John Manchip White ::: Indiani del Nord America. Vita, religione, cultura

L'indiano viveva in stretto legame con la natura, trattandola con timore reverenziale e profonda riverenza; si rivolgeva costantemente nelle sue preghiere agli spiriti e alle forze che la incarnavano, cercando di propiziarle e placarli. Il suo legame con la natura era allo stesso tempo forte e fragile: da un lato gli dava i mezzi per vivere, dall'altro ricordava e metteva costantemente in guardia su quanto una persona sia una creatura vulnerabile e quanto meno e peggio si sia adattata a vita nel suo mondo circostante rispetto ad altri esseri viventi accanto ad esso. Pertanto, non sorprende che nell'arte l'indiano abbia cercato di esprimere i suoi sentimenti e sensazioni profondamente personali legati al mondo esterno: le sue paure, speranze e convinzioni che vivevano nel profondo della sua anima.

L'arte degli indiani era profondamente connessa con le loro credenze religiose. Sfortunatamente, a causa della distruzione del modo di vivere tradizionale e delle antiche credenze e tradizioni religiose, la capacità di esprimere e comprendere il significato interiore più profondo che era contenuto nelle opere d'arte indiana durante il suo periodo di massimo splendore è andata perduta. Questo significato è oggi inaccessibile non solo agli storici dell'arte bianchi, ma anche alla maggior parte degli indiani stessi. Come l'arte dell'uomo bianco, l'arte indiana oggi è una piacevole aggiunta alla vita, leggera e superficiale; una sorta di gesto aggraziato e sorriso inviato alla vita. Non è più alimentato da quella forza e potere potente e irresistibile, che era fornito da una connessione diretta con la fonte dell'intera gamma di sentimenti e passioni umani nascosti nelle profondità dell'anima umana. Solo in quei pochi luoghi, in particolare in alcuni luoghi del sud-ovest e nord-ovest, così come nelle regioni artiche, dove lo stile di vita tradizionale e le tradizioni culturali sono state ampiamente preservate, a volte possono intravedere esempi di autentica arte indiana.

Un altro motivo per cui l'arte indiana nel suo insieme rimane fraintesa e sottovalutata è che le sue opere sono eseguite in uno stile insolito. Gli occidentali probabilmente presterebbero più attenzione ad esso e lo studierebbero più seriamente se fosse realismo o astrattismo, poiché entrambi questi stili sono ben noti in Occidente. Tuttavia, l'arte tradizionale indiana non è né realistica né astratta. È schematico e simbolico, e in questo ricorda l'arte dell'antico Egitto. I dipinti murali dell'antico Egitto erano considerati divertenti, insoliti e "amatoriali" perché il design esterno sembrava molto semplice e ingenuo. La scultura dell'antico Egitto ha ricevuto maggiore attenzione da parte di critici e specialisti perché è stata classificata come "realistica", sebbene sia intrisa di significato simbolico e religioso quanto la pittura. L'arte dei nativi americani ha sofferto di valutazioni errate e semplicistiche simili.

L'arte indiana non si è mai posta l'obiettivo di riflettere oggettivamente il mondo esterno. Non era interessato al lato esteriore delle cose; era rivolto verso l'interno, riguardava principalmente gli echi e le manifestazioni della vita interiore di una persona: visioni, rivelazioni, sogni cari, sentimenti e sensazioni. Questo ha nutrito l'artista stesso, e ha voluto vederlo nell'oggetto del suo lavoro. Nell'arte indiana il principio estetico non era in primo piano, sebbene tra gli indiani questo sentimento fosse molto sviluppato. Il suo compito principale era quello di trasmettere ed esprimere un significato misterioso e mistico. Anche i disegni e le immagini su vestiti e utensili domestici hanno uno scopo protettivo e curativo; esprimere una connessione con uno spirito sacro guardiano o fungere da simboli magici che dovrebbero garantire buona fortuna e prosperità. L'artista indiano, come il suo antico collega egiziano, non si è sforzato di dipingere un ritratto accurato di una persona o l'immagine di un animale. Non era interessato al guscio esterno, ma all'anima e all'essenza interiore nascosta di tutto ciò che lo circondava. E in quale altro modo puoi trasmettere e rappresentare una cosa così sottile ed elusiva come l'anima, se non attraverso simboli e altri mezzi simili per trasmettere i tuoi sentimenti e la tua autoespressione?

Ad eccezione dei monumenti, sembra che gli indiani d'America non abbiano prodotto molta arte. Potremmo assicurarci che le opere degli antichi costruttori di insediamenti rupestri e maunds non siano inferiori ai campioni dell'architettura europea sia antica che medievale. D'altra parte, non è stato trovato nulla in Nord America - almeno non ancora - che possa essere paragonato ai capolavori di murales trovati ad Altamira, in Spagna, o agli altrettanto famosi esempi di pitture rupestri a Lascaux, in Francia. Solo poche modeste pitture rupestri sono sopravvissute sulle "case di insediamento" erette nella roccia, ma sono state realizzate dagli indiani Navajo, che sono apparsi qui molti anni dopo che i creatori di queste strutture architettoniche uniche hanno lasciato questi luoghi. Diversi disegni sono stati trovati anche sui muri delle kivas, il cui accesso era consentito. È possibile, naturalmente, che un certo numero di capolavori di pittura murale possano essere scoperti all'interno delle kiva, in un certo numero di pueblo, quando lì viene aperto l'accesso agli estranei; dopotutto, per molto tempo anche numerosi monumenti della pittura e della scultura dell'antico Egitto sono stati nascosti da occhi indiscreti. Tuttavia, è probabile che un numero significativo di monumenti dell'arte indiana non verrà mai scoperto. Gli indiani semplicemente non avevano l'inclinazione e il desiderio di crearli. Un'eccezione degna di nota erano gli artisti e gli intagliatori del legno del Pacifico nord-occidentale. Hanno decorato le pareti delle famose "case lunghe" con veri e propri capolavori, così come i pilastri portanti degli edifici residenziali, i pilastri dei luoghi di sepoltura, i pilastri commemorativi e i famosi totem (l'espressione "totem", sebbene sia usata spesso, è errato; il pilastro raffigurava non solo simboli sacri, ma poteva essere semplicemente un emblema o un segno distintivo generico).

L'unica seria somiglianza tra l'arte del Nuovo e del Vecchio Mondo era l'uso di specifici mezzi di rappresentazione: pittogrammi o petroglifi. I petroglifi sono segni o simboli semantici disegnati, scavati o scolpiti sulla superficie di una roccia, pietra, in un riparo roccioso o in una rientranza, nonché sulle pareti delle grotte. Si trovano in quasi tutto il Nord America. Figure umane, allungate e oblunghe, così come piedi, mani, gambe e dita sono talvolta usate come segni-simboli. Più spesso ci sono figure geometriche di varie forme (tonde, ovali, quadrate, triangolari, trapezoidali) e le loro combinazioni, nonché incredibili insiemi di animali, uccelli, rettili e insetti particolarmente raffigurati o loro frammenti. A volte i petroglifi sono raffigurati molto da vicino, praticamente ridotti a una specie di grande macchia, ea volte l'immagine è singola e in un luogo remoto e difficile da raggiungere.

Cosa significavano i petroglifi? Per cosa sono stati disegnati? In alcuni casi, potrebbero essere stati applicati proprio così, "per niente da fare", senza uno scopo specifico. Alcune "iscrizioni" furono probabilmente lasciate dagli innamorati per esprimere in questo modo i propri sentimenti. Forse sono stati lasciati dai cacciatori mentre aspettavano la preda o prendevano appunti sui trofei che avevano ottenuto. Forse era un ricordo dell'incontro di varie tribù che si erano radunate per concludere un trattato. Molti segnali sono molto probabilmente legati alla caccia: questa può essere una sorta di "trama" o un talismano per una caccia di successo. Ma alcuni di essi, molto probabilmente, sono di natura puramente personale: i giovani partiti appositamente per rifugiarsi in un luogo deserto e ricevere rivelazioni da uno spirito custode potrebbero lasciare un segno personale per esprimere i propri sentimenti e le proprie impressioni in questo modo. L'autore di questo libro scalava spesso una collina in una valle vicino a Carrizoso, nel New Mexico. Alla sua sommità, su pietre di origine vulcanica, si possono vedere migliaia di petroglifi di varie forme, dimensioni, e che rappresentano le più diverse trame e combinazioni semantiche. Sono stati applicati 500-1000 anni fa da persone di cultura giornada, essere una branca della cultura mogollon, che, a sua volta, ha una lontana relazione con la cultura Hohokam. Essendo lì, ti senti in un luogo sacro e in piedi su un terreno sacro, e questi segni non sono scarabocchi casuali, ma qualcosa di molto misterioso e importante.

Il fatto che l'indiano nordamericano non fosse affascinato dalle arti monumentali è in gran parte dovuto al fatto che conduceva uno stile di vita in gran parte nomade. In misura ancora maggiore, ciò potrebbe essere dovuto alla sua sacra paura e timore reverenziale per la natura, paura e riluttanza a causare danni al mondo vivente che lo circonda. La natura gli era sacra. Anche quando si spostava da un luogo all'altro, cercava di farlo in modo da causare il minor danno possibile alla natura. Ha cercato di non lasciare impronte, calpestando il terreno, muovendosi letteralmente "in punta di piedi"; non spezzare un solo ramo, non strappare una sola foglia; rimosse dalla faccia della terra ogni traccia di incendi e di accampamenti. Cercò di muoversi come un vento leggero. E come abbiamo visto, ha cercato di rendere modesta e poco appariscente anche la sua tomba. Alcuni indiani per lungo tempo si rifiutarono di usare l'aratro offerto dall'uomo bianco, sebbene fossero impegnati nell'agricoltura, perché temevano che il vomere di ferro, schiantandosi contro il corpo di madre terra, le avrebbe fatto del male.

Tuttavia, sebbene l'indiano non avesse praticamente familiarità con quei tipi di arte che sono considerati i più significativi (sebbene un'opera d'arte in miniatura possa essere eseguita altrettanto abilmente e dello stesso valore di un affresco), ma nella creazione di "casa" , le cose di tutti i giorni, ha raggiunto il livello più alto. Armi, vestiti, gioielli, oggetti per rituali religiosi erano esempi di eccezionale maestria. A questo livello, gli indiani del Nord America non avevano rivali. Inoltre, a differenza della nostra società, tra gli indiani le capacità artistiche e creative non erano appannaggio di una ristretta cerchia di persone. Gli indiani non consideravano queste capacità una sorta di dono eccezionale. Ci sono tutte le ragioni per credere che quanto velocemente queste capacità svaniscono e svaniscono nella nostra società, tanto si sono sviluppate e diffuse tra gli indiani. Quasi tutti gli indiani potrebbero realizzare una brocca o un altro prodotto in ceramica modellato, tessere un cesto, cucire vestiti di pelle, fare finimenti per cavalli o dipingere un motivo su uno scudo da battaglia o una tenda tepee. La maggior parte degli indiani aveva mani "d'oro" e dita "vive". Questo fu loro insegnato dalle condizioni di vita; e il loro costante contatto e comunicazione con il mondo della fauna selvatica, divinità e spiriti sacri, rivelazioni e visioni, segni e simboli magici era una fonte inesauribile di ispirazione creativa.

Ancora una volta, sottolineiamo che quegli esempi di arte indiana che possono essere visti oggi nelle gallerie e nei musei non rappresentano in realtà l'arte indiana genuina e tradizionale nella forma in cui esisteva allora. Gli indiani hanno creato capolavori da materiali di breve durata: cuoio, legno, piume, pelli. Quei campioni che, nonostante il loro attivo sfruttamento e impatto naturale, sono sopravvissuti fino ad oggi, sono stati raramente realizzati prima della metà del XIX secolo, cioè già in quell'epoca in cui l'influenza dell'uomo bianco e della sua cultura era abbastanza tangibile . Sfortunatamente, pochissimi articoli di un periodo precedente sono pervenuti a noi. Non appena gli europei fecero la loro comparsa nel continente, iniziarono subito a commerciare con gli indiani, scambiando coltelli, accette, pistole, perline di vetro, campanelli e campanelli di ottone, bottoni di metallo e tessuti di lana e cotone dai colori vivaci per pellicce e pellicce. Si può dire che dalla metà del XVIII secolo. gli indiani erano già caduti sotto l'influenza delle preferenze di moda e di gusto dell'uomo bianco. Da un lato, la gamma dell'abbigliamento e della gioielleria presso gli indiani si espanse e, dall'altro, il loro gusto, tradizionalmente fine e raffinato, si ingrandì nel corso dei contatti con una civiltà industriale. Una parte significativa di ciò che consisteva in quegli abiti luminosi e magnifici in cui i leader indiani sono raffigurati nelle fotografie del XIX secolo. e che ammiriamo così tanto, è stato acquistato da società commerciali di bianchi o da venditori ambulanti bianchi.

