Empresyonist tablolar. Resimdeki Rus izlenimciliği ile Fransızca arasındaki fark nedir? İzlenimcilik felsefesinin özellikleri

İzlenimcilik (fr. izlenimcilik, itibaren izlenim- izlenim) - XIX'in son üçte birinin sanattaki yönü - Fransa'da ortaya çıkan ve daha sonra dünyaya yayılan, temsilcileri en doğal ve canlı bir şekilde yakalamayı mümkün kılan yöntem ve teknikler geliştirmeye çalışan XX yüzyılın başlarında. geçici izlenimlerini iletmek için hareketliliği ve değişkenliği içinde gerçek dünya. Genellikle, "izlenimcilik" terimi, resimde bir yön anlamına gelir (ancak bu, her şeyden önce, bir grup yöntemdir), ancak fikirleri, izlenimciliğin de belirli bir dizi yöntemde ortaya çıktığı edebiyat ve müzikte de somutlaşmıştır. yazarların, izlenimlerinin bir yansıması olarak hayatı şehvetli, anlık bir biçimde aktarmaya çalıştıkları edebi ve müzik eserleri yaratma teknikleri

Sanatçının o zamanki görevi, sanatçının öznel duygularını göstermek değil, gerçeğin en inandırıcı tasviriydi. Tören portresi sipariş edildiyse, müşteriye uygun bir ışıkta gösterilmesi gerekiyordu: deformasyonlar, aptal yüz ifadeleri vb. Dini bir komplo olsaydı, o zaman bir huşu ve şaşkınlık duygusu uyandırmak gerekiyordu. Manzara ise doğanın güzelliğini göstermekse. Bununla birlikte, sanatçı portreyi sipariş eden zengin adamı hor gördüyse veya bir inançsızsa, o zaman başka seçenek yoktu ve geriye sadece kendi benzersiz tekniğini geliştirmek ve iyi şanslar dilemek kaldı. Ancak, 19. yüzyılın ikinci yarısında fotoğraf aktif olarak gelişmeye başladı ve gerçekçi resim yavaş yavaş bir kenara çekilmeye başladı, çünkü o zaman bile gerçeği fotoğraftaki kadar inandırıcı bir şekilde iletmek son derece zordu.

Birçok yönden, İzlenimcilerin ortaya çıkmasıyla birlikte, sanatın yazarın öznel bir temsili olarak değerli olabileceği ortaya çıktı. Sonuçta, her insan gerçeği farklı şekillerde algılar ve ona kendi tarzında tepki verir. Gerçekliğin farklı insanların gözlerine nasıl yansıdığını ve aynı anda hangi duyguları yaşadıklarını görmek daha da ilginç.

Sanatçının kendini ifade etmek için inanılmaz miktarda fırsatı var. Dahası, kendini ifade etmenin kendisi çok daha özgür hale geldi: standart olmayan bir arsa, konu alın, dini veya tarihi konulardan başka bir şey söyleyin, benzersiz tekniğinizi kullanın, vb. Örneğin, İzlenimciler, ilk duygu olan geçici bir izlenimi ifade etmek istediler. Bu yüzden çalışmaları belirsiz ve görünüşte eksik. Bu, nesneler henüz bilinçte oluşmadığında ve yalnızca hafif ışık taşmaları, yarım tonlar ve bulanık ana hatlar göründüğünde anlık bir izlenim göstermek için yapıldı. Dar görüşlü insanlar beni anlayacaktır) tüm nesneyi henüz görmediğinizi, uzaktan gördüğünüzü veya basitçe bakmadığınızı, ancak zaten onun hakkında bir tür izlenim oluşturduğunuzu hayal edin. Bunu tasvir etmeye çalışırsanız, muhtemelen empresyonist resimler gibi bir şeyle karşılaşacaksınız. Eskiz gibi bir şey. Bu nedenle, İzlenimciler için neyin tasvir edildiği değil, nasıl olduğu daha önemli olduğu ortaya çıktı.

Bu türün resimdeki ana temsilcileri şunlardı: Monet, Manet, Sisley, Degas, Renoir, Cezanne. Ayrı olarak, Umlyam Turner selefi olarak not edilmelidir.

Senaryodan bahsetmişken:

Resimleri, açlık, hastalık, ölüm gibi sosyal sorunlara değinmeden, hayatın sadece olumlu yönlerini temsil ediyordu. Bu daha sonra İzlenimciler arasında bir bölünmeye yol açtı.

Renk şemaları

İzlenimciler, özellikle siyah olmak üzere kasvetli tonları temelde reddederek renge büyük önem verdiler. Çalışmalarının renk şemasına gösterilen bu ilgi, rengin kendisini resimde çok önemli bir yere getirmesini sağladı ve gelecek nesil sanatçıları ve tasarımcıları renge bu şekilde özen göstermeye itti.

Kompozisyon

İzlenimcilerin kompozisyonu Japon resmine benziyordu, karmaşık kompozisyon şemaları, diğer kanonlar (altın oran veya merkez değil) kullanıldı. Genel olarak, resmin yapısı bu açıdan daha sık asimetrik, daha karmaşık ve ilginç hale geldi.

İzlenimciler arasındaki kompozisyon daha bağımsız bir anlama sahip olmaya başladı, klasikin aksine, resmin konularından biri haline geldi, burada genellikle (ancak her zaman değil) herhangi bir çalışmanın yapıldığı bir şema rolünü üstlendi. 19. yüzyılın sonunda, bunun bir çıkmaz sokak olduğu ve kompozisyonun kendisinin belirli duyguları taşıyabileceği ve resmin planını destekleyebileceği anlaşıldı.

öncüler

El Greco - çünkü boya uygularken benzer teknikler kullandı ve renk sembolik bir anlam kazandı. Aynı zamanda, İzlenimcilerin de arzuladığı, çok özgün bir tarz, bireysellik ile kendini ayırt etti.

Japon gravürü - çünkü o yıllarda Avrupa'da büyük popülerlik kazandı ve bir resmin Avrupa sanatının klasik kanonlarından tamamen farklı kurallara göre inşa edilebileceğini gösterdi. Buna kompozisyon, renk kullanımı, detaylandırma vb. dahildir. Ayrıca, Japon ve genellikle oryantal çizim ve gravürlerde, Avrupa sanatında neredeyse hiç bulunmayan günlük sahneler çok daha sık tasvir edildi.

