Οι πιο διάσημοι και σημαντικοί πίνακες της παγκόσμιας ζωγραφικής. Οι πιο διάσημοι πίνακες όλων των εποχών 100 διάσημων ανθρώπων ζωγραφίζουν

Τα υπέροχα έργα τέχνης των μεγάλων δασκάλων είναι σε θέση να εκπλήξουν ακόμη και τους ανθρώπους για τους οποίους η τέχνη σημαίνει μικρή. Αυτός είναι ο λόγος για τον οποίο τα μουσεία του κόσμου είναι από τα πιο δημοφιλή αξιοθέατα που προσελκύουν εκατομμύρια επισκέπτες το χρόνο.

Για να ξεχωρίσετε από έναν τεράστιο αριθμό ζωγραφικής που γράφονται στην ιστορία της τέχνης, ο καλλιτέχνης δεν χρειάζεται μόνο το ταλέντο, αλλά και η ικανότητα να εκφράσει ένα μοναδικό οικόπεδο ενός ασυνήθιστου και πολύ σχετικού τρόπο για το χρόνο τους.

Οι εικόνες που παρουσιάζονται χαμηλότερες δηλώνουν δυνατά όχι μόνο για το ταλέντο των συγγραφέων τους, αλλά και για πολλές πολιτιστικές τάσεις που εμφανίστηκαν και εξαφανίστηκαν και τα σημαντικότερα ιστορικά γεγονότα που αντανακλούσαν πάντα στην τέχνη.

"Γέννηση της Αφροδίτης"

Αυτή η εικόνα, που γράφτηκε από τον Μεγάλο Δάσκαλο της Αναβαλλόμενης Sandro Botticelli, απεικονίζει τη στιγμή της εμφάνισης της όμορφης Αφροδίτης από τον αφρό της θάλασσας. Μια από τις πιο ελκυστικές πτυχές της εικόνας είναι μια μέτρια στάση της θεάς και της απλής, αλλά ένα όμορφο πρόσωπο.

"Σκύλοι παίζουν πόκερ"

Γράφτηκε από τον Kassius Kulij το 1903, μια σειρά από 16 ζωγραφιές απεικονίζουν σκυλιά που συλλέγονται από το πόκερ που παίζουν γύρω από ένα περιοδικό ή ένα τραπέζι. Πολλοί επικριτές αναγνωρίζουν αυτές τις εικόνες από την κανονική εικόνα των Αμερικανών που εποχή.

Πορτρέτο του Madame Reamenier

Αυτό το πορτρέτο που γράφτηκε από τον Jacques-Louis David, απεικονίζει ένα λαμπρό κοσμικό Diva σε μια μινιμαλιστική και απλή ρύθμιση, ντυμένη με ένα απλό λευκό φανερό φόρεμα. Αυτό είναι ένα ζωντανό παράδειγμα του νεοκλασικισμού στην πορτραίτο τέχνη.

№5

Αυτή η διάσημη εικόνα που γράφτηκε από τον Jackson Pollock είναι το πιο εικονικό έργο που απεικονίζει φωτεινά όλο το χάος που έσκυψε στην ψυχή και το μυαλό του μεσαίου. Αυτή είναι μια από τις πιο ακριβές εργασίες που πωλούνται ποτέ από τον αμερικανικό καλλιτέχνη.

"Υιός του ανθρώπου"

Ο "γιος του ανθρώπου", που γράφτηκε από την Renie Magritte, είναι ένα είδος αυτοπροσωπογραφία που απεικονίζει τον καλλιτέχνη τον εαυτό του σε ένα μαύρο κοστούμι, αλλά με ένα μήλο αντί για πρόσωπο.

"Αριθμός 1" ("Βασιλικό κόκκινο και μπλε")

Πρόκειται για ένα αρκετά φρέσκο \u200b\u200bέργο που γράφτηκε από τον Mark Rotko, όχι περισσότερο από ένα εγκεφαλικό επεισόδιο τριών διαφορετικών αποχρώσεων σε χειροποίητο καμβά. Επί του παρόντος, η εικόνα εκτίθεται στο Ινστιτούτο Τεχνών στο Σικάγο.

"Beating Innocent"

Με βάση τη βιβλική ιστορία για τη δολοφονία των αθώων μωρών στη Βηθλεέμ, ο Peter Paul Rubens δημιούργησε αυτή την τρομερή και σκληρή εικόνα που επηρεάζει τα συναισθήματα όλων που την κοιτάζει.

"Κυριακή Ημέρα στο νησί του Grand-Zhatt"

Δημιουργήθηκε από τον George Impur, αυτή η μοναδική και πολύ δημοφιλής εικόνα απεικονίζει μια χαλαρή μέρα από την ατμόσφαιρα σε μια μεγάλη πόλη. Μια τέτοια ζωγραφική είναι ένα εξαιρετικό παράδειγμα ακινισμού, το οποίο συνδυάζει σε ένα ολόκληρο σύνολο σημείων.

"Χορός"

Το "Χορός" Henri Matissea είναι ένα παράδειγμα ενός στυλ που ονομάζεται τύπος, ο οποίος διακρίνεται από φωτεινά, πρακτικά αφύσικα χρώματα και μορφές και υψηλή δυναμική.

"Αμερικάνικο γκόθικ"

Το "American Gothic" είναι ένα έργο τέχνης, συμβολίζοντας ιδανικά την εικόνα των Αμερικανών κατά τη διάρκεια της Μεγάλης Ύφεσης. Σε αυτή την εικόνα, το Grant Wood απεικονίζει μια αυστηρή, πιθανώς ένα θρησκευτικό ζευγάρι, στέκεται ενάντια σε ένα απλό σπίτι με παράθυρα στο γοτθικό στυλ.

"Φορτωτής λουλουδιών"

Αυτή η εικόνα του πιο δημοφιλούς του Μεξικού ζωγράφου του εικοστού αιώνα - ποταμός Ντιέγκο, απεικονίζει ένα άτομο που μόλις φέρει ένα καλάθι υπερφορτωμένο με φωτεινά τροπικά λουλούδια.

"Mother Whistler"

Επίσης γνωστή ως "διάταξη σε γκρι και μαύρο. Μητέρα του καλλιτέχνη", αυτός είναι ένας από τους πιο διάσημους πίνακες του αμερικανικού καλλιτέχνη James Whistler. Σε αυτή την εικόνα, ο Whistler απεικονίζει τη μητέρα του κάθεται σε μια καρέκλα, σε ένα γκρίζο τοίχο. Η εικόνα χρησιμοποιεί μόνο μαύρες και γκρι αποχρώσεις.

"Η Εμμονή της Μνήμης"

Πρόκειται για μια λατρεία που δεν είναι λιγότερο θρησκευτικό Σαλβαδόρ Νταλί, διάσημο για ολόκληρο τον κόσμο του ισπανικού σουρεαλιστή, ο οποίος έχει δώσει αυτή την κίνηση σε προχωρημένες τέχνες.

Πορτρέτο του Dara Maar.

Ο Pablo Picasso είναι ένας από τους πιο δημοφιλείς και σημαντικούς ισπανούς ζωγράφους. Είναι ο ιδρυτής του στυλ στην εποχή του, που ονομάζεται κυβισμός, ο οποίος επιδιώκει να συντρίψει οποιοδήποτε αντικείμενο και να το μεταφέρει σε σαφή γεωμετρικά σχήματα. Αυτή η εικόνα είναι το πρώτο πορτρέτο στο ύφος του κυβισμού.

"Πορτρέτο ενός καλλιτέχνη χωρίς γένια"

Αυτή η εικόνα του Van Gogh είναι ένα αυτοπροσωπογραφία και μοναδικό επειδή απεικονίζει έναν ζωγράφο χωρίς συνηθισμένη γενειάδα. Επιπλέον, αυτός είναι ένας από τους λίγους πίνακες ζωγραφικής από τον Van Gogh, τα οποία πωλήθηκαν σε ιδιωτικές συλλογές.

"Night Cafe Terrace"

Winged van Gogh που γράφτηκε από τον Vincent, αυτή η εικόνα απεικονίζει το συνηθισμένο θέαμα είναι εντελώς νέο, χρησιμοποιώντας εκπληκτικά φωτεινά χρώματα και ασυνήθιστες μορφές.

"Σύνθεση VIII"

Το Vasily Kandinsky αναγνωρίζεται ως ο ιδρυτής της αφηρημένης τέχνης - στυλ που χρησιμοποιεί μορφές και σύμβολα αντί για τα συνήθη αντικείμενα και τους ανθρώπους. Το "Σύνθεση VIII" είναι ένας από τους πρώτους πίνακες ζωγραφισμένους αποκλειστικά σε αυτό το στυλ.

"Φιλί"

Ένα από τα πρώτα καλλιτεχνικά έργα στο στυλ της τέχνης Nouveau, αυτή η εικόνα πληρούται σχεδόν πλήρως σε χρυσούς τόνους. Η εικόνα της Gustav Clima είναι ένα από τα πιο φωτεινά κομμάτια του στυλ.

"Μπάλα στο Moulin de la Gaette"

Το κομμάτι Pierre Renuara Pierre είναι μια φωτεινή και δυναμική εικόνα της αστικής ζωής. Επιπλέον, είναι ένας από τους πιο ακριβούς πίνακες στον κόσμο.

"Ολυμπία"

Στην εικόνα "Ολυμπία", ο Edward Mana δημιούργησε αυτή την αντίφαση, πρακτικά σκάνδαλο, καθώς μια γυμνή γυναίκα με μια στενή εμφάνιση είναι σαφώς μια ερωμένη, που δεν καλύπτονται από μύθους της κλασικής περιόδου. Αυτό το έγκαιρο έργο στο στυλ του ρεαλισμού.

"Το τρίτο του Μαΐου 1808 στη Μαδρίτη"

Σε αυτό το έργο, ο Francisco Goya απεικονίζει την επίθεση του Ναπολέοντα στους Ισπανούς. Αυτός είναι ένας από τους πρώτους ισπανικούς πίνακες που αντλούν τον πόλεμο σε αρνητικό φως.

"Μηχανήματα"

Η πιο διάσημη εικόνα του Diego Velasquez απεικονίζει μια πεντάχρονη μαργαρίτα infanta ενάντια στο φόντο των γονιών της που γράφτηκε από τον Velasquez.

"Πορτρέτο του αρθρωμένου τεσσάρων"

Αυτή η εικόνα είναι ένα από τα παλαιότερα έργα ζωγραφικής. Γράφτηκε από τον Jan Van Eykom και απεικονίζει έναν Ιταλό επιχειρηματία Giovanni Arnolphini και την έγκυο σύζυγό του στο σπίτι τους στη Μπριζ.

"Ποταμάκι"

Η εικόνα του νορβηγικού καλλιτέχνη Edward Minka απεικονίζει ένα άτομο που στρεβλώνεται από το φόβο στο φόντο ενός αιματηρού-κόκκινου ουρανού. Το τοπίο στο παρασκήνιο προσθέτει μια ζοφερή γοητεία αυτή την εικόνα. Επιπλέον, ο Creek είναι ένας από τους πρώτους πίνακες που έγιναν στο στυλ του εξπρεσιονισμού, όπου ο ρεαλισμός ελαχιστοποιείται για να εξασφαλίσει περισσότερη ελευθερία συναισθήματα.

"Γλυκα"

Τα "Sweatshirts" που γράφτηκαν από τον Claude Monet αποτελούν μέρος μιας σειράς 250 έργων ζωγραφικής που απεικονίζουν στοιχεία του κήπου του καλλιτέχνη. Αυτοί οι πίνακες εκτίθενται σε διάφορα καλλιτεχνικά μουσεία του κόσμου.

"Νύχτα αστέρι"

Το "Star Night" Van Gogh είναι μια από τις πιο διάσημες εικόνες στον σύγχρονο πολιτισμό. Αυτή τη στιγμή εκτίθεται στο Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης στη Νέα Υόρκη.

"Πτώση της Ικαρά"

Αυτή η εικόνα, που γράφτηκε από τον ολλανδικό καλλιτέχνη Peter Breighele, δείχνει την αδιαφορία ενός ατόμου που υποφέρει από τους γείτονές του. Ένα ισχυρό κοινωνικό θέμα εμφανίζεται εδώ με έναν αρκετά απλό τρόπο, χρησιμοποιώντας την εικόνα του Icar, που πνίγεται κάτω από το νερό και οι άνθρωποι που αγνοούν τον πόνο του.

"Δημιουργία του Αδάμ"

Η "Δημιουργία του Αδάμ" είναι μία από τις πολλές υπέροχες τοιχογραφίες του Μοκέλανγκελ, που κοστίζουν το ανώτατο όριο του παρεκκλησίου της Σιστίνης στο παλάτι του Βατικανού. Δείχνει τη δημιουργία του Αδάμ. Εκτός από την εικόνα των ιδανικών ανθρώπινων μορφών, η τοιχογραφία είναι ένα από τα πρώτα στην ιστορία της τέχνης των προσπαθειών να απεικονίσει τον Θεό.

"Μυστικός δείπνος"

Αυτή η τοιχογραφία του Μεγάλου Λεονάρντο απεικονίζει το τελευταίο δείπνο του Ιησού στην προδοσία του, τη σύλληψη και το θάνατό του. Εκτός από τη σύνθεση, τα έντυπα και τα χρώματα, η συζήτηση αυτής της τοιχογραφίας είναι Pepit θεωρίες σχετικά με τα κρυμμένα σύμβολα και την παρουσία της Mary Magdalen δίπλα στον Ιησού.

"Gernik"

Το "Gernik" Picasso απεικονίζει την έκρηξη της ισπανικής πόλης του ίδιου ονόματος κατά τη διάρκεια του ισπανικού εμφυλίου πολέμου. Αυτή είναι μια ασπρόμαυρη εικόνα, που απεικονίζει αρνητικά τον φασισμό, τον ναζισμό και τις ιδέες τους.

"Κορίτσι με μαργαριτάρι σκουλαρίκι"

Αυτή η εικόνα του Johannes Vermeer συχνά ονομάζεται ολλανδική Mona Lisa, όχι μόνο λόγω της έκτακτης δημοτικότητάς του, αλλά και επειδή η έκφραση στο πρόσωπο της κοπέλας είναι δύσκολο να πιάσει και να εξηγήσει.

"Διακόσμηση του Ιωάννη του Βαπτιστή"

Εικόνα του Caravaggio Πολύ ρεαλιστικά πορτρέτα τη στιγμή της δολοφονίας του Ιωάννη του Βαπτιστή στη φυλακή. Είναι φιλτραρισμένο με τους πίνακες και οι εκφράσεις των χαρακτήρων της καθιστούν ένα πραγματικό κλασικό αριστούργημα.

"Το νυχτερινό ρολόι"

Το "νυχτερινό ρολόι" είναι ένας από τους πιο διάσημους πίνακες Rembrandt. Εμφανίζει ένα ομαδικό πορτρέτο μιας εταιρείας τουφέκι με επικεφαλής τους αξιωματικούς του. Η μοναδική πτυχή της εικόνας είναι να είναι σπόρος, ο οποίος δίνει την εντύπωση της νυχτερινής σκηνής.

