Οικιακούς συνθέτες του 20ού αιώνα. Συνθέτες

Η παγκόσμια κλασική μουσική είναι αδιανόητη χωρίς δουλειά των ρωσικών συνθετών. Το ρωσικό συνθέτη σχολείο, ο διάδοχος των παραδόσεων των οποίων ήταν η Σοβιετική και η σημερινή ρωσική σχολή, ξεκίνησε τον 19ο αιώνα με τους συνθέτες που ενωμένοι ευρωπαϊκές μουσικές με ρωσικές λαϊκές μελωδίες, δεμένα την ευρωπαϊκή μορφή και το ρωσικό πνεύμα.

Ως Α. S. Pushkin, V. A. Zhukovsky, Α. S. Griboedov, Α. Α. Delvig. Η δημιουργική ώθηση των έργων του πρόσθεσε ένα μακροπρόθεσμο ταξίδι σε όλη την Ευρώπη στις αρχές της δεκαετίας του 1830 και τις συναντήσεις με κορυφαίους συνθέτες χρόνου - V. Bellini, Donizetti, F. Mendelson και αργότερα με τον G. Berlioz, J. Meyerber. Η επιτυχία ήρθε στο Mi Glinka μετά την όπερα "Ivan Susanin" ("ζωή για το τσάρο") (1836) (1836), το οποίο συναντήθηκε με ενθουσιασμό από όλους, για πρώτη φορά στην παγκόσμια μουσική, η ρωσική χορωδική τέχνη και η ευρωπαϊκή πρακτική της συμφωνικής και της όπερας ήταν βιολογικά Συνδεδεμένος, καθώς και ένας ήρωας εμφανίστηκε παρόμοιος με τη Susanin, η εικόνα του οποίου συνοψίζει τα καλύτερα χαρακτηριστικά ενός εθνικού χαρακτήρα. V. F. Odoyevsky, ICraktized Opera "Νέο στοιχείο στην τέχνη και αρχίζει στην ιστορία του μια νέα περίοδος - την περίοδο της ρωσικής μουσικής".

Glinka: "Για να δημιουργήσετε ομορφιά, πρέπει να είστε μια καθαρή ψυχή"

Η δεύτερη όπερα είναι το επικό "Ruslan και Lyudmila" (1842), το έργο που πραγματοποιήθηκε στο πλαίσιο του θανάτου του Pushkin και στη σοβαρή ζωή του συνθέτη, λόγω της βαθιάς καινοτόμου ουσίας της εργασίας, συναντήθηκε διφορούμενα από το κοινό και τις αρχές και έφερε τις μεγάλες εμπειρίες του Mi Glinka. Μετά από αυτό, ταξίδεψε πολλά, εναλλακτικά ζούσε στη Ρωσία και στο εξωτερικό, δεν σταματά τη σύνθεση. Στην κληρονομιά του υπήρχαν ειδοποιήσεις, συμφωνική και αίθουσα εργασίας. Στη δεκαετία του 1990, το πατριωτικό τραγούδι του Mikhail Glinka ήταν ο επίσημος ύμνος της Ρωσικής Ομοσπονδίας.

Ο Mikhail Ivanovich Glinka δεν διακρίθηκε από την ισχυρή υγεία, παρά το γεγονός ότι ήταν πολύ πνεύμονας σε άνοδο και γνώριζε τέλεια τέλεια, ίσως αν δεν έγινε συνθέτης, έγινε ταξιδιώτης. Ήξερε έξι ξένες γλώσσες, συμπεριλαμβανομένου του περσικού.

Alexander Porfiryevich Borodin (1833-1887)

Ο Alexander Porfiryevich Borodin, ένας από τους κορυφαίους Ρώσους συνθέτες του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα, εκτός από το συνθέτη ταλέντο ήταν ένας χημικός επιστήμονας, ένας γιατρός, ένας δάσκαλος, κριτικός και κατέλαβε λογοτεχνική δίνοντας.

Γεννημένος στην Αγία Πετρούπολη, από την παιδική ηλικία που περιβάλλει την ασυνήθιστη δραστηριότητα, τη φρεάτωση και τις ικανότητες σε διάφορες κατευθύνσεις, κυρίως στη μουσική και τη χημεία. Α. Π. Borodin είναι ένας ρωσικός συνθέτης-Nugget, δεν είχε επαγγελματίες δασκάλους μουσικής, όλα τα επιτεύγματά του στη μουσική μέσω ανεξάρτητης εργασίας για την κατοχή της σύνθεσης της σύνθεσης. Η δημιουργικότητα του Μ. Ι. Glinka ήταν στο σχηματισμό του Α. Π. Borodin (καθώς και σε όλους τους Ρώσους συνθέτες του 19ου αιώνα) και η ορμή στην πυκνή κατοχή στις αρχές της δεκαετίας του 1860 έδωσε δύο εκδηλώσεις - πρώτα, γνωστός και γάμος με ταλαντούχο πιανίστας Es Prostopopova, δεύτερον, μια συνάντηση με τον Ma Balakirev και να συμμετάσχει στη δημιουργική Κοινοπολιτεία Ρώσων Συνθετών, γνωστός ως το "ισχυρό χέρι". Στα τέλη της δεκαετίας του 1870 και στη δεκαετία του 1880 ο Borodin ταξιδεύει πολύ και περιηγήσεις στην Ευρώπη και την Αμερική, συναντάται με προηγμένους συνθέτες της εποχής του, η φήμη του αυξάνεται, έχει γίνει ένας από τους πιο διάσημους και δημοφιλείς ρώσους συνθέτες στην Ευρώπη του στα τέλη του 19ου αιώνα.

Η κεντρική θέση στο έργο του AP Borodin καταλαμβάνει την όπερα "Prince Igor" (1869-1890), το οποίο είναι ένα μοντέλο της εθνικής ηρωικής επικής μουσικής και το οποίο ο ίδιος δεν είχε χρόνο να τελειώσει (οι φίλοι του ολοκληρώθηκαν από τον Aa Glazunov και na rimsky-korsakov). Στον "Πρίγκιπα του Ιγκόρ", στο φόντο των μαγευτικών ζωγραφιών ιστορικών εκδηλώσεων, υπήρξε αντανάκλαση της κύριας σκέψης της δημιουργικότητας του συνθέτη - το θάρρος, ηρωτική μεγαλοπρέπεια, η πνευματική ευγένεια του καλύτερου ρωσικού λαού και της ισχυρής δύναμης του συνόλου του ρωσικού λαού, που εκδηλώνεται όταν προστατεύει την πατρίδα. Παρά το γεγονός ότι ο Α. Π. Borodin άφησε ένα σχετικά μικρό αριθμό έργων, το έργο του είναι πολύ διαφορετικό και θεωρείται ένας από τους πατέρες της ρωσικής συμφωνίας μουσικής, η οποία επηρέασε πολλές γενιές ρωσικών και ξένων συνθέσεων.

Το όνομα της Borodina ονομάζεται χημική αντίδραση των αλάτων αργύρου των καρβοξυλικών οξέων με αλογόνα, τα οποία οδηγούν σε υδρογονάνθρακες υποκατεστημένων αλογόνων, οι οποίοι μελετήθηκαν για πρώτη φορά το 1861.

Modest Petrovich Mussorgsky (1839-1881)

Το Modest Petrovich Mussorgsky είναι ένας από τους πιο λαμπούς Ρώσους συνθέτες του 19ου αιώνα, μέλος της "ισχυρής δέσμη". Η καινοτόμος δημιουργικότητα του Mussorgsky είναι πολύ μπροστά από το χρόνο του.

Γεννήθηκε στην επαρχία Pskov. Όπως πολλοί ταλαντούχοι άνθρωποι, από την παιδική ηλικία, έδειξαν ικανότητες στη μουσική, που μελετήθηκαν στην Αγία Πετρούπολη, ήταν, για την οικογενειακή παράδοση, στρατιωτική. Ένα αποφασιστικό γεγονός που διαπίστωσε ότι ο Mussorgsky γεννήθηκε όχι για στρατιωτική θητεία, αλλά για τη μουσική, έγινε συνάντηση με τον Μ. Α. Balakirev και να συμμετάσχει στην "ισχυρή δέσμη". Το Mussorgsky είναι υπέροχο επειδή στα μεγάλα έργα του - οι φορείς εκμετάλλευσης "Boris Godunov" και "Khovanshchina" που κατέλαβαν στη μουσική τα δραματικά ορόσημα της ρωσικής ιστορίας με μια ριζοσπαστική καινοτομία, η οποία η ρωσική μουσική δεν γνώριζε μπροστά του, δείχνοντας τον συνδυασμό των μαζικών λαϊκών σκηνών και ενός Ποικιλία πλούτου τύπου, ο μοναδικός χαρακτήρας του ρωσικού λαού. Αυτές οι όπερες, σε πολυάριθμους συντάκτες, τόσο ο συγγραφέας όσο και άλλοι συνθέτες, είναι από τις πιο δημοφιλείς ρωσικές όπερες στον κόσμο. Ένα άλλο εξαιρετικό έργο του Mussorgsky είναι ο κύκλος του πιάνου που παίζει "εικόνες από την έκθεση", πολύχρωμες και εφευρετικές μινιατούρες διαπερνούν από το ρωσικό θέμα και την ορθόδοξη πίστη.

Στη ζωή του Mussorgsky, όλα ήταν τόσο μεγαλείο όσο και τραγωδία, αλλά πάντα διακρίθηκε από την πραγματική πνευματική καθαρότητα και το ασυνείδητο. Τα τελευταία χρόνια της ήταν η βαριά ζωτικής σημασίας, η μη αναγνώριση της δημιουργικότητας, η μοναξιά, ο εθισμός στο αλκοόλ, όλα αυτά καθόρισαν τον πρόωρο θάνατό του σε 42 χρόνια, άφησε ένα σχετικά λίγα γραπτά, μερικά από τα οποία ολοκληρώθηκαν από άλλους συνθέτες. Ειδική μελωδία και καινοτόμος αρμονία του Mussorgsky αναμενόταν ορισμένα χαρακτηριστικά της μουσικής ανάπτυξης του 20ού αιώνα και διαδραμάτισε σημαντικό ρόλο στη διαμόρφωση στυλ πολλών παγκόσμιων συνθετών.

Στο τέλος της ζωής του Mussorgsky, υπό την πίεση των "φίλων" του Stasov και του Rimsky-Korsakov, αρνήθηκαν τα πνευματικά δικαιώματα στα έργα τους και τα παρουσίασαν με τον Tristi Filippov.

Petr Ilyich Tchaikovsky (1840-1893)

Ο Petr ilyich Tchaikovsky, ίσως ο μεγαλύτερος ρωσικός συνθέτης του 19ου αιώνα, έθεσε ρωσική μουσική τέχνη για ένα πρωτοφανές ύψος. Είναι ένας από τους σημαντικότερους συνθέτες της παγκόσμιας κλασικής μουσικής.

Η μητρική επαρχία Vyatka, αν και οι ρίζες στη γραμμή του πατέρα στην Ουκρανία, ο Τσαϊκόβσκι έδειξε μουσικές ικανότητες από την παιδική ηλικία, αλλά η πρώτη εκπαίδευση και η εργασία ήταν στον τομέα της νομικής οντότητας. Ο Tchaikovsky είναι ένας από τους πρώτους ρώσους συνθέτες - "επαγγελματίες" - μελέτησε τη θεωρία και τη σύνθεση στο νέο Ωδείο της Αγίας Πετρούπολης. Ο Τσαϊκόβσκι θεωρήθηκε ο "Δυτικός" συνθέτης, σε αντίθεση με τα πλαίσια των ανθρώπων "Mighty Bugs", με την οποία είχε καλές δημιουργικές και φιλικές σχέσεις, αλλά το έργο του δεν ήταν λιγότερο διαδεδομένο από το ρωσικό πνεύμα, κατάφερε να συνδέσει με μοναδικό τρόπο τη δυτική συμφωνική κληρονομιά του Mozart, Beethoven και Shuman με ρωσικές παραδόσεις που κληρονόμησαν από τον Mikhail Glinka.

Ο συνθέτης οδήγησε μια ενεργή ζωή ήταν δάσκαλος, αγωγός, κριτικός, με δημόσιο αριθμό, εργάστηκε σε δύο πρωτεύουσες, περιόδευσε στην Ευρώπη και την Αμερική. Ο Tchaikovsky ήταν ένας άνθρωπος συναισθηματικά ασταθής, ενθουσιασμός, απογοήτευση, απάθεια, γρήγορος, βίαιος θυμός - όλα αυτά τα συναισθήματα άλλαξαν σε αυτό συχνά, είναι ένα πολύ κοινωνικό άτομο, πάντα προσπάθησε να μοναξιότητα.

Tchaikovsky: "Το μεγάλο ταλέντο απαιτεί μεγάλη σκληρή δουλειά"

Για να διαθέσει κάτι καλύτερο από τη δημιουργικότητα του Tchaikovsky - ένα δύσκολο έργο, έχει πολλά ισομετρικά έργα σε όλα σχεδόν τα μουσικά είδη - όπερα, μπαλέτο, συμφωνική, μουσική δωματίου. Το περιεχόμενο της μουσικής του Tchaikovsky είναι καθολική: καλύπτει τις εικόνες της ζωής και του θανάτου, την αγάπη, τη φύση, την παιδική ηλικία, σε ένα νέο τρόπο, τα έργα της ρωσικής και της παγκόσμιας λογοτεχνίας αποκαλύπτονται με νέο τρόπο, αντανακλούσαν βαθιές διαδικασίες πνευματικής ζωής.

Το Πανεπιστήμιο του Cambridge ερήμην και χωρίς την προστασία της διατριβής τίμησε τον τίτλο Τσαγόβσκι του γιατρού της μουσικής, καθώς και η Ακαδημία Καλών Τεχνών του Παρισιού τον επέλεξε από ένα μέλος ανταποκριτή.

Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov (1844-1908)

Ο Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov είναι ένας ταλαντούχος ρωσικός συνθέτης, ένας από τους σημαντικότερους αριθμούς στη δημιουργία μιας ανεκτίμητης εγχώριας μουσικής κληρονομιάς. Ο περίεργος κόσμος του και η λατρεία της αιώνιας ολοκληρωμένης ομορφιάς του σύμπαντος, θαυμασμός για το θαύμα της ύπαρξης, η ενότητα με τη φύση δεν έχει ανάλογα στην ιστορία της μουσικής.
Γεννημένος στην επαρχία Novgorod, στην οικογενειακή παράδοση έγινε ναυτικός αξιωματικός, πολλές ευρωπαϊκές χώρες και δύο Αμερικανές πήγαν σε πολεμικό πλοίο. Η μουσική εκπαίδευση έλαβε πρώτα από τη μητέρα, στη συνέχεια, λαμβάνοντας ιδιωτικά μαθήματα από πιανίστα Φ. Kanill. Και πάλι χάρη στον M. A. Balakirev, ο διοργανωτής της "ισχυρής δέσμης", ο οποίος εισήχθη από τον Roman Corsakov στη μουσική κοινότητα και επηρέασε το έργο του, ο κόσμος δεν έχασε τον ταλαντούχο συνθέτη.

Η κεντρική θέση στην κληρονομιά του Ρωμαίου Corsakov είναι Operas - 15 έργα που αποδεικνύουν την ποικιλομορφία του είδους, στυλιστικών, δραματουργικών, σύνθετων λύσεων του συνθέτη, ωστόσο με ένα ειδικό χειρόγραφο - με όλο τον πλούτο του ορχηστρικού συστατικού, το δίκτυο είναι μελωδικό φωνητικές γραμμές. Δύο κύριες κατευθύνσεις διακρίνονται από τη δημιουργικότητα του συνθέτη: η πρώτη είναι η ρωσική ιστορία, ο δεύτερος είναι ο κόσμος των παραμυθιών και του επικού κόσμου, για τα οποία πήρε το ψευδώνυμο "Fabank".

Εκτός από την άμεση αυτο-δημιουργική δραστηριότητα, ο Na Rimsky-Korsakov είναι γνωστός ως δημοσιονομικός, ο μεταγλωττιστής των συλλογών λαϊκών τραγουδιών, στην οποία έδειξε μεγάλο ενδιαφέρον, καθώς και το τέλος του έργου των φίλων του - Dargomyzhsky, Mussorgsky και Borodin. Ο Ρωμαίος Κορσάκοφ ήταν ο Δημιουργός ενός συνθέτη σχολείου, ως δάσκαλος και επικεφαλής του Ωδείου της Αγίας Πετρούπολης, κυκλοφόρησε περίπου διακόσια συνθέτες, αγωγούς, μουσικολόγους, μεταξύ αυτών Prokofiev και Stravinsky.

Alexander Nikolaevich Scriabin (1872 - 1915)

Ο Alexander Nikolaevich Scriabin είναι ένας ρωσικός συνθέτης και ένας πιανίστας, μία από τις φωτεινότερες προσωπικότητες της ρωσικής και παγκόσμιας μουσικής κουλτούρας. Η αρχική και βαθιά ποιητική δημιουργικότητα του Scriabin διακρίθηκε από μια καινοτομία ακόμη και στο παρασκήνιο της γέννησης πολλών νέων κατευθύνσεων στην τέχνη που σχετίζονται με τις αλλαγές στη δημόσια ζωή στις αρχές του 20ου αιώνα.

Γεννήθηκε στη Μόσχα, η μητέρα πέθανε νωρίς, ο πατέρας του δεν μπορούσε να δώσει προσοχή στο γιο του, καθώς υπηρέτησε ως πρεσβευτής στην Περσία. Ο Scriasin έφερε τη θεία και τον παππού, καθώς η παιδική ηλικία έδειξε μουσικές ικανότητες. Στην αρχή σπούδασε στο Cadet Corps, πήρε ιδιωτικά μαθήματα στο πιάνο, μετά το τέλος του Σώματος εισήλθε στο Ωδείο της Μόσχας, οι συνάδελφοί του ήταν ο S. V. Rakhmaninov. Μετά την αποφοίτησή του από το Ωδείο, ο Scriabin αφιερώθηκε εντελώς στη μουσική - ως συναδέλφοντας πιανίστα-συνθέτης περιηγηθεί στην Ευρώπη και τη Ρωσία, ξοδεύοντας το μεγαλύτερο μέρος του χρόνου στο εξωτερικό.

Η κορυφή της συνθέτης δημιουργικότητας Scriabin ήταν 1903-1908, όταν η τρίτη συμφωνία ("θεϊκό ποίημα"), ένα συμφωνικό "ποίημα έκστασης", "τραγικό" και "σατανικά" ποίημα πιάνου, 4 και 5 sonats και άλλα έργα. Το "POEM ECSTASY", που αποτελείται από πολλά θέματα, συγκεντρώνει τις δημιουργικές ιδέες του Sjababin και είναι ένα φωτεινό αριστούργημα. Σε αυτό, η αγάπη του συνθέτη στα λείψανα της μεγάλης ορχήστρας και της λυρικής, ο αέρας ήχος των σόλο όργανα ήταν αρμονικά συνδεδεμένοι. Μαγεμένο στο "Ecstasy Poem" Μια κολοσσιαία ζωτική ενέργεια, φλογερό πάθος, η ικτική εξουσία παράγει μια ακαταμάχητη εντύπωση στον ακροατή και μέχρι σήμερα διατηρεί τον αντίκτυπό της.

Scriabin: "Πάω να τους πω ότι δεν περιμένουν τίποτα από τη ζωή εκτός από το ότι μπορούν να δημιουργήσουν τον εαυτό τους".

Ένα άλλο masterpiece scriabin είναι "Prometheus" ("ποίημα πυρκαγιάς"), στην οποία ο συγγραφέας ενέκρινε πλήρως την αρμονική του γλώσσα, υποχωρώντας από το παραδοσιακό σύστημα τόνου, καθώς και για πρώτη φορά στην ιστορία, αυτό το έργο ήταν να συνοδεύσει το χρώμα, αλλά Η πρεμιέρα, για τεχνικούς λόγους, κρατήθηκε χωρίς ελαφρά αποτελέσματα.

Το τελευταίο ημιτελές "μυστήριο" ήταν μια ιδέα του Scriabin, ενός ονειροπόλου, του ρομαντισμού, του φιλόσοφου, να επικοινωνήσει με όλη την ανθρωπότητα και να τον εμπνεύσει για να δημιουργήσει μια νέα φανταστική παγκόσμια τάξη, ο συνδυασμός του καθολικού πνεύματος με θέμα.

Sergey Vasilyevich Rakhmaninov (1873 - 1943)

Ο Σεργκέι Βασιλείο Ραχμανίφ είναι ο μεγαλύτερος συνθέτης του κόσμου των αρχών του 20ού αιώνα, ένας ταλαντούχος πιανίστα και ένας αγωγός. Η δημιουργική εικόνα του Rachmaninov-Construmper καθορίζεται συχνά από το επίθετο του "πιο ρωσικού συνθέτη", υπογραμμίζοντας σε αυτή τη σύντομη διαμόρφωση της αξίας της στην ενοποίηση των μουσικών παραδόσεων των συνθέσεων της Μόσχας και της Αγίας Πετρούπολης και στη δημιουργία της δικής τους Μοναδικό στυλ, το αρχοντικό του παγκόσμιου μουσικού πολιτισμού.

