Στείλτε την καλή δουλειά σας στη βάση γνώσεων είναι απλή. Χρησιμοποιήστε την παρακάτω φόρμα

Οι μαθητές, οι μεταπτυχιακοί φοιτητές, οι νέοι επιστήμονες που χρησιμοποιούν τη βάση γνώσεων στις σπουδές τους και τις εργασίες τους θα είναι πολύ ευγνώμονες σε εσάς.

• 3
• 2. Στολή αντίκες θεάτρου 5
• 7
• 9
• 5. Ευρωπαϊκό κοστούμι θεάτρου από Xvi σε. Μέχρι το σύγχρονο 13
• 17

1. Τι είναι το κοστούμι θεάτρου;

Το θέατρο είναι ένας τέτοιος τύπος τέχνης που δεν μπορεί να υπάρχει χωρίς το κοινό, οπότε όλα υπολογίζονται για το εξωτερικό αποτέλεσμα. Το θεατρικό κοστούμι (μαζί με το Overhead Mustache και γενειάδα, περούκες, καλλυντικά, μάσκες) είναι μέρος του θεάτρου Grima. Grim (από τον Franz. "Grimer" - "Αγγίξτε το πρόσωπό σας") Είναι η τέχνη της εμφάνισης του ηθοποιού για αυτόν τον ρόλο και τα απαραίτητα μέσα για αυτό.

Το θέατρο (και μαζί του και το Grima) γεννήθηκε στα βάθη της μαγικής συνθετικής τελετής της αρχαιότητας. Οι άνθρωποι είδαν μια θεραπευτική δύναμη, καθαρίζοντας το σώμα από διάφορα πάθη.

Σε όλους τους λαούς του κόσμου από την αρχαιότητα υπάρχουν διακοπές που σχετίζονται με τους ετήσιους κύκλους που πεθαίνει και αναβίωση της φύσης. Αυτές οι διακοπές έδωσαν ζωή στο θέατρο.

Οι αρχαίοι Έλληνες ήταν πολύ αγαπημένοι και διάβασαν τον νεαρό θεό του Διονύσου. Ανώτατο Θείο - Δία - Τιμήθηκαν μόνο μία φορά κάθε τέσσερα χρόνια (Ολυμπιακοί Αγώνες). Αθηνά - μία φορά ανά δύο χρόνια. Απόλλωνα - μία φορά κάθε δύο χρόνια. Αλλά η Διονύσα είναι τρεις φορές το χρόνο. Αυτό είναι κατανοητό: Ο Διονύσης ήταν ο θεός της οινοποίησης τον Μάρτιο, στον Μεγάλο Διονύσιους, οι άνθρωποι από όλες τις ελληνικές πολιτικές πήγαν στην Αθήνα. Κατά τη διάρκεια της εβδομάδας, υπήρχαν συναλλαγές, πολιτικές ενώσεις και απλά διασκέδαση.

Οι διακοπές ξεκίνησαν με την εισαγωγή ενός ξύλινου Διονύσου σε μια βάρκα στους τροχούς. Αυτό το σκάφος συνοδεύει τη χορωδία του Satirov-Omnoye. Ως εκ τούτου, η εμφάνιση αυτής της θεότητας έχει πάντα συσχετιστεί με την αλλαγή των ρούχων και των κοστουμιών καρναβαλιού.

Το αποκορύφωμα των διακοπών μειώθηκε την τρίτη μέρα. Την ημέρα αυτή, ο Διόνυσος θυσιάστηκε στα ζώα των ατόμων του αρσενικού φύλου, αφού, γεννήθηκε από τον ισχίο Δία, συνδέθηκε με ένα καθαρά αρσενικό ξεκίνημα. Τα θύματα θα μπορούσαν να είναι roosters, ταύροι, αλλά πιο συχνά κατσίκες. Όταν ένας τέτοιος "αποδιοπομπαίος τράγος" σκοτώθηκε, τότε τραγούδησε ένα λυπημένο "τραγούδι κατσίκας" - τραγωδία. Στη συνέχεια, το καλάθι με τα έντερα και το φαλλό της κατσίκας που μεταφέρθηκε στον τομέα για τη γονιμοποίηση της γης, πίνοντας σταδιακά το κρασί αφιερωμένο στον Διονύσιο. Επιστρέφοντας το σπίτι, οι μεταφορείς ενός καλαθιού με κάποιον που κατέρρευσε (για παράδειγμα, μια τοπική πολιτική φιγούρα). Εισερχόμενοι στην πόλη, είδαν την κατσίκα Κομό στο σπίτι αυτού του ατόμου. Αυτή η ενέργεια, αυτό το πλήθος και αυτά τα αστεία τραγούδια. Ότι τραγούδησε, κάλεσε comose ("βόλτες"). Από εδώ υπήρχε μια κωμωδία. Είναι αλήθεια ότι υπάρχουν και άλλες εκδόσεις του θεάτρου.

Όσον αφορά τα ρούχα των συμμετεχόντων στις διακοπές, είναι γνωστό ότι αυτά ήταν δέρματα ζώων (για περισσότερες ομοιότητες με το Goning Satir). Αργότερα, χάρη στον ανταγωνισμό των ποιητών σε θεατρικό στάδιο, τα τραγικά και κόμικ τραγούδια έγιναν ανεξάρτητα θεατρικά είδη.

2. Στολή αντίκες θεάτρου

Το επίσημο έτος γέννησης του αρχαίου θεάτρου θεωρείται ότι είναι 534 χρόνια πριν. Ε. .. Πότερό στο Μεγάλο Διονύσιο, για πρώτη φορά βάλτε τη τραγωδία του FeSpid.

Μέχρι τότε, η θεατρική φορεσιά ήταν ήδη πολύ διαφορετική από την καθημερινή. Ο καλλιτέχνης, ο οποίος στην αρχή μόνο ένας, πήγε στη σκηνή σε ένα υπέροχο και φωτεινό φόρεμα. Στο πρόσωπό του υπήρχε μια μάσκα που συνδέεται με μια περούκα και εξοπλισμένο με μεταλλικό συντονιστή μιας φωνής που βρίσκεται στο στόμα. Η μάσκα είχε οπές οπών. Ο ηθοποιός έσπρωξε στο γατάκι σε μια υψηλή πλατφόρμα. Όλα αυτά σχεδιάστηκαν για την απομάκρυνση του θεατή, επειδή το ελληνικό θέατρο στον υπαίθριο χώρο φιλοξενείται μέχρι 17.000 άτομα. Φωτεινό φόρεμα, μια μεγάλη μάσκα, τα υψηλά παπούτσια επιτρέπεται να βλέπουν τον καλλιτέχνη καλύτερα. Ο συντονιστής ενίσχυσε τον ήχο (αν και η ακουστική στα αρχαία θέατρα ήταν τέτοια ώστε η λέξη που λέγεται σε ένα ψίθυρο στο κέντρο της σκηνής μεταφέρθηκε στις τελευταίες σειρές).

Έχουν βρεθεί σε εβδομήντα διάφορους τύπους μάσκας. Απαιτούνται επίσης επειδή όλοι οι ρόλοι στη συνέχεια πραγματοποιήθηκαν από τους άνδρες. Ο ηθοποιός άλλαξε τη μάσκα κατά τη διάρκεια της δράσης όταν ενεργούσε στον νέο ρόλο και όταν έδειξε τον θεατή να αλλάξει τη διάθεση του χαρακτήρα του. Οι μάσκες μεταδόθηκαν μια τυπική έκφραση χαράς, θλίψης, ράβδων κλπ. Έχουν κατασκευαστεί από καμβά ξύλου ή γύψου και στη συνέχεια βαμμένο.

Ένας σημαντικός ρόλος έπαιξε με σύμβολα χρώματος. Οι ηγεμόνες είχαν μωβ ρούχα: οι συζύγοι τους είναι λευκές. Εξόριστοι - μαύρο ή μπλε? αγόρια - κόκκινο? Οι απλές γυναίκες είναι κίτρινες. Οι Goethers είναι το Motley.

Οι κοστούμια συνοδεύονταν από σταθερά χαρακτηριστικά, ώστε το κοινό να είναι ευκολότερο να αναγνωριστεί ο χαρακτήρας. Ο κυβερνήτης είχε ένα σκήπτρο, ένα περιπλανώμενο - προσωπικό, διόλυση - ένα ανθισμένο υποκατάστημα βελούδινα (tirs), Απόλλωνα και βέλη, Zeus φερμουάρ κ.λπ.

Χάρη στα μακριά ρούχα και τα υψηλά παπούτσια, οι τραγικοί ηθοποιοί φαινόταν μνημειώς και μετακινούνται ομαλά. Οι κωμικοί χρησιμοποίησαν σύντομα και πιο παρακείμενα ρούχα. Οι εικόνες του Satirov και Silenov έτρεξαν στο πίσω μέρος μιας ουράς αλόγου, που τοποθετούνται στη μάσκα των ζώων (ή τα κέρατα), και αυτές οι κατασκευαστές εξαντλήθηκαν. Τέτοια ρούχα επέτρεψαν να πηδήξουν στη σκηνή. Στη Ρώμη, αγάπησαν τα ελαφρά είδη και τις τραγωδίες που προτιμούσαν να κωμωδία. Διείσδυσαν την παντομίμα στη σκηνή. Οι αριθμοί τσίρκου ήταν πολύ δημοφιλείς. Οι θεατές ήταν ευκολότεροι αντιληπτό Φλαιά (από τα ελληνικά. "Phlyax" - "αστείο") - παρωδία στην τραγωδία και την κωμωδία. Τα μίμια είναι μικρές σκηνές σε θέματα οικιακής χρήσης. Ατλλέλια - Βελτιώστε τον αυτοσχεδιασμό.