"Σχολή Αθηνών"

Γράφτηκε από τον Ραφαήλ στην πρώιμη ρωμαϊκή περίοδο, αυτή η τοιχογραφία απεικονίζει διάσημους Έλληνες φιλόσοφους, όπως ο Πλάτωνας, ο Αριστοτέλης, η Ευκλείδη, ο Σωκράτης, ο Πυθαγόρας και άλλοι. Πολλοί φιλόσοφοι απεικονίζονται με τη μορφή σύγχρονων του Rafael, για παράδειγμα, Plato - Leonardo da Vinci, Heraclit - Michelangelo, Euclidean - Bramte.

"Μόνα Λίζα"

Πιθανώς η πιο διάσημη εικόνα στον κόσμο είναι "Dzokonda" Leonardo da Vinci, γνωστή ως "Mona Lisa". Αυτός ο καμβάς είναι το πορτρέτο της κ. Gerardini, προσελκύοντας την προσοχή της μυστηριώδους έκφρασης του προσώπου.

Πέμπτη, 8 Δεκεμβρίου 2016 11:56 + Quote

Βρετανική εφημερίδα την εποχήανήλθε σε αξιολόγηση 200 καλύτεροι καλλιτέχνεςπου έζησε την περίοδο από τις αρχές του 20ου αιώνα μέχρι σήμερα.

Ως αποτέλεσμα, σύμφωνα με τους Βρετανούς αναγνώστες, την πρώτη θέση πήρε τον μεγάλο ισπανικό καλλιτέχνη Πάμπλο Πικάσο.

Δεύτερη θέση Διαιρούμενο με τον ταχυδρομικό Πεδίο Cesannu, ο τρίτος είναι ο ιδρυτής του μοντέρνου αυστριακού Gustav klimt.. Η τελευταία γραμμή ασχολείται με τον σύγχρονο ιαπωνικό καλλιτέχνη Hiroshi Sudage.

Οι γαλλικοί καλλιτέχνες εμφανίζονται στην κορυφή δέκα Claude Monet, Henri Matisse, Μασσαλία Dushan Και τον αμερικανικό καλλιτέχνη Jackson Pollock.
Δώδεκα κλείνει ένα μύθο της ποπ τέχνης Andy warhole, Εκπρόσωπος του αφαίρεσης Villem de Kuning και διάσημο μοντέρνο Πιτ Μονδικά.
Είναι αδύνατο να μην παρατηρήσουμε την υπερεκτίμηση της βαθμολογίας ορισμένων καλλιτεχνών και να αγνοήσουμε τους άλλους, όχι λιγότερο ταλαντούχους. Συντακτική στις εποχές, αρίθμηση της έρευνας, είναι αμηχανία: "Τι κάνει ο Martin Kippenberger Martin Kippenberger; Γιατί εκτιμάται παραπάνω από το Rotko, το παπούτσι και η κόλλα; Μήπως το Munch (46η θέση) χειρότερα freda calo; Πιθανότατα, αυτό εξηγείται από την επιθυμία των γυναικών να βάλουν όσο το δυνατόν ψηλότερα έναν εκπρόσωπο σεξουαλικού σεξ στην κατάταξη.

Από τους ρωσικούς καλλιτέχνεςΣτην προετοιμασία της κατάταξης Βασιλικός Κανδινίνσκι (15ο), Δημιουργός "Μαύρη Πλατεία "Casimir Αρσενικό (17ο). 95ο σημείωσε ουκρανικό-αμερικανικό καλλιτέχνη Αλέξανδρος Archookovenko. 135ο - ένας από τους ιδρυτές του κονστρουκτιβισμού Αλέξανδρος Rodchenko. Μπήκε επίσης στη λίστα Σημάδι shagal-71η, και Βλαντιμίρ Tatlin. - 145η.

Εδώ 20 καλύτεροι καλλιτέχνες του 20ού αιώνα, σύμφωνα με τους λάτρεις της βρετανικής τέχνης

Είκοσι από τους καλύτερους καλλιτέχνες του XX και της πρώιμης XXI αιώνα

1. Pablo Picasso

2. Paul Cesanne

3. Gustav Klimt

4. Claude Monet

5. Μασσαλία Dushan

6. Henri Matisse

7. Jackson Pollock

8. Andy Warhol.

9. Villem de cuning

10. Pete Mondrian

11. Paul Gogen

12. Μπέικον Francis

13. Robert Raushenberg.

14. Γάμος George

15. Vasily Kandinsky

16. Konstantin Brankuzy

17. Kazimir Malevich

18. Jasper Jones

19. Frieda Kalo

20. Martin Kippenberger
………………
Ναι, εάν μια τέτοια έρευνα διεξήχθη μαζί μας, ο κατάλογος θα ήταν εντελώς διαφορετικός. Επίσης, οι λίστες των καλύτερων λογοτεχνικών έργων - σε κάθε χώρα διαφέρουν σημαντικά.
Αλλά ενώ έχουμε μόνο αυτόν τον κατάλογο στον οποίο πολλοί καλλιτέχνες δεν γνωρίζουν.
Ως εκ τούτου, εδώ είναι μια σύντομη ιστορία για τους πρώτους είκοσι καλλιτέχνες.
Και πλήρης λίστα 200 καλύτεροι καλλιτέχνες του XX και της πρώιμης XXI αιώνα- στο τέλος της θέσης.
...................
1.Πικάσο Pablo - Ισπανός καλλιτέχνης, πρόγραμμα

8. Andy Warhol. (Το πραγματικό του όνομα - Andrew Varchol., Rusin. Andriy Vargola; 1928-1987) - Αμερικανός καλλιτέχνης και παραγωγός, αξιοσημείωτο πρόσωπο στην ιστορία της Pop Art A και της σύγχρονης τέχνης στο σύνολό της. Ο ιδρυτής της ιδεολογίας "Homo Universale".
Ο Warhol δημιούργησε αρκετές ζωγραφιές που έχουν γίνει μια αίσθηση στον κόσμο της τέχνης. Το 1960 δημιούργησε ένα σχέδιο για Coca-Cola Cans, που του έφερε τη φήμη του καλλιτέχνη με ένα εξαιρετικό όραμα της τέχνης. Και το 1960-1962 υπήρχε ένας κύκλος έργων με την εικόνα των κουτιών κασσίτερου της σούπας Campbell.


Warhol. Μια από τις πρώτες εφαρμογές που εφαρμόζεται και η οθόνη μεταξιού ως μέθοδος δημιουργίας ζωγραφιών.
Ο Warhol δημιούργησε έναν αριθμό έργων ζωγραφικής, τα οποία απεικόνισαν τα είδωλα της σύγχρονης κοινωνίας. Ανάμεσα στα αστέρια που ζωγραφισμένα: επαναλαμβανόμενη Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor, Beatles, Michael Jackson, Λένιν και άλλοι. Αυτά τα σχέδια σε φωτεινά χρώματα έχουν γίνει μια "τηλεφωνική κάρτα" του Warhol. Ανακοίνωση της ατμόσφαιρας της Αμερικής της δεκαετίας του '60.


Σύμφωνα με τους κριτικούς, αυτοί οι πίνακες αντανακλούσαν την αόριστη κουλτούρα της μαζικής κατανάλωσης, τη νοοτροπία του δυτικού πολιτισμού. Ο Warhol υπολογίζεται σε τέχνη και εννοιολογικές τέχνες, όπως ο Robert Raushenberg, ο Jasper Jones και ο Roy Liechtenstein. Στο παρόν, οι τιμές των έργων του φθάνουν δεκάδες εκατομμύρια δολάρια. Μια ολόκληρη υποκλοπή έχει συγκεντρωθεί γύρω από το σχήμα warhol.

Το 2015, η φωτογραφία πωλήθηκε στο γραφείο του Μουσείου Κατάρ για $ 300 εκατομμύρια. 287 \\ 237 \\ 225

12.Francis μπέικον- (1909-1992) - Αγγλικός καλλιτέχνης εξπρεσιονιστής. Η ζωγραφική μπέικον είναι πάντα εκφραστική, είναι ένα είδος κραυγής που μεταδίδει την τραγωδία της ύπαρξης. Το κύριο θέμα της δουλειάς του είναι το ανθρώπινο σώμα που παραμορφώνεται, επιμήκευσης, που περικλείεται σε γεωμετρικά σχήματα. Πολλά έργα περιλαμβάνονται στη λίστα των πιο ακριβών ζωγραφιών.

Στις 14 Μαΐου 2008, Triptych "ορόσημο του κανονικού 20ου αιώνα" Francis Bacon 1976 που πωλείται στη δημοπρασία Sotby για 86,3 εκατομμύρια δολάρια. Οικογένεια από την οικογένεια MUI, οι ιδιοκτήτες της παραγωγής του κρασιού Château Pétrus, ο Ρώσος δισεκατομμυριούχος Ρωμαίος Αμπράμοβιτς. Και ο ζωγράφος έλαβε τον τίτλο του πιο ακριβά καλλιτέχνη μετά τον πόλεμο και έπληξε την τρίτη θέση στους δέκα πιο ακριβούς καλλιτέχνες στον κόσμο γενικά, χάνοντας μόνο το Picasso και την Clima. 180 \\ 122 \\ 96

13.Robert Raushenberg. (1925, Port Arthur -2008, Captiva Island, Φλόριντα) - Αμερικανός καλλιτέχνης. Ένας εκπρόσωπος της αφηρημένης εξπρεσιονίας και στη συνέχεια η εννοιολογική τέχνη και η ποπ τέχνη, στα έργα του, για την τεχνική κολάζ και ερυθρούτρου, που χρησιμοποιούνται σκουπίδια.
Όπως και άλλοι εκπρόσωποι της Pop Art, προσπάθησε να εκφράσει το όραμά του για τον κόσμο σε ασυνήθιστες συγκλονιστικές μορφές. Για να γίνει αυτό, ο καμβάς, κολάζ, εγκαταστάσεις χρησιμοποιήθηκαν.
Στις αρχές της δεκαετίας του '50, ο Rauschenberg πέρασε από τρία στάδια της δημιουργίας γραφικών έργων:
"Λευκή ζωγραφική" - σε λευκό φόντο, μαύροι αριθμοί και απεικονίζονται μερικοί χαρακτήρες.
"Μαύρη ζωγραφική" - κομμάτια εφημερίδων κολλημένα στο πανί, και όλα αυτά καλύφθηκαν με μαύρο σμάλτο.
"Κόκκινη ζωγραφική" - αφηρημένη καμβά σε κόκκινα χρώματα εν μέρει με αυτοκόλλητα από εφημερίδες, καρφιά, φωτογραφίες, κλπ.
Το 1953, ο Raushenberg Star Figure Willem de Kuning και το έβαλε κάτω από το όνομα "Stretch De Kuning", άγγιξε τη φύση της φύσης της τέχνης.

Από τα μέσα της δεκαετίας του '50 ο Raushenberg δημιουργεί χωρικά αντικείμενα που καλούν "συνδυασμένα μοτίβα", για παράδειγμα:
"Odalisk" (μαξιλάρι σατέν, κοτόπουλο σκιάχτρο, φωτογραφίες και αναπαραγωγές)
"Bed" - Block, Sprauled Paint και το ίδρυσε κάθετα ...


Στο τέλος της δεκαετίας του '50, κατέκτησε την τεχνική φίλτρου (τρίψιμο, εισήχθη στην τέχνη του Max Ernst) για τη μεταφορά φωτογραφιών περιοδικών σε χαρτί. Το Rauschenberg το χρησιμοποίησε για να δημιουργήσει έναν γραφικό κύκλο 34 απεικονίσεων στο "Adu" Dante στο στυλ της Pop Art. Το 1962, κατέκτησε τη μετατοογραφική τεχνική και δημιούργησε μια σειρά από μεγάλα έργα σε αυτό. Ένας από τους πίνακες αυτής της σειράς " Μονοπάτι στον ουρανό» ( Skyway., 1964). Σε αυτό, τα ποπ πολιτιστικά σύμβολα (για παράδειγμα, οι Αμερικανοί αστροναύτες) είναι δίπλα στις εικόνες του Rubens.

Ο Raushenberg είναι ο ιδιοκτήτης πολλών βραβείων, όπως: το κύριο βραβείο στη βενετσιάνικη Μπιενάλε, το Grammy, το αμερικανικό εθνικό μετάλλιο, το αυτοκρατορικό βραβείο της Ιαπωνίας και άλλων.
Στη δεκαετία του '60 και της δεκαετίας του '70, ο Raushenberg συμμετείχε στη σφαίρα των επιδόσεων, του λεύκανσης και άλλων θεατρικών μετοχών.