Γεννημένος στην επαρχία Novgorod, από τέσσερα χρόνια άρχισε να ασκεί μουσική υπό την ηγεσία της μητέρας. Σπούδασε στο Ωδείο Αγίας Πετρούπολης, μετά από 3 χρόνια μελέτης που μεταφέρθηκε στο Ωδείο της Μόσχας και το τελείωσε με ένα μεγάλο χρυσό μετάλλιο. Γρήγορα έγινε γνωστός ως ο αγωγός και ο πιανίστας, η οποία συνθέτει μουσική. Η πιστή πρεμιέρα της πρωτοποριακής πρώτης συμφωνίας (1897) στην Αγία Πετρούπολη προκάλεσε μια δημιουργική συνθέτη κρίση, από την οποία ο Rakhmaninov βγήκε στις αρχές της δεκαετίας του 1900 με το ύφος που ενωμένων ρωσικών εκκλησιών σύμβολα, εξερχόμενος ευρωπαίος ρομαντισμός, σύγχρονος ιμπρεσιονισμός και μη- Η κλιμαλισμός και όλα αυτά είναι κορεσμένα με σύνθετο συμβολισμό. Σε αυτή τη δημιουργική περίοδο, τα καλύτερα έργα γεννιούνται, μεταξύ των οποίων 2 και 3 συναυλίες πιάνου, η δεύτερη συμφωνία και η πιο αγαπημένη δουλειά του - το ποίημα "Bells" για τη χορωδία, τους σολίστες και την ορχήστρα.

Rachmaninov: "Νιώθω σαν ένα φάντασμα που ο μοναχικός περιπλανιέται σε έναν ξένο κόσμο".

Το 1917, ο Rakhmaninov με την οικογένειά του αναγκάστηκε να εγκαταλείψει τη χώρα μας και να εγκατασταθεί στις Ηνωμένες Πολιτείες. Σχεδόν δέκα χρόνια μετά την αναχώρηση δεν συνθέτει τίποτα, αλλά πολλά περιοδικά στην Αμερική και την Ευρώπη και αναγνωρίστηκε ως ένας από τους μεγαλύτερους πιανιστές της εποχής και του μεγαλύτερου αγωγού. Πάνω από όλες τις ταραγμένες δραστηριότητες, ο Rachmaninov παρέμεινε τραυματίες και ανασφαλής, αναζητώντας μοναξιά και ακόμη και μοναξιά, αποφεύγοντας την ενοχλητική προσοχή του κοινού. Είχα ειλικρινά αγάπησα και ντυμένος στην πατρίδα μου, η σκέψη δεν έκανε λάθος αφήνοντάς της. Ενδιαφέρεται συνεχώς για όλα τα γεγονότα που συμβαίνουν στη Ρωσία, διαβάζουν βιβλία, εφημερίδες και περιοδικά, βοήθησαν ουσιαστικά. Οι τελευταίες συνθέσεις του - Συμφωνία αριθ. 3 (1937) και "Συμφωνικοί Χοροί" (1940) (1940) έγιναν το αποτέλεσμα ενός δημιουργικού μονοπατιού, αισθάνθηκε το καλύτερο από το μοναδικό του στυλ και ένα θλιβερό αίσθημα απώλειας απώλειας και λαχτάρα στην πατρίδα τους.

Κατά τη διάρκεια του μεγάλου πατριωτικού πολέμου, ο Rakhmaninov έδωσε διάφορες φιλανθρωπικές συναυλίες, τα χρήματα καταβλήθηκαν στον Κόκκινο Στρατό με το Ίδρυμα για την καταπολέμηση των γερμανικών φασιστικών εισβολέων.

Igor Fedorovich Stravinsky (1882-1971)

Ο Igor Fedorovich Stravinsky είναι ένας από τους σημαντικότερους συνθέτες του κόσμου του 20ού αιώνα, ο ηγέτης του νεοκλασικισμού. Ο Stravinsky έγινε ένας "καθρέφτης" της μουσικής εποχής, στο έργο του αντανακλούσε την πολλαπλότητα των στυλ, διαρκώς διασταυρώνοντας και δύσκολο να ταξινομηθεί. Συνδυάζει ελεύθερα τα είδη, τα σχήματα, τα στυλ, την επιλογή τους από αιώνες μουσικής ιστορίας και υποτάσσονται στους δικούς του κανόνες.

Γεννήθηκε κοντά στην Αγία Πετρούπολη, σπούδασε στη Σχολή Νομοθεσία του Πανεπιστημίου της Αγίας Πετρούπολης, μελετώνουν ανεξάρτητα τους μουσικούς κλάδους, έλαβαν ιδιωτικά μαθήματα από το Na Rimsky-Korsakov, ήταν η μόνη συνθέτη Σχολή Stravinsky, χάρη στην οποία κατέληξε στην τελειότητα του Εξοπλισμός συνθέτη. Άρχισε να γράφει επαγγελματικά σχετικά αργά, αλλά ήταν γρήγορο - μια σειρά τριών μπαλέτων: "Firebird" (1910), "Μαϊντανός" (1911) και "Spring Sacred" (1913) το έφερε αμέσως στον αριθμό των συνθέσεων του πρώτο μέγεθος.

Το 1914 έφυγε από τη Ρωσία, καθώς αποδείχθηκε σχεδόν για πάντα (το 1962 ήταν περιοδεία στην ΕΣΣΔ). Stravinsky - κοσμοπολίτικο, αναγκάστηκε να αλλάξει αρκετές χώρες - τη Ρωσία, την Ελβετία, τη Γαλλία, ως αποτέλεσμα, παρέμεινε για να ζήσει στις Ηνωμένες Πολιτείες. Η δημιουργικότητά του χωρίζεται σε τρεις περιόδους - "ρωσική", "νεοκλασική", αμερικανική "σειριακή παραγωγή", οι περίοδοι χωρίζονται σε όλη τη διάρκεια ζωής σε διαφορετικές χώρες, αλλά σύμφωνα με το "χειρόγραφο" του συγγραφέα.

Stravinsky: "Έχω μια συλλαβή ρωσική. Ίσως στη μουσική μου δεν είναι άμεσα ορατή, αλλά τοποθετείται σε αυτό. "

Ο Stravinsky ήταν ένα πολύ μορφωμένο, κοινωνικό πρόσωπο, με υπέροχη αίσθηση χιούμορ. Ο κύκλος των γνωστών και ανταποκριτών του περιελάμβανε μουσικούς, ποιητές, καλλιτέχνες, επιστήμονες, επιχειρηματίες, κυβερνητικά στοιχεία.
Το τελευταίο υψηλότερο επίτευγμα του Straviansky - "Requiem" (το ήχο Chanting) (1966) φανταζόταν και ενοείται την προηγούμενη καλλιτεχνική εμπειρία του συνθέτη, καθιστώντας την αληθινή αποθεώρηση της δημιουργικότητας του Master.

Στο έργο του Stavinsky, διακρίνεται ένα μοναδικό χαρακτηριστικό - "μη επαναληψιμότητα", δεν ονομάστηκε "συνθέτης χιλιάδων ενός στυλ", η συνεχής αλλαγή του είδους, στυλ, οι κατευθύνσεις του οικοπέδου - κάθε έργο του Είναι μοναδικά, αλλά επέστρεψε συνεχώς στα σχέδια στα οποία η ρωσική προέλευση ήταν ορατή, άκουσε ρωσικές ρίζες.

Sergey Sergeevich Prokofiev (1891-1953)

Ο Σεργκέι Sergeevich Prokofiev είναι ένας από τους μεγαλύτερους ρώσους συνθέτες του 20ού αιώνα, πιανίστας, αγωγός.

Γεννήθηκε στην περιοχή Ντόνετσκ, από την παιδική ηλικία που εντάχθηκε στη μουσική. Το Prokofiev μπορεί να θεωρηθεί ένα από τα λίγα (αν όχι τα μόνα) ρωσικά μουσικά "Adderkinds", από 5 χρόνια που ασχολείται με τη σύνθεση, σε 9 χρονών έγραψε δύο όπερες (φυσικά, αυτά τα έργα εξακολουθούν να είναι ανώριμα, αλλά δείχνουν την επιθυμία Για τη δημιουργία), στην ηλικία των 13 ετών πέρασε τις εξετάσεις στο Ωδείο της Αγίας Πετρούπολης, μεταξύ των δασκάλων του ήταν ο Ν. Α. Ρίσκι-Κορσάκοφ. Η αρχή μιας επαγγελματικής καριέρας προκάλεσε μια καταιγίδα κριτικής και παρεξήγηση του ατόμου του ριζικά αντι-σχάρες και εξαιρετικά μοντέρνο στυλ, το παράδοξο είναι ότι η βιασύνη των ακαδημαϊκών κανόνων, η δομή των συνθέσεων του παρέμεινε πιστός στις κλασσικές αρχές και στη συνέχεια έγινε το Δύναμη συγκράτησης του νεωτεριστικού κοινοτικού σκεπτικισμού. Από την αρχή, η καριέρα Prokofiev πραγματοποίησε πολλά και γύρισε. Το 1918 πήγε στη διεθνή περιοδεία, μεταξύ των οποίων ήρθε στην ΕΣΣΔ, επέστρεψε τελικά στην πατρίδα του το 1936.

Η χώρα έχει αλλάξει και η "ελεύθερη" δημιουργικότητα του Prokofiev αναγκάστηκε να δώσει τις πραγματικότητες νέων απαιτήσεων. Το ταλέντο του Prokofiev άνθισε με μια νέα δύναμη - γράφει όπερες, μπαλέτα, μουσική για ταινίες - οξεία, θερμαινόμενη, εξαιρετικά ακριβή μουσική με νέες εικόνες και ιδέες, έθεσε το ίδρυμα της σοβιετικής κλασικής μουσικής και της όπερας. Το 1948, υπήρχαν σχεδόν τρία τραγικά γεγονότα ταυτόχρονα: στην υποψία της κατασκοπείας, η πρώτη του σύζυγος-Ισπανός συνελήφθη και έστειλε στο στρατόπεδο. Η απόφαση του Πολυμπυφίου της Κεντρικής Επιτροπής του ΚΓΠ (Β) στην οποία επιτέθηκαν και κατηγορήθηκαν και κατηγορήθηκαν και κατηγορήθηκαν ο Prokofiev, ο Shostakovich και άλλοι και κατηγορούσαν για τον "φορμαλισμό" και τους κινδύνους της μουσικής τους. Υπήρξε απότομη επιδείνωση της σύνθεσης του συνθέτη, αποσύρθηκε από το εξοχικό σπίτι και πρακτικά δεν το άφησε, αλλά συνέχισε να συνθέτει.

Prokofiev: "Ο συνθέτης, όπως ο ποιητής, το χτύπημα, ζωγράφος, έχει σχεδιαστεί για να εξυπηρετεί το άτομο και τους ανθρώπους."

Μερικά από τα φωτεινά έργα της Σοβιετικής Περιόδου ήταν η όπερα "Πόλεμος και Ειρήνη", "ιστορία του πραγματικού ανθρώπου". Μπαλέτες "Ρωμαίος και Ιουλιέτα", "Σταχτοπούτα", η οποία έγινε μια νέα αναφορά στην παγκόσμια μουσική μπαλέτου. Ororatoria "φύλαξη του κόσμου". Μουσική στις ταινίες "Alexander Nevsky" και "Ivan Grozny". Συμφωνική Αριθμός 5,6,7; Το πιάνο λειτουργεί.

Το έργο του Prokofiev χτυπά την ευελιξία και το εύρος του θέματος, η ταυτότητα της μουσικής σκέψης του, της φρεσκισίας και της πρωτοτυπίας του αποτελούσε μια ολόκληρη εποχή στον κόσμο Μουσική κουλτούρα του 20ού αιώνα και είχε ισχυρό αντίκτυπο σε πολλούς σοβιετικούς και ξένους συνθέτες.

Ο Prokofiev αγαπούσε πολύ το σκάκι, και εμπλουτίστηκε το παιχνίδι με τις ιδέες και τα επιτεύγματά του, μεταξύ των οποίων εφευρέθηκαν από το "εννέα πτέρυγα" σκακιού - ένα συμβούλιο 24 × 24 πεδία με εννέα σύνολα τοποθετημένα σε αυτό.

Dmitry Dmitievich Shostoakovich (1906 - 1975)

Το Dmitry Dmitrievich Shostakovich είναι ένας από τους σημαντικότερους και εκτελέσιμους συνθέτες στον κόσμο, η επιρροή της στη σύγχρονη κλασική μουσική είναι ανυπολόγιστα. Οι δημιουργίες του είναι οι πραγματικές εκφράσεις του εσωτερικού ανθρώπινου δράματος και το χρονικό των βαρέων γεγονότων του 20ού αιώνα, όπου είναι βαθιά προσωπική αλληλένδετη με την τραγωδία του ανθρώπου και της ανθρωπότητας, με τη μοίρα της μητρικής χώρας.

Γεννημένος στην Αγία Πετρούπολη, τα πρώτα μαθήματα μουσικής που έλαβαν από τη μητέρα, αποφοίτησαν από το Ωδείο της Αγίας Πετρούπολης, όταν έλαβε τον πρύτανη του Αλέξανδρο Glazunov, σε σύγκοντάς τον με το Μότσαρτ - έτσι χτύπησε όλη του την εξαιρετική μουσική μνήμη, μια λεπτή ακοή και συνθέτη δώρο. Ήδη στις αρχές της δεκαετίας του '20, μέχρι το τέλος του Ωδείου, ο Shostakovich είχε αποσκευές των δικών του έργων και πήρε στους καλύτερους συνθέτες της χώρας. Η παγκόσμια δόξα ήρθε στο Shostakovich μετά τη νίκη στον 1ο Διεθνούς Διαγωνισμού Chopin το 1927.

Μέχρι μια συγκεκριμένη περίοδο, δηλαδή πριν από τη ρύθμιση της όπερας "Lady McBet Mtsensky County", ο Shostoakovich εργάστηκε ως ελεύθερος καλλιτέχνης - "Avangardist", πειραματίζοντας τα στυλ και τα είδη. Η σκληρή εξάπλωση αυτής της όπερας, που διοργανώθηκε το 1936 και η καταστολή του 1937 έθεσε την έναρξη της επακόλουθης μόνιμης εσωτερικής πάλης του Shostakovich για την επιθυμία να εκφράσει τις απόψεις τους με τα μέσα για την επιβολή περιοχών κατευθύνσεων στην τέχνη. Στη ζωή, η πολιτική και η δημιουργικότητα είναι πολύ προσεκτικά αλληλένδετα, επαινείται από την εξουσία και τον Geimy, κατείχε υψηλές θέσεις και γυρίστηκε από αυτούς, βραβευμένους και ήταν στα πρόθυρα της σύλληψης και τους αγαπημένους του.

Μαλακό, ευφυής, λεπτός άνθρωπος βρήκε τη μορφή έκφρασης δημιουργικών αρχών στη Συμφωνία, όπου θα μπορούσε να μιλήσει ως επί το πλείστον την αλήθεια για το χρόνο. Από τη συνολική δημιουργικότητα του Shostakovich σε όλα τα είδη της Συμφωνίας (15 έργων), είναι κεντρικά στην κεντρική θέση, οι πιο δραματικά κορεσμένες είναι 5,7,8,10,15 συμφωνίες, οι οποίες έγιναν την κορυφή της σοβιετικής συμφωνικής μουσικής. Ένας εντελώς διαφορετικός Shostakovich ανοίγει στη μουσική δωματίου.

Παρά το γεγονός ότι ο ίδιος ο Shostakovich ήταν ένας συνθέτης "σπίτι" και πρακτικά δεν ταξίδευε στο εξωτερικό, η ανθρωπιστική του ουσιαστικά και πραγματικά καλλιτεχνική μουσική με τη μορφή της μουσικής γρήγορα και ευρέως εξαπλώθηκε στον κόσμο, πραγματοποιήθηκε από τους καλύτερους αγωγούς. Το μέγεθος του ταλέντου του Shostakovich είναι τόσο τεράστιο ώστε η πλήρης κατανόηση αυτού του μοναδικού φαινομένου της παγκόσμιας τέχνης να είναι ακόμα μπροστά.

Η έννοια του "συνθέτη" εμφανίστηκε για πρώτη φορά τον 16ο αιώνα στην Ιταλία και από τότε χρησιμοποιείται για να ορίσει ένα άτομο που γράφει μουσική.

Συνθέτες του 19ου αιώνα

Τον 19ο αιώνα, η Μουσική Σχολή της Βιέννης αντιπροσώπευε έναν τόσο εξαιρετικό συνθέτη ως Franz Peter Schubert. Συνέχισε την παράδοση του ρομαντισμού και επηρέασε ολόκληρη τη δημιουργία συνθετών. Ο Schubert δημιούργησε περισσότερους από 600 γερμανικούς ειδύλλους, ανέπτυξε αυτό το είδος σε νέο επίπεδο.

Franz Peter Schubert

Ένας άλλος αυστριακός, ο Johann Strauss, έγινε διάσημος χάρη στις οπερέτες και τις ελαφρές μουσικές μορφές του χορού. Ήταν αυτός που έκανε το Waltz τον πιο δημοφιλές χορό στη Βιέννη, όπου εξακολουθούν να είναι διατεταγμένα μπάλες. Επιπλέον, στην κληρονομιά του - Polka, Kadrili, μπαλέτα και Operetta.

Johann strauss

Ένας λαμπρός εκπρόσωπος του μοντερνισμού στη μουσική του τέλους του 19ου αιώνα ήταν ο Γερμανός Richard Wagner. Η όπερα του δεν έχασε τη συνάφεια και τη δημοτικότητα μέχρι σήμερα.

Giuseppe verdi

Μπορείτε να αντιταχθείτε στο Wagger στην υπέροχη φιγούρα του ιταλικού συνθέτη Giuseppe Verdi, ο οποίος παρέμεινε πιστός στις παραδόσεις της όπερας και έδωσε στην ιταλική όπερα μια νέα αναπνοή.

Peter ilyich tchaikovsky

Μεταξύ των ρωσικών συνθέσεων του 19ου αιώνα, ξεχωρίζει ο Πέτρος ilyich Tchaikovsky. Χαρακτηρίζεται από ένα μοναδικό στυλ, συνδυάζοντας τις ευρωπαϊκές συμφωνίες συμφωνίας με τη ρωσική κληρονομιά Glinka.

Συνθέτες του 20ού αιώνα

Σεργκέι Βασιλείο Ραχμανίν

Ένας από τους πιο λαμπρούς συνθέτες του τέλους του 19ου - αρχές 20ου αιώνα θεωρείται ότι η Sergey Vasilyevich Rakhmaninov. Το μουσικό του στυλ βασίστηκε στις παραδόσεις του ρομαντισμού και υπήρχε παράλληλα με πρωτοποριακά ρεύματα. Είναι για την ατομικότητα και την έλλειψη αναλόγων που το έργο του εκτιμήθηκε ιδιαίτερα από τους κριτικούς σε όλο τον κόσμο.

Igor Fedorovich Stravinsky

Ο δεύτερος πιο διάσημος συνθέτης του 20ού αιώνα - ο Igor Fedorovich Stravinsky. Ρωσική προέλευση, μετανάστευσε στη Γαλλία, και στη συνέχεια τις Ηνωμένες Πολιτείες, όπου έδειξε το ταλέντο του σε πλήρη ισχύ. Ο Stravinsky είναι ένας καινοτόμος, δεν φοβάται να πειραματιστεί με ρυθμούς και στυλ. Στο έργο του, η επιρροή των ρωσικών παραδόσεων, στοιχεία διαφόρων πρωτοποριακών ροών και ένα μοναδικό μεμονωμένο χειρόγραφο, για το οποίο ονομάζεται "Picasso στη μουσική" καλείται.

Διαφάνεια 8.

Dmitry Dmitievich Shostakovich

Ο Δ. Ο Σοστακόβιτς υπέστη μια περίεργη ασθένεια - πεθαίνουν μύες. Στο γάμο του Υιού στις 20 Οκτωβρίου 1960, πήγε στην σκάλα και απροσδόκητα έπεσε: τα πόδια αρνήθηκαν. Με μια πτώση, έσπασε το πόδι του, έπρεπε να καλέσω "ασθενοφόρο" και ακριβώς από τις διακοπές για να τον μεταφέρω στο νοσοκομείο. Αλλά εκεί, ο Shostakovich δεν σταμάτησε να δουλεύει: έγραψε στη μνήμη, χωρίς πιάνο. Το όγδοο κουαρτέτο αφιερωμένο στη μνήμη των θυμάτων του φασισμού, ο Shostakovich έγραψε πολύ γρήγορα, για τρεις ημέρες, αντανακλώντας όλα τα πιο σημαντικά γεγονότα της ζωής του σε αυτό. Στο έργο, χρησιμοποίησε τη μουσική της πρώτης συμφωνίας, την όπερα "Lady Macbeth Mtsensky County", το δεύτερο τρίο της μνήμης του I. Sollertinsky, καθώς και τη μουσική της δέκατης συμφωνίας, που γράφτηκε αμέσως μετά το θάνατο του Στάλιν Το 1953 και η πρώτη συναυλία του Cello του 1959, αφιερωμένη στον Μ. Rostropovich. Ο Δ. Σωστασκόβιιτς πρωθυπουργός σε ένα κουαρτέτο στη μελωδία του μουσικού του μονογράμματος D - S - S-N, το οποίο υποδηλώνει τις σημειώσεις του "Re-Mi-Blol", ως δέσμη μεταξύ των θραυσμάτων του κουαρτέτου, τα οποία ήταν αποσπάσματα από τα πρώτα της έργα

Η παγκόσμια κλασική μουσική είναι αδιανόητη χωρίς δουλειά των ρωσικών συνθετών. Η Ρωσία, η μεγάλη χώρα με ταλαντούχους ανθρώπους και την πολιτιστική της κληρονομιά, ήταν πάντα από τις κορυφαίες μηχανές της παγκόσμιας προόδου και της τέχνης, συμπεριλαμβανομένης της μουσικής. Το ρωσικό συνθέτη σχολείο, ο διάδοχος των παραδόσεων των οποίων ήταν η Σοβιετική και η σημερινή ρωσική σχολή, ξεκίνησε τον 19ο αιώνα με τους συνθέτες που ενωμένοι ευρωπαϊκές μουσικές με ρωσικές λαϊκές μελωδίες, δεμένα την ευρωπαϊκή μορφή και το ρωσικό πνεύμα.