Değer

İzlenimciler, benzersiz yazı teknikleri geliştirerek ve canlı ve akılda kalıcı eserleri, klasik okula karşı protestoları ve renkle benzersiz çalışmaları ile sonraki tüm sanatçılar üzerinde büyük bir etki yaratarak dünya sanatına parlak bir iz bıraktılar. görünür dünyayı aktararak, ağırlıklı olarak açık havada resim yapmaya başladılar ve stüdyoda dikkatlice ve yavaş yavaş oluşturulan geleneksel resim türünün neredeyse yerini alan doğadan eskizlerin önemini artırdılar.

Paletlerini sürekli olarak aydınlatan İzlenimciler, resmi toprak ve kahverengi verniklerden ve boyalardan kurtardı. Tuvallerindeki geleneksel, "müze" siyahlığı, yerini sonsuz çeşitlilikte refleksler ve renkli gölgeler oyununa bırakıyor. Sadece güneş, ışık ve hava dünyasını değil, aynı zamanda Londra sislerinin güzelliğini, büyük bir şehrin yaşamının huzursuz atmosferini, gece ışıklarının saçılması ve gecenin ritmini keşfederek güzel sanatların olanaklarını ölçülemez bir şekilde genişlettiler. aralıksız hareket.

Açık havada çalışma yöntemi sayesinde, keşfettikleri şehir manzarası da dahil olmak üzere manzara, İzlenimcilerin sanatında çok önemli bir yer aldı. Bununla birlikte, yalnızca bir "manzara" gerçeklik algısının, sık sık kınandıkları resimlerinin özelliği olduğunu varsaymamalısınız. Yaratıcılıklarının tematik ve arsa aralığı yeterince genişti. İnsana ve özellikle Fransa'daki modern hayata olan ilgi, geniş anlamda, bu eğilimin bir dizi temsilcisinin doğasında vardı. Hayatı olumlayan, temelde demokratik pathos'u, burjuva dünya düzenine açıkça karşı çıktı.

Aynı zamanda, izlenimcilik ve daha sonra göreceğimiz gibi, post-empresyonizm, Yeni ve En Yeni zaman arasındaki sınırı belirleyen bu radikal değişimin iki yüzü, daha doğrusu birbirini izleyen iki zaman aşamasıdır. Bu anlamda, izlenimcilik, bir yandan, rehberlik ilkesi çevreleyen dünyanın görsel olarak otantik gerçeklik biçimlerine yansıması olan Rönesans sanatından sonra her şeyin gelişimini tamamlar ve diğer yandan başlangıçtır. Niteliksel olarak yeni aşamasının temellerini atan Rönesans'tan sonra güzel sanatlar tarihindeki en büyük devrimin -

yirminci yüzyılın sanatı.

Sadece bir yıl önce "Rus izlenimciliği" ifadesi, geniş ülkemizin ortalama vatandaşının kulaklarını kesti. Her eğitimli insan hafif, hafif ve aceleci Fransız izlenimciliğini bilir, Monet'yi Manet'ten ayırt edebilir ve Van Gogh'un ayçiçeklerinin tüm natürmortlarından öğrenebilir. Birisi, bu resim yönünün gelişiminin Amerikan şubesi hakkında bir şeyler duydu - Hassam'ın Fransız manzaralarına ve Chase portrelerine kıyasla daha kentsel. Ancak araştırmacılar, bugüne kadar Rus izlenimciliğinin varlığını tartışıyorlar.

Konstantin Korovin

Rus izlenimciliğinin tarihi, Konstantin Korovin'in "Koro Kızının Portresi" resminin yanı sıra halkın yanlış anlaşılması ve kınanmasıyla başladı. Bu eseri ilk kez gören IE Repin, eserin bir Rus ressam tarafından yapıldığına hemen inanmadı: “İspanyol! Anlıyorum. Cesurca, sulu yazıyor. Mükemmel bir şekilde. Ama bu sadece resim için resim. İspanyol, ancak mizaçla ... ". Konstantin Alekseevich, Fransa'ya seyahatinden çok önce, Cezanne, Monet ve Renoir'in resimlerine aşina olmayan öğrenci yıllarında tuvallerini izlenimci bir şekilde boyamaya başladı. Sadece Polenov'un deneyimli gözü sayesinde Korovin, sezgisel olarak geldiği o zamanın Fransız tekniğini kullandığını öğrendi. Aynı zamanda, Rus sanatçıya resimlerinde kullandığı konular verilir - 1892'de yazılan ve Tretyakov Galerisi'nde saklanan tanınmış başyapıt "Kuzey İdil", Korovin'in Rus geleneklerine ve folkloruna olan sevgisini gösterir. Bu aşk, sanatçıya Repin, Polenov, Vasnetsov, Vrubel ve ünlü hayırsever Savva Mamontov'un diğer birçok arkadaşını içeren yaratıcı entelijansiya topluluğu olan "Mamontov çevresi" tarafından aşılandı. Mamontov arazisinin bulunduğu ve sanat çevresinin üyelerinin toplandığı Abramtsevo'da Korovin, Valentin Serov ile tanıştığı ve çalıştığı için şanslıydı. Bu tanıdık sayesinde, zaten kurulmuş sanatçı Serov'un eseri, ilk eserlerinden birinde gördüğümüz ışık, ışık ve aceleci izlenimcilik özelliklerini kazandı - “Açık Pencere. Leylak".

Bir koro kızının portresi, 1883

Kuzey idil, 1886

Kuş kirazı, 1912

Gürzuf 2, 1915

Gürzuf İskelesi, 1914

Paris, 1933

sevgililer günü

Serov'un resmine yalnızca Rus izlenimciliğine özgü bir özellik nüfuz ediyor - resimleri yalnızca sanatçının gördüğü izlenimi değil, aynı zamanda şu anda ruhunun durumunu da yansıtıyor. Örneğin, Serov'un 1887'de ciddi bir hastalık nedeniyle gittiği İtalya'da boyanmış "Venedik'teki San Marco Meydanı" resmine, sanatçının durumu hakkında bir fikir veren soğuk gri tonları hakimdir. Ancak, oldukça kasvetli palete rağmen, resim referans izlenimci bir çalışmadır, çünkü Serov üzerinde gerçek dünyayı hareketliliği ve değişkenliği ile yakalamayı, kısacık izlenimlerini iletmeyi başardı. Serov, Venedik'ten gelinine yazdığı bir mektupta şunları yazdı: “Bu yüzyılda her şeyi zor yazıyorlar, sevindirici hiçbir şey yok. İstiyorum, sevindirici istiyorum ve sadece sevindirici yazacağım."

