Όπερα. Όπερα κόμικς

Η όπερα είναι ένα από τα σημαντικότερα μουσικά και θεατρικά είδη. Πρόκειται για ένα μείγμα μουσικής, φωνητικών, ζωγραφικής και δεξιοτήτων και εκτιμάται ιδιαίτερα από τους υποστηρικτές της κλασικής τέχνης. Δεν προκαλεί έκπληξη το γεγονός ότι στα μαθήματα μουσικής το παιδί είναι το πρώτο πράγμα που να θέσει μια έκθεση σχετικά με αυτό το θέμα.

Σε επαφή με

Όπου αρχίζει

Αρχίζει με μια εγγύηση. Αυτή η καταχώρηση που εκτελέστηκε από τη Συμφωνική Ορχήστρα. Προορίζεται να ορίσει τη διάθεση και την ατμόσφαιρα του παιχνιδιού.

Τι συνεχίζεται

Η επένδυση ακολουθεί το κύριο μέρος της απόδοσης. Πρόκειται για μια μεγαλοπρεπή δράση που χωρίζεται σε πράξεις - τα πλήρη μέρη της παρουσίασης, μεταξύ των οποίων τρέχουν μεταξύ των φραγμάτων. Τα ερμηνεία μπορούν να είναι μεγάλα ώστε το κοινό και τους συμμετέχοντες απόδοσης να μπορούν να χαλαρώσουν, ή σύντομα όταν η κουρτίνα μειώνεται, μόνο για να αλλάξει το τοπίο.

Το κύριο σώμα, η κινητήρια δύναμη όλων των σόλο Arias. Εκτελούνται από ηθοποιούς - χαρακτήρες ιστορικού. Ο Αριάς αποκαλύπτει το οικόπεδο, τον χαρακτήρα και τα συναισθήματα των ηρώων. Μερικές φορές οι διαχωρισμοί εισάγονται μεταξύ arias - τραγουδώντας ρυθμικά αντίγραφα - ή συνηθισμένη ομιλία ομιλίας.

Το λογοτεχνικό μέρος βασίζεται στο Libretto. Αυτό είναι ένα είδος σεναρίου, σύντομο περιεχόμενο . Σε σπάνιες περιπτώσεις, τα ποιήματα γράφουν τους ίδιους τους συνθέτες, όπως, για παράδειγμα, wagner. Αλλά πιο συχνά η λέξη για την όπερα γράφει ένα librettist.

Τι τελειώνει

Ο επίλογος εξυπηρετείται ως τελικός απόδοσης της όπερας. Αυτό το μέρος εκτελεί τη σφιχτή λειτουργία ως λογοτεχνικός επίλογος. Αυτό μπορεί να είναι μια ιστορία για την περαιτέρω τύχη των ηρώων ή συνοψίζοντας και τον ορισμό της ηθικής.

Ιστορία Όπερα

Η Wikipedia μπορεί να βρει εκτεταμένες πληροφορίες σχετικά με αυτό το θέμα, αλλά αυτό το άρθρο παρέχει ένα συμπιεσμένο ιστορικό του αναφερθέντος μουσικού είδους.

Αντίκες τραγωδία και φλωρεντίνη κάμερα

Η Όπερα της Ματς είναι η Ιταλία. Ωστόσο, οι ρίζες αυτού του είδους πηγαίνουν στην αρχαία Ελλάδα, όπου άρχισαν να συνδυάζονται η πρώτη γραφική και φωνητική τέχνη. Σε αντίθεση με τη σύγχρονη όπερα, όπου η κύρια έμφαση έρχεται στη μουσική, σε μια αρχαία ελληνική τραγωδία μόνο εναλλακτική συνήθη ομιλία και τραγούδι. Αυτός ο τύπος τέχνης συνέχισε να αναπτύσσεται στους Ρωμαίους. Στις αρχαίες ρωμαϊκές τραγωδίες, τα σόλο κόμματα κέρδισαν βάρος, και πιο συχνά τα μουσικά ένθετα άρχισαν να χρησιμοποιούνται.

Η δεύτερη ζωή της αντίκες τραγωδίας έλαβε στο τέλος του αιώνα XVI. Η Κοινοπολιτεία των ποιητικών και των μουσικών αποφάσισε να αναβιώσει την αρχαία παράδοση - φλωρεντίνη κάμερα. Δημιούργησαν ένα νέο είδος που ονομάζεται "Δράμα μέσω Μουσικής". Σε αντίθεση με το πολυφωνικό δημοφιλές εκείνη την εποχή, τα έργα των κυττάρων ήταν η μελωδική μελωδική μελωδική μελωδική. Η θεατρική δήλωση και η μουσική συνοδεία σχεδιάστηκαν μόνο για να τονίσουν την εκφραστικότητα και την αισθησιασμό της ποίησης.

Πιστεύεται ότι το πρώτο στάδιο της όπερας είδε το φως το 1598. Δυστυχώς, από το έργο του "Daphne", που γράφτηκε από τον συνθέτη Yakopo ανά και τον ποιητή οθωρίου Rhincchini, στην εποχή μας μόνο το όνομα . Αλλά από το ίδιο Περού ανήκει στην "ΕΥΡΙΔΙΚΑ"που είναι το νωρίτερο της διατηρημένης όπερας. Ωστόσο, αυτό το ένδοξο έργο για τη σύγχρονη κοινωνία είναι μόνο η ηχώ του παρελθόντος. Αλλά η όπερα "Ορφέας", που γράφτηκε από το διάσημο Claudio Monteverdi το 1607 για την αυλή του Mantoan, και μέχρι σήμερα μπορεί να δει σε θέατρα. Η γένια, η οποία κυβερνά τις ημέρες αυτές στην ΜΑΝΤΟΥΑ, συνέβαλε σημαντικά στην εμφάνιση του είδους της Όπερας.

Θέατρο Δράμας

Τα μέλη της Φλωρεντινής Camerats μπορούν να ονομάζονται "επαναστάτης" του χρόνου τους. Μετά από όλα, στην εποχή, όταν η Εκκλησία υπαγορεύει τη μουσική, στράφηκαν στους παγανιστές μύθους και τους θρύλους της Ελλάδας, απογείωση από τους αισθητικούς κανόνες που υιοθετήθηκαν στην κοινωνία και δημιούργησαν κάτι νέο. Ωστόσο, ακόμη και νωρίτερα, οι ασυνήθιστες λύσεις τους θα φέρουν ένα δραματικό θέατρο. Αυτή η κατεύθυνση τραυματίστηκε στην εποχή της αναβίας.

Πειραματιστείτε και εστιάζοντας στην αντίδραση του κοινού, αυτό το είδος παρήγαγε το δικό του στυλ. Οι εκπρόσωποι του θεάτρου δράματος χρησιμοποίησαν μουσική και χορούς στις παραγωγές τους. Ένας νέος τύπος τέχνης απολάμβανε μεγάλη δημοτικότητα. Είναι η επιρροή του δραματικού θεάτρου που βοήθησε το "Δράμα Μέσω της Μουσικής" για να φτάσει σε ένα νέο επίπεδο εκφραστικότητας.

Η τέχνη της όπερας συνέχισε Να αναπτύξει και να κερδίσει δημοτικότητα. Ωστόσο, αυτό το μουσικό είδος έχει πέσει στη Βενετία, όταν το 1637 η Benedetto Ferrari και ο Francesco Malelli άνοιξαν την πρώτη δημόσια όπερα "San Cassiano". Χάρη σε αυτό το γεγονός, τα μουσικά έργα αυτού του είδους έπαψαν να είναι φάκελο για τους επαρχόμενους και έφθασαν στο εμπορικό επίπεδο. Αυτή τη στιγμή, αρχίζει η βασιλεία των castrats και prima donne στον κόσμο της μουσικής.

Διανομή στο εξωτερικό

Ήδη από τη μέση του XVII αιώνα, την τέχνη της όπερας, με την υποστήριξη της αριστοκρατίας, που αναπτύχθηκε σε ένα ξεχωριστό ανεξάρτητο είδος και οικονομικά προσιτή ψυχαγωγία για τις μάζες. Χάρη στις περιπλανώμενες μονάδες, αυτός ο τύπος ιδεών εξαπλώθηκε σε όλη την Ιταλία και άρχισε να κατακτά το κοινό στο εξωτερικό.

Ο πρώτος Ιταλός εκπρόσωπος του είδους που υπέβαλε το εξωτερικό ονομάστηκε "Γαλατία". Εκτέθηκε το 1628 στην πόλη της Βαρσοβίας. Για σύντομο χρονικό διάστημα μετά, στο Δικαστήριο, πραγματοποιήθηκε ένα άλλο έργο - "La Liberazione d'Rugiero Dall'Isola d'Alcina" Ferni Cachchini. Αυτό το έργο είναι επίσης το νωρίτερο από τις όπερες που ήρθε σε μας γραμμένες από τις γυναίκες.

Το "Jason" Francesco Cavalli ήταν η πιο δημοφιλής όπερα XVII αιώνα. Από την άποψη αυτή, το 1660, προσκλήθηκε στη Γαλλία στον γάμο του Louis XIV. Ωστόσο, τα "Xerxes" και "Love Hercules" δεν είχαν επιτυχία στο γαλλικό κοινό.

Antonio Honor, ο οποίος κλήθηκε να γράψει μια όπερα για το αυστριακό είδος του Habsburgs, πέτυχε περισσότερη επιτυχία. Η μεγάλη απόδοση του "Golden Apple" διήρκεσε δύο ημέρες. Η πρωτοφανής επιτυχία σημείωσε την ανύψωση της ιταλικής όπερας στην ευρωπαϊκή μουσική.

Seria και Buffa

Στον XVIII αιώνα, τέτοια είδη οπών όπως η Seria και η Buffa απέκτησαν μια ειδική δημοτικότητα. Αν και οι δύο από αυτούς προέρχονται από τη Νάπολη, δύο είδη είναι θεμελιώδη αντίθετα. Η Σειρά Όπερας σημαίνει κυριολεκτικά "σοβαρή όπερα". Αυτό είναι το προϊόν της εποχής του κλασικισμού, το οποίο ενθάρρυνε την καθαρότητα του είδους και πληκτρολογώντας στην τέχνη. Η Seria διακρίνεται από τις ακόλουθες ιδιότητες:

• ιστορικά ή μυθολογικά οικόπεδα.
• Την κυριαρχία των προπαραστών επί του ΑΡΙΑΣ ·
• διαχωρισμό του ρόλου της μουσικής και του κειμένου ·
• Ελάχιστη εξατομίκευση χαρακτήρων.
• στατική δράση.

Ο πιο επιτυχημένος και διάσημος Librettist σε αυτό το είδος ήταν το Pietro Metastasio. Το καλύτερο του Libretto έγραψε στους δέκα κορυφαίους διαφορετικούς συνθέτες.

Ταυτόχρονα, παράλληλα και ανεξάρτητα αναπτύσσει το είδος της κωμωδίας του Buffa. Εάν η σειρά αναφέρει την ιστορία του παρελθόντος, τότε η Buffa αφιερώνει τα οικόπεδα της με σύγχρονες και καθημερινές καταστάσεις. Αυτό το είδος προέκυψε από μικρές σκηνές κωμωδίας, οι οποίες τοποθετήθηκαν σε σχέση με τα φράγματα της κύριας απόδοσης και ήταν ξεχωριστά έργα. Σταδιακά αυτόν τον τύπο τέχνης Αποκτώθηκε δημοτικότητα και πραγματοποιήθηκε ως μια πλήρης ανεξάρτητη εκπροσώπηση.

Μεταρρυθμίσεις Glukovskaya

Ο Γερμανός συνθέτης Cristofo Willoibald Gluck έλαβε σταθερά το όνομά του στο μουσικό ιστορικό. Όταν η Operas Seria κυριαρχεί στις ευρωπαϊκές σκηνές, προωθούσε πεισματικά το δικό του όραμα της τέχνης της όπερας. Πίστευε ότι στην παρουσίαση πρέπει να κυβερνήσει το δράμα και το έργο της μουσικής, των φωνητικών και η χορογραφία είναι να την προωθήσει και να τονίσει. Η λάμψη υποστήριξε ότι οι συνθέτες θα πρέπει να εγκαταλείψουν τις θεαματικές ιδέες υπέρ της «απλής ομορφιάς». Ότι όλα τα στοιχεία της όπερας πρέπει να είναι μια συνέχεια του άλλου και να σχηματίσουν ένα μόνο λεπτό οικόπεδο.

Ξεκίνησε τη μεταρρύθμισή του το 1762 στη Βιέννη. Μαζί με το Librettist Ranieri de Falcabjji, έβαλε τρία παιχνίδια, αλλά δεν έλαβαν απάντηση. Στη συνέχεια, το 1773 πήγε στο Παρίσι. Η μεταρρυθμιστική του δραστηριότητα διήρκεσε μέχρι το 1779 και προκάλεσε πολλές διαφορές και αναταραχές στο περιβάλλον των λάτρεις της μουσικής . Οι ιδέες της Glitch έχουν μεγάλη επιρροή σχετικά με την ανάπτυξη του είδους της όπερας. Επίσης, αντανακλούσαν τις μεταρρυθμίσεις του 19ου αιώνα.

Τύποι Όπερας

Για περισσότερες από μια ιστορία τεσσάρων ετών, το είδος της όπερας έχει υποστεί πολλές αλλαγές και πολλά τυπωμένα στον μουσικό κόσμο. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, απελευθερώθηκαν αρκετοί τύποι όπερας:

Το περιεχόμενο του άρθρου

Όπερα κόμικςΚατά την αρχική έννοια του όρου: ένα σύνολο εθνικών ειδών του είδους της όπερας που προέκυψε το 1730 και υπήρχε πριν από την έναρξη των 19 V. Στο μέλλον, ο όρος έχασε τον ορισμό του. Σήμερα χρησιμοποιείται συχνά σε σχέση με διαφορετικούς τύπους μουσικών και θεαματικών παραστάσεων περιεχομένου κωμωδίας (φάρσα, Buffonada, Waterville, Operetta, μουσικά κ.λπ.).

Την προέλευση και τα χαρακτηριστικά του είδους.

Η κωμική όπερα έχει αναπτυχθεί σε χώρες με την αναπτυγμένη όπερα ως εναλλακτική λύση στη σειρά του Δικαστηρίου (IT. Η Όπερα Η Σερία είναι μια σοβαρή όπερα), οι αρχές των οποίων αναπτύχθηκαν στα 17 V. Ιταλοί συνθέτες της Σχολής Νεάπολη (ειδικότερα, Α .Καρλατί). Κατά 18 V. Η ιταλική δικαστική όπερα εισήλθε στην περίοδο της κρίσης της ανάπτυξής της, μετατρέποντας σε "συναυλίες κοστουμιών" - λαμπρό, πλούσιο σε φωνητικά αποτελέσματα Virtuoso, αλλά στατικό θέαμα. Σε αντίθεση με αυτήν, η κωμική όπερα είχε μεγαλύτερη ευελιξία που είναι εγγενής σε νέους τύπους νέων τεχνών, πράγμα που σημαίνει ότι είχε μεγαλύτερη δυναμική και αναπτυξιακό δυναμικό. Το νέο θεατρικό είδος διανεμήθηκε ευρέως σε όλη την Ευρώπη και σε κάθε χώρα υπήρχε η δική της ποικιλία της κωμικής όπερας.