Σχετικά με τον καθένα από αυτούς τους διάσημους ανθρώπους μπορεί να ειπωθεί πολλά, ο καθένας δεν είναι απλή, και μερικές φορές τραγικά destinies, αλλά σε αυτή την κριτική προσπαθήσαμε να δώσουμε μόνο μια σύντομη περιγραφή της ζωής και της δημιουργικότητας των συνθετών.

1. Mikhail Ivanovich Glinka (1804—1857)

Ο Mikhail Ivanovich Glinka είναι ο ιδρυτής της ρωσικής κλασικής μουσικής και ο πρώτος εγχώριος συνθέτης-κλασικός που έχει φτάσει στην παγκόσμια δόξα. Το έργο του, στηριζόμενη στις αιώνες-παλιές παραδόσεις της ρωσικής λαϊκής μουσικής, ήταν μια νέα λέξη στη μουσική τέχνη της χώρας μας.
Γεννήθηκε στην επαρχία Smolensk, έλαβε εκπαίδευση στην Αγία Πετρούπολη. Ο σχηματισμός της Worldview και η κύρια ιδέα της δημιουργικότητας Mikhail Glinka συνέβαλαν άμεση επικοινωνία με τέτοιες προσωπικότητες ως Α. Pushkin, V.A. Zhukovsky, Α. Griboyedov, Α.Α.Delvig. Η δημιουργική ώθηση των έργων του πρόσθεσε ένα μακροπρόθεσμο ταξίδι πάνω από την Ευρώπη στις αρχές της δεκαετίας του 1830 και τις συναντήσεις με κορυφαίους συνθέτες χρόνου - V. Bellini, Donzetti, F. Metterson και αργότερα με Gllyosa, J. Mareer. Η επιτυχία ήρθε στο Mi Glinka μετά την τοποθέτηση της όπερας "Ivan Susanin" ("Ζωή για τον βασιλιά") (1836), το οποίο συναντήθηκε με ενθουσιασμό από όλους, η ρωσική χορωδιακή τέχνη και η ευρωπαϊκή συμφωνία συμφωνικής και της όπερας ήταν βιολογικά ενωμένες στην παγκόσμια μουσική και ευρωπαϊκή Η συμφωνική και η πρακτική της όπερας, καθώς και ένας ήρωας εμφανίστηκε παρόμοιος με τη Susanin, η εικόνα του οποίου συνοψίζει τα καλύτερα χαρακτηριστικά ενός εθνικού χαρακτήρα. V.F. Odoevsky, ICraktized Opera "Νέο στοιχείο στην Τέχνη και αρχίζει στην ιστορία του μια νέα περίοδος - η περίοδος της ρωσικής μουσικής".
Η δεύτερη όπερα είναι το επικό "Ruslan και Lyudmila" (1842), το έργο που πραγματοποιήθηκε στο φόντο του θανάτου του Pushkin και στη δύσκολη ζωή του συνθέτη, λόγω της βαθιάς καινοτόμου ουσίας της εργασίας, συναντήθηκε διφορούμενα από το κοινό και τις αρχές και έφερε το Mi Gling βαριά εμπειρίες. Μετά από αυτό, ταξίδεψε πολλά, εναλλακτικά ζούσε στη Ρωσία και στο εξωτερικό, δεν σταματά τη σύνθεση. Στην κληρονομιά του υπήρχαν ειδοποιήσεις, συμφωνική και αίθουσα εργασίας. Στη δεκαετία του 1990, το πατριωτικό τραγούδι του Mikhail Glinka ήταν ο επίσημος ύμνος της Ρωσικής Ομοσπονδίας.

Quote M.I.Glinka: "Για να δημιουργήσετε την ομορφιά, είναι απαραίτητο να είσαι καθαρή ψυχή".

Quote Σχετικά με το M.I. Glinka: "Ολόκληρη η ρωσική Συμφωνική Σχολή, όπως και ολόκληρη η βελανιδιά στον αδένα, περικλείεται στη Συμφωνική Φαντασία" Kamarinskaya ". P.I. Tchaikovsky

Ενδιαφέρουσα Γεγονός: Ο Mikhail Ivanovich Glinka δεν διέφερε σε ισχυρή υγεία, παρά το γεγονός ότι ήταν πολύ εύκολο να αυξηθεί και να γνωρίζει τέλεια τη γεωγραφία, ίσως αν δεν έγινε συνθέτης, έγινε ταξιδιώτης. Ήξερε έξι ξένες γλώσσες, συμπεριλαμβανομένου του περσικού.

2. Alexander Porfiryevich Borodin (1833—1887)

Ο Alexander Porfiryevich Borodin, ένας από τους κορυφαίους Ρώσους συνθέτες του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα, εκτός από το συνθέτη ταλέντο ήταν ένας χημικός επιστήμονας, ένας γιατρός, ένας δάσκαλος, κριτικός και κατέλαβε λογοτεχνική δίνοντας.
Γεννημένος στην Αγία Πετρούπολη, από την παιδική ηλικία που περιβάλλει την ασυνήθιστη δραστηριότητα, τη φρεάτωση και τις ικανότητες σε διάφορες κατευθύνσεις, κυρίως στη μουσική και τη χημεία. Ο A.P. Corodin είναι ένας ρωσικός συνθέτης-Nugget, δεν είχε επαγγελματίες καθηγητές μουσικής, όλα τα επιτεύγματά του στη μουσική μέσω ανεξάρτητης εργασίας για την κατοχή της σύνθεσης της σύνθεσης. Σχετικά με το σχηματισμό του Α.Ρ. Borodina επηρέασε τη δημιουργικότητα του M.I. Η Glinka (καθώς και σε όλους τους Ρώσους συνθέτες του 19ου αιώνα), και η ώθηση στην πυκνή κατοχή στις αρχές της δεκαετίας του 1860 έδωσε δύο εκδηλώσεις - πρώτα, γνωστός και γάμος με ταλαντούχους πιανίστα Ε .Π.Σ.Προτοποπόβα, δεύτερον, μια συνάντηση με τον Ma Balakiev και την ένταξη Η δημιουργική Κοινοπολιτεία Ρώσων Συνθετών, γνωστός ως το "ισχυρό χέρι". Στα τέλη της δεκαετίας του 1870 και στη δεκαετία του 1880, το AP Borodin ταξιδεύει πολλά και περιηγήσεις στην Ευρώπη και την Αμερική, συναντά με προχωρημένους συνθέτες της εποχής του, η φήμη του αυξάνεται, έχει γίνει ένας από τους πιο διάσημους και δημοφιλείς ρώσους συνθέτες στην Ευρώπη του στα τέλη του 19ου αιώνα.
Η κεντρική θέση στα έργα του Α.Ρ. Borodina καταλαμβάνει την όπερα "Prince Igor" (1869-1890), το οποίο είναι ένα μοντέλο της εθνικής ηρωικής επικής μουσικής και το οποίο ο ίδιος δεν είχε χρόνο να τελειώσει (φίλοι του Α.Α. Lelzunov και Ν.Α. Rimsky-Korsakov). Στο "Prince Igor", στο φόντο των μαγευτικών ζωγραφιών των ιστορικών γεγονότων, υπήρξε μια αντανάκλαση της κύριας ιδέας για όλη τη δημιουργικότητα του συνθέτη - το θάρρος, το ήρεμο μεγαλείο, την πνευματική ευγένεια του καλύτερου ρωσικού λαού και Η ισχυρή δύναμη ολόκληρου του ρωσικού λαού, που εκδηλώνεται όταν προστατεύει την πατρίδα. Παρά το γεγονός ότι ο Α.Ρ. Borodin άφησε ένα σχετικά μικρό αριθμό έργων, το έργο του είναι πολύ διαφορετικό και θεωρείται ένας από τους πατέρες της ρωσικής συμφωνικής μουσικής, η οποία επηρέασε πολλές γενιές ρωσικών και ξένων συνθέσεων.

Απόσπασμα σχετικά με το Α.Ρ. Borodina: Το ταλέντο του Borodin είναι ισχυρό και καταπληκτικό τόσο στη Συμφωνία όσο και στην όπερα και στο ρομαντισμό. Οι κύριες ποιότητες είναι η γιγαντιαία δύναμη και το πλάτος, το κολοσσιαίο πεδίο, η συστροφή και η επικάλυψη που συνδέεται με το καταπληκτικό πάθος, την τρυφερότητα Ομορφιά. " V.v.stovov

Ένα ενδιαφέρον γεγονός: Το όνομα της Bororodin ονομάζεται χημική απόκριση των αργυρών καρβοξυλικών οξέων με αλογόνα, τα οποία οδηγούν σε υδρογονάνθρακες υποκατεστημένων αλογόνων, οι οποίοι μελετήθηκαν για πρώτη φορά το 1861.

3. Modest petrovich mussorgsky (1839—1881)

Το Modest Petrovich Mussorgsky είναι ένας από τους πιο λαμπούς Ρώσους συνθέτες του 19ου αιώνα, μέλος της "ισχυρής δέσμη". Η καινοτόμος δημιουργικότητα του Mussorgsky είναι πολύ μπροστά από το χρόνο του.
Γεννήθηκε στην επαρχία Pskov. Όπως πολλοί ταλαντούχοι άνθρωποι, από την παιδική ηλικία, έδειξαν ικανότητες στη μουσική, που μελετήθηκαν στην Αγία Πετρούπολη, ήταν, για την οικογενειακή παράδοση, στρατιωτική. Ένα αποφασιστικό γεγονός που διαπίστωσε ότι ο Mussorgsky γεννήθηκε όχι για στρατιωτική θητεία, αλλά για τη μουσική, έγινε συνάντηση με τον Μ.Α. Balakiev και ένωση στην "ισχυρή δέσμη". Το Mussorgsky είναι υπέροχο επειδή στα μεγάλα έργα του - οι φορείς εκμετάλλευσης "Boris Godunov" και "Khovanshchina" που καταγράφηκαν στη μουσική των δραματικών ορόσημων της ρωσικής ιστορίας με μια ριζοσπαστική καινοτομία, την οποία η ρωσική μουσική δεν γνώριζε, δείχνοντάς τους έναν συνδυασμό μαζικής λαϊκής σκηνής και Μια ποικιλία πλούτου τύπου, ο μοναδικός χαρακτήρας του ρωσικού λαού. Αυτές οι όπερες, σε πολυάριθμους συντάκτες, τόσο ο συγγραφέας όσο και άλλοι συνθέτες, είναι από τις πιο δημοφιλείς ρωσικές όπερες στον κόσμο. Ένα άλλο εξαιρετικό έργο του Mussorgsky είναι ο κύκλος του πιάνου που παίζει οι "εικόνες από την έκθεση", πολύχρωμες και έξυπνες μινιατούρες διαπερνούν από το ρωσικό θέμα και την ορθόδοξη πίστη.

Στη ζωή του Mussorgsky, όλα ήταν τόσο μεγαλείο όσο και τραγωδία, αλλά πάντα διακρίθηκε από την πραγματική πνευματική καθαρότητα και το ασυνείδητο. Τα τελευταία χρόνια της ήταν η βαριά ζωτικής σημασίας, η μη αναγνώριση της δημιουργικότητας, η μοναξιά, ο εθισμός στο αλκοόλ, όλα αυτά καθόρισαν τον πρόωρο θάνατό του σε 42 χρόνια, άφησε ένα σχετικά λίγα γραπτά, μερικά από τα οποία ολοκληρώθηκαν από άλλους συνθέτες. Ειδική μελωδία και καινοτόμος αρμονία του Mussorgsky αναμενόταν ορισμένα χαρακτηριστικά της μουσικής ανάπτυξης του 20ού αιώνα και διαδραμάτισε σημαντικό ρόλο στη διαμόρφωση στυλ πολλών παγκόσμιων συνθετών.

Quote m.p.muzorgsky: "Οι ήχοι της ανθρώπινης ομιλίας, όπως οι υπαίθριες εκδηλώσεις των σκέψεων και των συναισθημάτων, θα έπρεπε χωρίς διαγωνισμό και γρήγορα να γίνουν μουσική αληθινής, ακριβής, αλλά καλλιτεχνικής, εξαιρετικά καλλιτεχνικής."

Quote Σχετικά με το M.P.MUZORGSKY: "Οι μη ρωσικοί ρώσοι ακούγονται σε όλα όσα εργάστηκαν το Mussorgsky" N.k.rerich

Ενδιαφέρουσες πληροφορίες: Στο τέλος της ζωής του Mussorgsky, υπό την πίεση των "φίλων" του Stasov και του Rimsky-Korsakov, αρνήθηκαν τα πνευματικά δικαιώματα στα έργα τους και τα παρουσίασαν με τον Tristi Filippov

4. Peter ilyich tchaikovsky (1840—1893)

Ο Petr ilyich Tchaikovsky, ίσως ο μεγαλύτερος ρωσικός συνθέτης του 19ου αιώνα, έθεσε ρωσική μουσική τέχνη για ένα πρωτοφανές ύψος. Είναι ένας από τους σημαντικότερους συνθέτες της παγκόσμιας κλασικής μουσικής.
Η μητρική επαρχία Vyatka, αν και οι ρίζες στη γραμμή του πατέρα στην Ουκρανία, ο Τσαϊκόβσκι έδειξε μουσικές ικανότητες από την παιδική ηλικία, αλλά η πρώτη εκπαίδευση και η εργασία ήταν στον τομέα της νομικής οντότητας. Ο Τσαϊκόβσκι είναι ένας από τους πρώτους Ρώσους συνθέτες - "επαγγελματίες" - μελέτησε τη θεωρία της μουσικής και τη σύνθεση στο νέο Ωδείο της Αγίας Πετρούπολης. Ο Τσαϊκόβσκι θεωρήθηκε ο "Δυτικός" συνθέτης, σε αντίθεση με τους βαρύς ανθρωπιστές των ανθρώπων, με τους οποίους είχε καλές δημιουργικές και φιλικές σχέσεις, αλλά το έργο του δεν ήταν λιγότερο διαδεδομένο από το ρωσικό πνεύμα, κατάφερε να συνδέσει με μοναδικό τρόπο τη δυτική συμφωνική κληρονομιά του Μότσαρτ, Ο Beethoven και ο Shuman με ρωσικές παραδόσεις κληρονομούνται από το Mikhail Glinka.
Ο συνθέτης οδήγησε μια ενεργή ζωή ήταν δάσκαλος, αγωγός, κριτικός, με δημόσιο αριθμό, εργάστηκε σε δύο πρωτεύουσες, περιόδευσε στην Ευρώπη και την Αμερική. Ο Tchaikovsky ήταν ένας άνθρωπος συναισθηματικά ασταθής, ενθουσιασμός, απογοήτευση, απάθεια, γρήγορος, βίαιος θυμός - όλα αυτά τα συναισθήματα άλλαξαν σε αυτό συχνά, είναι ένα πολύ κοινωνικό άτομο, πάντα προσπάθησε να μοναξιότητα.
Για να διαθέσει κάτι καλύτερο από τη δημιουργικότητα του Tchaikovsky - ένα δύσκολο έργο, έχει πολλά ισομετρικά έργα σε όλα σχεδόν τα μουσικά είδη - όπερα, μπαλέτο, συμφωνική, μουσική δωματίου. Το περιεχόμενο της μουσικής του Tchaikovsky είναι καθολική: καλύπτει τις εικόνες της ζωής και του θανάτου, την αγάπη, τη φύση, την παιδική ηλικία, σε ένα νέο τρόπο, τα έργα της ρωσικής και της παγκόσμιας λογοτεχνίας αποκαλύπτονται με νέο τρόπο, αντανακλούσαν βαθιές διαδικασίες πνευματικής ζωής.

Composer Quote:
«Είμαι καλλιτέχνης που μπορεί και πρέπει να φέρει την τιμή της πατρίδας μου. Αισθάνομαι μεγάλη καλλιτεχνική δύναμη, δεν έχω κάνει ακόμα το δέκατο περισσότερο που μπορώ να κάνω. Και θέλω να το κάνω με όλη μου την ψυχή».
"Η ζωή είναι μόνο τότε γοητεία, όταν αποτελείται από εναλλασσόμενες χαρές και θλίψη, από τον αγώνα του καλού με το κακό, από το φως και τις σκιές, σε μια λέξη - από μια ποικιλία στην ενότητα".
"Το μεγάλο ταλέντο απαιτεί μεγάλη σκληρή δουλειά."

Quote για τον συνθέτη: "Είμαι έτοιμος για μια μέρα και τη νύχτα να σταθεί δίπλα σε έντιμη φρουρά στη βεράντα του σπιτιού, όπου ο Πέτρος ilyich ζει, - σε τέτοιο βαθμό τον σεβαστώ" " A.p.chekhov

Ένα ενδιαφέρον γεγονός: Το Πανεπιστήμιο του Cambridge της Αρίθμησης και χωρίς την υπεράσπιση της διατριβής τίμησε τον τίτλο Tchaikovsky του γιατρού της μουσικής, καθώς και η Ακαδημία Καλών Τεχνών του Παρισιού τον επέλεξε από ένα μέλος ανταποκριτή.

5. Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov (1844—1908)

Ο Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov είναι ένας ταλαντούχος ρωσικός συνθέτης, ένας από τους σημαντικότερους αριθμούς στη δημιουργία μιας ανεκτίμητης εγχώριας μουσικής κληρονομιάς. Ο περίεργος κόσμος του και η λατρεία της αιώνιας ολοκληρωμένης ομορφιάς του σύμπαντος, θαυμασμός για το θαύμα της ύπαρξης, η ενότητα με τη φύση δεν έχει ανάλογα στην ιστορία της μουσικής.
Γεννημένος στην επαρχία Novgorod, στην οικογενειακή παράδοση έγινε ναυτικός αξιωματικός, πολλές ευρωπαϊκές χώρες και δύο Αμερικανές πήγαν σε πολεμικό πλοίο. Η μουσική εκπαίδευση έλαβε πρώτα από τη μητέρα, στη συνέχεια, λαμβάνοντας ιδιωτικά μαθήματα από πιανίστα Φ. Kanill. Και πάλι χάρη στον M.A. Balakirev, ο διοργανωτής της "Mighty Bunch", ο οποίος εισήγαγε το ρωμαϊκό Corsakov στην κοινότητα της μουσικής και επηρέασε το έργο του, ο κόσμος δεν έχασε τον ταλαντούχο συνθέτη.
Η κεντρική θέση στην κληρονομιά του Ρωμαίου Corsakov είναι Operas - 15 έργα που αποδεικνύουν την ποικιλομορφία του είδους, στυλιστικών, δραματουργικών, σύνθετων λύσεων του συνθέτη, ωστόσο με ένα ειδικό χειρόγραφο - με όλο τον πλούτο του ορχηστρικού συστατικού, το δίκτυο είναι μελωδικό φωνητικές γραμμές. Δύο κύριες κατευθύνσεις διακρίνονται από τη δημιουργικότητα του συνθέτη: η πρώτη είναι η ρωσική ιστορία, ο δεύτερος είναι ο κόσμος των παραμυθιών και του επικού κόσμου, για τις οποίες πήρε το ψευδώνυμο "αποτυχημένο".
Εκτός από την άμεση αυτο-δημιουργική δραστηριότητα, ο Na Rimsky-Korsakov είναι γνωστός ως δημοσιονομικός, ο μεταγλωττιστής των συλλογών λαϊκών τραγουδιών, στην οποία έδειξε μεγάλο ενδιαφέρον, καθώς και το τέλος των φίλων του - Dargomyzhsky, Mussorgsky και Borodin . Ο Ρωμαίος Κορσάκοφ ήταν ο Δημιουργός ενός συνθέτη σχολείου, ως δάσκαλος και επικεφαλής του Ωδείου της Αγίας Πετρούπολης, κυκλοφόρησε περίπου διακόσια συνθέτες, αγωγούς, μουσικολόγους, μεταξύ αυτών Prokofiev και Stravinsky.

Απόσπασμα για τον συνθέτη: "Ο Ρωμαίος-Κορσάκοφ ήταν ένας πολύ ρωσικός άνθρωπος και ένας πολύ ρωσικός συνθέτης. Πιστεύω ότι αυτή είναι η αρχική ρωσική ουσία του, η βαθιά του λαϊκή-ρωσική βάση σήμερα θα πρέπει να είναι ιδιαίτερα έγκυρη." Mstislav rostropovich

Το έργο των ρωσικών συνθέσεων στα τέλη του 19ου - το πρώτο μισό του 20ού αιώνα είναι μια ολιστική συνέχιση των παραδόσεων της ρωσικής σχολής. Μαζί με αυτό, η έννοια της προσέγγισης του "εθνικού" που ανήκει σε μία ή άλλη μουσική, που αναφέρει άμεσα λαϊκές μελωδίες είναι ήδη πρακτικά όχι, αλλά παρέμεινε μια ιονική ρωσική βάση, η ρωσική ψυχή.

