Δυτική Ευρωπαϊκή Μουσική Πολιτισμό της Αναγέννησης. Αναφορά: Μουσική της Αναγέννησης

Στείλτε την καλή δουλειά σας στη βάση γνώσεων είναι απλή. Χρησιμοποιήστε την παρακάτω φόρμα

Οι μαθητές, οι μεταπτυχιακοί φοιτητές, οι νέοι επιστήμονες που χρησιμοποιούν τη βάση γνώσεων στις σπουδές τους και τις εργασίες τους θα είναι πολύ ευγνώμονες σε εσάς.

Δημοσιεύτηκε στη διεύθυνση http://www.allbest.ru/

Εισαγωγή

1.2 Γαλλία

1.3 Ιταλία

1.3.2 Ενετικό σχολείο

1.4 Αγγλία

1.5 Γερμανία

1.6 Ισπανία

2. Μουσική αισθητική

2.4 Mesetzinger και την τέχνη τους

συμπέρασμα

Βιβλιογραφία

Εισαγωγή

Αναγέννηση ή Αναγέννηση (Αναγέννηση), - ένα σημείο καμπής στην ιστορία της κουλτούρας των ευρωπαϊκών λαών. Ο προσδιορισμός του κόσμου της Αναγέννησης, σε αντίθεση με τον μεσαιωνικό θεακερισμό (η φιλοσοφική ιδέα, η οποία βασίζεται στην κατανόηση του Θεού, ως απόλυτη, τέλεια, η υψηλότερη, η πηγή της ζωής και οποιουδήποτε καλού) και ασκητισμός, έγινε ανθρωπισμός ( από το lat. humanus - "άνθρωπος", "humane"). Η ατομική αξία του ανθρώπινου προσώπου ορίστηκε για το προσκήνιο, το ενδιαφέρον για την ευαισθητοποίηση του γύρω κόσμου και η ρεαλιστική αντανάκλαση της πραγματικότητας αυξήθηκε. Το ιδανικό ενός αρμονικού ανθρώπου αναζητούσε αρχαιότητα, και η αρχαία ελληνική και ρωμαϊκή τέχνη χρησίμευσε ως πρότυπο για καλλιτεχνική δημιουργικότητα. Η επιθυμία να "αναβιώσει" τον αρχαίο πολιτισμό και έδωσε το όνομα αυτής της εποχής, την περίοδο μεταξύ της μεσαιωνικής και της νέας εποχής (από τη μέση του XVII αιώνα μέχρι σήμερα).

Το πρώτο μισό του XV αιώνα χαρακτηρίζεται ως η αρχή της αναβάτης στη μουσική. Αυτή τη στιγμή, σχηματίζεται η αναγεννησιακή ιδανική αρμονία και ομορφιά, σχηματίζονται οι κανόνες του λεγόμενου αυστηρού στυλ. Σε αντίθεση με τους άλλους τύπους τέχνης, τα κύρια ιδανικά και κριτήρια της αναβιαστικής μουσικής δεν ήταν τα ιδανικά της αρχαιότητας, καθώς τα μουσικά αρχεία της αρχαίας Ελλάδας και της αρχαίας Ρώμης από τον XIII-XVI αιώνα. δεν έχουν ακόμη αποκρυπτογραφηθεί και αναλύονται πλήρως. Επομένως, τα πιο συχνά τα βασικά στοιχεία των μουσικών έργων αυτής της εποχής ήταν ποιητικά, λογοτεχνικά έργα αρχαιότητας. Έτσι, για παράδειγμα, μέχρι το τέλος του XVI αιώνα. Όπερα Έργα κατέληξε στους κανόνες της αρχαιότητας. Στη μουσική, όπως και σε άλλους τύπους τέχνης, η τάση προς την εικόνα της ποικιλομορφίας του κόσμου αυξάνεται και η ιδέα της ποικιλομορφίας συνδυάζεται με την επιθυμία για αρμονία και την αναλογικότητα όλων των στοιχείων του συνόλου. Υπάρχει μια επανεξέταση της κοινωνικής κατάστασης της μουσικής - εμφανίζεται ένα δημοκρατικό κοινό, η ερασιτεχνική μουσική εφαρμόζεται ευρέως - η εκτέλεση των έργων δεν είναι μόνο γνωστός συνθέτες, αλλά και ένα προσωπικό δοκίμιο. Έτσι, ήταν στην εποχή της αναγέννησης ότι οι προϋποθέσεις για την ακμή του νοικοκυριού και της επαγγελματικής κοσμικής μουσικής δημιουργικότητας, που φορούσαν τη φύση της επιβεβαίωσης της ζωής, τη χαρά της ζωής, του ανθρωπισμού και τις φωτεινές εικόνες.

Ταυτόχρονα, υπήρχαν αλλαγές στη μουσική επιστολή: το ιταλικό κινητό κινητό κινητό κινητό κινητό κινητό κινητό κινητό κινητό κινητό κινητό κινητό κινητό κινητό κινητό κινητό metal lisers ήρθε να αντικαταστήσει τα βαριά ξύλινα τυπωμένα μπλοκ. Δημοσιευμένα μουσικά έργα γρήγορα αγόρασαν, όλο και περισσότεροι άνθρωποι άρχισαν να ενταχθούν στη μουσική.

Τα μουσικά έργα αυτής της περιόδου διακρίνονταν από το μεγάλο μέρος, το τραγούδι, το οποίο ήταν εγγενές στη λαϊκή μουσική. Ένας ορισμένος αριθμός τραγουδιών γράφτηκε στους ντόπιους και όχι στα λατινικά.

Τα κύρια χαρακτηριστικά της μουσικής ήταν μελωδικότητα και ένα ορισμένο ρυθμό, το οποίο διέφερε περισσότερη ευελιξία, έκφραση και όχι στην εποχή του Μεσαίωνα. Η εμφάνιση της πολυφωνικής εξηγείται κυρίως από το γεγονός ότι ο μουσικός, ο συνθέτης, ο ερμηνευτής, ο τραγουδιστής είχε μουσική ελευθερία δράσης, εξέφρασε την ψυχή τους στα τραγούδια, μια συναισθηματική στάση, το δικαίωμα να ερμηνεύσει, να εφεύρουν τις παραλλαγές τους σύμφωνα με τα συναισθήματα και τις μεταβολές τους εσωτερική κατάσταση.

Σημαντικό σε αυτή την εποχή είχε την κατανομή και έγκριση του μεγάλου Lada (ελαφρύτερο, χαρούμενο, που ονομάζεται σε σύγκριση με την μικρή, λυπημένη, λυπημένη, λυπημένη), ειδικά στους XV-XVI αιώνες.

Η ειδική ανάπτυξη έχει λάβει ένα τραγούδι κάτω από την συνοδεία του λαούτου ή της εκτελέσιμης πολλαπλής φωνής.

Στην εποχή της Αναγέννησης, αναπτύχθηκε η ανάπτυξη της οργάνωσης μουσικής. Συχνά συνδυάζουν διάφορα εργαλεία σε ένα θέμα. Ταυτόχρονα, οι μορφές χορού και οι μελωδίες διατηρήθηκαν και βελτιώθηκαν, οι οποίες ενωμένοι σε σουίτα. Τα πρώτα όργανα έργα που φέρουν ανεξάρτητο χαρακτήρα, παραλλαγές, προσφορές, φαντασιώσεις.

Εκτός από την αρχιτεκτονική, τη γλυπτική, τη ζωγραφική, η μουσική τέχνη της Αναγέννησης διακρίθηκε από ένα κοσμικό χαρακτήρα και στον αιώνα XIV-XVI. Αναφέρεται το σχηματισμό των εθνικών μουσικών σχολείων.

1. Μουσική κουλτούρα της Αναγέννησης

Η Renaissance Art Culture είναι μια προσωπική αρχή με μια υποστήριξη για την επιστήμη. Η ασυνήθιστα πολύπλοκη ικανότητα των πολυφωνικών των αιώνων XV-XVI, η τεχνική του Virtuoso έχει μαζί με τη φωτεινή τέχνη των οικιακών χορών, την πολυπλοκότητα των κοσμικών ειδών. Μια αυξανόμενη έκφραση στα έργα λαμβάνεται από το λυρικό δράμα. Επιπλέον, είναι φωτεινότερα από την προσωπικότητα του συγγραφέα, η δημιουργική ατομικότητα του καλλιτέχνη (αυτό είναι χαρακτηριστικό όχι μόνο για τη μουσική τέχνη), η οποία μας επιτρέπει να μιλάμε για εξανθρωπισμό ως ηγετική αρχή της αναγεννησιακής τέχνης. Ταυτόχρονα, η εκκλησιαστική μουσική, που αντιπροσωπεύεται από τέτοια μεγάλα είδη, ως μαζική και μοτοσικλέτα, εξακολουθεί να είναι μια «γοτθική» γραμμή στην τέχνη της αναγέννησης, κατευθύνεται, πρώτα απ 'όλα, για να αναδημιουργήσει την ήδη υπάρχουσα Canon και μέσω του για το δοξασία του θεϊκού.

Μέχρι τον αιώνα, η λεγόμενη «αυστηρή επιστολή» πολυφωνία, οι κανόνες (κανόνες ψήφου, σχηματισμού κ.λπ.) καταγράφηκαν σε θεωρητικές πραγματικές πραγματίες εκείνης της εποχής και ήταν ένας αμετάβλητος νόμος για τη δημιουργία της εκκλησιαστικής μουσικής. Οι συνθέτες συνέστησαν τις θέσεις τους χρησιμοποιώντας τις δανεισμένες μελωδίες ως τον κύριο θεματισμό (Gregorian χορωδιακές και άλλες κανονικές πηγές, καθώς και μουσική οικιακής χρήσης των ανθρώπων) - το λεγόμενο Cantus Firmus, ενώ παράλληλα έδωσε τεράστια σημασία στην τεχνική των πολυφωνικών γραμμάτων, συγκρότημα, μερικές φορές εξελιγμένο αντίθετο σημείο. Ταυτόχρονα, υπήρξε μια συνεχής διαδικασία ενημέρωσης και υπέρβασης των καθιερωμένων κανόνων, σε σχέση με την οποία τα κοσμικά είδη είναι σταδιακά σημαντικά σημαντικά.

Επομένως, όπως μπορείτε να δείτε ότι η περίοδος της Αναγέννησης είναι μια δύσκολη περίοδος στην ιστορία της ανάπτυξης της μουσικής τέχνης, κρίνεται εύλογο να το εξεταστεί λεπτομερέστερα, εφόσον δίδεται η δέσμευση των μεμονωμένων ατόμων και των χωρών.

1.1 ολλανδική πολυφωνική σχολή

Οι Κάτω Χώρες - η ιστορική περιοχή στα βορειοδυτικά της Ευρώπης (το έδαφός τους κάλυψε την τρέχουσα βορειοανατολική Γαλλία, Νοτιοδυτική Ολλανδία, Βέλγιο, Λουξεμβούργο). Στο XV αιώνα Οι Κάτω Χώρες έφτασαν σε ένα υψηλό οικονομικό και πολιτιστικό επίπεδο και μετατράπηκαν σε μια ευημερούσα ευρωπαϊκή χώρα με ευρύτερους δεσμούς συναλλαγών. Η ένταση της οικονομικής ανάπτυξης της χώρας προκλήθηκε από την άνθηση της επιστήμης, του πολιτισμού, των τεχνών στις Κάτω Χώρες. Μαζί με τα λαμπρά επιτεύγματα της ζωγραφικής, η μουσική έχει επιτύχει τεράστια επιτυχία. Η επαγγελματική συνθετική δημιουργικότητα στις Κάτω Χώρες αναπτύχθηκε σε στενή σχέση με τη λαογραφία, η οποία είχε μακροχρόνιες, πλούσιες παραδόσεις. Ήταν εδώ που σχηματίστηκε η ολλανδική πολυφωνική σχολή - ένα από τα μεγαλύτερα φαινόμενα της αναβιαστικής μουσικής. Η προέλευση της ολλανδικής πολυφωνίας μπορεί να βρεθεί στα αγγλικά, γαλλικά, γερμανικά και ιταλικά αισθήματα. Ταυτόχρονα, η Ολλανδία συνοψίζει την εμπειρία πολλών εθνικών σχολείων και δημιούργησε ένα αρχικό πολυφωνικό στυλ φωνητικού χορωδίου, το οποίο έγινε ένα σημαντικό στάδιο στην ανάπτυξη αυστηρής επιστολής. Επίσης, εφευρέθηκε απομίμηση - επανάληψη της μελωδίας σε κάποια ψηφοφορία αμέσως μετά από άλλη φωνή. (Αργότερα, κατά τη διάρκεια του Bach, η απομίμηση θα είναι η βάση της ίδρυσης της υψηλότερης μορφής πολυφωνίας.) Ολλανδία η ίδια μεταχειρισμένη μίμηση στους κανόνες των 15-16 αιώνων. Στην τέχνη της δημιουργίας τέτοιων κανόνων, ο ολλανδός βιρτουόζος έδειξε μεγάλη εφευρετικότητα και τεχνική φαντασία. Ο συνθέτης εγγράφεται στις σημειώσεις: "Κρίκη χωρίς διακοπή." Αυτό σήμαινε ότι το παιχνίδι μπορεί να εκτελεστεί με παρακάμπτοντας όλες τις παύσεις. "Γυρίστε τη νύχτα νύχτας" - οι εκτελεστές θα πρέπει να μαντέψουν ότι οι μαύρες σημειώσεις μπορούν να διαβαστούν ως λευκό και αντίστροφα. Ένα παιχνίδι θα ακούγεται εξίσου καλά σε μια κανονική εγγραφή και στο μετασχηματισμένο. Ο συνθέτης OKHEM συνέθεσε 36-Voice Canon - ένας μουσικός ουρανοξύστης τεσσάρων εννέα μαλλιά.

Ένας εξαιρετικός εκπρόσωπος και ένας από τους Rhodeschalters του Ολλανδικού Σχολείου - Οδηγός Dufay (1400-1474) (Dufay) (περίπου 1400 - 11/27/1474), Franco Flemish συνθέτης. Αυτός ήταν ο οποίος έθεσε τα θεμέλια μιας πολυφωνικής παράδοσης στην ολλανδική μουσική (περίπου 1400 - 1474). Ο Guillaume Dufai γεννήθηκε στην πόλη Cambra στη Φλάνδρα (επαρχία στα νότια των Κάτω Χωρών) και ήδη τραγούδησε στην εκκλησία χορωδία από τα μικρά χρόνια. Παράλληλα, ο μελλοντικός μουσικός έλαβε ιδιωτικά μαθήματα σύνθεσης. Στο νεανικό ηλικιακό Dufai πήγε στην Ιταλία, όπου έγραψε τα πρώτα δοκίμια - μπαλάντες και μοτοσικλέτες. Το 1428-1437 Υπηρέτησε ως τραγουδιστής σε ένα παπικό παρεκκλήσι στη Ρώμη. Τα ίδια χρόνια ταξίδεψε στην Ιταλία και τη Γαλλία. Το 1437, ο συνθέτης δέχτηκε το πνευματικό Σαν. Στην αυλή του Duke of Savoy (1437-1439), συνέθεσε μουσική για επίσημες τελετές και διακοπές. Ο Dufai απολάμβανε μεγάλο σεβασμό για ευγενή άτομα - μεταξύ των θαυμαστών του ήταν, για παράδειγμα, Cheta Medici (κυβερνήτης της ιταλικής πόλης της Φλωρεντίας). Από το 1445 Kanonik και το κεφάλι της μουσικής δραστηριότητας του καθεδρικού ναού στο Cambra. Master of Spiritual (3-, 4-Voice Masses, Motges), καθώς και κοσμική

(3-, 4-φωνή γαλλικά chanson, ιταλικά τραγούδια, μπαλάντες, rondo) είδη που σχετίζονται με τη δημοφιλή πολυφωνική και ανθρωπιστική κουλτούρα της αναβιαστικής. Η τέχνη του Dufai, η οποία απορρόφησε τα επιτεύγματα της ευρωπαϊκής μουσικής τέχνης, είχε μεγάλη επιρροή στην περαιτέρω ανάπτυξη της ευρωπαϊκής πολυφωνικής μουσικής. Υπήρξε επίσης ένας μεταρρυθμιστής μιας μουσικής επιστολής (Dufai που αποδίδεται στην εισαγωγή σημειώσεων με λευκές κεφαλές). Τα πλήρη συλλεχθέντα έργα του Dufai που δημοσιεύθηκε στη Ρώμη (6 TT., 1951-66). Ο Dufai πρώτος μεταξύ των συνθέσεων άρχισε να συνθέτει μάζα ως σύνολο μουσικής σύνθεσης. Για να δημιουργήσετε εκκλησιαστική μουσική, απαιτείται ένα εξαιρετικό ταλέντο: η δεξιότητα με το συγκεκριμένο, το υλικό σημαίνει να εκφράζουν αποσπασματικές, άυλες έννοιες. Η δυσκολία είναι ότι ένα τέτοιο δοκίμιο, αφενός, δεν άφησε τον ακροατή αδιάφορο, και από την άλλη πλευρά, δεν αποσπά την προσοχή από τη λατρεία, βοήθησε να επικεντρωθεί στην προσευχή. Πολλές μάζες Duza εμπνέονται, γεμάτες εσωτερική ζωή. Φαίνονται να βοηθούν το MIG να ανοίξει το πέπλο της Θείας Αποκάλυψης.

Συχνά, η δημιουργία μάζας, ο Dufai πήρε μια γνωστή μελωδία, στην οποία πρόσθεσε το δικό του. Αυτά τα δάνεια είναι χαρακτηριστικά της Αναγέννησης. Θεωρήθηκε πολύ σημαντικό ότι η μάζα βασίστηκε σε μια γνωστή μελωδία, η οποία θα μπορούσε εύκολα να αναγνωριστεί ακόμη και σε ένα πολυφωνικό έργο. Συχνά χρησιμοποίησε το κομμάτι του Gregorian Chanting. Τα κοσμικά έργα δεν αποκλείστηκαν. Εκτός από την εκκλησιαστική μουσική, ο Dufai συνέθεσε Minges σε κοσμικά κείμενα. Σε αυτά, εφάρμοσε επίσης μια πολύπλοκη πολυφωνική τεχνική.

Εκπρόσωπος της ολλανδικής πολυφωνικής σχολής του δεύτερου μισού του αιώνα του XV. Υπήρξε ένα gosqued δροσιά (περίπου 1440-1521 ή 1524), το οποίο είχε μεγάλη επιρροή στο έργο των συνθέσεων επόμενης γενιάς. Στη νεολαία του, εξυπηρετούσε τους τραγουδιστές της εκκλησίας στην Cambray, πήρε μουσικά μαθήματα από το Okemem. Στην ηλικία των είκοσι ετών, ο νεαρός μουσικός έφτασε στην Ιταλία, τραγούδησε στο Μιλάνο στους δούκτες της Sforza και στο Παπικό παρεκκλήσι στη Ρώμη. Στην Ιταλία, η Depe, πιθανότατα άρχισε να συνθέτει μουσική. Στην αρχή του αιώνα XVI. Μετακόμισε στο Παρίσι. Μέχρι αυτή τη στιγμή, η Delera ήταν ήδη γνωστή και προσκλήθηκε στη θέση ενός μουσικού δικαστηρίου γαλλικού βασιλιά Louis XII. Από το 1503, η Delena εγκαταστάθηκε και πάλι στην Ιταλία, στην πόλη της Ferrara, με το δικαστήριο του Δούκα

d "este. Η ένωση της δροσιάς, και η μουσική του κέρδισε γρήγορα αναγνώριση στους ευρύτερους κύκλους: αγαπούσε και γνώριζε και ένας απλός άνθρωπος. Ο συνθέτης δημιούργησε όχι μόνο την εκκλησία, αλλά και κοσμική. Ειδικότερα, γύρισε στο Είδος μουσικής του ιταλικού λαϊκού τραγουδιού - Frottol (. Frottola, από τη Frotta - "Πλήθος"), για την οποία χαρακτηρίζεται ένας ρυθμός χορού και γρήγορος ρυθμός. Στην εκκλησιαστική μουσική, η δροσιά έφερε τα χαρακτηριστικά των κοσμικών έργων: φρέσκια, ζωντανή ένδειξη παραβίασης επέκταση και προκάλεσε την αίσθηση της χαράς και της πληρότητας της ύπαρξης. Ωστόσο, η αίσθηση του μέτρου που ποτέ δεν άλλαξε ο συνθέτης. Η πολυφωνική τεχνική βάθους δεν διακρίνεται από την πολυπλοκότητα. Τα έργα του είναι κομψά απλά, αλλά αισθάνονται την ισχυρή διάνοια του συγγραφέα. Αυτό είναι το μυστικό της δημοτικότητας των δημιουργιών του.

