Le melodie e le canzoni del popolo russo hanno ispirato il lavoro di famosi compositori della seconda metà del XIX secolo. Tra loro c'erano P.I. Ciajkovskij, MP Musorgskij, MI Glinka e A.P. Borodino. Le loro tradizioni furono continuate da un'intera galassia di eccezionali figure musicali. I compositori russi del 20° secolo sono ancora popolari.

Aleksandr Nikolaevich Skryabin

Creatività A.N. Scriabin (1872 - 1915), compositore e pianista di talento, insegnante, innovatore russo, non può lasciare nessuno indifferente. A volte si possono ascoltare momenti mistici nella sua musica originale e impulsiva. Il compositore è attratto e attratto dall'immagine del fuoco. Anche nei titoli delle sue opere, Scriabin ripete spesso parole come fuoco e luce. Ha cercato di trovare un modo per combinare suono e luce nelle sue opere.

Il padre del compositore, Nikolai Alexandrovich Scriabin, era un noto diplomatico russo, un vero consigliere di stato. Madre - Lyubov Petrovna Scriabina (nata Shchetinina), era conosciuta come una pianista di grande talento. Si è diplomata con lode al Conservatorio di San Pietroburgo. La sua carriera professionale iniziò con successo, ma poco dopo la nascita di suo figlio morì di tisi. Nel 1878 Nikolai Alexandrovich completò i suoi studi e fu assegnato all'ambasciata russa a Costantinopoli. L'educazione del futuro compositore è stata continuata dai suoi parenti stretti: la nonna Elizaveta Ivanovna, sua sorella Maria Ivanovna e la sorella del padre Lyubov Alexandrovna.

Nonostante il fatto che all'età di cinque anni Scriabin abbia imparato a suonare il pianoforte e poco dopo abbia iniziato a studiare composizioni musicali, secondo la tradizione di famiglia, ha ricevuto un'educazione militare. Si è diplomato al 2° Corpo dei Cadetti di Mosca. Allo stesso tempo, ha preso lezioni private di pianoforte e teoria musicale. Successivamente è entrato al Conservatorio di Mosca e si è diplomato con una piccola medaglia d'oro.

All'inizio della sua attività creativa, Scriabin seguì consapevolmente Chopin, scegliendo gli stessi generi. Tuttavia, anche in quel momento, il suo talento era già evidente. All'inizio del XX secolo scrisse tre sinfonie, poi "The Poem of Ecstasy" (1907) e "Prometheus" (1910). È interessante notare che il compositore ha integrato la partitura di "Prometheus" con una parte leggera della tastiera. Fu il primo a usare la musica leggera, il cui scopo è caratterizzato dalla divulgazione della musica con il metodo della percezione visiva.

La morte accidentale del compositore interruppe il suo lavoro. Non ha mai realizzato il suo piano per creare il "Mistero" - una sinfonia di suoni, colori, movimenti, odori. In quest'opera, Scriabin ha voluto raccontare a tutta l'umanità i suoi pensieri più intimi e ispirarlo a creare un mondo nuovo, segnato dall'unione dello Spirito Universale e della Materia. Le sue opere più significative furono solo una prefazione a questo grandioso progetto.

Famoso compositore, pianista, direttore d'orchestra russo S.V. Rachmaninov (1873 - 1943) nacque in una ricca famiglia nobile. Il nonno di Rachmaninov era un musicista professionista. Le prime lezioni di pianoforte gli furono impartite dalla madre, e successivamente invitarono il maestro di musica A.D. Ornatskaja. Nel 1885 i suoi genitori lo assegnarono in un collegio privato al professore del Conservatorio di Mosca N.S. Zverev. L'ordine e la disciplina nell'istituto scolastico hanno avuto un impatto significativo sulla formazione del carattere futuro del compositore. Successivamente si è diplomato al Conservatorio di Mosca con una medaglia d'oro. Mentre era ancora uno studente, Rachmaninov era molto popolare tra il pubblico di Mosca. Ha già creato il suo "Primo Concerto per pianoforte", oltre ad altri romanzi e opere teatrali. E il suo "Preludio in do diesis minore" divenne una composizione molto popolare. Grande PI Tchaikovsky ha attirato l'attenzione sul lavoro di laurea di Sergei Rachmaninov - l'opera "Oleko", che ha scritto sotto l'impressione di A.S. Pushkin "Zingari". Pyotr Ilyich lo fece mettere in scena al Teatro Bolshoi, cercò di aiutare con l'inclusione di questo lavoro nel repertorio del teatro, ma morì inaspettatamente.

Dall'età di vent'anni, Rachmaninov ha insegnato in diversi istituti, ha tenuto lezioni private. Su invito della famosa filantropa, figura teatrale e musicale Savva Mamontov, all'età di 24 anni, il compositore diventa il secondo direttore dell'Opera privata russa di Mosca. Lì stringe amicizia con F.I. Chaliapin.

La carriera di Rachmaninov fu interrotta il 15 marzo 1897 a causa del rifiuto della sua innovativa Prima Sinfonia da parte del pubblico di San Pietroburgo. Le recensioni per questo lavoro sono state davvero devastanti. Ma il compositore fu molto sconvolto dalla recensione negativa lasciata da N.A. Rimsky-Korsakov, la cui opinione Rachmaninov ha molto apprezzato. Successivamente, cadde in una depressione prolungata, dalla quale riuscì a uscire con l'aiuto di un ipnotizzatore N.V. Dahl.

Nel 1901 Rachmaninov completò il suo Secondo Concerto per pianoforte. E da quel momento inizia il suo attivo lavoro creativo come compositore e pianista. Lo stile unico di Rachmaninoff combinava inni della chiesa russa, romanticismo e impressionismo. Considerava la melodia il principale principio guida nella musica. Ciò ha trovato la sua massima espressione nell'opera preferita dell'autore: la poesia "The Bells", che ha scritto per l'orchestra, il coro e i solisti.

Alla fine del 1917, Rachmaninov lasciò la Russia con la sua famiglia, lavorò in Europa e poi partì per l'America. Il compositore era molto sconvolto dalla rottura con la Patria. Durante la Grande Guerra Patriottica, tenne concerti di beneficenza, i cui proventi furono inviati al Fondo dell'Armata Rossa.

La musica di Stravinsky si distingue per la sua diversità stilistica. All'inizio della sua attività creativa, si basava sulle tradizioni musicali russe. E poi nelle opere si sente l'influenza del neoclassicismo, caratteristico della musica francese di quel periodo e della dodecafonia.

Igor Stravinsky è nato a Oranienbaum (ora Lomonosov) nel 1882. Il padre del futuro compositore Fyodor Ignatievich è un famoso cantante d'opera, uno dei solisti del Teatro Mariinsky. Sua madre era la pianista e cantante Anna Kirillovna Kholodovskaya. Dall'età di nove anni, gli insegnanti gli hanno insegnato lezioni di pianoforte. Dopo aver completato il ginnasio, su richiesta dei genitori, si iscrive alla facoltà di giurisprudenza dell'università. Per due anni, dal 1904 al 1906, prese lezioni da N.A. Rimsky-Korsakov, sotto la cui guida scrisse le prime opere: lo scherzo, la sonata per pianoforte, il Fauno e la suite della pastorella. Sergei Diaghilev ha molto apprezzato il talento del compositore e gli ha offerto collaborazione. Il lavoro congiunto ha portato a tre balletti (messi in scena da S. Diaghilev): The Firebird, Petrushka, The Rite of Spring.