6. Alexander Nikolaevich Scriabin (1872 - 1915)

Ο Alexander Nikolaevich Scriabin είναι ένας ρωσικός συνθέτης και ένας πιανίστας, μία από τις φωτεινότερες προσωπικότητες της ρωσικής και παγκόσμιας μουσικής κουλτούρας. Η αρχική και βαθιά ποιητική δημιουργικότητα του Scriabin διακρίθηκε από μια καινοτομία ακόμη και στο παρασκήνιο της γέννησης πολλών νέων κατευθύνσεων στην τέχνη που σχετίζονται με τις αλλαγές στη δημόσια ζωή στις αρχές του 20ου αιώνα.
Γεννήθηκε στη Μόσχα, η μητέρα πέθανε νωρίς, ο πατέρας του δεν μπορούσε να δώσει προσοχή στο γιο του, καθώς υπηρέτησε ως πρεσβευτής στην Περσία. Ο Scriasin έφερε τη θεία και τον παππού, καθώς η παιδική ηλικία έδειξε μουσικές ικανότητες. Στην αρχή σπούδασε στο Cadet Corps, πήρε ιδιωτικά μαθήματα στο πιάνο, μετά το τέλος του Σώματος εισήλθε στο Ωδείο της Μόσχας, οι συνάδελφοί του ήταν ο S.V. Rashmaninov. Μετά την αποφοίτησή του από το Ωδείο, ο Scriabin αφιερώθηκε εντελώς στη μουσική - ως συναδέλφοντας πιανίστα-συνθέτης περιηγηθεί στην Ευρώπη και τη Ρωσία, ξοδεύοντας το μεγαλύτερο μέρος του χρόνου στο εξωτερικό.
Η κορυφή της συνθετικής δημιουργικότητας Scriabin ήταν 1903-1908, όταν η τρίτη συμφωνία ("θεϊκό ποίημα"), το συμφωνικό "ποίημα έκστασης", "τραγικά" και "σατανικά" ποίημα πιάνου, 4 και 5 sonats και άλλα έργα. Το "POEM ECSTASY", που αποτελείται από διάφορα θέματα, συγκεντρώνει τις δημιουργικές ιδέες της Σιεδάνης και είναι ένα φωτεινό αριστούργημα. Σε αυτό, η αγάπη του συνθέτη στα λείψανα της μεγάλης ορχήστρας και της λυρικής, ο αέρας ήχος των σόλο όργανα ήταν αρμονικά συνδεδεμένοι. Ένας ενσωματωμένος στο "POEM ECSTASY" είναι μια κολοσσιαία ζωτική ενέργεια, φλογερό πάθος, η ικτική ισχύς παράγει μια ακαταμάχητη εντύπωση στον ακροατή και μέχρι σήμερα διατηρεί τον αντίκτυπό της.
Ένα άλλο αριστούργημα του Scriabin είναι το "Prometheus" ("ποίημα πυρκαγιάς"), στην οποία ο συγγραφέας ενέκρινε πλήρως την αρμονική του γλώσσα, υποχωρώντας από το παραδοσιακό σύστημα τόνου, αλλά και για πρώτη φορά στην ιστορία, αυτό το έργο ήταν να συνοδεύσει το χρώμα, Αλλά η πρεμιέρα, για τεχνικούς λόγους, κρατήθηκε χωρίς ελαφρά αποτελέσματα.
Το τελευταίο ημιτελές «μυστήριο» ήταν η πρόθεση του Scriabin, ονειροπόλος, ρομαντισμός, φιλόσοφος, για να επικοινωνήσει με όλη την ανθρωπότητα και να τον εμπνεύσει για να δημιουργήσει μια νέα φανταστική παγκόσμια τάξη, ο συνδυασμός του καθολικού πνεύματος με θέμα.

Quote Anskryabina: "Θα τους πω (άνθρωποι) - έτσι ώστε να ... τίποτα που δεν αναμένεται από τη ζωή εκτός από το ότι οι ίδιοι μπορούν να δημιουργήσουν τον εαυτό τους ... Πάω να τους πω τι να θρηνήσει δεν είναι τίποτα για το γεγονός ότι δεν υπάρχει τίποτα απώλεια. Έτσι, δεν φοβούνται την απελπισία, η οποία μπορεί κανείς να δημιουργήσει μια πραγματική γιορτή. Συλλεία και ισχυρός κάποιος που βίωσε απελπισία και τον νίκησε. "

Απόσπασμα για το A.N.SKRyabin: "Η δημιουργικότητα του Scriabin ήταν ο χρόνος του που εκφράστηκε στους ήχους. Αλλά όταν προσωρινά, η παροδική βρίσκει την έκφρασή του στο έργο ενός μεγάλου καλλιτέχνη, αποκτά μια σταθερή αξία και είναι απίστευτο." G. V. Plekhanov

7. Σεργκέι Βασιλείο Ραχμανίν (1873 - 1943)

Ο Σεργκέι Βασιλείο Ραχμανίφ είναι ο μεγαλύτερος συνθέτης του κόσμου των αρχών του 20ού αιώνα, ένας ταλαντούχος πιανίστα και ένας αγωγός. Η δημιουργική εικόνα του Rachmaninov-Construmper καθορίζεται συχνά από το επίθετο του "πιο ρωσικού συνθέτη", υπογραμμίζοντας σε αυτή τη σύντομη διαμόρφωση της αξίας της στην ενοποίηση των μουσικών παραδόσεων των συνθέσεων της Μόσχας και της Αγίας Πετρούπολης και στη δημιουργία της δικής τους Μοναδικό στυλ, το αρχοντικό του παγκόσμιου μουσικού πολιτισμού.
Γεννημένος στην επαρχία Novgorod, από τέσσερα χρόνια άρχισε να ασκεί μουσική υπό την ηγεσία της μητέρας. Σπούδασε στο Ωδείο Αγίας Πετρούπολης, μετά από 3 χρόνια μελέτης που μεταφέρθηκε στο Ωδείο της Μόσχας και το τελείωσε με ένα μεγάλο χρυσό μετάλλιο. Γρήγορα έγινε γνωστός ως ο αγωγός και ο πιανίστας, η οποία συνθέτει μουσική. Η πιστή πρεμιέρα της πρωτοποριακής πρώτης συμφωνίας (1897) στην Αγία Πετρούπολη προκάλεσε μια δημιουργική συνθέτη κρίση, από την οποία ο Rakhmaninov βγήκε στις αρχές της δεκαετίας του 1900 με το ύφος που ενωμένων ρωσικών εκκλησιών σύμβολα, εξερχόμενος ευρωπαίος ρομαντισμός, σύγχρονος ιμπρεσιονισμός και μη- Η κλιμαλισμός και όλα αυτά είναι κορεσμένα με σύνθετο συμβολισμό. Σε αυτή τη δημιουργική περίοδο, τα καλύτερα έργα γεννιούνται, μεταξύ των οποίων 2 και 3 συναυλίες πιάνου, η δεύτερη συμφωνία και η αγαπημένη του δουλειά - το ποίημα "καμπάνες" για τη χορωδία, τις σολίστες και την ορχήστρα.
Το 1917, ο Rakhmaninov με την οικογένειά του αναγκάστηκε να εγκαταλείψει τη χώρα μας και να εγκατασταθεί στις Ηνωμένες Πολιτείες. Σχεδόν δέκα χρόνια μετά την αναχώρηση δεν συνθέτει τίποτα, αλλά πολλά περιοδικά στην Αμερική και την Ευρώπη και αναγνωρίστηκε ως ένας από τους μεγαλύτερους πιανιστές της εποχής και του μεγαλύτερου αγωγού. Πάνω από όλες τις ταραγμένες δραστηριότητες, ο Rachmaninov παρέμεινε τραυματίες και ανασφαλής, αναζητώντας μοναξιά και ακόμη και μοναξιά, αποφεύγοντας την ενοχλητική προσοχή του κοινού. Είχα ειλικρινά αγάπησα και ντυμένος στην πατρίδα μου, η σκέψη δεν έκανε λάθος αφήνοντάς της. Ενδιαφέρεται συνεχώς για όλα τα γεγονότα που συμβαίνουν στη Ρωσία, διαβάζουν βιβλία, εφημερίδες και περιοδικά, βοήθησαν ουσιαστικά. Οι τελευταίες συνθέσεις του - Συμφωνία αριθ. 3 (1937) και "συμφωνικοί χοροί" (1937) (1940) (1940) έγιναν το αποτέλεσμα ενός δημιουργικού μονοπατιού, αισθάνθηκε το καλύτερο από το μοναδικό του στυλ και ένα θλιβερό αίσθημα αδιαφανή απώλειας και λαχτάρα στην πατρίδα τους.

Quote S.V. Rakhmaninova:
"Νιώθω σαν ένα φάντασμα που ο μοναχικός περιπλανιέται στην ειρήνη κάποιου άλλου".
"Η υψηλότερη ποιότητα όλων των τέχνης είναι η ειλικρίνειά του."
"Οι μεγάλοι συνθέτες επίσης επισκοπούν επίσης την προσοχή στη μελωδία, ως ηγετική εκκίνηση στη μουσική. Η μελωδία είναι η μουσική, η κύρια βάση όλων των μουσικών ... μελωδική εφευρετικότητα, στην ανώτατη αίσθηση της λέξης, είναι ο κύριος στόχος της συνθέσεως του συνθέτη .... Ο λόγος αυτός, οι μεγάλοι συνθέτες του παρελθόντος έδειξαν τόσα πολλά ενδιαφέροντα για τις λαϊκές μελωδίες των χωρών τους. "

Quote για το S.V. Rashmaninov:
"Το Rachmaninov δημιουργήθηκε από χάλυβα και χρυσό: χάλυβας στα χέρια του, χρυσό - στην καρδιά. Δεν μπορώ να σκεφτώ γι 'αυτόν χωρίς δάκρυα. \u200b\u200bΔεν έσκυψα μόνο μπροστά στον μεγάλο καλλιτέχνη, αλλά μου άρεσε." I.hofman
"Η μουσική Rachmaninova είναι ο ωκεανός. Τα κύματα του είναι μουσικά - αρχίζουν μέχρι τώρα πέρα \u200b\u200bαπό τον ορίζοντα, και είναι τόσο ψηλά όσο και σιγά-σιγά χαμηλοί ... ότι αισθάνεστε αυτή τη δύναμη και την αναπνοή." Α. Konchalovsky

Ένα ενδιαφέρον γεγονός: Κατά τη διάρκεια του μεγάλου πατριωτικού πολέμου, ο Rakhmaninov έδωσε πολλές φιλανθρωπικές συναυλίες, τα χρήματα καταβλήθηκαν στον Κόκκινο Στρατό στο Ίδρυμα για την καταπολέμηση των γερμανικών φασιστών εισβολών.

8. Igor Fedorovich Stravinsky (1882-1971)

Ο Igor Fedorovich Stravinsky είναι ένας από τους σημαντικότερους συνθέτες του κόσμου του 20ού αιώνα, ο ηγέτης του νεοκλασικισμού. Ο Stravinsky έγινε ο "καθρέφτης" της μουσικής εποχής, στο έργο του αντανακλάται στην πολλαπλότητα των στυλ, διαρκώς διασταυρώνεται και είναι δύσκολο να ταξινομηθεί. Συνδυάζει ελεύθερα τα είδη, τα σχήματα, τα στυλ, την επιλογή τους από αιώνες μουσικής ιστορίας και υποτάσσονται στους δικούς του κανόνες.
Γεννήθηκε κοντά στην Αγία Πετρούπολη, σπούδασε στη Σχολή Νομοθεσία του Πανεπιστημίου της Αγίας Πετρούπολης, μελετώνουν ανεξάρτητα τους μουσικούς κλάδους, έλαβαν ιδιωτικά μαθήματα από το Na Rimsky-Korsakov, ήταν η μόνη συνθέτη Σχολή Stravinsky, χάρη στην οποία κατέληξε στην τελειότητα του Εξοπλισμός συνθέτη. Άρχισε να είναι επαγγελματικά σχετικά αργά, αλλά η απογείωση ήταν γρήγορη - μια σειρά από τρία μπαλέτα: "Firebird" (1910), "μαϊντανός" (1911) και "Spring Sacred" (1913) το έφερε αμέσως στον αριθμό των συνθετών του πρώτο μέγεθος.
Το 1914 έφυγε από τη Ρωσία, καθώς αποδείχθηκε σχεδόν για πάντα (το 1962 ήταν περιοδεία στην ΕΣΣΔ). Stravinsky - κοσμοπολίτικο, αναγκάστηκε να αλλάξει αρκετές χώρες - τη Ρωσία, την Ελβετία, τη Γαλλία, ως αποτέλεσμα, παρέμεινε για να ζήσει στις Ηνωμένες Πολιτείες. Η δημιουργικότητά του χωρίζεται σε τρεις περιόδους - "ρωσική", «νεοκλασική», αμερικανική «μαζική παραγωγή», οι περίοδοι δεν χωρίζονται σε όλη τη διάρκεια ζωής σε διάφορες χώρες, αλλά σύμφωνα με το "χειρόγραφο" του συγγραφέα.
Ο Stravinsky ήταν ένα πολύ μορφωμένο, κοινωνικό πρόσωπο, με υπέροχη αίσθηση χιούμορ. Ο κύκλος των γνωστών και ανταποκριτών του περιελάμβανε μουσικούς, ποιητές, καλλιτέχνες, επιστήμονες, επιχειρηματίες, κυβερνητικά στοιχεία.
Το τελευταίο υψηλότερο επίτευγμα του Straviansky - "Requiem" (Sound Chanting) (1966) αποφάσισε και ενέκθηκε την προηγούμενη καλλιτεχνική εμπειρία του συνθέτη, καθιστώντας μια αληθινή αποθεώρηση της δημιουργικότητας του πλοιάρχου.
Στο έργο του Stavinsky, διακρίνεται ένα μοναδικό χαρακτηριστικό - "μη επαναληψιμότητα", δεν ονομάζεται "συνθέτης χιλιάδες στυλ", η συνεχής αλλαγή του είδους, στυλ, οι κατευθύνσεις του οικοπέδου - κάθε έργο του είναι μοναδικό , αλλά επέστρεψε συνεχώς στα σχέδια στα οποία η ρωσική προέλευση ήταν ορατή, άκουσε ρωσικές ρίζες.

Quote I.F. Sadvinsky: "Μιλώ ρωσικά όλη μου τη ζωή, έχω μια συλλαβή ρωσική, ίσως αυτό δεν είναι άμεσα ορατό στη μουσική μου, αλλά είναι σε αυτό, είναι στην κρυμμένη φύση του"

Απόσπασμα για το i.f. Sadvinsky: "Stravinsky - πραγματικά ρωσικός συνθέτης ... Το ρωσικό πνεύμα είναι άφθαρτο στην καρδιά αυτού του πραγματικού πραγματικά μεγάλου, πολύπλευρου ταλέντου, που γεννήθηκε από τη γη της ρωσικής και του αίματος με τη συνδεδεμένη ..." D.Shostakovich

Ενδιαφέρον γεγονός (ποδήλατο):
Μόλις στη Νέα Υόρκη, ο Stravinsky πήρε ταξί και διαβάζει το επώνυμό του στο τραπέζι με έκπληξη.
- Δεν είστε συγγενής του συνθέτη; Ζήτησε από τον σοφέρ.
- Υπάρχει συνθέτης με αυτό το επώνυμο; - Έκπληκτος ο οδηγός. - Ακούστε το για πρώτη φορά. Ωστόσο, ο Stravinsky - το επώνυμο του ιδιοκτήτη ταξί. Δεν έχω τίποτα να κάνω με τη μουσική - το επώνυμο rossini μου ...

9. Sergey Sergeevich Prokofiev (1891—1953)

Ο Σεργκέι Sergeevich Prokofiev είναι ένας από τους μεγαλύτερους ρώσους συνθέτες του 20ού αιώνα, πιανίστας, αγωγός.
Γεννήθηκε στην περιοχή Ντόνετσκ, από την παιδική ηλικία που εντάχθηκε στη μουσική. Ο Prokofiev μπορεί να θεωρηθεί ότι ένας από τους λίγους (αν όχι οι μόνες) ρωσικές μουσικές "συγκολλητές", από 5 ετών ασχολούνται με τη σύνθεση, στα 9 χρόνια έγραψε δύο όπερες (φυσικά, αυτά τα έργα εξακολουθούν να είναι ανώριμα, αλλά δείχνουν την επιθυμία Για τη δημιουργία), πέρασα τις εξετάσεις στην ηλικία των 13 ετών του Ωδείου Αγίου Πετρούπολης, μεταξύ των δασκάλων του ήταν ο Ν.Α. Ρίσκι-Κορσάκοφ. Η αρχή μιας επαγγελματικής καριέρας προκάλεσε μια καταιγίδα κριτικής και παρεξήγηση του ατόμου του ριζικά αντι-σχάρες και εξαιρετικά μοντέρνο στυλ, το παράδοξο είναι ότι η βιασύνη των ακαδημαϊκών κανόνων, η δομή των συνθέσεων του παρέμεινε πιστός στις κλασσικές αρχές και στη συνέχεια έγινε το Δύναμη συγκράτησης του νεωτεριστικού κοινοτικού σκεπτικισμού. Από την αρχή, η καριέρα Prokofiev πραγματοποίησε πολλά και γύρισε. Το 1918 πήγε στη διεθνή περιοδεία, μεταξύ των οποίων ήρθε στην ΕΣΣΔ, επέστρεψε τελικά στην πατρίδα του το 1936.
Η χώρα έχει αλλάξει και η "ελεύθερη" δημιουργικότητα του Prokofiev αναγκάστηκε να δώσει τις πραγματικότητες νέων απαιτήσεων. Το ταλέντο του Prokofiev άνθισε με μια νέα δύναμη - γράφει όπερες, μπαλέτα, μουσική για ταινίες - οξεία, θερμαινόμενη, εξαιρετικά ακριβή μουσική με νέες εικόνες και ιδέες, έθεσε το ίδρυμα της σοβιετικής κλασικής μουσικής και της όπερας. Το 1948, υπήρχαν σχεδόν τρία τραγικά γεγονότα ταυτόχρονα: στην υποψία της κατασκοπείας, η πρώτη του σύζυγος-Ισπανός συνελήφθη και έστειλε στο στρατόπεδο. Η απόφαση του Πολυμπύου της Κεντρικής Επιτροπής του CPSU (B) στην οποία επιτέθηκαν ο Prokofiev, ο Shostakovich και άλλοι επιτέθηκαν και κατηγορήθηκαν για τον "φορμαλισμό" και τους κινδύνους της μουσικής τους. Υπήρξε απότομη επιδείνωση της σύνθεσης του συνθέτη, αποσύρθηκε από το εξοχικό σπίτι και πρακτικά δεν το άφησε, αλλά συνέχισε να συνθέτει.
Μερικά από τα φωτεινά έργα της Σοβιετικής Περιόδου ήταν η όπερα "Πόλεμος και Ειρήνη", "η ιστορία του πραγματικού ανθρώπου". Μπαλέτες "Ρωμαίος και Ιουλιέτα", "Σταχτοπούτα", η οποία έγινε μια νέα αναφορά στην παγκόσμια μουσική μπαλέτου. Ororatoria "φύλαξη του κόσμου". Μουσική για τις ταινίες "Alexander Nevsky" και "Ivan Grozny". Συμφωνική Αριθμός 5,6,7; Το πιάνο λειτουργεί.
Το έργο του Prokofiev χτυπά την ευελιξία και το εύρος του θέματος, η ταυτότητα της μουσικής σκέψης του, της φρεσκισίας και της πρωτοτυπίας του αποτελούσε μια ολόκληρη εποχή στον κόσμο Μουσική κουλτούρα του 20ού αιώνα και είχε ισχυρό αντίκτυπο σε πολλούς σοβιετικούς και ξένους συνθέτες.

Quote S.S.Prokofyeva:
"Μπορεί ο καλλιτέχνης να παραμείνει στην άκρη της ζωής; .. τηρούν την πεποίθηση ότι ο συνθέτης, όπως ο ποιητής, το χτύπημα, ο ζωγράφος έχει σχεδιαστεί για να εξυπηρετεί το πρόσωπο και τους ανθρώπους ..., πάνω απ 'όλα, πρέπει να είναι πολίτης στο δικό του Τέχνη, να τραγουδήσει την ανθρώπινη ζωή και να οδηγήσει τον άνθρωπο στο λαμπρό μέλλον ... "
"Είμαι μια εκδήλωση της ζωής που μου δίνει τη δύναμη να αντισταθώ τα πάντα κάτω από το κάτω υπόγειο"

Quote για το S.Prokofyev: "... όλα τα πρόθυρα της μουσικής του είναι όμορφη. Αλλά υπάρχει ένα εντελώς ασυνήθιστο πράγμα εδώ. Όλοι προφανώς έχουμε κάποιες αποτυχίες, αμφιβολίες, απλά μια κακή διάθεση. Και σε τέτοιες στιγμές ακόμα κι αν κάνω Δεν παίζουν και δεν ακούω τον Προκοπέα, αλλά σκέφτομαι μόνο γι 'αυτόν, παίρνω μια απίστευτη χρέωση ενέργειας, αισθάνομαι μια μεγάλη επιθυμία να ζήσω, να πράξω "e.kysin

Ένα ενδιαφέρον γεγονός: Ο Prokofiev αγαπούσε πολύ και εμπλουτίστηκε το παιχνίδι με τις ιδέες και τα επιτεύγματά του, μεταξύ των οποίων εφευρέθηκαν από τα "Nintetyny" Σκάκι - 24x24 πεδία με εννέα σύνολα αριθμών που τοποθετούνται σε αυτό.