Tuttavia, l'uso di materiali europei prodotti in serie non è stato affatto sempre dannoso per la cultura e l'arte indiana. Sebbene portassero, da un lato, la variegatura e la luminosità degli orpelli esterni, ma, dall'altro, consentivano agli indiani di esprimere pienamente la loro ricca immaginazione e realizzare la loro brama di tavolozze di colori brillanti e ricche, poiché le vernici erano solo di origine naturale e i materiali che usavano prima, non avevano una varietà di colori come quelli industriali, e talvolta erano tenui e sbiaditi. Naturalmente, l'influenza degli europei non è stata solo superficiale. Ha cambiato seriamente i gusti, la moda e lo stile dell'abbigliamento e l'aspetto stesso degli indiani. Prima del contatto con i bianchi, gli uomini indiani non indossavano giacche, camicie o capispalla in generale e la maggior parte delle donne indiane non indossava camicette. Più tardi, le donne indiane caddero sotto l'incantesimo dei bagni delle mogli militari bianche, che videro nei forti e nelle guarnigioni. Cominciarono a indossare capi di seta, raso e velluto, si adornavano di nastri e indossavano ampie gonne e mantelle. I Navajo di oggi, il cui abbigliamento i turisti considerano "abbigliamento tradizionale indiano", infatti, assomigliano molto poco ai loro compatrioti vissuti 200 anni fa. Anche i famosi gioielli Navajo sono generalmente moderni, ma non antichi. Agli indiani Navajo fu insegnato come realizzarli da argentieri messicani negli anni '50. XIX secolo. La vita indiana è cambiata completamente da quando gli spagnoli attraversarono il Rio Grande nel 1540 e introdussero i nativi del Nord America ai cavalli, alle armi da fuoco e ad altre cose stravaganti e finora sconosciute.

Questo, ovviamente, non significava che gli indiani avessero perso le loro abilità e abilità creative tradizionali e smettessero di creare opere proprie, l'arte indiana. Gli indiani videro per la prima volta i bianchi quattro secoli fa, e la loro cultura e le originali capacità e abilità creative che si sono costantemente sviluppate sulla base sono almeno 30 volte più antiche.

In tutte e cinque le principali aree di distribuzione delle culture che abbiamo identificato nel continente nordamericano, c'è una grande somiglianza negli strumenti e tutti i tipi di prodotti fatti a mano, sebbene le materie prime disponibili per la loro fabbricazione in aree diverse fossero diverse. Nella zona forestale il legno era il materiale principale; in pianura, pelli e pelli; le tribù della costa oceanica avevano un'abbondanza di conchiglie e materiale che ottenevano dalla caccia agli animali marini. Nonostante queste differenze nelle materie prime, grazie alla diffusione delle culture - diffusione e commercio - in tutti i territori, anche in quelli che non erano immediati vicini, osserviamo somiglianze negli strumenti e nelle opere d'arte ivi create.

Il termine "diffusione" archeologi e antropologi si riferisce al modo in cui la cultura materiale e spirituale si diffonde da un popolo all'altro. Gli oggetti materiali, così come le idee religiose e culturali, possono essere diffusi pacificamente: attraverso i matrimoni misti o l'instaurazione di relazioni alleate tra diverse tribù e comunità. Possono diffondersi anche a seguito di guerra: quando armi, vestiti e oggetti personali vengono rimossi dai morti; e anche quando fanno prigionieri, cioè iniziano a comunicare con persone di cultura, costumi e tradizioni diverse. C'è un'influenza reciproca e talvolta la cultura e le tradizioni dei prigionieri possono gradualmente avere un impatto molto serio su coloro che li hanno affascinati. Un'altra importante fonte di diffusione delle culture è la migrazione della popolazione. Ad esempio, è stato solo grazie allo spostamento di grandi popolazioni dal Messico al nord che sono stati possibili i campi da palla di cultura messicana caratteristici del sud-ovest e i tumuli così diffusi nel sud-est del Nord America.

Anche durante il periodo degli antichi cacciatori in Nord America, c'era un intreccio affine di culture diverse. Ciò conferma l'ubiquità di punte, lame, raschietti e altri strumenti in pietra appartenenti a diverse culture: Clovis, Scotsbluff e Folsom. Il commercio era diffuso tra quasi tutte le tribù e alcune si specializzavano in esso. I Moyawe commerciavano tra la California e le regioni sud-occidentali e in entrambe le direzioni. Gli Hopi erano abili mediatori nel commercio del sale e delle pelli. Hanno anche distribuito con successo l'ocra rossa usata per strofinare il corpo, anche durante le cerimonie religiose, che è stato estratto dai loro vicini, gli Havasupai, in fessure appartate e nascoste da occhi indiscreti del Grand Canyon.

È probabile che ci fosse un commercio attivo di materiali di breve durata, oltre che di cibo. Potrebbe essere carne secca, farina di mais e prelibatezze varie. Ad esempio, sappiamo che le persone della cultura Hohokam esportavano sale e cotone. Ma ovviamente, maggiori informazioni sulle operazioni commerciali ci vengono fornite da strumenti scoperti realizzati con materiali durevoli come pietra e metallo. Più di 10.000 anni fa, la selce dalle miniere di Elibates, in Texas, è stata attivamente distribuita in altre aree e la selce da Flint Ridge, nell'Ohio, è stata trasportata sulla costa atlantica e in Florida. L'ossidiana, sia nera che lucida, era molto richiesta. È stato estratto solo in pochi luoghi nel sud-ovest e da lì è stato consegnato in aree situate a migliaia di chilometri dal luogo di estrazione. Potevamo già vedere la grande richiesta di catlinite estratta in Minnesota, da cui venivano ricavate le "pipe della pace".

Quando una tribù divenne prospera, e soprattutto quando iniziò a condurre uno stile di vita stabile ea costruire case squisite e costose, ebbe anche l'opportunità di acquistare oggetti di lusso. Il popolo della cultura Hopewell, una delle culture indiane antiche più colorate, aveva bisogno di un'enorme quantità di materiali molto costosi per sostenere lo stile di vita ostentatamente lussuoso e "spendioso" che conducevano, per non parlare delle cerimonie altrettanto costose ai funerali del morti, inclusa la costruzione di gigantesche colline tombali. Dall'Alabama hanno portato la giada; dai monti Appalachi - lastre di mica e cristalli di quarzo; dal Michigan e dall'Ontario, pezzi di rame battuto e argento lavorato. Inoltre, il popolo della cultura Hopewell importava anche uno dei beni più ricercati del continente in quel momento: le conchiglie.

Una varietà di utensili domestici degli indiani nordamericani, fatti di legno o pietra, sono anche decorati con teste di animali o persone, o hanno una forma distorta di esseri viventi. Tali utensili includono maschere festive, le cui fantastiche smorfie testimoniano l'inclinazione della fantasia di questo popolo al terribile; questo include anche tubi di argilla grigia con raffigurate figure di animali distorte, simili a quelle trovate in Melanesia; ma in primis appartengono a questo genere di lavori i vasi utilizzati per il cibo e il grasso, nonché i bicchieri per bere, a forma di animali o di persone. Le bestie (uccelli) spesso tengono tra i denti (becchi) altri animali o anche minuscole persone. L'animale si alza in piedi e la sua schiena è scavata a forma di navetta, quindi si sdraia sulla schiena e quindi il ventre scavato interpreta il ruolo della nave stessa. A Berlino viene conservata una tazza da bere, che è una figura umana con gli occhi infossati e le gambe accovacciate.

Arte visiva e ornamento degli indiani nordamericani.

Le immagini sull'aereo tra questi popoli sono generalmente più rozze e goffe delle loro opere plastiche. I disegni su una tenda di bufalo indiano (Museo Etnografico di Berlino) raffigurano la caccia di tre tribù, ma questa scena si distingue per incoerenza e incompletezza. Tuttavia, alcuni animali sono disegnati in modo così vivido da ricordarci involontariamente il quartiere degli eschimesi.

Nell'arte degli indiani nordamericani, l'ornamento è della massima importanza: è l'ornamento per gli occhi più sviluppato al mondo, il cui simbolismo, più strettamente associato alle idee religiose, stupisce immediatamente tutti. Le teste degli animali e delle persone, per quanto stilizzate e trasformate in figure lineari, sono molto più immediate degli ornamenti del gruppo Rarotonga-Tubuaya. Gli occhi di queste teste - una parte particolarmente prominente dell'intera decorazione - sono in abbondanza in essa. Nella loro motivazione, come spiegò a lungo Schurz, non sono altro che una forma accorciata della testa da cui hanno avuto origine. Le teste stesse sono solo forme ridotte di intere figure di animali e persone, originariamente raffigurate e supposte rappresentare i ranghi degli antenati. Gli occhi ci guardano da ogni parte: dai muri e dalle armi, dai vestiti e dalle pipe, dai sedili e dai copriletti. Come si può giudicare dalla sedia del leader (Museo Etnologico di Berlino), il corvo, considerato dagli indiani nord-occidentali l'incarnazione del creatore del mondo, del sole e degli occhi, ripetendosi e combinando costantemente in modo strano , costituiscono la base di un ricco sistema di ornamenti rosso-blu-nero-giallo. Un esempio convincente della predominanza dell'occhio nell'ornamento è un velo indiano, che si trova nello stesso museo (Fig. 54); simile ad esso è disponibile nel Museo di Brema.

Riso. 54 - Velo indiano ornato di occhi.

Pitture rupestri indiane in California

Senza ancora lasciare l'America occidentale, giriamo a sud verso la California. Qui ci imbattiamo subito in numerosi disegni graffiati sulle rocce, ritrovati in molti luoghi dell'America e che gettano un raggio di luce sulla cultura degli indiani civilizzati che vissero al tempo dell'invasione degli europei. I "petroglifi" californiani e i "kolchakvi" dell'Argentina settentrionale ricoprono pietre e rocce allo stesso modo degli Hällristningar svedesi e dei loro predecessori, fossette e segni sulle cosiddette "pietre scolpite". Ma mentre nei disegni preistorici svedesi su pietra prevale il carattere pittorico, pittografico, in immagini americane di questo genere prevale il carattere scritto, ideografico, che si nota anche in altri disegni degli indiani.

Ma insieme a questi disegni sulle rocce, come una scrittura figurativa, in California ci sono anche sulle rocce, sotto i capannoni e agli ingressi delle grotte, immagini reali di battaglie e cacce, dipinte in terra nera, bianca, rossa e gialla colori e in alcuni punti ricoprono vaste aree delle rocce. Gli animali in queste immagini sono tutt'altro che naturali e vivi come gli animali in dipinti simili dei Boscimani. Le persone sono presentate principalmente di fronte, con le mani alzate, ma goffamente, sotto forma di sagome. È curioso che alcune figure siano dipinte metà nere, metà rosse, e questa colorazione è fatta o lungo, come, ad esempio, nella grotta di San Borgita e sotto il baldacchino della roccia di San Juan, poi attraverso, come in Palmarito , sul versante orientale della Sierra de San Francisco. La connessione tra le figure mal posizionate fianco a fianco è per la maggior parte da indovinare. Leon Dicke elenca almeno trenta luoghi della Bassa California in cui sono state trovate tali immagini.

L'indiano viveva in stretto legame con la natura, trattandola con timore reverenziale e profonda riverenza; si rivolgeva costantemente nelle sue preghiere agli spiriti e alle forze che la incarnavano, cercando di propiziarle e placarli. Il suo legame con la natura era allo stesso tempo forte e fragile: da un lato gli dava i mezzi per vivere, dall'altro ricordava e metteva costantemente in guardia su quanto una persona sia una creatura vulnerabile e quanto meno e peggio si sia adattata a vita nel suo mondo circostante rispetto ad altri esseri viventi accanto ad esso. Pertanto, non sorprende che nell'arte l'indiano abbia cercato di esprimere i suoi sentimenti e sensazioni profondamente personali legati al mondo esterno: le sue paure, speranze e convinzioni che vivevano nel profondo della sua anima.

