco dell'artista con le vane aspettative dello spettatore. Case pendenti, cupole di antiche chiese e un poliziotto che dorme al suo posto: questa è la vista della piazza principale della città. Il trambusto delle signore, che apparentemente si affrettano dalla modista per nuovi abiti, è quasi caricaturale da Dobuzhinsky. L'opera è intrisa dell'atmosfera dell'innocua gentilezza dell'artista. Il colore brillante dell'opera la fa sembrare una cartolina tanto in voga all'inizio del secolo. Il dipinto "Provincia russa degli anni 1830" (acquerello, matita grafica, Museo di Stato russo) risale al 1907. Raffigura la piazza sonnolenta di un paese di provincia con i centri commerciali che sonnecchiano, appoggiato alla sua ascia, una guardia giurata, un maiale bruno che si struscia contro un lampione, qualche passante e un'immancabile pozzanghera nel mezzo. I ricordi di Gogol sono indiscutibili. Ma la pittura di Dobuzhinsky è priva di qualsiasi sarcasmo: l'elegante grafica dell'artista nobilita tutto ciò che tocca. Sotto la matita e il pennello di Dobuzhinsky, la bellezza delle proporzioni dello stile impero Gostiny Dvor, l'abito alla moda degli anni '30 con cappello a "cestino" sulla signora con gli acquisti che passano per la piazza, la silhouette slanciata del campanile vengono a la ribalta. Lo stile sottile di Dobuzhinsky trionfa sulla sua prossima vittoria.

- "Casa a San Pietroburgo" (1905, Galleria Statale Tretyakov)

37 x 49

Pastello, guazzo, carta su cartone

Galleria Statale Tretyakov, Mosca

- "Uomo con gli occhiali" (Ritratto dello scrittore Konstantin Sunnerberg, 1905-1906, Galleria Statale Tretyakov)

Ritratto del critico d'arte e poeta Konstantin Sunnerberg

1905

63,3 x 99,6 pollici

Carboncino, acquarello, carta su cartone

Galleria Statale Tretyakov, Mosca

Non essendo un ritrattista, Dobuzhinsky ha creato una delle immagini-simboli più capienti, incarnando un'intera generazione di intellettuali urbani. Il dipinto "L'uomo con gli occhiali" (1905-1906) raffigura il poeta e critico d'arte KA Sunnerberg, che agisce sotto lo pseudonimo di Konst. Erberg. L'uomo è ben chiuso nel duro guscio di un vestito rispettabile, i suoi occhi, schermati dal mondo da occhialini, sono quasi invisibili. L'intera figura, come privata della terza dimensione, è distesa, schiacciata in uno spazio incredibilmente stretto. Un uomo è, per così dire, esposto, posto tra due lastre di vetro - un esemplare della bizzarra fauna di una città fantastica - San Pietroburgo, visibile fuori dalla finestra, rivelando allo spettatore un altro volto - un misto di multi-piano, urbanistica multi-tubo e cortili provinciali.

Lanceray Evgeny Evgenievich (1875 - 1946)

Artista russo e sovietico. Diplomato al primo ginnasio di San Pietroburgo. Dal 1892 studiò alla Scuola di disegno della Società per l'incoraggiamento delle arti, a San Pietroburgo, dove frequentò le classi di Ya. F. Tsionglinsky, NS Samokish, EK Lipgart. Dal 1895 al 1898, Lanceray viaggiò molto in tutta Europa e migliorò le sue abilità nelle accademie francesi di F. Calarosi e R. Julien. Dal 1899 - membro dell'associazione World of Art. Nel 1905 partì per l'Estremo Oriente. Nel 1907-1908 divenne uno dei fondatori del "Teatro Antico" - un fenomeno a breve termine, ma interessante e notevole nella vita culturale della Russia all'inizio del secolo. Lanceray continuò a lavorare con il teatro nel 1913-1914. 1912-1915 - direttore artistico di una fabbrica di porcellane e laboratori di incisione del vetro a San Pietroburgo e Ekaterinburg. 1914-1915 - inviato-artista di guerra sul fronte caucasico durante la prima guerra mondiale. Trascorse il 1917-1919 in Daghestan. Nel 1919 collaborò come artista presso l'Information and Agitation Bureau di A. I. Denikin's Volunteer Army (OSVAG). Nel 1920 si trasferì a Rostov-sul-Don, poi a Nakhichevan-sul-Don ea Tiflis. Dal 1920 - un disegnatore del Museo di Etnografia, ha intrapreso spedizioni etnografiche con l'Istituto Archeologico del Caucaso. Dal 1922 - Professore dell'Accademia delle Arti della Georgia, Istituto di architettura di Mosca. Nel 1927 fu inviato a Parigi per sei mesi dall'Accademia delle Arti della Georgia. Nel 1934 si trasferì definitivamente da Tiflis a Mosca. Dal 1934 al 1938 insegnò all'Accademia panrussa delle arti a Leningrado. SUA. Lanceray morì il 13 settembre 1946.

Ritratto dell'artista

- "Imperatrice Elisabetta Petrovna a Carskoe Selo" (1905, Galleria Statale Tretyakov)

43,5 x 62

Guazzo, carta su cartone

Galleria Statale Tretyakov, Mosca

Evgeny Evgenievich Lansere è un artista versatile. L'autore di murales monumentali e pannelli che adornano le stazioni della metropolitana di Mosca, la stazione ferroviaria Kazansky, l'hotel "Mosca", paesaggi, dipinti su un tema della storia russa del XVIII secolo, era allo stesso tempo un meraviglioso illustratore di opere classiche della letteratura russa ("Dubrovsky" e "Shot" A S. Pushkin, "Hadji Murad" di Leo Tolstoj), creatore di taglienti cartoni politici su riviste satiriche nel 1905, artista di teatro e scenografia. Il dipinto qui riprodotto è una delle opere da cavalletto più interessanti e significative dell'artista e testimonia la stessa comprensione della pittura storica nell'arte del primo Novecento. Quindi, l'atmosfera dell'epoca si rivela qui attraverso le immagini dell'arte incarnate nell'architettura e negli insiemi del parco, nei costumi e nelle acconciature delle persone, attraverso il paesaggio, che mostra la vita di corte, i rituali. Il tema delle processioni reali divenne particolarmente favorito. Lanceray raffigura la solenne uscita dal cortile di Elisabetta Petrovna nella sua residenza di campagna. Come sul palcoscenico del teatro, davanti allo spettatore si svolge una processione. Un'imperatrice corpulenta, vestita con abiti intrecciati di straordinaria bellezza, nuota con una maestà regale. Seguono signore e signori in abiti gonfi e parrucche incipriate. Nei loro volti, pose e gesti, l'artista rivela caratteri e tipi diversi. Vediamo ora cortigiani timidi e umilianti, ora arroganti e arroganti. Nello spettacolo di Elisabetta e della sua corte, non si può non notare l'ironia dell'artista e anche un po' di grottesco. Lanceray contrappone alle persone che ha raffigurato la nobile austerità della statua in marmo bianco e la genuina grandezza incarnata nella magnifica architettura del Palazzo Rastrelli e la bellezza del parco regolare.

Ostroumova-Lebedeva Anna Petrovna (1871 - 1955)

A.P. Ostroumova-Lebedeva era la figlia di un importante funzionario P.I.Ostroumov. Mentre era ancora una studentessa delle superiori, ha iniziato a frequentare la scuola elementare presso il CUTR. Quindi ha studiato alla scuola stessa, dove si è interessata alla tecnica dell'incisione, e all'Accademia delle Arti, dove ha studiato pittura nello studio di I.E.Repin. Nel 1898-99. ha lavorato a Parigi, perfezionandosi in pittura (con J. Whistler) e incisione. Il 1900 si rivela un punto di svolta nella sua vita, l'artista debutta con le sue incisioni alla mostra "Il mondo dell'arte" (con la quale in seguito lega saldamente il suo lavoro), quindi riceve il secondo premio per le incisioni all'OPKh concorso e si diploma all'Accademia delle Arti con il titolo di artista, presentando 14 incisioni... Ostroumova-Lebedeva ha svolto il ruolo principale nella rinascita in Russia dell'incisione su legno da cavalletto come tipo d'arte indipendente - dopo una lunga esistenza come tecnica di riproduzione; particolarmente grande è il contributo dell'artista alla rinascita dell'incisione a colori. Le tecniche originali di generalizzazione di forma e colore, sviluppate da lei, sono state padroneggiate e utilizzate da molti altri artisti. Il tema principale delle sue incisioni era Pietroburgo, la cui immagine dedicò diversi decenni di instancabile lavoro. Le sue stampe a colori e in bianco e nero - entrambe da cavalletto, combinate in cicli ("Petersburg", 1908-10; "Pavlovsk", 1922-23, ecc.) Ed eseguite per i libri di V. Ya. Kurbatov "Petersburg" ( 1912) e "L'anima di Pietroburgo" di NP Antsiferov (1920) - sono ancora insuperabili nell'accuratezza della sensazione e nella trasmissione della maestosa bellezza della città e nel raro laconicismo dei mezzi espressivi. Riprodotti molte volte e ma per motivi diversi, sono diventati a lungo libri di testo e sono estremamente popolari. A modo loro, le opere create dall'artista sulla base delle impressioni di frequenti viaggi - sia all'estero (Italia, Francia, Spagna, Olanda) che in tutto il paese (Baku, Crimea) erano interessanti e non comuni. Alcuni di questi sono stati eseguiti in incisione e alcuni in acquerelli. Pittrice di talento e ben addestrata, Ostroumova-Lebedeva non poteva lavorare con i colori ad olio, perché il loro odore le causava attacchi d'asma. Ma ha perfettamente padroneggiato la tecnica difficile e capricciosa della pittura ad acquerello e vi è stata impegnata per tutta la vita, creando eccellenti paesaggi e ritratti ("Ritratto dell'artista IV Ershov", 1923; "Ritratto di Andrei Bely", 1924; "Ritratto di l'artista ES Kruglikova ", 1925, ecc.). Ha trascorso la guerra Ostroumova-Lebedeva nell'assediata Leningrado, non abbandonando la sua amata opera e completando il lavoro sul terzo volume di Note autobiografiche. Gli ultimi anni della vita dell'artista furono oscurati dall'imminente cecità, ma il più a lungo possibile continuò a lavorare.