Poco prima della prima guerra mondiale, il compositore partì per la Svizzera, poi in Francia. Inizia un nuovo periodo nel suo lavoro. Studia gli stili musicali del 18° secolo, scrive l'opera Edipo Re, musica per il balletto Apollo Musagete. La sua calligrafia è cambiata più volte nel tempo. Per molti anni il compositore ha vissuto negli Stati Uniti. La sua ultima opera famosa è Requiem. Una caratteristica del compositore Stravinsky è la capacità di cambiare costantemente stili, generi e direzioni musicali.

Il compositore Prokofiev è nato nel 1891 in un piccolo villaggio nella provincia di Ekaterinoslav. Il mondo della musica gli è stato aperto dalla madre, una brava pianista che ha eseguito spesso opere di Chopin e Beethoven. È diventata anche una vera mentore musicale per suo figlio e, inoltre, gli ha insegnato tedesco e francese.

All'inizio del 1900, il giovane Prokofiev riuscì a frequentare il balletto della Bella Addormentata e ad ascoltare le opere Faust e il principe Igor. L'impressione ricevuta dalle rappresentazioni dei teatri di Mosca è stata espressa nel suo stesso lavoro. Scrive l'opera "The Giant", e poi l'ouverture di "Desert Shores". I genitori si rendono presto conto che non possono più insegnare la musica a loro figlio. Presto, all'età di undici anni, il compositore novizio fu presentato al famoso compositore e insegnante russo S.I. Taneyev, che ha chiesto personalmente a R.M. Gliera per impegnarsi nella composizione musicale con Sergei. S. Prokofiev all'età di 13 anni ha superato gli esami di ammissione al Conservatorio di San Pietroburgo. All'inizio della sua carriera, il compositore fece tournée e si esibì a lungo. Tuttavia, il suo lavoro ha causato incomprensioni tra il pubblico. Ciò era dovuto alle caratteristiche delle opere, che si esprimevano in:

• stile modernista;
• distruzione dei canoni musicali stabiliti;
• stravaganza e inventiva delle tecniche compositive

Nel 1918, S. Prokofiev partì e tornò solo nel 1936. Già in URSS scrisse musica per film, opere, balletti. Ma dopo essere stato accusato, insieme a numerosi altri compositori, di "formalismo", si è praticamente trasferito a vivere in campagna, ma ha continuato a scrivere opere musicali. La sua opera "Guerra e pace", i balletti "Romeo e Giulietta", "Cenerentola" divennero proprietà della cultura mondiale.

I compositori russi del 20° secolo, vissuti all'inizio del secolo, non solo hanno preservato le tradizioni della precedente generazione dell'intellighenzia creativa, ma hanno anche creato la propria arte unica, per la quale le opere di P.I. Ciajkovskij, MI Glinka, NA Rimsky-Korsakov.

Flegontova Anastasia

classe 7specializzazione "Teoria musicale",MAOUDOD DSHI n. 46, Kemerovo

Zaigraeva Valentina Afanasievna

direttore scientifico,insegnante di discipline teoriche MAOU DOD "DSHI No. 46"

introduzione

Ogni grande città ha un'orchestra sinfonica. È richiesto nei teatri d'opera e nelle società filarmoniche. Ma lo stesso genere sinfonico - uno dei generi più venerati della musica accademica - viene ora soppiantato dalla musica da camera e dalla musica elettronica. E può accadere che venga l'ora in cui un grande genere come la sinfonia cesserà del tutto di essere eseguito nei concerti. Almeno, la composizione di sinfonie è quasi cessata. Rilevanza temi di ricerca: interesse incessante per la questione dell'esistenza futura del genere "sinfonico", cosa attende la sinfonia nel XXI secolo: rinascita o oblio? Oggetto di studioè una sinfonia, come genere e come modo serio di conoscere il mondo e l'autoespressione di una persona. Materia di studio: l'evoluzione del genere sinfonico dalle origini ai giorni nostri. Obbiettivo: studiare le caratteristiche dello sviluppo del genere sinfonico. Gli obiettivi della ricerca: analizzare il materiale scientifico e teorico sul problema; descrivere le leggi sinfoniche, le norme, i modelli e le tendenze nello sviluppo del genere.

Capitoloio. La storia della parola "sinfonia".

Sinfonia (dal greco symphonía - consonanza, da sýn - insieme e telefono - suono), brano musicale in forma ciclica di sonata, destinato ad essere eseguito da un'orchestra sinfonica; uno dei generi più importanti della musica sinfonica. In alcune sinfonie sono coinvolti anche il coro e i solisti. La sinfonia è uno dei generi musicali più complessi. "Per me, creare una sinfonia significa costruire un mondo con tutti i mezzi della moderna tecnologia musicale", ha affermato il compositore austriaco Gustav Mahler.

Inizialmente, nell'antica Grecia, "sinfonia" era chiamata il suono euforico dei toni, cantando insieme all'unisono. Nell'antica Roma questo era già il nome di un ensemble, di un'orchestra. Nel medioevo la musica profana in genere era considerata una “sinfonia” (in Francia tale significato è stato conservato fino al 18° secolo), alcuni strumenti musicali potrebbero chiamarsi così (in particolare una ghironda). In Germania, fino alla metà del 18° secolo, sinfonia era un termine generico per le varietà di clavicembalo - spinette e virginelle, in Francia si chiamava organetti, clavicembali, tamburi a due teste, ecc.

Alla fine dell'età barocca alcuni compositori, come Giuseppe Torelli (1658-1709), realizzarono opere per orchestra d'archi e basso continuo in tre parti, con una sequenza di tempo veloce-lento-veloce. Sebbene tali composizioni fossero generalmente chiamate "concerti", non differivano in alcun modo dalle composizioni chiamate "sinfonia"; ad esempio, i temi della danza sono stati utilizzati nei finali sia dei concerti che delle sinfonie. La differenza riguardava principalmente la struttura della prima parte del ciclo: nelle sinfonie era più semplice - di regola, la forma binaria in due parti dell'ouverture barocca, sonata e suite (AA BB). Solo nel XVI sec cominciò ad essere applicato a singole opere, in origine vocale-strumentali, di compositori come Giovanni Gabrieli (Sacrae symphoniae, 1597, e Symphoniae sacrae 1615), Adriano Bankieri (Eclesiastiche Sinfonie, 1607), Lodovico Grossi da Viadana (Sinfonie musicali, 1610 ) e Heinrich Schütz (Symphoniae sacrae, 1629). Compositori italiani del 17° secolo spesso indicato con la parola "sinfonia" (sinfonia) introduzioni strumentali a un'opera, un oratorio o una cantata, e il termine nel significato si avvicinava ai concetti di "preludio" o "ouverture".