Οι Junior Consumpororays Gioma Dufai ήταν Johannes (Jean) βγήκαν (περίπου 1425-1497) και Jacob Obrecht. Όπως το Dufai, πήγε από τη Φλάνδρα. Όλη τη ζωή του εργάστηκε επιμελώς. Εκτός από τη γραφή της μουσικής, πραγματοποίησε τις ευθύνες του επικεφαλής του παρεκκλησίου. Ο συνθέτης δημιούργησε δεκαπέντε μπράπες, δεκατρία κάμερα, περισσότερο από είκοσι chanson. Για έργα Okemem, χαρακτηρίζουμε από αυστηρότητα, συγκέντρωση, μακροχρόνια ανάπτυξη ομαλών μελωδικών γραμμών. Έδωσε μεγάλη προσοχή στην πολυφωνική τεχνική, ζητούσε όλα τα μέρη της μάζας που αντιλαμβάνονται στο σύνολό τους. Το δημιουργικό χέρι που γράφει τον συνθέτη μαντεύεται στα τραγούδια του - σχεδόν στερούνται μιας κοσμικής ελαφρότητας, περισσότερο σαν minges, και μερικές φορές θραύσματα του Messe. Ο Johannes Okhevyz χρησιμοποίησε τίμημα τόσο στην πατρίδα του όσο και στο εξωτερικό (διορίστηκε σύμβουλος του βασιλιά της Γαλλίας). Ο Jacob Orecht τραγουδούσε στους καθεδρικούς ναούς των διαφόρων πόλεων των Κάτω Χωρών, τα εποπτευόμενα παρεκκλήσια. Αρκετά χρόνια που σερβίρονται στο δικαστήριο του Duke d "Este στο Ferraré (Ιταλία). Είναι συγγραφέας των είκοσι πέντε Mesz, είκοσι μοτέρ, τριάντα chanson. Χρησιμοποιώντας τα επιτεύγματα των προκατόχων, ο Obrecht έκανε πολλά νέα σε μια πολυφωνική παράδοση . Η μουσική του είναι γεμάτη αντιθέσεις, τολμούν, ακόμη και όταν ο συνθέτης αντλεί τα παραδοσιακά είδη της εκκλησίας.

Το πολύπλευρο και το βάθος της δημιουργικότητας Ορλάντο Lasso. Ολοκληρώνει την ιστορία της ολλανδικής μουσικής Αναγέννησης Ορλάντο Lasso (πραγματικό όνομα και το επώνυμο Roland de Lasso, περίπου 1532-1594), που ονομάζεται συγχρόνως "βελγικά ορχιδέα" και "πρίγκιπας μουσικής". Ο Lasso γεννήθηκε στην πόλη του Mons (Φλάνδρα). Από το στολίδι, τραγούδησε στην εκκλησιαστική χορωδία, χτυπώντας τις ενορίες υπέροχη φωνή. Η Γκόνταγκα, ο δούκας της ιταλικής πόλης της Μάντουας, ακούγοντας τυχαία τον νεαρό τραγουδιστή, τον κάλεσε στο δικό του παρεκκλήσι. Αφού η Mantua Lasso εργάστηκε για μικρό χρονικό διάστημα στη Νάπολη και στη συνέχεια μετακόμισε στη Ρώμη - εκεί έλαβε τον τόπο του επικεφαλής του παρεκκλησίου ενός από τους καθεδρικούς ναούς. Μέχρι είκοσι πέντε χρόνια, ο Lasso ήταν ήδη γνωστός ως συνθέτης και τα γραπτά του ήταν σε ζήτηση για αμαξοστοιχίες. Το 1555 βγήκε η πρώτη συλλογή έργων που περιέχουν motges, Madrigals και Chanson. Ο Lasso σπούδασε το καλύτερο που δημιουργήθηκε από τους προκάτοχους του (ολλανδούς, γαλλικούς, γερμανούς και ιταλούς συνθέτες), και χρησιμοποίησε την εμπειρία τους στο έργο τους. Όντας μια εξαιρετική προσωπικότητα, ο Lasso προσπάθησε να ξεπεράσει την αποσπασματική φύση της εκκλησιαστικής μουσικής, να δώσει την ατομικότητά της. Για το σκοπό αυτό, ο συνθέτης χρησιμοποίησε μερικές φορές τα εσωτερικά-εγχώρια μοτίβα (θέματα λαϊκών τραγουδιών, χορούς), επομένως, μια κατά προσέγγιση εκκλησία και κοσμικές παραδόσεις. Η πολυπλοκότητα των πολυφωνικών τεχνικών συνδυάστηκε με το Lasso με μεγάλη συναισθηματικότητα. Ήταν ιδιαίτερα σε θέση να Madrigalls, στα κείμενα των οποίων η ψυχική κατάσταση των δράσεων, για παράδειγμα, τα δάκρυα του Αγίου Πέτρου »(1593) στα ποιήματα του ιταλικού ποιητή Luigi Transillo. Ο συνθέτης συχνά έγραψε για ένα μεγάλο Αριθμός ψήφων (πέντε έως επτά), οπότε τα έργα του είναι δύσκολα για την εκτέλεση. Από το 1556, ο Ορλάντο Λάσσο έζησε στο Μόναχο (Γερμανία), όπου έπεσε στο παρεκκλήσι. Μέχρι το τέλος της ζωής του, ήταν η εξουσία του σε μουσικούς και καλλιτεχνικούς κύκλους του σε μουσικούς και καλλιτεχνικούς κύκλους ήταν Πολύ υψηλή, και η δόξα εξαπλώθηκε σε ολόκληρη την Ευρώπη.

Η ολλανδική πολυφωνική σχολή είχε μεγάλη επιρροή στην ανάπτυξη του μουσικού πολιτισμού της Ευρώπης. Οι αρχές των πολυφωνιών που αναπτύσσονται από τους ολλανδούς συνθέτες έγιναν καθολικά και πολλές καλλιτεχνικές τεχνικές χρησιμοποιούσαν συνθέτες στη δουλειά τους ήδη XX αιώνες.

1.2 Γαλλία

Για τη Γαλλία, ο αιωνός XV-XVI έγινε εποχή σημαντικών αλλαγών: την εκατονταετηρία του πολέμου (1337-1453) με την Αγγλία, μέχρι το τέλος του αιώνα XV. Η κρατική ένωση ολοκληρώθηκε. Στον XVI αιώνα, η χώρα επέζησε θρησκευτικούς πολέμους μεταξύ Καθολικών και Προτεσταντών. Σε μια ισχυρή κατάσταση με μια απόλυτη μοναρχία, ο ρόλος των εορτασμών του δικαστηρίου και των λαϊκών φεστιβάλ έχει αυξηθεί. Αυτό συνέβαλε στην ανάπτυξη της τέχνης, ιδίως της μουσικής, συνοδεύει τέτοιες ενέργειες. Ο αριθμός των φωνητικών και οργάνων σύνολο (παρεκκλήσι και συντομεύσεις), αποτελούνταν από σημαντικό αριθμό ερμηνευτών. Κατά τη διάρκεια στρατιωτικών εκδρομών στην Ιταλία, οι Γάλλοι εξοικίωσαν τα επιτεύγματα της ιταλικής κουλτούρας. Έχουν αισθανθεί βαθιά και αντιλαμβάνονται τις ιδέες της ιταλικής αναβάτης - ανθρωπισμός, η επιθυμία για αρμονία με τον κόσμο γύρω, να απολαύσουν τη ζωή.

Εάν στην Ιταλία, η μουσική αναγεννησιακή αναγέννηση συνδέεται κυρίως με τη Μέσια, τότε οι γάλλοι συνθέτες, μαζί με την εκκλησιαστική μουσική, έδωσε ιδιαίτερη προσοχή σε ένα κοσμικό πολυφωνικό τραγούδι - Chanson. Το ενδιαφέρον για τη Γαλλία εμφανίστηκε στο πρώτο μισό του XVI αιώνα, όταν απελευθερώθηκε η συλλογή των μουσικών τόπων του ZAEquen (περίπου 1485-1558). Αυτός ο συνθέτης θεωρείται ένας από τους δημιουργούς του είδους.

Ως παιδί, Zainen τραγούδησε στην χορωδία της εκκλησίας στην πατρίδα της Chatelleral (Κεντρική Γαλλία). Στο μέλλον, σύμφωνα με τους ιστορικούς της μουσικής, σπούδασε στον Κάτω Χώρο Master of Zoshen Dew ή από έναν συνθέτη από το περιβάλλον του. Έχοντας λάβει έναν San Priest, Zainen εργάστηκε ως αντιβασιλέας (επικεφαλής της χορωδίας) και ενός οργανισμού. Τότε προσκλήθηκε στον Δούκα Giz. Το 1555, ο μουσικός έγινε ο τραγουδιστής του Βασιλικού παρεκκλησίου και το 1556-1557. - συνθέτης βασιλικού δικαστηρίου.

Ο Clemen Zanecen δημιούργησε διακόσια ογδόντα chanson (που δημοσιεύθηκε μεταξύ 1530 και 1572). Έγραψε την εκκλησιαστική μουσική - μάζα, motettes, ψαλμούς. Τα τραγούδια του ήταν συχνά ο γραφικός χαρακτήρας. Πριν το στοχαστικό βλέμμα του ακροατή, ζωγραφιές από τη μάχη ("μάχη του Marignano", "Μάχη ενοικίου"), σκηνές κυνήγι ("κυνήγι"), εικόνες της φύσης ("τραγούδι πουλιών", "Nightingale"), οικιακές σκηνές ("Γυναικεία Chatter"). Ένας εντυπωσιακά λαμπερός συνθέτης κατάφερε να μεταφέρει την ατμόσφαιρα της καθημερινής ζωής του Παρισιού στο Chanson "Creek Paris": έκανε στο κείμενο των πωλητών των πωλητών. Το Dequen σχεδόν δεν χρησιμοποίησε μακρά και ομαλά θέματα για μεμονωμένες φωνές και πολύπλοκες πολυφωνικές τεχνικές, δίνοντας προτίμηση σε κλήσεις, επαναλάβετε, ανάλυση ήχου.

Μια άλλη κατεύθυνση της γαλλικής μουσικής συνδέεται με το πανευρωπαϊκό κίνημα της αναμόρφωσης. Στις εκκλησιαστικές υπηρεσίες, οι γάλλοι προτεστάντες (Huguenotes) αρνήθηκαν τα λατινικά και πολυφωνία. Η πνευματική μουσική απέκτησε πιο ανοιχτό, δημοκρατικό χαρακτήρα. Ένας από τους φωτεινούς εκπροσώπους αυτής της μουσικής παράδοσης ήταν ο Claude Gudimel (μεταξύ 1514 και 1520-1572) - ο συγγραφέας των Ψαλμών στα βιβλικά κείμενα και τους προτεσταντικούς χρωστικές.

Ένα από τα κύρια μουσικά είδη της Γαλλικής Αναγέννησης είναι το Chanson (FR. Chanson - "τραγούδι"). Η προέλευση του - στη λαϊκή τέχνη (τα τεμάχια ποιήματα των επικών ιστοριών μετατοπίστηκαν στη μουσική), στην τέχνη των μεσαιωνικών σωληνών και σωλήνων. Με το περιεχόμενο και τη διάθεση, ο Chanson θα μπορούσε να είναι ο πιο διαφορετικός - υπήρχαν τραγούδια αγάπης, νοικοκυριό, ταχέως, σατιρικά κ.λπ. ως κείμενα, οι συνθέτες πήραν τα λαϊκά ποιήματα, τη σύγχρονη ποίηση.

1.3 Ιταλία

Με την εμφάνιση της Αναγέννησης στην Ιταλία, εξαπλώθηκε νοικοκυριό σε διάφορα εργαλεία. Υπήρχαν κούπες λάτρεις της μουσικής. Νέες μορφές μουσικής και δημόσιας ζωής Εμφανίζονται - Μουσικές Ακαδημίες και Επαγγελματικά Μουσικά Εκπαιδευτικά Ιδρύματα του νέου τύπου - Ωδείο. Στην επαγγελματική περιοχή, σχηματίστηκαν δύο ισχυρότερα σχολεία: Ρωμαίος και Βενετσιάνικο.

Στον XVI αιώνα, το NOROPET εκδόθηκε για πρώτη φορά, το 1501, το βενετσιάνικο δωροβατίνα του Οθωμανίας Petrucci δημοσίευσε την αρμονική Musices Onhecaton - την πρώτη μεγάλη συλλογή κοσμικής μουσικής. Ήταν μια επανάσταση στη διάδοση της μουσικής και συνέβαλε επίσης στο γεγονός ότι το στυλ Franco-Flemish έγινε η κυρίαρχη μουσική της Ευρώπης τον επόμενο αιώνα, επειδή από το Ιταλικό Petruchci στη συλλογή του, περιλάμβανε κυρίως τη μουσική του Franco Flemish συνθέτες. Στη συνέχεια, δημοσίευσε πολλά έργα και ιταλούς συνθέτες, τόσο κοσμική όσο και πνευματική.

Ο ρόλος των κοσμικών ειδών αυξήθηκε στην εποχή της Αναγέννησης. Στο XIV αιώνα Στην ιταλική μουσική, ο Madrigal εμφανίστηκε (από το Lat. Matricale - "Τραγούδι στη μητρική του γλώσσα"). Αναπτύχθηκε με βάση τα λαϊκά τραγούδια (Sheshent). Τα Madrigals ήταν τραγούδια για δύο-τρεις ψήφους, συχνά χωρίς συμβουλευτική υποστήριξη. Ο Madrigal έφτασε στην κορυφή της ανάπτυξής του και έγινε το πιο δημοφιλές μουσικό είδος της εποχής. Σε αντίθεση με τα νωρίτερα και απλά Madrigalls, η Tryteno, η Renaissance Madrigals γράφτηκαν για αρκετές (4-6) ψήφους, υπήρχαν συχνά αλλοδαποί που υπηρέτησαν στα δικαστήρια των επιρροή βόρειων οικογενειών. Οι Madrigalists προσπάθησαν να δημιουργήσουν υψηλές τέχνες, χρησιμοποιώντας συχνά την ανακυκλωμένη ποίηση των μεγάλων ιταλικών ποιητών των τελευταίων μεσαιωνικών ηλικιών: Francesco Petratorki, Giovanni Boccaccio και άλλοι. Η έλλειψη αυστηρών διαρθρωτικών κανό ήταν χαρακτηριστική της Madrigala, η βασική αρχή ήταν η ελεύθερη έκφραση σκέψεων και συναισθημάτων.

Συνθέτες όπως ο εκπρόσωπος της Σχολής της Βενετίας του Κυπριακού De Rore και ο εκπρόσωπος του Franco Flamian School Roland de Lassus (Orlando di Lasso) - κατά τη διάρκεια της ιταλικής δημιουργικής ζωής του, πειραματίστηκε με αυξανόμενο χρωματισμό, αρμονία, ρυθμό, υφή και άλλα μέσα Μουσική εκφραστικότητα. Η εμπειρία τους θα συνεχιστεί και θα φέρει στην κορύφωση κατά τη διάρκεια των εποχών του Μανάτου Carlo Jesualdo. Κατά τη διάρκεια του 15ου αιώνα, οι συνθέτες σχεδόν άσκησαν έκκληση σε αυτό το είδος. Το ενδιαφέρον για αυτό αναβιώθηκε μόνο στον XVI αιώνα. Το χαρακτηριστικό γνώρισμα του αιώνα Madrigala XVI είναι μια στενή σύνδεση της μουσικής και της ποίησης. Η μουσική ακολούθησε ευέλικτα το κείμενο, αντανακλά τα συμβάντα που περιγράφονται στην ποιητική πηγή. Με την πάροδο του χρόνου, υπήρχαν ιδιόμορφα μελωδικά σύμβολα, τα οποία υποδηλώνουν απαλά στεναγμούς, δάκρυα κλπ. Στα έργα κάποιων συνθέσεων συμβολισμού ήταν φιλοσοφικοί, για παράδειγμα, στο Madrigan Jesualdo di Venoza "Είμαι πεθαίνω, ατυχής" (1611). Η ακμή του είδους αντιπροσωπεύει τη στροφή των XVI-XVII αιώνες. Μερικές φορές ταυτόχρονα με την εκτέλεση του τραγουδιού έπαιξε από την οικόπεδο της. Η Madrigal έγινε η βάση της κωμωδίας Madrigal (χορωδιακή σύνθεση στο κείμενο του παιχνιδιού κωμωδίας), η οποία προετοίμασε την εμφάνιση της όπερας.

1.3.1 Ρωμαϊκή πολυφωνική Σχολή

Giovanni de Palestrina (1525-1594). Ο επικεφαλής της Ρωμαϊκής Σχολής ήταν ο Giovanni Pieruluji da Palestrina - ένας από τους μεγαλύτερους συνθέτες της Αναγέννησης. Γεννήθηκε στην ιταλική πόλη της Palestrin, με το όνομα του οποίου πήρε επώνυμο. Από την παιδική ηλικία, η Palestrina τραγούδησε στην εκκλησιαστική χορωδία, και με την επίτευξη ώριμης ηλικίας προσκλήθηκε στη θέση του Kapelmeister (επικεφαλής της χορωδίας) στον καθεδρικό ναό του Αγίου Πέτρου στη Ρώμη. Αργότερα υπηρέτησε στο παρεκκλήσι της Σιάντινης (το δικαστήριο παρεκκλήσι του Πάπα Ρωμαϊκή).

Ρώμη, Καθολικό Κέντρο, προσέλκυσε πολλούς κορυφαίους μουσικούς. Σε διαφορετικές χρονικές στιγμές, οι Κάτω Χώρες Masters of Polyphonists οδηγοί Dufai και Zoshen Dere εργάστηκαν εδώ. Ο αναπτυγμένος εξοπλισμός του συνθέτη παρεμπιπτόνει μερικές φορές με το κείμενο της λατρείας: χάθηκε πίσω από το εξελιγμένο πλέγμα των ψήφων και των λέξεων, στην πραγματικότητα, δεν ακούστηκαν. Ως εκ τούτου, οι εκκλησιαστικές αρχές αντιμετωπίζουν επιφυλακτικές για τέτοια έργα και υποστήριξαν την επιστροφή ενός δορυφόρου με βάση το Grigorian Chants. Το ζήτημα του παραδεκτού της πολυφωνικής στην εκκλησιαστική μουσική συζητήθηκε ακόμη και στον δοκιμασμένο καθολικό καθεδρικό ναό της Καθολικής Εκκλησίας (1545-1563). Προσεγγίσθηκε στον Pope Roman, η Παλαιστρίνα έπεισε τα στοιχεία της εκκλησίας στη δυνατότητα δημιουργίας έργων, όπου ο συνθέτης εξοπλισμός δεν θα εμπόδιζε το κείμενο του κειμένου. Στην απόδειξη, συνέθεσε τον "Mass Pope Marcello" (1555), στο οποίο το πολύπλοκο πολυφωνικό συνδυάζεται με τον καθαρό και εκφραστικό ήχο κάθε λέξης. Έτσι, ο μουσικός "έσωσε" επαγγελματική πολυφωνική μουσική από τη δίωξη των εκκλησιαστικών αρχών. Το 1577, ο συνθέτης κλήθηκε να συζητήσει τη μεταρρύθμιση της σταδιακής - της Συνέλευσης των Ιερών Αλιευμάτων της Καθολικής Εκκλησίας. Στη δεκαετία του '80 Η Palestrina αποδέχθηκε το πνευματικό SAN και το 1584 εισήλθε στην κοινωνία των Μουσικών Μάστερ - Ένωση Μουσικών, που υποβλήθηκαν απευθείας στον Ρωμαίο του Πάπα.