Η φορεσιά έχει γίνει πιο κοντά σε εγχώρια ρούχα. Είναι αλήθεια ότι ο σύμβολο του χρώματος εξακολουθεί να διατηρείται. Δεν υπήρχαν μάσκες στο Mumba και το κοινό θα μπορούσε να παρατηρήσει τις εκφράσεις του προσώπου των ηθοποιών. Όχι μόνο οι άνδρες που έπαιξαν σε αυτές τις ιδέες, αλλά οι γυναίκες που ενίσχυσαν την ερωτική στιγμή και δημιούργησαν λόγους για δημόσιους λωρίδες.

Το ελληνορωμαϊκό κοστούμι θεάτρου συνέχισε να επηρεάζει τη φορεσιά σταδίου των μεταγενέστερων χρόνων.

3. Θεατρική φορεσιά του Ευρωπαϊκού Μεσαίωνα

Στον Μεσαίωνα, οι άνθρωποι δεν ξεχάσουν την ψυχαγωγία της αρχαιότητας και σχεδόν κάθε χριστιανική γιορτή συνοδεύτηκε από μια ιδέα του Judovsky του σημείου: το στέμμα - το Jester, το καπάκι - ο βασιλιάς.

Στην Ευρώπη, τα ιστοϊόντα περιφέρονται (από το LAT. "ΥΔΡΙΡΟ" - "Ηθοποιός"), η οποία στη Γαλλία αναφέρονται ως Jonglers, στην Αγγλία - Masenters. Στη Γερμανία, το Shpilmann, και στη Ρωσία - η γειτονιά. Είναι θέατρο ενός ηθοποιού, επειδή ξέρουν πώς να παίζουν, τραγουδούν. Περπατήστε κατά μήκος του σχοινιού, juggle. Η φορεσιά αυτών των ανθρώπων ήταν βολική για την ακροβατική: δύσκολα, μαλακά παπούτσια, ένα σύντομο αυθόρμητο χιτώνιο, κοντά στους ιστοτόνες που ταξίδεψαν κοντά στους ιστορούς - "Broadcasting": Ασημοσύνη των μελετητών, σεμιναρίων, ιερείς. Δεν υπήρχαν όρια ως τέτοια και οι γλώσσες δεν διαλύθηκαν πολύ μακριά από μια ενιαία βάση, η οποία κατέστησε δυνατή την κατανόηση παντού. Τα εξειδικευμένα ρούχα δεν διέφεραν από την εγχώρια φορεσιά ενός μεσαιωνικού προσώπου.

Ο Waganta έπαιξε από αστείες προβολές - Comu, στην οποία η εκκλησία απαλλαγεί από την εικόνα της μητέρας της μητέρας, γι 'αυτό και οι εκπρόσωποι των επίσημων θρησκειών κυνηγούσαν καλλιτέχνες.

Ωστόσο, η Εκκλησία χρειάστηκε επίσης αύξηση της ψυχαγωγίας των "παρουσιάσεων", οπότε ένα λειτουργικό δράμα προκύπτει άμεσα μέσα στο ναό. Τα επεισόδια από τη Βίβλο έβαλαν τους ίδιους τους ιερείς στη στολή τους. Αλλά όσο περισσότερο η στιγμή του παιχνιδιού σε αυτές τις παραγωγές αυξήθηκε, τόσο πιο "άσεμνο" έγιναν στους τοίχους της εκκλησίας. Επομένως, η θέα μεταφέρθηκε πρώτα στο χλωμό, και στη συνέχεια στην πλατεία. Ένα νέο είδος εμφανίστηκε - θαύμα ("θαύμα"), που αντιπροσωπεύει υπέροχα γεγονότα που σχετίζονται με την Παναγία Μαρία και τον Ιησού. Με βάση τη Μιράκα, εμφανίζεται το μυστήριο ("μυστήριο") - θεατρική δράση που συνδέεται με το βιβλικό οικόπεδο.

Όχι μόνο η Παναγία, ο Ιησούς και οι βιβλικοί προφητικοί, αλλά και οι διάβολοι, ο διάβολος και οι απλός πολίτες θα μπορούσαν να είναι χαρακτήρες. Επομένως, η φορεσιά έχει γίνει πιο διαφορετική. Ο Χριστός, οι Απόστολοι, οι προφήτες που εκτελούνται στα άμφια της εκκλησίας. Ναι, και ο ρόλος αυτών των ρόλων θα μπορούσε να είναι ιερείς ή μοναχοί (αυτό δεν προβάλλεται). Οι έμποροι, οι τεχνίτες και οι άλλοι ήρωες είχαν πολίτες του χρόνου τους. Οι φανταστικοί χαρακτήρες ήταν ντυμένοι με ένα σύνθετο κοστούμι με απαραίτητα χαρακτηριστικά τύπου κέρατων, ουρών και λύκων ή δέρματος ψωμιού στο διάβολο. Εξατομικευμένες ασθένειες (πανούκλα, ευλογιά), αμαρτίες (αύξηση, κολακεία), αρετές (ειλικρινείς, ελπίδες) θα μπορούσαν να έχουν μάσκες.

Ωστόσο, συχνά δεν έγιναν ειδικές φορεσιές (καθώς και τοπίο). Οι επιγραφές "Paradise", "κόλαση", "θεός-πατέρας", και ούτω καθεξής. Ήταν αρκετά. Ήταν αρκετά.

Το φως ήταν η κύρια κατηγορία της μεσαιωνικής αισθητικής, έτσι οι σημαντικότεροι θεϊκοί χαρακτήρες ήταν σε λευκά και λαμπρά ρούχα και η διάστικτη απάτη - σε μαύρο χρώμα. Η Βέρα έχει ελεγχθεί σε λευκό φόρεμα. Ελπίδα - στο πράσινο. Αγάπη - με κόκκινο χρώμα.

Όπως και στην αρχαία φορεσιά, οι ήρωες είχαν μόνιμα χαρακτηριστικά: η πίστη - ένας σταυρός, στην ελπίδα - άγκυρα, στην αγάπη - μια καρδιά ή ένα τριαντάφυλλο, στην ατυχία - ένα πορτοφόλι, με την ευχαρίστηση του πορτοκαλιού, στην κολακεία , η ουρά.

Με την πάροδο του χρόνου, η θεατρική φορεσιά έγινε όλο και πιο παρόμοια με το συνηθισμένο νοικοκυριό και το νοικοκυριό πιο θεατρικό.

4 Κοστούμια θεάτρου στις χώρες της Νοτιοανατολικής Ασίας

Ο συγχρονισμός της πρωτόγονης κουλτούρας (η απουσία διαφόρων τύπων πολιτιστικών δραστηριοτήτων) εκδηλώθηκε σε μαγικές πόλεις, όπου χορεύουν, μουσική, ζωγραφική, θεατρικές ιδέες κλπ. Συνυπάρχονται δίπλα στα βάθη της μυθολογίας κλπ. μι. Ο χορός και η παντομίμα ήταν μέρος της λατρείας των θεών στην αρχαία Ινδία. EPOS "MAHAB-HARAP" και "RAMAYANA", η οποία εμφανίστηκε στις Ι.Π.Α. ER, η βάση του κλασικού θεάτρου της Ινδίας και εκείνων των χωρών όπου υπάρχει ο Ινδουισμός, δεδομένου ότι τα στοιχεία των EPOS είναι τα ιερά βιβλία αυτής της θρησκείας. Σε διάφορες μορφές (στην πραγματικότητα θεατρικό θέατρο, το θέατρο των σκιών, του μπαλέτου) των επεισοδίων "Mahabharata" και "Ramayana" τώρα. Και τώρα υπάρχουν πολύ φωτεινά, ακριβά κοστούμια, μάσκες ή μακιγιάζ όπως μάσκα. Δεν υπάρχουν διακοσμήσεις, όλα συμβαίνουν στο Lona της μαγευτικής φύσης.

Στην Κίνα, το θέατρο αναπτύχθηκε επίσης από χορού και ακροβατικά στοιχεία, τα οποία συμπεριλήφθηκαν σε ιερές τελετές. Στους VII-X αιώνες, που χορεύουν σε ιστορικά και ηρωικά θέματα που διαδίδονται με την ένταξη μικρών ενδιάμεσων θεάτρων. Για πρώτη φορά εμφανίστηκαν ειδικά κοστούμια θεάτρου.

Στους XIII-XIV αιώνες, το κινεζικό θέατρο έφτασε στην ακμή του με τη μορφή του Zsazyu. Αυτή η μεικτή απόδοση περιελάμβανε μουσική, τραγούδι, χορού και ακροβατική.

Το τοπίο απουσιάζει, επομένως το παιχνίδι των ηθοποιών και η εμφάνισή τους συνδέθηκε ιδιαίτερη σημασία. Όλοι οι ρόλοι έκαναν άντρες. Οι πιο αξιολόμενες σκηνές έπαιξαν σε αργή κίνηση.

Όλες οι κινήσεις ήταν αυστηρά ζυγοί. Οι ίδιοι οι ηθοποιοί μίλησαν για τον εαυτό τους ως ήρωες, ο χρόνος και ο τόπος δράσης προσδιορίστηκαν.