L'arte degli indiani era profondamente connessa con le loro credenze religiose. Sfortunatamente, a causa della distruzione del modo di vivere tradizionale e delle antiche credenze e tradizioni religiose, la capacità di esprimere e comprendere il significato interiore più profondo che era contenuto nelle opere d'arte indiana durante il suo periodo di massimo splendore è andata perduta. Questo significato è oggi inaccessibile non solo agli storici dell'arte bianchi, ma anche alla maggior parte degli indiani stessi. Come l'arte dell'uomo bianco, l'arte indiana oggi è una piacevole aggiunta alla vita, leggera e superficiale; una sorta di gesto aggraziato e sorriso inviato alla vita. Non è più alimentato da quella forza e potere potente e irresistibile, che era fornito da una connessione diretta con la fonte dell'intera gamma di sentimenti e passioni umani nascosti nelle profondità dell'anima umana. Solo in quei pochi luoghi, in particolare in alcuni luoghi del sud-ovest e nord-ovest, così come nelle regioni artiche, dove lo stile di vita tradizionale e le tradizioni culturali sono state ampiamente preservate, a volte possono intravedere esempi di autentica arte indiana.

Un altro motivo per cui l'arte indiana nel suo insieme rimane fraintesa e sottovalutata è che le sue opere sono eseguite in uno stile insolito. Gli occidentali probabilmente presterebbero più attenzione ad esso e lo studierebbero più seriamente se fosse realismo o astrattismo, poiché entrambi questi stili sono ben noti in Occidente. Tuttavia, l'arte tradizionale indiana non è né realistica né astratta. È schematico e simbolico, e in questo ricorda l'arte dell'antico Egitto. I dipinti murali dell'antico Egitto erano considerati divertenti, insoliti e "amatoriali" perché il design esterno sembrava molto semplice e ingenuo. La scultura dell'antico Egitto ha ricevuto maggiore attenzione da parte di critici e specialisti perché è stata classificata come "realistica", sebbene sia intrisa di significato simbolico e religioso quanto la pittura. L'arte dei nativi americani ha sofferto di valutazioni errate e semplicistiche simili.

L'arte indiana non si è mai posta l'obiettivo di riflettere oggettivamente il mondo esterno. Non era interessato al lato esteriore delle cose; era rivolto verso l'interno, riguardava principalmente gli echi e le manifestazioni della vita interiore di una persona: visioni, rivelazioni, sogni cari, sentimenti e sensazioni. Questo ha nutrito l'artista stesso, e ha voluto vederlo nell'oggetto del suo lavoro. Nell'arte indiana il principio estetico non era in primo piano, sebbene tra gli indiani questo sentimento fosse molto sviluppato. Il suo compito principale era quello di trasmettere ed esprimere un significato misterioso e mistico. Anche i disegni e le immagini su vestiti e utensili domestici hanno uno scopo protettivo e curativo; esprimere una connessione con uno spirito sacro guardiano o fungere da simboli magici che dovrebbero garantire buona fortuna e prosperità. L'artista indiano, come il suo antico collega egiziano, non si è sforzato di dipingere un ritratto accurato di una persona o l'immagine di un animale. Non era interessato al guscio esterno, ma all'anima e all'essenza interiore nascosta di tutto ciò che lo circondava. E in quale altro modo puoi trasmettere e rappresentare una cosa così sottile ed elusiva come l'anima, se non attraverso simboli e altri mezzi simili per trasmettere i tuoi sentimenti e la tua autoespressione?

Ad eccezione dei monumenti, sembra che gli indiani d'America non abbiano prodotto molta arte. Potremmo assicurarci che le opere degli antichi costruttori di insediamenti rupestri e maunds non siano inferiori ai campioni dell'architettura europea sia antica che medievale. D'altra parte, non è stato trovato nulla in Nord America - almeno non ancora - che possa essere paragonato ai capolavori di murales trovati ad Altamira, in Spagna, o agli altrettanto famosi esempi di pitture rupestri a Lascaux, in Francia. Solo poche modeste pitture rupestri sono sopravvissute sulle "case di insediamento" erette nella roccia, ma sono state realizzate dagli indiani Navajo, che sono apparsi qui molti anni dopo che i creatori di queste strutture architettoniche uniche hanno lasciato questi luoghi. Diversi disegni sono stati trovati anche sui muri delle kivas, il cui accesso era consentito. È possibile, naturalmente, che un certo numero di capolavori di pittura murale possano essere scoperti all'interno delle kiva, in un certo numero di pueblo, quando lì viene aperto l'accesso agli estranei; dopotutto, per molto tempo anche numerosi monumenti della pittura e della scultura dell'antico Egitto sono stati nascosti da occhi indiscreti. Tuttavia, è probabile che un numero significativo di monumenti dell'arte indiana non verrà mai scoperto. Gli indiani semplicemente non avevano l'inclinazione e il desiderio di crearli. Un'eccezione degna di nota erano gli artisti e gli intagliatori del legno del Pacifico nord-occidentale. Hanno decorato le pareti delle famose "case lunghe" con veri e propri capolavori, così come i pilastri portanti degli edifici residenziali, i pilastri dei luoghi di sepoltura, i pilastri commemorativi e i famosi totem (l'espressione "totem", sebbene sia usata spesso, è errato; il pilastro raffigurava non solo simboli sacri, ma poteva essere semplicemente un emblema o un segno distintivo generico).

L'unica seria somiglianza tra l'arte del Nuovo e del Vecchio Mondo era l'uso di specifici mezzi di rappresentazione: pittogrammi o petroglifi. I petroglifi sono segni o simboli semantici disegnati, scavati o scolpiti sulla superficie di una roccia, pietra, in un riparo roccioso o in una rientranza, nonché sulle pareti delle grotte. Si trovano in quasi tutto il Nord America. Figure umane, allungate e oblunghe, così come piedi, mani, gambe e dita sono talvolta usate come segni-simboli. Più spesso ci sono figure geometriche di varie forme (tonde, ovali, quadrate, triangolari, trapezoidali) e le loro combinazioni, nonché incredibili insiemi di animali, uccelli, rettili e insetti particolarmente raffigurati o loro frammenti. A volte i petroglifi sono raffigurati molto da vicino, praticamente ridotti a una specie di grande macchia, ea volte l'immagine è singola e in un luogo remoto e difficile da raggiungere.

Cosa significavano i petroglifi? Per cosa sono stati disegnati? In alcuni casi, potrebbero essere stati applicati proprio così, "per niente da fare", senza uno scopo specifico. Alcune "iscrizioni" furono probabilmente lasciate dagli innamorati per esprimere in questo modo i propri sentimenti. Forse sono stati lasciati dai cacciatori mentre aspettavano la preda o prendevano appunti sui trofei che avevano ottenuto. Forse era un ricordo dell'incontro di varie tribù che si erano radunate per concludere un trattato. Molti segnali sono molto probabilmente legati alla caccia: questa può essere una sorta di "trama" o un talismano per una caccia di successo. Ma alcuni di essi, molto probabilmente, sono di natura puramente personale: i giovani partiti appositamente per rifugiarsi in un luogo deserto e ricevere rivelazioni da uno spirito custode potrebbero lasciare un segno personale per esprimere i propri sentimenti e le proprie impressioni in questo modo. L'autore di questo libro scalava spesso una collina in una valle vicino a Carrizoso, nel New Mexico. Alla sua sommità, su pietre di origine vulcanica, si possono vedere migliaia di petroglifi di varie forme, dimensioni, e che rappresentano le più diverse trame e combinazioni semantiche. Sono stati applicati 500-1000 anni fa da persone di cultura giornada, essere una branca della cultura mogollon, che, a sua volta, ha una lontana relazione con la cultura Hohokam. Essendo lì, ti senti in un luogo sacro e in piedi su un terreno sacro, e questi segni non sono scarabocchi casuali, ma qualcosa di molto misterioso e importante.

Il fatto che l'indiano nordamericano non fosse affascinato dalle arti monumentali è in gran parte dovuto al fatto che conduceva uno stile di vita in gran parte nomade. In misura ancora maggiore, ciò potrebbe essere dovuto alla sua sacra paura e timore reverenziale per la natura, paura e riluttanza a causare danni al mondo vivente che lo circonda. La natura gli era sacra. Anche quando si spostava da un luogo all'altro, cercava di farlo in modo da causare il minor danno possibile alla natura. Ha cercato di non lasciare impronte, calpestando il terreno, muovendosi letteralmente "in punta di piedi"; non spezzare un solo ramo, non strappare una sola foglia; rimosse dalla faccia della terra ogni traccia di incendi e di accampamenti. Cercò di muoversi come un vento leggero. E come abbiamo visto, ha cercato di rendere modesta e poco appariscente anche la sua tomba. Alcuni indiani per lungo tempo si rifiutarono di usare l'aratro offerto dall'uomo bianco, sebbene fossero impegnati nell'agricoltura, perché temevano che il vomere di ferro, schiantandosi contro il corpo di madre terra, le avrebbe fatto del male.

Tuttavia, sebbene l'indiano non avesse praticamente familiarità con quei tipi di arte che sono considerati i più significativi (sebbene un'opera d'arte in miniatura possa essere eseguita altrettanto abilmente e dello stesso valore di un affresco), ma nella creazione di "casa" , le cose di tutti i giorni, ha raggiunto il livello più alto. Armi, vestiti, gioielli, oggetti per rituali religiosi erano esempi di eccezionale maestria. A questo livello, gli indiani del Nord America non avevano rivali. Inoltre, a differenza della nostra società, tra gli indiani le capacità artistiche e creative non erano appannaggio di una ristretta cerchia di persone. Gli indiani non consideravano queste capacità una sorta di dono eccezionale. Ci sono tutte le ragioni per credere che quanto velocemente queste capacità svaniscono e svaniscono nella nostra società, tanto si sono sviluppate e diffuse tra gli indiani. Quasi tutti gli indiani potrebbero realizzare una brocca o un altro prodotto in ceramica modellato, tessere un cesto, cucire vestiti di pelle, fare finimenti per cavalli o dipingere un motivo su uno scudo da battaglia o una tenda tepee. La maggior parte degli indiani aveva mani "d'oro" e dita "vive". Questo fu loro insegnato dalle condizioni di vita; e il loro costante contatto e comunicazione con il mondo della fauna selvatica, divinità e spiriti sacri, rivelazioni e visioni, segni e simboli magici era una fonte inesauribile di ispirazione creativa.

Ancora una volta, sottolineiamo che quegli esempi di arte indiana che possono essere visti oggi nelle gallerie e nei musei non rappresentano in realtà l'arte indiana genuina e tradizionale nella forma in cui esisteva allora. Gli indiani hanno creato capolavori da materiali di breve durata: cuoio, legno, piume, pelli. Quei campioni che, nonostante il loro attivo sfruttamento e impatto naturale, sono sopravvissuti fino ad oggi, sono stati raramente realizzati prima della metà del XIX secolo, cioè già in quell'epoca in cui l'influenza dell'uomo bianco e della sua cultura era abbastanza tangibile . Sfortunatamente, pochissimi articoli di un periodo precedente sono pervenuti a noi. Non appena gli europei fecero la loro comparsa nel continente, iniziarono subito a commerciare con gli indiani, scambiando coltelli, accette, pistole, perline di vetro, campanelli e campanelli di ottone, bottoni di metallo e tessuti di lana e cotone dai colori vivaci per pellicce e pellicce. Si può dire che dalla metà del XVIII secolo. gli indiani erano già caduti sotto l'influenza delle preferenze di moda e di gusto dell'uomo bianco. Da un lato, la gamma dell'abbigliamento e della gioielleria presso gli indiani si espanse e, dall'altro, il loro gusto, tradizionalmente fine e raffinato, si ingrandì nel corso dei contatti con una civiltà industriale. Una parte significativa di ciò che consisteva in quegli abiti luminosi e magnifici in cui i leader indiani sono raffigurati nelle fotografie del XIX secolo. e che ammiriamo così tanto, è stato acquistato da società commerciali di bianchi o da venditori ambulanti bianchi.

Tuttavia, l'uso di materiali europei prodotti in serie non è stato affatto sempre dannoso per la cultura e l'arte indiana. Sebbene portassero, da un lato, la variegatura e la luminosità degli orpelli esterni, ma, dall'altro, consentivano agli indiani di esprimere pienamente la loro ricca immaginazione e realizzare la loro brama di tavolozze di colori brillanti e ricche, poiché le vernici erano solo di origine naturale e i materiali che usavano prima, non avevano una varietà di colori come quelli industriali, e talvolta erano tenui e sbiaditi. Naturalmente, l'influenza degli europei non è stata solo superficiale. Ha cambiato seriamente i gusti, la moda e lo stile dell'abbigliamento e l'aspetto stesso degli indiani. Prima del contatto con i bianchi, gli uomini indiani non indossavano giacche, camicie o capispalla in generale e la maggior parte delle donne indiane non indossava camicette. Più tardi, le donne indiane caddero sotto l'incantesimo dei bagni delle mogli militari bianche, che videro nei forti e nelle guarnigioni. Cominciarono a indossare capi di seta, raso e velluto, si adornavano di nastri e indossavano ampie gonne e mantelle. I Navajo di oggi, il cui abbigliamento i turisti considerano "abbigliamento tradizionale indiano", infatti, assomigliano molto poco ai loro compatrioti vissuti 200 anni fa. Anche i famosi gioielli Navajo sono generalmente moderni, ma non antichi. Agli indiani Navajo fu insegnato come realizzarli da argentieri messicani negli anni '50. XIX secolo. La vita indiana è cambiata completamente da quando gli spagnoli attraversarono il Rio Grande nel 1540 e introdussero i nativi del Nord America ai cavalli, alle armi da fuoco e ad altre cose stravaganti e finora sconosciute.