1 Pablo Picasso 21587
2 Paul Cezanne 21098
3 gustav klimt 20823
4 Claude Monet 20684
5 Marcel Dusymp 20647
6 Henry Matisse 17096
7 Jackson Pollock 17051
8 Andy Warhol 17047
9 Villem de cuning 17042
10 Pete Mondrian 17028
11 Paul Gaug 17027
12 Francis Bacon 17018
13 Robert Raushenberg 16956
14 Georges Γάμος 16788
15 Vasily Kandinsky 16055
16 Konstantin Brankuzі 14224
17 Casimir Malevich 13609
18 Jasper Jones 12988
19 Frida Kalo 12940
20 Martin Kippenberger 12784
21 Paul Klee.
22 Shile Egon
23 Donald Judd
24 Bruce Nauman
25 Alberto Dzhacometty
26 Σαλβαδόρ Νταλί
27 Auguste Roden.
28 Mark Rotko
29 edward χοάνη
30 Lucian Freud.
31 Richard Serra
32 rene magritt
33 David Hokney
34 Philip Gaston
35 Geri Cartier Bresson 8779
36 Pierre Bonnar
37 Jean-Michel Baskia
38 max ernst
39 Diana Arbus
40 Γεωργία O'Kef.
41 Sai Tubby
42 max bekmann
43 Barnet Newman
44 George de Kiriko
45 Roy Λιχτενστάιν 7441
46 Edward Munk
47 Pierre August Renoir
48 MN Rey.
49 Henry Mur.
50 cindy sherman
51 Jeff Kuns.
52 Tracy Emin
53 Demin Hurst
54 yves klein
55 Henry Russo
56 Haim Sutin
57 Archil Gorki
58 Amadeo Modigliani
59 Umberto Bocchioni
60 Jean Dubuloff
61 EVA Hessse
62 Edward Villard
63 karl andre
64 juan gras
65 Lucio Fontana
66 Franz Klin.
67 David Smith
68 Josef Bois
69 Alexander Cauder
70 Bourseo
71 Mark Shagal
72 Gerhard Richter.
73 Baltus
74 Joan Miro
75 Ernst Ludwig Kirchner
76 Frank Stella
77 Georg Baselitz
78 Francis Picabia
79 Jenny Savil
80 dan flavin
81 Alfred Stiglitz
82 anselm kifer
83 Matthew Bernie
84 Georges Gros.
85 Bernd και Hill Becher
86 Zigmar Polka
87 Mard Bryce
88 Maurizio Katell
89 Sol Levitt
90 clow clow 2915
91 Edward Weston
92 Joseph Cornell
93 Karel Appel
94 Bridget Riley
95 Alexander Araiphenko
96 Anthony Karo.
97 Richard Hamilton
98 Clifford ακόμα
99 Luke Tuimans
100 τάξη του Áldenburg
101 Eduardo Luigi Paolotki
102 Frank Auerbach
103 Dinos και Jake Chepman
104 Marlene Dumas
105 anton tapies
106 Georgeo Morandi
107 Walker Evans.
108 Nan Goldin
109 Robert Frank
110 Georges Ruo
111 arp hans
112 Αύγουστος αποστολέας
113 James Rosenquist
114 Ανδρέας Gursky
115 EUGENT ATGE
116 Τοίχος Jeff
117 Ellsworth Kelly
118 BRAND BRANDT.
119 Cristo και Jean-Claude
120 Howard Hodgkin
121 Joseph Albers.
122 Piero Mandzoni
123 Agnes Martin
124 Anish Kapar
125 L. S.Wry
126 Robert Motherwell
127 Robert Delone
128 Stewart Devis
129 Ed Rusha
130 Gilbert και George 2729
131 Wenna Spencer
132 James Eneser
133 Fernard Ledger
134 Brassey (Dul Halas)
135 Alexander Rachenko
136 Robert Riman
137 Ed Rindhard
138 Hans Belmer
139 IZ Genzken
140 kees van dongen
141 Oyji.
142 Paula Roeg.
143 Thomas Hart Benton
144 Hans Hoffman.
145 Vladimir Tatlin
146 Odilon Redon
147 George Segal
148 yog namedorf
149 Robert Smithson
150 Peter Doyag 2324
151 ed και nancy kinholz
152 Richard Prince
153 Ansel Adams
154 Naum Gabo 2256
155 Diego Rivera 2239
156 Barbara Hepworth 2237
157 Nikola de Stelle 2237
158 Walter de Maria 2229
159 Felix Gonzalez Torres 2228
160 Jacomo Ball 2225
161 Ben Nikalon 2221
162 ορμόνες του Anthony 2218
163 Lionel Feaninger 2216
164 emil nolde 2213
165 Mark Wallinger 2211
166 Herman Nitsssch 2209
167 Paul Signac 2209
168 Jean Tigley 2209
169 Shvitters Kurt 2209
170 Grayson Perry 2208
171 Julian Snabel 2208
172 Ramon Dushan-Wiyon 2208
173 Robert Gober 2208
174 Duane Hanson 2208
175 Richard Dibenkorn 2207
176 Apex Catz 2207
177 Aligiero Booty 2206
178 Genidier-Brzesca Henri 2206
179 Laslo Mokhoy-Naga 2205
180 Jacques Henri Lartig 2205
181 Robert Morris 2205
182 Sarah Lucas 2204
183 Jannis Kunellis 2204
184 Chris Barden 2204
185 OTTO DIX 2203
186 David Bomberg 2203
187 Physhy και Weiss 2203
188 Ogastes John 2203
189 Marsden Hartley 2203
190 Takashi Murakami 2203RETING

Συγγραφέας
Άρεσε: 5 χρήστες

Υπάρχουν έργα τέχνης που φαίνεται να νικήσουν τον θεατή στο κεφάλι, σιωπηλά και καταπληκτικά. Άλλοι καθυστερούν στη σκέψη και σε αναζήτηση σημασιολογικών στρωμάτων, μυστικού συμβολισμού. Ορισμένοι πίνακες ζωγραφικής είναι sheaven από μυστικά και μυστικιστικά αινίγματα, ενώ άλλοι εκπλήσσουν μια υπερβολική τιμή.

Κάναμε προσεκτικά όλα τα κύρια επιτεύγματα στην παγκόσμια ζωγραφική και επέλεξαν δύο δωδεκάδες πιο περίεργες ζωγραφιές από αυτά. Ο Σαλβαδόρ Ντάλι, των οποίων τα έργα εμπίπτουν εντελώς κάτω από τη μορφή αυτού του υλικού και είναι οι πρώτοι που έρχονται στο μυαλό, δεν περιλάμβανε σκόπιμα σε αυτή την επιλογή.

Είναι σαφές ότι η "περίεργη" είναι μια αρκετά υποκειμενική ιδέα και για όλους τους καταπληκτικούς πίνακες τους, χτυπώντας από διάφορα άλλα έργα τέχνης. Θα χαρούμε να τα μοιραστούμε τα σχόλια και να τους πείτε λίγο.

"Ποταμάκι"

Edward munk. 1893, χαρτόνι, λάδι, θερμοκρασίες, παστέλ.
Εθνική Πινακοθήκη, Όσλο.

Το "Creek" θεωρείται ένα εικονικό γεγονός εξπρεσιονισμού και έναν από τους πιο διάσημους πίνακες στον κόσμο.

Υπάρχουν δύο ερμηνείες των απεικονισθέντων: είναι ο ίδιος ο ήρωας που καλύπτεται από φρίκη και σιωπηλά φωνάζει σιωπηλά, πιέζοντας τα χέρια του στα αυτιά. Ή ο ήρωας κλείνει τα αυτιά από το κλάμα κλάμα της ειρήνης και της φύσης γύρω από την κραυγή. Ο Munk έγραψε τέσσερις επιλογές "κρέμα", και υπάρχει μια εκδοχή ότι αυτή η εικόνα είναι ο καρπός μιας μανιακής κατάθλιψης ψύχωσης, από την οποία υπέστη ο καλλιτέχνης. Μετά την πορεία της θεραπείας στην κλινική, η Munk δεν επέστρεψε στην εργασία στον ιστό.

"Πήγα σε ένα μονοπάτι με δύο φίλους. Ο ήλιος ήταν χάρη - απροσδόκητα ο ουρανός έγινε αιματηρός-κόκκινο, ανέστειλε, αίσθηση εξαντληθεί, και έσκυψε για το φράχτη - κοίταξα το αίμα και τη φλόγα γλωσσές πάνω από ένα μπλε-μαύρο φιόρδ και την πόλη. Οι φίλοι μου πήγαν περισσότερο, και βρισκόμουν, τρέμουν από τον ενθουσιασμό, αισθανόμαστε μια ατελείωτη κραυγή, διάτρηση της φύσης ", δήλωσε ο Edward Munk για την ιστορία της ζωγραφικής.

"Από πού προέρχονταν; Ποιοι είμαστε? Που πάμε?"

Paul Gajen. 1897-1898, καμβά, λάδι.
Μουσείο Καλών Τεχνών, Βοστώνη.

Από την κατεύθυνση του ίδιου του Μόνογους, η εικόνα πρέπει να διαβάσει δεξιά προς τα αριστερά - οι τρεις κύριες ομάδες των αριθμών απεικονίζουν τις ερωτήσεις που ορίζονται στον τίτλο.

Τρεις γυναίκες με ένα παιδί αντιπροσωπεύουν την αρχή της ζωής. Η μέση ομάδα συμβολίζει την καθημερινή ύπαρξη ωριμότητας. Στην τελική ομάδα, σύμφωνα με τον καλλιτέχνη, η "ηλικιωμένη γυναίκα που πλησιάζει το θάνατο φαίνεται να συμφιλιωθεί και να προετοιμάσει τις αντανακλάσεις του," τα πόδια της "ένα περίεργο λευκό πουλί ... αντιπροσωπεύει την άντληση των λέξεων".

Η βαθιά φιλοσοφική εικόνα των μετα-λειτουργιών του πεδίου Gaugaen γράφτηκε σε αυτούς στην Ταϊτή, όπου δραπέτευσε από το Παρίσι. Στο τέλος του έργου, ήθελε να τερματίσει ακόμη και τη ζωή της αυτοκτονίας: «Πιστεύω ότι αυτό το κυνόδοντες υπερβαίνει όλα τα προηγούμενα μου και ότι ποτέ δεν θα δημιουργήσω κάτι καλύτερο ή ακόμα και παρόμοιο». Ζούσε για άλλα πέντε χρόνια και αποδείχθηκε.

"Gernik"

Πάμπλο Πικάσο. 1937, καμβά, λάδι.
Μουσείο Βασίλισσας Σόφιας, Μαδρίτη.

Το "Gernika" παρουσιάζει σκηνές θανάτου, βίας, θηριωδίες, υποφέρουν και ανικανότητα, χωρίς να καθορίζουν τους άμεσους λόγους τους, αλλά είναι προφανείς. Λένε ότι το 1940 ο Pablo Picasso κλήθηκε να Gestapo στο Παρίσι. Ομιλία αμέσως πήγε για την εικόνα. "Το έκανες?" "Όχι, το κάνατε."

Το τεράστιο ύφασμα-τοιχογραφίες "Gernika", που γράφτηκε από τον Πικάσο το 1937, μιλάει για τον φόρο του εθελοντικού τμήματος του Luftwaffe στην πόλη Herront, ως αποτέλεσμα της οποίας η έκπληξη πόλη καταστράφηκε εντελώς. Η εικόνα γράφτηκε κυριολεκτικά για το μήνα - τις πρώτες μέρες της εργασίας στην εικόνα Picasso εργάστηκε για 10-12 ώρες και στα πρώτα σκίτσα θα μπορούσατε να δείτε την κύρια ιδέα. Αυτή είναι μια από τις καλύτερες εικόνες του εφιάλτη του φασισμού, καθώς και την ανθρώπινη σκληρότητα και τη θλίψη.

"Πορτρέτο του αρθρωμένου τεσσάρων"

Jan van eyk. 1434, ξύλο, λάδι.
Εθνική Πινακοθήκη Λονδίνο, Λονδίνο.

Η διάσημη ζωγραφική είναι πλήρως γεμάτη με σύμβολα, αλληγορίες και μια ποικιλία αναφορών - μέχρι την υπογραφή "Yang Van Eyk ήταν εδώ", η οποία απενεργοποίησε την εικόνα όχι μόνο στο έργο της τέχνης, και στο ιστορικό έγγραφο που επιβεβαιώνει την πραγματικότητα του γεγονός στην οποία ήταν παρόν ο καλλιτέχνης.

Πορτρέτο της πιθανώς Giovanni di Nikolao Arnolphin και η σύζυγός του είναι ένα από τα πιο δύσκολα έργα της Δυτικής Σχολής Ζωγραφικής της Βόρειας Αναγέννησης.

Στη Ρωσία, τα τελευταία χρόνια, η εικόνα έχει κερδίσει μεγάλη δημοτικότητα χάρη στην ομοιότητα πορτρέτου του αρθρωμένου με Βλαντιμίρ Πούτιν.

"Demon sitting"

Mikhail Vrubel. 1890, καμβά, λάδι.
Κράτος Tretyakov Gallery, Μόσχα.

"Τα χέρια αντιτίθενται σε αυτόν"

Bill Stonehem. 1972.

Αυτό το έργο, φυσικά, δεν μπορεί να μετρηθεί για τα αριστουργήματα της παγκόσμιας ζωγραφικής, αλλά το γεγονός ότι είναι περίεργο είναι γεγονός.

Γύρω από τη ζωγραφική με ένα αγόρι, κούκλα και φοίνικες, πιέζονται ενάντια στο γυαλί, πηγαίνετε θρύλοι. Από "λόγω αυτής της εικόνας που πεθαίνει" στο "τα παιδιά σε αυτό είναι ζωντανοί". Μοιάζει με μια πέννα και τρομερό, το οποίο δημιουργεί πολλούς φόβους και εικασίες σε ανθρώπους με μια αδύναμη ψυχή.

Ο καλλιτέχνης διαβεβαίωσε ότι ο ίδιος απεικονίζεται στην ηλικία των πέντε ετών, ότι η πόρτα είναι η αναπαράσταση της διαχωριστικής γραμμής μεταξύ του πραγματικού κόσμου και του κόσμου των ονείρων, και η κούκλα είναι ένας αγωγός που μπορεί να περάσει το αγόρι μέσα από αυτόν τον κόσμο. Τα χέρια αντιπροσωπεύουν εναλλακτικές ζωές ή ευκαιρίες.

Η εικόνα κέρδισε φήμη τον Φεβρουάριο του 2000, όταν έβαλε προς πώληση στο eBay με το φόντο, λέγοντας ότι η εικόνα είναι "με φαντάσματα". "Τα χέρια αντιτίθενται σε αυτόν" αγόρασε για $ 1025 Kim Smith, ο οποίος στη συνέχεια απλά χτύπησε με γράμματα με τρομερές ιστορίες και τις απαιτήσεις για να κάψει την εικόνα.

100 μεγάλες ζωγραφιές (μέρος 1)

Τα μεγάλα υφάσματα είναι πάντα ένας καθρέφτης του χρόνου, η οποία είναι η πολύπλοκη αλληγορική μορφή είτε απολαμβάνει τον καλλιτέχνη του. Όχι κάθε εικόνα είναι σαφής στον θεατή με μια ματιά, μερικοί από αυτούς χρειάζονται στενή προσοχή, κατανόηση, ορισμένες κατάρτισης και γνώσης.

Θέλουμε στον ιστότοπό μας όχι μόνο να πούμε για τα πιο διάσημα έργα της παγκόσμιας ζωγραφικής, αλλά παρέχουμε μια ευκαιρία για όλους να παραγγείλουν μια ποιοτική αναπαραγωγή σε έναν φυσικό καμβά, που του άρεσε το αριστούργημα.

Yana van eyka (1390-1441) Είναι συνηθισμένο να εξετάσουμε τον μεγαλύτερο ολλανδικό ζωγράφο του XV αιώνα, η οποία έβαλε την αρχή μιας ρεαλιστικής παράδοσης στη ζωγραφική βωμού. Ακριβώς από μια μικρή ολλανδική πόλη στον ποταμό Maas, το 1422, ήταν ένας σεβαστός πλοίαρχος, εισήλθε στην υπηρεσία για να μετρήσει τον Ιωάννη Βαυαρία και μέχρι 1424 συμμετείχαν στα έργα της διακόσμησης του παλατιού Count στη Χάγη. Το 1425, ο Wang Ayke μετακόμισε στη Λιλ, όπου έγινε ο ζωγράφος του δικαστηρίου του Βουργουνού του Δούκα Φιλίππου ΙΙΙ του καλού. Στην αυλή του Δούκα, ο οποίος εκτιμάται ιδιαίτερα τον καλλιτέχνη, δεν έγραψε μόνο φωτογραφίες, αλλά επίσης πραγματοποίησε πολλές διπλωματικές οδηγίες, έφυγαν επανειλημμένα στην Ισπανία και την Πορτογαλία.