Il prototipo della sinfonia può essere considerato l'ouverture all'italiana, che prese forma sotto Domenico Scarlatti alla fine del XVII secolo. Questa forma era già allora chiamata sinfonia e consisteva in tre parti contrastanti: allegro, andante e allegro, che si fondevano in un tutto, nella prima parte erano delineate le caratteristiche della forma della sonata. È questa forma che è spesso considerata un diretto precursore della sinfonia orchestrale. D'altra parte, il predecessore della sinfonia era la sonata orchestrale, che consisteva in più parti nelle forme più semplici e per lo più nella stessa tonalità. I termini "ouverture" e "sinfonia" furono usati in modo intercambiabile per gran parte del XVIII secolo.

Nel XVIII sec. la sinfonia si separò dall'opera e divenne un genere di concerto a sé stante, di solito in tre movimenti ("veloce - lento - veloce"). Utilizzando le caratteristiche di una suite di danza barocca, opera e concerto, numerosi compositori e soprattutto J.B. Sammartini creò un modello di sinfonia classica: una composizione in tre movimenti per orchestra d'archi, dove i movimenti veloci di solito assumevano la forma di un semplice rondò o di una prima forma di sonata. A poco a poco, alle corde furono aggiunti altri strumenti: oboi (o flauti), corni, trombe e timpani. Per gli ascoltatori del XVIII secolo. la sinfonia era definita da norme classiche: trama omofonica, armonia diatonica, contrasti melodici, una data sequenza di cambiamenti dinamici e tematici. I centri dove si coltivava la sinfonia classica erano la città tedesca di Mannheim (qui Jan Stamitz e altri autori ampliarono il ciclo sinfonico in quattro parti, introducendovi due danze della suite barocca - un minuetto e un trio) e Vienna, dove Haydn , Mozart, Beethoven (e anche i loro predecessori, tra i quali spiccano Georg Monn e Georg Wagenseil, elevarono il genere sinfonico a un nuovo livello... Inoltre, "sinfonie" chiamavano i suoi 15 brani (nelle stesse chiavi del invenzioni, ma in una presentazione a tre voci) Johann Sebastian Bach (1685-1750, Germania).

CapitoloII. Sinfonie di compositori stranieri

1. Classici viennesi

1.1. Francesco Giuseppe Haydn

Nell'opera di Franz Joseph Haydn (1732-1809) si formò finalmente il ciclo sinfonico. Le sue prime sinfonie non differiscono ancora sostanzialmente dalla musica da camera e quasi non vanno oltre i soliti generi di intrattenimento per quell'epoca. Solo negli anni '70 compaiono opere che esprimono un mondo di immagini più profondo (Sinfonia funebre, Sinfonia d'addio, ecc.). A poco a poco, le sue sinfonie sono sature di contenuti drammatici più profondi. Il risultato più alto della sinfonia di Haydn sono le dodici sinfonie di "Londra".

Struttura della sonataallegro. Ciascuna delle sinfonie (ad eccezione di quella in do minore) inizia con una breve e lenta introduzione di un carattere solennemente maestoso, premurosamente concentrato, liricamente pensieroso o tranquillamente contemplativo (di solito nel tempo di Largo o Adagio). La lenta introduzione contrasta nettamente con l'Allegro che ne consegue (che è il primo movimento della sinfonia) e lo imposta allo stesso tempo. Non c'è contrasto figurativo luminoso tra i temi della parte principale e laterale. Sia quelli che gli altri di solito hanno un carattere di canti e balli popolari. C'è solo un contrasto tonale: la chiave principale delle parti principali è contrastata con la chiave dominante delle parti laterali. Nelle sinfonie di Haydn, gli sviluppi che sono costruiti dall'isolamento motivico hanno ricevuto uno sviluppo significativo. Un segmento breve ma più attivo è separato dal tema della parte principale o laterale e subisce uno sviluppo indipendente piuttosto lungo (modulazioni continue in diverse tonalità, suonare con diversi strumenti e in diversi registri). Ciò conferisce agli sviluppi un carattere dinamico e ambizioso.

Seconda parte (lenta). hanno un carattere diverso: a volte pensierosamente lirico, a volte simile a una canzone, in alcuni casi simile a una marcia. Differiscono anche nella forma. Molto spesso ci sono forme tripartite e variazionali complesse.

Minuti. I terzi movimenti delle sinfonie "Londra" si chiamano sempre Menuetto. Molti dei minuetti di Haydn hanno il carattere delle danze country, con i loro passi un po' pesanti, la melodia ampia, gli accenti inaspettati e i cambiamenti ritmici, che spesso creano un effetto umoristico. Il metro triplo del minuetto tradizionale si conserva, ma perde la sua raffinatezza aristocratica e diventa un ballo democratico e contadino.

Finale. Nel finale delle sinfonie di Haydn, le immagini di genere, anch'esse derivate dalla musica da ballo popolare, attirano solitamente l'attenzione. La forma è più spesso sonata o rondò-sonata. In alcune finali delle sinfonie di "Londra" sono ampiamente utilizzati i metodi di sviluppo variazionale e polifonico (imitazione), il che enfatizza ulteriormente il rapido movimento della musica e dinamizza l'intero tessuto musicale. [ 4, pag. 76-78]

Orchestra. La composizione dell'orchestra è stata stabilita anche nell'opera di Haydn. Si basa su quattro gruppi di strumenti. Gli archi, il gruppo dirigente dell'orchestra, comprendono violini, viole, violoncelli e contrabbassi. Il gruppo ligneo è composto da flauti, oboi, clarinetti (non usati in tutte le sinfonie), fagotti. Il gruppo di ottoni di Haydn è composto da corni e trombe. Tra gli strumenti a percussione, Haydn usava solo timpani nell'orchestra. L'eccezione è la dodicesima "London Symphony", in sol maggiore ("Military"). Oltre ai timpani, Haydn ha introdotto un triangolo, piatti e una grancassa. In totale, l'opera di Franz Joseph Haydn comprende più di 100 sinfonie.

1.2. Wolfgang Amadeus Mozart

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), insieme ad Haydn, è stato alle origini della sinfonia europea, mentre le migliori sinfonie di Mozart sono apparse anche prima delle London Symphonies di Haydn. Senza duplicare Haydn, Mozart ha risolto il problema del ciclo sinfonico a modo suo. Il numero totale delle sue sinfonie supera i 50, anche se secondo la numerazione continua adottata nella musicologia russa, l'ultima sinfonia - "Giove" - ​​è considerata la 41a. L'aspetto della maggior parte delle sinfonie di Mozart si riferisce ai primi anni del suo lavoro. Durante il periodo viennese furono create solo 6 ultime sinfonie, tra cui: "Linz" (1783), "Praga" (1786) e tre sinfonie del 1788.

Le prime sinfonie di Mozart furono fortemente influenzate dal lavoro di J.S. Bach. Si è manifestato sia nell'interpretazione del ciclo (3 piccole parti, l'assenza di un minuetto, una piccola composizione orchestrale), sia in vari dettagli espressivi (la melodiosità dei temi, i contrasti espressivi di maggiore e minore, il ruolo principale di il violino).