Τον επόμενο αιώνα, ο Zasszui δεν πεθαίνει, αλλά μετασχηματίστηκε σε διαφορετικές μορφές. Ακόμα στη σκηνή μια μικρή απαιτούμενη και αυτή που είναι, χρησιμοποιείται πολυλειτουργικά: ο πίνακας είναι τόσο το βουνό, όσο και το βωμό και το κατάστρωμα παρατήρησης. Μαύρες σημαίες συμβολίζουν τον άνεμο, την κόκκινη - πυρκαγιά, κλπ. Στο Grima και το κοστούμι χρησιμοποίησε το χρώμα συμβολικά: κόκκινο - θάρρος, λευκό - υφάλαιο, κίτρινο - χρώμα αυτοκράτορας.

Η Ιαπωνία ανέπτυξε επίσης διάφορους τύπους θεατρικών ιδεών που έζησαν μέχρι σήμερα. Ο Katemi Kpetvugu και ο γιος του Dzeami στη στροφή των XIV και XV αιώνες που δημιουργήθηκαν από το διάσπαρτο τραγούδι και το Theatre Numps Theatre αλλά. Οι ίδιοι ήταν ηθοποιοί, διευθυντής διευθυντής, συγγραφείς και συνθέτες (και από τη θεωρητική του θεάτρου, αλλά). Η δημιουργικότητά τους έπρεπε να είναι εκείνη την εποχή, όταν ο τρόπος ζωής των Ιάπωνων ήταν αισθητά θεατρικός: οι ηγέτες έγιναν άνθρωποι χαμηλής προέλευσης, και, όπως όλα τα νεοφύτητα, προσκόμισαν ιδιαίτερα στο τελετουργικό. Η ώθηση για διασκέδαση έδωσε τελετές μαζικής τσάι ή διακοπές αγάπης με ανθισμένα κεράσια (τα οποία από μόνη της είναι παράλογες, επειδή είναι για το ιαπωνικό κάτι πολύ προσωπικό). Οι θεατρικές παραστάσεις αλλά έγιναν υποχρεωτική συνιστώσα τελετών και τεχνικών. Συχνά, πολλές ώρες (και ακόμη και πολυτελές) απόψεις για ιστορικά και ηρωικά θέματα άρχισαν να αλλάζουν την πορεία των πραγματικών γεγονότων (για παράδειγμα, την εμφάνιση των διακοπών). Οι ηγέτες κατέβηκαν με τις εικόνες των γραφικών ηρώων. Και Segun (στρατιωτικός δικτάτορας) Toythoma ideyashi από έναν μεγάλο ανεμιστήρα του θεάτρου, αλλά μετατράπηκε στον ηθοποιό του και το 1593 κατά τη διάρκεια της τριήμερης παρουσίασης προς τιμήν της γέννησης του γιου του που αγόρασα σε δέκα παιχνίδια. Έπαιξε τον εαυτό του.

Το θέατρο είναι επίσης χαρακτηριστικό από το οποίο αναφέρεται ήδη: η έλλειψη τοπίου, η επιβράδυνση των κινήσεων σε σημαντικούς χώρους παρουσίασης, αρσενικοί ηθοποιοί. Οι σκηνές ξεδιπλώνονται πριν από την εικόνα του πεύκου σε χρυσό φόντο. Η εικόνα του πεύκου μεταφέρθηκε στα αρχαία γεωργικά μαγικά σύμβολα και ο χρυσός προσωποποίησε τον ήλιο και τη θεά τον Αμαάτας. Επιπλέον, ένα τέτοιο υπόβαθρο συμβολίζει μια συγχώνευση με τη φύση, ειδικά επειδή οι ενέργειες θα μπορούσαν να υπερβούν τη σκηνή και να συμμετάσχουν στην πραγματική ρύθμιση της εισδοχής ή των διακοπών.

Ενεργώντας κοστούμι μέχρι τον XVII αιώνα. Δεν διαφέρουν από την εγχώρια κοστουμιά ευγένεια (αργότερα διεξήχθη από χαρακτικές και δείγματα των αιώνων XIV-XV). Υπήρξε μια παράδοση - να δώσει ηθοποιούς ακριβά φορέματα (ειδικά που εξαπλώθηκε κατά τη διάρκεια του κυκλωτήρα-θεάτρου toytoma hidesii). Ως αποτέλεσμα, το θέατρο έγινε επίσης ένα μουσείο πολυτελών ρόμπα. Τώρα το παλαιότερο ρούχο, που αποθηκεύεται στο θέατρο, - κοστούμι του Sadman XV αιώνα.

Το 1615, ο κυβερνήτης της IEASA TOTKUGAVA εξέδωσε έναν κώδικα, ρυθμίζοντας τα χρώματα και την ποιότητα των ιστών. Η απαγόρευση των δαπανηρών υλικών άγγιξε το θέατρο, αλλά. Ο σκηνοθέτης άρχισε να αναζητά μια διαφορετική εικαστική έκφραση που δεν έχει πλέον σε βάρος των δαπανηρών ρούχων. Το ύφασμα της φορεσιάς μετατράπηκε σε ένα συμβολικό βιβλίο που θα μπορούσε να συμπληρώσει πληροφορίες. Τώρα στυλιζαρισμένο κοστούμι θεάτρου Canonovy, αλλά αποκαλύπτει τη χαρακτηριστική εικόνα. Σε αυτό, όλα είναι συμβολικά - από την κοπή σε κεντήματα.

Ένας σημαντικός ρόλος παίζεται με το χρώμα. Το λευκό σημαίνει την αριστοκρατία, το κόκκινο ανήκει στους θεούς και τις ομορφιές, το ανοιχτό μπλε δεσμεύεται με την ισορροπία, το καφέ σημαίνει χαμηλή προέλευση.

Στο θέατρο, οι άνδρες παίζουν, επομένως οι μάσκες και οι οπαδοί είναι σημαντικοί. Το μέγεθος, η ζωγραφική, το σχέδιο, η κίνηση ενός ανεμιστήρα χαρακτηρίζει τον χαρακτήρα. Οι μάσκες είναι απλές, αλλά πολύ κομψές. Είναι κατασκευασμένα από κυπαρίσσι, συγκομιδή και άλεσμα. Η μάσκα τοποθετείται σε μια περούκα και στερεωμένη με χορδές. Η παραμικρή αλλαγή του φωτισμού ή της γωνίας δίνει μια νέα έκφραση. Υπάρχουν μάσκες διαφορετικών ορόφων, ηλικίας, χαρακτήρων και ακόμη και φανταστικά πλάσματα.

5. Κοστούμια θεάτρου της Ευρώπης από το XVI αιώνα. Μέχρι το σύγχρονο

Στην εποχή της αναβάτης στην Ευρώπη, αρχίζουν να εμφανίζονται οι πρώτες μόνιμες δασμοί, που εργάζονται σε επαγγελματική βάση. Περπατούν ή καρφωμένα σε ένα μέρος. Οι άνθρωποι αγαπούν να γελάσουν περισσότερο από την κλάμα, έτσι ώστε οι ηθοποιοί έβαλαν τους πνεύμονες, τις κόμικς παραγωγές, τις ευρώ και τις παρωδίες. Οι αδέσποτοι κωμικοί συνέχισαν τις μεσαιωνικές παραδόσεις και (ως ολόκληρη την κουλτούρα της αναβίας) άσκησε έφεση στην αρχαία κληρονομιά. Προηγουμένως, τέτοιες δόσεις προέκυψαν στην Ιταλία. Εκεί, το θέατρο Commedia Dell εμφανίστηκε "Arte, δηλαδή, οι" μάσκες κωμωδίας ".

Στην κωμωδία Del Arth υπήρχε ένα τοπίο - ο δρόμος της πόλης. Το συνεχές οικόπεδο δεν υπήρχε: ο επικεφαλής του θυγατρικού (Capocomico) τον ρώτησε και οι ηθοποιοί αυτοσχέδιοι, όπως και στους αρχαίους Ατλαγλάτες. Αυτά τα κόλπα και τα αντίγραφα που προκάλεσαν την έγκριση του κοινού επαναλήφθηκαν και εξασφαλίστηκαν. Η δράση χωρίζεται γύρω από την αγάπη των νέων, που οι ηλικιωμένοι παρεμβαίνουν και βοήθησαν τον υπηρέτη.

Η μάσκα έπαιξε καθοριστικό ρόλο στην κωμωδία. Μια μαύρη μάσκα θα μπορούσε να κλείσει ολόκληρο το πρόσωπο ή μέρος του. Μερικές φορές ήταν μια κολλημένη μύτη ή ηλίθια γυαλιά. Το κύριο πράγμα είναι να δημιουργήσετε ένα τυπικό πρόσωπο, που επεσήμανε πριν από το κινούμενο σχέδιο.

Δύο απαιτήσεις παρουσιάστηκαν στο κοστούμι: ευκολία και comicness. Ως εκ τούτου, υπενθύμισε, αφενός, τα ρούχα των μεσαιωνικών ιστορικών, και από την άλλη, συμπληρώθηκε από χαρακτηριστικά αστεία αντικείμενα.

Για παράδειγμα, ο παντελόνι είναι ένας έμπορος - πάντα με το πορτοφόλι του. Τα ρούχα του έμοιαζαν τα ρούχα των βενετσιάνικων εμπόρων: ένα σακάκι, δεμένο από ένα βούρτσα, κοντό παντελόνι, κάλτσες, μανδύα και στρογγυλό καπάκι. Αλλά μόλις ο καλλιτέχνης πήγε στη σκηνή σε ευρύ κόκκινο παντελόνι, αυτή η χαρακτηριστική λεπτομέρεια άρεσε το κοινό. Ως αποτέλεσμα, ο παντελόνι και τα παντελόνια του ήταν τόσο συγχωνευμένα, στη συνείδηση \u200b\u200bτων ανθρώπων, που με την πάροδο του χρόνου, το ονομαστικό όνομα της γυναικείας λινό του παντελονίου παντελονιού σχηματίστηκε.