Questo, ovviamente, non significava che gli indiani avessero perso le loro abilità e abilità creative tradizionali e smettessero di creare opere proprie, l'arte indiana. Gli indiani videro per la prima volta i bianchi quattro secoli fa, e la loro cultura e le originali capacità e abilità creative che si sono costantemente sviluppate sulla base sono almeno 30 volte più antiche.

In tutte e cinque le principali aree di distribuzione delle culture che abbiamo identificato nel continente nordamericano, c'è una grande somiglianza negli strumenti e tutti i tipi di prodotti fatti a mano, sebbene le materie prime disponibili per la loro fabbricazione in aree diverse fossero diverse. Nella zona forestale il legno era il materiale principale; in pianura, pelli e pelli; le tribù della costa oceanica avevano un'abbondanza di conchiglie e materiale che ottenevano dalla caccia agli animali marini. Nonostante queste differenze nelle materie prime, grazie alla diffusione delle culture - diffusione e commercio - in tutti i territori, anche in quelli che non erano immediati vicini, osserviamo somiglianze negli strumenti e nelle opere d'arte ivi create.

Il termine "diffusione" archeologi e antropologi si riferisce al modo in cui la cultura materiale e spirituale si diffonde da un popolo all'altro. Gli oggetti materiali, così come le idee religiose e culturali, possono essere diffusi pacificamente: attraverso i matrimoni misti o l'instaurazione di relazioni alleate tra diverse tribù e comunità. Possono diffondersi anche a seguito di guerra: quando armi, vestiti e oggetti personali vengono rimossi dai morti; e anche quando fanno prigionieri, cioè iniziano a comunicare con persone di cultura, costumi e tradizioni diverse. C'è un'influenza reciproca e talvolta la cultura e le tradizioni dei prigionieri possono gradualmente avere un impatto molto serio su coloro che li hanno affascinati. Un'altra importante fonte di diffusione delle culture è la migrazione della popolazione. Ad esempio, è stato solo grazie allo spostamento di grandi popolazioni dal Messico al nord che sono stati possibili i campi da palla di cultura messicana caratteristici del sud-ovest e i tumuli così diffusi nel sud-est del Nord America.

Anche durante il periodo degli antichi cacciatori in Nord America, c'era un intreccio affine di culture diverse. Ciò conferma l'ubiquità di punte, lame, raschietti e altri strumenti in pietra appartenenti a diverse culture: Clovis, Scotsbluff e Folsom. Il commercio era diffuso tra quasi tutte le tribù e alcune si specializzavano in esso. I Moyawe commerciavano tra la California e le regioni sud-occidentali e in entrambe le direzioni. Gli Hopi erano abili mediatori nel commercio del sale e delle pelli. Hanno anche distribuito con successo l'ocra rossa usata per strofinare il corpo, anche durante le cerimonie religiose, che è stato estratto dai loro vicini, gli Havasupai, in fessure appartate e nascoste da occhi indiscreti del Grand Canyon.

È probabile che ci fosse un commercio attivo di materiali di breve durata, oltre che di cibo. Potrebbe essere carne secca, farina di mais e prelibatezze varie. Ad esempio, sappiamo che le persone della cultura Hohokam esportavano sale e cotone. Ma ovviamente, maggiori informazioni sulle operazioni commerciali ci vengono fornite da strumenti scoperti realizzati con materiali durevoli come pietra e metallo. Più di 10.000 anni fa, la selce dalle miniere di Elibates, in Texas, è stata attivamente distribuita in altre aree e la selce da Flint Ridge, nell'Ohio, è stata trasportata sulla costa atlantica e in Florida. L'ossidiana, sia nera che lucida, era molto richiesta. È stato estratto solo in pochi luoghi nel sud-ovest e da lì è stato consegnato in aree situate a migliaia di chilometri dal luogo di estrazione. Potevamo già vedere la grande richiesta di catlinite estratta in Minnesota, da cui venivano ricavate le "pipe della pace".

Quando una tribù divenne prospera, e soprattutto quando iniziò a condurre uno stile di vita stabile ea costruire case squisite e costose, ebbe anche l'opportunità di acquistare oggetti di lusso. Il popolo della cultura Hopewell, una delle culture indiane antiche più colorate, aveva bisogno di un'enorme quantità di materiali molto costosi per sostenere lo stile di vita ostentatamente lussuoso e "spendioso" che conducevano, per non parlare delle cerimonie altrettanto costose ai funerali del morti, inclusa la costruzione di gigantesche colline tombali. Dall'Alabama hanno portato la giada; dai monti Appalachi - lastre di mica e cristalli di quarzo; dal Michigan e dall'Ontario, pezzi di rame battuto e argento lavorato. Inoltre, il popolo della cultura Hopewell importava anche uno dei beni più ricercati del continente in quel momento: le conchiglie.

Il popolo Cochise di quella che oggi è l'Arizona importò conchiglie marine dalla costa del Pacifico 5000 anni fa. I loro diretti discendenti - il popolo della cultura Hohokam - acquisirono dai pescatori della lontana California un set completo di varie conchiglie: cardium, olivella e altre varietà. Le conchiglie erano particolarmente attraenti per la loro forma e colore insoliti e originali; sembravano custodire in sé il mistero e la sconfinatezza delle profondità oceaniche. Gli artisti Hohokam usavano grandi conchiglie per dipingervi dei motivi; furono i primi al mondo ad utilizzare il metodo dell'incisione per incisione, e almeno tre secoli prima di quanto fosse usato in Europa. Uno strato di resina è stato applicato sulle parti in rilievo del guscio e sulla parte aperta è stato applicato dell'acido, ottenuto dal succo di saguaro fermentato.

Nelle "case-insediamenti" rupestri e nei pueblos del sud-ovest, anelli, ciondoli e amuleti sono ricavati da conchiglie, seguendo le tradizioni della gente della cultura Hohokam, sia nel passato che oggi. I gioiellieri Pueblo, in particolare gli Zuni, adornano i loro gioielli con perle, coralli e abalone; e durante le cerimonie e le feste, puoi sentire il suono di tubi ricavati dai gusci di una vongola gigante, che furono prelevati dalle profondità dell'oceano diversi secoli fa. Le persone che costruivano tumuli nelle regioni sudorientali suonavano anche trombe fatte con conchiglie giganti e bevevano la loro "bevanda nera" da ciotole, che erano conchiglie incise. Collane incise sono state realizzate con le conchiglie del mollusco gasteropode, che venivano indossate sul petto da sacerdoti e capi tribù.

Conchiglie più piccole come columella, kauri e marginella venivano usate per realizzare ornamenti per mantelli, copricapi, cinture e cavigliere; nel nord delle pianure divenne di moda usare una conchiglia frastagliata - un dentistium, non solo come ornamento, ma anche come mezzo di pagamento. Per molto tempo, questa conchiglia fu usata come moneta dagli indiani Hupa e da altre tribù della California centrale, che la acquisirono sull'isola di Vancouver, situata molto a nord.

Ogni conchiglia aveva un valore chiaramente fisso a seconda delle dimensioni.

L'esempio più noto dell'uso delle perline sia come decorazione che come mezzo di pagamento è il wampum, utilizzato dalle tribù irochesi e algonchine.

Il wampum era costituito da numerosi dischi o tubi di conchiglie di colore bianco, marrone chiaro, viola e lavanda; erano tutti accuratamente lavorati e lucidati e uniti insieme a forma di cintura. Erano usati durante importanti rituali; in particolare il wampum veniva distribuito con la pipa della pace come simbolo di amicizia e riconciliazione. I coloni inglesi e olandesi si orientarono molto rapidamente e avviarono la produzione e la vendita di wampum. La fabbrica per la loro produzione operò nel New Jersey fino alla prima guerra mondiale. Oggi il wampum è una decorazione base dei nativi americani; si indossa da solo o tra file di perline o turchesi, coralli e altre pietre.

Gli indiani sono stati in grado di realizzare abilmente perline da conchiglie e pietre fin dall'antichità; le perline sono state accuratamente ritagliate dal guscio, forate e lucidate. Fare perline a mano era un'attività molto laboriosa e gli indiani rimasero molto colpiti dalle perline europee, realizzate in modo industriale: sia in quantità che in una ricca varietà di colori. Di conseguenza, l'intero stile dell'abbigliamento indiano è cambiato. Colombo scrisse nel suo diario di bordo che quando sbarcò per la prima volta e offrì perle di vetro viola agli indiani, "le presero e se le misero immediatamente al collo". Durante i secoli XVI-XVII. mercanti bianchi - spagnoli, francesi, inglesi e russi - vendevano agli indiani molte perle di vetro grandi e grandi di vario tipo. La maggior parte di loro erano lavori molto abili di soffiatori di vetro provenienti da Spagna, Francia, Inghilterra, Olanda, Svezia, Venezia. I prodotti hanno ricevuto nomi memorabili come "Padre", "Cornalin d'Aleppo", "Sole" e "Chevron" e oggi sono molto richiesti dai collezionisti come lo erano allora tra gli indiani.

A causa delle grandi dimensioni delle perle, i prodotti sono stati utilizzati principalmente come collane. Quando nel 1750 apparvero perline più piccole - "Pony Beads" (così chiamato perché i mercanti bianchi portavano con sé borse sui pony) e "Grainy Beads" - gli indiani iniziarono a cucirlo sui vestiti o realizzare prodotti con perline su una macchina per tessere. Ben presto, le perline soppiantarono praticamente la decorazione dei prodotti con aculei o piume di istrice. Nell'era moderna, le perle color turchese della varietà Hubble, realizzate negli anni '20, hanno avuto il maggior successo nel sud-ovest. 20° secolo in Cecoslovacchia. Fu venduto agli indiani Navajo in una fiera in Arizona ed ebbe un tale successo che gli indiani lo scambiarono con pezzi di vero turchese. Nel corso del tempo, in luoghi diversi, sono apparsi i loro stili di perline, diversi sia per colore che per motivo, che erano forme geometriche di varie forme e combinazioni, o una sorta di paesaggio naturale. Le decorazioni venivano applicate a vestiti, tende e utensili domestici con vari metodi: sulle pianure e sugli altipiani adiacenti a nord-ovest - con una cucitura pigra; nel nord-ovest - maculato; le tribù irochesi usavano decorazioni e imbottiture in rilievo; ricamo a rete e cuciture traforate sono stati utilizzati in California e nel sud-est del Great Basin; nel sud delle praterie facevano pieghe intrecciate; I Chippewa, i Winnebago e altre tribù della regione dei Grandi Laghi usavano un piccolo telaio per questo scopo. Modelli di eccezionale bellezza e qualità vengono ancora realizzati nelle riserve indiane negli stati di Idaho, North Dakota, Oklahoma, New Mexico e Arizona.

Sebbene le decorazioni con aculei e piume di istrice abbiano lasciato il posto alle perline, sono ancora in voga tra un certo numero di tribù. Oggi, l'aquila, il falco e altri uccelli, il cui piumaggio era usato in combattimento e altri copricapi da file di piume appese, sono sotto la protezione dello stato. I commercianti bianchi iniziarono a usare piume di struzzo dipinte con colori vivaci; e, se necessario, piume di tacchino. In occasione di feste e cerimonie religiose nei pueblos del Rio Grande, vedrai molte persone con cappelli piumati, maschere, abiti festivi con bacchette di preghiera in mano. Anche l'istrice è ormai diventato un animale raro. Ora, gli squisiti disegni e ornamenti dei suoi aghi non sono più applicati ai vestiti e agli utensili domestici negli stati nord-orientali e nelle pianure settentrionali, dove un tempo questo animale si trovava in abbondanza. Gli Irochesi, gli Uroni, gli Ottawa, i Chippewa e i Winnebago, così come i Sioux, gli Arapaho ei Cheyenne, erano specializzati in tali decorazioni. Gli aculei di porcospino, lunghi 12,5 cm, venivano immersi in acqua saponata per diventare flessibili e quindi applicati al materiale piegandoli, cucendoli o avvolgendoli. Spesso le decorazioni fatte di perline e aculei di istrice venivano applicate contemporaneamente: penne lisce e levigate ombreggiavano bene i luoghi ricoperti di perline. Oltre alle perline e agli aculei di istrice, i capelli venivano usati per la decorazione artistica della tessitura; era anche usato nel ricamo, nella tessitura e nel lavoro a maglia. Come abbiamo notato nel primo capitolo, le persone di cultura Anasazi tagliavano i capelli dei morti e li usavano per gioielli, oltre che per tessere reti. Inoltre, venivano spesso usati peli di cavallo e pelo di cane e, nelle pianure, peli di alce e bisonte.