Το 1431, η Van Eyk μετακόμισε στη Μπριζ, όπου ζούσε μέχρι το τέλος των ημερών του, που εκτελεί εργασία και ως ζωγράφος δικαστηρίου, και ως καλλιτέχνης της πόλης. Ο μεγαλύτερος αριθμός πραγμάτων που μας ήρθε σε εμάς γράφτηκαν από τον Δάσκαλο τη στιγμή που ήταν στην υπηρεσία του Δούκα του Βουργουνδίου.

Ένα από τα πιο διάσημα έργα του Wang Enyk, το πορτρέτο του ζευγαριού του αρθρωμένου, βρίσκεται στη συλλογή της Εθνικής Πινακοθήκης του Λονδίνου. Σε μια εικόνα που απεικονίζει τη γαμήλια τελετή δύο πλούσιων νέων, ο καλλιτέχνης βρήκε ένα μέρος για διάφορους χαρακτήρες - για παράδειγμα, για ένα σκυλί, που βρίσκεται στα πόδια του νεόνυμφους, το σύμβολο της πίστης. Σε έναν στρογγυλό καθρέφτη που κρέμεται στον τοίχο στα βάθη της σύνθεσης, υπάρχουν δύο αγγειακές, μάρτυρες του γάμου. Σε έναν από αυτούς, ο καλλιτέχνης απεικόνισε τον εαυτό του, τι λέει η επιγραφή πάνω από τον καθρέφτη. Ο νεόνυμφος καλλιτέχνης εκτελείται στην ανάπτυξη. Ο ζωγράφος απεικονίζει με αγάπη πράγματα γύρω από νεόνυμφους. Αυτά τα στοιχεία αναφέρουν πολλά για τον τρόπο ζωής των ιδιοκτητών τους, δίνοντας έμφαση στις μπιφτέκια τους - την παρατήρηση, τη σεμνότητα, την αγάπη για την τάξη.

Το περιεχόμενο της εικόνας που περιγράφεται παραπάνω είναι μόνο η πιο κοινή έκδοση, αλλά για ορισμένους ερευνητές άλλος είναι ελκυστικός: είναι αυτοπροσωπογραφία του καλλιτέχνη. Πίσω το 1934, ο διάσημος ιστορικός της Αυστριακής Τέχνης Erwin Panofsky πρότεινε ότι η εικόνα δεν δείχνει το γάμο, αλλά η δέσμευση. Επιπλέον, διαπιστώθηκε ότι δεν ήταν ο Giovanni Arnolphin και η σύζυγός του, και η γυναίκα που έδειξε στην εικόνα περιμένει σαφώς την προσθήκη της οικογένειας. Και η Μαργαρίτα Van Eyk (αδελφή του καλλιτέχνη) δόθηκε από τον Υιό στις 30 Ιουνίου 1434 .

Έτσι ποιος είναι ο ήρωας της εικόνας; Ή μήπως, πραγματικά, μια οικογενειακή σκηνή, και όχι σε ένα πορτρέτο σκύλων; Μέχρι τώρα, το ερώτημα παραμένει ανοιχτό ...

Το Van Eyk εισάγει τον θεατή στην ιδιωτική ζωή των ανθρώπων, δείχνοντας την ομορφιά της καθημερινής ζωής. Με αυτό, άνοιξε νέες, ρεαλιστικές δυνατότητες εικαστικής τέχνης, υλοποιήθηκε πλήρως μόνο στον XVII αιώνα, όταν δημιουργήθηκαν πολλές παρόμοιες ζωγραφιές στην Ολλανδία.

Αυτή είναι η μεγαλύτερη δημιουργία του καλλιτέχνη, καθώς και το "άνοιξη", τριακόσια και περισσότερα χρόνια ήταν σε μια βαθιά λήθη σε μια ήσυχη βίλα Castello στην περιοχή της Φλωρεντίας. Η εικόνα παρατηρήθηκε μόνο στα μέσα του περασμένου αιώνα, όταν οι ζωγράφοι του Prerafaelites Milles και Rossetti άνοιξαν το Botticelli ως ένα από τα πιο σπάνια ταλέντα της Ιταλίας XV αιώνα.

Η "γέννηση της Αφροδίτης" γράφτηκε για τον Lorenzo di Pierrechic Medici, τον ξάδελφο Lorenzo υπέροχο και το πιο σημαντικό προστάτη του Botticelli. Η Φλωρεντία, όπου ο καλλιτέχνης διεξήγαγε σχεδόν όλη τη ζωή του, διοικόταν από την ισχυρή οικογένεια Medici. Το οικόπεδο των ζωγραφικών συνδέεται με την κουλτούρα του δικαστηρίου Lorenzo Medici, αμφισβητήθηκε με τη φιλοσοφία του νεοπλατονισμού. Αυτή τη φορά των πολυκαριάνων και των ειδών του Lorenzo υπέροχη, η ώρα των τουρνουά και τις ανακριτικές πομπές ήταν η εποχή της ακμή του Botticelli.

Στο "Γέννηση" Sandro Botticelli απεικόνισε την εικόνα της Ουρανικής Αφροδίτης - Ουράνιος Αφροδίτης, οι κόρες του ουρανίου που γεννήθηκαν από τη θάλασσα χωρίς μητέρα. Η εικόνα που έχει συλληφθεί όχι τόσο πολύ τη γέννηση του πόσο η στιγμή που ακολούθησε όταν η αναπνοή των ιδιοφυΐα του αέρα, η Αφροδίτη φτάνει στην υποσχεμένη ακτή. Η ομορφιά του γυμνού φιγούρα στερείται από το Νυμφκό, η οποία είναι η ενσάρκωση της φύσης, είναι έτοιμη να το καλύψει με ένα μανδύα. Η ORA είναι ένα από τα τρία βουνά, η νύμφη της εποχής του έτους. Αυτό το βουνό, κρίνοντας από τα ρούχα της που την καλύπτουν, προσποίηση της εποχής του έτους, όταν η δύναμη της Αφροδίτης φτάσει στις κορυφές. Ίσως αυτή την εικόνα του καλλιτέχνη ενέπνευσε έναν από τους Ύμνους του Ομήρου, ο οποίος περιγράφει τον τρόπο με τον οποίο ο Marshmallow, ο Θεός του West Wind, έφερε στο νησί της Κύπρου Venus, όπου το πήρε τα βουνά.

Σύμφωνα με τις ιδέες της κούπα Lorenzo Medici Venus, η θεά της αγάπης, είναι επίσης η θεά της ανθρωπότητας. Είναι αυτή που διδάσκει τους ανθρώπους να λογίζει, να είναι μια μητέρα της αρμονίας, που γεννήθηκε από την ένωση της ύλης και του πνεύματος, της φύσης και των ιδεών, της αγάπης και της ψυχής.

Η πιο διάσημη εικόνα του κόσμου, "Mona Lisa", η δημιουργία του Leonardo da Vinci βρίσκεται στο Λούβρο.

Το "Mona Lisa" δημιουργήθηκε μεταξύ 1503 και 1506 και τελικά βελτιώθηκε το 1510. Μέχρι τώρα, παραμένει ασαφής ποιος ακριβώς θέτει τον μεγάλο master. Ένας καλλιτέχνης έλαβε εντολή από τη Γαλλία-Ko del Jokondo, ο Florentine Silk Trader, και οι περισσότεροι ιστορικοί και ιστορικοί τέχνης πιστεύουν ότι η Lisa Gerardini συλλαμβάνεται στο πορτρέτο της συζύγου του Jocondo, ο οποίος διέταξε ένα πορτρέτο προς τιμήν της γέννησης του δεύτερου γιου τους, που εμφανίστηκε το Δεκέμβριο του 1502. Παρ 'όλα αυτά, υπάρχουν ήδη 500 χρόνια διαμάχων για το ποιος είναι πραγματικά απεικονισμένος σε αυτή τη διάσημη εικόνα.

Η λέξη "MONA" είναι πιθανώς η συντομευμένη μορφή από τη Monsna ή Mia Donna, δηλαδή, Milady ή Madame. Στα γαλλικά, ονομάζεται "La Joconde", και στα ιταλικά - "La Gioconda" (διασκέδαση), αλλά αυτό είναι μόνο ένα παιχνίδι λέξεων, μια σύμπτωση με το όνομα αυτού που χρησίμευσε ως πρωτότυπο έργων ζωγραφικής.

Το πορτρέτο είναι ένα εξαιρετικό δείγμα της αγαπημένης τεχνικής του Leonard, το λεγόμενο spumato - "καπνιστό φωτισμό", ένα απαλό αποχετευτικό δίκτυο με ένα μαλακό γκάμα τόνων, τα οποία σαν ένα ελαφρώς λερωμένο και ομαλά κινούνται ένα στο άλλο. Ταυτόχρονα, ο Leonardo υποδηλώνει τις γωνίες του στόματος και των ματιών με τέτοια ακρίβεια και χάρη που η εικόνα αποκτά πραγματικά φανταστική ποιότητα.

Μερικοί ερευνητές υποστηρίζουν ότι η εικόνα είναι αυτοπροσωπογραφία του ίδιου του Leonardo, ο οποίος έδωσε την εμφάνισή του για τα χαρακτηριστικά των γυναικών ή ακόμα και τα χαρακτηριστικά του ερμαφρόδιτη. Και πράγματι, αν η εικόνα της Mona Lisa αφαιρέσει τα μαλλιά, θα είναι ένα παράξενο πρόσωπο που τιμωρεί. Αυτή η υπόθεση επιβεβαιώθηκε από το έργο που έγινε από ανεξάρτητους ερευνητές - Lilian Schwartz από το εργαστήριο Belle Labs και το Digby Kesta από την κλινική του Λονδίνου του Modsley, ο οποίος επιβεβαίωσε την υπόθεση ότι ο Leonardo θα μπορούσε να απεικονίσει τον εαυτό του στην εικόνα της Mona Lisa. Οι ερευνητές συγκρίνονται με τη βοήθεια ειδικών προγραμμάτων ηλεκτρονικών υπολογιστών «Monu Lisa» και αυτοπροσωπογραφία Leonardo, όταν ήταν ήδη στο σημείο του νου. Το αποτέλεσμα ήταν εντυπωσιακό. Η "Mona Lisa" αποδείχθηκε δύσκολα έναν καθρέφτη αντανάκλαση του προσώπου του μεγάλου δασκάλου. Σχεδόν όλα τα χαρακτηριστικά του προσώπου συμπίπτουν τέλεια, συμπεριλαμβανομένης της άκρης της μύτης, των χειλιών και των ματιών.

Το 1911, ο Monu Lizu έκλεψε ιταλική Vincenzo Perugia από τον Λούβρεϊ, ο οποίος εργάστηκε στο Μουσείο του Joiner. Μόλις έκανε μια φωτογραφία της γκαλερί, την απόκτησε κάτω από τα ρούχα. Η διάσημη ζωγραφική βρέθηκε μόνο το 1913, όταν ο απαγωγέας προσπάθησε να το πουλήσει σε έναν συγκεκριμένο συλλέκτη. Πριν από αυτό, το αριστούργημα του Leonardo κρατήθηκε σε μια βαλίτσα με διπλό πυθμένα. Ο ειδικός εισβολέας εξήγησε στο γεγονός ότι ήθελα να επιστρέψω μια φωτογραφία στην Ιταλία που λαμβάνεται από παράνομα Ναπολέοντα Bonaparte.

Από το βιβλίο του Robert Kamming "Μεγάλοι καλλιτέχνες":
"Ευρεία γνωστή ως" Dresden Venus ", αυτή η εικόνα ήταν εξαιρετικά πρωτότυπη, χωρίς να έχει αναλόγους στην τέχνη της κλασικής αρχαιότητας. Το έργο αποδεικνύει το ενδιαφέρον του καλλιτέχνη στο νέο ιδεώδες της ομορφιάς, όπου επικρατεί η ποιητική διάθεση πάνω από το λογικό περιεχόμενο.
Αυτό που βρίσκεται γυμνό έχει γίνει μια από τις πιο δημοφιλείς εικόνες της ευρωπαϊκής ζωγραφικής. Ο Georgeon απεικονίζει ένα σχήμα ύπνου κάτω από ένα δέντρο με κλειστά μάτια, βυθισμένο στα όνειρα και ανυποψίαστους που παρατηρείται πίσω της. Σχεδόν όλες οι μεταγενέστερες παραλλαγές απεικονίζονται σε αυτό το θέμα. Συγκεκριμένα, η Mane στην "Olympia" απεικονίζεται "Venus" που προσφέρει σεξουαλικές υπηρεσίες.
Μαλακές αποχρώσεις και στρογγυλεμένες μορφές της Αφροδίτης μιλούν για το αποτέλεσμα του Leonardo da Vinci, μαντεύεται και στην επίλυση των πτυχών κουρτίνων. Το "Dresden Venus" γράφτηκε σε μια καταδίκη στην "Mono Liza" - και και οι δύο αφορούσαν πολλά αντίγραφα και απομιμήσεις.
Σκωτσέζικα φώτα και λάμψη σε πολυτελές κουρτίνες επιδεικνύουν την τεχνική ζωγραφικής του πλοιάρχου Master's Master.
Τα ομαλά περιγράμματα του σώματος ενισχύουν την αίσθηση του βαθύ ύπνου και, όπως ήταν, θα κληθούν να κολλήσουν.
Η ερωτική φύση της εικόνας υποδεικνύει ότι η εικόνα παραγγέλθηκε για ένα προσωπικό υπνοδωμάτιο.
Εικόνες ακτίνων Χ και η καταγραφή των αποκαταστατών του XIX αιώνα δείχνουν ότι αρχικά ο Georgeon απεικονίζεται (ή επρόκειτο να απεικονίσει) στη δεξιά πλευρά του Cupid σχήμα.
Σύμφωνα με τις φήμες, ο Γιώργος δεν είχε χρόνο να τερματίσει την εικόνα στη ζωή και πιστεύεται ότι η εντολή για την ολοκλήρωση του τοπίου δόθηκε στον Τίτσο. Το "πολυστρωματικό" τοπίο και οι μπλε λόφοι στον ορίζοντα είναι χαρακτηριστικές του πρώιμου τρόπου των Τιτών. Ο πρόωρος θάνατος του αντιπάλου συνέβαλε στην αναρρίχηση του αστεριού του Τίτανα. "