Una serie di stampe e disegni "Vedute di San Pietroburgo e dei suoi sobborghi", incl. -

Durante la sua matura vita creativa, la grafica di A.P. Ostroumova-Lebedeva è stata dominata indivisamente dal tema di S. alla fortezza di notte. " In totale, secondo i suoi calcoli, ha creato 85 opere dedicate alla grande città. L'immagine di Pietroburgo per Ostrumova-Lebedeva si sta formando da quasi mezzo secolo. Tuttavia, le sue caratteristiche principali sono state trovate dall'artista negli anni più gioiosi e tranquilli - durante il primo decennio del ventesimo secolo. Fu allora che nacque nelle sue opere una combinazione di lirismo acuto, raffinato, persino aspro con potente stabilità e monumentalità, prospettiva geometrica verificata e asprezza di libertà emotiva,

- "Neva attraverso le colonne della Borsa" (1908)

Come i piedi dei giganti, le colonne angolari della Borsa si ergono sullo Spit dell'isola Vasilyevsky, e la prospettiva dell'altra sponda della Neva, l'ala dell'Ammiragliato e la magnifica parabola dell'edificio dello Stato Maggiore in Piazza del Palazzo vanno in lontananza. Non meno sorprendente è la prospettiva di un verde oscuro e potente del parco, che diventa il bordo dello spazio architettonico, convergendo in lontananza verso l'appena distinguibile Palazzo Elagin. Un frammento della grata del Giardino d'Estate, che scende fino all'abito di granito del fiume Moika, entrando nella Neva, si rivela inconcepibilmente squisito. Qui ogni linea non è casuale, allo stesso tempo cameristica e monumentale, qui il genio dell'architetto si coniugava con la visione raffinata dell'artista attento alla bellezza. Sopra l'oscuro canale Kryukov, il cielo al tramonto brucia e la sagoma del famoso per la sua magnifica snellezza del campanile della cattedrale navale di San Nicola sorge dall'acqua.

Il World of Art è un'organizzazione nata nel 1898 e che ha riunito maestri della più alta cultura artistica, l'élite artistica della Russia in quegli anni. Il "Mondo dell'Arte" è iniziato con le serate in casa di A. Benois, dedicate all'arte, alla letteratura e alla musica. Le persone che vi si radunavano erano unite dall'amore per il bello e dalla fiducia che si può trovare solo nell'arte, poiché la realtà è brutta. Essendo sorto, oltre che come reazione ai temi meschini dei "tardivi" Vagabondi, il "Mondo dell'Arte" si trasformò presto in uno dei maggiori fenomeni della cultura artistica russa. Quasi tutti gli artisti famosi hanno partecipato a questa associazione: Benoit, Somov, Bakst, Lancere, Golovin, Dobuzhinsky, Vrubel, Serov, Korovin, Levitan, Nesterov, Ryabushkin, Roerich, Kustodiev, Petrov-Vodkin, Malyavin, persino Larionov e Goncharova. La personalità di Diaghilev, filantropo e organizzatore di mostre, e in seguito impresario di balletti russi e tournée d'opera all'estero (Russian Seasons, che introdusse l'Europa alle opere di Chaliapin, Pavlova, Fokin, Nizhinsky, ecc.), fu di grande importanza per la formazione di questa associazione. ). Nella fase iniziale dell'esistenza del "Mondo dell'arte" Diaghilev organizzò una mostra di acquerelli inglesi e tedeschi a San Pietroburgo nel 1897 e una mostra di artisti russi e finlandesi nel 1898. Dal 1899 al 1904 diresse una rivista sotto il stesso nome, composto da due dipartimenti: artistico e letterario (l'ultimo era di un piano filosofico-religioso, in cui D. Merezhkovsky e Z. Gippius hanno collaborato prima dell'apertura della loro rivista "New Way" nel 1902. Poi il religioso- la direzione filosofica nella rivista World of Art ha lasciato il posto alla teoria dell'estetica, e la rivista in questa parte è diventata una tribuna dei simbolisti guidata da A. Bely e V. Bryusov). La rivista aveva il profilo di un almanacco letterario e artistico. Abbondantemente fornito di illustrazioni, fu al tempo stesso uno dei primi esempi dell'arte del design del libro, campo di attività artistica in cui il "mondo dell'arte" era dei veri e propri innovatori. Il disegno del carattere, la composizione della pagina, la schermata iniziale, i finali sotto forma di vignette: tutto è stato attentamente pensato.

Gli articoli editoriali dei primi numeri della rivista formulavano chiaramente le principali disposizioni del "mondo dell'arte" sull'autonomia dell'arte, che i problemi della cultura moderna sono esclusivamente problemi della forma artistica e che il compito principale dell'arte è quello di educare i gusti estetici della società russa, principalmente attraverso la conoscenza del mondo delle opere d'arte. Dobbiamo rendere loro omaggio: grazie al "mondo dell'arte", l'arte inglese e tedesca è stata davvero apprezzata in un modo nuovo e, soprattutto, la pittura del XVIII secolo russo e l'architettura del classicismo di San Pietroburgo sono diventate una scoperta per molti. "Miriskusniki" si batteva per la "critica come arte", proclamando l'ideale non di uno scienziato-critico d'arte, ma di un critico-artista con un'alta cultura ed erudizione professionale. Il tipo di un tale critico è stato incarnato da uno dei fondatori del "World of Art" A.N. Benoit.

Uno dei posti principali nelle attività della rivista era occupato dalla propaganda delle conquiste dell'ultima arte russa e soprattutto dell'Europa occidentale. Parallelamente a ciò, "World of Art" introduce la pratica di mostre congiunte di artisti russi e dell'Europa occidentale. La prima mostra del "mondo dell'arte" ha riunito, oltre ai russi, artisti provenienti da Francia, Inghilterra, Germania, Italia, Belgio, Norvegia, Finlandia, ecc. Vi hanno preso parte pittori e grafici sia di San Pietroburgo che di Mosca. Ma la frattura tra queste due scuole - San Pietroburgo e Mosca - si è delineata quasi dal primo giorno. Nel marzo 1903 fu chiusa l'ultima, quinta mostra del "World of Art", nel dicembre 1904 fu pubblicato l'ultimo numero della rivista "World of Art". La maggior parte degli artisti si trasferì all'Unione degli artisti russi, organizzata dall'Unione degli artisti, scrittori russi - e la rivista Novy Put aperta dal gruppo di Merezhkovsky, i simbolisti di Mosca si unirono attorno alla rivista Vesy, i musicisti organizzarono Serate di musica contemporanea, Diaghilev è andato interamente al balletto e al teatro. Il suo ultimo lavoro significativo nelle arti visive fu una grandiosa mostra storica della pittura russa dalla pittura di icone ai tempi moderni al Salone d'autunno di Parigi del 1906, poi esposta a Berlino e Venezia (1906). - 1907). Nella sezione della pittura contemporanea, il posto principale era occupato dal "mondo dell'arte". Questo è stato il primo atto di riconoscimento tutto europeo del "Mondo dell'arte", così come la scoperta della pittura russa del XVIII - inizi del XX secolo. in generale per la critica occidentale e un vero trionfo dell'arte russa.

Nel 1910 si tentò di ridare vita al "Mondo dell'Arte". In questo momento, ha avuto luogo una demarcazione tra i pittori. Benoit e i suoi sostenitori rompono con l'"Unione degli artisti russi", con i moscoviti, e lasciano questa organizzazione, ma capiscono che l'associazione secondaria chiamata "Mondo dell'arte" non ha nulla a che fare con la prima. Benoit nota con tristezza che "non la riconciliazione all'insegna della bellezza è diventata ormai uno slogan in tutte le sfere della vita, ma una lotta feroce". Gloria arrivò al "mondo dell'arte", ma il "Mondo delle arti", di fatto, non esisteva più, sebbene formalmente l'associazione esistesse fino all'inizio degli anni '20 - con una completa mancanza di integrità, sulla tolleranza e flessibilità illimitate di posizioni, riconciliando artisti da Rylov a Tatlin, da Grabar a Chagall. Come non ricordare gli impressionisti qui? Il Commonwealth, che un tempo nacque nella bottega di Gleir, nel Salon of the Outcast, ai tavoli del caffè Herbois e che doveva avere un enorme impatto su tutta la pittura europea, si disintegrò anche alle soglie del suo riconoscimento. La seconda generazione del "mondo dell'arte" è meno occupata dai problemi della pittura da cavalletto, i loro interessi sono nella grafica, principalmente libri, e nelle arti teatrali e decorative, in entrambi i campi hanno fatto una vera riforma artistica. Nella seconda generazione di "World of Art" c'erano anche grandi individui (Kustodiev, Sudeikin, Serebryakova, Chekhonin, Grigoriev, ecc.), ma non c'erano affatto innovatori, poiché dagli anni '10 il "World of Art" è stato travolto da un'ondata di epigonismo. Pertanto, quando caratterizzeremo il "Mondo dell'arte", parleremo principalmente della prima fase dell'esistenza di questa associazione e del suo nucleo: Benoit, Somov, Bakst.

Polemizzando con l'arte accademica da salotto, da un lato, e con gli ultimi Wanderers, dall'altro, World of Art proclama il rifiuto della diretta tendenza sociale come qualcosa che presumibilmente ostacola la libertà dell'autoespressione creativa individuale nell'arte e viola i diritti della forma artistica. Successivamente, nel 1906, il principale artista e ideologo del gruppo A. Benois annunciò lo slogan dell'individualismo, con il quale all'inizio nacque il "Mondo dell'arte", "eresia artistica". L'individualismo proclamato dal "Mondo dell'Arte" all'inizio delle sue rappresentazioni non era altro che una difesa dei diritti di libertà del gioco creativo. "Miriskusniki" non era soddisfatto della specializzazione unilaterale inerente alle belle arti della seconda metà del XIX secolo in una sola area della pittura da cavalletto, e al suo interno - su determinati generi e su determinati argomenti (di attualità) " con tendenza». Tutto ciò che l'artista ama e adora nel passato e nel presente ha il diritto di essere incarnato nell'arte indipendentemente dal dispetto della giornata: questo era il programma creativo del mondo dell'arte. Ma questo programma apparentemente ampio aveva un limite significativo. Poiché, come credeva il “mondo dell'arte”, solo l'ammirazione per la bellezza genera genuino entusiasmo creativo, e la realtà immediata, essi credevano, è estranea alla bellezza, unica pura fonte di bellezza, e, quindi, l'ispirazione è l'arte stessa, come sfera della bellezza per eccellenza. L'arte diventa così una sorta di prisma attraverso il quale il "mondo dell'arte" guarda il passato, il presente e il futuro. La vita li interessa solo in quanto si è già espressa nell'arte. Pertanto, nel loro lavoro, si fanno interpreti di una bellezza già perfetta, già pronta. Di qui l'interesse primario degli artisti del Mondo dell'Arte verso il passato, in particolare verso le epoche del predominio di un unico stile, che permette di individuare la principale, dominante ed esprimente lo spirito dell'epoca, la “linea della bellezza ” - gli schemi geometrici del classicismo, il ricciolo stravagante del rococò, le forme ricche e il chiaroscuro del barocco, ecc.