Ωστόσο, με όλες τις εθνικές ιδιαιτερότητες, οι γενικοί τρόποι ανάπτυξης της κωμικής όπερας ήταν παρόμοιες. Ο σχηματισμός του οδήγησε στις δημοκρατικές αρχές της εποχής του Διαφωτισμού. Χάρη σε αυτές, στην κόμικ της όπερας υπήρχαν νέες τάσεις της μουσικής και της όπερας: μια προσέγγιση στην καθημερινή ζωή, τη λαϊκή μελωδία (τόσο σε φωνητικά όσο και σε χορού επεισόδια), παρωδία, ιδιόμορφη, "μάσκα", χαρακτηριστικά των ενεργειών. Στις οικόπεδα κατασκευές της κόμικς όπερας, οι επίσημες αρχαίες και ιστορικές και θρυλικές γραμμές δεν αναπτύχθηκαν διαδοχικά, παραμένοντας το σημάδι του είδους της σειράς όπερας. Οι δημοκρατικές τάσεις είναι ορατές στα επίσημα χαρακτηριστικά της κόμικς όπερας: διάλογοι συνομιλίας, υποτιμήσεις, δυναμισμός δράσης.

Εθνικές ποικιλίες της κόμικς όπερας.

Η Ιταλία θεωρείται ότι είναι η γενέτειρα της κωμικής όπερας, όπου αυτό το είδος ονομάστηκε Opera Buff (Ital. Opera Buffa - κωμική όπερα). Οι πηγές του ήταν οι όπερες της κωμωδίας της Ρωμαϊκής Σχολής 17 στο. Και comedy del arte. Αρχικά, ήταν αστεία ενδιάμεσα που εισήχθησαν για συναισθηματική απαλλαγή μεταξύ πράξεων της όπερας. Η πρώτη Opera-Buff έχει γίνει Μαριονέτα J.B. Pergolese, που γράφτηκε από συνθέτη ως ενδιάμεσο στη δική του σειρές όπερας Υπερήφανος φυλακισμένος (1733). Στο μέλλον, η όπερα Buff άρχισε να εκτελείται ανεξάρτητα. Διακρίνονταν από μια μικρή κλίμακα, ένας μικρός αριθμός ηθοποιών, aryry ενός τύπου buffon, ένα patter στα φωνητικά κόμματα, την ενίσχυση και την ανάπτυξη σύνολο (σε αντίθεση με την όπερα, όπου η βάση ήταν τα σιωπηρά μέρη και τα σύνολα και οι χορωδιές σχεδόν δεν χρησιμοποιήθηκαν). Στο μουσικό δράμα, η βάση σερβίρεται τραγούδι και χορευτικά λαϊκά είδη. Αργότερα, η Opera-Buff διείσσει Lyrical και συναισθηματικά χαρακτηριστικά, τα οποία το μετατόπισαν από μια αγενή κωμική Del Arthe σε ένα φανταστικό πρόβλημα και τις αρχές του κότσζι. Η ανάπτυξη της όπερας συνδέεται με τα ονόματα των συνθέτες Ν. Piccini, J. Pizello, D. Chimaroz.

Η ισπανική ποικιλία της κωμικής όπερας έχει γίνει tonadilla(Span. Tonadilla - Τραγούδι, θα μειώσει. Από την Tonada - Τραγούδι). Όπως το Opera Buffa, η Tonadilla γεννήθηκε από ένα τραγούδι-χορευτικό δωμάτιο που άνοιξε τη θεατρική αναπαράσταση ή ενεργεί μεταξύ πράξεων. Αργότερα σχηματίστηκε σε ξεχωριστό είδος. Πρώτη Tonadilla - Taverkriver και driveshchik(Συνθέτης L. Mimison, 1757). Άλλοι εκπρόσωποι του είδους - M. Ploun, A.Germano, Α. Esthev-I-Grimau, Β. De Lacenna, H. Walledor. Στις περισσότερες περιπτώσεις, οι ίδιοι οι συνθέτες έγραψαν στο Vone του Libretto.

Στη Γαλλία, το είδος που έχει αναπτυχθεί με τίτλο opéra Comique. (FR. - κωμική όπερα). Υπήρξε μια σατυρική παρωδία της "Μεγάλης Όπερας". Σε αντίθεση με την ιταλική γραμμή ανάπτυξης, στη Γαλλία, το είδος δημιουργήθηκε αρχικά από τους συγγραφείς δράματος, οι οποίες προκάλεσαν ένα συνδυασμό μουσικών αριθμών με διάλογους συνομιλίας. Έτσι, ο συγγραφέας της πρώτης γαλλικής opéra comique θεωρείται ότι είναι j.z.russo ( Ρουστίκ μάγος, 1752). Η Opéra Comique Music Music αναπτύχθηκε στο έργο των συνθετών E.Duni, F. Filadore. Στην προ-επαναστατική εποχή της Opéra Comique απέκτησε έναν ρομαντικό προσανατολισμό, κορεσμό σοβαρά συναισθήματα και σχετικό περιεχόμενο (συνθέτες P.Mines, A.Gretri).

Στην Αγγλία, ο εθνικός τύπος κωμικής όπερας ονομάστηκε η όπερα Baladock και αναπτύχθηκε κυρίως στο είδος της κοινωνικής σάτιρας. Κλασικό δείγμα - Όπερα(1728) Συνθέτης J. Pepusch και Playwright J. Gey, ο οποίος έχει γίνει μια πνευματική παρωδία της αριστοκρατικής αριστοκρατίας. Μεταξύ άλλων αγγλικών συνθέτες που εργάστηκαν στο είδος της όπερας Balladnaya, το πιο διάσημο Ch.Cuffhi, της οποίας η δημιουργικότητα είχε σοβαρό αντίκτυπο στην ανάπτυξη του είδους στη Γερμανία .

Οι γερμανικές και αυστριακές ποικιλίες της κωμικής όπερας φορούσαν ένα κοινό όνομα singchpil (Το Singspiel, από το Singen - Sing και Spiel - παιχνίδι). Ωστόσο, η γερμανική και η αυστριακή Singspili είχαν τα δικά τους χαρακτηριστικά. Εάν στη Γερμανία, το είδος δημιουργήθηκε υπό την επίδραση της Βρετανικής Όπερας Ballad, στη συνέχεια στην Αυστρία - υπό την επιρροή της ιταλικής κωμωδίας ντελερό και της γαλλικής Opéra Comique. Αυτό οφείλεται στην πολιτιστική πρωτοτυπία της πρωτεύουσας της Αυστρίας, η Βιέννη, η οποία έγινε 18 V. Ένα διεθνές κέντρο όπου συντέθηκε η μουσική τέχνη των διαφορετικών εθνών. Αυστριακή Singchpil, σε αντίθεση με τη γερμανική, μαζί με τον ταύρο και τις μπαλάντες, περιλαμβάνει μεγάλες όπερες: Arias, σύνολα, καλά σχεδιασμένους τελικούς. Το Ορχομικό Κόμμα λαμβάνει μεγαλύτερη ανάπτυξη στον αυστριακό Singchpile. Οι πιο διάσημοι συνθέτες του Zingzpil - i.standfus, i.a.giller, v.myulller, k.dytersdorf, και άλλοι.

Μετασχηματισμό του είδους.

Μέχρι το τέλος του 18ου αιώνα. Η ανάπτυξη εθνικών ειδών κωμικής όπερας στην "καθαρή" μορφή τους πήγαν στη μείωση. Ωστόσο, βασίστηκαν σε νέες αρχές πολλών ειδών μουσικών και ψυχαγωγικών τεχνών. Και εδώ ο ηγετικός ρόλος ανήκει και πάλι στη Σχολή Μουσικής Βιέννης.

Αφενός, μια κωμική όπερα γενικά και Singchpil ιδίως, συνέβαλε στην αναμόρφωση της κλασικής τέχνης, ένας τεράστιος ρόλος στον οποίο ανήκει ο V.A. Motzart. Πηγαίνοντας κατά μήκος της διαδρομής της εσωτερικής ενημέρωσης και η σύνθεση προηγούμενων μουσικών μορφών, ο Μότσαρτ έχει δημιουργήσει τη δική της ιδέα της όπερας, εμπλουτίζοντας ένα επαρκώς απλό σχέδιο του Singspil και της όπερας, φέρνοντας ψυχολογικό πειστικό σε αυτά, ρεαλιστικά κίνητρα, καθώς και συμπληρώνοντας τις μουσικές μορφές τους μιας σοβαρής όπερας. Ετσι, Γάμος Figaro (1786) οργανικά συνδυάζει τη μορφή της όπερας με ρεαλιστικό περιεχόμενο. Δον Ζουάν(1787) συνδυάζει μια κωμωδία με έναν πραγματικό τραγικό ήχο. μαγευτικό φλάουτο (1791) Περιλαμβάνει μια ποικιλία μουσικών ειδών στο κλασικό Zingstyle: μια γυναίκα, χορωδία, fugu κ.λπ.

Παράλληλα με το Μότσαρτ και στις ίδιες αρχές στην Αυστρία, η καινοτόμος επεξεργασία της Όπερας πραγματοποιήθηκε από τον Jaidn ( Αληθινή σταθερότητα, 1776; Σεληνιακός κόσμος, 1977; Ψυχή φιλόσοφου, 1791). Οι ηχώ του Singchpil είναι σαφώς ακουστικές στη μόνη όπερα L. van Beethoven Τέχνης (1805).

Οι παραδόσεις του Μότσαρτ και της Γαϊντνα κατανοήθηκαν και συνεχίστηκαν στο εργοτάξιο και στον ιταλικό συνθέτη J.A. Orsini (από Notch για γάμο, 1810, Χωριό της Σεβίλλης, 1816, και Σταχτοπούτα, 1817).

Ένας άλλος κλάδος της ανάπτυξης της κωμικής όπερας συνδέεται με την εμφάνιση και τον σχηματισμό ενός σχολείου της Κλασικής Operetta της Βιέννης. Αν τον 18ο αιώνα. Η Operretta ονομάστηκε συχνά οι ποικιλίες της κωμικής όπερας (Ital. Operretta, Franz. Opérette, γράμματα. - Μικρή όπερα), στη συνέχεια στο 19 V. Βρισκόταν σε ένα ξεχωριστό ανεξάρτητο είδος. Οι αρχές της δημιουργήθηκαν στη Γαλλία, συνθέτης Z.Offenbach και έλαβαν το σχηματισμό τους στο θέατρο "Buff-Parisen".

Η κλασσική Operetta της Βιέννης συνδέεται κυρίως με το όνομα I. straus (γιος), ο οποίος ήρθε σε αυτό το είδος αργά, στην πέμπτη δωδεκάδα της ζωής του, όταν ήταν ήδη ένας παγκοσμίου φήμης συγγραφέας πολλών κλασικών βαλς του Waltz. Για την Operretta του Strauss, μελωδικό πλούτο και μια ποικιλία μουσικών μορφών, μια εξαιρετική ενορχήστρωση, αναπτύσσει συμφωνικά μοτίβα επεισόδων χορού, μια σταθερή υποστήριξη για τη λαϊκή αυστριακό-ουγγρική μουσική. Σε όλα αυτά, δεν θα υπάρξουν καμία αμφιβολία, οι παραδόσεις της κωμικής όπερας διαβάζονται. Ωστόσο, η ανάπτυξη της Operretta ως είδος της κύριας εστίασης τέθηκε στη μουσική και εκτελεστική (τόσο ορχηστρική όσο και φωνητική χορογραφική). Η κειμενική γραμμή της Dramaturgy, αναπτύχθηκε με επιτυχία στην αγγλική μπαλαντρική όπερα και τη γαλλική Opéra Comique, πήγε στο NO και εκφυλίστηκε σε πρωτόγονες δραματουργικές χειροτεχνίες - Libretto. Από την άποψη αυτή, από τα 16 αδέσμευτα γραπτά Operretta στο ρεπερτόριο των επόμενων θεάτρων χρόνου, διατηρήθηκαν μόνο τρεις: Bat, νύχτα στη Βενετία και Τσιγγάνων. Είναι με το σχηματικό Libretto ότι η παραδοσιακή απόδοση της Operretta σε ένα είδος ψυχαγωγίας φωτός είναι συνδεδεμένο.

Η επιθυμία να επιστρέψει το συνθετικό μουσικό και θεαματικό θέατρο βάθος και όγκο προκλήθηκε από τον περαιτέρω σχηματισμό και ανάπτυξη του είδους του μουσικού, στην οποία υπάρχουν το κείμενο, το πλαστικό και το μουσικό δράμα στην αναπόσπαστη ενότητα, χωρίς την κυρίαρχη πίεση οποιουδήποτε από αυτούς.

Κωμική όπερα στη Ρωσία.

Η ανάπτυξη του μουσικού θεάτρου στη Ρωσία το τελευταίο τρίτο του 18ου αιώνα. Με βάση τη δυτική ευρωπαϊκή τέχνη. Συγκεκριμένα, αυτό συνέβαλε στην ειδική τάση της Catherine II σε "εισερχόμενους" καλλιτέχνες. Εάν στο ρωσικό θεατρικό θέατρο, μέχρι τώρα, τα ονόματα των εγχώριων θεατρικών συγγραφέων A.SUMOKOV, Μ. Kharaskov, Ya.Knyazhnina, D.Fonsin κλπ., Ήταν ήδη γνωστές, οι παραστάσεις των σωλήνων μπαλέτου και όπερας βασίστηκαν μόνο σε έργα ξένων συγγραφέων. Μαζί με τις ρωσικές ερασιτεχνικές και επαγγελματικές ομάδες, για να περιηγηθείτε στο θάλαμο του Θεάτρου του Δικαστηρίου, η Catherine II, ο Ivan Elagin, ο οποίος ήταν υπεύθυνος για τη θεατρική "κράτη", προσκλήθηκε από τη γαλλική Opéra Comique και την ιταλική όπερα Buffa. Από πολλές απόψεις, οφείλεται επίσης στα εξαιρετικά συμφέροντα του επιρροή δικαστηρίου Catherine II (Prince Potemkin, ο αριθμός των Bezborodko et al.): Να κάνει τα μυθιστορήματα με ξένους ηθοποιούς τότε θεωρήθηκε ένας καλός τόνος.

Στο πλαίσιο αυτό, ο σχηματισμός της ρωσικής σχολής όπερας και η συνθετική σχολή της κοσμικής κατεύθυνσης πήγαν από το σχηματισμό μιας εθνικής κωμικής όπερας. Αυτή η πορεία είναι φυσική: είναι μια κωμική όπερα, λόγω της θεμελιωδώς δημοκρατικής της φύσης, δίνει τις μέγιστες δυνατότητες για την εκδήλωση της εθνικής αυτοσυνείδησης.

Η δημιουργία μιας κωμικής όπερας στη Ρωσία συνδέεται με τα ονόματα των συνθέτες V. Pashkevich ( Ατυχία από τη μεταφορά, 1779; Τσιγκούνης, 1782), E.Fomin ( Rashchiks στο podstaboo, ή το παιχνίδι χωρίς χώρο, 1787; Αμερικανοί, 1788), M.Matinsky ( Σαλόνι Αγίου Πετρούπολης, 1782). Η μουσική βασίστηκε στο πεπόνι των ρωσικών τραγουδιών. Η γραφική ερμηνεία χαρακτηρίζεται από την ελεύθερη εναλλαγή ενός ελάφια και μελωδικού τραγουδιού, ζωντανή ρεαλιστική ανάπτυξη λαϊκών χαρακτήρων και ζωής, στοιχεία κοινωνικής σάτιρας. Η πιο δημοφιλής ήταν η κωμική όπερα Melnik - Μάγος, Decheiver και Swat Στο Libretto του θεατρικού συγγραφέα A.AABESIMOVA (Composer - M.Sokolovsky, 1779. από το 1792 πραγματοποιήθηκε στη μουσική του E.Fomin). Αργότερα, η ρωσική κωμική όπερα (καθώς και οι ευρωπαϊκές ποικιλίες της) συμπληρώθηκε με λυρικά και ρομαντικά μοτίβα (συνθέτες Κ.Καβός - Ivan susanin, Νικήτς, Πυρκαγιά και τα λοιπά.; Α. Verstovsky - Pan tvardovsky, Askoldova Mogila και τα λοιπά.).