Ι. Η Bosch αποδείχθηκε ένας πολύ δύσκολος καλλιτέχνης, ακόμα και τώρα δεν υπάρχει σταθερή άποψη για την ερμηνεία των οικόπεδων και των μεμονωμένων εικόνων των ζωγραφικής του.
Για τους μεσαιωνικούς καλλιτέχνες (καθώς και για το κοινό τους), όλα τα στοιχεία και τα φαινόμενα είχαν συμβολικό νόημα, κάθε στοιχείο έλαβε τη συμβολική της ερμηνεία με βάση τα κείμενα της Βίβλου. Έτσι, για παράδειγμα, με βάση τη φράση: «Ο Λόγος του Θεού είναι ισχυρός, ως λιοντάρι», το Λιοντάρι θεωρεί το σύμβολο της όμως της Fivotian πίστης, επειδή οι αριθμοί του Lviv είναι διακοσμημένες με τις πύλες πολλών Ρωμαϊκών καθεδρικών στη Γαλλία στη Γαλλία , και στην Ιταλία, οι γλύπτες των XIII-XIV αιώνες έβαλαν λιοντάρια στους πρόποδες των Τμημάτων της Εκκλησίας. Η δημιουργικότητα Bosch, ίσως επίσης επίσης δύσκολη στην εποχή μας για άμεση αντίληψη, ότι ο καλλιτέχνης, εκτός από τα παραδοσιακά μεσαιωνικά σύμβολα (όλα γνωστά), χρησιμοποίησε έναν άλλο συμβολισμό - λιγότερο μελετημένο και δύσκολο να αποκρυπτογραφήσει.
Η καλλιτεχνική γλώσσα της Bosch ποτέ δεν στοιβάζεται εξ ολοκλήρου στις μεσαιωνικές συμβολικές ερμηνείες. Ο καλλιτέχνης χρησιμοποίησε συχνά ορισμένα σύμβολα στην αξία μετατρέψιμη στο γενικά αποδεκτό, και επίσης εφευρέθηκε νέα σύμβολα. Ίσως, λοιπόν, ονομάστηκε "ζοφερή κόκκινη", "Επίτιμος Καθηγητής Εφιάστακων", αλλά οι σύγχρονοι σουρεαλιστές είδαν στο Bosche του πνευματικού πατέρα τους και του Forerunner. Εδώ, για παράδειγμα, μία από αυτές τις σκηνές. Αγάπη ζευγάρι συνταξιούχος σε μια διαφανή φούσκα. Λίγο υψηλότερο, ο νεαρός αγκαλιάζει μια τεράστια κουκουβάγια, το δεξί της φούσκας στη μέση της πισίνας, στο νερό, ένας άλλος άνθρωπος στέκεται στο κεφάλι του, εξαπλώνει τα πόδια του, μεταξύ των οποίων τα πουλιά κλαψουν τη φωλιά. Δεν απέχει πολύ από αυτόν, ο νεαρός άνδρας που στεγνώσει την αγαπημένη του από το ροζ κοίλο μήλο, τροφοδοτεί τους ανθρώπους που στέκονται στο λαιμό στο νερό από το τερατώδες σύμπλεγμα σταφυλιών. Αυτός είναι ο "Κήπος του Κήπου Rasomy Garden" - ένας από τους πιο διάσημους πίνακες του Jerome Bosch.
Το Triptych του "Κήπος του Ράσοβασας" ή "Κήπος ευχαρίστησης" (συχνά αναφέρεται ως το πιο "Bosshovsky", το Jerome Bosch δημιουργήθηκε το 1503 και σε αυτό το περίεργο όραμα του κόσμου εκδηλώθηκε πλήρως. Το όνομα της εικόνας χορηγείται ήδη στη σύγχρονη λογοτεχνία, και το δεύτερο μισό του XVI αιώνα, όταν έπεσε στην κυριότητα του βασιλιά Φιλίππου Β, ονομάστηκε "η ποικιλομορφία του κόσμου", στον XVII αιώνα που είχε Το όνομα "ματαιοδοξία και δόξα".
Στην αριστερή πλευρά αυτού του τρίπτυχου, ο παράδεισος απεικονίζεται, στη δεξιά - κόλαση, και μεταξύ τους η εικόνα της ύπαρξης της γης, η αριστερή πλευρά του κήπου των προορισμών, απεικονίζει τη σκηνή της "Δημιουργία της Εύας" και του Το ίδιο το Paradise λάμπει και μεταφέρει με φωτεινά, αφρώδη χρώματα. Στο φόντο του φανταστικού τοπίου του παραδείσου. Γεμάτο με διάφορα ζώα και φυτά, ο πλοίαρχος δείχνει την αφύπνιση του Αδάμ ακριβώς ότι ξύπνησε τον Αδάμ που έθεσε από το έδαφος και σε έκπληξη κοιτάζει την Εύα, την οποία τον δείχνει ο Θεός. Διάσημος κριτικός τέχνης sh. De tolnai σημειώνει ότι μια έκπληξη εμφάνιση, την οποία ο Αδάμ ρίχνει την πρώτη γυναίκα, είναι ένα βήμα προς την αμαρτία. Και η Εύα, που εξάγονται από την άκρη του Αδάμ, δεν είναι μόνο μια γυναίκα, αλλά και ένα όργανο αποπλάνησης. Η αντίφαση μεταξύ ενός χαλαρωτικού και αμαξοστοιχικού ανθρώπου και των σπόρων σπόρων των σπόρων της αμαρτίας αναπαράγεται στη γύρω φύση. Καλλιεργείται σε ένα μυστηριώδες πορτοκαλί βράχο, μια ηλίθια φοίνικα διαγώνια απέναντι από το φοίνικα. Αρκετά περιστατικά απορρίπτονται τη ζοφερή σκιά και την ήσυχη ζωή των ζώων: το λιοντάρι καταβροχθίζει ένα ελάφι, ο αγριόχοιρος επιδιώκει ένα μυστηριώδες θηρίο. Και πάνω από όλα αυτά, η πηγή της ζωής είναι πύργοι - ένα υβρίδιο των φυτών και ένα μαρμάρινο βράχο, αυξάνοντας γοτθικό σχεδιασμό, εγκατεστημένο σε σκούρες μπλε πέτρες ενός μικρού νησιού. Στην κορυφή του - ενώ ακόμα σχεδόν αξιοσημείωτοι φορείς, αλλά ήδη από το εσωτερικό μοιάζουν, όπως ένα σκουλήκι, κουκουβάγια - δελτίο ατυχίας.
Το κεντρικό τμήμα του Triptych είναι ο πραγματικός "Κήπος του Κήπου Rasomy" - απεικονίζει ένα μεγάλο τοπίο που καλύπτεται από γυμνά στοιχεία ανδρών και γυναικών με ανθρώπινα πρόσωπα αναμιγνύονται τα θηρία των αφύσικων αναλογιών, πουλιά, ψάρια, πεταλούδες, φύκια, τεράστια λουλούδια και φρούτα. Στη σύνθεση "Κήπος του κήπου του εδάφους" ξεχωρίζει τρία σχέδια: Στο προσκήνιο εμφανίζεται οι "Διάφορες χαρές", το δεύτερο απασχολημένο από την ιππασία των πολυάριθμων αναβάτη που πηγαίνουν σε μια ποικιλία ζώων, το τρίτο (το πιο απομακρυσμένο (το μεγαλύτερο μέρος των ζώων ) σημειώνεται με ένα γαλάζιο ουρανό όπου οι άνθρωποι πετούν στα φτερωτά ψάρια και με τα δικά τους φτερά φαινομενικά στο παρασκήνιο αυτό το τοπίο δεν μπορεί να είναι αγριέστερο των παιχνιδιών αγάπης των ανθρώπινων ζευγαριών, αλλά, όπως η ψυχανάλυση (ψυχίατρος R. Haikin προσφέρθηκε ακόμη και να κρατήσει ένα Ψυχοπαθολογική ανάλυση της δημιουργικότητας I. Bosch), τα όνειρα εκείνης της εποχής ανοίγουν την αληθινή σημασία αυτών των γειτονικών απολαύσεων: κεράσια, φράουλες, φράουλες και σταφύλια, με τέτοια χαρά που τρώγονται από τους ανθρώπους, συμβολίζουν την αμαρτωλή σεξουαλικότητα, χωρίς Το φως της θείας αγάπης. Ένα σκάφος-μήλο στον οποίο οι εραστές θα αποτρέψουν, η μορφή μοιάζει με ένα θηλυκό στήθος. Τα πουλιά γίνονται η προσωποποίηση της λαγνείας και της debauchery, τα ψάρια - ένα σύμβολο της ανήσυχης λαγνείας, το κέλυφος είναι μια γυναίκα έναρξη.
Στο κάτω μέρος της εικόνας, ο νεαρός άνδρας αγκάλιασε μια τεράστια φράουλα. Η έννοια αυτής της εικόνας θα γίνει κατανοητή από εμάς αν υπενθυμίσουμε ότι στη δυτική ευρωπαϊκή τέχνη, ο σεισμός χρησίμευσε ως σύμβολο καθαρότητας και παρθενίας. Η σκηνή με σύμπλεγμα σταφυλιών στην πισίνα είναι μια κοινωνία και ένας γιγαντιαίος πελεκάνος, πήρε σε ένα μακρύ κεράσι ράμφος (σύμβολο αισθησιασμού) πειράζει από τους ανθρώπους της που κάθεται σε ένα φανταστικό λουλούδι μπουμπούκι τον εαυτό του. Ο πελεκάνος συμβολίζει την αγάπη για το γείτονα. Σύμβολα της χριστιανικής τέχνης Ο καλλιτέχνης δίνει συχνά έναν ιδιαίτερα αισθησιακό ήχο, το περιττό τους σε ένα υλικό και ένα σχέδιο σώματος
Η Jerome Bosch δημιουργεί μια εκπληκτική φαντασία του κόσμου των εφημτικών επιθυμιών και των αισθησιακών απολαύσεων: η αλόη είναι σκάπισε σε γυμνή σάρκα, το κοράλλι καταγράφει σταθερά τα σώματα, το νεροχύτη χτυπάει και γυρίζει ένα ζευγάρι αγάπης στους φυλακισμένους του. Στον πύργο της μοιχείας, η οποία ανεβαίνει από την τυχερή αγάπη και τα κίτρινα-πορτοκαλί τοιχώματα των οποίων σπινθηρίζουν σαν κρύσταλλο, εξαπατημένοι σύζυγοι κοιμούνται ανάμεσα στα κέρατα. Η γυάλινη σφαίρα του χάλυβα χάλυβα, στην οποία οι λάτρεις απολαμβάνουν χαϊδεύοντας, στέφεται με ένα στέμμα από ημισέληνο και ροζ μαρμάρινα κέρατα. Σφαίρα και ένα γυάλινο κουδούνι, που καλύπτουν τρεις αμαρτωλούς, απεικονίζουν την ολλανδική παροιμία. "Ευτυχία και γυαλί - καθώς είναι βραχύβια!". Και είναι τα σύμβολα της αιρετικής φύσης της αμαρτίας και εκείνων των κινδύνων που μεταφέρει στον κόσμο
Το σωστό φύλλο αίματος του Triptych - η αρτηριακή πίεση - σκοτεινό, σκοτεινό, ενοχλητικό, με ξεχωριστές εστίες φωτός διάτρηση τη νύχτα mglu και με τους αμαρτωλούς που βασανίζονται από κάποια γιγαντιαία μουσικά όργανα. Στο κέντρο της κόλασης υπάρχει μια τεράστια φιγούρα του Σατανά, αυτό είναι ένα είδος "οδηγός" στην κόλαση - ο αρχηγός "αφηγητής" με ένα ανοιχτόχρωμο πρόσωπο και ένα ειρωνικό χαμόγελο σε λεπτά χείλη. Τα πόδια του είναι κοίλοι κορμούς δέντρων και βασίζονται σε δύο σκάφη. Το σώμα του Σατανά είναι ένα ανοιχτό κέλυφος αυγών, στα χωράφια των δαίμων του καπέλο και μάγισσα, είτε περπατούν, είτε χορεύουν με αμαρτωλή ψυχές ... είτε οδηγούν γύρω από μια τεράστια φούσκα (το σύμβολο της ανδρικής έναρξης) των ανθρώπων που καταπιέζονται στην αφύσικη αμαρτία. Σίδη: ένας αμαρτωλός σταυρωμένος, διάτρηση των χορδών του άρπα. Δίπλα σε αυτόν, ένας κόκκινος δαίμονας ξοδεύει μια ποικιλία της Ελληνικής Ορχήστρας σε σημειώσεις που γράφονται στους γλουτούς ενός άλλου αμαρτωλού. Σε μια μεγάλη καρέκλα κάθεται σε έναν δαίμονα, τιμωρεί τον Rzhor και τσιμπήματα. Έσπασε τα πόδια του σε κανάτες μπύρας και ένα δοχείο στο πουλί του τα κεφάλια του. Και τιμωρεί τους αμαρτωλούς, τους καταβροχθίζοντας.
Το Sash της κόλασης αντιπροσωπεύει το τρίτο στάδιο της πτώσης, όταν η ίδια η Γη μετατράπηκε στην κόλαση. Τα αντικείμενα που χρησίμευαν προηγουμένως ως αμαρτία τώρα μετατράπηκαν σε όπλα. Αυτές οι χιμαιρές ακάθαρτης συνείδησης έχουν όλες τις συγκεκριμένες αξίες των σεξουαλικών συμβόλων ονείρων. Λαγός (στην εικόνα ξεπερνά το μέγεθός του ενός ατόμου) στον Χριστιανισμό ήταν το σύμβολο της αθανασίας της ψυχής. Boschu, παίζει στο κέρατο και χαμηλώνει το αμαρτωλό κεφάλι κάτω από την εορτή φωτιά. Τα γιγαντιαία αυτιά χρησιμεύουν ως μια υποτιθέμενη ατυχία. Ένα τεράστιο κλειδί που συνδέεται με έναν μοναχό, δίνει την επιθυμία του τελευταίου στον γάμο, απαγορεύεται για εκπροσώπους του κλήρου. Μέσα στο τέρας είναι μια ταβέρνα, πάνω από την οποία το πανό είναι fluttered - Όλος ο ίδιος χάκερ. Σε κάποια απόσταση κάθεται σε μια κατάσταση μελαγχολικού ανθρώπου που κλίνει πάνω από το χάος. Αν βλέπετε τα χαρακτηριστικά του ίδιου του Hieronim Bosch, τότε ολόκληρη η εικόνα μπορεί να εμφανιστεί μπροστά από τον θεατή σε ένα διαφορετικό φως: ο ίδιος ο καλλιτέχνης εφευρέθηκε αυτός ο εφιάλτης, όλες αυτές οι αγωνίες και αλεύρι δεσμεύονται στην ψυχή του. Ορισμένοι ιστορικοί της τέχνης επιμένουν σε αυτό, για παράδειγμα, είπε ήδη sh. De tolnai. Ωστόσο, η Bosch ήταν ένα βαθιά θρησκευτικό πρόσωπο, και να βάλει τον εαυτό του στην κόλαση, δεν μπορούσε να σκεφτεί. Πιθανότατα ο καλλιτέχνης θα πρέπει να αναζητηθεί μεταξύ εκείνων των εικόνων που βρίσκονται στους πίνακες του φωτός και καλό, δεν ήταν για τίποτα που ανήκε στην αδελφότητα της Παναγίας.
Οι σύγχρονοι του χαρακτήρα "Κήπος ευχαρίστησης" είναι σε μεγάλο βαθμό ακατανόητοι, αλλά για τους συγχρόνους της Bosch (όπως ήδη αναφέρθηκε παραπάνω) ήταν γεμάτα με βαθιά συμβολική έννοια. Οι πίνακές του (συμπεριλαμβανομένου του "Garden of Jasom") συχνά φοβίζουν τον θεατή με αφύσικη συμβατότητα σε ένα χαρακτήρα του ανθρώπου και των ζώων, ζωντανών και νεκρών, και ταυτόχρονα μπορούν να διασκεδάσουν. Οι χαρακτήρες του είναι παρόμοιες με τις εφιάλτες εικόνες της Αποκάλυψης και ταυτόχρονα - στους αστείες διαβόλους του καρναβαλιού. Ωστόσο, με όλες τις πολλές ερμηνείες της σημασίας του "κήπου του κήπου εδάφους", κανένας από αυτούς δεν μπορεί
Καλύψτε πλήρως όλες τις εικόνες της εικόνας.