Il principale maestro e legislatore estetico del "Mondo dell'arte" fu Alexander Nikolaevich Benois (1870-1960). Il talento di questo artista era notevole per la sua straordinaria versatilità, e il volume delle conoscenze professionali e il livello di cultura generale non avevano eguali nella cerchia altamente istruita delle figure del mondo dell'arte. Pittore e pittore grafico da cavalletto, illustratore e disegnatore di libri, maestro di scenografia teatrale, regista, autore di libretti di balletti, Benoit è stato allo stesso tempo un eccezionale storico dell'arte russa e dell'Europa occidentale, teorico e appassionato pubblicista, un critico astuto, un importante figura museale, impareggiabile conoscitore di teatro, musica e coreografia... Tuttavia, la semplice enumerazione delle sfere della cultura, profondamente studiata da Alexander Benois, non dà ancora un'idea corretta dell'immagine spirituale dell'artista. Significativamente, non c'era nulla di pedante nella sua sorprendente erudizione. La caratteristica principale del suo personaggio dovrebbe essere chiamata un amore divorante per l'arte; la versatilità della conoscenza serviva solo come espressione di questo amore. In tutte le sue attività, nella scienza, nella critica d'arte, in ogni movimento del suo pensiero, Benoit è sempre rimasto un artista. I contemporanei vedevano in lui un'incarnazione vivente dello spirito artistico.

Ma c'era un'altra particolarità nell'aspetto di Benois, acutamente notato nelle memorie di Andrei Bely, che intuì nell'artista, prima di tutto, un "diplomatico del partito responsabile del mondo dell'arte, conducendo una grande causa culturale e sacrificando molti per il bene del tutto; UN. Benoit era il principale politico in esso; Diaghilev era impresario, imprenditore, regista; Benoit ha dato, per così dire, il testo messo in scena…”. La politica artistica di Benois riuniva intorno a sé tutte le figure del "Mondo dell'Arte". Non era solo un teorico, ma anche l'ispiratore delle tattiche del mondo dell'arte, il creatore dei suoi mutevoli programmi estetici. L'incoerenza e l'incoerenza delle posizioni ideologiche della rivista è in gran parte dovuta all'incoerenza e all'incoerenza delle opinioni estetiche di Benoit in quella fase. Tuttavia, proprio questa incoerenza, che riflette le contraddizioni dell'epoca, conferisce all'artista uno speciale interesse storico.

Inoltre, Benoit possedeva un notevole talento pedagogico e condivideva generosamente la sua ricchezza spirituale non solo con gli amici, ma anche con “tutti coloro che volevano ascoltarlo. È proprio questa circostanza che determina la forza dell'influenza di Benois sull'intera cerchia degli artisti del Mondo dell'Arte, che, secondo la giusta osservazione di A.P. Ostroumova-Lebedeva, passò "con lui, impercettibilmente per se stessi, la scuola del gusto artistico, della cultura e del sapere".

Per nascita e educazione, Benoit apparteneva all'intellighenzia artistica di Pietroburgo. Per generazioni, l'arte è stata una professione ereditaria nella sua famiglia. Il bisnonno materno di Benois K.A. Kavos era un compositore e direttore d'orchestra, suo nonno era un architetto che ha costruito molto a San Pietroburgo ea Mosca; il padre dell'artista era anche un importante architetto, suo fratello maggiore era famoso come pittore di acquerelli. La coscienza del giovane Benoit si è sviluppata in un'atmosfera di arte e interessi artistici.

Successivamente, ricordando la sua infanzia, l'artista ha sottolineato con particolare insistenza due correnti spirituali, due categorie di esperienze che hanno fortemente influenzato la formazione delle sue opinioni e, in un certo senso, hanno determinato la direzione di tutte le sue attività future. Il primo e più potente di questi è associato all'esperienza teatrale. Fin dai suoi primi anni e per tutta la vita, Benoit ha provato un sentimento che difficilmente può essere definito altro che il culto del teatro. Benois ha sempre associato il concetto di "arte" al concetto di "teatralità"; fu nell'arte del teatro che vide l'unica opportunità per creare in condizioni moderne una sintesi creativa di pittura, architettura, musica, plastica e poesia, per realizzare quella fusione organica delle arti, che gli sembrava il traguardo più alto della cultura artistica .

La seconda categoria di esperienze adolescenziali, che ha lasciato un'impronta indelebile nelle opinioni estetiche di Benois, è nata dalle impressioni delle residenze di campagna e dei sobborghi di San Pietroburgo: Pavlovsk, l'antica dacia Kushelev-Bezborodko sulla riva destra della Neva e, soprattutto, da Peterhof e dai suoi numerosi monumenti d'arte. "Queste ... impressioni di Peterhof ... probabilmente hanno dato origine a tutto il mio ulteriore culto di Peterhof, Tsarskoe Selo, Versailles", ha ricordato in seguito l'artista. Le prime impressioni ed esperienze di Alexander Benois risalgono alle origini di quell'audace rivalutazione dell'arte del XVIII secolo, che, come già accennato, è una delle più grandi realizzazioni del "Mondo dell'Arte".

I gusti e le opinioni artistiche del giovane Benoit si formarono in opposizione alla sua famiglia, che aderiva alle opinioni "accademiche" conservatrici. La decisione di diventare artista è matura per lui molto presto; ma dopo un breve soggiorno all'Accademia delle Arti, che portò solo delusione, Benoit scelse di laurearsi in legge all'Università di San Pietroburgo e di seguire una formazione artistica professionale da solo, secondo il suo programma.

Successivamente, la critica ostile ha ripetutamente chiamato Benoit un dilettante. Non era giusto: gli studi ostinati quotidiani, la formazione costante nel disegno dal vero, l'esercizio dell'immaginazione nel lavorare su composizioni in combinazione con uno studio approfondito della storia dell'arte hanno dato all'artista un'abilità sicura, non inferiore all'abilità dei suoi coetanei che ha studiato all'Accademia. Con la stessa perseveranza Benoit si preparò per le attività di storico dell'arte, studiando l'Ermitage, studiando lettere speciali, viaggiando in città storiche e musei in Germania, Italia e Francia.

Il dipinto di Alexander Benois "The King's Walk" (1906, State Tretyakov Gallery) è uno degli esempi più luminosi e tipici di pittura nel "World of Art". Quest'opera fa parte di un ciclo di dipinti che fanno rivivere scene della vita di Versailles dell'epoca del "Re Sole". Il ciclo del 1905-1906, a sua volta, è una continuazione di una precedente suite di Versailles del 1897-1898, intitolata "Le ultime passeggiate di Luigi XIV", iniziata a Parigi sotto l'impressione delle memorie del duca di Saint-Simon. I paesaggi di Versailles di Benois fondevano la ricostruzione storica del XVII secolo, le impressioni moderne dell'artista, la sua percezione del classicismo francese, l'incisione francese. Da qui la chiara composizione, la chiara spazialità, la grandezza e la fredda severità dei ritmi, che contrastano la grandezza dei monumenti dell'arte e la piccolezza delle figure umane, che sono solo personale tra loro - la prima serie intitolata "The Last Walks of Louis XIV".

Versailles di Benoit è una sorta di elegia paesaggistica, un mondo meraviglioso che appare agli occhi di una persona moderna sotto forma di una scena desolata con uno scenario fatiscente di una performance di lunga durata. Un tempo magnifico, pieno di suoni e colori, questo mondo ora sembra un po' spettrale, ombreggiato dal silenzio del cimitero. Non è un caso che Benois ritragga un parco di Versailles in The King's Walk in autunno e nell'ora del crepuscolo serale leggero, quando l'"architettura" senza foglie di un normale giardino alla francese sullo sfondo di un cielo chiaro si trasforma in un trasparente, effimero pos-tre. L'effetto di questa immagine è simile a quello se vedessimo una vera grande scena a una distanza netta dal balcone dell'ultimo livello, e poi, dopo aver esaminato questo mondo ridotto a bambola con un binocolo, unissimo queste due impressioni in uno spettacolo unico. Il lontano, così, si avvicina e prende vita, restando distante, grande quanto un teatrino. Come nelle favole romantiche, all'ora stabilita, su questo palcoscenico si svolge una certa azione: il re al centro parla con la damigella d'onore, accompagnato dai cortigiani che marciano a intervalli precisi dietro di loro e davanti a loro. Tutti loro, come figurine di vecchi orologi a carica, scivolano lungo il bordo del serbatoio al suono leggero di un minuetto dimenticato. La natura teatrale di questa fantasia retrospettiva è sottilmente rivelata dall'artista stesso: fa rivivere le figure dei vivaci amorini che abitano la fontana - si ritraggono comicamente come un pubblico rumoroso, seduto liberamente ai piedi del palco e guardando lo spettacolo di burattini suonato da persone.

Il motivo delle uscite solenni, dei viaggi, delle passeggiate, come tratto caratteristico del rito quotidiano dei tempi passati, era uno degli amati "popoli del mondo". Troviamo anche una peculiare variazione di questo motivo in "Pietro I" di V.A. Serov, e nel dipinto di G.E. Lanceray "Imperatrice Elisabetta Petrovna a Carskoe Selo" (1905, GGT). A differenza di Benois con la sua estetizzazione della geometria razionalista del classicismo, Lanceray è più attratto dal pathos sensuale del barocco russo, dalla materialità scultorea delle forme. La rappresentazione della corpulenta Elisabetta e dei suoi cortigiani dalle guance rosee, vestiti con rozza pompa, è priva di quella sfumatura di mistificazione teatrale che è caratteristica del Cammino del Re di Benois.