Η δημιουργικότητα του Palestrina εμπίπτει με ένα ελαφρύ παγκοσμιοποίησης. Τα έργα που δημιουργήθηκαν από αυτούς χτύπησαν τους σύγχρονους ως την υψηλότερη δεξιότητα και την ποσότητα (περισσότερο από εκατό μηνύματα, τριακόσια motettes, εκατοντάδες madrigals). Η πολυπλοκότητα της μουσικής δεν χρησιμεύει ποτέ ένα εμπόδιο για την αντίληψή της. Ο συνθέτης γνώριζε πώς να βρει μια χρυσή μεσαία απόσταση μεταξύ της πολυπλοκότητας των συνθέσεων και της προσβασιμότητας τους για τον ακροατή. Το κύριο δημιουργικό καθήκον της Palestrina είδε την ανάπτυξη ενός ολόκληρου μεγάλου έργου. Κάθε φωνή στα ψέματά του αναπτύσσεται ανεξάρτητα, αλλά ταυτόχρονα σχηματίζει ένα ενιαίο σύνολο με τα υπόλοιπα, και συχνά οι φωνές είναι σε εντυπωσιακό συνδυασμό χορδών. Συχνά η μελωδία της ανώτερης φωνής καθώς θα παρακαλούσε πάνω από τα υπόλοιπα, που περιγράφουν την πολυφωνία "θόλου". Όλες οι φωνές χαρακτηρίζονται από ομαλότητα και ανάπτυξη.

Η τέχνη του Giovanni da Palestrina Οι μουσικοί επόμενης γενιάς θεωρούσαν υποδειγματικές, κλασικές. Πολλοί εκκρεμείς συνθέτες των XVIIXVIII αιώνες μελετήθηκαν στα γραπτά του.

1.3.2 Ενετικό σχολείο

Μια άλλη κατεύθυνση της αναγεννησιακής μουσικής συνδέεται με το έργο των συνθέσεων του Ενετικού Σχολείου, ο ιδρυτής του οποίου έγινε ο Adrian Villert (περίπου 1485-1562). Οι φοιτητές του ήταν οργανισμός και συνθέτης Andrea Gabriel (μεταξύ 1500 και 1520 - μετά το 1586), Cyprian de Pope Componser (1515 ή 1516-1565) και άλλοι μουσικοί. Εάν τα έργα PalestRina χαρακτηρίζονται από σαφήνεια και αυστηρή συγκράτηση, το Vullart και οι οπαδοί του ανέπτυξαν ένα πλούσιο χορωδιακό στυλ. Για να επιτευχθεί ο ογκομετρικός ήχος, το παιχνίδι των timbres, που χρησιμοποιούσαν στις συνθέσεις αρκετών χορωδών που βρίσκονται σε διαφορετικά μέρη του ναού. Η χρήση ρολών μεταξύ των χορωδών κατέστησε δυνατή την πλήρωση του χώρου της εκκλησίας με πρωτοφανή αποτελέσματα. Μια τέτοια προσέγγιση αντανακλά τα ανθρωπιστικά ιδανικά της εποχής στο σύνολό της - με τη χαρά, την ελευθερία και την πραγματική βενετσιάνικη καλλιτεχνική παράδοση - με την επιθυμία της σε όλα τα φωτεινά και ασυνήθιστα. Στο έργο των βενετσιάνικων δασκάλων, η μουσική γλώσσα ήταν περίπλοκη: ήταν γεμάτη με έντονους συνδυασμούς χορδών, απροσδόκητων αρμονιών.

Η φωτεινή φιγούρα της Αναγέννησης ήταν ο Carlo Jesualdo di Venosa (περίπου 1560-1613), ο πρίγκιπας της πόλης Vetose, είναι ένας από τους μεγαλύτερους δασκάλους της κοσμικής Madrigala. Αποκτούσε τη φήμη ως προστάτης, εκτελεστής σε λίγο, συνθέτη. Ο πρίγκιπας Jesualdo ήταν φίλοι με τον ιταλικό ποιητή Torquato Tasso. Τα πιο ενδιαφέροντα γράμματα παρέμειναν, στην οποία και οι δύο καλλιτέχνες συζητούν θέματα λογοτεχνίας, μουσικής, οπτικής τέχνης. Πολλά από τα ποιήματα του Τάσσο Jesualdo di Venosa μετατοπίστηκαν στη μουσική - έτσι εμφανίστηκαν πολλά εξαιρετικά καλλιτεχνικά madrigals. Ως εκπρόσωπος της καθυστερημένης αναγέννησης, ο συνθέτης ανέπτυξε ένα νέο είδος Madrigala, όπου τα συναισθήματα ήταν στην πρώτη θέση - βίαιες και απρόβλεπτες. Ως εκ τούτου, χαρακτηρίζεται από όγκους όγκου, τόνωση, παρόμοιοι με τους στεναγμούς και ακόμη και sobs, αιχμηρές χορδές στον ήχο, σε αντίθεση με τις μετατοπίσεις ρυθμού. Αυτές οι τεχνικές έδωσαν τη μουσική του Jesualdo Expressive, κάπως φανταχτερό χαρακτήρα, ήταν έκπληκτος και ταυτόχρονα προσέλκυσε συγχρόνους. Η κληρονομιά του Jesualdo di Venoza είναι επτά συλλογές πολλών φωνητικών madrigals. Μεταξύ των πνευματικών δοκίμιων - "Ιερή Αγγλικά". Η μουσική του και σήμερα δεν αφήνει τον ακροατή αδιάφορο.

1.4 Αγγλία

Η πολιτιστική ζωή της Αγγλίας στην αναγεννησιακή εποχή ήταν στενά συνδεδεμένη με τη μεταρρύθμιση. Στον XVI αιώνα, ο προτεσταντισμός εξαπλώθηκε στη χώρα. Η Καθολική Εκκλησία έχει χάσει δεσπόζουσα θέση, την Αγγλικανική Εκκλησία, η οποία αρνήθηκε να αναγνωρίσει κάποια δόγματα (τις κύριες διατάξεις) του Καθολικισμού. Τα περισσότερα μοναστήρια σταμάτησαν την ύπαρξή τους. Αυτά τα γεγονότα επηρέασαν τον πολιτισμό αγγλικών, συμπεριλαμβανομένης της μουσικής.

Η αγγλική μουσική τέχνη της Αναγέννησης δήλωσε εξαιρετικά στο πρώτο μισό του XV αιώνα, έχοντας προτείνει τη μοναδική δημιουργική ταυτότητα του John Dunstaybla, η οποία έκανε μια ισχυρότερη εντύπωση στην ήπειρο. Το έργο του Dunstale είναι ένας σημαντικός σύνδεσμος μεταξύ της μουσικής του Μεσαίωνα και της Αναγέννησης του Πολυφώνα εποχής. Ο γενικά αποδεκτός ιστορικός ρόλος των έργων της για την ανάπτυξη της πολυφωνίας στη Δυτική Ευρώπη προαναφέρθηκε επίσης από μια σημαντική παράδοση πολυφωνίας (εγκατεστημένη στη Μεσαιωνική Αγγλία), κληρονομείται και αναπτύχθηκε Dunstaibl. Εκτός από αυτόν, στο XV αιώνα, τα ονόματα πολλών αγγλικών συνθέσεων που δημιούργησαν Motges, Messes Messes, μερικές φορές chansons και μπαλάντες. Μερικοί από αυτούς εργάστηκαν στην ήπειρο, μερικοί από αυτούς ήρθαν στην Καπέλα του Δούκα της Βουργουνδίας. Η δύναμη Lionel ανήκει σε ένα από τα πρώτα στην Αγγλία Messe - μαζί με το Mesa Dunstybla. Οι σύγχρονοι ήταν J. Bedingham, δάσος, J. Benet, R. Morton. Στο δεύτερο μισό του XV αιώνα, J. Bandaster, W. Lambe, R. Davi, W. Fry. Οι περισσότεροι από αυτούς ήταν τραγουδιστές σε παρεκκλήσια και έγραψαν πολλή εκκλησιαστική μουσική. Τόσο στην επιλογή των κύριων ειδών και στη συνεπή ανάπτυξη των πολυφωνικών δεξιοτήτων, έκλεισαν σε μεγάλο βαθμό με την ολλανδική σχολή, η οποία με τη σειρά τους ήταν σημαντική εάν το στιλιστικό παράδειγμα του DustyYBLA είναι στη δική τους εμφάνιση.

Στον XVI αιώνα, η μουσική τέχνη της Αγγλίας φτάνει σε μια σημαντική πολλαπλή. Μαζί με τις παραδοσιακές μορφές καθολικής μουσικής και πνευματικών κινητήρων στα λατινικά κείμενα από τα μέσα του αιώνα, έχουν ήδη δημιουργηθεί ψαλμοί στα αγγλικά - ένα χαρακτηριστικό φαινόμενο της μεταρρύθμισης. Είναι περίεργο το ίδιο John Merbek (περίπου 1510-1585), ο οποίος δημιούργησε τον επίσκοπο των Masses Mass Mass και Latin στην υπηρεσία, κυκλοφόρησε το 1549 την πρώτη συλλογή των Ψαλμών στα Αγγλικά Κείμενα. Μαζί του, κατά το πρώτο εξάμηνο του αιώνα, οι Αγγλικοί Πολυφωνιστές ενήργησαν, οι συγγραφείς των μεγάλων μορφών του John Taverner, John Redford, Nicolae Lyudford. Δημιουργική ζωή του Christopher Thaya, Thomas Tallisa, ο Robert White διήρκεσε λίγο περισσότερο.

Ταυτόχρονα, τα ανθρωπιστικά θεμέλια της νέας εποχής οδήγησαν στην Αγγλία του XVI αιώνα με την πρώτη υψηλή ανθοφορία της κοσμικής μουσικής τέχνης τόσο σε φωνητικά όσο και σε οργανικές μορφές. Οι νέες γενιές των αγγλικών συνθέσεων που μίλησαν το τελευταίο τρίμηνο του XVI αιώνα και που κατέλαβαν τις πρώτες δεκαετίες του XVII, δημιούργησαν τη Σχολή των Αγγλικών Μαδριγαλιστές. Και σηματοδότησαν επίσης την αρχή μιας νέας περιοχής οργανικής μουσικής - τα έργα για τη βιδωτήρα (ράβδος του Clavsin), οι οποίες διανέμονται ευρέως στον XVII αιώνα.

Αγγλικά Συγγραφείς Madrigalls William Berd (1543 ή 1544 - 1623), Thomas Morley (1557-1603), John Wilby (1574-1638) και άλλοι αρχικά βασιζόμενοι σε σύγχρονα ιταλικά δείγματα (Madrigal, όπως γνωρίζετε, προέρχονται από την Ιταλία), ειδικά για Ο Marreinsio, αλλά στη συνέχεια ανακάλυψε την πρωτοτυπία - αν όχι στην ερμηνεία του είδους, στη συνέχεια στη φύση της πολυφωνίας. Φτάνοντας στο μεταγενέστερο στάδιο της ανάπτυξης της πολυφωνίας, στο ίδιο το κάταγμα στο νέο στυλ του XVII αιώνα, το English Madrigal είναι απλούστερο στην πολυ-δοκώδη υφή από την ιταλική, πιο ομοφωντό, δεν στερείται ακόμη και ρυθμικών χαρακτηριστικών χορού . Σε αντίθεση με τον χρόνο του Danstybla, η αγγλική πολυφωνική σχολή μέχρι το τέλος του XVI αιώνα αντιπροσωπεύει το όφελος ενός εθνικού ενδιαφέροντος (οι παραδόσεις του μεταφέρονται στον XVII αιώνα και φτάνουν στην Peressella), αλλά μετακινώντας τον δικό τους τρόπο, δεν έχει πλέον μια αξιοσημείωτη επίδραση στη μουσική τέχνη της Δυτικής Ευρώπης.

Είναι επίσης απαραίτητο να σημειωθεί σημαντικός ρόλος της μουσικής στο Αγγλικό Θέατρο της Αναγέννησης. Αυτός ο ρόλος είναι συγκεκριμένος στην εποχή του: στην Αγγλία, δεν υπήρχαν προϋποθέσεις για την εμφάνιση της όπερας για μεγάλο χρονικό διάστημα και τίποτα δεν έχει ακόμη προετοιμάσει. Η μουσική ακουγόταν σε ένα δραματικό θέατρο για το όφελος ως ένα φαινόμενο της ζωής (αλλά όχι ως εσωτερικά δραματουργική συνιστώσα), και στο είδος των "μάσκες" συμμετείχε σε πλούσιες παραστάσεις στο Βασιλικό Δικαστήριο εντάχθηκαν στις θεαματικές επιδράσεις, τις σκηνές του μπαλέτου, φωνητικά και όργανο θραύσματα, ποιητικό κείμενο.

Στα κομμάτια του Σαίξπηρ, συχνά κατά τη διάρκεια της δράσης ονομάζονται δημοφιλείς μελωδίες σε ορισμένες λέξεις ή σε γνωστοί χορούς, όπως το Galliard. Η μουσική έγινε το φόντο της δράσης, μερικά "μεσαία", έκανε κάποιες ψυχολογικές αποχρώσεις, γιατί ο Σαίξπηρ δεν χρειάστηκε περισσότερο από τα είδη των νοικοκυριών.

Ταυτόχρονα, τα μουσικά τμήματα άνοιξαν στην Οξφόρδη και τα πανεπιστήμια του Cambridge.

1.5 Γερμανία

Από τον XVI αιώνα. Στη Γερμανία, υπήρχε ήδη μια πλούσια λαογραφία, πρώτα απ 'όλα το φωνητικό. Η μουσική ακούγεται παντού: σε εορταστικές εκδηλώσεις, στην εκκλησία, σε κοσμικά γεγονότα και σε στρατιωτικό στρατόπεδο. Ο χωρικός πόλεμος και η αναμόρφωση προκάλεσαν μια νέα άνοδο της λαϊκής τέχνης τραγουδιού. Υπάρχουν πολλοί εκφραστικοί Ύμνοι Luteran των οποίων η συγγραφή είναι άγνωστη. Το χορωδιακό τραγούδι έχει γίνει μια αναπόσπαστη μορφή της υπηρεσίας λατρείας Lutheran. Η προτεσταντική χορωδία επηρέασε την καθυστερημένη ανάπτυξη όλων των ευρωπαϊκών μουσικών. Αλλά πρώτα απ 'όλα, στη μουσικότητα των ίδιων των Γερμανών, ο οποίος σήμερα, η μουσική εκπαίδευση θεωρείται λιγότερο σημαντική από τη φυσική επιστήμη - και αλλιώς πώς να συμμετάσχουν στην πολλαπλών αλυσίδων;

Η πολλαπλή μουσικών μορφών στη Γερμανία XVI αιώνα. Amazes: Μπαλέτες, όπερες που τοποθετούνται στο καρναβάλι. Είναι αδύνατο να μην καλέσετε τέτοια ονόματα ως Κ. Puman, Ρ. Hofheimer. Αυτοί είναι οι συνθέτες που έγραψαν κοσμική και εκκλησιαστική μουσική, πρώτα απ 'όλα για το όργανο. Είναι δίπλα σε έναν εξαιρετικό Franco Flemish συνθέτη, έναν εκπρόσωπο της ολλανδικής Σχολής O. Lasso. Εργάστηκε σε πολλές ευρωπαϊκές χώρες. Γενικευμένος και καινοτόμος ανέπτυξε τα επιτεύγματα διαφόρων ευρωπαϊκών μουσικών σχολείων της Αναγέννησης. Δάσκαλος της εικονικής και κοσμικής χορωδιακής μουσικής (πάνω από 2000 γραπτά.).

Αλλά ο Henry Schütz (1585-1672), ένας συνθέτης, ένας cappermaster, ένας οργανιστής, ένας δάσκαλος, αντιστρέφονται στη γερμανική μουσική. Ο ιδρυτής της Εθνικής Συνθέτης Σχολής, ο μεγαλύτερος προκάτοχρος I.S. Baha. Η πρώτη γερμανική όπερα "Daphne" (1627), το μπαλέτο όπερας "Ορφέα και η Ευρυδίκα" (1638) γράφτηκε με τον Schuyz Madrigals, πνευματικά cantal και oratorigal γραπτά ("πάθη", συναυλίες, motges, ψαλμοί κλπ.).

Ο ιδρυτής της μεταρρύθμισης του Martin Luther (1483-1546) πίστευε ότι η μεταρρύθμιση της εκκλησιαστικής μουσικής ήταν απαραίτητη. Η μουσική, καταρχάς, θα πρέπει να συμβάλει στην πιο ενεργή συμμετοχή των ενοριτών στη λατρεία (στην απόδοση των πολυφωνικών συνθέσεων ήταν αδύνατο) και, δεύτερον, να γεννήσει την ενσυναίσθηση των βιβλικών εκδηλώσεων (που βλάπτουν την υπηρεσία στη Λατινική). Έτσι, οι ακόλουθες απαιτήσεις παρουσιάστηκαν στην εκκλησία τραγουδιού: η απλότητα και η σαφήνεια των μελωδίων, ακόμη και ο ρυθμός, η σαφής μορφή των ψαλειών. Σε αυτή τη βάση, η προτεσταντική χορωδία προέκυψε - το κύριο είδος της εκκλησιαστικής μουσικής της Γερμανικής Αναγέννησης. Το 1522, ο Λούθερ μεταφράζει τη νέα διαθήκη στα γερμανικά, τώρα έγινε δυνατή η λατρεία στη μητρική του γλώσσα.

Στην επιλογή των ήχων κλήσης για τον Choralov, ο ίδιος ο Luther συμμετείχε ενεργά, καθώς και ο φίλος του, ένας γερμανικός θεωρητικός μουσικής Johann Walter (1490-1570). Οι κύριες πηγές τέτοιων μελωδών ήταν τα λαϊκά πνευματικά και κοσμικά τραγούδια - καλά γνωστά και εύκολο για την αντίληψη. Μελωδίες σε μερικούς από τους Kharalov Luther που αποτελούσαν τον εαυτό του. Ένας από αυτούς, ο "Λόρδος - Υποστήριξη Outlook, έγινε σύμβολο της αναμόρφωσης κατά την περίοδο των θρησκευτικών πολέμων XVI.

1.6 Ισπανία

Για μεγάλο χρονικό διάστημα, η μουσική της Ισπανίας ήταν υπό την επιρροή της εκκλησίας, στην οποία η φεουδαρχική-καθολική αντίδραση είχε καταργηθεί. Ανεξάρτητα από το πόσο η Noring ήταν η επίθεση της αντίθετης επεξεργασίας στη μουσική, δεν κατάφερε να επιστρέψει τις προηγούμενες θέσεις. Εγκατάσταση αστικές σχέσεις που υπαγορεύουν νέες παραγγελίες.

Στην Ισπανία, τα σημάδια της αναβάτης ήταν αρκετά σαφώς εκδηλωμένα στο XVI αιώνα και οι προϋποθέσεις για αυτό φαίνεται να φαίνονται ακόμη νωρίτερα. Είναι γνωστό ότι ήδη στο XV αιώνα υπήρχαν μακροχρόνιοι και ισχυρούς μουσικούς δεσμούς μεταξύ Ισπανίας και Ιταλίας, μεταξύ των ισπανικών παρεκκλήτων και μέρος των συνθέτων τραγουδιστών - και του παπικού παρεκκλησίου στη Ρώμη, καθώς και τον δούκα του δούκα του Βουργουνδίας και Duke Sforza στο Μιλάνο, για να μην αναφέρουμε άλλα ευρωπαϊκά μουσικά κέντρα. Από τα τέλη του 15ου αιώνα, η Ισπανία, όπως είναι γνωστή, λόγω του σύνολο των ιστορικών συνθηκών (το τέλος της ανασυγκρότησης, το άνοιγμα της Αμερικής, νέων δυναμικών δεσμών εντός της Ευρώπης), βρήκε μια πολύ μεγαλύτερη δύναμη στη Δυτική Ευρώπη, Παραμένοντας μια συντηρητική καθολική κατάσταση ταυτόχρονα και παρουσιάζοντας σημαντική επιθετικότητα στη σύλληψη των εδαφών άλλων ανθρώπων (που πλήττει την Ιταλία σε αυτόν). Οι μεγαλύτεροι ισπανοί μουσικοί του XVI αιώνα, όπως πριν, ήταν στην υπηρεσία της εκκλησίας. Δεν μπορούσαν τότε να μην βιώσουν τον αντίκτυπο της ολλανδικής πολυφωνικής σχολής με τις επικρατούσες παραδόσεις του. Έχει ήδη ειπωθεί ότι οι εκκρεμείς εκπρόσωποι αυτού του σχολείου ήταν περισσότερο από μία φορά στην Ισπανία. Από την άλλη πλευρά, οι ισπανικοί δάσκαλοι, για λίγες εξαιρέσεις, συναντήθηκαν συνεχώς με τους ιταλούς και τους ολλανδούς συνθέτες, όταν έμειναν από την Ισπανία και εργάστηκαν στη Ρώμη.