Αυτή η εικόνα του βωμού είναι το τελευταίο από τα μεγάλα έργα του Rafael αφιερωμένη στο αγαπημένο του θέμα. Ακόμη και στην πρώιμη περίοδο της δημιουργικότητας, γύρισε στην εικόνα της Madonna με ένα μωρό, κάθε φορά που ψάχνει για μια νέα προσέγγιση. Η κυρίαρχη φύση της ιδιοφυΐας του Rafael εκφράστηκε στην επιθυμία για το θεϊκό, στη μετασχηματισμό της γήινης, ανθρώπου στην αιώνια, θεία.
Φαίνεται ότι η κουρτίνα μόλις εξαπλώθηκε και τα μάτια των πιστών άνοιξαν το ουράνιο όραμα - το σύννεφο της Παρθένου της Μαρίας με το βρέφος Ιησού στα χέρια του. Η Madonna κατέχει μια εμπιστοσύνη του μαθητή στον Ιησού της στη μητέρα προσεκτικά και προσεκτικά. Η μεγαλοφυία του Rafael φάνηκε να συνάπτει ένα θεϊκό μωρό στον μαγικό κύκλο, που σχηματίστηκε από το αριστερό χέρι της Madonna, το κάλυμμα της και το δεξί χέρι του Ιησού. Η άποψή της, κατευθύνεται μέσω του θεατή, είναι γεμάτη από ανήσυχη πρόβλεψη της τραγικής μοίρας του Υιού. Το πρόσωπο της Madonna είναι η ενσάρκωση μιας αντίκες ιδανικού ομορφιάς σε συνδυασμό με την πνευματικότητα του χριστιανικού ιδανικού.
Πάπας Sikst II, ο οποίος υιοθέτησε ένα μαρτύριο το 258 μ.Χ. Και η σκωρία, ζητά τη Μαρία για τη μεσολάβηση για όλους, που την προσεύχονται πριν από το βωμό. Πόση της Αγίας Βαρβάρας, το πρόσωπό της και ένα διαταραγμένο μάτι εκφράζει την ταπεινότητα και τη σεβασμό. Στα βάθη της εικόνας, στο παρασκήνιο, μόλις διακρίνονται στη χρυσή ομίχλη, τα πρόσωπα των αγγέλων είναι αόριστα μαντεύονται, ενισχύοντας τη συνολική αυξημένη ατμόσφαιρα. Προβολές και χειρονομίες δύο αγγέλων στο προσκήνιο που αντιμετωπίζει Madonne. Η παρουσία αυτών των φτερωτών αγοριών, που μοιάζει περισσότερο με μυθολογικές διασκέδαση, δίνει στον καμβά ιδιαίτερη ζεστασιά και την ανθρωπότητα.
Η "Sicstinskaya Madonna" διατάχθηκε το Raphael το 1512 ως μια εικόνα βωμού για το παρεκκλήσι της Μονής Αγίου Στις Στις σε Piacense. Ο Πάπας Ιούλιο ΙΙ, εκείνη τη στιγμή, ακόμα καρδινάλιος, συλλέγονται κεφάλαια για την κατασκευή του παρεκκλησίου, όπου διατηρούνται τα λείψανα της Αγίας Σής και της Αγίας Βαρβάρας.
Στη Ρωσία, ειδικά το πρώτο εξάμηνο του 19ου αιώνα, η "Sicstinskaya Madonna" Rafael ήταν πολύ σεβαστά, ενθουσιώδεις σειρές τέτοιων συγγραφέων και κριτικών, όπως V. A. Zhukovsky, V. G. Belinsky, Ν. P. Ogarev. Ο Belinsky έγραψε από τη Δρέσδη V. P. Botkin, μοιράζοντας τις εντυπώσεις του για τη "Sicstinian Madonna": "Τι μια ευγενείς, που για τη χάρη της βούρτσας! Είναι αδύνατο να κοιτάξετε! Ήμουν ακούσια θυμάμαι τον Pushkin: την ίδια ευγένεια, την ίδια χάρη έκφρασης, με την ίδια αυστηρότητα των περιγραμμάτων! Δεν υπάρχει αμφιβολία ότι ο Pushkin αγαπούσε το Raphael τόσο πολύ: είναι σε σχέση με αυτόν από τη φύση ». Δύο μεγάλοι ρωσικοί συγγραφείς, L. N. Tolstoy και F. M. Dostoevsky, είχαν τις αναπαραγωγές της Sicstinian Madonna στα γραφεία εργασίας τους. Η σύζυγος του F. M. Dostoevsky κατέγραψε: "Ο Fedor Mikhailovich πάνω από όλα στη ζωγραφική έβαλε τα έργα του Raphael και την ανώτερη αναγνώρισή του αναγνώρισε" Sisikstinsky Madonna ".
Ο Carlo Maratty εξέφρασε την έκπληξή του μπροστά στο Rafael: "Αν είχα μια φωτογραφία του Raphael και δεν θα ήμουν σε τίποτα γι 'αυτόν, αν την ίδια στιγμή είπαν ότι αυτή είναι η δημιουργία ενός αγγέλου, θα το πίστευα. "
Το μεγάλο μυαλό του Goethe όχι μόνο εκτιμάται τον Ραφαήλ, αλλά και βρήκε επίσης μια διδασκαλία έκφρασης για την εκτίμησή του: "Πάντα εργάστηκε ότι άλλοι απλά ονειρευόταν να δημιουργήσουν".
Αυτό ισχύει, επειδή ο Rafael ενσωματώνεται στα έργα του όχι μόνο η επιθυμία για το ιδανικό, αλλά το πιο ιδανικό, προσιτό θανάσιμο.

Από το βιβλίο "100 Μεγάλες ζωγραφιές" Ιωνία Ν.Α.:

Το Augsburg, όπου συγκεντρώθηκαν όλη την ισπανική αυλή και πολλοί γερμανοί πρίγκιπες. Στο Augsburg, ο Τιτίας έγραψε ένα τεράστιο ιππικό πορτρέτο του Karl V το πρωί πριν από τη μάχη, στην οποία ο μονάρχης κέρδισε μια από τις πιο λαμπρές νίκες του. Ο Titian's Consultary αυτό το πορτρέτο χτύπησε με την έκπληξή του: ήταν περίεργο να δούμε τον αυτοκράτορα - ένα λεπτό ντουλάπι διπλωμάτη και μελαγχολικό - στην εικόνα ενός ιππότη και έναν ήρωα με ένα δόρυ στο χέρι του, με ένα αυξημένο pick-up, μοναχικό άλμα, τα πεδία. Αλλά ήταν η βούληση του μονάρχη.
Στη μάχη στο Mühlberg, αυτή η φανταχίνη του Καθολισμού φαινόταν να κινείται σε κάποια έκσταση: δεν οδήγησε τη μάχη από μακριά, κάθεται σε φορείς υπό την προστασία των οχυρώσεων. Υπήρξε προς τα εμπρός τα στρατεύματά του στην επίθεση και ακόμη και πέρασε το επικίνδυνο ευρύ της Έλβας, συναρπάζοντας τους συνταγματάρχους του πίσω του. Αυτή η αναμνηστική ημέρα και η μόνη ηρωική πράξη του αυτοκράτορα και έπρεπε να διαιωνίσει τον Τίχο. Το πορτρέτο δεν δείχνει ένα θορυβώδες, σιωπηλό και ασθενές Karl V, όπως αναφέρεται στις αφηγήσεις των σύγχρονων. Αυτό δεν είναι ο Karl, τον οποίο απεικονίζει τον ίδιο τίτλο στο πορτρέτο, που τώρα βρίσκεται στο Μόναχο Pinakotek. Αυτό δεν είναι ένα αξιολύπητο ερείπια, όχι μια πονηρή Lukava, όχι ο θλιβερός "άρχοντας του σύμπαντος", όχι ο γιος του Insane John και του Πολυτελή Philip ... αυτός είναι ο εγγονός του "Τελευταίου Ιππότη" - Maximilian, και Επομένως, ο Τίτς απεικονίζει ξεχωριστή εστία στο πορτρέτο και όχι ολόκληρο ψυχολογικό χαρακτήρα.
Ήταν το εντυπωσιακό και πιο γενναίο όλων των έργων του Τιτιδίου. Στην κοκκινωπή άνοιξη το πρωί, ένα σε μια εκτεταμένη πεδιάδα που εκτείνεται στους λόφους της Elba, ο αυτοκράτορας, κυνηγημένος σε ένα κυνηγμένο και επιχρυσωμένο χάλυβα, με ένα ανυψωμένο βομβαρδιστικό πρόσωπο πάνω από ένα χλωμό και αποφασιστικό πρόσωπο, φύλλα καλπασμού από το δάσος με ένα μπροστινό δόρυ. Πόσο θεαματική και μεγάλη ^ κοιτάζει τον αναβάτη! Αλλά πόσο τρομερό μόνος είναι σε αυτόν τον τομέα. Και όπου έσπευσε σε ένα όμορφα αστραφτερό άλογο. Η διοίκηση των λαών, η φωτιά και το σπαθί τιμωρεί το ατυχές, ο οποίος έπεσε στους εχθρούς των δυνάμεων της Armada, ενός άνδρα, ακόμη και η τεμπέλη της χειρονομίας του οποίου θα μπορούσε να ανυψωθεί ή να καταστραφεί, - κουρασμένος και μοναχικός απεικονισμένος στο πορτρέτο.
Ο θεατής εξετάζει το χαρακτηριστικό του, το δικό του χαρακτηριστικό, και ξαφνικά ξεχωρίζει σαφώς στα μάτια του αυτοκράτορα διάσπαρτη θλίψη, κάποιο είδος εσωτερικής κόπωσης, η οποία μεταδίδεται στην όλη του φιγούρα και αναρωτιέται ακόμη και στη φυλή σιωπής. Η εμφάνισή του δίνει την εντύπωση ενός κακού πνεύματος και το όραμα συλλαμβάνει την έκπληξη και φοβίζει. Ακόμα και τα πορτραίτα χρώματα περικλείουν κάτι δυσοίωνο, μαχητικό. Στο πρόσωπο του Karl V, κάτι τρομερό, "Απολαύστε": ένα στο πεδίο, ένας στον κόσμο, ένα με μια σπασμένη ψυχή. Έτσι κατάλαβα και απεψήφθη τόσο τον Charic του αυτοκράτορα. Ίσως αυτός και -sam δεν γνώριζε ακόμα τη μεγάλη κόπωση του, και ο καλλιτέχνης τον έδειξε τη δική του ψυχή - χωρίς εξωραϊσμό.
Ο Τίτς σε αυτό το πορτρέτο δεν επέκτεινε τον πάθους του, το πεδίο της επισημότητάς του και τροφοδοτείται μέσα στα σύνορα των απαιτήσεων του πελάτη, κατοικώντας στο έργο με ένα σπάνιο κρύο για τον εαυτό του. Μπορεί, οπότε μερικοί ερευνητές γιορτάζουν επίσης στο πορτρέτο, και στη στάση του αυτοκράτορα, μερικοί ατυχές, όπως και σε μανεκέν στο οπλοστάσιο των παλαιών όπλων. Αλλά η ψυχολογική διείσδυση του Τιττιανού έφτασε στο υψηλότερο όριο σε αυτό το πορτρέτο. Σύμφωνα με την εμπιστοσύνη των τεχνικών τέχνης, αυτό το πορτρέτο είναι εκπληκτικό, από την άποψη της φύσης και του πνεύματος της εποχής - τίποτα δεν μπορεί να συγκρίνει μαζί του. Φαίνεται ότι το ίδιο το Klio είναι μια μούσα της ιστορίας - οδήγησε σε εκείνες τις μέρες από το χέρι του καλλιτέχνη.

Ο Περσεύς - στην ελληνική μυθολογία, ο γιος του Ντάιι, ο οποίος υπέφερε από τον Δία όταν γύρισε τον εαυτό του στο ρεύμα της χρυσής βροχής. Οι ηρωικές του πράξεις περιελάμβαναν τη Becklamination των μέδουσας, ενός από τους Serpentine Gorgon και τη σωτηρία εξαιρετικής Ανδρομέδα από το θαλάσσιο τέρας. Το τελευταίο θέμα είναι ένας συχνός μη ερχόμενος μύθος. Ο Περσέας απεικονίζεται είτε ως τυπικός ήρωας κλασικής αρχαιότητας, είτε στην εικόνα ενός πολεμιστή στην πανοπλία. Κρατάει ένα στρογγυλεμένο σπαθί - το δώρο του υδραργύρου - και μια λαμπρή ασπίδα, παραδίδεται σε αυτόν από τον ανθρακωρύχο, τον αμυντικό του.
Ο Ovid στη "Μεταμόρφωση" λέει για το πώς η Andromeda, η κόρη του Αιθιοπικού βασιλιά, ήταν αλυσοδεμένος σε ένα βράχο στην ακτή ως θύμα που έφερε το τέρας της θάλασσας. Ο Περσεύς, που κυματίζει στον ουρανό, ερωτεύτηκε με την πρώτη ματιά. Έσπασε κάτω από το χρόνο, σκοτώθηκε τέρας και απελευθέρωσε το Andromed. Η ζωγραφική "Perseus και Andromeda" rubens που δημιουργήθηκαν εκείνη τη στιγμή όταν το έργο του ήταν ιδιαίτερα συναισθηματικά και χαρούμενο. Σύμφωνα με την τελειότητα της ζωγραφικής και της υψηλής εκτέλεσης, αυτή η εργασία είναι ένα από τα αριστουργήματα του καλλιτέχνη. Και εδώ για το Rubens παραμένει το κύριο πράγμα για το τι γεννιέται ένα άτομο: πάλη, νίκη και αγάπη.