Η ρωσική κωμική όπερα σημάδεψε την αρχή του σχηματισμού 19 V. Δύο κατευθύνσεις του Εθνικού Θέατρο Μουσικής και Ψυχαγωγίας. Η πρώτη είναι μια κλασική ρωσική όπερα, μια ταχεία αύξηση της ανάπτυξης του οποίου οδηγήθηκε από το ταλέντο του M.Glinka, Α.Δargomyzhsky, M.Morusorgsky, Α. Corodina, Ν. Rimsky-Korsakov, Π. Tchaikovsky κλπ. Ωστόσο, μόνο κάποια μειωμένη μουσική τέχνη παρέμεινε σε αυτόν τον κλάδο της μουσικής τέχνης. Χαρακτηριστικά του αρχικού τύπου: Υποστήριξη για λαϊκή μελωδία και μεμονωμένα επεισόδια κωμωδίας. Γενικά, η ρωσική όπερα εισήλθε οργανικά στη συνολική παγκόσμια παράδοση των κλασικών όπερων.

Η δεύτερη κατεύθυνση διατήρησε σαφέστερα τα χαρακτηριστικά των ειδών της κωμωδίας. Πρόκειται για μια ρωσική πλωτή οδό, στην οποία ο διάλογος και η διασκεδαστική δράση, που χτίστηκε σε ένα αστείο ίντριγκα, συνδυάστηκαν με μουσική, αγορές και χορό. Με μια συγκεκριμένη λογική, η Ρωσική Waterville μπορεί να θεωρηθεί μια ποικιλία από "ελαφρύ είδος" της Ευρωπαϊκής Operretta, αλλά έχει τα δικά της χαρακτηριστικά. Η δραματική βάση του Waterville δεν είναι ένα Libretto, αλλά ένα καλό παιχνίδι που παίζεται. Για παράδειγμα, ένας από τους πρώτους ρώσους συγγραφείς του Waterville ήταν ο A.Griboyedov ( Την οικογένειά σας ή την παντρεμένη νύφη, σε συνεργασία με το A.Shovsky και Ν. Chmelnitsky, 1817. Ο οποίος είναι αδελφός που είναι αδελφή, ή εξαπάτηση για εξαπάτηση, σε συνεργασία με τον Π. Kindsky, 1923). Στο είδος του Waterville, Α. Πετρούπολη εργάστηκε, αργότερα - F. Koni, D.lenvsky (νερά του νερού του Lev Gurych Sichikkin Βρίσκεται σήμερα), V. Collogub, P.Kratygin κλπ. Έτσι, η βάση της ρωσικής πλωτής οδού δεν είναι η μουσική αλλά η λογοτεχνική δραματουργία, η μουσική παρέχεται επίσης με βοηθητικό ρόλο στις εκδόσεις plug-in. Στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα. Ο A.Hehkhov εισήγαγε τη συμβολή του στην ανάπτυξη του νερού Αρκούδα, Πρόταση, Επέτειος, Γάμος Κλπ.), την απόσυρση από το στατικό πλαίσιο του είδους και εμπλουτισμό των χαρακτήρων των φορέων.

Προσπάθειες να αναπτύξει ένα είδος κόμικς όπερας που βασίζεται στον συνδυασμό των παραδόσεων Operretta με λεπτομερή ψυχολογική ανάπτυξη χαρακτήρων, λήφθηκε στη Ρωσία στις αρχές του 20ού αιώνα, συμπεριλαμβανομένου του MKAT. Έτσι, ο Β. Meirirovich-Danchenko το 1919 δημιούργησε ένα μουσικό στούντιο (μια κωμική όπερα) και με τους ηθοποιούς του έβαλαν στη σκηνή MCAT Κόρη ενόργο Leckery I. Περικάρπιο Offenbach, επιλυθεί ως "melodrama-buff". Στις αρχές της δεκαετίας του '20, ο Nemirovich-Danchenko έβαλε τις κωμικές όπερες Λιστράτα Αριστοφάν, 1923; Καρμένιτη και στρατιώτες, 1924.

Στους σοβιετικούς χρόνους, ο σοσιαλιστικός ρεαλισμός διακήρυξε τη βασική αρχή της τέχνης, ο ορισμός του φρασμένου είδους της "Operetta" ήταν όλο και περισσότερο καλυμμένη από μια ουδέτερη "μουσική κωμωδία". Στην πραγματικότητα, στο πλαίσιο αυτού του γενικού όρου υπήρχαν πολλές ποικιλίες - από την κλασική Operretta σε όχι λιγότερο κλασικό υδροηλεκτρικό. Από τις προσεγγίσεις της τζαζ στο μουσικό για το Sonic Opero Brehtov. Ακόμη και η "αξιολύπητη κωμωδία" κλπ.

Το ενδιαφέρον των ρωσικών δραματικών καλλιτεχνών στο μουσικό θέατρο ήταν πάντα πολύ μεγάλο: προσελκύονταν να δοκιμάσουν τον εαυτό τους σε ένα νέο είδος, να αποκαλύψουν τις φωνητικές και πλαστικές ικανότητές τους. Ταυτόχρονα, ένα συνθετικό μουσικό είδος ήταν ιδιαίτερα ελκυστικό: το παραδοσιακό ρωσικό σχολείο που καλλιεργεί σταθερά τον ψυχολογισμό, όχι πολύ υποχρεωτικό για την Operetta ή Waterville. Η καταστροφή της "σιδερένιας κουρτίνας" και η είσοδος στην παγκόσμια ροή του πολιτισμού έδωσαν στη Ρωσία νέες ευκαιρίες για την ανάπτυξη του συνθετικού είδους του μουσικού, το οποίο κέρδισε ολόκληρο τον κόσμο αυτή τη στιγμή. Και σήμερα, λίγοι άνθρωποι θυμούνται ότι η ιστορία του πιο δημοφιλούς μουσικού είδους στον κόσμο ξεκίνησε το πρώτο μισό του 18ου αιώνα. με κωμική όπερα.

Tatyana Shabalina

Σκοπός:

• Την έννοια της ιδιαιτερότητας του είδους.
• Ουσία της όπερας
• Διάφορα υλοποίηση διαφόρων μορφών μουσικής

Καθήκοντα:

• Εκπαιδευτικός:
  Ασφαλίστε την έννοια του είδους: Όπερα.
• Ανάπτυξη:
  Το κύριο πράγμα στην όπερα είναι ανθρώπινοι χαρακτήρες, συναισθήματα και πάθη, συγκρούσεις και συγκρούσεις που μπορούν να αποκαλυφθούν από τη μουσική.
• Αναπτύσσω Η δυνατότητα να προβληματιστούν στη μουσική και τα έργα των συνθετών διαφορετικών εποχών.
• Εκπαιδευτικός:Απαντήστε στο ενδιαφέρον για το είδος - Όπερα, η επιθυμία να το ακούσετε όχι μόνο στο μάθημα, αλλά και έξω από αυτό.

Κατά τη διάρκεια των τάξεων

1. Μουσικοί ήχοι. J.B. Pergolesi. "Stabat mater dolorosa"

Σύκο. ένας

Μεταξύ των αμέτρητων θαυμάτων,
Τι μας παρουσιάζεται από την ίδια τη φύση,
Ένα είναι ασύγκριτο με τίποτα
Απώλειες κάθε έτη -

Δίνει μια απολιθωμένη απόλαυση της αγάπης
Και ζεσταίνει την ψυχή στη βροχή και το κρύο,
Επιστρέφουμε γλυκές μέρες
Όταν κάθε στεναγμός ήταν γεμάτος.

Μπροστά του είναι ίσοι και ο βασιλιάς -
Η τύχη του τραγουδιστή - να δώσει τον εαυτό σου, να καεί.
Στέλλεται από τον Θεό να κάνει καλό -
Πάνω από την ομορφιά δεν είναι ισχυρό θάνατο!
Ilya Korop.

- "Ο αιώνας XVIII ήταν ένας αιώνας ομορφιάς, ο XIX-αιώνας των συναισθημάτων και οι τελικοί του XX έγιναν ένας αιώνας καθαρής οδήγησης. Και ο θεατής έρχεται στο θέατρο όχι για την έννοια, όχι για τις ιδέες, αλλά να ταιριάζει με την ενέργεια, χρειάζεται σοκ. Ως εκ τούτου, η ζήτηση για ποπ κουλτούρα είναι περισσότερη ενέργεια από ό, τι στην κουλτούρα του ακαδημαϊκού. Το Bartoli μου είπαν ότι τραγουδάει την όπερα ως ροκ μουσική »και κατάλαβα το αίνιγμα της φανταστικής ενέργειας αυτού του μεγάλου τραγουδιστή. Η όπερα ήταν πάντα μια λαϊκή άποψη της τέχνης, στην Ιταλία, αναπτύχθηκε σχεδόν ως άθλημα - ο διαγωνισμός των τραγουδιστών. Και θα πρέπει να είναι δημοφιλής. " Valery kichin

Στη λογοτεχνία, τη μουσική και άλλες τέχνες κατά τη διάρκεια της ύπαρξής τους υπήρχαν διάφοροι τύποι έργων. Στη λογοτεχνία, αυτό, για παράδειγμα, ρωμαϊκή, ιστορία, ιστορία. Στην ποίηση - ποίημα, Sonnet, Ballad; Στην οπτική τέχνη - τοπίο, πορτρέτο, νεκρή φύση? Στη μουσική - Όπερα, Συμφωνία ... Η δημιουργία έργων εντός μιας τέχνης ονομάζεται γαλλικό είδος Word (είδος).

5. Τραγουδιστές. Κατά τη διάρκεια του 18ου αιώνα Η λατρεία του τραγουδιστή-βιρτουόζου - πρώτα στη Νάπολη, στη συνέχεια σε όλη την Ευρώπη. Αυτή τη στιγμή, το κόμμα του κύριου χαρακτήρα στην όπερα διεξήχθη από το αρσενικό σοπράνο - κάπνισμα, δηλαδή το timbre, της οποίας η φυσική αλλαγή σταμάτησε με ευνουχισμό. Οι τραγουδιστές-καστανοί έφεραν το εύρος και την κινητικότητα των ψήφων τους στα όρια του δυνατού. Τέτοια αστέρια όπερα, όπως η Castrat Pharinelly (Κ. ΜΠΑΡΟΣ, 1705-1782), των οποίων η σοπράνο σε ιστορίες υπερέβαινε τη δύναμη του σωλήνα ή τον Mezzo-Soprano F. Bordoni, για το οποίο θα μπορούσε να πει ότι θα μπορούσε να τραβήξει τον ήχο περισσότερο από όλους Υπό το πρίσμα των τραγουδιστών, εξαλείφονται πλήρως στην κυριαρχία αυτών των συνθετών των οποίων η μουσική έκαναν. Μερικοί από αυτούς αποτελούσαν όπερες και διαχειρίζονται σωλήνες όπερας (Pharinlli). Θεωρήθηκε ότι χορηγείται ότι οι τραγουδιστές είναι διακοσμημένοι με έναν συνθέτη συνθέτη με τα δικά τους αυτοσχέδια στολίδια, χωρίς να δίνουν προσοχή σε αυτό, κατάλληλα τέτοιες διακοσμήσεις στην κατάσταση της όπερας ή όχι. Ο ιδιοκτήτης οποιουδήποτε τύπου φωνής μελέτησε αναγκαστικά την απόδοση των γρήγορων χωρητών και των τυχαίων. Στις ρωσικές επιχειρήσεις, για παράδειγμα, η Tenor θα πρέπει να δική της τεχνική Coloratura δεν είναι χειρότερη από τη σοπράνο. Την αναβίωση αυτής της τέχνης τον 20ό αιώνα. επιτρέπεται να δώσει μια νέα ζωή στη διάφορη όπερα του Rossini.

Σύμφωνα με το φάσμα των ψήφων, οι τραγουδιστές της όπερας συνήθως χωρίζονται σε έξι τύπους. Τρεις θηλυκοί τύποι ψήφων, από ψηλά έως χαμηλά - σοπράνο, το mezzo-soprano, contralto (το τελευταίο σήμερα είναι σπάνια). Τρεις ανδρικές, baritone, μπάσο. Μέσα σε κάθε τύπο μπορεί να υπάρχουν διάφορα υποείδη ανάλογα με την ποιότητα της φωνής και το στυλ του τραγουδιού. Το Lyric-Coloratura Soprano διακρίνεται από μια ελαφριά και αποκλειστικά μετακινούμενη φωνή, οι τραγουδιστές αυτοί είναι σε θέση να εκτελέσουν τους επιβάτες του Virtuoso, γρήγορο γάμμα, λείπες και άλλες διακοσμήσεις. Lyrico-Dramatic (Lirico Spinto) Soprano - φωνή μεγάλης φωτεινότητας και ομορφιάς.

Το timbre της δραματικής σοπράνο είναι πλούσιο, ισχυρό. Η διαφορά μεταξύ λυρικών και δραματικών φωνών ισχύει και για τον Τενόρ. Οι λεκάνες υπογράμμισαν δύο κύριους τύπους: "τραγουδούν μπάσα" (Basso Cantante) για "σοβαρά" κόμματα και κόμικ (Basso Buffo).

Εργασία στους μαθητές. Προσδιορίστε - ποιος τύπος φωνής εκτελείται:

• Άγιος Βασίλης κόμμα - μπάσο
• Άνοιξη πάρτι - Mezzo-Soprano
• Snow Maiden Party - Soprano
• Κόμμα Lelya - Metzo Soprano ή πλαστά
• Mizgiy Party - Bariton

Η χορωδία στην όπερα ερμηνεύεται με διαφορετικούς τρόπους. Μπορεί να είναι ένα φόντο που δεν σχετίζεται με την κύρια ιστορία. Μερικές φορές ένα είδος σχόλια για το τι συμβαίνει? Οι καλλιτεχνικές του δυνατότητες επιτρέπουν να δείξουν τις μνημειώδεις εικόνες της ζωής του λαού, να προσδιορίσει τη σχέση μεταξύ του ήρωα και των μαζών (για παράδειγμα, ο ρόλος της χορωδίας στις λαϊκές μουσικές δράσεις Μ. Π. Mussorgsky "Boris Godunov" και "Handanshchina").

Ας ακούσουμε:

• Πρόλογος. Εικόνα πρώτα. Μ. Π. Mussorgsky "Boris Godunov"
• Εικόνα του δεύτερου. Μ. Π. Mussorgsky "Boris Godunov"

Εργασία στους μαθητές. Προσδιορίστε ποιος είναι ένας ήρωας και ο οποίος είναι μάζας.

Ο ήρωας είναι εδώ - Boris Godunov. Μάζα - άνθρωποι. Η ιδέα να γράψει μια όπερα στην οικόπεδο της ιστορικής τραγωδίας του Πούσκιν "Boris Godunov" (1825) Ο Mussorgsky κατέγραψε τον φίλο του, έναν εξέχοντα ιστορικό καθηγητή V. V. Nikolsky. Ο Mussorgsky εξαιρετικά γοητεύει την ευκαιρία να αποτρέψει το θέμα της σχέσης μεταξύ του βασιλιά και του λαού για το χρόνο του για το χρόνο του, να φέρει τους ανθρώπους ως κύριους δράσεις της Όπερας. "Θα καταλάβω τους ανθρώπους ως ένα μεγάλο πρόσωπο, μια κινούμενη ενιαία ιδέα", έγραψε. "Αυτό είναι το καθήκον μου, προσπάθησα να το λύσω στην όπερα".