10. Dmitry Dmitievich Shostakovich (1906 - 1975)

Το Dmitry Dmitrievich Shostakovich είναι ένας από τους σημαντικότερους και εκτελέσιμους συνθέτες στον κόσμο, η επιρροή της στη σύγχρονη κλασική μουσική είναι ανυπολόγιστα. Οι δημιουργίες του είναι οι πραγματικές εκφράσεις του εσωτερικού ανθρώπινου δράματος και το χρονικό των βαρέων γεγονότων του 20ού αιώνα, όπου είναι βαθιά προσωπική αλληλένδετη με την τραγωδία του ανθρώπου και της ανθρωπότητας, με τη μοίρα της μητρικής χώρας.
Γεννημένος στην Αγία Πετρούπολη, τα πρώτα μαθήματα μουσικής που έλαβαν από τη μητέρα, αποφοίτησαν από το Ωδείο της Αγίας Πετρούπολης, όταν έλαβε τον πρύτανη του Αλέξανδρο Glazunov, σε σύγκοντάς τον με το Μότσαρτ - έτσι χτύπησε όλη του την εξαιρετική μουσική μνήμη, μια λεπτή ακοή και συνθέτη δώρο. Ήδη στις αρχές της δεκαετίας του '20, μέχρι το τέλος του Ωδείου, ο Shostakovich είχε αποσκευές των δικών του έργων και πήρε στους καλύτερους συνθέτες της χώρας. Η παγκόσμια δόξα ήρθε στο Shostakovich μετά τη νίκη στον 1ο Διεθνούς Διαγωνισμού Chopin το 1927.
Μέχρι μια ορισμένη περίοδο, δηλαδή πριν από την όπερα "Lady Macbeth Mtsensky County", ο Shostakovich εργάστηκε ως ελεύθερος καλλιτέχνης - "Avant-Gardeist", πειραματίζεται με στυλ και είδη. Η σκληρή εξάπλωση αυτής της όπερας, που διοργανώθηκε το 1936 και η καταστολή του 1937 έθεσε την έναρξη της επακόλουθης μόνιμης εσωτερικής πάλης του Shostakovich για την επιθυμία να εκφράσει τις απόψεις τους με τα μέσα για την επιβολή περιοχών κατευθύνσεων στην τέχνη. Στη ζωή, η πολιτική και η δημιουργικότητα είναι πολύ προσεκτικά αλληλένδετα, επαινείται από την εξουσία και τον Geimy, κατείχε υψηλές θέσεις και γυρίστηκε από αυτούς, βραβευμένους και ήταν στα πρόθυρα της σύλληψης και τους αγαπημένους του.
Μαλακό, ευφυής, λεπτός άνθρωπος βρήκε τη μορφή έκφρασης δημιουργικών αρχών στη Συμφωνία, όπου θα μπορούσε να μιλήσει ως επί το πλείστον την αλήθεια για το χρόνο. Από τη συνολική δημιουργικότητα του Shostakovich σε όλα τα είδη της Συμφωνίας (15 έργων), είναι κεντρικά στην κεντρική θέση, οι πιο δραματικά κορεσμένες είναι 5,7,8,10,15 συμφωνίες, οι οποίες έγιναν την κορυφή της σοβιετικής συμφωνικής μουσικής. Ένας εντελώς διαφορετικός Shostakovich ανοίγει στη μουσική δωματίου.
Παρά το γεγονός ότι ο ίδιος ο Shostakovich ήταν ένας συνθέτης "σπίτι" και πρακτικά δεν άφησε στο εξωτερικό, η ανθρωπιστική του ουσιαστικά και πραγματικά καλλιτεχνική μουσική με τη μορφή της μουσικής γρήγορα και ευρέως εξαπλώθηκε στον κόσμο, πραγματοποιήθηκε από τους καλύτερους αγωγούς. Το μέγεθος του ταλέντου του Shostakovich είναι τόσο τεράστιο ώστε η πλήρης κατανόηση αυτού του μοναδικού φαινομένου της παγκόσμιας τέχνης να είναι ακόμα μπροστά.

Quote D.D.Shostakovich: "Αυτή η μουσική είναι σε θέση να εκφράσει μόνο ανθρώπινα συναισθήματα, μόνο προηγμένες ανθρωπογενείς ιδέες."

Το Shchedrin, ο Ρότζινας Κωνσταντινόβιτς (16 Δεκεμβρίου 1932) είναι ένας από τους μεγαλύτερους και πιο διάσημους συνθέτες του δεύτερου μισού του XX αιώνα.

Ο καλλιτέχνης των ανθρώπων της ΕΣΣΔ,
Laureate Leninsky
και κρατικά ασφάλιστρα

Στο ζήτημα του τι ονειρεύεται, ο Ρόντων Κωνσταντινόβιτς απάντησε: "Για να μου, ο Κύριος δίνει μια ακόμα ζωή - τόσο ενδιαφέρον και υπέροχο στο λευκό φως."

Γεννήθηκε στις 16 Δεκεμβρίου 1932 στη Μόσχα. Πατέρας - Shchedrin Konstantin Mikhailovich, θεωρητικός μουσικός, δάσκαλος, μουσική φιγούρα. Μητέρα - Shchedrin Concordia Ivanovna (Urban. Ivanova). Σύζυγος - Plisetskaya Maya Mikhailovna, Prima Ballerina του Θέατρο Μπολσόι της Ρωσίας, καλλιτέχνης των ανθρώπων της ΕΣΣΔ, Laureate του βραβείου Λένιν.

Ο Shchedrin είναι ένας από τους μεγαλύτερους και πιο διάσημους συνθέτες του δεύτερου μισού του αιώνα xx. Η κατοχή μιας απότομης σύγχρονης μουσικής γλώσσας, ήταν σε θέση να δημιουργήσει έργα διαθέσιμα σε ευρείες ακροατές. Η εκ προθέσεως αντικανονική εγκατάσταση στον ακροατή διεισδύει στο έργο του γενναιόδωρου καθ 'όλη τη διάρκεια της ζωής: "Η μεγάλη μουσική πρέπει να έχει ένα μεγάλο κοινό." Ταυτόχρονα, είναι ευρύτερη από οποιονδήποτε από τους συνθέτες της γενιάς του, που αναπτύχθηκε στο έργο του ρωσικό θέμα: οι όπερες και τα μπαλάκια γράφονται σχεδόν αποκλειστικά από τα οικόπεδα των μεγαλύτερων ρωσικών συγγραφέων - Ν. Γκόγκολ, Α. Chekhov, L . Tolstoy, V. Nabokova, Ν. Λέσκοβα, αυτός είναι ο συγγραφέας της χορωδιαϊκής ρωσικής λειτουργίας "αποτυπωμένος άγγελος", συναυλίες για την ορχήστρα "άτακτος Chastushki", "Zvona", "χορός", "τέσσερα ρωσικά τραγούδια" κλπ.

Στο Ράμι, η οικογένεια είχε μια κρίσιμη επιρροή στο Τρύο, η οικογένεια είχε αποφασιστική επιρροή. Ο παππούς του ήταν ένας ορθόδοξος ιερέας στην πόλη της επαρχίας της Αλεξίνας Τούλα και ένα μονοπάτι προς την εκκλησία, όπου έστειλε την υπηρεσία, οι ενορίτες πλούτησαν "shchedron". Ο πατέρας του συνθέτη, Κ. Μ. Σαντδρίνη, γεννήθηκε στο χωριό του πλήθους της επαρχίας Τούλα, η παιδική του ηλικία που δαπανάται στο Αλέκιν. Ήταν προικισμένη από σπάνιες μουσικές ικανότητες - μνήμη "μαγνητοταινίας" (θυμηθείτε τη μουσική από μία φορά), απόλυτη ακρόαση. Η ικανότητά του παρατήρησε την ηθοποιό V. N. Pashnyh στην πόλη της ηθοποιού, η οποία με δικά του έξοδα έστειλε το αγόρι στη Μόσχα, όπου αποφοίτησε από το Ωδείο της Μόσχας.

Η μουσική R. Shchedrin περιβάλλεται από την παιδική ηλικία: άκουσε το παιχνίδι του πατέρα στο βιολί, το όργανο τρίο στον Πατέρα και τους αδελφούς του. Το 1941, δόθηκε στο Κεντρικό Μουσικό Σχολείο-Νεκό στο Ωδείο της Μόσχας. Πραγματικά που ασχολείται με το πιάνο ξεκίνησε ιδιωτικά στον Μ. Λ. Γέιτμαν. Αλλά ο Μεγάλος Πατριωτικός Πόλεμος άρχισε και πολλά σχολεία στη Μόσχα έκλεισαν. Τον Οκτώβριο του 1941, η γερμανική οικογένεια εκκενώθηκε στο Kuibyshev - την πόλη που είχε διαβαθμίσει αυστηρά τη διοικητική σημασία. Ο Δ. Σοστακόβιτς, ο οποίος ολοκλήρωσε τη διάσημη έβδομη συμφωνία του, βρήκε τον εαυτό του. Το νεαρό Τρίνο μπόρεσε να την ακούσει στη γενική πρόβα υπό τον έλεγχο του S. Samokov. Επίσης, εκκενώθηκε και ένα μεγάλο θέατρο. Ο Ν. Shostakovich και ο K. Shchedrin διεξήγαγαν εργασία στην Ένωση Συνθετών, ο πρώτος - ως πρόεδρος, ο δεύτερος - ως υπεύθυνος γραμματέας. Ο Shostakovich βοήθησε προσεκτικά μια γενναιόδωρη οικογένεια σε δύσκολες οικιακές και άλλες συνθήκες.

Όταν κατέστη δυνατό να επιστρέψουμε στη Μόσχα, ο Rodiony δόθηκε και πάλι στην κεντρική μουσική σχολή (1943). Αλλά το αγόρι έχει ήδη σχηματίσει τις ιδέες του για τη ζωή: δεν ενδιαφέρεται για το γάμμα σε μια μουσική σχολή, αλλά πραγματικές, σοβαρές υποθέσεις. Πέταξε στο μπροστινό μέρος δύο φορές, και τη δεύτερη φορά που πήρα από τη Μόσχα στο Kronstadt. Μετά από αυτό, οι γονείς δεν βρήκαν τίποτα καλύτερο, πώς να εντοπίσει το γιο στο σχολείο της θάλασσας Nakhimovsky στο Λένινγκραντ - και έστειλε τα έγγραφά του εκεί.

Εν τω μεταξύ, συνέβη ένα συμβάν, οδήγησε τελικά στην εμφάνιση ενός συνθέτη του Ροκ Σέντρα. Στα τέλη του 1944 - στις αρχές του 1945, ένα νέο εκπαιδευτικό ίδρυμα άνοιξε στο Σχολείο της ΕΣΣΔ - Μόσχας (αγόρια). Ο δημιουργός του και ο πρώτος σκηνοθέτης, ο πιο διάσημος Khormster A. Sveshnikov κάλεσε τον πατέρα R. Shchedrin να διδάξει μουσική ιστορία και μουσικά και θεωρητικά αντικείμενα, και με τη σειρά του, ζήτησε να πάρει το γιο του και το γιο του. Ο Ρόντων είχε απόλυτη ακρόαση, μια αρκετά αποδεκτή φωνή και τελικά καθορίστηκε από μια μουσική ειδικότητα (Δεκέμβριος 1944).

Στη Σχολή Χορωδίας για το αγόρι, ήδη κάτι που είχε δει, μια τέτοια σφαίρα άνοιξε, την οποία δεν υποψιάζεται. Αργότερα ο R. Shchedrin ανακλήθηκε: "Τραγουδώντας στη χορωδία που με κατέλαβε, άγγιξε μερικές βαθιές εσωτερικές χορδές ... και οι πρώτες μου συνθέτες εμπειρίες (καθώς και οι εμπειρίες των συντρόφων μου) συνδέονταν με τη χορωδία." (Η συνομιλία με τον L. Grigoriv και Ya. PlateTec // Μουσική ζωή, 1975, Νο. 2, σελ. 6). Η όλη ιστορία αυτής της τέχνης ήταν εφοδιασμένη στην τάξη της Χορωδίας: από τους Δασκάλους του "Αυστηρικού Στυλ" του Zoskine του XVI αιώνα Zoskine de Pre, Palestrina, Orlando Lasso στη ρωσική πνευματική μουσική - σκόρδο, Grechanineov, Castal, Rakhmaninov.

Η γραφή της μουσικής στο σχολείο δεν δίδαξε ειδικά, αλλά η υψηλή συνολική μουσική εκπαίδευση επέτρεψε στους μαθητές να κάνουν πειράματα και στη μουσική σύνθεση. Για να προωθήσει τη δημιουργικότητά τους, ο Holshnikov έδωσε την ευκαιρία αμέσως και εκτελέσει τα γραπτά του. Το 1947, πραγματοποιήθηκε διαγωνισμός συνθέτη έργων στη Σχολή Χορωδίας. Η κριτική επιτροπή, με επικεφαλής τον Α. Καχστατούη, απονέμει το πρώτο βραβείο R. Shchedrin και έγινε η πρώτη αξιοσημείωτη επιτυχία στον τομέα αυτό.

Στη χορωδιακή σχολή. Καθίστε (δεξιά προς τα αριστερά): I. Kozlovsky, Διευθυντής του Σχολείου, Α. Β. Sveshnikov με εκπαιδευτικούς του σχολείου. Η ακραία δεξιά (αξία) είναι ο πατέρας του συνθέτη, Κ. Μ. Shchedrin. Πίσω από το πιάνο είναι ο μελλοντικός συνθέτης. 1947 έτος

Οι μαθητές της Σχολής Χορωδίας ήταν εφοδιασμένοι με την ευκαιρία να συναντηθούν με τους μεγαλύτερους μουσικούς: Δ. Σοστακοτόβιτς, Α. Καχσταουριανός, Ι. Κοζλώβσκι, Γινζμπούκ, Σ. Ρίχτερ, Ε. Γίλησος, Σή. "Το σχολείο μας έχει βασιλεύσει το βαρύ πάθος για τη μουσική, συμπεριλαμβανομένου του πιάνου," - ανακλήθηκε ο Shchedrin. Ο δάσκαλος του πιάνου ήταν ένας γνωστός δάσκαλος της δείπνο, ο οποίος ζήτησε από τις μελέτες για τα έργα της σκόπιμης υπερεκμετάσεως πολυπλοκότητας. Ως αποτέλεσμα, στο τέλος του σχολείου, ο Ροντίων είχε ένα πρόγραμμα άξιο ενός πιανίστα συναυλιών (Bach Ίδρυμα, Virtuoso Plays του Chopin και του φύλλου, "Rhapsody στο Paganini" Rakhmaninov), αλλά όχι σωστά φτιαγμένο. Ο δάσκαλος, σκεφτόμαστε την άφιξη του φοιτητή του στο Ωδείο της Μόσχας, αποφάσισε να δείξει τον καθηγητή του I. Flieuer. Από την εκτέλεση του προγράμματος, δεν ήρθε να ευχαριστήσει, αλλά ενέκρινε τα συνθέτη δοκίμια Shchedrin και συμφώνησαν να το πάρουν στους μαθητές του.

Το 1950, ο Shchedrin εισήλθε στο Ωδείο της Μόσχας ταυτόχρονα στις δύο σχολές - το πιάνο, στην κατηγορία Ya. Fliera, και ο θεωρητικός συνθέτης, στην κατηγορία του καθηγητή Υ. Shaporin στη σύνθεση.

Μαθήματα με το Yakov Vladimirovich Flyer, όπου βασανίστηκε η "PIR Music", τόσο γοητευμένος από τον Shchedrin, ότι σκέφτηκε να χωρίσει με μια συνθέτη ειδικότητα, αλλά ο δάσκαλος-πιανίστας δεν το συμβούλευσε. Στην τάξη του πιάνου, ο αναπτυσσόμενος μουσικός όχι μόνο απέκτησε την αρχική τέχνη του πιανίστα, αλλά και σημαντικά προχωρήσει στις κοινές μουσικές του γεύσεις και γνώσεις. Ο Shchedrin Έτσι εμπιστεύτηκε τον δάσκαλό του ότι καταδείχτηκε για πρώτη φορά από τα νέα του Opts και Student, και αργότερα. Σύμφωνα με τον συνθέτη, το πλέξιμο πιάνο κυβερνούσε "απεργίες" όλων των σημαντικών δοκίμιων του. Ένας επαγγελματίας πιανίστας Shchedrin παραμένει όλη τη ζωή του, με επιτυχία μιλώντας στο στάδιο συναυλιών με την εκτέλεση των τεχνικά δύσκολων έργων του.

Στην τάξη συνθέτη, ο Γιούρι Αλεξάντιωτς Σχορρίνας, πρώτα απ 'όλα, ήταν πρωτίστως η ανθρώπινη προσωπικότητά του - η οργή της ρωσικής λογοτεχνίας και της ποίησης, του αφηγητή και του Οξύ, τον αφηγητή και τον Οξού, έναν άνδρα που κοινοποίησε με το Α. Blok, ένα tolstoy, M. Gorky, Κ. Fedin, Α. Benua, Κ. Petrov-Vodkin. Δεν επέβαλε κάποιον μόνο τρόπο στους μαθητές, θεωρώντας ότι στη μουσική μπορούν και πρέπει να είναι αντίθετο.

Εντατικά αναπτυχθεί στο Ωδείο της Μόσχας και μια τέτοια θεμελιώδη περιοχή συμφερόντων της Generine, όπως η ρωσική λαογραφία. Μια θεμελιωδώς αλλοδαπή εθνογραφική προσέγγιση, ο Shchedrin κατόρθωσε να κλείσει τα λαογραφικά στοιχεία στον υψηλότερο βαθμό στον υψηλότερο βαθμό, οργανικά τορυμουλκούμενα τους με το νεότερο συνθέτη ευρήματα στον μουσικό κόσμο. Και σε μια τέτοια σύνθεση, δεν έχει ίσες για τη δημιουργία του. Υποχρεωτική για τους φοιτητές-συνθέτες Το θέμα "λαϊκή δημιουργικότητα" απαιτούσε τη συμμετοχή σε λαϊκές αποστολές, με ανεξάρτητες καταχωρήσεις λαϊκών τραγουδιών για μια μαγνητοσκόπηση. Ο R. Shchedrin ταξίδεψε στις περιοχές της περιοχής Vologda, τα οποία ήταν εξαιρετικά πλούσια ζεύγη (ο επικεφαλής της αποστολής τους κατέγραψε πάνω από χίλια). Μετά από όλα, μια Chastushka όχι μόνο διασκεδάζει και αναπτύσσει την ικανότητα να αυτοσχεδιασμό, αλλά ήταν μια Holly Feuethnone, μια εφημερίδα λαών - όλο το γεγονός ότι οι άνθρωποι ζούσαν, χωρίς να θέσουν τους επίσημους τρόπους έκφρασης των απόψεων. Αγάπη για τον Chastuchke Shchedrin που μεταφέρεται από ολόκληρη τη ζωή: κάλεσε την "άτακτη Ορχήστρα Chastushki το 1963", και το 1999 εισήγαγε την έκδοση του - "Chastushki", μια συναυλία για το πιάνο Solo.

Το σύνολο του ηχητικού περιβάλλοντος της λαογραφίας ήταν βαθιά κοντά, ο οποίος θεωρήθηκε από αυτόν και μέσω του ταξιδιού στο Aleksin, μια πόλη πάνω από το Okoy, και μέσα από διάφορα ταξίδια "στο Outback", ακούγοντας το τραγούδι του αγρότη και το παιχνίδι στα στροφές. "Για μένα, η λαϊκή τέχνη είναι μια θανατηφόρα κλάμα, η τριψομένη ακεραιότητα του αρμονικού, εμπνευσμένη αυτοσχεδιασμό των ρουστίκ σοβάς, τα τραγούδια των τάρτων ..." (Rodion shchedrin. Συνομιλία με τον L. Grigoriev και Ya. Platetec // Μουσική ζωή, 1975 , Νο. 2 α. 54).

Η πρώτη συναυλία για το πιάνο, που δημιουργήθηκε από γενναιόδωρο στον φοιτητή (1954), εμφανίστηκε, με τη σειρά του, το έργο που δημιουργήθηκε από γενέθλιν. Όλα υπογραμμίστηκαν σε αυτόν που ήταν η προσωπικότητα του ατόμου στα νεαρά χρόνια και τι βλαστήσε αργότερα στο μελλοντικό έργο, συμπεριλαμβανομένου του μοτοσικλετιστού ρυθμού και της ισχυρισμού των ασθενών "Ράγκμς". Στο Ωδείο, φαινόταν επίσης "φορμαλιστική". Αλλά κάποιος από τους καθηγητές συνέστησε την Ένωση Συνθετών να συμπεριλάβει μια συναυλία στο πρόγραμμα της επόμενης πλάνης. Ο συγγραφέας με τη λαμπρότητα του έκαναν και σύντομα έλαβε μια επιστολή που ο φοιτητής του 4ου πορείας, πήρε την Ένωση Συνθετών (ακόμη και χωρίς δήλωση).

Αποφοίτησε από το Ωδείο Μόσχας Shchedrin το 1955, με διακρίσεις, σε δύο σπεσιαλιτέ - συνθέσεις και πιάνο. Περαιτέρω, μέχρι το 1959, πέρασε ένα μεταπτυχιακό σχολείο στη σύνθεση του Υ. Shaporin.