Ο Rubens κατέλαβε το κατόρθωμα της Περσίας, όχι τον αγώνα και την αντίσταση, και την επάρκεια για την ήδη επιτυχημένη νίκη, όταν οι χαρούμενες κραυγές έτρεξαν μακριά από την ακτή και όλοι συσσωρεύονται έναν ισχυρό ήρωα. Σε αυτή την εικόνα, ο Περσέας λειτουργεί ως θρίαμβος, μια φτερωτή θεά Βικτώρια (δόξα) με ένα υποκατάστημα φοίνικα και ένα στεφάνι δάφνης στα χέρια του νικητή. Η αποθεώση του Περσέα γίνεται μια γιορτή της ζωής, δεν υπερβαίνει πλέον, όμορφο και χαρούμενο. Και αυτό το καλλιτεχνικό έργο Rubens επιτρέπει με μια τέτοια πληρότητα, με μια τόσο συναρπαστική δύναμη, η οποία δεν έχει ακόμη βρεθεί σχεδόν. Η εντατική εσωτερική δυναμική κάθε γραμμής, κάθε μορφή, ο αυξανόμενος ρυθμός τους φτάνει σε εξαιρετική εκφραστική εδώ. Μια ανυπέρβλητη δύναμη, έκρηξη, σαν μια δίνη, από κάπου από το εξωτερικό, δίνει όλη τη σύνθεση και κλαψουρίζουν, όπως στο υδρομασάζ, κινήσεις μιας μονής κατεύθυνσης.

S.m.sandomirsky

Robert Wallace στο βιβλίο Παγκόσμιος Λεονάρντο, Μ., 1997 γράφει: "Από τα δύο προβλήματα με τα οποία οι συγγραφείς του" μυστικού βράδυ "αντιμετώπισαν αιώνες, το πρόβλημα της κατανομής του Juda Leonardo αποφάσισε με τη μεγαλύτερη ευκολία. Έβαλε τους Ιούδα στην ίδια πλευρά του τραπεζιού, όπως όλοι οι άλλοι, αλλά τον χωρίστηκαν ψυχολογικά από άλλη μοναξιά, η οποία είναι πολύ πιο τρελή από τη σωματική απομάκρυνση. Ζούστε και εστιασμένη, ο Ιούδας έβγαλε από τον Χριστό. Σε αυτό, σαν την ηλικιακή εκτύπωση ενοχής και μοναξιάς. "
Ο Ιούδας κάθεται με όλους ως τον απόστολο σε έναν αριθμό αποστόλων. Ο μοναχικός Χριστός, λόγω του cookie, αλλά ποιος είναι ο λιγότερο μόνος, είναι ο Ιούδας. Ως εκ τούτου, η αυτοπεποίθησή του. Και δεν υπάρχει ενοχή, επειδή η συζήτηση στην εικόνα δεν αφορά την προδοσία, αλλά για τη σωτηρία της ψυχής των ανθρώπων, το λιγότερο ανησυχούν για αυτό.
Εξετάστε τους αποστόλους, αν και μετά από αυτό που δεν έχουν ήδη αποφασίσει.

12 11 10 9 8 7 Χριστός 1 2 3 4 5 6
Bartholomew john foma phillip matthew
Peter Jacob Simeon
Ιούδας

1. Thoms στην πόρτα της πόρτας σε ανοιχτόχρωμο φόντο. Η δεξιά βούρτσα συμπιέζεται, δείκτης: "Ο Θεός δεν θα επιτρέψει ένα τέτοιο έγκλημα."
2. Ο Jacob με φρίκη κοιτάζει το αίμα της νέας διαθήκης δίπλα στον καρπό. Τα ευρέως τεντωμένα χέρια και παλάμες περιορίζουν τα λόγια του Χριστού και προσπαθούν να προστατεύσουν όσους στέκονται πίσω του.
3. Ο Φίλιππος πιέζει τα δάχτυλα στο στήθος και αντιπροσωπεύεται από το Molba: "Πιστέψτε με, από την πλευρά μου είναι αδύνατο".
4. Και τα δύο χέρια παίρνουν τα λόγια του Χριστού και η εμφάνιση ζητά τον 6ο: "Είναι πιθανό ότι λέει."
5. Ο Simeon με τη σωστή παλάμη παίρνει τα λόγια του Χριστού και προωθεί το 6ο.
6.Matfea, και οι δύο παλάμες κατευθύνονται στον Χριστό, - επιστρέφει τα λόγια του πίσω: "Είναι αδύνατο!"
7. John. Τα δάχτυλα είναι κλιπ και βρίσκονται στο τραπέζι, το οποίο είναι ένα αλεύρι, αδυναμία. Η απότομη απομακρύνεται, τα μάτια καλύπτονται. Το κεφάλι είναι ανίσχυρο στον ώμο του.
8. Πέτρος. Το αριστερό χέρι παίρνει τα λόγια του Χριστού και καταπραΰνει τον 7ο. Στο δεξί χέρι, το μαχαίρι - είναι έτοιμος να σκοτώσει τον προδότη.
9. Ιούδα: Αειφόρος χαμηλή δύναμη, καταδίκη στη δικαιοσύνη, αποφασιστικότητα, ενέργεια.
10. Ανυψωμένες παλάμες στο επίπεδο του θώρακα: "Ποιος είναι ο προδότης;" Το βλέμμα που συμπιέζεται στο μαχαίρι.
11. Δεξιά χέρι στον ώμο της 10ης: Συμφωνεί μαζί του. Λαμβάνει τα λόγια του Χριστού.
12. Ο Βαρθολομαίος ήταν αποφασισμένος και έτοιμος να ενεργήσει.
Γενικά, η σωστή ομάδα των αποστόλων δεν επιτρέπει την προδοσία. Αριστερά - επιτρέπει μια τέτοια ευκαιρία και είναι αποφασισμένη να δείξει τον προδότη.
Στο δρόμο προς τα αριστερά του Ιωάννη, απελευθερώνοντας το παράθυρο - το φως της αλήθειας του Χριστού, και τον Θωμά, που βρίσκεται στο παράθυρο στο επίπεδο του Χριστού, αλλά ελπίζει ότι δεν είναι ο ίδιος, αλλά στον Θεό. Καθώς ο 2ος απόστολος έπεσε, καθώς αναμίχθηκαν, μπερδεμένοι, οι υπόλοιποι φοιτητές δίδονται στον Leonardo da Vinci, ότι οι ιδέες της θυσίας και της σωτηρίας, οι εντολές της Καινής Διαθήκης του Χριστού των Αποστόλων - αυτοί οι αδύναμοι άνθρωποι - δεν θα είναι α θύμα μάταια. Αυτός είναι ο λόγος για την απογοήτευση του Χριστού. Επιπλέον, ο ίδιος ο καλλιτέχνης δίνει φόρο τιμής στην υψηλή αναρρόφηση και το θύμα του γήινου Θεού.

Σήμερα παρουσιάζουμε είκοσι πίνακες που αξίζουν την προσοχή και την αναγνώριση. Αυτοί οι πίνακες έγραψαν διάσημους καλλιτέχνες και όχι μόνο το άτομο που εργάζεται ως τέχνη θα πρέπει να είναι γνωστό, αλλά και εύκολα θνητευμένους ανθρώπους, καθώς τα περιλαίμια της τέχνης μας, η αισθητική εμβαθύνει την άποψή μας για τον κόσμο. Δώστε τη θέση σας στη ζωή σας ...

1. "το τελευταίο δείπνο". Leonardo da Vinci, 1495 - 1498

Μνημειώδης ζωγραφική του Leonardo da Vinci, που απεικονίζει τη σκηνή του τελευταίου λιβαδιού του Χριστού με τους μαθητές του. Δημιουργήθηκε το 1495-1498 στη Μονή Δομινικανή Σάντα Μαρία Grazie στο Μιλάνο.

Η ζωγραφική διατάχθηκε από τον Leonardo τον προστάτη του, τον Δούκα του Lodovico Sforza και τη σύζυγό του Beatrice d'Est. Το οικόσημο των ζωγραφισμένων γραμμών της Sforza πάνω από τη ζωγραφική, που σχηματίζεται από την οροφή με τρεις καμάρες. Η ζωγραφική ξεκίνησε το 1495 και ολοκληρώθηκε το 1498. Οι εργασίες πήγαν με διαλείμματα. Η έναρξη της εργασίας δεν είναι ακριβής, αφού «καταστράφηκαν τα αρχεία του μοναστηριού και ένα ασήμαντο μέρος των εγγράφων που έχουμε, που χρονολογούνται από το 1497, όταν η ζωγραφική σχεδόν ολοκληρώθηκε».

Η ζωγραφική έχει γίνει ένα ορόσημο στην ιστορία της Αναγέννησης: Το αναπαραγόμενο βάθος των προοπτικών έχει αλλάξει την κατεύθυνση της ανάπτυξης της ζωγραφικής της Δύσης.

Πιστεύεται ότι σε αυτή την εικόνα είναι κρυμμένα πολλά μυστικά και συμβουλές - για παράδειγμα, υπάρχει μια υπόθεση ότι η εικόνα του Ιησού και του Ιούδα διαγράφεται από ένα άτομο. Όταν ο Da Vinci έγραψε μια φωτογραφία, στο όραμά του, ο Ιησούς προσωποποίησε καλό, ενώ ο Ιούδας ήταν πολύ κακός. Και όταν ο Δάσκαλος βρήκε τον "Του Ιούδα" του (μεθυσμένος από το δρόμο), αποδείχθηκε ότι, σύμφωνα με τους ιστορικούς, αυτός ο μεθυσμένος έχει υπηρετήσει μέχρι λίγα χρόνια πριν από το πρωτότυπο για να γράψει την εικόνα του Ιησού. Έτσι, μπορεί να ειπωθεί ότι αυτή η εικόνα κατέλαβε ένα άτομο σε διαφορετικές περιόδους της ζωής του.

2. "ηλιοτρόπια". Vincent Van Gogh, 1887

Το όνομα των δύο κύκλων του ολλανδικού καλλιτέχνη Vincent Van Gogh. Η πρώτη σειρά εκτελείται στο Παρίσι το 1887. Είναι αφιερωμένο σε ψέματα χρώματα. Η δεύτερη σειρά ολοκληρώθηκε σε ένα χρόνο, στην Arle. Εμφανίζει ένα μπουκέτο ηλιοτρόπια σε ένα βάζο. Δύο Paris Paintings απέκτησαν έναν φίλο Van Gogh Paul Gajn.

Ο καλλιτέχνης έγραψε ηλιοτρόπια έντεκα φορές. Οι πρώτοι τέσσερις πίνακες δημιουργήθηκαν στο Παρίσι τον Αύγουστο - Σεπτέμβριο 1887. Τα μεγάλα κομμένα λουλούδια βρίσκονται σαν κάποιο είδος εξαιρετικών πλασμάτων στα μάτια μας.

3. "ένατο val". Ivan Konstantinovich Aivazovskyi;, 1850.

Ένας από τους πιο διάσημους πίνακες του ρωσικού καλλιτέχνη Marinist Ivan Aivazovsky φυλάσσεται στο ρωσικό μουσείο.

Ο ζωγράφος απεικονίζει τη θάλασσα μετά την ισχυρότερη νυχτερινή καταιγίδα και τους ανθρώπους που υπέστησαν ναυάγιο. Οι ακτίνες του ήλιου φωτίζουν τεράστια κύματα. Το μεγαλύτερο είναι το ένατο δέντρο - έτοιμο να πέσει στους ανθρώπους που προσπαθούν να ξεφύγουν από τη συντρίμανση των ιστών.

Παρά το γεγονός ότι το πλοίο καταστρέφεται και παρέμεινε μόνο ο ιστός, οι άνθρωποι στον ιστό είναι ζωντανοί και συνεχίζουν να πολεμούν τα στοιχεία. Οι ζεστοί τόνοι της εικόνας κάνουν τη θάλασσα όχι τόσο σκληρή και να δώσει στον θεατή την ελπίδα ότι οι άνθρωποι θα σωθούν.

Δημιουργήθηκε στην εικόνα του 1850 "Το ένατο Val" αμέσως έγινε το πιο διάσημο από όλα τα θαλάσσια του και αποκτήθηκε από τον Νικολάι Ι.

4. "MACH NUE." Francisco Goya, 1797-1800.

Εικόνα του ισπανικού καλλιτέχνη Francisco Goya, γραμμένο γύρω στο 1797-1800. Κάνει ένα ζευγάρι με μια εικόνα της "Maja Vestida". Εικόνες απεικόνιση Maha - Ισπανική πόλη και XIII-XIX αιώνες, ένα από τα αγαπημένα αντικείμενα της εικόνας του καλλιτέχνη. Το "Mach είναι γυμνό" είναι ένα από τα πρώτα έργα της δυτικής τέχνης που απεικονίζει μια εντελώς γυμνή γυναίκα χωρίς μυθολογικές ή αρνητικές συνειδητοποιήσεις.

5. "Πετώντας στην αγάπη". Mark Chagall, 1914-1918.

Εργασία στην εικόνα "πάνω από την πόλη" ξεκίνησε το 1914 και οι τελευταίοι εγκεφαλικοί κύριοι του Δάσκαλος ήταν μόνο το 1918. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, η Bella από την αγαπημένη στράφηκε όχι μόνο στον αξιολάτρευτο σύζυγο, αλλά και η μητέρα της κόρης τους, που έγιναν για πάντα το κύριο μουσείο του ζωγράφου. Η Ένωση της πλούσιας κόρης ενός αγωνιστικού κοσμηματοπωλείου και ενός απλού εβραϊκού νεαρού άνδρα, του οποίου ο πατέρας κέρδισε μια ζωντανή, εκφόρτωση ρέγγα, αλλιώς δεν θα καλέσω τους Meleallians, αλλά η αγάπη ήταν ισχυρότερη και επικάλυψη όλων των συμβάσεων. Είναι αυτή η αγάπη που τυλιγμένη γύρω τους, ανερχόμενη στον ουρανό.

Η Karina απεικονίζει δύο αγάπες Shagal - Bella και η αγαπημένη καρδιά Vitebsk. Οι δρόμοι παρουσιάζονται με τη μορφή σπιτιών που χωρίζονται από ένα υψηλό σκοτεινό φράχτη. Όχι αμέσως, ο θεατής θα παρατηρήσει μια κατσίκα, βόσκουν στην αριστερή πλευρά του κέντρου της ζωγραφικής και ένας απλός άνθρωπος με ένα ναυτικό παντελόνι στο προσκήνιο - ένα σούβλα από τον ζωγράφο, σπάσιμο από το γενικό πλαίσιο και τη ρομαντική διάθεση της δουλειάς, αλλά όλα αυτά περπατούσαν ...

6. "Πρόσωπο του πολέμου". Σαλβαδόρ Νταλί, 1940.

Η εικόνα του ισπανικού καλλιτέχνη El Salvador Dali, γραμμένο το 1940.

Η εικόνα δημιουργήθηκε στο δρόμο προς τις Ηνωμένες Πολιτείες. Μια εντυπωσιασμένη τραγωδία που πέφτει στον κόσμο, αίμα των πολιτικών, ο δάσκαλος αρχίζει να εργάζεται σε ατμόπλοιο. Βρίσκεται στο Μουσείο Bumanza-Van Beningen στο Ρότερνταμ.

Έχοντας χάσει όλη την ελπίδα για την κανονική ζωή στην Ευρώπη, ο καλλιτέχνης από το αγαπημένο Παρίσι αφήνει στην Αμερική. Ο πόλεμος καλύπτει το παλιό φως και επιδιώκει να συλλάβει ολόκληρο τον υπόλοιπο κόσμο. Ο Δάσκαλος εξακολουθεί να μην ξέρει ότι η διαμονή στον νέο κόσμο για οκτώ χρόνια θα το κάνει πραγματικά διάσημο και το έργο του είναι αριστουργήματα της παγκόσμιας ζωγραφικής.