6. Ορχήστρα. Στο μουσικό δράμα της όπερας, ένας μεγάλος ρόλος ανατίθεται στην ορχήστρα, η Συμφωνική Εκφόρτωση χρησιμεύει ως πλήρης αποκάλυψη εικόνων. Η Όπερα περιλαμβάνει επίσης ανεξάρτητα ορχηστρικά επεισόδια - μια εγγύηση, μια διακοπή (είσοδος σε ξεχωριστές πράξεις). Ένα άλλο στοιχείο του παιχνιδιού όπερας - μπαλέτο, χορογραφικές σκηνές, όπου οι πλαστικές εικόνες συνδυάζονται με μουσικά. Εάν οι τραγουδιστές οδηγούν στην παρουσίαση της όπερας, η ορχηστρική παρτίδα αποτελεί μια πλαισίωση, το θεμέλιο της δράσης, το οδηγεί προς τα εμπρός και προετοιμάζει τους ακροατές στα επόμενα γεγονότα. Η ορχήστρα υποστηρίζει τους τραγουδιστές, υπογραμμίζει την κορύφωση, γεμίζει τις λάκες του Libretto ή τις στιγμές της διακοσμητικής αλλαγής, τελικά ενεργεί στο συμπέρασμα της όπερας όταν η κουρτίνα μειώνεται. Ας ακούσουμε τη Rossini στην κωμωδία "Seville Berber" . Η μορφή της "αυτόνομης" overture opera έχει μειωθεί, και από την εμφάνιση "λαχτάρα" Η Bucchini (1900) της Overture θα μπορούσε να αντικατασταθεί από λίγες ενδιάμεσες χορδές. Σε μια σειρά από Operas 20 V. Γενικά, δεν υπάρχουν μουσικά παρασκευάσματα για δράση σκηνής. Αλλά δεδομένου ότι η ουσία της όπερας τραγουδά, οι υψηλότερες στιγμές του δράματος αντανακλώνται στην συμπληρωμένη μορφή της Αρίας, ένα ντουέτο και σε άλλες μορφές υπό όρους όπου η μουσική πηγαίνει στο προσκήνιο. Η Aria είναι παρόμοια με έναν μονόλογο, Duet - διάλογο, τα αντιφατικά συναισθήματα ενός από τους χαρακτήρες συνήθως ενσωματώνονται σε τρίο σε σχέση με δύο άλλους συμμετέχοντες. Με περαιτέρω επιπλοκή, προκύπτουν διαφορετικές μορφές σύνολο.

Ας ακούσουμε:

• Aria Gilda "Rigoletto" Verdi. Δράση 1ο. Ξεπερνώντας, το κορίτσι επαναλαμβάνει το όνομα του μυστηριώδους ανεμιστήρα ("Caro nome che il mio cor"? "Η καρδιά της χαράς είναι γεμάτη").
• Duet Gilda και Rigoletto "Rigoletto" Verdi. Δράση 1ο. ("Pari Siamo! Io La Lingua, EGLI HA IL PUGNALE". "Μαζί του είμαστε ίσοι: κατέχω τη λέξη, αλλά μαχαίρια").
• Κουαρτέτο στο Rigoletto Verdi. Δράση 3rd. (Κουέτα "Bella Figlia Dell" Amore ";" Σχετικά με την Ομορφιά είναι Young ").
• Sextet στο "Lucia di Lammermur" Donizetti

Η εισαγωγή τέτοιων εντύπων συνήθως σταματά τη δράση να δώσει ένα μέρος για την ανάπτυξη ενός (ή αρκετές) συναισθήματα. Μόνο μια ομάδα τραγουδιστών, σε συνδυασμό σε ένα σύνολο, μπορεί να εκφράσει αρκετές απόψεις ταυτόχρονα στις εκδηλώσεις. Μερικές φορές στο ρόλο των σχολιαστών Οι δράσεις των ηρώων της Όπερας είναι χορωδία. Βασικά, το κείμενο στην χορωδία της όπερας προφέρεται σχετικά αργή, οι φράσεις επαναλαμβάνονται συχνά για να κάνουν το περιεχόμενο του κατανοητή ακροατή.

Όχι σε όλες τις λειτουργίες μπορείτε να περάσετε μια σαφή γραμμή μεταξύ της αιτιολογικής και της αρυγίας. Το Wagner, για παράδειγμα, αρνήθηκε ολοκληρωμένες φωνητικές μορφές, έχοντας το στόχο της συνεχούς ανάπτυξης της μουσικής δράσης. Αυτή η καινοτομία παραλήφθηκε με διάφορες τροποποιήσεις, ένας αριθμός συνθέτες. Στο ρωσικό έδαφος, η ιδέα ενός συνεχούς "μουσικού δράματος", ανεξάρτητα από τον Wagner, δοκιμάστηκε για πρώτη φορά από το Asdargomyzhsky στον "Stamon Guest" και το Mpmorusorgsky στο "γάμο" - κάλεσαν αυτή τη μορφή "συνομιλητική όπερα", Διάλογος όπερας.

7. Θέατρα όπερας.

• Η "όπερα" του Παρισιού (στη Ρωσία το όνομα "Grand Opera" ήταν εδραιωμένη) προοριζόταν για ένα φωτεινό θέαμα (Εικ. 2).
• Το "Σπίτι των επίσημων αντιπροσωπείων" (Festspielhaus) στην βαυαρική πόλη Bayreuth δημιουργήθηκε από το Wagner το 1876 για την παραγωγή του επικού του "μουσικού δράματος".
• Το κτίριο "Μητροπολιτική Όπερα" στη Νέα Υόρκη (1883) σχεδιάστηκε ως βιτρίνα για τους καλύτερους τραγουδιστές του κόσμου και για τους αξιοσημείωτους συνδρομητές των ψεμάτων.
• Olimpiko (1583), που χτίστηκε από το Α. Palladio στη Vicenza. Η αρχιτεκτονική του είναι μια αντανάκλαση της μπαρόκ εποχής της μπαρόκ κοινωνίας - έχει ένα χαρακτηριστικό σχέδιο πέταλο, όπου οι γύρω από τα ψέματα αποκλίνουν τον ανεμιστήρα από το κέντρο - το Royal Lodge.
• Θέατρο "La Scala" (1788, Μιλάνο)
• "San Carlo" (1737, Νάπολη)
• "Covent Garden" (1858, Λονδίνο)
• Brooklyn Music Academy (1908) Αμερική
• Όπερα στο Σαν Φρανσίσκο (1932)
• Όπερα στο Σικάγο (1920)
• Νέο κτίριο "Μητροπολιτική Όπερα" στο κέντρο της Νέας Υόρκης Λίνκολν (1966)
• Όπερα Σίδνεϊ (1973, Αυστραλία).

Σύκο. 2.

Έτσι - η όπερα κυβερνήθηκε σε όλο τον κόσμο.

Στην εποχή της όπερας Monteverdi κέρδισε γρήγορα τις μεγάλες πόλεις της Ιταλίας.

Ρομαντική όπερα στην Ιταλία

Η ιταλική επιρροή έχει φτάσει ακόμη και στην Αγγλία.

Όπως μια πρώιμη ιταλική όπερα, τα γαλλικά μεσαία 16 in. Προχώρησε από την επιθυμία να αναβιώσει την αρχαία ελληνική θεατρική αισθητική.

Εάν ένα θέαμα τοποθετήθηκε στο κεφάλι της γωνίας στη Γαλλία, στη συνέχεια στην υπόλοιπη Ευρώπη - Aria. Το κέντρο της δραστηριότητας της όπερας σε αυτό το στάδιο ήταν η Νάπολη.

Ένας άλλος τύπος όπερας προέκυψε από τη Νάπολη - Opera - Buffa (Opera - Buffa), η οποία προέκυψε ως κανονική απάντηση στην όπερα - Seria. Το πάθος για αυτόν τον τύπο όπερας καλύπτει γρήγορα την πόλη της Ευρώπης - Βιέννη, το Παρίσι, το Λονδίνο. Ρομαντική όπερα στη Γαλλία.

Η όπερα Ballad επηρέασε το σχηματισμό της γερμανικής κωμικής όπερας - Zingspil. Ρομαντική όπερα στη Γερμανία.

Ρωσική όπερα της εποχής του ρομαντισμού.

Η "Τσεχική Όπερα" είναι ένας όρος υπό όρους υπό την οποία προορίζονται δύο αντίθετες καλλιτεχνικές κατευθύνσεις: ο Proorus στη Σλοβακία και το Proorman στην Τσεχική Δημοκρατία.

Αρχική εργασίες στους μαθητές. Κάθε φοιτητής δίνεται μια εργασία για να εξοικειωθεί με τη δημιουργικότητα του συνθέτη (προαιρετικά), όπου η όπερα άκμασε. Δηλα , Donzetti, J. Verdy, R. Lyonkallo, J. Pucchini, R. Vagner, Ph.D. West, L. Wang Beethoven, R. Straus, J. Meyerber, Gllyoz, J. Bizé, Sh. Guno, J. Offenbach, K. Sen-Sans, L. Odib, J. Massna, Κ. Herbissi, Mpmorusorgsky, Mp Glinka, Na Rimsky-Korsakov, AP Borodin, Pi Tchaikovsky, Ssprokoviev, DD Shostakovich, Antonin Dvarak, Bedřichich Smetana, Leosh Yanachek, Β. B. Britten, Karl Orf, F. Pulenk, I.F. Sadvinsky

8. Διάσημοι τραγουδιστές της όπερας.

• Gobby, Tito, Domingo, Placido
• Callas, Μαρία (Εικ. 3) .
• Caruso, Enrico, Korelli, Franco
• Pavarotti, Luciano, Patti, Adeline
• Σκόττο, Ρενάτα, Tealdi, Ρενάτα
• Shalyapin, Fedor Ivanovich, Schwarzkopf, Elizabeth

Σύκο. 3.

9. Η υλοποίηση και η νεωτερικότητα της όπερας.

Η όπερα είναι ένα αρκετά συντηρητικό είδος στη φύση. Αυτό οφείλεται στο γεγονός ότι υπάρχει μια αιώνες παλιά παράδοση λόγω των τεχνικών δυνατοτήτων εκτέλεσης. Με την ανθεκτικότητα της, αυτό το είδος πρέπει να είναι μεγάλη επίδραση στον ακροατή λόγω της σύνθεσης πολλών τεχνών που μπορεί να παράγει την εντύπωση από μόνη της. Από την άλλη πλευρά, η όπερα είναι ένα εξαιρετικά έντονο εντατικό είδος, δεν είναι περίεργο η λέξη "όπερα" στα μεταφρασμένα από τα λατινικά σημαίνει "εργασία": έχει τη μεγαλύτερη διάρκεια όλων των μουσικών ειδών, απαιτεί υψηλής ποιότητας διακοσμήσεις για ρύθμιση, μέγιστο Ικανότητα των τραγουδιστών για την απόδοση και τις περιπλοκές υψηλών επιπέδων. Έτσι, η όπερα είναι το όριο στον οποίο η τέχνη επιδιώκει να κάνει μια μέγιστη εντύπωση του κοινού όταν χρησιμοποιεί όλους τους διαθέσιμους πόρους. Ωστόσο, λόγω του συντηρητισμού του είδους, αυτό το σύνολο πόρων είναι μικρή επέκταση: δεν μπορεί να ειπωθεί ότι κατά τις τελευταίες δεκαετίες η σύνθεση της συμφωνίας ορχήστρας δεν έχει αλλάξει καθόλου, αλλά η όλη βάση παρέμεινε η ίδια. Η φωνητική τεχνική που σχετίζεται με την ανάγκη υψηλής ισχύος στην εκτέλεση της όπερας στις αλλαγές της σκηνής. Η μουσική είναι περιορισμένη στην κίνηση του από αυτούς τους πόρους.

Η παρουσίαση σκηνής με αυτή την έννοια είναι πιο δυναμικά: Μπορείτε να βάλετε μια κλασική όπερα στο avant-garde στυλ χωρίς να αλλάξετε τυχόν σημειώσεις στο σκορ. Συνήθως πιστεύεται ότι στην όπερα, η κύρια μουσική και ως εκ τούτου το αρχικό σχέδιο που δεν μπορεί να καταστρέψει το αριστούργημα. Ωστόσο, συνήθως δεν λειτουργεί. Η όπερα είναι συνθετική τέχνη και η σκηνογραφία είναι σημαντική. Στάση, που δεν αντιστοιχεί στο πνεύμα της μουσικής και το οικόπεδο θεωρείται ως περίβολο αλλοδαπού προϊόντος. Έτσι, η κλασσική όπερα συχνά δεν ανταποκρίνεται στις ανάγκες του διευθυντή που θέλουν να εκφράσουν τις σύγχρονες διαθέσεις στη σκηνή του μουσικού θεάτρου και κάτι που απαιτείται κάτι νέο.

Η πρώτη λύση αυτού του προβλήματος είναι ένα μουσικό.

Η δεύτερη επιλογή είναι μια σύγχρονη όπερα.

Υπάρχουν τρεις βαθμοί μουσικής περιεχομένου.

• Ψυχαγωγία . Αυτή η επιλογή είναι αδιάφορη, καθώς αρκεί να χρησιμοποιηθούν έτοιμα κανόνες για την εφαρμογή του, ειδικά επειδή δεν συμμορφώνεται με τις απαιτήσεις για τη σύγχρονη όπερα.
• Ενδιαφέρον. Σε αυτή την περίπτωση, το έργο φέρνει τον ακροατή στην απόλαυση λόγω της εφευρετικότητας του συνθέτη, η οποία βρήκε την αρχική και πιο εντυπωσιακή πορεία της επίλυσης ενός καλλιτεχνικού προβλήματος.
• Βάθος.Η μουσική μπορεί να εκφράσει υψηλά συναισθήματα που δίνουν την εσωτερική αρμονία του ακροατή. Εδώ αντιμετωπίζουμε το γεγονός ότι η σύγχρονη όπερα δεν πρέπει να βλάψει την ψυχική κατάσταση. Αυτό είναι πολύ σημαντικό, δεδομένου ότι, παρά τα υψηλά καλλιτεχνικά πλεονεκτήματα, η μουσική μπορεί να περιέχει χαρακτηριστικά που είναι απαρατήρητα από τη βούληση του ακροατή. Έτσι, είναι ευρέως γνωστό ότι ο Sibelius συμβάλλει στην τάση κατάθλιψης και αυτοκτονίας και ο Wagner είναι εσωτερική επιθετικότητα.

Η αξία της σύγχρονης όπερας είναι ακριβώς σε συνδυασμό σύγχρονων τεχνολογιών και φρέσκου ήχου με υψηλά καλλιτεχνικά πλεονεκτήματα που χαρακτηρίζουν καθόλου την όπερα. Αυτός είναι ένας από τους τρόπους για να συμβιβαστείτε την επιθυμία να εκφράσετε στην τέχνη. Οι σύγχρονες διαθέσεις με την ανάγκη συμμόρφωσης με την καθαρότητα των κλασικών.

Η τέλεια φωνητική, με βάση τις πολιτιστικές ρίζες, να διαθλαστεί στη Σχολή Λαϊκού Τραγουδώντας στην ατομικότητά του και μπορεί να χρησιμεύσει ως βάση για τον μοναδικό ήχο της σύγχρονης όπερας γραμμένο για συγκεκριμένους καλλιτέχνες.