Le visite ai principali centri sinfonici europei (Vienna, Milano, Parigi, Mannheim) hanno contribuito all'evoluzione del pensiero sinfonico di Mozart: il contenuto delle sinfonie si arricchisce, i contrasti emotivi diventano più luminosi, lo sviluppo tematico diventa più attivo, la scala delle parti è allargata, la trama orchestrale diventa più sviluppata. A differenza delle sinfonie londinesi di Haydn, che nel complesso sviluppano un tipo di sinfonia, le migliori sinfonie di Mozart (nn. 39-41) non possono essere dattiloscritte, sono assolutamente uniche. Ognuno di loro incarna un'idea artistica fondamentalmente nuova. Due delle ultime quattro sinfonie di Mozart hanno introduzioni lente, le altre due no. La sinfonia n. 38 ("Praga", D-dur) ha tre parti ("sinfonia senza minuetto"), il resto - quattro.

Le caratteristiche più caratteristiche dell'interpretazione di Mozart del genere sinfonico includono:

drammaturgia del conflitto. Ai livelli più diversi delle parti del ciclo, nelle sinfonie di Mozart compaiono temi individuali, vari elementi tematici all'interno del tema, contrasto e conflitto. Molti dei temi sinfonici di Mozart agiscono inizialmente come un "personaggio complesso": sono costruiti su diversi elementi contrastanti (ad esempio, i temi principali nel finale del 40, I parte della sinfonia "Giove"). Questi contrasti interni sono lo stimolo più importante per il successivo sviluppo drammatico, in particolare negli sviluppi:

1. preferenza per la forma sonata. Di regola Mozart se ne rifà in tutte le parti delle sue sinfonie, ad eccezione del minuetto. È la forma sonata, con le sue enormi possibilità di trasformazione dei temi iniziali, ad essere capace della più profonda rivelazione del mondo spirituale di una persona. Nello sviluppo della sonata di Mozart, qualsiasi tema dell'esposizione può acquisire un significato indipendente, incl. collegamento e finale (ad esempio, nella sinfonia "Giove" nello sviluppo della prima parte vengono sviluppati i temi dello zp e svp e nella seconda parte - sv.t.);

2. l'enorme ruolo della tecnologia polifonica. In larga misura, vari dispositivi polifonici contribuiscono al dramma, specialmente nelle opere successive (l'esempio più eclatante è il finale della sinfonia di Giove);

3. allontanamento dal genere aperto nei minuetti e nei finali sinfonici. A loro, a differenza di Haydn, è impossibile applicare la definizione di "genere-quotidiano". Al contrario, Mozart nei suoi minuetti spesso "neutralizza" il principio della danza, riempiendo la loro musica sia di dramma (nella sinfonia n. 40), sia di lirismo (nella sinfonia "Giove");

4. il definitivo superamento della logica della suite del ciclo sinfonico, come alternanza di parti diverse. Le quattro parti della sinfonia di Mozart rappresentano un'unità organica (questo è stato particolarmente pronunciato nella Sinfonia n. 40);

5. stretto legame con i generi vocali. La musica strumentale classica è stata fortemente influenzata dall'opera. In Mozart, questa influenza dell'espressività operistica è molto sentita. Si manifesta non solo nell'uso di intonazioni operistiche caratteristiche (come, ad esempio, nel tema principale della 40a sinfonia, che viene spesso paragonato al tema di Cherubino "Non so dire, non so spiegare..." ). La musica sinfonica di Mozart è permeata da giustapposizioni contrastanti del tragico e del buffone, del sublime e del mondano, che ricorda chiaramente le sue composizioni operistiche.

1.3. Ludwig van Beethoven

Ludwig van Beethoven (1770-1827) ha ulteriormente arricchito il genere sinfonico. Nelle sue sinfonie acquisirono grande importanza l'eroismo, il dramma ei principi filosofici. Le parti della sinfonia sono collegate tematicamente più strettamente e il ciclo raggiunge una maggiore unità. Il principio dell'utilizzo di materiale tematico correlato in tutte e quattro le parti, attuato nella Quinta Sinfonia di Beethoven, portò all'emergere della cosiddetta. sinfonia ciclica. Beethoven sostituisce il calmo minuetto con uno scherzo più vivace, spesso esuberante; eleva lo sviluppo tematico a un nuovo livello, esponendo i suoi temi a tutti i tipi di cambiamenti, incluso lo sviluppo contrappuntistico, isolando frammenti di temi, cambiando la modalità (maggiore - minore), cambiamenti ritmici.

Parlando delle sinfonie di Beethoven, va sottolineata la sua innovazione orchestrale. Dalle innovazioni:

1. l'effettiva formazione del gruppo rame. Sebbene le trombe siano ancora suonate e registrate insieme ai timpani, funzionalmente loro e i corni iniziano a essere trattati come un unico gruppo. A loro si uniscono i tromboni, che non erano nell'orchestra sinfonica di Haydn e Mozart. I tromboni suonano nel finale della 5a sinfonia (3 tromboni), nella scena del temporale nella 6a (qui ce ne sono solo 2) e anche in alcune parti della 9a (nello scherzo e nell'episodio di preghiera della finale, oltre che nella coda);

2. la compattazione del "livello intermedio" rende necessario aumentare la verticale dall'alto e dal basso. Dall'alto appare il flauto piccolo (in tutti i casi indicati, ad eccezione dell'episodio di preghiera nel finale della 9a), e dal basso - il controfagotto (nei finali della 5a e 9a sinfonia). Ma in ogni caso ci sono sempre due flauti e fagotti in un'orchestra di Beethoven;

3. Proseguendo la tradizione delle sinfonie londinesi di Haydn e delle ultime sinfonie di Mozart, Beethoven esalta l'indipendenza e il virtuosismo delle parti di quasi tutti gli strumenti, tra cui la tromba (il famoso assolo fuori scena in Leonore Overtures n. 2 e n. 3) e i timpani. Ha spesso 5 parti di archi (i contrabbassi sono separati dai violoncelli) e talvolta di più (suonare divisi). Tutti i legni, compreso il fagotto, così come i corni (in coro, come nel trio scherzo della 3a sinfonia, o separatamente) possono eseguire l'assolo, eseguendo materiale molto brillante.

2. Romanticismo

La principale caratteristica distintiva del romanticismo era la crescita della forma, la composizione dell'orchestra e la densità del suono, compaiono i leitmotiv. I compositori romantici hanno mantenuto lo schema tradizionale del ciclo, ma lo hanno riempito di nuovi contenuti. Un posto di rilievo tra loro è occupato dalla sinfonia lirica, di cui uno degli esempi più brillanti è stata la sinfonia in si minore di F. Schubert. Questa linea è stata continuata nelle sinfonie di F. Mendelssohn-Bartholdy, avendo spesso un carattere pittoresco e paesaggistico. Le sinfonie acquisirono così le caratteristiche di un programma così caratteristico dei compositori romantici. Hector Berlioz, un eccezionale compositore francese, è stato il primo a creare un programma sinfonico, scrivendo per esso un programma poetico sotto forma di una breve storia sulla vita dell'artista. Tuttavia, le idee del programma nella musica romantica erano più spesso incarnate nelle forme di poesie sinfoniche, fantasie, ecc. L'autore più importante di sinfonie tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo. era G. Mahler, che a volte attirava l'inizio vocale. Sinfonie significative in Occidente furono create da rappresentanti di nuove scuole nazionali: nella seconda metà del XIX secolo. - A. Dvorak nella Repubblica Ceca, nel XX secolo. - K. Szymanowski in Polonia, E. Elgar e R. Vaughan Williams in Inghilterra, J. Sibelius in Finlandia. Le sinfonie dei compositori francesi A. Honegger, D. Milhaud e altri si distinguono per caratteristiche innovative. Se una grande sinfonia ha dominato (spesso per un'orchestra estesa), in seguito la "sinfonia da camera", di dimensioni modeste e destinata a un insieme di solisti, inizia a svolgere un ruolo sempre più importante.