Açık pencere. Leylak, 1886

Venedik'teki San Marco Meydanı, 1887

Şeftalili kız (V.S.Mamontova'nın Portresi)

taç giyme töreni. Nicholas II'nin Varsayım Katedrali'nde onaylanması, 1896

Güneşteki Kız, 1888

Bir atı yıkamak, 1905

Alexander Gerasimov

Alexander Mihayloviç Gerasimov, onlardan etkileyici bir fırça darbesi, parlak bir palet ve kabataslak bir yazı tarzı benimseyen Korovin ve Serov'un öğrencilerinden biri oldu. Sanatçının yaratıcılığının en parlak dönemi, resimlerinin konularına yansıtılamayan ancak yansıtılamayan devrim zamanında geldi. Gerasimov, fırçasını partinin hizmetine sunmasına ve Lenin ve Stalin'in olağanüstü portreleri sayesinde ün kazanmasına rağmen, ruhuna yakın izlenimci manzaralar üzerinde çalışmaya devam etti. Alexander Mihayloviç'in "Yağmurdan Sonra" eseri, bize sanatçıyı, resimdeki hava ve ışığın iletiminin ustası olarak gösteriyor ve Gerasimov'un seçkin akıl hocalarının etkisini borçlu olduğu.

sanatçılar Stalin'in kulübesinde, 1951

Kremlin'de Stalin ve Voroshilov, 1950'ler

Yağmurdan sonra. Islak teras, 1935

Natürmort. Tarla buketi, 1952

İgor Grabar

Geç Rus izlenimciliği hakkında bir konuşmada, Avrupa'ya yaptığı çok sayıda gezi sayesinde 19. yüzyılın ikinci yarısının Fransız ressamlarının tekniklerinin çoğunu benimseyen büyük sanat işçisi Igor Emmanuelovich Grabar'ın çalışmasına dönmek mümkün değil. Klasik izlenimcilerin tekniklerini kullanan Grabar, resimlerinde kesinlikle Rus manzara motiflerini ve günlük konuları tasvir ediyor. Monet, Giverny'nin çiçek açan bahçelerini ve güzel balerinler olan Degas'ı boyarken, Grabar sert Rus kışını ve köy yaşamını aynı pastel renklerle tasvir ediyor. Hepsinden önemlisi, Grabar tuvallerinde don tasvir etmeyi severdi ve günün farklı saatlerinde ve farklı havalarda yaratılmış yüzden fazla küçük çok renkli eskizden oluşan bir eser koleksiyonunu ona adadı. Bu tür çizimler üzerinde çalışmanın zorluğu, boyanın soğukta katılaşmasıydı, bu yüzden işin hızlı bir şekilde yapılması gerekiyordu. Ancak bu, sanatçının “o anı” yeniden yaratmasına ve klasik izlenimciliğin ana fikri olan izlenimini iletmesine izin veren şeydi. Igor Emmanuelovich'in resim tarzına genellikle bilimsel izlenimcilik denir, çünkü tuvallerde ışığa ve havaya büyük önem vermiş ve renk aktarımı üzerine birçok çalışma yapmıştır. Üstelik 1920-1925 yıllarında yönetmenliğini yaptığı Tretyakov Galerisi'ndeki resimlerin kronolojik sıralamasını da ona borçluyuz.

Huş Yolu, 1940

Kış manzarası, 1954

Kırağı, 1905

Mavi Masa Örtüsündeki Armut, 1915

Malikane köşesi (Güneş Işını), 1901

Yuri Pimenov

Tamamen klasik olmayan, ancak yine de, önde gelen temsilcisi, dışavurumculuk tarzında çalıştıktan sonra "yatak tonlarında kısacık bir izlenim" tasvir etmeye gelen Yuri İvanoviç Pimenov olan Sovyet döneminde, izlenimcilik gelişti. Pimenov'un en ünlü eserlerinden biri 1930'ların "Yeni Moskova" resmidir - hafif, sıcak, sanki Renoir'in havadar vuruşlarıyla boyanmış gibi. Ancak aynı zamanda, bu çalışmanın konusu, izlenimciliğin ana fikirlerinden biri olan sosyal ve politik temaları kullanmayı reddetme ile tamamen tutarsızdır. Pimenov'un Yeni Moskova'sı, sanatçıya her zaman ilham vermiş olan şehrin yaşamındaki sosyal değişiklikleri mükemmel bir şekilde yansıtıyor. “Pimenov Moskova'yı, yenisini, insanlarını seviyor. Ressam cömertçe izleyiciye bu hissi veriyor, ”diye yazdı sanatçı ve araştırmacı Igor Dolgopolov 1973'te. Ve gerçekten de, Yuri İvanoviç'in resimlerine baktığımızda, izlenimcilik tekniğinde yakalanan Sovyet yaşamı, yeni mahalleler, lirik eve taşınma ve şehircilik sevgisiyle doluyuz.

Pimenov'un çalışması, diğer ülkelerden getirilen "Rus" un her şeyin kendi özel ve benzersiz gelişim yoluna sahip olduğunu bir kez daha kanıtlıyor. Aynı şekilde, Rus İmparatorluğu ve Sovyetler Birliği'ndeki Fransız izlenimciliği, Rus dünya görüşünün, ulusal karakterinin ve yaşamının özelliklerini emdi. İzlenimcilik, saf haliyle yalnızca bir gerçeklik algısını aktarmanın bir yolu olarak, Rus sanatına yabancı kaldı, çünkü Rus sanatçıların her resmi, anlam, farkındalık, kararsız Rus ruhunun durumu ve sadece geçici bir izlenimle dolu değil. . Bu nedenle, önümüzdeki hafta sonu, Rus İzlenimcilik Müzesi'nin ana sergiyi Moskovalılara ve başkentin konuklarına yeniden sunacağı zaman, Serov'un şehvetli portreleri, Pimenov'un şehirciliği ve Kustodiev'e özgü olmayan manzaralar arasında herkes kendinden bir şeyler bulacak.