Μπορείτε να γράψετε ένα αριστούργημα που δεν ταιριάζει στο πλαίσιο οποιασδήποτε θεωρίας, αλλά ακούγεται μεγάλη. Αλλά γι 'αυτό, πρέπει ακόμα να ικανοποιήσει τις απαιτήσεις της αντίληψης. Οι κανόνες, όπως και κάθε άλλο, μπορούν να σπάσουν.

Αρχική εργασίες στους μαθητές. Κύρωση των χαρακτηριστικών χαρακτηριστικών του συνθέτη στυλ έργων των ρωσικών συνθετών, δυτικών ευρωπαϊκών και σύγχρονων συνθετών. Ανάλυση μουσικών έργων (στο παράδειγμα της όπερας).

Μεταχειρισμένα βιβλία:

1. Malinina E.M.Φωνητική εκπαίδευση των παιδιών. - Μ., 1967.
2. Kabalevsky D.B. Μουσικό πρόγραμμα στη δευτεροβάθμια εκπαίδευση. - Μ., 1982.
3. R. Σειρά "Ζωή των Μεγάλων Συνθετών". LLP "Pomatturn". Μ., 1996.
4. Μακρόββα Ε.Υ. Όπερα στην κουλτούρα της Γερμανίας το δεύτερο μισό του εικοστού αιώνα. Αγία Πετρούπολη, 1998.
5. Simon G.U. Εκατό μεγάλες όπερες και τα οικόπεδα τους. Μ., 1998.
6. Yaroslavtseva L.K.ΛΥΡΙΚΗ ΣΚΗΝΗ. Τραγουδιστές. Φωνητικά σχολεία της Ιταλίας, Γαλλία, Γερμανία XVII - XX αιώνες. - "Εκδοτικός οίκος" Golden Fleece ", 2004
7. Dmitriev L.B. Σολίστες του θεάτρου "La Scala" για τη φωνητική τέχνη: διαλόγους σχετικά με την τεχνική τραγουδιού. - Μ., 2002.

Ρωσική όπερα. Ρωσική Σχολή Όπερας - μαζί με την Ιταλική, Γερμανική, Γαλλική - έχει παγκόσμια αξία. Κυρίως αυτό ισχύει για μια σειρά από όπερες που δημιουργήθηκαν κατά το δεύτερο μισό του 19ου αιώνα, καθώς και πολλά γραπτά 20 V. Μια από τις πιο δημοφιλείς όπερες στην παγκόσμια σκηνή στα τέλη του 20ού αιώνα. - Boris godunov Mpmorgsky, συχνά βάζει Κορυφή κυρία P.I. Tchaikovsky (λιγότερο συχνά οι όπερες του, κυρίως Eugene onegin) Οι μεγάλες χρήσεις φήμης Πρίγκιπας Igor Α.Ρ. Borodina; Από 15 Operas N.A. Rimsky-Korsakov εμφανίζεται τακτικά Το χρυσό κοκτέιλ. Μεταξύ της Όπερας 20 αιώνα. το πιο ρεπερτόριο Πυρκαγιά S.S.Prokofieva I. Lady Macbeth Mtsensky County D.D.Shostakovich. Φυσικά, δεν εξαντλεί τον πλούτο της Εθνικής Σχολής Όπερας. δείτε επίσης ΛΥΡΙΚΗ ΣΚΗΝΗ.

Την εμφάνιση της όπερας στη Ρωσία (18ος αιώνας). Η όπερα ήταν ένα από τα πρώτα δυτικά είδη της Δυτικής Ευρώπης που εξασφάλισαν στο ρωσικό έδαφος. Ήδη στη δεκαετία του 1730, δημιουργήθηκε μια ιταλική όπερα για το οποίο η γραφή των αλλοδαπών που εργάστηκαν στη Ρωσία ( εκ. Ρωσική μουσική). Κατά το δεύτερο εξάμηνο του αιώνα, εμφανίζονται οι δημόσιες επιδόσεις της όπερας. Η όπερα τίθεται επίσης σε θέατρα φρούρια. Η πρώτη ρωσική όπερα θεωρείται Melnik - Μάγος, Decheiver και Swat Ο Μιχαήλ Mateyevich Sokolovsky στο κείμενο του A.O.abelsimova (1779) - μια οικιακή κωμωδία με μουσικούς αριθμούς ενός χαρακτήρα τραγουδιού, το οποίο δημοσίευσε την αρχή πολλών δημοφιλών έργων αυτού του είδους - την πρόωρη κόμικς. Μεταξύ αυτών είναι η όπερα Vasily Alekseevich Pashkevich (περίπου 1742-1797) ( Τσιγκούνης, 1782; Σαλόνι Αγίου Πετρούπολης, 1792; Ατυχία από τη μεταφορά, 1779) και Evstigna Ipatovich Fomina (1761-1800) ( Σκωτία στο superab, 1787; Αμερικανοί1788). Στο είδος της σειράς όπερας, δύο έργα του μεγαλύτερου συνθέτη αυτής της περιόδου Dmitry Stepanovich Bortztyansky (1751-1825) για το γαλλικό Libretto - Γεράκι (1786) και Γιος αντίπαλος, ή το σύγχρονο strathonik (1787) · Οι ενδιαφέρουσες εμπειρίες είναι τα είδη μελοδράματος και μουσικής στο δραματικό φασματικό.

Όπερα στο Glinka (19 V). Τον επόμενο αιώνα, η δημοτικότητα στη Ρωσία είναι ένα είδος όπερας ακόμα πιο αυξανόμενο. Η όπερα ήταν η κορυφή των φιλοδοξών των ρωσικών συνθέσεων του 19ου αιώνα και ακόμη και εκείνοι που δεν άφησαν κανένα δοκίμιο σε αυτό το είδος (για παράδειγμα, Μ.Α. Μπαλακείβ, Α.Κ.ΛΑΔΟΒ), εδώ και πολλά χρόνια αυτά ή άλλα έργα όπερας. Οι λόγοι για αυτό είναι σαφείς: πρώτον, η όπερα, όπως σημείωσε ο Τσαγόβσκι, ήταν ένα είδος που έδωσε την ευκαιρία να «μιλήσει η μαζική γλώσσα». Δεύτερον, η όπερα επέτρεψε την καλλιτεχνική επισήμανση των μεγάλων ιδεολογικών, ιστορικών, ψυχολογικών και άλλων προβλημάτων που κατέλαβαν το μυαλό του ρωσικού λαού στις 19 · Τέλος, σε μια νεαρή επαγγελματική κουλτούρα υπήρχε μια ισχυρή βαρύτητα στα είδη, η οποία περιλάμβανε τη λέξη, η σκηνή μετακίνηση με μουσική, ζωγραφική. Επιπλέον, μια συγκεκριμένη παράδοση ήταν ήδη μια κληρονομιά αριστερά στο μουσικό και θεατρικό είδος των 18 V.

Τις πρώτες δεκαετίες του 19ου αιώνα. Το δικαστήριο και το ιδιωτικό θέατρο πέθαναν

Το μονοπώλιο επικεντρώθηκε στα χέρια του κράτους. Η μουσική και η θεατρική ζωή και των δύο κεφαλαίων ήταν πολύ απασχολημένος: το πρώτο τρίμηνο ενός αιώνα - η εποχή της ακμή του ρωσικού μπαλέτου. Στη δεκαετία του 1800 υπήρχαν τέσσερις θεατρικές μονάδες στην Αγία Πετρούπολη - Ρωσικά, Γαλλικά, Γερμανικά και Ιταλικά, τα οποία τα τρία πρώτα τέθηκαν και η δράμα και η όπερα, η τελευταία - μόνο η όπερα. Μερικά ο Θρόπος εργάστηκε στη Μόσχα. Η ιταλική επιχειρηματία ήταν η πιο σταθερή - ακόμη και στις αρχές της δεκαετίας του 1870, ο νεαρός Τσαγόβσκι, ο οποίος πέρασε σε ένα κρίσιμο πεδίο, αναγκάστηκε να αγωνιστεί για την αξιοπρεπή θέση της ρωσικής όπερας της Μόσχας σε σύγκριση με την ιταλική. Raek Ο Mussorgsky, σε ένα από τα επεισόδια των οποίων το πάθος του δημόσιου κοινού της Πετρούπολης και της κριτικής των διάσημων ιταλών τραγουδιστών γράφεται επίσης στη στροφή της δεκαετίας του 1870.

Η ρωσική όπερα είναι η πιο πολύτιμη συμβολή στο θησαυροφυλάκιο του παγκόσμιου μουσικού θεάτρου. Παρατηρώντας την εποχή της κλασικής Heyday ιταλική, γαλλική και γερμανική όπερα, ρωσική όπερα στο XIX αιώνα. Όχι μόνο παγιδευτεί με άλλα εθνικά σχολεία της Όπερας, αλλά και μπροστά τους. Η πολυμερής φύση της ανάπτυξης του ρωσικού θεάτρου της Όπερας στο XIX αιώνα. συνέβαλε στον εμπλουτισμό της παγκόσμιας ρεαλιστικής τέχνης. Τα έργα των ρωσικών συνθέσεων άνοιξαν έναν νέο χώρο δημιουργικότητας της όπερας, υπήρχαν νέα περιεχόμενα, νέες αρχές για την οικοδόμηση μουσικού δράματος, φέρνοντας την όπερα τέχνης σε άλλους τύπους μουσικής δημιουργικότητας, κυρίως για τη Συμφωνική.

Η ιστορία της ρωσικής κλασικής όπερας είναι άρρηκτα συνδεδεμένη με την ανάπτυξη της κοινωνικής ζωής της Ρωσίας, με την ανάπτυξη προηγμένης ρωσικής σκέψης. Η όπερα ήταν ήδη διαφορετική σε αυτές τις συνδέσεις που ήδη στο XVIII αιώνα, που προκύπτουν από ένα εθνικό φαινόμενο στη δεκαετία του '70., ΕΠΟΧΗ ΤΗΣ ΑΝΑΠΤΥΞΗΣ ΤΗΣ ΡΩΣΗΣ ΕΚΠΑΙΔΕΥΣΗΣ. Ο σχηματισμός της ρωσικής σχολής όπερας ήταν υπό την επίδραση των εκπαιδευτικών ιδεών, εκφράζεται στην επιθυμία να απεικονίσει ειλικρινά τη λαϊκή ζωή.

Έτσι, η ρωσική όπερα από το πρώτο από τα βήματα του γίνεται ως δημοκρατική τέχνη. Τα οικόπεδα των πρώτων ρωσικών όπερων παρουσιάζουν συχνά ιδέες κατά των ανανέωσης που χαρακτηρίζουν το ρωσικό δραματικό θέατρο και τη ρωσική λογοτεχνία στο τέλος του αιώνα XVIII. Ωστόσο, αυτές οι τάσεις στη συνέχεια δεν έχουν ακόμη βρεθεί σε ένα σταθερό σύστημα, εκφράζονταν εμπειρικά σε σκηνές από τη ζωή των αγροτών, στην εκπομπή της καταπίεσης από τους γαιοκτήμονες τους, στην σατιρική εικόνα της ευγένειας. Αυτά είναι τα οικόπεδα των πρώτων σκουριάς: "ατυχία από τη μεταφορά" V. Α. Pashkevich (περίπου 1742- 1797), Libretto Ya. Β. Printjinina (Post, το 1779). "Yamchiki on the isab" Ε. Ι. Fomina (1761-1800). Στην όπερα "Melnik - Μάγος, ένας εξαφυλιστής και η SWAT" με το κείμενο της AO Ablessova και τη μουσική του MM Sokolovsky (στη δεύτερη έκδοση - Ei Fomin) εξέφρασαν την ιδέα της ευγένειας της γης του χώρου Landpasher και του ευγένεια του βιογραφικού σημειώματος. Στην όπερα M. A. Matinsky - V. A. Pashkevich "Αγία Πετρούπολη Gostiny Dvor" σε μια σατιρική μορφή που αποσύρεται μια ανανέωση και επίσημη δωροδοκία.

Οι πρώτες ρωσικές όπερες παίζουν με μουσικά επεισόδια κατά τη διάρκεια της δράσης. Οι ομιλούμενες σκηνές είχαν πολύ σημαντικό σε αυτά. Η μουσική της πρώτης όπερας συνδέθηκε στενά με το ρωσικό λαϊκό τραγούδι: οι συνθέτες χρησιμοποίησαν ευρέως τις μελωδίες των υφιστάμενων λαϊκών τραγουδιών, τα επεξεργάστηκαν με τη βάση της όπερας. Στο "Melnik", για παράδειγμα, όλα τα χαρακτηριστικά των ηθοποιών δίνονται με τη βοήθεια λαϊκών τραγουδιών διαφόρων χαρακτήρων. Στην όπερα "Αγία Πετρούπολη" με μεγάλη ακρίβεια αναπαραχθεί τη γαμήλια τελετή των ανθρώπων. Στις "ράβδοι για το ντεκόκ", η Foto δημιούργησε το πρώτο δείγμα της Σχολής Χορωδίας Λαϊκής Χορωδίας, καθορίζοντας έτσι μία από τις τυπικές παραδόσεις της μεταγενέστερης ρωσικής όπερας.

Η ρωσική όπερα αναπτύχθηκε στον αγώνα για την εθνική της ιδιαιτερότητα. Η πολιτική της βασιλικής αυλής και οι κορυφές της ευγενής κοινωνίας, που επιτρέπει στο ξένο θρόβι, στρέφεται κατά της δημοκρατίας της ρωσικής τέχνης. Οι ηγέτες της ρωσικής όπερας έπρεπε να μάθουν την ικανότητα της όπερας των δειγμάτων της Δυτικής Ευρώπης και ταυτόχρονα υπερασπίζονται την ανεξαρτησία της εθνικής προορισμού τους. Αυτός ο αγώνας για πολλά χρόνια έχει γίνει προϋπόθεση για την ύπαρξη μιας ρωσικής όπερας, λαμβάνοντας νέες μορφές σε νέα στάδια.

Μαζί με την κωμωδία της όπερας στο XVIII αιώνα. Άλλα είδη όπερας εμφανίστηκαν. Το 1790, στην αυλή, πραγματοποιήθηκε μια ιδέα του τίτλου "πρωτογενής διαχείριση του Oleg", το κείμενο στο οποίο έγραψε ο Empress Ekaterina II, και οι συνθέτες συνθέτες C. Kanobbio, J. Sarti και V. A. Pashkevich, ήταν ο συνθέτης, οστερολόγος Χαρακτήρας και σε κάποιο βαθμό μπορεί να θεωρηθεί το πρώτο μοντέλο ενός μουσικού και ιστορικού είδους, τόσο συνηθισμένο στο XIX αιώνα. Στο έργο ενός εξαιρετικού ρωσικού συνθέτη DS Bortnyansky (1751-1825), το είδος της όπερας αντιπροσωπεύεται από τους λυρικούς φορείς "Falcon" και "γιος-αντίπαλος", της οποίας η μουσική στην ανάπτυξη μορφών όπερας και δεξιότητες μπορεί να τεθεί σε ένα Σειρά με σύγχρονα δείγματα της Δυτικής Ευρώπης Όπερα.