2.1. Franz Schubert (1797-1828)

Il sinfonismo romantico creato da Schubert è stato determinato principalmente nelle ultime due sinfonie: l'8a, in h-moll, che ha ricevuto il nome di "Unfinished", e la 9a, in C-dur-noy. Sono completamente diversi, uno di fronte all'altro. L'epopea 9th è intrisa di un senso della gioia che tutto conquista dell'essere. "Unfinished" incarnava il tema della privazione, la tragica disperazione. Tali sentimenti, riflettendo il destino di un'intera generazione di persone, non avevano ancora trovato una forma di espressione sinfonica prima di Schubert. Creata due anni prima della nona sinfonia di Beethoven (nel 1822), "Unfinished" segnò l'emergere di un nuovo genere sinfonico: lirico-psicologico.

Una delle caratteristiche principali della sinfonia in h minore riguarda il suo ciclo, che si compone di due soli movimenti. Molti ricercatori hanno cercato di penetrare nel "mistero" di quest'opera: la brillante sinfonia è rimasta davvero incompiuta? Da un lato, non c'è dubbio che la sinfonia sia stata concepita come un ciclo in 4 parti: il suo schizzo originale per pianoforte conteneva un grande frammento di 3 parti: uno scherzo. La mancanza di equilibrio tonale tra i movimenti (h-minore nella I-esima e Mi-dur nella II-a) è anche un forte argomento a favore del fatto che la sinfonia non è stata concepita in anticipo come un 2 parti . Schubert, invece, ebbe abbastanza tempo per completare la sinfonia se lo volesse: in seguito all'"Incompiuto" realizzò un gran numero di opere, tra cui la 9a sinfonia in 4 voci. Ci sono altri argomenti a favore e contro. Nel frattempo, "Unfinished" è diventata una delle sinfonie di maggior repertorio, senza assolutamente dare l'impressione di un eufemismo. Il suo piano in due parti era pienamente realizzato.

L'eroe di "Unfinished" è capace di vivaci esplosioni di protesta, ma questa protesta non porta alla vittoria del principio di affermazione della vita. In termini di tensione del conflitto, questa sinfonia non è inferiore alle opere drammatiche di Beethoven, ma questo conflitto è di un piano diverso, è stato trasferito nella sfera lirico-psicologica. Questo è il dramma dell'esperienza, non dell'azione. La sua base non è la lotta di due principi opposti, ma la lotta all'interno della personalità stessa. Questa è la caratteristica più importante del sinfonismo romantico, il cui primo esempio è stata la sinfonia di Schubert.

CapitoloIII. Sinfonia in Russia

L'eredità sinfonica dei compositori russi - P.I. Ciajkovskij, A.P. Borodina, AG Glazunov, Scriabin, S.V. Rachmaninov. A partire dalla seconda metà del XIX secolo, le forme rigide della sinfonia iniziarono a sgretolarsi. Le sinfonie in quattro parti sono diventate opzionali: ci sono sia sinfonie in una parte (Myaskovsky, Kancheli, Boris Tchaikovsky), sia in undici parti (Shostakovich) e persino in ventiquattro (Khovaness). Sono apparsi finali lenti, impossibili nel sinfonia classica (Sesta Sinfonia di Ciajkovskij, Terza e Nona Sinfonia di Mahler). Dopo la nona sinfonia di Beethoven, i compositori iniziarono più spesso a introdurre parti vocali nelle sinfonie.

La seconda sinfonia di Alexander Porfiryevich Borodin (1833-1887) è uno degli apici del suo lavoro. Appartiene ai capolavori sinfonici del mondo per la sua luminosità, originalità, stile monolitico e realizzazione ingegnosa delle immagini dell'epopea popolare russa. In totale ha scritto tre sinfonie (la terza non è finita).

Alexander Konstantinovich Glazunov (1865-1936) - uno dei più grandi sinfonisti russi. Nel suo stile, le tradizioni creative di Glinka e Borodin, Balakirev e Rimsky-Korsakov, Tchaikovsky e Taneyev erano particolarmente spezzate. Era un collegamento tra i classici russi pre-ottobre e la giovane arte musicale sovietica.

3.1. Pyotr Il'ich Ciajkovskij (1840-1893)

La sinfonia in Russia è, prima di tutto, Ciajkovskij. La prima sinfonia "Winter Dreams" è stata la sua prima opera importante dopo il diploma al Conservatorio di San Pietroburgo. Questo evento, che oggi sembra così naturale, fu piuttosto straordinario nel 1866. La sinfonia russa - un ciclo orchestrale in più parti - era proprio all'inizio del suo viaggio. A questo punto, c'erano solo le prime sinfonie di Anton Grigorievich Rubinstein e la prima edizione della Prima Sinfonia di Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov, che non ha guadagnato fama. Čajkovskij percepiva il mondo in modo drammatico e la sua sinfonia - in contrasto con il sinfonismo epico di Borodin - è di natura lirico-drammatica, nettamente conflittuale.

Le sei sinfonie di Tchaikovsky e la sinfonia in programma "Manfred" sono mondi artistici diversi tra loro, si tratta di edifici costruiti secondo ogni progetto "individuale". Sebbene le "leggi" del genere, sorte e sviluppate sul suolo dell'Europa occidentale, siano osservate e interpretate con straordinaria maestria, il contenuto e il linguaggio delle sinfonie sono veramente nazionali. Pertanto, le canzoni popolari suonano in modo così organico nelle sinfonie di Čajkovskij.

3.2. Alexander Nikolaevich Scriabin (1872-1915)

Il sinfonismo di Scriabin si è formato sulla base della rifrazione creativa di varie tradizioni dei classici sinfonici del XIX secolo. Questa è, soprattutto, la tradizione del sinfonismo drammatico di Čajkovskij e in parte di Beethoven. Insieme a questo, il compositore ha anche implementato alcune caratteristiche del sinfonismo romantico programmatico di Liszt. Alcune caratteristiche dello stile orchestrale delle sinfonie di Scriabin lo collegano in parte a Wagner. Ma tutte queste varie fonti sono state profondamente elaborate da lui in modo indipendente. Tutte e tre le sinfonie sono strettamente collegate tra loro da un concetto ideologico comune. La sua essenza può essere definita come la lotta della personalità umana con le forze ostili che si frappongono all'instaurazione della libertà. Questa lotta si conclude invariabilmente con la vittoria dell'eroe e il trionfo della luce.