Ο γιατρός - Ένας άλλος ήρωας της Comedy del Arte - αντιπροσώπευε μια παρωδία του επιστήμονα και βγήκε σε ένα μαύρο ακαδημαϊκό μανδύα με ένα κολάρο και μανσέτες. Στα χέρια του, ήταν πάντα χαρτί κύλισης στο καπέλο του κεφαλιού.

Ο καπετάνιος - ένας στρατιωτικός τυχοδιώκτης, φορούσε Kiraça, Sharovars, μπότες με τεράστιους σπείρους, κοντό μανδύα και καπέλο με φτερά. Το σταθερό χαρακτηριστικό του ήταν ένα ξύλινο σπαθί, το οποίο σίγουρα κολλήσει στα θήκη όταν χρειάζεται.

Οι πιο πολυάριθμοι και διαφορετικοί χαρακτήρες υπηρέτες (Dzanni), επειδή ήταν οι "κινητήρες προόδου" στη σύγκρουση αγάπης. Η Pulchinella είχε μια τεράστια μύτη εισόδου. Ο Harlequin έχει ένα τέτοιο αριθμό μπαλών που με την πάροδο του χρόνου που διαμορφώθηκαν σε ένα κλουβί σκακιού, ο Piero έχει ένα λευκό πουκάμισο με μύλο άλεσης και Long Pantalon. Το Brigella έχει μια ευρεία λευκή μπλούζα και το ίδιο παντελόνι.

Αυτό το λαϊκό θέατρο, χάρη στα ελαφρά οικόπεδα, ήταν πολύ πιο δημοφιλής από τα θέαμα του Σαίξπηρ ή το Lope de Vega, το οποίο προτιμάτε μεγαλύτερη προτίμηση να μην ψυχαγωγεί και το βάθος του περιεχομένου. Για τα έργα του Lope de Peg, για παράδειγμα, ακόμη και το όνομα "Comedy Raincoat and Swords" εμφανίστηκε, επειδή οι καλλιτέχνες έπαιξαν πραγματικά σε αυτά μόνο σε σύγχρονο συγγραφέα Autosumat.

Παράλληλα με τις αδέσποτες ομάδες υπήρχαν θλιβερά του δικαστηρίου, τα κοστούμια των οποίων υπολογίστηκαν με εκατοντάδες και διέφεραν με υψηλό κόστος. Αποδείχθηκαν ξεχωριστά από την κατοχή.

Στους αιώνες XVII-XVIII, μια πτώση έρχεται στην ανάπτυξη θεατρικής φορεσιάς. Η λέξη προτίθεται για το προσκήνιο, οι διάλογοι απορροφούν όλη την προσοχή του κοινού. Ένα οικιακό κοστούμι, στερείται ιστορικότητας, χρησιμοποιείται στη σκηνή. Αυτό είναι ένα συνηθισμένο μοντέρνο κοστούμι του πόρου. Είναι αλήθεια, στο παιχνίδι δεν θα δείτε τον κύλινδρο υπηρέτη ή κακώς ντυμένος. Η φορεσιά διευρύνεται. Αυτή είναι η συνέπεια της θεατρικής ζωής της ζωής. Το θέατρο συμπεριλαμβάνεται τόσο βαθιά στη ζωή, ότι το σύνορο "θεατρικό - νοικοκυριό" διαγράφεται. Πρέπει να σημειωθεί ότι στο XVII - XVIII αιώνες θεατρικό φορεσιά καθορίζει συχνά τη μόδα (η οποία έχει ήδη αναφερθεί στα προηγούμενα κεφάλαια). Οι καλλιτέχνες ντυμένοι καλύτερα και εξωφρενικοί άλλοι. Στον XVII αιώνα Για τον Monsieur A La-Fashion στη σκηνή, ικανοποιούν ειδικούς χώρους θεατών όπου δεν φαινόταν τόσο μεγάλη απόδοση καθώς συζήτησαν τους καλλιτέχνες και τα κοστούμια τους.

Στους αιώνες XVII - XVIII, συνθετικά είδη ανθίζουν: όπερα, μπαλέτο, τσίρκο (αν και ήταν γνωστοί πριν). Σε αυτά τα είδη υπάρχουν επίσης δραματικές επιδράσεις, κόλπα, μουσική και τραγούδι, και φωτεινό αξέχαστο μακιγιάζ. Τα συνθετικά είδη παραλαμβάνουν στοιχεία της οικιακής ζωής. Για παράδειγμα, ο χορός της μπάλας του Κανκάν (Franz. Cancan) με χαρακτηριστική υψηλή ισοπέδωση των ποδιών που προέκυψαν περίπου το 70s του XVIII αιώνα. Σταδιακά, γίνεται αναπόσπαστο μέρος της οπερέτας - ένα μουσικό και χορευτικό είδος κωμωδίας.

Στο XIX αιώνα, το ενδιαφέρον για την ιστορία σε όλες τις κατευθύνσεις του πολιτισμού αναβιώθηκε. Χάρη στα αρχαιολογικά και λογοτεχνικά ευρήματα, ήταν δυνατό να μάθετε περισσότερα για τα ρούχα της αρχαιότητας, έτσι σε ιστορικά έργα για πρώτη φορά προσπαθούν να αναπαράγουν γνήσια κοστούμια του παρελθόντος.

Η ανάπτυξη κρίσιμου ρεαλισμού ως μέθοδος τέχνης και τρόπος της κοσμοθεωρίας οδηγεί στο γεγονός ότι η σκηνή δεν θα δει πλέον στους αγρότες σε Peignoirs και Starchy υπηρέτες. Στο θέατρο, εμφανίζεται τέτοια στηρίγματα, η οποία πριν σε μια αξιοπρεπή κοινωνία δεν ανέφερε δυνατά. Η αναζήτηση νέων μορφών εκφραστικότητας οδηγεί σε φυσιολογικό μακιγιάζ. Αυτό είναι που ο V. A. Gilyarovsky γράφει στα δοκίμια του για τη Μόσχα και τους Μοσχοβίτες:

"Το 1879, το αγόρι στην Penza στο θεατρικό κομμωτήριο Shishkov ήταν φοιτητής, ένα μικρό MITYA. Ήταν το αγαπημένο της Penza Antreplener V. P. Dalmatova, ο οποίος ήταν μοναδικός για να αγγίξει τα μαλλιά του και δίδαξε τον μακιγιάζ. Μόλις ο V. P. Dalmatov στο όφελος του έθεσε Οι "σημειώσεις του τρελού" και διέταξε τη Μίτα να προετοιμάσει μια φαλακρή περούκα. Έφερε μια υγρή φούσκα στο παιχνίδι και άρχισε να φτύνει στο χτένισμα του Dalmatov ... οι καλλιτέχνες έφυγαν προς την κραυγή του ηθοποιού.

- Είστε ένας σπουδαίος καλλιτέχνης, Vasily Panthevimonovich, αλλά επιτρέψτε μου να είμαι καλλιτέχνης της επιχείρησής σας! - Μετατρέποντας το κεφάλι του σε υψηλό V. P. Dalmatov, το αγόρι ήταν δικαιολογημένο. - Απλά προσπάθησε!

Ο V. P. Dalmatov συμφώνησε τελικά - και μετά από λίγα λεπτά η φούσκα περιστρέφεται, σε ορισμένες περιοχές και τα μάτια του Β. Π. Δαλματώβα έλαμψε από την ευχαρίστηση: ένα εντελώς γυμνό κρανίο στα μαύρα μάτια του και το εκφραστικό maker δημιούργησε μια ισχυρή εντύπωση.

Με τη σειρά των αιώνων XIX και XX, η τάση του μοντερνισμού δημιουργεί νέες μορφές θεατρικής φορεσών. Τα ρούχα είναι στυλιζαρισμένα, μετατρέπονται σε σύμβολα. Οι Ευρωπαίοι ανακάλυψαν τα θέατρα της Ανατολής, η οποία αντανακλάται στη σκηνή.

Στους πρώτους στόχους μετά την επανάσταση του Οκτωβρίου, η θεατρική φορεσιά εξαφανίστηκε καθόλου, αντικαταστάθηκε από τις "φόρμες", καθώς οι ηθοποιοί είναι «εργαζόμενοι της θεατρικής εργασίας».

Σταδιακά τα πάντα πήγαν στην κανονική πορεία, και το κοστούμι θεάτρου επέστρεψε και πάλι στη σκηνή. Επιπλέον, στο XX αιώνα. Ένα τέτοιο νέο θέαμα εμφανίστηκε ως το θέατρο μόδας. Οι εμφανίσεις των μοντέλων μετατρέπονται σε μουσικές και δραματικές παραστάσεις. Έτσι κοστούμι οικιακής χρήσης ήταν τελικά ανοιχτά "σε συνδυασμό με το γάμο" με το θέατρο.

Κατάλογος μεταχειρισμένων λογοτεχνίας

2. Gelderod M. de. Θέατρο: Σάβ: ανά. Με το fr. / Τραγούδι. Λ. Ανδρικαβ, σ. 653-694

3. Σχόλιο. S. shkunayev; Τέχνη. Ν. Alekseev. -Μ.: Art, 2003. -717 σελ.

4. De Filippo Ε. Θέατρο: κομμάτια: ανά. Με αυτό. / Τραγούδι. Λ. Vlethinina, σ. 759-775; Τέχνη. Ν. Alekseev. -Μ.: Art, 2007. -775 σελ.