Η Όπερα απολαμβάνει στο XVIII αιώνα. μεγάλη δημοτικότητα. Σταδιακά, η όπερα από την πρωτεύουσα διείσδυσε τα θεάτρα του Manor. Θέατρο φρουρίου στη στροφή των XVIII και XIX αιώνες. Δίνει χωριστά εξαιρετικά καλλιτεχνικά δείγματα της όπερας και των μεμονωμένων ρόλων. Οι ταλαντούχοι ρωσικοί τραγουδιστές και οι ηθοποιοί, όπως, για παράδειγμα, τραγουδιστής Ε. Σαντούνβα, μιλώντας στη μητροπολιτική σκηνή, ή μια ηθοποιός Serf Sheremetyeva P. Zhemchugova.

Καλλιτεχνικά επιτεύγματα της ρωσικής όπερας XVIII αιώνα. Έδωσαν ώθηση στην ταχεία ανάπτυξη του μουσικού θεάτρου στη Ρωσία κατά το πρώτο τρίμηνο του 19ου αιώνα.

Οι σύνδεσμοι του ρωσικού μουσικού θεάτρου με τον καθορισμό της πνευματικής ζωής της εποχής των ιδεών ενταθούν ιδιαίτερα κατά τη διάρκεια του πατριωτικού πολέμου του 1812 και κατά τη διάρκεια των ετών του Κινητήρα Decembrist. Το θέμα του πατριωτισμού, που αντικατοπτρίζεται σε ιστορικά και σύγχρονα οικόπεδα, γίνεται η βάση πολλών δραματικών και μουσικών παρασκληρίων. Οι ιδέες του ανθρωπισμού, διαμαρτυρηθούν κατά της κοινωνικής ανισότητας εμπνέουν και γονιμοποιούν τη θεατρική τέχνη.

Στην αρχή του 19ου αιώνα. Δεν μπορούμε ακόμα να μιλήσουμε για την όπερα στην πλήρη αξία αυτής της λέξης. Τα μικτά είδη διαδραματίζουν μεγάλο ρόλο στο ρωσικό μουσικό θέατρο: τραγωδία με μουσική, Waterville, κωμική όπερα, μπαλέτο όπερας. Για να Glinka, η ρωσική όπερα δεν γνώριζε τα έργα, η δραματουργία των οποίων θα ανακουφίσει μόνο τη μουσική χωρίς συνομιλητικά επεισόδια.

Ο Ο. Ο Kozlovsky ήταν ένας εξαιρετικός συνθέτης (1757-1831), δημιουργώντας μουσική για τις τραγωδίες του Ozerov, Katrenina, Shakhovsky. Στο είδος του Waterville, οι συνθέτες Α. Alyabyev (1787-1851) Λοιπόν, Α. Ν. Verst, εργάστηκε με επιτυχία (1799-1862), γράφοντας μουσική σε πολλά νερά νερού χιουμοριστικού και σατυρικού περιεχομένου.

Η όπερα άρχισε το XIX αιώνα. ανέπτυξε την παράδοση της προηγούμενης περιόδου. Χαρακτηριστικό φαινόμενο ήταν οικιακές παραστάσεις, συνοδευόμενες από λαϊκά τραγούδια. Παραδείγματα αυτού του είδους μπορούν να χρησιμεύσουν ως υποβολή: "τρύπες", "συγκεντρώσεις", "girlnik", κλπ., Η μουσική στην οποία έγραψε συνθέτη-ερασιτέχνες Α. Ν. Τίβι (1769-1827). Αλλά αυτό δεν εξαντλείται από την πλούσια θεατρική ζωή της εποχής. Οι ρομαντικές τάσεις στο χόμπι της κοινωνίας με υπέροχες φανταστικές παραστάσεις για εκείνη την εποχή. Η γοργόνα Dniprovskaya ("Lesta"), η οποία είχε πολλά μέρη που χρησιμοποιούσαν ειδική επιτυχία. Μουσική σε αυτές τις λειτουργίες, που θα ήταν ο επικεφαλής του μυθιστορήματος, έγραψε συνθέτες Σ. Ι. Νταβυδόφ, Κ. Α. Καβός; Χρησιμοποιήθηκε εν μέρει τη μουσική του Αυστριακού Συνθέτη Kauer. Ο Dnipro γοργόνα δεν κράτησε πολύ καιρό πριν από τη σκηνή όχι μόνο λόγω της άσκησης του οικοπέδου, στα κύρια χαρακτηριστικά της πρόβλεψης του οικόπεδο των Γοργόνων Πούσκιν, όχι μόνο χάρη στην πολυτελή παραγωγή, αλλά και χάρη στην μελωδική, απλή και προσβάσιμη μουσική .

Ιταλός συνθέτης Κ. Α. Καβοσού (1775-1840), από την νεαρή ηλικία που εργάστηκε στη Ρωσία και ο οποίος έκανε μεγάλη δύναμη να αναπτύξει ρωσικές επιδόσεις της όπερας, ανήκει στην πρώτη προσπάθεια δημιουργίας μιας ιστορικής και ηρωικής όπερας. Το 1815 έβαλε την όπερα Ιβάν Susanin στην Αγία Πετρούπολη, στην οποία, με βάση ένα από τα επεισόδια του αγώνα του ρωσικού λαού κατά της πολωνικής εισβολής στην αρχή του XVII αιώνα, προσπάθησε να δημιουργήσει μια εθνική πατριωτική απόδοση. Αυτή η όπερα απάντησε στα συναισθήματα της εταιρείας, ο οποίος επέζησε τον απελευθέριο πόλεμο εναντίον του Ναπολέων του Κάβου, είναι πλεονεκτικό να διαθέτουμε την ικανότητα του μουσικού μουσικού, να υποστηρίξει τη ρωσική λαογραφία, τη ζωντάνια της δράσης μεταξύ των σύγχρονων έργων. Παρ 'όλα αυτά, δεν αυξάνεται πάνω από το επίπεδο των πολυάριθμων «όπερων της σωτηρίας» των γαλλικών συνθετών που περπατούν στην ίδια σκηνή. Ο Κάβος δεν μπορούσε να δημιουργήσει τραγική επόπτη ενός λαού, το οποίο δημιούργησε σε είκοσι χρόνια glinka, χρησιμοποιώντας την ίδια ιστορία.

Ο μεγαλύτερος συνθέτης του πρώτου τρίτου του 19ου αιώνα. Α. Ν. Verstoreky, που αναφέρεται ως ο συγγραφέας της μουσικής για τον Waterville. Ο όπερας του "Pan TVARDOVSKY" (POST, το 1828), το Askoldova Mogila (Post, το 1835), ο Vadim (το 1832) και άλλοι αποτελούσαν ένα νέο στάδιο στην ανάπτυξη της ρωσικής όπερας στο Glinka. Τα δημιουργικά χαρακτηριστικά του ρωσικού ρομαντισμού αντανακλάται στα έργα των γιλέκων. Οι ρωσικές παλαιότερες, ποιητικές παραδόσεις του Kievan Rus, τα παραμύθια και οι μύθοι βασίζονται στην όπερα του. Ένας σημαντικός ρόλος σε αυτούς παίζεται από το μαγικό στοιχείο. Μουσική του Versta, βαθιά εδάφη, που στηρίζεται σε λαδωμένη τέχνη, έχει απορροφήσει τη λαϊκή προέλευση με την ευρύτερη έννοια. Οι ήρωές του είναι τυπικοί της λαϊκής τέχνης. Όντας ο πλοίαρχος της όπερας Dramaturgia, τα γιλέκα δημιούργησαν ρομαντικές σκηνές φανταστικού περιεχομένου. Ένα δείγμα του στυλ του μπορεί να χρησιμεύσει ως σχολείο "Ασκόλουβα τάφος", διατηρείται στο ρεπερτόριο μέχρι σήμερα. Εκδηλώθηκε τα καλύτερα χαρακτηριστικά του Versta - ένα μελωδικό δώρο, μια εξαιρετική δραματική φλόγα, η δυνατότητα δημιουργίας ζωντανών και χαρακτηριστικών εικόνων των ηθοποιών.

Τα έργα των γιλέκων ανήκουν στην έκθεση της ρωσικής όπερας, αν και η ιστορική τους σημασία είναι πολύ μεγάλη: όλες οι καλύτερες ποιότητες της προηγούμενης και σύγχρονης περιόδου ανάπτυξης της ρωσικής όπερας συνοψίζονται και αναπτύσσονται.

Από τις 30 χώρες. Xix αιώνα Η ρωσική όπερα ενώνει την κλασική περίοδο. Ο ιδρυτής της ρωσικής όπερας Classics M. I. Glinka (1804-1857) δημιούργησε την ιστορική τραγωδία Opera "Ivan Susanin" (1830) και το υπέροχο Epic - "Ruslan and Lyudmila" (1842). Αυτά τα υποστηρίγματα σηματοδότησαν την αρχή δύο σημαντικότερων περιοχών του ρωσικού θεάτρου μουσικής: μια ιστορική όπερα και μαγευτική επική. Δημιουργικές αρχές της Glinka υλοποιήθηκαν και αναπτύχθηκαν από την επόμενη γενιά ρωσικών συνθετών.

Η Glinka έχει αναπτυχθεί ως καλλιτέχνης σε μια εποχή, εξουσιοδοτημένη από τις ιδέες του Decembrism, που του επέτρεψε να αυξήσει το ιδεολογικό και καλλιτεχνικό περιεχόμενο των όπερων του σε ένα νέο, σημαντικό ύψος. Ήταν ο πρώτος ρωσικός συνθέτης, στο έργο της οποίας η εικόνα του λαού, γενικευμένη και βαθιά, έγινε στο κέντρο ολόκληρης της εργασίας. Το θέμα του πατριωτισμού στο έργο του είναι άρρηκτα συνδεδεμένο με το θέμα του αγώνα του λαού για ανεξαρτησία.

Η προηγούμενη περίοδος της ρωσικής όπερας προετοίμασε την εμφάνιση της όπερας Glinka, αλλά η ποιοτική τους διαφορά από τις προηγούμενες ρωσικές όπερες είναι πολύ σημαντική. Στο Glinka Operations, ο ρεαλισμός της καλλιτεχνικής σκέψης εκδηλώνεται από μη ιδιώτες, αλλά λειτουργεί ως ολιστική δημιουργική μέθοδο, επιτρέποντάς σας να δώσετε μουσική και δραματική γενίκευση ιδεών, θεμάτων και οροφής. Με έναν νέο τρόπο, κατάλαβα το glink στο πρόβλημα του έθνους: γι 'αυτόν, δηλώνει όχι μόνο τη μουσική εξέλιξη των λαϊκών τραγουδιών, αλλά και μια βαθιά, πολυμερή αντανάκλαση στη μουσική της ζωής, των συναισθημάτων και των σκέψεων του λαού, την αποκάλυψη των χαρακτηριστικών χαρακτηριστικών της πνευματικής του εμφάνισης. Ο συνθέτης δεν περιορίστηκε σε μια αντανάκλαση της ζωής του λαού, αλλά ενσωματώθηκε στη μουσική τα τυπικά χαρακτηριστικά της κοσμοθεωρίας του λαού. Οι όπερες Glinka είναι ολιστικά μουσικά και δραματικά έργα. Σε αυτά, το κατοικίδιο ζώο των διαλόγων συνομιλίας, το περιεχόμενο εκφράζεται από τα μέσα μουσικής. Αντί για ατομικούς, ανεπτυγμένους σόλο και χορωδιακούς αριθμούς της κωμικής όπερας, η Glinka δημιουργεί μεγάλη, ξεδιπλωμένη όπερα, με μια πραγματικά συμφωνική ικανότητα, αναπτύσσοντας τους.

Στο Ιβάν Susanin, η Glinka αισθάνθηκε το ηρωικό παρελθόν της Ρωσίας. Με μια μεγάλη καλλιτεχνική αλήθεια, οι τυπικές εικόνες του ρωσικού λαού ενσωματώνονται στην όπερα. Η βάση για την ανάπτυξη του μουσικού δράματος είναι η αντιπολίτευση διαφόρων εθνικών μουσικών περιοχών.

"Ruslan and Lyudmila" - Όπερα, η οποία δημοσίευσε την αρχή των εθνικών επικών ρωσικών επιχειρήσεων. Η αξία του "Ruslan" για τη ρωσική μουσική είναι πολύ μεγάλη. Η όπερα είχε αντίκτυπο όχι μόνο στα θεατρικά είδη, το λογισμικό και τη Συμφωνική. Ο μαγευτικός πολεμιστής και η μυστηριώδης-μαγεία, καθώς και οι χρωματικές ανατολίτικες εικόνες της ροής Ruslana για μεγάλο χρονικό διάστημα ρωσική μουσική.

Μετά την Glinka, ο Α. Σ. Dargomyzhsky εκτελέστηκε (1813-1869), ένας τυπικός καλλιτέχνης της εποχής των 40-50. Xix αιώνα Η Glinka είχε μεγάλη επιρροή στο Dargomyzhsky, αλλά ταυτόχρονα, νέες ιδιότητες που γεννήθηκαν σε νέες κοινωνικές συνθήκες, νέα θέματα που ήρθαν στη ρωσική τέχνη εμφανίστηκαν στο έργο. Ζεστό συμπάθεια για ένα ταπεινωμένο άτομο, η συνείδηση \u200b\u200bτης αιχμαλωσίας της κοινωνικής ανισότητας, η κρίσιμη στάση απέναντι στην κοινωνική δομή αντανακλάται στα έργα του Dargomyzhsky, που συνδέεται με τις ιδέες του κρίσιμου ρεαλισμού στη λογοτεχνία.

Η διαδρομή του Dargyomyzhsky άρχισε με τη δημιουργία της όπερας "Esmeralda", σύμφωνα με τον V. Hugo (Post. Το 1847) και η κεντρική λειτουργία της συνθέσεως του συνθέτη θα πρέπει να θεωρείται "γοργόνα" (από το Δράμα ως Pushkin), που παραδίδεται το 1856. Σε αυτή την όπερα είναι εντελώς εντελώς, το ταλέντο του Dargomyzhsky και η κατεύθυνση της δημιουργικότητάς του προσδιορίστηκε. Το δράμα της κοινωνικής ανισότητας εκείνων που αγαπούν ο ένας τον άλλον, η κόρη του Melnik Natasha και ο πρίγκιπας προσέλκυσαν τον συνθέτη τη σημασία του θέματος. Ο Dargomyzhsky ενίσχυσε τη δραματική πλευρά του οικοπέδου λόγω της μείωσης του φανταστικού στοιχείου. Η "γοργόνα" είναι η πρώτη ρωσική οικιακή διαζωψυχρογραφική όπερα. Μουσική τους βαθιούς ανθρώπους της. Στο τραγούδι η βάση, ο συνθέτης δημιούργησε ζωντανές εικόνες από ήρωες, ανέπτυξε ένα στιλβωτικό στυλ στα κόμματα των κύριων παραγόντων, που αναπτύχθηκαν σκηνές, τα οποία αναπτύχθηκαν σημαντικά.

Τελευταία Opera Dargomyzhsky, "Stone Guest", στο Pushkin (Post. Το 1872, μετά το θάνατο του συνθέτη), ανήκει ήδη. Μια άλλη περίοδο ανάπτυξης του ρωσικού oner. Ο DargoMyzhsky έβαλε το καθήκον της δημιουργίας μιας ρεαλιστικής μουσικής γλώσσας που αντανακλά τον εντοπισμό της ομιλίας. Ο συνθέτης αρνήθηκε εδώ από τις παραδοσιακές μορφές όπερας - Arias, Ensemble, Χορωδία; Η Opera Vocal Batchs επικρατεί πάνω από τα ορχηστρικά κόμματα, ο "πέτρινος επισκέπτης" σημείωσε την αρχή μιας από τις κατευθύνσεις της επόμενης περιόδου της ρωσικής όπερας, της λεγόμενης όπερας του υπάλληλου του τμήματος που παρουσιάστηκε στο μέλλον "Μότσαρτ και Σαλιερί" της Ρωμαϊκής Κορσάκοφ , ο "Miser Knight" Rakhmaninov και άλλοι. Ένα χαρακτηριστικό αυτών των όπερων είναι ότι όλα συσκευάζονται στο αμετάβλητο πλήρες κείμενο των "μικρών τραγωδών" Pushkin.