Yeni Moskova

Lirik eve taşınma partisi, 1965

Bolşoy Tiyatrosu Soyunma Odası, 1972

Moskova'da sabah erken, 1961

Paris. Rue Saint-Dominique. 1958

Hostes, 1964

Belki de çoğu insan için Korovin, Serov, Gerasimov ve Pimenov isimleri hala çoğu insan için belirli bir sanat tarzıyla bağlantılı değil, ancak Mayıs 2016'da Moskova'da açılan Rus İzlenimcilik Müzesi yine de bu eserlerin eserlerini topladı. sanatçılar tek çatı altında

İzlenimcilik, 1860'larda Fransa'da ortaya çıkan ve 19. yüzyılda sanatın gelişimini büyük ölçüde belirleyen bir resim akımıdır. Ustalar kısacık izlenimlerini kaydettiler, gerçek dünyayı hareketliliği ve değişebilirliği içinde en doğal ve tarafsız bir şekilde yakalamaya çalıştılar. Bu hareketin merkezi figürleri Cézanne, Degas, Manet, Pizarro, Renoir ve Siley'dir ve her birinin gelişimine benzersiz bir katkısı vardır. İzlenimciler, klasisizm, romantizm ve akademizm sözleşmelerine karşı çıktılar, günlük gerçekliğin güzelliğini, basit, demokratik motifleri savundular, görüntünün canlı gerçekliğini sağladılar, belirli bir anda gözün gördüğü "izlenimi" yakalamaya çalıştılar. İzlenimciler için en tipik tema manzaradır, ancak çalışmalarında birçok başka temaya da değindiler. Örneğin Degas, at yarışlarını, balerinleri, çamaşırcıları, Renoir ise büyüleyici kadınları ve çocukları canlandırdı. Açık havada yaratılan izlenimci manzaralarda, basit, günlük bir motif genellikle her yere yayılan hareketli bir ışık tarafından dönüştürülerek resme bir şenlik duygusu getirir. Kompozisyon ve mekanın bazı izlenimci inşa yöntemlerinde, Japon gravürünün ve kısmen de fotoğrafın etkisi göze çarpmaktadır. İzlenimciler ilk kez modern bir şehrin günlük yaşamının çok yönlü bir resmini yarattılar, manzarasının özgünlüğünü ve içinde yaşayan insanların görünümünü, yaşam tarzlarını, çalışmalarını ve eğlencelerini yakaladılar.

Monet Claude Oscarİzlenimciliğin kurucularından biri olan ressam Monet, 1860'ların ikinci yarısından itibaren resimlerinde ışıklı hava ortamının değişkenliğini, dünyanın renkli zenginliğini plein-air boyama yoluyla aktarmaya çalışmıştır. doğanın ilk görsel izleniminin tazeliği. Monet'in manzarasının adından “İzlenim. Yükselen Güneş "(" İzlenim. Soleil levant "; 1872, Marmottan Müzesi, Paris) izlenimcilik adını ortaya çıkardı. Peyzaj kompozisyonlarında (Paris'teki Boulevard des Capuchins, 1873, Etretat'taki Kayalar, 1886, her ikisi de Puşkin Müzesi, Moskova; Haşhaş Tarlası, 1880'ler, Devlet İnziva Yeri Müzesi, St. Petersburg) Monet, ışık ve havanın titreşimini ışık ve havanın titreşimini yeniden yarattı. görsel algı sürecinde optik hizalamalarına güvenerek, saf rengin küçük ayrı vuruşlarının ve ana spektrumun ek tonlarının yardımı. Günün farklı saatlerinde ve farklı hava koşullarında doğanın çeşitli geçiş hallerini yakalamak amacıyla Monet, 1890'larda bir konu motifi üzerinde bir dizi resim-varyasyon yarattı (bir dizi resim "Rouen Katedralleri", Puşkin Devlet Güzel Sanatlar Müzesi, Moskova ve diğer koleksiyonlar). Monet'nin çalışmalarının son dönemi için, dekoratiflik karakteristiktir, nesne biçimlerinin karmaşık renk lekeleri kombinasyonlarında artan bir şekilde çözülmesi.

Degas Edgar Tarihi tabloların ve portrelerin katı bir kompozisyonuyla başlayarak ("Belelli Ailesi", 1858 dolaylarında), 1870'lerde Degas, izlenimciliğin temsilcilerine yakınlaştı, modern kentsel yaşamın imajına döndü - sokaklar, kafeler, tiyatro gösterileri (" Concorde Meydanı", yaklaşık 1875; "Absinthe", 1876). Birçok eserde, Degas, yaşamlarının özellikleri tarafından üretilen insanların karakteristik davranışlarını ve görünümünü gösterir, profesyonel bir jest mekanizmasını, duruşunu, bir kişinin hareketini, plastik güzelliğini ortaya çıkarır (“Ütüciler”, 1884). İnsanların hayatlarının, günlük aktivitelerinin estetik öneminin iddiasında, Degas'ın çalışmalarının kendine özgü hümanizmi yansıtılır. Degas'ın sanatı, güzel, bazen fantastik ve sıradan olanın bir kombinasyonu ile karakterize edilir: birçok bale sahnesinde tiyatronun şenlikli ruhunu iletmek (Star, pastel, 1878). Ağırbaşlı ve incelikli bir gözlemci olarak sanatçı, zarif bir gösterinin arkasına gizlenmiş sıkıcı günlük işleri aynı anda yakalar (“Dans Sınavı”, pastel, 1880). Degas'ın çalışmaları, kesinlikle doğrulanmış ve aynı zamanda dinamik, genellikle asimetrik kompozisyonları, hassas esnek çizimleri, beklenmedik açıları, figür ve mekanın aktif etkileşimi ile, resmin motifinin ve arkitektoniğinin görünen tarafsızlığını ve rastgeleliğini dikkatli düşünce ve düşünce ile birleştirir. hesaplama. Degas'ın sonraki çalışmaları, yapay aydınlatma, büyütülmüş, neredeyse düz formlar ve onlara gergin dramatik bir karakter kazandıran sıkışık alan (Mavi Dansçılar, pastel) etkileriyle tamamlanan yoğunluk ve renk zenginliği ile öne çıkıyor. 1880'lerin sonundan bu yana, Degas çok fazla heykel yapıyor ve anlık hareketlerin aktarımında ifade gücü elde ediyor ("Dansçı", bronz).