3.3. Dmitry Dmitrievich Shostakovich (1906-1975)

Shostakovich è un compositore e sinfonico. Se per Prokofiev, con tutta la diversità dei suoi interessi creativi, il più importante è il teatro musicale, per Shostakovich, al contrario, il genere principale è la sinfonia. È qui che le idee principali del suo lavoro trovano un'incarnazione profonda e completa. Il mondo delle sinfonie di Shostakovich è vasto. In essi vediamo l'intera vita dell'umanità nel 20° secolo con tutte le sue complessità, contraddizioni, guerre e conflitti sociali.

La settima sinfonia ("Leningrado") è una delle opere più significative del compositore. Lei è quadrupla. La sua scala è enorme: la sinfonia dura più di 70 minuti, di cui quasi la metà è occupata dal primo movimento. "Quello che diavolo può sconfiggere un popolo capace di creare musica come questa", scrisse uno dei giornali americani nel 1942. La settima sinfonia di Shostakovich può essere giustamente definita la "Sinfonia eroica" del 20° secolo.

3.4. Alfred Garrievich Schnittke (1934-1998)

Schnittke è un compositore, teorico musicale e insegnante sovietico e russo (autore di articoli su compositori russi e sovietici), una delle figure musicali più significative della seconda metà del 20° secolo, Onorato Operaio d'Arte della RSFSR. Schnittke è uno dei leader dell'avanguardia musicale. Nonostante la grande popolarità della musica di questo eccezionale compositore, le partiture di molte delle sue sinfonie non sono state ancora pubblicate e sono inaccessibili in Russia. Schnittke ha sollevato problemi filosofici nelle sue opere, il principale dei quali è l'uomo e l'ambiente. La prima sinfonia conteneva un intero caleidoscopio di vari stili, generi e direzioni musicali. Il punto di partenza per la creazione della Prima Sinfonia è stato l'equilibrio tra gli stili di musica seria e leggera. La seconda e la quarta sinfonia riflettono in gran parte la formazione dell'autocoscienza religiosa del compositore. Nella Seconda Sinfonia si ascolta un'antica messa. La terza sinfonia era il risultato del suo bisogno interiore di esprimere il suo atteggiamento verso la cultura tedesca, le radici tedesche della sua origine. Nella Terza Sinfonia, sotto forma di brevi frammenti, l'intera storia della musica tedesca passa davanti all'ascoltatore. Alfred Schnittke sognava di creare esattamente nove sinfonie, trasmettendo così una specie di inchino a Beethoven e Schubert, che scrissero lo stesso numero. Alfred Schnittke scrisse la Nona Sinfonia (1995-97) quando era già gravemente malato. Ha subito tre colpi e non si è mosso affatto. Il compositore non ha avuto il tempo di completare finalmente la partitura. Per la prima volta, la sua versione finale e orchestrale è stata eseguita da Gennady Rozhdestvensky, sotto la cui direzione si è svolta la prima esecuzione a Mosca il 19 giugno 1998. Una nuova versione editoriale della sinfonia è stata realizzata da Alexander Raskatov ed eseguita a Dresda il 16 giugno 2007.

Nella seconda metà del 20 ° secolo, la combinazione dei principi di vari generi in un'unica opera - sinfonica, corale, da camera, strumentale e vocale - ha guadagnato la massima popolarità. Ad esempio, nella Quattordicesima Sinfonia di Shostakovich, la sintesi della musica sinfonica, vocale da camera e strumentale; Le esibizioni corali di Gavrilin combinano le caratteristiche di un oratorio, una sinfonia, un ciclo vocale, un balletto e un'esibizione drammatica.

3.5. Mikhail Zhuravlev

Nel 21° secolo, ci sono molti compositori di talento che rendono omaggio alla sinfonia. Uno di questi è Mikhail Zhuravlev. Con il suo manifesto musicale e politico, il compositore si è audacemente allineato a figure della storia della musica come L. Beethoven, P. Tchaikovsky e D. Shostakovich. La decima sinfonia di M. Zhuravlev può già essere tranquillamente definita la "Sinfonia eroica del 21° secolo". Oltre agli aspetti etici generali di questa sinfonia, vanno segnalati anche quelli puramente professionali. L'autore non cerca l'innovazione per il bene dell'innovazione. A volte anche enfaticamente accademico, opponendosi risolutamente a tutti i decadenti e le avanguardie dell'arte. Ma è riuscito a dire una parola davvero nuova, la sua stessa parola nel genere sinfonico. Il compositore M. Zhuravlev usa i principi della forma sonata con straordinaria maestria, dimostrando ogni volta le sue infinite possibilità. Le parti combinate 3 e 4, infatti, rappresentano una sorta di “super-sonata”, in cui l'intera 4 parte può considerarsi cresciuta in una parte separata della coda. I ricercatori in futuro devono ancora affrontare questa straordinaria decisione compositiva.

Conclusione

Originariamente venivano chiamate sinfonie quelle opere che non rientravano nel quadro delle composizioni tradizionali - in termini di numero di parti, rapporto di tempo, combinazione di diversi magazzini - polifoniche (considerate dominanti nel XVII secolo) e omofoniche (con voce accompagnamento) che è apparso. Nel 17° secolo una sinfonia (che significava “consonanza, armonia, ricerca di nuovi suoni”) era chiamata tutti i tipi di composizioni musicali insolite, e nel 18° secolo le cosiddette sinfonie divertissement, che furono create per suonare lo spazio ai balli, vari eventi sociali, si diffusero. La sinfonia divenne una designazione di genere solo nel XVIII secolo. In termini di esecuzione, la sinfonia è giustamente considerata un genere molto complesso. Richiede una composizione enorme, la presenza di molti strumenti musicali rari, l'abilità dell'orchestra e dei cantanti (se si tratta di una sinfonia con testo), un'acustica eccellente. Come ogni genere musicale, la sinfonia ha le sue leggi. Quindi, la norma di una sinfonia classica è un ciclo in quattro parti, con una forma sonata (la più complessa) ai bordi, con parti lente e danzanti al centro della composizione. Questa struttura non è casuale. La sinfonia riflette i processi di relazione dell'uomo con il mondo: attivo - nella prima parte, sociale - nella quarta parte, contemplazione e gioco - nelle sezioni centrali del ciclo. Ai punti di svolta del suo sviluppo, la musica sinfonica ha cambiato regole stabili. E quei fenomeni nel campo dell'arte che dapprima provocarono shock, poi divennero familiari. Ad esempio, una sinfonia con voce e poesia è diventata non solo un incidente, ma una delle tendenze nello sviluppo del genere.

I compositori moderni oggi preferiscono i generi da camera alle forme sinfoniche, che non richiedono un numero così elevato di artisti. In questo genere di concerti vengono utilizzati anche fonogrammi con registrazione del rumore o qualche tipo di effetto elettronico-acustico. Il linguaggio musicale che si coltiva oggi nella musica moderna è molto sperimentale, esplorativo. Si ritiene che oggi scrivere musica per l'orchestra significhi metterla sul tavolo. Molti credono che il tempo della sinfonia come genere in cui lavorano i giovani compositori sia sicuramente finito. Ma è davvero così, questa domanda avrà una risposta nel tempo.