Benoit si trasformò in un semi-favoloso re giocattolo nientemeno che Luigi XIV, il cui regno si distinse per incredibile splendore e splendore, e segnò l'epoca d'oro dello stato francese. Questa deliberata riduzione della grandezza passata contiene una sorta di programma filosofico: tutto ciò che è serio e grande a sua volta è destinato a diventare una commedia e una farsa. Ma l'ironia del "Mondo degli Artisti" non significa solo scetticismo nichilista. Lo scopo di questa ironia non è affatto screditare il passato, ma proprio il contrario: riabilitare il passato di fronte alla possibilità di un atteggiamento nichilista nei suoi confronti attraverso una dimostrazione artistica che l'autunno delle culture passate è bello di per sé modo, come la loro primavera ed estate. Ma, così, lo speciale fascino malinconico, che segnò il fenomeno della bellezza tra gli "artigiani", fu acquistato a costo di privare questa bellezza del suo legame con quei periodi in cui appariva nella pienezza del potere vitale e della grandezza. Le categorie del grande, del sublime, del bello sono estranee all'estetica del "Mondo dell'Arte"; bella, graziosa, graziosa sono più simili a lei. Nella loro massima espressione, entrambi questi momenti - l'ironia sobria, al limite del nudo scetticismo, e l'estetismo, al limite dell'esaltazione sensibile - sono combinati nell'opera del più complesso dei maestri del gruppo - K.A. Somova.

L'attività di Benois, critico e storico dell'arte, che, insieme a Grabar, ha aggiornato i metodi, le tecniche e i temi della storia dell'arte russa, è un'intera tappa nella storia della scienza della storia dell'arte (vedi "Storia della pittura del XIX secolo" di R. Muter - volume "Pittura russa", 1901-1902; "Scuola di pittura russa", pubblicato nel 1904; "Tsarskoe Selo durante il regno dell'imperatrice Elisabetta Petrovna", 1910; articoli sulle riviste "World of Art" e "Vecchi anni", "Tesori artistici della Russia" e così via).

Secondo l'unanime riconoscimento dei suoi più stretti collaboratori, nonché le prove della critica successiva, Somov fu la figura centrale tra gli artisti del Mondo dell'Arte nel primo periodo della storia di questa associazione. I rappresentanti del circolo World of Art lo vedevano come un grande maestro. “Il nome di Somov è noto a ogni persona istruita non solo in Russia, ma in tutto il mondo. Questo è un valore mondiale ... Da tempo è andato oltre i confini delle scuole, delle epoche e persino della Russia, ed è entrato nell'arena mondiale del genio ", ha scritto il poeta M. Kuzmin su di lui. E questa è tutt'altro che una recensione isolata e nemmeno la più entusiasta. Se Diaghilev doveva essere chiamato l'organizzatore e il leader, e Benois doveva essere chiamato il leader ideologico e il principale teorico del nuovo movimento artistico, allora Somov inizialmente apparteneva al ruolo dell'artista principale. L'ammirazione dei suoi contemporanei è spiegata dal fatto che fu nell'opera di Somov che nacquero e si formarono i principi pittorici di base, che in seguito divennero guida per l'intero gruppo del "Mondo dell'Arte".

La biografia di questo maestro è molto tipica per il circolo World of Art. Konstantin Andreevich Somov (1869-1939) era il figlio del curatore dell'Ermitage, una famosa figura d'arte e collezionista. L'atmosfera dell'arte lo ha circondato fin dall'infanzia. L'interesse per la pittura, il teatro, la letteratura e la musica è sorto a Somov molto presto e ha attraversato tutta la sua vita. Dopo aver lasciato il ginnasio (1888), dove iniziò la sua amicizia con Alexander Benois e Filosofov, il giovane Somov entrò all'Accademia delle Arti e, a differenza di tutti gli altri fondatori del Mondo dell'Arte, vi trascorse quasi otto anni (1889-1897) . Intraprese numerosi viaggi all'estero: in Italia, Francia e Germania (1890, 1894, 1897-1898, 1899, 1905).

A differenza della maggior parte dei suoi compagni di Il mondo dell'arte, Somov non ha mai insegnato, non ha mai scritto articoli, non ha mai cercato di svolgere alcun ruolo nei circoli pubblici. La vita dell'artista era chiusa e appartata, tra pochi amici - artisti, dediti solo al lavoro, alla lettura, alla musica e al collezionismo di antiquariato.

Due tratti caratteristici contraddistinguono la personalità artistica di Somov. Uno di questi è determinato dalla sua maturità creativa relativamente precoce. Somov era un abile artigiano e un artista completamente originale quando i suoi coetanei Bakst e Benoit stavano appena iniziando a cercare un percorso indipendente nell'arte. Ma questo vantaggio si è presto trasformato in uno svantaggio. Anche i contemporanei più sensibili hanno sentito qualcosa di doloroso nella maturità prematura di Somov. La seconda caratteristica di Somov è stata attentamente notata dal suo amico e ammiratore S. Yaremich: “... Somov è per natura un potente realista, simile a Vermeer van Delft o al pittore russo Pieter de. Da un lato è attratto e attratto dalla vita..., dall'altro, la discrepanza tra la vita generale e la vita dell'artista lo distrae dal presente... Difficilmente c'è un altro artista così dotato della capacità di l'osservazione più acuta e penetrante, come il nostro Somov, che dedicherebbe c'è tanto spazio nel mio lavoro per compiti puramente decorativi e del passato. " Si potrebbe supporre che le opere di Somov siano tanto più significative quanto più si avvicinano alla natura viva, concretamente vista e tanto meno si avverte in esse la scissione e l'isolamento dalla vita reale, di cui parla il critico. Tuttavia, non lo è. La stessa dualità della coscienza dell'artista, così tipica della sua epoca, diventa fonte di idee creative taglienti e originali.

Uno dei ritratti più famosi di Somov è "Lady in Blue. Ritratto di Elizaveta Mikhailovna Martynova "(1897-1900, Galleria Statale Tretyakov), è un'opera di programma dell'artista. Vestita con un vecchio abito, che evoca il ricordo della Tatiana di Pushkin "con un pensiero triste negli occhi, con un libro francese tra le mani", l'eroina del ritratto di Somov, con un'espressione di stanchezza, desiderio, incapacità di combattere nella vita , tanto più tradisce la sua dissomiglianza con il suo prototipo poetico, costringendo a sentire mentalmente la profondità dell'abisso che separa il passato dal presente. È in quest'opera di Somov, dove l'artificiale bizzarramente intrecciato con l'autentico, il gioco - con serietà, dove una persona viva appare smarrita, indagatrice, indifesa e abbandonata tra finti giardini, con accentuata franchezza si esprime lo sfondo pessimistico del mondano "abbandono del passato" e impossibilità per una persona moderna di trovarvi salvezza da se stessa, dai propri dolori reali, non spettrali.

Vicino a "The Lady in Blue" è il ritratto-dipinto "Echo of the Past Tense" (1903, carta su cartone, acquerello, gouache, State Tretyakov Gallery), dove Somov crea una descrizione poetica della fragile e anemica bellezza femminile di il modello decadente, rifiutandosi di trasmettere i veri segni quotidiani del nostro tempo. Veste i modelli con vecchi costumi, dà al loro aspetto le caratteristiche della sofferenza segreta, della tristezza e del sogno, della rottura dolorosa.

Brillante ritrattista, Somov nella seconda metà del '900 realizza una suite di ritratti a matita e acquarello, che ci presentano un ambiente artistico e artistico, ben noto all'artista e da lui profondamente studiato, l'élite intellettuale del suo tempo - V Ivanov, Blok, Kuzmin, Sollogub, Lancere , Dobuzhinsky, ecc. Nei suoi ritratti, usa una tecnica generale: su uno sfondo bianco - in una certa sfera senza tempo - disegna un volto, la cui somiglianza si ottiene non attraverso la naturalizzazione , ma da audaci generalizzazioni e da un'accurata selezione di dettagli caratteristici. Questa assenza di segni del tempo crea l'impressione di staticità, rigidità, freddezza, solitudine quasi tragica.

Le ultime opere di Somov sono feste pastorali e galanti ("Laughed Kiss", 1908, State Russian Museum; "Walk of the Marquise", 1909, State Russian Museum), "Columbine's Tongue" (1913-1915), piene di caustica ironia, spiritualità devastazione, persino disperazione. Scene d'amore del XVIII - inizi del XIX secolo. sono sempre date con un tocco di erotismo. Quest'ultimo era particolarmente evidente nelle sue figurine di porcellana dedicate alla ricerca spettrale del piacere.

Un gioco d'amore - appuntamenti, note, baci nei vicoli, gazebo, tralicci di giardini regolari o in boudoir generosamente piastrellati - è un passatempo comune degli eroi di Somov, che appaiono in parrucche incipriate, acconciature alte, canottiere ricamate e abiti con crinoline. Ma non c'è genuina allegria nell'allegria dei dipinti di Somov; le persone si rallegrano non per la pienezza della vita, ma perché non conoscono altro, sublime, serio e severo. Questo non è un mondo allegro, ma un mondo destinato al divertimento, a un'estenuante vacanza eterna che trasforma le persone in burattini, una ricerca spettrale dei piaceri della vita.

Prima di chiunque altro in Il mondo dell'arte, Somov si è rivolto ai temi del passato, all'interpretazione del XVIII secolo. ("Lettera", 1896; "Riservatezza", 1897), essendo il predecessore dei paesaggi di Versailles di Benoit. Fu il primo a creare un mondo irreale, intessuto dei motivi della cultura nobiliare e di corte e delle proprie sensazioni artistiche puramente soggettive, permeate di ironia. Lo storicismo del "Mondo degli Artisti" era una fuga dalla realtà. Non il passato, ma la sua drammatizzazione, il desiderio della sua irrevocabilità: questo è il loro motivo principale. Non è vero divertimento, ma si diverte con i baci nei vicoli: questo è Somov.