Nel terzo capitolo abbiamo parlato dei metodi per ottenere la pelle per confezionare abiti e per altri scopi; e in precedenza si è attirato l'attenzione sul fatto che ossa, corna e corna di altri animali erano le principali materie prime per la produzione di cose necessarie all'uomo sin dai tempi in cui i primi antichi cacciatori estraevano carne, pelli e zanne di mammut e mastodonti. Abbiamo anche parlato di strumenti in scaglie di pietra che i primi cacciatori sapevano fabbricare molto prima del 20° secolo. AVANTI CRISTO e.

Gli strumenti di metallo furono introdotti agli indiani nordamericani fino alle loro controparti da caccia in Europa. A questo punto, erano già utilizzati in altre aree che erano una sorta di "centri culturali" e inviavano impulsi culturali in tutto il mondo. L'unica eccezione erano i prodotti in rame. In Nord America seppero lavorare il rame già con la diffusione delle culture della prima età del rame durante il periodo arcaico; i principali centri "rame" erano Wisconsin, Minnesota e Michigan. In quei tempi infinitamente lontani - nei secoli V-III. AVANTI CRISTO e. - talentuosi artigiani della regione dei Grandi Laghi già realizzavano, forse i primi al mondo, punte di freccia e lance in rame, oltre a coltelli e asce. Successivamente le culture di Adena, Hopewell e Mississippi, in particolare quelle di quest'ultima cultura che professavano un culto meridionale dei morti, realizzarono eccellenti ornamenti in rame sotto forma di piatti e piatti, nonché ciondoli e ornamenti applicati. I famosi piatti di rame ornati e decorati che furono distrutti con arroganza nel potlatch menzionato erano fatti di fogli di rame martellato. Tuttavia, nonostante questi progressi, la lavorazione del rame è stata eseguita in modo primitivo. La fusione era sconosciuta; il rame veniva estratto dalle vene del minerale più puro, quindi appiattito con un martello e quando raggiungeva uno stato sufficientemente morbido e flessibile, venivano tagliati fogli della forma richiesta. Un motivo è stato inciso direttamente su di loro utilizzando frese in pietra o osso. Il rame veniva lavorato a freddo; a volte, probabilmente, veniva scaldato sul fuoco prima di essere martellato. L'uso di stampi per colata in pietra o argilla era completamente sconosciuto. Altri metalli, come il ferro atmosferico, il piombo e l'argento, venivano lavorati allo stesso modo freddo del rame, tuttavia con questi metalli si lavorava poco.

Quando gli europei insegnarono agli indiani modi più semplici e affidabili per produrre argento, la passione per i gioielli in argento travolse semplicemente l'intera comunità indiana. Gli europei vendevano fogli d'argento agli indiani, oppure realizzavano essi stessi fogli utilizzando lingotti d'argento e monete ottenute dagli europei nel corso del commercio. Nel 1800, le tribù irochesi della regione dei laghi, così come le tribù delle pianure, stavano già producendo spille, bottoni, orecchini, pendenti, pettini, fibbie, collane, bracciali e cavigliere in argento. All'inizio, i prodotti copiavano completamente i design inglesi, canadesi e americani. Ben presto gli indiani iniziarono ad acquistare argento tedesco, che non era proprio argento, ma una lega di zinco, nichel e rame. Era più economico rispetto all'argento puro, il che consentiva agli indiani non solo di aumentare la produzione di prodotti in argento, ma anche di realizzarli secondo il proprio design originale: ciò riguardava sia il tipo di prodotto che la sua lavorazione artistica.

I prodotti d'argento devono la loro popolarità nelle regioni sud-occidentali alle tribù nomadi delle pianure, che erano il collegamento tra queste regioni e il nord-ovest insediato. Quasi subito apparvero qui gli argentieri messicani che insegnarono agli indiani la "fusione in sabbia" usando stampi di tufo e pomice. I messicani hanno anche mostrato il loro stile coloniale spagnolo e spagnolo nella produzione di argenteria. Questi stili furono rapidamente e ben adottati dai Navajo, che iniziarono ad applicarli brillantemente nella loro interpretazione originale. Oggi, più di un secolo dopo, i gioielli in argento Navajo rappresentano una delle più belle realizzazioni dell'arte moderna americana; le tradizioni dei Navajo e dei loro vicini, gli Zuni e gli Hopi, con i quali un tempo condividevano i segreti dell'artigianato, stanno sviluppando adeguatamente le tradizioni dei Navajo.

cinture famose concho ei tipici braccialetti Navajo sono opera di artigiani delle pianure; e la forma di perline e bottoni usati dai Navajo, gli ornamenti d'argento per selle e finimenti e la "collana di zucca" che ricorda una corona di fiori di zucca in fiore, sono presi in prestito dagli spagnoli. La collana ricorda nella forma la chiusura dell'elmo del cavaliere spagnolo del tempo di Cortes; anche lui aveva no - un talismano-amuleto a forma di mezzaluna capovolta, che il cavaliere appese al petto del cavallo - il suo fedele amico combattente. Per gli spagnoli un simile talismano si ispirò allo stemma dei Mori durante la presa della Spagna da parte del Califfato arabo; lo stemma dei Mori aveva appunto la forma di una mezzaluna.

Di solito, gli oggetti d'argento Navajo erano fatti da un unico pezzo di metallo ed erano piuttosto grandi e massicci, e se erano cosparsi di pezzi di turchese, sembravano ancora più impressionanti. I gioielli Zuni erano modesti e minuscoli in confronto. Sono rappresentati principalmente da graziose immagini di uccelli, farfalle, insetti e creature mitologiche, finemente eseguite, abilmente composte da ambra nera, corallo, granato e pezzetti di turchese; ogni prodotto è uno straordinario mosaico multicolore che attira e soddisfa lo sguardo. Gli Zuni sono anche maestri riconosciuti dell'intarsio e dell'applicazione di scanalature e rientranze in miniatura agli oggetti. Quanto agli Hopi, i prodotti dei loro maestri assomigliano a quelli dei maestri Zuni in miniatura e grazia; tuttavia, gli Hopi usano raramente pietre colorate e i loro prodotti in argento sono incisi, i cui motivi ricordano i motivi sui prodotti in ceramica della stessa tribù. Gli Hopi usano spesso la tecnica della "sovrapposizione": due fogli d'argento vengono saldati insieme, con quello inferiore annerito dall'aggiunta di zolfo; in tal modo, nel prodotto è assicurato un contrasto: gli strati chiari e scuri dell'argento si ombreggiano a vicenda.

Navajo, Zuni e Hopi non hanno mai avuto l'opportunità di estrarre argento da soli, nemmeno durante il vero "boom dell'argento" nelle regioni sud-occidentali. Il punto non era solo e non tanto nelle difficoltà tecniche, ma nel fatto che i bianchi da tempo avevano messo la zampa su tutte le viscere e giacimenti minerari. Inizialmente, i maestri gioiellieri Navajo usavano pesos messicani e dollari americani come materie prime, e quando fu loro proibito di farlo, iniziarono ad acquistare lingotti e lingotti dai commercianti. Oggi acquistano argento e turchese dai commercianti, che a loro volta li portano in Asia, Medio Oriente e Messico. Molto spesso il turchese nella gioielleria di oggi è un falso: non è infatti turchese, ma un "cocktail" di massa vitrea e vetro colorato. Ora nel sud-ovest si estrae pochissimo turchese reale, ma la sua qualità, ahimè, non è elevata; 12-15 depositi principali di questa regione, dove veniva estratto, sono ora esauriti, ma la qualità del turchese era notevole, ed è stato immediatamente notato da un occhio esperto e allenato. Sfortunatamente, la stragrande maggioranza dei "gioielli Navajo" di oggi non ha nulla a che fare con gli indiani, ma viene prodotta in massa in Giappone e Taiwan, così come da uomini d'affari bianchi ad Albuquerque o Los Angeles.

Gli stessi indiani, ovviamente, non abbassarono la qualità dei loro prodotti, tanto meno scesero ai falsi; furono costretti a guardare come un branco di ladri e ladri sfrutta spudoratamente la forte domanda di questi prodotti creata dagli sforzi degli artigiani Navajo, di fatto svalutando il mercato per gli indiani e screditando i prodotti stessi. Negli ultimi secoli, questa triste immagine è diventata familiare agli indiani.

La tessitura dei cesti e la ceramica erano alcune delle attività in cui il genio creativo degli indiani d'America era forse più evidente. È quest'area dell'arte indiana, così come la tessitura, di cui parleremo poco dopo, che può servire come misura di quanto fosse raffinata, profonda e aperta alla bellezza l'anima di un indiano. L'uomo bianco non usava lancia e punte di freccia; piume, conchiglie marine, ossa e corna di animali, pelli di bisonte, tipis, tomahawk e totem significavano poco nella sua vita. Tuttavia, ogni giorno deve usare cesti, ceramiche e una varietà di vasi e contenitori, oltre a coprire il suo letto con coperte. Pertanto, può confrontare queste cose del suo uso quotidiano con quelle che circondano l'indiano. E se è onesto con se stesso, sarà costretto ad ammettere che le cose che gli indiani usano non solo non sono peggiori, ma per molti versi più convenienti, più utili e esteriormente più attraenti.

Nel campo della tessitura dei cesti e della ceramica, gli indiani non avevano eguali; in larga misura questo è ancora vero oggi. È interessante notare che la tessitura dei cesti è considerata più difficile della fabbricazione della ceramica, e quindi sembra avere un'età "più giovane". È noto, però, che almeno 10.000 anni fa nelle regioni aride dell'ovest, dove erano diffuse le "culture del deserto", dall'Oregon all'Arizona, antichi cacciatori erano in grado di realizzare cesti di vimini e a forma di anello, oltre a sandali e trappole e trappole da caccia, usando la stessa tecnica. Allo stesso tempo, i primi manufatti ceramici sono apparsi in America, secondo la datazione dei reperti archeologici scoperti, solo intorno al 2000 aC. e., cioè 6000 anni dopo che gli indiani padroneggiarono l'arte di tessere cesti.

Stranamente, la ceramica è apparsa per la prima volta e si è diffusa non nel sud-ovest, che è stato il leader di vari tipi di conquiste e innovazioni culturali rispetto ad altre aree e dove l'agricoltura era nota da 1000 anni, ma nel sud-est della zona forestale, dove l'agricoltura era sconosciuta. La ceramica apparve nel sud-ovest solo intorno al 500-300 a.C. AVANTI CRISTO e. Ma l'impulso creativo creativo in entrambe le aree proveniva dall'antico Messico, che nel corso della storia ha avuto un livello di cultura più elevato rispetto alle aree situate a nord. Ancora, va tenuto presente che a quel tempo non c'era confine tra il Centro e il Nord America, non c'era una linea di demarcazione che impedisse alle persone di attraversare il Rio Grande; si muovevano in silenzio, portando con sé le loro cose, usi e costumi.