Σχεδόν όλοι οι κύριοι ισπανοί μουσικοί νωρίτερα ή αργότερα έπεσαν σε ένα παπικό παρεκκλήσι και συμμετείχαν στη δραστηριότητά της, εξακολουθούσαν να αξιοποιήθηκαν ισχυρώς τη ρίζα της παράδοσης αυστηρού στυλ πολυφωνίας στην ορθόδοξη έκφραση. Ο μεγαλύτερος ισπανικός συνθέτης Cristobal de Morales (1500 ή 1512-1553), δοξασμένος έξω από τη χώρα του, το 1535-1545 ήταν μέρος του Παπικού παρεκκλησίου στη Ρώμη, μετά την οποία κατευθύνθηκε η μέτρηση στο Τολέδο και στη συνέχεια του καθεδρικού ναού στη Μάλαγα.

Ο Morales ήταν ένας μεγάλος πολυφωνιστής, ο συγγραφέας του Messe, του Motttes, των Υμνών και άλλων φωνητικών, το πιο σημαντικό χορωδιακό έργο. Η κατεύθυνση της δημιουργικότητάς του βασίστηκε στη σύνθεση των εγγενών ισπανικών παραδόσεων και της πολυφωνικής ικανότητας των Κάτω Χωρών και των Ιταλών της εποχής. Για πολλά χρόνια (1565-1594), υπήρξε ένας κορυφαίος εκπρόσωπος της επόμενης γενιάς των ισπανικών δασκάλων Thomas Luis de Victoria (περίπου 1548-1611) (περίπου 1548-1611) (περίπου 1548-1611), η οποία δεν είναι πολύ ακριβής στο σχολείο Palestrinov. Ο συνθέτης, ο τραγουδιστής, ο οργανισμός, ο Dropmester, η Βικτώρια δημιούργησε μάζα, motettes, ψαλμια και άλλα πνευματικά γραπτά στο αυστηρό στυλ της πολυφωνικής ένα cappella, πιο κοντά στην παλάμες από τις Κάτω Χώρες, αλλά ακόμα δεν συμπίπτουν με τον Palestrinsky - ο ισπανός δάσκαλος είχε λιγότερο αυστηρό σύστημα συγκράτησης και Περισσότερη έκφραση. Στα καθυστερημένα έργα της Βικτώριας, η Βικτώρια εμφανίζεται και η επιθυμία να διαταράξει την παράδοση του Palestrinovian υπέρ της πολυοροχής, της συγκρότησης, των αντιθέσεων του Timbre και άλλων καινοτομιών που οδηγούν την προέλευσή τους μάλλον από το Ενετικό Σχολείο.

Άλλοι ισπανοί συνθέτες που εργάστηκαν κυρίως στον τομέα της πνευματικής μουσικής έφεραν επίσης στους τραγουδιστές του Παπικού παρεκκλησίου στη Ρώμη. Το 1513-1523, το A. De Ribera ήταν μέρος της Capella, από το 1536 υπήρχε ένας τραγουδιστής Β. Escobedo, το 1507-1539 - X. Escribano, κάπως αργότερα - Μ. Robbledo. Όλοι τους έγραψαν πολυφωνική πνευματική μουσική σε αυστηρό στυλ. Μόνο ο Francisco Gouserro (1528-1599) έζησε πάντα και εργάστηκε στην Ισπανία. Παρ 'όλα αυτά, οι χάρτες του, οι Minges, τα τραγούδια ήταν επιτυχείς και έξω από τη χώρα, προσελκύοντας συχνά την προσοχή των πεταλούδων και των VIUELS ως υλικό για όργανα θεραπείες.

Από τα κοσμικά φωνητικά είδη τα πιο συνηθισμένα. Ήταν το Wiliansiko-γένος ενός πολυφωνικού τραγουδιού στην Ισπανία, τότε ένα κάπως πιο πολυφωνικό, τότε, πιο συχνά, με ομόφωνο, την προέλευση που σχετίζεται με τη ζωή, αλλά προηγούμενη επαγγελματική ανάπτυξη. Ωστόσο, η ουσία αυτού του είδους πρέπει να ειπωθεί, χωρίς να το χωρίσει από την οργάνωση της μουσικής. Ο Wiliansiko XVI αιώνα - πιο συχνά το τραγούδι κάτω από τον Viuela ή κάτω από το Lutno, τη δημιουργία ενός μεγάλου καλλιτέχνη και έναν συνθέτη για το όργανο που επιλέχθηκε από αυτόν.

Και σε αμέτρητους Wiliansikos, και γενικά, η Ισπανία στην οικιακή μουσική είναι εξαιρετικά πλούσια και χαρακτηρίζεται από τον εθνικό μελωδισμό - ένα είδος, διατηρώντας τις διαφορές τους από την ιταλική, τη γαλλική και όλα τα πιο γερμανικά, μελωδικά. Η ισπανική μελωδία έχει μεταφέρει αυτόν τον χαρακτηρισμό τον αιώνα, προσελκύοντας προσοχή σε όχι μόνο εθνικό, αλλά και ξένους συνθέτες μέχρι το χρόνο μας. Όχι μόνο το σύστημα εντοπισμού του είναι ιδιόμορφο, αλλά βαθιά διακριτικό ρυθμό, πρωτότυπο διακοσμητικό και αυτοσχεδιαστικό τρόπο, πολύ ισχυρές συνδέσεις, με κινήσεις χορού. Στην προαναφερθείσα εκτεταμένη εργασία του Francisco de Salinas "επτά μουσικά βιβλία" (1577), δίδονται πολλές μελωδίες Castilian, που προσελκύουν την προσοχή ενός μουσικού επιστήμονα κυρίως από τη ρυθμική τους πλευρά. Αυτά τα σύντομα μελωδικά θραύσματα που καλύπτουν μερικές φορές μόνο το φάσμα της πολιτικής είναι εκπληκτικά ενδιαφέροντα στους ρυθμούς τους: συχνές συγχρονισμούς σε διάφορα πλαίσια, αιχμηρές διακόπτες ρυθμού, η πλήρης απουσία στοιχειώδους κίνησης, γενικά η μόνιμη δραστηριότητα του ρυθμικού συναίσθητου, χωρίς αδράνεια! Οι ίδιες ιδιότητες θεωρήθηκαν από τη λαϊκή παράδοση με κοσμικά φωνητικά είδη, το μεγαλύτερο μέρος του Wiliansiko και άλλες ποικιλίες του τραγουδιού κοντά στο Viuela.

Τα όργανα της Ισπανίας αντιπροσωπεύονται ευρέως και ανεξάρτητα από το έργο των συνθέσεων των οργανισμών με επικεφαλής τους μεγαλύτερους αντιπολίτες Antonio de (1510-1566), καθώς και το σύνολο των λαμπρών δελτίων της Pleiad με έναν λογικό αριθμό των έργων τους, μερικώς σχετιζόμενες με το φωνητικό Πεπόνι διαφόρων προέλευσης (από λαϊκά τραγούδια και χορό σε πνευματικά γραπτά). Θα τους επιστρέψουμε συγκεκριμένα στο κεφάλαιο σχετικά με την οργάνωση της εποχής της Αναγέννησης για να καθορίσει τη θέση τους στη γενική ανάπτυξη.

Από τον XVI αιώνα, πρώιμα στάδια στην ιστορία του Ισπανικού Μουσικού Θέατρο προέρχονταν επίσης από το αποτέλεσμα του προηγούμενου αιώνα με πρωτοβουλία του ποιητή και του συνθέτη Juan del Essin και υπήρχαν για μεγάλο χρονικό διάστημα ως ένα δραματικό θέατρο με μεγάλη συμμετοχή του μουσική σε συγκεκριμένα τόπους δράσης.

Τέλος, οι επιστημονικές δραστηριότητες των ισπανών μουσικών, των οποίων έχουν ήδη εκτιμηθεί από τον Ramis di Pareh, για τη προοδευτικότητα των θεωρητικών απόψεων και του Francisco Salinas για τη μοναδική εξέταση της ισπανικής λαογραφίας για τη μοναδική ώρα για εκείνη την εποχή. Αναφέρουμε επίσης πολλούς ισπανικούς θεωρητικούς που έχουν αφιερώσει την εργασία τους σχετικά με τα θέματα των επιδόσεων σε διάφορα εργαλεία. Composer, Performer (On Volone - Basovoy Violea Da Gamba), ο Ντιέγκο Ortis, ο Diego Ortis δημοσίευσε το "Treatise on gloss" του 1553 στη Ρώμη), στην οποία οι κανόνες τεκμηριώθηκαν αυτοσχέδια που ποικίλλουν στο σύνολο (Volone και Clavasin). Οργανιστής και συνθέτης Thomas De Sante Maria Δημοσιεύθηκε στο Valladolid μια πραγματεία FANTASY "ART PLAY FANTASY" (1565) - μια προσπάθεια να συνοψίσει μεθοδολογικά την εμπειρία της αυτοσχεδιασμού στο σώμα: Juan Bermoudo, ο οποίος κυκλοφόρησε τη "δήλωση μουσικών οργάνων" στη Γρενάδα (1555) που καλύπτεται από το Εκτός από τις πληροφορίες σχετικά με τα όργανα και το παιχνίδι, ορισμένα ερωτήματα μουσικών επιστολών (αντιτίθενται, ιδίως, κατά της υπερφόρτωσης της πολυφωνίας).

Έτσι, η ισπανική μουσική τέχνη στο σύνολό της (μαζί με τη θεωρία του), χωρίς αμφιβολία, επέζησε η αναγέννησή του τον 16ο αιώνα, ανακάλυψη και ορισμένα άρθρα με άλλες χώρες σε αυτό το στάδιο και σημαντικές διαφορές που προκλήθηκαν από τις ιστορικές παραδόσεις και την κοινωνική σύγχρονη Ισπανία.

2. Μουσική αισθητική

2.1 Ανάπτυξη ειδών και μορφών οργάνου μουσικής

Αναγεννησιακό μουσικό Mason Mussetserger

Είμαστε υποχρεωμένοι να σχηματίσουμε οργανική μουσική ως ανεξάρτητο τύπο τέχνης. Αυτή τη στιγμή, εμφανίζονται διάφορα όργανα, παραλλαγές, προσφορές, φαντασιώσεις, ο Rondo, το toccat. Βιολί, Clausius, όργανο σταδιακά μετατράπηκε σε σόλο εργαλεία. Η μουσική που γράφτηκε για αυτούς κατέστησε δυνατή την εμφάνιση του ταλέντου όχι μόνο στον συνθέτη, αλλά και από τον ανάδοχο. Πρώτα απ 'όλα, η δεξιοτεχνία αποτιμάται (η ικανότητα αντιμετώπισης των τεχνικών δυσκολιών), τα οποία σταδιακά έγιναν για πολλούς μουσικούς από μόνο του και καλλιτεχνική αξία. Οι συνθέτες των αιώνων XVII-XVIII συνήθως δεν συνθέτουν μόνο μουσική, αλλά επίσης έπαιξαν εργαλεία, που ασχολούνται με παιδαγωγικές δραστηριότητες. Η ευημερία του καλλιτέχνη εξαρτάται σε μεγάλο βαθμό από τον συγκεκριμένο πελάτη. Κατά κανόνα, κάθε σοβαρός μουσικός προσπάθησε να πάρει ένα μέρος είτε στην αυλή του μονάρχης είτε στην πλούσια αριστοκράτη (πολλοί εκπρόσωποι είχαν τις δικές τους ορχήστρες ή όπερα) ή στο ναό. Επιπλέον, η πλειοψηφία των συνθέτες συνδυάζει εύκολα την εκκλησιαστική ενότητα με την υπηρεσία ενός κοσμικού προστάτη.

Η φύση πολλών φωνητικών έργων των αιώνων XIV-XV στους ιταλικούς και τους γάλλους συνθέτες είναι μάλλον οραματικός από τον φωνητικό (στην περιοχή, τη φύση της ψηφοφορίας, ο λόγος με το λεκτικό κείμενο ή την απουσία υπογεγραμμένων λέξεων). Αυτό εφαρμόζεται πλήρως στο ιταλικό ASSET ARS NOVA, σε διάφορα γραπτά της «μεταβατικής» περιόδου στη Γαλλία (την αρχή του αιώνα του XV). Δεν υπάρχουν άμεσες οδηγίες για τη χρήση ορισμένων εργαλείων σε μια εγγραφή σημείωσης. Προφανώς, παρασχέθηκε στη βούληση των εκτελεστών ανάλογα με τις δυνατότητές τους, ειδικά αφού ο ίδιος ο συγγραφέας ήταν συνήθως μεταξύ τους.

Κατ 'αρχήν, κάθε φωνητικό έργο αποτελεί μέρος της μάζας, του μοτοσικλέτα, του Chanson, του Fottol, Madrigal (με εξαίρεση το Mesz, που προορίζεται για το παρεκκλήσι της σιστίνης, όπου δεν επιτρέπονται τα μέσα) - Στην πράξη θα μπορούσε να εκτελεστεί είτε με τον διπλασιασμό του φωνητικού Εργαλεία, ή μερικώς (μία ή δύο φωνές) μόνο εργαλεία ή εξ ολοκλήρου στο όργανο ή ομάδα μέσων. Ήταν ουσιαστικά ένας σταθερός τύπος απόδοσης, δηλαδή η διαδικασία εισαγωγής εργαλείων σε φωνητικά στην προέλευση της πολυφωνίας. Έτσι προέκυψε, για παράδειγμα, "Μάζα οργάνων" - ένα ενδιάμεσο φαινόμενο, μεταβατικό. Σε αυτά τα γραπτά, όπου η ανώτερη φωνή ξεχωρίζει στο νόημά τους (όπως ήταν συχνά σε dufai ή benshua), η χρήση εργαλείων ήταν πιθανότατα συνδεδεμένη με την "συνοδευτική" μελωδία με φωνές ή με αρμονικό μπάσο. Αλλά με την "ευθυγράμμιση" των κομμάτων σε έναν ιδιαίτερα ανεπτυγμένο πολλαπλό πρωτάθλημα της ολλανδικής σχολής, μπορεί να θεωρηθεί (για παράδειγμα, στο Chanson) κάθε αναλογία φωνητικών και οργάνων δυνάμεων μέχρι την εκπλήρωση ολόκληρου του προϊόντος της ομάδας εργαλείων . Θα πρέπει να ληφθεί υπόψη και μερικά πιο ιδιωτικά χαρακτηριστικά που δεν καταγράφονται σε μια εγγραφή σημείωσης. Είναι γνωστό ότι στο σώμα, για παράδειγμα, ήδη στο XV αιώνα, έμπειροι ερμηνευτές κατά την επεξεργασία του τραγουδιού "χρώματα" (που παρέχονται με διακοσμήσεις) της μελωδίας του. Ίσως ο Instrumentalist, με διαφορετική συμμετοχή στην απόδοση της φωνητικής μουσικής, επίσης, θα μπορούσε επίσης να κάνει αυτοσχέδια διακοσμήσεις στο πάρτι του, το οποίο ήταν ιδιαίτερα φυσικό, αν ο ίδιος ο συγγραφέας κάθισε για το σώμα. Μετά από όλα αυτά, δεν προκαλεί έκπληξη το γεγονός ότι στο XVI αιώνα, όταν τα όργανα έχουν ήδη διπλωθεί και εξακολουθούν να υπάρχουν πολυφωνικά έργα με την ονομασία "ανά cantare για το Sonare" ("για τραγούδι ή το παιχνίδι"). Αυτό ήταν τελικά η πλήρης αναγνώριση της υπάρχουσας πρακτικής!

Στην οικιακή μουσική, ειδικά στο χορό, αν δεν πήγαν κάτω από το τραγούδι (στην Ισπανία, τη σύνδεση του τραγουδιού και του χορού), τα εργαλεία παρέμειναν, έτσι ώστε να μιλούν, είναι απαλλαγμένα από φωνητικά δείγματα, αλλά συνδέονται με τη βάση του είδους κάθε χορού, ρυθμού, τύπου κίνησης. Ο συγχρονισμός αυτού του είδους τέχνης ήταν ακόμα σε ισχύ.

Από αυτή τη συνολική μάζα απουσίων φαινομένων, από την πρακτική που δεν αντανακλάται στο μητρικό ρεκόρ, από τη μακροπρόθεσμη διαδικασία αφομοίωσης της φωνητικής και της οργάνωσης άρχισε με την πάροδο του χρόνου, άρχισε η ανάπτυξη των πραγματικών οργάνων ειδών. Μόνο μόλις σκιαγραφείται στο XV αιώνα, έχει γίνει απτό σε όλο το XVI, στο μονοπάτι προς την ανεξαρτησία, παρατηρήθηκε ακόμα ένα μικρό και μόνο σε ορισμένες μορφές (αυτοσχεδιαστικό), παρατηρήθηκε ο πραγματικός όργανο της μουσικής επιστολής. Στα πρώτα στάδια της διαδρομής της οργάνωσης της μουσικής σε αυτοδιάθεση, δόθηκε δύο περιοχές είδους των χαρακτηριστικών τάσεων του. Ένας από αυτούς είναι πλεονέκτημα του οφέλους από μια πολυφωνική, "ακαδημαϊκή" παράδοση, με μεγάλες μορφές. Το άλλο βασίζεται στην παράδοση της μουσικής οικιακής χρήσης, τραγουδιών και χορού. Το πρώτο αντιπροσωπεύεται κυρίως από τις συνθέσεις για το όργανο, το δεύτερο - πρώτα απ 'όλα το ρεπερτόριο του λαούτου. Δεν υπάρχει αδιάκοπο πρόσωπο μεταξύ τους. Μπορεί να αφορά μόνο την κυριαρχία ορισμένων παραδόσεων, αλλά σε προφανή σημεία επαφής. Έτσι, οι πολυφωνικές τεχνικές δεν αποκλείονται στα έργα για λαούτα και οι παραλλαγές στα τραγούδια θα εμφανιστούν σύντομα στη μουσική οργάνων. Και σε αυτό και σε ένα άλλο μέσο, \u200b\u200bαρχίζει η ανάπτυξη αυτοσχεδιαστικών εντύπων, στην οποία είναι οι ιδιαιτερότητες αυτού του εργαλείου με το πιο καθαρό - με σχεδόν πλήρη ελευθερία από φωνητικά δείγματα. Αυτά τα μέτρια, φαίνεται ότι η επιτυχία του όργανου επιτεύχθηκε μετά τη μακροπρόθεσμη προετοιμασία, η οποία πήγε στην εποχή της Αναγέννησης και είχε την ρίζα της στην πιο μουσική πρακτική εκείνης της εποχής.