Il tema del mondo artificiale, una vita falsa, in cui non c'è nulla di significativo e importante, è il tema principale dell'opera di Somov. Ha come prerequisito la valutazione profondamente pessimistica dell'artista della morale della moderna società borghese-aristocratica, sebbene sia stato Somov l'esponente più vivo dei gusti edonistici di questo circolo. La farsa di Somov è il rovescio della medaglia dell'atteggiamento tragico, che però raramente si manifesta nella scelta di soggetti particolarmente tragici.

Le tecniche della pittura di Somov assicurano l'isolamento coerente del mondo che raffigura dal semplice, ingenuo. L'uomo di Somov è recintato dalla natura naturale da puntelli di giardini artificiali, pareti tappezzate di damasco, serigrafie e morbidi divani. Non è un caso che Somov sia particolarmente intenzionato a utilizzare anche motivi di illuminazione artificiale (una serie di "Fuochi d'artificio" dei primi anni '10). Un inaspettato lampo di luci di fuochi d'artificio trova le persone in pose rischiose, casualmente assurde e spigolose, che tramano l'assimilazione simbolica della vita a un teatro di marionette.

Somov ha lavorato molto come grafico, ha disegnato una monografia di S. Diaghilev su Levitsky, il lavoro di A. Benois su Tsarskoe Selo. Il libro come un unico organismo con la sua unità ritmica e stilistica fu da lui elevato a un'altezza straordinaria. Somov non è un illustratore, "illustra non un testo, ma un'epoca, usando un dispositivo letterario come trampolino di lancio", ha scritto il critico d'arte A.A. Sidorov.

Il ruolo di M.V. Dobuzhinsky nella storia del mondo dell'arte non ha un'importanza inferiore al ruolo dei maestri anziani di questo gruppo, sebbene non appartenesse al numero dei suoi fondatori e non fosse membro del circolo giovanile di A.I. Benoit. Solo nel 1902, la grafica di Dobuzhinsky apparve sulle pagine della rivista "World of Art", e solo nel 1903 iniziò a partecipare a mostre con lo stesso nome. Ma, forse, nessuno degli artisti che si unirono al gruppo nominato nel primo periodo della sua attività si avvicinò quanto Dobuzhinsky alla comprensione delle idee e dei principi del nuovo movimento creativo, e nessuno di loro diede un contributo così significativo e originale al sviluppo del metodo artistico del "Mondo dell'Arte".

Mstislav Valerianovich Dobuzhinsky (1875-1957) era un uomo con una formazione universitaria e ampi interessi culturali. È diventato dipendente dal disegno da bambino e presto ha iniziato a prepararsi per il lavoro di un artista. Insieme alle arti visive, fu attratto dalla letteratura e dalla storia; leggeva molto e illustrava ciò che leggeva. Le prime impressioni artistiche che sono rimaste per sempre nella sua memoria sono state tratte da libri per bambini con illustrazioni di Berthal, G. Dore e W. Bush.

La grafica è sempre stata più facile per Dobuzhinsky che la pittura. Nei suoi anni da studente, ha studiato sotto la guida dell'itinerante G. Dmitriev-Kavkazsky, che, tuttavia, non ha avuto alcuna influenza su di lui. "Fortunatamente", come ha detto l'artista, non è entrato all'Accademia delle Arti e non ha sperimentato affatto il suo impatto. Dopo la laurea, andò a studiare arte a Monaco di Baviera e per tre anni (1899-1901) studiò nelle botteghe di A. Ashbe e S. Holloshi, dove lavorarono anche I. Grabar, D. Kardovsky e alcuni altri artisti russi . Qui si completò la formazione artistica di Dobuzhinsky e si formarono i suoi gusti estetici: apprezzò molto Manet e Degas, si innamorò per sempre dei preraffaelliti, ma su di lui ebbero la più forte influenza i paesaggisti tedeschi di fine Ottocento e gli artisti del Simplicissimus . La preparazione e la formazione creativa del giovane Dobuzhinsky lo hanno portato in modo abbastanza organico a entrare in contatto con il "Mondo dell'arte". Al suo ritorno a San Pietroburgo, Dobuzhinsky ha incontrato il sostegno attivo di Grabar e Benois, che hanno molto apprezzato il suo talento. Nei primi disegni di Dobuzhinsky (1902-1905), le reminiscenze della scuola di Monaco si intrecciano con l'influenza abbastanza evidente dei maestri più anziani del mondo dell'arte, principalmente Somov e Benois.

Dobuzhinsky si distingue tra gli artisti del "Mondo dell'arte" per il repertorio tematico-aroma di opere dedicate alla città moderna. Ma proprio come in Somov e Benois lo "spirito del passato" si esprime attraverso la calligrafia artistica dell'epoca, incarnata nell'architettura, nei mobili, nei costumi, negli ornamenti, così in Dobuzhinsky, la moderna civiltà urbana si esprime non nelle azioni e nelle azioni di persone, ma attraverso l'aspetto di moderni edifici urbani, in fitte file che chiudono l'orizzonte, ostruiscono il cielo, sbarrate dalle ciminiere delle fabbriche, stupende con innumerevoli file di finestre. Dobuzhinsky vede la città moderna come un regno di monotonia e standard che cancella e assorbe l'individualità umana.

Altrettanto programmatico come per Somov "La signora in blu" è per il film di Dobuzhinsky "L'uomo con gli occhiali. Ritratto di Konstantin Alexandrovich Sunnerberg "(1905-1906, Galleria Statale Tretyakov). Sullo sfondo di una finestra, dietro la quale, a una certa distanza di fronte a una landa abbandonata, è accatastato l'isolato, raffigurato di spalle, impresentabile, dove le ciminiere delle fabbriche e le spoglie mura di cinta di grandi condomini si ergono sopra il vecchio case, incombe la figura di un uomo magro con una giacca cadente sulle spalle curve. Le lenti scintillanti dei suoi occhiali, abbinate ai contorni delle orbite, danno l'impressione di orbite vuote. Nell'ombreggiatura della testa, è esposto il disegno di un teschio nudo: uno spaventoso fantasma della morte appare nei contorni di un volto umano. Nella frontalità affettata, il verticalismo enfatizzato della figura, l'immobilità della postura, una persona è paragonata a un manichino, un automa senza vita - così, in relazione all'era moderna, Dobuzhinsky ha trasformato il tema dello "spettacolo di burattini" giocato in retrospettiva da Somov e Benoit sul palcoscenico del passato. C'è qualcosa di "demoniaco" e pietoso allo stesso tempo nell'uomo spettrale di Dobuzhinsky. È una creatura terribile e allo stesso tempo una vittima della città moderna.

Dobuzhinsky lavorò molto anche nell'illustrazione, dove il più notevole può essere considerato il suo ciclo di disegni a china per Le notti bianche di Dostoevskij (1922). Dobuzhinsky ha anche lavorato nel teatro, progettato per Nemirovich-Danchenko "Nikolai Stavrogin" (messa in scena dei "Demoni" di Dostoevskij), le commedie di Turgenev "Un mese in campagna" e "Freeloader".

La raffinatezza della fantasia tesa a riunire e interpretare la lingua, la grafia stilistica delle culture straniere, in generale “lingua straniera” in senso lato, ha trovato la sua più naturale applicazione organica nell'area dove tale qualità non è solo auspicabile, ma necessaria - nel campo dell'illustrazione del libro. Quasi tutti gli artisti di World of Art erano eccellenti illustratori. I più grandi e notevoli cicli artisticamente illustrativi dell'epoca, quando la direzione "Miriskusnicheskoe" in quest'area era dominante, sono le illustrazioni di A. Benois per The Bronze Horseman (1903-1905) e E. Lancer per Hadji Murad (1912- 1915).

Evgeny Evgenievich Lanceray (1875-1946) nel suo lavoro ha toccato tutti i principali problemi della grafica del libro all'inizio del XX secolo. (vedi le sue illustrazioni per il libro "Legends of the Ancient Castles of Brittany", per Lermontov, la copertina di "Nevsky Prospect" di Bozheryanov, ecc.), Lanceray ha creato una serie di acquerelli e litografie di San Pietroburgo ("Kalinkin Bridge" ", "Mercato Nikolsky", ecc.). L'architettura occupa un posto enorme nelle sue composizioni storiche ("Imperatrice Elizaveta Petrovna a Tsarskoe Selo", 1905, Galleria Statale Tretyakov). Possiamo dire che un nuovo tipo di quadro storico è stato creato nelle opere di Serov, Benois, Lanceray: è privo di trama, ma allo stesso tempo ricrea perfettamente l'aspetto dell'epoca, evoca molti elementi storici, letterari ed estetici associazioni. Una delle migliori creazioni di Lanceray - 70 disegni e acquerelli per il racconto di L.N. "Hadji Murad" di Tolstoj (1912-1915), che Benoit considerava "una canzone indipendente, perfettamente inserita nella potente musica di Tolstoj".

Benois l'illustratore è una pagina intera nella storia del libro. A differenza di Somov, Benoit crea un'illustrazione narrativa. Il piano della pagina non è per lui fine a se stesso. Le illustrazioni per "The Queen of Spades" erano più probabilmente opere indipendenti complete, non tanto "book art", secondo A.A. Sidorov, quanto "l'arte è nel libro". Un capolavoro dell'illustrazione del libro è stato il design grafico di The Bronze Horseman (1903, 1905, 1916, 1921-1922, inchiostro e acquerello che imitano la xilografia a colori).