Renoir Pierre Auguste 1862-1864'te Renoir, Paris'te École des Beaux-Arts'ta okudu ve burada empresyonizmde gelecekteki arkadaşları Claude Monet ve Alfred Sisley'e yakınlaştı. Renoir Paris'te çalıştı, Cezayir, İtalya, İspanya, Hollanda, İngiltere ve Almanya'yı ziyaret etti. Renoir'in erken dönem çalışmaları, Gustave Courbet'in ve genç Édouard Manet'nin (“Mother Anthony's Tavern”, 1866) eserlerinin etkisini yansıtır. 1860'lar-1870'lerin başında, Renoir açık havada resim yapmaya geçti ve insan figürlerini organik olarak değişken bir aydınlık ortamına dahil etti (Bathing on the Seine, 1869). Renoir'in paleti parlıyor, hafif dinamik bir fırça darbesi şeffaf ve canlı hale geliyor, renk gümüşi inci refleksleriyle doygun hale geliyor (Lodge, 1874). Yaşam akışından koparılan bölümleri, rastgele yaşam durumlarını betimleyen Renoir, şehir yaşamının şenlikli sahnelerini tercih etti - toplar, danslar, yürüyüşler, sanki içinde olmanın şehvetli dolgunluğunu ve sevincini somutlaştırmaya çalışıyormuş gibi (Moulin de la Galette, 1876). Renoir'in çalışmalarında özel bir yer şiirsel ve çekici kadın imgeleri tarafından işgal edilir: içsel olarak farklı, ancak dışa doğru biraz benzerler, dönemin ortak mührü ile işaretlenmiş gibi görünüyorlar ("After After", 1879, "Umbrellas", 1876; aktris Jeanne Samary'nin portresi, 1878) ... Çıplak tasvirinde, Renoir, tuvale pürüzsüz ve donuk bir yüzey veren, sıcak vücut tonlarının, kayan açık yeşilimsi ve gri-mavi reflekslerin bir kombinasyonu üzerine inşa edilmiş, nadir görülen bir karanfil sofistike elde eder (Naked Woman Sitting on a Couch, 1876). ). Dikkat çekici bir renkçi olan Renoir, genellikle birbirine yakın tonların en iyi kombinasyonlarının yardımıyla tek renkli bir resim izlenimi yaratır (Girls in Black, 1883). 1880'lerden bu yana, Renoir, formların klasik netliğine ve genelleştirilmesine giderek daha fazla yöneldi, resminde dekoratiflik ve sakin pastorallik özellikleri büyüyor (“Büyük Yıkananlar”, 1884-1887). Renoir'in çok sayıda çizimi ve gravürü ("Yıkananlar", 1895), vuruşun özlü, hafifliği ve havadarlığı ile ayırt edilir.

Manet Edouard Giorgione, Titian, Hals, Velazquez, Goya, Delacroix'in eserleri, Manet'nin bir sanatçı olarak oluşumunda önemli bir etkiye sahipti. 1850'lerin sonlarında - 1860'ların başlarında, keskin bir şekilde aktarılan insan tipleri ve karakterlerinden oluşan bir galeri oluşturan çalışmalarında Manet, görüntünün hayati güvenilirliğini modelin dış görünümünün romantikleştirilmesiyle birleştirdi (Valencia'dan Lola, 1862). Manet, eski ustaların tablolarını ve motiflerini kullanarak ve yeniden düşünerek, onları gerçek içerikle doldurmaya çalıştı, bazen şok edici bir şekilde ünlü klasik kompozisyonlara modern bir insan imajını ("Çimenlerde Kahvaltı", "Olympia" - her ikisi de 1863). 1860'larda Edouard Manet, modern tarihin temalarına yöneldi (İmparator Maximilian'ın İnfazı, 1867), ancak Manet'nin moderniteye olan içten ilgisi, öncelikle, sanki gündelik hayattan koparılmış gibi, lirik maneviyat ve içsel anlamla dolu sahnelerde kendini gösterdi. (“Stüdyoda Kahvaltı ”,“ Balkon ”- her ikisi de 1868) ve sanatsal ortamda onlara yakın portrelerde (Emile Zola'nın portresi, 1868, Berthe Morisot'un portresi, 1872). Edouard Manet, eseriyle ortaya çıkışı öngörmüş ve ardından izlenimciliğin kurucularından biri olmuştur. 1860'ların sonlarında Manet, Edgar Degas, Claude Monet, Auguste Renoir ile yakınlaştı, donuk ve yoğun tonlardan, koyu renklerin baskın olduğu yoğun renklerden açık ve serbest plein-air resmine geçti (“Bir teknede”, 1874, Metropolitan Müzesi; “Papa Latuil'in Kabağında”, 1879). Manet'nin eserlerinin çoğu, izlenimci resimsel özgürlük ve kompozisyonun parçalanması, ışığa doygun renkli titreşimli gama (“Argenteuil”) ile karakterizedir. Aynı zamanda, Manet çizimin netliğini korur, gri ve siyah tonları renklidir, bir manzarayı tercih etmez, ancak belirgin bir sosyo-psikolojik arka plana sahip günlük bir arsa (hayaller ve gerçekliğin çatışması, mutluluk yanılsaması) ışıltılı ve şenlikli dünya - Manet'nin son resimlerinden birinde “Folies Bergères'teki Bar”, 1881-1882). 1870-1880'lerde Manet portre alanında çok çalıştı, bu türün olanaklarını genişletti ve onu bir çağdaşın iç dünyasının bir tür çalışmasına dönüştürdü (S. Mallarmé'nin portresi, 1876), boyalı manzaralar ve natürmort (“leylak buketi”, 1883), bir ressam, gravür ve litografi ustası olarak görev yaptı.