2.2 Μουσικά εργαλεία της Αναγέννησης

Στην εποχή της αναγέννησης, η σύνθεση μουσικών οργάνων έχει επεκταθεί σημαντικά, οι νέες ποικιλίες προστέθηκαν στην ήδη υπάρχουσα συμβολοσειρά και τον άνεμο. Μεταξύ αυτών, ένας ειδικός χώρος καταλαμβάνεται από βιόλα - μια οικογένεια χορδών του Brook, που επηρεάζει την ομορφιά και την ευγένεια του ήχου. Στον σχήμα, μοιάζουν με τα εργαλεία μιας σύγχρονης οικογένειας βιολιού (βιολί, alt, τσέλο) και θεωρούνται ακόμη και τους άμεσους προκάτοχούς τους (συνυπάρχουν στη μουσική πρακτική μέχρι τη μέση του XVIII αιώνα). Ωστόσο, η διαφορά και η σημαντική, όμως υπάρχουν. Οι βιολιού έχουν ένα σύστημα συντονισμένων χορδών. Κατά κανόνα, υπάρχουν όπως πολλοί από τους κύριους (έξι έως επτά). Οι διακυμάνσεις των αντηχητικών χορδών κάνουν τον ήχο ενός βιολιού μαλακού, βελούδινο, αλλά το εργαλείο είναι δύσκολο στη χρήση στην ορχήστρα, δεδομένου ότι λόγω μεγάλου αριθμού χορδών, είναι γρήγορα αναστατωμένος. Για μεγάλο χρονικό διάστημα, ο ήχος της βιολιάς θεωρήθηκε στη μουσική με ένα δείγμα πολυπλοκότητας. Στην οικογένεια Viola, διακρίνονται τρεις κύριοι τύποι. Το Viola da Gamba είναι ένα μεγάλο εργαλείο που ο καλλιτέχνης έβαλε κάθετα και συσφίγγεται με τα πόδια του (η ιταλική λέξη gamba σημαίνει "γόνατο"). Δύο άλλες ποικιλίες - Viola da Braccho (από αυτό. Braccio - "αντιβράχιο") και βιολιού D "amur (fr. Viole d" Amour - "Viola Love") προσανατολίστηκαν οριζόντια και όταν πιέστηκαν στο παιχνίδι. Viola Ναι Γκάμπα στην περιοχή των ήχων είναι κοντά στο τσέλο, βιολιού Da Braccho - στο βιολί, και βιολιού d "allur - στο alto. Μεταξύ των εργαλείων της Αναγέννησης, ο κύριος τόπος καταλαμβάνει ένα λαούτο (πολωνικό. Lutnia, Αραβικός. "Λουδή" - "Δέντρο"). Στην Ευρώπη, ήρθε από τη Μέση Ανατολή στο τέλος του αιώνα XIV, και από την αρχή του XVI αιώνα, για αυτό το εργαλείο, υπήρχε ένα τεράστιο ρεπερτόριο. Πρώτα απ 'όλα , SUSHNI που εκτελείται στην συνοδεία. Στη λαγανή σύντομη περίπτωση. Το άνω τμήμα είναι επίπεδο και ο πυθμένας θυμίζει το ημισφαίριο. Σε ένα ευρύ λαιμό προσαρτήθηκε στο λαιμό που διαχωρίστηκε με φρικιασμούς και η κεφαλή του εργαλείου ενοικιάζεται σχεδόν σε ορθή γωνία . Εάν επιθυμείτε, μπορείτε να δείτε την ομοιότητα από το μπολ στην εμφάνιση του λαούτου. Οι δώδεκα χορδές ομαδοποιούνται από ζεύγη και ο ήχος απομακρύνεται τόσο με τα δάχτυλά σας όσο και με ένα ειδικό ρεκόρ - τον διαμεσολαβητή. Στο XV τους XVI αιώνα Έχετε διαφορετικούς τύπους πληκτρολογίων. Οι κύριοι τύποι τέτοιων εργαλείων είναι η Harpsichin, ένα keycorder, chamblock, Vyrhzhyel - χρησιμοποιήθηκαν ενεργά στη μουσική της αναβάτης, αλλά η πραγματική άνυδή τους ήρθε αργότερα.

2.3 Όπερα Γέννησης (Camera Florentent)

Το τέλος της εποχής της αναβροχής χαρακτηρίστηκε από το σημαντικότερο γεγονός στη μουσική ιστορία - τη γέννηση της όπερας.

Στη Φλωρεντία συγκεντρώθηκαν μια ομάδα ανθρωπιστικών, μουσικών, ποιητών υπό την αιγίδα του ηγέτη του γράφημα Jovani de Bardi (1534 - 1612). Η ομάδα ονομάστηκε "κάμερα", τα κύρια μέλη του ήταν ο Julio Kachchini, ο Pietro Strozzi, ο Vincenzo Galilee (πατέρας αστρονομία Galileo Galilean), Giloramo Mei, Emilio de Kavalii και Ottavio Rhincchini στα νεαρά χρόνια.

Η πρώτη τεκμηριωμένη συναρμολόγηση του Ομίλου πραγματοποιήθηκε το 1573 και τα πιο ενεργά χρόνια εργασίας "Florentinent Camerats" ήταν 1577-1582.

Παρόμοια έγγραφα

Διακριτικά χαρακτηριστικά της μουσικής κουλτούρας της Αναγέννησης: η εμφάνιση των μορφών τραγουδιών (Madrigal, Wiliansiko, Frottol) και η οργάνωση της μουσικής, η γέννηση των νέων ειδών (Solo τραγούδια, καντάτα, Ororatoria, Operas). Την έννοια και τους κύριους τύπους μουσικής υφής.

Περίληψη, προστέθηκε 01/18/2012


Φωνητική, οργανική και φωνητική μουσική οργάνωση. Κύρια είδη και μουσικές κατευθύνσεις φωνητικής μουσικής μουσικής. Η δημοτικότητα του οργανικού τύπου μουσικής κατά τη διάρκεια της εποχής της Αναγέννησης. Την εμφάνιση των πρώτων ερμηνευτών Virtuoso.

Παρουσίαση, προστέθηκε 04/19/2014


Χαρακτηριστικά της ρωσικής μουσικής του XVIII αιώνα. Μπαρόκ - εποχή, όταν ιδέες για τη μουσική που θα έπρεπε να βρει το σχήμα τους, αυτές οι μουσικές μορφές δεν χάσουν συνάφεια και σήμερα. Μεγάλοι εκπρόσωποι και μουσικά έργα της εποχής μπαρόκ.

Περίληψη, προστέθηκε 01/14/2010


cheat φύλλο, προστέθηκαν 11/13/2009


Η εποχή της Αναγέννησης (Renaissance) ως η ακμή όλων των τύπων τέχνες και κυκλοφορία των στοιχείων τους σε αντίκες παραδόσεις και μορφές. Τους νόμους της αρμονίας που είναι εγγενής στη μουσική κουλτούρα της αναβάτης. Η ηγετική θέση της πνευματικής μουσικής: μάζα, motges, Ύμνοι και ψαλμοί.

Εξέταση, πρόσθεσε 05/28/2010


Twire Music Record. Το κύριο πεδίο των επαγγελματιών τραγουδιστών και χορωδών στην Αίγυπτο της εποχής του αρχαίου βασιλείου. Η χρήση του φοινικικού αλφαβήτου στην αρχαία Ελλάδα. Χορωδιακή τέχνη της μεσαιωνικής εποχής, της Ινδίας και της Κίνας. ΕΙΣΑΓΩΓΗ.

Παρουσίαση, προστέθηκε 06.10.2015


Η μουσική κατέλαβε ένα από τα πιο σημαντικά μέρη του συστήματος τέχνης της αρχαίας Ινδίας. Η προέλευσή του επιστρέφει σε λαϊκές και θρησκευτικές τελετουργίες. Οι κοσμολογικές παραστάσεις της αρχαίας Ινδίας άγγιξαν τις σφαίρες της φωνητικής και της οργάνωσης μουσικής. Ινδικά μουσικά όργανα.

Εξέταση, πρόσθεσε 15.02.2010


Μουσικό είδος ως ιστορικά καθιερωμένο είδος προϊόντος στην ενότητα του σχήματος και του περιεχομένου της. Τα κύρια είδη στη σύγχρονη μουσική. Essence ηλεκτρονικής μουσικής, Pop Wenre, ροκ μουσική, ραπ. Νέα είδη του XXI αιώνα. Τα πιο ασυνήθιστα μουσικά όργανα.

Εργασία μαθημάτων, πρόσθεσε 12/20/2017


Η προέλευση της ροκ μουσικής, κέντρα εμφάνισης, μουσικών και ιδεολογικών εξαρτημάτων. Ροκ μουσική της δεκαετίας του '60, την εμφάνιση άκαμπτης μουσικής και την άνθηση του γκαράζ βράχου. Εναλλακτική μουσική κουλτούρα. Ροκ μουσική της δεκαετίας του 2000 και τους ξένους όλων των εποχών.

Περίληψη, προστέθηκε 01/09/2010


Banner τραγούδι - Ιστορία της ανάπτυξης. Μουσική ποιητική και γυμνασογραφία. Μουσική γράφοντας την αρχαία Ρωσία. Χορωδιακή μουσική και δημιουργικότητα D. Bortnyansky. Η ιστορία της ρωσικής όπερας, τα χαρακτηριστικά του Ρωσικού Εθνικού Θέατρο. Δημιουργικά πορτρέτα των συνθετών.

Η αισθητική της αναβίας συνδέεται με την Μεγάλη Επανάσταση, η οποία εκτελείται σε αυτή την εποχή σε όλους τους τομείς της δημόσιας ζωής: στα οικονομικά, ιδεολογία, πολιτισμός, επιστήμη και φιλοσοφία. Μέχρι αυτή τη στιγμή περιλαμβάνουν την άνθηση της αστικής κουλτούρας, των μεγάλων γεωγραφικών ανακαλύψεων, εξαιρετικά επεκταθεί ορίζοντες του ανθρώπου, μετάβαση από το σκάφος στο εργοστάσιο.

Η επαναστατική ανάπτυξη των παραγωγικών δυνάμεων, η αποσύνθεση των φεουδαρχικών κυττάρων και των σχέσεων εργαστηρίων, οι οποίες έδειξαν παραγωγή, οδηγούν στην απελευθέρωση του ατόμου, δημιουργούν τις συνθήκες για την ελεύθερη και καθολική ανάπτυξη. Δεν υπάρχει αμφιβολία ότι όλα αυτά δεν μπορούσαν να επηρεάσουν τη φύση της κοσμοθεωρίας. Στην εποχή της αναβίας, η διαδικασία της θραύσης ρίζας του μεσαιωνικού συστήματος απόψεων στον κόσμο και το σχηματισμό μιας νέας, ανθρωπιστικής, ιδεολογίας. Αυτή η διαδικασία αντανακλάται στη μουσική αισθητική. Ήδη το XIV αιώνα από μόνη της τα συμπτώματα της αφύπνισης μιας νέας αισθητικής κοσμοθεωρίας. Ars Nova Art και την αισθητική, οι μεταχειρισμένες του John de Grorho και το Marketeto Paduansky σταδιακά χαλαρά το παραδοσιακό σύστημα μεσαιωνικής μουσικής θεωρίας. Μια θεολογική άποψη της μουσικής υπονομεύθηκε εδώ, με βάση την αναγνώριση κάποιου μη αξιόπιστου αίσθησης της ουράνιας μουσικής. Ωστόσο, η αιώνες παλιά παράδοση της μεσαιωνικής μουσικής θεωρίας δεν καταστράφηκε εντελώς. Χρειάστηκε ένας άλλος αιώνας, έτσι ώστε η μουσική αισθητική να διαφύγει τελικά από το πλαίσιο των παραδοσιακών συστημάτων.

Η μουσική αισθητική της Αναγέννησης στην ερμηνεία του ζητήματος του διορισμού της μουσικής βασίζεται στην πραγματική πρακτική που χαρακτηρίζεται από την έκτακτη ανάπτυξη της μουσικής στη δημόσια ζωή. Αυτή τη στιγμή, οι εκατοντάδες μουσικοί κύκλοι σχηματίζονται στις πόλεις της Ιταλίας, η Γαλλία, στην οποία ασχολούνται με μια σύνθεση ή ένα παιχνίδι σε διάφορα μουσικά όργανα. Η δική του μουσική και γνώση γίνεται απαραίτητα στοιχεία κοσμικής κουλτούρας και κοσμικής εκπαίδευσης. Ο διάσημος ιταλός συγγραφέας Baldasar Castiglion στην πραγματοποίηση του "στο γήπεδο" (1518) γράφει ότι ένα άτομο δεν μπορεί να είναι ευγενικό, "Αν δεν είναι μουσικός, δεν ξέρει πώς να διαβάζει μουσική από το φύλλο και δεν ξέρει τίποτα για διαφορετικά εργαλεία ". Σχετικά με την έκτακτη επικράτηση της μουσικής στην πολιτική ζωή του XVI αιώνα, η ζωγραφική αυτού του χρόνου αποδεικνύεται. Σε πολλές εικόνες που απεικονίζουν την ιδιωτική ζωή της αριστοκρατίας, συναντάμε συνεχώς εκατοντάδες ανθρώπους που ασχολούνται με τη μουσική: τραγούδι, παίζοντας, χορεύοντας, αυτοσχέδια κλπ.

Προηγουμένως, η αναζωογόνηση προέκυψε και αναπτύχθηκε στην Ιταλία. Ο αιώνας της Αναγέννησης σημειώνεται εδώ από την ισχυρή ανάπτυξη της λαϊκής ποίησης και της μουσικής και τις πλουσιότερες παραδόσεις της συντήρησης του τραγουδιού σε τέτοια είδη όπως το Laud, Fottol, Vilall, καταλαμβάνουν τον κύριο ρόλο. Ένα λιγότερο δημοφιλές είδος στην οικιακή αστική ενότητα ήταν η Καχχώστε, παρουσιάζοντας συνήθως μια ζουμερή σκηνή του είδους χρησιμοποιώντας το κείμενο και τη μουσική των υφιστάμενων ιχνηλάτων - μέχρι τις ισοπαλίες των παιδιών και των πωλητών. Ο Καχχώσε συχνά συνοδεύτηκε από έναν κυκλικό χορό χορού. Το ιταλικό μπαλάντ είναι επίσης ένα κοινό είδος των στίχων τραγουδιού που σχετίζεται με την απόδοση της σολό-χορωδίας (στη Γαλλία εκείνης της εποχής, παρόμοια χαρακτηριστικά είχαν ένα είδος VOELL). Οι άνθρωποι και τα τραγούδια του λαού και των τραγουδιών, ένα ορισμένο βάρος μιας μελωδικής αρχής, η ευφυία του τιμολογίου - Αυτές οι ιδιότητες κοσμικής οικιακής μουσικής διεισδύουν επίσης σε πνευματική μουσική, μέχρι το πολυφωνικό χάος.

Η μελωδική φύση της μουσικής συσχετίστηκε με το γεγονός ότι στην Ιταλία, οι παραδόσεις σόλο και σύνολο μυθισμελότητας σε χορδές των εργαλείων Brook αναπτύχθηκαν γρήγορα. Γενικά, η μεγάλη κατανομή της οργάνωσης μουσικής συνέβαλε στη δημιουργία μιας αποθήκης ομοφώνων και λειτουργικής αρμονίας.

Πριν από τους μουσικούς κύκλους της Ιταλίας, εμφανίστηκε ένα βιολί (το τελευταίο τέταρτο του XVI αιώνα) και την παραγωγή βιολίων κρεμικών δασκάλων Amati, Stradivari, Gwarnerty κ.λπ., ήταν ιδιαίτερα δημοφιλής με ένα λαχανικό (το πιο διάσημο συνθέτη- Βούτυρο - Francesco Milano), Viola, ισπανική κιθάρα, theorer (λαούτα μεγάλων μεγεθών).

Η δεξιότητα των βιολιού σχηματίζεται στο παρελθόν στα έργα του Β. Donati, L.Viadan, J.GIACOMELLY (ήταν διάσημος για την ικανότητα της μακροχρόνιας διατήρησης του τόξου και της τεχνικής του Legato). Ένα νέο βήμα στην ανάπτυξη της δράσης βιολιού συνδέεται με το έργο του K.Montverdi, το οποίο αναπτύσσει την τεχνική διέλευσης, εφαρμόζει Tremolo, Pizzicato, εμπλουτίζει τη δυναμική των PP και FF πολικές αντιθέσεις.

Μεγάλη ανάκαμψη παρατηρήθηκε στον τομέα του οργάνου και της σύνταξης. Από τα 40s Ο αιώνας XVI αυξάνεται απότομα ο αριθμός των οργανικών συλλογών απότομα, εμφανίζεται μια ολόκληρη πολεμική εξαίρεση των εκκρεμών οργανισμών - Willaert, Andrea και Giovanni Gabrieli, Claudio Merul, Cavazoni, εμφανίζονται. Αυτοί οι δάσκαλοι βάζουν τα θεμέλια της ιταλικής εξουσίας και δημιουργούν είδη οργάνου μουσικής - racherkar, Chancend, Toccata.

Οι κλασικές εκτελέσεις χρησιμοποιούν ευρέως τους χοροί οικιακής χρήσης, επεξεργασία λαϊκών κοσμικών τραγουδιών. Ένας εκκρεμείς συνθέτης-αυτοσχεδιαστής στο όργανο και το κλειδί ήταν ο Girolamo Frescobaldi, στην εργασία των οποίων εμφανίστηκαν ολόκληρες συλλογές ακαταστασίας μουσικής - χορευτικά κύκλους.

Η σύνθεση της Σχολής Συνθέτη της Ιταλίας αντιπροσωπεύεται επίσης από τις δραστηριότητες των επαγγελματιών συνθέτες-πολυφωνικοί - Adriana Villatert και των φοιτητών του Chiprian de Roor, Andrea και Giovanni Gabrieli, Giovanni Pierluiga da Palestrina. Η δημιουργική τους κληρονομιά είναι διαφορετική και, ως επί το πλείστον, αποτελείται από φωνητικά πολυφωνικά έργα - πολλές δεκάδες μάζα, πνευματικά και κοσμικά madrigals, μοτοσικλέτα που εκτελούσαν κυρίως από τη χορωδία ένα capella.

Η ισχυρή ανάπτυξη της πολυφωνίας στις Κάτω Χώρες οφείλεται στον πλούτο του λαϊκού πολυφωνικού και την παρουσία ειδικών κοιτώνων τραγουδιστών (μετρήσεις) στους καθεδρικούς ναούς των πλούσιων Ολλανδικών πόλεων.

Μερικές γενιές συνθετών ανήκαν στην ολλανδική πολυφωνική σχολή. Η δραστηριότητά τους προχώρησε όχι μόνο στις Κάτω Χώρες, που καλύπτεται από το έδαφος του σύγχρονου Βελγίου, το Λουξεμβούργο, νοτιοδυτικά των Κάτω Χωρών και το βόρειο τμήμα της Γαλλίας (από εδώ - το άλλο όνομα του σχολείου είναι ο Franco Flemadskaya). Μεγάλοι εκπρόσωποι του Ολλανδικού Σχολείου εργάστηκαν σίγουρα στη Ρώμη (Dufai, Obrecht, Joskin) και άλλες πόλεις (Villaners, Rail - στη Βενετία, το Isaac - στην Αυστρία και τη Γερμανία, Bensua - στο Dijon στην αυλή της Βουργουνδίας).

Η ολλανδική σχολή συνοψίζει την αιώνες παλιά ανάπτυξη της πολυφωνίας σε όλες τις χώρες της Ευρώπης. Αν και στο έργο αυτών των δασκάλων, η εκκλησιαστική μουσική καταλαμβάνεται, φυσικά, ο κορυφαίος, το λάθος

Λιγότερο, μαζί με τα πνευματικά έργα, οι συνθέτες έγραψαν πολλά κοσμικά πολυφωνικά τραγούδια, στα οποία αντικατοπτρίστηκαν ο πλούσιος κόσμος ιδεών και συναισθημάτων, χαρακτηριστικά της Αναγέννησης.

Το πιο μνημειακό είδος δημιουργικότητας των ολλανδικών πολυφωνικών ήταν η Μέσια, στην οποία συνέβησαν η πεμπτουσία των αρχών της πολυφωνικής αυστηρής στυλ. Ωστόσο, οι δραστηριότητες κάθε κύριου ανακαλύπτουν καινοτόμα χαρακτηριστικά που σχετίζονται με την αναζήτηση εξόδου των καθιερωμένων εκφραστικών κανόνων. Η υποστήριξη στο εκτεταμένο τραγούδι και το χορευτικό υλικό, η αμοιβαία επιρροή των πνευματικών και κοσμικών ειδών οδηγεί σε μια σταδιακή κατανομή στην πολυφωνική μελωδική φωνή, στο σχηματισμό χορδής κάθετης και λειτουργικής σκέψης.