Παρόμοια έγγραφα

Χαρακτηριστικό της θεατρικής φορεσιάς. Απαιτήσεις για το σκίτσο του. Ανάλυση της εικόνας μιας ανθρώπινης φιγούρας. δεξιώσεις και μέσα που χρησιμοποιούνται σε πηγές γραφικών. Η χρήση γραφικών τεχνικών θεατρικής φορεσιάς στην ανάπτυξη μιας συλλογής ρούχων.

Εργασία μαθημάτων, προστέθηκαν 09/28/2013


Ανθρωπομορφολογικά χαρακτηριστικά του αριθμού. Ανάλυση της ιστορικής φορεσιάς. Χαρακτηριστικά ενός αρσενικού κοστουμιού. Αιτιολόγηση της επιλογής του βασικού μοντέλου. Καλλιτεχνική και σύνθετη ανάλυση αναλογικών μοντέλων. Υπολογισμός και κατασκευή των σχεδίων του προβλεπόμενου προϊόντος.

Εργασία μαθημάτων, προστέθηκαν 04/28/2015


Σχέδιο, ως αντικείμενο κοινωνικής και καλλιέργειας ανάλυσης: Ιστορία ανάπτυξης, αξίας, ρόλου, λειτουργίας και τυπολογίας. Χαρακτηριστικά των σημειωτικών πτυχών κοστουμιών, χαρακτηριστικών, αξεσουάρ, κοινωνική και ψυχολογική βάση. Ανάλυση του συμβολισμού της φορεσιάς "Dandy".

Διατριβή, πρόσθεσε 01/24/2010


Η έννοια της τέχνης διακόσμησης ως μέσο εκφραστικότητας της θεατρικής τέχνης. Το κύριο μέσο εκφραστικότητας της θεατρικής τέχνης: ο ρόλος του σκηνικού, το κοστούμι, η Grima στην αποκάλυψη της εικόνας χαρακτήρων, οπτικό οπτικό σχεδιασμό της απόδοσης.

Εργασίες δοκιμής, προστέθηκαν 12/17/2010


Η ιστορία του ευρωπαϊκού κοστουμιού XIX αιώνα. Τις διαφορές του στυλ αμπέρ από τον κλασικισμό. Χαρακτηριστικά της σύνθεσης κοστούμι. Αισθητικό ιδανικό της ομορφιάς. Κύριοι τύποι ρούχων, σχεδιαστικές λύσεις. Φόρεμα εξόδου, παπούτσια, καπέλα, hairstyles, κοσμήματα.

Εργασία μαθημάτων, προστέθηκαν 03/27/2013


Ιστορικά χαρακτηριστικά της εποχής της δυναστείας Ming. Εθνικά κινέζικα ρούχα ως μέρος της ιστορίας της Κίνας. Στολίδι, διακοσμητικά χαρακτηριστικά και κοστούμι συμβολισμού. Οι αρχές της διακόσμησης ενός κοστουμιού, της πρωτοτυπίας του. Το συνολικό χρώμα του χρωμάτων.

Περίληψη, προστέθηκε 05/23/2014


Ο ρόλος και η σημασία ενός κοστουμιού στον αρχαίο κόσμο: Αίγυπτος, Ελλάδα, Ρίμμα, Ινδία και Βυζάντιο. Δυτική ευρωπαϊκή φορεσιά στην εποχή του Μεσαίωνα. Renaissance Suit: Ιταλικά, ισπανικά, γαλλικά, γερμανικά, αγγλικά. Αμπρυστικό στυλ και ρομαντισμός, Rococo και μπαρόκ.

Μαθήματα, πρόσθεσε 12/26/2013


Χαρακτηριστικά της ανάπτυξης της μπαρόκ εποχής, του αισθητικού ιδανικού χαρακτηριστικών ομορφιάς και υφασμάτων, χρώματα, στολίδια. Ειδικά χαρακτηριστικά γυναικείου και αρσενικού κοστουμιού, παπουτσιών και hairstyles. Χαρακτηριστικά της μπαρόκ εποχής της μπαρόκ εποχή, την αντανάκλαση τους στη σύγχρονη μόδα.

Το μάθημα προστέθηκε 07.12.2010


Τα γενικά χαρακτηριστικά της κουλτούρας και της τέχνης της Ιαπωνίας. Περιγραφή των αρχών του σχηματισμού μιας σουίτας της Ιαπωνίας. Τύποι κιμονό, κοπής και αξεσουάρ. Σύγχρονη ερμηνεία της φορεσιάς της Ιαπωνίας στα έργα των διάσημων σχεδιαστών (J. Galjano, Α. McQueen, είναι η Miyaka, M. Prada).

Περίληψη, προστέθηκε 07.01.2013


Γυναικεία Hairstyles της Βυζαντινής Αυτοκρατορίας. Τα χαρακτηριστικά χαρακτηριστικά των αρσενικών χτενισμάτων των αιώνων XV-XVI. Η εξέλιξη του κοστούμι δικαστηρίου στη Ρωσία στο XVIII αιώνα. "Romanesque" στυλ σε μια σύγχρονη γυναίκα. Την επίδραση του ευγενούς κοστούμι σε κοστούμια άλλων τάξεων.

"Μέρος του τοπίου στα χέρια των ηθοποιών είναι η φορεσιά του."
Γαλλική εγκυκλοπαίδεια.

"Η φορεσιά είναι το δεύτερο κέλυφος του ηθοποιού, είναι κάτι αδιάσπαστο από την ύπαρξή του, αυτό είναι το ορατό θέμα της σκηνής της εικόνας, η οποία θα πρέπει να είναι τόσο ολιστικά συγχωνευμένη μαζί του για να γίνει μη κρατική ..."
Α. Ya. Tairov.

Το θέατρο είναι ένας συνθετικός τύπος τέχνης που μας επιτρέπει όχι μόνο να ακούσουμε, όχι μόνο να φανταστούμε, αλλά και να δούμε, να δούμε. Το θέατρο μας δίνει την ευκαιρία να παρακολουθήσουμε το ψυχολογικό δράμα και τον συμμετέχοντα σε ιστορικά επιτεύγματα και εκδηλώσεις. Το θέατρο, η θεατρική εκπροσώπηση δημιουργείται από τις προσπάθειες πολλών καλλιτεχνών, που κυμαίνονται από τον σκηνοθέτη και τον ηθοποιό και τελειώνουν με τον διευθυντή καλλιτέχνη, για την απόδοση υπάρχει μια "αντιστοίχιση διαφορετικών τεχνών, καθένα από τα οποία μετατρέπεται σε αυτή την ιδέα και γίνεται Νέα ποιότητα ... ".

Η θεατρική φορεσιά είναι ένα σύνθετο στάδιο του ηθοποιού, αυτά είναι εξωτερικά σημάδια και χαρακτηριστικά του χαρακτηριστικού χαρακτήρα που βοηθά στη μετενσάρκωση του ηθοποιού. Ένα εργαλείο καλλιτεχνικής επίπτωσης στον θεατή. Για έναν ηθοποιό, ένα κοστούμι είναι θέμα, μια μορφή, πνευματισμένος ρόλος.

Ως ηθοποιός στη λέξη και χειρονομία, κίνηση και τεχνική, η φωνή αναπτύσσει ένα νέο πλάσμα της σκηνής, πιέζοντας μακριά από το έργο που καθορίζεται στο παιχνίδι και ο καλλιτέχνης, ο οποίος καθοδηγείται από τα ίδια δεδομένα παιχνιδιού, ενσωματώνει την εικόνα μέσα της τέχνης του.

Καθ 'όλη τη διάρκεια της αιώνων ιστορίας της θεατρικής τέχνης, ο διακοσμητικός σχεδιασμός πέρασε έναν εξελικτικό μετασχηματισμό, προκάλεσε όχι μόνο τη βελτίωση του σκηνικού εξοπλισμού, αλλά και από όλες τις υπερηχόμενες μορφές και τρόπους των αντίστοιχων χρόνων. Εξαρτίζεται από τη φύση της λογοτεχνικής κατασκευής του έργου, από το είδος της Δράμας, από την κοινωνική σύνθεση του θεατή, στο επίπεδο της γραφικής τεχνολογίας.

Οι περίοδοι σταθερών αρχιτεκτονικών δομών αρχαιότητας αντικαταστάθηκαν από το πρωτόγονο του Μεσαίωνα, με τη σειρά τους, οι οποίες πέρασαν από το βασιλικό δικαστήριο με την αυτοδύναμη πολυτέλεια των ιδεών. Υπήρχαν εμφανίσεις στο Sukni, σε σύνθετα τοπίο σχεδιασμού, μόνο σε φωτεινή διακόσμηση, χωρίς εγγραφή σε όλα - σε γυμνό στάδιο, σε μια πλατφόρμα, ακριβώς στο πεζοδρόμιο.

Ο ρόλος ενός κοστουμιού ως "κινούμενο" τοπίο ήταν πάντα κυρίαρχη. Η άποψη άλλαξε στη "σχέση" του με τον ηθοποιό, τον χρόνο και την ιστορία, τέλος, με τον άμεσο "συνεργάτη" του - τη διακόσμηση της σκηνής.