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1. "Sinfonia n. 5", Ludwig van Beethoven

Secondo la leggenda, Beethoven (1770-1827) non riuscì a inventare per molto tempo un'introduzione alla Sinfonia n. 5. Ma quando si sdraiò per fare un pisolino, sentì bussare alla porta e il ritmo di questa bussare è diventato un'introduzione a questo lavoro. È interessante notare che le prime note della sinfonia corrispondono al numero 5, o V in codice Morse.

2. O Fortuna, Carl Orff

Il compositore Carl Orff (1895-1982) è meglio conosciuto per questa drammatica cantata vocale. Si basa sul poema del XIII secolo "Carmina Burana". È uno dei brani classici più eseguiti in tutto il mondo.

3. Coro Alleluia, Georg Friedrich Handel

Georg Friedrich Handel (1685-1759) scrisse l'oratorio Messiah in 24 giorni. Molte melodie, tra cui "Hallelujah", furono successivamente prese in prestito da questo lavoro e iniziarono ad essere eseguite come opere indipendenti. Secondo la leggenda, Händel aveva nella testa la musica suonata dagli angeli. Il testo dell'oratorio è basato su storie bibliche, Handel rifletteva la vita, la morte e la risurrezione di Cristo.

4. Cavalcata delle Valchirie, Richard Wagner

Questa composizione è tratta dall'opera "Valkyrie", che fa parte della serie di opere "Ring of the Nibelungen" di Richard Wagner (1813-1883). L'opera "Valkyrie" è dedicata alla figlia del dio Odino. Wagner ha trascorso 26 anni a comporre quest'opera, e questa è solo la seconda parte di un grandioso capolavoro di quattro opere.

5. Toccata e fuga in re minore, Johann Sebastian Bach

Questa è probabilmente l'opera più famosa di Bach (1685-1750) ed è spesso usata nei film durante scene drammatiche.

6. Piccola musica notturna di Wolfgang Amadeus Mozart

Pubblicazioni sezione musica

Cinque grandi sinfonie di compositori russi

Nel mondo della musica esistono opere uniche, iconiche, con i suoni di cui è scritta la cronaca della vita musicale. Alcune di queste composizioni rappresentano una svolta rivoluzionaria nell'arte, altre si distinguono per un concetto complesso e profondo, altre stupiscono per una straordinaria storia della creazione, le quarte sono una sorta di presentazione dello stile del compositore e le quinte... sono così belli nella musica che è impossibile non citarli. A merito dell'arte musicale, ci sono molte di queste opere e, ad esempio, parliamo di cinque sinfonie russe selezionate, la cui unicità è difficile da sopravvalutare.

Seconda (eroica) sinfonia di Alexander Borodin (si bemolle minore, 1869–1876)

In Russia, nella seconda metà del XIX secolo, l'idea di una soluzione era maturata tra i compositori: era tempo di creare la propria sinfonia russa. A quel tempo, la sinfonia aveva celebrato il suo centenario in Europa, avendo attraversato tutte le fasi della catena evolutiva: dall'ouverture dell'opera, che ha lasciato il palco ed è stata eseguita separatamente dall'opera, a colossi come la Sinfonia n. 9 di Beethoven ( 1824) o Fantastic Symphony di Berlioz (1830). In Russia la moda per questo genere non ha preso piede: ci hanno provato una volta, due (Dmitry Bortnyansky - Concert Symphony, 1790; Alexander Alyabyev - sinfonie in mi minore, mi bemolle maggiore) - e hanno abbandonato questa idea per tornare ad esso decenni dopo nel lavoro di Anton Rubinstein, Mily Balakirev, Nikolai Rimsky-Korsakov, Alexander Borodin e altri.

I compositori citati hanno giudicato abbastanza correttamente, rendendosi conto che l'unica cosa di cui una sinfonia russa può vantarsi sullo sfondo dell'abbondanza europea è il suo colore nazionale. E Borodin non ha eguali in questo. La sua musica respira con la distesa di pianure sconfinate, l'abilità dei cavalieri russi, la sincerità delle canzoni popolari con la loro nota commovente e toccante. L'emblema della sinfonia è stato il tema principale del primo movimento, dopo aver sentito che l'amico e mentore del compositore, il musicologo Vladimir Stasov, ha suggerito due titoli: prima "Leonessa" e poi - più appropriato all'idea: "Bogatyrskaya".

A differenza delle tele sinfoniche dello stesso Beethoven o Berlioz, basate su passioni ed esperienze umane, la Bogatyr Symphony racconta il tempo, la storia e le persone. Non c'è dramma nella musica, non c'è conflitto pronunciato: assomiglia a una serie di immagini che cambiano dolcemente. E questo si riflette radicalmente nella struttura della sinfonia, dove il movimento lento, solitamente al secondo posto, e il vivace scherzo (tradizionalmente successivo) cambiano di posto, e il finale in forma generalizzata ripete le idee del primo movimento. Borodin in questo modo riuscì a ottenere il massimo contrasto nell'illustrazione musicale dell'epopea nazionale e il modello strutturale di Bogatyrskaya successivamente servì da modello per le sinfonie epiche di Glazunov, Myaskovsky e Prokofiev.

Sesta (patetica) Sinfonia di Pyotr Tchaikovsky (si minore, 1893)

Le testimonianze, le interpretazioni, i tentativi di spiegarne il contenuto sono talmente tante che l'intera caratterizzazione di quest'opera potrebbe consistere in citazioni. Eccone uno, da una lettera di Ciajkovskij al nipote Vladimir Davydov, a cui è dedicata la sinfonia: “Durante il viaggio mi è venuta l'idea di un'altra sinfonia, questa volta un programma, ma con un programma che rimarrà un mistero per tutti. Questo programma è il più intriso di soggettività, e spesso durante il peregrinare, componendolo mentalmente, ho pianto molto.. Qual è questo programma? Ciajkovskij lo ammette a sua cugina Anna Merkling, che ha suggerito che in questa sinfonia ha descritto la sua vita. "Sì, hai indovinato"- confermò il compositore.

All'inizio degli anni 1890, l'idea di scrivere memorie visitò ripetutamente Čajkovskij. A questo punto appartengono gli schizzi della sua sinfonia incompiuta chiamata "Life". A giudicare dalle bozze sopravvissute, il compositore ha pianificato di rappresentare alcune fasi astratte della vita: giovinezza, sete di attività, amore, delusione, morte. Tuttavia, il piano oggettivo di Čajkovskij non è stato sufficiente e il lavoro è stato interrotto, ma nella Sesta Sinfonia è già guidato da esperienze esclusivamente personali. Come deve aver sofferto l'anima del compositore per far nascere una musica con un potere di influenza così incredibile e sorprendente!