Pissarro Camille John Constable, Camille Corot, Jean Francois Millet'ten etkilenmiştir. İzlenimciliğin önde gelen ustalarından biri olan Pissarro, sayısız kırsal manzarada, Fransa'nın doğasının şiirini ve cazibesini, yumuşak bir resim ölçeğinin yardımıyla, hafif hava ortamının durumunun ince bir aktarımıyla ortaya çıkardı. en alçakgönüllü motiflere taze bir çekicilik (“Sürülmüş Toprak”, 1874; “El Arabası”, 1879) ... Daha sonra, Pissarro sık sık şehir manzarasına döndü (Boulevard Montmartre, 1897; Paris'te Opera Pasajı, 1898). 1880'lerin ikinci yarısında, Pissarro bazen neo-empresyonizmin resim tekniğini kullandı. Pissarro, Empresyonist sergilerin düzenlenmesinde ana rollerden birini oynadı. Camille Pissarro, eserlerinde, maddi nesneler ışık ve hava boşluğunun titreşmesi içinde çözülür gibi göründüğünde ("Louveciennes'te Kar"; "Louveciennes'te Sokak", 1873) açık havanın aşırı tezahüründen kaçınmayı başardı. Eserlerinin çoğu, kentsel peyzajın doğasında bulunan karakteristik ifadeye, hatta portreye olan ilgiyle ayırt edilir ("Rouen'in Manzarası", 1898)

Sisley Alfred Camille Corot'tan etkilenmiştir. İzlenimciliğin önde gelen ustalarından biri olan Sisley, Paris çevresinin motiflerine dayalı, ince bir lirizmle işaretlenmiş ve taze ve kısıtlı bir ışık paletinde sürdürülen mütevazı manzaralar çizdi. Sisley'nin Ile-de-France'ın gerçek atmosferini yansıtan manzaraları, her mevsimin doğal fenomenlerinin özel bir şeffaflığını ve yumuşaklığını korur (“Argenteuil'deki Küçük Meydan”, 1872, “Marly'de Sel”, 1876; “Louveciennes'te Don” , 1873, "Fontainebleau'daki Ormanın Kenarı", 1885).

Sanatçı Alfred Sisley'nin hafif bir hüzünle büyüleyici doğa tasvirleri, belirli bir andaki ruh halinin inanılmaz bir yorumuyla büyülüyor (“The Seine at Bougival”, 1876). 1880'lerin ortalarından bu yana, Sisley'nin çalışmalarında renkli süslemeciliğin özellikleri büyüyor.

Çıktı:İzlenimcilik ustaları, gerçek dünyayı hareketliliği ve değişebilirliği içinde en doğal ve tarafsız bir şekilde yakalamaya çalışarak, geçici izlenimlerini kaydettiler. E. Manet (resmen Empresyonist grubun üyesi olmayan), O. Renoir, E. Degas, yaşam algısına tazelik ve dolaysızlık getirdi, anlık durumların görüntüsüne döndü, gerçeklik akışından kopardı, bir kişinin manevi hayatı, güçlü tutkuların görüntüsü, doğanın manevileştirilmesi, ilgi

Ulusal geçmişe, sentetik sanat biçimlerine duyulan arzu, dünya kederinin motifleriyle, insan ruhunun "gölge", "gece" yanını keşfetme ve yeniden yaratma arzusuyla, ünlü "romantik ironi" ile birleştirilir. romantiklerin yüksek ve alçak, trajik ve komik, gerçek ve fantastik olanı cesurca karşılaştırmasına ve eşitlenmesine izin verdi. parça parça kullanılmış, durum gerçekleri, parça parça kullanılmış, ilk bakışta dengesiz kompozisyon yapıları, beklenmedik açılar, bakış açıları, figür dilimleri. 1870'lerde ve 1880'lerde, Fransız izlenimciliğinin manzarası şekillendi: C. Monet, C. Pissarro, A. Sisley, resimlerinde parlak güneş ışığı hissi, doğanın renklerinin zenginliğini yaratan tutarlı bir plein hava sistemi geliştirdi. ışık ve havanın titreşiminde formların çözülmesi.

İzlenimcilik, en ünlü olmasa da Fransız resmindeki en ünlü eğilimlerden biridir. Ve XIX yüzyılın 60'larının sonlarında ve 70'lerin başlarında ortaya çıktı ve birçok yönden o zamanın sanatının daha da gelişmesini etkiledi.

Resimde İzlenimcilik

tam adı " izlenimcilik"1874'teki ilk izlenimci sergiyi ziyaret ettikten sonra Louis Leroy adlı bir Fransız sanat eleştirmeni tarafından icat edildi ve burada Claude Monet'in" İzlenim: Yükselen Güneş "(" izlenim "Fransızca'da izlenim "gibi geliyor) tablosunu eleştirdi.

Claude Monet, Camille Pissarro, Edgar Degas, Pierre Auguste Renoir, Frederic Bazille izlenimciliğin başlıca temsilcileridir.

Resimdeki izlenimcilik, hızlı, kendiliğinden ve serbest vuruşlarla karakterizedir. Yol gösterici ilke, hafif hava ortamının gerçekçi tasviriydi.

İzlenimciler, yakalanması zor anları tuval üzerinde yakalamaya çalıştılar. Tam o anda nesne, ışığın belirli bir geliş açısı veya yansıması nedeniyle doğal olmayan bir renkte görünüyorsa, sanatçı onu şu şekilde tasvir eder: örneğin, güneş bir havuzun yüzeyini pembeye boyarsa, o zaman sanatçı onu şu şekilde tasvir eder: pembeye boyanacak.

Empresyonizmin özellikleri

İzlenimciliğin temel özelliklerinden bahsetmişken, aşağıdakileri adlandırmak gerekir:

• kısacık bir anın anlık ve optik olarak doğru görüntüsü;
• Tüm işi açık havada yapmak - artık stüdyoda hazırlık çizimleri ve işin tamamlanması yok;

• palet üzerinde önceden karıştırmadan tuval üzerinde saf renk kullanımı;
• sadece uzaktan bakarsanız görsel olarak tek bir resme ekleyen parlak boya sıçramalarının, farklı boyutlardaki vuruşların ve süpürme derecelerinin kullanımı.

Rus izlenimciliği

Bu tarzdaki referans portre, Rus resminin başyapıtlarından biri olarak kabul edilir - Alexander Serov'un "Şeftali Kız", yine de izlenimciliğin sadece bir tutku dönemi haline geldiği. 19. yüzyılın sonlarında ve 20. yüzyılın başlarında yazılan Konstantin Korovin, Abram Arkhipov, Philip Malyavin, Igor Grabar ve diğer sanatçıların eserleri de Rus izlenimciliğine aittir.