Pietroburgo - la città "bella e terribile" - protagonista delle illustrazioni di Benois. Nello stile di queste illustrazioni, tipico del "mondo dell'arte" in generale, ma in questo caso si fa sentire un "sistema di prismi" piuttosto complesso, in cui sono state rifratte immagini e immagini della storia di Pietroburgo di Pushkin - ecco un ricordo dei paesaggi del primo cantante di "Venezia del Nord" In pittura - F. Alekseev (nelle illustrazioni che accompagnano l'odica introduzione del racconto), e la poetica bellezza degli interni di scuola veneziana nelle scene d'interni, e la grafica del primo terzo del XIX secolo, e non solo il Pietroburgo di Pushkin, ma anche il Pietroburgo di Dostoevskij, per esempio, nella famosa scena dell'inseguimento notturno. Il tema centrale della storia di San Pietroburgo di Pushkin - il conflitto tra una persona privata e il potere statale personificato nell'immagine del Cavaliere di bronzo, che agisce per l'individuo sotto forma di infausto destino - ha trovato la sua alta espressione artistica nel frontespizio, realizzato nel 1905. In questo disegno ad acquerello, Benoit è riuscito a raggiungere una straordinaria semplicità e chiarezza nell'esprimere un'idea complessa, ovvero la qualità che è simile alla grande semplicità di Pushkin. Ma l'ombra del cupo "demonismo" nelle vesti del Cavaliere di bronzo, così come l'assimilazione del perseguitato Eugenio all'immagine di un "verme insignificante" pronto a mischiarsi alla polvere, non indica solo la presenza di un altro "prisma" questo è abbastanza caratteristico del "mondo degli artisti" - la fantasia di Hoffmann, ma significa anche uno spostamento dall'oggettività di Pushkin verso un sentimento di natura puramente individualistica di orrore per la spassionatezza della necessità storica - un sentimento che Pushkin non aveva.

La decorazione teatrale, affine all'arte dell'illustrazione del libro in quanto associata anche all'interpretazione del disegno di qualcun altro, era un'altra area in cui il "Mondo dell'Arte" era destinato a compiere una grande riforma artistica. Consisteva nel ripensare il vecchio ruolo di artista teatrale. Ora non è più artista-progettista di un'azione e inventore di comodi recinti di scena, ma interprete di musica e dramma, artefice di uno spettacolo alla pari di regista e attori. Così, nel processo di composizione della musica per il balletto "Petrushka" di I. Stravinsky, A. Benois ha spiegato davanti a lui le immagini visive della futura performance.

Lo scenario di "Petrushka", questo, nelle parole dell'artista, "balletto di strada", ha fatto rivivere lo spirito della fiera e dei festeggiamenti dello stand.

Il fiorire delle attività del "mondo dell'arte" nel campo dell'arte teatrale e decorativa risale agli anni '10 ed è legato all'organizzazione organizzata da S.P. Diaghilev (l'idea apparteneva ad A. Benois) "Russian Seasons" a Parigi, che includeva un'intera serie di concerti sinfonici, spettacoli di opera e balletto. Fu negli spettacoli di "Russian Seasons" che il pubblico europeo ascoltò per la prima volta F. Chaliapin, vide A. Pavlova, conobbe la coreografia di M. Fokine. Fu qui che il talento di L.S. Bakst, un artista che apparteneva al nucleo principale del "Mondo dell'Arte".

Insieme a Benoit e Somov, Lev Samoilovich Bakst (1866-1924) è una delle figure centrali nella storia del mondo dell'arte. Era un membro del circolo giovanile, in cui sono nate le tendenze ideologiche e creative di questa direzione; fu tra i fondatori ei dipendenti più attivi della rivista, che stava portando avanti un nuovo programma estetico; lui, insieme a Diaghilev, "esporta" l'arte russa nell'Europa occidentale e ne ottiene il riconoscimento; La fama mondiale della pittura teatrale e decorativa russa "Il mondo dell'arte" è caduta principalmente su Bakst.

Nel frattempo, nel sistema di sviluppo di idee e principi del "Mondo dell'arte" Bakst ha un posto completamente separato e indipendente. Pur sostenendo attivamente le tattiche di unificazione e condivisione, in generale, delle sue posizioni estetiche di base, Bakst, allo stesso tempo, ha seguito un percorso del tutto autonomo. La sua pittura non è come la pittura di Somov e Benoit, Lanceray e Dobuzhinsky; proviene da altre tradizioni, si affida a una diversa esperienza mentale e di vita, si rivolge ad altri temi e immagini.

Il percorso dell'artista è stato più complesso e tortuoso rispetto all'evoluzione regolare e coerente, caratteristica del lavoro di molti suoi amici e collaboratori. C'è una sfumatura di paradosso nelle ricerche e nei lanci di Bakst; la linea del suo sviluppo è tracciata con ripidi zigzag. Bakst è arrivato nel "mondo dell'arte" come se fosse "da destra"; portò con sé le abilità della vecchia scuola accademica e il rispetto per le tradizioni del XIX secolo. Ma passò pochissimo tempo e Bakst divenne il più "di sinistra" tra i partecipanti al "World of Art"; si avvicinò più attivamente di altri alla pittura art nouveau dell'Europa occidentale e ne assimilò organicamente le tecniche. Gli spettatori occidentali hanno trovato più facile riconoscere Bakst come "loro" rispetto a qualsiasi altro artista del mondo dell'arte.

Bakst aveva tre anni in più di Somov, Benoit di quattro anni e Diaghilev di sei anni. La differenza di età, di per sé insignificante, aveva un certo significato nel momento in cui le figure del "Mondo dell'Arte" erano giovani. Tra i giovani dilettanti che si sono raggruppati intorno a Benoit e hanno formato il suo circolo. Bakst era l'unico artista con una certa esperienza professionale. Per quattro anni (1883-1887) ha studiato all'Accademia delle Arti, a volte ha realizzato ritratti su ordinazione e ha lavorato come illustratore nelle cosiddette "riviste sottili". Il Museo Russo contiene diversi schizzi di paesaggi e ritratti di Bakst, dipinti nella prima metà degli anni 1890. Non sono di alta qualità artistica, ma sono abbastanza professionali. Mostrano già l'estro decorativo caratteristico di Bakst; ma secondo i loro principi, non vanno oltre i limiti della tarda pittura accademica.

Ben presto, tuttavia, l'opera di Bakst assunse un carattere diverso. Alle prime mostre del World of Art, Bakst ha agito principalmente come ritrattista. Basta guardare più da vicino la serie di ritratti che realizzò a cavallo tra il XIX e il XX secolo per capire da quali concetti ebbe origine la pittura di Bakst all'inizio della sua carriera e in quale direzione si sviluppò in futuro.

Una delle opere più famose dell'artista è il ritratto di Alexander Benois (1898, Museo di Stato russo). In questo primo lavoro pieno di pastelli, ancora imperfetto e poco familiare con le tendenze illusionistiche, si può scorgere un intero complesso di idee creative, che ha poi determinato il compito e il significato della ritrattistica per Bakst. La natura è qui presa nel flusso dei suoi stati viventi, in tutta la variabilità delle sue qualità concrete, precisamente rilevate. Il ruolo principale è giocato dal desiderio di rivelare il personaggio, di rivelare le caratteristiche psicologiche individuali della persona ritratta. Questa tendenza risale direttamente ai principi creativi della pittura realistica russa. Come per i ritrattisti della seconda metà dell'Ottocento, il compito dell'artista qui è quello di catturare un momento di realtà che scorre, un certo frammento di vita reale. Da qui nasce l'idea della trama: ritrarre Benoit come se fosse colto di sorpresa, senza pensare a mettersi in posa; da qui la struttura compositiva del ritratto, che sottolinea la disinvoltura, per così dire, la casualità della posa e dell'espressione della modella; da qui, infine, nasce l'interesse per i caratteri quotidiani, per l'introduzione nel ritratto di elementi interni e nature morte.

Un'altra opera dell'artista, in qualche modo successiva, si basa su principi simili: un ritratto dello scrittore V.V. Rozanov (pastello, 1901, Galleria Statale Tretyakov). Tuttavia, già qui si intravede la tendenza guida nello sviluppo della ritrattistica di Bakst, un tentativo di affrancarsi dalle tradizioni del realismo psicologico del XIX secolo.

Nel ritratto di Rozanov si manifesta anche una tensione per le caratteristiche psicologiche e quotidiane e nell'interpretazione della forma è facile notare le caratteristiche dell'illusionismo. Eppure, rispetto al ritratto di Benoit, qui sono subito evidenti altre, nuove qualità. Il formato del quadro, stretto e allungato, è volutamente enfatizzato dalle linee verticali dell'anta e della libreria. Su uno sfondo bianco, che occupa quasi l'intero piano della tela, si delinea una sagoma scura del ritratto, circondata da un contorno rigido. La figura è spostata dall'asse centrale dell'immagine e non si fonde più con l'interno, ma è nettamente opposta ad esso. L'ombra di intimità caratteristica del ritratto di Benoit scompare.

Rifiutandosi di intendere il ritratto come un momento della realtà fissato sulla tela, Bakst - quasi contemporaneamente a Somov - inizia ora a costruire il suo lavoro su basi diverse. La riflessione prevale in Bakst sull'osservazione diretta, la generalizzazione prevale sugli elementi di analisi.

Il contenuto della caratteristica del ritratto non è più la natura nel flusso dei suoi stati di vita, ma una certa idea particolarmente idealizzata della persona ritratta. Bakst non abbandona il compito di rivelare il mondo interiore di questa particolare persona nella sua unicità individuale, ma allo stesso tempo cerca di affinare l'aspetto delle caratteristiche tipiche ritratte caratteristiche delle persone del fantastico mondo dell'arte, realizza l'immagine di un “eroe positivo” della sua epoca e del suo stretto ambiente ideologico. Queste caratteristiche hanno acquisito una forma ben distinta e completa nel ritratto di S.P. Diaghilev con una tata (1906, Museo di Stato russo). Variando lo stesso tema della figura umana all'interno, l'artista, per così dire, riordina gli accenti, reinterpreta i metodi precedenti in un modo nuovo, li inserisce in un sistema coerente coerente e li subordina all'immagine voluta. Non c'è più traccia dell'illusionismo e della completezza naturalistica dei primi ritratti. I ritmi compositivi si basano su una netta asimmetria. Le masse della pittura non si bilanciano: la metà destra del quadro sembra sovraccarica, la sinistra quasi vuota. Con questa tecnica, l'artista crea nel ritratto un'atmosfera di tensione speciale, necessaria per caratterizzare l'immagine. Alla posa di Diaghilev viene conferita un'imponenza cerimoniale. L'interno, insieme all'immagine di una vecchia seduta, una tata, diventa, per così dire, un commento che completa la caratterizzazione del ritratto.