1958 Στη ζωή του, ο Shchedrin έρχεται σε επαφή με το πιο ρομαντικό και πραγματικά μοιραίο: παντρεύτηκε τη μπαλέρνα Maye Mikhailovna Plisetskaya, τότε έχω αποκτήσει ήδη φήμη. Η ιστορία της γνωριμίας τους ήταν η εξής. Ο συνθέτης βρισκόταν στο σπίτι του Lily Bric, στην προηγούμενη Muse του Mayakovsky, και ο σύζυγός της, ο συγγραφέας και ο λογοτεχνικός κριτικός Β. Katanyan, του οποίου το παιχνίδι "γνώριζε το Mayakovsky" έγραψε μουσική. Μόλις οι οικοδεσπότες του σπιτιού με τη μορφή σπασίματος του έδωσαν να ακούσει το ρεκόρ στην ταινία, όπου η Plisetskaya Sang (!) Μουσική του μπαλέτου Prokofiev "Σταχτοπούτα". Ο συνθέτης ήταν έκπληκτος: οι πιο δύσκολες μελωδίες αναπαράγονται τέλεια και στις κατάλληλες τόνοι.

Ο Ρόντων και η Μάγια συναντήθηκαν για πρώτη φορά, όταν στο ίδιο σπίτι πήραν τον J. Philip. Ο Shchedrin έπαιξε πολλή μουσική του, συναρπάζει το συγκεντρωμένο. Σε αυτόν, σπάνια τότε ο ιδιοκτήτης του δικού του αυτοκινήτου (που αποκτήθηκε για το τέλος της ταινίας "ύψος"), είχε ένα χαλαρό καθήκον να στραγγίσει τους επισκέπτες της τιμής στο σπίτι. Plisetskaya, λέγοντας αντίο, τον ζήτησε να καταγράψει σημειώσεις με ένα πιάτο το θέμα από την ταινία "Ράμπες φωτισμού" για τον αριθμό μπαλέτου (ο αριθμός τότε δεν πήγε). Τελικά τους έφεραν μπαλέτο "Konk-Gorbok", το οποίο το 1958 αποφάσισε να βάλει ένα μεγάλο θέατρο. Εδώ, ο 25χρονος Shchedrin είδε πρώτα τον Plisetskaya στην πρόβα, όπου, από την πλευρά του, τυλίγει τον "τυφώνα των φλεγμονών" πάνω του. Παρόλο που η Plisetskaya έχει ήδη κερδίσει αξιοσημείωτη καλλιτεχνική φήμη, ήταν κάτω από τη μεγάλη υποψία του KGB και το αυτοκίνητο παρακολούθησης συνεχώς ακολούθησε τη γνωστή τη νέα γεννήτρια. Αλλά καμία αντοχή δεν έχει πλέον να τα λύσει. Μετά το ουράνιο καλοκαίρι στο sortavale (το σπίτι της δημιουργικότητας του συνθέτη) στη Λάγκκα, το ταξίδι τους ήταν ένα ταξίδι από το οδοντικό αυτοκινήτου από τη Μόσχα στο Σότσι μέσω της Tula, του Χάρκοβο, Ροστόφ-On-Don και άλλων πόλεων. Λόγω του μη εγγεγραμμένου γάμου, αρνήθηκαν όλα τα ξενοδοχεία και μόνο ένα αυτοκίνητο χρησίμευσε ως καταφύγιο. Η Plisetskaya και η Shchedrin καταχωρήθηκε στη Μόσχα στις 2 Οκτωβρίου 1958. Δεν υπήρχαν παιδιά σε αυτόν τον γάμο - αυτή ήταν η μεγάλη θυσία της Μεγάλης Μπαλαρίνας. Αλλά ο μοναδικός "γάμος τέχνης" διατηρήθηκε για τη ζωή. Όλα τα μπαλκάνα του Generrine σχετίζονται με το Dance Plisetskaya - και αυτή είναι μια ολόκληρη καλλιέργεια μπαλέτου.

Στο τέλος του μεταπτυχιακού σχολείου το 1959, ο Shchedrin είχε στο δημιουργικό μπαλέτο του "Konk-Gorbok" (1955), έργα πιάνου, χορωδία, πρώτη συμφωνία (1958). Και αυτό δεν είναι μόνο ορόσημα της βιογραφίας του. Το "Konk-Gorboon", στο οποίο η Plisetskaya χόρεψε τη Tsar-Maiden, έγινε μόνιμη απόδοση για παιδιά και σήμερα πηγαίνει στο μουσικό θέατρο που ονομάζεται μετά το Stanislavsky και Nemirovich-Danchenko. Το 1999, έγινε μια νέα έκδοση του μπαλέτου για την τοποθέτηση στο Θέατρο Μπολσόι, ο οποίος το γύρισε σε ένα εκθαμβωτικό ρωσικό θηλυκό (καλλιτέχνης - B. Messserver). "HOMOREITHA" μολύνει την καθαρά Shchedrian "Lukavinka", μετά από σχεδόν μισό αιώνα, έγινε μια αγαπημένη συναυλία "BIS" (επίσης σε μεταφορές για διάφορα εργαλεία). Χάρη σε ένα τέτοιο παιχνίδι, ταυτόχρονα, η εικόνα της Shchedrine ως μια ενσωμάτωση στη μουσική της ζωτικής ενέργειας, το χιούμορ, άρχισαν να αναπτύσσονται τα αστεία. Με έναν τέτοιο τόνο, η Shchedrine από τη μουσική στην ταινία "Ύψος" (1957) ακούστηκε και έγινε ένα ευρύ τραγούδι (1957) - "ένα εύθυμο περιθώριο συναρμολόγων υψηλής ταχύτητας", εισήχθη σταθερά σε μια τεράστια ακρόαση. Αυτές οι ιδέες για τον συνθέτη απροσδόκητα κατέστρεψαν την πρώτη συμφωνία, με την επανάληψή της στην σκληρή στρατιωτική τραγωδία, η οποία προκάλεσε μια μεγάλη δυσαρέσκεια των κριτικών ("αρκετά μαζί με εμάς και ένα Shostakovich").

Ο θυελλώδης 60 ετών του εγχώριου "Sixties" ήρθε. Generin, για αυτή τη δεκαετία, δημιούργησε το πιο εκτελέσιμο δοκίμιο - μπαλέτο "Carmen-Suite", αρχικά στράφηκε στην όπερα ("όχι μόνο αγάπη"), ξεκίνησε μια σειρά έργων στο είδος, στην οποία έδωσε μια νέα έννοια - συναυλίες για Η ορχήστρα ("Najor Chastushki" και "Slans"), αποτελούσαν δύο μεγάλους ρήτορες ("Poenuthoram" και "Λένιν στην καρδιά των ανθρώπων") και το πιο φιλόδοξο έργο για το Piano Solo - 24 foreplay και fugues, πραγματοποίησε μια τολμηρή στυλιστική Σύνθεση στη δεύτερη συναυλία για το πιάνο. Ταυτόχρονα, ήταν ιδιαίτερα προσεκτικά προσεκτικά σε πολυφωνική, τεχνική σειράς, συνδυασμοί πολλών μουσικών θεμάτων. Παράλληλα, ενήργησε ως πιανίστας, διδάσκεται στο Ωδείο της Μόσχας.

Όπερα "Όχι μόνο αγάπη" (1961, 2η. - 1971) γράφτηκε στα κίνητρα των ιστοριών του S. Antonov, με την ένταξη στο Libretto των κειμένων του Chastushk. Αφιερωμένο στον Μ. Plisetskaya. "Γράφω ένα συλλογικό αγρόκτημα" Eugene Onegin ", ο συγγραφέας είπε και συνέκρινε τον κύριο χαρακτήρα ακόμη και με τον Κάρμεν. Εξοπλίζοντας την όπερα για το θέατρο Bolshoi, προσπάθησε να ξεφύγει από τη μνημειώδη μήτρα που έγινε αποδεκτή σε αυτό το στάδιο με τα πανό με τα πανό με τα πανό με τα πανό με τα πανό με τα πανό με τα πανό με τα πανό με τα πανό με τα πανό με τα πανό στο στάδιο του σφαίρα αίθουσας, με τις εμπειρίες των απλών ανθρώπων. Αλλά αν και η Premiere η παράσταση καταρτίστηκε από τον καλλιτέχνη Α. Tyshler και διεξήγαμε τον Ε. Svetlanov, δεν ήταν δυνατό να αντιστρέψουν τα έθιμα του θεάτρου. Ωστόσο, παράγει συγχρόνως "όχι μόνο αγάπη "Πέρασε σε Perm και Novosibirsk. Η επάρκεια της ιδέας και η ενσάρκωση της πρώτης όπερας Shchedrin επιτεύχθηκε πολύ αργότερα - στο στούντιο, οι μετακινούμενες υλοποιήσεις. Ένα σημαντικό ορόσημο ήταν η εμφάνιση του σε μια νέα σκηνή θεάτρου - το θάλαμο της Μόσχας Διευθυντής μουσικής θεάτρου B. Pokrovsky, ως το πρώτο παιχνίδι αυτού του θεάτρου (1972).

Στο έργο του Shchedrin, μια φωτεινή λωρίδα του χιούμορ και σάτιρα, χαρακτηριστική της φύσης, προέρχεται από τη φύση: το 1963, το αναφερθέν "άτακτο chastoshki" (η πρώτη συναυλία για την ορχήστρα) και το Buraucrataad ("Resort Cantata") βγαίνει από το φτερό του. Στο "άτακτο chastochki" από τα συμφωνικά μέσα που αναπαράγονται από ένα τραγανό τρόπο εναλλακτικής συμμετοχής σε ένα νέο συμμετέχοντα ενάντια στο φόντο ενός συνεχούς αρμονικού φιρ. Και ήταν μια νέα μουσική μορφή με έναν πολύπλοκο συνδυασμό όχι δύο ή τριών θέσεων, αλλά περίπου εβδομήντα. Οι ακαδημαϊκοί ορχηστρικοί μουσικοί που ήρθαν να δοκιμάσουν να μην δοκιμάσουν, "Chastushki" προκάλεσαν μια καυτή απόλαυση μεταξύ του κοινού, ειδικά στην περιφέρεια. Από τους ξένους μουσικούς, έπαιξαν από τον αμερικανικό αγωγό και τον συνθέτη L. Bernstin. Cantata "Buffeaucrata", γραμμένο στο κείμενο "Memo για την ανάπαυση", γεμάτη από φρέσκο \u200b\u200bπνεύμα, ήταν σάτιρα σε κάτι περισσότερο από μια περιοριστική τάξη στο οικοτροφείο. Ταυτόχρονα, ήταν η εγκυκλοπαίδεια της σύγχρονης σύνθεσης - απορρόφησε τις τεχνικές που παραμένουν νέες μέχρι σήμερα.

Το κέντρο της πολυφωνικής εργασίας του συνθέτη έχει γίνει ένας τεράστιος κύκλος για πιάνο - 24 pludes και fugues (1963-64 - 1 όγκος, 1964-70 - 2 όγκος). Ένα καθαρά ακαδημαϊκό είδος, που ιδρύθηκε ταυτόχρονα ο Ι. Σ. Bach, συνεχίστηκε από τον Δ. Σοστακοτόβιτς, ο Shchedrin κάθισε με τη σύγχρονη δεξιοτεχνία και την εξελιγμένη τεχνική γραφής. Ο ίδιος έγινε ο πρώτος ερμηνευτής.

Και όπως και πριν, η χιουμοριστική γραμμή, ο συνθέτης διέσχισε την καθαρά τραγική δεύτερη συμφωνία (1965), με τις επεκτάσεις του πολέμου (ο βουλευτής του αεροσκάφους, αλέθεται τις κάμπιες των δεξαμενών, τραυματίες moans), με την επιγραφή του A. TVDARDOVSKY "Την ημέρα εκείνη, όταν ο πόλεμος τελείωσε. Ταυτόχρονα, εισήγαγε και πάλι μια νέα συμφωνική μορφή: 25 pludes (υπότιτλος του συγγραφέα).

Το 1966, ο Shchedrin πήγε στο πείραμα, σύμφωνα με το θάρρος, ξεπέρασε τα πάντα στη σοβιετική μουσική. Η ιδιοκτησία των σύγχρονων συσκευών δωδεκαφονδίου, αποφάσισε στη δεύτερη συναυλία για το πιάνο (1966) να το συνδυάσει με τη διαμετρική αντίθετη - μουσική της τζαζ αυτοσχεδιασμού. Στην Ένωση Συνθετών, ούτε ένας ούτε ο άλλος, και η σύνδεση μαζί έδωσαν μια τέτοια ουρλιάζοντας αντίθεση, την οποία υποστηρίχθηκαν οι πιο αριστερούς συναδέλφους γι 'αυτόν. Η ζωή απέδειξε επίσης την ορθότητα του συγγραφέα: η δεύτερη συναυλία έγινε τα κλασικά που μελετήθηκαν στην ιστορία της μουσικής. Η τεχνική του πολυστολήματος (και κολάζ) εφαρμόζεται στη συνέχεια υποβλήθηκε σε θεραπεία για διάφορους εγχώριους συγγραφείς. Το κατέληξα στο μέλλον και γενέθλιο.

Η μεγάλη αίθουσα του Ωδείου. Η πρεμιέρα της δεύτερης συναυλίας για το πιάνο με την ορχήστρα. Σολίστ - συγγραφέας. 1966

Το 1964-69, ο Shchedrin διδάσκει τη σύνθεση στο Ωδείο της Μόσχας. Μεταξύ των φοιτητών του ήταν ο Ο. Γαλακόφ (με την πάροδο του χρόνου - πρόεδρος της Μόσχας SK), Β. Getzlev, Βουλγαρικό Γ. Μιντέφ. Ο δάσκαλος γνώριζε πώς να κάνει αδιαμφισβήτητα "να κάνει μια διάγνωση" τα γραπτά των μαθητών, δίδαξε, μεταξύ άλλων, να οικοδομήσει μια ολόκληρη δραματουργία. Αξίζει να σημειωθεί ότι θεωρούσε ένα ποσοστό δοκίμιου με σημαντική ικανότητα. Ο Shchedrin σταμάτησε να εργάζεται στο ωδείο, που εισέρχονται στη σύγκρουση με τους ηγέτες του κόμματος της θεωρητικής και συνθετικής σχολής.

Maya Plisetskaya - Carmen-Suite (1978)

Το μπαλέτο "Carmen-Suite" (1967) εμφανίστηκε ως αποτέλεσμα της βοήθειας έκτακτης ανάγκης του συνθέτη στη σύζυγό του, όταν χτύπησε με μια αναιμολογημένη επιθυμία να ενσωματώσει την εικόνα του Carmen στη χορογραφία του κουβανικού Balletmaster A. Alonso. Σε 20 ημέρες, ο Shchedrin δημιούργησε τη διάσημη μεταγραφή αριθμών από την όπερα J. Bizame "Carmen", χρησιμοποιώντας μια μη-Συμφωνική Ορχήστρα, αλλά συμβολοσειρά και 47 κρουστά όργανα, φτάνοντας σε φρέσκο \u200b\u200bσύγχρονο χρώμα ήχου. Plisetskaya χόρεψε μπαλέτο περίπου 350 φορές. "Carmen-suite" και τώρα βασιλεύει σε όλο τον κόσμο, πηγαίνοντας στη σκηνή, σε μια συναυλία ή στο ραδιόφωνο σχεδόν κάθε μέρα.

Η παλιά φιλία του Generin με τον ποιητή A. Voznesensky, τη δεκαετία του 1960, η οποία ήταν ένας θρύλος της Σοβιετικής Νεολαίας, η σχέση της καλλιτεχνικής τους υαλοκαθαριστήρα οδήγησε στην εμφάνιση της "ποίησης" - μια συναυλία για τον ποιητή, τη μικτή χορωδία και ένα Συμφωνική ορχήστρα στα κείμενα του (1968). Ο ίδιος ο ποιητής έκανε εδώ ως αναγνώστη. Καινοτόμος, με πλούσιες αλλιώς, Voznesensky στίχους ("I - Goya, είμαι βουνό. Είμαι φωνή ...) Η καινοτόμος καταρτισμένη ορχήστρα απάντησε στην καινοτόμο ορχήστρα και τη χορωδία στο Generin, στις δεξιώσεις κοντά στα αριστερά πολωνικά ευρήματα. Αλλά Ο Generin έβαλε το Stylistics και την έννοια της εργασίας με τις δικές τους προσωπικές μουσικές τεχνικές, ειδικά εισάγοντας ένα δημοφιλές κλάμα σε ένα γνωστό τραγούδι του Performer L. Zykin. Η συζήτηση στο SC αποκάλυψε τις πιο αμφιλεγόμενες απόψεις για το έργο.

Σε μια δύσκολη κατάσταση, ήταν επίσης δημόσιο σχήμα. Το 1968, ο ίδιος (όπως ο Κ. Simonov και A. TVARDOVSKY) αρνήθηκε να υπογράψει επιστολή προς στήριξη της εισόδου του στρατού των χωρών της Συνθήκης της Βαρσοβίας στην Τσεχοσλοβακία. Ο ραδιοφωνικός σταθμός "φωνή της Αμερικής" άρχισε να μεταδίδει αυτό, καλώντας τα ονόματά τους. Η γεννήτρια αναγκάστηκε να κάνει έναν συμβιβασμό - με τη μορφή του ρήτορα του Λένιν στην καρδιά του λαού (1969), ακριβώς όπως ο Shostakovich έγραψε ένα "τραγούδι των δασών" ταυτόχρονα. Αλλά σε αντίθεση με τον Shostakovich, ο Shchedrin δεν μπήκε ποτέ στην CPSU. Αποφύγετε έναν πομπώδη τόνο, ο Shchedrin που χρησιμοποιείται στη δροσερή οικιακή του πεζογραφία - η ιστορία του λετονικού βέλους, των υπαλλήλων του εργοστασίου, εκτός - τα λόγια του σύγχρονου αφηγητή Μ. Κρυουούφ. Και στη μουσική γλώσσα συνεχιζόμενη "ποίηση". Ένα ταλαντούχο Oratorio στην 100η επέτειο του V. I. Lenin, η επίσημη θέση του μη κομματικού συγγραφέα, η οποία γι 'αυτήν και την όπερα "όχι μόνο αγάπη" του απονεμήθηκε από το κράτος βραβείο της ΕΣΣΔ (1972). Στο εξωτερικό, είχε μεγάλη επιτυχία στο Παρίσι, το Λονδίνο, το Βερολίνο.

Το έργο της δεκαετίας του 1970-80 παρατηρήθηκε εγγενές στη μόνιμη καλλιτεχνική εφευρετικότητα, αλλά δεν περιείχε αυτές τις αιχμηρές στιλιστικές στροφές ανάλογα με τον μεταβαλλόμενο τρόπο, το οποίο έγινε πολλοί συνθέτες στη Δύση και στην ΕΣΣΔ (άλματα από το πρωτοπόρο-garde στο "Νέα απλότητα" και προσπαθεί να συνθέσει τα άκρα). Στοιχεία και πρωτοποριακή πολυπλοκότητα και η λαϊκή απλότητα συνυπάρχονται πάντα στη μουσική του, έκανε τη σύνθεση συνεχώς. Πίσω στη δεκαετία του '60, διατύπωσε τη διατριβή για το μονοπάτι του: "Στην τέχνη, είναι απαραίτητο να πάτε με τον δικό μας τρόπο. Μπορεί να είναι σύντομη, και μακρά, και μεγάλη, αλλά θα πρέπει να είναι" (Σοβιετική μουσική , 1963, № 6, σελ. 12). Σύμφωνα με τη δική του συνθέτη ατομικότητα, ο Shchedrin στέκεται σταθερά στο κέντρο, ενώ εξακολουθεί να είναι αόρατα ναυλωθεί πάνω από τις ράβδους των αντιτιθέμενων ρευμάτων.

Το 1973, ο Shchedrin εκλέγεται σε μια σημαντική κυβερνητική μετά τον πρόεδρο της Ένωσης Συνθετών της Ρωσικής Ομοσπονδίας, η οποία ευλογήθηκε από τον Δ. Σωστόκοβιτς, τον ιδρυτή του και τον πρώτο πρόεδρο. Υπό την ιδιότητά αυτή, εργάστηκε μέχρι το 1990, έφυγαν οικειοθελώς, μετά την οποία έμεινε ως επίτιμος πρόεδρος της SC της Ρωσίας. Το γεγονός ότι στο κεφάλι μιας τεράστιας ρωσικής συνθέτης οργάνωσης, τόσα χρόνια στάθηκε ένας σοβαρός συνθέτης καινοτόμου προσανατολισμού, έπαιξε έναν εξαιρετικά προοδευτικό ρόλο. Μεγάλη ήταν η προσωπική του βοήθεια - συνθέτες, μουσικοί, διευκρινίσεις. "Για μεγάλο χρονικό διάστημα, ο Shchedrin κατευθύνθηκε από την Ένωση Συνθετών της Ρωσίας και λίγοι άνθρωποι ξέρουν πόσα νεαρά ταλέντα, απορρίφθηκαν, με πεπερασμένη δύναμη, βοήθησαν αυτόν τον άνθρωπο", λέει ο Vladimir Spivakov (Οβοντίου Shchedrin. Το φυλλάδιο του το μουσικό φεστιβάλ στην 70ή επέτειο του συνθέτη. m., 2002).

Ο συνθέτης γράφει δεκάδες λογοτεχνικά έργα, βρίσκοντας μια φωτεινή αίσθηση της λέξης. Δημιουργεί ένα Libretto για τα γραφικά έργα του: οι όπερες "Dead Souls" (αργότερα και "Lolita"), "Seagull" μπαλέτες (μαζί με τον V. Leventlem), "Lady με ένα σκυλί". Δημοσιεύει δεκάδες άρθρα - O. Fliere, Y. Shaporin, O. Mesiane, L. Bernstine, Α. Sveshnikov, Κ. Eliasberg, Α. Borodina, Α. Webern, Ι. Stravinsky, Πρόλογος στο Roman V. Orlova "Altist Danilov ".