Bu ilişki oldukça şartlıdır, çünkü Rus ve klasik Fransız izlenimciliğinin kendine has özellikleri vardır. Rus izlenimciliği, eserlerin maddiliğine, nesnelliğine daha yakındı, sanatsal anlama yöneldi, oysa yukarıda belirtildiği gibi Fransız izlenimciliği, gereksiz felsefe olmadan hayatın anlarını tasvir etmeye çalıştı.

Aslında, Rus izlenimciliği, Fransızlardan üslubun yalnızca dış tarafını, resim tekniklerini devraldı, ancak izlenimciliğin içine gömülmüş resimsel düşüncenin kendisine asla hakim olmadı.

Modern izlenimcilik, klasik Fransız izlenimciliği geleneğini sürdürüyor. XXI yüzyılın modern resminde, birçok sanatçı bu yönde çalışıyor, örneğin Laurent Parsellier, Karen Tarlton, Diana Leonard ve diğerleri.

empresyonist başyapıtlar

Sainte-Adresse'deki Teras (1867), Claude Monet

Bu tablo Monet'nin ilk şaheseri olarak adlandırılabilir. Hala erken İzlenimciliğin en popüler tablosudur. Burada da sanatçının en sevdiği tema var - çiçekler ve deniz. Tuval, güneşli bir günde bir terasta dinlenen birkaç insanı tasvir ediyor. Sandalyelerde, sırtları seyirciye dönük olarak Monet'nin akrabaları tasvir edilmiştir.

Bütün resim parlak güneş ışığıyla dolu. Kara, gökyüzü ve deniz arasındaki net sınırlar birbirinden ayrılarak, kompozisyon iki bayrak direği yardımıyla dikey olarak düzenlenir, ancak aynı zamanda kompozisyonun net bir merkezi yoktur. Bayrakların renkleri çevredeki doğa ile birleşerek renklerin çeşitliliğini ve zenginliğini vurgulamaktadır.

Moulin de la Galette'de balo (1876), Pierre Auguste Renoir

Bu resim, 19. yüzyıl Paris'inde, adı Montmartre'ın sembolü olan yakındaki değirmene karşılık gelen, açık hava dans pistine sahip bir kafe olan Moulin de la Galette'de tipik bir Pazar öğleden sonrasını tasvir ediyor. Renoir'in evi bu kafenin yanındaydı; Pazar öğleden sonra danslarına sık sık katılır ve mutlu çiftleri izlemekten zevk alırdı.

Renoir gerçek bir yetenek sergiliyor ve grup portre, natürmort ve manzara resim sanatını tek bir resimde birleştiriyor. Bu kompozisyonda ışık kullanımı ve fırça darbelerinin akışkanlığı, daha geniş bir izleyici için stili en iyi şekilde temsil eder. izlenimcilik... Bu resim, müzayedede satılan en pahalı resimlerden biri oldu.

Gece Montmartre Bulvarı (1897), Camille Pissarro

Pissarro, kırsal yaşamı konu alan resimleriyle ünlü olmasına rağmen, Paris'te 19. yüzyıldan kalma çok sayıda güzel şehir sahnesi de çizdi. Gündüz ve akşam ışık oyunları, yolların hem güneş ışığı hem de sokak lambalarının aydınlattığı şehirleri resmetmeyi severdi.

1897'de Boulevard Montmartre'da bir oda kiralayarak onu günün farklı saatlerinde betimledi ve bu eser serideki tek eserdi, gece çöktükten sonra yakalandı. Tuval, koyu mavi bir renk ve şehir ışıklarının parlak sarı lekeleriyle doludur. Tabloid döngüsünün tüm resimlerinde, kompozisyonun ana ekseni mesafeye giden yoldur.

Resim şimdi Londra'daki Ulusal Galeri'de, ancak Pissarro'nun yaşamı boyunca hiçbir yerde sergilenmedi.

İzlenimciliğin ana temsilcilerinin tarihi ve yaratıcı koşulları hakkında bir videoyu buradan izleyebilirsiniz:

İzlenimcilik- XIX'in son üçte birinin sanattaki yönü - Fransa'da ortaya çıkan ve daha sonra dünyaya yayılan, temsilcileri gerçek dünyayı hareketliliği ve değişebilirliği içinde en doğal ve tarafsız bir şekilde yakalamaya, kısacıklarını iletmek için dünyaya yayılan XX yüzyılın başlarında izlenimler. Genellikle, "izlenimcilik" terimi resimdeki bir yönü ifade eder, ancak fikirleri edebiyat ve müzikte de somutlaşmıştır.

Boyama

İzlenimcilik, 19. yüzyılın ikinci yarısında Fransa'da ortaya çıktı. Genç sanatçılar klasik resmin ötesine geçmek istediler. Bu o kadar kolay değildi: ne eleştirmenler ne de halk, "antika" üsluptaki olağan akademik resimden çok farklı olan resimleri kabul etmek istemedi.

Yeni bir yöne sahip sanatçıların resimleri resim olarak kabul edilmedi, hızlı eskizlere çok benziyorlardı.

Ancak bu, yeni yönün özüydü - anı yakalamak, hayatı olduğu gibi göstermek. İzlenimciler arsa icat etmezler, onları günlük yaşamdan alırlar: sokağa çıkan herkesin görebildiği tek şey budur.

Sanatçılar tamamen yeni boyama teknikleri kullanmaya başladılar. Şövale üzerindeki boyalar karışmamış, tuvale ayrı vuruşlarda uygulanmıştır. Bu nedenle, resmin tam bir resmini oluşturmak için, yakın değil, kısa bir mesafeden bakılmalıdır. Bu algı ile net ayrı vuruşlar sorunsuz bir şekilde birbirine birleşir ve bir resim fikri oluşur.

Geçmiş yılların ustalarının aksine, İzlenimciler atölyelerde çalışmadılar, eskizlerini orada bitirip sonuçlandırdılar. Bunlar arasında plein hava tekniği popüler hale geliyor - yani açık havada çalışmak. Sanatçılar banliyölere gittiler (Fontainebleau ormanı özellikle popülerdi), burada piknikler çizdiler veya Paris yaşamının sahnelerini tasvir ettiler: Monet ve Renoir genellikle Seine'nin setlerindeki sahneleri tasvir ettiler; Moulin de la'dan Renoir'in bir dizi tablosu Gallet de bilinmektedir.