Sarebbe un errore affermare che l'immagine di Diaghilev in questo ritratto è al di fuori del psicologico. Al contrario, Bakst inserisce nell'immagine tutta una serie di definizioni psicologiche taglienti e azzeccate, ma lì le limita volutamente: abbiamo il ritratto di una persona in posa. Il momento della posa è la parte più importante del concept, in cui non c'è nemmeno un accenno di intimità quotidiana; la posa è enfatizzata dall'intera struttura dell'immagine: i contorni della silhouette di Diaghilev, e la sua espressione, e la costruzione spaziale della composizione, e tutti i dettagli della situazione.

Non ci sono motivi del XVIII secolo nella grafica di Bakst. e temi del maniero. Egli gravita verso l'antichità, e verso il greco arcaico, interpretato simbolicamente. Il suo dipinto "Terroantiquus" (tempera, 1908, Museo di Stato russo) ebbe particolare successo tra i simbolisti. Un terribile cielo tempestoso, un fulmine che illumina l'abisso del mare e la città antica - e su tutta questa catastrofe universale, una statua arcaica di una dea domina con un misterioso sorriso gelido.

Successivamente, Bakst si è dedicato completamente al lavoro teatrale e decorativo, e le sue scene e costumi per i balletti dell'impresa di Diaghilev, eseguiti con straordinaria brillantezza, magistralmente, artisticamente, gli hanno portato fama mondiale. È stato progettato per spettacoli con Anna Pavlova, i balletti di Fokine.

Oriente esotico e speziato, da un lato, arte egea e greca arcaica, dall'altro: questi sono due temi e due strati stilistici che sono stati oggetto degli hobby artistici di Bakst e hanno formato il suo stile individuale.

Disegna principalmente spettacoli di balletto, tra i quali i suoi capolavori sono le scene e i costumi per "Scheherazade" su musica di N.A. Rimsky-Korsakov (1910), "L'uccello di fuoco" di I.F. Stravinsky (1910), "Daphnis and Chloe" di M. Ravel (1912) e diretto da V.F. Nijinsky su musica di K. Debussy per il balletto "Pomeriggio di un fauno" (1912). In una paradossale combinazione di principi opposti: brillantezza baccanale, sensuale astringenza del colore e grazia pigra di una linea di disegno fluida e volitiva, che conserva una connessione con l'ornamento del primo modernismo, è l'originalità dello stile individuale di Bakst. Eseguendo schizzi di costumi, l'artista trasmette il carattere, l'atmosfera dell'immagine a colori, il disegno plastico del ruolo, combinando la generalità del contorno e la macchia di colore con la rifinitura accurata dei dettagli dei gioielli: gioielli, motivi su tessuti, ecc. Ecco perché i suoi schizzi possono meno di tutti essere chiamati bozze, ma sono opere d'arte complete in se stesse.

A.Ya. Golovin - uno dei più grandi artisti teatrali del primo quarto del XX secolo, I. Ya. Bilibin, A.P. Ostroumova-Lebedev e altri.

Nicholas Roerich (1874-1947) occupa un posto speciale nel "Mondo dell'arte". Esperto di filosofia ed etnografia d'Oriente, archeologo-scienziato, Roerich ricevette un'ottima educazione prima in casa, poi alla Facoltà di Giurisprudenza e Storia e Filologia, poi all'Accademia delle Arti, nella bottega di Kuindzhi, e a Parigi presso lo studio di F. Cormon. Ha presto acquisito l'autorità di uno scienziato. Era legato al "mondo dell'arte" dallo stesso amore per la retrospezione, solo non i secoli XVII-XVIII, ma l'antichità pagana slava e scandinava e l'antica Russia, tendenze stilistiche, decoratività teatrale ("Il messaggero", 1897, Stato Tretyakov Galleria; "Gli anziani stanno convergendo", 1898, Museo di Stato russo; "Sinister", 1901, Museo di Stato russo). Roerich era più strettamente associato alla filosofia e all'estetica del simbolismo russo, ma la sua arte non si adattava al quadro delle tendenze esistenti, perché in accordo con la visione del mondo e la visione del mondo dell'artista piaceva, per così dire, a tutta l'umanità con l'appello di un'amica unione di tutti i popoli. Da qui lo speciale monumentalismo e il carattere epico delle sue tele. Dopo il 1905, l'atmosfera del misticismo panteistico crebbe nell'opera di Roerich. I temi storici lasciano il posto alle leggende religiose ("Battaglia celeste", 1912, Museo statale russo). L'icona russa ha avuto un'enorme influenza su Roerich: il suo pannello decorativo Cutting at Kerzhenets (1911) è stato esposto durante l'esecuzione di un frammento con lo stesso titolo dall'opera di Rimsky-Korsakov La leggenda della città invisibile di Kitezh e la fanciulla Fevronia nel russo parigino Le stagioni.

A causa dell'evoluzione degli atteggiamenti estetici iniziali, la scissione all'interno della redazione della rivista, la filiale del gruppo di artisti di Mosca "World of Art" nel 1905 cessò le sue attività espositive ed editoriali. Nel 1910 il "Mondo dell'Arte" si rinnova, ma funziona esclusivamente come organizzazione espositiva, non vincolata, come prima, dall'unità di compiti creativi e di orientamento stilistico, che unisce artisti di varie direzioni.

Tuttavia, c'era un certo numero di artisti del mondo dell'arte della "seconda ondata", nel cui lavoro sono stati ulteriormente sviluppati i principi artistici dei maestri anziani del "Mondo dell'arte". Tra questi c'era B.M. Kustodiev.

Boris Mikhailovich Kustodiev (1878-1927) è nato ad Astrakhan nella famiglia di un insegnante. Ha studiato disegno e pittura dall'artista P.A. Vlasov ad Astrakhan (1893-1896) e alla Higher Art School presso l'Accademia delle Arti di San Pietroburgo (1896-1503), dal 1898 - nella bottega del professor I.E. Rep. Nel 1902-1903 fu attratto da Repin a lavorare insieme al dipinto "Riunione solenne del Consiglio di Stato. Come studente dell'Accademia delle Arti, in vacanza ha viaggiato attraverso il Caucaso e la Crimea, e poi ogni anno (dal 1900) ha trascorso l'estate nella provincia di Kostroma; nel 1903 fece un viaggio lungo il Volga e con D.S. Stellets-kim a Novgorod.

Nel 1903, Kustodiev ricevette il titolo di artista e il diritto di viaggiare all'estero per il dipinto "Bazaar in the Village" (che fino al 1941 era nel Museo storico e artistico di Novgorod). Alla fine dello stesso anno, pensionato dell'Accademia, partì per Parigi, dove lavorò per un breve periodo nella bottega di R. Menard e contemporaneamente conobbe l'arte contemporanea, visitò musei e mostre. Nell'aprile 1904 lasciò Parigi per la Spagna per studiare i vecchi maestri; all'inizio dell'estate tornò in Russia. Nel 1909 gli fu conferito il titolo di accademico.

Kustodiev in seguito fece diversi viaggi all'estero: nel 1907, insieme a D.S. Stelletsky, - in Italia; nel 1909 - in Austria, Italia, Francia e Germania; nel 1911 e 1912 - in Svizzera; nel 1913 - nel sud della Francia e in Italia. Trascorse l'estate del 1917 in Finlandia.

Pittore di genere e ritrattista in pittura, pittore da cavalletto e illustratore in grafica, decoratore teatrale, Kustodiev ha anche lavorato come scultore. Ha realizzato numerosi busti ritratti e composizioni. Nel 1904, Kustodiev divenne membro della New Society of Artists; è membro del World of Art dal 1911.

L'oggetto delle raffinate stilizzazioni di Kustodiev nello spirito dei giocattoli dipinti e delle stampe popolari è la Russia patriarcale, i costumi del posad e dei mercanti, da cui l'artista prende in prestito uno speciale codice estetico: il gusto per tutto ciò che è colorato, eccessivamente colorato, intricato ornamentale. Da qui le luminose "Fiere", "Maslenitsa", "Balagany", da qui i suoi dipinti della vita borghese e mercantile, trasmessi con ironia caustica, ma non senza ammirare queste bellezze dalle guance rosse e mezzo addormentate al samovar e con i piattini nelle loro dita grassocce ("Mercante", 1915, Museo di Stato russo; "La moglie del mercante al tè", 1918, Museo di Stato russo).

"Bellezza" (1915, Galleria Statale Tretyakov) è un perfetto esempio della stilizzazione di Kustodiev nello spirito dell'"estetica della quantità" del mercante, espressa dalla forzatura iperbolica di questa quantità: corpo, lanugine, raso, ornamenti. Una bellezza rosa perla nel regno di piumoni, cuscini, piumini e mogano è una dea, un idolo della vita mercantile. L'artista fa sentire la distanza ironica tipicamente “mondana” rispetto ai valori di questa vita, intrecciando sapientemente la gioia con un sogghigno gentile.

Il mondo dell'arte è stato un grande movimento estetico a cavallo del secolo che ha sopravvalutato l'intera cultura artistica moderna, ha approvato nuovi gusti e problemi e ha restituito all'arte - al più alto livello professionale - le forme perdute della grafica libraria e teatrale e decorativa pittura, che, attraverso i loro sforzi, ha ricevuto tutti i riconoscimenti europei.-nie, che ha creato una nuova critica d'arte, ha promosso l'arte russa all'estero, infatti, ha persino aperto alcune delle sue fasi, come il XVIII secolo russo. "Miriskusniki" ha creato un nuovo tipo di pittura storica, ritratto, paesaggio con le proprie caratteristiche stilistiche (tendenze stilistiche distinte, predominanza delle tecniche grafiche sulla pittura, comprensione puramente decorativa del colore, ecc.). Questo determina la loro importanza per l'arte russa.

Le debolezze del "Mondo dell'Arte" si riflettono principalmente nella variegatura e incoerenza del programma, proclamando un modello di "ora Böcklin, ora Manet"; nelle visioni idealistiche dell'arte, affette dall'indifferenza ai compiti civici dell'arte, nell'apoliticità programmatica, nella perdita del significato sociale del quadro. L'intimità del "Mondo dell'Arte", i tratti dell'originario limite, determinarono il breve periodo storico della sua vita nell'era dei formidabili presagi dell'imminente rivoluzione proletaria. Questi erano solo i primi passi sulla strada delle ricerche creative, e ben presto il "Mondo dell'Arte" fu superato dai giovani.