Κατά τη διαδικασία της προοδευτικής ανάπτυξης της τέχνης του σύγχρονου θεάτρου, η καινοτομία του διευθυντή, η μετατροπή της μεθόδου διακόσμησης ο ρόλος της τέχνης ενός κοστουμιού δεν έχει μειωθεί - αντίθετα. Δεδομένου ότι τα νεώτερα και ευέλικτα λιπάσματα αυξάνονται - ταινία και τηλεόραση - το θέατρο, είναι αναμφισβήτητα, βρίσκει αναζήτηση και αλεύρι νέες μορφές θεαματικής τεχνικών, ήταν εκείνοι που υπερασπίστηκαν και καθόρισαν τη θέση του θεάτρου ως μια εξίσου μια ανεξάρτητη αξία ενός ανεξάρτητου Τύπος τέχνης. Η φορεσιά, ως το πιο κυλιόμενο στοιχείο της διακόσμησης θεάτρου, δίνεται πρώτα στην αναζήτηση.

Υψηλή σύγχρονη κουλτούρα της θεατρικής τέχνης, λεπτό και βαθύ έργο του σκηνοθέτη για το παιχνίδι και το παιχνίδι, το ταλαντούχο παιχνίδι των ηθοποιών απαιτούν από τον καλλιτέχνη σε ένα κοστούμι, την κατάρτιση της απόδοσης, ιδιαίτερα προσεκτική διείσδυση στον θεατρικό συγγραφέα της απόδοσης, στενή επαφή με το διευθυντής. Ο σύγχρονος σχεδιασμός δεν είναι κανονικός από τους κανόνες. Είναι ξεχωριστά και συγκεκριμένα σε κάθε συγκεκριμένη περίπτωση. "Το έργο του σκηνοθέτη είναι αναπόσπαστο από το έργο του καλλιτέχνη. Πρώτον, ο διευθυντής πρέπει να βρει τις δικές του απαντήσεις στα βασικά προβλήματα διακόσμησης. Ο καλλιτέχνης, με τη σειρά του, θα πρέπει να αισθάνεται τα καθήκοντα του θέματος και επίμονα να αναζητούν εκφραστικά μέσα ... ". Η θεατρική φορεσιά δημιουργείται αρχικά μέσω οπτικής, δηλαδή, σκίτσο.

Η εμφάνιση θεατρικού κοστουμιού ως όπως οι ρίζες του χρονολογούνται στην αρχαιότητα. Από μεγάλο χρονικό διάστημα υπάρχει ένα θέατρο στο θέατρο της Αρχαίας Ανατολής. Στην Κίνα, την Ινδία, καθώς και την Ιαπωνία, ένα κλασικό κοστούμι θεάτρου είναι συμβολική και υπό όρους. Το θέατρο έχει επίσης την αξία του συμβολισμού του κοσμήματος, μοτίβα σε ύφασμα και χρώμα.

Τα κοστούμια στο θέατρο δημιουργούνται συνήθως για κάθε παρουσίαση και για έναν συγκεκριμένο ηθοποιό, αλλά υπάρχουν επίσης τέτοια θεατρικά κοστούμια που είναι αμετάβλητα και γενικά είναι τα ίδια για όλη τη θολή.

Το ευρωπαϊκό κοστούμι θεάτρου εμφανίστηκε για πρώτη φορά στην αρχαία Ελλάδα, όπου, όπως γνωρίζουν όλοι, το θέατρο γεννήθηκε ως τέτοιο και αργότερα αναπτύχθηκε και, υποβλήθηκε σε πολλές αλλαγές, μετατράπηκε σε ένα σύγχρονο. Το κύριο στο ελληνικό θέατρο ήταν ένα κοστούμι που επαναλαμβάνει τα casual ρούχα των Ελλήνων. Επίσης, για θεατρική παρουσίαση, χρειάζονται μεγάλες μάσκες με διάφορες εκθέσεις, έτσι ώστε οι θεατές από μακριά να είχαν ορατά στα συναισθήματα των ηθοποιών και των παπουτσιών σε ψηλά περίπτερα - γάτες. Κάθε κοστούμι στο ελληνικό θέατρο είχε ιδιαίτερο χρώμα, για παράδειγμα, επεσήμανε ότι ανήκει σε ένα συγκεκριμένο είδος δραστηριότητας ή θέσης. Η θεατρική φορεσιά άλλαξε ανάλογα με τους χώρους του παιχνιδιού.

Αξίζει να αποκαλυφθεί η ουσία της έννοιας της "κοστούμι θεάτρου".

Ο ακόλουθος ορισμός παρέχεται στη μεγάλη σοβιετική εγκυκλοπαίδεια: "κοστούμι στο θέατρο (από το ital. Costume - Custom) είναι ένα από τα σημαντικά συστατικά της απόδοσης της απόδοσης - ρούχα, υποδήματα, καπέλα, διακοσμήσεις και άλλα αντικείμενα που είναι που χρησιμοποιείται από τον ηθοποιό για να χαρακτηρίσει την εικόνα του σκηνικού που δημιουργείται από τον ηθοποιό που βασίζονται στο σχέδιο γενικού διευθυντή. Η απαραίτητη προσθήκη στο κοστούμι - μακιγιάζ και hairstyle "Το κοστούμι στο θέατρο είναι ένας ειδικός χώρος της δημιουργικότητας του καλλιτέχνη, στην οποία μπορεί να ενσωματώσει έναν τεράστιο αριθμό εικόνων, να περάσει το χαρακτήρα του χαρακτήρα. Το θεατρικό κοστούμι αποτελεί την παρουσίαση του θεατή σχετικά με την προσωπικότητα του χαρακτήρα, βοηθά να διεισδύσει στο πνεύμα αυτής της εποχής, να κατανοήσει τα χαρακτηριστικά που αντικατοπτρίζονται στην εμφάνιση του ηθοποιού.

Θεατρικό φορεσιά Με τον ορισμό του Zakharzhevskaya R.V.- Αυτή είναι η "εικόνα σύνθετης σκηνής του ηθοποιού, αυτά είναι εξωτερικά χαρακτηριστικά και χαρακτηριστικά του χαρακτηριστικού χαρακτήρα που βοηθά στη μετενσάρκωση του ηθοποιού. Μέσα καλλιτεχνικής επίπτωσης στον θεατή. "

Με την πάροδο του χρόνου, σχηματίζονται τρεις κύριοι τύποι θεατρικών φορεσιών στο θέατρο: προσωπικό, τυχερά παιχνίδια και ρούχα του δράσης. Υπήρχαν από την ίδια την εμφάνιση του θεάτρου, αν και δεν τους δόθηκαν σαφείς ορισμοί, διατηρήθηκαν αυτοί οι τύποι κοστουμιών και στο σημερινό σύγχρονο θέατρο.

"Προσωπικό κοστούμι Πρόκειται για μια πλαστική σύνθεση εικόνας, η οποία αποτελεί μέρος της εικόνας ενός ηθοποιού ηθοποιού. Το κοστούμι είναι ένα αναπόσπαστο μέρος του χαρακτήρα, οδηγεί και εκφράζεται από τον ηθοποιό. " Τα πρωτόγονα παραδείγματα ενός χαρακτήρα ήταν ένα αναπόσπαστο μέρος των τελετουργιών και των τελετουργιών σε πολλές χώρες του κόσμου. Μερικές φορές ένα κοστούμι μπορεί να κρύψει εντελώς τον ηθοποιό σχήμα.

Κοστούμι - Πρόκειται για μέσο μεταμόρφωσης της εμφάνισης του ηθοποιού και ενός σημαντικού στοιχείου της εκτέλεσης του ρόλου. Στις τελετουργικές και λαϊκές παραστάσεις, το κοστούμι παιχνιδιών συχνά φορούσε μια Grotesko-Parody, για παράδειγμα, όταν ήταν απαραίτητο να τονίσουμε, γελοία, στον παράδεισο ή να δείξει τον παράλογο της κατάστασης. Οι άνδρες μετατοπίστηκαν στις γυναίκες, και αντίθετα, οι άνθρωποι απεικόνισαν διαφορετικά ζώα. Για την κατασκευή μιας τέτοιας φορεσιάς, οποιοδήποτε υλικό που θα μπορούσαν να τονίσουν την εικόνα του χαρακτήρα είναι κατάλληλα. Χρησιμοποιήσαμε διάφορα υλικά και αντικείμενα ρούχων: καπάκια - Ushanki, tulup, περίβλημα, διάφορες τεχνητές διακοσμήσεις, χάντρες, bubrels.

Κοστούμι όπως τα ρούχα του δράσης, Είναι το κύριο πράγμα στην απόδοση, βασίζεται σε αυτή τη φορεσιά ότι τα κοστούμια χαρακτηρίζονται από τον χαρακτήρα και τα τυχερά παιχνίδια. Το θέατρο βρήκε πάντα μια αντανάκλαση της σύγχρονης μόδας. Για παράδειγμα, στην πρακτική του θεάτρου που χρησιμοποιείται συχνά κοστούμια τέτοια ρούχα εκείνης της εποχής, κατά τη διάρκεια της οποίας εμφανίστηκε η απόδοση. Η αρχή μιας τέτοιας ρεσεψιόν λαμβάνει από την εποχή του αρχαίου ελληνικού θεάτρου και υπάρχει στο θέατρο μέχρι σήμερα. Η δημιουργία αυτού του τύπου κοστουμιών πραγματοποιήθηκε με βάση το κίνημα από τη μορφή προσεγγίσματος με την εμφάνιση των ενδυμάτων (στο αναγεννησιακό θέατρο) σε μεγαλύτερη ομοιότητα με ιστορικές, εθνικές φορεσιές, επίτευξη ακρίβειας και αυθεντικότητας. Αργότερα, στο θέατρο της φυσιολογίας, η φορεσιά αρχίζει να συμμορφώνεται πλήρως με τον χαρακτήρα του χαρακτήρα, μεταδίδει με τη μεγαλύτερη ακρίβεια την ψυχική του κατάσταση, η εξωτερική εμφάνιση περνάει το συστατικό της εικόνας. Η φορεσιά ήταν πάντα και παραμένει μια ειδική περιοχή καλλιτεχνών δημιουργικότητας, η οποία ασχολείται και εφεύρει όχι μόνο φανταστικά κοστούμια, αλλά ακόμη και θα φαινόταν, από τα πιο συνηθισμένα οικιακά ρούχα δημιουργούν πραγματικά έργα τέχνης.