Ancak izlenimciler her zaman insanlarla veya doğayla ilgilenmediler. Örneğin havanın hareketini veya güneş ışığının düşüşünü iletmek çok daha ilginçti. Örneğin, Monet'nin "Gare de Saint-Lazare" adlı resminde, görüntünün ana konusu istasyonun kendisi veya tren bile değil, dumanı tüten bacadan kulüplerde yükselen dumandır.

Yeni hareket, hem teknik hem de ideolojik olarak akademik resimden farklıydı. Her şeyden önce, İzlenimciler konturu terk ettiler ve onun yerine küçük, ayrı ve zıt vuruşlarla değiştirdiler. Güneş ışını bileşenlerine ayrılır: menekşe, mavi, mavi, yeşil, sarı, turuncu, kırmızı, ancak mavi bir tür mavi olduğu için sayıları altıya düşer. Yan yana yerleştirilmiş iki boya birbirini güçlendirir ve tam tersine karıştırıldıklarında yoğunluklarını kaybederler. Ek olarak, tüm renkler birincil veya birincil ve iki katına veya türevlerine ayrılır ve her iki kat boya birinciyi tamamlar:

Mavi - Turuncu

kırmızı yeşil

Sarı - Mor

Genel olarak, birçok sanatçı izlenimcilik tarzında çalıştı, ancak hareketin temeli Edouard Manet, Claude Monet, Auguste Renoir, Degas idi. Ancak Manet kendisini her zaman "bağımsız bir sanatçı" olarak adlandırdı ve asla sergilere katılmadı ve Degas'ın katılmasına rağmen eserlerini asla açık havada boyamadı.

Sanatçılar (Çok fazla, ancak çalışmaları hakkında bilgi sahibi olmak için kısaca yeterli)

Empresyonistlerin sanatında gelenek ve yeniliğin ne kadar iyi birleştiği her şeyden önce 19. yüzyılın seçkin ressamının eseriyle kanıtlanmıştır. edouard manet... Bu esnada sanatçı, sonraki çalışmalarında olduğu gibi bu eserlerde de klasik sanat tecrübesine güvenir. Çağdaş yaşamı estetik olarak kavrama çabası içinde Manet, Giorgione ve Titian'dan Velazquez ve Goya'ya kadar Rönesans ressamlarının görkemli kompozisyon şemalarını kullanır. Resimleri, bir dizi portreleri ve 1860'ların diğer eserleri, henüz tamamen üstesinden gelinmemiş geleneksel bir resim tarzında boyanmıştır, ancak burada da açık renk ve doğal ışık arzusu hissedilebilir. Daha sonra Manet'nin paleti gözle görülür şekilde daha hafif hale gelir. Saf beyaz bir zemini ilk boyayanlardan biriydi, ardından parlak güneşli renklerin zengin vuruşlarıyla “yükledi”, ardından asil pembemsi ve gri-gri tonlarının en iyi yarım tonlarıyla kapladı. Renklerin sonsuz zenginliğini ve nesnel dünyanın canlı dehşetini, özellikle natürmortta açıkça ortaya koyma armağanına sahipti - "Manet'in çağdaşlarından hiçbiri ondan daha iyi bir natürmort çizemezdi." Manet'nin yeniliği, çevreleyen gerçekliğe taze, tarafsız bir bakış atabildiği ve güzel sanatların hitap ettiği fenomen yelpazesini genişletebildiği gerçeği. Gerçekten yüksek bir sanat nesnesi yapmaktan ve yaşamın ve insan ilişkilerinin bu tür yönlerini mükemmel resimsel formlarda somutlaştırmaktan korkmadı, ondan önce sanatçılar döndü ya da onları fark etmedi.

Sanatın merkezinde Edgar Degas her zaman bir erkek vardı, empresyonistlerin neredeyse önde gelen türü olan manzara, çalışmalarında önemli bir rol oynamadı. Ingres'in büyük bir hayranı, çizime olağanüstü önem verdi. İtalya'da Mantegna'ya hayrandı, Fransız sanatçılardan Poussin ile ilgilendi ve resimlerini kopyaladı. Manet'nin etkisiyle Degas, modern yaşam sahnelerini tasvir etmeye geçti. Ana temaları bale ve at yarışı dünyasıdır, ancak nadir durumlarda bunların ötesine geçerek, şapkacıları, ütücüleri ve çamaşırcıları betimleyen Paris bohem yaşamına atıfta bulunur. Degas'ın hareket aktarımındaki yeniliği, kompozisyon becerisiyle ayrılmaz bir şekilde bağlantılıdır. Onunla, Manet'ten bile daha fazla, bir kasıtsızlık, rastgelelik, yaşam akışından ayrı bir bölümün kapma duygusu var. Bunu, beklenmedik bir asimetri ve olağandışı bakış açıları (genellikle yukarıdan veya yandan, bir açıyla), bir aynaya bakılmış gibi "canlandırıcı" alan, etkileyici çerçeveleme ve cesur çerçeve kesimleriyle başarır. Bu doğallık ve tam özgürlük hissi, sıkı çalışma, doğru hesaplama ve hassas kompozisyon yapısı ile kazanıldı.

Degas sanatına resim yapmaktan daha büyük bir antitez hayal etmek zor Auguste Renoir AV Lunacharsky'nin "mutluluğun ressamı" olarak adlandırdığı, Fransa'nın en güneşli ve yaşamı en çok onaylayan sanatçılarından biri. Renoir'in en yüksek başarıları, kadın ve çocukların imajıyla ilişkilidir. En sevdiği tip, kıvrımlı formları, kabarık dudakları, kalkık burunları ve büyüleyici düşüncesiz gözleri olan kadınlardır. Onları çıplak ve giyinik olarak, yağmurda dışarıda, bahçede salıncakta, yüzerken ya da bronzlaşmış kayıkçılarla kahvaltıda boyuyor. Modelleri, korseyi bilmeyen, çıplaklığından utanmayan, sağlıklı ve taze, halktan kızlar ve yoksul burjuva kadınlarıdır.