Στη δεκαετία του '60. Η ρωσική όπερα προσχώρησε σε ένα νέο στάδιο της ανάπτυξής της. Στη ρωσική σκηνή, εμφανίζονται τα έργα των συνθετών της κούκλας Balakirevsky ("Mighty Bunch") και Tchaikovsky. Τα ίδια χρόνια αναπτύσσεται η δημιουργικότητα του Α. Ν. Serov και A. G. rubinstein.

Η δημιουργικότητα της όπερας Α. Ν. ΣΕΡΑΒΡΑ (1820-1871), δοξασμένη ως μουσική κριτική, δεν μπορεί να αποδοθεί σε πολύ σημαντικά φαινόμενα του ρωσικού θεάτρου. Ωστόσο, ταυτόχρονα, η όπερα του έπαιξε θετικό ρόλο. Στην όπερα "Judith" (το 1863), ο Serov δημιούργησε ένα προϊόν μιας ηρωικοπιστικής φύσης στο βιβλικό οικόπεδο. Στην όπερα Rogneda (CIT και POST. Το 1865), γύρισε στην εποχή του Kievan Rus, που θέλει να συνεχίσει τη γραμμή Ruslan. Ωστόσο, η όπερα δεν ήταν αρκετά βαθιά. Μεγάλο ενδιαφέρον είναι η τρίτη όπερα Serov, η "δύναμη του εχθρού", σύμφωνα με το δράμα Α. N. Ostrovsky "δεν ζουν έτσι, όπως θέλετε" (Δημοσίευση το 1871). Ο συνθέτης σχεδιάστηκε για να δημιουργήσει μια όπερα τραγουδιού, της οποίας η μουσική θα πρέπει να βασίζεται στις αρχικές πηγές. Ωστόσο, η όπερα δεν έχει ούτε μια δραματική έννοια και η μουσική του δεν αυξάνεται στα ύψη της ρεαλιστικής γενίκευσης.

Α. G. Rubinstein (1829-1894) καθώς ο συνθέτης της όπερας ξεκίνησε με τη σύνθεση της ιστορικής μάχης της όπερας Kulikovsky (1850), στη δεκαετία του '60. Δημιούργησε τη λυρική όπερα "Fera Master" και την Όπερα Romaigan "Παιδιά του Steve". Η καλύτερη όπερα Rubinstein, ο "δαίμονας" στο Lermontov (1871) διατηρήθηκε στο ρεπερτόριο. Αυτή η όπερα είναι ένα παράδειγμα μιας ρωσικής λυρικής όπερας στην οποία οι πιο ταλαντούχοι σελίδες είναι αφιερωμένες στην έκφραση των αισθήσεων των ηρώων. Οι σκηνές του είδους του "Demon", στην οποία ο συνθέτης χρησιμοποίησε τη μουσική του λαού της Transcaucasia, η τοπική γεύση κάνει. Η όπερα "Demon" ήταν επιτυχής μεταξύ των σύγχρονων που είδαν στην κύρια εικόνα του ήρωα ενός ατόμου των 40-50.

Η δημιουργικότητα της όπερας των συνθέσεων της "δυναμικής δέσμης" και του Τσαγόβσκι συνδέθηκε στενά με τη νέα αισθητική της εποχής της δεκαετίας του '60. Οι νέες κοινωνικές συνθήκες έχουν προχωρήσει νέες προκλήσεις πριν από τους Ρώσους καλλιτέχνες. Το κύριο πρόβλημα της εποχής ήταν το πρόβλημα της προβληματισμού στα έργα της τέχνης της λαϊκής ζωής σε όλη την πολυπλοκότητα και τις αντιφάσεις της. Ο αντίκτυπος των ιδεών των επαναστατικών δημοκρατών (το μεγαλύτερο μέρος του Chernyshevsky) επηρέασε την περιοχή της μουσικής δημιουργικότητας από τα γενικά θέματα και οικόπεδα, την ανθρωπιστική εστίαση των έργων, τη δρομολόγηση των υψηλών πνευματικών δυνάμεων του λαού. Ιδιαίτερη σημασία αυτή τη στιγμή αποκτά ένα ιστορικό θέμα.

Το ενδιαφέρον για την ιστορία του λαού τους σε αυτά τα χρόνια είναι χαρακτηριστική όχι μόνο για τους συνθέτες. Η ίδια η ιστορική επιστήμη είναι ευρέως αναπτυγμένη. Οι συγγραφείς, οι ποιητές και οι θεατρικοί συγγραφείς στρέφονται στο ιστορικό θέμα. Η ιστορική ζωγραφική αναπτύσσεται. Η εποχή των πραξικοπήματος, των αγροτικών εξεγέρσεων, τα μαζικά κινήματα προκαλούν το μεγαλύτερο ενδιαφέρον. Ένα σημαντικό μέρος είναι το πρόβλημα της σχέσης του λαού και της βασιλικής δύναμης. Η ιστορική όπερα M. P. Mussorgsky και ο Ν. Α. Rimsky-Korsakov είναι αφιερωμένοι σε αυτό το θέμα.

Operas M. P. Mussorgsky (1839-1881) "Boris Godunov" (1872) και "Hovanshchina" (που έληξε με το RLM-Korsakov το 1882) ανήκουν στον ιστορικό υποκατάστημα τραγωδίας της ρωσικής κλασικής όπερας. Ο συνθέτης τους ονόμασε "λαϊκές μουσικές δράσεις", όπως ο πίνακας - στο κέντρο και των δύο έργων. Η κύρια ιδέα του Boris Godunova (σύμφωνα με το ίδιο όνομα της τραγωδίας Pushkin) - σύγκρουση: βασιλιά - άνθρωποι. Αυτή η ιδέα ήταν μια από τις πιο σημαντικές και αιχμηρές στην εποχή της σημαίας. Ο Mussorgsky ήθελε να βρει αναλογία με τη νεωτεριστικότητα στα γεγονότα του παρελθόντος Rus. Η αντίφαση των συμφερόντων και της αυτορυθμιζόμενης ισχύος παρουσιάζεται στις σκηνές του εθνικού κινήματος, διέρχονται σε ανοικτή εξέγερση. Ταυτόχρονα, ο συνθέτης δίνει μεγάλη προσοχή στην "τραγωδία της συνείδησης", που βίωσε ο βασιλιάς Μπόρις. Η πολύπλευρη εικόνα του Boris Godunova είναι ένα από τα υψηλότερα επιτεύγματα της δημιουργικότητας της Παγκόσμιας Όπερας.

Το δεύτερο μουσικό δράμα του Mussorgsky, "Hovhanshchina" είναι αφιερωμένο στους Streletsky Upprishes στο τέλος του XVII αιώνα. Τα στοιχεία του κινήματος του λαού στο σύνολό του με βίαιη δύναμη εκφράζονται αξιοσημείωτα από τη μουσική της όπερας, με βάση μια δημιουργική επανεξέταση της λαϊκής τέχνης. Μουσική "Hovhanchyna", όπως η μουσική του Boris Godunova, χαρακτηρίζεται από μια υψηλή τραγωδία. Η βάση του μελωδικού μιλίου και των δύο όπερων είναι η σύνθεση του τραγουδιού και η απόσυπα άρχισε. Μια καινοτομία του σχεδιασμού του Mussorgsky, γεννημένος καινοτομίας, βαθιά διακριτική λύση στα καθήκοντα του μουσικού δράματος, καθιστά ενδεχόμενη να κατατάξει και τις δύο όπερες στα υψηλότερα επιτεύγματα του μουσικού θεάτρου.

Opera A. P. Borodina (1833-1887) "Prince Igor" επίσης γειτνιάζει με την ομάδα των ιστορικών μουσικών έργων (η οχυρό χρησίμευσε ως "η λέξη για το σύνταγμα του Igor"). Η ιδέα της αγάπης για την πατρίδα, η ιδέα της ένωσης στο πρόσωπο του εχθρού αποκαλύπτεται από έναν συνθέτη με μεγάλο δράμα (σκηνές στο Putivl). Ο συνθέτης σε συνδυασμό με τη μνημειότητα της όπερας ενός επικού είδους με λυρική εκκίνηση. Στην ποιητική ενσωμάτωση του Polovtsovsky, εφαρμόστηκαν τα καλύμματα Glinka. Με τη σειρά του, οι μουσικοί πίνακες της Ανατολής στο Borodin ενέπνευσαν πολλούς Ρώσους και σοβιετικούς συνθέτες για να δημιουργήσουν ανατολίτικες εικόνες. Το θαυμάσιο μελωδικό δώρο του Borodin που εκδηλώθηκε στο στυλ της όπερας Spore. Ο Borodin δεν είχε χρόνο να ολοκληρώσει την όπερα. Ο "Prince Igor" ολοκληρώθηκε από τον Roman-Korsakov και το Glasenov και στους συντάκτες τους τέθηκαν στη σκηνή το 1890.

Το είδος του ιστορικού μουσικού δράματος αναπτύχθηκε και ο Ν. L. Rimsky-Korsakov (1844-1908). Το Pskov Wolnitsa, αυξάνεται κατά του Ιβάν το τρομερό (Opera "Pskovtyanka", 1872), περιγράφεται από έναν συνθέτη με επικό μέγεθος. Η εικόνα του βασιλιά ενός χρώματος γνήσιου δράματος. Το λυρικό στοιχείο της όπερας που σχετίζεται με την ηρωίδα - Όλγα, εμπλουτίζει τη μουσική, εισάγοντας τη γραμμή της αυξημένης τρυφερότητας και απαλότητας στην έννοια του μεγέθους τραγωδίας.

P. I. Tchaikovsky (1840-1893), το πιο διάσημο για το Yarico-ψυχολογικό του onan, ήταν ο συγγραφέας τριών ιστορικών όπερων. Operas "Okrichnik" (1872) και "Mazepa" (1883) είναι αφιερωμένες σε δραματικά γεγονότα από τη ρωσική ιστορία. Στην όπερα "Orleansk Virgo" (1879), ο συνθέτης στράφηκε στην ιστορία της Γαλλίας και δημιούργησε την εικόνα της Εθνικής Γαλλικής Ηρωίδας Zhanna D "Ark.

Η ιδιαιτερότητα των ιστορικών όπερων του Τσαγόβσκι είναι η σχέση τους με τις λυρικές του δραστηριότητες. Ο συνθέτης αποκαλύπτει σε αυτά τα χαρακτηριστικά χαρακτηριστικά της εποχής που απεικονίζονται μέσω της τύχης των ατόμων. Οι εικόνες των ηρώων του διακρίνονται από το βάθος και την ειλικρίνεια της μεταφοράς του συγκροτήματος εσωτερικού κόσμου του ανθρώπου.

Εκτός από τους ιστορικούς μουσικούς Drams των ανθρώπων στη ρωσική όπερα XIX αιώνα. Ο σημαντικότερος τόπος καταλαμβάνεται από εθνικές υπέροχες όπερες, εκπροσωπούμενη ευρέως στα έργα του Na Rimsky-Korsakov, τις καλύτερες υπέροχες όπερες Roman-Koorsakov - "Snow Maiden" (1881), "Sadko" (1896), "Casis Immortal" (1902) και "Golden Cockerel" (1907). Ένας ειδικός χώρος καταλαμβάνει την όπερα "ιστορία του αόρατου βαθμού Cytem και την Παναγία Φέβρουνη" (1904), γραμμένη στα υλικά των παραδόσεων των ανθρώπων σχετικά με την εισβολή του Ταταρ-Μογγολική.

Η Opera Rimsky-Korsakov τοποθετείται από μια ποικιλία ερμηνειών του υπέροχου είδους του λαού. Αυτή είναι η ποιητική ερμηνεία των αρχαίων λαϊκών ιδεών για τη φύση, εκφράζεται σε μια θαυμάσια παραμύθια για το Snow Maiden, τότε η ισχυρή εικόνα του αρχαίου Novgorod, τότε η εικόνα της Ρωσίας ξεκίνησε το XX αιώνα. Στην αλληγορική εικόνα του κρύου Cascoev της Βασιλείας, τότε το πραγματικό σάτιρα του αυτοκρατικού συστήματος PA Rotting σε υπέροχα χρώματα ("Golden Cockerel"). Σε διάφορες περιπτώσεις, οι μέθοδοι μουσικών περιγραμμάτων ήρωων και τεχνικών μουσικού δράματος του Ρωμαίου Corsakov είναι διαφορετικές. Ωστόσο, σε όλες τις δραστηριότητές της υπάρχει ένας βαθιά δημιουργικός εταιρικός συνθέτης στον κόσμο των ιδεών των ανθρώπων, λαϊκές πεποιθήσεις, στην κοσμοθεωρία του λαού. Η βάση της μουσικής της όπερας του είναι η γλώσσα του λαϊκού τραγουδιού. Υποστήριξη, PA λαϊκή δημιουργικότητα, χαρακτηριστικά των ατόμων που ενεργούν χρησιμοποιώντας διαφορετικά λαϊκά είδη - ένα τυπικό χαρακτηριστικό της Roman-Korsakov.

Η κορυφή της δημιουργικότητας του Roman-Korsakov είναι μια μαγευτική επική επί του πατριωτισμού του λαού της Ρωσίας στην όπερα "ιστορία του αόρατου βαθμού Kitege και της Παναγίας Fevronia", όπου ο συνθέτης έφτασε ένα τεράστιο ύψος μουσικής και συμφωνικής σύλληψης του θέματος.

Μεταξύ άλλων ποικιλιών της ρωσικής κλασικής όπερας, ένα από τα κύρια μέρη ανήκει σε λυρική και ψυχολογική όπερα, η αρχή της οποίας έγινε από την "γοργόνα" του Dargomyzhsky. Ο μεγαλύτερος εκπρόσωπος αυτού του είδους στη ρωσική μουσική - Τσαϊκόβσκι, ο συγγραφέας των λαμπρών έργων που περιλαμβάνονται στο ρεπερτόριο της Παγκόσμιας Όπερας: "Ευγενία Μονίου" (1877-1878), "Clavetics" (1887), "Peak Lady" (1890), "Iolants" (1891). Η καινοτομία του Τσαγόβσκι συνδέεται με την κατεύθυνση του έργου του αφιερωμένο στις ιδέες του ανθρωπισμού, διαμαρτυρία ενάντια στην ταπείνωση του ανθρώπου, πίστη στο καλύτερο μέλλον της ανθρωπότητας. Ο εσωτερικός κόσμος των ανθρώπων, των σχέσεών τους, τα συναισθήματά τους αποκαλύπτονται στις εργασίες Tchaikovsky συνδυάζοντας τη θεατρική αποτελεσματικότητα με τη συνεπή συμφωνική ανάπτυξη της μουσικής. Η όπερα του Tchaikovsky είναι ένα από τα μεγαλύτερα φαινόμενα της παγκόσμιας μουσικής τέχνης του XIX αιώνα.