Το στέμμα της ολλανδικής πολυφωνίας του XVI αιώνα ήταν το έργο του Ορλάντο Λάσσο. Ήταν στο έργο του ότι τα ευρύτερα συμφέροντα του είδους της Αναγέννησης συγκεντρώθηκαν: έδωσε φόρο τιμής σε όλες σχεδόν τις φωνητικές μορφές του χρόνου του - Madrigan, Messe, Motetu, Γαλλικό Chanson και ακόμη και ένα γερμανικό πολυφωνικό τραγούδι. Τα έργα του συνθέτη είναι κορεσμένα με ζωτικές αληθινές εικόνες, έχουν μια φωτεινή μελωδία, ένα ανάγλυφο διαφορετικό ρυθμό, που αναπτύχθηκε με συνέπεια από το αρμονικό σχέδιο, το οποίο εξασφάλισε την έκτακτη δημοτικότητά τους (χρησιμοποιήθηκαν επανειλημμένα από άλλους συνθέτες για λαούτα και οργανικές θεραπείες).

Η ανάπτυξη των αναγεννησιακών τάσεων και ο σχηματισμός της γαλλικής εθνικής κουλτούρας έχει ήδη προγραμματιστεί στο XIV αιώνα. Οι εξαιρετικοί εκπρόσωποι της τέχνης της πρώιμης αναγέννησης στη γαλλική μουσική ήταν ο Philip de Vitrate και η Gille de Masha, ο οποίος άφησε μια μεγάλη κληρονομιά στα είδη των Virlael, Le, Rondo Ballades.

Βαθιά ζωτικής σημασίας και ρεαλιστική ήταν η πιο χαρακτηριστική για το γαλλικό μουσικό τέχνης Chanson, το οποίο είναι ένα σχήμα τραγουδιού πολλαπλών φωνητικών με κοσμικό κείμενο και συνήθως μελωδία οικιακής χρήσης των ανθρώπων. Βρισκόταν σε αυτό το είδος ότι τα νέα αναγεννησιακά χαρακτηριστικά εμφανίστηκαν πιο φωτεινά στο περιεχόμενο, τα γραφικά, τα χαρακτηριστικά των εκφραστικών παραγόντων.

Το γαλλικό chanson των XV-XVI αιώνες είναι ένα είδος "εγκυκλοπαίδειας" της γαλλικής ζωής εκείνης της εποχής. Το περιεχόμενό του ποικίλλει και μπορεί να είναι αφηγηματική, λυρική, οικεία, λυπημένος, κόμικ, περιγραφικός, χαλαρός. Χαρακτηρισμένη και ποικιλία της κλίμακας τους - από μερικά ρολόγια έως και 42 σελίδες.

Η απλότητα και η κύρια εκφραστική πράκτορες, μια περιοδική δομή με ορισμένες απολήξεις στο D και T, η υποδοχή των υπονόμων, η οποία στη συνέχεια συλλέγεται από ολόκληρο το σύνολο - τυπικά χαρακτηριστικά του είδους, της οποίας η μουσική μοιάζει μερικές φορές ένας λαϊκός χορός, λυρικό-επικό Επιλέξτε το τραγούδι της πόλης του δρόμου - ένα modist του μελλοντικού Waterville. Για τη μουσική, ο Chanson χαρακτηρίζεται από την υπογραμμισμένη ρυθμική βάση, μερικές φορές χαρακτηρίζεται από αγοραστή αποθήκη ή κυκλική Rondo-ανθρωπότητα, τα λαϊκά όργανα μπορούν να χρησιμοποιηθούν για την εξόφληση.

Ο σημαντικότερος συνθέτης της Γαλλικής Αναγέννησης ήταν ο Clement Zhenken, στο έργο του οποίου αντανακλώθηκε και λεπτό στίχοι αγάπης (σε τραγούδια στα κείμενα του ποιητή Ronsar) και την έκφραση θλίψης και θλίψης, και τις πλήρεις ζωές και τις κινήσεις του Σκηνή της δημοφιλούς διασκέδασης. Στην κληρονομιά του, το λογισμικό Big Choir τραγούδι-φαντασίας, γεμάτο εφευρετικότητα και πνευματικά ευρήματα στην περιοχή των χορωδικών επιστολών. Σε αυτά, ο Zainen έδειξε τη ζωή και τη ζωή του χρόνου του. Η πιο διάσημη "μάχη", "Κυνήγι", "Τραγουδώντας τα πουλιά", "Street Shouts outs of Paris".

Εκτός από περισσότερα από 200 τραγούδια, έγραψε ο Dequen και Motges, και η μάζα. Αλλά στον τομέα της μουσικής για την καθολική λατρεία, χρησιμοποιεί με τόλμη λαϊκές μελωδίες, κλονίζει πνευματικά κείμενα για τον Fanfare Turnber της στρατιωτικής μουσικής, εισάγει ρυθμούς χορού.

Σε μεγάλο βαθμό, μια τέτοια έκκληση στο τραγούδι και το χορευτικό υλικό του λαού ήταν χαρακτηριστικό πολλών συνθέσεων της Αναγέννησης, οι οποίες ενωμένοι στο ενδιαφέρον τους για τα πνευματικά και κοσμικά είδη, τα οποία οδήγησαν στην τελική κατανομή της κοσμικής μουσικής σε μια περιοχή Καλλιτεχνική ανεξαρτησία και επαγγελματισμό.

Η ιταλική αναγέννηση λέξεων στους αρχικούς ήχους όπως η Rinascita, εφευρέθηκε ο Γιώργος Βαζάρι. Για πρώτη φορά, ο όρος του χρησιμοποιήθηκε από αυτόν στην εργασία των "τρόπων ζωής" κατά την έννοια της "ανθοφορίας των τεχνών" για να δείξει την περίοδο κατά την οποία οι καλλιτέχνες στο έργο τους απελευθερώθηκαν από το ελληνο-βυζαντινό και το ρωμαϊκό λατινικό κανονικές μορφές.

Για να καθορίσει το πολιτιστικό κίνημα στην Ευρώπη από τον 14ο έως τον 17ο αιώνα, ο όρος "αναγεννησιακή" ή η "αναγέννηση" (από το ιταλικό ρήμα "Rinascere" "αναβίωσε") που χρησιμοποίησε τον 19ο αιώνα στο έργο της "Ιστορίας της Γαλλίας" Γάλλος ιστορικός Jules Mishal.

Λίγο για την εποχή της αναβάτης γενικά

Η εποχή της αναβιαστικής χαρακτηρίζεται από την ανακεφαλαιοποίηση του κλασικού (που σημαίνει ελληνορωμαϊκός κλασικισμός) του πολιτισμού. Πολλοί ερευνητές πιστεύουν ότι οι αναγεννησιακές ιδέες έχουν την προέλευσή τους στα τέλη του 13ου αιώνα στη Φλωρεντία στη λογοτεχνία και τις εικαστικές τέχνες και συνδέονται, ειδικότερα, με τα έργα του Πολιτισμού του Νταντέ, του Francesco Petrarchi και τις τοιχογραφίες του Jotto di Bondone.

Παρά το γεγονός ότι οι ποιητές, οι καλλιτέχνες, οι φιλόσοφοι της εποχής ήταν και όχι λιγότερο θρησκευτικοί από τους προκατόχους τους

Επιδίωξαν στη συμφιλίωση των θεολογικών πρακτικών με τη νέα πνευματική έρευνα (η φιλοσοφία που ονομάζεται ανθρωπισμός, διαπερνά το σύνολο της εποχής). Ήταν η ώρα να ενεργοποιήσετε τις διδασκαλίες, τα επιστημονικά επιτεύγματα, τις μεγάλες γεωγραφικές ανακαλύψεις. Στη μουσική που θα αποτελέσει αναπόσπαστο μέρος της θρησκευτικής, αστικής και δικαστικής ζωής, σημειώθηκαν καρδινικές αλλαγές, ξεκινώντας από τον 15ο αιώνα.

Περιοδοποίηση και εξέλιξη της μουσικής αναβιαστικής

Οι περισσότεροι μουσικοί ιστορικοί πιστεύουν ότι η εξέλιξη της αναγεννησιακής μουσικής καλύπτει την περίοδο σε 200 χρόνια. Παραδοσιακά, χωρίζεται σε:

• Μουσική της πρώιμης αναγεννησιακής περιόδου, από 1400 έως 1467 χρόνια.
• Μουσική της μεσαίας περιόδου της Αναγέννησης, από τις 146 Ιουλίου έως 1534.
• Μουσική αργά (ή υψηλής) Αναγέννησης, από το 1534 έως το 1600.

Η περιεκτικότητα σε στροφή συνδέεται με την άνθηση και την κυριαρχία διαφόρων συνθέτη σχολείων στη Δυτική Ευρώπη. Τα στιλιστικά χαρακτηριστικά που καθορίζουν τη μουσική της Αναγέννησης είναι μια πολυφωνική υφή που υπακούει τους νόμους του αντιστάθμιστου και ρυθμίζεται που κληρονόμησε από τον Μεσαίωνα από το σύστημα Modal της Gregorian Khorala.

Η μουσική κουλτούρα της αναβιαστικής είναι μερικές φορές τοποθετείται ως η "Χρυσή Εποχή της Χορωδιακής Μουσικής". Στην πραγματικότητα, οι ορίζοντες της μουσικής επεκτάθηκαν σημαντικά.

Εάν, κατά τη διάρκεια του Μεσαίωνα, οι συνθέτες και οι μουσικοί εργάστηκαν κυρίως στην εκκλησία, τότε λόγω της θρησκευτικής και κοσμικής χωρισμένης, το οποίο συνέβη στη δυτική Ευρώπη στην αναγέννηση εποχής, η μουσική βρήκε αρκετούς προστάτες: καθολικές και προτεσταντικές εκκλησίες, βασιλικές αυλές, πλούσιες Αριστοκράτες, μια νέα αστική τάξη. Όλοι τους έγιναν πηγές εισοδήματος για τους συνθέτες, συμπεριλαμβανομένης, φυσικά, και του μελνδιούχου: ο αναγεννησιακός μουσικός πολιτισμός συνδέεται στενά με τις νέες τεχνολογίες (εφεύρεση της τυπογραφίας των κινούμενων γραμμών του Johann Guttenberg).

Αισθητικά χαρακτηριστικά της αναβαλλόμενης μουσικής

Όπως και άλλες τέχνες, η μουσική ήταν σε μεγάλο βαθμό υπό την επίδραση των γεγονότων που καθορίζουν την εποχή της αναβαλλόμενης στο σύνολό της: την ανάπτυξη της ανθρωπιστικής σκέψης, την αποκατάσταση της ελληνορωμαϊκής κλασικής κληρονομιάς, καινοτόμων ανακαλύψεων. Τα αρχαία κείμενα έχουν αναθεωρηθεί, μιλώντας και πάλι ως αντικείμενο για μελέτη και επεξεργάστηκαν, αλλά μόνο σύμφωνα με τις αναπτυσσόμενες επιστήμες.

Ενώ όλες οι τέχνες και οι επιστήμες θεωρήθηκαν διασυνδεδεμένες στον αρχαίο ελληνικό πολιτισμό, οι ανθρωπιστές της αναγέννησης εποχής τους ήταν διαιρεμένοι, τονίζουν και μελετώντας τις ατομικές τους ιδιότητες. Η μουσική, ειδικότερα, θεωρήθηκε εκφραστική τέχνη ικανή να επηρεάσει τα συναισθήματα και τα συναισθήματα, τι ήταν ανήκουστο για μεσαιωνική εποχή.

Οι προσπάθειες για την οργάνωση της γνώσης στη μουσική περιελάμβαναν την παραγγελία της εξωτερικής εξόχησης, ώστε να είναι δυνατόν να καθοριστεί η σχέση μεταξύ σημειώσεων και ανθρώπινων συναισθημάτων.

Είναι επίσης σημαντικό η μουσική κουλτούρα της αναβιβλητίας να χαρακτηρίζεται από την έννοια του ανθρωπισμού. Λόγω της, συνέβαλε η μετατόπιση των πνευματικών προδίων - από την εκτεταμένη κυριαρχία της θρησκευτικής σκέψης στις δυνατότητες και τα επιτεύγματα ενός κοσμικού ατόμου. Η ατομική δημιουργική μεγαλοφυία του ανθρώπου ήταν σε πολύ υψηλότερη θέση. Αυτό σήμαινε ότι πολλοί συνθέτες αναγνωρίστηκαν.

Ωστόσο, κυρίως η αναγεννησιακή μουσική ήταν πνευματική, όπως στη μεσαιωνική στιγμή, αλλά οι "ανθρωπιστικές" αλλαγές επηρέασαν την αναζήτηση για μια φωτεινότερη εκφραστικότητα σε αυτήν - για να επιτύχει την τελειότητα.

Η κύρια μουσική της πρώιμης περιόδου αναγέννησης, γραμμένο για σημαντικές εκκλησίες και τα βασιλικά παρεκκλήσια, είναι οι πολυφωνικές μάζες και τα ψαλίδια (Motes) στα Λατινικά. Αλλά υπό το πρίσμα των θρησκευτικών μεταρρυθμίσεων, προέκυψαν νέα είδη πνευματικής μουσικής, μια τέτοια μεγάλη σοκ στη σκηνή της εκκλησίας οδήγησε στο γεγονός ότι η κοσμική μουσική κέρδισε πραγματική δύναμη και θα μπορούσε ήδη να ανταγωνιστεί με τον «ιερό» συνάδελφό του.

Σύνθετα σχολεία της Αναγέννησης

Στις αρχές του 15ου αιώνα, η αγγλική Σχολή Πολυφωνιστών με επικεφαλής τον John Dunstaibl προτείνεται. Ένα νέο αγγλικό ύφος με βάση τη χρήση ενός νηφάλινου, που υπαγορεύεται από ένα μουσικό ρυθμό (με κάθε φωνητική γραμμή που κινείται μαζί στο "κάθετο" στυλ) επηρέασε σημαντικά τη Σχολή Συνθέτη Βουργουνδίας.

Το πιο σημαντικό μεταξύ των συνθέσεων της Σχολής της Βουργουνδίας ήταν το Guillaume Dufai, της οποίας η μουσική δημιουργικότητα περιελάμβανε ψαλίδια, μάζα, κοσμικά έργα που χαρακτηρίζονται από μελωδικό λυισμό.

Το κίνημα που χαρακτηρίζεται ως Franco Flemish School χαρακτηρίζεται από την ισχυρή ανάπτυξη μιας πολυφωνικής φωνητικής μουσικής σύνθεσης που έθεσε τη βάση της σύγχρονης αρμονίας. Οι πιο διάσημοι εκπρόσωποι - "Συνθέτης των τριών γαλλικών βασιλιάδων": Ο Γιοχάννς Οντέμ και ο Jacob Obrecht.

Η μουσική κουλτούρα της αναβάτης του πρώτου μισού του 16ου αιώνα χαρακτηρίζεται από το γεγονός ότι οι Φραγκο φλαμανδικοί συνθέτες συνεχίζουν να το κυριαρχούν, μεταξύ των οποίων το πιο διάσημο ήταν ένα goskien dere, το στυλ του οποίου αντιγράφει πολλούς συνθέτες. Στην πολυφωνική μουσική, οι κανόνες που έχουν χρησιμοποιηθεί προηγουμένως υπήρχε σύνθετες δομές, αλλά ομαλά σε συνδυασμό με μελωδίες που υπογραμμίζουν τις ποιητικές γραμμές, και δεν τους καλύπτουν.

Για την εποχή αυτή, ήταν αρκετά κοινό ότι οι κορυφαίοι συνθέτες ταξίδευαν πολλά, εργάστηκαν σε διαφορετικούς προστάτες στην Ιταλία, την Ισπανία, τη Γερμανία, τη Γαλλία. Η ανταλλαγή μουσικών ιδεών που σχηματίστηκαν, αν μπορείτε να μετρήσετε αυτό, το πρώτο διεθνές στυλ, από την εποχή της γρηγορικής χορωδίας τον 9ο αιώνα.

Από το δεύτερο μισό του 16ου αιώνα της αξεπέραστης κυριαρχίας στη μουσική τέχνη, οι Ιταλοί συνθέτες αναζητούν. Μεταξύ των εικονιδίων - Giovanni Pierluja da Palestrina.

Αναγεννησιακά είδη μουσικής

Το πνευματικό φωνητικό είδος είναι η Mesia και το μοτίβο. Τα κοσμικά είδη - Madrigal (στην Ιταλία και την Αγγλία), Chanson (στη Γαλλία), LEED (στη Γερμανία).

Παρά το γεγονός ότι η μουσική πάνω από την εποχή προτιμάται κατά προτίμηση από τα φωνητικά, τα εργαλεία χρησιμοποιούνται όλο και περισσότερο. Οι εκτελεστές για τα εργαλεία μερικές φορές συνοδεύουν τους τραγουδιστές, από καιρό σε καιρό αντικατέστησαν κάποιες ψήφους αν δεν υπήρχαν τραγουδιστές.

Τα εργαλεία κυμαίνονταν από τα μεγάλα, όπως το σώμα και η Harpsichine, Viola de Gamba, σε ένα μικρό - Harp (αργότερα LUUTE), η συσκευή εγγραφής (Blockball). Σταδιακά, οι συνθέτες αρχίζουν να γράφουν έργα μόνο για εργαλεία χωρίς φωνητιστές.

Η μουσική έχει επηρεάσει σημαντικά τους χορούς του δικαστηρίου, εισάγοντας ένα ευρύ φάσμα εργαλείων για τη συντήρησή τους. Τα εργαλεία χρησιμοποιήθηκαν στην εκκλησία, κατά τη διάρκεια των εορταστικών και δημόσιων εκδηλώσεων, στις θεατρικές παραγωγές, σε ιδιωτικά σπίτια.

Ο αιώνας του XV αποδείχθηκε αποφασιστικός για την ανάπτυξη της μουσικής τόσο με την καλλιτεχνική έννοια όσο και στην εξέλιξη της τεχνικής εκτέλεσης. Η πολιτιστική σύγκρουση που προκύπτει μεταξύ της χριστιανικής εκκλησίας και του κοσμικού κόσμου προέβλεπε την επακόλουθη ταχεία ανάπτυξη των μουσικών κατευθύνσεων που δεν σχετίζονται με τις εκκλησιαστικές τελετές και τις υπηρεσίες.
Η κοινωνία εκείνης της εποχής είναι κάπως "κουρασμένος" από τον ίδιο τύπο, αν και μαθηματικά σωστά μεσαιωνικά κανόνια και χρειάζεται να δημιουργήσει ευκολότερη, κοσμική μουσική. Η δημιουργική αναζήτηση για πολλές γενιές μουσικών και συνθέσεων οδήγησε στην ανάπτυξη πολλών νέων μουσικών ειδών, χορού και θεάτρου.
Οι πρώτες ιδέες της μεταρρύθμισης της πολυφωνίας προέκυψαν στις αρχές του 15ου αιώνα και ανήκαν στη Βουργουνδία, στα αγγλικά, τη Φλάνδερη, καθώς και τα ιταλικά μουσικά σχολεία. Ο John Dunstabeble, ο εκπρόσωπος της αγγλικής σχολής, περιγράφει τα θεμέλια της τεχνικής foburdon (κυριολεκτικά, ψεύτικο μπάσο). Σε πολυ-φωνή έργα, σημειώθηκε μόνο η μέση φωνή και προστέθηκαν οι ανώτερες και χαμηλότερες φωνές κατά τη διάρκεια της εκτέλεσης.
Περαιτέρω ανάπτυξη αυτής της τεχνικής αντανακλάται στα γραπτά του Guillaume Dufai (1400-1474), η οποία όχι μόνο συστηματοποιήθηκαν κυκλικές μάζες, αλλά και πρόσθεσε στοιχεία κοσμικής μουσικής. Ακολούθησε ο Joan Okkhem και ο Jacob Oberech, και ο πιο διάσημος μουσικός εκείνης της εποχής ήταν ο Zoshen Depe (1440-1521).
Οι Δάσκαλοι της Ιταλικής Σχολής, συμπεριλαμβανομένων των Γιοϊβαντί Παλαιστρίνα (1525-1594), Tomazo de Victoria (1548-1611), επίσης επεξεργάστηκαν στην προσκόλληση της πολυφωνίας του αναπτήρα και του υψηλού στυλ και τα νέα κείμενα εμφανίστηκαν να εξισώσουν τη μουσική και τη λέξη στην ιταλική μουσική τέχνη.