Il mondo dell'arte è un'associazione creativa di artisti che esiste dalla fine del 1890. fino al 1924 (a intermittenza). Il nucleo principale dell'associazione comprendeva A. N. Benois, L. S. Bakst, K. A. Somov, M. V. Dobuzhinsky, E. E. Lansere, I. Ya. Bilibin. K. A. Korovin, A. Ya. Golovin, B. M. Kustodiev, N. K. Roerich, S. Yu. Sudeikin, B. I. Anisfeld e altri si sono uniti al mondo dell'arte.

Il programma World of Art è stato controverso. Opponendo la sua attività agli Itineranti e all'Accademia delle Arti, "World of Art" era un sostenitore dell'"arte pura". Allo stesso tempo, gli artisti dell'associazione non hanno rotto con il realismo, molti di loro hanno risposto alla Rivoluzione del 1905 e negli anni '10. Il "Mondo dell'Arte" si opponeva alla decadenza e al formalismo. Nelle opere degli artisti del mondo dell'arte c'era una forte tendenza retrospettiva, un fascino per la cultura del XVII e XVIII secolo.

I maggiori punti di forza del Mondo dell'Arte sono la grafica del libro e la scenografia teatrale. Difendendo il contenuto e l'integrità della performance, il ruolo attivo dell'artista in essa, "World of Art" ha continuato la riforma dell'arte teatrale e decorativa, iniziata dai decoratori dell'opera S. I. Mamontov.

Le opere di decorazione degli artisti del mondo dell'arte sono caratterizzate da alta cultura, arricchimento del teatro con le realizzazioni della pittura moderna, integrità artistica delle soluzioni, gusto delicato e profondità di interpretazione delle opere teatrali, comprese quelle di balletto.

Un ruolo importante è stato svolto dagli artisti del "Mondo dell'Arte" nella progettazione delle performance

L'associazione artistica "World of Art" si è annunciata con l'uscita dell'omonima rivista a cavallo dei secoli XIX-XX. La pubblicazione del primo numero della rivista "World of Art" a San Pietroburgo alla fine del 1898 fu il risultato di dieci anni di comunicazione tra un gruppo di pittori e grafici guidati da Alexander Nikolaevich Benois (1870-1960).

L'idea principale dell'unificazione è stata espressa nell'articolo "Domande difficili. Il nostro declino immaginario". L'obiettivo principale della creazione artistica è stato dichiarato essere la bellezza, e la bellezza nella comprensione soggettiva di ogni maestro. Questo atteggiamento nei confronti dei compiti dell'arte ha dato all'artista assoluta libertà nella scelta di temi, immagini e mezzi di espressione, cosa abbastanza nuova e insolita per la Russia.

Il World of Art ha aperto al pubblico russo molti fenomeni interessanti e precedentemente sconosciuti della cultura occidentale, in particolare la pittura finlandese e scandinava, gli artisti preraffaelliti inglesi e l'artista grafico Aubrey Beardsley. La collaborazione con scrittori simbolisti fu di grande importanza per i maestri riuniti intorno a Benoit e Diaghilev. Nel dodicesimo numero della rivista nel 1902, il poeta Andrei Bely pubblicò un articolo "Forms of Art", e da allora i più grandi poeti simbolisti sono stati regolarmente pubblicati sulle sue pagine. Tuttavia, gli artisti del mondo dell'arte non si sono limitati al simbolismo. Hanno lottato non solo per l'unità stilistica, ma anche per la formazione di una personalità creativa unica e libera.

Come associazione letteraria e artistica integrale, il "Mondo dell'arte" non durò a lungo. I disaccordi tra artisti e scrittori portarono nel 1904 alla chiusura della rivista. La ripresa delle attività del gruppo nel 1910 non poté più ripristinare il suo antico ruolo. Ma nella storia della cultura russa, questa associazione ha lasciato un segno profondo. Fu questo a spostare l'attenzione dei maestri dalle questioni di contenuto a quelle di forma e di linguaggio pittorico.

Una caratteristica distintiva degli artisti del mondo dell'arte era la loro versatilità. Erano impegnati nella pittura e nella progettazione di spettacoli teatrali e arti e mestieri. Tuttavia, la grafica gioca un ruolo chiave nella loro eredità.

Le migliori opere di grafica Benoit; particolarmente interessanti tra loro sono le illustrazioni del poema di Alexander Pushkin "Il cavaliere di bronzo" (1903-1922). Pietroburgo divenne il principale "eroe" dell'intero ciclo: le sue strade, i suoi canali, i suoi capolavori architettonici appaiono sia nella fredda severità delle linee sottili, sia nel drammatico contrasto di punti luminosi e scuri. Al culmine della tragedia, quando Eugenio fugge dal formidabile gigante, il monumento a Pietro, galoppando dietro di lui, il maestro dipinge la città con colori cupi e cupi.

Il lavoro di Benoit è vicino all'idea romantica di opporsi a un eroe sofferente solitario e al mondo, indifferente a lui e quindi uccidendolo.

La progettazione di spettacoli teatrali è la pagina più brillante dell'opera di Lev Samuilovich Bakst (vero nome Rosenberg; 1866-1924). Le sue opere più interessanti sono associate alle produzioni di opera e balletto delle Stagioni russe a Parigi 1907-1914. - una sorta di festival dell'arte russa, organizzato da Diaghilev. Bakst ha realizzato schizzi di scene e costumi per l'opera "Salome" di R. Strauss, la suite "Scheherazade" di N. A. Rimsky-Korsakov, il balletto "Pomeriggio di un fauno" su musica di C. Debussy e altri spettacoli. Particolarmente notevoli sono i bozzetti dei costumi, che sono diventati opere grafiche indipendenti. L'artista ha modellato il costume, concentrandosi sul sistema di movimenti del ballerino, attraverso linee e colori, ha cercato di rivelare lo schema della danza e la natura della musica. Nei suoi schizzi, colpisce la nitidezza della visione dell'immagine, una profonda comprensione della natura dei movimenti del balletto e una grazia straordinaria.

Uno dei temi principali per molti dei maestri del World of Art è stato il richiamo al passato, il desiderio per il mondo ideale perduto. L'epoca preferita era il XVIII secolo, e soprattutto il periodo rococò. Gli artisti non solo hanno cercato di far rivivere questa volta nel loro lavoro - hanno attirato l'attenzione del pubblico sull'arte genuina del XVIII secolo, infatti, riscoprendo l'opera dei pittori francesi Antoine Watteau e Honore Fragonard e dei loro compatrioti - Fyodor Rokotov e Dmitry Levitsky .

Le opere di Benois sono associate alle immagini dell'"età galante", in cui i palazzi e i parchi di Versailles sono presentati come un mondo bello e armonioso, ma abbandonato dalle persone. Evgeny Evgenievich Lanceray (1875-1946) preferiva raffigurare immagini della vita russa nel XVIII secolo.

I motivi rococò si manifestarono con particolare espressività nelle opere di Konstantin Andreevich Somov (1869-1939). Presto si unì alla storia dell'arte (padre

artista era il curatore delle collezioni dell'Hermitage). Dopo essersi diplomato all'Accademia delle Arti, il giovane maestro divenne un eccellente conoscitore della pittura antica. Somov imitò brillantemente la sua tecnica nei suoi dipinti. Il genere principale del suo lavoro potrebbe essere chiamato variazioni sul tema della "scena galante". In effetti, sulle tele dell'artista, i personaggi di Watteau sembrano rivivere: donne in abiti e parrucche lussureggianti, attori di maschere comiche. Flirtano, flirtano e cantano serenate nei vicoli del parco, circondati dal bagliore carezzevole della luce del tramonto.

Tuttavia, tutti i mezzi della pittura di Somov mirano a mostrare la "scena galante" come una visione fantastica che balenò per un momento e immediatamente scomparve. Dopo di lui rimane solo un doloroso ricordo. Non è un caso che nel mezzo di un gioco galante e leggero, l'immagine della morte appaia, come nell'acquerello "Arlecchino e morte" (1907). La composizione è chiaramente divisa in due piani. In lontananza la tradizionale "serie di francobolli" del Rococò: il cielo stellato, le coppie innamorate, ecc. E in primo piano ci sono anche i tradizionali personaggi mascherati: Arlecchino in un abito colorato e Morte - uno scheletro in un mantello nero. Le sagome di entrambe le figure sono delineate con linee nette e spezzate. In una tavolozza brillante, in un certo sforzo deliberato per un modello, si sente un cupo grottesco. La grazia raffinata e l'orrore della morte risultano essere due facce della stessa medaglia, e il pittore sembra cercare di trattarli entrambi con uguale facilità.

Somov è riuscito a esprimere la sua nostalgica ammirazione per il passato in modo particolarmente sottile attraverso le immagini femminili. La famosa opera "La signora in blu" (1897-1900) è un ritratto di un contemporaneo del maestro artista E. Martynova. È vestita all'antica ed è raffigurata sullo sfondo di un poetico parco paesaggistico. Il modo di dipingere imita brillantemente lo stile Biedermeier. Ma l'evidente morbosità dell'aspetto dell'eroina (Martynova morì presto di tubercolosi) evoca un sentimento di acuta malinconia, e la morbidezza idilliaca del paesaggio sembra irreale, esistente solo nell'immaginazione dell'artista.

Mstislav Valerianovich Dobuzhinsky (1875-1957) ha concentrato la sua attenzione principalmente sul paesaggio urbano. Il suo Pietroburgo, a differenza del Pietroburgo di Benois, è privo di un'aura romantica. L'artista sceglie le vedute più poco attraenti, "grigie", mostrando la città come un enorme meccanismo che uccide l'anima umana.

La composizione del dipinto "Uomo con gli occhiali" ("Ritratto di K. A. Sunnerberg", 1905-1906) si basa sull'opposizione dell'eroe e della città, visibile attraverso un'ampia finestra. A prima vista, una variegata fila di case e la figura di un uomo dal volto immerso nell'ombra sembrano isolati l'uno dall'altro. Ma c'è una profonda connessione interiore tra questi due piani. L'ottusità "meccanica" delle case di città sta dietro alla luminosità dei colori. L'eroe è distaccato, immerso in se stesso, nel suo volto non c'è altro che stanchezza e vuoto.