7. "Creek". Edward Munk, 1893

"Creek" (NORV. Skrik) - Δημιουργήθηκε στο διάστημα μεταξύ 1893 και 1910 μια σειρά έργων ζωγραφικής του νορβηγικού καλλιτέχνη-εξπρεσιονιστή Edward Minka. Εφαρμόζουν την ανθρώπινη φιγούρα που ουρλιάζουν στην απελπισία στο φόντο ενός αιματηρού-κόκκινου ουρανού και ένα εξαιρετικά γενικευμένο υπόβαθρο τοπίου. Το 1895, ο Munch δημιούργησε μια λιθογραφία στο ίδιο οικόπεδο.

Κόκκινο, ο φλογερός καυτός ουρανός κάλυψε το κρύο φιόρδ, το οποίο, με τη σειρά του, δημιουργεί μια φανταστική σκιά, παρόμοια με ένα βόρειο τέρας. Το άγχος παραμόρφωσε το χώρο, οι γραμμές έσπασαν, τα χρώματα δεν είναι συνεπείς, η προοπτική καταστρέφεται.

Πολλοί κριτικοί πιστεύουν ότι το οικόπεδο των έργων ζωγραφικής είναι ο καρπός μιας άρρωστης φαντασίας ενός διανοητικά ανθυγιεινού ατόμου. Κάποιος βλέπει μια προδικασία περιβαλλοντικής καταστροφής στην εργασία, κάποιος λύνει το ζήτημα της οποίας η μούμια ενέπνευσε τον συγγραφέα σε αυτό το έργο.

8. "Κορίτσι με σερβίρισμα μαργαριτάρι". Jan Vermeer, 1665

Εικόνα "Κορίτσι με ένα μαργαριτάρι που σερβίρει" (Notera. "Het Meisje Met De Parel") γράφτηκε γύρω στο 1665. Αυτή τη στιγμή φυλάσσεται στο Μουσείο Μαυρίτσης, στην πόλη της Χάγης, στις Κάτω Χώρες, και είναι μια κάρτα επίσκεψης μουσείων. Η εικόνα, η οποία έλαβε το ψευδώνυμο της ολλανδικής Mona Lisa, ή η Mona Lisa του Βορρά, γράφτηκε στο είδος της TRONIE.

Χάρη στην ταινία Peter Webber "Κορίτσι με ένα μαργαριτάρι που σερβίρει" 2003, ένας τεράστιος αριθμός ατόμων μακριά από τη ζωγραφική, έμαθε για τον υπέροχο ολλανδικό καλλιτέχνη Jan Vermeer, καθώς και το πιο διάσημο ζωγραφικό του "κορίτσι με ένα μαργαριτάρι σερβίρισμα".

9. "Βαβυλωνικός πύργος". Peter Bruegel, 1563

Διάσημη εικόνα του καλλιτέχνη Peter Bruegel. Ο καλλιτέχνης δημιούργησε τουλάχιστον δύο φωτογραφίες σε αυτό το οικόπεδο.

Η εικόνα βρίσκεται - το μουσείο της ιστορίας της τέχνης, Βιέννη.

Η Βίβλος έχει μια ιστορία για το πώς οι κάτοικοι της Βαβυλώνας προσπάθησαν να χτίσουν έναν ψηλό πύργο για να φτάσουν στον ουρανό, αλλά ο Θεός το έκανε έτσι ώστε να μιλούσαν σε διάφορες γλώσσες, σταμάτησε να κατανοεί ο ένας τον άλλον και ο πύργος παρέμεινε ημιτελή.

10. "Αλγερινές γυναίκες". Pablo Picasso, 1955

"Αλγερινές γυναίκες" - μια σειρά από 15 καμβά, που δημιουργήθηκε από τον Πικάσο το 1954-1955 με βάση τη ζωγραφική του Ezhen Delacroix. Οι πίνακες διαφέρουν στον εκχωρημένο καλλιτέχνη με τους κυριολέους από το Α στον Ο. Έκδοση O "γράφτηκε στις 14 Φεβρουαρίου 1955. Για λίγο, ανήκε στη διάσημη αμερικανική συνέλευση της τέχνης του 20ου αιώνα Βίκτορ Γκάντστον.

Pattern Pablo Picasso "Αλγερινές γυναίκες (έκδοση o)" πωλούνται για 180 εκατομμύρια δολάρια.

11. "Νέος πλανήτης". Konstantin Jun, 1921

Ρωσικός σοβιετικός ζωγράφος, κύριος τοπίο, καλλιτέχνης θεάτρου, θεωρητικός τέχνης. Ακαδημαϊκός ΑΗ ΕΣΣΔ. Ο καλλιτέχνης των ανθρώπων της ΕΣΣΔ. Νικητής του σταλινικού ασφάλιστρου του πρώτου βαθμού. Μέλος WCP από το 1951.

Αυτό είναι ένα καταπληκτικό, που δημιουργήθηκε το 1921 και όχι καθόλου χαρακτηριστικό του καλλιτέχνη-realista του Ιωάννη, της εικόνας "Νέος πλανήτης" - ένα από τα φωτεινά έργα που ενσωματώθηκε η εικόνα των αλλαγών στις οποίες η επανάσταση του Οκτωβρίου ήταν στο δεύτερο δεκαετία του αιώνα xx. Νέο σύστημα, έναν νέο τρόπο και έναν νέο τρόπο σκέψης μόνο της καταγωγής Σοβιετικής Εταιρείας. Τι περιμένει τώρα την ανθρωπότητα; Λαμπρό μέλλον? Δεν είχε ακόμη σκεφτόταν ακόμη γι 'αυτό, αλλά το γεγονός ότι η σοβιετική Ρωσία και ολόκληρος ο κόσμος εισέρχεται στην εποχή της αλλαγής προφανώς, καθώς και η ταχεία γέννηση ενός νέου πλανήτη.

12. "Sicstinskaya Madonna". Rafael Santi, 1754

Η ζωγραφική του Ραφαήλ, η οποία από το 1754 βρίσκεται στη γκαλερί των παλαιών δασκάλων στη Δρέσδη. Ανήκει στον αριθμό των γενικά αποδεκτών κορυφών υψηλής αναγέννησης.

Το τεράστιο μέγεθος (265; 196 cm, το μέγεθος της εικόνας στον κατάλογο της Δρέσδης γκαλερί) δημιουργήθηκε από τον Rafael για το βωμό της εκκλησίας της Μονής Saint Saint στο Piacenz με τη σειρά της Τζούλια ΙΙ. Υπάρχει μια υπόθεση ότι η εικόνα γράφτηκε το 1512-1513 προς τιμήν της νίκης πάνω από τους Γάλλους, οι οποίοι εισέβαλαν στη Λομβαρδία κατά τη διάρκεια των ιταλών πολέμων και η επακόλουθη ένταξη των PIACES στην περιοχή παπικών.

13. "Περπάτημα Mary Magdalene". Titian (Tiziano Titshevero), γραμμένο γύρω στο 1565

Η εικόνα, γραμμένη σε περίπου 1565 από τον ιταλικό καλλιτέχνη Titian Titshevero. Ανήκει στο Κρατικό Ερμιτάζ στην Αγία Πετρούπολη. Μερικές φορές η ημερομηνία δημιουργίας υποδεικνύεται ως "1560."

Το μοντέλο της εικόνας ήταν η Julia Festin, χτυπώντας τον καλλιτέχνη με ένα χύτευση με χρυσά μαλλιά. Ο τελικός καμβάς ήταν πολύ εντυπωσιασμένος από τον Δούκα του Gonzag και αποφάσισε να παραγγείλει το αντίγραφό του. Αργότερα τιτς, αλλάζοντας το φόντο και η θετικότητα της γυναίκας, έγραψε ένα ζευγάρι περισσότερο τέτοια δουλειά.

14. "Mona Lisa". Leonardo da Vinci, 1503-1505

Πορτρέτο της κυρίας Liza del Jocondo, (ιταλικό. Ritratto di monna lisa del giocondo) - Ζωγραφική Leonardo da Vinci, που βρίσκεται στο Λούβρο (Παρίσι, Γαλλία), ένα από τα πιο διάσημα έργα ζωγραφικής στον κόσμο, που πιστεύεται ότι είναι ένα πορτρέτο της Λίζα Γεραντζίνι, οι σύζυγοι έμπορος Florentia Francesco del Jocondo, γραμμένοι περίπου 1503 -1505.

Σύμφωνα με μια από τις εκτεταμένες εκδόσεις, "Mona Lisa" - αυτοπροσωπογραφία του καλλιτέχνη.

15. "Πρωί στο πευκοδάσος", Shishkin Ivan Ivanovich, 1889.

Εικόνα των ρωσικών καλλιτεχνών Ivan Shishkin και Konstantin Savitsky. Ο Savitsky έγραψε αρκούδες, αλλά ο συλλέκτης Paul Tretyakov ανακατεύει την υπογραφή του, οπότε η εικόνα από την εικόνα συχνά δείχνει ένα.

Ο σχεδιασμός της ζωγραφικής πρότεινε ο Shishkin Savitsky, ο οποίος αργότερα πραγματοποίησε συν-συγγραφέα και απεικόνισε τα στοιχεία της αρκούδας. Αυτές οι αρκούδες με κάποιες διαφορές σε θέσεις και ποσότητες (πρώτα υπήρχαν δύο από αυτούς) εμφανίζονται στα προπαρασκευαστικά σχέδια και σκίτσα. Τα ζώα αποδείχθηκαν από το Savitsky τόσο με επιτυχία ότι υπογράφηκε ακόμη και στην εικόνα μαζί με το Shishkin.

16. "δεν περίμενε." Ilya Repin, 1884-1888.

Εικόνα του ρωσικού καλλιτέχνη ilya repin (1844-1930), γραμμένο το 1884-1888. Είναι μέρος της συνάντησης της πολιτείας Tretyakov Gallery.

Η εικόνα που εμφανίζεται στην έκθεση Mobile XII περιλαμβάνεται στον αφηγηματικό κύκλο αφιερωμένο στην τύχη του ρωσικού επαναστατικού πληθυσμού.

17. "Μπάλα στο Moulin de la Gaette", Pierre Auguste Renoir, 1876.

Εικόνα που γράφτηκε από τον γαλλικό καλλιτέχνη Pierre Auguste Renoir το 1876.

Ο τόπος όπου η εικόνα είναι το μουσείο του D'Ors. Το Moulin de la Galette είναι ένα φθηνό κολοκυθάκι στη Μονμάρτρη, όπου συγκεντρώθηκαν οι μαθητές και η εργατική νεολαία του Παρισιού.

18. "νύχτα αστέρι". Vincent Van Gogh, 1889 ετών.

De sterrennacht. - Εικόνα του ολλανδικού καλλιτέχνη Vincent Van Gogh, γραμμένο τον Ιούνιο του 1889, με θέα στον πρωταρχικό ουρανό πάνω από τη φανταστική πόλη από το ανατολικό παράθυρο της στέγασης του καλλιτέχνη στην Saint-Remy de Provence. Από το 1941, αποθηκεύεται στο Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης στη Νέα Υόρκη. Θεωρείται ένα από τα καλύτερα έργα του Van Gogh και ενός από τα σημαντικότερα έργα της Δυτικής Ζωγραφικής.

19. "Δημιουργία του Αδάμ". Michelangelo, 1511.

Michelangelo τοιχογραφία, γραμμένο γύρω στο 1511. Η τοιχογραφία είναι η τέταρτη από τις εννέα κεντρικές συνθέσεις της οροφής του παρεκκλησίου Sicastine.

Η "Δημιουργία του Αδάμ" είναι μία από τις σημαντικότερες συνθέσεις της ζωγραφικής του Σικσταντινικού παρεκκλησίου. Σε έναν άπειρο χώρο, ο θεός-πατέρας πετάει, περιτριγυρισμένος από άγγελοι υπερανάλη, με αποφασιστικό λευκό χιτώνα. Το δεξί χέρι τεντώνεται προς το χέρι του Αδάμ και σχεδόν την αγγίζει. Το σώμα του Αδάμ που βρίσκεται σε ένα πράσινο βράχο έρχεται σταδιακά σε κίνηση, ξυπνά στη ζωή. Η όλη σύνθεση συμπυκνώνεται στη χειρονομία δύο χεριών. Το χέρι του Θεού δίνει την ώθηση, και το χέρι του Αδάμ το παίρνει, δίνοντας όλο το σώμα της ζωτικής ενέργειας. Το γεγονός ότι τα χέρια τους δεν έρχονται σε επαφή, ο Michelangelo τόνισε την αδυναμία της στολή του θεϊκού και του ανθρώπου. Στην εικόνα του Θεού, σύμφωνα με το σχέδιο του καλλιτέχνη, όχι μια θαυμάσια αρχή, αλλά μια γιγαντιαία δημιουργική ενέργεια. Με τη μορφή του Adam Michelangelo, η δύναμη και η ομορφιά του ανθρώπινου σώματος κυνηγούν. Στην πραγματικότητα, η ίδια η δημιουργία του ατόμου εμφανίζεται μπροστά μας και η στιγμή στην οποία παίρνει την ψυχή, την παθιασμένη αναζήτηση του θεϊκού, δίψα για τη γνώση.

20. "φιλί στον αστέρι ουρανό". Gustav Klimt, 1905-1907.

Εικόνα του αυστριακού καλλιτέχνη Gustav Clima, γραμμένο το 1907-1908. Ο καμβάς ανήκει στην περίοδο της δημιουργικότητας της Clima, που ονομάζεται "χρυσό", το τελευταίο έργο του συγγραφέα στη "χρυσή περίοδο" του.

Στο βράχο, στην άκρη της λουλουδιών, στο χρυσό aure, υπάρχουν πλήρως υποβρύχια ο ένας στον άλλο, έρημο από όλο τον κόσμο στην αγάπη. Λόγω της αβεβαιότητας του τόπου του τι συμβαίνει φαίνεται ότι το ζευγάρι που απεικονίζεται στην εικόνα πηγαίνει εκτός από το χρόνο και ο χώρος είναι μια κοσμική κατάσταση, από την άλλη πλευρά όλων των ιστορικών και κοινωνικών στερεοτύπων και κατακλυσμασιών. Πλήρης ιδιωτικότητα και γύρισε πίσω το πρόσωπο ενός ανθρώπου δίνει έμφαση στην εντύπωση της μόνωσης και της επέκτασης προς τον παρατηρητή.

Πηγή - Wikipedia, muze-mira.com, say-hi.me

20 ζωγραφιές που όλοι πρέπει να γνωρίζουν (ιστορία της ζωγραφικής) Updated: 23 Νοεμβρίου 2016 από τον συγγραφέα: δικτυακός τόπος