Alla fine, l'arte della tessitura dei cesti raggiunse un livello più alto nel sud-ovest che nel sud-est e in qualsiasi altra area. Tuttavia, tutte le tribù indiane del Nord America erano esperte in quest'arte. Realizzavano cesti per la conservazione, per il trasporto di merci, per cucinare. I cesti erano sia piccoli che enormi; sia tondo che quadrato; con passanti e maniglie. Cesto-scatola, cestino-setaccio, cestino per macinare, cestino per lavare mais e ghiande, cestino per sbattere i semi, cestino-zaino, cestino-trappola per uccelli e pesci, cestino-cappello, stuoia, culla e culla, cesti per feste cerimonie , cesti da utilizzare durante matrimoni e funerali - tutto questo è stato magistralmente realizzato dagli indiani. Le fosse di conservazione degli alimenti erano ricoperte di rami, ramoscelli e strette strisce di corteccia; questo ha spinto l'idea di tessere stuoie. Gli ingressi delle caverne e delle case erano appesi con stuoie e tende di vimini in modo che la polvere non volasse dentro e il calore non uscisse. Avvolsero anche i corpi dei morti. I cesti erano intrecciati così fitti che potevano essere trasportati cibo, semi e acqua. In cesti cuocevano il cibo in acqua bollente, lavavano i vestiti, tinti i vestiti e anche bollivano tisvin - Birra indiana e altre bevande alcoliche simili. Per la tessitura si utilizzava un'ampia varietà di materiali: nel sud-ovest, in particolare, si utilizzava la canna, l'erba d'orso, il salice e il sommacco; nel sud-est - canna, quercia, radici di piante e corteccia; nel nord-est erba dolce, legno duro, cedro e tiglio; in pianura il nocciolo e l'erba di bufalo; in California e nel nord-ovest, abete rosso, cedro, corteccia di ciliegio e "erba indiana". Quasi ogni materiale naturale a portata di mano potrebbe essere cotto a vapore, tinto e reso sufficientemente malleabile e conveniente per la tessitura.

I prodotti stessi erano tanto diversi quanto i materiali con cui erano realizzati. C'erano tre modi principali di lavorare con le materie prime e realizzare prodotti finiti: tessitura, treccia e bobinatura. I prodotti differivano da una varietà notevole sia in una forma, sia su disegno. Le immagini rappresentavano figure geometriche e le loro combinazioni, oppure erano associate a una persona o motivi naturali. Gli oggetti finiti erano spesso decorati con campane, piume, conchiglie, frange di pelle di daino, perline, aculei di istrice o altri abbellimenti. La fantasia selvaggia e ricca dell'indiano, il suo mondo interiore inesauribilmente profondo e luminoso, si riflettono pienamente in quelle meravigliose opere d'arte, che erano e sono il lavoro di vimini da lui realizzato. Finora cesti di alta qualità artistica sono realizzati dagli abitanti dei Pueblo, degli Apache e dei Navajo, e soprattutto dagli indiani Pima e Papago che vivono in Arizona. Tali cesti sono costosi perché la loro fabbricazione richiede molto tempo e fatica. Sono fatti per l'espressione creativa di sé, così come per i musei e quei turisti che hanno un alto gusto artistico e sanno apprezzare la bellezza. Se un indiano Pima o Papago ha bisogno di una sorta di contenitore per uso personale, oggi è più facile per lui acquistare un prodotto in metallo in un negozio. I cesti classici risalgono a quell'era nello sviluppo dell'umanità, compresi gli indiani, quando attribuivano più importanza allo scopo e alla qualità delle cose di adesso.

Nelle regioni occidentali e sud-occidentali era comune la tecnica del plesso e degli anelli; a est i prodotti erano “intrecciati”. Diverse tecniche sono state utilizzate anche nella fabbricazione della ceramica. A ovest e sud-ovest, i prodotti venivano realizzati applicando uno strato di argilla a forma di anello su un altro e, a est e sud-est, l'argilla veniva levigata all'interno o all'esterno della brocca, che fungeva da forma o modello. Il tornio del vasaio era sconosciuto. La ceramica non è stata onnipresente come il lavoro in vimini; in molte aree, compresa la California e il nord-ovest, non veniva prodotto affatto, ma veniva utilizzato solo per cesti e altri lavori in vimini.

Le ceramiche nelle principali aree di distribuzione - a sud-ovest e ad est - erano simili sia nella forma che nel disegno generale. In termini di tipi e forme di prodotti, la ceramica dei nativi americani era molto più conservatrice rispetto al vimini. L'originalità si distingueva principalmente per i disegni e i motivi sui prodotti in ceramica, sebbene le persone di Hopewell, Mississippi e culti meridionali dei morti realizzassero prodotti sotto forma di figure di persone e animali; oggi questa tradizione è continuata dagli indiani Pueblo. Il disegno veniva eseguito a pittura o inciso con incisivi in ​​osso e pietra; oppure veniva timbrato con dita, cordone, oltre a sigilli e matrici di legno. Un numero modesto di tipi e forme di prodotti è stato completamente compensato da una colorazione succosa e multicolore: le vernici bianche, marroni, rosse e gialle, insieme e separatamente, sono state applicate con pennelli, toppe di pezza o ciuffi di pelliccia. Le vernici sono state applicate sulla superficie bagnata del prodotto prima del trattamento termico su fuoco diluito. Una tonalità nera stabile è stata ottenuta carbonizzando su una piccola fiamma chiusa. Dopo la cottura, i prodotti della migliore qualità venivano lucidati con uno speciale dispositivo in osso o pietra o strofinati con un panno umido per conferire loro una lucentezza satinata e lucentezza. Affinché il prodotto finito fosse particolarmente brillante e scintillante, l'argilla veniva talvolta mescolata con sabbia colorata o particelle di mica.

I migliori esempi di ceramiche dei nativi americani di oggi sono realizzati nel sud-ovest. È grazie agli sforzi creativi degli indiani che vivono qui che negli ultimi 50 anni abbiamo assistito a una rinascita e a un vero aumento di interesse sia per la ceramica che per le altre creazioni fatte a mano dei maestri indiani. Naturalmente, la ceramica non è prodotta in tutti i pueblos del sud-ovest. In alcuni luoghi, le abilità di quest'arte sono già andate perdute, in altri l'attenzione è rivolta alla produzione più redditizia di gioielli e da qualche parte gli oggetti semplici sono realizzati solo per uso domestico. I prodotti di altissima qualità sono realizzati nei pueblo di San Ildefonso, Santa Clara, San Juan, Acoma e Zia. Fu a San Ildefonso che gli eccezionali maestri ceramisti Maria e Julio Martínez crearono i loro meravigliosi esempi nel 1919, in cui un disegno realizzato in vernice nera opaca veniva applicato su una superficie nera lucida. Julio Martínez ha rotto con la tradizione che la ceramica fosse fatta solo dalle donne.

Dodici anni dopo, una residente dello stesso pueblo, Rosalie Aguiar, iniziò a realizzare prodotti famosi con motivi intarsiati. Delle altre tribù del sud-ovest che hanno conservato tradizioni di produzione della ceramica, si segnalano gli Hopi, che producono, seppur in quantità limitata, brocche di straordinaria qualità, e i Maricopa, che realizzano meravigliosi vasi e magnifiche brocche rosso sangue con un collo alto.

Nel 1900, una brillante donna indiana di nome Nampeyo iniziò a produrre ceramiche nello spirito delle antiche tradizioni degli indiani Hopi. Tuttavia, gli Hopi oggi sono noti per qualcosa di più delle loro ceramiche e gioielli in argento; sono principalmente famosi per le bambole - "kachin". L'arte di intagliare queste statuine alte da 7,5 a 45 cm da un pezzo di pioppi neri americani non è antica; sono stati posseduti per meno di cento anni. Queste bambole sono state realizzate per aiutare i bambini a ricordare le 250 divinità maschili e femminili che i kachina rappresentano. Ma se le statuette stesse non sono antiche, allora lo sono certamente gli spiriti sacri da loro raffigurati, che vivono sulle montagne dell'Arizona settentrionale e vengono nei villaggi Hopi ogni inverno. Uno di questi villaggi, Oraibi, situato sulle alture di Hopi Sord Mesa, è probabilmente il più antico luogo abitato permanentemente degli Stati Uniti.

I "Kachinas" sono stati realizzati come segue: sulla base è stato applicato uno strato di caolino bianco, sopra - un motivo dai colori vivaci e decorazioni di piume multicolori. Le braccia, le gambe, la testa, il copricapo della bambola, così come gli oggetti con cui era raffigurata, sono stati realizzati separatamente e poi accuratamente incollati alla base. Queste statuine originali sono un bell'esempio di arte in miniatura. Dal momento che questi non sono oggetti di culto, ma immagini ordinarie, non è considerato immorale acquistarli. E i visitatori sono felici di acquisire questi affascinanti piccoli capolavori raffiguranti una divinità o un indiano travestito da tale, che esegue una danza rituale durante una festa religiosa.

Gli indiani Hopi ora sono meno di 6.000; La migliore arte indiana dei Pueblo è prodotta da artigiani provenienti da una mezza dozzina di insediamenti con meno di 5.000 abitanti. La più grande tribù indiana del sud-ovest è quella dei Navajo, con una popolazione di circa 80.000 abitanti. Sono tollerabili "cestieri", indifferenti alla ceramica e, ovviamente, eccezionali maestri nella produzione di argenteria artificiale. Tuttavia, è da segnalare in particolare la zona in cui hanno dimostrato negli ultimi secoli uno stile proprio e originale davvero inimitabile: la tessitura.

La tessitura è nota in Nord America fin dai tempi antichi. Le culture Adena e Hopewell producevano tessuti 2000 anni fa e in breve tempo l'arte si diffuse in California e nelle Grandi Pianure. I prodotti a quel tempo erano fatti a mano, senza telaio. Tra le tecniche utilizzate, si possono citare il lavoro a maglia, il ricamo a tamburo, il passante, la maglia, le pieghe, la torsione e altri metodi di ricamo. I leader indiscussi in questa zona erano gli indiani del Pacifico nord-occidentale, in particolare i Chilkat, che vivevano nell'estremo nord, al confine tra Alaska e Canada. I Chilkat, una propaggine dei Tlingit, realizzavano camicie, coperte, copriletti e il famoso mantello, utilizzando una miscela di pezzi di corteccia di cedro e pelo di capra di montagna, tinti di bianco, giallo, blu e nero. Questi prodotti sono molto richiesti da collezionisti e collezionisti di campioni di arte popolare artistica. Come i Salish nel nord della California, che realizzavano coperte di lana e copriletti di altissima qualità, i Chilkat iniziarono a utilizzare un rudimentale telaio per tessere, che veniva lavorato a mano.

Il vero telaio è entrato in uso solo nel sud-ovest. Qui gli Hopi ottennero un grande successo nella tessitura; ottenne anche una certa distribuzione tra gli indiani Pueblo. Ma furono i Navajo a portare il progresso tecnologico in questa zona: partendo da un semplice telaio da cintura, in cui un'estremità era attaccata alla cintura del tessitore, e l'altra era fissata attorno ad un albero o ad uno dei pilastri portanti dell'abitazione, essi lo ha migliorato in un telaio verticale complesso. È possibile che il sud-ovest americano fosse il luogo della sua invenzione. Inizialmente come materie prime venivano utilizzate fibre vegetali e peli di animali; poi iniziarono a usare filo di cotone e, dal 1600 in poi, lana di pecora, che divenne disponibile dopo che i coloni spagnoli giunti nel New Mexico portarono con sé greggi di pecore. Oggi, i principali tessitori della zona sono i Navajo, che impararono l'arte dai pueblo nel 1700. Realizzano coperte e copriletti con disegni e colori audaci in diverse località della vasta area della riserva Navajo. Tra i luoghi famosi per i loro artigiani ci sono Chinle, Nazlini, Klageto, Ti-No-Po, Lukachukai, Ganado, Wide Ruins e altre due dozzine.

L'arte della tessitura è praticata dalle donne Navajo. Ma l'arte dei disegni sulla sabbia è già prerogativa degli uomini. L'esecuzione di tali disegni apparteneva alla competenza dello sciamano, poiché avevano uno scopo non solo religioso, ma anche curativo. Il paziente si sedette per terra e, mentre leggeva preghiere e cantava canti, lo sciamano iniziò a disegnare un'immagine intorno a sé nella sabbia. Man mano che il disegno procedeva, si supponeva che la malattia vi entrasse e le divinità raffigurate nel disegno avrebbero dovuto rivelare i loro poteri miracolosi. Quindi, al tramonto, il disegno veniva cancellato dalla faccia della terra e la malattia doveva scomparire con esso. L'aspirazione nella sabbia era comune tra i Navajo, i Papago, gli Apache e i Pueblo; anche se va detto che il termine "disegno sulla sabbia" o "disegno sulla sabbia" è impreciso e fuorviante. Solo la base su cui è applicato il disegno è costituita da sabbia; il disegno stesso viene applicato non con vernici colorate, ma con materiali colorati frantumati in polvere: piante, carboncino e polline, che abilmente si riversano in un sottile flusso tra le dita sulla sabbia. Per eseguire un tale disegno erano necessarie accuratezza, pazienza e costanza e una memoria eccezionale, poiché era necessario riprodurre fedelmente il tradizionale disegno previsto dal rito nella sabbia, e solo a memoria.