Το θεατρικό κοστούμι είναι ένα σημαντικό και αναπόσπαστο μέρος οποιασδήποτε θεατρικής παρουσίασης. Το θέατρο είναι ίσως το πιο δημόσιο είδος τέχνης και επομένως έχει σχεδιαστεί για να βελτιώνεται πιο αποτελεσματικά. Συνήθως αφήνοντας την αίθουσα, οι θεατές χαρακτηρίζονται από την παρουσίαση: ήταν εντυπωσιακό, εξαιρετικό δράσης, υπέροχο τοπίο, εξαιρετική παραγωγή. Από όλα αυτά, βλέπουμε ότι σχεδόν όλες οι πτυχές της θεατρικής εκπροσώπησης που επηρεάζονται από το έργο του καλλιτέχνη.

Την εποχή των λαογραφικών παρασκευασμάτων και των τελετουργιών, τα κοστούμια των κοστουμιών ήταν ανώνυμοι δάσκαλοι, συχνά τα ψίχουλα ανερχόταν ανεξάρτητα με το δικό τους τρόπο και τον ενσωματώνονταν στη ζωή με αφηρημένα, φθηνά και προσιτά μέσα. Το θέατρο δεν ήταν πάντα δημόσιο, σχηματίστηκε σε αυτή την κατεύθυνση αρκετά μεγάλη. Υπήρχαν λίγοι επαγγελματίες ηθοποιοί και οι παρουσιάσεις πραγματοποιήθηκαν κυρίως από αυτοδίδητους ηθοποιούς. Οι νόμοι που υπερασπίστηκαν τα εξασφαλισμένα στρώματα της κοινωνίας, να γνωρίζουν και οι γαιοκτήμονες, αγωνίστηκαν με τραμπύνες, συμπεριλαμβανομένων των ηθοποιών για να σταματήσουν να πυροβολούν από την εργασία με χαμηλά μισθούς, εμπόδισε την ανάπτυξη επαγγελματιών στο θέατρο.

Στην εποχή της φεουδαρχίας, η τέχνη του θεάτρου αντανακλάται στις αναπαραστάσεις αδέσποτων καλλιτεχνών. Η φορεσιά στις ιδέες τους φαινόταν ακριβώς όπως το φορεσιά των σύγχρονων τους από τα φτωχά στρώματα του πληθυσμού, αλλά ήταν διακοσμημένα με φωτεινές κορδέλες και φυσαλίδες. Αυτή τη στιγμή υπάρχουν ιδέες που ονομάζονται μυστήρια, ένα χαρακτηριστικό γνώρισμα των παραγωγών ήταν η Pomp, η φωτεινότητα, διακοσμητικότητα, δεν είχαν επίσης μοιραστεί σε πράξεις και ηθική. Οι παραστάσεις γίνονται ένα θέατρο, όμορφο και συναρπαστικό. Το τοπίο ήταν παρόντες μόνο, το οποίο δεν άλλαξε σε όλη την παρουσίαση, σε αντίθεση με τη σύγχρονη θεατρική παρουσίαση. Η κύρια απαίτηση για τη θεατρική φορεσιά στο μυστήριο ήταν ο πλούτος, η πολυτέλεια και δεν έχει σημασία για τους κύριους ή δευτερεύοντες ρόλους, η φορεσιά ήταν υπό όρους, αποφεύγοντας τις λεπτομέρειες. Το κοστούμι της ηθικής ήταν πιο μέτρια λόγω του επεξεργάσιμου περιεχομένου.

Όπως όλα τα είδη τέχνης, οι τεράστιοι αγώνες αλόγων στην ανάπτυξη του θεάτρου συνέβησαν στην εποχή της Αναγέννησης, διατηρώντας ταυτόχρονα σημαντικές αλλαγές και θεατρικό φορεσιά, το οποίο επηρεάστηκε έντονα από τη μόδα του χρόνου, καθώς και τη σκηνογραφία. Οι ηθοποιοί της κωμωδίας γελοιοποιημένοι παραβάτες, έδωσαν ένα πνευματικό, γέλιο και μερικές φορές το κακό χαρακτηριστικό των ηρώων των αναπαραστάσεων. Αργότερα, κατά το δεύτερο μισό του 20ού αιώνα, ένα κοστούμι στο θέατρο έχει γίνει στενό αριστοκρατικό στυλ σε ρούχα, ανάλογα με το ρόλο που θα μπορούσε να είναι ένα φοβερό περιεχόμενο. Τα θεατρικά κοστούμια έχουν ήδη ασχοληθεί ήδη σε τεχνίτες που έλαβαν εκπαίδευση: ράφτες, καλλιτέχνες, διακοσμητές, η ζήτηση εμφανίστηκε για αυτά τα επαγγέλματα.

Το κύριο είδος του κλασικού θεάτρου στον XVII αιώνα ήταν η τραγωδία, οι ηθοποιοί ήταν ντυμένοι με κοστούμια, επαναλαμβάνοντας τα ρούχα του γηπέδου και των υπαλλήλων, τα γούστα και τα ενδιαφέροντα της αριστοκρατίας επηρέασαν τα έργα. Το Louis XIV το 1662 από τις επιδόσεις του κατά τις διακοπές του σε Versaille έδωσε ένα νέο είδος φορεσών για τραγικούς ήρωες για εκατό χρόνια μπροστά, που εμφανίζονται σε ένα στυλιζαρισμένο φορεσιά "ρωμαϊκό" που δημιουργήθηκε με βάση τα παιδιά με την προσθήκη παιδιών και μια μικρή φούστα. Τα κοστούμια των γυναικών ήταν μια αντανάκλαση της νεωτερικότητας, ωστόσο, πιο διακοσμημένα και κεντημένα απ 'ό, τι στην καθημερινή ζωή.

Σε όλα τα γραπτά στην ιστορία της φορεσιάς, η περίοδος Moliere διακρίνεται και, δεδομένου ότι η μόδα έχει πάντα αντανακλάται στο θέατρο, αυτή η περίοδος και για θεατρικό κοστούμι έχει γίνει σημαντική. Μια ρεαλιστική τάση άρχισε να εκδηλώνεται στο κοστούμι θεάτρου, το Moliere στις παραγωγές του βρέθηκε από τους ηθοποιούς σε σύγχρονα κοστούμια διαφορετικών στρωμάτων του πληθυσμού. Ένα σημαντικό επίτευγμα στην ανάπτυξη της θεατρικής φορεσής ήταν μια άρνηση εντυπωσιακής και πομπής από τον ηθοποιό D. Harrik, προσπάθησε να φέρει το κοστούμι στην αλληλογραφία του εκτελέσιμου ρόλου, την αποκάλυψη του χαρακτήρα του ήρωα, βοηθά στην κατανόηση του ουσία.

Για το έργο μας, η συμβολή του Voltaire στην ιστορία της θεατρικής φορεσής είναι ιδιαίτερα ενδιαφέρουσα - η επιθυμία για ιστορική, εθνική και εθνογραφική ακρίβεια. Άρνηση σε ειλικρινείς περούκες, μαζικά πολύτιμα κοσμήματα, στα οποία υποστηρίξαμε ο ηθοποιός Claron. Στη διαδικασία της μεταρρύθμισης, ένα στυλιζαρισμένο "ρωμαϊκό" κοστούμι, εγκαταλείποντας την παραδοσιακή σήραγγα, έχει περάσει υπερβολικές μεγαλοπρέπεια, περιοριστική κίνηση.

Στον XVIII αιώνα, το κοστούμι τελικά αλλάζει, δίνοντας το φορεσιά με παλιές παραδόσεις, γίνεται ιστορικά αξιόπιστη και εκτελείται σύμφωνα με τα σκίτσα των καλλιτεχνών, η μεγάλη προσοχή δίνεται στο μακιγιάζ, το χτένισμα, αλλά η ιστορική ακρίβεια επιτυγχάνεται μόνο σε ξεχωριστές λεπτομέρειες. Μόνο από τον αιώνα του XIX σε σχέση με την ανάπτυξη της σκηνής τέχνης, η φορεσιά επιδιώκει να συνδέσει με την ιδέα του παιχνιδιού, σέβεται το πνεύμα της εποχής στη δημιουργία μιας παράστασης. Είναι γνωστό ότι οι θεατρικοί συγγραφείς συμμετείχαν προσωπικά στη σταδιοποίηση του παιχνιδιού και ακολούθησαν τη συμμόρφωση του οικόπεδο, ανέλαβαν επίσης την ευθύνη για σκίτσα σκηνικού και κοστούμια, προσελκύοντας διάσημους καλλιτέχνες. Μεταξύ των συγγραφέων των σκίτσων των κοστουμιών της E.Delkrua, Π. Γαβαρηρή, Π. Deerosh L. και Κ. Bulanzhen, Α. Delrya, και άλλων. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, με μια ειδική τρεμοποίηση, αντιμετωπίζουν την ακρίβεια και την ακρίβεια , αν και δεν το ζήτησε όλοι.