Il primo movimento lirico-tragico e il finale sono indissolubilmente legati all'immagine della morte (nello sviluppo del primo movimento viene citato il tema del canto spirituale "Dio riposa con i santi"), come ha testimoniato lo stesso Ciajkovskij, riferendosi a questo sinfonia in risposta alla proposta del granduca Konstantin Romanov di scrivere "Requiem". Ecco perché il luminoso intermezzo lirico (un valzer a cinque movimenti nella seconda parte) e lo scherzo solennemente trionfante sono percepiti in modo così acuto. Ci sono molte discussioni sul ruolo di quest'ultimo nel saggio. Sembra che Ciajkovskij abbia cercato di mostrare l'inutilità della gloria e della felicità terrene di fronte all'inevitabile perdita, confermando così il grande detto di Salomone: "Tutto passa. Anche questo deve passare".

Terza sinfonia ("Poesia divina") di Alexander Scriabin (do minore, 1904)

Se in una buia sera d'autunno ti capita di visitare la Casa-Museo di Alexander Scriabin a Mosca, sentirai sicuramente quell'atmosfera inquietante e misteriosa che ha circondato il compositore durante la sua vita. Una strana costruzione di lampadine colorate sul tavolo del soggiorno, volumi paffuti sulla filosofia e l'occulto dietro il vetro velato della porta della libreria e, infine, una camera da letto dall'aspetto ascetico, dove Scriabin, che aveva avuto paura di morire avvelenamento del sangue per tutta la vita, morì di sepsi. Un luogo cupo e misterioso che dimostra perfettamente la visione del mondo del compositore.

Non meno indicativo delle caratteristiche del pensiero di Scriabin è la sua Terza Sinfonia, che apre il cosiddetto periodo intermedio della creatività. In questo momento, Scriabin formula gradualmente le sue opinioni filosofiche, la cui essenza è che il mondo intero è il risultato della propria creatività e del proprio pensiero (solipsismo allo stadio estremo) e che la creazione del mondo e la creazione dell'arte sono, infatti, processi simili. Questi processi procedono come segue: dal caos primario del languore creativo, nascono due principi: attivo e passivo (maschile e femminile). Il primo porta l'energia divina, il secondo dà origine al mondo materiale con le sue bellezze naturali. L'interazione di questi principi crea l'eros cosmico, che porta all'estasi: il libero trionfo dello spirito.

Non importa quanto strano possa sembrare tutto quanto sopra, Scriabin credeva sinceramente in questo modello della Genesi, secondo il quale fu scritta la Terza Sinfonia. La sua prima parte è chiamata "Lotta" (la lotta di un uomo-schiavo, obbediente al Supremo Sovrano del mondo e un uomo-dio), la seconda - "Delizie" (una persona si arrende alle gioie del mondo sensuale , si dissolve in natura) e, infine, il terzo - "Gioco divino" (lo spirito liberato, "creando l'universo con il semplice potere della sua volontà creatrice", comprende "la gioia sublime della libera attività"). Ma la filosofia è filosofia, e la musica stessa è meravigliosa, rivelando tutte le possibilità timbriche di un'orchestra sinfonica.

La prima sinfonia (classica) di Sergei Prokofiev (re maggiore, 1916-1917)

Nel cortile del 1917, gli anni difficili della guerra, la rivoluzione. Sembrerebbe che l'arte debba accigliarsi cupamente e raccontare la piaga. Ma i pensieri tristi non sono per la musica di Prokofiev: solare, frizzante, giovane e affascinante. Questa è la sua prima sinfonia.

Il compositore era interessato al lavoro dei classici viennesi anche durante gli anni da studente. Ora, dalla sua penna, è uscito un saggio alla Haydn. “Mi sembrava che se Haydn fosse vissuto fino ai giorni nostri, avrebbe mantenuto il suo stile di scrittura e allo stesso tempo avrebbe preso qualcosa dal nuovo”, - Prokofiev ha commentato la sua prole.

Il compositore ha scelto una composizione modesta dell'orchestra, sempre nello spirito del classicismo viennese, senza ottoni pesanti. La trama e l'orchestrazione sono leggere, trasparenti, la scala dell'opera non è grande, la composizione si distingue per armonia e logica. In una parola, ricorda molto un'opera di classicità, nata per errore nel XX secolo. Tuttavia, ci sono anche emblemi puramente Prokofiev, ad esempio, il suo genere preferito di gavotte nel terzo movimento invece dello scherzo (in seguito il compositore usa questo materiale musicale nel balletto Romeo e Giulietta), così come un'acuta armonia "pepata" e l'abisso dell'umorismo musicale.

Settima (Leningrado) Sinfonia di Dmitri Shostakovich (Do maggiore, 1941)

Il 2 luglio 1942, un pilota ventenne, il tenente Litvinov, sfonda miracolosamente l'accerchiamento nemico, riesce a portare medicinali e quattro paffuti quaderni di musica con lo spartito della Settima Sinfonia di D.D. all'assedio di Leningrado. Shostakovich, e il giorno successivo apparve una breve nota su Leningradskaya Pravda: “La partitura della Settima Sinfonia di Dmitri Shostakovich è stata consegnata a Leningrado in aereo. La sua esibizione pubblica avrà luogo nella Sala Grande della Filarmonica..

Un evento che non ha eguali nella storia della musica: nella città assediata, musicisti terribilmente esausti (parteciparono tutti i sopravvissuti) sotto la direzione del direttore Carl Eliasberg eseguirono la nuova sinfonia di Shostakovich. Quella che il compositore compose nelle prime settimane del blocco, fino a quando lui e la sua famiglia furono evacuati a Kuibyshev (Samara). Il giorno della prima di Leningrado, il 9 agosto 1942, la Sala Grande della Società Filarmonica di Leningrado era piena fino a traboccare di residenti esausti della città con facce traslucide, ma allo stesso tempo con abiti eleganti e militari che arrivavano dritti dalla prima linea. Attraverso gli altoparlanti alla radio, la sinfonia è stata trasmessa per le strade. Quella sera, il mondo intero, congelato, ascoltò l'impresa senza precedenti dei musicisti.

... È degno di nota, ma il famoso tema nello spirito del Bolero di Ravel, che ora è solitamente personificato con l'esercito fascista che muove e distrugge senza cervello tutto ciò che incontra sul suo cammino, è stato scritto da Shostakovich anche prima dell'inizio della guerra. Tuttavia, è entrato in modo abbastanza naturale nella prima parte della Sinfonia di Leningrado, sostituendo il cosiddetto "episodio di invasione". Anche il finale affermativo della vita si è rivelato profetico, anticipando la tanto agognata Vittoria, dalla quale era ancora separato da così lunghi tre anni e mezzo ...

Mi ci è voluto molto tempo per capire come dargli un nome. La prima cosa che mi è venuta in mente è stata naturalmente "20 delle mie sinfonie preferite". Ma guardando i venti risultanti, mi sono reso conto che non tutte queste sinfonie che amo al momento e ci sono sinfonie che non sono incluse in questa lista, che amo di più. La variante successiva del titolo era "20 sinfonie che più mi hanno influenzato". Ci ho pensato e ho capito che anche questo non è vero, dal momento che alcune di queste sinfonie non hanno influenzato affatto la mia visione del mondo, né i miei gusti musicali, né il mio stile di composizione. E ho deciso di fermarmi a un nome diverso, riflettendo quanto fosse significativo il posto che questa o quella sinfonia occupava nella mia vita...

20 sinfonie più significative per me.
(in ordine cronologico, prima straniero, poi russo e moderno)