Αναγέννηση. Μαδριγάλιο

Ένα από τα πιο κοινά είδη κοσμικής μουσικής της Αναγέννησης ήταν το Madrigal, ένα κυριολεκτικά δηλώνει το τραγούδι στην μητρική του γλώσσα (μητρική). Η βάση του νέου μουσικού είδους ήταν τα ιταλικά shepherd τραγούδια.
Αρχικά, στο XIV αιώνα, οι Madrigals αποτελούνταν για δύο ή τρεις ψήφους κάτω από τη συνοδεία ενός μουσικού οργάνου που επανέλαβε τον πύργο της ανώτερης φωνής. Οι Madrigals συχνά ακούγονται σε κοσμικές διακοπές, γάμους. Μέχρι τη μέση του XVI, η Madrigals εκτελείται ήδη από πέντε ψήφους, η σχέση μεταξύ των μερών αυξάνεται, η μουσική του είδους γίνεται πιο εκφραστική.
Μαζί με την "ελαφρότητα", το Merry, Madrigal απορρόφησε τις αιώνες-παλιές παραδόσεις της χριστιανικής μουσικής. Αυτός ο συνδυασμός χρησιμοποιήθηκε από εξέχοντες μαδριγαλιστές εκείνης του χρόνου Sipriano de Roor και Giuseppe Palestrina. Στο τέλος του αιώνα xvi, ο Madrigal επηρεάζεται όλο και περισσότερο από το Affetti: αγάπη ευχαρίστηση, σημειώσεις μελαγχολίας και υποβολή στη μοίρα.
Οι μεγαλύτεροι πλοίαρχοι του είδους του χάλυβα της Luca Marreinsio (1553-1599), Jesualdo da Venose (1561-1613) και. Δημιουργήθηκε από αυτές πολυάριθμες συλλογές Madrigalls, καταπληκτικό μελωδιού, μια ποικιλία ρυθμικών μορφών και πολλές καινοτόμες μουσικές λύσεις διαδραμάτισαν έναν κρίσιμο ρόλο στην ανάπτυξη της μουσικής της Αναγέννησης.

Intermedia. Όπερα Γέννησης

Περαιτέρω ανάπτυξη της μουσικής τέχνης προκαθορισμένη την εμφάνιση του ενδιάμεσου. Η άνθηση αυτού του είδους έπεσε στο πρώτο μισό του XVI αιώνα, όταν αρκετοί διασυνδεδεμένοι βομβονόγο BartolomeoOrece ακουγόταν στο γάμο του Alfonso d'Est και Lucretia της Borgia, εκπρόσωποι της μεγάλης ιταλικής φυλής.
Ακολούθως, η Intermedia άρχισε να ακούγεται με τα μεγαλύτερα αριστοκρατικά ευρωπαϊκά ναυπηγεία. Η μουσική του Intermedius δεν διατηρείται πρακτικά, αλλά τα συλλεχθέντα αποδεικτικά στοιχεία μας λένε για το εξαιρετικό πεδίο του προκάτοχου της όπερας: μερικές ορχήστρες μιλώντας σε γάμους μεγάλων ευγενών, υπάρχουν περισσότερες από είκοσι χορδές, τα μουσικά όργανα του ανέμου και των κραδασμών. Η φήμη των σύγχρονων του Intermedia ήταν ευχαριστημένος με τη βιόλα Da Gamba, Lute, Piccolo Flutes, Swirls, Lira, Oboe και Double Bass.
Καινοτόμες ιδέες των συνθέσεων της Αναγέννησης, καθώς και η εμφάνιση νέων μουσικών οργάνων οδήγησαν σε μια θεμελιώδη αλλαγή της μουσικής τέχνης - την εμφάνιση της όπερας. Τα πρώτα βήματα προς αυτή την κατεύθυνση πραγματοποιήθηκαν από φιλόσοφους, μουσικούς και ποιητές, ενώθηκαν σε ένα είδος πολιτιστικής ακαδημίας - η φλωρεντίνη κάμερα.
Count Giovanni del Vernio (1534-1612), ο συγγραφέας πολλών μεταχειρισμένων σχετικά με την ιστορία και τη θεωρία της μουσικής, συνθέτες του Jacopo Peri (1561-1633), Vincenzo Galilee (1520-1591), πατέρας του διάσημου αστρονόμου, και επίσης τον Ιούλιο Kachchini, Luca Marreinsio και Claudio Monteverdi.
Τα πρώτα έργα που δημιουργήθηκαν με βάση τις μουσικές έννοιες των φλωρεντικών Camerats, έγιναν η όπερα "Daphne" και η "Evridika" των συνθέσεων του Περίου και του Καχχιζιού, και οι πιο φωτεινές αρχές των Camerats ενσωματώνονται στις επιχειρήσεις Opera MonToverdi, Upeva Επιστροφή και "Poppie Coronation".

Αναγέννηση. Λέξεις-κλειδιά:

Η εφεύρεση κατά το δεύτερο μισό του συστήματος XV αιώνα των ειδικών πινακίδων για εργαλεία πληκτρολογίου και λαούτα (TAGULatures), η εμφάνιση συλλογών για το όργανο και το λαούτο χρησίμευσε ως το ίδρυμα για την ανάπτυξη της μουσικής εργαλείων της αναγέννησης εποχής.
Το παλαιότερο κομμάτι της σύνθεσης για το όργανο που βρέθηκε από τους ιστορικούς χρονολογείται από το 1425 (ένας άγνωστος συγγραφέας από τη Μονή Σιλεσίας του Σαγκάν). Το 1448, τα πρώτα δοκίμια εμφανίστηκαν για το σώμα στο οποίο χρησιμοποιήθηκε το πεντάλ (πέντε πρελούρια-προοίπους του Αδάμ Ιλόμπο). Ο πιο διάσημος καλλιτέχνης της μουσικής οργάνων του XV αιώνα είναι ο γερμανικός μουσικός Konrad Poifan (1410-1473). Το Περού του ανήκει στη συλλογή "Buxheimer Orgelbuch", η οποία έχει 250 έργα για το όργανο του δικού του δοκίμιου και άλλων μουσικών ρυθμίσεων.
Οι Ισπανοί μουσικοί και συνθέτες αντιπροσώπευαν επίσης ένα σημαντικό μέρος της αναγεννησιακής κληρονομιάς της μουσικής κληρονομιάς της εποχής. Δημοσιεύθηκε το 1557 από το Louis Endrose "Νέο μουσικό μέγεθος για το πληκτρολόγιο, το βιολικό και το Harp", περιελάμβανε πολλά τραγούδια, φαντασιώσεις, χορό και ύμνους διάσημων ισπανών συνθέτες. Το έργο του Antonio de Kabestov, ένας από τους πιο διάσημους μουσικούς της Ευρώπης, διακρίνεται ζωντανά. Τα έργα του που συλλέγονται σε "γραπτά για πληκτρολόγια, βιολάρια και άρπα" (1578), ήταν γνωστό πολύ πέρα \u200b\u200bαπό την Ισπανία.

Αναγέννηση. Μουσική για λαούτα και βιόλα

Η μουσική τέχνη του XVI αιώνα χαρακτηρίζεται από μια ευρεία διανομή στην ευρωπαϊκή μουσική των νέων μουσικών οργάνων - Lute και Viola. Αυτά τα εργαλεία ήταν ιδανικά τόσο για συνοδεία όσο και για κάποια στιγμή σε ορισμένες στιγμές μουσικών έργων. Η πρώτη συλλογή που περιέχει όχι μόνο πολυφωνικά έργα, αλλά και τα πρώτα δείγματα της λαούδας, έγινε η εργασία του Ιταλού Εκδότη Οταβιανόβιτς "Intabulatura de Lauto", ημερομηνία 1507.
Το LUTY έχει πολλές ρυθμίσεις και καρτέλες. Πολλοί συνθέτες και μουσικοί θεωρητικοί, συμπεριλαμβανομένου του Hans Görle, Juan Bermudo, Vincenzo Galilee, αποκλίνουσαν σε απόψεις σχετικά με τον βέλτιστο αριθμό των Lads. Αλλά, παρά τις διαφωνίες, όλοι οι εμπειρογνώμονες συγκλίνουν στο κύριο πράγμα: ένα λαούτο, όπως τα πληκτρολόγια, κατέστησαν δυνατή την εκτέλεση πολλών φωνητικών έργων χωρίς τη χρήση άλλων εργαλείων.
Το LUUTE ήταν η μεγαλύτερη εξάπλωση στην Ιταλία, τη Γαλλία, τη Γερμανία και στη συνέχεια στην Αγγλία. Μεταξύ των διάσημων συνθετών που οι τσαλακωμένες χιλιάδες μουσικές δεν πρέπει να σημειωθούν Vicyzo Kapirla, Petrucci, Matthais Weiselle, Matias Reiman, John Dowland και Thomas Morney.
Μεταξύ των ισπανών μουσικών, ένας λαούτο δεν αποκτήθηκε μεγάλη δημοτικότητα. Οι καλλιτέχνες προτιμούσαν τη βιολική, η οποία ήταν σαν λίγο, αλλά είχε ένα ιδιόμορφο, παρόμοιο με μια σύγχρονη κιθάρα, ένα κύτος. Δύο τύποι βιολιού Da Gamba είναι γνωστοί: "Χειροκίνητη βιόλα" και "Βίβα ποδιών". Ο Louis de Milan, ο Alonso Midarra, εμπλουτίζεται ο De Valderrabano έγινε οι πιο διάσημοι δάσκαλοι που γράφτηκαν για "χειροκίνητη βιόλα", Alrikes de Valderrabano, και Thomas de Santa Mary.

Αναγέννηση. Επανάσταση της μουσικής σφραγίδας

Η εφεύρεση του John Gutenberg της νέας τεχνολογίας εκτύπωσης, που πραγματοποιήθηκε στον αιώνα XV, αντανακλάται σε όλες τις σφαίρες της πολιτιστικής ζωής της Ευρώπης. Δεν παραμένουν στην άκρη και τη μουσική τέχνη. Ήδη στο δεύτερο μισό του 20ού αιώνα, τα πρώτα εκτυπωτικά σπίτια που ειδικεύονται στις μουσικές δημοσιεύσεις εμφανίζονται στην Ολλανδία και τη Γερμανία. Η διαδικασία δημιουργίας βιβλίων αφιερωμένου στη μουσική ήταν αρκετά επίπονη. Κάθε σελίδα εκτυπώθηκε τρεις φορές: η πρώτη σφραγίδα - για ένα νέο μύλο, τη δεύτερη σφραγίδα - και το τρίτο - για τους αριθμούς κειμένου και σελίδων.
Συλλέκτης Super Magnificat, που δημιουργήθηκε από τον Hersson από την Esslla το 1473 και το Missale Romanum, τυπωμένο το 1476 στο Ρωμαϊκό Εργαστήριο Ulrich Khan, θεωρείται η πρώτη μουσική σύνταξη μουσικής.
Αρχικά, τα κέντρα μουσικών εκδόσεων έγιναν πολιτιστικά αναπτυγμένες ιταλικές πόλεις στη Βενετία, το Μιλάνο, τη Φλωρεντία και τη Νάπολη, όπου οι τοπικοί πλούσιοι αριστοκράτες με κάθε τρόπο υποστήριξαν τους εκδότες. Οι πιο διάσημοι Ιταλοί εκτυπωτές ήταν ο Ottaviano Petrucci, Andrea Antiko, και αργότερα Antonio Gardano.
Το πιο διάσημο Renaissance Paris Primer - Pierre Atthannat (1494-1551), ένας μουσικός που έχει αφιερωμένη ζωή στη δημοσίευση τραγουδιών, εκκλησία Messe και Chants. Η πιο δημοφιλής έκδοση Othannata είναι η συλλογή Chansons Nouvelles, που δημοσιεύθηκε το 1527. Η ταχεία ανάπτυξη του Τύπου των μουσικών δημοσιεύσεων ήταν δυνατή χάρη στις δραστηριότητες και άλλους μεγάλους εκτυπωτές: Jacques Mozhell (Lyon), Tillman Sustoate (Amberres), Thomas Tallisa και Villama Bird (Λονδίνο).

Υπουργείο Παιδείας της Ρωσικής Ομοσπονδίας

Κράτος της Μόσχας Υπαίθριο Παιδαγωγικό Πανεπιστήμιο

τους. M.A.SHOLOKHOVA

Τμήμα Αισθητικής Εκπαίδευσης

ΕΚΘΕΣΗ ΙΔΕΩΝ

"Μουσική της Αναγέννησης"

Φοιτητές 5 (Count)

Πλήρης μελέτη - απουσία υποκατάστημα

Sleepy Love Pavlovna

Δάσκαλος:

Zatsepina Maria Borisovna

Μόσχα 2005

Αναβίωση - Η εποχή της ακμή του πολιτισμού της Δυτικής και της Κεντρικής Ευρώπης κατά τη μετάβαση από τον Μεσαίωνα στη νέα περίοδο (XV-XVII αιώνες). Η κουλτούρα της αναβάτης δεν στενεύει και συχνά αντικατοπτρίζει τη διάθεση των ευρειών μαζών, στη μουσική κουλτούρα παρουσιάζει αρκετά νέα επιρροή δημιουργικά σχολεία. Η κύρια ιδεολογική ράβδος ολόκληρης της περιόδου αυτής της περιόδου ήταν ο ανθρωπισμός - μια νέα, πρωτοφανής ιδέα ενός ατόμου ως ελεύθερου και ολοκληρωμένου πλάσματος που έχει αναπτυχθεί απεριόριστη πρόοδος. Ο άνθρωπος είναι το κύριο θέμα της τέχνης και της λογοτεχνίας, το δημιουργικό των μεγαλύτερων εκπροσώπων του Αναγεννησιακού Πολιτισμού - F. Petraki και D. Boccacio, Leonardo da Vinci και Michelangelo, Raphael και Titian. Οι περισσότεροι πολιτισμοί αυτών των ίδιων της εποχής ήταν ευρύτερα προικισμένοι άνθρωποι. Έτσι, ο Leonardo da Vinci δεν ήταν μόνο ένας εξαιρετικός καλλιτέχνης, αλλά και ένας γλύπτης, επιστήμονας, συγγραφέας, αρχιτέκτονας, συνθέτης? Το Michelangelo είναι γνωστό όχι μόνο ως γλύπτης, αλλά και ως ζωγράφος, ποιητής, μουσικός.

Η ανάπτυξη της κοσμοθεωρίας και ολόκληρης της κουλτούρας αυτής της περιόδου επέβαλε ένα δακτυλικό αποτύπωμα μετά τα αρχαία δείγματα. Στη μουσική, μαζί με το νέο περιεχόμενο, οι νέες μορφές και τα είδη αναπτύσσονται επίσης (τραγούδια, Madrigals, Ballads, Operas, Cantata, Orosation).

Με όλη την ακεραιότητα και τα τελειώματα της αναγεννησιακής κουλτούρας στο κύριο πράγμα, χαρακτηρίζεται από τα χαρακτηριστικά των αντιφατικών που σχετίζονται με την αποδυνάμωση των στοιχείων της νέας κουλτούρας με το παλιό. Τα θρησκευτικά θέματα της τέχνης αυτής της περιόδου συνεχίζονται όχι μόνο να υπάρχουν, αλλά και να αναπτυχθούν. Ταυτόχρονα, μετασχηματίζεται έτσι ώστε το έργο που βασίζεται σε αυτό να γίνεται αντιληπτό ως σκηνές του είδους από τη ζωή των ευγενών και των απλών ανθρώπων.

Ιταλική κουλτούρα της Αναγέννησης πραγματοποιήθηκε ορισμένα στάδια ανάπτυξης: έχοντας προκύψει στο τέλος του XIV αιώνα, έφτασε στην ακμή του στη μέση του XV Πρώιμη XVI αιώνα. Στο δεύτερο μισό του XVI αιώνα. Υπάρχει μια μακρά φεουδαρχική αντίδραση λόγω της οικονομικής και πολιτικής παρακμής της χώρας. Ο ανθρωπισμός αντιμετωπίζει κρίση. Ωστόσο, η μείωση της τέχνης δεν δηλώνεται αμέσως: άλλες δεκαετίες είναι οι Ιταλοί καλλιτέχνες και οι ποιητές, οι γλύπτες και οι αρχιτέκτονες δημιούργησαν έργα της υψηλότερης καλλιτεχνικής σημασίας, την ανάπτυξη συνδέσμων μεταξύ διαφόρων δημιουργικών σχολείων, της ανταλλαγής εμπειριών μεταξύ μουσικών, Η χώρα στη χώρα που εργάστηκε σε διαφορετικά παρεκκλήσια, γίνεται χρόνος σημείου και μας επιτρέπει να μιλάμε για τις τάσεις κοινές σε ολόκληρη την εποχή.

Η Αναγέννηση - μία από τις λαμπρές σελίδες της ιστορίας της ευρωπαϊκής μουσικής κουλτούρας. Ο αστερισμός των μεγάλων ονομάτων του Goskene, Ombrecht, Palestrina, O.Lomo, Jesualdo, ο οποίος άνοιξε νέους ορίζοντες στη μουσική δημιουργικότητα στα μέσα της εκφραστικότητας, πλούτου πολυφωνίας, της κλίμακας των μορφών. Αιώνοντας και υψηλής ποιότητας Ενημέρωση των παραδοσιακών ειδών - Mott, μάζα? Έγκριση νέων προτύπων, νέων στοιχειών στη σφαίρα των πολυχερών συνθέσεων, ταχεία ανάπτυξη της οργάνωσης μουσικής, που δημοσιεύονται στην πρώτη γραμμή μετά από μια σχεδόν πενταπιστήμενη δευτερεύουσα θέση: άλλες μορφές μυελητικότητας, η ανάπτυξη του επαγγελματισμού σε όλους τους τομείς της μουσικής δημιουργικότητας : Μια αλλαγή στις απόψεις σχετικά με το ρόλο και την ευκαιρία της μουσικής τέχνης, το σχηματισμό νέων κριτηρίων ομορφιάς: ο ανθρωπισμός ως μια πραγματικά προφανής τάση σε όλους τους τομείς της τέχνης - όλα αυτά οφείλονται στις ιδέες μας για την Αναγέννηση. Η Renaissance Art Culture είναι μια προσωπική αρχή με μια υποστήριξη για την επιστήμη. Η ασυνήθιστα πολύπλοκη ικανότητα των πολυφωνιστών των XV - XVI αιώνες, η τεχνική του Virtuoso έχει μαζί με τη φωτεινή τέχνη των οικιακών χορών, την πολυπλοκότητα των κοσμικών ειδών. Μια αυξανόμενη έκφραση στα έργα λαμβάνεται από το λυρικό δράμα. Επιπλέον, η προσωπικότητα του ατόμου, η δημιουργική ατομικότητα του καλλιτέχνη εμφανίζεται στο φωτεινότερο (αυτό είναι χαρακτηριστικό όχι μόνο για τη μουσική τέχνη), η οποία μας επιτρέπει να μιλάμε για την Gummanization ως κορυφαία αρχή της αναγεννησιακής τέχνης. Ταυτόχρονα, η εκκλησιαστική μουσική, που αντιπροσωπεύεται από τέτοια μεγάλα είδη, ως μαζική και μοτοσικλέτα, εξακολουθεί να είναι μια «γοτθική» γραμμή στην τέχνη της αναγέννησης, κατευθύνεται, πρώτα απ 'όλα, για να αναδημιουργήσει την ήδη υπάρχουσα Canon και μέσω του για το δοξασία του θεϊκού.