Η συνεργασία του με τον M. Plisetskaya συνεχίζεται: Μπαλέτες "Άννα Καρενίνα", "Seagull" και "Lady με ένα σκυλί" είναι αφιερωμένες σε αυτήν. Στο "Anne Karenina" στο L. Tolstoy (1971) επιλέχθηκε μόνο μια αγάπη ίντριγκα και δόθηκε ένας υπότιτλος "λυρικές σκηνές" - όπως ο Π. Τσαϊκόβσκι στην όπερα του "Eugene Anighin". Η σκέψη του Tchaikovsky επηρέασε το μουσικό ύφος του μπαλέτου, μέχρι τις εφαρμογές των γραπτών του γραμμένο τη στιγμή που ο Tolstoy εργάστηκε σε αυτό το μυθιστόρημα. Στο μπαλέτο "Seagull" σύμφωνα με τον Α. Chekhov (1979), ο Shchedrin εμφανίστηκε τόσο ως συνθέτης όσο και ως libreettist (συν-συγγραφέας), και ο Plisetskaya και χόρευαν τον κύριο χαρακτήρα, την Nina Zarechny και ενσωμάτωσε έναν συμβολικό γλάρο και ενσωμάτω Για πρώτη φορά έγινε ο μοναδικός παίκτης της απόδοσης. Ο συνθέτης μέσω της ορχήστρας δημιούργησε ένα αιχμηρό «Creek of Seagulls», το οποίο πέρασε όλο το μπαλέτο, δίνοντάς της μια αυξημένη τραγωδία. Ήταν καλά μαντέψει από την "αυξημένη" τύχη των ηρώων και το έργο Drama Stage προβάλλεται εγκαίρως. Η Novatovskaya έχει γίνει μια μουσική μορφή μπαλέτου - κύκλος 24 προσάρμων με την προσθήκη τριών interlude και ένα postlude. Όταν ένα αγγλικό κινηματογραφικό υλικό προετοίμασε μια τηλεοπτική εκπομπή σχετικά με την ανάπτυξη της μουσικής τέχνης, γυρίστηκε "Seagull" για το τμήμα της "μουσικής του μέλλοντος".

Άννα Καρενίνα - Ρόντωνα Shchedrin (φιλμ-μπαλέτο)

Ένα σημαντικό ορόσημο στο μουσικό και θεατρικό έργο του Shchedrin ήταν η όπερα "Dead Souls" στο N. Gogol (1976, παραγωγή - 1977), στο Libretto του συνθέτη. Ο συγγραφέας εισήγαγε μια τέτοια καινοτομία στην Όπερα, ως αντικατάσταση του θαλάμου της Ορχήστρας Βολίνης (δεύτερη) χορωδία και το κύριο πράγμα είναι να χωριστούν τη σκηνή σε δύο παράλληλες σκηνές, οι οποίες, σαν σε δύο αυτόνομες όπερες, "Λαϊκοί "και" επαγγελματικό ". Αυτή η παράλληλη αναπαραγωγή της απόδοσης, που εφαρμόστηκε για πρώτη φορά στο θέατρο Bolshoi, ήταν ο πυρήνας της σημασιολογικής έννοιας της εργασίας: αντίθεση με τις ρωσικές και "νεκρές ψυχές" των γαιοκτημόνων. Στην "Λαϊκή Όπερα", ο συνθέτης χρησιμοποίησε ρωσικά λαογραφικά κείμενα, λαϊκές φωνητικές ψήφους, αλλά δεν εγκατέλειψε γνήσιες μελωδίες. Συμβολική έννοια έδωσε τις φράσεις των ανδρών, ειδικά η ερώτηση "έρχεται ή δεν θα φτάσει;". Ταυτόχρονα, τα λαϊκά στοιχεία κορεσμένα από τις πιο σύγχρονες διαφωνίες και συστάδες. "Επαγγελματική όπερα" - Ο Grotesque World of Gogol Landsel Drivers - Shchedrin στάθηκε με το στυλ, κλείστε με φωνητικά στις επιχειρήσεις Rossini. Εάν η μουσική της μουσικής του λαού ήταν στο ομαλό μήκος του Legato, στη συνέχεια στα κόμματα των παρωδισμένων γαιοκτημόνων, το Staccato Bouncing ήταν αρκετά αισθητά. Εξελιγμένα και εξαιρετικά δύσκολο να τραγουδήσουν τον ΑΡΙΑΣ: Virtuoso Passchikov του Virtuoso Passchikov, πρήξιμο των παγοδρόμων της μελωδίας στο Sobashevich, κλπ. Εντυπωσιακά φωνητικά σύνολα - σε επτά, οκτώ, δέκα και δώδεκα ψήφους. Στην εμφάνιση δύο όπερων, η αντίθεση εμφανίστηκε την ουσία μιας υψηλότερης τάξης: η αντίθεση της αέναης, αμετάβλητης και της ειλικρίδας, χτύπησε.

Οι "νεκρές ψυχές" στη διαμόρφωση του θεάτρου Bolshoi στη Μόσχα στις 7 Ιουνίου 1977 ήταν ένα αριστούργημα της θεατρικότητας. Ο σκηνοθέτης ήταν ο B. Pokrovsky, ο καλλιτέχνης της σκηνής - V. Levental, Khomester - V. Minin, συμμετείχαν τραγουδιστές: A. Grusilo (Chikimikov), L. Avdeev (Box), Β. Poyavko (Nozdrev), Α. Maslennikov (Selifan) και άλλα. Ο αγωγός Y. Temirkanov πραγματοποιήθηκε 42 πρόβες, μετά την οποία υπέστη μια όπερα στο Θέατρο Kirov (Mariinsky) στο Λένινγκραντ. Η εγχώρια εκτέλεση υπό τον έλεγχο της Temirkanova, που καταγράφηκε από την εταιρεία "Melody", κυκλοφόρησε στο εξωτερικό από την BMG και απονέμει το βραβείο των κριτικών. "Ασυνήθιστα ενσωματώθηκε στη μουσική ενός μοναδικού ιχνηλάτου γογγούλ στη μουσική και ταυτόχρονα κατάφερε να γράψει ένα οξεία σύγχρονο έργο. Ήταν η μουσική της χώρας στην οποία στη συνέχεια ζούσαμε: οξεία, γωνιακή και απίστευτα απελπισία", λέει ο α . Khoshilo (Ρότζιον Shchedrin. Αυτοπροσωπογραφία. Φυλλάδιο του μουσικού φεστιβάλ. Μ., 2002).

Menuhin και προγραμματογράφηση.

Το 1981 σημειώθηκε στο Shchedrin δημιουργώντας ένα αριστοκρατικό της χορωδικής χορωδικής και πιάνου έργα: "Evgeny Onegin Stanza - έξι χορωδίες για τους στίχους Α. S. Pushkin από το μυθιστόρημά του σε στίχους," ποινή Πουγκάχη "- ένα ποίημα για τη χορωδία μια ca-ppella με λέξεις" Οι ιστορίες του Pugacheva "ως Pushkin," Junior Notebook ", 15 κομμάτια για πιάνο. Επίσης," Concertino "του 1982 (χωρίς λόγα) γειτνιάζει επίσης με το" Keymen ". Ο συνθέτης εξακολουθεί να βυθίζεται στη ρωσική λογοτεχνία και το ρωσικό θέμα. Ειδικότερα, μέσω όλων Τα έργα περνούν την ιδέα των ρωσικών καμπάνων: στο τέλος της Στάνζας "Onegin", στα επεισόδια της "Εκτέλεσης της Πουγκάχης", στο Νο. 11 "Ρωσική νηφάλια" από τον "νεαρό τετράδιο" και στον τελικό " Concertino "-" ρωσικά δόντια ".

Οι προθέσεις του Shchedrin 1983-84 επισημαίστηκαν με ειδική κλίμακα και σοβαρότητα, η οποία συνδέθηκε επίσης με τις κινήσεις του αγίου ονόματος γι 'αυτόν - Ι. Σ. Μπαχου στην 300η επέτειο της γέννησής του (1985). Το 1983, στην τιμή του, ανέστησε ένα μουσικό μνημείο με τη μορφή μιας ολονύκτιου έργου - για 2 ώρες 12 λεπτά - "Μουσική προσφορά" για ένα όργανο, τρεις φλάουδες, τρεις βαθμούς και τρεις τρομπές. Ήταν μια καινοτόμος ιδέα του μουσικού διαλογισμού, όταν οι άνθρωποι έπρεπε όχι μόνο να ακούσουν μουσική, αλλά και να ενεργούν μια συλλογική λατρεία εκείνου που ήταν αφιερωμένη. Στην πρώτη έκδοση, λόγω υπερφόρτωσης, η εργασία κατά πολύ πέρασε τα συνηθισμένα πρότυπα αντίληψης συναυλιών. Αυτό ήταν επίσης πεπεισμένο από τον ίδιο τον συγγραφέα, ενεργώντας ως οργανισμός στην πρεμιέρα στη μεγάλη αίθουσα του Ωδείου Μόσχας (1983): το κοινό άρχισε να αφήνει ένα σαλόνι λίγο. Σε άλλες προϋποθέσεις, θεωρήθηκε επαρκώς (για παράδειγμα, στον "Μαραθώνιο" στη Γερμανία). Ο συγγραφέας έκανε μια συμπαγή έκδοση του "απορρήτου" - για μια ώρα και μισή, με ένα αρχείο σχετικά με το αρχείο του έργου του έργου στον καθεδρικό ναό της Ρίγας (1987). Με το όνομα, το έργο του Σχρεντρίας συνδέθηκε σκόπιμα με τη "μουσική προσφορά", την οποία έκανε το 1747 στον πρωταρχικό βασιλιά και τον συνθέτη Friedrich II. Ο Yenerris, ο σεβασμός στο Bahu, εκφράστηκε σε μια ποικιλία αναλογιών με έναν σπουδαίο συνθέτη και την εποχή του: άμεση παραπομπή των δύο οργάνων του πλοιάρχου, η υφή του Bach Pludes, διάφορες πολυφωνικές τεχνικές, έξυπνη "μαχαιρωμένη μορφή", Motogram του Bach - In-As- N. Στο πνεύμα του χρόνου Bach "προσφέροντας" που διαπερνάται με σύμβολα - όπως δεν υπάρχει δοκίμιο γενναιόδωρης: με τη μορφή γραμμάτων, τα ονόματα του Bach, Berg και του Shchedrin κρυπτογραφούνται, ακόμη και η ημερομηνία γέννησης και η ανάπτυξη του συνθέτη, αναφέρεται Με τον ήχο κλήσης του χορωδιακού R. ALE, χρησιμοποιείται και Bach, και Bach, σε μια συγκεκριμένη στιγμή των βαθμολογιών, υποδεικνύεται - "Kiss the Tool" (για τις ζωοτροφές και τα τρομπόν). Τρέξιμο σε όλο το προϊόν των σόλο οργάνων δημιουργούν μια αξέχαστη στάση προσευχής και τρία τρίο των Windows (3 × 3 - επίσης ιερό αριθμούς) σχεδιάζουν μερικές φωτογραφίες του θρησκευτικού οικόπεδο. Το Giant Musical Fresco Generrine δεν έχει ίση μεταξύ γνωστών μουσικών πρωτοβουλιών.

Ένα άλλο δοκίμιο του Shchedrin στην 300η επέτειο του Baha έγινε η "Echo Sonata" για το βιολί Solo (1984). Η πραγματική ηχώ εδώ εκφράστηκε με τη μορφή ενός παιχνιδιού βιολιού, με μια απόσπαση από τη μουσική "ομιλία" ο βιολιστής του ήσυχου ήχου "σκιά του και μια συμβολική ηχώ έδειξε μια σύντομη εφαρμογή από γνωστά έργα του Bach - το Κρύσταλλα αρμονικών κλασικών, πασπαλισμένα από έναν σύγχρονο μουσικό ήχο. Η Sonata έγινε το ρεπερτόριο των βιολιτών διαφορετικών χωρών - εκτελέστηκε από τον W. Hölsher, M. Hungry, D. Sitkovsky, S. Stadler και άλλοι.

Το 1984, ο Shchedrin έγραψε ένα "αυτοπροσωπογραφία" για τη Συμφωνική Ορχήστρα. Είναι ψυχολογικά διαμετρικά αντίθετα με το σημερινό φανταστικό generrine ως φορέα συναρπαστικής ενέργειας, κύριου χιούμορ και αστεία. Αυτή είναι η πιο ζοφερή τραγική σύνθεση του συγγραφέα, έτσι ώστε η πρεμιέρα του στο επίσημο άνοιγμα του Διεθνούς Φεστιβάλ Μουσικής της Μόσχας (1984) αντιπροσώπευε μια διαμάχη με μια συνθέτη ατμόσφαιρα διακοπών. Στον τίτλο του παιχνιδιού, ο Σαντδρίνη προχώρησε από την εμπειρία της ζωγραφικής: «Ήμουν εμπνευσμένος από το παράδειγμα των ζωγράφων. Σχεδόν όλοι τους έγραψαν τα πορτρέτα τους: Ίσως αυτό να αντικατοπτρίζει την απαραίτητη ανάγκη να γνωρίσουν τον εαυτό του. Μερικές φορές, ο καλλιτέχνης έρχεται στην κατανόηση Ένα πρόσωπο, ζωή, χρόνος "(Yakovlev M. Αντίθετα πλαίσια για πορτραίτο // μουσική στην ΕΣΣΔ, 1985, Απρίλιος - Ιούνιος, σ. 15). Στον σχολιασμό του συγγραφέα, μιλάει για την "απομίμηση των θλιβερών ήχων ενός μοναχικού Balalaika, με τη μούδιασμα" στην Khmlya "Fagota (σαν να έχει κλωτσήσει την τρύπα του φάσματος του φορείου), ... Ατελείωτο, ομαλό και θλιβερό τοπίο μου Χώρα." Αυτό που συμβαίνει γύρω από τον Shchedrin αντέδρασε από όλες τις χορδές της ψυχής. 1984 - Το ακραίο σημείο της σοβιετικής στασιμότητας που φαινόταν ανυπέρβλητο. Ένα χρόνο αργότερα, ο Γενικός Γραμματέας της Κεντρικής Επιτροπής της Cpsu M. Gorbachev μίλησε με την ιδέα της αναδιάρθρωσης υπό την απειλή οικονομικής και γενικής κατάρρευσης της χώρας.

Το μπαλέτο "κυρία με ένα σκυλί" που δημιουργήθηκε το 1985 σύμφωνα με την ίδια ιστορία A. Chekhov εμπνεύστηκε από την 60ή επέτειο M. Plisetskaya. Το Libretto γράφτηκε από τον R. Shchedrine και τον V. Leventhalem, ο M. Plisetskaya ήταν επίσης ένας σκηνοθέτης του Ballerasters, και η ηγεσία του ηγετικού ρόλου - η Άννα Σεγειάεβνα, για το κόμμα των κοστουμιών που δημιούργησαν το διάσημο Paris Coutourier P. Cardin. Τα καθαρά στίχοι οικόπεδων υλοποιήθηκαν ως μπαλέτο ενιαίας πράξης για 45-50 λεπτά, αποτελούμενα από πέντε λεπτομερή χορού Duets - Pa-de de. Μια συναρπαστική μελωδία που εμπίπτει με ένα μουσικό σύστημα μπαλέτου που ενσωματώνει τις υπερχείλιση των λυρικών συναισθημάτων των ηρώων, η ορχήστρα είναι διαφανής - μόνο μια ομάδα συμβολοσειρών με την προσθήκη δύο bobs, δύο κέρατα και cheesel, λεπτό σχήμα μουσικής. Το Shchedrin είναι το πιο ποιητικό-λυρικό εργαστήριο μπαλέτου.

Η Gorbachevskaya Perestroika που συνέβη το 1985, απότομα άλλαξε τη ζωή ολόκληρης της σοβιετικής νοημοσύνης, ειδικότερα, άνοιξε τις πρωτοφανείς δυνατότητες της επαφής με τις ξένες χώρες. Το 1988 πραγματοποιήθηκε ένας νέος τύπος εκδήλωσης - το Σοβιετικό-Αμερικανικό Φεστιβάλ "κάνουμε μουσική μαζί". Αρχικά, οι Αμερικανοί ήθελαν να κρατήσουν ένα φεστιβάλ μόνο γενναιόδωρο, αλλά το Υπουργείο Πολιτισμού της ΕΣΣΔ δεν έδωσε συγκατάθεση. Στη συνέχεια, ένα διεθνές φόρουμ διοργανώθηκε με τη μέγιστη αναπαράσταση από την ΕΣΣΔ. Περίπου 300 άτομα έφτασαν στη Μασαχουσέτη, όπως Α. Shnitke, S. Gubaidulin, Α. Petrov, Kancheli, Β. Tishchenko, Β. Λαύρουντα. Στη διαμόρφωση των "νεκρών ψυχών", συμμετείχαν μαύροι τραγουδιστές. Ο παγκόσμιος συντονισμός του φεστιβάλ, και καλλιτεχνικός, και πολιτικός, ήταν τεράστιος.

Ένα κύμα αναδιάρθρωσης συνεπάγεται τους ανθρώπους, τόσο δραστήριοι όσο generin, και στο περπάτημα στην εξουσία. Ο συνθέτης έγινε αποτελεσματικός πολιτικός. Το 1989 εξελέγη από την Ένωση Συνθετών στο Ανώτατο Συμβούλιο της ΕΣΣΔ. Επιπλέον, έχοντας το δικό της πολιτικό πρόγραμμα, εισήλθε στη γνωστή διαπεριφερειακή ομάδα των βουλευτών των ανθρώπων για αναδιάρθρωση στην ΕΣΣΔ, των οποίων οι συμμετέχοντες πραγματοποιήθηκαν από τον ακαδημαϊκό A. Sakharov, τον μελλοντικό πρόεδρο της Ρωσίας Β. Yeltsin, ο μελλοντικός δήμαρχος του Μόσχα. Popov, φιλόσοφος Yu. Afanasyev. Ειδικότερα, απαιτούσαν πολλαπλές και εναλλακτικές εκλογές, οι οποίες δεν ταιριάζουν καθόλου την εξουσία του κόμματος. Στην τηλεόραση, ήταν δυνατό να παρατηρήσουμε τη μάχη του Generrine που στάλθηκε στο Tribune και τα λόγια του Gorbachev που δεν του έδινε. Η Shchedrin συμμετείχε στην αποκατάσταση στην πατρίδα που εκδιώχθηκε από τον Μ. Rostropovich και την πόλη του Vishnevskaya.

Με την έναρξη μιας άλλης σημαντικής ημερομηνίας - την 1000η επέτειο της υιοθέτησης του Χριστιανισμού στη Ρωσία - ο Shchedrin έγραψε έργα, τα οποία έδειξαν όλη τη βαθιά σημασία αυτού του θέματος γι 'αυτόν, ο εγγονός του ιερέα και η εκκλησία του στην παιδική ηλικία: " Pochir για τη χιλιετία του βαπτίσματος της Ρωσίας "(1987) και" Αποτυπωμένος Άγγελος "(1988).

Το ορχηστρικό "ποίημα της χιλιετίας του βαπτίσματος της Ρωσίας" γράφεται με βάση μια αρχαία πρωτογενή πηγή που καταγράφεται από άγκιστρα - τους χώρους για τις διακοπές της εικονογράφησης του Βλαντιμίρ της συγγραφέας του βασιλιά Ιβάν Γκρόζς, την οποία ο συνθέτης περιγράφει ερμηνεία. Ο Shchedrin δημιούργησε τον κόσμο της αρχαίας ρωσικής τραγουδιού - την ύπαρξη, η βραδύτητα και η ειρηνευτική του, αντανακλάται σε αυτό του ρωσικού επίπεδου τοπίου, το οποίο επηρέασε την ομαλότητα της μελωδίας που ρέει χωρίς παύση, τη μεταβλητότητα των ράβδων. Στις βαθμολογίες υποδεικνύονται από τις στιγμές του τραγουδιού από τις ψήφους των μουσικών τους. Ο συνθέτης έστειλε ένα έργο για την πρώτη εκτέλεση στον αμερικανικό Rostropovich, τον οποίο τον αφιέρωσε. Θεώρησε μια τέτοια πράξη ως πολιτικό κατόρθωμα και ήταν σε θέση να εφαρμόσει την πρεμιέρα στο Κέντρο της Ουάσινγκτον Κένεντι (1988). Το πρώτο ρωσικό CD κυκλοφόρησε στην πατρίδα - με το ρεκόρ του "ποίημα" shchedrin και την διεροφή του ivan το τρομερό.

Η Ρωσική Λειτουργία "Αποτυπωμένος Άγγελος", ή Χορωδιακή Μουσική στο Ν. Λεσόφ Στις Κανονικές εκκλησίες-σλαβικά κείμενα για τη μεικτή χορωδία και το Cappella με έναν βατόμουρο (φλάουτο) σε 9 μέρη, εκπληρώθηκε για πρώτη φορά στη Μόσχα, δύο χορωδίες - το Σώμα της Μόσχας και το ακαδημαϊκό ρωσικό Χορωδία κάτω από το τμήμα V. Minina. Ένα δοκίμιο μιας διάρκειας 60 λεπτών είναι ένα χορωδιακό αριστούργημα που έχει αντίκτυπο όχι μόνο μουσικό, αλλά και πνευματικό και ηθικό, όπως η εξυπηρέτηση για τους ενορίτες. Παρατηρήθηκε και επίσημα: το 1992, το κράτος βραβείο της Ρωσικής Ομοσπονδίας του απονεμήθηκε, ένας από τους πρώτους στη Νέα Ρωσία.