In pittura, come in gioielli, vimini e ceramiche, la regione sud-occidentale è stata in prima linea nel Rinascimento dei nativi americani che è stato visto negli ultimi tempi. La sua guida è in parte dovuta al fatto che gli abitanti della zona evitarono la distruzione del loro modo di vivere e della loro cultura, che le tribù delle coste orientali e occidentali affrontarono, nonché il completo sfratto ed espulsione dalle loro terre natali, che sperimentarono gli indiani delle pianure e del sud-est. Gli indiani del sud-ovest hanno attraversato umiliazioni e povertà e periodi di aspro esilio ed esilio; ma in generale riuscirono a rimanere nelle terre dei loro antenati e riuscirono a mantenere una certa continuità di stile di vita e di cultura.

In generale, negli Stati Uniti ci sono molti artisti di varie scuole e tendenze; ma è un paese così grande che c'è pochissimo collegamento tra i vari centri culturali; l'esistenza e le attività fruttuose di artisti eccezionalmente dotati e di talento potrebbero non essere conosciute nelle lontane New York e Los Angeles. Queste due città non sono gli stessi centri culturali di Londra, Parigi e Roma nei loro paesi. Per questo motivo, l'esistenza di una scuola unica di artisti indiani nel sud-ovest, se non ignorata, non ha giocato un ruolo paragonabile ai talenti che rappresenta. In un Paese più piccolo, una direzione così originale riceverebbe sicuramente un riconoscimento immediato ea lungo termine. Per mezzo secolo, gli artisti nativi americani del sud-ovest hanno creato opere meravigliose di vibrante originalità. L'interesse per loro, così come per la letteratura indiana, dà speranza per il ruolo crescente dell'arte indiana in tutta la cultura americana.

Poco dopo la fine della prima guerra mondiale, un piccolo gruppo di artisti bianchi, scienziati e residenti di Santa Fe e dintorni creò un movimento che divenne noto come Movimento di Santa Fe. Si sono dati il ​​compito di far conoscere al mondo il potente potenziale creativo che possedevano gli indiani. Come risultato dei loro sforzi, l'Academy of Indian Fine Arts è stata fondata nel 1923. Aiutò gli artisti in ogni modo possibile, organizzò mostre e alla fine Santa Fe divenne uno dei più importanti centri di belle arti negli Stati Uniti, e ugualmente importante per gli artisti indiani e bianchi.

Sorprendentemente, la culla dell'arte moderna indiana fu San Ildefonso, un piccolo insediamento pueblo dove in quel periodo sorsero i famosi maestri ceramisti Julio e Maria Martinez. Ancora oggi San Ildefonso è uno dei più piccoli pueblos; la sua popolazione è di sole 300 persone. Ancora più sorprendente è il fatto che il fondatore del movimento per la rinascita dell'arte indiana sia Crescencio Martinez, cugino di Maria Martinez. Crescencio (Moose Abode) è stato uno dei giovani artisti nativi americani che all'inizio del XX secolo. sperimentato con vernici a base d'acqua seguendo l'esempio dei pittori bianchi. Nel 1910 stava già lavorando molto fruttuosamente e attirò l'attenzione degli organizzatori del movimento di Santa Fe. Purtroppo morì prematuramente a causa dell'influenza spagnola durante un'epidemia; questo accadde nel 1918, quando aveva solo 18 anni. Ma la sua iniziativa fu continuata; ben presto a San Ildefonso lavoravano già 20 giovani artisti; insieme a valenti ceramisti, lavorarono fruttuosamente in questa piccola Atene sulle rive del Rio Grande.

Il loro impulso creativo penetrò nei pueblo circostanti e alla fine raggiunse gli Apache e i Navajo, attirandoli in questa "febbre creativa". Nella stessa San Ildefonso apparve un altro artista famoso: era il nipote di Crescenzio di nome Ava Tsire (Alfonso Roybal); era figlio di un famoso vasaio e aveva sangue Navajo nelle vene. Degli altri eccezionali maestri d'arte del periodo di questa ondata di energia creativa, osservata negli anni '20-'30. Nel 20 ° secolo, si possono nominare gli indiani Taoesi Chiu Ta ed Eva Mirabal del pueblo Taos, Ma Pe Wee dello Zia pueblo, Rufina Vigil di Tesuke, To Powe di San Juan e l'indiano Hopi Fred Caboti. Allo stesso tempo, è emersa un'intera galassia di artisti della tribù Navajo, nota per la sua capacità di assimilare rapidamente e l'elaborazione originale e originale delle idee creative; ecco i nomi dei più importanti di loro: Keats Bigay, Sybil Yazzy, Ha So De, Quincy Tahoma e Ned Nota. Parlando di Apache, va menzionato Alan Houser. E, come per finire, allo stesso tempo, con il sostegno finanziario di appassionati bianchi, è stata creata la scuola d'arte dei Kiowas nelle Pianure; George Kebone è considerato il fondatore di questa scuola. E l'artista indiano Sioux Oscar Howey ha influenzato lo sviluppo di tutte le belle arti indiane.

Oggi, le arti visive dei nativi americani sono uno dei rami in più rapida crescita sull'albero della scultura e della pittura americane. L'artista indiano moderno è vicino a motivi astratti e semi-astratti, a lui ben noti dai modelli tradizionali indiani su articoli in pelle fatti di perline e aculei di istrice, nonché su ceramica. Mostrando un interesse sempre crescente per il loro passato, gli artisti indiani stanno cercando di ripensare le misteriose immagini geometriche sulla ceramica antica e di trovare nuovi approcci creativi e soluzioni basate su di esse. Studiano tendenze nell'arte contemporanea come realismo e prospettiva per trovare il proprio stile originale basato su di esse. Cercano di combinare il realismo con motivi fantasy ispirati alla natura, collocandoli in uno spazio bidimensionale limitato, che evoca ancora una volta un'analogia con l'arte dell'Antico Egitto. Sin dai tempi antichi, gli artisti indiani hanno utilizzato colori brillanti, puri e traslucidi, spesso solo i componenti principali della combinazione di colori, pur aderendo ai singoli simboli di colore. Pertanto, se agli occhi di una persona bianca vede solo uno schema ordinario, un indiano che guarda un'immagine penetra molto più in profondità in esso e cerca di percepire il vero messaggio proveniente dall'artista che ha creato l'immagine.

Nella tavolozza dell'artista indiano non c'è posto per i toni cupi. Non utilizza le ombre e la distribuzione del chiaroscuro (quello che viene chiamato il gioco di luci e ombre). Senti la spaziosità, la purezza del mondo circostante e della natura, l'energia ribollente del movimento. Nelle sue opere si possono percepire le sconfinate distese del continente americano, che contrasta fortemente con l'atmosfera cupa, chiusa e angusta che emana dai dipinti di molti artisti europei. Le opere dell'artista indiano possono, forse, essere paragonate, anche se solo in termini di umore, con le tele che affermano la vita e si aprono all'infinito degli impressionisti. Inoltre, questi dipinti si distinguono per un profondo contenuto spirituale. Sembrano solo ingenui: hanno profondi impulsi dalle credenze religiose tradizionali.

Negli ultimi anni, gli artisti nativi americani hanno sperimentato con successo il movimento astratto dell'arte contemporanea, combinandolo con quei motivi astratti, o almeno sembrano esserlo, che si trovano in vimini e ceramiche, nonché motivi simili di segni e simboli religiosi. Gli indiani mostrarono abilità nel campo della scultura; hanno completato con successo ampi affreschi che fluiscono l'uno nell'altro e ancora una volta hanno dimostrato che in quasi ogni forma di arte moderna il loro talento e immaginazione possono essere richiesti e in ognuno di essi saranno in grado di mostrare la loro originalità.

Si può concludere che, nonostante il generale declino delle forme d'arte tradizionali indiane (sebbene ci siano alcune eccezioni molto importanti a questa tendenza), gli indiani non solo non hanno sperperato la loro creatività e non hanno perso le loro capacità creative, ma stanno provando ad applicarli sempre più attivamente, anche in nuove direzioni per loro finora non tradizionali. Quando il popolo indiano entra nel 21° secolo. con speranza ed energia sempre crescente, l'interesse crescerà non solo per i singoli artisti indiani, ma per gli indiani nel loro insieme; al loro spirito, al loro atteggiamento nei confronti della vita e del modo di vivere. A sua volta, l'arte dell'uomo bianco sarà arricchita solo assorbendo l'identità luminosa e unica dell'arte indiana e dell'intera cultura indiana.

Figli di Manitou. Una selezione di ritratti

C'era una volta, nel continente Abaya Ayala, popoli molto diversi vivevano, combattevano, si riconciliavano...
Questo nome significa qualcosa per te? Ma è così che gli abitanti indigeni dell'attuale America Centrale chiamavano il continente molto prima dell'arrivo della spedizione di Cristoforo Colombo il 12 ottobre 1492 sulle sue coste.

Feshin Nikolay:

Uno dei miti più comuni sugli indiani è il colore della loro pelle rossa. Quando sentiamo la parola "pelle rossa", immaginiamo subito un indiano con la faccia dipinta e piume tra i capelli. Ma in effetti, quando gli europei iniziarono ad apparire nel continente nordamericano, chiamavano gli indigeni locali "selvaggi", "pagani" o semplicemente "indiani". Non hanno mai usato la parola "pellerossa". Questo mito fu inventato nel 18° secolo da Carlo Linneo, uno scienziato svedese che divise le persone in: homo Europeans albescence (uomo bianco europeo), homo Europeans Americus rubescens (uomo rosso americano), homo asiaticus fuscus (uomo asiatico giallo), homo africanus niger (uomo nero africano). Allo stesso tempo, Karl attribuiva la carnagione rossa alla pittura di guerra degli indiani, e non al colore naturale, ma le persone che non avevano mai incontrato queste stesse personalità dipinte in vita loro, gli indiani furono per sempre chiamati "pellerossa". Il vero colore della pelle degli indiani è marrone chiaro, quindi gli stessi indiani iniziarono a chiamare gli europei "con la faccia pallida".

Gli indiani sono le popolazioni indigene del Nord e del Sud America. Hanno preso questo nome a causa dell'errore storico di Colombo, che era sicuro di essere salpato per l'India. Ecco alcune delle tribù più famose:

Abenaki. Questa tribù viveva negli Stati Uniti e in Canada. Gli Abenaki non furono risolti, il che diede loro un vantaggio nella guerra con gli Irochesi. Potrebbero dissolversi silenziosamente nella foresta e attaccare improvvisamente il nemico. Se prima della colonizzazione c'erano circa 80mila indiani nella tribù, dopo la guerra con gli europei ne erano rimasti meno di mille. Ora il loro numero raggiunge i 12mila e vivono principalmente in Quebec (Canada). Maggiori informazioni su di loro qui

Comanche. Una delle tribù più guerriere delle pianure meridionali, un tempo contava 20mila persone. Il loro coraggio e il loro coraggio nelle battaglie hanno fatto sì che i nemici li trattassero con rispetto. I Comanche furono i primi a utilizzare ampiamente i cavalli, oltre a fornirli ad altre tribù. Gli uomini potevano prendere diverse donne come mogli, ma se la moglie fosse stata condannata per tradimento, potrebbe essere uccisa o le sarebbe stato tagliato il naso. Oggi sono rimasti circa 8.000 Comanche e vivono in Texas, New Mexico e Oklahoma.

Apache. Una tribù nomade che si stabilì nel Rio Grande e poi si trasferì a sud in Texas e Messico. L'occupazione principale era la caccia al bufalo, che divenne il simbolo della tribù (totem). Durante la guerra con gli spagnoli furono quasi completamente sterminati. Nel 1743, il capo apache fece una tregua con loro mettendo la sua ascia in una buca. Ecco da dove viene lo slogan: "seppellire l'ascia". Oggi nel New Mexico vivono circa 1.500 discendenti di Apache. A proposito di loro qui

Cherokee. Numerosa tribù (50mila), abitante le pendici degli Appalachi. All'inizio del XIX secolo, i Cherokee erano diventati una delle tribù culturalmente più avanzate del Nord America. Nel 1826 il capo Sequoyah creò il sillabario Cherokee; furono aperte scuole libere, nelle quali c'erano insegnanti rappresentanti della tribù; ei più ricchi di loro possedevano piantagioni e schiavi neri

Gli Uroni sono una tribù che contava 40mila persone nel 17° secolo e viveva in Quebec e Ohio. Furono i primi ad entrare in rapporti commerciali con gli europei e, grazie alla loro mediazione, iniziò a svilupparsi il commercio tra i francesi e le altre tribù. Oggi, circa 4mila uroni vivono in Canada e negli Stati Uniti. Leggi di più qui

I Mohicani sono un tempo una potente associazione di cinque tribù, che conta circa 35mila persone. Ma già all'inizio del XVII secolo, a seguito di sanguinose guerre ed epidemie, ne restavano meno di mille. Per lo più si unirono ad altre tribù, ma una piccola manciata di discendenti della famosa tribù vive oggi nel Connecticut.