Τα έργα σχεδόν όλων των κύριων ειδών τόσο των κοσμικών όσο και του πνευματικού είναι χτισμένες βάσει οποιουδήποτε προ-γνωστού μουσικού υλικού. Θα μπορούσε να είναι μια ενιαυρωμένη πηγή σε μέττα και διάφορα κοσμικά είδη, όργανο επεξεργασίας. Αυτά θα μπορούσαν να είναι δύο φωνές που δανείζονται από τη σύνθεση τριών φωνητικών και να συμπεριληφθούν σε ένα νέο προϊόν του ίδιου ή άλλου είδους και, τέλος, γεμάτο τρία - ή τεσσάρων γυαλιών (μοτοσικλέτα, Madrigal, ενεργώντας σε ένα προκαταρκτικό "μοντέλο" του έργου μιας μεγαλύτερης μορφής (Massa).

Η κύρια πηγή λειτουργεί εξίσου και η δημοφιλής, γνωστή, γνωστή εμπλοκή (χορωδία ή κοσμικό τραγούδι) και κάποιο είδος δοκίμιου πνευματικής ιδιοκτησίας (ή ψήφους από αυτήν), επεξεργασμένο από άλλους συνθέτες και, κατά συνέπεια, προικισμένα με άλλα χαρακτηριστικά του ήχου, άλλη καλλιτεχνική ιδέα .

Στο είδος της Motta, για παράδειγμα, δεν υπάρχουν σχεδόν καμία εργασία που δεν έχουν καμία πρωτοκόλληση πρωτοτύπου. Οι περισσότεροι από τους συνθέτες μάζας των αιώνων XV - XVI έχουν επίσης πρώτες πηγές: έτσι, το Παλαιομετρικό του συνολικού αριθμού των άνω των εκατό μηνυμάτων βρισκόμαστε μόνο έξι γραμμένα βάσει δανεισμού με βάση τη βάση. Ο Lasso δεν έγραψε καμία μάζα (από 58) στο υλικό του συγγραφέα.

Μπορεί να παρατηρηθεί ότι είναι σαφώς υποδεικνυόμενο από έναν κύκλο πρωτογενών πηγών, οι οποίες βασίζονται στους συγγραφείς. Dufai, I. Okhem, Ya. Oberecht, Palestrina, O. Lasso και άλλοι. Σαν να ανταγωνίζονται μεταξύ τους, και πάλι αναφερόμενοι σε μία μελωδίες, αντλώντας από αυτά κάθε φορά, νέες καλλιτεχνικές παρορμήσεις για τα έργα τους, σε ένα νέο τρόπο κατανοητών μελωδίες ως αρχική πρωταρχική πρωταρχική πρωταρχική για πολυφωνικές μορφές.

Κατά την εκτέλεση της εργασίας, η λήψη χρησιμοποιήθηκε - πολυφωνία. Το πολυφωνικό είναι ένα πολυφωνικό στο οποίο όλες οι φωνές είναι ίσες. Όλες οι φωνές επαναλαμβάνουν μια μελωδία, αλλά σε διαφορετικές χρονικές στιγμές, όπως η Echo. Αυτή η τεχνική ονομάζεται απομίμηση πολυφωνία.

Μέχρι τον αιώνα, η λεγόμενη «αυστηρή επιστολή» πολυφωνία, οι κανόνες (κανόνες ψήφου, σχηματισμού κ.λπ.) καταγράφηκαν σε θεωρητικές πραγματικές πραγματίες εκείνης της εποχής και ήταν ένας αμετάβλητος νόμος για τη δημιουργία της εκκλησιαστικής μουσικής.

Μια άλλη σύνδεση όταν η εκτέλεση που αναφέρθηκε ταυτόχρονα διαφορετικές μελωδίες και διαφορετικά κείμενα ονομάζονται αντίθεση πολυφωνίας. Σε γενικές γραμμές, το "αυστηρό" στυλ συνεπάγεται απαραίτητα μια πολυφωνία ενός από τους δύο τύπους: προσομοίωση ή αντίθεση. Πρόκειται για μια προσομοίωση και αντίθετη πολυφωνία που επέτρεψε να συνθέτει πολυ-φωνή motges και MEUS για τις εκκλησιαστικές υπηρεσίες.

Το μοτίβο είναι ένα μικρό χορωδιακό τραγούδι, το οποίο συνήθως αποτελείται από οποιαδήποτε δημοφιλή μελωδία, συχνότερα σε μια από τις παλιές εκκλησιαστικές μελωδίες ("Grigorian Chorals" και άλλες κανονικές πηγές, καθώς και μουσική υψηλής ποιότητας).

Από τις αρχές του αιώνα του 15ου αιώνα, στη μουσική κουλτούρα πολλών ευρωπαϊκών χωρών, τα χαρακτηριστικά που είναι εγγενή στην εποχή της Αναγέννησης. Ο ορατός μεταξύ των πρώτων πολυφωνιστών της ολλανδικής αναγέννησης, η Guillae Dufa (Dufai) γεννήθηκε στη Φλάνδρα γύρω στο 1400. Τα έργα του, στην ουσία, είναι περισσότερο από μισό στάδιο αιώνα στην ιστορία της Ολλανδικής Σχολής Μουσικής, η οποία ιδρύθηκε το δεύτερο τρίμηνο του αιώνα του XV.

Ο Dufai οδήγησε αρκετά παρεκκλήσια, συμπεριλαμβανομένης της Pakaya στη Ρώμη, εργάστηκε στη Φλωρεντία και τη Μπολόνια, και τα τελευταία χρόνια της ζωής που δαπανάται στην μητρική του Cambre. Η κληρονομιά του Dufai είναι πλούσια και άφθονη: Περιλαμβάνει περίπου 80 τραγούδια (είδη θαλάμου - Viros, Ballads, Rondo), περίπου 30 μοτέλ (πνευματικό περιεχόμενο και κοσμικό, "τραγούδι"), 9 πλήρη Messes και τα μεμονωμένα μέρη τους.

Μια εξαιρετική μελωδία που έφτασε στη λυρική θερμότητα και την έκφραση μικρών σκι, σπάνια στην εποχή ενός αυστηρού στυλ, πρόθυμα άσκησε έφεση σε δημοφιλείς μελωδίες, εκθέτοντας τους σε μια λαμπερή επεξεργασία. Ο Dufai εισάγει πολλά νέα πράγματα στη μάζα: το ευρύτερο στρέφει τη σύνθεση ολόκληρης της σύνθεσης, χρησιμοποιεί ελεύθερα τις αντιθέσεις του χορωδιακού ήχου. Ένα από τα καλύτερα έργα του είναι η μάζα "ανοιχτό πρόσωπο", "ένοπλος άνθρωπος", στην οποία χρησιμοποιούνται οι δανεισμένες μελωδικές μελωδίες της προέλευσης τραγουδιού. Αυτά τα τραγούδια σε μια ποικιλία εκδόσεων αποτελούν μια εσωτερική-θεματική εκτεταμένη εκτεταμένη βάση που στερεώνει την ενότητα των μεγάλων χορωδιακών κύκλων. Στην πολυφωνική ανάπτυξη ενός υπέροχου αντισυμβαλλομένου, αποκαλύπτουν το καταστροφικό στα βάθη τους, άγνωστες ομορφιά και εκφραστικές ευκαιρίες. Η μελωδία του Dufai συνδυάζει αρμονικά την τάρτα φρεσκάδα των ολλανδικών τραγουδιών με έναν μαλακτικό ιταλικό τραγουδιστή και τη γαλλική χάρη. Η πολυφωνία προσομοίωσης στερείται από την τεχνητότητα και τα πίδακα. Μερικές φορές η ύφανση γίνεται υπερβολική, εμφανίζεται κενό. Επηρεάζει όχι μόνο τη νεολαία της τέχνης, η οποία δεν έχει βρει ακόμα την ιδανική ισορροπία της δομής, αλλά και χαρακτηριστικό του κυρίου του Cambrian, την επιθυμία να επιτευχθεί ένα καλλιτεχνικό και εκφραστικό αποτέλεσμα με τα πιο ταπεινά μέσα.

Το έργο των νεότερων σύγχρονων Dufai - Iohannes Okhemema και ο Jacob Oberachta αναφέρονται ήδη στο λεγόμενο δεύτερο ολλανδικό σχολείο. Και οι δύο συνθέτες είναι οι μεγαλύτερες μορφές του χρόνου τους που καθόρισαν την ανάπτυξη της ολλανδικής πολυφωνίας κατά το δεύτερο μισό του XV αιώνα.

Johannes Okhem (1425 - 1497) Το μεγαλύτερο μέρος της ζωής εργάστηκε στο παρεκκλήσι των γαλλικών βασιλιάδων. Στο πρόσωπο του Okhemema μπροστά στην Ευρώπη, γοητευμένος από τον μαλακό, τον λυισμό του τραγουδιστή του Dufai, το Naive-Moek και την αρχαιολογικά περιηγεί στο Mesa και το Motetov του, ήταν ένας εντελώς διαφορετικός καλλιτέχνης - "ορθολογισμός με αδιάκοπο μάτι" και ένα εξελιγμένο τεχνικό στυλό, Μερικές φορές αποφεύγεται ο λυριανισμός και αναδεύτηκε σύντομα να συλλάβει στη μουσική, μερικά εξαιρετικά γενικά πρότυπα αντικειμενικής ύπαρξης. Ανακάλυψε την εκπληκτική κυριαρχία της ανάπτυξης μελωδικών γραμμών σε πολυφωνικά σύνολα. Η μουσική του είναι εγγενής σε μερικά γοτθικά χαρακτηριστικά: εικόνες, εξωχρηματιστηριακή φύση της εκφραστικότητας κ.λπ. Δημιούργησε 11 πλήρες χάος (και πολλά μέρη τους), συμπεριλαμβανομένου του θέματος "ένοπλο άντρας", 13 μόλυβες και 22 τραγούδια. Είναι τα μεγάλα πολυφωνικά είδη που στέκονται στην πρώτη θέση. Ορισμένα τραγούδια έχουν αποκτήσει δημοτικότητα στους σύγχρονους και έχουν επανειλημμένα εξυπηρετήσει πρωτογενή για πολυφωνικές θεραπείες σε μεγαλύτερες μορφές.

Το δημιουργικό παράδειγμα του Okhemema ως ο μεγαλύτερος πλοίαρχος και ο καθαρός πολυφωνικός ήταν μεγάλης σημασίας για τους σύγχρονους και τους οπαδούς: η ασυμβίβαστη συγκέντρωσή του στα ειδικά προβλήματα της πολυφωνικής εμπνευσμένης σεβασμού, αν όχι λατρεία, οδήγησε στο θρύλο και περιβάλλεται το όνομά του στο όνομα του φωτοστέφανος.

Μεταξύ αυτών που έχουν δεσμεύσει τον αιώνα XV με το ακόλουθο όχι μόνο χρονολογικά, αλλά και ουσιαστικά δημιουργική ανάπτυξη, πρώτη θέση, χωρίς αμφιβολία, ανήκει στον Ιακώβ Obrech. Γεννήθηκε το 1450 στο Bergen-Op-Zoom. Το Obracht εργάστηκε στα παρεκκλήσια της Αμβέρσας, Cambre, Brunet κλπ., Σερβίρεται στην Ιταλία.

Στη δημιουργική κληρονομιά του Obrecht - 25 mes, περίπου 20 μοτέλ, 30 πολυφωνικά τραγούδια. Από τους προκατόχους και τους ανώτερους σύγχρονους, κληρονόμησε ιδιαίτερα ανεπτυγμένες, ακόμη και πολυφωνικές τεχνικές, απομίμηση και κανονικές τεχνικές πολυφωνίας. Στη μουσική της Oracle, πλήρως πολυφωνικά, ακούμε μερικές φορές ένα ειδικό φρούριο τουλάχιστον σιωπηρών συναισθημάτων, το θάρρος των αντιθέσεων σε μεγάλα και χαμηλά όρια, αρκετά "γη", σχεδόν οικιακές συνδέσεις στη φύση του ήχου και των κομμάτων του σχηματισμού . Η κοσμοθεωρία του παύει να είναι γοτθική. Μετακινείται προς το Goskien Dew - ένας πραγματικός εκπρόσωπος της αναγέννησης στη μουσική τέχνη.

Χαρακτηρίζεται από μεμονωμένα χαρακτηριστικά, συμπεριλαμβανομένης αποβλήτων από γοτθική απουσία, προκαλώντας αντιπολίτευση, τη δύναμη των συναισθημάτων, την επικοινωνία με τα είδη οικιακής χρήσης.

Το πρώτο τρίτο του XVI αιώνα στην Ιταλία είναι μια περίοδος υψηλής συχνότητας, ο χρόνος δημιουργικής ανύψωσης και η πρωτοφανής τελειότητα, η οποία ενσωματώθηκε στα σπουδαία έργα του Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo. Ένα συγκεκριμένο δημόσιο στρώμα αναπτύσσεται, οι μορφές των θεατρικών επιδόσεων είναι διατεταγμένες, μουσικές διακοπές. Τις δραστηριότητες διαφόρων ακαδημιών τεχνικής ανάπτυξης.

Λίγο αργότερα, η υψηλή άνθηση συμβαίνει στη μουσική τέχνη, όχι μόνο στην Ιταλία, αλλά και τη Γερμανία, τη Γαλλία, άλλες χώρες. Η αποτύπωση είναι επιτακτική η εξάπλωση των μουσικών έργων.

Οι παραδόσεις της πολυφωνικής σχολής παραμένουν ακόμα ισχυρές (ειδικότερα, υπάρχει η ίδια αξία της υποστήριξης του δείγματος), αλλά η στάση απέναντι στην επιλογή των θεμάτων αλλάζει, ο συναισθηματικός διαμορφωμένος κορεσμός των έργων αυξάνεται, τα προσωπικά, τα πνευματικά δικαιώματα αυξάνεται. Όλα αυτά τα χαρακτηριστικά εμφανίζονται ήδη στο έργο του ιταλικού συνθέτη Zosken Dew, ο οποίος γεννήθηκε γύρω στο 1450 στην Βουργουνδία και στον πρώην από τους μεγαλύτερους συνθέτες της Κάτω Χωρικής Σχολής του Τέλου του XV - πρώιμη XVI αιώνα. Χαρακτηρισμένο με εξαιρετική φωνή και ακρόαση, υπηρέτησε ως ουρανός στις εκκλησιαστικές χορωδίες στην πατρίδα του και σε άλλες χώρες. Είναι έγκαιρη και στενή επαφή με τις υψηλές χορωδιακές τέχνες, η ενεργά πρακτική μάθηση των μεγάλων καλλιτεχνικών θησαυρών της εικονικής μουσικής καθιέρωσε σε μεγάλο βαθμό την κατεύθυνση στην οποία αναπτύχθηκε η ατομικότητα του μέλλοντος του λαμπρού δάσκαλου, το στυλ του στυλ και των ειδών του είδους.

Στα νερά νεαρά χρόνια, η δροσιά έμαθε την τέχνη της σύνθεσης στο I. Okhemema, τον οποίο κάθισε επίσης ικανοποιημένος στο παιχνίδι σε διάφορα μουσικά όργανα.

Στο μέλλον, ο Zoskien Dew προσπάθησε τις δυνάμεις του σε όλους εκείνους που υπήρχαν κατά τη στιγμή των μουσικών ειδών, δημιουργώντας Ψαλμούς, Motges, Μάζα, Μουσική για το πάθος του Κυρίου, Δοκίμια προς τιμήν της Αγίας Μαρίας και κοσμικά τραγούδια.

Το πρώτο πράγμα που βυθίζεται στα μάτια στις συνθέσεις του DEPE είναι μια εντυπωσιακή ανταπόκριση τεχνική, η οποία επιτρέπει στον συγγραφέα να θεωρηθεί ένα πραγματικό αντίστοιχο-βιρτουόσο. Ωστόσο, παρά την πλήρη κατοχή του υλικού, η δροσιά έγραψε πολύ αργά, πολύ κρίσιμη εξέταση των έργων του. Κατά τη διάρκεια της δοκιμαστικής εκτέλεσης των γραπτών, έφερε πολλή αλλαγή σε αυτά, επιδιώκοντας να επιτύχει μια άψογη απεμπάρηση, η οποία δεν έφερε ποτέ στο θύμα να αντιμετωπίσει τα προστατευτικά plexuses.

Χρησιμοποιώντας μόνο πολυφωνικές μορφές, ο συνθέτης σε ορισμένες περιπτώσεις δίνει την ανώτερη φωνή ασυνήθιστα να χύσει μελωδία, λόγω της οποίας το έργο του είναι διαφορετικό όχι μόνο με το colawing, αλλά και μελωδικό.

Δεν επιθυμεί να υπερβεί την αυστηρή αντισταύρωση, δροσιά για να μετριάσει τις διαφωνίες, πώς θα τα προετοιμάσει χρησιμοποιώντας ένα φθαρτό σημείωμα στην προηγούμενη συνένωση ως διατήρηση. Πολύ τύχη ως μέσο για την ενίσχυση της μουσικής έκφρασης των διαγραφών χρησιμοποιεί διαφωνίες.

Είναι απαραίτητο να υπερκατανάλωση ότι ο J. Delera με πλήρη δεξιά μπορεί να θεωρηθεί όχι μόνο ένας ταλαντούχος αντισυμβαλλόμενος και ένας ευαίσθητος μουσικός, αλλά και ένας υπέροχος καλλιτέχνης που μπορεί να μεταφέρει στα έργα του τις λεπτότερες αποχρώσεις των συναισθημάτων και τις διάφορες διαθέσεις.

Ο Zoskien ήταν τεχνικά και αισθητικά ισχυρότερος από τους ιταλούς και τους γαλλικούς πολυφωνητές του XV αιώνα. Αυτός είναι ο λόγος για τον οποίο στην περιοχή ενός καθαρού μουσικού, έχει επηρεάσει σημαντικά, αντί να βιώσει την επιρροή τους. Πριν από το θάνατό του, ο Dele οδηγήθηκε από τα καλύτερα παρεκκλήσια στη Ρώμη, τη Φλωρεντία, το Παρίσι. Πάντα ήταν εξίσου αφιερωμένο στο έργο του, συμβάλλοντας στην εξάπλωση και την αναγνώριση της μουσικής. Παρέμεινε Ολλανδία, "Master από το Conde". Και ανεξάρτητα από τα επιτεύγματα του αδελφού και οι διακρίσεις ήταν λαμπρές, ενώ ο Κύριος της Μουσικής "ήταν ζωτικός (ο οποίος αποκαλείται ο συγχρόνως οι σύγχρονοι του), υπακούει στην ασφάλεια της" κλήσης της γης ", ήδη στην πλαγιά των χρόνων του επέστρεψε Οι ακτές του Shelda και τα μετριοπαθώς αποφοίτησαν από τη ζωή του με τη Canon.

Στην Ιταλία, στην εποχή της υψηλής αναγέννησης παρατηρείται η άνθηση των κοσμικών ειδών. Τα φωνητικά είδη αναπτύσσονται σε δύο κύριες περιοχές - ένας από αυτούς είναι κοντά στο οικιακό τραγούδι και το χορό (Fotols, Villaners, κλπ.), Ο άλλος συνδέεται με μια πολυφωνική παράδοση (Madrigal).

Το Madrigal ως ειδική μουσική και ποιητική μορφή έδωσε έκτακτες ευκαιρίες για την εκδήλωση της συνθετικής προσωπικότητας. Το κύριο περιεχόμενο των στίχων του, των σκηνών του είδους. Στο βενετσιάνικο σχολείο, τα είδη της γραφικής μουσικής ανθίζουν (μια προσπάθεια να αναβιώσει την αρχαία τραγωδία). Ελήφθησαν όργανα ανεξαρτησίας (παιχνίδια για Lute, Viuela, όργανα και άλλα εργαλεία).

Βιβλιογραφία:

Efremova t.f. Νέα λεξικό της ρωσικής γλώσσας. Tolkovo - Word-Formative. - Μ.: Rus. Yaz .., 2000. 1: Α - O - 1209 σελ.

Σύντομο λεξικό στην αισθητική. Μ., Polizdat, 1964. 543 σ.

Δημοφιλή ιστορία μουσικής.

Tikhonova A. I. Revival και Baroque: Ένα βιβλίο για την ανάγνωση - Μ.: LLC "Εκδοτικός Οίκος" Rosman - Press ", 2003. - 109 σελ.