Ένα μικρότερο έργο παρουσιάζεται στην όπερα της ρωσικής εταιρείας κωμωδίας της ρωσικής εταιρείας. Ωστόσο, αυτά τα λίγα δείγματα διακρίνονται από την εθνική πρωτοτυπία. Δεν υπάρχει ψυχαγωγία ελαφρύ, γεμάτο. Η βάση των περισσότερων από αυτά ήταν η ιστορία του Gogol από "Βραδιές στο αγρόκτημα κοντά στη Δικάνκα". Σε κάθε μία από τις όπερες-κωμωδία, τα επιμέρους χαρακτηριστικά των συγγραφέων αντανακλάται. Στην όπερα Tchaikovsky "Chernochi Wich" (1885, στην πρώτη έκδοση, το "Kuznets Vakula", 1874) επικρατεί ένα λυρικό στοιχείο. Στη νύχτα Μαΐου, Roman Corsakov (1878) -Fantastic και τελετουργικό. Στην Fair Sorochin, ο Mussorgsky (70s, δεν ξεπεράστηκε.) - Καθαρά κωμωδία. Αυτές οι όπερες είναι δείγματα της δεξιότητας της ρεαλιστικής αντανάκλασης της ζωής των ανθρώπων στο είδος της κωμωδίας χαρακτήρων.

Ορισμένες αποκαλούμενες κλασικές όπερες είναι δίπλα στις ρωσικές κλασικές όπερες: Παράλληλα φαινόμενα στο ρωσικό μουσικό θέατρο. Εννοούμε το έργο των συνθέσεων που δεν δημιούργησαν τα έργα της διαπιστωθείσας αξίας, αν και επενδύουν τη συμβολή των ενυπόθηκων δανείων τους στην ανάπτυξη της ρωσικής όπερας. Εδώ είναι απαραίτητο να ονομάσουμε τις όπερες του C. A. Kyui (1835-1918), ο συμμετέχων της κούπα Balakirevsky, μια εξέχουσα μουσική κριτική των 60-70. Kui Opera "William Ratcliffe" και "Angelo", που δεν αναδύονται από το σχετικό-ρομαντικό στυλ, στερούνται δράμα και, κατά καιρούς, φωτεινή μουσική. Αργότερα υποστηρίγματα Kyu είναι λιγότερο σημαντικές ("κόρη του καπετάνιου", "Mademoiselle Fifi" και άλλοι). Η συνοδευτική κλασική όπερα ήταν το έργο του εκδότη του αγωγού και του μουσικού ηγέτη της όπερας στην Αγία Πετρούπολη Ε. ΣΤ. Διευθυντή (1839-1916). Η όπερα της όπερας "Dubrovsky", που αποτελείται από την παράδοση λυρικών όπερας Τσαγόβσκι, απολαμβάνει τη μεγαλύτερη φήμη.

Των συνθετών που μίλησαν στο τέλος του αιώνα του XIX. Στη σκηνή της όπερας, είναι απαραίτητο να ονομάσουμε το A. S.NAński (1861-1906), ο Opeker του συγγραφέα "κοιμάται. Volga "," Rafael "και" Nal και Damaanti ", καθώς και ο Μ. Μ. Ισκυλοβάβα-Ιβάνοβα (1859-1935), της οποίας η όπερα" Asya ", σύμφωνα με τον Ι. S. Turgenev, γραμμένο με λυρικό τρόπο Τσαγόβσκι. Ένα αρχοντικό είναι στην ιστορία της ρωσικής όπερας "Orestea" S. Ι. Taneyev (1856-1915), σύμφωνα με τον Eschil, το οποίο μπορεί να περιγραφεί ως θεατρικό Oratorio.

Ταυτόχρονα, ο συνθέτης της Όπερας S. V. Rachmaninov (1873-1943), ο οποίος συνέθεσε στο τέλος του Ωδείου (1892), ο οποίος ήταν παρόμοιος Oero-Acto Oero "Aleco", καταβλήθηκε στις παραδόσεις του Τσαγόβσκι. Αργότερα Opera Rakhmaninov - Francesca Ναι Ρίμινι (1904) και "Surround Knight" (1904) - γραμμένο με το χαρακτήρα της όπερας. Πρόκειται για μέγιστη συμπιεσμένη δράση σκηνής και μια πολύ αναπτυγμένη μουσική και η Συμφωνική αρχή. Η μουσική αυτών των όπερων, ταλαντούχων και φωτεινών, φέρει τη σφραγίδα της πρωτοτυπίας του δημιουργικού στυλ του συγγραφέα.

Από τα λιγότερο σημαντικά φαινόμενα της τέχνης της όπερας της έναρξης του XX αιώνα. Θα καλέσω την όπερα στο Granceinova (1864-1956) "Dobryny Nikitich", στην οποία τα χαρακτηριστικά σημάδια μιας υπέροχης επικής κλασικής όπερας έδωσαν τη θέση τους στους στίχους του ρομαντισμού, καθώς και την Opera Ad Kastalsky (1856-1926) "Clara Milich", Σε ποια στοιχεία της φυσιολογίας συνδυάζονται με ειλικρινή εντυπωσιακό λυισμό.

XIX αιώνα - εποχή των ρωσικών κλασικών όπερας. Οι Ρώσοι συνθέτες δημιούργησαν τα αριστουργήματα σε διάφορα είδη τέχνης της όπερας: δράμα, επική, ηρωική τραγωδία, κωμωδία. Δημιούργησαν καινοτόμο μουσική δραματουργία, που γεννήθηκαν σε στενή σχέση με το καινοτόμο περιεχόμενο της όπερας. Ένας σημαντικός, ο καθορισμός του ρόλου των μαζικών λαϊκών σκηνών, τα πολυμερή χαρακτηριστικά των ενεργειών, μια νέα ερμηνεία των παραδοσιακών εντύπων της Όπερας και τη δημιουργία νέων αρχών της μουσικής ενότητας ολόκληρης της εργασίας - τα χαρακτηριστικά των ρωσικών κλασικών όπερων.

Η ρωσική κλασική λειτουργία λειτουργίας λειτουργίας λειτουργίας λειτουργίας, υπό την επίδραση των γεγονότων της δημόσιας ζωής, έχει γίνει ένα από τα υπέροχα κόμματα της ρωσικής εθνικής κουλτούρας του XIX αιώνα. Ολόκληρη η διαδρομή της ανάπτυξης της ρωσικής όπερας δημιουργικότητας τον περασμένο αιώνα ήταν παράλληλη με το μεγάλο απελευθερωτικό κίνημα του ρωσικού λαού. Οι συνθέτες ενέπνευσαν τις υψηλές ιδέες του ανθρωπισμού και της δημοκρατικής διαφωτισμού και τα έργα τους είναι για εμάς σπουδαία δείγματα πραγματικά ρεαλιστικής τέχνης.

Όπερα - φωνητικό είδος θεάτρου κλασικής μουσικής. Διαφέρει από το κλασικό δραματικό θέατρο από το γεγονός ότι οι ηθοποιοί επίσης ηχεία που περιβάλλεται από διακοσμήσεις και σε κοστούμια, κατά τη διάρκεια της δράσης, δεν μιλούν και τραγουδούν. Η δράση είναι χτισμένη στο κείμενο που ονομάζεται Libretto, που δημιουργήθηκε με βάση ένα λογοτεχνικό έργο ή ειδικά για την όπερα.

Η γενέτειρα του είδους της όπερας ήταν η Ιταλία. Η πρώτη άποψη διοργανώθηκε το 1600 από τον κυβερνήτη της Φλωρεντίας Medici στο γάμο της κόρης του με τον βασιλιά της Γαλλίας.

Υπάρχουν πολλές ποικιλίες αυτού του είδους. Η σοβαρή όπερα εμφανίστηκε στους αιώνες XVII - XVIII. Το χαρακτηριστικό του ήταν να προσελκύσει τα οικόπεδα της ιστορίας και της μυθολογίας. Τα οικόπεδα τέτοιων έργων υπογραμμίστηκαν με κορεσμένα συναισθήματα και αξιολύπητα, οι arias είναι μακρά και το τοπίο πλούσια.

Στον XVIII αιώνα, το κοινό άρχισε να κουράζεται από την υπερβολική βεράντα και εμφανίστηκε ένα εναλλακτικό είδος - μια ελαφρύτερη κωμική όπερα. Χαρακτηρίζεται από μικρότερο αριθμό φορέων που εμπλέκονται και "μη σοβαρές" τεχνικές που χρησιμοποιούνται στην Αρία.

Στα τέλη του ίδιου αιώνα, γεννήθηκε και είχε μικτή φύση μεταξύ σοβαρών και κόμικς - μια ημι-ξηρή όπερα. Τα έργα που γράφονται σε αυτή τη φλέβα έχουν πάντα ένα ευτυχές τέλος, αλλά το οικόπεδο τους είναι τραγικό και σοβαρό.

Σε αντίθεση με τις προηγούμενες ποικιλίες, οι οποίες εμφανίστηκαν στην Ιταλία, η λεγόμενη μεγάλη όπερα γεννήθηκε στη Γαλλία τη δεκαετία του 1930 του 19ου αιώνα. Τα έργα αυτού του είδους, κυρίως αφιερωμένα σε ιστορικά θέματα. Επιπλέον, χαρακτηρίστηκε μια δομή 5 πράξεων, μία από τις οποίες είναι χορός και πολλές διακοσμήσεις.

Το μπαλέτο της όπερας εμφανίστηκε στην ίδια χώρα κατά τη στροφή των αιώνων XVII-XVIII στο γαλλικό βασιλικό δικαστήριο. Οι αναπαραστάσεις σε αυτό το είδος διακρίνονται από την ατέλεια των οικόπεδων και το χρώμα της παραγωγής.

Η μητρική όπερα είναι επίσης η Γαλλία. Απλή με την έννοια, διασκεδάζοντας το περιεχόμενο των έργων με ελαφριά μουσική και μια μικρή σύνθεση των ηθοποιών άρχισε να βάζει το XIX αιώνα.

Η ρομαντική όπερα προέκυψε στη Γερμανία τον ίδιο αιώνα. Το κύριο χαρακτηριστικό γνώρισμα του είδους είναι τα ρομαντικά οικόπεδα.

Στα πιο δημοφιλής στην εποχή μας, οι επιχειρήσεις περιλαμβάνουν το "Traviata" Giuseppe Verdi, "Bohemia" Gacomo Pucchini, "Carmen" George Bize και, από το εγχώριο - "Eugene Onegin" P.I. Tchaikovsky.

Επιλογή 2.

Η όπερα είναι ένας τύπος τέχνης που περιλαμβάνει ένα συνδυασμό μουσικής τραγουδιού, εκτέλεσης, επιδέξιων παιχνιδιών ηθοποιών. Επιπλέον, εφαρμόζονται διακοσμήσεις στην όπερα, διακοσμούν τη σκηνή για να μεταφέρετε την ατμόσφαιρα του θεατή στην οποία λαμβάνει χώρα αυτή η ενέργεια.

Επίσης, για μια ψυχική κατανόηση του κοινού, η σκηνή έπαιξε, η κύρια ηθοποιός είναι η κύρια ηθοποιός σε αυτό, βοηθά τη συνολική ορχήστρα που οδηγεί τον αγωγό. Αυτός ο τύπος δημιουργικότητας είναι πολύ βαθιός και πολύπλευρος, εμφανίστηκε για πρώτη φορά στην Ιταλία.

Η όπερα γνώρισε πολλές αλλαγές πριν φτάσει σε εμάς σε αυτή την εικόνα, σε κάποια έργα υπήρχαν στιγμές που τραγουδούν, έγραψαν ποιήματα, δεν μπορούσαν να κάνουν τίποτα χωρίς τραγουδιστή, ο οποίος υπαγορεύει τις συνθήκες του σε αυτόν.

Τότε η στιγμή ήρθε όταν κανείς δεν είχε ακούσει το κείμενο, όλο το κοινό έμοιαζε μόνο στον τραγουδιστή ηθοποιό και σε όμορφα ρούχα. Και στο τρίτο στάδιο, αποδείχθηκε ότι ο τύπος της όπερας που χρησιμοποιήσαμε και ακούσαμε στον σύγχρονο κόσμο.

Και πλέον διαθέτει τις κύριες προτεραιότητες σε αυτή τη δράση, ακόμα στην πρώτη θέση τη μουσική, τότε ο ηθοποιός Arya, και μόνο το κείμενο. Μετά από όλα, με τη βοήθεια της Aria, λέγεται η ιστορία των ηρώων του παιχνιδιού. Κατά συνέπεια, η κύρια αρία των φορέων είναι η ίδια με τον μονόφωνο στη Δραματουργία.

Αλλά κατά τη διάρκεια της Αρίας, ακούμε επίσης τη μουσική που αντιστοιχεί σε αυτόν τον μονόλογο, σας επιτρέπει να βελτιώσετε όλες οι δράσεις που παίζεται στη σκηνή. Εκτός από αυτές τις ενέργειες, εξακολουθούν να υπάρχουν όπερες που είναι πλήρως χτισμένες σε υψηλού προφίλ και πνευματικές δηλώσεις, σε συνδυασμό με τη μουσική. Ένας τέτοιος μονόλογος ονομάζεται αναξιόπιστος.

Εκτός από την Aria και το αναξιόπιστο, υπάρχει μια χορωδία στην όπερα, με τη βοήθεια του υπάρχουν πολλές γραμμές δράσης. Επίσης στην όπερα υπάρχει μια ορχήστρα, χωρίς αυτό η όπερα δεν θα ήταν αυτό που είναι τώρα.

Μετά από όλα, χάρη στην Ορχήστρα και τους αντίστοιχους μουσικούς ήχους, γεγονός που δημιουργεί μια πρόσθετη ατμόσφαιρα και βοηθά να αποκαλύψει ολόκληρη την έννοια των παιχνιδιών. Αυτός ο τύπος τέχνης εμφανίστηκε στα τέλη του 16ου αιώνα. Η εμφάνιση της όπερας ήταν στην Ιταλία, στην πόλη της Φλωρεντίας, ο αρχαίος Έλληνας μύθος παρέχεται για πρώτη φορά.

Από τη στιγμή του σχηματισμού στην όπερα, χρησιμοποιήθηκαν κυρίως μυθολογικές οικόπεδα, το ρεπερτόριο είναι πλέον πολύ φαρδύ και διαφορετικό. Τον 19ο αιώνα, αυτή η τέχνη άρχισε να εκπαιδεύει σε ειδικά σχολεία. Χάρη σε αυτή τη μάθηση, ο κόσμος είδε πολλούς διάσημους ανθρώπους.

Η όπερα είναι γραμμένη, με βάση εκείνες που λαμβάνονται από τη βιβλιογραφία, όλες τις χώρες του κόσμου, διάφορα DRAM, μυθιστορήματα, οδηγοί και πλάκες. Αφού γράφεται το μουσικό σενάριο, ο αγωγός, η ορχήστρα, η χορωδία, φορεθεί. Και το κείμενο διδάσκεται στους ηθοποιούς, στη συνέχεια προετοιμάζουν το τοπίο, πραγματοποιήστε πρόβες.

Και μετά από όλους αυτούς τους ανθρώπους, η απόδοση της όπερας γεννιέται για να παρακολουθήσει, που πολλοί άνθρωποι έρχονται.

• Vasily Zhukovsky - Έκθεση μηνυμάτων

  Ο Vasily Andreevich Zhukovsky, ένας από τους διάσημους ποιητές του 18ου αιώνα στις κατευθύνσεις του συναισθηματισμού και του ρομαντισμού, αρκετά δημοφιλές σε αυτές τις στιγμές.

  Επί του παρόντος, το πρόβλημα της διατήρησης της οικολογίας του πλανήτη μας είναι ιδιαίτερα οξεία. Τεχνική πρόοδο, αύξηση του πληθυσμού, μόνιμους πολέμους και βιομηχανική επανάσταση, μετασχηματισμό φύσης και επέκταση εντάξει αδίστακτα