Irochese. Questa è la tribù più famosa e guerriera del Nord America. Grazie alla loro capacità di imparare le lingue, hanno commerciato con successo con gli europei. Una caratteristica distintiva degli Irochesi sono le loro maschere dal naso adunco, progettate per proteggere il proprietario e la sua famiglia dalle malattie.

Questa è una mappa dell'insediamento di tribù indiane, grandi e piccole. Una grande tribù può comprenderne diverse più piccole. Allora gli indiani la chiamano "alleanza". Ad esempio, "l'unione delle cinque tribù", ecc.

Un altro studio sull'insediamento umano sul pianeta si è trasformato in una sensazione: si è scoperto che la casa ancestrale degli indiani è Altai. Gli scienziati ne hanno parlato cento anni fa, ma solo ora gli antropologi dell'Università della Pennsylvania, insieme ai colleghi dell'Istituto di citologia e genetica del ramo siberiano dell'Accademia delle scienze russa, sono stati in grado di fornire prove di questa audace ipotesi. Hanno prelevato campioni di DNA dagli indiani e li hanno confrontati con il materiale genetico degli Altaiani. Entrambi hanno trovato una rara mutazione nel cromosoma Y, che si trasmette di padre in figlio. Avendo determinato il tasso approssimativo di mutazione, gli scienziati si sono resi conto che la divergenza genetica dei popoli si è verificata 13-14 mila anni fa - a quel tempo gli antenati degli indiani dovevano superare l'istmo di Bering per stabilirsi nel territorio dei moderni Stati Uniti e Canada . Ora gli scienziati devono capire cosa li ha spinti a lasciare il luogo che era confortevole in termini di caccia e vita e intraprendere un viaggio lungo e pericoloso.

Alfred Rodriguez.

Kirby Sattler

Piccolo Orso Hunkpapa Coraggioso

Robert Griffin

Carlo Frizzell

Cantante di Pow Wow

Cun-Ne-Wa-Bum, Colui che guarda le stelle.

Wah-pus, coniglio. 1845

Elbridge Ayer Burbank - Capo Joseph (indiano Nez Perce)

Elbridge Ayer Burbank - Ho-Mo-Vi (indiano Hopi)

Karl Bodmer - Capo Mato-tope (indiano Mandan)

Gilbert Stuart Chief Thayendanega (indiano Mohawk)

Ma-tu, Pomo Medicine Man, dipinto di Grace Carpenter Hudson

Orso Seduto

Queste parole sono state pronunciate dal presidente venezuelano Hugo Chavez alla cerimonia di inaugurazione di un acquedotto in uno dei villaggi precedentemente dimenticati nello stato di Zulia il 12 ottobre, in occasione di una data anticamente celebrata come la "Scoperta dell'America" ​​​​ed è ora celebrato in Venezuela come Giornata della Resistenza indiana.

Dall'arte antica si è conservata l'usanza della geometrizzazione delle forme vegetali e animali nell'ornamento. C'è un ornamento simile al meandro greco. Di particolare interesse sono i totem scolpiti ricavati da un unico tronco d'albero. La geometrizzazione dei loro elementi pittorici è così forte che nel processo di adattamento alla forma tridimensionale della colonna, le singole parti si separano l'una dall'altra, si interrompe il legame naturale e appare un nuovo layout, associato alle rappresentazioni mitologiche dell '"albero del mondo". In tali immagini, gli occhi di un pesce o di un uccello possono essere sulle pinne o sulla coda e il becco sul dorso. In Brasile, i disegni degli indiani d'America sono stati studiati dal famoso antropologo K. Levi-Strauss. Ha esplorato le tecniche dell'imaging simultaneo e dell'imaging a "raggi X".

Gli indiani padroneggiarono magistralmente la tecnica della lavorazione del legno. Avevano trapani, asce, asce di pietra per la lavorazione del legno e altri strumenti. Sapevano come segare tavole, tagliare sculture ricci. Hanno costruito case, canoe, attrezzi da lavoro e totem di legno. L'arte del Tlingit si distingue per altre due caratteristiche: multi-figura - una connessione meccanica di diverse immagini in un oggetto e poli-iconica - un flusso, a volte crittografato, nascosto dal maestro, una transizione graduale da un'immagine all'altra .

Vivendo nel clima piovoso e nebbioso della costa del mare, i Tlingit realizzavano speciali mantelli con fibre d'erba e rafia di cedro, che assomigliavano a un poncho. Servivano come un riparo affidabile dalla pioggia. Le opere d'arte monumentale includevano pitture rupestri, dipinti sui muri delle case, totem. Le immagini sui pilastri sono create in uno stile chiamato bilaterale (bifacciale). Gli indiani del Nord America usavano il cosiddetto stile scheletrico per disegnare immagini su oggetti rituali, ceramiche e anche durante la creazione di arte rupestre. In pittura, come in gioielli, vimini e ceramiche, la regione sud-occidentale è stata in prima linea nel Rinascimento dei nativi americani che è stato visto negli ultimi tempi. La sua guida è in parte dovuta al fatto che gli abitanti della zona evitarono la distruzione del loro modo di vivere e della loro cultura, che le tribù delle coste orientali e occidentali affrontarono, nonché il completo sfratto ed espulsione dalle loro terre natali, che sperimentarono gli indiani delle pianure e del sud-est. Gli indiani del sud-ovest hanno attraversato umiliazioni e povertà e periodi di aspro esilio ed esilio; ma in generale riuscirono a rimanere nelle terre dei loro antenati e riuscirono a mantenere una certa continuità di stile di vita e di cultura. In un Paese più piccolo, una direzione così originale riceverebbe sicuramente un riconoscimento immediato ea lungo termine. Per mezzo secolo, gli artisti nativi americani del sud-ovest hanno creato opere meravigliose di vibrante originalità. L'interesse per loro, così come per la letteratura indiana, dà speranza per il ruolo crescente dell'arte indiana in tutta la cultura americana.

Poco dopo la fine della prima guerra mondiale, un piccolo gruppo di artisti bianchi, scienziati e residenti di Santa Fe e dintorni creò un movimento che divenne noto come Movimento di Santa Fe. Si sono dati il ​​compito di far conoscere al mondo il potente potenziale creativo che possedevano gli indiani. Come risultato dei loro sforzi, l'Academy of Indian Fine Arts è stata fondata nel 1923. Aiutò gli artisti in ogni modo possibile, organizzò mostre e alla fine Santa Fe divenne uno dei più importanti centri di belle arti negli Stati Uniti, e ugualmente importante per gli artisti indiani e bianchi.

Sorprendentemente, la culla dell'arte moderna indiana fu San Ildefonso, un piccolo insediamento pueblo, dove in quel periodo sorse la star dei famosi maestri ceramisti Julio e Maria Martinez. Ancora oggi San Ildefonso è uno dei più piccoli pueblos; la sua popolazione è di sole 300 persone. Ancora più sorprendente è il fatto che il fondatore del movimento per la rinascita dell'arte indiana sia Crescencio Martinez, cugino di Maria Martinez. Crescencio (Moose Abode) è stato uno dei giovani artisti nativi americani che all'inizio del XX secolo. sperimentato con vernici a base d'acqua seguendo l'esempio dei pittori bianchi. Nel 1910 stava già lavorando molto fruttuosamente e attirò l'attenzione degli organizzatori del movimento di Santa Fe. Purtroppo morì prematuramente a causa dell'influenza spagnola durante un'epidemia; questo accadde nel 1918, quando aveva solo 18 anni. Ma la sua iniziativa fu continuata; ben presto a San Ildefonso lavoravano già 20 giovani artisti; insieme a valenti ceramisti, lavorarono fruttuosamente in questa piccola Atene sulle rive del Rio Grande.

Il loro impulso creativo penetrò nei pueblo circostanti e alla fine raggiunse gli Apache e i Navajo, attirandoli in questa "febbre creativa". Nella stessa San Ildefonso apparve un altro artista famoso: era il nipote di Crescenzio di nome Ava Tsire (Alfonso Roybal); era figlio di un famoso vasaio e aveva sangue Navajo nelle vene. Degli altri eccezionali maestri d'arte del periodo di questa ondata di energia creativa, osservata negli anni '20-'30. Nel 20 ° secolo, si possono nominare gli indiani Taoesi Chiu Ta ed Eva Mirabal del pueblo Taos, Ma Pe Wee dello Zia pueblo, Rufina Vigil di Tesuke, To Powe di San Juan e l'indiano Hopi Fred Caboti. Allo stesso tempo, è emersa un'intera galassia di artisti della tribù Navajo, nota per la sua capacità di assimilare rapidamente e l'elaborazione originale e originale delle idee creative; ecco i nomi dei più importanti di loro: Keats Bigay, Sybil Yazzy, Ha So De, Quincy Tahoma e Ned Nota. Parlando di Apache, va menzionato Alan Houser. E, come per finire, allo stesso tempo, con il sostegno finanziario di appassionati bianchi, è stata creata la scuola d'arte dei Kiowas nelle Pianure; George Kebone è considerato il fondatore di questa scuola. E l'artista indiano Sioux Oscar Howey ha influenzato lo sviluppo di tutte le belle arti indiane.

Oggi, le arti visive dei nativi americani sono uno dei rami in più rapida crescita sull'albero della scultura e della pittura americane.

L'artista indiano moderno è vicino a motivi astratti e semi-astratti, a lui ben noti dai modelli tradizionali indiani su articoli in pelle fatti di perline e aculei di istrice, nonché su ceramica. Mostrando un interesse sempre crescente per il loro passato, gli artisti indiani stanno cercando di ripensare le misteriose immagini geometriche sulla ceramica antica e di trovare nuovi approcci creativi e soluzioni basate su di esse. Studiano tendenze nell'arte contemporanea come realismo e prospettiva per trovare il proprio stile originale basato su di esse. Cercano di combinare il realismo con motivi fantasy ispirati alla natura, collocandoli in uno spazio bidimensionale limitato, che evoca ancora una volta un'analogia con l'arte dell'Antico Egitto. Sin dai tempi antichi, gli artisti indiani hanno utilizzato colori brillanti, puri e traslucidi, spesso solo i componenti principali della combinazione di colori, pur aderendo ai singoli simboli di colore. Pertanto, se agli occhi di una persona bianca vede solo uno schema ordinario, un indiano che guarda un'immagine penetra molto più in profondità in esso e cerca di percepire il vero messaggio proveniente dall'artista che ha creato l'immagine.

Nella tavolozza dell'artista indiano non c'è posto per i toni cupi. Non utilizza le ombre e la distribuzione del chiaroscuro (quello che viene chiamato il gioco di luci e ombre). Senti la spaziosità, la purezza del mondo circostante e della natura, l'energia ribollente del movimento. Nelle sue opere si possono percepire le sconfinate distese del continente americano, che contrasta fortemente con l'atmosfera cupa, chiusa e angusta che emana dai dipinti di molti artisti europei. Le opere dell'artista indiano possono, forse, essere paragonate, anche se solo in termini di umore, con le tele che affermano la vita e si aprono all'infinito degli impressionisti. Inoltre, questi dipinti si distinguono per un profondo contenuto spirituale. Sembrano solo ingenui: hanno profondi impulsi dalle credenze religiose tradizionali.

Negli ultimi anni, gli artisti nativi americani hanno sperimentato con successo il movimento astratto dell'arte contemporanea, combinandolo con quei motivi astratti, o almeno sembrano esserlo, che si trovano in vimini e ceramiche, nonché motivi simili di segni e simboli religiosi. Gli indiani mostrarono abilità nel campo della scultura; hanno completato con successo ampi affreschi che fluiscono l'uno nell'altro e ancora una volta hanno dimostrato che in quasi ogni forma di arte moderna il loro talento e immaginazione possono essere richiesti e in ognuno di essi saranno in grado di mostrare la loro originalità.

L'arte indiana è un'estetica incentrata sui dettagli, anche dipinti e incisioni apparentemente semplici possono contenere il significato interiore più profondo e portare l'intenzione nascosta dell'autore. L'arte originaria degli indiani in diversi paesi (USA, Canada, Uruguay, Argentina, ecc.) è praticamente estinta; in altri paesi (Messico, Bolivia, Guatemala, Perù, Ecuador, ecc.), divenne la base dell'arte popolare del periodo coloniale e dei tempi moderni.

ornamento indiano della mitologia dell'arte