Στην Αγγλία, η ιστορική ακρίβεια της θεατρικής φορεσιάς έδωσε μεγάλη προσοχή στον ηθοποιό U.C. Mackage, ηθοποιός Ε. Vestri. Ορισμένοι διευθυντές σε ιστορικές παραστάσεις προσπάθησαν να απεικονίζουν με ακρίβεια τον τόπο δράσης, αναδημιουργία των κοστουμιών ακριβώς ανάλογα με το χρόνο, δόθηκε μεγάλη προσοχή στο μακιγιάζ και το χτένισμα. Φυσικά, μια τέτοια στοχοθετημένη επιθυμία για αυθεντικότητα, ιστορική και ακρίβεια δεν θα μπορούσε να είναι σε κατάσταση άρνησης. Μέχρι το τέλος του 19 αιώνα, πολλοί εξέχοντες διευθυντές και καλλιτέχνες επιδιώκουν να αρνηθούν τη ρουτίνα του φυσιολογισμού και να αγωνιστούν με ρεαλισμό στην τέχνη, η οποία οδηγεί στην επιστροφή της Συνέλευσης και του Στυλιζαρίσματος. Συνέβη επειδή πίστευε ότι το θέατρο θα πρέπει να φέρει κάτι νέο, υπέροχο, όχι πραγματικό, και να μην επαναλάβει την ενότητα της ανθρώπινης ζωής.

Αργότερα, από την αρχή του εικοστού αιώνα, τα θεατρικά κοστούμια αρχίζουν να συμμετέχουν σε εξέχοντες και διάσημους καλλιτέχνες, φέρνοντας μια αντανάκλαση της δημιουργικότητάς τους σε αυτό το είδος τέχνης, σχηματίζοντας τους νόμους της απόδοσης ενός κοστουμιού, που εργάζονται με τους ανακαλύφους. Στο παρόν στάδιο της ανάπτυξης της θεατρικής τέχνης, οι καλλιτέχνες επιδιώκουν όχι μόνο να αντικατοπτρίζουν την ιδέα των έργων, αλλά και να κάνουν θεατρικά κοστούμια από ένα ανεξάρτητο έργο τέχνης, να το θέσουν, να δώσουν στον εαυτό τους να δείξουν τη φαντασία τους όραμα της δημιουργικότητας.

Από την ιστορία της θεατρικής φορεσιάς, βλέπουμε πώς οι καλλιτέχνες αντιμετωπίστηκαν ζηλευθέντα αυτό το είδος, επομένως η σημασία του ρόλου της θεατρικής φορεσιάς στην τέχνη δεν αμφισβητείται. Στη μελέτη μας, δώσαμε ιδιαίτερη προσοχή στους ακόλουθους καλλιτέχνες που ασχολούνται με τη δημιουργία σκίτσων για θεατρικές ιδέες: L. Bakst, Α. Benua, Ν. Rerich, Α. Exter (βλ. Παράρτημα αριθ. 1). Καθ 'όλη τη διάρκεια της ανάπτυξης της θεατρικής φορεσών, βλέπουμε πόσο διάσημοι καλλιτέχνες και οι νέοι δάσκαλοι εργάστηκαν για τη δημιουργία μιας καλλιτεχνικής εικόνας, που αντιπροσωπεύουν ακόμη και από τη συνήθη φορεσιά των έργων τέχνης, εργάστηκαν δημιουργικά, προσπαθώντας να πω στον θεατή για τη μοναδικότητα και τη σημασία αυτού του χαρακτήρα . Το κοστούμι θεάτρου είναι ένα κράμα πολλών τεχνών, στη δημιουργία του, υπάρχουν πολλοί δάσκαλοι διαφορετικών προσανατολισμών, κάποιος δημιουργεί ένα σκίτσο, το δεύτερο διακοσμεί το κέντημα, το τρίτο ασχολείται με αξεσουάρ και βουφόρια. Υπάρχουν ορισμένα στάδια εργασίας για τη δημιουργία θεατρικής φορεσών.

Πριν προχωρήσετε στη δημιουργία θεατρικού κοστουμιού, ο καλλιτέχνης πρέπει να ρωτήσει: τι χρειάζεται να δημιουργήσει, για ποιον και πώς; Οι απαντήσεις σε αυτές τις ερωτήσεις υποδηλώνουν μια έμπειρη γνώση καλλιτεχνών για την ατμόσφαιρα και την εικόνα της απόδοσης, τη διαθεσιμότητα ευθύνης για το κοινό και την άριστη γνώση του κοινού, καθώς και τη γνώση όλων των τεχνικών και τεχνικών, με τη βοήθεια του οποίου αυτός μπορεί να εκφράσει τα πάντα. Παρά το γεγονός ότι το κοστούμι θεάτρου είναι ένα ανεξάρτητο έργο τέχνης, όπως όλα όσα στην παράσταση είναι δευτερεύουσες στο γενικό οικόπεδο. Η ιδέα, η ιδέα βρίσκεται στο κέντρο όλων, υπαγορεύει το περιεχόμενο κάθε χαρακτήρα, την κοινωνική του κατάσταση, την ηθική πλευρά της προσωπικότητάς του και, κατά συνέπεια, την εμφάνισή του, επειδή όλα αυτά είναι αλληλένδετα. Στη θεατρική πρακτική Υπάρχουν τρία στάδια εργασίας για τη δημιουργία ενός κοστούμι: Εργασία με τη λογοτεχνία, τη συσσώρευση υλικού στο γενικό θέμα της απόδοσης, εργάζονται στο σκίτσο και, τέλος, την απόδοση του σκίτσου στο υλικό, υλοποίηση στο τιμολόγιο. Κατά την επίλυση ενός κοινού κοστουμιού της απόδοσης, κατά την επιλογή του εξοπλισμού στην εργασία σε σκίτσα κοστουμιών, ακόμη και όταν επιλέγετε ένα υλικό και αξεσουάρ, ο καλλιτέχνης κοστουμιών καθοδηγείται από την κύρια ιδέα της απόδοσης. Η ιδέα που εκφράστηκε στο σενάριο υφίσταται τα πάντα: κοστούμια, τοπία, χαρακτηριστικά των ηρώων.

Μια σημαντική προϋπόθεση στο έργο του καλλιτέχνη στο κοστούμι είναι να επιτευχθεί η ενότητα της ιδέας της απόδοσης και της ενσάρκωσης της. Ένα σημαντικό στο θεατρικό κοστούμι είναι να δημιουργήσετε μια εικόνα σκηνής. Μια γραφική εικόνα στο κοστούμι θεάτρου αποτελείται από σκηνοθέτηση, δραματουργική βάση, δυναμική, ρυθμό. Η δυναμική της εικόνας και η εξέλιξη του χαρακτήρα του χαρακτήρα και όλα όσα συμβαίνουν στη σκηνή ενθαρρύνουν τον καλλιτέχνη αρκετές φορές να αλλάξουν την εμφάνιση του ηθοποιού στη σκηνή και όχι μόνο ένα κοστούμι, αλλά και το make-up και το χτένισμα. Η φορεσιά θα πρέπει να βοηθήσει στη μετάδοση του θεατή την παραμικρή αλλαγή στην εικόνα του ηθοποιού.

Το κοστούμι είναι το πιο σημαντικό μέρος της θεατρικής παρουσίασης, επειδή είναι πλησιέστερο στον ηθοποιό. Μην ξεχνάτε ότι η φορεσιά είναι ένας εξωτερικός χαρακτήρας του χαρακτήρα του χαρακτήρα, ένα αναπόσπαστο τμήμα της εικόνας του σταδίου και δημιουργεί μια ειδική ατμόσφαιρα γύρω από τους ηθοποιούς, σημαντικά όχι μόνο για την απόδοση του ρόλου, αλλά και για το κοινό. Συχνά υπάρχουν χαρακτηριστικά του χαρακτήρα που παραμένουν στο υποκείμενο των παιχνιδιών, το κοινό θα μάθει γι 'αυτά σε ένα κοστούμι και τις ξεχωριστές λεπτομέρειες. Μερικές φορές ένα κοστούμι πρέπει να συγχωνευθεί με την εικόνα που δημιουργείται από τον ηθοποιό, αλλά συμβαίνει επίσης ότι ενεργεί ως αντίφαση του χαρακτήρα. Για παράδειγμα, στην αρχή της απόδοσης, βλέπουμε τον ηθοποιό που απεικονίζει ένα καλό πρόσωπο, συμπεριφέρεται αξιοπρεπή και εξαιρετικά εξαιρετικά, αλλά η φορεσιά του είναι ανησυχητική ο θεατής, και πράγματι, μέχρι το τέλος του παιχνιδιού, αποδεικνύεται ότι είναι έναν κακοποιό ή έναν προδότη. Επίσης, που εργάζονται σε σκίτσα, μην ξεχνάτε την ατομικότητα του ηθοποιού, την ευελιξία και την πολυπλοκότητα της φύσης του.

Έτσι, τα ακόλουθα χαρακτηριστικά είναι εκφραστικά μέσα θεατρικής φορεσών:

Η καλλιτεχνική γραφική εικόνα αποτελείται από σκηνοθετικό σχεδιασμό, δραματουργικά θεμέλια, δυναμική, ρυθμό.

Είναι ένα ανεξάρτητο έργο τέχνης

Επιδιώκει την ιστορική, εθνική και εθνογραφική ακρίβεια

Είναι μια εξωτερική έκφραση χαρακτήρα χαρακτήρα.

Έχει σχεδιαστεί για πιο αποτελεσματικά.