Η ιστορία του Leskov "αποτυπωμένος άγγελος" δεν χρησίμευσε ως πρόγραμμα μουσικής shchedrin, μεμονωμένα στοιχεία ελήφθησαν από αυτό: το όνομα, το κείμενο για το Νο. 1 ("Άγγελος του Κυρίου"), η εικόνα ενός πουλόβερ, το οικόπεδο "Καθαρισμός Cuid" - Το εικονίδιο είναι καθαρό, καίγεται και πασπαλίζεται. Κατόπιν αιτήματος του αγωγού, θα μπορούσε να υπάρξει εισαγωγή κειμένου από το Leskov (όπως μια καταχώρηση σε ένα CD στις ΗΠΑ). Και σε σχέση με τη Λειτουργία, ο συνθέτης δεν έβαλε το στόχο να αναπαράγει ολόκληρη την ακολουθία και επέλεξε μόνο ένα αριθμό κείμενων (από όλους, minia, τριόδοντες) με παράγωγες και συντομογραφίες. Οι αρχές του ρωσικού Bannant Bannant χρησιμοποιούνται στιλιστικά στη μουσική - η ομαλότητα του τραγουδιού, η "επίπεδα" των μελωδίων, η ταλαιπωρία. Σύμφωνα με τις χορωδιακές τεχνικές, αυτή είναι η εγκυκλοπαίδεια της ρωσικής χορωδιακής επιστολής, η οποία περιλαμβάνει το λαϊκό σφουγγάρι, μια ηχητική αποθήκη χορδών, το χρώμα του Buzz-Octavistov, ένα αγόρι του μακρινού αγοριού, το αποτέλεσμα του "ναού ηχώ" και η απομίμηση του καμπαναριού. Ο "αποτυπωμένος άγγελος" έγινε ένα εξαιρετικό προϊόν χορωδίας του XX αιώνα και η ρωσική πνευματική μουσική.

Από τα τέλη της δεκαετίας του 1980, ο Shchedrin άρχισε να λαμβάνει όλο και πιο δημιουργικές προτάσεις από το εξωτερικό, ανταποκρινόμενοι στη δημιουργία γραπτών στα αγαπημένα ρωσικά θέματα, εξαπλωσσώντας έτσι ευρέως σε διάφορα μέρη του κόσμου: στην Ιαπωνία, το μουσικό του "Νίνα και 12 μήνες "Τοποθετήθηκε στην Ιαπωνία (1988) και πραγματοποιήθηκε από το" Χορός "(η τέταρτη συναυλία για την Ορχήστρα, το 1989), στην 100ή επέτειο της Συμφωνικής Ορχήστρας Σικάγου γραπτή" η παλιά μουσική της ρωσικής επαρχιακής τσίρκου "(η τρίτη συναυλία για Η Ορχήστρα, το 1989), αποτελούμενη αίθουσα για τη Φινλανδία και το Παρίσι. Όσον αφορά τη "μουσική του τσίρκου" ο Shchedrin επεσήμανε (σε σχολιασμούς): "Σε αυτό το έργο, εγώ σκόπιμα προσπαθώ για τη χρώματα, στη μουσική ζωγραφική, το χιούμορ, στο θεαματικό, εξωτερικό, ψυχαγωγία ...." τσίρκο "έγραψε τα χρόνια της αναδιάρθρωσης, κατά τη διάρκεια των ετών ελπίδας και πίστη στην ελευθερία και την αναδιοργάνωση της ρωσικής κοινωνίας. Ίσως το αίσθημα της ελπίδας για καλές αλλαγές και να με κατηγορήσει με ενέργεια και αισιοδοξία; .. "(ως ρωσικό στοιχείο, εισήγαγε το τραγούδι" μαύρο " , τα οποία τραγουδούν μαζί με τους ενορκιστές παιχνιδιών.) "Ο βασιλιάς η σύγχρονη ορχήστρα ονομάζεται επαγγελματίες του, δηλαδή η μέγιστη εκφραστικότητα ήχου στη μέγιστη συγκέντρωση και εξοικονόμηση" - έτσι ανταποκρίνεται για τον Shchedrine M. Rostropovich (Schodrin. Αυτο-πορτραίτο. Φυλλάδιο του Το μουσικό φεστιβάλ, το 2002).

Οι αρχές της δεκαετίας του 1990, μαζί με την κατανομή σε ολόκληρο το δημόσιο κείμενο της χώρας, η αποσύνθεση της ΕΣΣΔ, ο σχηματισμός του νέου κράτους - η Ρωσική Ομοσπονδία - έφερε σημαντικές αλλαγές στη ζωή των γενναιόδωρων. Η εξασθενημένη οικονομία, τα σοβαρά υλικά προβλήματα δημιούργησαν μια τόσο σαφή απειλή για τη δημιουργικότητα που ο συνθέτης αναγκάστηκε να μεταβεί σε κατοικία στη Γερμανία, στο Μόναχο (1991-92). Ο σύζυγός του, ο Μ. Plisetskaya τον ακολούθησε. Και οι δύο συντηρημένες ρωσικές ιθαγένεια. Οι επικοινωνίες με τους δυτικούς εκδότες και τους ερμηνευτές άρχισαν να ενισχυθούν. Ταυτόχρονα, ο συνθέτης διατηρείται και ενίσχυσε τις σημαντικότερες ιδιότητες του στυλ του - τον δημοκρατικό γεωγραφικό πλάτος και τον ρωσικό προσανατολισμό του θέματος. Αλλά η επιλογή των μουσικών ειδών έχει γίνει διαφορετική: δεν υπήρχαν νέα μπαλέτες (μόνο η εθνική μουσική), μια όπερα εμφανίστηκε - "Lolita", αλλά οι συναυλίες για σολίστες με την ορχήστρα ήταν ασυνήθιστα ανθισμένα - για πιάνο, βιολί, βιόλα, τσέλο , σωλήνες ως αποτέλεσμα επαφών με τους μεγαλύτερους μουσικούς κόσμους. Το συντριπτικό μέρος των έργων αποδείχθηκε ότι σχετίζεται με ένα ρωσικό θέμα και η αξία της αρχής της λυρικής αρχής αυξήθηκε. Σε σχέση με τις ημερομηνίες επετείου, ο Shchedrin πέρασε μεγάλα φεστιβάλ στην τιμή του - στο σπίτι και σε πολλές χώρες του κόσμου. Έγινε αναγνωρισμένος κλασικός εγχώριων και παγκόσμιας μουσικής.

Opera "Lolita" σύμφωνα με το όνομα του μυθιστορήματος V. Nabokov στο Libretto του ίδιου του συνθέτη (1994) λόγω των προβλημάτων με τα πνευματικά δικαιώματα, ήταν αδύνατο να τεθεί στις κύριες γλώσσες του κόσμου και στη συνέχεια την ιδέα του Η ρύθμιση στη Σουηδική Βασιλική Όπερα ήταν στη Σουηδική. Η πρεμιέρα έλαβε χώρα στη Στοκχόλμη στις 14 Δεκεμβρίου 1994: Διευθυντής - Μ. Rostropovich, Party Lolita - L. Gustafson, Humbert Gumbert - P.-A. Valgren, Qileti - B. House. Η ατμόσφαιρα του σκανδαλισμού, που συνοδεύει πάντα αυτό το οικόπεδο Nabokov, εκφράστηκε εδώ σε δημόσιες διαδηλώσεις για την κατάργηση της απόδοσης και τις κλήσεις σε καλλιτέχνες να αρνηθούν να συμμετάσχουν σε αυτό. Αλλά υπήρξε μεγάλη επιτυχία, με κριτικές στον τύπο ολόκληρου του κόσμου.

Αν και είναι η όπερα που έχει τη δυνατότητα να απομακρύνει τον φυσιολογισμό οποιουδήποτε οικόπεδο, generin και στο Libretto, και στη μουσική προσπάθησε να εμβαθύνει την ηθική πλευρά του μυθιστορήματος. Στον πρόλογο, ο Humbbert βρίσκεται ήδη στο κελί της φυλακής και η χορωδία των δικαστών που κατηγορούνται μέσω ολόκληρης της όπερας, και αντίθετα, η χορωδία των αγοριών στην εκκλησία τραγουδάει μια διαφωτιστική προσευχή. Για να εκφορτώσετε την τραγική τάση του δράματος σε αντίθεση, τα ένθετα των ζωντανών διαφημιστικών ντουέτ. Το υψηλό πνεύμα της όπερας βασιλεύει σε μεγάλες, αργές σκηνές αγάπης δύο κύριων χαρακτήρων, στον εξαιρετικό μουσικό ήχο της σκηνής "Sin Humbert". Ο Shchedrian δημιούργησε φωτεινά φωνητικά κόμματα - Young Lolita, με το τραγούδι της σε ένα υψηλό ασημένιο μητρώο, μια γήρανση σαγηνευτή του Qileti με το ψευδώνυμο ή το ζώο του. Η όπερα τελειώνει με μια επιβλητική-catharsis, εμβάθυνση του φινάλε Nabokovsky. Σύμφωνα με τον γιο του συγγραφέα, Δ. Ναμποκόβα, "Θα δω αυτόν τον πατέρα - θα ήταν ευτυχισμένος".

Το άγχος και ο πόνος για τη Ρωσία προκάλεσε τη μουσική των συμβολοσειράς "ρωσικές φωτογραφίες" στην ορχήστρα "Βιρκουός της Μόσχας" υπό τον έλεγχο του V. Spivakov (1994). Αυτές είναι οι εικόνες της ρωσικής ζωής σε διαφορετικούς χρόνους. 1 ώρα. - "παλιά πόλη aleksin", στη μνήμη του παππού και της παιδικής ηλικίας, 2 ώρες - "κατσαρίδες στη Μόσχα", όταν η επίθεση είχε πραγματικά ένα μέρος, αν και η μουσική είναι άθικτη, 3 ώρες - "Stalin-Cocktail", Με την εικόνα των πτυχωτών τύμπων, των θυμάτων ECHO, τα cantata αποσπάσματα για τους λάτρεις του Στάλιν Α. Aleksandrov και Marsham I. Dunaevsky, 4 ώρες. - "Βραδινό χτύπημα", με τη διάθεση της εκτόξευσης, την αναταραχή στην καρδιά και να βυθιστείτε λέξεις "αιώνια μνήμη."

Στο κέντρο της δεκαετίας του '90 υπάρχουν τρεις σημαντικές συναυλίες - για το τσέλο, τα βιολιά και τα ζωτικά, αφιερωμένα σε εξαιρετικούς σύγχρονους μουσικούς.

Concerto for Celo "Sotto Voce Concerto" (αφιερωμένο από τον Μ. Rostropovich, 1994) Στην έννοια ανήκει σε έργα με αιώνιο θέμα - ζωή και θάνατο. Ο υπότιτλος δείχνει μια αγαπημένη γενναιόδωρη ιδέα - το δράμα ακούγεται μέσα από τον τοίχο, καθώς και σε ειδικό Pianissimo που εκτελείται από τον Rostropovich. Στη μουσική, τα φωτεινά τραγικά επεισόδια απορρίπτονται, αλλά δίδεται η καινοτόμος ξεπερνώντας την γήινη τραγωδία - ως έξοδος στον έκτακτο κόσμο μέσω της χρήσης ενός φλάουτο μπλοκ με τον ήχο των καλαμιών τους, όπως ένα ρωσικό στροβιλισμό.

Concerto Cantabile Concerto και ορχήστρα χορδών (αφιερωμένη από τον M.ungarian, 1997) - ένα νεωρομανικό έργο, στο στυλιστικό που δεν είναι παρόμοιο με το "νωρίς" και "μεσαίο" γενναιόδωρο. Είναι συγκρίσιμο μόνο με τους στίχους των "κυρίες του με ένα σκυλί". "Κάτω από τη λέξη" cantabile "εννοώ, πρώτα απ 'όλα, ο τόνος της πολιτείας της ψυχής, εν μέρει - ο ήχος τρόπος. Εκτός από την ύφανση, τη διασταύρωση, τη συγχώνευση, τη συναίνεση, τη διαφωνία, την κοινωνία της τραγουδώντας σολίστρες και ορχήστρα" (από την σχολιασμό του συγγραφέα). Καθώς το "κυρίαρχο ημερολόγιο" περιγράφει τον συνθέτη συναυλία του στην ελβετική ταινία γι 'αυτόν J. Gaso.
Το "Concerto Dolce", μια συναυλία για την Alta, συνοδευόμενη από μια ορχήστρα και η άρπα (1997), προετοιμάστηκε επίσης από το παιχνίδι του πατέρα του σε αυτό το εργαλείο και γράφτηκε από έναν γενναιόδωρο πρόλογο στον "Altist Danilov" V. Orlov, Και, φυσικά, μοναδική δεξιότητα του Y. Bashmet, η οποία γίνεται αφοσίωση. Παρόλο που η συναυλία ονομάζεται "Dolce", από αυτόν τον χαρακτήρα, δεν αρχίζει και δεν το τελειώνει. Ένα μεγάλο επεισόδιο Dolce βρίσκεται στο κέντρο της μορφής και ένα ιδιαίτερα σημαντικό για το reprzyce. Τα καθαρά ρωσικά στοιχεία που ορίζονται ως "Balalaika" και ως "Bubrenitsy" προκαλούνται στη μουσική και ως "Bubarenitsa" - τότε για πρώτη φορά. Είναι χαρακτηριστικό ότι οι συναυλίες "Dolce" και "Cantabile" ο Shchedrin ολοκληρώνει τον ενεργητικό κώδικα ογνώντας.

Οι εργασίες του θαλάμου των μέσων της δεκαετίας του '90 χαρακτηρίζονται από τις εφευρέσεις του Γενέρτινου στη φύση του μουσικού ήχου: "Μουσική από μακριά" για δύο φλάουτα μπλοκ και το δεύτερο πιάνο σονάτα (1996), "Balalaika" για ένα σόλο βιολί χωρίς τόξο χωρίς τόξο (1997), η οποία συνεχίζει την ιδέα του σόλο σόλο "ρωσικής νάτρια" (1990).

Το 1997, η 65η επέτειος του συνθέτη, τα φεστιβάλ της μουσικής του πραγματοποιήθηκαν στη Φινλανδία, τη Γαλλία, τη Γερμανία και στη Ρωσία, οι εορτασμοί πέρασαν εντός 19 ημερών σε τέσσερις πόλεις: Μόσχα, Αγία Πετρούπολη, Nizhny Novgorod, Σαμάρα.

Στα πρόθυρα της χιλιετίας (1999) από τη Γερμανία, η τιμητική πρόταση της Γερμανίας: Γράψτε ένα ορχηστρικό πρελούτο στην ένατη Συμφωνία του Μπετόβεν, ένα δοκίμιο σημείου για όλους τους γερμανούς πολιτισμούς. Η βαυαρική ραδιοφωνική ορχήστρα στην επέτειό του διέταξε ένα δοκίμιο, το οποίο "Symphonie Con-Certante" (τρίτη συμφωνία) "αντιμετωπίζει ρωσικά παραμύθια" (2000), με αντανάκλαση των εικόνων του "Samogudki", "αδελφή της Alenushka και του αδελφού Ivanushki "," Tsarevna-Frogs "και άλλοι. Το 1999, ο Shchedrin δημιούργησε μια από τις πιο εντυπωσιακές συναυλίες - την πέμπτη συναυλία για το πιάνο με την ορχήστρα (αφιερωμένη στον φινλανδικό πιανίστον O. Mustonen), το οποίο ξεκίνησε μετά την πρεμιέρα στο Λος Άντζελες (1999) μια σίγουρη πορεία του ποπ στο κόσμος. Χάρη στη σειρά της Συμφωνικής Ορχήστρας του Πίτσμπουργκ, εμφανίστηκε η "Lolita Serenade" από τη μουσική της Όπερας (2001).

Η 70η επέτειος του συνθέτη το 2002 χαρακτηρίστηκε από ένα υπέροχο φεστιβάλ στη Μόσχα και την Αγία Πετρούπολη, ο οποίος κατέδειξε τη ζωτικότητα του έργου του για όλα τα χρόνια και το μη αληθινό δυναμικό στη δημιουργία νέων έργων (μεταξύ του Ρωσικού Πρωθυπουργού - "Parabola Consertante "," Παραβολή συναυλιών "για τσέλο, ορχήστρα χορδών και Litavr, 2001). Η πρεμιέρα των συμφωνικών αδελφών για τις ορχήστρες "διαλόγους με Shostakovich" (2002) πραγματοποιήθηκε στο Carnegie Hall. Η παγκόσμια πρεμιέρα της Όπερας Shchedrin για τη Σκηνή Συναυλιών "Enchanted Wanderer" πραγματοποιήθηκε στο κέντρο Lincoln στη Νέα Υόρκη για τη Σκηνή Συναυλιών (19 Δεκεμβρίου 2002): Η Ορχήστρα του Φιλαρμονικού Εαυτού της Νέας Υόρκης, οι τραγουδιστές - Α. Όρμος, L. Pasikivi, Ε. Akimov, ο αγωγός L. Maazel.

"Είμαι ένας ρωσικός άνθρωπος, όλες οι ρίζες μου εδώ. Ακόμα και θα ήμουν κάπου στην φλογερή γη - θα ήταν έτσι", λέει ο Generin για τον εαυτό του (R. Shchedrin. Κάποιος σχεδίασε να επαναχρησιμοποιήσει ρωσικά ... συνομιλία με s . Biryukov. // Εργασία, 12/22/95). Με μια τεράστια εφευρετικότητα, ήξερε πώς να εισαγάγει ρωσικά στοιχεία στη μουσική του γλώσσα, αναπαραγωγή της διερεύνησης, προσευχές, Chastushki, βοσκότοπους, καμπάνες, κοιλιές, θύματα, μουσική τσίρκο, τυμπανά της Balalaiki, sakers gemier, τσιγγάνικο τραγούδι, appliques από tchaikovsky, κλπ.. Ταυτόχρονα, όλη η αύρα των γραπτών του είναι συνήθως μοντέρνα: η ευκρίνεια των ανυψωτικών ζευγών, το παιχνίδι μουσικών χώρων ποπ, η υποδοχή του κολάζ, η μέγιστη ποικιλία αρθρώσεων και καινοτόμων τρόπων εκτέλεσης σε όλα τα εργαλεία .

Η μουσική Shchedrin κατηγορείται με αυτή την ηλιόλουστη δύναμη ζωής, η οποία από πολλές απόψεις κέρδισε την τέχνη του XX αιώνα. Ως εκ τούτου, η ανθρώπινη απάντηση είναι τόσο μεγάλη για τη "μουσική προσφορά" της. Όλη η ζωή του περπατάει με τον δικό του τρόπο, πήρε μια σταθερή θέση στο κέντρο του μουσικού πολιτισμού και, σύμφωνα με τον R. U. Emerson, "ο ήρωας είναι αυτός που βρίσκεται ακόμα στο κέντρο."

Συνθέτες: Ροδιονκόμα Shchedrin (Βίντεο)

Δημιουργικά πλεονεκτήματα RK Shchedrin σημειώθηκαν από πολλούς επίτιμους τίτλους και βραβεία: ο καλλιτέχνης των ανθρώπων της ΕΣΣΔ (1981), το βραβείο Lenin (1984), το βραβείο Κράτος της ΕΣΣΔ (1972), το κράτος βραβείο της Ρωσίας (1992), εντολή "για αξία της πατρίδας" III Degrees (2002). Ο νικητής του βραβείου που ονομάζεται μετά τον Δ. Shostakovich (Ρωσία, 1992), βραβευτικά βραβείων του Παγκόσμιου Οικονομικού Φόρουμ (Νταβός, 1995), Επίτιμος Καθηγητής του Ωδείου Μόσχας (1997), "Συνθέτης του έτους" της Συμφωνικής Ορχήστρας του Πίτσμπουργκ (2002 ).

Αντίστοιχη Μέλος Βαυαρίας Ακαδημία Καλών Τεχνών (1976), Επίτιμο Μέλος της Κοινωνίας F. Sheet (ΗΠΑ, 1979), Επίτιμο Μέλος της Ακαδημίας Καλών Τεχνών Καλών Τεχνών (1982), Επίτιμο μέλος του Διεθνούς Συμβουλίου Μουσικής (1989), μέλος της Ακαδημίας Τεχνών του Βερολίνου (1989).

Είναι αφιερωμένος στα βιβλία: I. Likhacheva. Μουσικό Θέατρο Τρουνίου Shchedrin (Μ., 1977). V. Επιτροπή. Στις δραματικές αρχές του R. Shchedrin (Μ., 1978). M. Tarakanov. Δημιουργικότητα του Ρονίου Shchedrin (Μ., 1980). Η. Gerlach. Zum Schaffen Von Rodion Schtschedrin (Βερολίνο, 1982). Y. Pazov. Χορωδία στο έργο του Ροδιώματος Shchedrin (Μ., 1992). V. KALEOPOVA. Διαδρομή στο κέντρο. Composer Rodion Shchedrin (Μ., 2000). Είναι στη γερμανική έκδοση - V. Cholopova. Der weg im zentrum (Mainz, Schott, 2002) και άλλοι. Το 2002, το βιβλίο του ίδιου του συνθέτη δημοσιεύθηκε: R. Shchedrin. Μονόλογοι διαφορετικών ετών (Μ., 2002).